Artclub magazine Issue 2 by ArtClub magazine

ARTCLUB Arte Contemporรกneo magazine - Issue 2 - Diciembre 2013 / Enero 2014

Issue 2 - Diciembre 2013/ Enero 2014

Cover photograph by arturoCarrion

Issue

2 - Diciembre 2013 / Enero 2014

La mejor información en el acontecer del arte internacional, Exposiciones, Ferias de arte, Concursos, Arte emergente, Artistas consagrados, Entrevistas, Biografías, Escritores, Curadores, Galeristas, Museógrafos, Fotógrafos, Videastas.

Publicación bimensual

LOU REED SARAH LUCAS ANDY WARHOL OSCAR MURILLO NOEMÍ MARQUES JAMIE MC CARTNEY EUGENIO ESPINOZA NELSON MOCTEZUMA FRIEZE LONDON—2013 CARLOS GIMÉNES MORENO

Contenido

JOSÉ FERNANDEZ VEGA ZONA MACO - MEXICO DOMINGO DE LUCÍA MARTHA DOMINGUEZ GONZALO DE SOLA VASCO ZSINETAR ARTHUR DANTO ELISA

ABADÍ

ANIF LAROM

Revista cultural

digital dedicada a la difusión y promoción del arte internacional

Colaboradores:

Dave Hickey Tea Tenerife Laurie Anderson Elena Iglesias Edición 261 Hernando Álvarez Diario El Confidencial Sony Word Roger kamholz Sabrina Amrani Leticia Sánchez Medel Blackston gallery Andrea Hernández Nacho Casado Lorena González Zoilo Abel Rodríguez Oscar Sjöstran Félix Suazo ArtClub magazine, no se responsabiliza por los textos, comentarios e imágenes contenidos en sus paginas. Ello corresponde a cada autor o colaboradores. Director: Arturo Carrión Gerente de Publicaciones: Martha Farías Oldemburg Diseño & Maquetación: AC53 Digital Studio Imagen de Portada: arturoCarrión Producido y editado en Quadrant editorial Venezuela / España 2013 - Edición bimensual ARTCLUB magazine - Issue 2

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BANKSY

ArtClub magazine, es una publicación de distribución gratuita, solo nos mueve el deseo de promocionar y difundir todas las manifestaciones del arte contemporáneo internacional. Debido a ello, solicitamos la colaboración de Curadores, Críticos de arte, Fotógrafos, Escritores, Galerías y Museos. Eso sí, con un alto grado de profesionalidad.

Contamos con su estimable colaboración . Si Usted es ese colaborador que solicitamos, puede contactarnos por

artclub.magazine@gmail.com 9

Inauguraci贸n Galer铆a: Septiembre 2014 10

LOU

REED

La muerte de Lou Reed, ha desatado una oleada muy sentida de elogios sobre su genio, es muy difícil intentar resumir perfectamente una carrera tan enorme, espinosa, extensa y multidisciplinar. Aquí, el legendario crítico de arte/música Dave Hickey ofrece sus propios pensamientos y su propia descripción: "Propósito del Artista." Disfrutar. ESCRITO POR

Dave Hickey

28 De octubre de 2013 Lou Reed en noviembre de 2012 FOTO POR THEO WARGO / GETTY IMAGES

Todos recordamos a Lou Reed y la Velvet Underground como estrellitas en la fábrica de Andy Warhol. Nos olvidamos que Lou era la guadaña de la cordura en medio de ese desastre. Él era un detector de mentiras en la escena de narices-aspiradoras. Él pulió el borde frío de la verdad en el reino de la negación, escribiendo canciones como "Estoy esperando al hombre" y "Heroína". A veces, en completo secreto, Lou podría incluso jugar a ser guardián en el centeno y enviar a los niños a casa. Una noche, cuando estábamos hablando acerca de los peligros y los permisos de la fábrica, se encogió de hombros. "A veces, tienes que tener suficientes caderas para ser cuadrado," y Lou continuo diciendo, "Si quieres sobrevivir." Sobrevivió durante 71 años, y no me pareció tan largo. Ahora estoy enojado. Lou ha cogido el tren y nos dejó solos en la estación. La supervivencia suicida ya no existe, y el único epitafio, me imagino proviene de su propia canción: "estas son las cajas que guardó en un estante / lleno por completo de su poesía y esas cosas." Porque nos quedamos con las cajas, la poesía y ninguna de las opciones. Lloramos en esta tarde despreciable a Lou. Las cajas llenas hacen un libro — una narrativa cold-eyed de la calle americana que abarca medio siglo — que abarca seis grandes álbumes, al menos, además de una tenaz procesión, crepusculares excursiones y algunas catástrofes pirotécnicas. Todo lo que tenemos, pero hemos perdido al único artista-en-propósito en un tsunami de animadores. 12

Hemos perdido al maestro de lo mundano y lo malévolo. La primera línea, en la primera canción, de su primer álbum solista, afirma en su caso: "es difícil ser un hombre / puede vivir en un cubo de basura". Ya nadie cantara mucho su tipo de canciones, porque hoy ya hemos perdido uno de los pocos artistas que canten ese tipo de canciones con convicción, escupiendo las líneas sin puntal. Mick Jagger y Bob Dylan se acicalan; nunca sacrificarían su personaje de “estrella" por la del ficticio cantante de la canción que él había escrito, sin embargo la canción podría ser sobre un tonto, malo, petulante o sentimentaloide. Esto explica las multitudes que pueblan su música: el maricón en "Vicioso," el mago en "Wild Child", la chica suicida en "Berlin", el drogadicto de "Heroína", y todos los estadounidenses “Horda Dickens” de Lou Reed. La última vez que vi a Lou, estaba sentado con Laurie Anderson en la fila delante de mí en una proyección de Berlín en la Feria de arte de Miami. La feria había subido el volumen de los altavoces, así que la música era tan increíblemente fuerte, como debería ser. En un momento en la pantalla, Lou estaba divirtiéndose tanto tocando sus canciones crueles, que sonríe en realidad. Lou, en la audiencia, sonrió en simpatía con él; Laurie sonrió en simpatía con Lou, y yo también. Estábamos en una feria de arte, después de todo. La feria fue tan tonta y la música tan dura e implacable que pensé en una línea de uno de sus poemas: "Si toda la playa fue hecha de diamantes, la arena sería la piedra de valor". Lou Reed tenía un montón de arena. Así, los Everly Brothers debe estar cantando esto hoy: "Bye, bye Lou..."

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Exposición “El Rey de Icod” de

Arnold Haukeland La Embajada de Noruega subvenciona una exposición de escultura en TEA

EA Tenerife Espacio de las Artes desarrollará durante 2014 el proyecto El Rey de Icod, que ha sido elegido por la Embajada de Noruega en España entre los ocho proyectos que subvencionará dentro de los mecanismos de financiación del Espacio Económico Europeo (EEE) en las líneas dirigidas a la diversidad cultural en el arte contemporáneo.

La exposición El Rey de Icod reunirá en las instalaciones de TEA Tenerife Espacio de las Artes en el mes de marzo de 2014 una colección de esculturas del noruego Arnold Haukeland (1920-1983), que residió en Tenerife entre 1968 y 1975. La Embajada de Noruega solo ha aprobado un proyecto en Canarias, que corresponde al de TEA Tenerife Espacio de las Artes, al que aportará 45.000 euros; las otras siete iniciativas que han recibido el reconocimiento corresponden a otras comunidades del Estado español. La exposición que se podrá ver en TEA mostrará las esculturas que el artista Arnold Haukeland realizó durante su estancia en Tenerife y que son atesoradas en Noruega. Promotor del expresionismo abstracto en su país natal, Haukeland es especialmente conocido por sus monumentales esculturas. Las relaciones de Noruega con los países de la Unión Europea se insertan a través del Espacio Económico Europeo (EEE), un acuerdo que entró en vigor en 1994 y que busca fortalecer la cooperación entre Noruega y los países beneficiarios. Para el período de financiación de 2009-2014, Islandia, Liechtenstein y Noruega facilitan 1.788 millones de euros por medio del Mecanismo Financiero EEE (EEE Grants y Norway Grants), de los que España recibe 45,85 millones de euros. ARTCLUB magazine - Issue 2

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SOBRE EL PREMIO Beers Contemporáneo anuncia el lanzamiento de su Premio Anual de Arte Emergente. Ahora en su segundo año, el premio se otorga a 8 artistas que trabajan en todas las disciplinas y abrir a nivel internacional. A diferencia de otros premios que presentan un ganador con una suma de dinero global, Beers Contemporánea tiene como objetivo ayudar a tantos artistas como sea posible, y los candidatos son juzgados en contra de otras personas que trabajan dentro de su respectiva disciplina artística. Dos personas que se otorgarán en cada una de las siguientes prácticas: la pintura y el dibujo, la fotografía y otros trabajos de dos dimensiones, la escultura y la instalación, así como de vídeo, otros medios y formas que desafían la clasificación. El premio fue concebido como un método para reconocer logros sobresalientes y / o promesa en las artes. El premio está destinado a retribuir a la comunidad artística de los artistas emergentes gratificantes independientemente de la edad, el género, el origen étnico y / o ubicación geográfica. El premio se otorgará a los artistas que se pueden ver como la configuración de la dirección de arte emporary cont teniendo en cuenta criterios tales como la evolución, la innovación y la excelencia en su trabajo y en la práctica. $ 6.000 EN PREMIOS A modo de convocatoria y selección del jurado, el premio se otorgará a 2 artistas que trabajan dentro de cada disciplina. Cuatro ganadores en cada campo recibirán un premio en efectivo de US $ 1000, y cuatro ganadores del segundo lugar recibirán $ 500 cada uno. ELEGIBILIDAD : Artistas en todo el mundo, en cualquier etapa de su carrera, podrán presentar. ILUSTRACIONES : Se aceptan todos los medios, incluidos los medios de comunicación y las prácticas tradicionales y no tradicionales. Los artistas pueden presentar un máximo de 4 imágenes. No hay altura máxima-píxel / anchura de las imágenes. No hay restricciones al tamaño o de otra manera para el trabajo presentado para su exposición. Artistas que trabajan en vídeo o basado en los medios de comunicación pueden enviar 4 fotogramas de vídeo, y enviar un CD con las obras de vídeo (el tiempo editado sea menor a 10 minutos de duración) a la siguiente dirección: PREMIO convocatoria abierta, Beers Contemporáneo, 1 Baldwin Street, London EC1V9NU. Artistas de rendimiento pueden presentar trabajo con documentación fotográfica o de vídeo apropiado (como arriba). FORMAS DE PRESENTACIÓN: Todas las formas pueden ser presentadas directamente en la aplicación en línea en : http://www.beerscontemporary.com/opencall Por favor, no enviar la información al correo electrónico de la galería, ya que todas las presentaciones deben hacerse en línea. FEE : Hay una cuota de procesamiento de £ 10 para presentar - usted no necesita una cuenta de PayPal , su tarjeta de crédito es aceptada en PayPal. PLAZO Y RESULTADOS La fecha límite para las solicitudes es el Domingo, 15 de diciembre 2013, a medianoche, hora local. Si bien los resultados se enviarán por correo electrónico a cada solicitante, no podemos garantizar que todos los solicitantes están recibiendo la información pertinente. Los solicitantes deben tomar nota de las fechas importantes y visitar el sitio en esos momentos, sino que será responsabilidad del solicitante comprobar el sitio el 1 de enero de 2014, cuando se publicarán los resultados en línea. CONTACTAR: Si tiene más preguntas o consultas, póngase en contacto con info@beerscontemporary.com . Gracias de antemano, y le deseamos la mejor de las suertes con su solicitud! ARTCLUB magazine - Issue 2

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Laurie Anderson, viuda de Lou Reed, ha publicado el jueves 31 de octubre un La artista

obituario en el semanario estadounidense local, East Hampton Star.

A nuestros vecinos: ¡Qué otoño tan maravilloso! Todo reluciente y dorado y toda esa increíble luz suave. El agua nos rodea. Durante los últimos años Lou y yo pasamos tiempo aquí, y aunque somos gente de ciudad este es nuestro hogar espiritual. La semana pasada le prometí a Lou que lo sacaría del hospital y volveríamos a casa a Springs. ¡Y lo conseguimos! Lou era un maestro de tai chi y pasó sus últimos días aquí feliz y deslumbrado por la belleza y el poder y dulzura de la naturaleza. Murió el domingo por la mañana mirando a los árboles y haciendo la famosa posición 21 del tai chi con tan solo sus manos de músico moviéndose en el aire. Lou era un príncipe y un guerrero y sé que sus canciones sobre el dolor y la belleza en el mundo llenarán a muchas personas con la extraordinaria alegría de vivir que él tenía. Larga vida a la belleza que desciende y perdura y que se adentra en todos nosotros .

Laurie Anderson Su amante esposa y eterna amiga

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La banalidad del mal

BANKSY La mano del artista británico Banksy ha reaparecido en Nueva York. En esta ocasión, el ingenio del inglés colocó este martes la figura de un oficial nazi en un cuadro de una tienda situada en el corazón de Manhattan. El óleo titulado La banalidad de la banalidad del mal ha sido vendido en menos de ocho horas en una subasta cuya última puja ha alcanzado los 610.000 dólares (unos 450.000 euros). El cuadro amaneció el martes en Housing Works Gramercy (East 23rd). Sus trabajadores barajan la posibilidad de que fuera el propio Banksy —seudónimo que utiliza desde sus primeras obras por las paredes de Bristol— quien comprara la obra que él después ha firmado y devuelto. El preciado óleo muestra un pacífico paisaje sobre el que el inglés ha añadido la presencia de un militar nazi sentado en un banco. La primera puja por la obra comenzó en 74.000 dólares (54.500 euros) en el portal Bidding for good y se ha cerrado con 610.000 dólares (unos 450.000 euros). Desde la casa de subastas aseguran que el dinero se destinará íntegramente a los sin techo y enfermos de sida. “Nuestra experiencia nos dice que por el número de gente que está participando la cantidad subirá conforme se acerca la hora en que cerremos la subasta”, explica al teléfono una empleada. Banksy anunció a comienzos de octubre una gira por Nueva York bajo el nombre Better Out Than In (mejor fuera que dentro). A lo largo de este mes el artista anónimo ha colgado fotos en su página tanto de grafitis, esculturas como de este cuadro. Tras el descubrimiento de esta obra, el inglés pone fin a su periplo estadounidense. ARTCLUB magazine - Issue 2

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2014 CONCURSO DE FOTOGRAFÍA Cómo entrar en el concurso?

El World Press Photo Contest 2014 Estará abierta para que los participantes entren con su trabajo desde principios de diciembre de 2013. El plazo de presentación será el 15 de enero de 2014, 23:59 h CET . Los envíos sólo podrán ser presentados en línea a través de la pagina de la web de entrada a World Press Photo. Un nombre de usuario y la contraseña son necesarios para entrar y se pueden solicitar a partir de diciembre de 2013. El plazo para solicitar un nombre de usuario y la contraseña será el 9 de enero de 2014, 23:59 h CET. Resultados: Los resultados del concurso se darán a conocer el 14 de febrero de 2014 en una conferencia de prensa y en el sitio web de World Press Photo. Las fotografías premiadas serán presentadas en una exposición que recorrerá más de 100 ciudades en más de 45 países, comenzando en Amsterdam el 18 de abril de 2014. Premios: El jurado otorgará primero, segundo y tercer premios en todas las categorías. Ganadores del primer premio de cada categoría recibirán un premio en metálico de 1.500 €. Los ganadores del segundo y tercer premio y los premiados con una Mención Honorable recibir un Premio Golden Eye y un diploma. El premio principal, el World Press Photo del Año, lleva un premio en metálico de 10.000 €. Además, Canon donará una cámara profesional y un kit de lentes para el autor de la World Press Photo del Año 2013. Los Premios días anuales, una celebración de los ganadores, tendrá lugar en Amsterdam el 24 y 25 abril de 2014.

ACERCA DEL CONCURSO Por más de 55 años del concurso World Press Photo ha animado a los estándares más altos en fotoperiodismo. El concurso crea un puente entre los profesionales con el público en general. Como el anuncio de los ganadores en los titulares de todo el mundo, por lo que el papel inspirador de fotoperiodismo que se resalte a una audiencia de cientos de millones de personas. Todas las fotografías premiadas se reúnen en una exposición que viaja a 45 países en el transcurso de un año, y publicado en el anuario. Más de dos millones de personas van a un centenar de lugares diferentes para ver las imágenes y el anuario se publica en siete idiomas y se distribuyen en todo el mundo. El concurso es juzgado por los principales expertos en el periodismo visual que representan diferentes aspectos de la profesión. La composición del jurado se cambia de año en año, que operan de forma independiente, y un secretario que no tiene derecho a voto, nuestro procedimiento de juicio es justo y equilibrado. Nuestro archivo de imágenes ganadoras no sólo es un registro de más de medio siglo de historia de la humanidad, sino un muestrario de estilos sucesivos en el fotoperiodismo. CÓMO PARTICIPAR EN LOS CONCURSOS DE FOTOGRAFÍA Y MULTIMEDIA Cronograma del concurso Detalles sobre los concursos de Fotografía y multimedia, así como los nombres de los jueces del concurso. El concurso se anunció en octubre / noviembre. Los concursos estarán abiertos a inscripciones en diciembre. La selección del jurado del concurso de fotografía, comienza a finales de enero y los ganadores se anuncian en la segunda semana de febrero. La selección del jurado en el concurso multimedia y el anuncio de los ganadores, tendrá lugar en marzo. Los Premios World Press Photo Contest, realizaran una celebración de los ganadores, que se llevara a cabo en Amsterdam a finales de abril o principios de mayo. C o n c u r s o d e f o t o g r a f í a El concurso de fotografía está abierto a fotógrafos y reporteros gráficos profesionales y coordinadores de entrada. La inscripción para el acceso a nuestro sitio de entrada comienza en diciembre. Las entradas para el concurso de fotografía sólo pueden ser presentadas en línea a través del sitio de entrada, que estará abierto a partir de diciembre hasta enero de cada año. Información sobre las normas de acceso y detalles de categoría estará disponible en noviembre. C o n c u r s o M u l t i m e d i a El concurso está abierto multimedia al trabajo presentado por los fotógrafos, publicaciones, y los productores multimedia. La inscripción para el acceso a nuestro sitio de entrada comienza en diciembre. Información sobre las normas de acceso y detalles de categoría estará disponible en noviembre. Si usted tiene más preguntas, por favor, envíe un correo electrónico a: contest@worldpressphoto.org ARTCLUB magazine - Issue 2

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Vanessa Lynn 19

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Jamie

McCartney

LA GRAN MURALLA DE VAGINAS

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AS N I G A V E AD L L A R U M LA GRAN

Jamie

McCartney

400 vaginas de 400 mujeres en 10 paneles. Tras un extenso casting de mujeres, el artista británico Jamie McCartney hizo moldes de las partes bajas de las voluntarias. Los genitales femeninos han sido siempre una fuente de fascinación. Hoy en día parece que la creación de imágenes de la vagina es el dominio exclusivo de la pornografía, artistas eróticos y feministas. Pero Jamie McCartney ha sabido atacar el problema al crear una escultura mural monumental de los lugares más íntimos de las mujeres. El rango de edad de las mujeres que buscó McCartney fue de 18 a 76 años. Se incluyen madres e hijas, gemelas idénticos, mujeres transexuales, así como mujeres antes y después de dar a luz y chicas antes y después de someterse a una labioplastia. «No es vulgar, es vulvar» dice el propio artista. «El arte genera conciencia social y quiero invitar a la gente a detenerse, mirar y escuchar. En esto se trata de captar la atención, el uso del humor y el espectáculo, y educar a la gente acerca de lo que las mujeres realmente ven como normales». Descrita como «los Monólogos de la vagina de la escultura», esta pieza está destinada a cambiar la vida de las mujeres para siempre. «Para muchas mujeres su apariencia genital es una fuente de ansiedad y yo estaba en una posición única para hacer algo al respecto». Las vulvas y los labios son tan diferentes como las caras y muchas personas, especialmente las mujeres, no parecen saberlo. McCartney espera que esta obra le ayudará a combatir el incremento exponencial de los últimos años de las cirugías estéticas labiales. Esta nueva manera de crear vaginas perfectas marca una tendencia preocupante para las futuras generaciones de mujeres. El Gran mural de Vagina hace una visión fascinante y reveladora que está muy lejos de la pornografía. No se trata de arte erótico. ARTCLUB magazine - Issue 2

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POR ROGER KAMHOLZ | 26 DE OCTUBRE 2013

El Ascenso de

Andy

Warhol en el Mundo del Arte

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De izquierda a derecha, el galerista Leo Castelli, Pop art dealer, Ivan Karp y el artista Andy Warhol, en la galería de Castelli en 1966. Un partidario precoz del artista, Castelli sería objeto de una serigrafía de Warhol, un retrato donde lucia un traje y corbata como de negocios. Crédito:. Sam Falk / The New York Times / Redux

NUEVA YORK - Andy Warhol se trasladó desde Pittsburgh a Nueva York una semana después de graduarse en el Instituto Carnegie de Tecnología, en junio de 1949. Inicialmente compartía habitación con su amigo y compañero universitario Philip Pearlstein, el pintor realista. No pasó mucho tiempo antes de que las habilidades de Warhol como artista comercial fueron advertidos por los directores de arte. A principios de la década de 1950, estaba en camino de convertirse en uno de los ilustradores de moda más conocidos de la ciudad. Warhol dio con una técnica que gana, que combina el rastreo y la tinta-Blot, que dio a su obra una mirada fresca que el crítico de arte David Hickey más tarde llamaría "exactamente equivocado". Un punto de inflexión en su carrera llegó en abril de 1955, cuando la empresa de calzado I. Miller & Sons se sintieron provocados por Warhol como artista de la moda.

