Cinéfagos - Número 50

Edición especial 50 Año 9 No. 50 Abril 2022

9°aniversario

Alimentándonos del séptimo arte

DENISS BARRETO filma Las niñas de los duraznos Entrevista: Lázaro Rodríguez Cobertura: GIFF 24 * Festivales de cine en Durango Reseñas: Nudo mixteco * Sin tiempo para morir * Te llevo conmigo * OK, está bien Especial: Cine de espionaje * Pedro Infante

Editorial

A 50 números de distancia

Hace poco más de ocho años, una tarde en un café con vista a la Plaza de Armas, mi compañero Eric Villa y su servidor nos reuníamos para tratar de darle forma a una idea que nos rondaba la cabeza desde tiempo atrás: diseñar una revista de cine.

Entre sorbo s de café y el ruido de la ciudad, surgió el borrador de lo que sería esta historia que contamos hoy .

Esa charla incluyó, entre otras cosas, la definición de secciones, quiénes serían los colaboradores, qué textos escribiríamos y, por supuesto, qué nombre llevaría la revista. De aquella tarde de abril surgió el número 1 de nuestra revista, la misma que salió a la luz un día antes de la quinta edición del Festival de Cine Mexicano , un 4 de junio del ya lejano 2013 .

Durante 49 números han desfilado por la red acción un gran número de colaboradores, tanto editorialistas como fotógrafos, caricaturistas y diseñadores, locales, nacionales e, incluso, internacionales, que con su talento y apoyo han contribuido a construir la historia de la que, sigue siendo, la únic a revista especializada en cine en Durango.

En 49 números hemos dado cobertura a festivales, muestras, ciclos, premieres, filmaciones, claquetazos y eventos especiales, tanto en la Tierra del cine como en otras latitudes; en nuestras páginas han aparecido entrevistas a actores, actrices, directores , productores, músicos y escritores, nóveles y experimentados, y hemos reseñado una infinidad de películas.

En cada uno de los 49 números realizados desde 2013 hasta 2021 se encuentran horas de esfuerzo, desvelo y cansancio de tantos hombres y mujeres, cubriendo eventos, tomando fotografías, corrigiendo estilo, confeccionando el diseño, difundiendo en redes ¿la recompensa? La satisfacción de las personas a las que entrevistamos y de nosotros mismos.

Pero lo realme nte satisfactorio es descubrir el impacto que tiene cada artículo, cada crítica y cada entrevista en nuestros lectores, cuando ellos, cuando ustedes, nos lo hacen saber.

Sin duda alguna un medio que no es leído no existe y tú, sí tú, querido lector, cada v ez que deslizaste una página, ya sea virtual o física, nos ayudaste a existir y a construir nuestra historia .

Y si el futuro nos depara cambiar las formas en que nos hemos comunicado hasta ahora, que llegamos a la publicación 50, debes saber que seguiremos trabajando para ti, para que compartas con nosotros ese cine que tanto te gusta o que, incluso, puedas descubrir algo nuevo que te maraville. Sigamos alimentándonos del séptimo arte , ojalá sea por 50 números más .

Andrei Maldonado

Contenido

DIRECTORIO

Director General Andrei Maldonado Director Adjunto Eric Eduarte Villa

Coordinador Editorial Juan José Antuna Colaboradores Geraldo Rosales Fotografía Didier Loza José Luis Cano

En portada: Deniss Barreto...3 Lázaro Gabino Rodríguez... 9 Festivales de cine en Durango... 15 GIFF 24... 23 25 aniversario Cineteca Durango... 33 Pedro Infante... 35 Te llevo conmigo... 37 OK, está bien... 41 Nudo Mixteco... 45 Sin tiempo para morir... 49 Cine de espionaje... 57 No todo es cine... 76 Recomendaciones Mubi... 77

Diseño Andrei Maldonado

Alimentándonos del séptimo arte

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Entrevista

DENISS BARRETO filma Las niñas de los duraznos texto ANDREI MALDONADO fotografía JOSÉ LUIS CANO DIDIER LOZA

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Con una trayectoria que arrastra ya varios cortometrajes y un mediometraje, mismos que han tenido como escenario prestigiosos festivales nacionales e internacionales, y que han sido bien recibidos por la crítica, Deniss Barreto se abre paso en el difícil mundo de la producción de largometrajes, con su ópera prima Las niñas de los duraznos , la cual se encuentra en postproducción.

Sobre esta experiencia Deniss charló con Cinéfagos, en una plática en donde además se abordó el momento en el que se encuentra el talento cinéfilo duranguense, el cual está cada vez mejor capacitado a nivel industria. También charlamos de lo que está por venir con este y otros proyectos que tiene en puerta esta talentosa directora.

Cuéntanos sobre tu ópera prima Mi ópera prima se tit ula Las niñas de los duraznos, es la historia de una niña llamada Valentina, que tiene 10 años y que vive con sus hermanas y sus papás en Durango, que observa de una forma muy prejuiciosa el crecimiento y madurez de sus hermanas mayores mientras ella comienza a descubrir su propia sexualidad. Habla también de la violencia implícita y los micro machismos que podemos encontrar.

¿Quiénes colaboran contigo tanto en cast como en crew?

En cast la mayoría de ellos son no actores, es gente nueva. Algunos ya han tenido la experiencia actuando conmigo, el caso de Regina González, que fue Carlotta en El ensueño de Carlotta, también está Jimena Pagaza, que ya tiene experiencia en televisión, y Liliana Martínez, que es actriz de teatro, y las demás las encontré haciendo casting, como Valentina la protagonista, igual que Regina Carrillo, Alejandro Reséndiz y Ana Paula Velázquez.

El equipo son las mismas cabezas de mis otros proyectos. En fotografía está Luis Lazalde, en producción Libertad Salgado, en sonido Abdi Martínez, en vestuario estuvo en el proyecto inicial María Rosario Mercado, pero lamentablemente ya no pudo estar durante el rodaje, ahí estuvieron Mayra Quezada, Vivian Castro y dos estudiantes de la UAD, Azeneth Cuéllar y Aranza Delgado. El rodaje se dividió en dos partes, podem os decir que son dos unidades.

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Con esta oportunidad ¿Cómo viste al talento duranguense?

Como trabajé en dos meses diferentes hubo que hacer cambios en la gente que trabajaba en cada departamento, porque las fechas o los tiempos ya no coincidían por sus agendas personales, pero hubo personas que sí se quedaron en los dos rodajes, como el departamento de foto, que lo encabeza Luis Lazalde, que estuvieron Alejandro Subia y Lluvia Argandoña, que la verdad lo hicieron de forma excelente, y en el segundo rodaje se sumó Francia Correa.

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La verdad es que no pude pedir más, creo que en fotografía los duranguenses están muy bien capacitados. Gente muy trabajadora, muy enfocada en lo que hace.

También estuvo Alexei Uribe, como asistente de dirección José Luis Cano, muchos exalumnos del Centro de Cinematografía y Actuación Dolores del Río, que está teniendo un papel fundamental en la cinematografía de Durango. Ya no hay tanta diferencia entre alguien de Durango y alguien de la CDMX.

¿Cuánto te llevó en tiempo llevar a cabo esta producción ?

Fue un año de desarrollo, un año entero de pre y producción y no sé cuántos años desde que concebí la idea para el guion. El rodaje se hizo en dos meses, en septiembre y noviembre. ¿La producción es completamente en Durango?

Sí. Es una casa, una escuela y algunas locaciones en exteriores. Es una película muy intimista que básicamente se desarrolla en el hogar y la escuela.

Ya de ahí que empiece a visibilizarse entre las personas de los festivales , porque no es coincidencia que hagan estos concursos, es también para que la gente de los festivales comience a ver qué hay más allá, adelantarse con las películas que aún no están terminadas, para poder tomarlas para sus festivales. Es un sondeo esa etapa, a partir de ahí ya veré, aunque la idea es poderla mov er en festivales de cine y después aplicar a los fondos de distribución.

¿Ya tienes la ruta trazada para que se exhiba esta película?

Fíjate que siem pre soy un poco descuidada en eso de hacer una ruta de festivales. Es una etapa que la hago más de una forma improvisada, pero en esta vez me gustaría hacerla más planeada. Primero voy a mover la película en concursos de fondos para la postproducción, para terminarla completamente, para poder hacer la mezcla de sonido, que es normalment e lo que se lleva más costo de producción.

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Ya de ahí que empiece a visibilizarse entre las personas de los festivales , porque no es coincidencia que hagan estos concursos, es también para que la gente de los festivales comience a ver qué hay más allá, adelantarse con las películas que aún no están terminadas, para poder tomarlas para sus festivales. Es un sondeo esa etapa, a partir de ahí ya veré, aunque la idea es poderla mover en festivales de cine y después aplicar a los fondos de distribución.

Ya de ahí que empiece a visibilizarse entre las personas de los festivales , porque no es coincidencia que hagan estos concursos, es también para que la gente de los festivales comience a ver qué hay más allá, adelantarse con las películas que aún no están terminadas, para poder tomarlas para sus festivales. Es un sondeo esa etapa, a partir de ahí ya veré, aunque la idea es poderla mover en festivales de cine y después aplicar a los fondos de distribución.

Te viste beneficiada con el PECDA ¿Qué tanto ayuda contar con este tipo de apoyos?

Te viste beneficiada con el PECDA ¿Qué tanto ayuda contar con este tipo de apoyos?

Aporta la rapidez con la que puedes sacar un proyecto. El presupuesto para esta película era a modo de guerrilla, de estar al día. De no haber tenido este apoyo quizá me hubiera tardado seis u ocho meses más en obtener los fondos. Es un arranque, es una velocidad lo que aporta este tipo de estímulos.

Aporta la rapidez con la que puedes sacar un proyecto. El presupuesto para esta película era a modo de guerrilla, de estar al día. De no haber tenido este apoyo quizá me hubiera tardado seis u ocho meses más en obtener los fondos. Es un arranque, es una velocidad lo que aporta este tipo de estímulos.

Ver plasmada esa idea, q ue durante años estuviste pensando, desarrollando ¿Qué representa para ti como persona y como realizadora?

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Es como quitarme un peso de encima.

El ver concretado, todo en materia, es un logro, y quizá por primera vez en mi carrera fílmica siento que di el p aso más grande. Claro, aún falta terminarla, pero el proceso de poder financiarla, terminar esta etapa de preproducción para poder rodarla, es

Ver plasmada esa idea, que durante años estuviste pensando, desarrollando ¿Qué representa para ti como persona y como realizadora?

Es como quitarme un peso de encima.

El ver concretado, todo en materia, es un logro, y quizá por primera vez en mi carrera fílmica siento que di el paso más grande. Claro, aún falta terminarla, pero el proceso de poder financiarla, terminar esta etapa de preproducción para poder rodarla, es algo que no había experimentado.

La experiencia de los cortos ayudó, pero no te enseña cómo serán las coas. Es un trabajo emocionalmente muy fuerte, psicológicamente te acaba en el momento, pero es algo como el ave fénix. Terminé muy cansada, se escuchará un poco como sacrifico, pero es exactamente eso, un sacrificio, muy grande, pero tambié n muy satisfactorio.

Quizá ese tono autoral conlleva también a ese sacrificio ¿Seguirás apostándole a ese tipo de cine?

Sí. Y con este tipo de cosas que voy logrando me reafirma más eso. Y curiosamente, me ha hecho ver de distinta forma el cine comercial. Lo siento más liberador, con menos prejuicios, le doy su lugar. Antes era muy cerrada al comparar el cine comercial con el de autor. Quizá sea porque ahora sí me puse la camiseta de directora de cine.

Insisto, aún falta terminar el proyecto, pero precisam ente por esta parte más autoral, de estar viviendo de forma directa con el crew, los actores, con todo lo que conlleva hacer una película, es que se ha tomado su tiempo la postproducción. ¿Qué tanto cambia o aporta el recibir una crítica positiva de alguien como Jorge Ayala Blanco, que alabó Ricardo sin cabeza ?

Sí ayuda, pero también estresa mucho. No creas que no he pensado si Ricardo sin cabeza es mejor que Las niñas de los duraznos . Queda una vara alta que tienes que estar superando conscientemente con c ada obra que hagas porque, como dicen, los directores de cine son tan buenos como su última película.

Si alguien no ha hecho nada relevante en 10 años ahí se queda. Es algo que estresa, pero también hay que entender que cada obra va a ser diferente. Cada una tiene lo suyo.

Filmografía selecta Deniss Barreto: Amelia para siempre La nuca desnuda de Olivia El ensueño de Carlotta Ricardo sin Cabeza

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Entrevista

LÁZARO, LEVÁNTATE Y ACTÚA La reconstrucción del hombre y el personaje texto ANDREI MALDONADO

“Comienza el día cero y mañana su continuidad”, reza la letra de “Día cero”, emblemático tema de la banda de rock chilena La Ley. En ella, un personaje amnésico decide empezar de cero, negándose a lo que los demás dicen que es su vida: “no intenten enseñarme quien me quiso y a quien debo amar, comienza el día cero y mañana su continuidad”.

Un proceso “metamofoseante” es el que está emprendiendo Lázaro Rodríguez, conocido hasta hace un par de años como Gabino Rodríguez.

De raíces duranguenses (su padr e es José Rodríguez López, director de Filmoteca UJED), Lázaro ha decidido que la marca “Gabino”, presente en la mayoría de sus personajes, no le imponga el camino a seguir.

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De transformaciones y “borrón y cuenta nueva” es que pudimos charlar durante su visita a Durango durante la tercera edición del Festival del Nuevo Cine Mexicano, en donde aprovechamos para hablar también de su largo trabajo fílmico al lado de su cómplice, el cineasta Nicolás Pereda. ¿En qué momento o cómo es que surge esa idea de metamorfosis de transformarte de Gabino a Lázaro?

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No lo tengo muy claro. No es un proyecto artístico, tiene que ver más de cómo me presento ante el mundo.

No sé muy bien, pero en algún momento leí “La divina comedia”, y en sus primeros versos dice “a mitad de camino de la vida había dado mi senda por perdida” y la mitad de la vida, en los tiempos de Dante, eran los 35 años. Cuando yo cumplí los 35 años sentía un poco lo mismo, que mi senda estaba un poco perdida. No sabía qué camino llevaba mi vida y hacia donde la estaba orientando.

