Alimentándonos del séptimo arte
Alimentándonos del séptimo arte
- Lars Von Trier - Ruido - Carla Simón y Charlotte Welles -
- Bardo - The Batman - The Northman - Rifkin´s Festival -
- Spencer - El callejón de las almas perdidas - Cuestionario Proust -
Escribir la historia de una vida no es fácil,tampocoloestratardeescribirla historia de 10 años de vida de Cinéfagos. En el vagarde la memoria seescapanlosdetalles.Aspectosque se fueron haciendo cotidianos hoy imposibles de traer a bote pronto, porquelahistoriadeunproyectocomo Cinéfagos es la historia de la vida mismadesusprotagonistas.
Pareciera que fuera ayer cuando Eric Villa me comentaba la idea de hacer unarevistadecine.Deunmeroguiño a la realidad pasaron algunas reuniones donde, rápidamente, dimos con el nombre de la edición, su logotipo y lema, y después nos dimos a la tarea de conseguir los primeros colaboradores y los primeros eventos acubrirparanuestroprimernúmero.
Deaquelabrilymayode2013,previo al lanzamiento del número 1 de Cinéfagos, recuerdo la primera visita al set que hicimos. La dictadura perfecta, en aquel entonces filmándose bajo el título de La verdad sospechosa, fue parte clave del arranque de nuestra publicación, con laentrevistaqueEricl ehizoaldirector Luis Estrada, y que salió a la luz el 4 dejunio.
De aquella presentación no puedo decirles a precisión como se consolidó, pues, como decía, los detalles se quedan en el filtro que pone nuestro cerebro a todos los recuerdosquehayquea lmacenarcon eltiempo,peroseconservaelnervioy laemocióndeestartratandodehacer historia,deconsolidaralgoque,conel tiempo, marcara un antes y un despuésenDurango.
A una década de haber iniciado el camino, tenemos la certeza que, con sus altasybajas,Cinéfagoshapuesto su grano de arena en la difusión y promoción del cine que se hace en Durango. Desde festivales y rodajes hasta la crónica de los propios hacedores de cine duranguenses, hemos puesto empeño en que lo que se hace en la tier ra del cine tenga resonanciamásallá
El tiempo y la gente podrá decir qué tanto es nuestra contribución en esos aspectos, pero no me cabe duda que algo hemos hecho bien para tener el cariño y el respaldo de tanta gente, más allá de los números Algún día aseguré que esto continuará hasta que haya alguien que lo haga mejor. Ahora creo que Cinéfagos seguirá hasta que nuestros seguidores lo decidan.
Fundador Eric Eduarte Villa Director General Andrei Maldonado
Coordinador Editorial Juan José Antuna
Andrei
Lars Von Trier... 3
Bardo... 9
Ruido... 18
Carla Simón y Charlotte Welles... 24
The Batman... 28
The Northman... 31
Cuestionario Proust... 33
Spencer... 35
Rifkin´s Festival... 37
El callejón de las almas perdidas... 39
“Tomar lo bueno, con lo malo”, la frase con la que el cineasta danés Lars Von Trier despedía los capítulos de su aclamada serie de culto de los noventas Riget (The Kingdom), parece ser la directriz primaria de todasufilmografía
Una frase que se encuentra en “El diablo en la botella” de Robert Louis Stevenson, y quizá sea la esencia de esa narración la que ha llevado a uno de los más polémicos directores de nuestros tiempos a colgarse muy orgulloso el título de “persona non grata” que le dio el Festival de Cannes La carrera de Von Trier es demasiado amplia, por lo que nos enfocaremos en el siguiente texto en sus largometrajes los cuáles, en su mayoría, Lars los ha desarrollado formando trilogías, lo que facilita -y a lavezno- suanálisis.
La primera trilogía es la conocida como “trilogía de Europa”, que enmarca el periodo comprendido entre 1984 y 1991, en la cual se encuentran su ópera prima El elemento del crimen , seguida de Epidemic y Europa. En esta trilogía encontramos las películas más “de género” de su filmografía, con un thriller policiaco, una cinta de ciencia ficción y una película bélica, las tres desarrolladas muy a su manera, y conestilospocoortodoxos
Por ejemplo, en las tres tiene participación como actor (más notoriamente en Epidemic, cinta donde escribe la letra del tema de créditos), además estas tres películas marcarán una pauta para su prestigiosa serie de TV The Kingdom,
como lo es el manejo de tomas aéreas en tonos sepias, elementos fantasmagóricos, diálogos y personajes difíciles de analizar y un protagonismo notorio al aparecer como él mismo al final de cada capítulo
De la trilogía “Europa” podemos notar cierta crítica a la historia, que es pasado y presente a la vez, del viejo continente y sus habitantes En la siguiente trilogía, denominada “Golden hearth”, el cineasta danés pasa a abordar de manera más tajante los sentimientos humanos, que a la larga llegará a ser su sello distintivo en el resto de sus películas . Breaking the waves, Los idiotas y Dancer in the Dark son las películas integrantesdeestatriada.
Cabe destacar que en esta etapa, que va de 1996 al 2000, Von Trier atraviesa por varios momentos. Uno, la filmación de la segunda parte de The Kingdom y caída de la tercera temporada por la muerte de algunos de sus protagonistas; por otro, la creación del Dogma 95 que trajo consigo a Los idiotas, aunque el estricto mandamiento que él mismo ayudó a construir terminó siendo ignorado por su creador en las siguientesproducciones.
Se podría decir que con “Golden hearth” Von Trier inauguró la tradición de tener cintas protagonizadas por mujeresmelancólicas,abrumadaspor la desgracia, que vendrían a ser el sellodelamayoríadesustrabajos.
