Artclub magazine nº 4 by ArtClub magazine

ARTCLUB Arte Contemporรกneo magazine - Issue 4 - Abril - Mayo 2014

Issue 4 - Abril-Mayo 2014

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Contenido

Hilma Af Klint pionera y desconocida Moonlight, drawings by Alexandra Poleo Premios MADATAC OakOak - Grafitis parisinos Bolígrafos 3D Rebeca Khamlichi - Pintora 40 portadas icónicas del Pop Ramona Zordini Cuerpos sumergidos Aimé Morales Premio mundial de Circo - París Ivonne Capecchi Vidrio, luz y color Avelina Lésper Contra el Performance Cristina Gasparotto Fotografías ArturoCarrión Photographs without Borders

Revista cultural digital dedicada a la difusión y promoción del arte internacional Colaboradores:

Peio H. Riaño Milagros Bello Alexandra Poleo Premios Madatac Quadrant gallery Jordi Berrocal Anton Suvorov Luna Miguel Mario G. Sinde Avelina Lésper Arturo Carrión

Fotógrafos: Mahala Marcet OakOak ArtClub magazine, no se responsabiliza por los textos, comentarios e imágenes contenidos en sus paginas. Ello corresponde a cada autor o colaboradores. Director:

Ramona Zordini Kailai Chen Cristiana Gasparotto

Arturo Carrión

Ivonne Capecchi

Gerente de Publicaciones:

Google images

Martha Farías Oldemburg

Arturo Carrión

Diseño & Maquetación: AC53 Digital Studio Imagen de Portada: arturoCarrión Producido y editado en Quadrant editorial Venezuela / España 2014 - Edición bimensual

ARTCLUB magazine - Issue 4 page

La mejor información en el acontecer del arte internacional, Exposiciones, Ferias de arte, Concursos, Arte emergente, Artistas consagrados, Entrevistas, Biografías, Escritores, Curadores, Galeristas, Museógrafos, Fotógrafos, Videastas.

Publicación bimensual Google images

Arte Contemporáneo

Inauguración Galería: Septiembre 2014 7

HILMA AF KLINT PIONERA Y DESCONOCIDA 8

Hilma af Klint pionera de la abstracción Por Peio

H. Riaño

¿Por dónde empezar? ¿Quién es Hilma af Klint? Una extraterrestre, un ser extraordinario que durante sesenta años se enterró voluntariamente en el anonimato, allá en Estocolmo, mientras alteraba el sentido de la Historia de la pintura al parir la abstracción en silencio, sin que nadie se enterase. Se adelantó a Kandisky, Mondrian y Malevich y ellos creían que habían descubierto la pólvora. Nadie sabía nada, porque nunca enseñó su obra y su última voluntad fue que nada podía enseñarse hasta que no hubiesen pasado dos décadas de su muerte. Hilma af Klint también es una novela. Verán, nace en 1862 y a los 20 años estudia en la Real Academia de Bellas Artes de Estocolmo. ¿Se imaginan una mujer que decide ser artista en el siglo XIX? Por si fuera poco, al cruzar el siglo XX asiste a sesiones de espiritismo, junto con otras cuatro amigas, que deciden formar un grupo y llamarse “Las cinco” (no se complicaron demasiado). En encuentros espiritistas se entregan al dibujo y la escritura automática (y se adelanta a los surrealistas, otros de la santa cofradía de la pólvora mojada). La pintora sueca Hilma af Klint (1862-1944). Bajo el influjo de los espíritus pinta series inmensas, coloridas, inexplicables, irresolubles, como la asombrosa “Los cuadros para el templo”, de 193 cuadros, que empieza en 1906 y remata en 1914, tan variada y alucinante, que sólo podemos alcanzar a decir de ella que estos monumentales lienzos “pretenden ampliar nuestra comprensión de las relaciones entre el ser humano y el cosmos”. Estaba convencida de que llegaría un tiempo en el que se entendería su obra.

“Tratan de desarrollos y procesos, y del surgimiento del mundo y la materia desde el espíritu. El ciclo trata igualmente de la división del alma humana en dos mitades, una masculina y otra femenina, que se esfuerzan por volver a ser nuevamente una sola”, escribe Iris Müller-Westermann, la comisaria de la mejor exposición del año en este país: Hilma af Klint. Pionera de la abstracción (hasta el 9 de febrero de 2014), en el Museo Picasso de Málaga. Pero su tiempo no era su momento. Hilma decía que no pintaba, no se consideraba artista, sino un canal de energías: entre 1906 y 1908 aborda sus pinturas desde una actitud de médium plena, y su mano es “guiada”. En la segunda fase de su creación más madura, entre 1912 y 1915, la artista sigue considerándose médium, pero además se siente con libertad para realizar una interpretación personal. Misión: el más allá Una de las cosas más sorprendentes en su evolución es que al entrar en contacto con la pintura mediúmnica, abandona la técnica pictórica aprendida y pasa a introducir cuadros geométricos, rayados, garabatos, símbolos, una señal de capacidades deficientes, a pesar de tener una mano excelente como deja claro en sus apuntes naturalistas, casi botánicos, que en la exposición se presentan en la primera vitrina. 9

Albert von Schrenck-Notzing. La médium Eva C.;1912, Renuncia a la perfección, al rigor y la precisión, a la fidelidad con la naturaleza, a cambio de la expresión de una emoción. Con su entrega al espiritismo deja de ver entre las sombras, como dijo Platón, para ver más allá de lo evidente. Eso es el espiritismo, un intento de demostrar que hay un más allá. “Pintar por otras voces”, dijo el director del museo, José Lebrero. El profesor Helmut Zander, especialista en espiritismo, teosofía y antroposofía, asegura en el catálogo de la muestra que “el espiritismo no se sirve para contactar con el más allá, sino para producir materializaciones de una sustancia sutilísima llamada teleplasma o ectoplasma”. Por los diarios de Klint, da la impresión de que una persona entraba en trance y recibía mensajes en posición yacente. Una fuerza vital animista conduce sus impulsos y Hilma está convencida de que sus cuadros abstractos los ha recibido como médium de unos planos superiores de conciencia. ¿Klimt? No, Klint La pintora demuestra que el futuro llegó mucho antes de lo que nos habían enseñado. Su legado supera el millar cuadros y 125 cuadernos de notas. En uno de ellos escribe el 9 de octubre de 1944, unas semanas antes de morir, una última anotación que concluye con la siguiente frase: “Tienes un servicio de misterio por delante y muy pronto te darás cuenta de lo que se espera de ti”. Nadie sabía quién era Hilma af Klint. Hoy nadie sabe a ciencia cierta qué es lo que construyó, ni qué quiso decir, ni cómo lo hizo, ni por qué prefirió callar, trabajar e insistir en soledad. Setenta años después de su muerte, es una arrebatadora incógnita que ha aparecido para sobrecoger al mundo y retorcer los renglones de las vanguardias de la Historia del Arte, que se niega a admitir a una mujer que terminará por ser referente inevitable e inexplorado. Y con carácter retroactivo.