Mientras tanto, algunos de los primeros intentos de Warhol de establecerse en la corte de las bellas artes de Nueva York, se concretaban en solo rechazos. A través de Pearlstein y otro artista amigo, Joseph Groell, ambos miembros de la galería Tangara Colectiva, Warhol se presentó dos veces sin éxito, presentó para las selecciones de estas exposiciones sus llamados "draws boy", de acuerdo a la biografía Warhol genio del pop .

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Pearlstein sospecha de la condición homosexual de Warhol por su tema homoerótico en los dibujos "(una de las evidencias de la participación de Warhol en las veladas de la sub -cultura gay de los años 50 en Nueva York), esto dio lugar a su rechazo, Pearlstein recordó a los biógrafos, su interés por " los pintores machistas de la Tangara", es decir, los expresionistas abstractos. Warhol, presento una modelo luciendo un sombrero de paja “John Frederics” con camisa de señora de Manhattan en paño de seda Robaix y maquillaje de Dior, con un dibujo del conejo de Andy Warhol en la pared, detrás de ella, alrededor de 01 de abril 1955.

Fotografía de Frances McLaughlin-Gill. © Condé Nast Archivo / Corbis.

Andy Warhol y Lou Reed, co-fundador de Velvet Urderground en los inicios de The Factory - New York

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Galerías más pequeñas aceptaron la obra de Warhol, sin embargo, entre 1952 y '59, había presentado siete espectáculos. Incluso tenía un dibujo incluido en el Museo de Arte Moderno en la exposición colectiva Art de 1956, (Warhol buscó que su trabajo fuera añadido a la colección permanente del MoMA, pero fue rechazado). Cuando Robert Rauschenberg y Jasper Johns fueron ganando elogios, las ilustraciones de Warhol eran rechazadas muchas veces, debido a las bases del entonces prevaleciente expresionismo abstracto - Warhol estaba listo para el ascenso. A principios de 1961 Warhol realizó unas pinturas de flores, con imágenes sacadas de anuncios en los periódicos y cómics que anticiparon su estilo individual, con bordes duros en su fundamental obra temprana de los años 60, pero también apareció en deuda con ABEX drippiness. Cinco de las obras se muestran en un escaparate en la tienda por departamentos Bonwit Teller. Ese mismo año se compró un dibujo de Jasper Johns,”Bombilla” , en la galería de Leo Castelli, añadiéndolo a la vez a su impresionante colección de arte. Johns era un ídolo para Warhol, y este, vio la Galería Castelli como el pináculo del mundo del arte de Nueva York. En noviembre, tras una sesión de conceptualizar objetos con Muriel Latow, propietario de una galería en el círculo del artista, Warhol ejecuta la primera de sus pinturas icónicas de latas de sopa Campbell. Irving Blum, de la galería Ferus lo definio como innovador, en Los Angeles, los vio en el estudio casero de Warhol en diciembre y se ofreció a mostrarlos.

Jasper Johns y Andy Warhol en la inauguración del Museo de Arte del Sur de Texas, alrededor del 06 de octubre 1972. © Condé Nast Archivo / Corbis.

En este momento Warhol también cultiva agresivamente su red de contactos del mundo del arte, que incluía Ivan Karp, de la Galería Castelli, y Henry Geldzahler, un joven y ambicioso comisario en el Museo Metropolitano de Arte. Y aunque su trabajo no había sido expuesto por una galería importante, Warhol apareció en mayo, en la revista HORA, anunciando la historia de lo que se conoce como el movimiento del arte pop. El 9 de julio se inaugura la primera exposición individual de Warhol en la Galeria Ferus, cada uno de los 32 lienzos representaba un sabor diferente de las sopas Campbell. A pesar de su tibia recepción, Blum decidió comprar todas las piezas, reconceptualización las pinturas como una sola obra. En los próximos años la obra de Warhol se muestra con creciente regularidad. Su primera exposición individual en Nueva York tuvo lugar en noviembre de 1962 en la Stable Gallery de Eleanor Ward, e incluyó sus primeras pinturas de Marilyn Monroe, que había muerto el 5 de agosto. (El espectáculo estaba rebozante y lleno, el arquitecto Philip Johnson compró “Oro Marilyn” y se lo dio al MoMA.) Ileana Sonnabend, de París, ex esposa del galerista Leo Castelli, exhibió la obra de Warhol en su muestra colectiva,de 1963 "Pop Art Américain". Sonnabend celebraría la primera exposición individual de Warhol en Europa a principios del año 1964. ARTCLUB magazine - Issue 2

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En 1964 Warhol suscitó controversias con su contribución al Pabellón del Estado de New York diseñado por Philip Johnson- en la Feria Mundial de Flushing Meadows, Queens. Presento Thirteen Most Wanted Men , basada en la taza de disparos NYPD, se dio a conocer, casi inmediatamente fue denunciado, pintado, y en última instancia, cubierto con un paño negro por lo que restaba de la feria. Pero si el episodio marcó un fracaso, pronto fue sucedido por un triunfo. En mayo, Warhol se separó de la sala, con la ayuda de Karp, que había firmado con Castelli Gallery. Ya sin dudas sobre el artista en ciernes, Leo Castelli montó su primera exposición “ Warhol” en noviembre. El tema: seminal de Warhol Flowers series.

Andy Warhol & Tenesse Williams

Andy Warhol y su amigo co-fundador de Velvet Urderground Lou Reed Trece –Los hombres más buscados - de Andy Warhol, colgando en el Pabellón del Estado de New York diseñado por Philip Johnson- en la Feria Mundial de Flushing Meadows, Queens. © Bettmann / CORBIS.

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Texto Curatorial El proyecto ArteMULA es creado con el objetivo, de revelar las aserciones individuales, que conforman el discurso paralelo de una comunidad; que está participando activamente en la construcción de las bases de la procultura actual latinoamericana. Procultura, remite al término de contracultura, pero en vez de ir

Convocatoria Arte Mula Se invita a presentar propuesta para formar parte del encuentro de arte internacional Arte mula a realizarse del 28 de Enero al 12 de Febrero en Quito Ecuador en No Lugar . (http://nolugar.org) -Podrán participar artistas y colectivos nacionales y extranjeros que residan en Latinoamérica y envíen sus propuestas en los plazos estipulados (con un máximo de tres propuestas por artista o colectivo). La recepción de propuestas inicia el 15 de Noviembre hasta el 10 de enero. -Las propuestas deben ser desarrolladas en el campo de las artes visuales y escénicas. No hay límite de duración ni tamaño para la propuesta, sin embargo la aceptación o rechazo dependerá de las posibilidades logísticas de los coordinadores y la curaduría. Planos del espacio en http://nolugar.org/espacio/ -Las propuestas y C.V de los artistas participantes se recibirán vía correo electrónico a la dirección artemula.art@gmail.com (en caso de que se considere pertinente se solicitara un boceto del montaje) -Los artistas seleccionados serán informados vía correo electrónico el día 11 de enero del 2014. Las obra deberán ser entregadas hasta el 20 de enero en las instalaciones de No Lugar (Quito- Ecuador) García Moreno N9-87 y Oriente. Quito – Ecuador. -Todo lo no previsto en las bases será decidido por el comité organizador. ARTEMULA Tipo de evento: Premios y Concursos Fecha inicio de presentación: 15 Noviembre de 2013 Fecha fin de presentación: 10 Enero de 2014 Organiza y/o se celebra: - No Lugar - Arte Contemporáneo Ubicación actual : García Moreno N9-87 y Oriente Quito - Ecuador http://artemula.wordpress.com/

en ofensiva a la cultura dominante, es decir “en contra de”, se plantea ir mas bien en pro del flujo de producciones culturales nacientes y marginales. Buscando de manera proactiva generar simbiosis con lo que ya existe, para dar visibilidad al arte joven. La historia de Latinoamérica, desde y antes de su colonización, nos remite a la idea de mutilación: efectos transculturales, violencia étnica y social; fenómenos que instauran la desconfianza en el actuar sociopolítico continental. Sus consecuencias son situaciones paralelas en cada ámbito de la vida cotidiana del latinoamericano, entre ellas los mercados paralelos, el contrabando, la piratería,

en fin, todas las ilícitas pero ingeniosas

maneras en que los individuos se resisten a vivir su vida, en las circunstancias a las que fueron arrojados. No se pretende con esto, hacer una apología al crimen, sino poner en evidencia dichas situaciones paralelas, a través de la metáfora del mundo del arte. Así, este proyecto se presenta como paralelo a las referencias de poder en el arte contemporáneo. Utilizando como dispositivo, la ironía del término, “ArteMULA” que sugiere la apropiación de los sistemas de la ilegalidad, generando una reflexión sobre los límites éticos de la misma; está vinculado con el contrabando, las transgresiones migratorias, la violencia cultural, el tráfico de divisas, el lavado de dólares. De esta manera se da testimonio del carácter orgánico que define el flujo cultural entre grupos sociales. Para generar dicha reflexión, ArteMULA utiliza el dispositivo de la escultura social al reunir la fuerza creativa de una comunidad inmigrante, cuyos orígenes tanto geográficos como vocacionales varían, ofreciendo al espectador un dialogo integral en el que el objeto (ArteMULA) genera más interpretaciones que la suma de sus partes. El encuentro sobrepasa las particulares étnicas y yoicas, para generar una producción impersonal a través del cruce de los discursos, y así un espacio ritual cuyo núcleo este en todas partes y ningún espacio es periférico .

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Oscar Murillo El Basquiat colombiano POR: EDICIÓN 261

Entre los círculos del arte londinense se dice que el vallecaucano es la reencarnación artística y física del fallecido creador estadounidense Jean-Michel Basquiat.

El colombiano de 27 años empezó a llamar la atención de los expertos en arte el año pasado, cuando terminaba su maestría de Pintura en el Royal College of Art de Londres. Los grandes coleccionistas del mundo que le apostaron a sus obras dicen que están influenciadas por Jean-Michel Basquiat, quien murió a los 28 años y dejó como legado su revolución en los años 70: una mezcla de grafiti, collage, serigrafía y lenguaje publicitario. En el 2012 Murillo fue el primer artista en hacer una residencia en el Rubell Family Collection de Miami. Donald y Mera Rubell, dueños de una de las mayores colecciones privadas de arte contemporáneo del mundo, le abrieron las puertas al artista de La Paila, Valle, para que viviera durante varios días en su galería. Allí produjo las cinco obras de gran formato que estarán expuestas hasta agosto. En su corta carrera, el hijo de recolectores de caña en el Valle y sobrevivientes con el negocio de la limpieza en Londres ya ha hecho muestras en importantes galerías y museos de Los Ángeles, Berlín, Nueva York, Milán y Londres. Del 13 al 16 de junio exhibirá nuevas piezas en el Art Basel Unlimited en Basilea, Suiza. En septiembre regresará a Londres, donde vive hace 17 años, para exponer en el South London. Su popularidad es tal que sus obras han formado parte de la publicidad de Comme des Garçons, la marca de ropa de la diseñadora de modas japonesa Rei Kawakubo, que apoya a artistas jóvenes.

Óscar Murillo. Foto: ©Michael Landsberg/ Ml3mediael ARTCLUB magazine - Issue 2

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Óscar Murillo, el artista de los 391.475 dólares Por: HERNANDO ÁLVAREZ

Así es la vida de la gran revelación de la plástica contemporánea. Charla íntima en Londres. Hace dos veranos, Óscar Murillo era otro de los miles de colombianos que deambulaban en las madrugadas por las calles londinenses para limpiar las principales oficinas de la capital británica. Es un trabajo que pocos ven. Cuando todos duermen, ellos limpian, con paciencia, piso por piso, escritorio por escritorio. Antes de las siete de la mañana desaparecen. Muchos los llaman los invisibles. Hoy, uno de esos invisibles es un artista contemporáneo cotizado. Fue una de las estrellas de la última edición del ‘Miami Art Basel’, donde exhibió su trabajo en la galería de los destacados coleccionistas Donald y Mera Rubell. Antes, otro gran coleccionista, el publicista Charles Saatchi, ya le había comprado ocho de sus obras. Y este verano, que recién ha terminado, su éxito artístico también se volvió comercial: primero, en la subasta de arte contemporáneo de posguerra de la casa Christie’s, una pintura suya se vendió por US$ 391.475 dólares. Luego, unos días después, otro trabajo alcanzó US$ 177.456 en la otra gran casa de subastas de Londres, la Sotheby’s. Y para rematar, el verano terminó con otra espectacular venta, pero esta vez en la casa de subastas Phillips, donde la cifra alcanzó los US$ 224.145. En Colombia, solo artistas de la trayectoria de Doris Salcedo y Fernando Botero venden sus obras a estos precios. Pero Óscar Murillo todavía no tiene esa trayectoria. Su carrera apenas comienza. Y él, a sus 27 años, lo reconoce: “Todo esto que pasó es una anomalía”, me dice en su estudio en el este de Londres donde les da los últimos toques a los trabajos que presentará el próximo 20 .

de septiembre en la ‘South London Gallery’, en lo que se convertirá en la primera exhibición institucional en solitario que haga en el Reino Unido. Murillo llegó a su estudio en bicicleta, con un tarro vacío metálico y grande en una de las manos. Al tarro le quitó la etiqueta de tomates y lo soltó en el piso, en cualquier lado, como están en cualquier lado todos los objetos que recolecta: baterías de carro, piezas metálicas, tablas de madera, balones de fútbol, etiquetas de productos. También hay por ahí un taladro y una máquina de coser. Y por supuesto, sus lienzos. Casi todos en el piso, para que se impregnen de la vida del artista, para que dejen un registro, para que se queden ahí para ser trabajados, porque él trabaja en el piso. No hay ventanas, no hay reglas, no hay que tener cuidado por donde se camina. El olor a pintura y la informalidad del artista dominan el ambiente. A Óscar Murillo le gustan los juegos sociales, o más bien, la fricción social o el “shock social”, como él mismo lo describe. Y su vida y su arte son precisamente eso: una especie de provincialismo cosmopolita que se hace evidente en todo lo que dice y crea. Habla español como si nunca se hubiera ido de La Paila, ese pueblo vallecaucano donde nació el primero de febrero de 1986. Su inglés es más fluido. En español, por lo general, habla con su círculo íntimo de cosas de La Paila; mientras que en inglés lo invitan a conversatorios en el ‘Institute of Contemporary Arts de Londres’, el ICA. Murillo es un tipo tranquilo, descomplicado, atento y tan atento a los detalles que no utiliza el apellido de su padre, Caicedo, sino el de su madre: “Con esa sutileza le quise hacer un homenaje a mi mamá, Virgelina Murillo”. Saca una bolsa llena de bom-bom-bum para la primera entrevista de largo aliento que le proponen desde Colombia. “¿Una entrevista extensa para Colombia?, me gusta”, dijo. No hay arrogancia. Más bien lo que brota de él es atrevimiento. Dice que “no se come el cuento”, pero su virtud es que no le come cuento a nadie. ARTCLUB magazine - Issue 2

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Le gusta juntar sus dos realidades, sobreponerlas entre sí, hacer experimentos. Por un lado está su realidad de invisible, de ‘cleaner’, y por el otro, su

aguanté la intensidad y me pasé a la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad de Westminster. Pero un momento, ¿cómo fue esa vuelta? ¿Solo en

realidad de artista contemporáneo que hace que se le abran las puertas de cualquier lugar del mundo. Toda esta historia empezó a finales de 1996, cuando su papá, Belisario Caicedo, decidió

dos semanas entendió que sí podía tener posibilidades? No, lo que pasa es que a mí el arte siempre me gustó y tenía mi portafolio, pero como le dije, nun-

irse de Colombia a probar suerte en otro lado. ¿Por qué terminó su papá en Londres? Él se quiso venir a Londres porque le gustaba mucho esa serie de televisión que se llamaba El San-

ca pensé que podía emplearme. Pero fue mi esposa, mi novia en ese entonces, la que al verme desesperado con la animación me dijo “pues si lo que te gusta es el arte, dedícate al arte”. Fue ella

to. Por eso fue por lo que terminamos acá. En esa época no se necesitaba visa para entrar, fue fácil. Mi papá era sindicalista y se asiló. Había un sistema de apoyo social mucho más robusto y eso ayudó a que cinco meses después, en marzo de 1997, nos viniéramos mi mamá, mi hermana y yo. Llegamos a Londres con esa actitud tan nuestra de que uno se defiende como puede y no se deja varar… ¿Cuál es la primera imagen que tiene de Londres? - Un túnel, justo al salir del aeropuerto. Y me impactó mucho verlo… En realidad me impactó todo, era muy distinto a lo que conocía, todo como muy antiséptico, limpio. A las pocas semanas yo le dije a mi papá que me quería regresar, que no me gustaba esto acá…, fue un cambio muy radical. - ¿Cuándo le cambió esa actitud? Pues en la escuela. Aprendí inglés como en seis

[la venezolana Angélica Fernández, con quien Murillo tiene una hija de tres años y medio que se llama Valentina] la que me empujó a dar ese cambio. ¿Qué tanto lo influenció Londres como ciudad para que se interesara por el arte? ¿Usted fue uno de esos estudiantes que aprovechaban el hecho de que casi todos los museos y galerías son gratuitos? No. De hecho, si no estoy mal, la primera vez que visité una galería fue a los 17 años. Lo que sí me acuerdo muy bien es que una de las muestras que más me impactaron fue la exhibición de Doris Salcedo en el White Cube en 2004. ¿Cuál? ¿Neither?, ¿la de las paredes que evoca a los desplazados? Sí, yo no conocía su trabajo y me interesé mucho.

meses y fue ahí cuando el arte se me convirtió en una especie de terapia psicológica. La idea de comunicar algo, nada en el sentido conceptual de ahora, sino más bien como que me aferré a eso, a

El trabajo de ella es una biografía nacional y me emocionó eso: el hecho de que ella es colombiana. Fue desde ahí cuando yo empecé a buscar mis garras. Me gustaba más el concepto, las

poder hacer cosas con mis manos, y el interés creció y se convirtió en interés académico. ¿Hay un momento puntual en su vida en el que usted decide convertirse en artista?

ideas, la acción. Así duré tres años, desarrollando ideas y mi trabajo final en la universidad fue una instalación basada en una biografía personal. Ya en ese momento, en 2007, estaba convencido de

Yo no quería estudiar arte. No era que quisiera ser abogado o doctor, pero tenía claro que si me iba por el arte no me iba a poder emplear en nin-

que eso era lo que quería hacer. ¿De qué vivía? Supongo que el arte todavía no le daba para comer…

gún lado. Así que al final me decidí por la animación, porque pensé que por ahí sí iba a poder conseguir un trabajo. Pero a las dos semanas no