Vino la inconclusa trilogía sobre Estados Unidos, con Dogville, Manderlay y Washington, esta última nunca se filmó. Aquí la crítica es evidente a la sociedad estadounidense, donde expone y casi se burla de los valores que ellos consideran más sagrados, como la democracia y la defensa de los derechosciviles.
Como plus para estas historias está la forma en que fueron producidas, montadas sobre un escenario teatral, donde los límites entre puesta de escenayespectadorsoncasinulos.
Quizá el punto negativo sería el cambio de protagonista, donde se complica pensar que son el mismo personaje Nikole Kidman y Bryce Dallas Howard, aunque las dos den actuaciones increíbles Lo mismo pasa con el personaje que en una es UdoKieryenlaotraWillemDefo e.
Enseguida tenemos la trilogía “de la depresión”, la cual se inicia con Anticristo, donde aparece Charlotte Gainsbourg, la que a la larga se volvería una actriz fetiche, ya que aparecería en el resto de la trilogía, con el coprotagónico en Melancolía y el rol principal de Ninfomaníaca , la cualsedesarrollóendospartes.
Las tres historias representan diversas manifestaciones de la tristeza, que llevan a sus personajes a tomar decisiones crudas, al límite de lo humano. En Anticristo somos testigos de la depresión tras la muerte de un hijo, en una secuencia en una cámara le nta en blanco y negro inolvidable; en Melancolía, Von Trier usa su cámara en mano, su cuestionamiento a la familia, y lo mezcla con tremendos efectos especiales del fin del mundo; y con Ninfomaníaca convierte el porno y las parafilias en arte. Estas pelícu las, como la mayoría de las de su invención, son desarrolladas por capítulosoepisodios.
Además de las mencionadas trilogías ydetrabajoscomolatercerapartede Riget, hay de manerasuelta películas independientes que también son dignas de destacar. En tre ellas está Las cinco obstrucciones , donde Lars lleva su admiración a Jorgen Leth, otro cineasta danés, y lo transforma en ser su jefe para mandarlo a hacer cinco versiones de un corto filmado treinta años atrás, todas de ellas con pautascasiarbitrari as.
A esta especie de documental le sigue El jefe de todo esto , donde el danés juega con los elementos básicos de la comedia para desarrollar una situación de oficina estilo “The office”, pero al más puro estilo Von Trier. Por último, su más reciente película La casa de Jack , donde abraza por completo el thriller para desarrollar una historia sobre un implacableasesinoserial(Matt Dillon) donde de paso deja ver su peculiar forma de ver el mundo que le ha traídoproblemas
El más conocido, y que da título a este texto, fue el que le llevó a ser declarado persona non grata en el Festival de Cannes, por afirmar que simpatizaba con los nazis; de igual forma la cantante islandesa Björk dijo que después de Dancer in the Dark no actuaría más, por culpa de Lars y sus métodos de dirección, los cuales incluyen formas morbosas de matar personajes o el uso de actrices porno para ciertas escenas que las protagonistas no están dispuestas a hacer
¿Profunda o pretenciosa?
Creo que no miento al decir que la más reciente película del laureado mexicano Alejandro González
Iñárritu, alias "El Negro"; es quizá la más comentada de los últimos años, hablando de una película mexicana, creo yo, incluso sobre la admiradísima (y tambié n algo polémica) Roma deAlfonsoCuarón.
Y sobre toda la polémica y comentarios que ha desatado desde su estreno al público tanto en salas de cinecomoen laplataforma Netflix, decidí tomarme un tiempo después de verla por primera vez, para volver a verla en una segunda ocasión y así escribir sobre ella sin caer en el comentario fácil o en las palabras huecas y obvias que la mayor parte delagenteutilizaparareferirsesobre ella o su autor: pretenciosa, egocéntrico,whitexican,vendehumo .
Mi intención es, al menos en un principio, hacer un ejercicio amplio y bien detallado de todas las virtudes, vicisitudes y excesos, no quiero utilizar la palabra "errores" para referirme a la película de Alejandro porque claramente todo está como está por alguna razón, a la mirada de él todo está en su lugar, pero desde la mirada de un tercero, puede haber engolosinamiento en algunos recursos, tanto técnicos como narrativos Quizá la mejor forma de partir con el análisis es dando por hecho que Alejandro es el dir ector más provocador de los tres amigos, y esta eslarazónporlacualesdelquemás respeto su trabajo (hablando en el estricto sentido de los tres amigos, pueshaymuchasymuchoscineastas mexicanosalosqueyoadmiro ).
Sus trabajos siempre retratan historiasdepersonajesexcluidos,con unacondiciónsocial alaquehayque decirabiertamente,éldelejoshasido parte, pero que por su condición de migrante, exiliado y mexicano, nadie le podría reprochar que no conoce, desde una mirada privilegiada por supuesto,perolosconoce
Bardo (falsa crónica de unas cuantas verdades) es la película más libre de Alejandro en todos los sentidos: narrativa y técnicamente hablando, pareciera que no se sujeta a ninguna regla establecida, y esto hace que su naturaleza sea completamente onírica, y que por supuesto empalma perfectamenteconlatrama.
Partiendo del hecho que la película es como tal un viaje del inconsciente de un hombre en coma, en este sentido todo es ilógico, nad a es real, pero se fundamenta con veracidad; en el que todo lo vivido en semanas lo recrea en dos espacios de tiempo diferentes, unos minutos cuando sus seres queridos lo acompañan en la cama en que está postrado en la Ciudad de México, y el tiempo que duralapelícula
Esto, podríamos suponer, justifica todo lo que pasa en la película, y en cierto sentido esto es verdad, y que se pueden dar por sentado si analizáramos la película episodio por episodio, pero hay elementos y excesosqueensuconjuntoseno tan, sobresaltan y a veces molestan en la narrativa general de la película Podríamos empezar comentando el hecho de que, aunque Silverio está plagado de todas las inquietudes y está hecho de Alejandro a su imagen ysemejanza,elunonoeselotro.