Nunca vendió nada En contra del reconocimiento de Klint juega su mayor virtud: ni uno sólo de sus cuadros ha salido de la Fundación, que se creó para conservar tan extensa obra, Ni una sola venta, todo lo heredó su sobrino. La familia mantiene todos los fondos al margen del mercado y con escasos recursos económicos tratan de hacer llegar la vida y obra de Klint (no Klimt) al resto del mundo, de incluirla en los manuales y grandes museos. La paradoja es que el precio será la venta: para conseguir el hueco que se merece Hilma entre los grandes la familia tendrá que aceptar la dispersión, la especulación... No es la primera oferta que reciben de los nuevos magnates del gas y el petróleo. Tampoco los grandes creadores del relato del arte contemporáneo lo hacen gratis –ni mucho menos el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York-, quienes sólo apuestan y multiplican el valor de un artista si se encuentra en el fondo de sus colecciones.

Tal es la oposición del mercado y de las obligaciones que este impone al canon, que hasta el pasado mes de abril el MoMA ha mantenido abierta una exposición dedicada a la invención de la abstracción. La comisaria Masha Chlenova estableció las fechas entre 1910 y 1925, y se negó a introducir a la pintora sueca. Esto no son los EEUU, Al centro andaluz han llegado casi 300 piezas, entre cuadernos, dibujos, acuarelas y pinturas de todos los tamaños. Que importan y mucho. Hasta hoy hemos tenido que interpretar el arte abstracto espiritual a partir de las escasas notas de Kandinsky y de su ensayo De lo espiritual en el arte (1911). Esto es otra cosa. Hay que bautizar de nuevo

la pintura abstracta, volver a las fuentes y los historiadores y filósofos reescribir a partir de esos monumentales ejercicios de ensimismamiento espiritual. El lenguaje pictórico de la primera parte de su carrera está lleno de referencias orientales como las flores de loto, ornamentos en forma de mandala, hasta que en 1912 el vocabulario es reemplazado por uno nuevo

“más decididamente cristiano”: la cruz y las escenas de crucifixión son recurrentes. Es una pintura simbólica, con la espiral como protagonista, o el árbol del conocimiento, las letras, etc. La comisaria asegura que, con objeto de explicarse lo que había experimentado durante sus años como médium, Hilma af Klint dictó entre 1917 y 1918 más de mil doscientas páginas acerca de su manera de entender las conexiones espirituales del mundo. De ahí surgen estas vigorosas y radicales visiones del mundo. De este o del que sea. “Los cuadros de Hilma af Klint invitan a ese viaje por otra dimensión; un viaje hacia el interior que es, al mismo tiempo, un viaje al exterior”. El trayecto acaba de empezar. Bienvenida Hilma af Klint.

Hilma af Klint pionera de la abstracci贸n La pintora sueca Hilma af Klint (1862-1944).

MOONLIGHT ZOO DRAWINGS BY ALEXANDRA POLEO

'Moonlight Zoo os una fauna de medianoche fantástica y humorística." "Moonlight Zoo is a midnight fauna ofhumorous fantasy." Alexandra Poleo Monsters and beasts nave been part of the imagery pertaining to civilizations dating from the Ancient Greco-Roman. Celtio, Semitic, and Chínese cultures up to modern times. From Chimera, Cyclops Hydra, the Midgard Serpent, and the Minotaur and to Medusa, there are fictional crealures in legends, narratives and tales. As part of a collective mentality and belief, they have played an important role in the meaning and imagination of people. Monsters and beasts have been the guardians of temples and wealth. representing the ultímate obstacle to access fortunes, such as the Sphinx at the entrance of the city of Thebes. In other traditions, monsters symbolize a rite of passage and myths represent death and a renaissance. In medieval times, monsters played a dual role by representing chaos and evil, the abyss and the irrational while also representing defense and a shielding of sorts. In churches, gargoyles and other hybrid crealures embodied evil against good. Biblical times attest the symbolic power of monsters through generations to come, giving way to horror film characters such as Dracula and Godzilla.

Alexandra Poleo's drawings take us to the invisible levéis of the subconscious. Her complex and hybrid figures resemble múltiple forms and anthropomorphic entities charged with infinite evocations of humans and animáis. Poleo recréales wonders and sortileges from her prolific imagery, giving birth to a gallery of magical beings. They form a cast of characters with personality, pose, psychology. and emotion, leading the imagination to a theatrical set-upwhere they relate and interact. Poleo is not interested in transcribing the real world; her zoo emerges from an oneiric dimensión in which she plays between her internal visions and dreams. The artist States "my animáis are not the real ones we can encounterin a zoo or in a forest; they don't come from reality but rather come as an evocation ofmy internal revelations." A somewhat hideous and deformed monster may produce physical or mental fear by its appearance, by its biológica! aberrance or by its dislocated anatomical disorder, connotíng an evil or freakish nature. In the case of Poleo's works, her monsters connote the opposite by depicting a friendly, vivid, and nonchalant attitude. They are characters of an affable and gracious forthcoming that lead to a fantasy world such as that of Alice in the Wonderland. Instead of threatening beasts, Poleo's creations are open and welcoming entities that relate to a responsive and sociable sphere. Her beasts are located in the world of Ethos (happiness and celebration) rather than Pathos (death and suffer-

Urban Dog dreaming about spring time in the rocky mountains

Acrylic mixed media, and collage on paper 18.89x13.38 in./2010

Poleo is not interested in form and anatomy. Her creations are deconstructed, semi-abstract figure drawings in which she mixes brute and whimsical traces with paper collage over open spaces and neat backgrounds. The work transforms ínto a hallucinatory compound of outlines and marks out the map of the body of a bird, a dog, or a monkey. There is always a directional black line that defines the body. a thick black trace that is always the main axe for the definition of the figure. For Poleo it is important to maintain her use of acrylic. gouache, oil or charcoal either in her drawings or in her paintings. For her, a drawing over paper is equivalent to a drawing over canvas. She does not make any difference in her approach to both. Her gestural drawings recall the freedom of the abstract expressionism of Pollock or Kandinsky. She affirms, 7 have always navigated between figuration and abstraction. Moonlight Zoo is the expression ofthe subtle frontierin between both," Her animáis are abstracted forms in which the body has been recreated with múltiple gestural traces and combined with discarded paper cuts of oíd pieces re-integrated into a

New creation. Poleo uses a process of deconstructing her materials and her figures, freely opening her work to new dimensions of figuration and abstraction. In the work Birds Remained Near the Sunny Coasts (2010) a humbled and pacified bird bows her head in a majestic gesture. Its body is configured by multiple black traces and yellow colors. Its feet slightly disappear in the void of the background in a neat and light profile. The bird is evocative of peace and reckoning. In the work Apparition d' un Lapin et de I'Ombre d'un Chat, 2010 (Rabbit's and Cat's shadow apparition) an imaginary animal is composed of several intertwined scribbled black lines over a cream color background. Its body is defined by an ample counter curve, broken and straight lines end in a small head on the right side with friendly eyes that gaze at the spectator with a generous smile on its face. This jovial and cheery monster represents bliss and a joy for life. Alexandra Poleo's group of buoyant and fun-loving creatures connects to an optimistic and humorous point of view, offering us a good point of departure for life and humanity. Milagros Bello Ph.D Curator of the show

Artist statement Moonlight Zoo is the culmination of a reflective body of work that spans many years, beginning in 2007. Figuration is the artistic culture in which I was educated. What is said and what is understood beforehand in each piece is like a first language - such as an animal that looks like a dog, in the form of what looks like a tree. I've never been interested in faithful reproductions of reality, nor in making the figure a part of an ideology against society, against war, against politics. There is no militancy in my paintings, only the evocation of my universe - the recreation of a world that isn't the world of my friends, or my neighbors, or acquaintances. It's a parallel world, like the parallel world of Lewis Carroll, except in place of Alice is it I that falls through the looking glass. My world is ironic. The title helps find a level of comprehension within the work, It's almost as important as the work itself. I love coming up with titles, but I dont ask for the viewer to share my vision by interpreting them as I do. The viewer re-creates his or her own evocative universe in these works. The viewer creates his or her own puzzle in which to understand my world. Moonlight Zoo isa midnight fauna of fantasy and humor. Monkey Business is not a gorilla but a projection of my unconscious. The animals are internal images, not real animals that you come upon at the corner of your block. The animals are part of my world. There are also elements in my work that may form part of the vegetative, botanical, and mineral worlds.