Y este cambio de identidad ha sido un pretexto para volver a pensar ciertas cosas, volver a preguntarme ciertas cosas, reflexionar y no dar por sentado ciertas cosas. Hay algo que se dice mucho, que en el arte la gente se tiene que hacer de un nombre, y lo que estoy intentando hacer es deshacerme de un nombre, y que eso que yo había construido no se vuelva una cárcel para mí, algo que tenga que transitar los siguientes 30 años de mi vida. Lo que estoy intentando es abrirme a otros caminos. ¿Habrá ms metamorfosis en el camino?

(Risas) Espero que sí, no es que esto sea un proceso terminado, sino que está abierto a que se siga transformando.

Llevas años trabajando con Nicolás Pereda ¿Cómo es esa relación de trabajo que se ha forjado entre ustedes?

Nicolás filma las películas con muy poco presupuesto y con muy poco equipo, eso se traduce en que no necesite millones para sacar adelante un proyecto, y sobre eso empezamos a trabajar. Gran parte de lo que he hecho en el cine, de lo que entiendo que es el cine y de lo que busco en el cine es lo que he aprendido con Nicolás. Él ha aprendido a hacer películas, yo lo he ido aprendiendo y también la gente que trabaja con él.

Hemos ido descubriendo juntos el cine que queremos hacer, y no por que ese sea el úni co cine que vamos a hacer, sino que es un camino de búsqueda, donde las películas dejan de ser u n punto de llegada, sino que son como la vida, pr obar unas cosas y luego probar otras, de modo que exploramos eso que queremos hacer ahora, que son películas.

De las experiencias que has tenido con otros directores, que trabajan diametralmente opuestos al estilo de Nicolás ¿Cómo ha sido conectarte con una manera tan diferente de exigencia a la hora de actuar?

Cada director es diferente, he tenido muchas experien cias con directores y directoras. Mi relación con Nicolás yo la pongo aparte, porque lo que ha sucedido es que en las películas con Nicolás yo he tenido mucha injerencia.

Yo hablo con él mucho antes de que haga el guion. Antes de eso ya hablamos de ideas, de situaciones.

Cuando construye el guion estoy muy cerca de él.

A la hora del rodaje tengo mucho espacio para hablar con él, para ver cosas. Se ha vuelto una relación bastante particular. No es solo una relación actor -director, sino una donde las barreras tradicionales se han difuminado bastante.

Hablamos mucho sobre la estructura de la película, sobre cómo cambian las cosas sobre la marcha. Con él no siento que mi labor termine donde termina el trabajo del actor.

Hay un puesto en el teatro, sobre todo en Europa, que es el trabajo del dramaturgista, no el dramaturgo, que es el que escribe la obra, sino que el dramaturgista es la persona que de alguna manera ayuda o acompaña al director a trasmitir ciertas ideas al público, y de alguna manera siento que es l o que acabo haciendo con Nicolás, un trabajo de dramaturgista.

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Has participado, como dices, en el guion, pero también como productor. En uno de los trabajos de Nicolás, Mi piel luminosa , incluso haces de narrador ¿Qué lugar ocupan estas actividades para ti? ¿O es la actuación tu “top”?

Para nada tengo a la actuación como mi “top”. Es algo que sé hacer, que me gusta, que me encanta, pero me gusta por igual hacer otras cosas. He estado en varias películas con Nico haciendo otras labores diferentes a la actuación, como en Mi piel luminosa, donde también fui coproductor, y lo disfruto mucho. Tengo muchas facetas, escribo, hago teatro, y las disfruto todas.

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¿Tienes puerta?

nuevos

proyectos

en

Sí. Hago mucho teatro con “Lagartijas tiradas al sol”, que es mi compañía de teatro. Hicimos una pelíc ula con Nicolás que se llama Lázaro de noche , que es la primera película en la que aparezco como Lázaro. Veremos a donde nos lleva esto.

Filmografía selecta: Asalto al cine Minotauro Mi piel, luminosa Fauna Yo soy la felicidad de este mundo

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cobertura

DURANGO, TIERRA DE FESTIVALES Después de un año de ausencia, en 2021 volvieron texto y fotografía ANDREI MALDONADO JUAN JOSÉ ANTUNA

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Luego de un 2020 en donde únicamente se pudo llevar a cabo un festival de cine de manera presencial y virtual (la octava edición de Paloma Itinerante), en 2021 la audiencia duranguense pudo reencontrarse con las pantallas de los festivales y, con ello, hacer comunidad y convivir con realizadores e invitados especiales.

En junio comenzaron las buenas noticias con la realización del cuarto Festival Internacional de Cine de Durango (FICDU), pero en septiembre la agenda incluyó los festivales Paloma Itineran te, en su novena edición, el de Cine Mexicano del ICED, doceava edición, y un festival inédito: el Nahui Ollin Film Fest.

El año festivalero cerró en noviembre con la tercera edición del Festival del Nuevo Cine Mexicano y por ello queremos hacer un recuent o de los festivales que devolvieron la vida a los teatros y cinetecas de esta ciudad conocida como “La tierra del cine”, pero que también puede ser llamada “Tierra de festivales”.

9° Festival de Cine Duranguense Paloma Itinerante La Cineteca de Durango fue la sede de la novena edición del Festival de Cine Duranguense Paloma Itinerante, el cual se llev ó a cabo del 3 al 5 de septiembre, en donde se proyect ó un estreno mundial, largometrajes y cortometrajes dirigidos por artistas duranguenses en un maratónico fin de semana.

Más allá d l agua, de Julio Quezada Orozco, d io inicio con las proyecciones , seguido d el estreno mundial de Tierra en Llamas , de Marcos Almada, y la función “Vanguardia duranguense” , con Alejandra, todavía Alejandra y Los amores postmodernos , de Andrei Maldonado , y Ecos transeúntes , de Juan José Antuna.

También se tuvo una doble función de Eugenia Montalván con los documentales Hay Revueltas para rato y Desde que Dios amanece , y una función doble de Deniss Barreto con Ricardo Sin Cabeza y El Ensueño de Carlotta .

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“Mujeres, cámara y acción”, con los títulos La última foto , de Carmen González; La evasión fatídica (de un mal interminable) , de Andrea Cordero, Respirar bajo el agua , de Lluvia Argandoña; El almuerzo , de Alina Colunga; Murmullos de atardecer , de Francia Correa; Libertad , de Mayra Quezada, y Rumbo al Mictlán , de Sinahí Díaz.

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Para cerrar las actividades se present ó Dime tu nombre de Rolando Ávila, Acapulco la vida va , de Alfonso Serrano Maturino , y Pueblo de Madera , de Juan Antonio de la Riva , teniendo en total más de 300 espectadores en las funciones.

Festival Internacional de Independiente Nahui Ollin

Cine

Tan solo un par de días después, l a Cineteca de Durango volvió a ser sede de un festival, esta vez del Nahui Ollin Film Festival , dirigido por Alejandra Estefanía Díaz , quien llevó el certamen a otras sedes como la Filmoteca de la UJED y los museos Palacio de los Gurza y Guillermo Ceniceros .

Nahui Ollin Film Festival es una plataforma que tiene como objetivo descentralizar y democratizar el arte, así como su difusión. El festival busca exhibir pel ículas que traspasen los límites de la norma aceptada, enfoques desde una expresión genuina y creativa más allá de la subrepresentación de historias tradicionales. Además, busca generar espacios de encuentro diversos e inclusivos.

La lucha sigue, Red lipst ick, Nación Mexica 500 años de resistencia, Until we live again, Suspended, Subamos juntas la montaña, Mar es adentro, Matria, Kerli - Shadow Works I Documental, Mojarse en Cuatro Versos, Vicent Before Noon y Youth will not sleep , fueron algunas de las películas, documentales y cortometrajes que se exhibi eron la segunda quincena del mes .

Festivales de cine en Durango en 2021: FICDU Paloma Itinerante Nahui Ollin Film Fest Festival de Cine Mexicano Festival del Nuevo Cine Mexicano

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12vo Festival del Cine Mexicano La sede del festival fue el Teatro Victoria , que comenzó con la proyección de Polvo, ópera prima de José María Yazpik. En el acto se cont ó con la presencia de los invitados del festival, los actores Luis Alberti, Miguel Narro y Paco de la Fuente , así como el periodista, editor cultural y cinematográfico Sergio Raúl López, quien además ofreció el taller de Cine y periodismo.

Uno de los principales eventos del festival fue la presentación de la Red de Amigos del Cine (REDAM), iniciativa surgida desde el Foro de Cineastas duranguenses que organizó la Filmoteca de la UJED y que tiene como objetivo conglomerar a todos los hacedores de cine originarios de Durango, desde directores, productores y actores has ta cinefotógrafos, promotores culturales y críticos.

En el acto protocolario, que tuvo como sede el Museo Francisco Villa, se dejó en claro que m ás que una asociación, la Red de amigos del cine pretende ser un movimiento cultural que genere nuevas audienc ias, promoviendo tanto los trabajos de los cineastas como los espacios de exhibición de Durango.

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Otro de los eventos medulares fue el concurso de cortometrajes duranguenses, en donde se presentaron seis trabajos, de los cuales recibió mención honorífica Ovidio, de Paola Chavira Leyva, y ganador Gabriel , de Ángel Valdez; igualmente se proyectaron Sapere aude, de Diego Vital, Atracción , de Edgar Noé Martínez, La fe de mi padre, de Luis David Pérez, y Nazario , de José Luis Saldaña.

La selección oficial incluyó Ocho de cada diez, Mapa de sueños latinoamericanos, 499, Corazón de mezquite, Días de invierno y Mano de obra, la cual recibió el premio del público, además estuvo en función especial El Alíen y yo y Marioneta , con la cual se c erraron las actividades, que incluyeron el Foro de la Crítica Cinéfagos, un ejercicio de análisis de las películas exhibidas

3era edición del Festival del Nuevo Cine Mexicano El Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango celebró su tercera edición , el cual fue formado por películas del año en curso y anteriores, para poder así echar un vistazo al cine mexicano y que poco se ha visto en salas debido a la pandemia.

Fueron nueve largometrajes que se proyectar on en el Teatro Victoria y en la Plazuela Baca Ortiz, además de comunidades en la sierra O’dam.

La muestra se conformó por El hoyo en la cerca , de Joaquín del Paso, Colozio , de Artemio Narro, filmada en su mayoría en diferentes locaciones del estado de Durango como Nombre de Dios, Paseo del Viejo Oeste y la capital; Sanctorum , de Joshua Gil ; Cosas que no hacemos , de Bruno Santamaría ; y El otro Tom , de Laura Santullo , a la cual se le hizo una retrospectiva previa .

Se tuvo Fauna, con la presencia de los actores Lázaro Gabino Rodríguez , José Rodríguez López y la cinefotógrafa Mariel Baqueiro ; La mancha de sangre , película de 1937 restaurada, la cual fue comentada por la historiadora Virgina Rico ; y Sin señas particulares , de Fernanda Valadez, con la presencia de la actriz Mercedes Hernández y Nudo mixteco , de la cual estuvo presente la actriz Myryam Bravo .

Como función especial se estren ó el largometraje duranguense Santuario: el viaje perrote de Paty Aguirre , cinta documental realizada por Christian Sida y Anne -Mary Mullen, que ayudó a recaudar fondos para el Festival ; el documental narra el primer viaje y exposición fuera del país de la artista Paty Aguirre, mientras nos introducimos en su mundo el cual es compartido con muchos artistas de la escena local.

Como principal atractivo del festival se tuvo, como ya es tradición, la sección Hecho en Durango , con n ueve cortometrajes: Hasta que mi cuerpo se desgarre , de Mario Soria, Absurda procrastinación de una mente suicida , de José Luis Cano, Tulipán , de Carlos Golo, Santo, de Gián Rubén, Conticinio , de Alma Luna Reyes, The freestyler , de José Gándara, e Inchamikua , de Perla María Mapula .

El ganador fue Mar, de Gerardo Lozano , y recibió mención de honor Las mujeres de Alina Colunga . Cabe destacar que, además de que fueron presentados en el Teatro Victoria , también estuvieron en la plataforma virtual Filmin Latino. Otro plus del festival fue el encuentro Korian, con jóvenes provenientes de estados como Aguascalientes, Nayarit, Chihuahua, Sinaloa, Zacatecas y Coahuila.

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3era edición del Festival del Nuevo Cine Mexicano El Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango celebró su tercera edición , el cual fue formado por películas del año en curso y anteriores, para poder así echar un vistazo al cine mexicano y que poco se ha visto en salas debido a la pandemia.

Fueron nueve largometrajes que se proyectar on en el Teatro Victoria y en la Plazuela Baca Ortiz, además de comunidades en la sierra O’dam.

La muestra se conformó por El hoyo en la cerca , de Joaquín del Paso, Colozio , de Artemio Narro, filmada en su mayoría en diferentes locaciones del estado de Durango como Nombre de Dios, Paseo del Viejo Oeste y la capital; Sanctorum , de Joshua Gil ; Cosas que no hacemos , de Bruno Santamaría ; y El otro Tom , de Laura Santullo , a la cual se le hizo una retrospectiva previa .

Se tuvo Fauna, con la presencia de los actores Lázaro Gabino Rodríguez , José Rodríguez López y la cinefotógrafa Mariel Baqueiro ; La mancha de sangre , película de 1937 restaurada, la cual fue comentada por la historiadora Virgina Rico ; y Sin señas particulares , de Fernanda Valadez, con la presencia de la actriz Mercedes Hernández y Nudo mixteco , de la cual estuvo presente la actriz Myryam Bravo .

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Como función especial se estren ó el largometraje duranguense Santuario: el viaje perrote de Paty Aguirre , cinta documental realizada por Christian Sida y Anne -Mary Mullen, que ayudó a recaudar fondos para el Festival ; el documental narra el primer viaje y exposición fuera del país de la artista Paty Aguirre, mientras nos introducimos en su mundo el cual es compartido con muchos artistas de la escena local.

Como principal atractivo del festival se tuvo, como ya es tradición, la sección Hecho en Durango , con n ueve cortometrajes: Hasta que mi cuerpo se desgarre , de Mario Soria, Absurda procrastinación de una mente suicida , de José Luis Cano, Tulipán , de Carlos Golo, Santo, de Gián Rubén, Conticinio , de Alma Luna Reyes, The freestyler , de José Gándara, e Inchamikua , de Perla María Mapula .

