La pedagogía de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseño
aprendiendo de la bauhaus
la pedagogía de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseño asignatura: innovación e investigación en las artes plásticas y visuales alumna: ana lobo garcía profesora: cármen alcaíde spirito
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Aprendiendo de la Bauhaus. Vol. 1
RESUMEN
En su breve periodo de existencia, apenas 14 años, la Bauhaus revolucionó el panorama de las artes, el diseño y la arquitectura, marcando un punto de inflexión y de cambio en el enfoque educativo de estas disciplinas. Tanto es así que hoy día y a nivel internacional hablamos del “concepto” o “estilo” Bauhaus como si de una marca se tratase. En este trabajo investigaremos de dónde parte la escuela, cual era el contexto en el que se desarrolló, cómo fue su evolución y la manera en que influyó posteriormente en las escuelas de arte y diseño hasta llegar a la actualidad. Todo ello desde el punto de vista del análisis de sus metodologías y pedagogías, tratando de extraer las claves de su éxito así como evaluar cual podría ser su alcance y reinterpretación hoy día.
OBJETIVOS
Las principales preguntas a las que trataremos de dar respuesta serán las siguientes: ¿Cómo fueron las pedagogías de la Bauhaus y cómo influyeron en los programas educativos de las Escuelas Superiores de Arte y Diseño? ¿Están vigentes sus preceptos y existe la posibilidad de hacer una reinterpretación o actualización de las mismas para aplicarlas hoy día?
PALABRAS CLAVE
Diseño, vanguardia, Bauhaus, Escuela de Ulm, arte post-guerra, pedagogías por proyecto
METODOLOGÍA
Para abordar este trabajo se revisará la bibliografía mencionada al final de este documento con el fin de extraer las siguientes conclusiones: -Cual fue el planteamiento pedagógico de la Bauhaus -A qué se debió su enorme éxito -Cómo han sido sus influencias posteriores Una vez localizadas las claves del trabajo, se procederá a hacer una comparativa con la Escuela de Diseño Arte Diez, para comprender las diferencias entre la pedagogía en la red de Escuelas de Diseño Públicas en España en comparación con las estrategias que siguen las escuelas de referencia actuales.
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La pedagogía de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseño
EXPOSICIÓN DEL TEMA contexto histórico sociocultural Los antecedentes de la Bauhaus se remontan al siglo XIX, cuando las devastadoras consecuencias de la creciente industrialización, primero en Inglaterra y más tarde también en Alemania, comienzan a afectar tanto a la producción artesanal como al empobrecimiento de las artes y oficios. El primero en observar críticamente esta situación fue el escritor inglés John Ruskin, que plasmó sus ideales sobre el trabajo medieval en sus libros (1) William Morris, admirador y amigo del escritor, consigue traducir en hechos los preceptos de Ruskin. Morris, profundamente convencido de que es necesaria una vuelta a los modelos de fabricación artesanal y basándose fundamentalmente en el gótico y el estilo oriental, funda el movimiento Arts and Crafts el cual estimula la fundación de numerosos “gremios de artesanos” que comienzan a cambiar el sentido de la producción Hacia finales del siglo XIX, Alemania trata de emular el progreso de Inglaterra en el campo de la producción industrial planteándose también nuevos caminos en el mundo del diseño y la fabricación. Sin embargo, ambos países toman caminos diferentes. Mientras que en Inglaterra todos los talleres de
Arts and Crafts habían rechazado la producción con maquinas, Alemania apoyo es uno de maquinaria sin restricciones.
Coinciden durante las últimas décadas del siglo el nacimiento del Jugendstil (modernismo en Alemania) con la creación en 1896 de las Escuelas de Artes y Oficios prusianas (2). Ambas tendencias se desarrollan en un fuerte clima de nacionalismo que buscaba un lenguaje estético y estilístico con proyección mundial. Esta situación lleva a la fundación de la Werkbund (3) alemana, que se convertiría en la más importante fusión entre arte y economía previa a la Primera Guerra Mundial.
La meta consistía en alcanzar un “ennoblecimiento de las artes industriales en cooperación con el arte, la industria y la artesanía, a través de la educación y la propaganda”
También las empresas formaron parte de la DWB contando con artistas y arquitectos en sus plantillas. Por ejemplo AEG incorporó entre sus trabajadores a Peter Beherens, quien diseñó desde la tetera hasta el edificio. La Werkbund y los integrantes del Jugendstil querían reconciliar “arte y máquina” en un clima en que por primera vez se tomaba en serio a la juventud. Este ambiente reformador es la antesala de la creación de la Bauhaus, cuya fundación fue encomendada por el estado de Weimar a Walter Gropius. Su programación fue muy cuestionada y nace en un clima de inestabilidad y desórdenes provocados por la revolución que marcará sus tendencias futuras.