My second language is abstraction - which is whatever it suggests. A tubular form can at once be a tunnel, a staircase, a column, or it can be many other things, I've always been interested in the deconstruction of the figure. What appears first (the figure) looks like an animal but can also be interpreted as an abstract form with a certain lyrical force. In the 1980's and '90's my work tended more towards figuration, where one could recognize the figures. My struggle as of now is how to hide the figure, and make it harder to find. What I would like to achieve most is to find a harmony between colors and masses within each work. The equilibrium of the work is the most important, as a balancing act. I love making work on paper and wood. There is the same liberty on paper that there is in a soundtrack or in a short story. For me there is no difference in quality between work on paper and work on canvas. There is great nobility in paper. Awork on paper is intimate - one seems to find the world in it. When I use collage in my work, I use my own collaged images. I take parts of other works that might have been discarded and incorporate them into new work, or rework what I have by adding new elements and reintegrating materials both new and old. Its as if each piece is a puzzle that integrates and re-integrates elements. I use different media - oil on paper or wood, oil sticks. With them, I create elements that give the illusion of a graphic gesture. For example, a scribble in the air made with a certain freedom. I like Chinese paintbrushes that can work different ways with tints or acrylics. Black. For me, a black stroke is like the vertebrae that structures a work. I use acrylic, gouache, and different types of pencil. Its not about drawing for me. but clearly its about paper - although even when I work on paper my approach is tike what I make in my paintings gestural strokes that are pictorial and that have the force of the brush, the pigment, and the painting, I've always navigated between two poetic forms - figuration and abstraction. Moonlight Zoo is an expression of the subtle boundary between both. Alexandra PolĂŠo Septiembre 2010

Gelling a little bit nervous alter an orange juice Oil, mixed media, and collage on paper / 2010

CONVOCATORIA DE VIDEOARTE & ARTE AUDIOVISUAL DE LOS NUEVOS MEDIOS España e Internacional/ Queda abierta sin restricciones la convocatoria dirigida a seleccionar, mediante unos criterios en los que se valorará particularmente la experimentación, la innovación y el riesgo, las creaciones de todos aquellos artistas audiovisuales que deseen que sus obras formen parte del proyecto TRANSMADATAC. El proyecto está dedicado a potenciar y divulgar el videoarte y el arte audiovisual como alternativa artística emergente en todas sus modalidades, interacción entre imagen y sonido, sin exclusión del cine experimental y expandido, con el objetivo de dar a conocer al gran público a video-artistas consolidados así como brindar una plataforma para todos aquellos con proyección de futuro que aporten propuestas renovadoras, alejadas de la narrativa visual convencional y no encuentran espacio en los medios habituales. Todo el material seleccionado entrará a formar parte, a menos que los autores expresen lo contrario, en la VI edición de la Muestra de Arte Audiovisual Digital y Tecnologías Avanzadas Contemporáneas (MADATAC), que Transfera Media Arts organizará en Madrid en diciembre 2014 y en la que se galardonará, a través de un jurado internacional, una selección de las obras presentadas a esta convocatoria. PREMIOS MADATAC (Sección Oficial Internacional Competitiva) Cinco premios que consistirán en una obra de arte vanguardista, galardón con un prestigio internacional que distingue el talento artístico y profesional de quien lo recibe, además de formar parte de las obras seleccionadas para representar a MADATAC en diversos programas especiales y eventos de difusión mundial: 1 PREMIO A LA MEJOR OBRA DE VIDEOARTE 1 PREMIO A LA OBRA + INNOVADORA 1 PREMIO AL VIDEOARTISTA + PROMETEDOR 1 PREMIO A LA MEJOR INTERACCIÓN VIDEOAURAL 1 PREMIO ESPECIAL DEL PÚBLICO (concedido por votación entre los espectadores a la mejor obra de Videoarte de la Sección Oficial)

PREMIOS SUBASTA MADATAC y Subastas Segre elegirán 2/3 de las obras a competición para ser subastadas públicamente en febrero - marzo 2015. La exposición de las obras se podrá ver a partir de la primera semana de febrero en la propia sede, calle Segre 18, Madrid. El precio de salida será fijado por la casa de subastas en ediciones limitadas en DVD, cantidad que percibirá el artista luego de deducirse el porcentaje correspondiente a los gastos de gestión y venta. Durante el mes de mayo 2015, se volverá a repetir otra subasta bajo los mismos términos, pero esta vez en Subastas Alcalá, situada en la calle Núñez de Balboa 9, Madrid. PREMIO A LA PRODUCCIÓN DE UNA OBRA AUDIOVISUAL MADATAC, con la colaboración de un destacado coleccionista español de videoarte, seleccionará de entre los participantes en la Sección Oficial Internacional a un artista y le gratificará con una dotación económica para la realización, en un período de 3 meses, de una pieza de arte audiovisual/videoarte de temática libre que será convenida con el coleccionista, quien recibirá una copia de la obra la cual pasará a formar parte de su colección, mientras que otra copia se destinará al archivo de MADATAC. SELECCIÓN METRÓPOLIS El programa de televisión METROPOLIS (La 2) seleccionará obras de la Sección Oficial Internacional, que se emitirán al finalizar la Muestra en un programa especial de Metrópolis dedicado a MADATAC en La 2 de TVE. . No hay límite de edad de los participantes, ni tampoco para la cantidad de material a enviar. . Los interesados deben enviar sus trabajos, que preferiblemente no han de exceder los 20 minutos, si bien se harán excepciones si la obra lo merece, en archivos mpeg, mov o similar, no DVD-Video (resolución preferiblemente HD, en un dvd, minidisco duro o lápiz de memoria USB), con una calidad aceptable para poder ser emitidos, subtítulos en español si hubiese texto o palabras en otro idioma, junto a dos imágenes en jpg de la obra, un breve CV con los datos personales y el formulario de registro y permiso de emisión cumplimentado y firmado, en el cual se debe asumir la autoría de la obra presentada a concurso.

