IMAGINARY ART
Contenido: Una actitud más que un estilo
El movimiento Dadaismo tiene la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra.
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Transforma la vida a través de la liberación de la mente
El surrealismo tiende a Interpretar los sueños, fantasías y deseos del pintor. Creando imágenes absurdas, sin significado, dejando confundido al observador usando simbologías sexuales y eróticas.
10 Utilizando la expresividad y simbolismo de los colores
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El abstraccionismo se apoya claramente en los colores y formas, lleva más allá el espíritu sintético de los movimientos previos, y minimiza la importancia del tema subyacente en la obra
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DADAıSmO El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música. 5
Hugo Ball.
EL DADAÍSmO En nUEVA YORK Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos refugiados, junto con los estadounidenses Man Ray, Morton Schamberg y otros dan vida al Dadaísmo neoyorquino. Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses(particularmente para el coleccionista Walter Arensberg) que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista.
EL DADAÍSmO En ALEmAnıA Es en Alemania donde el Dadaísmo adquiere un cariz más marcadamente político. Ideológicamente, las posturas de los artistas dadaístas eran comunistas y, en algunos casos, anarquistas. Tras la guerra, Alemania entra en una situación crítica. Tras la revolución bolchevique, la Liga Espartaquista alemana ensaya también la revolución en Alemania. En toda esa agitación social un grupo de artistas van a incorporarse a las tesis izquierdistas: será el Movimiento dadaísta. Procedente del grupo de Zúrich, Richard Hülsenbeck, lleva a Berlín el espíritu dadaísta, pero mucho más radical contra las anteriores escuelas vanguardistas como el futurismo o el cubismo.
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Pintores
Johannes Theodor Baargeld o Zentrodada, de nombre civil Alfred Ferdinand Gruenwald, (9 de octubre de 1892 en Stettin—18 de agosto de 1927 en Mont Blanc) fue un pintor, escritor y periodista alemán, adherido al dadaísmo. Procedente de la alta burguesía, se alistó en 1914 en el ejército alemán. En la guerra se forjaron sus convicciones políticas. En 1918 se afilió al Partido Socialista de Alemania (USDP). En su obra, arte y política van de la mano. Compartía con los dadaístas berlineses la pretensión de que el dadá ayudase a impulsar un cambio político en Alemania. Publicó junto a Max Ernst la revista Die schammade, y fue uno de los fundadores del grupo dadaísta de Colonia. Allí fundó la revista Der Ventilator, donde a veces se hacía llamar Zentrodada o Jesaias y después publicó la revista Bulletin D. Como fotógrafo realizó unas series temáticas sobre montañas que se conservan en el Museo Ludwig. Murió en un accidente en los Alpes franceses el 18 de agosto de 1927.
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Francis Picabia fué un artista vanguardista francés, de origen cubano. Trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más destacados, como el postimpresionismo, el cubismo, el fauvismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. Estudió en École des Beaux-Arts y en la Escuela de Artes Decorativas de París. Recibió una fuerte influencia impresionista y fauve, en especial de la obra de Pissarro y Sisley. De 1909 a 1911 estuvo vinculado al cubismo y fue miembro del grupo de Puteaux, donde conoció a los hermanos Duchamp (Marcel, Jacques y Raymond) en el suburbio parisino de Puteaux, donde se reunían los domingos para discutir sobre arte, matemáticas y otros temas. En 1913 viajó a Nueva York, con motivo de la exposición “The Internacional Exhibition of Modern Art”, celebrada en un cuartel militar, y desde donde se pretendía dar a conocer al público norteamericano la obra de la vanguardia europea, ya mínimamente introducida por el fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz y el grupo dadá americano.
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SURREALıSmO ESTE mOVımıEnTO ARTÍSTıCO ınTEnTA BUSCAR Y REPRESEnTAR UnA CREACıÓn Y REALıDAD SUBCOnSCıEnTE, OnÍRıCA, ımAGınARıA E ıRRACıOnAL mÁS ALLÁ DE LA REALıDAD FÍSıCA.
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l Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien dijo que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo
que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender
al hombre en su totalidad. Al principio este movimiento ar s co era tan solo literario, aun no exis an trabajos plás cos que mostraran el concepto surrealista.