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el recorrido de la bauhaus
“Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual! [...] Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a una clase de la otra y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas! Anhelemos, concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo —a la arquitectura, a la escultura y a la pintura— en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega. “ (4) Walter Gropius
Con la creación de la Bauhaus nace la primera escuela de diseño del mundo, que aúna bellas artes, las artes gráficas y visuales, las artesanías del textil, cerámica, la escultura y la arquitectura bajo un mismo paraguas concebido para hacer del estudiante un aprendiz/profesional que investigue y experimente sin miedos y con un fuerte espíritu innovador y rupturista. Sus planteamientos consistían en reformar la enseñanza del Arte con la intención de transformar la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La Bauhaus no fue solo una escuela de arte sino también una comunidad entre profesores y alumnos, en la que se esperaba que el estudiante pudiera revelar su expresividad y creatividad a partir de la práctica artística espontánea y adquirir un conocimiento no solo intelectual, a través de los libros, sino también emocional mediante el trabajo. Sus fines eran reunir en una misma unidad todas las formas de creación artística. La Escuela se desarrolla en un clima social y político muy inestable, el periodo de entreguerras, y ligada al devenir de la historia, se verá forzada a trasladarse de una ciudad a otra, víctima de recelos y persecuciones políticas. De esta forma, podemos hablar de tres etapas: 1 La Bauhaus de Weimar ( 1919-1925) 2 La Bauhaus de Dessau (1925 – 1932) 3 La Bauhaus de Berlín (1932 – 1933) Según el autor Friedhelm Kröll (6), las etapas de la Bauhaus se pueden concebir también de la siguiente manera, más basadas en la estructura y planteamiento que en su ubicación geográfica: 1 La fase de creación (1919 – 1923) 2 La fase de consolidación (1923 – 1928)
Logo de la Escuela Bauhaus en sus inicios
3 La fase de desintegración (1928 – 1933)
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La pedagogía de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseño a. la bauhaus de weimar
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creación
Se conoce también como el periodo expresionista de la Escuela. Los primeros años supusieron un extraordinario experimento estético y pedagógico y es en esta etapa, y en la aportación de los artistas que ejercieron su labor docente, en la que nos vamos a centrar en este tema. El primer paso para el nacimiento de la escuela, fuer la formulación de su manifiesto, donde la declaración de principios principal fue la meta de que toda actividad artística fuera encaminada hacia la construcción. Otra de las estrategias de Gropius fue la de invitar como profesores a los artistas, pintores y arquitectos más influyentes del momento, como lo eran Johaness Itten, Paul Klee o Kandisnky. A primera vista, el programa de la Bauhaus se parece a los planes de estudios de otras escuelas de arte reformadas tras la guerra: el alumno debía ser instruido en artesanía, dibujo y en ciencia. La novedad de Gropius era el subordinar la escuela a una meta común: el edificio levantado colectivamente, al que todos los oficios debían contribuir. Además, la escuela rompe con la formación del artista heredada de la academicismo renacentista, en la que la enseñanza del dibujo, se centraba en la copia. Para la formación de los artistas, hasta ese momento, la enseñanza del dibujo estaba claramente orientada a la representación del cuerpo humano.
La Bauhaus no se basaba en la antigua academia sino que la suprimía, sus principios se basaban en la idea de que “el arte no puede ser enseñado” si no que es fruto de la propia búsqueda y experimentación del alumno. Marcó un hito artístico, filosófico e industrial que aún perdura en la actualidad. Su empeño por aunar arte y técnica trajo una nueva forma de pensar y ver el mundo. Como ejemplo, en ella la única posibilidad de dibujar la figura humana se ofrecía en las clases de “Dibujo de Desnudos” que impartía Johannes Itten, donde se buscaba más el ritmo interno de la figura, o las de Schlemer que se especializó en la enseñanza del dibujo de desnudos en movimiento o iluminados de manera inhabitual y donde se tomaban como modelos muñecos articulados. Pero en ambos casos se huía siempre del dibujo academicista. Era otra manera de aprender a resolver los problemas de la representación del cuerpo humano, menos exigente para el alumno. El dibujo se planteaba, no como una técnica de habilidad visual y manual, sino como una herramienta de control del propio cerebro desarrollándose ejercicios orientados al adiestramiento de los lóbulos cerebrales y siempre íntimamente ligada al concepto de creatividad, como medio de transmisión los conceptos del arte abstracto.
En la Bauhaus conviven alumnos y maestros durante todo el proceso formativo, por lo tanto se busca alcanzar un doble aprendizaje: uno ligado a las disciplinas y su manejo, junto con una segunda enseñanza clave en el proceso transformador y social, la de la convivencia y el espíritu comunitario. Sin embargo, no todo fue tan positivo y progresista en la Escuela. Hay que mencionar que el Consejo de Maestros, si bien admitían el ingreso de las mujeres en sus enseñanzas, también decidía ubicarlas en los Talleres textiles tras el curso preparatorio. La inclusión de las mujeres en el área de Arquitectura estaba terminantemente prohibido.
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plan de estudios de la bauhaus En la Bauhaus no se hablaba de alumnos y profesores sino de maestros y aprendices. Sus enseñanzas se dividían en un curso de aprendices, un curso de oficiales y uno de jóvenes maestros. Su plan de estudios consistía en un curso preliminar que recibía el nombre de Vorkurs, donde se aprendían los principios básicos del diseño y la teoría del color. Al finalizar, los alumnos ingresaban en uno de los talleres donde se especializaban en, al menos, uno de los oficios.
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Curso preliminar: en él se estudiaban
Talleres: en cada uno de ellos se trabajaba,
los materiales, las texturas, el lenguaje de la forma abstracta, el ritmo, el claroscuro o la teoría del color. A continuación se impartían clases teóricas sobre antropología, psicología del espacio o historia del arte, para finalmente entrar en los talleres. El resultado eran objetos de formas puras (circulo, cuadrado y triángulo) y colores primarios (rojo, azul y amarillo) donde el diseño se rige por la máxima de “menos es más” y donde cada uno de los colores y las formas, según la teoría de Kandinsky, tenía un funcionamiento óptico, fisiológico, en relación con la psicología de la Gestalt.
usando como base, un material diferente: taller de carpintería y de muebles, taller de cerámica, taller de encuadernación, taller de impresión, taller del metal, taller de publicidad y fotografía, taller de teatro y escenografía, taller de tejidos, taller de escultura en piedra y madera y talleres de pintura sobre vidrio y pintura mural. Los talleres estaban dirigidos por dos personas: por un lado el maestro de forma, responsable de la iniciativa didáctica, y por otro, el maestro de taller, encargado de la realización formal y dirección técnica del taller, así, las clases paralelas con un artista y un artesano ofrecían al alumno una educación más completa. En ellos los alumnos recibían una formación práctica y formal durante tres años tras la cual debían pasar su examen de artista. A través de este examen se elegía a los estudiantes más destacados.
En el Vorkurs se pretendía despertar las dotes de los alumnos y se les orientaba para su formación. Duración: 6 meses inicialmente, ampliado a 1 año a partir de 1925 / categoría de aprendiz
Duración: 3 años / categoría de “oficial” Taller de especialización en un oficio artesanal. Examen ante Consejo de Maestros, se escogía a los alumnos más destacados para la siguiente etapa.
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Los alumnos seleccionados, recibían cursos prácticos en las fábricas y obtenían su título.