. El artista puede enviar además un video promocional (de no más de cuatro minutos de duración), detallando su biografía y su obra. . No hay normas en cuanto a la temática de los trabajos (se acepta obras de video arte, arte digital multimedia, arte interactivo, computer art, media art, live cinema, metraje encontrado, video instalación, performance audiovisual, interacciones hombremáquina, arte tecnológico, bio arte, etc), si bien la VI edición de MADATAC se centrará en el concepto: POLITICAS DE INSENSIBILIZACIÓN (de como la sociedad y el arte coexisten con la coacción, la incapacidad de reaccionar, la inactividad, la parálisis, la impotencia). . Se requiere que los videos presentados y seleccionados no hayan sido exhibidos ni premiados en ningún otro festival, muestra o evento que tenga lugar 4 meses antes, o durante la celebración de MADATAC, a fin de mantener cierta exclusividad de los trabajos. . La organización no puede hacerse cargo de la devolución del material enviado. . El plazo de entrega acaba el 28 de julio 2014. . La participación en esta convocatoria implica la aceptación de sus reglas. . Para recibir más información sobre la convocatoria escribir a: info@madatac.es . Todo el material ha de ser enviado a la siguiente dirección de correo postal: MADATAC/TRANSFERA c/Galeno 41 28232 Las Rozas Madrid (España) WEB: http://www.madatac.es/ FACEBOOK: http://www.facebook.com/MADATAC PROMO: www.vimeo.com/madatac

Arte Contempor谩neo

ALTERNED SPACE - serie - # 14 - mixed media on Canvas - 100 x 100 cm. - Arturo Carri贸n

El artista callejero que se rebe

OakOak

OakOak transforma los objetos urbanos en ingenioso arte pop. ARTCLUB te trae este contenido Por:

Jordi Berrocal, jueves 27 de marzo de 2014

El arte callejero se define por utilizar el paisaje urbano como lienzo. Pero en el caso de tambiĂŠn forma parte de la obra.

OakOak,

el贸 contra las ciudades grises

ARTCLUB magazine - Issue 3

Si ayer decíamos que la mejor publicidad es la que sabe sacar el máximo provecho de su entorno, algo parecido ocurre con el street art. Al menos, en el caso del artista francés OakOak. El arte callejero se define por utilizar el paisaje urbano como lienzo. Pero en el caso de OakOak, también forma parte de la obra. En vez de traerse el trabajo hecho desde casa en forma de plantilla -como hace Banksy, por ejemplo-, este artista de St Etienne prefiere observar primero y construir después. Este proceso le permite convertir una pilona de cemento en la cabeza de Bender (el robot de “Futurama”), un banco destrozado en un meme de Chuck Norris o una valla abollada en una víctima de Bruce Lee.

OakOak no tiene formación académica y trabaja a jornada completa en una oficina. Recientemente relataba a The Outsiders que su único objetivo es hacer que su ciudad sea “un poco más bonita”. Su trabajo demuestra que, con ingenio, humor y un espíritu puramente independiente, hasta los objetos urbanos más anodinos pueden divertirnos e inspirarnos. Porque no todas la rehabilitaciones urbanas tiene que pasar por los pelotazos olímpicos.

ARTCLUB magazine - Issue 4

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Arte Contemporáneo

CURVATARES - serie - # 15 - mixed media on Canvas - 100 x 100 cm.—Arturo Carrión

Arte Contemporáneo

CURVATARES - serie - # 20 - mixed media on Canvas - 100 x 100 cm.—Arturo Carrión

BolĂgrafo 3D permite dibujar en el aire

as impresoras 3D están avanzando mucho, pero aún están sujetas a una estructura que limita el tamaño de los objetos que pueden crear. Lix es la apuesta creativa del diseñador afincado en Londres Anton Suvorov. Se trata de un bolígrafo que genera filamentos de plástico como los de una impresora 3D y permite, literalmente, dibujar objetos tridimensionales en el aire. En realidad, Lix no se diferencia mucho de una pistola de cola térmica, solo que los filamentos de material que genera son mucho más finos, se secan más rápido y tienen más dureza. El dispositivo también es muy conveniente ya que tiene unas dimensiones que lo hacen cómodo de sujetar como si fuera lápiz. Mide 16,3 centímetros de largo por 1,3 de grosor, y pesa solo 35 gramos. Lix tiene una resistencia que calienta filamentos de plástico PLA o ABS como los que se utilizan en impresión 3D. La alimentación es un simple cable USB. Suvorov va a lanzar una campaña en Kickstarter el 14 de abril para financiar parte de su invento, pero en su página web ya admite reservas. El dispositivo costará 139 dólares. De momento, la mayor limitación que se aprecia en el vídeo es que los trazos tardan en salir del lápiz y en endurecerse. Eso no ha impedido a algún artista hacer figuras tan interesantes como las que veis a continuación.

Rebeca Khamlichi

Para la artista, la magnitud de un salto no solo la marca el punto al que llegas; tambiĂŠn el sitio desde el que saltaste. Por:

Luna Miguel, lunes 14 de abril de 2014 36

La artista inyecta color en el mundo y da lecciones de felicidad a quienes se acercan a su obra plĂĄstica: dibujos animados, escenas alucinadas y tiernos brotes de esperanza. FotografĂas de Mahala Marcet

ARTCLUB magazine - Issue 4 page

Mirar a Rebeca Khamlichi provoca una sonrisa: por esa alegría que desprende, por su gesto alegre, por sus ideas locas que oscilan entre un mundo infantil y otro adulto, por el color de sus ojos y también por su belleza. Mirar las obras de Rebeca Khamlichi también nos arranca una mueca feliz. Su trazo es muy característico y proporciona un verdadero chute de pigmentos que fluyen por nuestras venas como una medicina hecha de dibujos animados. Rebeca Khamlichi vive en Madrid, aunque también comparte escenario con la vida en Internet. Es de las que opinan que las redes sociales son un punto a favor para los jóvenes artistas que quieren darse a conocer. Día a día lucha por su sueño, que no es otro que pintar, y consigue dar lecciones muy sabias con su actitud positiva. Para ella, dar el gran salto no se resume en un solo gesto: hay que luchar día a día, hay que hacer lo que a uno le gusta, hay que pulverizar marcas propias, y no tener nunca miedo a la caída. Entre vírgenes, juguetes y mucha luz, Khablichi nos recibe, y así nos desvela su Universo: Cuando uno intenta retener tu obra en la cabeza, lo primero que piensa es: color. Al principio incluso forma y figura no importan tanto, porque lo que entra en nuestros ojos es un gran destello de pigmentos. ¿En una época tan oscura como la que nos ha tocado vivir, es tu manera de mostrar los colores una especie de reivindicación?

¿Qué artistas que utilicen así los pigmentos son tus referentes? En mi caso no coinciden los artistas que me gustan

Yo creo que los tiempos oscuros necesitan gente apasionada. Y el color es pasión. Me gustan como nada los personajes desdichados, pero a todo color . Es una manera de compensar, creo, sus minitragdias cotidianas, que es lo que a mí me gusta pintar. Yo siempre prefiero mirar la segunda fila de las fotos, donde se mueven los secundarios. Me fijo en sus desdichas pero los pinto a toda paleta. Creo que es lo que mejor me representa: el uso de colores chicles y pasteles para pintar, con independencia de la tristeza de su historia.