No, para nada, conseguí un trabajo de asistente de profesor en un colegio en el departamento de diseño y tecnología. Alternaba mi trabajo con mi ARTCLUB magazine - Issue 2 page

arte. Durante el día trabajaba y después me iba al estudio, pero estaba rendido mentalmente. En el descanso escolar del verano me di cuenta de que

Sí. En el Westminster saqué un ‘First class degree’. Traía buenas notas y me ofrecieron una

si yo iba a tomar la carrera artística en serio las cosas no podían seguir así. Ese trabajito de escuela que tenía era bueno, pagaba el arriendo, vivíamos bien, normalmente, pero de arte nada.

ma rutina de la limpieza, porque de todas maneras tenía que pagar el arriendo y la comida. Se puede decir que esos dos años para usted

Entonces lo que se me vino a la cabeza fue la limpieza, que es donde mi familia ha trabajado siempre desde que llegamos a Londres. Pero eso es más duro que el trabajo de asistente de profesor… No, la limpieza es perfecta porque en tres horas hago la comidita, el pan o la papita de cada día y el resto del día me queda libre. El trabajo es fácil. Yo la llamo una limpieza simbólica. La limpieza es limpia, contrario a lo que uno podría creer. Lo difícil es el sacrificio de la levantada. Especialmente en el invierno, cuando está a menos cinco grados centígrados nevando y uno se tiene que levantar a las tres y media de la mañana. Entonces su rutina cambió… Sí, eso me abrió los ojos. Se trata de una transacción: dinero por tiempo. Ya no tenía el poquito de dinero para ir al cine el fin de semana, pero tenía todo el día para mi arte, que eso en una ciudad como Londres es muy difícil de conseguir. ¿Y el balance le funcionó? Sí, porque mi estudio salió fortalecido en términos de trabajo e ideas. Eso me permitió tener un buen portafolio para hacer mi aplicación para la maestría al RCA (Royal College of Art), en el 2010. No es fácil conseguir un cupo ahí… No, no es fácil y de hecho yo tenía un poquito de resentimiento con la educación artística porque no se justificaba nada, no había un criterio claro. Unos entran, otros no, y no sabía muy bien cuál era la diferencia… Pero al final mostré mi portafolio y a los quince días me llegó la carta de invitación. ¿Lo becaron?

beca, me pagaron la matrícula. Seguí con la mis-

fueron esenciales, porque si no estoy mal el RCA no solo le ofrece a uno estructura académica, sino que también le da una serie de conexiones con el mundo del arte y muchos coleccionistas se acercan al RCA a ver qué es lo que están haciendo sus estudiantes. El RCA me ofreció todo eso. Desde antes de entrar yo sabía que muchos de los artistas conocidos habían pasado por ahí. Pero al mismo tiempo me desilusionó un poco esa idea de ‘branding’ de ser de ahí, de que le dicen a uno “tú eres uno de los mejores”. Pero yo nunca me comí ese cuento. Además, porque antes de entrar ya me estaba moviendo también por el mundo del arte en la ciudad. Tenía mi propio estudio y siempre que podía me involucraba con galerías: hacía de asistente, de técnico y ayudaba a otros artistas y fui aprendiendo mucho qué era el mundo del arte y a entender que también hay otras ciudades importantes como Nueva York, Berlín. Es decir, a tener una visión más amplia que la del RCA. ¿Y fue ahí cuando empezó con la pintura? No, me interesaba más hacer como fricciones sociales. De ahí vienen los performances y eventos sociales que comencé a hacer porque hay que ser realistas, el arte es una carrera muy elitista. Entonces empecé a relacionarme con gente de otros estratos sociales. Incluso la ubicación del RCA en Londres, ahí es puro ‘middle class’, muy elitista, y yo siempre viví en una zona mucho más obrera. Siempre viví ese contraste. ¿Se sintió alguna vez discriminado? No, para nada, lo que sí era claro es que estaba en un medio que era ajeno al mío. Pero nunca me sentí intimidado. Yo creo incluso que eso me ARTCLUB magazine - Issue 2

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empoderó mucho más. Utilicé el momento y el medio en el que estaba para hacer trabajo, para experimentar…

mi vida artística, y todavía lo es, fue cuando un artista que se llamaba Franz West, que se murió

Y ese es, quizás, su sello artístico. Lo que yo he podido ver en su trabajo es que usted usa su contexto familiar, que no es artístico y lo sobrepone en el mundo del arte…

Y eso, ¿cómo fue? Eso fue cuando yo era asistente de profesor en la escuela. Con la frustración que tenía de no poder

Sí, se puede decir que el RCA fue el principio de todas esas ideas porque existía esa fricción social. No fue algo rabioso, lo tenía claro, pero no era una manifestación agresiva, sino más bien experimental. Todo empezó ahí y la pintura siempre se quedó en el segundo plano… Hay algún momento en especial en el que usted se dio cuenta de que todo su plan de vida podía convertirse en algo mucho más grande… Todo empezó en realidad en una muestra colectiva que hice en el 2011 en Los Ángeles en la galería ‘Mihai Nicodin’. Mis pinturas se vendieron y comenzaron a generar interés. Yo seguí con mi trabajo de limpieza, que además disfrutaba mucho, pero después llegaron otros trabajos y proyectos en EE. UU. que me hicieron abandonar mi trabajo de ‘cleaner’. ¿Qué significó que un coleccionista de la talla de Charles Saatchi, que ha lanzado a la fama a muchos otros artistas, comprara sus obras? Pues eso fue antes, en la universidad, en el RCA. Saatchi es un coleccionista de talla mundial que tiene una colección que ha pasado por muchas etapas; pero yo ya tenía claro que Saatchi no era el coleccionista de hace treinta años o el de los noventa, que fue el catalizador de todo un movimiento artístico británico muy importante liderado por Damien Hirst. Pues sí, chévere enterarme de que Saatchi compró, pero eso no me iba a cambiar la vida, un honor que alguien de tanta trayectoria tomara interés en mi trabajo, pero no me iba a comer el cuento de eso. Pero ¿no tiene un momento que recuerde especialmente? Pues en realidad el momento más interesante de

hace un año, me compró un trabajo.

ir a mi estudio aproveché el taller tan bueno que había en el colegio y en mis ratos libres me puse a hacer cositas. A veces también trabajaba en una galería y una de las veces que llegué estaba West ahí preparando una exhibición. Yo había dejado mis cosas en el baño, pero él las vio y se interesó. Me preguntó si eso estaba a la venta. Le dije que no, que para mí era un orgullo que a él le gustara y que se lo regalaba. Me dijo que no, que yo no era un artista ni rico ni famoso y entonces me dio mil euros, en dos billetes de 500 euros, dos billetes que nunca había visto, no sabía ni que existían. Y hablando de billetes, el hecho de que una obra suya se venda por casi medio millón de dólares le tiene que mover el piso o por lo menos hacer sentir como una bofetada a la realidad. Yo estaba en Nueva York y en realidad no estaba pendiente de la subasta. Esas pinturas yo ya las había vendido y no tenían nada que ver conmigo, aunque sabía que estaban en el catálogo de la subasta. Pero de repente recibí un mensaje de texto con la cifra y yo pensé que eran 21.000 libras, y dije: “bien, no está mal”. Pero después volví a mirar y vi que eran 210.000, menos el impuesto, y dije “¡qué locura!”. Pero más que emocionarme me asusté y decidí tranquilizarme con un whiskey. Aunque nada de ese dinero le entró a usted?. No, no, esa plata no es mía. Esas obras ya no me pertenecían…¿Pero afecta su proceso artístico el hecho de que sus obras se vendan a un precio tan alto? - Pues en realidad lo importante es mantener el proceso igual. Es fundamental que me siga desarrollando como artista y me olvide de ARTCLUB magazine - Issue 2

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ese es un tema más de los coleccionistas y los especuladores y yo no me debo meter ahí. ¿Lo logra?

pareciera que no le gusta hablarlo. Pero es que no solo pasa en Colombia, pasa en todo el mundo. Y mi experiencia colombiana es la

Sí, porque nada de esa plata me entró a mí. Y además soy consciente de que soy un artista joven, tengo 27 años y pienso ser artista toda mi vida. Si me pongo a pararle bolas a una subasta

del microcosmos de La Paila, que es un pueblito estrato dos. En Colombia existe una élite y acá en Inglaterra también. El clasismo existe en todas partes, no es exclusivo de Colombia. Esas friccio-

que es una anomalía y dejo que me afecte, se me va la carrera al carajo. ¿Siente que a partir de ese momento la gente se le acerca de otra manera, que lo empiezan a tratar

nes sociales suceden en muchas partes, no son exclusivas… Quizás es por eso por lo que uno debe catalogarlo a usted más como artista global que colombiano.

distinto? No, yo siempre he sido una persona muy privada. Como usted ve, acá está mi tío y mi círculo es la familia, que la considero bastante extensa, y ahí es donde yo me muevo… De eso le quería hablar, porque pese a que usted llegó a los diez años acá, usted a Colombia no la ha soltado, parece que de alguna manera sigue viviendo en La Paila y esa es la gente con la que usted anda de arriba para abajo. Sí, más que colombiano yo soy paileño. Colombia es un país emproblemado, pero a mí personalmente nunca me afectó. En La Paila todo siempre fue muy sano, entonces la experiencia que tengo del país se basa en eso. Pero nunca ha pensado qué hubiera sido de su vida si su papá no se viene para Londres… Estaría trabajando para Colombina (empresa de dulces ubicada en La Paila), esa es la realidad. No había otra opción. Y lo sé porque es eso lo que hacen mis amigos de infancia. Y no se trata de personas que no estudiaron, sino que no hay más oportunidades. Es un problema que eso sea así. Pero también faltan más aspiraciones personales, que no dependen necesariamente del dinero que

Sí, hay una pieza que precisamente estoy trabajando en este momento que se llama ‘If I was to draw a line this journey started aproximately 400 km north of the Ecuator’. A lo que me refiero acá literalmente es que si voy a trazar una línea, esta aventura empezó 400 kilómetros al norte de la línea ecuatorial. No me veo como un artista colombiano, menos como un artista británico, sino como un artista que está interesado en la dinámica global… Volvamos a las fricciones sociales, me interesó mucho la que hizo este verano en la ‘Serpentine Gallery’ en Londres auspiciada por ‘Comme des Garcons’. ¿Cómo fue eso? Ellos me contactaron porque les gustó mi estética más que por mi idea de hacer choques sociales. Y cuando me llamaron yo me demoré en encontrarle

haya por ahí, sino de una aspiración más personal. Lo siento mucho más cauteloso cuando habla de esto, como que en su arte grita y acá no. En su

mes de Garcon’. Lo curioso es que me tocó cambiar incluso el título y agregarle el “late” porque la Serpentine también hace su ‘summer party’, que

obra desafía los contextos sociales, los compara, los pone en cierta manera a chocar, pero

la vuelta para que el proyecto tuviera relevancia en mi idea artística. Y se juntó todo. La ‘Serpentine Gallery’ está en Hyde Park, en una zona elitista, y lo mismo’ Commes de Garcon’, una marca de alta costura, muy exclusiva, individualista. Decidí entonces traer todo lo que soy yo y juntarlo con eso. Así nació ese proyecto que se llamó ‘The cleaners late summer party with Com-

es superexclusiva y solo va gente de la talla de Mick Jagger y la rosca de la farándula de acá. ARTCLUB magazine - Issue 2

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En cambio, el ‘summer party’ que yo conozco es el carnaval del pueblo o las fiestas que hacían

les pongo cuidado. Pero y cuando oye que todo lo que sucedió con

para los ‘cleaners’ en Navidad, cuando las compañías de limpieza les hacían fiestas a los traba-

su obra este verano es parte de una estrategia

jadores, aunque eso ya no existe más por la crisis económica. Invité a ese círculo de gente que ni

comercial, calculada milimétricamente por especuladores que inflaron el valor de su arte… Pues, ¿qué puedo decir yo? Yo llegué a donde

sabía qué era la ‘Serpentine Gallery’, y dije, vamos a hacer esto como una fiesta, como un tipo

estoy solo, no tuve ni un papá, ni una mamá, ni un artista padrino que me ayudara a llegar a este

de carnaval. La idea no era hacer ni un performance ni una acción sino convertirlo en una fies-

punto. No tuve una persona de conocimiento estratégico y financiero. No, todo esto fue una ano-

ta. Aunque el mundo artístico que asistió lo percibía como una acción, porque conocían el contex-

malía que sucedió y estoy lidiando con esto. ¿No le molestan que lo rotulen y que esos rótulos

to. En cambio, el mundo de la limpieza lo veía como una fiesta, una rumba. Entonces la fuerza del momento no llegó por la gente del mundo artístico, sino por los que venían a rumbear. Pero usted también ya empieza a ser parte de esa rosca elitista. ¿Ha sentido la misma fricción de sus obras entrando ahí? Desde que entré al RCA entendí que el arte es elitista y que esas élites son parte de la conversación. Claro, conocer a una estrella del rock and roll o entrar en Los Ángeles a una mansión en Beverly Hills es algo impresionante porque yo precisamente conozco otra realidad, y son realidades que parecen extraterrestres cuando se comparan la una con la otra. Y como usted conoce esa otra realidad, cuando se entera que alguien pagó casi medio millón de dólares por una pintura suya qué piensa… Pues es relativo. Sin duda resulta extravagante,

quizás hagan que su obra genere más interés? Usted viene de una familia humilde, que emigró a

pero es el mundo en que vivimos. No es un shock. El shock es que me haya pasado a mí, porque en cada subasta de arte sucede. Lo que hace eso es demostrar el desnivel social tan gran-

gente diga eso. A mí me parece un truco barato en el que no estoy interesado. No me interesa ese sensacionalismo. No me considero un ‘celebrity’ y tampoco lo quiero ser.

de que hay. Lo que sucedió con la subasta hay que verlo como algo de ayer y no concentrarse en

Europa, que trabajó en limpieza, en fin, todos los elementos de novela que terminan haciendo que interese más como personaje. Pues eso es farándula y es una cosa muy latina. Una cosa que también el mundo anglo explota… No, no tanto. Aunque en Estados Unidos sí y en el mundo latino sobre todo. Es como el sueño americano. Y aunque me hice la promesa de no hacerle esta pregunta, me siento ahora obligado a hacérsela: ¿le molesta que lo comparen con Jean Michel Basquiat? Pues el hecho de que sea moreno y tenga rasgos como los de él y de que en una época usé el pelo estilo afro, como rasta, pues hace que alguna

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FRIEZE

Lond

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E 2013

dres

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LONDRES HA ACOGIDO LA FERIA

FRIEZE

Por el Diario EL CONFIDENCIAL

“Solía pensar que estábamos en desventaja respecto a Nueva York pero en estos momentos somos igual de dinámicos. Frieze es un fenómeno único, ha cambia-

Hace veinte años Londres no podía rivalizar con la Gran Manzana en cuanto a arte contemporáneo. El peso adquirido por la ciudad de los rascacielos tras la

do el panorama londinense. En estos momentos aún tratamos de recuperarnos de sus efectos, no sólo de la feria, que cerró el domingo pasado sino de todo lo que genera”. Son palabras de Andrew Renton, comisario independiente y director de la galería Marlborough Contemporary, ‘hermana pequeña’ de las otras Marlborough que pueblan varias ciudades del mundo, incluídas Madrid y Barcelona. Dedicada a artistas emergentes no necesariamente famosos ni necesariamente jóvenes, Marlborough Contemporary es una apuesta atrevida en un mercado que a juzgar por lo que se vio en la feria de arte Frieze London, no deja mucho espa-

Segunda Guerra Mundial como nuevo refugio de artistas –sustituyendo al París de entreguerras- y el empuje dado por instituciones como el MOMA o el Whitney Museum la convertían en reina indiscutible de la producción artística contemporánea y por tanto, también en epicentro del mercado. Pero a finales de los ochenta estalló en Londres la fiebre por los Young British Artists, que unida al nacimiento en 2000 de la Tate Modern y al de Frieze en 2003 hizo que el péndulo del arte contemporáneo comenzara a moverse hacia este lado del Atlántico. Eso, unido al desembarco en Londres de oligarcas rusos, jeques árabes y nuevos ricos

cio a la imaginación y sigue obsesionado con el negocio, que no va nada mal y que en Londres tiene a un anfitrión que ya es tan potente como Nueva York. ¿O quizás más?

chinos cargados de millones e interesados en la nueva moneda segura para millonarios, el arte, ha convertido Londres en un epicentro de intercambio artístico y de producción que ya no tiene nada que ARTCLUB magazine - Issue 2

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envidiarle a Nueva York. Otra prueba de ello es que las galerías más potentes de Manhattan, como David Zwirner, Pace, Michael Werner o Marian Goodman han abierto o están a punto de abrir grandes espacios en Londres, en el barrio de Mayfair, donde se mueven las grandes sumas de capital y lejos del circuito de galerías más underground del barrio de Hackney, al este de la ciudad. “Nosotros vamos adónde están los artistas” decía recientemente Marc Glimcher, presidente de Pace. “Londres está en un cruce de caminos. Nueva York no” afirmaba en The Wall Street Journal. La galería que dirige Andrew Renton tiene apenas un año de vida así que este año no acudió a Frieze aunque uno de sus artistas, Laurence Kavanagh, comisarió con obra de Victor Pasmore el stand de Marlborough Fine Arts London, que participó en Frieze Masters, esa feria gemela creada el año pasado para atraer a galerías dedicadas, como dice su nombre, a los maestros, es decir, desde Bruegel a Picasso y todo lo que el mercado considera como arte con pedigrí. “Frieze Masters es casi mejor que un museo. Hay una calidad altísima y tiene menos público así que si te gusta la historia del arte es un placer. En cambio Frieze London me aburre. No sé, creo que quizás el mundo de las ferias de arte contemporáneo se esté agotando. Encontrarme otra vez con las esculturas de Jeff Koons me parece insufrible”. Así ve las cosas un asesor artístico que trabaja con importantes coleccionistas suizos y que prefirió no dar su nombre a El Confidencial.

Él acudió a Londres entre otras cosas para asistir a las diferentes subastas organizadas por Christie’s y Sotheby’s, que se aprovechan de la presencia en la ciudad durante la semana de Frieze de cientos de coleccionistas y marchantes de arte para sacar a subasta lo mejor del año. Entre otras se organizaba la esperada puja de Thinking Big, de la colección de Charles Saatchi. El hombre que dio vida con sus millones a la generación de los Young British Artists (YBA) y convirtió en estrella mediática a Damien Hirst se deshacía así de algunas de las instalaciones más grandes y aparatosas de aquella época, -obras de Tracey Emin o Rebecca Warren-. Pero contra todo pronóstico, sólo recaudó 3.6 millones de euros, una cifra “bastante más baja de la esperada” según escuchó esta reportera por boca de un empleado de Christie’s. Tras años de precios en espiral ascendente vendiendo tiburones en formol (los de Damien Hirst, estrella indiscutible de los YBA) quizás las aguas de la cordura comercial estén volviendo a su curso, según sugeriría el resultado de la mencionada subasta. Algunos temían que la amenaza de suspensión de pagos del gobierno estadounidense frenara la compra y venta de la feria por miedo a que los mercados financieros se desestabilizaran pero una vez más, el mercado del arte demostró que ya es un ente independiente de las finanzas y si tras la crisis de 2008 comprar arte se ha coronado como el valor-refugio más buscado, cinco años más tarde eso no parece haber cambiado. Galerías pequeñas como la española Maisterravalbuena, expresaban su satisfacción ante el éxito que había tenido su único artista: Nestor Sanmiguel Diest, un creador de 64 años con escasa proyección internacional pero una producción muy interesante que interesó mucho a los compradores, aseguró el dueño de la galería. “En esta feria todos saben mucho de arte y en nuestro caso parece que hemos traído al artista adecuado porque ha despertado muchísimo interés”. ARTCLUB magazine - Issue 2

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En la galería Juana de Aizupuru, una de las tres únicas españolas presentes en Frieze, los puntos rojos se desplegaban entre artistas como Pierre Gonnord, Dora García o Wolfgan Tillmans. “No nos está yendo mal, ésta es una buena feria. Está muy bien organizada y Londres es una ciudad con mucho dinero y eso se nota” aseguraba De Aizpuru a El Confidencial el primer día de Frieze. ¿Es posible comparar Londres con Nueva York? “Son los dos mercados más potentes pero yo prefiero Londres. El Armory Show de Nueva York no funciona tan bien” asegura esta veterana que lo ha visto prácticamente todo. “Pues claro que han cambiado las ferias. Antes los artistas sólo se preocupaban de hacer un buen trabajo, que su obra se mostrara bien. Ahora la mayoría sólo piensan en ganar mucho dinero y hacerse famosos. Antes eso no era la prioridad. No es el caso de los nuestros pero yo lo veo cada vez más”. Estrellas del arte contemporáneo Hasta el año pasado el artista vivo por el que se pagaban los precios más altos era el neoyorquino Jeff Koons, un ex broker cuyo talento se ha puesto en entredicho a menudo y que ahora trabaja en exclusiva para la poderosa galería Gagosian, propiedad de Larry Gagosian, célebre por convertir en oro todo lo que toca. En Frieze su stand estaba dedicado por entero a Koons con varias esculturas custodiadas por dos guardias de seguridad con pinganillo que realmente demostraban el sorprendente giro que ha tomado el arte contemporáneo en los últimos años, con la proliferación de relaciones públicas que impiden acercarse a los artistas, con la multiplicación del artista-celebrity y con espectáculos como los de esos guardas de seguridad que ofrecían una performance sobre los excesos del arte sin habérselo propuesto. En diversas galerías de la feria había fotos del nuevo ‘enfant terrible’ de la fotografía, el jovencísimo Ryan Mcginley, de quien el tiempo dirá si sus retratos de los jóvenes neoyorquinos de su generación eran tan buenos como su ubicuidad parece decir en Frieze. Un coétaneo suyo, el danés Jeppe Hein, triunfaba (al menos por público) en la galería 303 de Nueva York con una versión personal de Fontana con aliño siglo XXI: un cuadro de papel de aluminio-espejo con un corte en el centro idéntico al que hizo Fontana en el lienzo hace ya más de seis décadas.