Joven maestro / Arquitecto
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La pedagogía de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseño los profesores El alma pedagógica de la primera Bauhaus: Johannes Itten El pintor, diseñador y escritor suizo Johannes Itten fue el primer maestro de este curso preliminar. También fue maestro de la forma en varios de los talleres. Su método de enseñanza se basaba en el expresionismo pictórico y en la pedagogía de “aprender haciendo”, que conjugaba con filosofías y religiones orientales Su innovador curso preliminar tenía como fin enseñar a los estudiantes los fundamentos y características de los materiales, la composición y el color, a través de la experimentación, planteando una clara oposición a la metodología imperante en la época que se apoyaba básicamente en cursos teóricos. Partiendo de la teoría de los colores y las formas desarrolló una Teoría General del Contraste como base de la expresión creadora. Planteaba el aprendizaje del contraste en la forma y el color. Para el contraste se incluían pares como:
El profesor Johannes Itten vestido con su uniforme
áspero-liso, afilado-romo, duro-blando, claro-oscuro... En las clases de forma trabajaba con formas elementales, círculo, cuadrado, triángulo, atribuyéndole a cada una de ellas un determinado carácter: círculo-fluidez, cuadrado- serenidad, triángulo- diagonal, etc. Su propósito era desarrollar la creatividad y espontaneidad del estudiante para que, a través de la expresión libre, tomara conciencia de su capacidad creadora y su sensibilidad artística. Sus clases se estructuraban en torno a tres aspectos: bocetos de la naturaleza y la materia: con ellos buscaba que los alumnos expresaran la esencia y las contradicciones de los elementos. análisis de los viejos maestros: se intentaban buscar las líneas principales, las curvas, el movimiento, el ritmo del cuadro, buscando lo esencial del mismo. clases de desnudos: se trataba de representaciones rítmicas del cuerpo, no de reproducciones fieles de la realidad, en una búsqueda del ritmo interno de la figura humana.
Las clases de Johannes Itten
Ejercicio círculo cromático del curso de iniciación
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Como maestro, Itten daba una especial importancia a la intuición y el autodescubrimiento personal por medio de la abstracción. Desarrolló, tanto en su obra como en sus clases, la representación del movimiento y el tiempo.
Itten incorpora también la idea de “trabajo y juego”. Impartía sus clases bajo la divisa: “El juego será fiesta / la fiesta será trabajo / el trabajo será juego”. Entre las actividades que organizaba estaban el teatro, las conferencias, poesía, bailes, etc. Los alumnos preparaban como un proyecto más la organización y producción de las fiestas internas de las Escuela, buscando también compartirlas con lo habitantes de la ciudad con el objetivo de rebajar la animadversión con la que era percibida la escuela por parte de muchos ciudadanos de Weimar. Destacaban la Fiesta de los Farolillos, el Solsticio de verano, la Fiesta de las Cometas y la de Navidad. Para ello los alumnos diseñaban los carteles, adornos, organización de los espacios.
“Quien no conoce las fiestas de la Bauhaus no sabe cuál es la labor de la Bauhaus”
, escribía en 1925 un alumno de la escuela de diseño y arquitectura fundada por Walter Gropius en 1919, cuyo proyecto pedagógico otorgaba un papel fundamental a las reuniones lúdicas y a los rituales de la vida cotidiana. Otra práctica habitual de sus clases era permitir a los alumnos autoevaluarse y decidir colectivamente cuales eran los trabajos más sobresalientes de la clase. En sus clases de dibujo al natural, era también común que los propios alumnos posaran con ropa ajustada, con el fin de hacer representaciones rítmicas del desnudo y dibujo en movimiento. El aprendizaje desarrollado por este profesor se basaba en esencia en llegar al interior de la persona: el alumno debía encontrar su propio ritmo y desarrollar una personalidad armónica propia. Consideraba que solo una persona armónica podía ser realmente creativa, por eso trataba conjuntamente las teorías artísticas con el desarrollo espiritual y filosófico del alumno. Itten era seguidor de las teorías del Mazdaznan (5). Itten introdujo parte de la ideología en la Escuela hasta que finalmente, este hecho único al contenido individualista y espiritual de sus enseñanzas entró en conflicto con la actitud más conservadora del director de la escuela, Walter Gropius, quien lo “invitó” a abandonar la Bauhaus en 1923.
El segundo maestro del curso inicial: László Moholy-Nagy Al abandonar la Bauhaus Itten, László Moholy-Nagy se hizo cargo del curso preliminar y si la primera época estuvo marcada por el estilo expresionista de aquél, en esta nueva etapa éste introdujo las bases del Constructivismo para un arte basado más en la idea que en la inspiración. Con el apoyo de Josef Albers, dio al curso preparatorio un enfoque más industrial y práctico, impregnando a la escuela de esta nueva filosofía. Si Itten estaba en contra de la idea de unir arte y técnica, Moholy-Nagy estaba a favor de la inmersión del arte en la sociedad industrial. Sustituyó el misticismo y la sensibilidad hacia la naturaleza de Itten por la racionalidad. Además, estuvo a cargo del taller de trabajos de metal donde centró su trabajo en el estudio y el efecto del equilibrio y la presión de los materiales. Para él, la pintura tradicional ya no era contemporánea y proponía sustituir la pintura estática de caballete por juegos luminosos, estructuras cinéticas y proyecciones de diapositivas, como expresión de un arte acorde a la industrialización de los nuevos tiempos. Para él cualquier arte adquiría sentido en la medida en que reflejara la luz.
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La pedagogía de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseño El tercer maestro del curso preliminar: Josef Albers Cuando Moholy-Nagy abandona la Bauhaus, Josef Albers se hace cargo del curso preparatorio cambiando, de nuevo el enfoque del mismo. Con él continuaron vigentes los principios básicos del curso preliminar: supresión del concepto académico del arte, liberación de las fuerzas creadoras y confrontación de los estudiantes con los más elementales problemas de la creación artística. Sin embargo, desde el punto de vista metodológico y didáctico, Albers dio un nuevo aire a este curso. Su concepción no estaba tan orientada hacia lo creativo-individual, como en Itten, ni tan dirigida hacia lo constructivo como en Moholy-Nagy.
Él buscaba que sus alumnos se basaran no en lo formal sino en el contacto directo con un material determinado. Sus alumnos trabajaban, de manera secuencial, los diferentes materiales.
