ESTUDIANTE: ALFREDO TORRES FAUNDEZ PROFESORA: INGRID WILDI MERINO
TALLER DE OBRA I
Durante mis años estudiando diseño y arte he explorado lo que significan los iconos, desde que nacemos todos tenemos que formar parte de este lenguaje para comunicarnos y entender mensajes. Gracias al color y la forma percibimos si algo es peligroso, si es permisivo, si se puede ingerir, etc. En los tiempos que vivimos los iconos son muy importantes, el simple gesto de tener una barra de navegador solo con iconos o saber qué es lo que significan las señales de tránsito demuestra que las imágenes de este tipo forman parte de nuestra vida diaria. Aquí nace algo interesante, alguien puede no estar familiarizado con tal icono ya sea porque no se ha involucrado con este o no ha aprendido aún a entenderlos, como en el caso de los ejemplos dados, pero puede conocer signos de ese icono que lo lleven a otro significado.
Este trabajo de obra consiste en reunir estos iconos que han sido propagados de manera mundial durante la pandemia del COVID-19, iconos que han aparecido en medios masivos de comunicación. Generar una selección la cual haga que el público se familiarice con ella. En base a estos iconos se crea una pregunta explicada más adelante. La idea es crear un juego en base al estudio de formas y color de cada icono, estos iconos son los que más aparecen durante la contingencia del COVID-19 y a través de diversos medios de comunicación, estos afectan a la percepción de los espectadores. Con la pregunta planteada ¿Qué iconos formarán parte de un Desamparo Colectivo? Da a conocer cómo una persona puede reconocer iconos aunque estén desvirtuados para generar un nuevo significado a este. Este juego consiste en elegir losetas de diversos estudios de color y forma con el que el espectador podrá ordenarlos en una grilla espacial (ubicada en el suelo) como se le antoje, dándole una chance de expresión hacia el tema de contingencia que es consecuencia del virus COVID-19. Así de la misma manera que se construye un camino hacia un destino estas losetas que va construyendo el espectador se hace para recrear su propio significado de lo que está pasando.
Icono: Símbolo que mantiene una relación de semejanza con el objeto que representa. Símbolo: Imagen, figura, etc., con que se representa un concepto moral o intelectual, por analogía o por convención. Signo: Objeto, fenómeno o acción material que, natural o convenientemente, representa y sustituye a otro objeto, fenómeno o señal. Loseta: Objeto, fenómeno o acción material que, natural o convenientemente, representa y sustituye a otro objeto, fenómeno o señal. Grilla espacial: Distribución de elementos geométricos que divide un espacio bidimensional en partes regulares. Las rejillas espaciales se usan en juegos de tablero, donde cada pieza se coloca en alguna de las celdas.
Materialidad
Señales y Percepción
Referencias Sol LeWitt
Madera
Soporte
Papel
Gráfica
Señales
Percepto
Señal
Percepción
Kraftwerk
Nicolás Orellana
Pop Metal on metal
Clet Abraham
Prototipos
Minimalismo
Keith Haring
Claridad Del Objeto
espacialidad Forma
minimalismo=visual Contenido=denuncia Memoria historia JUEGO
-Reducir a lo esencial -Dominio de formatos -Colores neutros
Abstracción: las obras operan sólo en términos de color Geometría Elemental Rectilínea Reducción y Síntesis
Robert Filliou
Si bien necesito referentes para esta obra, creo que los dividiría en Formales y Conceptuales, el primero son artistas quienes me atraen por su aspecto visual, por la pulcritud que poseen esas obras, limpias y alejadas del ruido. En el tema conceptual aparecen trabajos que me ayudan a seguir el proceso que quiero de mi obra, si bien ha estado mutando desde que se creó y lo hará mientras sigo con esto, hay indicios de un camino que se está construyendo. Donald Judd es un claro ejemplo si uno quiere hablar del minimalismo, pero mi obra está erróneamente dirigida hacia allá, me guié más por lo estético que por lo conceptual dentro de ese movimiento. Aún así he tomado eso estético, estos paralelepípedos de colores y los he ido adecuando con pinzas a los que estoy creando. Si bien requiere darle forma de patrón, también fui acercándome a lo que se podría decir arte geométrico como Yayoi Kusama y Anni Albers, aunque esta primera también ocupa el minimalismo como parte de sus obras podría decirse que ocupé el concepto de patrón en la selección de forma y encuadre de los iconos que me dedique a crear. “El diálogo con Filliou funciona como un puzle que no tiene una única solución, sino múltiples encajes y mapas conceptuales.” Texto que leí en un articulo de elpais.com que me atrae ya que sus obras entran en el término más simple, que el arte tiene miradas diferentes por cada concepto no así como el diseño, que el mensaje debe ser igual para todos. Centrándome de nuevo, Filliu utiliza la propia obra para generar más maneras de percibir qué está tratando de transmitir, así como yo lo estoy tratando de realizar. De alguna manera empiezo a entender cómo funciona una obra que haga “jugar” al espectador centrándome en una estética atractiva hacia él, una estética que haga recordar en su imaginario a un juego que quizás jugaba de pequeño, que no tenga miedo de tocar. Por último voy a nombrar artistas que me han sido de referentes antes de esta construcción de obra, y que me ayudaron a saber en qué encaminarme desde un comienzo. Con Sol LeWitt he trabajado lo formal, construyendo piezas limpias, de colores planos, con formas variadas pero entendibles en su conjunto. También me he concentrado en la paleta de colores de Keith Haring, una saturación que como artista en proceso me produce relajo, aunque en la obra que trabajo ahora se me hace un poco complicado agregarlas ya que en estos iconos el color es fundamental, tienen que ser exactamente los colores ya que el espectador genera en su imaginario lo que se quiere decir. Cuando conocí a Nicolás Orellana fui adquiriendo las ganas de trabajar con señales, partiendo de que son iconos mundiales, reconocidos por todos y gracias a esto uno puede modificarlos y transformar los significados a tu gusto. Gracias a estas dos influencias conocí a Clet Abraham, artista francés que unifica el pop (ya sea su forma y el color básico) junto a las señaléticas, generando sátiras en sus obras.
Trabajar con el imaginario de las personas me resulta una buena manera de estimular no solo al público sino también la mente propia. Ahora bien he conocido artistas a lo largo de este ramo como Luis Camnitzer el cual aún me parece duro de digerir sus obras en el contexto conceptual y perceptual, me mantiene activo para conceptualizar más los iconos que voy creando. Crear un objeto es producto de un proceso en el cual estoy trabajando este semestre, todo en su forma tendrá significado. Por su parte Mike Kelley me ha ayudado a ver como planteo vínculos y genealogías en los iconos creados produciendo así una familiarización entre estos y de cómo el espectador realiza vínculos. Es interesante como Filliou causa ese humor satírico y Santiago Sierra el políticamente incorrecto, sentir que estás jugando con fuego con el que unos pocos entendidos sabrán qué realmente significa tu obra en ese momento, lo que hay más allá de lo estético, perceptos atrapados en símbolos que se liberan en un punto exacto.