El ganador fue Mar, de Gerardo Lozano , y recibió mención de honor Las mujeres de Alina Colunga . Cabe destacar que, además de que fueron presentados en el Teatro Victoria , también estuvieron en la plataforma virtual Filmin Latino. Otro plus del festival fue el encuentro Korian, con jóvenes provenientes de estados como Aguascalientes, Nayarit, Chihuahua, Sinaloa, Zacatecas y Coahuila.

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Cobertura

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GUANAJUATO Un festival con identidad texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

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Sin lugar a dudas podemos decir que

Uno de los festivales que mejor ha

los festivales de cine a nivel mundial

sabido adaptarse sin lu gar a dudas

persisten, en su mayoría, por una

ha sido el GIFF, uno de los cuatro

identidad que los define y los hacen

festivales más reconocidos del país

diferentes al resto de los demás. No

(o de los llamados clase A, por la

tiene nada que ver con calidad,

relevancia que tienen sus estrenos

cantidad, sino la característica que

comerciales, su alfombra roja o su

los hace ser únicos; lo único que

programa de industria) y tal parece

puede hacer que un festival de cine

que la modalidad híbrida le ha

deje de existir es la cancelación de

permitido hacer crecer su prestigio

fondos o el poco compromiso de los

como festival y su audiencia, sin

organizadores.

modificar su identidad.

El

público,

las

películas y la identidad de cada espacio

creado

en

pro

de

la

exhibición de obras que p lasmen amor por el cine y contar historias jamás terminarán, ni determinaran la extinción de un festival.

En este texto, más que escribir de todas

las

virtudes

postpandemia

en

del

festival

general,

me

enfocaré en escribir sobre cuatro de las películas que vi dentro de

su

programación, una programación en

Ahora, hablar de lo que ha pasado

la que prevaleció, al menos en su

después de la pandemia con muchos

selección mexicana, la intención de

festivales de cine es hablar de un

dar

nivel de adaptación impresionante,

independientes en todo aspecto de su

muchos lo ha n hecho sin modificar un

producción, como a obras más

ápice de lo que es su identidad desde

organizadas pero cuyas historias

su creación, otros se han adaptado

tocan temas necesarios y

para bien, otros parecen aún no

ojo del mercado comercial.

espacio

a

obras

tanto

fuera del

encuentran el camino que los tiempos de contingencia les bloqueó.

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Los hermosos vencidos

que suben a ese carro que los debe

Ópera prima del realizador Guillermo Magariños, que bien podrían haber llamado "Dos vidas errantes" por los personajes que nos presenta en esta película bastante interesante, no sólo

entregar el cuerpo de una persona a alguien, eso los hará ganar dinero y seguir sobreviviendo en esta vida que les tocó vivir.

por la forma en que aborda el

Su confus ión y su vida vacía de las

discurso que hilvana

cosas

a estos dos

que

los

demás

creen

transportadores tan desobligados y

importantes, los hace encontrar al

nihilistas, sino también por la forma

uno en el otro a un espejo en el cual

en la que captura este road -movie

reflejarse y decirse las cosas que no

puede

dicho,

se atreven a decir a los demás.

desencadenar la narrativa total de la

Todos estamos dañados, pero qué

película, con su composición y su

fue lo que nos dañó, y aún m ás

estética.

importante: ese daño puede sanarse,

alterar,

o,

mejor

Carla y Daniel, Daniel y Carla, tienen un objetivo desde el momento en el

25

de llevar del punto A al punto B:

quizá el sanarse esté sobrevalorado.

Es verdad que varias veces no hay

que se asoma en esta, ahí está lo

congruencia o lógica entre discurso

interesante,

saber

narrativo y visual, muchas de las

dentro

nosotros

conclusiones a las que llegan con sus

personajes, y que es completamente

pláticas estos dos personajes (los

diferente.

cuales, por cierto, me parece están muy bien interpretados por Diego

de

qué

tenemos de

estos

Guiexhuba

Calva y Ta nia López) podrían ser

Seré de lo más breve al escribir sobre

cuestionadas

espectador

esta película. En primer lugar, porque

promedio o muy condescendiente y

espero y deseo que logre estar en

por ende decir que la película no

muchos festivales para que mucha

tiene valor alguno. Para mí hay una

gente pueda verla y, en segundo

clara intención, no solo de hacer una

lugar, porque posteriormente espero

película diferente, que de eso ya

que pueda llegar a salas comerciales,

tenemos mucho, sino que tam bién

aunque eso, como ya sabemos que

hay una intención de contar historias

es la cosa con películas como esta,

que abordan conflictos y realidades

sea muy difícil. Qu izá, luego de lo

de nuestro país de manera no tan

anteriormente escrito, tendría que

provechosa, pero que ahí están y que

hacer

son evidentes.

sensacionalistas: la primera, es una

por

el

Muchas veces queda en segundo término qué tan buena o tan mala es una película, hablando en

términos

estrictamente cinematográficos; obras como esta sirven (de ahí que la podamos

disfrutar

instancia en un cuestionarnos;

en

un

par

de

declaraciones

de mis películas mexicanas favoritas del año; y la segunda, esta es la película que Michel Franco quiso hacer con Nuevo Orden y que no le salió.

primera

festival) para

mucho

podemos

encontrar de nuestras conjeturas y observaciones no solo de la película, sino de las a ristas en general, de lo

26

Una película que se toma el valor de ser hablada en zapoteco, que le habla directo y a la car a a las personas y los factores que atentan contra el valor milenario que tienen nuestros pueblos originarios, todo además contado en tono de fábula, con tintes fantásticos sobre las historias de nuestros antepasados, ponen y exponen de manera digna y Guiexhuba

es una película cuyo

atractivo viene por todas partes, no solo es una película que se siente y se percibe personal e independiente, a pesar de que haya recibido algunos apoyos para su realización, y el hecho de que utilice el término "a pesar" se debe al

27

hecho de que

bien planteada la lucha que tienen que vivir los que defienden lo suyo, más allá de lo material, porque los depredadores

empiezan

por

lo

tangible, y terminan devorando hasta la identidad de cada rincón de cada pueblo, hasta colonizarlos y hacerlos a su imagen y semejanza.

muchas veces proyectos personales

Hay un conflicto formidablemente

e independientes, una vez que

desarrollado por su directora, y las

reciben una especie de apoyo,

actuaciones de todo el cast son por

pierden esa aura que hace que uno

demás

perciba de esa manera tan especial a

interpretación por el tiempo y el lugar

las obras, por muy bien hechas o por

en

todos los elogios que se le puedan

formidable ver cada que Humberto

hacer

Busto

en cuanto a su hechura,

el

increíbles;

que

se

están

hay

una

viviendo.

compromete

con

Es

un

muchas veces es preferible ver una

personaje, pero sin lugar a dudas los

obra auténtica y con alma, que una

palmares se los llevan las tres

película perfecta cuya trama bien

mujeres protagonistas: Sotera Cruz,

contada narre absolutamente nada.

Norma Pablo y Claudia Santiago.

Malibú Esta ópera prima, dirigida por el realizador Víctor Velázquez, es un claro ejemplo de la apertura que tiene el festival con obras que, si bien tienen algún apoyo o estímulo para su realización, tienen tanto o más de esa característica que uno identifica en las películas independientes, tanto por la forma, como por el fondo de la historia. Ernesto, es un personaje peculiar que se gana la vida de una manera que muchos verían como oportunista, pero a los ojos de él es algo más.

A bordo de su viejo Malibú, pro voca accidentes de auto para que las personas a las que hace creer que lo chocaron y que lo han lastimado le den dinero con tal de no tener que soportar la pesadilla burocrática. Pero su trabajo, se ve abruptamente interrumpido cuando en el camino choca co n Gloria, una mujer que, en ese momento de su vida, luego de todo lo que ha perdido y vivido en las últimas 24 horas antes de su encuentro con Ernesto, no le importa un simple choque.

28

El camino los reúne y Ernesto

Hay una osadía por contar la historia

descubre en Gloria una forma de

como se cuenta, el director no tiene

ganar aún más dinero, a su vez que

miedo en explorar la narrativa a

encuentra tanto a la cómplice y

través de la edición en ciertos puntos

alumna perfecta, pero eso empieza a

de la película, y si bien tiene algunas

traer

el

manías y vicios propias de las

pasado de ambos empieza a salir a la

películas de industria, el resultado

luz. Ernesto baja su guardia como

final no deja de generar una buena

quien

complicaciones

se

quita

cuando

el

cinturón

de

impresión, un buen sabor de boca y

seguridad

mientras

maneja

a

una película diferente dentro del

180KM/H,

y

contratiempos

espectro que a veces pareciera que

los

empiezan a ocurrir.

Si bien que la pareciera la premisa de la película no es muy importante, o no habría por qué tomársela tan en serio, sí hay puntos y pic os dentro del contexto de la película que son interesantes de explorar, como las consecuencias de nuestros actos a destiempo, o el perdonar y ver que, bajo una perspectiva quizá no tan cómoda o vista desde la zona de confort, un accidente, quizá ni es tan accidente, y bien podría significar algo bueno en nuestra vida.

29

se divide en cine comercial y cine de autor, cuando h ay muchos más matices en que se puede ver el cine mexicano, con otras historias, con otras

y

productoras, actores.

otros con

realizadores otras

y

y

otros

Las motitos

viven

La única película que vi del festival que

no

estaba

dentro

de

la

competencia de películas mexicanas

un

amor

juvenil

en

los

suburbios de Córdoba entre fiestas, regaños

de

padres

y

policías

asedian do las calles.

fue esta, y no está del todo desligada

La relación entre ellos toma un giro

de

mexicana.

dramático cuando Juli se da cuenta

Ópera prima de Gabriela Vidal,

que ha quedado embarazada, esto

guionista más que reconocida en la

hace que ambos se planteen su

cinematografía

futuro, sobre todo Juli, que teme lo

la

cinematografía

mexic ana,

que

codirige esta fenomenal película de la

que pueda pasar con ella, sea cual

mano de Inés María Barrionuevo, en

sea la decisión que tome, el temor de

la que muestran cómo la relación

decirle a su madre y hacerla pasar

entre Juli y Lauti, dos jovencitos que

una decepción.

30

Es entonces que ella empieza a

Las historias y los motivos de ser de

entender precisamente lo que su

más de un personaje en la película

madre vivió en su momento cuando

nos hacen ver que un realismo

se embarazó de ella, lo que tuvo que

tremendo en la concepción del guion,

sacrificar, lo que tuvo que dejar. La

aunado a la gran interpretación de

película podría sugerir de alguna

todos los actores; Carla Gusolfino

manera qué habría pasado si en los

(Juli) y Carolina Godoy (mamá de

años en que su

Juli) hacen unas actuaciones más

madre quedó

embarazada hubiera podido abortar

que destacables. Una película que,

como Juli se lo plantea, lo que fue

además de necesaria, es sensible y

que sus padres decidieran tenerla,

auténtica, con la clara noción de que,

aunque ya no estén más juntos, si su

para contar películas honestas e

relación con Lauti seguirá igual o

importantes, no hay que ser ni tan

cambiara.

trasgresores ni tan grandilocuentes,

Si bien la película expone temas importantes en toda la t rama, la forma y el contexto en el que se plantean es por demás brillante, pues no los expone de una manera aleccionadora ni mucho menos moralista, sino que están mostrado de manera muy sutil, hay un respeto y una aproximación tan real y amorosa a cada per sonaje y situación, que uno se da cuenta que esta película tiene algo de personal y de entendimiento comp leto de las directoras hacia la historia.

31

solo se necesita observar la vida, y escribir y plasmar en pantalla sobre cosas que nos hablen al corazón y en las que creamos .

30

Cobertura

25 ANIVERSARIO CINETECA DURANGO Unas bodas de plata inolvidables texto ANDREI MALDONADO

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La Cineteca Municipal de Durango celebró su 25° aniversario de este recinto con la develación de la placa conmemorativa con la presencia de autoridades culturales y cinematográficas.

En el evento, además, se entregó reconocimientos al personal de dulcería, taquilla, limpieza y proyección, los cuales son pieza clave para la vigencia de un espacio que cumple sus “bodas de plata”.

Durante la gala, que incluyó una alfombra roja, se proyec taron nueve cortometrajes duranguenses de reciente creación, galardonados en distintos festivales; de la misma manera, se proyectó un video en el cual se reconoció la labor de los distintos directores que han estado al frente de la Cineteca y momentos emblemáticos como la proyección de “Roma”, de Alfonso Cuarón.

Hace 25 años, un 25 de noviembre, se fundó la Cineteca de Durango en la sala Dolores del Río , gracias a la iniciativa del cineasta Juan Antonio de la Riva, quien fungía como director del IMAC.

Posteriormente se trasladó a su actual sede, la sala Silvestre Revueltas.

Desde entonces se ha convertido en un recinto donde se proyecta cine de calidad en la ciudad de Durango .

En este espacio han desfilado infinidad de productores, directores y apasionados d el séptimo arte.

Asimismo, se han exhibido un sinfín de historias de diversos géneros cinematográficos y se han realizado festivales y eventos que han refrendado a Durango como la tierra del cine , significando además un espacio para que los jóvenes locales muestren sus trabajos.

Son muchos los cinéfilos que han visto la transformación de este espacio, que promueve el cine contemporáneo, cultural y artístico ; han sido miles de familias duranguenses que han crecido de la mano con la Cineteca a través de ciclo s, muestras, rallys, festivales y estrenos, con el deseo que esta historia continúe por mucho tiempo más ¡Felices 25 años, Cineteca!

34

Especial

Pedo Infante ¿Por qué es un ídolo?

Para un amante de la música, Elvis, John Lennon o Beethoven pueden ser sus ídolos, siempre que los admire de manera exaltada, adorar algo es idolatrarlo, Infante lo logró.

texto GERALDO ROSALES

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A mediados de la década de 1930, gracias al crecimiento de la industria cinematográfica conocida como “Época de Oro”, surgieron varios ídolos que, hasta hoy, permanecen en la memoria del pueblo, personajes tan queridos como Jorge Negrete, Javier Solís, Luis y Antonio Aguilar, el Piporro, María Félix y Dolores del Río, comediantes como Tin Tan y Cantinflas, entre tantos otros, disfrutaron de la magnificencia de esta bella época que perduró hasta finales de la década de 1950.