El primer mes sólo utilizaban el cristal, el segundo trabajaban exclusivamente con el papel y el tercero lo hacían con el metal. Al final, cada alumno elegía el material preferido para sus creaciones. Su concepto de la enseñanza artística era “aprender a través de la experiencia”, idea que él mismo expresaba con la frase: “Probar es mejor que estudiar”, o lo que es lo mismo, aprender y no enseñar o aprender descubriendo. Albers dejaba a los estudiantes buscar, probar y experimentar. La teoría no se exigía a-priori sino que se extraía del análisis y la discusión de los proyectos.
Las clases de dibujo al natural del curso de iniciacion
Trabajos de Kandinsky
Las talleres de volumen del curso de iniciacion
Diseño de cartel de Kandinskypara la Bauhaus
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Aprendiendo de la Bauhaus. Vol. 1 Las clases de Wassily Kandinsky Kandinsky sustituyó a Schlemmer, como maestro de la forma, en el taller de pintura mural y dio clases junto con Paul Klee en el curso de Diseño Básico. Su mente teórica inició un nuevo camino en la Bauhaus hacia un arte más intelectual y razonado. Su método pedagógico se basaba en la relación indisoluble entre análisis y síntesis de la forma y el color. Para él el análisis era concebido como el medio para llegar a la síntesis. Buscaba el equilibrio entre racionalidad e intuición. La composición para Kandinsky producía su efecto a través de los elementos formales. Partiendo de los colores: amarillo, rojo y azul y de las formas: círculo, triángulo y cuadrado, buscaba la representación de los objetos de tal forma que fueran sólo “recuerdos” y evocaran asociaciones.
En sus clases de dibujo analítico sus alumnos seguían su propio proceso: del objeto a la composición, cuya experiencia quedó plasmada en su famoso libro Punto y línea sobre el plano, donde realizaba un análisis exhaustivo de los elementos pictóricos. Kandinsky buscó representar en su obra la música y el sonido. Cuando en sus escritos habla de “lo espiritual” lo relaciona con el “pensamiento abstracto” que los seres humanos llevamos a cabo para entender más cosas. Kandinsky descubrió que liberando el arte de la representación física del mundo y empleando los elementos básicos de la imagen, punto, línea, plano, color, ... se conseguía liberar el mensaje de ideas concretas hacia ideas más abstractas. Si mediante la pintura se representa un objeto el pensamiento del espectador se centra en ese objeto de la realidad. Si, por el contrario, la imagen no representa nada concreto se desconectan las asociaciones del conocimiento y entran en funcionamiento las sensaciones.
La enseñanza del color con Paul Klee “El Color ha tomado posesión de mí, ya no tengo que andar detrás de él. Sé que se ha de quedar conmigo para siempre de color y yo somos uno. Yo soy un pintor “. Paul Klee Paul Klee había aprendido de forma autodidacta y, a pesar de carecer de experiencia docente, aceptó el reto de dar clases en la Bauhaus. Comenzó dando clases en el taller de encuadernación y más tarde en el de pintura sobre vidrio y pintura mural. Su pedagogía se basaba en la realización de un análisis preciso de la forma para resolver los problemas del lenguaje artístico, enseñando, al mismo tiempo, la teoría y la práctica. Quería distanciarse del método de iniciación espontanea de la creación artística que aplicaba Itten. Su enseñanza se basaba en las formas elementales de las que, según él, se derivaban todas las demás, y los colores básicos, dando paso a diferentes tipos de composición jugando con la proporción, el giro, la reflexión,... El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Todo ello abría un inagotable campo de trabajo basado en la síntesis y el análisis, partes esenciales del método de aprendizaje artístico de Klee.
Preparaba concienzudamente sus clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en su libro Cuaderno de pedagogía.
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La pedagogía de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseño Él mismo describía así sus clases: “Veo mi tarea aquí desde el principio, y a medida que pasa el tiempo la entiendo mejor: la transmisión de mi experiencia traducida en formas ideales (pintando y dibujando), experiencia que gira en torno a la construcción de lo unitario partiendo de la multiplicidad. Transmito esta experiencia en parte mediante síntesis (es decir, muestro mis trabajos), en parte mediante análisis (o sea, descompongo los cuadros en sus partes esenciales)”. Klee intentaba explicar en sus clases cómo se organiza naturalmente la forma en los fenómenos de crecimiento vegetal, de fluidez, orden y caos, para poder aplicarlo a la construcción del mundo imaginario del artista. Para él la pintura es un lenguaje específico que hace posible el tránsito desde la “visión externa” a la “contemplación interna”. “La capacidad por antonomasia del arte es hacer visible, más allá de reproducir lo visible”, decía.
Las geometrías con Oskar Schlemmer Trabajó durante algún tiempo en el taller de pintura mural y posteriormente fue contratado como maestro de forma en el taller de teatro. En el taller de pintura mural se dedicó a combinar pintura y escultura para realizar sus relieves de revoque pintado, jugando con los contrastes: levantado-acostado, masculino-femenino, persona-arquitecto. El cuerpo era para Schlemmer el objeto de estudio prioritario. En sus clases de “Estudio de desnudos” consideraba que la representación del cuerpo humano pasaba por el conocimiento de rasgos esquemático-constructivos, despojándolo de toda idealización y huyendo del dibujo de academia. Sus referentes eran los dibujos estereométricos de Durero y Schön. Como maestro de Forma en el taller de teatro, su obra más famosa es El Ballet Triádico (1922) en el que los actores aparecen disfrazados de formas geométricas que hace de ellos esculturas vivas. Schlemmer, en su diario de 1915, escribiría: “El cuadrado del tórax el círculo del abdomen, cilindro del cuello, cilindro de los brazos y piernas, esferas de las articulaciones en codo, rodilla, hombro, tobillo, esferas de la cabeza, de los ojos, triángulo de la nariz, la línea que comunica el corazón y el cerebro, la línea que comunica la cara con lo que se ve, el ornato que se forma entre cuerpo y mundo externo simboliza su relación con él”
Los trabajos de estudio de figura humana y movimiento de Oskar Schlemmer
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b. la bauhaus de dessau y berlín
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de la consolidación a la desintegración
En el presente trabajo nos hemos centrado fundamentalmente en la etapa primera de Weimar por ser la que encarna el espíritu más innovador y vanguardista en cuanto a sus pedagogías. A continuación daremos también algunas pinceladas de lo que fueron las etapas siguientes.. La gran depresión desencadenó la necesidad del cambio de sede de la escuela en Dessau en 1925, una ciudad industrial ansiosa por potenciar su oferta cultural. En esta nueva sede, la escuela se instala en el edificio más emblemático de la Bauhaus diseñado por Walter Gropius: La Escuela Bauhaus (1925-1926), de planta asimétrica, con pabellones a diferentes alturas y predominio de ventanas horizontales (característico de la arquitectura racionalista).