Mientras esto ocurría en Frieze, por donde han pasado 70.000 personas según la organización y se ha vendido bien (es “un mercado muy energético” según la nota de prensa repartida por la feria tras su cierre) en el resto de la ciudad se inauguraban exposiciones por todas partes, algunos artistas abrían las puertas de sus estudios y al menos otras diez ferias en las que no había que pagar cincuenta libras para entrar competían por la atención del público. Algunas de ellas eran gratuitas, como Touch, donde todas las obras podían tocarse, o The other art fair. Otras centradas en el diseño como PAD y aunque más o menos todas parecían querer aprovecharse del impulso comercial que llega con Frieze, al menos una parecía tener otro sabor, tanto en calidad como en presentación: The Moving Museum. Esta feria-exposición tomó el 13 de octubre literalmente el primer piso de un gigantesco edificio abandonado a los pies del Támesis y lo llenó con obras de artistas exclusivamente londinenses (aunque con múltiples pasaportes) que podrán verse de forma gratuita hasta el 13 de diciembre. Bajo el título Open Heart Surgery esta feria que cada año se organiza en una ciudad del mundo ofrece una amplia mirada sobre el trabajo que actualmente se hace en Londres.

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Desplegada sin las estrecheces propias de las ferias en 3500 metros cuadrados y sin la masificación que se sufre en Frieze, bajo los desangelados techos de un edificio brutalista que sin embargo resulta un escenario mucho más real para el arte que las paredes prístinas y la moqueta de las grandes citas comerciales, Open Heart Surgery reúne una buena muestra del pulso artístico que late en esta ciudad. Desde el trabajo de la pareja de fotógrafosBroomberg & Chanarin, ganadores del premio de fotografía Deutsche Börse 2013 con un trabajo muy conceptual de corte pacifista a las afiladas propuestas del colectivo LuckyPDF, pasando por las inquietantes películas experimentales de Sam Austen.

También hay obras quizás menos interesantes, como las cerámicas de Jesse Wine pero tampoco es oro todo lo que se muestra en Frieze. Curiosamente varios de los artistas seleccionados residen en Peckham, el nuevo barrio underground donde muchos de los creadores londinenses se están mudando tras la explosión inmobiliaria sufrida tras las olimpiadas por Hackney (el barrio que acogió la creación en la última década). Es en Peckham seguramente donde late el pulso del Damien Hirst del futuro, o mejor, del Antony Caro del siglo XXI, aunque el dinero siga moviéndose desde el barrio de Mayfair, pasando por Frieze y haciendo escala en Nueva York.

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N O C

R U C

2014

Sony World Photography Awards 2014

World Photography Organisation El concurso Sony World Photography Awards soporta Pro-Imaging a fin de proteger los derechos de los fotógrafos sobre las fotografías. 1.1 Al participar en este Concurso, por medio del presente aceptas las presentes Reglas y los Términos y Condiciones del Concurso. 1.2.1 El Concurso es gratuito. 1.2.2 El Concurso Abierto está abierto para todos los miembros del público. 1.3 Los trabajos deben presentarse antes de las 11.59:59pm (GMT) del viernes 6 de enero de 2014. 1.4 Al participar del Concurso, reconoces y aceptas que WPO recibirá tus datos de inscripción. WPO utilizará toda la información personal de conformidad con su Política de Privacidad. 2. Para participar, debes subir tu fotografía a través del siguiente sitio Web: www.worldphoto.org (el 'sitio Web'), siguiendo cuidadosamente las instrucciones que aparecen en pantalla. 2.1 Las fotografías deben haberse tomado en 2013 y deberían participar en función de las Categorías indicadas, cuya información está disponible en el Sitio Web. 2.2 Imágenes no deben ser menores de 800 KB y no mayor de 5 MB. Los formatos de imágenes aceptados serán en archivos JPEG o TIFF. Todas las imágenes deben guardarse en el modelo de color RGB. Todos los participantes deben suministrar una imagen de alta resolución conveniente para la impresión en las exposiciones de cuadros que se realizaran 3.1 Los trabajos se evaluarán entre el 9 de enero de 2014 y el 31 de enero de 2014. 3.2 Se preseleccionarán diez fotógrafos de cada categoría, los cuales se anunciarán antes de la Ceremonia de Gala, mientras que los ganadores se anunciarán durante la Ceremonia, en abril de 2014. 3.3 Los ganadores de cada categoría en particular y el ganador del Sony World Photography Awards como Fotógrafo Aficionado del Año se decidirán mediante el voto de la Academia. El ganador, el Fotógrafo Aficionado del Año, será notificado por correo electrónico y recibirá pasajes aéreos de ida y vuelta a Londres (clase turista) y alojamiento por dos noches consecutivas, incluyendo la noche de la presentación de los Premios en Londres, para abril de 2014. 3.4 La decisión de la Academia y de WPO es definitiva y no se entablará negociación alguna con respecto a dicha decisión. 3.5 Cada participante puede presentar hasta tres fotografías en forma gratuita. Las fotografías presentadas pueden estar en una única categoría o repartidas en varias diferentes. Las fotografías se evaluarán en forma individual, no en serie. 4.1 WPO se reserva el derecho, a su sola discreción, de descalificar y retirar toda presentación que no cumpla con los siguientes requerimientos, incluso luego de que el trabajo se haya presentado en el Sitio Web. Garantizas y declaras, con respecto a cada trabajo que hayas presentado ('Trabajo'), lo siguiente: 4.1.1 Eres titular exclusivo y autor de cada Trabajo 4.1.2 Gozas del derecho de poner tu Trabajo a disposición del Concurso 4.1.3 Ninguno de los Trabajos contiene información personalmente identificable sobre ti ni ninguna otra persona ni personas.

4.1.4 Ninguno de los Trabajos puede tener contenido ilegal, amenazante, falso, engañoso, abusivo, acosador, calumnioso, difamatorio, vulgar, obsceno, escandaloso, provocativo, pornográfico ni profano 4.1.5 Ninguno de los Trabajos contiene material que podría constituir ni fomentar conductas que se considerarían delictivas, que dieran lugar a responsabilidad civil o que de algún modo violaran alguna ley 4.1.6 Ninguno de los Trabajos viola derechos de autor, marcas comerciales, derechos contractuales ni ningún otro derecho de propiedad intelectual de terceros o entidades, ni los derechos de privacidad ni publicidad de persona alguna, y su Trabajo no incluye: 4.1.6.1 marcas comerciales de propiedad de terceros 4.1.6.2 materiales sujetos a derechos de autor de propiedad de terceros (incluyendo diálogos de películas ni composiciones musicales) 4.1.6.3 nombres, similitudes, voces ni otras características que identifiquen a celebridades u otras figuras públicas, vivas o fallecidas 4.1.7 Trabajos con contenido comercial que promocione algún producto o servicio que no sea de WPO. 4.1.8 Trabajos que contengan créditos en pantalla 4.2 Aceptas indemnizar íntegramente a WPO con respecto a todas las regalías, honorarios y otras sumas de dinero adeudadas como resultado de incumplimiento por tu parte de cualquiera de los puntos anteriores. 4.3 Confirmas que todas las personas que aparecen en el Trabajo han otorgado su permiso para ser retratadas tal como se muestran. Todo el vestuario, la utilería y demás materiales utilizados deben alquilarse o pedirse prestados con el permiso del propietario, y deben haberse obtenido todos los permisos pertinentes. 5.1 Si eres menor de 16 años, debes contar con el consentimiento de tus padres o tutor para participar del Concurso. 5.2 En el caso de que WPO no reciba el formulario con el consentimiento de los padres o del tutor debidamente firmado para todo ganador menor de 16 años de edad dentro de los 7 días contados a partir de que se declara que el participante es ganador (excluyendo el día en el que WPO realiza dicha declaración), WPO tendrá derecho a seleccionar a un ganador alternativo de entre los participantes. 6. WPO puede implementar un proceso de clasificación por Internet por medio del cual los miembros del público pueden votar su fotografía favorita. En el caso de que haya pruebas suficientes (a discreción exclusiva de WPO) que sugieran irregularidades y manipulación en el proceso de clasificación, WPO tiene derecho a retirar el respectivo Trabajo o Trabajos y, si corresponde, otorgar el premio a otro participante. Las decisiones de WPO son definitivas. 7.1 WPO reconoce que tú, el autor de la fotografía, conserva la plena titularidad del derecho de autor de cada Trabajo. 7.2 Todos los participantes comprenden que las fotografías presentadas para el concurso pueden ser utilizadas por WPO, y sus Socios en el Evento, para fines de marketing y promoción del evento exclusivamente, durante como máximo tres años después de la fecha de la ceremonia de entrega de premios, a realizarse en abril de 2014. Por medio del presente otorgas a WPO una licencia irrevocable y no exclusiva por cada Trabajo a nivel mundial por tres años en todos los medios de comunicación para cualquier uso relacionado con la promoción del evento y / o concurso SWPA, incluyendo, sin carácter taxativo: ARTCLUB magazine - Issue 2

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(y organizadas por WPO(c) inclusión dentro del Sitio Web, del libro de World Photography Awards, de revistas o afines(d) inclusión dentro de materiales que promocionen el Concurso y / o exhibiciones organizadas por WPO, en la promoción de a) evaluación de los trabajos(b) muestra de los trabajos ganadores y de los finalistas en exhibiciones públicas que promuevan a WPO WPO(e) inclusión en productos relacionados con el Concurso y con la exhibición a ser vendidos por WPO o terceros de conformidad con el contrato individual celebrado por el autor(f) concesión de sublicencias sobre los Trabajos a la prensa para reproducción en relación con el Concurso y las exhibiciones(g) permiso a quienes visitan el Sitio Web para ver las fotografías por pantalla de computadora, PDA o teléfono móvil y guardar dichas páginas en formato electrónico en disco o en un PDA o teléfono móvil (pero no en servidores ni otros dispositivos de almacenamiento conectados a una red) para uso personal y no comercial exclusivamente. Referirse también a la cláusula 9. 8. Las fotografías utilizadas por WPO deberán contar con una línea de crédito. La no provisión de dicha línea de crédito no deberá considerarse como incumplimiento, siempre y cuando WPO emplee todos los medios razonables para rectificar dicha falta dentro de un período razonable a partir de la fecha de notificación de esta. 9. Reconoces que es tu responsabilidad proteger todo Trabajo contra el mal uso de fotografías por parte de terceros, por ejemplo, pero sin carácter taxativo, la incorporación de marcas de agua. WPO y sus Socios en el Evento no se responsabilizan por el mal uso de ninguna de las fotografías. 10. WPO no se responsabiliza por ninguna información incorrecta, inexacta ni incompleta, ya sea generada por los usuarios del sitio Web o cualquier persona del equipo o de programación relacionada con el Concurso o utilizada en él, y WPO tampoco se responsabiliza por fallas técnicas, de hardware o de software de ningún tipo, pérdida de conexiones de red, transmisiones informáticas desvirtuadas ni otros problemas o fallas técnicas con respecto al Concurso. WPO no se responsabiliza por ningún error, omisión, corrupción, interrupción, eliminación, defecto, demora en operación o transmisión, falla en la línea de comunicación, robo ni destrucción, ni acceso no autorizado a los Trabajos, ni a alteraciones de estos. WPO no es responsable por problemas ni fallas técnicas de redes o líneas telefónicas, sistemas informáticos en línea, servidores, equipos de computación, software, falla de los correos electrónicos enviados a WPO por problemas técnicos, errores humanos o congestión de tráfico en Internet o en sitios Web, ni por combinaciones de estos, incluyendo lesiones o daños a su computadora o de otras personas relacionados o que resulten de la participación o descarga de materiales del Concurso. Si por algún motivo el trabajo de un participante no puede visualizarse o no puede ejecutarse como estaba planificado, incluyendo infección por virus informáticos, errores, alteraciones, intervención no autorizada, fraude o fallas técnicas, WPO no se hace responsable. 11. En ningún caso WPO, sus compañías matrices, afiliadas, subsidiarias ni compañías relacionadas, Socios en el Evento, sus agencias de publicidad o promoción, ni sus funcionarios, directores, empleados, accionistas, representantes ni apoderados serán responsables por los daños y perjuicios ni pérdidas de cualquier tipo, incluyendo daños directos, indirectos, incidentales, consecuenciales, especiales ni punitorios que surjan del acceso del participante al Sitio Web y de su uso. Sin limitar el carácter general de lo expresado anteriormente, todo lo que se incluye en el Sitio Web se suministra 'tal cual es', sin garantía de ningún tipo, ni expresa ni implícita, incluyendo, sin carácter taxativo, garantías expresas de comerciabilidad, adecuación a un fin o a un uso y no usurpación. 12. Aceptas participar en publicidad relacionada y al uso de tu nombre y similitud para fines de publicidad y promoción sin compensación adicional alguna. 13. Todos los participantes deben poder suministrar una fotografía en alta resolución que se pueda imprimir en los medios y en una exhibición si la fotografía así lo requiriese. 14. No existen alternativas en efectivo para los premiados. 15. Los ganadores se anunciarán por Internet. Promotor: World Photography Awards Limited, 9 Manchester Square, Londres

¿Es usted un fotógrafo aficionado o un entusiasta de la fotografía? Si es así, entonces este es el concurso para ti! Se invita a los fotógrafos de todas las edades, clases sociales y niveles de experiencia para participar en este concurso, donde gran imaginación lo es todo, y la creatividad es el ingrediente clave! Tenga en cuenta una vez que participas en este concurso, no podrás participar en el Premio de la Juventud o de la competencia profesional.

El Concurso Abierto ofrece 10 diferentes categorías para que ingrese, que van desde Acción de Viajar. Como miembro de Basic , puede introducir un máximo de 3 fotografías de forma gratuita y que se presentan en una sola categoría o repartidos en varias categorías.

Categorías

Arquitectura Arquitectura, ofrece ricas posibilidades exóticas y diversas fotografías, dibujos a lápiz de los modelos virtuales en 3D, espacios básicas internas a grandes fincas, edificios de oficinas con fecha de estado de las instalaciones deportivas del arte. Captura de edificios de diferentes ángulos y perspectivas para transmitir su vasta escala, la belleza de su geometría, o un detalle que de otro modo podrían pasar desapercibidos.

Arte y Cultura Arte y Cultura cubre una amplia gama de temas - desde el teatro y musicales, conciertos y danza, el cine, la literatura y las artes visuales (fotografía, video, instalación). En esta categoría se invita a las imágenes de todo, desde consumidores pasivos, así como los intérpretes, a los que trabajan detrás de las escenas, en las producciones de Bollywood a Broadway. Encuentra tu inspiración y explorar las muchas delicias de las artes y la cultura que se pueden encontrar a través de nuestra gran planeta.

Mejorado Mejorando digitalmente sus fotografías nunca ha sido más accesible, con la tecnología moderna que proporciona posibilidades ilimitadas para efectos de postproducción impresionantes a alcanzar. Aplicar sus habilidades técnicas y explorar las posibilidades de mejorar sus fotografías.

Split Second Captura el último momento de alta velocidad que se ha ido en la segunda división. No se limite a pensar en el deporte para esta categoría, creo que nada que ARTCLUB magazine - Issue 2

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se mueve y se cerciora de que su velocidad de obturación ajustada. La captura de movimiento de alta velocidad y la segunda acción de división es complicada, requiere de habilidad técnica, paciencia e imaginación para encontrar el momento perfecto que de otro modo podrían pasar desapercibidos.

Low Light Recoja su trípode, poner encima de sus ajustes de ISO y hacer que la mayoría de los desafiantes oportunidades fotográficas con poca luz. Incluso la escena más débilmente iluminada tiene el potencial de producir una gran fotografía, pero el truco es experimentar con el fin de capturar el momento perfecto con poca luz.

Naturaleza y Vida Silvestre Aventurarse fuera para el aire libre, hacer un poco de exploración y poner tus habilidades a prueba! Naturaleza y Fotografía de la fauna está considerado como uno de los campos más difíciles de la fotografía y se refiere a una amplia gama de fotografía tomada al aire libre y se dedicó a mostrar los elementos naturales como la fauna, insectos, plantas, y primeros planos de diseños y texturas intrincadas de la naturaleza.

Panorámico A menudo se refiere como la fotografía de gran formato, fotografía panorámica requiere técnica, paciencia, habilidad y las herramientas adecuadas. Algunas cámaras permiten crear una panorámica en un solo barrido, pero, alternativamente, para crear la foto panorámica ideal que usted debe utilizar los equipos y software especial para coser su imagen panorámica juntos. Piense paisajes urbanos, paisajes y vistas infinitas de un paisaje impresionante para impresionar a los jueces en esta categoría difícil.

Sonreír La sonrisa y el mundo sonríe con usted. Usted ha oído el dicho, pero la captura de la alegría en una sonrisa natural en ese momento perfecto no siempre es fácil. Buscar entre las sonrisas a tu alrededor para una fotografía en la que se comunica la valiosa emoción de felicidad.

Hisatomi Tadahiko, Japón, Winner, Personas, Competición Apertura 2013 Sony World Photography Awards Personas Ir más allá del retrato fotográfico tradicional para documentar uno de los más fotografiados de los temas, la gente. contextos pueden ofrecer características sociales, culturales y estéticas diversas e interesantes, quizá más que otros temas. Observa el mundo a tu alrededor y encontrar la inspiración entre los miles de millones de rostros que conforman los pueblos del mundo en la actualidad.

