LU
MI
ERE uNA miRADA AL CINE sERBIO:
EMIR KUSTURICA enfoque Nacional:
Javier Fuentes-León y “El elefante desaparecido” CANNES 2014:
“winter sleep”
ESPECIAL
JEAN- LUC
GODARD
Y LA NOUVELLE VaGUE
NOUVELLE VAGUE
& JEAN-LUC 1. Lumiere / Octubre 2014
Más de cincuenta años han pasado desde que JeanLuc Godard cambió totalmente la forma de hacer y ver el cine. De la mano de la Nouvelle Vague hicieron de esta una época dorada para el cine y Godard se convirtió en un director inigualable. Según Godard, la Nouvelle Vague era un tipo de cine puro y verdadero, del que podemos analizar muchas partes, pero del que llegamos a la primera conclusión es que la directriz más importante de su lenguaje y de la pura esencia era la libertad de movimiento de los directores en ámbitos de cámara y de la narración. Si bien es cierto que todas las historias ya han sido explicadas, también lo es que se puede cambiar la manera de hacerlo, esto es el que viene a decir Godard. En definitiva, la contribución de la nouvelle vague supone una enérgica renovación del lenguaje cinematográfico al redescubrir la capacidad de la “mirada” de la cámara, el poder creador del montaje y otros recursos caídos en desuso. Su aportación sirve para reafirmar la noción de cine “de autor” y para introducir la inventiva en los métodos de trabajo, sacando provecho de las novedades técnicas, como cámaras ligeras, emulsiones hipersensibles, lámparas sobrevoltadas, iluminación por reflexión, y afinando y enriqueciendo las posibilidades expresivas del lenguaje cinematográfico.
C GODARD Lumiere / Octubre 2014 2.
“EL CINE ES EL FRAUDE MÁS BELLO DEL MUNDO” Algunas de las primeras películas de Godard exaltaban el crimen y la astucia del hombre individuado que no se rige por los paradigmas del sistema dominante y por lo tanto se mantiene mariginal: à part. Y como sus antihéroes el mismo Godard se erigía como un ladrón de la poesía, hurtando gemas literarias, miradas, gestos y cuadros cinematográficos para recombinarlos e incrustarlos en su narrativa fracturada. Sus personajes entran en dreamscapes literarios en los que las palabras fluyen por las imágenes que entran en coma o son ríos de espejos.
3. Lumiere / Octubre 2014
Se construye un hipertexto, una red de relaciones significantes, cine lúdico que, como el estructuralismo, es sobre todo una reflexión sobre el mismo lenguaje del cine, a veces deconstrucción, a veces metaexploración, a veces parodia. Y que manifiesta una de las grandes virtudes del arte, nos hace mirar el mundo de una forma distinta: nos imbuye la mirada del artista que hace fluir su visión de la realidad hacia dentro de nosotros.
“EL CINE ES COMO UN DIARIO PERSONAL, UN PORTÁTIL O UN MONÓLOGO DE ALGUIEN QUE INTENTA JUSTIFICARSE ANTE UNA CÁMARA.”
Pierrot le fou (1965)
“Creo que una película debería de tener un principio, una mitad y un final, pero no necesariamente en ese orden” En 1965 Godard está en su apogeo y filma dos de sus grandes películas Alphaville y Pierrot le Fou. En estos dos films tenemos una clara muestra de la genialidad hiperestilizada de Godard, inicialmente orientada a la poesía y al shock. En Alphaville Godard hace del film noir una distopia de ciencia ficción poética, que tiene su precursor en 1984 de Orwell y que se inscribe como antecedente de The Matrix. El detective intergaláctico Lemmy Caution atraviesa el silenciosos y pavoroso espacio infinito pascaliano para llegar a Alphaville, capital tecnotrónica de una sociedad de control en la que se ha abolido el arte y el pensmaiento crítico y donde, siguiendo los consejos políticos de Confucio, se ejerece el poder sobre los ciudadanos principalmente editando el lenguaje
5. Lumiere / Octubre 2014
En Alphavile con elementos low-fi, pulsos de luz, loops, un montaje que desgarra la continuidad a la que está acostumbrada el espectador, crea una inmersiva atmósfera distópica, de una realidad asfixiante donde sólo la luz de la poesía puede abrir el espacio, amplificar la mente y descorrer el velo de programación mental. En Pierrot le Fou tenemos aquella memorable escena de autoconciencia metanarrativa que rompe con el canon, cuando el personaje mira directamente a la cámara, y una serie de actos histriónicos que oscilan entre lo poético y lo subversivo. Sobre todo recordamos el final en el que el protagonista encuentra la eternidad de Rimbaud.
Le Mèpris (1962)
“Todo lo que necesitas para hacer una película es una pístola y una mujer” Es aplicable lo que dice Michel Houellebecq: “A los grandes pintores del pasado se les consideraba tales cuando habían desarrollado una visión del mundo a la vez coherente e innovadora… utiilizaban simpre los mismos procedimientos para transformar los objetos del mundo en objetos pictóricos y que esta manera que les era propia no había sido empleada nunca antes”. Aunque la visión de Godard, como la de la mayoría de los artistas, es fruto también de la cultura del remix, tiene la cualidad de transformar lo que observa y recrearlo de una manera que nos parece nueva: a través de su mirada vemos el mundo –la concatenación de imágenes cuya (ilusoria) unidad percibimos como la realidad — como nunca lo habíamos visto antes.
Lumiere / Octubre 2014
6.