Junto a estos personajes surge uno, considerado por muchos el ídolo entre los ídolos de nuestro México, grande entre los grandes, admirado por multitudes, reconocido por su sencillez y su don de gente excepcional; la voz del pueblo, el Ídolo de Guamuchil nacido en Mazatlán, el gran Pedro Infante Cruz.

Para muchos mexicanos, Pedro Infante representa lo que todo mexicano debía tener, hijo respetuoso, amigo incondicional, amante romántico, hom bre de palabra, además de saber muchos oficios y lo que es mejor aún , excelente músico y actor fiel a sus infidelidades, pero de gran corazón como se lee en muchas páginas. ¿Qué es un ídolo?

hagan en e l presente y de seguro que lo harán en el futuro.

Para un amante de la música, Elvis, John Lennon o Beethoven pueden ser sus ídolos, siempre que los admire de manera exaltada, adorar algo es idolatrarlo, convertir en ídolo el objeto de nuestro amor exalta do, y eso es un predicado que pueden cumplir tanto la divinidad como su representación, tanto las personas como los objetos que las representan.

Se dice que Pedro Infante, es el ser humano más idolatrado de la historia reciente de nuestro país, aún sigue siendo el Rey. A 60 años de su trágico fallecimiento, el Ídolo de Guamúchil sigue presente en los hogares mexicanos gracias a la constante repetición de sus películas por la televisión.

Para muchos mexicanos, Infante representó lo que todo mexicano debía ser: hijo respetuoso, amigo incondicional, amante romántico, hombre de palabra y trabajador. El concepto de “Macho Mexicano” alcanza en Infante una acepción difícil de comprender fuera de México. El “macho” de Pedro Infante no es un hombre violento, capaz de dañar a las mujeres. Por el contrario, es un pícaro simpático, inconstante, fiel a sus infidelidades con las “chamaconas”, pero eso sí…con un gran corazón.

Decir que el ser humano ha sentido la idolatría como una neces idad en el pasado sería correcta en parte. El ser humano tiene la necesidad de rodearse de ídolos, y como esa necesidad se muestra consustancial con su naturaleza, tan lógico es que los ídolos hayan acompañado al hombre en el pasado, como que lo

36

CineRecomienda

TE LLEVO CONMIGO Los motivos de cada quien texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

Un híbrido que tiene lo mejor tanto de la ficción como del documental, haciéndolo una de las mejores películas del año. Los motivos de cada

quien al emigrar, ya

sea por mejorar su situación económica, sacar a delante a sus hijos, o seguir al amor de su vida, se vuelven relevantes y su valor radica en el precio que decidimos pagar al irnos, y el precio que debemos pagar si queremos regresar.

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Dentro de las películas nominadas en

será su aparición. Luego de es ta

los pasados premios Ariel había una

entrada, se nos narra su historia, a

que resaltaba y resultaba interesante

tono de ficción, desde que está en

por motivos bastante singulares:

ese México en el que tiene que

Te

llevo conmigo ; no recuerdo en la

ocultar su verdadera naturaleza para

historia reciente del cine mexicano

poder estar con su hijo y poder

una

cocinar y cómo fue que tomó la

coproducción

México-estadounidense con tan rica

decisión de migrar a Nueva York

propuesta, tanto en fondo como en

luego de que su am iga Sandra le

forma.

propone que lo hagan.

La película se presenta como una

Tiene que tomar la decisión de irse

ficción basada en la historia del chef

aun cuando la vida parecía que, a

Iván García, un personaje más que

pesar de los tropiezos económicos y

reconocido en la escena culinaria de

familiares, le brindaba una felicidad

Nueva York, el cual tiene una

inconmensurable

pequeña espinita en el corazó n; la

hablando, a raíz de conocer y estar

película empieza con una confesión:

con Gerard o. A pesar del dolor que le

su incesable deseo de volver a

causa esa decisión, sabe que ya está

México, de volver con su hijo, de

tomada, y que no va a renunciar a

volver a su tierra, porque aún con

ella, aun cuando todo lo que ama

todo el éxito y todo el reconocimiento

esté en otro lugar, a miles de

que goza. Iván no es feliz y no tiene

kilómetros, sin la posibilidad de ir.

sus

Empieza en trabajar en los lugares

papeles

norteamerica no,

de que

ciudadano le

permitan

amorosamente

que puede hacerlo, n o por su falta de

regresar a México y poder volver a

conocimientos, sino por su estatus

administrar su negocio.

migratorio, y justo en el momento en

La introducción se hace por parte de la persona real en la que se inspira el

el que más necesita un apoyo, Gerardo va a su encuentro.

personaje de Iván, pero hasta este punto no sabemos qué tan relevante

38

Luego de un tiempo, de manera más

Vemos como, a través de una

fortuita que planeada, es que se le da

propuesta visual, hay una real y

la oportunidad, esa que jamás se le

correcta construcción tan to de Puebla

dio en su tierra. Esta es para mí una

como de Nueva York a través de la

de las partes clave de la película, es

cámara y cómo retratan a cada

realmente agradable que no se

ciudad; hay una identidad bien

recurra al melodrama barato de

estudiada, algo que no siempre es

telenovel a en ningún momento, de

logrado de manera tan magistral, sin

hecho, se presenta de manera ágil y

caer en los puntos fáciles narrativos

brillante, así como toda la parte

que se utilizan de manera visual

amorosa entre Iván y Gerardo,

como s olo registrar partes icónicas de

siempre con detalle, respeto y

las ciudades: en esta película se

contundencia.

logra a través de ver detalles, calles, rostros.

39

Es evidente que tenemos a una

Se

realizadora, que además de que hizo

construcción un conflicto real y claro,

una labor de investigación a fondo,

lo cual hace que veamos actuaciones

por su gran bagaje en el cine

realmente brillantes y concisas por

documental, tiene una mirada muy

parte de todo el cast sin excepción,

distinta y distante (más no así

liderado

desinteresada) por el tema central,

Armando Espitia y Christian Vázquez;

sin desatender el resto de la trama,

y en este departamento me

además de mostrar una agilidad

hay que hacer un reconocimiento

narrativa que hacen que uno quiera

más que notable a los directores de

ver lo que nos presentará en un

casting y ver la importancia de que

futuro.

personas en este departamento vean

A pesar de que evidentemente se apremia

mucho

a

ese

recurso

muchas veces prostituido en las películas

del

subgénero

de

la

migración , como lo es el de la

nota,

a

por

través

los

de

esta

protagónicos

parece

el real motivo del proyecto y lo que debe de proyectar cada personaje, quitarse de prejuicios y escoger en pos de la historia, no de las recepción de taquilla.

filosofía barata de la superación y la

La parte final de la película se nos

lucha de los compatriotas por el

presenta clavadamente como un

"sueño americano", me parece la

documental, con la resolución y la

película no hace de eso su pieza

decisión de Iván sobre su situación,

clave, apremia más a la forma en que

con una mirada si bien con la

cada personaje vive sus propias

distancia prudente de una directora

dudas y temores.

que sabe en qué punto es correcto colocar la cámara para no influenciar bajo una crítica propia, también da muestra de lo que se involucró en la historia.

40

CineRecomienda

La libre comedia

más allá de la referencia y el homenaje

texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

41

Cuando

hablamos

comedia

su primer guion y dando talleres de

mexicana hoy día, hablamos de

guionismo en un asilo de ancianos.

películas en las que prevalecen

Mariano es un cinéfilo de hueso

ciertos estereotipos racistas que, en

colorado por excelencia, no repara en

afán de causar gracia de manera

la oportunidad para despotricar contra

burda y de hacer reír a la gente,

la “big industry”, no se concibe ver

denigran, sin ninguna connotación

una película mientras otra persona le

sarcástica, de sátira o algún elemento

está habla ndo, ama ir a la Cineteca y

creativo que encamine a alguna

al Chopo con sus dealers (algunos de

propuesta narrativa, a la imagen que

ellos

se

personas

convence a su mamá de comprarle

mexicanas para el resto del mundo,

las colecciones de películas a cambio

por

de llevar a cabo ciertas obligaciones y

proyecta

de

proyectarnos

de

las

como

nos

muy

famosos)

y

siempre

proyectan.

responsabilidades en la casa.

Ahora, si les planteara que la película

Su vida y sus rutinas

de la que les estoy a punto de escrib ir

distorsionadas cuando su primo llega

trata sobre un personaje egocéntrico,

de Querétaro a vivir con ellos por una

vividor, que es adulto y que tiene

situación familiar que pasó en su

sexo con una menor de edad, que es

hogar. Mariano no quiere indagar

la novia de su primo, ¿me creerían si

mucho en ello, pero siempre está

les dijera que es la mejor película

insistiendo en el hecho; aun así, es

mexicana de comedia que recuerde

evidente que la presencia de su

en varios años? Ahora hondaré en

primo, al ser un joven bien parecido,

Ok, está bien , la ópera prima de la

al que se le da muy fácil socializar, de

directora Gabriela Ivette Sandoval.

pronto empieza a tener todo aquello

Una película que nos lleva al año 2009 y nos presenta a Mariano, un joven de 29 años que, tras 6 años de

se ven

que Mariano se le complica desde siempre, entre ello, tener una novia que ame el cine.

haberse graduado de la escuela de cine como guionista, sigue sin escribir

42

El oscuro objeto del deseo aparece en la vida de Mariano, y es el motor para que esta comedia ácida y negra llena de homenajes al cine de Woody Allen se desarrolle.

Hay algo apremiante y más que mencionado por Mariano durante toda la película: "El guion es lo más importante en la película", y en eso tiene razón, y evidentemente es lo mejor de esta. Escrito por el propio actor que interpreta a Mariano, el comediante Roberto Andrade, es un guion que de alguna manera se alimenta de la experiencia propia del cómico, pero no solo por su ideología del guion y su amor por el cine y la experiencia propia de hacerlo, sino porque, como lo manifiesta el personaje, tiene que ver mucho cine para poder escribir un guion perfecto, lo que quizá ya tenía años dominado, y que la inseguridad no le permitía ver; no fue hasta que pasó algo en su vida, como herir a su primo, lo que hizo que por fin se pusiera a escribir, ese elemento real que pudiera detonar la ficción, o la ficción dentro de la ficción: una especie de meta guion.

43

Para un amante del cine de Allen como lo es su servidor, fue increíble poder ver homenaje y referencias tan bien realizadas a películas como Manhattan, Zelig y Hanna y sus hermanas , y tan bien amalgamadas a la trama de la película. Aunado a eso, tenemos la construcción tan bien realizada, capa por capa, de todos los personajes, desde la mamá abnegada, pero consiente del hijo que tiene, hasta la novia que se decepciona de la experiencia de estar con Mariano. Incluso el elemento del suceso que pasó en Quer étaro está magistralmente desarrollado.

La mano y destreza de Gabriela para llevar el guion de Roberto a la ejecución es por demás admirable.

Comprende los elementos y conceptos creados por él, y los logra plasmar frente a la cámara de manera perfecta. Hay no solo congruencia en la trama dentro de la ficción, sino que además no es indulgente, no justifica, nos muestra este ser despreciable y poco tolerante que a veces puede ser un amante del cine, pero al final de cuentas un ser humano que comprende y apren de de sus errores, y mejor aún, les sabe sacar provecho creando arte.

A pesar de que se percibe, se nota y

Ahora pregunto: ¿Qué diferencia hay

se siente una película pequeña,

comparada con el resto de películas

independiente y de bajo presupuesto

cómicas comerciales que se hacen

(película financiada por ellos mismos)

en México? Que las comedias de

se le nota un amor al proyecto y una

industria usan el humor de manera

perfecta

hay

tan mal ejecutada y denigrante, que

(y

buscan sostener con ella la atención

ejecución,

grandilocuencia, enhorabuena) en las

no salvo

tomas de la

Ciudad de México bajo las notas de George Gerwish y su “Rhapsody in blue”, todo lo demás es una perfecta comunicación y ejecución entre las pocas partes que forman al crew de esta película, la película que todo realizador novel y sin dinero qui siera hacer, por supuesto si amara tanto el cine de Allen como Roberto y Gabriela.

del espectador, y, en consecuencia, a toda la película.

En cambio, en Ok, está bien , la sátira construye y se construye a través de un

personaje

particular,

evidentemente el protagónico, para al final entregarnos una tesis del cambio y las consecuencias de sus actos, o al menos presentarnos la idea de lo que se va a llegar a convertir; el hecho de que esta película se haya podido realizar es una prueba de ello.

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44

ProduccionesLaViejaEcuela

NUDO MIXTECO o los tres regresos a San Mateo texto JUAN JOSÉ ANTUNA ORTIZ

45

El cine de los pueblos originarios

Pero de unos años para acá esto ha

hasta hace algunos años no dejaba

ido cambiando, no solo por el hecho

de ser un cine que era atractivo, más

de que cada día más el público ha

que

festivales

educado su visión universal del cine,

europeos, más que por sus formas,

sino porque las personas que son

por sus fondos tan ajenos a sus

parte de este grupo han empezado a

muchas veces cómodas realidades.

contar sus historias, a base d e ir

nada,

para

los

La mayoría de la crítica y la audiencia en esos países veían a estas obras como curiosas y exóticas, y la razón por la que se les catalogaba de esta manera era, la mayoría de las ocasiones porque los retratos que se hacían de estas historias estaban contadas por directores ajenos a esos conceptos;

no

sólo

porque

picando piedra durante años, desde los diferentes departamentos del quehacer

cinematográfico,

pero

también por su afán y el deseo de querer ver en la pantalla una digna muestra y representación de lo que son ellos, y no lo que los demás queremos de el los.

no

conocieran o comprendieran estas historias, o por querer acomplejar a través de una visión privilegiada que ellos tenían; sino porque muchos desconocían totalmente el contexto en el que vivían es tas personas.