"Siempre digo que la mía es una generación que ha

con mi forma de pintar: mis cuadros remiten a la cultura pop, a los tebeos, a los dibujos animados, al estilo superflat japonés… Sin embargo los artistas que me gustan son mucho más clásicos: Rembrandt, el Greco… El primer cuadro que recuerdo que me flipó, con cinco años, fue El Jardín de las Delicias de El Bosco en el Prado. No podía dejar de pensar: “¡Qué locura es ésta!”. Pero mis colores tiene probablemente mucho más que ver con “El asombroso mundo de Gumball” o cualquier programa de Cartoon Network. De lo artistas nuevos admiro el trabajo de Mateo Dineen. Y en España me fascina Rubenimichi.

visto tantos episodios de Sailor Moon como procesiones de Semana Santa"

Tu obra se debate entre la ternura infantil y el hu-

pero, sin duda, los iconos pop han sustituido a los reli-

mor adulto. ¿Cuánto de niña hay aún en ti?

giosos como referentes visuales. Un chico de cinco

Quizá la pregunta sería “¿cuánto de adulta hay en ti?”

años tiene más claro quién es Batman que quién es La

Creo que todo lo que me interesa con pasión no termi-

Virgen María. Visualmente para mí los dos son igual de

na de estar bien visto entre adultos: trabajo con dibu-

atractivos. ¡Y su mezcla ya es la bomba!

jos animados de fondo, le canto canciones a mi gato, saludo a cada perrete que veo por la calle… Y no me da ninguna vergüenza reconocer que me interesa mucho mas el universo infantil que el adulto.

"Yo creo que lo que define ese estilo Khamlichi es el color, la pincelada plana, la limpieza casi obsesiva del trazo" Dices en tu biografía que te inspira la iconografía religiosa, pero también los dibujos animados. ¿Crees que los iconos pop como Bowie o Batman son nuestros nuevos dioses? Siempre digo que la mía es una generación que ha visto tantos episodios de Sailor Moon como procesiones de Semana Santa. Así que quizá no como dioses

“Rebeca Khamlichi no es una pintora sino una forma de pintar”. ¿Podrías describirnos esa técnica? ¿Qué define el estilo RK? Yo creo que lo que define ese estilo Khamlichi es el color, la pincelada plana, la limpieza casi obsesiva del trazo… Y también que lo único que me tomo totalmente en serio del proceso creativo es la ejecución de la técnica. No busco profundidad en mi mensaje. La idea original suele proceder de una chiste visual, de una ironía, de un juego de palabras. A partir de ahí lo que salga, pero sin ninguna regla: la única exigencia es que la ejecución sea perfecta para mí, el color normalmente lo más plano posible y la línea obsesivamente limpia.

Cuéntanos una meta. Y un sueño. Y un propósito de esos que parecen inalcanzables pero que a veces se llegan a cumplir. Te mueves en redes sociales. ¿Son importantes

No me planteo grandes metas: toda mi preocupación

para ti y para tu obra? ¿Qué piensas de todas las

es que mi último cuadro guste mucho. Pero si tuviera

redes de artistas que se han creado gracias a Pin-

que hablar de un sueño a lo grande creo que sería po-

terest, Tumblr, o Instagram?

der dibujar un personaje para la serie de dibujos ani-

Muy pocos de mis cuadros han estado colgados en

mados Hora de Aventuras: sería probablemente

galerías de arte. Sin embargo, el 97% de mi obra está

un mono guerrero bailarín de ballet clásico ninja o algo

vendida. Han comprado cuadros míos en Estados Uni-

así. Ahí lo dejo…¡Pendleton Ward, llámame!

dos, en México, en Japón, en Australia… Y todas las

Eres millennial, eres artista, eres independiente y

peticiones han llegado a través de esas galerías que

te dedicas a lo que quieres. Hay una pregunta que

nunca cierran y tienen aforo ilimitado que son Insta-

suele ser odiosa pero que al mismo tiempo tiene

gram, Facebook o Twitter. … Ninguna galería impor-

sentido, sobre todo cuando nos encontramos ca-

tante se ha interesado por mí, pero mis cuadros están

sos tan admirables como el tuyo: ¿se puede vivir

más lejos de lo que hayan llegado nunca mis patitas.

de lo que a uno le gusta?

"Pasamos en el trabajo el 70% de nuestra vida. Así

Pasamos en el trabajo el 70% de nuestra vida. Así que

que si no eres feliz durante ese tiempo, es difícil

si no eres feliz durante ese tiempo, es difícil que el resto de alegrías compense tu infelicidad laboral. Así que

que el resto de alegrías compense tu infelicidad

no se PUEDE vivir de lo que a uno le gusta; ¡se DEBE

laboral"

vivir de lo que a uno le gusta!

ARTCLUB magazine - Issue 4

¿Qué se cuece en la escena artística madrileña? ¿Has encontrado una red de galerías o publicaciones accesibles para gente joven? Yo creo que en Madrid hay algo así como una Neo-Movida artística. Yo la llamo “la Removida” (risas). Hay un montón de artistas que hemos encontrado nuestro propio hueco sin tener que parecernos a nadie y sin tener que seguir ninguna regla. Pintores, ceramistas, dibujantes, diseñadores de ropa, de complementos, de muebles… que hacemos lo que queremos y nos va bien haciéndolo. Muchos de ellos nos reunimos en Mercado Central de Diseño de Matadero de Madrid.

Y por último, cuéntanos qué le dirías a alguien que está empezando. ¿Cómo crees que un joven pintor debería atreverse a dar el gran salto? Bueno, la magnitud de un salto no sólo la marca el punto al que llegas, también lo da el punto desde el que saltaste. Así que yo creo que la forma en la que cualquier joven se debe atrever a dar un gran salto es no mirando hacia abajo. Porque incluso si caes habrá un momento en el que sentirás que estás volando. Y sólo por eso ya habrá merecido la pena saltar.

ARTCLUB magazine - Issue 4

Las ra铆ces de la 40 portadas ic贸n

Repasamos un pu帽ado de covers musicales hist贸ricas que ayudaron Por:

Mario G. Sinde, lun

ARTCLUB magazine - Issue 4

cultura pop en nicas de revista

n a crear nuestro tejido cultural actual tal y como lo conocemos

nes 7 de abril de 2014

¿Sientes nostalgia de la portada de revista como un reclamo poderoso de los valores de la cultura pop? Si es así, échale un vistazo a esta galería de covers históricas, recuerdos de una época que está a punto de extinguirse.

A medida que la prensa musical en papel sigue su lento pero seguro camino hacia la extinción, como antaño ocurrió con el tiranosaurio, el uro y Manuel Fraga, más crece el halo de nostalgia por unos tiempos que parece que ya no volverán. Nos gusta recordar que las revistas fueron importantes para dar forma a nuestra cultura, canalizar la corriente pop y crear el mito del star system, pero lamentablemente las estrellas del presente -con mucho menos glamour, categoría y calidad, hay que decir- se forman en la red, en vídeos de YouTube o en memes. ¿Qué fue de la portada icónica? Pronto será pieza de museo. Y eso que en una buena portada se mezclaban varias artes valiosas: el estilismo podía dar entrada a una nueva corriente en la moda, la fotografía alcanzaba estatura como retrato icónico, además de los valores musicales que comunicaba una estrella como Madonna, David Bowie, Bob Dylan o Elvis. Todos estos nombres aparecían en Life, Rolling Stone, Vanity Fair, Playboy o New Musical Express, cabeceras que ya no existen, o existen con otras características, y sin duda sin la influencia de entonces. Todavía ocurre que alguna portada cause controversia o lance nuevas ideas e inspiraciones (por ejemplo, la de Kanye West con Kim Kardashian en Vogue), pero cada vez ocurrirá menos. La ocasión, pues, es oportuna para repasar un puñado de portadas icónicas que son un resumen acelerado y riquísimo sobre cómo fue la cultura pop en el siglo XX.