Viajar Despertar su curiosidad y crear imágenes emocionantes de sus aventuras, ya sea cerca de su casa o en exóticas tierras lejanas. Capturar el estado de ánimo de una ciudad, la tranquilidad de un paisaje, la maravilla de las maravillas naturales, la intriga de lugares abandonados o la acción de las tradiciones culturales y la vida cotidiana. Descubra el mundo y fotografía a través de sus viajes. Entrar y juzgar Paso 1 - los comentarios pasarán por rondas de preselección, realizada por nuestro comité oficial de Preselección. Paso 2 - La lista de 100 imágenes a continuación, será juzgado por el comité de jueces de Honor 2014. Paso 3 - Las 10 imágenes finalistas de cada categoría se darán a conocer antes de la Ceremonia de Gala en abril de 2014. Paso 4 - Los 10 Categoría Los ganadores serán anunciados antes de la Ceremonia de Gala en abril de 2014. Paso 5 - El ganador ﬁnal será seleccionado entre los 10 Ganadores de Categoría A juzgar por el Comité de Honor de 2014, y se dará a conocer como Sony World Photography Awards fotógrafo Abierto del Año en el 2014 Photography

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illustration ZOILO ABEL RODRIGUEZ ARTCLUB magazine - Issue 2

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Domingo

De Lucia

Analogy & Social Entropy Felix Suazo -

Curator & Researcher

Analogy, is the series of works in which the element used is the color red intervened, as organic matter, by aerobic and anaerobic bacteria. It is an exercise based on the decomposition of the red, contaminated by aerobic bacteria, which begin to alter the organic matter of the color until the bacteria runs out of oxygen. These die, mutate and multiply exponentially into anaerobic whose environment is zero oxygen content. This decomposition becomes an irreversible process and all organic matter is consumed. Once this is accomplished the anaerobic bacteria begins to attack and destroy themselves. Taking these basic behavioral patterns and comparing them to any political, economic, social, and/or cultural models which are ineffective we see the same pattern of conduct as the aerobic and anaerobic bacteria. These models tend to run out and change from a state of balanced disorder and inefficiency to one of general chaos generating the big crunch of the matter (model). Translating this concept to a political system, we find the occurrence of the social entropy which generates violence, corruption, the collapse of public services, economic crisis and the disintegration of values generating chaos causing the social big crunch. Social Entropy, a pictorial series where Domingo De Lucia, allegorized the disintegration of a series of ideological assumptions, social & economic, from bacterial action on the color pigment, in this case red. After this operation, De Lucia proposes a set of analogies between color breakup and disintegration of a set of core values for human society. Notions such as peace, conservation, solidarity, diversity, migration, etc. They are contaminated by intolerance and the interest of power, threatening the survival, welfare and free movement of people. Thus, the series Entropy pictorial material goes decaying symbolic dimension, posing an increasingly agonizing conflict between order and uncertainty.

Felix Suazo Curator & Researcher 53

Domingo De Lucia was born in Italy in 1950 and presently lives in Valencia, Venezuela. In 1970 he studied acting at the Drama School of Caracas Enrique Benchimol. Between 1973 and 1978 got his bachelor degree in Business Administration, major in Marketing at the University of Florida, USA. In 1982, graduate studies in Human Resources at the University of Carabobo. He is the founder and present CEO of Artquimia, an art paint factory with ATENEA as its major brand. He is currently President of the Artquimia Foundation, an institution that sponsors cultural projects both nationally and internationally. His thesis is based on the belief that the creative process and the productive systems are deeply interrelated in every aspect of the human creation, not only in art works but also in every space and manifestation of the human creativity that intervenes in society. Since 1997 is a member of the Provisional Group, an informal association of creators whose member’s work from a broader conception of culture and art. Individual Projects & Exhibitions: 2001 - Project “Domino Effect, Strategies to Lock the Crisis” as an intervention and operative experience inside Artquimia factory installations in the Industrial Zone of Valencia , 2002 - Project “Domino Effect, Strategies to Lock the Crisis”, wrapping the art collection of the Miguel Otero Silva Salon and playing Domino at The Ateneo de Barcelona , Venezuela. 2003 - Project “Domino Effect, Strategies to Lock the Crisis”, intervention of the art work of David Palacios “Distention Zone”. Celarg RG Gallery in Caracas, Venezuela. 2005 - Project “Domino Effect, Strategies to Lock the Crisis” wrapping intervention of the sculpture of Cruz Diez at the Venezuela Square in Caracas, Venezuela. 2006 - Project “Domino Effect, Strategies to Lock the Crisis” wrapping the Museum of Contemporary Art Sofia Imber´s facade in Caracas, Venezuela 2008 - Organizer of the 1st Great Biennial “Miche and Elena” at the mall First Stop. 2010 - 2nd Biennal “Miche and Elena” at the Atenea Gallery in Valencia, Venezuela. 2011- “Standard Color” in El Anexo Gallery Caracas, Venezuela. 2011-12 “The Burning Passport” during The Burning Man Festival ,Black Rock Desert, Nevada, U.S.A. 2012 - “Closed Life” art exhibition in Atenea Gallery Valencia, Venezuela. 2013 - “Analogy & Social Entropy” Beijing Art Expo, Latin America Pavilion Beijing, China. 2013- “Analogy & Social Entropy” The Venezuelan Pavilion, Art Fest Doral, Miami, U.S.A. 55

Domingo De Lucia Collective Projects & Exhibitions:

1997 - El Salon, Provisional Group “El Salon”, at Distribuidora Atenea, Valencia, Venezuela.

1998 - The Water Fest, (Grupo Provisional “La Manguera”) Community experience. Barrio La Bandera, sector La Plazoleta, Caracas, Venezuela. 1998 - La Tarja or The Paradox of the Recognition (Grupo Provisional “La Tarja”) in The Mendoza Gallery Caracas Venezuela (1998). 1999 - From Prebacheo to Forklift (Art and Production Processes) (Grupo Provisional “Prebacheo”) multimedia experience inside Artquimia an art paint and ink factory in Valencia, Venezuela. 1999 - High Water and Humid Pavillion, (Group Provisional “Por Este”) Event: “Per la Constitucione di una rete fra organism d´ arte independienti”. dAperTutto, Espacio A. Pabellon de Italia, 48th Biennal Venece, Italy. 2000 - Born in America (Seven American Artist). (Grupo Provisional “Borni”), in The Workshop House Museum Jacobo Borges Caracas, Venezuela. 2001- Politicas de la Diferencia. Iberoamerican art end of century. Itinerant exhibition. (Provisional Group “El Pescozon”). Community Valencian Museum, Valencia, Spain. Convention Center of Pernanbuco, Arrecife, Brazil. Malva Latinamerican Museum in Buenos Aires, Argentina. This exhibition was organized by the Generalitat Valenciana, Spain. 2012 - Collective at Large. II edition LATINAMENTE Mostra d'Arte Contemporanea, Galleria BLUE or G, Bary, Italy 2012 - Collective at Large. III edition LATINAMENTE Mostra d'Arte Contemporanea AREA 24 ART GALLERY, Naples, Italy 2012 - Collective at Large. IV edition LATINAMENTE Mostra d'Arte Contemporanea Office Gallery Contemporanea, Rome, Italy 2012 - Collective Intitolato Gallery Onetwentyeight New York City, NY 10002, USA. 2013 - La Caja Cultural Center. El Anexo / Arte Contemporaneo Quinquenio Caracas, Venezuela. 2013 - Art Lab School & Galleries- “Me, Myself and l… you and Everyone Else”. Staten Island, NY. USA

III Edición del International Emerging Artist Award (IEAA) Tipo de evento: Premios y Concursos Fecha inicio de presentación: 11 Noviembre de 2013 Fecha fin de presentación: 31 Enero de 2014 Organiza y/o se celebra: International Emerging Artist Award Dotación: El premio se otorgará a un artista internacional y a un artista emiratí. El premio consiste en dos años de plena representación por Galería Sabrina Amrani. Esto incluirá una exposición en dúo en el espacio de la galería en Madrid, la participación en una feria de arte internacional, una exposición colectiva internacional y el desarrollo profesional continuo a lo largo de la representación de ambos artistas. Ubicación actual : Dubái - Emiratos Árabes Unidos Documentos http://www.sabrinaamrani.com/ Observaciones Lo que diferencia a IEAA de los otros premios de arte es ante todo su misión de identificar el aspecto innovador de la obra presentada, su originalidad, que es la combinación de valor conceptual y estético de la obra y la coherencia general del proyecto expositivo. Por lo tanto, la noción de 'emergencia' se entiende en la sutileza de sus dos significados: tanto los aspectos de innovación como en el sentido de desconocidos o no conocido por el gran público. La edad de los participantes no es un criterio para la selección teniendo en cuenta lo que más importa: la calidad y la consistencia de la producción artística. Por lo tanto, IEAA busca artistas que sean capaces de crear obras de arte con un enfoque personal y contemporáneo, junto con un tema coherente. El jurado valorará un concepto innovador y tendrá en cuenta el compromiso de los artistas a la práctica sincera que culmina una aplicación única. Se aceptan todos los medios y materiales: pintura, ilustración y dibujo, fotografía incluida la manipulación innovadora de la imagen, técnicas mixtas, arte digital, videoarte, escultura, etc,... Los participantes deberán presentar un proyecto de exposición que conste de una serie de obras de arte utilizando los medios de comunicación de su elección, o una combinación de medios de comunicación y de apoyo. El sujeto debe expresar un tema contemporáneo o un concepto original y debe ser ejecutada preferentemente utilizando la técnica innovadora de producción. El participante debe explicar cómo el trabajo propuesto es original, así como el concepto detrás de él. Se debe revelar el universo del artista, la inspiración y la imaginación que hagan que el proyecto sea personal y único. Esta obra es preferible que no haya sido expuesta o lo haya sido poco, para preservar su carácter emergente.

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Image by arturoCarri贸n

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Coleccionistas mexicanos, buenos marchantes del arte LETICIA SÁNCHEZ MEDEL Debido a la crisis económica en el Viejo Continente, son varias las galerías europeas que están buscando fortuna en el mercado de nuestro país. México • Ahora que Europa se encuentra en plena crisis económica y sus coleccionistas y sus instituciones no están comprando obras artísticas, los organizadores de Arco —la más importante feria española de arte contemporáneo— están preocupados porque el mercado latinoamericano se ha vuelto más atractivo para las galerías del Viejo Continente, como se aprecia ahora en Zona Maco México Arte Contemporáneo. Aunque a final de cuentas los precios de las obras de arte son los mismos en todas las ferias del mundo, las que cambian son las condiciones y la capacidad adquisitiva de los compradores y los coleccionistas que acuden a Zona Maco. Ignacio Múgica, de la galería española Carreras Múgica —que por primera vez participa en esta feria que se desarrolla desde hace 10 años en la Ciudad de México—, dice que debido a la crisis que está viviendo Europa, particularmente España, decidieron venir a Zona Maco a ofrecer sus obras. “Cuando estuvimos en Arco, nos compraron obra algunos coleccionistas mexicanos; por eso decidimos desplazarnos a México”, expresa a MILENIO. Asimismo, Adolfo Cayón, de la galería Cayón, señala que el mercado en México cada día se ha estado consolidando más, y que Zona Maco se está convirtiendo en una de las más importantes del panorama artístico internacional. Los precios —que van desde los 500 hasta los casi tres millones de dólares en Zona Maco— los fija el libre mercado del arte, afirma Cayón.

Luis Alonzo, representante de la galería neoyorkina Salón 94, opina que “todo tiene que ver con el currículum del artista: en qué lugares ha expuesto, qué tipo de trabajo está haciendo, las bienales en las que ha participado y cuáles museos tienen alguna de sus piezas. Por supuesto que habrá obras más costosas en su producción, lo cual también influye”. En esta feria de arte, se aprecian propuestas, se reconocen tendencias y se descubren obras que sorprenden al público. Una de las obras que no pasa desapercibida, ya que todos los visitantes se detienen frente a ella para tomarse una foto y capturar su reflejo, es una pieza sin título de Anish Kapoor, cuyo precio es de 750 mil dólares. Escultura de Chillida, lo más caro La obra más costosa que se ofrece en Zona Maco México Arte Contemporáneo, a decir algunos galeristas como Enrique Guerrero, es una obra del escultor español Eduardo Chillida. Dice: “Sé que hay una pieza de dos millones de dólares, y seguramente hay obras de 500 dólares; hay para todo el público. Está una escultura de Chillida que anda por allí y que vale más de dos millones”.

El reconocido galerista Hilario Galguera, con más de 25 años de experiencia, explica que poner un precio a una obra de arte es realmente una labor muy compleja: depende de la ley de la oferta y demanda.

Ignacio Múgica, de la galería Carreras Múgica, que exhibe la escultura Estela X. Lo profundo es el aire (1990), de Chillida, dice que dicha obra se cotiza en dos millones 800 mil dólares, que es el precio de un gran artista. “Me han dicho que es la más cara de Zona Maco; nunca nos había pasado”, dice el galerista, quien en su stand también muestra obras de Miró y de Picasso.

“Los artistas que tienen ya una carrera, una presencia en instituciones, en museos y colecciones privadas, se vuelven más conocidos, pues hay más gente que busca su obra, y es así como el precio de sus creaciones se van cotizando”, detalla el amigo y galerista de Damien Hirst en México.

Precisa que Chillida (San Sebastián, España, 1924-2002) alcanza este precio debido a que es uno de los artistas internacionales más importantes del mercado del arte; su obra se expone en diversos museos, galerías e instituciones, y es objeto de subastas en las que los precios son internacionales y muy altos.

En ese sentido, Kerstin Erdmann, coordinadora de la galería OMR, refiere que los precios varían dependiendo de los artistas, y cambian según la trayectoria de éstos; entonces, “podemos encontrar en esta feria desde los artistas consolidados hasta la propuesta de los creadores emergentes”.

La Fundación Chillida difunde que la obra del escultor está presente en más de 20 museos de todo el mundo, y sus esculturas se encuentran lo mismo frente al mar, como en San Sebastián, que en la montaña, como en Japón, y en ciudades como Washington, París, Madrid o Berlín.

Por eso, los rangos de los precios más comunes que se ven en esta feria van desde los 800 dólares hasta los 10 mil.

Lo más interesante es que sobre su obra han escrito arquitectos, poetas y filósofos como Martin Heidegger, Emile Cioran y Octavio Paz, entre otros. ARTCLUB magazine - Issue 2

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ZONA

MACO Zona Maco México Arte Contemporáneo. la feria de arte de México, celebrará en 2014 su décimo primera edición, consolidada como la ventana al arte contemporáneo más importante en América Latina. Con un crecimiento paulatino, la feria mantiene la presencia de expositores, coleccionistas y galeristas de varias partes del mundo, generando una presencia importante en el arte contemporáneo internacional. Zona Maco 2014 ofrecerá a sus visitantes una distribución de cinco secciones: principal, nuevas propuestas, Zona Maco Sur, diseño y arte moderno. Cada sección es cuidadosamente conformada por una curaduría a cargo de especialistas reconocidos en su ámbito. Durante una semana, Zona Maco se convierte en visita indispensable para enterarse del acontecer internacional del arte contemporáneo. La ciudad de México, sede de la feria, ofrece a los visitantes extranjeros y del interior del país, una gama de oportunidades para celebrar el arte, ofreciendo al visitante diversas actividades gratuitas en espacios públicos, galerías, museos y otras instituciones culturales, públicas y privadas. Del 5 al 9 de febrero de 2014, esperamos superar nuestra cifra de asistentes de más de 40,000 personas, incluyendo los coleccionistas de arte, artistas, curadores y otros públicos interesados del arte reunidos en el Centro Banamex de la Ciudad de México. ARTCLUB magazine - Issue 2

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GOING BLIND FAITH exposici贸n individual GOING BLIND FAITH. Eugenio Espinoza Del 3 de noviembre al 22 de diciembre de 2013 29C Ludlow Street Nueva York, NY 10002

Foto: blackstongallery.com

de Eugenio

Espinoza en Nueva York

Blackston se complace en presentar Going Blind Faith, la primera exposición individual de Eugenio Espinoza en Nueva York. Una recepción para el artista tendrá lugar el domingo 3 de noviembre de 6 a 8 pm. En esta exposición Espinoza presenta obras escultóricas recientes que encarnan su interés en el uso de medios sencillos para construir un sistema basado en contingencias que hacen hincapié en la disonancia y el equilibrio. Las piezas en la pared de la galería emplean láminas de aluminio pintadas y manipuladas en capas y equilibradas, al parecer precariamente, en soportes de estantes de hogares de diferentes tamaños. Las demás pinturas de aceite sobre aluminio funcionan apoyándose en las paredes de la galería – equilibrándose en un solo punto o en contra de la longitud de una pared. Los seis cubos metálicos grises en el centro de la galería son testimonios esparcidos de un enfoque en la repetición y en el espacio en la práctica del artista. Pinceladas monocromáticas pintadas y patrones en forma de cuadrícula ponen de relieve la hibridación de la pintura y la escultura. Sin embargo, cada superficie sigue siendo un tanto inacabada, bruta, y carente de una factura sin costura. Estas obras escultóricas confirman su existencia como objetos pero que todavía rechazan la aceptación pura y simple de su condición estética o de conjunto intacto. La elección de los soportes asalta la aparente sencillez de las piezas – y, posiblemente, su apelación directa. Cada obra de la exposición ofrece su propio contrapunto a la resolución, y en esta tensión se crea una nueva dinámica. Como resultado, las cualidades experienciales de las obras surgen tanto para mejorar como para rechazar su simplicidad engañosa, colapsando las nociones estéticas y evidenciando la práctica considerada del artista. En la parte posterior de la galería una pintura estilo minimal en blanco y negro que hace referencia del linaje de la práctica de Espinoza: iteraciones de las pinturas geométricas en blanco y negro del artista han aparecido continuamente en su canon desde su obra seminal “Impenetrable” – un suelo de rejilla de tela pintada en blanco y negro, suspendida paralelamente al piso de una sala entera en el Museo de Bellas Artes de Caracas, Venezuela, en 1972. El “Impenetrable” (en la colección permanente de la Tate Modern, Londres) fue la respuesta de Espinoza a una fuerte ortodoxia en la abstracción geométrica frecuente en Venezuela en ese momento y es celebrada como una pieza conceptual innovadora y radical, llevando el orden de la forma geométrica al territorio salvaje de la experiencia. Desde finales de la década de 1960, Espinoza ha desafiado constantemente, explorado y aceptado las convenciones históricas del arte en su prodigiosa producción de instalaciones, fotografías, pinturas, dibujos y esculturas. La práctica de Espinoza evidencia una profunda y rigurosa exploración conceptual de las tradiciones modernistas (Minimalismo, Arte Povera, Abstracción Geométrica) y una igualmente poderosa reelaboración conceptual y física de su propia obra y su estética desafiante. Junto con esta exposición, un catálogo ha sido elaborado con ensayos de Gean Moreno y Jesús Fuenmayor, Director y Curador de la Fundación Cisneros Fontanals Art. Eugenio Espinoza nació en 1950 en San Juan de los Morros, Venezuela y vive en Archer, Florida. Ha realizado numerosas exposiciones en los Estados Unidos e internacionalmente en museos y galerías. Su obra se encuentra en las colecciones permanentes de la Tate Modern, Londres, Reino Unido, el Museo de Bellas Artes de Houston, TX, el Museo de Arte de Miami, Miami, FL, el Museo de Arte Latinoamericano, Long Beach, CA, Museo de Arte Moderna de Sao Paulo, Brasil, Museo de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Brasil, Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela, Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela, Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Colombia ; Fundacion Gego; el Cisneros Collection, Nueva York, Nueva York y la Fundación Cisneros Fontanals Art, Miami, FL, entre otros. Recibió una beca de la Fundación Pollack-Krasner en 2011. Traducción Helwing Villamizar ARTCLUB magazine - Issue 2

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The Poor 2013. Eugenio Espinoza. Foto: blackstongallery.com

Desplazable 2008. Eugenio Espinoza. Foto: blackstongallery.com

Tierra Negra 2012. Eugenio Espinoza. Foto: blackstongallery.com

The Problem. 2013. Eugenio Espinoza. Foto: blackstongallery.com

NOEMÍ

MÁRQUEZ

La tierra convoca del 1º al 20 de diciembre de 2013 Extendiéndose posteriormente del 14 de enero al 23 de febrero de 2014

Galería D’Museo Centro de Arte Los Galpones Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros Horario: martes a sábado, de 11:00 a.m. a 6:00 p.m. domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. - La entrada es libre Prensa Galería D’Museo