Si bien a Silverio le aquejan las mismas incertidumbres que a Alejandro, y siente el amor por su familia comoAlejandroama ydetiene su mirada en ciertas figuras de esta como la escena con la hija en la alberca armonizada por la espléndida canción de José José, pero vamos más adelante a ello, hay una barrera que crea la ficción donde uno fácil puedetomarsecomopersonaltodolo que es Silverio, pero que obviamente no es por completo la obra un reflejo idénticodesucreador
Muchas de las influencias cinematográficas para la creación de Bardo son obvias, pero hay otras que es un juego y un deleite poder descubrirlas, incluso hay varias que se revelan con más facilidad si se da lectura a la película episódicamente, estas corresponden sobre todo con la propiaobrapreviadeAlejandro.
Un ejemplo es el principio de la película, con el vuelo sobre el desierto, uno puede referir directamente a una de las escenas más emblemáticas de 8 1/2 de Federico Fellini (la escena del globo sobre la playa), pero también, por la esencia sensorial que propone est a, unopuedeencontrarunalíneadirecta con Carne y arena , pero también me parece un guiño a la forma en que fotografía el maestro y su grande amigoEmmanuel"ElChivo"Lubezki.
En la primera escenade los peces es donde me parece empieza a jugarle desde mi perspectiva una mala jugada la grandilocuencia técnica en su discurso, pues si bien de alguna forma intuitiva los que conocemos su obra sabemos que esto es una especie de sueño, el hondar esto con la forma en que retrata el plano con un gran angular y divide el espacio-tiempo en dos partes opuestas, no hace más que hacer redundante lo que algunos ya sabemos.
Una parte en la que la grandilocuencia funciona y además con este tono irónico e hilarante que representa el humor dramático en el cine de Iñárritu, es en la parte de los niños héroes, pues hay un juego bastante interesante de metacine, y que se logra de m anera magistral en otros tantos momentos de la película, en el que incluso llega a romperse la cuarta pared con una naturalidad brillante. La naturaleza de Silverio es realmente rica si la contextualizamos con la propia figura de Alejandro, y hay muchos el ementos que me parece resaltan aún más la naturalezacontrovertidadeAlejandro
Es un hecho que él sabe lo que mucha gente opina de él, de su obra, ynotemeamofarsedeello,inclusoa autocriticarse en el acto, tanto en la misma figura de Silverio, co mo en la de los cercanos a este, como su esposa, su hijo, la escena del desayuno con este, por un lado es extraordinaria porque hay un doble juego de crítica en el que se revela el amor-odio de Silverio por México, criticando gobierno y religión, pero resaltando la riqueza cultural sobre la de Estados Unidos que le quiere
implantar a su hijo, pero también demerita todo ese discurso por grandilocuencias técnicas que me parece están demás, o pareciera trataran de desviar la mirada del discurso que se está cre ando entre losdospersonajes.
Pero sobre todo con el personaje de Luis Valdivia, este personaje que se siente abandonado, robado y menospreciado por su antiguo colega, figura cuya inspiración bien podría haber sido inspirada en Guillermo Arriaga (yo así l o percibo, honestamente) el cual no deja de decirle esas "verdades" que sabe Alejandro para algunos es el santo y seña.
El hecho de que Alejandro haya dado como profesión a Silverio la de periodista y documentalista (la escena dónde Silverio está haciendo el documental de los migrantes que desaparecen remonta a una escena clave de La dolce vita donde dos niños dicen que vie ron a la virgen y sólo se están riendo de la gente, que en Bardo se contextualiza con el rapto de este grupo de personas ) es pararecalcar lacríticaalsistema.
Puesenunpaísdondeeldocumental durante muchos años (afortunadamente, ya no tanto) fue castigado y muy menospreciado, y el periodismo se ha convertido en una profesiónderiesgo,yaqueMéxicoes uno de los países donde más periodistassematan;el hechodeque una persona de este gremio sea reconocida en el extranjero, es algo que contrasta absurda y tristemente conlarealidadquevivimos, al menos en este país. La autocrítica en su puntomásálgido.
Una persona conocida me hizo un comentario sobre algo que amí en el primer visionado no me brincó pero que en la segunda lo pude notar, y esto es en la secuencia de la habitación con su mujer, cuando ambos están desnudos y acostados enlacamadeperfil, claramentesele veaSilverioblanquísimo,aun cuando enlapropiapelícula,enesteepisodio donde Silverio imagina que fue al programa de Luis Valdivia, este dice que sufría bullying por parte de su propiamadrequeledecíanegro, per
partiendo del hecho que Silverio no es Alejandro, y de que El negro verdadero es un provocador por excelencia, siento que esto lo hizo deliberadamente, y es genial, porque acá trasgrede y refuerza el discurso de la obra, pero sin grandilocuencia absurdaysobrada
Quizálapartequeyomásdisfruteen todos los sentidos fue la parte de "el baile", pues en esta no sólo se ve el espíritu mexicano de Alejandro en todos los sentidos, sino que además se dan varias partes medulares de la película,olashilvanan.
Una de ellas es la discusión entre Silverio y Luis, donde hay unas reflexiones por parte de Silverio existencialistas muy profundas, así como el juego del metacine más que presente, y la autocrítica a todo lo que da (donde además hay referencias clavadísimas a su obra, sobre todo a Babel, Biutiful y Birdman).