46

Nudo mixteco , de la realizadora

María (Sonia Couoh) que regresa al

Ángeles Cruz, es un claro ejemplo de

entierro de su madre, Esteban (con

lo que vendría a ser el cine de

un

pueblos originarios que representa no

Hernández) que regresa con su

solo dignamente los valores y el valor

familia después de tres años de

de estas personas en nuestro sector

ausencia por tenerse que ir a trabajar

cultural y social en nuestro país, sino

a los Estados Unidos, y Toña (Myriam

que también es un digno ejemplo de

Bravo) que regresa al saber que su

cine de calidad y de la diversificación

hija no quiere comer.

de su cine, me atrevo a decir que este es el mejor trabajo de la realizadora.

que

soberbio

Noe

El regreso de los tres, aunque se da al mismo tiempo, y aunque sus historias no están ligadas en sí, sí

La película nos muestra la vida de

tienen puntos en común, uno por

tres personas originarias de San

sobre todas las cosas: el retorno nos

Mateo en su retorno al que algún dí a

presenta el porqué de su decisión de

fue su hogar, pues si bien para los

partir, y sus consecuencias.

que conocemos el vivir fuera del lugar donde nacemos, y que jamás uno se desprende del todo de su hogar, este deja de ser nuestro hogar presencial.

47

más

Además de lo ingenioso y versátil de

La circularidad que surg e a raíz de la

la puesta, dando y pasando una y

narración

otra vez por las situaciones que se

encierran un contexto por demás

viven en estos pueblos, cada una

conocido por Ángeles, dan por

desde

tres

resultado todo lo que esta película ha

personajes principales, que, si bien a

recogido en su andar por festivales,

ratos nos pudieran parecer jocosas a

en los que no solo ha encontrado

los que no conocemos los usos y

reconocimiento por la crítica, sino qu e

costumbres de estos lugares, hay un

además el público reconoce el valor

gran valor de la directora por tocar

por

temas

parecer

enajenación del lugar de origen, la

escandalosos para algunos, pero que

belleza del amor en toda su expresión

nos dan una cosa por sentada: no

y

somos tan diferentes.

ascendientes

Hay

la

historia

que

un

de

pudieran

retrato

real

los

de

las

de

retratar

cortar

las

historias,

temas

raíces

que

dejaban

como

que

la

nuestros prosperar

como el machismo o el abuso sexual.

costumbres, sin prejuicio, o que se

También la película s e vuelve en

encasillen como buenas y malas;

automático una obra universal que

tanto de las folclóricas y que nos

debería verse como el cine mexicano

hacen que veamos tan llamativos no

que se debe divulgar, compartir,

solo a estos lugares, sino también a

dialogar. Estos trabajos no son

sus personas, pero también retrata

únicamente voz en sí de la obra de

esas viejas e insanas costumbres que

una directora, sino que se vuelven

se deberían erradicar. Ha y escenas

punta de lanza para directores que

que rayan no solo en la perfección,

buscan contar sus historias, más que

sino

ser

simplemente hacer cosas para un

hermosas, como el encuentro entre

reconocimiento ajeno al de sus raíces

María y Piedad en su casa de esta,

o sus ideales personales.

que

también

resultan

como la de Esteban tocando su clarinete al lado de su madre mientras se quema su casa.

48

CineRecomienda

La gran despedida de Daniel Craig (¿Y el fin de una era?) texto ERIC EDUARTE VILLA

49

Hace casi 60 años nació un ícono de la cinematografía. Al iniciar la película, un círculo blanco descubría a un hombre caminando con sombrero y smoking sin sospecha alguna. De pronto, de la nada, sacaba una pistola y disparaba hacía la cámara, hacía los espectadores, llenando de sangre la pantalla. James Bond se presentaba en el universo del cine con un tema musical que se volvería reconocido para siempre dentro del séptimo arte.

Pero en esta ocasión parece que Bond ha disparado su última bala. Esta vez no hubo sangre en el famoso Gunbarrel como ha marcado la tradición desde esa primera película ( Dr. No) estrenada en 1962. Esta vez Bond, al disparar, se ha desvanecido hacía el fondo blanco de la escena inicial sin hacer derramar sangre de alguien que le apuntaba, como si ese alguien lograra dispararle primero a Bond haciendo que se fuera para siempre.

Esa acción inicial y famosa nos llevaba a una señal que no desciframos en ese momento, pero el aviso estaba ahí para lo que no estábamos preparados para ver, algo que no imaginábamos en seis décadas. Los tiempos cambian, el mundo cambia, el cine y sus hist orias se transforman, para bien o para mal suceden esos cambios, como si la pandemia nos trajera todo lo que nunca creímos imaginar y ahora, tras ver el final de Daniel Craig como James Bond llega la incertidumbre de qué ocurrirá con la

franquicia más long eva cinematografía comercial.

de

la

Cuando llegó el confinamiento obligó a No Time To die a retrasar su estreno en más de una ocasión, hasta que a finales de septiembre de este 2021 (un año y seis meses desde su fecha original) los productores nos dieron más de una razón de por qué era necesario que la entrega número 25 de la saga tenía que verse en las pantallas grandes, más allá de su gran costo que se posicionó como la cinta más costosa de 007 y que tenía que recuperar en taquilla su presupuesto invertido.

Era más bien lo que nos tenían preparado los productores y guionistas, ese as bajo la manga que nadie esperaba y que a muchos terminó gustando, aunque de la misma manera a otros le disgustó al grado de manifestarse diciendo que mataron la franquicia. Lo cierto es que esta película ha marcado toda la historia de James, tanto en la literatura como en el cine, provocando un análisis y cuestionamiento en cinéfilos y críticos de la cinematografía. La muerte se hizo presente y no para una chica Bond, como se venía dando desde Casino Royale (2006). La muerte nos ha arrebatado a un ícono del cine, nos ha quitado a James Bond.

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¿Se imaginan un mundo sin Bond?

Siempre que terminaba una película de 007 sonaba ese tema musical de Bond (“James Bond Theme ”) compuesto por Monthy Norman y reversionado por John Barry. Los hombres caminaban hacía la salida del cinema sintiéndose 007 y las mujeres deseando encontrar a su James. Ahora los sentimientos fueron distintos al ver la última escena y sonando el mítico tema de Louis Armstrong We Have All Time in The World (Tenemos todo el tiempo del mundo) mientras un legendario Aston Martin entra a un túnel y nos deja el sonido de su despedida con sus faros encendidos mirándonos por última vez.

Quedábamos pasmados en lo s asientos, incrédulos, tristes y otros enojados.

Una Banda Sonora certera La música jugó un papel importante, pues desde un principio causó polémica la incursión de Billie Eilish interpretando el tema principal, pero al ser escuchado después de la secue ncia inicial (La de mayor duración con poco más de 20 minutos) y con lo visto a lo largo de las casi tres horas de película, da razón de esa forma de ser de la canción oficial, y no solo ella le dio el ingrediente que es parte de la trama, una pieza con un a sensación casi depresiva pero sublime, el también reconocido compositor Hans Zimmer impregnó más aún ese sentimiento y emoción de la película con sus pistas "Matera", " Scape square " y "Home" que nos traslada al romance, a

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la melancolía y a la despedida d e varios personajes representativos de la saga.

Pero no solo hubo dolor y amor en la música. Las composiciones " Message From an Old Friend", así cómo parte de la ya mencionada " Scape Square ", nos entrega los sonidos de los momentos de intriga y sobre la impactante escena de la muerte de Felix Leiter, otra de las sorpresas no solo de la película, sino de la saga. Y concluyendo el arco musical de la banda sonora nos llega el tema que quizá es el más triste en la historia del personaje y que se conecta con e l tema de Eilish. Hans ha impactado con " Final Ascent", que llegó a sacar por primera vez lágrimas en los seguidores de Bond en una sala de cine en el momento de mayor asombro.

Parece que ha llegado a su fin una era con un drama de espionaje y hasta de romance, de un personaje que jamás creímos que tendría ese destino que ha sorprendido al mundo del cine. Pero no solo el drama y el amor caracterizaron la era Craig como Bond, en esta reciente y quizá última película como podría ser, el suspenso toma su luga r, así como el mismo terror que es un elemento inimaginable en una saga completamente de acción.

Desde el comienzo el ver a un misterioso hombre caminando en la nieve con un arma de fuego y cubriendo su rostro con una máscara Noh, que proviene de la cultura teatral Kabuki de Japón. Una máscara que representa una historia profunda y aterradora que ha quedado justa para el personaje de Lyutsifer Safin, interpretado por Rami Malek, donde nos adentra a lo siniestro que es, peor aún que la misma organización de Spectre.

Solo alguien así con un hambre de poder, de ser capaz de amenazar a una niña, sería alguien que marcara el destino de James.

Safin se presenta como si se tratara de una película de terror cuando llega a la casa de la fami lia de Madeleine ; por momentos parece otra película y no una del agente secreto. El verdugo anunciaba su llegada como un espectro que no le importaba morir sabiendo que su legado perturbador continuaría tras su muerte. La evolución de la saga es acertada a l presentar escenas así. Pero no es la única novedad, de pronto en la misma secuencia vemos a una niña (Madeleine) disparando un arma de fuego, una imagen que no tarda en ser cuestionada en futuras películas, incluso ajenas al agente británico, con la censura de escenas que se pudieran considerar vulnerables para infantes, una imagen que con el tiempo podría tener más valor.

Al final esa escena demuestra parte de la esencia de este espía que es en verdad un asesino que trabaja para el gobierno de su majes tad con máscara de héroe, que es lo que lo diferencia de otros personajes, por ejemplo, de los superhéroes. Donde la historia nos dice que los espías son meramente armas del gobierno para sus propósitos, que, si bien ven por la seguridad de la nación, también son usados para intereses oscuros de los propios gobiernos.

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Al final esa escena demuestra parte de la esencia de este espía que es en verdad un asesino que trabaja para el gobierno de su majestad con máscara de héroe, que es lo que lo diferencia de otros personajes, por ejemplo, de los superhéroes. Donde la histori a nos dice que los espías son meramente armas del gobierno para sus propósitos, que, si bien ven por la seguridad de la nación, también son usados para intereses oscuros de los propios gobiernos.

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Bond solo podría estar con una mujer con un pasado así de violento y desordenado igual que él. Parte de esa atmósfera que es notable en las novelas escritas de Ian Fleming, que aún muchos de sus lectores esperan ver a este tipo Bond en la pantalla a pesar de que Connery, Dalton y el mismo Craig se han acercado en algunos aspectos.

Y al ser un personaje de espionaje, es notable el destino como agentes secretos. Daniel Craig desde su primera aparición como Bond en Casino Royale nos hizo saber lo que es un espía, un matón que asesina personas que alteran el orden público y causan miedo a la sociedad y que también representan obstáculos para intereses gubernamentales cual sea su fin, sea bueno o malo.

Un espía marca su destino pa ra terminar de la misma manera que sus objetivos, y ahí estaban los mensajes subliminales que nunca vimos. Por ejemplo, cuando Bond ingresa a la casa de M, le dice que tras haber matado a un fabricante de bombas su expectativa de vida como agente doble cer o es corta, que será un error breve. La violencia mostrada en Quantum of Solace hace entrever que no puede seguir dejando muertos como las chicas y su amigo Mathis, tarde o temprano, la muerte lo confrontará. En Skyfall el soundtrack, así como en Quantum, nos habla de que 'Este es el fin' como lo dice la letra de la canción de Adele, y de 'Otras formas de morir' en el tema musical de Alicia Keys y Jack White. Las muertes de Vesper Lynd y de 'M' también fue un aviso para lo que se venía para nuestro protago nista, Bond se volvía más vulnerable, los sentimientos de amor a sus prójimos lo estaban debilitando.

En Spectre la muerte es el tema central de la primera secuencia y la canción de Sam Smith que lleva un sentido romántico por parte de Madeleine, "Writings on the wall ". Lo que está escrito en la pared era el nombre de James Bond con letras en color rojo, entre todos los agentes caídos del MI6, siendo otro mensaje subliminal que no vimos, y ahora en Sin Tiempo Para Morir, el negarle tener una vida a lado de Madeleine y de Mathilde fue el gran tercer y último zarpazo a su corazón, que había dejado de ser frío al iniciar Casino Royale para volverse cálido en esta última película. No encontró otra vía de protección para ellas que tener que decidir renunciar a m ás que a su oficio, a tener un sacrificio de amor. ¿Bond Volverá?

Curiosamente el final puede ser un regreso. Ese final esconde un clave para un retorno por más que parezca increíble, tal vez haya sido un pretexto para volver a esa esencia del personaje.

Para encontrar las buenas noticias de lo que podría ser en un futuro cercano y ver a un Bond vivo es regresar a las páginas de Fleming, no queda de otra. Para observarlo, primero hay que saber que Sin Tiempo para Morir tiene relación con la película Al Servicio Secreto de su Majestad (1969) la sexta cinta de 007, donde sucede la muerte de la amada de Bond, la Condesa Teresa de Vincenzo, dejando lo que era hasta antes de Sin Tiempo para Morir el único final triste dentro de todas las películas de la saga.

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En la literatura de Fleming, la novela "Al servicio secreto de su Majestad" antecede a la novela " Sólo se vive dos veces", donde la trama sucede en Japón y Bond busca la venganza de la muerte de su querida Tracy Vincenzo. Es curioso que No Time To Die finaliza en una isla entre Rusia y Japón precisamente, como si ahora se esperaría una película similar a la novela "You Only Live Twice", bajo otro título y una historia no similar, pero sí con su base argumental.

Es una teoría interesante, sobre todo p or lo que significa y de donde fue extraído el título de dicha novela, que Fleming partió de un haiku escrito por el poeta japonés Matsuo Bashõ (1644-1694) el cual dice: "Sólo se vive dos veces, la primera cuando se nace y la segunda cuando se mira a la mu erte cara a cara".

James Bond miró a la muerte cara a cara en esta última película. Y hace más ruido una de las frases que ha representado la saga en cada película en los créditos finales "James Bond Will Return ", lo que hace ver que seguirá Bond en este mundo del cine, pero ¿Cómo? Su final no encuentra maneras de regresar. Y ante tanto cambio social e inclusivo para el cine en general, lo más acertado sería este final y dejar al personaje en paz, antes de que sea modificado en diversos aspectos que romperí an con lo que realmente es.