El concepto nace de la filosofía, y está claro que dentro del arte se ocupa, yo por lo menos siempre lo hice hasta ahora. Deleuze explica todo dentro de un pequeño texto “toda actividad artística va acompañada de una actividad específica de reflexión”, dicho esto propone que en el arte no necesitamos el concepto como elemento clave para que nuestras obras funcionen. El arte desde Grecia ha sido el concepto, como una idea, una manera infinita de representar algo. La idea de construir obras con perceptos es una idea que se lleva a la práctica desde muchos casos pero parece ser que nadie tenía eso claro hasta ahora. En el arte y sobre todo al estudio de Gilles Deleuze me he dado cuenta que además de ese concepto que sirve como pieza para construir tu obra se necesita la percepción que el público requiere, la conexión entre el público con la obra la entiendo como el percepto que se trabaja, esta obra trabaja con el percepto de señales y percepción. El concepto nace desde nosotros hacia la obra pero esto el público no lo entiende, necesita sentir la obra de otra manera. De esta manera lo relaciono a mi trabajo de obra, el concepto de diagrama ha estado implícito desde su proceso, como la manera de trazar un camino en donde se sitúan los referentes y las ideas que uno quiere plantear, y también en la manera de cómo se relaciona la obra a un formato de juego. Ahora bien aparece en conjunto con percepto el término afecto que yo por mi parte lo tomo como el estímulo por el que el artista desea crear una obra, un artista no hace algo porque sí y ya está, hace falta esa sensación que te dicte a trabajar y darle el tiempo que merece dicha creación. Si solo tenemos el percepto y no el afecto, no llegaríamos a nada, la obra quedaría como una simple idea flotando en el aire y perdiéndose en la cabeza del autor.
*En la imagen Gilles Deleuze, filósofo francés, considerado entre los más importantes e influyentes del siglo XX. Desde 1953 hasta su muerte, escribió numerosas obras filosóficas sobre la historia de la filosofía, la política, la literatura, el cine y la pintura.
Leyendo parte del libro Gilles Deleuze, El YO me acuerdo La inmanencia: una vida, he visto como trabaja la filosofía, ciencia y el arte, aunque el arte trabaja con las dos primeras solo ocupa sus herramientas de manera auxiliar. Aquí me surge la impresión de como el arte puede envolverse en las tres materias, hablando de la última como el propio arte. Al comenzar a estudiar esta carrera siempre asocie el arte a una filosofía, una manera de pensar representada físicamente por materiales y mentalmente por un concepto. Más tarde descubrí cómo la ciencia es utilizada dentro del arte y en varias ramas, cómo investigaciones pueden llegar a transformarse en un objeto que mantiene dentro de sí años de estudios. La ciencia tal como el arte ocupa el concepto como auxiliar, como el camino para luego concentrarse en functores y prospectos. Percibo el plano como la idea de diagrama que estamos viendo, es amoldar los conceptos/perceptos en el que uno puede formar aquel camino de la obra buscando solo lo necesario para esta, hemos hablado de desmenuzar ideas y este proceso lo hace de una manera que las ramas se siguen abriendo. El plan no es una herramienta para copiar el concepto en sí, es una herramienta que nos da una mirada más allá de este, en como tal idea puede convertirse en otra si empiezo a indagar en ellas hasta lo más que se pueda.
Deleuze en su último párrafo se pregunta qué es realmente la inmanencia, si será realmente que el ser humano pueda ser un universo infinito o está limitado por lo que percibe en el mundo exterior. Acaso nuestros conceptos son sólo un reflejo de las cosas que han aparecido delante de nuestros ojos y base a esto realizamos vínculos que luego los liberamos como dicho concepto. A mi parecer una idea puede ser común, así como cuando a alguien se le ocurre algo y luego lo busca por internet y muchas personas ya lo han realizado, quizás la idea brillante es a quien se le ocurre primero. Una unión de cosas comunes que a cualquiera se le podría ocurrir, pero si bien el artista lo que hace de manera coloquial es una forma de encriptar una idea, sin embargo la idea de encriptar también es un concepto a parte ya que diferentes personas pueden encriptar algo de la forma que ellos sienten que es mejor acompañándolos frente a un contexto. Pero al final Deleuze dice que la inmanencia es una vida y nada más, quizás pueda referirse a que aunque exista una “unión” entre varias personas, solo a una persona por sí sola se le ocurre dicha idea, lo demás quizás signifique mera coincidencia.
MADE IN TUNNEL OF POLITICS Obra de Thomas Hirschhorn, artista suizo invitado por Ingrid Wildi Merino para Dislocación. Hay que partir por lo que es esta escultura, una Ford Ranger (de la cual no aparece modelo) como parte de una obra con el simple gesto de cortarse a la mitad, desencajarla y volverla a unir con cinta de embalaje, me deja atónito dentro de unos minutos (a lo que hemos avanzando junto al arte contemporáneo y conceptual). Ubicado en la Galería Metropolitana, el artista crea una pieza la cual le hace una pregunta a la galería en sí. Si un taller mecánico pudo convertirse en una galería, ¿por qué el automóvil no puede transformarse en una obra? Pues Hirschhorn lo hace de una manera interesante. Primero con la pregunta anterior mencionada y segundo con el concepto dado por Wildi Merino. Es difícil comprender a su totalidad la obra, siendo tan simple formalmente presenta un sin fin de códigos, empezando por la cinta que une las dos partes que puede contarse como un país parchado, un país que ha sido cambiado para mal y para bien un sin fin de veces, una especie de maestro chasquilla en el globo terráqueo. En la camioneta existen las cabinas de pasajeros y de transporte, esto se transforma radicalmente en una casa como cualquier otra, una casa humilde la cual tiende a explotarse por los trabajos mal pagados. Una casa donde el trabajo pesa, la gente solo va a dormir, pasa poco tiempo con su familia, una vez más una configuración parchada del vivir chileno, y más allá de esto también del mundo, o es que acaso el mundo no ha vivido épocas que han sido parcheadas unas tras otras. Hirschhorn se apoya en la precariedad de sus materiales, refleja en ellos un mestizaje entre lo económico y lo político. Muestra cómo de manera ordinaria se puede elegir cualquier tipo de vehículo, de camioneta, de marca para cortarla. ¿Es así? En el catálogo el curador Justo Pastor Mellado describe que la camioneta posee dos grandes significados dentro del apellido de esta. El primero es que Ranger, se le denominaba a infantes de guerra los cuales “limpiaban” las zonas vietnamitas. El segundo se centra dentro de militares que diezmaron la columna del Che Guevara en Bolivia. Estos significados de Ranger están dentro de la misma época. Ahora en el último párrafo se nos explica como el nombre de Ford se transforma no en la marca de vehículos estadounidense sino que a una fundación caritativa de este mismo nombre. Por último, me pongo a pensar sobre el color de la camioneta ya que no se ve siendo analizada en el catálogo. Un color primario que a través de esta obra puede tener diversos significados. Como bien puede significar este odio hacia la guerra, esta sangre que se derrama en un mundo dispar, lleno de guerras sin justificación a su vez puede ser el amor de una familia, un hogar que a pesar de estar parchado, de tener problemas, este sentimiento es el cimiento para que una familia no se disuelva.