La otra es en el mismo baile, donde se da un momento mágico armonizado por “Let's dance” de David Bowie, y de ahí nos conduce a un par de episodios realmente emotivos con su padre y su madre, del hecho del "Silverio niño", sólo comentaréque,comoyalo dijeantes, "es ilógico, nada es real", porque esa es la naturaleza de toda la película, además, como en un sueño, cuando tienes un encuentro con tu padre, o un ser querido fallecido, aún lo sueñes de la misma forma en como era cuando tú eras niño, en el s ueño tú no puedes aparecer como un niño, apareces como eres en tu realidad, con las vivencias y contexto que tienes en el momento en que lo sueñas, aunque puedas ver a la persona desde la perspectiva de un infante.
El siguiente episodio quizá sea el más potente que viene desde que Silverio sale a una Ciudad de México desierta que de a poco se empieza a llenar de su bullicio característico, y en este punto la crítica es verdaderamente punzante, partiendo del tema de las desaparecidas y la violencia, y como l leva al inicio de
esta, donde se le culpa de esta a Hernán Cortés y donde además la alegoría entre los dos, si bien comentadísima y polémica, es clara y justificada, donde además el juego del metacine y el creador es clarísima,sinmencionaresamontaña de cuerpos que nos remite a Revenant. Fellini sigue presente en la película, tanto al principio de la escena en la playa con la familia, como en el episodio del documental, con los migrantes desaparecidos, con clara referencia a La dolce vita . Es en la escena de Silverio y su hija (en este comentario abro un paréntesis para hablar de las grandes actuaciones de todas las actrices en la película, sobre todo Ximena Lamadrid, Griselda Siciliani y todas las hermanas de Silverio) donde, si bien ya se habían platead o las ideas y cuestiones de la identidad y el orgullo mexicano en Silverio, este es cuestionado por su hija Camila, por haber querido ser parte de todo lo que se perdió por no poder vivir en México
El hecho implícito de no ser ni de aquí ni de allá, esa identidad que le hubiera gustado tener y vivir de primeramano,noporloquesupadre les dice a ella y su hermano (con el que Silverio también tiene un momento de reflexión en la siguiente escena sobre laausencia deeste por estar todo el tiempo fuera haciendo sus películas) sobre el orgullo de ser mexicano Luegosevienelahermosa escena de cómo liberan a ese hijo que no quiso venir al mundo (en la primera escena hay además un elemento muy La fórmula secreta bien ensamblado en la trama que se desenvuelve en esa parte) y del cual no se puede desprender tanto El negrocomotodalafamilia.
El final, con la escena del tren, ahora en el plano de la realidad, y la sucesióndeesta,esdondedealguna maneraAlejandrorevelalatesisdela película,elquererdesprendersedela realidad, de la dolorosa realidad, de la tortuosa y asfixiante realidad, en la que se deja ir en el inconsciente y eselimbo enelquepuedeemprender su viaje, donde hay que aprender no sólo a levitar, sino a volar, verlo todo desde esa perspectiva en las alturas, y desde la cual es más fácil plantearse todas las incertidumbres de un hombre para el que el peor de sus fracasos es haber alcanzado el éxito, creando así una película biográfica como ningún otro director lahayahechojamás,conesalibertad creativa narrativamente hablando en todosuesplendor
¿A dónde vamos cuando la angustia nos colma?
texto JUAN JOSÉANTUNAORTIZ
El número de películas mexicanas que en los últimos años han tocado temas sociales en su trama es avasallador, desde desaparecidos, feminicidios, crimen organizado y demás; y entre ese número de producciones por supuesto hay los que tienen valor tanto en e l fondo como en la forma, y hay los que sólo se quieren colgar de estos temas para hacer películas que el espectador consuma y así financiar más películas sin valor cinematográfico.
Pero, si tratáramos de dar valor o poner en alguna posición la más reciente película de la realizadora Natalia Beristáin, sin duda alguna ocuparía alguna de las posiciones más destacadas. Ruido me parece, por muchas razones que trataré de mencionar a detalle, una de las mejores películas mexicanas del 2022, yporsupuestodeltemaquese maneja, o mejor dicho temas, si hacemosmásprecisaladescripción.
Desde su paso por festivales como San Sebastián y Morelia, la película recibió críticas y elogios en su mayoríapositivas,ycontodarazón.
Parahablardeestapelículaunotiene que partir del discurso en ella. El trabajo de Natalia es sumamente valioso por varias razones, partiendo por elhechodequelogracrearensu película un discurso en el que se abordan varias problemáticas que se viven en nuestro país, pues si bien está la cuestión de las desapariciones, también está el del feminicidioyeldelaimpunidadconla que opera la delincuenc ia organizada en parte crecida por la ineptitud en el sistema judicial mexicano, en este sentido a la película no le tiembla la mano en ser crítica y señalar tanto a gobierno, gobernantes, corporaciones policiacasydemás.
El guion se siente no sólo inteligente narrativamente hablando, sino informado, y esto se debe a las tres plumas que están detrás de su trabajo: la propia Natalia, Alo Valenzuela y Diego Enrique Osorno, por si existe alguna duda de que hubo un proceso de i nvestigación bastante complejo detrás de la escritura de este. La película logra abordartodosestostemas,yotrosde manera atinada, y si bien algunos de manera más breve, lo hacen con la complejidad y seriedad requerida, como la de la violencia contra l os periodistas que investigan esta clase dehechos.
Con Ruido, uno se da cuenta enseguida que estamos ante una película mayor; no cualquier película de esta ambición y complejidad de abordar tantos temas sale tan bien librada, Natalia lo hace, aborda todo de manera correcta, y ningún tema o momento queda desprotegido, se siente flojo o de relleno La película no sólo es una trama interesante, o un tema rico y potencial en el cual uno pueda sentir cierta identificación; la película también tiene una riqueza narrativahablandodentrodetérminos de la forma, que desbordan la propuesta creativa tan rica que tiene paracontarhistorias.