En esta época se llevaron a cabo grandes fiestas (generalmente temáticas: fiesta blanca, fiesta del metal) en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas con el objetivo de fomentar el trabajo en equipo y promover la relación entre la Bauhaus y los ciudadanos,
ya que la escuela estaba considerada como socialista y contaba con más de un enemigo. En 1925, debido a las continuas presiones del gobierno, Moholy-Nagy abandona la escuela y dos años después, Walter Gropius deja la dirección a manos del suizo Hannes Meyer. Junto con Gropius, varios profesores abandonaron la escuela y en 1930 la dirección pasó a cargo de Ludwing Miës Van Der Rohe. Durante estas etapas la Bauhaus continuó ahondando en las teorías de diseño basadas en la funcionalidad, la simplicidad y la pureza de líneas, sustentando las bases para los fundamentos del diseño posmoderno. Continuó con el desarrollo del concepto ‘menos es más’. El racionalismo llevado a un nivel global abarcando el diseño gráfico, industrial, editorial y tipográfico, así como todas las ramas artísticas-estéticas. El principal objetivo de esta segunda fase busca la máxima de “arte y técnica como unidad”. En esta etapa la escuela se centrará en la estandarización y producción de encargos para la industria, objetos principalmente de la vida cotidiana como lámparas, sillas y tejidos. Con la llegada de los nazis a Dessau en 1932 vino el cese de la ayuda financiera a la institución por parte del gobierno y la escuela se trasladó a Berlín hasta que fue ordenada su clausura el 11 de abril de 1933 por las autoridades alemanas nazis para eliminar cualquier rastro de “cosmopolitismo judío” y de arte “decadente y bolchevique”.Tanto Miës van der Rohe como los profesores y alumnos que fueron perseguidos por el régimen huyeron del país y se instalaron en Estados Unidos donde siguieron con sus ideales y donde László Moholy-Nagy estableció La Nueva Bauhaus: el Instituto de Diseño de Chicago. Fase de consolidación. Se eliminó el sistema dual de talleres y se instauró el taller del mueble en 1925 y se institucionalizó la enseñanza de arquitectura en 1927, adquiriendo un protagonismo que hacia tambalear la idea inicial de escuela unificada de artes y oficios. Fase de desintegración: Cuando Walter Gropius es sustiuido por Hannes Meyer al frente de la institución, comienza una de decadencia que llevará a la escuela a su desaparición. Meyer fue pronto destituido y Mies Van der Rohe ocupó su lugar, convirtiendo a la Bauhaus en una escuela puramente de arquitectura.
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resumen sobre la evolución pedagógica de la bauhaus
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Como hemos podido comprobar, el plan de estudios de la Escuela paso por diferentes etapas y enfoques, dependiendo de los objetivos que en cada momento se pretendían conseguir a lo largo de sus catorce años de vida.
> Desde el inicio, existió la concepción dual de los talleres, guiados por dos maestros, el de forma y el de artesanía. A continuación se exponen los talleres en torno a 1919 - 1933:
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Podemos concluir que la Bauhaus fue una de las primeras escuelas en incorporar la aún muy reciente metodología del Aprendizaje Basado en Proyectos (ABP). Busca el aprendizaje a través de la experiencia directa y del descubrimiento y búsqueda activa de su alumnado. El legado Bauhaus en la escuela de chicago y la escuela de Ülm En 1933 las SS cierran la última sede de la Bauhaus en Berlín. Algunos de sus profesores integrantes son perseguidos por el nazismo y se exilian en EEUU, donde abrirán la sede de la Nueva Bauhaus, conocida también como la Escuela de Chicago. Este será una de las escuelas que recoge el testigo de las pedagogían bauhausianas, junto con la más tardía Escuela de Ulm, ubicada de nuevo en Alemania tras la Segunda Guerra Mundial.
la escuela de chicago
Esta institución creada en 1937 (conocida como la New Bauhaus), fue la primera escuela de diseño industrial en Estados Unidos, la Asociación de Artes e Industrias de Chicago veía la necesidad de fundar una escuela de este tipo, y buscó como director al húngaro Lazlo Moholy – Nagy (recomendado por Walter Gropius).
El programa de la escuela tuvo un enfoque muy claro hacia el diseño industrial. Muy pronto los alumnos desarrollaron una gran cantidad de proyectos que los llevaron a obtener 17 patentes en sólo dos años. Ganaron varios premios en concursos nacionales de textiles, carteles e ideas
para displays. Debido a esto, la escuela recibió apoyo económico de la Fundación Rockefeller y la Carnegie Corporation. En 1944 a pesar de que la entrada de los Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial frenó la inscripción de alumnos, la escuela deMoholy-Nagy se transformó en el Instituto de Diseño. Actualmente es el prestigioso Instituto Tecnológico de Illinois (I.I.T.)
Las salas de trabajo de la Escuela de Chicago
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Diseño de la tipografía de Lufthansa en la Escuela de Ülm
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hfg la escuela de diseño de ulm La Hochschule für Gestaltung de Ulm fue una iniciativa pedagógica en los ámbitos de la comunicación visual, el diseño industrial, la construcción, y la cinematografía que hicieron de esta escuela una de las más destacadas en la enseñanza del diseño de la segunda mitad del siglo XX. Abierta en 1953 cerraría sus puertas en 1968, tan sólo quince años después. La Escuela fue creada por Max Bill, antiguo alumno de la Bauhaus, e incluyó entre su plantel de profesorado a algunos viejos conocidos como Johannes Itten. La escuela constituyó el precedente fundamental de la pedagogía y enfoques actuales de las escuelas de diseño, debido fundamentalmente a los siguientes motivos:
1.