Dentro de todos los artistas que se presentaron en la exposición de Estéticas Decoloniales, elegí a Nadin Ospina, Manuel Barón y Zvonka T. Simcic los cuales tienen similitud a lo que estoy trabajando, ¿a qué? A los iconos en los cuales ellos trabajan, una manera de percibir a través de señales que iré mostrando más adelante (dichas obras están mostradas en la siguiente página con sus especificaciones técnicas). En el caso de Ídolo con muñeca y cincel, obra que me parece una gran ironía a lo que se puede llamar como colonial. Como este ícono estadounidense llamado Mickey Mouse pasa a ser parte de una cultura precolombina, transformándose en una estatuilla. Como podemos de una manera de tanto humor generar algo que de algún modo parece totalmente macabro, vemos a Mickey Mouse con la cabeza de una muñeca, que parece ser en realidad la de un aborigen. Si nuestras culturas hubieran sido un poco más destruidas y mutiladas, quizás que hubiera sido de nuestras tradiciones, de lo que somos realmente. Instaurados por culturas ajenas, eliminando de nuestras mentes y parchando así nuestra memoria. Dentro de la segunda obra llamada Cacique Turmequé de Manuel Barón se muestra el icono como objeto de identidad, de cómo nosotros como pertenecientes a una localidad, a una nación podemos apropiarnos de lo nuestro sin que sea externalizado, formalmente me parece bastante simple, colores primarios que dejan una mayor pregnancia al espectador. Ahora bien, la obra de Zvonka T. Simcic ocupa el icono para representar lo femenino como sostenedor de lo que podemos llamar universo. Broken H-H-Hea-Egg es una metáfora que consiste en decir que la vida nace de la mujer, utilizando la yema del huevo como el inicio de la creación y el cuerpo de la mujer como el espacio donde va creciendo esta. Iconos que se vuelven códigos en los cuales el espectador tiene que pensar más de una vez dentro de su imaginario para deducir lo que significa la obra. En mi trabajo de obra aparecen distintas referencias culturales, referencias icónicas que puede descifrar el espectador. Gracias a estas obras encontradas puedo ver como los choques de cultura generan un impacto visual. Interesante cómo se genera ese humor que te hace reír de cosas terribles, de cosas que son ciertas pero que al fin y al cabo uno las toma como lo cotidiano. También así estos iconos ya son parte de nuestro imaginario, basta ver algunas figuras geométricas agrupadas y ya tenemos el logo del gobierno, el logo de cencosud, el metro, etc. Así también como puedo generar gracias a los colores distintas percepciones, que le permiten al público elegir la que más le agrade y/o desagrade para poner en el panel.
Arte Precario, cuando hablamos de esto nos puede llevar a lo que es el Arte Povera, el cual Cecilia Vicuña trabajaba incluso desde antes pero de distinta manera. Asimismo con el Land Art, ella habla de como le interesa los contrastes con sus obras, de cómo el Arte Povera se comercializa, se integra al sistema comercial y sus obras no, así también de cómo el Arte Precario es una versión más rebelde que el Land Art el cual ya está alterando la tierra donde se trabaja, tierra que ya está comprada por los artistas. El Arte Precario reúne lo vivo y lo muerto en un solo ser, sin generar cambios que afecten al ecosistema. Recuerdo cuando yo era un niño y visitaba los balnearios que hay en el sur de Chile, trataba de crear pequeños caminos de arena por sobre el agua pero siempre fallaba, años más tarde descubrí el Land Art, creía que mis ideas eran únicas, pero como pasó con la artista, las ideas van naciendo colectivamente en distintos lugares del planeta y casi al mismo tiempo.
*Precarios o también llamados Basuritas por la artista.
Quiero hablar en preciso de esta artista de cómo genera a través de su poesía palabras del inglés y español que va articulando y generando nuevas frases las cuales forman un híbrido que podría ser entendido por personas que hablan uno de los dos idiomas recién nombrados. Siempre relacionando con mi trabajo de obra, es ya un reto crear una imagen (que a su vez es un lenguaje de comunicación) que sea aceptada universalmente, esta artista ocupa la etimología para hacerlo con las palabras ya que ambas lenguas vienen de la familia nostrática, osea que tienen un origen en común. Una obra que me llamó la atención es su libro PALABRARmas, que aunque no he podido leerlo en su totalidad he podido aprender un poco más de estos juegos de palabras que crea la autora, lo que hace es revelar asociaciones de las palabras para generar metáforas dentro de estas. Hasta el mismo nombre de la obra se utiliza etimológicamente (palabra, labrar, armas y más). Puedo interpretar así como los iconos que yo transformo caen en conceptos que el espectador le dará en el juego que se crea para la obra, iconos que poseen un vínculo común.