Espertinente,parahablardelaforma en concreto, partir por este lugar al queJuliavacuandoeldolorvienepor la impotencia de no dar por fin con alguna pista sobre el paradero de su hija. Desde el minuto uno Natalia ya nos dicta este elemento que se vuelve muy rico narrativamente hablando y que le da un acompañamiento de congruencia durante toda la película, se amalgama perfectamente con el discurso que es desolador y desgarrador, esta zona donde los sentidos parece pierde control, no haytiempolin eal,sólounaespecie
de ruido blanco que mitiga la dolorosa realidad que Julia, como miles de personas más vienen sufriendo desde el 2009 que se declarólaguerracontraelnarco.
La película además cuenta con unos desplazamientos de cámara y unos encuadres que, sumados al gran trabajoquesehaceenelmontajeyla música incidental que es puntual e impecable, nos dan muestra de la gran mirada y propuesta creativa que tiene Natalia y que ha venido demostrandotrabajotrastrabajo.
Dicen que una mala película puede ser salvada por una extraordinaria actuación, pero cuando vemos una buena película, y esta se sostiene con una grandiosa actuación, es como encontrar un tesoro Julieta Egurrola (que cabe mencionar, es mamá de Natalia, y q ue también sale actuando el señor Arturo Beristáin, padredeNatalia,comopadredeGer) firma una de las actuaciones más poderosas, catárticasydolorosasque yo recuerde de películas mexicanas de los últimos años Hay una furia y una garra que desborda e n los momentos más dolorosos de la historia, pero también tiene momentos de quietud y mesura que hacenmásquegenuinaalaJuliaque interpreta.
Algo que también me agradó mucho de la película, es que esta reivindica de alguna manera a la figura masculina que también busca a sus personas desaparecidas, pues si bien está claro que la película no aborda sólo el problema del feminicidio (y que tampoco yo creo que tenga un tono feminista) la película narra cómo, tantoel papácomoel hermano de Ger (Pedro de Tavira una vez más
apareciendo en una película de Natalia, y además con una intervención en verdad conmovedora) narran como sienten exactamente lo mismoqueJulia.
También de alguna manera vemos cómo en el personaje de quien se hace cargo del caso de Ger, el nuevo fiscal Zamudio Rodríguez (grandiosamente interpretado por Adrián Vázquez), hay personas dentro del sistema que tratan de hacer el cambio, aunque estén condicionadamenteatadosdemanos.
La película, que como dice el poster, está basada en hechos y testimonios verídicos, uno escucha ciertas historiasquesenarranenesta, quea unodeverdadledesgarranel alma, y hacen que uno como espectador realmente empatice y se solidarice aúnmásconestascausas.
Nos hace llenarnos de coraje y volvernos a preguntar cómo es que estas cosas siguen pasando en México. La impotencia lo deja a uno conmuchoquépensar, larealidadde nuestro país nos deja helados, y el dolor que mucha gente sufre al saber queestaes surealidad,comoladela mujer cuya hija mayor está desaparecida y su hija menor la va hacer abuela; o lasmujeresa lasque lesarrebataronasusmaridosehijos.
El final de la película, aunque para algunos es lo más flojo de esta por los clichés y los estereotipos con que cierra la historia, me parece es la forma en que tenía que ser tratado, y es donde realmente se expone la tesisqueNataliaqueríaexpresarami parecer, pues no sólo vemos expuesto de manera literal al estado opresor y fascista que n o ha cambiadosumaneradeoperardesde el siglo pasado (sin importar los coloresdelpartidoquegobierne)
cuando se trata de resolver temas sociales en los que la ciudadanía ya no se queda callada, vemos que, por un lado, si bien el apoyo de los grupos feministas hace lo humanamente posible para luchar y apoyarse unas con las otras, la película narra visualmente un fragmento en el que ejemplifica que para poder salvar al organismo y su discurso, algunas militantes se tendránquesacrificar.
Y definitivamente el final, que si bien es doloroso porque literalmente ejemplifica el yugo con el que el sistema golpea sin piedad a quienes claman por respuestas y justicias, tieneunelementopoéticoyoníricoen el que, la única esperanza que nos queda es que despu és de todo dolor y tristeza, al final se nos recompensará con encontrarnos en ese lugar al que huíamos, a las personas que tanto queremos y amamos y hemos buscado, ese lugar enelque alfinal seencontrarálapaz.
El cine catártico y visceral de Carla Simón y Charlotte Wells
texto JUAN JOSÉANTUNAORTIZ
Este texto originalmente iba a ser sobre muchos de los cortometrajes interesantes que he visto en la plataforma Mubi en los últimos meses, pero al estar escribiendo sobre ellos me di cuenta que sólo al escribir sobre dos me estaba emocionando con la misma intensidad que cuando los estaba mirando, o quizá un poco más, y siento que esto se debe más que nada por el honesto discurso de sus directoras que van hilvanando en toda su obra, una obra cercana y referencial
Creo que no hay mejor manera de conectar con las personas a través del arte como cuandoexplorastemas que conoces de primera mano y llegan a tu corazón de manera importante, aun cuando puedan ser temas muy dolorosos, y creo que es algo que está presente en estas dos directoras.