Ulm fue la primera escuela en querer dar al diseño un fundamento metodológico por delante de su tiempo, capaz de afrontar, con mayor o menor acierto, los conflictos esenciales entre la moderna era industrial y los tradicionales valores de la cultura. Estos conflictos tenían que ver con la relación por entonces no resuelta entre las transformaciones tecnológicas y la actividad creativa en una sociedad cada vez más condicionada por la incipiente sociedad de consumo.
2.
En segundo lugar, en la Hochschule für Gestaltung se dio forma a la moderna imagen del diseñador, tal como hoy se conoce. Este perfil profesional se terminó de concretar a finales de los sesenta, cuando una decena de instituciones educativas habían adoptado el “modelo Ulm” en Alemania
3.
Además, muchos de los productos desarrollados a la luz de las innovaciones de Ulm, determinaron qué tipo de diseño debía practicarse en la República Federal. Puede afirmarse que sus aportaciones ejercieron una influencia decisiva en la cultura del objeto
4. Por último, la HfG fue un vivero para la formación de profesores.
El plan de estudios era similar al de la Bauhaus, con un primer año preparatorio (curso básico), donde el alumnos adquiría las competencias técnicas y artísticas básicas. Sin embargo, en él las artes se incluían con un interés meramente instrumental. En su desarrollo acentuó la estrecha relación entre diseño y tecnología por medio de la inclusión de asignaturas de carácter científico. Después empezaban los tres años restantes de especialidad en diseño de producto, comunicación visual, construcción y, hasta 1962, información. En 1961 se creó la de cinematografía que hasta entonces había estado integrada en comunicación visual. A finales de su historia, la Escuela publicaría sus resultado, dinámicas y progresos en una revista. La revista ULM La Escuela de Ülm tenía unas pretensiones más encaminadas al desarrollo de una nueva generación de diseño industrial para ser producido en masa, siempre bajo la máxima de la funcionalidad.
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La pedagogía de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseño
CONCLUSIONES
claves principales de las enseñanzas en la bauhaus
1. Producir un arte y diseño al servicio de la sociedad, que aúne belleza y utilidad al mismo tiempo. Espíritu transformador.
2.
El Alumnado se formaba inicialmente en todas las disciplinas durante el periodo preparatorio. Y después se especializaba en su propia área.
3.
Todas las áreas y disciplinas trabajaban en sus propios proyectos así como en el proyecto colectivo e interdisciplinar de crear la obra final: el “edificio colectivo”
4.
La Bauhaus se nutría de los artistas y arquitectos más influyentes y famosos del momento de cara a absorber sus conocimientos pero también a generar una imagen de cara al exterior. Es decir, se utiliza aquí por primera vez una estrategia de marketing y publicidad apropiándose de la fama de los profesionales para generar “marca”.
5. Los alumnos empezaban como aprendices y según su avance podían pasar a “jóvenes maestros”. 6. Las asignaturas huyen de la estrategia de la “copia” de modelos anteriores y se basan en que el alumno adquiera su propio aprendizaje a través de la observación, experimentación y el enlace con sus propias vivencias y auto-conceptos.
7.
Se puso en marcha el aprendizaje por auto-conocimiento y las búsqueda del ritmo propio por parte del alumno. Esto está muy ligado a las teorías del autoaprendizaje y la automotivación.
8. Hacían de las fiestas señaladas un proyecto más a desarrollar colectivamente. 9. Incluían en la formación actividades diversas como el Teatro, la poesía o las danzas. 10. Constituye el inicio de las corrientes de diseño minimalistas, simplificadoras, que buscan la belleza a tra-
vés de la funcionalidad y la pureza de sus formas, alejadas del adorno. Racionalidad del “menos es más”.
11.
Cada estudiante se imbuye en su propia creación, la que ha elegido, iniciando una búsqueda e investigación para su desarrollo. No existen ejercicios pactados o enunciados inamovibles.
12. Influida por el método de la pedagogía por proyectos. Esto genera un aprendizaje ligado a las dinámicas “del mundo real” que el alumno encuentra en su futuro profesional, es decir, a cubrir todas las etapas del proceso de diseño: análisis, idea, producción.
13.
Gran importancia sobre el curso preparatorio para dar una formación global y poder pasar después a la específica.
14. Balance constante entre el arte y la técnica, sin perder de vista las necesidades industriales de la época ni la posibilidad de satisfacerlas de un modo estéticamente bello a la vez que pragmático.
Aspecto negativo:
1El rechazo de las mujeres en las áreas de Arquitectura. La escasez de maestras en las enseñanzas
15
Aprendiendo de la Bauhaus. Vol. 1 A pesar de las vicisitudes y cambios que experimenta la Escuela a lo largo del tiempo, podemos establecer dos líneas de trabajo que se mantienen firmes a lo largo de su historia:
1 La síntesis estética. Integración de todos los géneros artísticos y artesanales bajo un mismo paraguas y bajo la supremacía de la arquitectura.
2 La síntesis social. Orientación hacia la producción estética que busca solventar las necesidades sociales de amplios círculos de población y no exclusivamente hacia la demanda de grupos elitistas desde el punto de vista socio económico. En relación con la principal escuela que recogió el testigo Bauhaus, la escuela de Ulm, podemos concluir lo siguiente:
1.
Mantiene una estructura de curso preparatorio seguido de cursos de especialización pero eliminando la dimensión más ligada a las artes plásticas, que queda sustituida por la preparación técnica.
2.
Se mantiene el trabajo por proyectos. Los alumnos desarrollan de principio a fin sus diseños, produciéndolos. De hecho, el modelo Ulm está más ligado al mundo empresa.
3. Mayor componente de estudios sobre ergonomía, ciencias sociales y economía de recursos. 4. Añadió los componentes de empresa y mercado como identidad corporativa o diseño de marca
A continuación estableceremos una comparativa entre la metodología de la Bauhaus, extraída de la investigación, y las dinámicas actuales en las Escuelas de Arte y diseño públicas. Se tomará como ejemplo la formación en el área de Diseño de interiores, por ser la que la alumna a conocido en su periodo de prácticas.