Un conjunto de 29 esculturas de cerámica en pequeño, mediano y gran formato, conforman la exposición con la cual la artista venezolana Noemí Márquez celebra sus 80 años de vida, y que bajo el título La tierra convoca, será inaugurada el domingo 1º de diciembre a las 11:00 a.m., en la Galería D’Museo, en el Centro de Arte Los Galpones, donde estará abierta al público hasta el 20 de diciembre y reabre del 14 de enero al 23 de febrero de 2014. La muestra, que cuenta con la museografía de Alberto Asprino y J. J. Cantón, incluye 13 esculturas monumentales de hasta 3 metros de altura, 6 medianas y 11 pequeñas, todas realizadas en arcilla por Noemí Márquez entre 2012 y 2013, como un recuento de su trabajo a lo largo de cuatro décadas de trayectoria artística, durante la cual ha exhibido su obra en museos y galerías de Venezuela, Estados Unidos, Inglaterra, Puerto Rico, México, Inglaterra, Yugoslavia, Taiwán, Colombia, Suecia, Bélgica y China. 66

Premiada en diversos Salones de Arte, y elogiada por la crítica, así como por artistas de la talla de Fernando Botero, Noemí Márquez ha dedicado la mitad de su vida a la cerámica, y ha exigido al barro y al fuego sus máximas posibilidades, según sus propias palabras. A juicio del gran crítico de arte, Roberto Guevara, “Márquez nos revela un medio hasta sus capacidades extremas. Ella ha efectuado una exploración en profundidad de su propio material, que conduce, eleva, torna severo y remoto, modifica en superficie y en tensiones interiores, lo deja vivir pasados y lo redescubre desnudo para la mirada, como una fuente original. El ser humano, nos hace pensar la artista, nunca dejara de convocar su alma múltiple y desconocida, pero jamás extraña”. Según Guevara, esta artista ha creado con sus esculturas de barro, entes que responden a muchas de las interrogantes que han sido apuntadas, y engendran otras. “Las piedras pueden ser, después de todo, las vasijas entrañables de la tierra, que la artista rescata para convertirlas en nuevos entes sorprendentes”, apunta. 67

Otro artista y crítico de arte, Juan Calzadilla, considera que ningún cultor de las artes del fuego como ella había despertado en los últimos años tanta inquietud en torno a la proyección de la cerámica hacia las fronteras de la escultura. “Ciertamente, la expectativa se justifica dado que tal vez sea Noemí Márquez la primera ceramista venezolana que, de modo orgánico, ha logrado en su trabajo, con clara consciencia de su propósito, una escala ambiental como la que, con referencia al espacio, se proponen conseguir los escultores.”.....“en su trabajo no hay nada que extralimite, extenúe y contradiga los procedimientos formales de la cerámica”...“Noemí Márquez es la primera de nuestros ceramistas en proponer el volumen cerámico como cuerpo monumental cerrado en sí mismo y al mismo tiempo en comunicación con un espacio que se impregna del sentido mágico de la obra”, afirma Calzadilla. Por su parte, el desaparecido pintor y ceramista Antonio Arráiz Parra, escribió en una oportunidad que la cerámica de Noemí Márquez se acerca a la forma de ver el arte “como elemento ritual, simbólico, atado a las preocupaciones por los eternos enigmas del hombre que son el nacimiento y la muerte y el afán de transcendentalizar el vivir. De sus piezas emana una atmósfera de sacralidad y de misterio justamente por lo lejos que se encuentran de lo útil cotidiano o de la representación de una forma natural determinada y lo mucho que se aproximan a la abstracta universalidad de las piedras”.

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Sarah Lucas

es uno de los más destacados artistas británicos de su generación, que ganaron una reputación internacional en el epígrafe jóvenes artistas británicos en la década de 1990. Con las esculturas y los objetos que ella hace a partir de materiales fácilmente disponibles como objetos de la casa o los productos alimenticios, así como sus autorretratos fotográficos, Sarah Lucas ha desarrollado un lenguaje visual y material de inequívoca rico en referencias y asociaciones histórico-artísticos. El artista revela y a la vez socava estereotipos sexuales con la franqueza abierto de la insinuación sexual característico de sus obras. De esta manera, Lucas siempre expresa un profundo escepticismo hacia las normas sociales y la atribución de los roles en función del género, aunque con un sentido del humor enigmático. Sarah Lucas, NOB, vista de la instalación de la Secesión de 2013, Foto: Wolfgang Thaler El título de la exposición NOB en el Secesión origina de la palabra "botón", que Sarah Lucas prefiere escribir como se pronuncia. "Perilla" puede significar una manija de la puerta redonda, pero coloquialmente, por supuesto, es sinónimo de pene - aunque no tan crudo como "polla", "gallo" o "pene" - y puede también ser utilizado para referirse a un idiota , mientras que los "mandos" son un término para los pechos femeninos, o para ser más precisos, por los pezones. Sarah Lucas, NOB, vista de la instalación de la Secesión de 2013, Foto: Wolfgang Thaler Sarah Lucas estará mostrando una serie de nuevas esculturas de gran formato fabricado en hormigón fundido, bronce y metal procesados industrialmente, que se establece un diálogo con los elementos de producción propia. Dos objetos fálicos de gran tamaño hechos de descanso concretas contra pedestales que comprenden vehículos chatarra prensada, que se refleja en las superficies de bronce pulidas de dos esculturas ósea de dimensiones seguramente récord. Sarah Lucas ve irónicamente una "glorificación del principio creativo masculino" en el motivo del pene, sino que también refleja de forma más general, en nuestra relación con el cuerpo humano: "He estado meditando en el pene, artwise, desde principios de los años noventa. Inicialmente era un antídoto contra todas las tetas y vagos Parece que estamos bombardeados con todos los días. También podría tener algo que ver con el hecho de que yo no ' t, en lo personal, tener uno en cualquier caso me pareció que era una forma escultural perfectamente autónomo, 'embarazada' de significado Un tótem "... (Sarah Lucas, "Mi respuesta fálica al centenario de Britten", en: The Independent , 1 de mayo de 2013) ARTCLUB magazine - Issue 2

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SARAH LUCAS NOB + Gelatina

EXPOSICIÓN ACTUAL

23 nov 2013 a 19 en 2014 DE / EN

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También se presenta el cuerpo de la mujer, aunque en una forma fragmentada y andrógina, en dos imágenes de fondo en posición central en toda la altura de la habitación. En una imagen de un par de pezones se asoman por detrás de dos agujeros cortados en una camiseta, mientras que la imagen de la parte trasera muestra una figura de detrás vestido sólo con una camiseta que lee el lema manuscrita "Complete Arsehole". Sarah Lucas tuerce lo familiar y nos enfrenta a cosas que pensábamos que ya sabíamos, y las cosas que solemos ignorar o suprimir. Sarah Lucas, NOB, vista de la instalación de la Secesión de 2013, Foto: Wolfgang Thaler grupo Los artistas austriacos Gelatina, amigos de Sarah Lucas que ya han colaborado con el artista en el pasado, fue invitado por ella para diseñar una contribución a su exposición.Ali Janka, Tobias Urban, Florian Reither y Wolfgang Gantner de gelatina respondió a esta trayendo cuatro gallinas - de acuerdo con el número de miembros del grupo de artistas en el espacio de exposición para la que han diseñado un objeto escultórico que sirve de gallinero y la posibilidad de retirarse. Esencialmente, la idea es que vagan libremente por el espacio y ponen huevos, en este material generador de forma que Lucas ha estado utilizando desde hace muchos años en su trabajo, sobre todo en forma de huevos fritos. Sarah Lucas, nacido en Londres en 1962, vive y trabaja . en Suffolk, Reino Unido Invitado por la junta directiva de la Secesión Comisariada por Jeanette Pacher PUBLICACIÓN SARAH LUCAS NOB 156 páginas, Formato: 165 x 220 mm Textos: Sarah Lucas, Jeanette Pacher, András Pálffy, Julian Simmons Alemán / Inglés Secession 2013 Distribución: Revolver Verlag Disponible en la tienda BIOGRAFÍA Sarah Lucas Nacido en Londres en 1962, vive y trabaja en Suffolk, Reino Unido. exposiciones individuales seleccionados 2013 Situación Absolute Beach Hombre Escombros , Whitechapel Gallery, Londres; Festival Internacional de Manchester, Manchester, Carnegie International, Pittsburgh, 2012-13Situación , Sadie Coles, London, 2012 Actividades Ordinarias , Henry Moore Institute, Leeds, 2011 Lucas - Bosch - Gelatinas , Kunsthalle Krems, Krems, 2005 Sarah Lucas , Tate Liverpool, Kunsthalle Zurich, Kunstverein de Hamburgo, 1997 Estacionamiento , Museo Ludwig, Colonia ; 1996 Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam; Portikus, Frankfurt am Main, 1993 The Shop , Londres (con Tracey Emin) Seleccionado exposiciones colectivas 2013 En cuanto a Warhol: Sesenta artistas, cincuenta años , Metropolitan Museum of Art, Nueva York; Il Palazzo Enciclopédico , 55a Bienal de Venecia, Venecia, 2012 Gratis: Arte por los delincuentes, a los pacientes seguros y detenidos , comisariada por Sarah Lucas, Royal Festival Hall, Southbank Centre, Londres; Imprimir / Out , Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York; Hermosa pene , Palais de Tokio, París, 2011 Escultura moderna británica , Royal Academy of Arts, Londres, 2007 Hamster Wheel , 52 ª Bienal de Venecia, Venecia,Feminismos Globales , Museo de Brooklyn, Nueva York; 2003 Sogni e Conflitti: La dittatura dello spettatore , 50 ª Bienal de Venecia, Venecia, 2000 La Exposición de Arte Británico 5 , Hayward exposiciones itinerantes; Inteligencia: New British Art 200 0, Tate Britain, Londres, 1997 Sensation: Young British Artists de la Colección Saatchi , Royal Academy of Art de Londres, 1995 Brilliant! New Art de Londres , el Walker Art Center, Minneapolis y el Museo de Bellas Artes de Houston; 1988 Freeze , muelles de Surrey, Londres EVENTOS Miércoles, 20 de noviembre 2013, 17:00 Arquitectura gira con la arquitectura teórico Otto Kapfinger incluyendo un vistazo a la configuración funciona para las exposiciones de Sarah Lucas, Tobias Pils, y Guido van der Werve En el marco de la Semana del Arte de Viena, en InglésDomingo, 24 de noviembre 2013, 11 h Visita guiada por los comisarios de las exposiciones de Sarah Lucas, Tobias Pils y Guido van der Werve En el marco de la Semana de Arte de Viena La secesión es apoyada por: Erste Bank - Socio de la Secession Wien Kultur Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur Amigos de la Secesión de Cooperación-, Mediapartners, Beneficio No Monetario: Pakat Suites Hotel Festool Schremser - Das Waldviertler Bier Vöslauer Ö1 Club de TELE2 Schrottwolf ARTCLUB magazine - Issue 2

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Arthur

C.. Danto

Es un reconocido critico del Arte y Filósofo

Danto nació en Ann Arbor, Míchigan, en 1924, y creció en Detroit. Después de pasar dos años en la Armada, Danto estudió arte e historia en la Wayne University (ahora Universidad Estatal Wayne) para luego seguir sus estudios de graduación en filosofía, en la Universidad de Columbia. Desde 1949 a 1950, Danto estudió en París con una beca Fullbright (Maurice MerleauPonty), y en 1951 regresó a enseñar en Columbia, donde ejerció como Profesor Johnsonian Emérito de Filosofía. La celebridad alcanzada Por Arthur Danto, esta basada en su tesis sobre una supuesta “Muerte del Arte”, en el horizonte contemporáneo de la cultura.

ARTHUR DANTO A PROPOSITO DEL LIBRO DE ENTREVISTAS FORMAS DOMINANTES

La definición del arte

El célebre teórico norteamericano de estética Arthur Danto, autor de - Después del fin del arte -, da en esta entrevista algunas pistas sobre las cualidades que distinguen a una obra de arte actualmente y cómo definirlo. Por José Fernández Vega J. F. V.: –El gran historiador del arte Ernst Gombrich

El problema es que desde mediados de los años ’60 la

sostuvo que cuando decimos que algo es una obra

diferencia ya no es tan clara porque comenzó a haber

de arte hacemos en realidad un juicio de valor porque

obras de arte que tenían el aspecto de una cosa cual-

siempre pensamos en una gran obra de arte. Su defi-

quiera. Es verdad que mucho antes Marcel Duchamp

nición del arte es en cambio muy diferente.

había descubierto que era posible hacer una obra de arte que no sólo pareciera un objeto común y corriente sino

Arthur Danto: –Para mí la cuestión de si algo es una obra de arte o no es una cuestión filosófica. Implica afirmar que eso que vemos es, al menos de alguna manera, diferente de las cosas comunes y corrientes. Me ocupé de esa distinción en el primer capítulo de La transfiguración del lugar común. El problema filosófico interesante para nosotros hoy es cómo diferenciar una obra de arte de una cosa cotidiana, y esto no era un problema para Gombrich, porque él trataba con obras de arte fácilmente

que realmente lo fuera, si bien elegido para un fin determinado. Y en adelante ya no fue posible distinguir entre los dos órdenes, aplicando sólo criterios visuales – aunque siguiera habiendo obras de arte en el viejo sentido–, porque la filosofía tiene que buscar definiciones que abarquen a todas las obras. Y, desde una perspectiva puramente visual, algunas de ellas resultan indiscernibles de las cosas comunes. Mi ejemplo preferido, como usted sabe, es la Brillo Box, pero hay muchos otros.

admitidas como tales, expuestas en museos, y de cuyo valor nadie dudaba. Es verdad que en el lenguaje cotidiano “obra de arte” expresa un alto valor, pero no necesariamente se refiere al arte. Se suele usar como un elogio. Así, una torta puede ser calificada como “una obra de arte”. En verdad, casi se volvió un insulto decir de una obra de arte que es una obra de arte. J. F. V.: –En las artes visuales, que es su área de inte-

J. F. V.: –La segunda condición que usted establece para definir algo como arte es que tenga un sentido, que sea “acerca de algo”. Imaginemos un desacuerdo: alguien afirma que eso que ve tiene un sentido y otro lo niega. ¿Quién decide en un caso así? ¿El filósofo, el artista, el público, el crítico, el curador de la exposición?

rés central, una obra es algo para mirar, pero, según su definición, no podemos afirmar que sea una obra

A. D.: –Probablemente es un montón de gente, es ver-

de arte sólo mirándola.

dad. Creo que lo decisivo es conocer la historia: de dónde vino, quién lo hizo. Es imposible ver un objeto y esta-

A. D.: –Es cierto, suena paradójico. Pero Gombrich ha-

blecer todo eso, hay que investigarlo. ¿Se trata de un

blaba de obras de arte identificables, indudables. Si mira-

original o de una copia? Una primera cuestión es su pro-

ra a mi alrededor en este departamento podría decir: esto

veniencia. También interrogarse sobre cómo es posible

es un reloj; eso, una lámpara, y aquello, una obra de arte;

que dicho objeto sea una obra de arte, ya que no se pa-

incluso un niño podría hacer el inventario.

rece a lo que entendemos por arte. 75

Posiblemente hay mucha gente que decide, es una inves-

En uno de mis libros analicé lo que Beuys denominaba

tigación cooperativa. La pregunta sobre su posible senti-

“múltiples”, consistentes en un objeto repetido en varios

do es igualmente difícil. ¿Qué podría significar? Si nos

ejemplos. Hizo uno con chocolatines cuadrados sobre un

preguntamos a qué se refiere una Brillo Box real, la del

papel blanco, y no recuerdo cuántos eran, pero todos

estante de un supermercado, la respuesta es obvia: se

parecían iguales: eran múltiples. ¡Un simple pedazo de

refiere a la marca Brillo. ¿Y qué nos dice? Nos dice que

chocolate! Aunque después podíamos darnos cuenta de

Brillo es lo mejor que hay, que limpia a fondo. ¿Nos dice

que pertenecían al contexto de una obra artística muy

lo mismo la Brillo Box de Warhol? ¿Es sobre la marca

marcada por la experiencia de la Segunda Guerra Mun-

Brillo y sus ventajas? No. Quizá nos habla del arte comer-

dial. Si alguien conoce algo sobre esa guerra, sabe que

cial o de la vida cotidiana o de muchas otras cosas. Pero

el chocolate se volvió muy significativo. Los soldados

no está ponderando la marca Brillo como lo hace el arte

estadounidenses llevaban chocolates. Los podían ven-

comercial. Aquí tiene dos cosas que parecen iguales; vi-

der, podían conseguir una chica por un poco de chocola-

sualmente, resultan indiscernibles la una de la otra, pero

te. El chocolate se convirtió en objeto de un enorme de-

su significado es muy distinto en cada caso. El tema se

seo, algo muy valioso. Entonces lo de Beuys tiene un

vuelve un asunto de interpretación: asignar un sentido y

sentido muy fuerte.

ver si es adecuado. J. F. V.: –Por lo tanto el contexto, lo que usted denoJ. F. V.: –Pero insisto en el caso difícil, controvertido.

mina “el mundo del arte”, se vuelve fundamental para

Un simple zapato en una sala de exposición. ¿Es una

dotar de sentido al arte contemporáneo; la experien-

obra de arte?

cia inmediata no es lo relevante.

A. D.: –Un simple zapato... es un caso interesante. En el

A. D.: –Claro, una obra tiene un mundo artístico alrede-

arte contemporáneo un artista puede usar cualquier cosa

dor de ella y uno tiene que preguntarse cómo encaja eso

y ese objeto puede tener mucho significado. Hay una pin-

que ve en el mundo del arte, quién lo hizo, qué podría

tura de Joan Miró, si no recuerdo mal, de un viejo zapato,

querer decirnos con su trabajo, etcétera. Los chocolates

y también un célebre cuadro de Vincent van Gogh sobre

múltiples de Beuys tienen un significado muy distinto del

lo mismo. Supongamos que un artista encuentra unos

que tendría la obra de otro artista que utiliza chocolate.

zapatos viejos. Les pone un poco de pintura encima y los

Recuerdo otro caso, un artista japonés, creo, para quien

titula “Los zapatos de Vincent”. Cualquiera que conozca

el chocolate tenía otro sentido, porque él era un niño en

la pintura original sabrá hacia dónde apunta ese artista.

la posguerra. Terminé interesándome mucho en el cho-

Son unos zapatos, quizá con sólo un toque de pintura, se

colate, sólo por esa razón...

refiere a un cuadro conocido, y tal vez significan lo que sea que esa pintura signifique. Podemos tomar el ensayo El origen de la obra de arte, de Martin Heidegger, sobre el tema. Eso puede convertirse en una experiencia poderosa. Quisiera mencionar también al alemán Joseph Beuys, que usaba objetos cotidianos en sus obras, y tenían mucho sentido.

* Fragmento de la entrevista a Arthur Danto en el libro del investigador del Conicet y profesor de la Universidad de Buenos Aires José Fernández Vega Formas dominantes, diálogos sobre estética y política con Arthur Danto, Hans Belting, Thierry de Duve, Gianni Vattimo y Slavoy Zizek, que acaba de ser publicado por la editorial Taurus. 76

Elisa Abadí Alumna de los maestros y artistas plásticos Pedro León Zapata, Antonio Lazo, Harry Abend y Gerardo Ruiz; con dos años de pintura y escultura en el Instituto de Arte Federico Brandt; y cursos de pintura, dibujo, talla en madera y grabado en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, donde también trabajó cinco años en la Unidad de Educación Especial Braille, esta artista plástica judeovenezolana se nutre de toda la experiencia y transforma lo que recoge de su entorno en obras de arte muy particulares. Es hija del sincretismo prácticamente desde el día que nació, el 4 de abril de 1974. Sus padres, Jacob Abadí y Helena Trías, un economista y una licenciada en Filosofía, se esforzaron por darle a ella y a su hermano menor una educación con valores de in tegridad y respeto hacia los demás. Hija también de la posmodernidad y cultora de una simpática irreverencia, desde su residencia de Valencia (estado Carabobo) sostuvo un diálogo vía chat con nuestra periodista Andrea Hernández, en el que repasa sus años formativos, sus inquietudes artísticas y personales y su proceso creativo.