Por un lado te nemos a Charlotte Wells, directora irlandesa quien ha sido la revelación desde el año pasadoconsumagníficaóperaprima Aftersun, pero que previo a esta hizo Tuesday en el año 2015, un cortometraje extraordinario en el que explora a través del personaje de Allie, seguramente su alter ego; la falta de su padre, como lo hace a travésdelosrecuerdosdesuinfancia en Aftersun, pero ahora abordados desde su juventud en el instituto y viviendoconsumadre,sushermanos ylaparejadesumadre
En este cort ometraje, así como en muchos lapsos de su ópera prima en largometraje, lanarrativaesdictadaa través de una fotografía llena de oscuridad y colores fríos, y silencios que de una u otra forma reflejan lo que somos, que nos definen como personas y se llen an a través de los recuerdos, y del pesode la ausencia; silencios que se llenan de lo que pensamosysentimos.
Hay un diálogo que se desarrolla en la trama por esos silencios que nos heredan nuestros padres, en el caso de la obra de Charlotte, la figura paterna; y estos se presentan cual mutación llevada en el ADN que nos enfrentan entre seguir el patrón heredado siguiendo la cadena o romper con esos lazos para crecer como personas, esta lucha interna definirá si nos alejará de las otras personas y nos convertiremos en esa figura tan presente como ausente en la vida de nuestros amados, como lo fuelafigurapaternalquefaltó.
PorotroladotenemosaCarlaSimón, realizadora española que tanto con Verano 1993 y Alcarràs, ha recreado mucha de su historia familiar capturadaatravésdelainfanciaylas cámaras de video, ya fuera de ella misma o de su familia , pero la catarsis más poderosa me parece la ha logrado con el conmovedor cortometraje Carta a mi madre para mi hijo,puesyanosóloessuvisión
de su familia a través de la infancia y los recuerdos que arden, y las personas que formaron parte y la hicieron tanespecial, sino queesella misma asumiendo la historia que tendrá su hijo a través de la memoria visual que representará este cortometrajeensuvida.
La pieza me parece por demás valiosa cinematográficamente hablandoporquehaceunamezclade documental y ficción, filmada en super ocho y con un juego de diferentesartilugiosydemaneramuy sencilla y rudimentaria, con los que hace una pieza cinematográfica riquísima montando diferentes estructuras narrativas de manera perfecta y sinque letiembl e lamano. En esta carta ella literalmente desnudacuerpoyalma, mostrandola hermosura y la belleza del del primer embarazo en una mujer, preocupada en poder hacer su mejor trabajo cuando está activa en su carrera profesional, y que además en su papelde ellamisma.
Crea su historia visual con archivo familiar como documental, después recrea la historia de su madre en diferentes etapas de su vida para la ficción, y finalmente crea un personajepararecrearcomoquizásu mamá habría sido en el presente (interpretada de manera soberbia y brevemente por la gran Ángela Molina) a donde Carla la visita y tienenlapláticaquelehabríagustado tener con ella en el momento que ella, Carla, estaba a punto de ser mamá.
En conclusión, el cine de estas dos jóvenes realizadoras es tan catártico y enamora tanto a los públicos de todoelmundo,porqueesuncineque se siente, transmite emoción genuina y real, es un cine hecho desde lo personalydesdeelcorazón,yesono lo crea ninguna industria, ninguna cámara, y tampoco ningún truco de montaje en el cine, eso viene después, para reforzar la historia, pero sin historia honesta, pocas veces las historias en el cine trascienden.
La fascinación por los antihéroesvillanos vueltos salvadores, o bien héroesconpersonalidadeslímites -ha tenidounrepunteenelcineylaTVen los últimos 20 años. Desde los antihéroes de historietas como Hellboy,oprovenientesdela literatura como Sherlock Holmes, pasando por Dr.HouseenlasTV -Series,elpúblico ha llegado a adorar estos personajes sarcásticos, oscuros y violentos. El punto cumbre lo han alcanzado las películasdedicadasacontarlavidade los antagonistas, los vi llanos, como Maléfica o El Joker, que ya venían quitándole protagonismo a los superhéroesdesdetiempoatrás.
Sin embargo, el antihéroe por antonomasia es Batman. El caballero delanochenoesunsuperhéroe,sino un justiciero ciudadano. Es decir, no es pura bondad, como lo sería Superman, sino un hombre atormentado por su pasado, por la tragedia, que adopta una doble personalidad para vengarse en búsqueda -consciente o no - del criminalquelesarrebatólavidaasus padres,dejándoloenlaorfandad.Yn o solo eso. Dicha venganza la ejecuta utilizando el terror como herramienta: hayquehacersufriraloscriminales,y para ello utiliza la figura del murciélago, un animal que inspira miedo.
En The Batman (Mat Reeves, 2022) volvemosateneraeseBatmanqueno busca “encajar” en el mundo de los superhéroes, comolohicieronverlas versiones noventeras del hombremurciélago (sí, incluso el de Burton) y que sí mostró Nolan en su afamada trilogía Aún más: el Batman de Reeves (interpretado por el vilipendiado y a la vez amado Robert Pattinson) es un vengador perdido, mortal,alcualnotodaslasacrobacias le tienen que salir bien, que no es un galánempedernidoqueconquistauna mujertrasotraenostentosascenasde beneficencia,haciendosiemprealarde delapellidoWayne
Dejando de lado lo evidente (excelentes efectos especiales proveniente de los millones que hay detrás de esta producción) el guion cumple con potencializar asp ectos no destacados en otros filmes sobre Bruceysualterego,aunquealosfans más apegados a los cómics estas libertades creativas no les gusten tanto; igualmente, destacan los personajes que acompañan al protagónico, como su cómplice Catwoman (interpretada por Zoe Kravitz)olosvillanosdeestaocasión: El acertijo (Paul Dano) y El pingüino (Colin Farrell), amén de algunos aspectos que bien pudieron resaltar ensuspersonalidades.