*Portada del libro PALABRARMAS, de Cecilia Vicuña
En la entrevista hacia Achille Mbembe se habla que lo poscolonial es un pensamiento que se va construyendo y desarrollando a la vez, que lo que hace es criticar los efectos y consecuencias de lo colonial. Ahora bien, esta crítica tiene diferencias con el pensamiento decolonial el cual hemos aprendido con la profesora Ingrid Wildi Merino durante el año anterior y este. Ya por decir que en un principio la crítica poscolonial comienza del siglo XIX hacia lo colonial, cuando los británicos colonizaron la India. En lo decolonial lo colonial comienza en 1492 cuando Colón llega a las Américas (nombre colonial). La modernidad en base a lo colonial nace sin plantearse de una manera radical, no se puede despegar de la colonialidad pero en la poscolonial, separa a la modernidad de lo colonial en base la colonización de África y la transforma en una manera diferente de ver el mundo, la idea de los poscolonial como menciona Mbembe es que la humanidad se desligue de lo inhumano, la violencia genera más violencia, el violentado no tiene que violentar, se trata de generar una política individual y comunitaria la cual no requiere de venganza sobre el cuerpo. Se puede pensar aquí que el hecho de ser colonizado y luego violentar contra el colonizador no te vuelve mejor que el, te vuelve igual a él ya que se está generando la misma violencia como consecuencia a la violencia generada desde el colonizador. En lo poscolonial se toma la vida sobretodo ya que esta se ha ido volviendo desechable, aquí es donde aparece la necropolítica la cual no toma en cuenta el capital humano sino que ocupa la muerte y las guerras como manera de manejar la economía y política, la necropolítica consiste en que los estados colonizadores deciden quien vive y quien no. Si bien hemos trabajado con un pensamiento decolonial, creo yo, desde lo que me he instruido, que ambos pensamientos le hacen un frente a este dominio epistemológico que hace lo colonial en determinado sector, zonas, países. Es interesante cómo uno puede caer en el concepto de latinoaméricocentrista, ya que uno puede opinar que lo poscolonial no es valido o solo es válido si tiene una base decolonial, ya que más o menos son los 300 años de diferencia entre ambas críticas, la colonialidad no sólo afecta a latinoamérica como podemos ver. En india la colonialidad llegó de otra manera y es altamente válido que se genere una crítica a esa colonialidad, desde ese punto, desde esa región. El colonialismo aparece en todos lados, no es algo que se mantenga estático, se puede tomar como analogía a un virus, que se propaga así como la idea de lo colonial. Un ejemplo clásico es el por qué trabajamos la mayor parte del tiempo de nuestros días, desde la llegada de Colón hacían trabajar a los pueblos originarios sin descanso y más adelante este mismo pensamiento se vió afectado en África. Ahora bien, lo poscolonial no puede hacer ojos ciegos a lo decolonial y viceversa. Si creyéramos que solo existe una crítica frente a lo colonial nos estamos transformando en una crítica camuflada
*En imagen se aprecia el texto “Hambre”, sencillo y potente mensaje proyectado en un costado de la torre aledaña a Plaza Italia, Chile. Este muestra de una manera artística la necropolítica que está despertando en el país como consecuencia de la propagación del virus COVID-19.
“Por qué los blancos son tan materialistas” frase de Karamakate a Evans. Palabra que me hace pensar, ¿es que todos somos materialistas de alguna forma? Muchas dudas me surgen en esta pelicula, dudas que se convierten en respuestas obvias. Nuestras doctrinas hacen que veamos como extrañas otras culturas, esta película recorre esa idea y de cómo el colonizador va tras el colonizado en distintas ocasiones. Esta película se centra en dos espacios de tiempo del personaje de Karamakate, podemos ver su vida de joven donde tiene que ayudar al etnólogo alemán Theodor Koch-Grünberg y de viejo donde ayuda al biólogo estadounidense Richard Evans Schultes. El detalle clave es convertir toda la película a una escala de grises como los registros fotográficos de aquella época, esta película está ambientada entre los años 1909 y 1940. Una época donde existía la Fiebre del Caucho y el extractivismo de materias primas, en este caso el látex del árbol Seringueira y donde las tribus amazónicas sufrieron crueles torturas por parte de los extractores de caucho. En primeras me recordó a “El Topo” de Alejandro Jodorowsky, película que cuenta una historia en donde los únicos personajes en estos planos son los principales, solo aparecen más individuos cuando ocurre algo que cambia el giro de la trama. A su vez me parecen irreales algunas escenas, por ejemplo, cuando el hombre brasileño se cree el mesías y adopta a los aborígenes como sus apóstoles generando una especie de secta religiosa que al final se convierte en canibalismo. Puedo ver como repetidamente existe la crítica de la religion catolica hacia pueblos originarios los cuales les quitaban hasta su propia lengua refiriéndose a ella como “el lenguaje del demonio” creando así una muestra de que la cultura cristiana era superior a la de los aborígenes, adoctrinándolos desde cero. O también donde Karamakate recorre un pueblo sin tener miedo de ser asesinado para llegar al árbol sagrado, árbol el cual Evans quería para fines comerciales para su país. Karamakate actúa como el ser que trata de confiar en el hombre blanco, aprendiendo de él más de lo que el hombre blanco aprende de Karamakate. La historia nos pone en un viaje donde vamos aprendiendo cómo podemos aprender de una cultura ajena y deshacernos de nuestros malos hábitos. El ser materialista se toca muchas veces en esta película, de como recuerdos pueden ser conservados en la memoria y no en objetos, se puede decir que el conocimiento blanco solo produce violencia, y muerte. Esta es la modernidad que ha estado invadiendo a latinoamérica desde la conquista de Colón.
*Karamakate joven interpretado por Nilbio Torres.
*Theodor Koch-Grünberg (Jan Bijvoet) posando junto a personas residentes de la zona.
*Karamakate (Antonio Bolíva) viejo junto a Richard Evans Schultes (Brionne Davis).
En esta exposición llamada “Dibujando el pensamiento” los artistas proponen otra manera de crear una nueva realidad y a estas le dan nuevos significados. El artista se cuestiona la lógica cartográfica y explora nuevos territorios más allá de lo geográfico, este tiene libertad en representar lo que él quiere y ocultar lo que no, la cartografía se vuelve un instrumento subjetivo. Si pensamos esto detenidamente, en todos los mapas podemos ver subjetividad ya que existe una intención definida por el creador del mapa. En esta exposición se nos muestra cómo los artistas cambian estas maneras de ver el mundo según sus perspectivas, utilizan estas representaciones para poner en la mesa relaciones sociopolíticas del mundo. Lo interesante es que los artistas buscan representar lo intangible, un concepto podría ser un ejemplo o una idea a flote. Aquí es donde aparece esa unión entre un diagrama y un mapa, ambos pueden ser el uno y el otro. Ambos pueden ser generadores de obras o estos mismos se convierten en una, se utiliza el modelo como modelo. Recuerdo que un día con la familia visitamos una tienda donde encontramos un cojín con el dibujo del mapamundi, este cojín mostraba a Europa de un tamaño más grande que el de los demás continentes, mi tío me dijo en ese momento: "Mira lo que genera el eurocentrismo". Al ver este video que nos muestra el lenguaje de la cartografía se puede entender como en gestos tan pequeños se puede generar lenguaje visual, lenguajes que nos adoctrinan de alguna manera. De una manera clara como dije anteriormente el cojín es eurocentrista y colonial, dejando así en claro que Europa está por sobre los demás continentes. Esta lógica cartografía también genera pensamientos subjetivos por cada persona que logra ver el mapa, cómo ve la realidad en la que vive cada uno. Esto me hace recordar los diversos mapas invertidos que existen como pensamiento crítico, ya que no existe razón para dejar el mapa tal como está, no existe un “arriba” o un norte establecido por lo que estas direcciones son arbitrarias pensadas por los creadores de estos mapas.