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El mundo de Bond y el nuestro Existe algo más que mueve a la película y es su reflejo de la realidad. Como ya sabemos, esta cinta pospuso su estreno por la pandemia y ya se encontraba terminada cuando todo comenzó a cerrarse. Cuando por fin vimos al agente en acción en los cines, la trama nos reveló algo que ha pasado casi desapercibido. Un arma letal a través del contacto humano es el elemento diabólico presentado, curioso que al finalizar la filmación pasaron tan solo cinco meses para que nuestro mundo se viera amenazado por un virus de fácil contagio sin cura.

Imágenes similares tuvo la película con la pandemia: la muerte de varias personas al contagiarse del cadáver en un funeral, una animación por computadora simulaba la expansión de un virus a través de nanobots por todo el mundo similar a los noticieros que mostraban la propagación del Covid -19, y por supuesto no había manera que quitarse ese virus. Aunque eso no es lo que más llama la atención, la película nos hace otra siniestra revelación.

El gobierno se muestra en esta cinta como un enemigo más (no visto de esa manera en las anteriores películas de la saga), un director de la agencia de espionaje responde a los intereses de su gobierno, no a los de un agente que solo busca deshabilitar orga nizaciones criminales, en este caso la organización Spectre, así lo menciona Malory (M). Esa escena nos dice quiénes llegan a ser los verdaderos criminales, apegándose más a la realidad.

Si no hay alternativa… habrá sido un gusto haber conocido a este personaje y solo quedará decir gracias Ian Fleming, gracias James Bond .

Es aquí donde se podría pronunciar cuales serían las siguientes mis iones de Bond, contra quienes. Son otros mensajes subliminales que buscan asomarse, es parte de ese trasfondo de la película. Esta vez Bond fue víctima de algo que creó su propio gobierno. Fueron más aterradores los hombres que dirigen agencias y naciones que un hombre que gusta de la extorsión y terrorismo mientras acaricia un gato blanco en su guarida en el cráter de un volcán. Esto nos ha dejado Sin Tiempo para Morir .

Nos queda esperar ver hacía dónde avanzará esta franquicia que nos ha quitado a quien se consideraba un héroe y nos ha dejado ver quiénes son los verdaderos enemigos de nuestro mundo.

Contra inclusiones forzadas y amenazas de quienes nos deberían de proteger, James Bond tiene su misión más complicada: lograr una evolución sin adaptarse a lo que dicta una sociedad.

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Especial

CINE DE ESPIONAJE Mucho más que un género de acción texto ERIC EDUARTE VILLA

La historia del espionaje se remonta a la Edad Media, donde ya existían métodos de vigilancia, sin embargo, existen registros de técnicas desde hace poco más de 5 mil años, incluso personajes bíblicos ponían en práctica el espionaje, cuando Caín por su envidia vigilaba a su hermano Abel que lo llevó a cometer su fratricidio. Desde nuestros ancestros se fueron desarrollando formas para obtener información de manera secreta, empezando a estar cerca de alguien y simplemente escuchar los diálogos de otra person a.

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Todas estas formas trascendieron milenios después para seguir viendo desde una ventana, desde lo alto de un edificio, con cámaras ocultas, tomando la identidad de otra persona, disfrazado hasta de un bebé. Sí, existe el antecedente del histórico Monsieur Richerbourg que gracias a su corta estatura se introducía a edificios gubernamentales acompañado de una mujer que simulaba ser su madre, desde su carriola escuchaba conversaciones de asuntos importantes y veía entrar y salir a personas que vigilaba, y ahor a con la era digital puede ser posible que alguien más obtenga información y hasta vigilar usuarios.

Cuando surgió el cinematógrafo se dio la manera de capturar el mundo y su gente, haciendo registros de la realidad, y cuando nace la necesidad de contar historias, los directores que empezaban a filmar a comienzos del siglo XX no dejaron de lado el seguir captando la realidad a través de la lente. El mundo y sus sucesos sirvieron de inspiración para la creación de guiones. Esa realidad de la sociedad, de la política y de sus secretos, se llevó al séptimo arte y no tardó en manifestarse tan solo en la época del cine silente.

El espionaje se convirtió en un elemento de ficción no solo en películas sino también en la literatura, desde los más conocidos autore s como el periodista y oficial de inteligencia Ian Fleming y la creación de su icónico personaje James Bond. El también autor y espía John Le Carrè narró en diversas novelas historias sobre actos de espionajes más cercanos a la realidad. Otros novelistas c omo Robert Ludlum, que llevó su obra para revelar oscuras intenciones de las agencias de inteligencia como lo es su obra ficticia del caso Bourne.

Tom Clancy, desde su tinta, también se acercaba a las realidades y conspiraciones de este mundo que llegan a ser vigentes en escenarios reales. Graham Greene igual redactaba líneas sobre la política e introducía las cuestiones de la Iglesia que lo hizo recibir duras críticas y rechazo por muchos. Y más novelistas que con su literatura aportaron definitivamente a la creación de guiones cinematográficos, la lista de autores es larga y se necesitaría un artículo especial sobre novelistas de espías, aunque aquí mencionaremos algunos donde sus obras literarias tuvieron su salto a la pantalla.

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Antes de la transición al mundo audiovisual, los términos: 'espionaje', 'espía' o 'agente secreto' no eran palabras que estuvieran familiarizadas con los lectores como hoy en día, por lo que las historias de estos personajes tenían que ser involucradas en historietas o novelas policíacas de la época. Poco antes de la II Guerra Mundial, las tramas de estos servidores del gobierno se presentaron en el mundo del cine para quedarse para siempre, muchas personas aprendieron de la historia geopolítica gracias a las películas de espionaje.

Alfred Hitchcock, maestría en Intriga Pero el primer influenciado por Fritz Lang fue el maestro del suspenso, en alguna ocasión el gran director Italiano Sergio Leone dijo que, si Fritz Lang no hubiera nacido, Alfred Hitchcock no habría existido en la cinematografía. Alfred en gran parte de su filmografía e scribió y dirigió historias sobre asuntos políticos, lo hecho por Lang en la cinta Spione se ve reflejado en películas como 39 Steps (Los 39 escalones) de 1935, basada en la novela homónima del autor John Buchan, otro de los importantes escritores del géne ro.

Espías, la primera película De la visión del célebre director Fritz Lang se dio la primera película de espionaje en el cine, en 1928 estrenó su penúltimo largometraje mudo Spione (Espías), cinta que Fritz filmó después de su obra maestra Metrópolis, quizá por eso quedó eclipsado el valor cinematográfico de Los Espías , ya que además de ser la primera del género de espionaje también influyó en directores y sagas de cine que hoy son exitosas como la del 007; su final se volvió una herencia para las reconocidas películas producidas por Albert R. Broccoli , su legendario espía inglés doble cero terminaría de manera similar con una mujer a lado como lo fue la obra fílmica de Lang.

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A la larga lista de Hitchcock le siguen producciones como North By Northwest (Intriga Internacional o Con la Muerte en los Talones) que junto a 39 Steps formaron la esencia de la novela y película From Russia With Love (Desde Rusia con Amor) del ya f amoso y mencionado James Bond, que es la cinta más Hitchcockeana de la franquicia, no sólo homenajea una de las escenas míticas del cine de Alfred como la avioneta que persigue a Roger Thornhill en Intriga Internacional, que es recreada en la segunda pelíc ula de 007 donde el helicóptero de Spectre vuela por encima de la cabeza de Bond, sino también buena parte de la trama se lleva a cabo en el Orient Express que atraviesa parte de Europa, encerrando el drama en cuartos de vagones, momentos dramáticos que ev ocan a la huida de Richard Hannay en Los 39 Escalones .

Que por cierto Hitchcock estuvo cerca de ser el primer director del famoso espía británico y en lugar de Sean Connery, Cary Grant interpretaría al primer Bond en el cine, Hitchcock terminó rechazando la oferta por respeto a su amigo Ian Fleming. Aun así, d ejó un gran legado de películas relacionadas con detectives o agentes secretos.

una situación silenciosa que pone en tensión a sus personajes mientras el resto de la gente continúa con la fiesta, es la clase de intriga que deja Hitchcock.

El Hombre que sabía demasiado, Sabotaje, Cortina Rasgada, Agente Secreto, Número 17 y La Ventana Indiscreta son tan solo algunas cintas de Alfred que marcaron este género en particular.

Cintas imprescindibles como Notorious (Tuyo es mi corazón) que es fundamental para la apreciación del séptimo arte, contiene una escena importante que es prácticamente una clase de cine, donde aborda de excelente manera el suspenso; una escena de un ambiente tranquilo e incluso de celebración termina ocultando

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Mata Hari y las Mujeres espías No solo ha habido vigilantes varones en el espionaje, las mujeres han jugado un papel importante tanto en la ficción como en la realidad, y una de ellas es de las pocas damas que dedicaron su vida al trabajo de campo de las agencias secretas, se trata de l a primera mujer espía que se habría hecho famosa. Su nombre era Margaretha Geertruida Zelle, mejor conocida como Mata Hari, una exótica bailarina neerlandesa que con su encantador y seductor trabajo tuvo que aceptar el servicio para la inteligencia alemana durante la I Guerra Mundial.

Al estar obteniendo información de los franceses, fue vigilada por la misma inteligencia de Francia tras sospechar de ella como infiltrada y utilizaron el mismo método para tenerla de aliada. Mientras trabajaba para ambos ba ndos al mismo tiempo y bajo la presión de los dos países, cargó con una terrible angustia, estaba encadenada por dos naciones y no podía decirle a nadie de su sentir y sobre todo no encontraba la salida de ese trabajo de espía que la torturaba cada vez más , la acercaba a una muerte segura y tanto alemanes como franceses la terminaron traicionando.

Los franceses no confiaban en ella y la ejecutaron el 15 de octubre de 1917.

En 1931 su vida fue llevada al cine por vez primera en la película Mata Hari , dirigida por George Fitzmaurice y protagonizada por la reconocida Greta Garbo, en dicha película tuvo como coprotagónico al actor duranguense Ramón Novarro. En 1985 se realizó una segunda película dirigida por Curtis Harrington y protagonizada por Sylvia Kristel, también bajo el nombre de Mata Hari. Un par de décadas atrás, el personaje de Hari apareció en la película española La reina del Chantecle, protagonizada por Sara Montiel y dirigida por Rafael Hil. La más reciente aparición de Mata Hari se ha dado en l a película King's Man: El origen (2021) donde vemos a la espía seduciendo al presidente de los Estados Unidos, Woodrow Wilson, quien fuera mandatario del país norteamericano durante la I Guerra Mundial, en la película, Wilson y Mata Hari son filmados a escondidas dentro de la trama, al ser proyectado el metraje en una secuencia, evoca a las primeras cintas mudas.

Durante la época del cine de Hitchcock, el mismo director Londinense siempre hacía acompañar a sus espías de una mujer que servía de aliada.

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Para la década de los noventa llegaba el director francés Luc Besson, que ha dejado una de las mujeres espías más reconocidas del celuloide, Nikita, bajo el protagonismo de la actriz francesa Anne Parillaud. Un guion del mismo director donde se nos adentra a un oscuro drama policíaco de una delincuente adicta a las drogas, y tras haber matado a un policía, es condenada a cadena perpetua, pero el gobierno francés ve algo más que una asesina que debe pagar por sus actos, ven un arma a favor de sus inte reses gubernamentales, un chantaje que pone en conflicto a la propia joven asesina, una manera de aprovecharse de ella.

Con esta película Anne se valió de un Premio César, que es el equivalente a los Premios Oscar para el cine francés.

Nikita pasó de la p antalla grande a la televisión, donde se han adaptado dos series; la primera producida entre 1997 y 2001 en Canadá, protagonizada por la actriz australiana Peta Wilson, y la segunda hecha por la CBS en 2010 con la actriz estadounidense Maggie Q .

Luc Besso n regresaría en 2019 con otra película de mujeres espías, Anna, donde la tragedia femenina vuelve a una mujer un arma del gobierno. Suena muy siniestro el asunto que una mujer abusada por hombres tenga como única salida el dar su vida al servicio secreto, pero parte de ello es algo que también sucede con los varones que son reclutados para el trabajo de espía, solo personas con una vida y un pasado atormentado sin familia son las

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calificadas para dicha labor, ya que son enviados para propósitos diversos don de pueden ser descubiertos o capturados y, en caso que así suceda, tendrán que negar información y pueden ser asesinados por ese motivo, nadie los reclamaría.

Y con Anna, Luc nos lleva a la "madre Rusia" para presentarnos una espía igual de letal que Nik ita, donde sus encantos como una mujer la vuelven peligrosa para un hombre que la acompañe y este busque mentirle. El protagonismo cae en la actriz Sasha Luss. El cineasta francés logra un par de películas donde posiciona a la mujer en un buen espacio para el cine de espías como lo son para los hombres.

Sobre ese espacio, se empieza a vislumbrar más películas de espionaje con mujeres espías como protagonistas.

The 355 (Agentes 355), donde un grupo de mujeres combaten a un ciberterrorista.

Protagonizada y coproducida por Jessica Chastain, quien le propuso la idea de la película al director Simon Kinberg, con la intención de realizar una película con el mismo espíritu de sagas como Misión Imposible y James Bond, solo que impulsadas y protagonizadas por mujere s, teniendo el resultado que se exhibe en este 2022 en pantallas de cine. En el elenco destacan actrices como la española Penélope Cruz y la mexicana Lupita Nyong'o.

Recordar que anteriormente se han producido las películas de la franquicia Los Ángeles de Charlie.

Y para culminar esta parte de las mujeres espías, no podemos olvidar que en todas las regiones del mundo las espías son ya parte esencial de este género. El director Ang Lee le dio vida a una de las novelas de la escritora de origen chino, Chiang Ai -Ling, mejor conocida como Eileen Chang , que escribió la historia de Zheng Pingru , una espía y socialité china que reunía información sobre el Ejercito Imperial Japonés durante la segunda guerra sino japonesa desarrollada entre 1937 y 1945 en el marco de la Seg unda Guerra Mundial. Zheng fue considerada como la Mata Hari de China. Su vida fue llevada a la pantalla grande con Lust, Caution (Deseo, Peligro) en 2007.

Jean-Paul dejó una huella a lo largo de su carrera, con Le Professionnel dejó una marca en el género de espionaje.