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Exposiciones Exposición Subasta “El Arte Es Emoción” de Sony Venezuela a beneficio de Senos Ayuda. Caracas – Venezuela 2013 Subasta de la Fundación Ronald Mac Donalds de artistas latinoamericanos en Miami, Florida 2012. Subasta para la Fundación de Artistas Protectores de Animales EL ARTE AL RESCATE, Corpbanca Caracas 2012 Nido 8 Mercado de Arte y Diseño, Galería Universitaria Braulio Salazar Valencia, Edo. Carabobo 2012 AL ARTE LE DAN SABANA Colectiva en homenaje a Simón Díaz - Galpones de Los Chorros Caracas 2012 Participación como artista plástico en Documental dirigido por John Petrizzeli El SANTO SALVAJE, en homenaje a José Gregorio Hernández. 2011 Nido 6 Mercado de Arte y Diseño, Galería Universitaria Braulio Salazar Valencia, Edo. Carabobo. 2011 Exposición Individual Espacios Abiertos de la Alcaldía de San Diego Valencia 2011 Exposición Colectiva 9 EJERCICIOS Propuestas Curatoriales Centro Cultural Chacao Caracas 2011 Exposición Individual “ FRENESÍ” en Bulla Jarras y Tapas Valencia, Edo. Carabobo 2010 Nido 5 Mercado de Arte y Diseño, Galería Universitaria Braulio Salazar, Valencia, Edo. Carabobo. 2010 Colectiva ZONA LIBRE – ARTE EMERGENTE Galería Universitaria Braulio Salazar Valencia, Carabobo 2010 Participación como único artista plástico SAI (Salón de Arquitectura Interior) Caracas 2009 Nido 4 Mercado de Arte y Diseño, participación como artista plástico Galería Universitaria Braulio Salazar, Valencia, Edo. Carabobo. 2009 Miembro Honorario Associaçao Brasileira De Desenho e Artes Visuais - Número de Registro 2308 Único Artista Extranjero incluido en el libro publicado con motivo de los cincuenta y siete años de la Associaçao Brasileira de Desenho e Artes Visuais - Río de Janeiro Brasil año 2001 Segundo Lugar (Medalla de Plata) en el IV Salao de Artes Plasticas Feirenses Río de Janeiro Brasil (único Artista extranjero) año 2000 Diploma y Medalla de Bronce (Tercer Lugar) de la Academia Brasileira de Belas-Artes Río de Janeiro, Brasil (único Artista extranjero) año 2000 II Salón Nacional de Artistas Desconocidos Espacio Atlantic Caracas 1998

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Pamela Pe単a

“EL FIN DEL ARTE ES, TAL Y COMO PROFETIZÓ HEGEL, REALIZARSE EN EL CONCEPTO” Entrevistado por

Por NACHO CASADO

Guardado celosamente en un empaquetado de cartón que se ajustaba con precisión a su contenido recibí en mi domicilio, impecable, en un plazo de dos días, el nuevo libro de Carlos Jiménez Moreno (Cali, 1952), La escena sin fin. El arte en la era de su big bang. Ensayista, crítico y profesor de Estética en la Universidad Europea de Madrid, Carlos Jiménez mantiene activo, desde 2008, su blog El Arte de Husmear. Hablamos con el autor a propósito de su más reciente ensayo, que se ofrece como una serie de reflexiones sobre la escurridiza esencia del arte. Ignacio Casado: Después del fin del arte (A. Danto, 1997), El fin del arte (D. Kuspit, 2006), Desartización. Paradojas del arte sin fin (G. Vilar, 2009) son sólo algunos de los numerosos libros que en los últimos años relacionan las palabras arte y fin en su título. ¿Fin como desaparición o fin como objeto, utilidad? El fin reaparece en tu última obra. ¿Qué puede decirse de la frecuencia de este concepto en la teoría artística contemporánea? Carlos Jiménez: El fin del arte ha sido traído a cuenta con tanta frecuencia por razones tan diversas como las expuestas por los autores citados. Creo sin embargo que un punto de inflexión considerable en esta tendencia se produjo cuando a comienzos del siglo XX Benedetto Croce tradujo un pasaje de las Lecciones de Estéticade Hegel, confundiendo el fin del arte, en cuanto propósito del mismo, con el fin como terminación, conclusión, clausura, etc. Y si la mala interpretación que hizo Croce de Hegel tuvo tanto éxito es porque las vanguardias de la época, empezando por el propio futurismo, arremetieron de manera tan radical contra la forma y las estructuras del arte entonces dominante que fue fácil confundir su deseo de destruir esa modalidad todavíabeaux arts del arte con la destrucción o liquidación de cualquier forma de arte. Hoy ha quedado claro –gracias al hecho de que el arte como tal ha sobrevivido a lo largo de un siglo a la destrucción de todas las formas históricas en las que ha ido encarnando– en primer lugar, que esas formas son definitivamente transitorias y para nada eternas o inmutables y, en segundo lugar, que el fin del arte es, tal y como profetizó Hegel, realizarse en el concepto. ACADÉMICOS, CRÍTICOS Y MEDIOS DE MASAS I.C.: Abres esta obra con la aseveración de que hoy “cualquier cosa, cualquier acción, cualquier gesto puede ser aceptado como arte o investido como tal”. En un momento en el que el abaratamiento y la popularización de los dispositivos tecnológicos y la conexión a Internet contribuyen a un resquebrajamiento de los tradicionales bastiones de producción y circulación del saber, ¿qué papel juega el académico y el crítico contemporáneo en la validación e interpretación de la práctica artística contemporánea? C.J.: Creo que al académico hoy le está reservada una tarea equiparable a la que cumplían hasta hace un par de décadas los depósitos de oro en Fort Knox: ser la garantía de que el dólar valía algo más que la fe que se depositaba en él. La historia del arte -siempre actualizada, expandida, renovada- es una garantía, en el sentido fuerte del término, de que el arte existe más allá de la fe

que tenemos en su existencia. Aunque no es la única: el museo es tanto o más importante que la historia del arte como garantía de su existencia. El papel de la crítica de arte, cuando se ejerce con una intención filosófica y no simplemente como una actividad puramente informativa y publicitaria, es la de contribuir significativamente a la mutación del arte en concepto. .C.: Entretenimiento, ocio, distracciones… parecen

ser elementos todos ellos que obstaculizan las dinámicas inherentes a la recepción y el diálogo constructivo con la obra de arte. Sin embargo, ya en 1981 avisaba Juan Antonio Ramírez de la miopía endémica a través de la cual la historia del arte ha despreciado el potencial de los medios de masas. Las relaciones entre público y museo son cada vez más completas y variadas, gracias al desarrollo de las tecnologías de la información y la web 2.0. ¿Contribuye este aumento progresivo del surtido de opciones para el consumo cultural a generar públicos más audaces y con miradas más educadas? C.J.: Ahora mismo estoy preparando un libro en el que interrogo el fenómeno de la bienalización del arte desde la perspectiva de la recepción o, para ser más preciso, desde la perspectiva del tipo de espectador cultivado o generado por cada uno de los modelos históricos de bienal. He identificado tres etapas o tres tipos de modelos: la bienal como salón de arte, cuyo espectador específico es el lector ilustrado; la bienal como museo moderno, cuyo espectador específico es el místico moderno; y la bienal de la bienalizacion, cuyo modelo es el internauta. Aclaro, sin embargo, que no son tres modelos excluyentes sino que tienden a yuxtaponerse y/o a hibridar sus formas. Desde este punto de vista, el papel de los media ha sido siempre subsidiario de estos cambios de modelo y actualmente lo sigue siendo. De hecho los problemas de la prensa escrita con el periodismo en red se asemejan mucho a los que le causa al lector ilustrado el internauta. DILEMAS ARTÍSTICOS DE NUESTRA ÉPOCA I.C.: El pabellón Phillips de Corbusier y Xenakis, en la Exposición Universal de Bruselas de 1957, te sirve para hilar una serie de paralelos de gran interés entre el volumen arquitectónico y el espacio musical. A la vista de las megalómanas obras de los grandes arquitectos contemporáneos –y de su modo de trabajo–, resulta problemática en ocasiones la presencia de la arquitectura actual entrelazada en los programas académicos de artes plásticas o visuales. ¿Qué opinión, desde tu posición como profesor universitario, te suscita esta coyuntura? C.J.: La megalomanía de los arquitectos que han proyectado los grandes museos de arte del último cuarto de siglo es una de las manifestaciones más prominentes de una época dominada por la megalomanía. Y por eso no me sorprende que haya quienes en la academia intercalan la arquitectura en programas de formación específicamente artística, como tampoco que el arte mismo se interpole en la formación del arquitecto. En ambos casos se trata de prepararse para hacer la clase arte más coherente con una época megalómana. 82

Aquí es necesaria sin embargo una aclaración indispensable. Para mi resulta tan megalómano el arquitecto que concibe al museo como su obra de arte particular como el artista que piensa que pasajes de su diario personal, por muy triviales que sean, son una auténtica obra de arte. .IC.: Ficción, espectáculo, simulacro y sospecha. La posmodernidad se fundamenta sobre esta realidad huidiza y evanescente, de la que debemos siempre desconfiar. El papel del arte, sostienes, sería el de transformar la sospecha en consciencia, a partir de los recursos de la ironía, la parodia y el humor. Estos elementos se han erigido en constituyentes de buena parte del arte irreverente de producción más reciente. Pero, ¿no corremos el riesgo de convertir el arte en un atractivo y dinámico circo de guiños sarcásticos a los problemas sociales del mundo, sin más repercusión que la de un divertido esparcimiento distanciado cínicamente de su objeto de mofa? C.J.: La única forma de hacer arte es corriendo riesgos, tal y como no puede vivirse la vida sin correr riesgos. Y menos ahora cuando vivir se ha convertido en algo aún mas riesgoso que hacer arte. Y entre los riesgos de hacer arte incluyo el que tu señalas, que tu ironía se convierta en simple ejercicio de cinismo y la parodia en puro pastiche. Pero en este punto hay que salirle al paso a la tesis de que el arte no debe criticar al mundo porque su crítica es inocua y es incapaz de cambiar nada, como si el mundo no fuera también lo que pensamos, sentimos y creemos que es, que son justamente los ámbitos en los que actúa el arte y que, por lo tanto, son los ámbitos que el arte es capaz de cambiar. NUEVOS USOS DEL CUERPO I.C.: En el capítulo que dedicas a los vínculos entre cuerpos y feminismos repasas la obra de las artistas Frida Khalo, Carole Schneemann, Valie Export, Marina Abramovic, Ana Mendieta, Vanessa Beecroft y Regina José Galindo. El cuerpo de todas ellas se torna protagónico para el desarrollo de su obra. ¿Ha sido la mujer y su reivindicación por un uso propio y libre de su anatomía la que ha proporcionado al arte las herramientas para la investigación del cuerpo y su radical complejidad simbólica y ontológica? C.J.: Si, estoy de acuerdo contigo en que la poderosa reivindicación que las mujeres han hecho de su propio cuerpo ha contribuido de manera decisiva a que el arte disponga de medios muy sofisticados para descifrar al cuerpo en toda su complejidad. PARADA OBLIGADA EN LA PROMOCIÓN DE LA CULTURA

C.J.: ¿Para criticar al capitalismo hay que situarse fuera de él? Si esta fuera la condición sine qua non de cualquier crítica del capitalismo y, más aún, de la única crítica ética del mismo, no le quedaría a los críticos más opción que la de aislarse en una ermita o en una isla oceánica igualmente remota, sin siquiera una modesta cuenta corriente. Porque el capitalismo es hoy mismo un régimen omnicomprensivo, que ha invadido y subordinado todos los ámbitos de la sociedad, incluido el arte obviamente. A quienes representan en la política o en la cultura a quienes se benefician con su predominio nada les gustaría más que los críticos del mismo se autoexcluyeran de los espacios públicos que, aunque son hegemonizados por el capital, no son de su exclusiva propiedad. Y que redujeran su actividad a un ámbito exclusivamente privado o por lo menos tan marginal como para que su alcance y su influencia fueran lo más limitados posibles. En este punto resulta ejemplar, incluso desde el punto de vista ético, la conducta de la clase obrera que, en vez de creer que como debían su puesto de trabajo al empresario no tenían que ponerse en ningún sentido en contra de él, se organizaron en sindicatos y en partidos políticos dedicados a defender sus propios intereses y derechos. Que Unilever tiene un triste historial en materia de violación de los derechos de los trabajadores, es algo que no pongo en duda. Pero no creo que sea un problema exclusivamente suyo sino que lo comparte con prácticamente todas las multinacionales que con frecuencia, y para congraciarse con un público que con frecuencia es víctima de sus métodos y sus prácticas, se esfuerzan en apoyar o en adoptar programas de gran impacto mediático y publicitario que les permiten presentarse como benefactores de la humanidad. Y desde luego del arte. No veo por qué los artistas críticos tienen por qué abstenerse de utilizar esos programas para poder difundir de la manera más amplia posible su propio trabajo. Los obreros, insisto, no se abstienen de organizarse en sindicatos y demandar una legislación laboral que defienda sus intereses porque le deben al patrón su trabajo. Como si el patrón no debiera su riqueza al trabajo de los trabajadores y no solo ni exclusivamente a su ingenio y su talento. El arte no es solo asunto de coleccionistas, de patrocinadores y de publicistas, lo es también, y en una medida crucial, obra de los artistas. Concluyo con una pregunta de Brecht que resulta muy apropiada en estos tiempos de rescates masivos con dinero público de los bancos que son “demasiado grandes para caer”: ¿Qué es más delito: asaltar un banco o fundarlo?

TIEMPOS Y RITMOS ENTRECRUZADOS I.C.: Los capítulos sobre la mexicana Teresa Margolles y el colombiano Óscar Muñoz son los que cierran este libro. Desde contextos diferentes y con propuestas plásticas igualmente distintas, el trabajo de ambos se inscribe en la que, quizás, es la problemática fundamental de la filosofía y el arte: el tiempo. El devenir, nuestro carácter perecedero, nos apresa en una tensión entre un irremediable tiempo métrico y el fundamento del tiempo artístico. Para terminar, me gustaría saber cómo piensas la convivencia necesaria entre los ritmos de la vida cotidiana y la disposición que I.C.: Alejandro Perdomo criticaba, en su ensayo Doris Salrequiere la participación del juego artístico. cedo y el Shibboleth crítico-político, ganador del Premio C.J.: La verdad es que no sé cómo responder esta pregunta en Nacional de Crítica de Colombia (2011), la debilidad ideolótérminos que fueran generales. Y si lo hiciera en términos exgica y ética de Doris Salcedo, a partir de la inconsistencia clusivamente personales, diría que la convivencia entre los entre el contenido de su obra, sus declaraciones a posterioritmos de mi vida cotidiana y mi disposición a participar en el ri en justificación de sus trabajos, y la promoción de la muljuego artístico está determinada por mi dedicación profesional Larelaciones mejor información del acontecer mundial sobre Disposición el arte tinacional Unilever –muy cuestionada por sus al arte, como crítico y como profesor universitario. mercantiles y laborales en lugares como Birmania o el Inqueinternacional, se remonta a mi Exposiciones, adolescencia, cuando todavía tenía contemporáneo Ferias de no arte, dostán– para su trabajo más emblemático, en el Turbine nada claro a qué me dedicaría en mi vida profesional. Concursos, emergente, Artistas consagrados, EntrevisHall de la Tate Modern londinense. ¿Cómo podemos valorarArte I.C: Muchas gracias por tu tiempo. la obra de la artista colombiana, muy crítica con las injustitas, Biografías, Escritores, Curadores, Galeristas, Museógracias y desigualdades sociales, a la luz de estas relaciones fos, Fotógrafos, Videastas. Todo bimensualmente promocionales? ARTCLUB magazine - Issue 2

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Vasco

Szinetar POR

LORENA GONZÁLEZ

En varias ocasiones hemos discutido en esta coLuego de tres años de silencio, apareció con dos lumna puntos álgidos sobre la producción actual proyectos que sembraron una gran sorpresa en el de las artes visuales, en especial frente al panorapúblico desde comienzos del mes de octubre: ma propiciado Cuerpo de por la potencia exilio en La iconográfica de Caja del la globalización y Centro Culla posibilidad de tural Chacao protagonismo y y El ojo en autenticidad que vilo en la tiene la imagen Sala Mendoen el firmamento za; bajo es2.0. En esas diatos títulos tribas la fotograalberga la fía tiene un paextensión de pel preponderanuna preocute como herrapación frenmienta masificate al tránsida de represento, la creatación, y miención y la tras discutimos muerte que Jesús Rafael Soto & Vasco Zsinetar sobre las proahora se puestas más vahace visible liosas de algún creador que se inicia o destaca en en relatos visuales en los que destaca el estudio el área, la imagen digital va llenando las páginas profundo de la fotografía para convertirse en el del Facebook y el Instagram, protagoniza cuatexto crucial de una poética interior, trayecto en el drantes dinámicos en lugares web y en blogs, se que incluso asume el riesgo de trastocar los protoacumula en las redes sociales y se dinamiza en colos que ya le habían otorgado un lugar, para los estatus del Whatsapp o el pin de Blackberry. abordar geodesias abatidas por el surgimiento de En tanto que este flujo indetenible inunda lo conometáforas inéditas. cido, lo circunstancial y lo que está aún por suceder, cuando se apoya una propuesta no deja uno de pensar si se está en lo correcto... Si aquello que estamos legitimando no es tan solo el producto de una casualidad que corre por entre los vericuetos inasibles del mundo global. Es por ello que hoy me he tomado el tiempo para escribir sobre el proceso artístico más reciente de Vasco Szinetar, uno de los fotógrafos emblemáticos de nuestra historia visual. Szinetar es un creador reconocido en el ámbito nacional e internacional; durante casi treinta años ha completado un cuerpo de trabajo que inició a finales de los setenta a través de autorretratos en el espejo con distintas personalidades de la política y la intelectualidad de nuestras sociedades. Durante ese período se ocupó de darle continuidad y sistematización a un proyecto que no solo complejizaba la legitimidad de los personajes seleccionados, sino que también indagó en las marcas de sí mismo frente a lo especular: representaciones de un tiempo inevitable que iba diluyendo las filigranas del poder mientras reiteraba la transformación de su propia identidad.

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Anif Larom

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La palabra y el color en la estética de Anif Larom Zoilo Abel Rodríguez Anif Larom nació en El Sabariego, aldea de Alcaudete, en la provincia de Jaén, España, el 30 de junio del 1961. Su infancia transcurrió en el ámbito bucólico de grandes y hermosos olivares heredados de sus ancestros, los cuales dan testimonio de las vivencias que, en forma de versos de añoranza y semblanzas matizadas de melancolía, hoy tienen presencia viva y significativa en sus poemas y en sus cuadros. Su cotidianidad más allá del arte, en la cual ha sido muy importante su trabajo como asesora de imagen, ha discurrido siempre, primero entre Cataluña y País Vasco y después en la ciudad de Granada, donde reside actualmente. Pintora y poeta, poeta y pintora, Anif Larom alterna sin conflictos, y más bien con naturalidad, los dos talentos que definen su estética. No es corriente que un creador se mueva con soltura y eficiencia tanto en la pintura como en la poesía; pero es menos común distinguirse y alcanzar la realización –como es su caso– cuando no se ha contado, según sus propias palabras, con una escolaridad formal en tales disciplinas del arte. Anif Larom se considera, en efecto, autodidacta, pero su pintura –de ninguna manera ingenua o naif–, además de revelar una fuerte vocación y suficiente oficio y técnica, está determinada por un estilo más que consistente, a través del cual expresa sus motivaciones, su sentido de la libertad y su rebeldía. Mediante el arte, Anif busca la liberación de sus inquietudes y potencialidades, a tiempo que trata de expresar su concepción del mundo y de la vida, y con ello –en sentido más elevado–, en suma, busca propiciar su evolución intelectiva y cimentar su crecimiento personal. Se divierte creando y jugando con los colores, pero lo que más le satisface –afirma– es la oportunidad que con ello se da de ser siempre fiel a sí misma.