*Mapa invertido, utilizado para el pensamiento de dudar de las afirmaciones que en la vida cotidiana suelen aceptarse como verdaderas.
*El Eurocentrismo en la historia.
*Una nueva realidad de representación cartográfica ilustrada por Quino en su cómic Mafalda.
El modo visual de atraer con información que no es visual, los diagramas han aparecido desde hace mucho tiempo atrás y como podemos ver en esta exposición se dibuja el diagrama de Alfred Barr. Aquí es donde se nos muestra que el arte vive de arte, los artistas van sucediendo a los artistas anteriores, existe la reflexión del camino de la flecha la cual el arte siempre se verá influenciado para futuros artistas. Alfred Barr en su libro “Cubismo y Arte Abstracto” nos plantea en su diagrama las diferencias y caminos que posee estos dos tipos de arte, en un diagrama no se separa el texto de la imagen por lo que se transforma en un híbrido entre la literatura y lo figurativo. Se habla de cómo Barr analiza distintas épocas y hace asimilaciones creando una genealogía entre obras, la exposición es en su totalidad analítica. Manuel Fontán del Junco y Eugenio Carmona explican que el fin de esta exposición es explicar lo que significa exponer, de cómo por ejemplo, se puede llevar a cabo el proceso de una curatoría en una idea tautológica. También se habla de cómo funciona la exposición y qué impacto tiene sobre el público visitante, cómo este debe entender el recorrido y su curatoría. Se necesitan distintos recorridos para entender la obra así como lo hace un diagrama al mirarlo en distintas ocasiones, siempre todo vinculado pero en distintos órdenes, no tiene orden y se puede recorrer de distintas maneras y golpes de perspectiva. Es interesante ver como se puede transformar un diagrama en un formato tridimensional que puede ser visitado, casi como si este propio se transformara en una herramienta cartográfica generando un terreno físico y tangible.
*Libro de Alfred Barr, “Cubismo y Arte Abstracto”.
De esta manera como bien hago lo relaciono a mi trabajo de obra, el concepto de diagrama ha estado implícito desde su proceso como tal, e implícito en la manera de obra como juego. Los iconos que se van creando tienen un vínculo con los demás, lo cual va creando un mapa relacional que va generando las consecuencias de este desamparo colectivo presente en el trabajo, eso es lo increible de Barr quien estudia obras que a simple vista las personas no relacionarían pero que tienen un lazo que los une de alguna forma. También el público al jugar el juego genera su propio diagrama (claro, frente a reglas dichas por el autor) el cual va cambiando constantemente los códigos de los iconos y las formas que se crean dentro de la grilla espacial. *Portada de la exhibición.
Artista y sanadora suiza (1892 - 1963), que sanaba a la gente con hierbas y un polvo de roca llamado por ella Aion A (el cual significaba en griego ilimitado, ya que se podía utilizar para varias utilidades curativas). Comenzó a crear dibujos geométricos y simétricos en los cuales planeaba transmitir sus conocimientos de las energías, usaba un péndulo como herramienta y con este dibujaba imágenes de su imaginación. Se denomina geometría sagrada al trabajo de esta artista ya que existe un centro energético y armonía. Según los sanadores espirituales las bases del universo son las matemáticas y la geometría, y al trabajar con esto se curan nuestros cuerpos y almas ya que las formas geométricas están relacionadas con las energías electromagnéticas. Aquí es donde vemos el vínculo entre ciencias y arte, más tarde estudiado por teóricos de dichos campos. La artista afirmaba que cualquiera podía sanar con estas técnicas, pero las consecuencias de la industrialización y el materialismo hace que las personas se debiliten en estos aspectos ya que han perdido el contacto con la madre tierra. También a esto se dice que podía adivinar acontecimientos del futuro y lo lograba a través de sus dibujos y con la mismas herramientas que utilizaba para transmitir conocimiento, de esta forma lo canalizaba fuera de su mente. A través de estos dibujos trataba de comprender los mecanismos de la naturaleza. Estos dibujos no están fechados ni nombrados ya que Kunz no consideraba relevante lo dibujado sino el mensaje que transmite este, por lo que aún no se ha podido descifrar cuántos dibujos hizo en su vida.
*Emma Kunz trabajando en su taller.
Me parece interesante como estos dibujos han aparecido en la cultura popular, en internet se puede divisar un montón de dibujos geométricos que se ven fuertemente inspirados por esta artista. Ciertamente muchos deben desconocer de dónde viene este tipo de dibujo y se deben sentir atraídos por su estética la cual consistía en sanar y enseñar, quizás sea una coincidencia pero Kunz predecía que en el siglo XIX sus dibujos serían reconocidos mundialmente. Quizás todos estos dibujos que las personas van creando día a día sean una consecuencia de esto aunque no tengan la misma finalidad curativa, pero tal vez con un estímulo energético. *Uno de los cientos de trabajos de Emma Kunz.
Tránsito es una obra de la temprana fase de Carlos Altamirano, la que nos lleva a mirar el espacio público como forma de arte. Como muestra el escrito, esta obra es una vuelta de tuerca a la idea de llevar el arte hacia la calle sino de llevar esta misma a un museo, ¿que es lo que se forma entonces? Aquí podemos ver una referencia a Duchamp y sus objetos encontrados, de cómo Altamirano estudió esta situación de personas cruzando la calle para crear una mirada reflexiva. En época de dictadura, se censuraba el cuerpo de distintas maneras y muchos artistas toman esta base para crear obras y podemos verla reflejada en Tránsito. La obra está creada a partir de latón brillante y pintura en donde podemos ver algunas siluetas de un grupo de personas caminando con partes fragmentadas de lo que podría ser un paso de cebra, ya con esto podríamos hablar de cómo se nos van imponiendo reglas de tráfico dentro de un espacio definido para otro fin y de cómo nos vemos reflejados frente a este problema a través del metal luminoso.
*Entrada de la exposición El Bien Común.