Belmondo es su funeral fue despedido con las notas de "Chi Mai". Difícil describir el sentimie nto mientras se le daba su último adiós en el Palacio Nacional de los Inválidos de París; entre las notas musicales, los aplausos y miles de lágrimas que se manifestaron, con una bandera francesa cubriendo su ataúd.

Le professionnel , drama y espionaje francés Volviendo a Europa a la década de los ochenta, no pode mos dejar de lado a El Profesional , del director Georges Lautner, donde vemos a un espía llamado Josselin Beamount, interpretado por el recientemente fallecido Jean -Paul Belmondo. Con una trama que llevó el tema del espionaje a un sentido de sufrimiento pa ra un agente secreto, más que una película de acción es una cinta dramática, que culmina con una de las escenas más impactantes del cine francés y del cine de espionaje, mientras se escucha la composición de Ennio Morricone "Chi Mai" para posteriormente dejarnos atónitos mirando los créditos finales.

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Al referirnos a los primeros personajes del género de espías, no podemos dejar de lado a quien fue uno de los pioneros en cautivar a los lectores de historias policíacas, una saga literaria que data desde 1887, casi en pleno inicio de las proyecciones del cinematógrafo de los Hermanos Lumiere. El culpable de diseñar este personaje trascendental de la literatura en general es el escritor británico Arthur Conan Doyle , quien dejó cuatro novelas y 56 relatos de ficción sobre Sherlock Holmes, todos ellos conforman el “Canon Homelsiano", que es un término exclusivo de la tinta de Arthur para su detective ficticio.

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Mucho de lo creado en las historias de Holmes sentó las bases para otros novelistas del género de espionaje y de detectives, por lo que podría decirs e que Sherlock vendría siendo el padre de la literatura detectivesca y de los mismos espías. La literatura de Holmes es muy distinta a la escritura de autores que surgieron después. Doyle imprimió una narración a partir de otro personaje conocido dentro de la historia Sherlockiana, me refiero al Dr. John H. Watson, que es el acompañante de Sherlock en sus aventuras, jugando un papel importante dentro las obras de Arthur, que fácil podría tener su propia saga literaria e incluso cinematográfica.

Sherlock pasaría de las hojas del libro al metraje en 1900 con un cortometraje llamado Sherlock Holmes Baffled (Sherlock Holmes Perplejo) un corto mudo estadounidense dirigido por Arthur Marvin. No sólo es la primera película conocida de Sherlock, sino también la primera filmación ficticia del tema de detectives, con una duración de tan sólo 30 segundos, el metraje tuvo una vida efímera ya que se perdió y no se supo más de su existencia hasta 1968, cuando sus fotogramas fueron redescubiertos estando impresos en papel en el archivo de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.

En dichos fotogramas, Sherlock intenta capturar a un ladr ón que ha robado varios objetos del propio Holmes y todos los esfuerzos del detective para capturarlo fracasan. La película tiene dos particularidades, la primera es que no se considera de la literatura de Doyle, siendo ajena al 'Canon Homelsiano', solo se tomó el derecho para usar el nombre del personaje, y segundo que fue producida por la American Mutoscope and Biograph Company, donde para ser reproducida no se proyectaba como lo hacía el cinematógrafo de Lumiere, era visualizada en un Mutoscopio patentad o por Herman Casler , las imágenes solo podían ser vistas por una persona a la vez.

Las adaptaciones de Sherlock Holmes al mundo audiovisual han llegado hasta el momento con más de 200 producciones entre cortometrajes, series y películas, incluso en radio y teatro han tenido vida las aventuras de Sherlock. La primera película ya basada en las novelas de Arthur Conan Doyle es la cinta muda Sherlock Holmes, de 1916, dirigida por Arthur Berthelet y protagonizada por William Gillette, quien es el actor recordado por ser Sherlock Holmes en cine y teatro. En 30 años subió al escenario unas mil 300 ocasiones con la gabardina y la pipa curvada característica de Holmes, que habrá que mencionar que William construyó la imagen de Sherlock que hoy conocemos.

Rediseñó la vestimenta en apariciones teatrales, cuando la gente no veía bien el rostro del actor, el mismo Gillette decidió usar otro tipo de pipa para que el espectador lograra apreciar sus gesticulaciones, también le añadió la gorra de cazador ya usual en la ima gen de Holmes, pero no sería todo; le agregaría al personaje la famosa frase "Oh, this is elementary, my dear fellow" ("elemental mi querido amigo" ) frase que debutaría en la primera película sonora del personaje en la cinta Sherlock Holmes, de William K. Howard en 1932.

El primer largometraje de Sherlock, al igual que su primer cortometraje, estuvo perdido por décadas, hasta que en 2014 fue encontrado en un archivo de cine francés.

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Diversos actores han personificado en la pantalla al detective más famoso. El icónico Buster Keaton, quien en 1924 se pondría a resolver casos con la película El Moderno Sherlock Holmes, una de las cintas cómicas sobre el detective. El actor Basil Rathbone fue Sherlock Holmes en 14 películas entre 1939 y 1946, es considerado la encarnación galante del personaje creado por Doyle.

Roger Moore, además de tener la licencia para matar como el agente 007, también portó al mismo tiempo el atuendo del detective más famoso; lo hizo a mediados de la década de los 70 con el telefilm 'Sherlock Holmes en Nueva York'. Chartlon Heston fue otro de los grandes actores que interpretó a Sherlock, en 1991 pro tagonizó una película para la televisión: 'Bajo el crucifijo de sangre' de Fraser C. Heston.

Robert Downey Jr., bajo la dirección de Guy Ritchie, ha interpretado al detective en dos películas, Sherlock Holmes (2009) y Sherlock Holmes: El juego de Sombras (2011) Jude Law lleva el papel del Doctor Watson y se tiene prevista la continuación de la saga con Robert Downey Jr. con otras dos películas. El más reciente actor que da vida Sherlock es Henry Cavill en la película Enola Holmes, producida por Netflix, qu e va más enfocada a la vida de Enola, hermana de Sherlock. La misma compañía productora de streaming ya prepara la segunda película de Enola, que es un personaje que proviene de las novelas de “The Enola Holmes Mysteries” (“Las Aventuras de Enola

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Holmes”) escritas por Nancy Springer, quien solo toma algunos pasajes y personajes de las novelas de Arthur Conan Doyle, y Enola jamás formó parte de la literatura de Arthur.

Tom Clancy, entre las profecías y la conspiración Uno de los novelistas que más asombro ha ocasionado con sus historias es el estadounidense Thomas Leo Clancy Jr., mejor recordado como Tom Clancy. Sus novelas se plasman en la inteligencia militar ambientadas en la Guerra Fría y épocas posteriores. Redactó en cada página eventos relacionados c on la realidad, palabras que contienen incluso cuestionamiento de las intervenciones norteamericanas a países de Medio Oriente.

Atentados terroristas y decisiones gubernamentales son parte del legado literario de Tom. Una de las más impactantes se dio con su novela "Órdenes Ejecutivas", publicada en 1996, donde relata cómo un suicida islámico estrella un Boeing 747 contra el Capitolio de Washington.

Cinco años después se daría el atentado terrorista del 11 de septiembre en Nueva York y el Pentágono, y se sospechó que uno de los aviones secuestrados tenía como objetivo el mismo Capitolio.

Además, también anticipó que sería un desastre peor que el atentado de Oklahoma y los medios de comunicación volteados a solo hablar del atentado, tres coincidencias de la obra de Clancy con lo sucedido en 2001 en Estados Unidos, también escribió de un ataque de un líder iraní por parte del gobierno norteamericano, situación que se hizo real a comienzos del 2020. La novela hasta hoy no ha sido adaptada al séptimo arte. Aunque sí otras más se volvieron películas prescindibles del generó de espionaje como La Caza del Octubre Rojo, Juego de Patriotas, Peligro Inminente y La suma de Todos los miedos .

Muchas de ellas han tenido adaptaciones tanto en cine como en la televisión, sus páginas revelan una atmósfera más oscura y realista del mundo del espionaje. Le Carrè siempre criticó la s novelas de Fleming, mencionaba que el trabajo del agente secreto es más sucio y lejos del glamour de las mujeres y de las bebidas refinadas. El actor Sean Connery fue el único en protagonizar películas de los autores más sobresalientes del espionaje, de John Le Carrè tomó el papel principal en la cinta La Casa Rusa , dirigida por el australiano Fred Schepisi , y de Fleming encarnó a Bond en siete películas.

John Le Carrè, el verdadero espía Uno de los autores que llevó los relatos de agentes secretos a otro nivel fue David John Moore Cornwell, más conocido por su pseudónimo John Le Carrè y que antes de escribir trabajó para el British Foreign Service que operaba desde una oficina del MI -5, uno de los encargados del servicio de contrainteligencia. Tras el retiro, dedicó su vida al igual que su compatriota británico Ian Fleming para narrar episodios novelísticos sobre espías. Su obra literaria se basó al igual que Clancy en la Guerra Fría y publicó importantes novelas como 'El Topo', 'El Espía que surgió del Frío', 'Llamada para el muerto', 'La gente de Smiley', 'El J ardinero Fiel', 'La Chica del Tambor' y 'La Casa Rusa', entre otras.

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Si bien ya hemos abordado a James Bond, no está demás mencionar que esta saga ha aportado bastante a la cultura cinéfila contemporánea.

Siguiendo los pasos de su hermano, el reconocido novelista y viajero Peter Fleming, Ian también dedicó su vida a la escritura y publicación de libros tras dejar su etapa dentro de la inteligencia británica durante la Segunda Guerra Mundial, etapa de su vida que le inspiró para escribir sus novelas.

Dejó un personaje que se volvió trascendental en las películas de espías que, a pesar de que sus adaptaciones cinematográficas marcan un personaje visto como un héroe elegante, sus novelas están hechas con intenciones de mostrar a un Bond frío, bebedor y hasta molesto por ver a una mujer como acompañante en el trabajo de sus misiones secretas, un cúmulo de características que lo convierte en alguien apto para el trabajo de espía.

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Fleming sabía cómo construir a este personaje, nunca quiso plasmar un héroe como se piensa que podría ser Bond, simplemente un hombre necesitado de un arma para satisfacer sus más oscuros y vividos apetitos, claro, con la oportunidad de hacerse de una vida lujosa.

El mismo autor en una entrevista a comienzos de la década de los 60's, aclara que él es ajeno a Bond, para nada tuvo una vida como la que le h a dado al agente 007 y tampoco su manera de ser, incluso era un mal jugador en el Póker, donde recordó su visita a un Casino en Lisboa y perdió mucho dinero contra unos alemanes.

Sin embargo, le dio la idea para escena de juego de Casino Royale , Fleming solo quería pasar el resto de sus días viviendo en la exótica isla de Jamaica dentro de su residencia llamada Goldeneye, y se hacía acompañar de un cigarrillo, su máquina de escribir y una bermuda para adaptarse al encanto del caribe, lejos de la s modernidades y oficinas británicas. Cuando se le preguntó si tenía interés en escribir algo más, simplemente contestó que no tenía ambiciones. Al final Bond en las novelas es alguien que se sienta en la mesa de un bar a reflexionar sobre la vida y la muerte mientras bebe algo de alcohol.

Su legado en la pantalla grande está por cumplir 60 años el próximo octubre de 2022, con hasta ahora 27 películas producidas, un episodio de televisión, un dibujo animado para pantalla chica, una continuación literaria por otros autores y hasta una serie de comics. Ocho actores han interpretado a Bond: Sean Connery, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig en películas oficiales de la Eon Productions y de la Metro Glodwyn Mayer.

David Niven es otro actor que le dio vida al personaje en pantalla grande, en una de las llamadas 'películas no oficiales' fuera de la saga original, que curiosamente es una parodia llamada Casino Royale (1967) y el primer Bond de la pantalla fue Barry Nelson, e l único estadounidense en interpretar a Bond antes de que surgiera el requisito de que solo un actor británico debería portar la

'Licencia para Matar'. Nelson debutó al personaje en un episodio de un show de televisión en Estados Unidos llamado "Climax!" p ara la cadena CBS, el episodio presentado se llamó 'Casino Royale' (1954) un año después de la publicación de la novela de mismo nombre.

James Bond ha servido de influencia para otras películas de espionaje en recientes décadas, donde se han permitido cop iar elementos que nacieron con 007 como el uso de gadgets como la más reciente saga King's Man, en otras películas como xXx, protagonizada por Vin Diesel y dirigida por Rob Cohen , donde se pueden ver autos con accesorios extras como misiles y metralletas, y una gran variedad de artilugios integrados. Así como el presentarse primeramente con el apellido seguido del nombre, es algo que se ha mostrado en una infinidad de cintas incluso ajenas al espionaje.

El cine de parodia de espías también se dio tras la “ Bondmanía”. Llegaron personajes como El Súper Agente 86, Austin Powers y Johnny English como los más conocidos. Muchas otras películas y series televisivas han tenido guiños o hacen referencia a James Bond. Se volvió una cultura del cine y ahora se espera la cinta oficial número 26 con un nuevo actor que será dado a conocer este 2022, el marco de su celebración de sus seis décadas.

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Ethan Hunt y Jason Bourne , los agentes norteamericanos Pareciera que Reino Unido y parte de Europa han acaparado el espionaje en la industria del cine, sin embargo, desde los 80 el cine Hollywoodense ha sido partícipe en gran medida dentro del cine de espías. En 1996 llegó para dicha industria una saga que se volvió reconocida, siendo una adaptación de la serie de televisiva de los años sesenta, llamada Misión Imposible, emitida por la cadena CBS. Los derechos de adaptación para cine logró conseguirlos Tom Cruise, que junto con su socia Paula Wagner han hecho d el personaje Ethan Hunt una franquicia que ha conseguido mantenerse rentable y competir contra las sagas más famosas del espionaje cinematográfico, con siete películas producidas y seis de ellas ya estrenadas.

Cruise parece que le dará fin a la franquicia de M:I con una octava película. Tom pretende con esta saga llevar una producción al espacio exterior por primera vez en la historia del cine, utilizando como locación la Estación Espacial Internacional (ISS). Lejos de la primera película dirigida por Bria n De Palma que tiene la esencia del cine de espionaje europeo y de otras cintas del mismo género, Misión Imposible introdujo a partir de la cuarta entrega, momentos más suaves y hasta con diálogos que caen en situaciones humorísticas sin rayar en la comedi a. La segunda parte, M:I 2, es más una

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película de acción al estilo Hollywood y la tercera cinta regresa un poco a la intriga de la primera película y le da una forma dramática.