Fiestas de disfraces de la Bauhaus, donde los alumnos se diseñaban sus propios atuendos
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La pedagogía de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseño METODOLOGÍA/
DINAMICA/PEDAGOGÍCA DE LA BAUHAUS
METODOLOGÍA/
DINÁMICA/PEDAGOGÍCA DE LA ESCUELA DE ULM
MODELO EDUCATIVO DE
PROPUESTAS DE APLICA-
DE ARTE Y DISEÑO (PRO-
DE LOS PLANTEAMIENTOS
LAS ESCUELAS PÚBLICAS
YECTO PROPIO ARTE 10)
CIÓN PARA LA MEJORA
DIDÁCTICOS ACTUALES EN LAS ESCUELAS DE DISEÑO
Ideología: Producir arte y di- Ideología: Mayor enfoque Ideología: No existe una En la etapa actual el gran
seño al servicio de la socie- hacia la técnica y el mun- tendencia clara. Mayor di- reto de la producción y el dad. Belleza y practicidad.
do empresarial.
versidad de tendencias.
Leitmotiv: lucha contra la Leitmotiv: sociedad capita- Leitmotiv: No existe un poestandarización pobre en lista, nuevas dinámicas de sicionamiento recursos estéticos
diseño están en la espera
de la ecología y econo-
mía de recursos: necesitan centrarse en el estudio del
consumo masivo
impacto
ambiental,
los
análisis de ciclo de vida, los
materiales ecológicos. Del mismo modo destinarse
a un público amplio y haciendo especial hincapié a
aspectos como la accesibilidad y los usuarios con diPlan de estudios:
Primer año preparatorio Tres años de especialización
Continuación de la formación en fábricas
versidad funcional.
Plan de estudios:
Plan de estudios:
(con menor peso en las
riadas, sin vinculación entre si. torio. Asignaturas de tipo
Primer año preparatorio materias artísticas)
Primer año: asignaturas vaSegundo
Tres años de especializa- asignaturas, ción.
año:
con
mismas
mayor
grado de exigencia. Mayor carga lectiva de la asignatura de proyectos.
Plan de estudios:
Primer Semestre Introuctaller individuales (dibujo y color, expresión volúmet.
historia de la arqu., dibujo
técnico). Segundo semestre. Introducción a la espa-
cialidad. Historia, tecnología
Se incluyen un periódo de y sistemas constructivos, prácticas no remuneradas proyectos... de una duración inferior a 50 horas)
Segundo año: metodología de trabajo por proyec-
Tercer año (no oficializado) tos. Desarrollo de un traba6/10 meses desarrollo del jo completo por trimestre, proyecto final
incluyendo: diseño del pro-
yecto, desarrollo técnico, estudio de las normativas, presupuestos, etc.
Tercer año: prácticas labo-
rales (duración mínima de un trimestre) + Desarrollo del
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proyecto final.
Aprendiendo de la Bauhaus. Vol. 1
Cada área trabajaba y Mayor grado de individua- No existe apenas transver- La escuela es un lugar de participaba colectivamen- lismo entre las áreas. No se salidad entre las asignatu- paso. No existe un ambiente en ciertas acciones / hi- mantiene el espíritu colec- ras de una misma discipli- te de colectividad y traba-
tos de la escuela. Ejemplo: tivo de comuna propio de na (si esta existe depende jo en equipo. Atmósfera las fiestas.
la Bauhaus.
Se fomenta el vínculo y la
de la buena relación entre muy individualista. profesores de asignaturas,
no como parte de la pro-
interdisciplinariedad. El obje-
gramación
tivo último es el desarrollo
docente.
No
existe estructuración, ten-
final de la “obra arquitectó-
dencia a la improvisación
nica” entre todas las discipli-
de “ejercicios conjuntos”)
nas.
Se propone la creación de
ciertos hitos de desarrollo en la escuela cada año como
ejercicio
curricular
entre áreas: como ejemplo
se desarrollará el ejercicio
No existe interdisciplinaridad siguiente sobre proyecto inni trabajo conjunto entre terdisciplinar. disciplinas. Los alumnos de las distintas áreas apenas se conocen.
Estrategias de publicidad Estrategias de publicidad Estrategias de publicidad El profesorado docente no :la Bauhaus buscaba una Fuerte vínculo con las em- Carece por
completo de es contratado por su fama
plantilla de excelencia entre presas y la industria. Como “marca”, estilo, o difusión o capacidad como diseña-
su profesorado, contratan- ejemplo: el desarrollo de de sus dinámicas. Como dores, si no por aprobar un do a los artistas más influ- diseños y patentes, entre le suele suceder a los or- proceso de oposición pública. yentes del momento (Kan- ellos
algunos
electrodo- ganismos públicos, denota
dinsky, Paul Klee, Mies van mésticos de la marca ale- cierta “dejadez” y falta de der Rohe, etc).
mana braun.
Difundía sus diseños hasta crear y potencias la “marca Bauhaus”.
autoestima. No sucede lo mismo en entidades públi-
cas como las Universidades de Arquitectura, que sí han
sabido nutrirse de fama
ligada a sus profesores o
a sus dinámicas. (Ej: más innovadora, más conser-
vadora, más ecologistas, muy técnica)
Las Escuelas de Arte de-
ben dar la talla en cuanto a sus dinámicas docentes
muy innovadoras y experi-
mentales, así como contar con una plantilla docente
en constante formación. Es decir, generar una fama
colectiva ligada a la tendencia de la escuela y resultados, no a la “celebridad” o no de los profesores.
Los alumnos empezaban Se desconoce el sistema Todos los alumnos son Aumentar la carga lectiva como aprendices y podían en este sentido
iguales. La enseñanza es de trabajo en equipo, expo-
venes maestro. Existía por
grado de constructivismo, borativo entre compañeros
subir a la categoría de jólo tanto un grado de docencia dentro de los pro-
pios alumnos.Si al pasar el primer año el alumno no
cumplía con unos resultados mínimos, era expulsado.
conductista con un cierto sición pública y trabajo colapero siempre bajo la ten- (enseñanza – aprendizaje).
dencia de la individualidad. Fomentar el autoaprendi-
No se potencia el trabajo zaje por experimentación e en equipo ni las enseñan- investigación, minimizando zas compartidas y bidirec- las asignaturas basadas en cionales o inter-grupo.