Esta obra mostrada en la exposición El bien común (2018 - 2019) se encuentra ubicada en la zona Espacio Público, posee un vínculo a las señales de tránsito y de cómo estas se pueden contextualizar, de mostrar algo más que solo lo que es. Esto se puede mostrar en los iconos transformados para el juego creado a partir de mi proceso de obra. Con Welcome to Chile de Carlos Montes de Oca que se encuentra ubicada en la zona Territorio me pasa que automáticamente pienso en la obra Una y tres sillas de Joseph Kosuth porque claramente se asemeja en la manera de representar algo en base a la escritura. Pero Montes de Oca no solo se queda en la descripción enciclopédica sino que la lleva a la interpretación de diversos autores que alguna vez escribieron de dicho territorio. La materialidad me causa bastante interés, ya que es la clásica cédula de letras de plástico color blanca y fieltro negro de fondo, estas aparecen en cada sector del país desde galerías comerciales hasta terminales de buses y según el texto estas también se utilizaban como cédulas para fotografías antiguas que me parece haber visto cuando pequeño en comisarías de la ciudad de Angol. Gracias a este tipo de soporte podemos también reconocer la identidad propia del país en el que vivimos. Ya habiendo explicado esta obra, se presenta esta gran similitud a mi trabajo de obra el cual es representar algo pero no de manera literal ni abstracta sino mediante un vínculo conceptual. Puedo ver como los iconos creados a través de distintos estudios de color y transformaciones geométricas pueden representar para cada persona un objeto, un territorio e incluso una idea.
*Obra Transito de Carlos Altamirano.
*Obra Welcome to Chile de Carlos Montes de Oca.
Espacio Riesco
Espacio Riesco, arrendado por el gobierno para ser centro de tratamiento para el COVID-19, creando especulaciones por parte de la gente, ya que se cree que este recinto pertenece a algún familiar del presidente Sebastián Piñera.
Se decide por dejar el isotipo, con sus colores originales.
Iglesia y Religión
Se toma el icono de la cruz ya que se refiere a la forma del crucifijo de la tradición cristiana para así reflejar a la iglesia.
Las iglesias han tenido que ingeniárselas en estos momentos pero aun así han tenido críticas, aún existen casos de quiebres de higiene donde no se respetan los protocolos a base de esta pandemia. Noticias como "Iglesias evangélicas denuncian al Estado, exigen realizar cultos y convocan a manifestaciones en medio de la pandemia" provocan el descontento de algunos y la alegría de otros.
Constitución Política de la República Se ha afirmado que la nueva Constitución se redactará sobre una hoja en blanco. Y muchos esperan que allí se escriban nuevos derechos de acceso a salud, educación y protección social.
Se utiliza el escudo simplificado como icono. Se dejan los colores originales, se representa así la constitución política de la república de Chile.
Derecha Política en Chile Múltiples noticias sobres el partido de derecha han ocasionado revuelo entre las personas, desde opiniones apoyando al presidente Sebastián Piñera que generan opiniones mixtas en el país hasta ser rostros de televisión dictando una verdad que solo es real para algunos.
Se usa el logotipo actual de la UDI el cual de fondo ocupa el color amarillo de su franja.
Tarjeta bip!
Se mantiene el logo de Bip!, empresa de transportes congestionada por la contingencia del COVID-19.
Seguro de Cesantia La Administradora de Fondos de Cesantía ha dado que hablar todo este tiempo, ya que la mayoría de los trabajadores han tenido que recurrir a la Ley de Protección del Empleo lo que genera que su sueldo sea a base de su seguro de cesantía dejando así a la mayor parte de las personas sin dinero para cuando queden sin trabajo.
Se toma sus iniciales y su imagen de los tres circulos para darle contexto al icono.
Central Unitaria de Trabajadores
Se mantiene el logo de CUT el cual tiene una variación en su fondo el cual es el color del ”Chile” en el logo original.
La Central Unitaria de Trabajadores busca los medios necesarios para que los trabajadores del país no sean despedidos y reciban sus sueldos.
Medios de Comunicación
Gracias a estos medios la mayor parte del país se informa, a lo que en contraparte la información de internet desmiente algunas noticias y se generan debates sobre lo que en verdad está pasando.
Se invierten los colores del logotipo con el fondo para darle una espacialidad.
Colusión de Farmacias Se utiliza la cruz de la farmacia Cruz Verde ya que se adapta mejor a la homogenización del conjunto de los iconos en total.
En el momento del caos la mayoría de farmacias fueron quedando sin stock de productos lo que generó un alta demanda de estos, también se implementaron medidas de consumo para que las personas no compren todo y luego revendan. Las farmacias también optaron por el delivery para entregar a gente que no puede salir durante esta cuarentena.
Nuevo Orden Mundial
Se toma el clásico isotipo del Nuevo Orden Mundial y se toma la cromática reconfigurada. https://unnwo.org/ Teorías y especulaciones sobre si esta pandemia se ha construido en laboratorios para así generar un Nuevo Orden Mundial de países desarrollados.
Supermercados
Se toma el icono de Wallmart el cual ha sido impregnado implĂcitamente en supermercados Lider que son de su propiedad, transformando de a poco el imaginario de las personas. Se toman los supermercados a base de su presente prioridad en el mundo y en chile a base del virus.
Comercios y Malls
Se ocupa el tĂpico icono que tiene Cencosud para todas sus tiendas que tiende a parecerse formalmente al de Costanera Center, ambas empresas del mismo propietario Horst Paulmann. El retail se ha visto afectado notablemente con la contingencia, desde hacer trabajar a sus trabajadores sin los medios de higiene adecuado hasta el no pago y despido de funcionarios.
AFP Se toma el texto "AFP" de todas las administradoras de fondos de pensiones de Chile, produciendo una homogenización entre estas ocupando el azul como cromática común. Hasta el momento siguen existiendo problemas con retirar las pensiones.
ISAPRES Situaciones como la de que las ISAPRES cobren hasta $3,6 millones por hospitalización de COVID-19 afecta considerablemente a las familias del país.
Se utiliza el signo de cruz utilizado en casi todas las imágenes de marca de las ISAPRES pero se recalca la de Vida Tres por su limpieza y pregnancia.
Comida rápida
La comida rápida ha sido bastante controversial en los últimos tiempos ya que las personas al no salir de casa piden a través de delivery sus ordenes saturando así estos establecimientos lo que a su vez beneficia a pequeñas empresas que pueden vender sus productos de este mismo modo.
Se toma el isotipo de McDonald's por ser el más pregnante a la hora de preguntar a alguien por comida rápida.
Bancos A la hora de pensar en bancos chilenos se nos viene a la cabeza el isotipo de BancoEstado por lo que se toma ese y se ajusta a un modo rectangular.
Distintas situaciones han afectado a los bancos, desde perdidas en ganancias por parte de ellos o la cantidad de creditos que la gente ha pedido en consecuencia a los despidos masivos y reducción de sueldos.