“El Surrealismo mantuvo una actitud positiva y no nihilista, como el Dadaísmo”
Su evolución El Surrealismo se convirtió en el movimiento más ampliamente difundido y controvertido,
Segunda Guerra Mundial. Se extendió por toda Europa (una importante exposición tanto artístico como literario, que se dio a conocer entre la Primera y la exposición surrealista, inaugurada por Breton, se organizó en Londres en 1936) y también por los Estados Unidos, donde muchos artistas emigraron durante los años de guerra .Aunque como movimiento organizado se rompió durante la guerra y por aquella época ya habia consumido sus energías principales, el espíritu del Surrealismo siguió vivo. Con su acento en lo maravilloso y lo poético, ofreció una alternativa al formalismo del Cubismo y de varios tipos de arte abstracto, y sus métodos y técnicas siguieron influyendo en los
artistas de muchos países. Fue por ejemplo, una fuente fundamental del.Expresionismo Abstracto..El surrealismo trata
de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. Este sector recóndito del ser humano se considera apto para el análisis artístico.
La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa. Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y vida burguesa tenían una raíz política y un sector del surrealismo empezó a considerar insuficientes las manifestaciones culturales y se afilió al Partido Comunista Francés. Surgieron así las primeras discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación entre arte y política La primera exposición surrealista se celebró en París en 1925, y en ella además de Arp, De Chirico y Ernst, también colgaron sus obras Picasso, Tanguy, Miró y Klee, que más tarde se separarían del movimiento o mantendrían cierta vinculación con algunos de sus principios. Algunos años después se unieron al movimiento artistas como Dalí y Buñuel, entre otros.
El surrealismo toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc. En el se logra la utilización espectacular de la perspectiva cónica exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías), la creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos, la ejecución pictórica minuciosa con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí), la utilización del claroscuro y del color, y la invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática, frottage y grattage.
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Para el surrealismo el arte se concibe como una forma de olvidarse de la realidad y buscar una manera de que el hombre se encierre en sí mismo, por algo su significado se deriva de dos raíces griegas: sub. Que significa por debajo y realismo que implica lo que realmente es, o sea, la realidad. La importancia del surrealismo se debió a su influencia en la Generación del 27. Todos los autores del 27 fueron influidos por el surrealismo en su labor por la liberación y enriquecimiento del lenguaje, aunque los poetas del 27 siempre combinaron la dimensión renovadora del movimiento de Breton con la de la recuperación de la tradición literaria española del Siglo de oro. Es un movimiento artístico y literario fundado por el francés André Breton por su tratado de “el manifiesto surrealista”. El surrealismo tiende a Interpretar los sueños, fantasías y deseos del pintor. Creando imágenes absurdas, sin significado, dejando confundido al observador usando simbologías sexuales y eróticas.
ESTE MOVIMIENTO ARTÍSTICO SE CARACTERIZA POR:
- La animación de lo inanimado. - La Metamorfosis. - El Aislamiento de fragmentos anatómicos. - Las Máquinas fantásticas. - Los Elementos incongruentes. - Las Perspectivas vacías. - La Evocación del caos. - El sexo y lo erótico se trata de modo lúbrico. - La Autómatas. - Los Espasmos. - El Líbido del inconsciente. - Las Relaciones entre desnudos y maquinaria.
En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros) y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos grafico-plásticos propios.
En el surrealismo el arte se concibe como una forma de olvidarse de la realidad y buscar una manera de que el hombre se encierre en sí mismo, por algo su significado se deriva de dos raíces griegas: sub. que significa por debajo y realismo que implica lo que realmente es, o sea, la realidad.
Autores como Salvador Dalí abrazaron esta forma de hacer arte, aunque este movimiento también alcanzó a otros ámbitos artísticos, como la escritura y el cine. Algunas de las obras más famosas de Dalí están actualmente expuestas en museos de todo el mundo, como el MOMA, de Nueva York; Tate Gallery, en Londres; The National Gallery of Art, en Washington; los museos Guggenheim de Italia y Nueva York, y Museum Boijmans Van Beuningen, en Rotterdam (Holanda), entre otros.
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SALVADOR DALÍ (1904 - 1989) Pintor español. Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bien pensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: ”A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mi”.