Entrando el nuevo milenio se presentó la adaptación de la novela de Robert Ludlum. Llegaban las películas de Jason Bourne, las cuales mantienen la naturalidad de la obra de Ludlum que rescatan los momentos de intriga de autores como Le Carrè y del propio Hitchcock y hasta se relaciona con lo escrito por Tom Clancy. Desde el primer instante hasta la última escena, en cada película no deja de llevar al espectador hacía una tensión.

Robert Ludlum inició tarde su escritura y sin embargo dejó líneas que ponen en cuestionamiento agencias como la CIA, y Bourne no es otro espía más que bu sca desaparecer organizaciones terroristas, solamente es alguien que busca dejar su trabajo de asesino y su propia agencia se convierte en su propio perseguidor. La búsqueda y huida de un espía al darse cuenta en qué consistía su trabajo dentro la agencia, sutilmente nos da un panorama real de lo oscuro que pueden ser los gobiernos de las grandes naciones.

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Espías a la mexicana Nuestro país no se queda atrás con el género del espionaje. Aunque no habido sagas o franquicias que hablen sobre situaciones como las novelas y películas reconocidas mundialmente, sí existe más de un personaje que ha incursionado en el género. El primero de ellos marcó la cinematografía nacional al grado de que le han hecho homenajes a sus películas en países como Francia.

Sin duda su identidad permaneció oculta no sólo en el cine, sino también en la vida real. Nos referimos al mític o y legendario Rodolfo Guzmán Huerta, mejor conocido como El Santo , que no solo enfrentó a vampiros, zombis y monstruos en sus películas, también fue agente secreto para investigar y desarticular bandas criminales.

La primera película donde vemos al luchador en papel de espía fue en El Santo contra el Rey del Crimen , de 1961, con guion y dirección de Fernando Curiel, que muestra como el héroe del cuadrilátero se enfrenta con la ayuda de la Interpol a una organización delictiva orquestada por el llamado 'Re y del Crimen'. La travesía del Santo como agente seguiría en películas como Operación 67 , de 1966, dirigida por René Cardona y René Cardona Jr., donde El Santo tiene que hacer frente a una banda falsificadora de billetes que buscan hacer colapsar la econo mía mundial. Dicha película catapultó al luchador a ser un espía dentro del cine, combinando su máscara con un elegante atuendo,

incluso se le dio un auto deportivo para sus misiones, aludiendo a James Bond, quien se encontraba en plena fama mundial.

Y una tercera cinta a mencionar es El Santo contra Capulina ¿Quién habría imaginado que otro icónico personaje del cine nacional se enfrentara al héroe de la lucha libre? En realidad, es una película que mezcla el terror y la comedia, Capulina no es más que ot ro personaje que por azares del destino tiene que ayudar al enmascarado a capturar a una banda traficante de diamantes, sin embargo, por momentos el mismo Capulina se hace pasar por el luchador, complicando la misión de Santo, película también dirigida por René Cardona en 1968.

La efervescencia del cine de espionaje en la década de los años sesenta hacía que se crearan nuevos personajes en nuestro cine, y otro luchador que saltó del cuadrilátero hacía los sets de filmación para ser espía fue Blue Damon.

Ese mismo año de 1968 el Demonio Azul saltaba a la pantalla grande para aniquilar a una organización criminal que intentaba envenenar a todo el mundo.

Blue Damon destructor de espías está escrita por Alfredo Ruanova y dirigida por Emilio Gómez Muriel.

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Ambos luchadores no fueron los únicos, existe otro personaje reconocido en la cinematografía mexicana que la hizo de espía en películas, Xavier López "Chabelo", con la ayuda de su fiel y entrañable amigo Pepito (Martín Ramos Arévalo) la hicieron de detecti ves en más de una ocasión. Una de esas cintas es Chabelo y Pepito Detectives (1974) dirigida por José Estrada, donde buscan una banda secuestradora de niños y terminan descubriendo que el problema es de otro mundo, haciendo ver una trama surrealista y sin que falten los toques humorísticos de Chabelo. Esta cinta forma parte de una trilogía donde ambos protagonistas juegan en ese papel de detectives: Pepito y la Lámpara Maravillosa (1972) dirigida por Alejandro Galindo, y Chabelo y Pepito contra los Monstruo s (1973), también dirigida por José Estrada.

Al hablar de espías en el cine mexicano sería un pecado dejar fuera uno de los personajes que logró un fenómeno similar a lo hecho por 007. No sólo fue un personaje, sino un actor visto por la audiencia como un auténtico agente secreto. Alemán, Julio Alemán. En esa época sesentera marcada por el cine de espías, como lo es hoy el cine de superhéroes, la cinematografía nacional entregó un personaje para el recuerdo.

El director René Cardona Jr. dejó su huella como uno de los realizadores del cine de detectives y de espías, a la par mientras convertía a El Santo en agente secreto, llevó a la gran pantalla al considerado y verdadero espía

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mexicano del cine, Alex Dínamo , que bastaron tan solo un par de películas para volverlo icónico, que incluso se le hizo un comic en dicha época que fue éxito en la audiencia mexicana.

Dínamo, al igual que Bond, fue un personaje que se hizo rodear de bellas mujeres y misiones que incluyen locaciones exóticas, planos cinematográficos y tomas de cámara realizadas bajo el agua, con barcos y autos destruidos, prácticamente como sucede en las películas de 007. Lo de Alex Dínamo fue un Hito en el cine de espionaje mexicano y de Latinoamérica.

Lo único que diferenció a Alex fueron sus tramas y diálogos irónicos. (S.O.S) Conspiración Bikini (1967) y Peligro…

Mujeres en acción (1969) dieron la historia para que Julio Alemán fuera recordado como el James Bond de México.

Podríamos extendernos más hablando del cine de espionaje que se ha marcado como un género en particular dentro del mismo género de acción. Esta es una pequeña parte de lo que se ha producido en 127 años de cinematografía. Y es un género que, con los nuevos tiempos sociales y políticos, sus historias fílmicas estarán transformánd ose.

No todo es cine

RECOMENDACIONES

CUANDO SE ACABE LA FIESTA//literatura El libro de Carlos Bernal Romero nos lleva a un imaginario y casi imposible encuentro entre la actriz Sherlyn, en víspera de su cumpleaños, y el general Porfirio Diaz, en sus últimos años de vida en el destierro. Una ingenua y a la vez poderosa historia que denota la admiración que siente el autor por la protagonista de Elisa antes del fin del mundo.

JAIRO FUENTES//música Con evidente influencia del new wave, trip hop y rock industrial, sin dejar de lado su influencia como artista chileno, Jairo Fuentes llega con una fresca propuesta, que nos remite al finado miembro de La Ley y Saiko, Iván Delgado, al cual Jairo admira.

Los temas “Naturaleza”, “Experimentar” y “Claroscuro”, entre otros, ya están disponibles en diversas plataformas, como Spotify y Youtube.

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Mesa Cinéfagos

RECOMENDACIONES

MUBI es una de las plataformas virtuales para ver cine con el contenido de mayor calidad en el mundo. En esta ocasión queremos hacer unas cuantas recomendaciones para que las puedan disfrutar en cualquier momento.

texto ANDREI MALDONADO

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Del inconveniente de haber nacido (Sandra Wollner, Austria, 2020)

Balada triste de trompeta (Alex de la Iglesia, España, 2010)

Alucinante y bella, tan atrevida como onírica. Una mezcla de Inteligencia Artificial con Lolita que la vuelve un deleite artístico de la ciencia ficción moderna.

Impresionante la fascinación por los límites de lo humano a t ravés de los cyborgs que recuerdan a Blade Runner y Alien.

Obra maestra del cineasta español Alex de la Iglesia, quien con su clásica comedia -gore –al más puro estilo de El día de la bestia - retrata la obsesión de Javier por convertirse en un payaso triste y en encontrar en Natalia, “la chica de la tela”, a esa mujer que le dé el amor que la guerra le quitó de su padre encerrado y de su madre muerta.

Responsabilidad empresarial (Jonathan Perel, Argentina, 2020) Maravilloso documento que nos hace pensar ¿Cuántos civiles tienen las manos manchadas de sangre en las dictaduras de Latinoamérica? cad a país debería tener estos recuentos por el bien de la memoria y la verdad. Las tomas fijas de las fachadas de las empresas abren un mundo de oportunidades para los futuros cineastas.

Año uña (Jonás Cuarón, México, 2007) Una muestra de que la vanguardia también puede ser sencilla y digerible.

Comienza como una simpe anécdota.

Los primeros diálogos de Diego me hicieron dudar si era una buena elección ver esta película, pero conforme fue avanzando se va uno identificando con la historia y esos encuentros qu e tiene uno a lo largo de su vida, tan breves que duelen.

Nada+ (Juan Carlos Cremata, Cuba, 2001) Curiosa propuesta técnica. La parte de la poesía en las cartas, mi favorita.

Tiene un toque de humor que nos remite a La muerte de un burócrata y otras películas del humor cubano, herederas a su vez de la comicidad de Chaplin. La cinematografía cubana siempre más influenciada por ese tipo de cine que de las nuevas tendencias.

A veces eso es positivo.

Ostende (Laura Citarella, Argentina, 2011) Minimalista historia que nos hace pensar ¿cuál era el centro de la misma? ¿lo importante eran las vacaciones de Laura o la h istoria del viejo y las mujeres era lo verdaderamente trascendental? ¿nos habrá dejado la directora fuera de algo mucho más grande de lo que dice la sinopsis deliberadamente? yo creo que sí.

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Two/one (Juan Cabral, Reino Unido, 2019) Maravilloso viaje sobre la duplicidad.

Conceptos que remiten también a la teoría de las almas gemelas y los doppelgänger o dobles fantasmagóricos. Inmenso.

Epitafio (Yulene Olaizola, Rubén Imaz, México, 2015) Gran fotografía. De esos sucesos históricos que merecen la pena contarse. Épicas así recuerdan a Fitzcarraldo del gran Werner Herzog.

L'arrivée (Peter Austria, 1999)

Tscherkassky,

Experimental hasta su último punto, Peter Tscherkassky brinda con L'arrivée un viaje onírico que solo él puede conseguir.

Ulysse (Agnes Varda, 1983) Hay en este trabajo de 28 minutos mayor profundidad que cualquier largometraje de tres horas. Un ejercicio de cómo trabaja el recuerdo y la memoria, pero también el poder de la imagen sobre la interpretación de la realidad .

Ghost town anthology (Denis Cote, 2019) Maravillosa alegoría del duelo mal trabajado, un duelo colectivo de un pueblo que se resiste a la pérdida.

Evocadora de grandes obras de los 70's y con un aire a The shining .

Etérea y bella.

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Milk (Andrea Arnold, 1998) Impresionante.

Andrea Arnold condensa en 10 minutos lo que ha otros cineastas les tomarías hasta dos horas lograr.

Un montaje extraordinario, de que condensa el proceso de un matrimonio. El enfrentamiento de la pérdida y el momento que llega el llanto, aunque predecible, es poderoso. Tremendo.

Land of my dreams (Yann Gonzalez, 2012) Un cortometraje con un aire circense y psicomágico, al más puro estilo de Jodorowsky .

Internal displacements Christophe Couet, 2010)

(Jean-

Transnistria, un lugar del que no sabría nada de no ser por el FC Sheriff. Hace falta visibiliza más estas regiones a las cuales no se les reconoce como países independientes . ¿Qué es lo que vemos cuando miramos al cielo?

(Alexandre Koberidze, 2021) Hay películas que abordan el mismo tema de manera más e fectiva, a mi parecer, como es Ayer maravilla fui o La sangre iluminada .

Allá y Entonces Torres, 2012)

(Ángel Flores

Qué lindo ver tantos escenarios de mi Durango, más allá de los habituales que siempre usan como locación .

puristas del arte que, exigiendo que lo comercial no segregue a lo artístico, segregan a su vez a quienes despectivamente llaman “celebridades”.

Leones (Jazmín López, 2012)

Las búsquedas (José Luis Valle, 2013)

Si bien el término "cine desdramatizado" se ha extendido para justificar obras que son evidentes carencias de conocimiento de guion y cine, esta película tiene su cierto encanto en cuanto a nivel fotográfico y locaciones, pero su corta historia pudo contarse en 10 minutos. Hubiera sido un gran corto y no una película más de esas a los cuales los críticos deben completar el trabajo de directores pretenciosos .

Colocada en el enorme lienzo de emociones y vivencias que es la Ciudad de México y sus inmediaciones, Las Búsquedas es una narración sobre los diversos motivos que llevan al desencuentro con un destino, si no trágico, sí inexpugnable, en donde nadie parece ser lo suficientemente villano como para odiarle ni demasiado bueno como para ponerse en sus zapatos.

Las facultades (Eloisa Solaas, 2019)

Tamara y la Carreras, 2016)

Más allá de la empatía que podamos sentir todos los que hemos pasado por una universidad con los protagonistas del documental (independi entemente del país en el que estemos) creo que el documental es poco ambicioso. Sí, es un ojo que se mete a la interior de las facultades, pero más allá de hacernos testigos de la temporada de exámenes no aprecio un mayor discurso.

Birdman 2014)

(Alejandro G. Iñ árritu,

Sin duda González Iñárritu trasgrede con esta cinta ya que no solo cuestiona la labor mercantil de la industria fílmica de Hollywood – muchas veces saturada de contenido vacío- además se da tiempo de poner contra las cuerdas también a los

Catarina

(Lucía

Desgarradora visión de tres personajes que pueden ser cualquiera entre 20 millones de almas que viven en la Ciudad de México. Parecía una historia más de narcomiseria al comienzo, per o toma su propio ritmo.

Ni condescendiente ni demasiado cruda, una película tremendamente real.

De las casas blancas Banchero, 2013)

(Agustín

Siempre me ha parecido de mal gusto ese cine que pretende ser más que el espectador, desde su sinopsis. Cortos hechos como para llamar la atención de algún productor o fondo fílmico para después convertirse en largometrajes de 2 horas donde nada pasa. Desdramatización le dicen.

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