Fuerzas Armadas Por arriba de todas las demás Fuerzas de orden, la participación icónica de Carabineros de Chile ha tomado opiniones tanto positivas y negativas por parte de la población chilena.
Se modifica el isotipo de Carabineros de Chile.
Movimientos Facistas El auge y retorno de movimientos de extrema derecha se ha visto más explícitamente desde la contingencia del 18-O y desde entonces hasta ahora se ha hecho presente culpando a inmigrantes y gente de baja clase social por la llegada del Covid-19.
La Araña del Frente Nacionalista Patria y Libertad. Según Manuel Fuentes Wendling, un importante dirigente, el símbolo fue creado con el objetivo de ser asociado con la esvástica nazi.
Aduanas
Aduanas de Chile se ha encargado del control fronterizo durante la pandemia desde ingreso de productos hasta personas que porten el virus.
Se toma la estrella y circulo de su isologo, se modifica en forma rectangular.
Metro de Santiago Metro de Santiago se ha visto afectado en contagios como tambiĂŠn en horarios de uso, la gente se ve afectada por no llegar a sus trabajos por la congestiĂłn.
Se utiliza el isotipo de Metro de Santiago adecuĂĄndola a un formato rectangular.
Gobierno de Chile Múltiples opiniones a cerca de que si el Gobierno de Chile está haciendo bien o no su trabajo para reducir decesos durante la pandemia del COVID-19.
Se ocupa la cromática del isologo de Gobierno de Chile transformándolo en un icono reconocible.
Tribunales
La ampliación de juicios ha aumentado debido al incumplimiento de las personas por salir sin autorización en zonas de cuarentena como también casos de negligencia policiaca.
Se crea un icono minimalista a partir del Palacio de los Tribunales de Justicia de Santiago.
Telecomunicaciones
Debido al teletrabajo y clases online las compañías de internet han tomado alto protagonismo en los hogares de las familias chilenas.
Se toma el imagotipo de VTR ya que esta empresa ha sido la que más ha dado que hablar en estos tiempos con críticas más negativas que positivas debido a sus caídas en el sistema.
Compañías de Electricidad Se toma a CGE por su mejor capacidad de adaptarse a un icono rectangular.
Las empresas Enel Distribución y CGE activaron sus respectivos planes preventivos por el pronóstico de lluvia, estas también han sido criticadas por no más consiente en un principio al hecho de que las personas gastarían más luz en sus casas debido a la cuarentena.
Cajas de compensación Se toma el imagotipo de Caja Los Andes debido a su "C" incluida que lleva a relacionarlo con una Caja de Compensación en frente a los demás isologos de otras cajas, se adecúa al formato rectangular.
Las Cajas de Compensación son personas jurídicas de derecho privado, cumplen funciones de seguridad social y se hallan sometidas al control y vigilancia del Estado, cuya principal función es la administración del Subsidio Familiar.
Opiniones diversas van desde busca de ayuda de Las Cajas de Compensación a las personas con afiliados acogidos a la Ley de Protección del Empleo hasta largas filas de personas en busca de beneficios.
Codelco
Se toma el imagotipo característico de la empresa y se adecúa a formato rectangular.
Trabajadores de Codelco amenazan con aplicar cuarentena o paralizar áreas en minas por pandemia, empresa del cobre sigue en funcionamiento a pesar de tener focos de COVID-19.
La Corporación Nacional del Cobre de Chile más conocida como Codelco es una empresa estatal chilena dedicada a la explotación minera cuprífera, rubro en el que es la mayor compañía del planeta.
Clínicas de Chile Se toma la cruz de el imagotipo de Clinicas de Chile adecuándola a un formato rectangular.
Noticias como "Clínicas de Chile preocupadas por muertes no relacionadas a Covid-19" ponen en duda a cualquiera.
Organización Mundial de la Salud
La Organización Mundial de la Salud es el organismo de la Organización de las Naciones Unidas especializado en gestionar políticas de prevención, promoción e intervención a nivel mundial en la salud.
Desde un comienzo la OMS ha tratado de dar opciones e información para erradicar el virus, existen distintas opiniones desde que se trata de hacer lo posible para salir de esta situación hasta que la OMS oculta información a la población.
Se toma el imagotipo de la OMS y se minimaliza hasta ser reconocible por el espectador.
Aguas
¿Qué ocurre en Chile, sequía o escasez hídrica? Tema controversial desde que las grandes empresas secan el país o por culpa del 18-O estas empresas no han podido actuar al 100%. Se ocupa la imagen del imagotipo de Aguas Andinas la cual es un icono que representa el total de las empresas de agua en Chile.
Noticias como "Aguas Andinas y Techo firman acuerdo de colaboración para llevar agua a campamentos de la Región Metropolitana" pueden calmar el enojo de algunos pero a veces son solo palabras y no se lleva a nada concreto.
Aerolineas
Se ocupa la imagen del imagotipo de LATAM y se reconfigura para un formato rectangular. Las empresas de aerolíneas se ven perjudicadas en sus ingresos por culpa del virus COVID-19, empresas como LATAM piden al estado ayuda para no caer en quiebra, esto descontenta a la población ya que LATAM es un privado y en su periodo de actividad producían una inflación en precios y recargos.
Se utiliza un diagrama para generar vínculos entre los iconos, lo que genera una colectividad dentro del ámbito local y como estas instituciones se relacionan unas entre otras a base de la contingencia del COVID-19. Los iconos que se van creando tienen un vínculo con los demás, lo cual va formando un mapa relacional que va generando las consecuencias presentes en el trabajo, eso es lo que puedo rescatar del historiador de arte estadounidense Alfred Barr quien estudia obras que a simple vista las personas no relacionarían pero que tienen un lazo que los une de alguna forma.
DESAMPARO COLECTIVO Estado de catástrofe COVID-19
Se finaliza con treinta iconos (se ha ocupado este número como guiño a los treinta años que originaron la contingencia del 18-O) organizados en seis filas y cinco columnas para un mayor orden lo que iría generando una grilla espacial. Se ocupa el formato de salvoconducto de Carabineros de Chile como referencia para crear la grilla espacial que a su vez sirve para colocarle nombre al conjunto de iconos, ya que se cambia del nombre original “Salvoconducto Colectivo” a “Desamparo Colectivo” debido a que esta selección proporciona información a la situación actual en la que está pasando el país.
Prototipo 1 En el primer caso fue utilizado un sistema de juego más convencional, una especie de juego infantil en el cual las personas iban moviendo las figuras para así formar el orden que ellos quisieran, debido a la limitación del los órdenes y el tamaño (que no superaría los 40 cm) se optó por el segundo prototipo que viene a continuación.