En 1919 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, ingresa en la Academia de Bellas Artes y se hace amigo del gran poeta granadino Federico García Lorca y del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel, de quien sin embargo se distanciará irreversiblemente en 1930. En la capital adopta un extraordinario atuendo: lleva los cabellos largos, una corbata desproporcionadamente grande y una capa que arrastra hasta los pies. Salvador se enamoró de Gala en el verano de 1929 y con ella gozó por primera vez de las mieles del erotismo. Es la época en que pinta Adecuación del deseo, Placeres iluminados y El gran masturbador, pintura esta última que fue atacada y desgarrada por el fanático grupo puritano los Camelots du Roy. Mientras tiene lugar una exposición de sus obras en la Galería Goemans de París, la joven y apasionada pareja se refugia y aísla en la Costa Azul, pasando los días y las noches encerrados en una pequeña habitación de un hotel con los postigos cerrados. Durante los años setenta, Dalí, que había declarado que la pintura era "una fotografía hecha a mano", fue el avalador del estilo hiperrealista internacional que, saliendo de su paleta, no resultó menos inquietante que su rolija indagación anterior sobre el ilimitado y equívoco universo onírico. Pero quien más y quien menos recuerda mejor que sus cuadros su repulsivo bigote engominado, y no falta quien afirme haberlo visto en el Liceo, el lujoso teatro de la ópera de Barcelona, elegantemente ataviado con frac y luciendo en el bolsillo de la pechera, a guisa de vistoso pañuelo, una fláccida tortilla a la francesa. Su longeva existencia, tercamente consagrada a torturar la materia y los lienzos con los frutos más perversos de su feraz imaginación, se mantuvo fiel a un paisaje deslumbrante de su infancia: Port-Lligat, una bahía abrazada de rocas donde el espíritu se remansa, ora para elevarse hacia los misterios más sublimes, ora para corromperse como las aguas quietas. La artística de Dalí no se limitó a la pintura. Algunas de sus obras más populares son esculturas o ready-mades, y también destacó en sus contribuciones al teatro, la moda y la fotografía, entre otras disciplinas artísticas. Dos de los artefactos surrealistas dalinianos más notables fueron el «teléfono-langosta» y el «sofá de los labios de Mae West» (realizados entre 1936 y 1937).
Algunas de las obras y acciones más importante de Dalí durante su carrera fueron las siguientes: - Paisaje cerca de Figueras (1910) - Vilabertran (1913) - Fiesta en Figueras (1916) - Viejo crepuscular (1918) - Jardín de Llaner (Cadaqués) y Autorretrato (1921) - Escena de cabaret y Sueños noctámbulos (1922) - Autorretrato con humanidad y Autorretrato cubista con La Publicitat (1923) - Bodegón con botella de ron y Retrato de Luis Buñuel (1924) - Retrato de mi padre (1925) - Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista, Reminiscencia arqueológica del «Ángelus», de Millet y Caballero de la muerte (1935) - La miel es más dulce que la sangre (1941) - Los elefantes (1948) - La Madonna de Port Lligat (1950) - Galatea de las esferas (1952) - La rosa (1958) - La mano de Dalí retirando un toisón de oro en forma de nube para mostrar a Gala la aurora completamente desnuda, muy muy lejos, detrás del sol (pintura estereoscópica) (1977) - Dalí termina su última pintura, Cola de golondrina (1983) - Se estrena Destino, producción de dibujos animados creada a raíz de una colaboración en 1945 con Walt Disney (2003)
AnDRÉ mASSOn (1896 - 1987) fue un Pintor francés asociado al surrealismo y al expresionismo abstracto, nacido en Balagny. Se destacó por sus collages con materiales innovadores, como la arena y la goma arábiga, que aplicaba sobre los lienzos antes de empezar a pintarlos. En 1912, entra en la Escuela de Bellas Artes y estudia pintura al fresco. En 1920, se instala en París y comienza a relacionarse con algunos artistas y escritores, conoce a Max Jacob. En su obra de los primeros años veinte es evidente la influencia de Rodin y Sade, en sus dibujos eróticos y en la acuarelas. En 1924, hace su primera exposición individual, orgnizada por Kahnweiler en la galería Simon. Breton admira la exposición; Masson se vuelca de lleno en las técnicas del automatismo surrealista. En 1936, algunas de las obras realizadas durante su estancia en España (Aube a Montserrat y Paysage aux prodiges) son reproducidas en la revista Minotaure con un texto de Bataille. En ese mismo año renueva su amistad con Breton y el grupo surrealista, participando con catorce obras en la Exposición Internacional del Surrealismo en Londres. En 1937, comienza el segundo periodo surrealista de Masson, caracterizado por la representación de figuras monstruosas influidas por Picasso y Dalí. En 1954, participa en la Bienal de Venecia y recibe el Gran Premio de Pintura y tiene lugar su primera retrospectiva en las Leicester Galleries de Londres.
Convirtiéndose en un artista contemporáneo (pese a ser el menos conocido de su generación), de importancia y referencia capitales. En lo que respecta al estilo pictórico de Massón ha pasado de estar en sus inicios muy cercano a Cézanne, para comenzar a poner de manifiesto sus inquietudes por el surrealismo de Breton y definirse en su exilio americano, retomando un surrealismo que roza la abstracción con incluso influencias de las filosofías orientales. Su obra está presente en museos y colecciones de medio mundo, tales como: El Reina Sofía o La fundación Joan Miró en España, el MOMA de Nueva York o el Tate británico..
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Conoce el arte
Arte abstracto E
l arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.