CONCLUSIÓN Pisando silencios y recuerdos… me despierta la noche en una paz amarga que prefiere no preguntar ni preguntarse… Sólo caminar por mis poemas junto a emociones abiertas. Olvidar en tus ojos indecisos el sabor de septiembre, el brillo de la luna y la memoria de tus besos. Tus sentimientos volaron, se volvieron callejeros…

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Anif Larom nace en Sabariego, aldea de Alcaudete, en la provincia de Jaén, el 30 de junio de 1961. Como asesora de imagen, su vida discurre entre Barcelona, País vasco y Granada, en donde reside actualmente alternando la pintura y la poesía, otra de sus grandes pasiones. Desde muy niña sintió una fuerte inclinación por el difícil mundo del arte, pero da a conocer su obra en la primavera del año 2010, realizando su primera muestra individual en la Facultad de Ciencias de Granada (España). A partir de ese momento comienza una trayectoria artística imparable, navegando desde sus inicios en el ámbito de la experimentación como un torbellino y en completa libertad por el simbolismo, el expresionismo y el cubismo, hasta la abstracción más pura, descubriendo rotundos colores bajo el tamiz de su percepción personal. Para Anif Larom, un lienzo en blanco es una invitación fluyente en donde sus manos comunican una forma de expresión desde el color que le permite vestir sus obras de sentimientos y emociones cercanas al corazón, plenas de sensibilidad, de rebeldía positiva, de lucha, que se abren hacia lo extraño de lo consciente como del inconsciente. Un presente donde busca comunicar sus memorias ligadas al pasado, nutriéndose con los ojos, a plena .

luz y cielo abierto, del lenguaje de la tierra. Acercando sus palabras y sus obras por la opinión del mundo. Ha participado en muchas exposiciones colectivas y otras tantas individuales, así como en ferias y bienales nacionales Entre otras, avalan su quehacer artístico exposiciones colectivas e individuales. 2010 Exposición individual en la sala de exposiciones de la Facultad de Ciencias de Granada. / 2011 Exposición individual en La Corrala de Santiago - Granada / 2010 Exposición individual en Caja Granada - Granada / 2010 Exposición colectiva en Las Salinas, Sabariego - Jaén / 2011 Exposición individual de Arte Contemporáneo en Churriana de la Vega - Granada / 2011 Exposición colectiva en la Feria internacional del arte ``FIARTE´´ en Granada. / 2011 Exposición en la sala de cultura del Ayuntamiento de Jun - Granada / 2011 Exposición individual en el Castillo Calatravo de Alcaudete - Jaén / 2012 Exposición colectiva en la Feria Internacional de Arte De La Mujer - Granada / 2012 Exposición colectiva en la Feria Internacional de Arte - Granada / 2012 Exposición individual en el Palacio Abacial de Alcalá La Real - Jaén / 2013 Exposición itinerante de artistas plásticos de la comarca “ARTESUR 2013”

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Gonzalo De Arquitecto / Pintor

Sola

Exposiciones: • “Colectiva

Conmemorativa del 40 Aniversario de la Embajada de Jamaica” Chuao, Calles los Araguaneyes Galería Quinta Otoño Revista Etiqueta. Caracas 2002. • “Exposición Colectiva revista Etiqueta” Chuao, Calle los Araguaneyes Galería Quinta Otoño, Caracas 2002. • “Solo Diez” Exposición privada personal Centro Italo Venezolano. Caracas 2002. • “Pixceling over acrilics” Exposición publica personal Galería Art 3 Calle Paris de Las Mercedes. Caracas 2001. • Símbolos y Signos. Exposición Privada, personal. Los orígenes de lo primigenio. Acrílicos. San Cristóbal. 2000. • La Número 40. Centro Ca’ d’Oro. Acrílicos abstractos. Caracas. 2000. • Sensaciones. Exposición pública, personal. Centro de Arte La Cuadra. 1999. • Muestras Privadas, personales: España: Madrid, Barcelona, Cádiz, Jerez, Arcos de Frontera, Sevilla, Córdoba. 1994-1998. • Abstractos Urbanos. Exposición pública, personal. Galería Viva México. Oleos. Caracas. 1993. • Tropicalia Arquitectónica. Privada, personal. Salón El Taparo, Caracas. 1991. • ExpoMix 89. Pública, personal. Club Ejecutivo Santa Paula. Tinta, pasteles y aquarelas. • Expo Viraggi. Pública, personal. Centro Italo Venezolano. Acrílicos, aquarelas, tintas y collages tridimensionales. 1990. • Visiones del 2000 DC. Pública, personal. Galería El Muro. Paisajes venezolanos con propuestas arquitectónicas futurísticas. 1988. • Pastel, Agua y Fuego. Pública, personal. Centro Cultural La Lagunita Country Club. Colección Romántica. 1987. • New Orleans Views. Pública, personal. Bourbon Oak Gallery. New Orleans, Louisiana. Acrílicos. 1985. • Close-Ups. Pública, personal. Highland Gallery. Miami, Florida. Acrílicos. 1984. • Futurística Arquitectónica, Paisajes Naturales. Exposición Colectiva. Colegio de Arquitectos de Venezuela. 1983. • De lo Real a la Fantasía. Muestra individual. Centro de Belleza Integral Israel. Mezcla plástica. Caracas. 1983. • Cinéticos Biológicos. Pública, personal. Stone Wood Gallery. Austin, Texas. Tintas y acrílicos. E.E.U.U. 1982. • Calle Venezolana Bajo la Lluvia. San Cristóbal, Edo. Táchira. PRIMER PREMIO Concurso Colectivo. Universidad de Louisiana, Lafayette. Acrílico. 1981. • Paisajes Espaciales. Pública, personal. Georgia Tech, Atlanta. E.E.U.U. 1980. • Paisajes Arquitectónicos. Exposición Colectiva. U.C.V. Facultad de Arquitectura y Urbanismo. Acrílicos. 1979. • Exposición Fotónica de Rostros. Privada, personal. El Placer. Acrílicos. 1978. • Playas y Calles de Venezuela. Pública, personal. Universidad de Texas, Austin. E.E.U.U. Oleos. 1977. • Paisajes y Calles del Táchira. Pública, personal. Galería El Muro. Tintas. 1976. • Paisajes y Calles del pueblo de El Hatillo. Privada, personal. Quinta Increíble, Prados del Este. Pasteles y tinta china. 1975. Periplo de ciudades visitadas con obras: E.E.U.U: New York, Miami, Atlanta, Baton Rouge, Lafayette, New Orleans, Austin, Houston, Dallas y San Antonio. Europa: Madrid, Sevilla, Cádiz, Córdoba, Toledo, Arcos de Fronteras, Puerto de Palos y Barcelona, Milán y Roma. Sur América y Centro América: Caracas, Bogota, Cartagena, Ciudad de Panamá y Pto. Colon. Norte América: Monterrey, Durango, Laredo y Torreón. ARTCLUB magazine - Issue 2

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Nelson

Moctezuma 1949 - 2002+

La Galería de Arte Nacional inauguro el 17 de junio de 2012 hasta el 16 de septiembre del mismo año, la exposición del dibujante y pintor caraqueño Nelson Moctezuma (1949-2002), con motivo del X aniversario de su fallecimiento. Moctezuma fue en su momento uno de los más destacados representantes del Nuevo Dibujo en Venezuela, quien incorporó elementos de la caricatura y el comic, en una versión fresca y punzante del pop-art. Todavía es recordado por las viñetas e ilustraciones para los suplementos “Papel Literario” y “7º Día” del diario “El Nacional”. Nelson Moctezuma fue un autodidacta que obtuvo varios distinciones como la “Bolsa de Trabajo” del IV Salón Nacional de Jóvenes Artistas (1975), el premio “Bernardo Rubinstein” (Para Gráfica) del XXXV Salón Arturo Michelena (1976), el Premio Municipal de Pintura, del Concejo Municipal del Distrito Federal (1977) y el Segundo Premio del Primer Salón Municipal de Pintura (1981).

Nelson Moctezuma El olvidado del Pop-Art Venezolano “hubo una vez un gran dibujante del movimiento del cómic y el arte pop, llamado Nelson Moctezuma, quien cuando se marchó nadie se enteró, a pesar de haber sido la vedette de las distintas ediciones del Salón de Jóvenes Artistas y del Salón Michelena en los años 70 y 80”. Moctezuma, como bien nos lo recuerda Sjöstrand, adoraba la vida de los bares de luces rojas y cortinas de lágrimas de San Pedro; cubalibres y tercios, y, desde luego, rockolas con canciones de Blanca Rosa Gil, Paquita la del Barrio o Julio Jaramillo. Y de ese ambiente lograba arrancar las vivencias y el color que trasladaría al papel. ¿Pero cómo no recordar la obra de Moctezuma? Sus dibujos y acrílicos son referencia obligada cuando hablamos de los ganadores de las distintas ediciones del Salón Nacional de Jóvenes Artistas o de las viñetas que ilustraban las páginas de los suplementos “Papel Literario” y “7º Día” del diario “El Nacional”. ¿Cómo olvidarnos de El equilibrista? Aquél impresionante cuadro de fondo gris, donde un solitario personaje camina ?manteniendo el equilibrio para no precipitarse al vacío? sobre una línea negra. Obra ganadora del Salón de Jóvenes Artistas, en la cual, según Sjöstrand, “el color pulcramente plano y los grises que lo componían, creaban una atmósfera de suspenso, angustia y vacío” Pero lo típicamente Moctezuma fueron sus personajes tomados del cómic. Moctezuma “venezolanizó”, con creyón y sobre el papel, a los personajes más conspicuos del cómic mundial, pues según él, “todo en este país es un cómic”. De ahí que trabajara y satirizara la realidad nacional haciendo uso de los personajes de las tiras cómicas, tales como Supermán, El Hombre Araña, Marvila, Batman y Robin; que se valiera de de las postales kitsch y de los cromos “Hoy no fio, mañana sí” o “Yo vendí al contado; yo a crédito”, hasta al final encontrarse frente a frente con Juan Vicente Gómez, el Benemérito, el amo y señor del país… Moctezuma, usando el creyón sobre el papel hasta conseguir un acabado impecable de acrílico,

nos presentó a un nuevo Supermán: Juan Vicente Gómez. En su obra los habitantes, ya no de Metrópolis sino de Caracas, no preguntan si se trata de un ave, un cohete o un avión ni terminan afirmando: ¡No, es Supermán!, sino que responden: ¡No, es el Benemerito! En el dibujo la cara del general Gómez suplanta a la del súper héroe, tanto así que es imposible pensar en Clark Kent o en el hijo del desaparecido planeta Kriptón, pues como bien afirma Sjöstrand: “Moctezuma revivió a Gómez, lo reinventó y actualizó; el caudillo abandonó su caballo y viajaba en metro o en algún autobús(...) El Benemérito volaba con la corpulenta figura de Supermán, mas no sobre Metrópolis sino sobre Caracas en la Venezuela saudita de los 70 y 80, todo gracias a Nelson Moctezuma, uno de los grandes representantes del Pop Art en Venezuela”. Texto: Oscar Sjöstrand 95

Martha

DomĂnguez ARTCLUB magazine - Issue 2

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Martha Domínguez: arte irreverente Por ELENA IGLESIAS

El tema es controversial y chocante para algunas personas mientras que para otras es estimulante y valeroso. La venezolana Martha Dominguez tomó ''f'', palabra inglesa de cuatro letras, y se puso a crear diseños con ella. 'Pensaba, `no puede ser que uno encienda el televisor o vaya al cine y en todas partes la gente dice y repite esa palabra constantemente'. Y por curiosidad, empecé a trabajar con ella a ver lo que pasaba'', afirma la artista que estudió en el Instituto de Diseño en Caracas. ''Lo lindo de esta colección es que me llevó de nuevo a la raíz de lo que estudié, porque la tipografía fue algo muy importante en mi carrera. Todos los diseños de esta exposición son tipográficos, hechos con puras letras. Sólo en una obra así consigues darte cuenta de la riqueza que puede proporcionar una palabra. Cuando me metí a hacer esta colección, sorprendentemente mientras más trabajaba más quería trabajar. Fue como un vicio; no podía parar. Y como eran gráficos creados en la computadora me pasaba la noche en eso'', recuerda. Según Martha Domínguez, utilizó una palabra que sentía muy cotidiana, y que toma distintas tonalidades de acuerdo a cómo se emplea. ``Muchos de mis cuadros contienen un mensaje que tiene que ver con política, guerra o cáncer. Son temas muy fuertes y cuando los asumí no sabía la reacción que iba a tener la gente. Sin embargo, siento gran satisfacción como artista porque la mayoría de las respuestas han sido positivas. A la gente le ha gustado que diga lo que digo en una forma estética y gráficamente bien hecha. Pero sea cual sea la reacción de las personas, es bienvenida. A algunos les ha chocado la colección y yo acepto su percepción también. Pero, por ejemplo, los comentarios de los sobrevivientes de cáncer han sido muy positivos''.

Incluso en sus cuadros abstractos, esta artista, que estudió diseño publicitario en el Art Institute de Fort Lauderdale y trabajó para varias agencias de publicidad, busca provocar una reacción fuerte con el color, que generalmente es enérgico y vivo en sus obras. En 1998, cuando se radicó definitivamente en Estados Unidos, fue cuando se metió de lleno en sus pinturas. ''He tenido la suerte que todos mis cuadros, hasta ahora, han sido encargados por gente que conoce mi obra. Una familia de Pinecrest, por ejemplo, me contrató para hacer todos los cuadros de su casa, el sueño de cualquier artista'', asegura. Martha Domínguez trabaja el medio mixto y en gran parte de sus collages se ven fotografías. ”Mi obra es muy abstracta y lo mas importante en ella es el color, porque con el atraigo a la persona. Cuando me preguntan: ¿Qué es esto? Le contesto¨: ¿Qué ves tu? Eso es lo que me encanta del arte abstracto; para mi puede ser una cosa, pero la persona que lo mira ve algo totalmente distinto. La apreciación de la obra es muy personal, depende de lo que te haga sentir”, explica. A pesar de su predilección por la pintura abstracta, Martha Domínguez ha incursionado también en el arte figurativo. ”En eso se refleja mi personalidad geminiana. Si ves mis cuadros figurativos no puedes creer que están hechos por la misma persona”, dice la artista que ha pintado manzanas y flores hiperrealistas. Martha Domínguez es también vicepresidenta del PIAG museum, institución sin fines de lucro, donde comparte responsabilidades con Mireya Power. “Hemos hecho un museo rodante. Llenamos un autobús que nos donaron con pinturas y esculturas y llevamos el arte a las escuelas, ferias y proyectos con personas de la tercera edad”. La próxima meta del museo: echar cubos flotantes, creados por artistas locales, en un lago del Fairchild Tropical Garden. ARTCLUB magazine - Issue 2

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ArteCorreo El grupo Colaboratorio Arte abre una nueva convocatoria para exponer trabajos de arte correo.

¿Qué cosa es el proyecto Colaboratorio Arte? Somos un centro sin paredes, un punto de encuentro abierto a investigadores, académicos, estudiantes y público en general interesado en la conformación de un espacio de aprendizaje en red, flexible y participativo en torno a los temas de arte, espacio y movimiento. Colaboratorio [arte, espacio & movimiento] busca la construcción de mapas de conocimiento colectivo en permanente desarrollo. El grupo Colaboratorio [arte, espacio & movimiento] está conformado por un grupo de profesionales voluntarios amantes del arte. No recibe ayudas de ninguna entidad o gobierno. +info: http://www.colaboratorioarte.com/

exhibición: Septiembre 2014 - Diciembre 2015

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¿Qué es el arte correo? El Arte Correo o Arte Postal, en inglés Mail Art, es un movimiento planetario de intercambio y comunicación a través del medio postal. El Arte Correo es algo más que un simple intercambio de arte a través del correo, es sobre todo comunicación. Ambos aspectos, arte y comunicación se funden en el envío postal, primando en cada ocasión y dependiendo de cada artista postal, uno sobre el otro, o estableciendo una compensación entre ambas características. La primera convocatoria Se abrió el 16 de mayo 2012. Participaron 154 artistas de 37 países y más de 300 obras. Las exposiciones se realizaron en la ciudad de Altamura, Italia (2012) y Lima, Perú (2013). Como parte de las actividades del proyecto hemos realizado charlas en distintos centros educativos. Novedades Para esta edición se prevén 4 espacios expositivos en las ciudades de: Gravina in Puglia - Italia; Sao Paulo - Brasil, Lima - Perú y Ayacucho - Perú. Abriremos foros de discusión en torno al arte postal en el grupo oficial de Arte in Movimento de la plataforma facebook y organizaremos tweetdebates en nuestro espacio de twitter con el objetivo es elaborar un documento escrito sobre el arte postal gracias al aporte de todos los participantes. Los participantes serán informados vía email antes del inicio de éstas actividades. Financiación del proyecto Como ya hemos mencionado Colaboratorio Arte trabaja gracias a la fuerza del voluntariado y no recibe ayuda de ninguna Institución o Gobierno. Por esta razón hemos ideado dos actividades para recaudar fondos en las que esperamos los artistas participen y difundan entre sus contactos: 1. Verkami: abriremos un verkami pro - fondos los gastos de transporte y montaje de las obras. 2. Venta objetos: los artistas que deseen colaborar pueden ceder los derechos de imagen y explotación no exclusiva de su obra, con esto realizaremos objetos que serán vendidos durante las exposiciones y en la página de Colaboratorio Arte. Los que deseen participar deben escribir en la parte posterior de postal la siguiente frase: 'cedo los derechos de imagen y explotación no exclusiva de esta obra a Colaboratorio Arte'. INFORMACIÓN GENERAL Tema de la convocatoria: 'ARTE EN MOVIMIENTO: CUERPO, TIEMPO & ESPACIO'. En cada postal debe estar escrito: Nombre del artista, grupo o colectivo. Titulo de la obra. Blog/Website. Email. Cesión de derechos (opcional).

La convocatoria provee dos espacios expositivos: online y físico. 1) Online: Todos los trabajos se exhibirán en la página oficial http://www.colaboratorioarte.com/ 2) Física: Los trabajos deberán estar en Italia con fecha límite el 30 de junio 2014 para poder participar en las exposiciones físicas. Todas las obras recibidas hasta esa fecha formarán parte de la colección II de Arte in Movimento - Colaboratorio Arte. Espacios expositivos itinerantes: Gravina in Puglia, Italia - Lugar a definir. Sao Paulo, Brasil - Lugar a definir. Lima, Perú - Centro Goodtoday. Ayacucho, Perú - Centro Cultural Casa Mateo Ricci. Periodo de exhibición: Septiembre 2014 - Diciembre 2015 Fecha límite (trabajos en Italia): 30 junio 2014, después de esta fecha los trabajos serán aceptados pero no participarán de las exposiciones físicas. Enviar portales a: Adriana Cordero - Colaboratorio Arte Via della Conciliazione 3 70024 - Gravina in Puglia (BA) Italia CONDICIONES DE PARTICIPACIÓN 1. No selección de obras. 2. No pago de derechos de participación. 3. Los trabajos que ofendan parámetros culturales o morales no serán aceptados. 4. Las obras no estarán a la venta y pasarán a pertenecer a la colección II de Arte in Movimento - Colaboratorio Arte, la cual estará a disposición de instituciones y personas físicas si así lo solicitan. 5. Los artistas tendrán notificación de futuras muestras de esta colección. 6. Las obras no tendrán seguro. BASES Articulo 1 .— Los trabajos para esta exposición deben ser creados sobre el tema 'ARTE EN MOVIMIENTO: CUERPO, TIEMPO & ESPACIO'. Articulo 2 . Los artistas son libres de utilizar cualquier técnica. - Articulo 3 Cada artista puede enviar hasta un máximo de 3 trabajos. La obra debe medir 15x10cm. Exactamente. Articulo 4 .—Solamente serán aceptados trabajos en dos dimensiones. El artista está habilitado a elegir la técnica que desee sobre papel o tela hasta un espesor de 5mm (cinco milímetros). No se aceptarán obras con marco.— Articulo 5.— Cada artista que participe en la exposición física recibirá un catálogo online y un certificado online de participación. Articulo 6.— El sitio oficial de Colaboratorio Arte (http://www.colaboratorioarte.com/) expondrá las obras. FECHAS IMPORTANTES 22 octubre 2013 - apertura convocatoria. 30 junio 2014 - fecha límite llegada postales (Italia) para exposición física. INFORMACIÓN colaboratorioarte@hotmail.com - att. Adriana Cordero 101

Gustav Klimt - Dibujo ARTCLUB magazine - Issue 2 102

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Les desea una

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