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el aprendizaje conducido.
La pedagogía de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseño Autoaprendizaje y auto- Se desconoce el sistema Los alumnos tienen unas Eliminar el concepto de motivación. Los alumnos en este sentido
fechas cerradas de traba- examen. Potenciar el tra-
mo.
asignaturas no se coordinan un margen de elección de
trabajaban a su propio rit-
jo en cada asignatura. Las bajo por ejercicios, dando entre sí a la hora de poner las temáticas a los alum-
sus fechas de entrega o nos. Mantener las fechas examen.
de entrega para garantizar
un realismo con respecto al mundo laboral posterior
que el alumno encontrará en su futuro.
Proceso de diseño basado Proceso de diseño basa- Proceso de diseño difuso, Estructurar correctamente
en el ensayo-error, la ex- do en el ensayo-error, la mal estructurado. El alum- la enseñanza del proceso perimentación y la investi- experimentación y sobre no no comprende como se creativo y de diseño: gación. Se huye de la es- todo el análisis y el desa- debe enfocar. Tendencia trategia de “copia”
rrollo técnico.
a la búsqueda demasiado
rápida de influencias y re-
ferencias externas a través de Internet, especialmente “Pinterest”.
1. Análisis de la situación 2. Toma de decisiones
3. Diseño. Búsqueda de
la materialidad, estética
y ambiente. Fase de búsqueda de referencias
4. Ejecución / producción
Los ejercicios de las eta- Funciona de un modo si- Los alumnos desarrollan una Organizar la formación en pas de especialización en milar a la Bauhaus. Apren- serie de ejercicios y prácti- áreas temáticas dentro de un área se realizan bajo la dizaje y ejercicios por pro- cas de carácter cerrado en las cuales existan ejercicios
categoría de “proyectos” yectos, elegidos por el cada asignatura. No hay de carácter más abierto, (de principio a fin). No son alumnado.
vinculación entre unas asig- con un cierto grado de li-
que el alumno enfoca su
todos los años se repiten los alumno, y con vinculación
enunciados cerrados si no
naturas y otras. En general bertad de elección para el
propia idea hacia una inves-
mismo enunciados.
tigación y ejecución de las piezas de trabajo concretas
Vínculo con el exterior. Vínculo con el exterior. Vínculo
con
el
entre las asignaturas.
exterior. Potenciar la posibilidad de
Social: por medio de la Social: Se desconocen los Social: inexistente. Aunque crear elementos en el ex-
apertura de fiestas y even- mecanismos de la escuela los alumnos realizan múl- terior, o la posibilidad de tos puntuales de la Escuela para darse a conocer. a la gente de la ciudad.
tiples salidas de visitas a recibir la visita de la ciuda-
Empresa: por medio de las
Empresa: por medio de las relaciones laborales de los relaciones laborales de los alumnos que terminan la
alumnos que terminan la formación concreta y son formación concreta y son contratados por empresas
contratados por empresas y y fábricas como diseñadores. fábricas como diseñadores.
empresas y exposiciones, danía. Convertir la escuela
no existe ninguna llamada en un punto de referencia de atención sobre el centro de dinámicas activas de Empresa: por medio de las creación.Desde el punto
relaciones laborales de los de vista laboral, sería intealumnos que terminan la resante ampliar el período
formación concreta y son de prácticas empresariales contratados por empresas y que los alumnos realizan fábricas como diseñadores.
19
en empresas.
Aprendiendo de la Bauhaus. Vol. 1
NOTAS
(1) Stones of Venice 1851.1853 (2) Peter Beherens pudo reformar la Academia de Düsseldorf,, Hans Poezlig la de Braslau, Bruno Paul la Escuela Superior de Berlín y Henry van de Velde tuvo a su cargo la de Weimar. (3) Liga de talleres, conocida bajo las siglas DWB (4) Extraído del Manifiesto de la Bauhaus, redactado en su nacimiento para la etapa de Weimar. (5) Una especie de “secta” famosa en la Alemania de la época a la que más tarde se uniría Itten y que promulgaba un estilo de vida consistente en la dieta vegetariana, ayunos regulares, ejercicios respiratorios, educación sexual y reglamentaciones sanitarias estrictas. (6) Establece estas etapas en su libro “Bauhaus 1919-1933”, publicado en el año 1974.
BIBLIOGRAFÍA
Droste, Magdalena. BAUHAUS ARCHIV. 2006. Editorial Taschen
ARTICULOS
•Heiner Jacob, “HfG Ulm: A Personal View of an Experiment in Democracy and Design Education”, Journal of Design History 1:3-4 (1988), pp 221-234. • René Spitz, Die politische Geschichte der Hochschule fuer Gestaltung Ulm (1953-1968), 1997. Ph.D. dissertation. (German) • Klaus Krippendorff, “Designing in Ulm and Off Ulm”, in HfG, Ulm. Die Abteilung Produktgestaltung. 39 Rueckblicke, ed. K.-A. Czemper, 2008, pp 55-72. • René Spitz, HfG IUP IFG: Ulm 1968-2008, Ulm: International Design Forum IFG Ulm, 2012, 315 pp. (German)/ (English) • Steven Heller, “The Genius That Was Ulm. An Interview with René Spitz”, Print, 26 Nov 2012. • René Spitz, “Kurze Geschichte der HfG Ulm. Das Wesentliche im Überblick”, 2013. (German) • Isabel Clara Neves, Joao Rocha, Jose Pinto Duarte, “The Legacy of the Hochschule fuer Gestaltung of Ulm for Computational Design Research in Architecture”, in Open Systems, ed. R. Stouffs, et al., CAADRIA, 2013, pp 293-302. • Alessandro Latela, La progettazione moderna. Dal Bauhaus al modello Ulm, Naples: Academy of Fine Arts, 2015, 96 pp. Master’s thesis. (Italian)
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La pedagogĂa de la bauhaus y sus influencias en las actuales escuelas de diseĂąo
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