Arte Contempor谩neo

ALTERNED SPACE - serie - # 10 - mixed media on Canvas - 100 x 100 cm. - Arturo Carri贸n

Ramona

Zordini

Cuerpos sumergidos que relatan la tragedia del amor La fotógrafa Ramona Zordini nos regala escenas de una sensualidad extraña y tormentosa en su serie “Changing Time”. explora el tema del cambio considerado como alteración física y mental.

En la obra de la fotógrafa italiana Ramona Zordini el

A su manera, las fotos de Zordini son como un pe-

agua es un elemento central. Al menos en lo que se

queño teatro acuático en el que podemos revivir en

refiere a sus series “Changing Time”. Según sus pro-

forma de tragedia todos esos estados por los que atra-

pias palabras, "el proyecto explora el tema del cambio

viesa la vida amorosa de cualquiera: la apatía, la exci-

considerado como alteración física y mental, relaciona-

tación frente al descubrimiento, el placer curioso del

do con los instintos personales, el estilo de vida, las

jugar con otros, el apetito insaciable que llama al dis-

emociones y los caminos que uno toma en el curso de

frute del sexo, la intimidad que se crea en torno a la

la existencia”. Esos caminos que nos moldean a gol-

pareja, el dolor de la relación que acaba transformada

pes y que aquí aparecen “impresos de forma indeleble

en dependencia insana, esa sensación de faltarnos el

en el cuerpo”.

aire cuando el otro se distancia, o cuando nos aprieta

Los cuerpos que retrata aparecen siempre desnudos,

demasiado fuerte...

parcialmente sumergidos en un entorno acuoso. Son cuerpos que a veces se entregan al sexo, que otras

Seguro que tú también has pasado por esto. Nosotros, desde luego, nos vemos reflejados en estas aguas.

veces se pelean, o que se muestran aislados, en escenas que parecen evocar el recuerdo del calor de la carne del otro, o la búsqueda de sosiego, o que exhalan gestos crudos que transmiten miedo, dudas, ansiedad o tormento. 58

Brescia (I) 1983 Vive e lavora a Brescia, Italia Studia alla Libera Accademia di Belle Arti di Brescia conseguendo un Diploma Quadriennale in pittura ind.fotografia con voto 110/110 lode e un Diploma Specialistico in Fotografia con voto 110/110lode. Attualmente insegna Fotografia, è stata pubblicata su riviste Internazionali ( tra le più importanti Zoom di Marzo 2009 e Zoom di settembre 2009), ha vinto il Premio Telethon edizione 2009, nel Premio Tau Visual è stata indicata come “Autore Segnalato”e nel 2011 viene selezionata per partecipare alla Biennale dei Giovani Artisti dell'Europa e del Mediterraneo.La sua ricerca artistica nasce dal mezzo fotografico imponendo fin da subito la necessità di eliminare le delimitazioni spaziali e mentali di opera fotografica quadrata e bidimensionale;Lavora principalmente sul concetto di mutamento, di trasformazione psico-fisica, attratta più dal divenire scandito e modificato dal tempo che dal processo compiuto, spesso attrice del suo stesso lavoro, si serve dell’arte per esplorare le proprie scatole chiuse e scoperchiarle.Negli ultimi anni, cercando di sovverchiare le delimitazioni spaziali ha unito la fotografia del corpo al cucito e alla tridimensionalità degli altorilievi lavorando prevalentemente con l’acqua, elemento ricco del concetto di trasformazione e delimitazione tra l’ora e il suo tempo dissonante. "Vorrei l’impermeabilità delle cose per toccare ogni sensazione senza che filtri occasionalmente il mio essere e mi stordisca, lasciandomi implosa a riempire una scatola di rievocazioni decomposte e reinventate a mia immagine e somiglianza. Ambiguo il termine, ambiguo il luogo, il gesto, il pensiero, i tuoi occhi persi dentro un lui senza entrata, è un eterno momento di transizione, nulla è come ieri, il filtro è da pulire." https://www.etsy.com/it/shop/RamonaZordiniPhoto SOLO EXHIBITIONS: 2010 I Look.. Gallerati Gallery, Roma 2011 Obscura, Wave Photogallery, Brescia 2011 Obscura, Albanese Gallery, Matera 2011 Obscura, Winner of BAF Prize, Sala Manzoni, Bergamo 2012 Obscura, Hotel Marinagri, Marinagri 2013 Presentazione "Fotografia Cucita" , Museo Nazionale della Fotografia, Brescia, a cura di Luisa Bondoni 61

Concorsi: Finalist Tau Visual Prize Finalist Arteingenua Prize 1 posto Premio Telethon 2009 1 Premio BAF 2011

GROUP EXHIBITIONS: 2007 Altavia, winner of Altavia prize, Ventimiglia 2009 Click up, winner of Telethon Prize, Roma 2010 Innsbruck Art Fair, Innsbruck 2011 TouchStories, Bjcem, Thessaloniki 2012 TouchStories, Mole Vanvitelliana, Ancona 2012 TouchStories,WEYA World Event Young Artists, Nottingham 2012 Touchstories, Fabbrica del Vapore, Milano 2012 Ambiguity, Famiglia Margini Gallery 2013 AAF Selected Artist for Eberhard, Milano 2013 Save the beauty, Rossocontemporaneo Gallery, Taranto 2013 Changing time, Aliens Frattura Scomposta, Palazzo Pirola, Gorgonzola 2013 Frate Sole, Sor'Acqua, Save the Beauty, Chiesa di Santa Maria dei Maschi, Bari, a cura di Grace Zanotto 2013 The story of the creative, See // Exhibition space Gallery on July 25, Long Island City, NY 2013 Samsara, collaboration with Valentina Brostean, Circolo Culturale Amantes, Torino 2013 Private Portraits, with Franco Fontana, Enzo dal verme, Gianni Berengo Gardin, Joe Oppedisano, Paul Salembier, Melina Mulas etc., Wave photograllery, Brescia, curated by Renato Corsini 2014 "i linguaggi del corpo" curated by Giovanni Manzoni Piazzalunga, 77 Art Gallery, Milano 2014 Cromatico Photo Festival, curated by Massimo Vecchi,Catania SOME PUBBLICATIONS: 2009 febb ZOOM Magazine 2009 sept ZOOM Magazine 2009 Tau Visual Prize 2010 Arte Ingenua Prize 2011 Symbiosis - XV Biennal of Europe and Mediterranean, ed. Bjcem 2012 Disorder-WEYA, World Event Young Artist, Ed. Allemandi & C. 2012 Weya 2012 Artist Wanted 2013 Frattura Scomposta Magazine curated by Sergio Curtacci 2013 Premio Ora Prize 2013 Uno kudo Vol.3 2013 Laboratorio Alchemico, Tessere Storie 2013 Ă&#x2030;lĂŠmentaire Zine 62

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Un venezolano gana el Mundial de Circo