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Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
Pintura abstracta
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n la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática. El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
Lo opuesto a la pintura abstracta es la pintura figurativa, que pretende representar imágenes reconocibles. La pintura abstracta, en cambio, apuesta a generar sensaciones desde las formas y no desde la imitación de lo real.
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Escultura abstracta
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lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoalemán es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con obras como “Columna desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles desean materializar el espacio. El artista español Eduardo Chillida fue otro de ellos. Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber representado el punto de unión entre la arquitectura y la escultura.
Expresionismo abstracto
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l expresionismo abstracto es el primero de los grandes movimientos artísticos de la posguerra. Es, de hecho, la trayectoria que siguió la pintura abstracta a partir de los años 1940 en Europa y en América. Tiene sus raíces en el surrealismo , el movimiento más importante del periodo preguerra. En este nuevo estilo, también denominado “informalismo”, un grupo de artistas llamados “ pintores de la materia”, intentaron establecer una variante del collage. Mediante mezclas de arena, yeso y otros materiales, consiguieron dotar de una rugosidad tridimensional (propia de la escultura) a una tela plana.
Este polémico estilo fue fundado por Jackson Pollock y Willem de Kooning. Para referirse a él se usa también los términos Action Painting (Pintura de Acción), acuñado por el crítico Harold Rosemberg, y American Type Painting (Pintura de tipo americano), utilizado por Clement Greenberg, para distinguirla de la pintura europea. El grupo lo forman otros artistas como Mark Rothko, Baziotes, Gorky, Gottlieb, Guston, Louise Nevelson, Hofmann, Kline, Motherwell, Newman, Jackson Pollock, Pousette- Dart, Reinhardt, y Still.
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Otro grupo de artistas relacionados con el expresionismo abstracto son los denominados “tachistas” (de tache, mancha). Ellos creían en el poder surgido de las manchas. Se dieron cuenta que con manchas y pastas nuevas era posible representar la textura de la materia. Un ejemplo de este tipo de arte es la pintura gestual del artista francés Michaux.
La abstracción Lírica
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a Abstracción Lírica surge en París tras la Segunda Guerra Mundial como una reacción contra la excesiva frialdad que comporta la Abstracción Geométrica. Un pintor, Georges Mathieu, y un crítico de Arte, Pierre Restany, consiguieron arrastrar a toda una generación de artistas que recuperaron la calidez mediante el automatismo y la exaltación de los valores emocionales. Los experimentos de Kandinsky y Paul Klee junto con la influencia de los pintores surrealistas se convirtieron en la base de esa recuperación y de la simplificación de las formas de origen natural para afianzar nuevamente la subjetividad del creador plástico. También el Action Painting (Pintura de Acción) que tanto éxito tuvo en los Estados Unidos sirvió de inspiración a este nuevo movimiento europeo.
Los artistas que abrazaron la Abstracción Lírica expresaron sus emociones con una enorme diversidad de estilos. Entre los más representativos, Jean-Paul Riopelle, Otto Wols, Pierre Soulages y Hans Hartung, además del maestro Mathieu. La técnica más utilizada por la mayoría de ellos es la acuarela, que les proporcionaba una gran inmediatez, aunque también trabajaban el óleo en sus obras más comprometidas. En todos los casos el color predomina siempre sobre las formas.
Abstracción geométrica
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La abstracción geométrica es una forma de arte abstracto creada en los años 1920, basada en el uso de formas geométricas simples combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales. Surge como una reacción frente al excesivo subjetivismo de los artistas plásticos de épocas anteriores en un intento de distanciarse de lo puramente emocional. El discurso crítico de estos artistas se complementa con una exaltación exacerbada de las dos dimensiones frente al esfuerzo de la mayoría de los movimientos anteriores para tratar de representar una realidad tridimensional. Fue Wassily Kandinsky su principal precursor y el más influyente de los maestros en toda una generación de artistas abstractos. Kasimir Malévich y Piet Mondrian también se encuentran entre sus impulsores y en ambos se puede apreciar también la influencia de antiguas culturas que utilizaron la geometría como expresión artística y decorativa.
Es el caso de las cerámicas y mosaicos que se conservan del arte islámico, obligado por el precepto religioso de evitar la representación de la figura humana. También las culturas clásicas de la antigua Grecia y la Roma imperial, en las que se utilizaron con profusión elementos decorativos sin referentes reconocibles en la realidad. El expresionismo abstracto, del que son representantes creadores como Jackson Pollock, Franz Kline, Clyfford Still, y Wols, representa exactamente lo contrario de la abstracción geométrica.
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“La vida entera es Arte... Arte que nace y muere en uno mismo