Existía un plan para crear un método de rotación.
Prototipo 2 / Definitivo
Instructivo: Selecciona las losetas que quieras para adherirlas a la planilla, para completarla se te hace una simple pregunta. ¿Cuales losetas crees tú que formarían parte del nombre de la obra llamada Desamparo Colectivo? *Puedes llenar la planilla o dejarle espacios. *Puedes organizar las losetas como tú quieras. *Puedes quitar losetas que ya estén puestas y colocar otras. *Recuerda dejar las losetas que no ocuparás en el mesón.
El público seleccionara como dice el instructivo las losetas las cuales serán de un material duro (cartón) el cual tendrá velcro adherido.
Los estudios de Paul Klee dicen que el orden de los colores puede crear equilibrios y des-balances dentro de una composición, por lo que el orden de cada una de las composiciones que cree el espectador se vera reflejada en sus necesidades y/o comportamientos psicológicos.
Gracias a la grilla se forma una especie de mosaico que puede derivar en distintas formas.
NO existe clasificación correcta. NO existe clasificación incorrecta. El artista ya domina parte del juego ya que el lo creó, tienes que jugar siendo consciente con esto. Solo la persona que está colocando las losetas sabe la verdadera intención de estas al elegirlas, cada orden es único y no se adjudica a una clasificación de grupos. La obra no tiene como fin clasificar ni hacer estadísticas. Si queremos darle una finalidad a la obra esta sería el poder darle un chance a cada persona que se atreve a ordenar estas losetas a su gusto en torno a la pregunta que se le plantea, aunque sea efímero.
CONFIANZA / MENTIRA
CERCANIA / DIVERTIDO
COLORES Y SENTIDOS INVERSOS EN AGRADABLE Y AMABILIDAD
MALDAD / INSENSIBILIZAD
INSEGURO
/ ANTIPÁTICO
TRANSFORMACIÓN GEOMÉTRICA EN EGOÍSMO Y ODIO
Se realizan estudios de color a base de la selección de los treinta iconos para generar una variedad de opciones hacia los espectadores centradas en distintos sentimientos los cuales fueron tomados del libro Psicología del Color de la psicóloga alemán Eva Heller. A su vez también en algunos casos se optó por la transformación geométrica para generar una mayor ampliación de familiarización de iconos que podría tener el público, así como habla Paul Klee en sus estudios afirmando que el orden de los colores puede crear equilibrios y desbalances dentro de una composición, por lo que el orden de cada una de las composiciones que cree el espectador se verá reflejada en sus necesidades y/o comportamientos psicológicos.
EGOÍSMO Y ODIO
CONFIANZA / MENTIRA
INSEGURO
/ ANTIPÁTICO
TRANSFORMACIÓN GEOMÉTRICA EN EGOÍSMO Y ODIO TRANSFORMACIÓN GEOMÉTRICA EN EGOÍSMO Y ODIO: Se toman las figuras dentro de los paneles para dar forma a nuevos iconos para crear nuevas percepciones al espectador.
COLORES Y SIENTIDOS INVERSOS: Se puede generar una percepción contraria a la creada originalmente.
CERCANIA / DIVERTIDO
MALDAD / INSENSIBILIDAD
CINTA AISLADORA 3/4'' 20 M NEGRO SE OCUPARÁ UNA CINTA AISLADORA LA CUAL GENERARÁ LA GRILLA ESPACIAL CREANDO UN ESPACIO DONDE COLOCAR LAS LOSETAS.
40 CM X 25 CM
2 CM DE GROSOR
SE OCUPARÁ UNA BASE DE CARTÓN CON UN PAPEL ADHESIVO POR ENCIMA GENERANDO ASÍ BUENA FIRMEZA DE LA LOSETA.
Nombre de obra y Reglas del juego Libro de comentarios
Grilla Espacial
Losetas ordenadas
LIBRO DE COMENTARIOS
Se pondrá en el sector izquierdo de la grilla espacial un espacio donde los participantes de estos juegos podrán escribir sus comentarios acerca de la actividad que hicieron. 1. ¿Que le parece haber jugado este juego? 2. Opine sobre su experiencia sobre los iconos que eligió. 3. ¿Lo volvería a jugar? 4. ¿Hablaría de este juego a sus conocidos?
Debido a la propia contingencia del COVID-19 se decidió crear una opción de juego virtual de la obra el cual puede ser descargado de la página web senalesypercepcion.tumblr.com
Instructivo para el juego virtual: Selecciona las losetas que quieras para adherirlas a la planilla, para completarla se te hace una simple pregunta. ¿Cuales losetas crees tú que formarían parte de un Desamparo Colectivo? *Puedes llenar la planilla o dejarle espacios. *Puedes organizar las losetas como tú quieras. *Recuerda eliminar las losetas que no ocuparás dentro de la grilla espacial. NO existe clasificación correcta. NO existe clasificación incorrecta. El artista ya domina parte del juego ya que el lo creó, tienes que jugar siendo consciente de esto. Solo la persona que está colocando las losetas sabe la verdadera intención de estas al elegirlas, cada orden es único y no se adjudica a una clasificación de grupos. La obra no tiene como fin clasificar ni hacer estadísticas. Si queremos darle una finalidad a la obra esta sería el poder darle un chance a cada persona que se atreve a ordenar estas losetas a su gusto en torno a la pregunta que se le plantea, aunque sea efímero. PARA JUGAR UTILIZA EL COMANDO CTRL + C EN ALGUNA DE LAS PÁGINAS QUE CONTIENEN LAS LOSETAS PARA COPIAR UNA Y LUEGO VAYA A LA PÁGINA DE LA GRILLA ESPACIAL EN DONDE PUEDE PEGARLA CON EL COMANDO CTRL+V
Este trabajo de obra me ha enseñado sobre todo a fijarme en esos pequeños detalles que pueden convertir un trabajo de obra en una obra. Gracias a la profesora Ingrid Wildi Merino he aprendido a conceptualizar y perceptualizar un trabajo el cual en su principio mostraba más un prejuicio a una opinión libre. Gracias también a la opinión de mis compañeros y amigos he podido tomar referentes de distintos lados y operar de una manera más precisa esta obra. Finalmente se espera su participación dentro de este juego virtual como también así su crítica sobre este, estamos quizás a un largo camino dentro de lo que sucede con la contingencia del país basándonos en lo político-social y el COVID-19 donde ambas poseen vínculos fuertes, debemos ser fuertes en estos momentos y apoyarnos con nuestros seres queridos, tomar siempre precaución y esperar pacientemente.