AimĂŠ

Morales

El Venezolano Aimé Morales sorprendió al jurado y al público del 35° Mondial du Cirque de Demain que tuvo lugar en París con un número sencillo pero poético que empleaba una “rueda cyr”. Aimé Morales tiene 28 años y es oriundo de Mérida, uno de los Estados andinos de Venezuela, y fue la gran sensación del último Mundial del Circo que se llevó a cabo en el Circo Phénix de París a finales de enero. En esa competencia donde se dan cita los mejores artistas circenses y malabaristas del planeta, el venezolano deslumbró con un número de una extrema sencillez de medios: en la pista estaban él y un aro cyr, una disciplina creada hace apenas una década. Este espectáculo cautivó al jurado que le entregó tres premios, entre ellos, la Medalla de Oro de este mundial, así como el Premio del Público. Era la primera vez que Venezuela participaba en esta competencia internacional. “Fue una experiencia increíble aunque muy difícil. El Phénix de París es un circo con capacidad para 4.000 personas. Sentí que no tuve un contacto cercano con el público durante mi número y sin embargo en cada presentación escuché a 4.000 personas aplaudiéndome. Eso fue extraordinario”, declaró Aimé Morales a RFI. Aimé Morales vive y trabaja en Europa desde hace varios años. Pero como muchos artistas de circo, sus inicios fueron en las calles y rayados peatonales de Venezuela. Después pasó por la Universidad de Los Andes, la ULA, y luego se vio obligado a emigrar. En Europa, estudió en tres reconocidas escuelas de circo, en Barcelona, Italia y Bruselas. El espectáculo de Aimé Morales sólo contaba con la rueda cyr, un aro metálico tan poético como temible para hacerse dominar. Pero eso es el circo moderno, un conjunto de disciplinas diversas. Para Aimé Morales la línea ha sido buscar un lenguaje universal. “Desde hace varios años he intentado buscar una manera de comunicar sin palabras, porque estar en Europa implica vencer la barrera del idioma. De todas maneras, el circo moderno es muy diverso y acoge todas las disciplinas y estilos posibles. La tendencia es a la mezcla de todas las artes escénicas en el circo”, agregó Aimé Morales.

Ivonne

Capecchi

La pasi贸n por la Luz y el Color a trav茅s del vidrio

Ivonne Capecchi Doubain

La pasión por la Luz y el Color a través del vidrio Por ArtClub - 2014

Ivonne Capecchi Doubain es una artista que se sumerge en la luz a través del color y el fuego. Mujer dedicada a su obra desde hace más de 25 años, sigue su ruta con el mismo entusiasmo y empuje al continuar desarrollando su labor , buscando y ejecutando en ella esa fuerza avasallante que la induce a escudriñar en esa luminiscencia física que la haga, aun mas disfrutar del color y las formas en ese trópico paradisiaco, donde transcurre su vitalidad. -. De donde eres y porque decidiste dedicarte al arte? Nací en Caracas, con la majestuosidad del Ávila como imagen inolvidable, crecí en una familia de artistas, mi abuela era pintora ,mi madre escultora ,pintora y músico y todos en mi casa de alguna manera heredamos ese amor por el arte. El taller de mi mamá siempre fue un lugar mágico donde nos permitía experimentar a diestra y siniestra todo lo que nos viniera en mente, tal vez de allí viene ese deseo incontrolado de crear ,mezclar y experimentar constantemente aun sabiendo que los resultados pueden ser explosivos. Mi papa era medico obstetra y no le quedó otra que aprender a convivir en una casa llena de artistas .

-. Cual ha sido la mayor influencia o circunstancia en el desarrollo de tu trabajo plástico? Recuerdo de mi casa, espectaculares faenas musicales en donde cada uno se hacía cargo de algún instrumento, así que entre pinceles, esmaltes, cuatro, piano y charrascas se fue modelando lo que soy hoy en día…No es muy fácil definir qué es lo que me influye a la hora de realizar mis trabajos, más bien creo que hay algún interruptor automático que se dispara solo y en ese momento comienzan a fluir ideas sobre lo que deseo hacer. -. Aprecio que desarrollas tu trabajo en un proceso figurativo que busca o roza el abstraccionismo. ¿Te sientes cómoda en esta aventura de estilos? Necesito un proceso creativo variado, cambiante, porque no tengo mucha paciencia y la repetición no es uno de mis fuertes .En cuanto a lo que hago ,puedo decir que por esa misma razón de huirle a repetición he ido experimentando diversas especialidades las cuales con el paso de los años he ido fusionando , es así como en mis murales se puede observar escultura junto con vitral y vidrio fundido .

-. Veo que sientes gran pasión por la obra en vitral, es tu verdadera fuente de comunicación o de lenguaje con el espectador y tu entorno? Cuando realizo un vitral, la magia de los colores y las texturas de los vidrios es indescriptible, tengo que mentalizarme para no querer llevármelos todos cada vez que tengo que ir a comprar materiales ,otra de las cosas que influye en mi trabajo es la ubicación de mi taller, estoy rodeada de montañas ,de árboles y de pájaros en una paz que invita a no querer salir de allí acompañada siempre de un buen cafecito y de quien este de paso por allí.

-. Has confrontado o participado con tu obra en certámenes nacionales o internacionales 0 en muestras individuales? En cuanto a exposiciones, no es muy fácil exponer vitrales ya que generalmente son trabajos bien personales, bajo pedido especifico del cliente y para un área ya predeterminada sin embargo decidí enviar al Salón de las Artes del fuego y fue aceptado razón que me motivo a intentarlo de nuevo este año, hace muchos años expuse escultura en el Salón de los Seguros Carabobo y en el Museo de la Cultura, pero es solo ahora después de muchos años que decido de nuevo exponer. -. Cuantos años tienes dedicados a tu trabajo artístico? Mi taller de vitrales y vitro fusión tiene aproximadamente veintidós años funcionando. -. Donde se te puede localizar? Dirección: Guataparo Urb. Mini Fincas el Solar final cuarta avenida segunda etapa parcela 07 Teléfonos: 0241-317-7235 /0424-442-4545 / 0412-779-7770 Correo electrónico: ivonnecapecchi@hotmail.com 77

Avelina

Lesper

Contra el performance Sin la estética del arte, sin los riesgos del activismo, sin el rigor de la ciencia y sin enfrentar la realidad, el performance se disfraza con argumentos para ocultar su vacío. En este ensayo, una avezada crítica mexicana corre el telón. 80