Un Acertijo próximo a la locura de El espantapájaros de Batman: Begins y el Joker de Batman: The Dark Knight , que bien pudo haber sido más un asesino serial que un sociópata; mismo caso con el Pingüino, el cual suponemos cobrará más protagónico enunasecuela(comodejaentenderla película, pasará en el futuro de una nueva trilogía en el universo DC), que
biennoshubieragustadocomojefede lamafiadelacaóticaCiudadGótica,y nounmeromatóndeloscaposdelas drogas.
Que la película toma tonos oscuros, eso es cierto, pero que pudo ser mucho más cruenta, también lo es. Con tanto promocional en cromáticas oscuras, uno bien podría esperar una cinta más al estilo Seven o The Figth Club, algo más David Fincher Aún más,quizámuchosesperábamosuna película más al estilo Joker, que contara los orígenes más humanos y menos de historieta del vengador, cosa que tampoco ocurre en pantalla, pues nos arrojan (como en los 90’s) a un mundo donde Batman es parcialmente aceptado por la sociedad.
Engeneral The Batman cumple:noes una película palomera más, un producto consumible y desechable como viene sucediendo con la mayoría de las películas de super héroes. Tampoco es una película que revolucione el género, como lo hizo Joker o, desde la sátira, Birdman, y mucho menos es una obra maestra Quizá el mayor méritoesquerescataeltononoir,casi de aventuras de detectives y espías, en el que se desarrolla la historia del más humano de los superhéroes o, mejor dicho, el antihéroe por antonomasia
No recuerdo quién exactamente me dijo la frase: “en el cine no hay historiasnuevas,loquesiemprehabrá son formas distintas de contarlas”. Y esosevuelveaúnmásciertodespués de ver la nueva película de Robert Eggers(“Thewitch”,“The lighthouse”) “The northman”, largometraje protagonizado por Alexander Skarsgard, Anya Taylor -Joy, Nikole Kidman,WillemDefoeyBjörk.
“The northman” nos presenta la historia de Amleth, príncipe heredero altronoqueestestigodelasesinatode supadrey esobligadoalexilio,desde dondeconstruyeunplandevenganza en contra del asesino del depuesto rey, que resulta ser su propio tío Durante la travesía se unirá a Olga, princesade un lejanoreino capturada como esclava, e iniciará un viaje dondelavenganzaeselúnicocamino posible.
Implacable en su técnica y con interpretaciones majestuosas, “The northman”nodejadeser,enelfondo, solounatrasposicióndehistoriascuya premisa es la venganza: Hamlet, el referente más evidente (recordar que Shakespeare se inspiró en la leyenda de la tragedia del príncipe Amleth de Dinamarca), como también lo es “El conde de Montecristo”, donde Edmund empeña trece años en la venganza.
Contraponiéndolaconotrapelículade esteañoquehablasobrelavenganza, “The Batman”, uno podría encontrar mucha más coherencia en el destino que emprende Bruce Wayne sobre el de Amleth. El excéntrico millonario entiende que la venganza ha desvirtuado su labor de justiciero, y opta por generar esperanza; el príncipe danés renuncia a la posibilidad de vivir con Olga y su hijo que está por nacer, por morir pensandoenelValhala.
No podemos considerar que “The northman”esunamalapelícula,nada de eso. Al contrario, la majestuosidad de las locaciones viene de la mano conundiseño devestuarioimpecable, una maravillosa fotografía y una bandasonoraenvolvente.Peseaello, esimposiblenosentirtodoestovacío, más una aproximación al falso heroísmo de Zack Snyder con “300” queunaauténticaépicavikinga.
1.¿Principalrasgodetucarácter? Fuerza
2.¿Quécualidadapreciasmásen unhombre? La lealtad
3.¿Yenunamujer? Lealtady fortaleza
4.¿Quéesperasdetusamigos? Que esténahíparaapoyarme
5.¿Tuprincipaldefecto? Meenojo fácilmente
6.¿Tuocupaciónfavorita? Leer
7.¿Tuidealdefelicidad? Viajar
8.¿Cuálseríatumayordesgracia? Perderaalguiencercano
9.¿Quétegustaríaser? Yomismo
10.¿Enquépaísdesearíasvivir? Chile
11.¿Tucolorfavorito? Guinda
12.¿Laflorquemásleg usta? Geranio
13.¿Elpájaroqueprefieres? águila
14.¿Tusautoresfavoritosen prosa? JoséDonosoyJoséAgustín
15.¿Tuspoetas? AlejandraPizarnik yPabloNeruda
16.¿Unhéroedeficción? Gokú
17.¿Unaheroína? LinaInverse
18.¿Tumúsicofavorito? Bunburyy Cerati
19.¿Tupintorpreferido? Francisco DeGoya
20.¿Tuhéroedelavidareal? FranciscoVilla
21.¿Tunombrefavorito? Alejandra
22.¿Quéhábitoajenono soportas? Losdemalahigiene, sobretodoqueloshombresescup an enlacalle
23.¿Quéesloquemásdetestas? Lacrueldadanimal
24.¿Unafigurahistóricaquete pongamalcuerpo? Pinochet
25.¿Unhechodearmasque admires? RevoluciónMexicana
26.¿Quévirtuddesearíasposeer? Paciencia
27.¿Cómotegustaríamorir? Sin dolorybajomistérminos
28.¿Cuáleselestadomáscomún detuánimo? Melancólico
29.¿Quédefectosteinspiran mayorindulgencia? Ninguno
30.¿Tienesunamáxima? Sí,pero nolarecuerdo
Comobienseanticipaalcomienzodel filme, Spencer esunafábulasobreun acontecimiento real, más concretamente sobre una tragedia Real. La obra de Pablo Larraín, que tiene como personaje principal a la princesa Diana, encarnada en una brillante Kristen Stewart, se toma varias licencias para ilustrar una ficciónnomuyalejadaalarealidad
Puede queel públicoacostumbradoa los productos ya digeridos que suele exponer Netflix en sus biopics se confunda en el parsimonioso y cansino estilo de la película, que deambula entre el fantasma de Ana
Bolena y la depresión de Diana (Diana, no esa figura construida por losmediosllamadaLadyDi)ytermine por no descifrar donde termina la ficciónycomienzaloreal
Esprecisamenteeneseaspecto enel cualradicaeltrucodelaconfusiónque viene empleando Pablo Larraín en su cine,demaneramásconcretaconsus anteriores películas, Neruda y Jackie, pero también con otros largometrajes inspirados en sucesos reales, como fue el asesinato de Salv ador Allende en Post Mortem o la restitución de la democraciaenChilecon No
Para los puristas, estos insertos de realidad ficcionada (como el intercambio de vestidos entre un espantapájaros y Diana de Gales) puedensignificartrabasparaentender el relato, pero vienen a amalgamar el sentido de encierro, deseo de escape y extrema angustia que padeció la finada princesa ante los estrictos protocolos que imponela duracorona inglesa
Con un trabajo de vestuario, ambientación y fotografía impecables, elchilenodemuestraeldominiodeun estilo particular, uno tan lúgubre y caótico como bello, tal y como lo hiciera con películas como Tony Manero y El Club, sin mencionar que enKristenStewartencontróalaDiana más real que la ficción nos ha podido dar (no extraña su nominación al Oscar)
Si bien es cierto que Larraín no es el primero ni será el último en utilizar la transformación de la realidad para construir ficciones, ciertamente sí es unodelosdirectorescontemporáneos que mejor lo hace (ya quisiera Tarantino con sus delirios de matar a Hitler compararse al andino) y confirma nuevamente sus credenciales para triunfar en el cine internacional
Intentar hablar de Woody Allen, un cineasta que acumula seis décadas trabajando como director, guionista, músico, editor y actor de sus propias películas, y que, precisamente, ya llegó al medio centenar de filmes, resulta un poco (o un mucho) innecesarioaestasalturasdelpartido
A sus 86 años, y con una filmografía queincluyetítulosindispensablespara cualquier cinéfilo y cineasta (Manhattan, Conocerás al hombre de tus sueños, Zelig, Scoop ) al director estadounidense se le pueden permitir tantas cosas y seguir maravillándose conellas
Una de ellas es su película número 50, Rifkin´s Festival ,unahistoriaenla queAllenhacealardenuevamentede su amplio conocimiento de la literatura, el teatro, la filosofía, la música y la vida y por supuesto del cine, al cual hace homenaje, o más bien, homenajea las películas de su vida.
Un repaso por la recreación de escenas memorables de películas de cineastascomoOrsonWelles,Ingmar Bergman, Luis Buñuel, François Truffaut Jean Luc Godard, Federico Fellini y otros, rememorando a El ciudadano Kane, El séptimo sello, El ángel exterminador, Jules y Jim, Sin Aliento,etc
UnahistoriasencilladondeMortRifkin (Wallace Shawn), un viejo catedrático de cine, enfrenta la crisis de su matrimonio du rante la celebración del Festival de San Sebastián, en donde luchará además contra el hedonismo del cine contemporáneo mientras se enamoradeJoRojas(ElenaAnaya).
Una hora y media donde el cineasta sacalomejorylopeordesucine,sus vicios,susexcesos,perotambiénesa esa escena tan despreocupada, esa crítica mordaz y el humor sarcástico, envueltoenunaireintelectual,desus protagonistas. Una película al más puro estilo Woody Allen, que se agradece.
Si hay alguien que sabe conjuntar lo mejordel cinedeautorconlafórmula del cine comercial es Guillermo del Toro El cineasta mexicano ha demostrado en filmes como La cumbre escarlata, Pacific Rim o Hellboy darle al público una historia con todos los elementos de un blockbuster, pero manteniendo los elementos y guiños que hacen tan suyoasucine.
En ese tenor se muestra su más reciente película, El callejón de las almasperdidas,remakede Nightmare Alley, película de 1947, que a su vez es una adaptación de la novela homónima de William Lidsey Gresham,yquecuentaconunelenco de lujo encabezado por Bradley Cooper, Rooney Mara, Cate Blanchett,WillemDefoe,ToniCollette yRonPerlman,entreotros.
Narra la historia de Stan, un hombre queparece huirdesupasado,sinmás futuro que su deseo de sobresalir de los demás. Al unirse a una feria se enamora de Molly, y luego de aprender los secretos de la adivinación,huyeconellaparamontar su propio show de clarividencia. Su ambición lo llevará por los pasajes más oscuros y desencadenará terriblesconsecuencias
Ambientada a mediados de los años 30’s, con una espectacular fotografía, música sensacional, impecable trabajo de ambientación e inmejorables vestuarios, Del Toro consiguerealizarunaobraa lmáspuro estilo del cine noir, con un thriller policiaco por demás redondo, en el cual no quedan cabos sueltos y existen arcos dramáticos que mantienen al espectador al filo de la butaca.
Másalládequesetratadeunremake, el director mexicano no dej a de introducir los elementos que la hacen una película tan suya, como es el ambiente de la feria, con sus fenómenosymonstruos,asícomolos guiños a los relojes, que ya se han mostradoenpelículaspreviascomo El laberinto del fauno y La forma del agua. Una obra digna de disfrutar en pantallagrande.
Alimentándonos del séptimo arte