Me asignaron el libro número seis del catálogo de performance llamado Performagia. Empezaré por decir que el libro contiene una serie de textos de presentación escritos básicamente por performanceros. El texto de Pancho Casas es interesante y significativo porque su acercamiento al performance es una protesta con un objetivo definido: defender los derechos de los homosexuales y por ende los derechos humanos, y para ello pone en riesgo su integridad. Casas no se engolosina con la imagen del yo artista; protesta, y para hacerse ver crea formas de comunicación que llamen la atención. Hasta ahí el aporte. En el resto de los textos las similitudes son constantes: autobiográficos, con descripciones detalladas de acciones y la autocomplaciente historia de que todo el mundo es artista desde chiquito. Hay un esfuerzo descomunal por justificar y explicar la existencia del performance, por establecer que es el arte de nuestro tiempo, que todas las acciones tienen sentido y que si alguien camina o se resbala por un tobogán está haciendo una reflexión filosófica sobre el cuerpo y el espacio. Uno de los textos, que se supone irónico, tampoco aborda con profundidad el fenómeno y termina como una alabanza. Los argumentos a los que recurren son un cúmulo de los lugares comunes usados con la pretensión de validar una actividad que en los hechos se demuestra incapaz de sostenerse por sí sola. El mito de la carne y la sangre La tesis del cuerpo como herramienta ha llegado a tal extremo de mitificación que pareciera que las otras formas de creación son telepáticas y en ellas no participara la acción física. Aclaremos puntos: el performance no cambió la concepción del cuerpo; si algo ha desmitificado nuestra naturaleza son la ciencia y la filosofía. El marqués de Sade ha aportado más a la racionalización del cuerpo que toda la historia del performance junta; por eso las religiones han entorpecido al máximo la investigación científica y han censurado a Sade. En el terreno del arte, el cuerpo siempre ha sido herramienta y objeto de estudio, tanto de representación como de trabajo. Somos únicamente cuerpo, todo lo que hacemos es a través de nuestro cuerpo. Su representación implica un involucramiento que se centra en la observación, la conciencia y la utilización. Lucian Freud no veía personas, veía cuerpos, su trabajo como pintor era esencialmente físico. Este énfasis se desploma si además examinamos la historia humana. El castigo corporal es ejemplar porque tenemos conciencia del cuerpo, de su valor como propiedad única y universal, de la esencia que nos hace existir y ser. El cuerpo es un espacio real y simbólico que se maltrata, humilla, sacrifica, hiere, desde que tenemos presencia en este planeta.

El castigo social es brutal, los colgados por homosexualidad en Irán, las mujeres musulmanas lapidadas, los terroristas con bombas en el cuerpo, los decapitados del narcotráfico, las procesiones religiosas, los latigazos de Semana Santa. En contraste, lo que podamos ver en un performance ni rebasa ni hace que tengamos conciencia de algo que todos sabemos, experimentamos y vemos. No hay novedades ni aportes. Que sea un acercamiento sin rigor no lo convierte en un acercamiento más osado. : El científico bipolar En varios textos se afirma que el performance es una mezcla de ciencia exacta y arte. Se plantean novedades que en realidad no existen como tales. Si la ciencia rompe sus propios límites en la cirugía reconstructiva o la investigación celular, el performancero se injerta una oreja o unos senos de silicona. Es decir, algo sin trascendencia ni aportación científica, que además no enfrenta la responsabilidad del error científico. Su desfasada noción llega al extremo de citar las patológicas acciones de Orlan, que padece la enfermedad clínicamente llamada trastorno dismórfico corporal, o sea la adicción a cambiar la apariencia física entrando al quirófano tantas veces como la tarjeta de crédito lo permita. El vicio de Michael Jackson en Orlan es arte. Si de verdad quieren experimentar imiten la terrible experiencia, nada artística, de los mutilados de guerra y ampútense las piernas. Estas frivolidades únicamente sirven para tener un libro de Phaidon y una exposición en un museo del primer mundo. : Las acciones Las acciones están sometidas a fronteras preconcebidas. Todas tienen una intención moral o una reflexión que justifica su resultado, y se dividen entre las que creen que el arte es una ong o es terapia de grupo, las que tratan de martirizar el cuerpo, las que imitan los programas de concurso o realityshows, las de sexo decente y las de tareas cotidianas mínimas. Entre la ONG y la terapia de grupo El performance de Lorena Wolffer consiste en una encuesta como las que innumerables ong han realizado sobre violencia de género. La diferencia es que esta carece de la metodología y los objetivos que se exigen dentro de un marco de investigación científico-social. Ahora la pregunta es: ¿por qué su encuesta, que no plantea una hipótesis seria, es arte, y la de una ONG, realizada con la debida metodología, no es arte? Por el capricho del sistema del arte, porque ella lo decidió, porque los que eligieron su acción consideran que eso aporta algo, aunque no sepan qué. La lista de respuestas es inagotable. 83

Los performanceros como Wolffer abordan temas que se suponen de interés social o psicológico, banalizan los problemas y los llevan hasta el ridículo, infantilizan sus argumentos para enfatizar que son el punto de vista de inteligencias inmaduras o arte emergente. Así, los ataques del 11-s son avioncitos de papel, la problemática de los inmigrantes es convivir con una almohada, y cito: “robada de casa de la madre del artista”, como si ese dato fuera relevante en los resultados. En terapia pública alguien confiesa sus secretos, o se enreda en un tejido, y cito: “para hablar del encierro propio”. El performance que no entrará en los récords guinness La gran inspiración de muchas de estas acciones son los programas de concurso y los reality-shows en los que someten a pruebas absurdas y degradantes a los concursantes, quienes por pobreza o sed de fama se humillan para ganarse un premio. La televisión combate el aburrimiento con la explotación de fenómenos y esperpentos, y el performance encuentra virtudes artísticas en la zafiedad televisiva y la copia. La diferencia es que “la caja” se justifica con el rating y el performance se justifica en sus reflexiones. Si vemos en la televisión estas acciones o retos, les llamamos entretenimiento analfabeto o telebasura, pero si los vemos en el contexto de un festival artístico los tenemos que llamar arte. En este caso el premio es ser considerados artistas. Por ejemplo: Alguien rueda sandías y le llama “actividad exhaustiva”, pero eso a mí me recuerda la prueba de los troncos locos en la televisión. Exhaustiva es la jornada normal de diez horas en una mina o en una fábrica de ladrillos. Paola Paz Yee se mantuvo en vigilia por 36 horas; si se trata de durar, les diré que el récord Guinness sin dormir lo tiene Randy Gardner y aguantó 264 horas. La artística acción de ponerse desodorante tampoco alcanza premio; el récord de ponerse perfume es de un litro y medio en una hora. Jesús Iberri, que pedaleó cuatros horas en una bicicleta fija, cae derrotado ante la marca mundial en Italia de 224 horas, 24 minutos. James Bonachea se mete en un tanque con agua por una hora, un reto minúsculo si lo comparamos con el del ruso que nadó durante una hora en un río congelado a menos 20°c o el de cruzar nadando el Canal de la Mancha o el Estrecho de Bering. Todas las acciones tienen una reflexión, y la de las sandías un texto largo de la concursante o performancera, en el que además se vanagloria de su esfuerzo. Sin gratificación visual ni estética Las primeras acciones que abordaron el sexo fueron las bacanales griegas y las orgías romanas. En el cine hemos visto todo tipo de escenas sexuales explícitas, y en internet el sexo se democratizó a tal punto que cualquiera puede ser actor de su propia película porno y subirla a la red. Así las cosas, ver una fiesta con gente desnuda o a alguien que se cose los genitales no aporta novedad ni crea nuevas fantasías, tan solo se suma a la cadena

de repeticiones que además se queda corta con relación al patrón copiado. Pareciera que entrar en los límites de lo ilícito atemoriza u ofende a los performanceros. : Regocijémonos en el sufrimiento El sufrimiento tiene dos vertientes: Uno es el que se padece por fatalidad y en este caso nos remite a las clases desprotegidas, a los grupos marginados. La pobreza provoca dolor, desde la falsa esperanza del que se martiriza para pedirle algo a un dios inexistente, hasta el que es víctima de una circunstancia social: en Egipto o en la India, a los niños les queman los ojos o los mutilan para que pidan limosna. La otra vertiente es la del dolor burgués, que coincide con lo dicho por Sartre en su Crítica de la razón dialéctica: “El burgués se somete a un sufrimiento que inventa, y lo ejerce en nombre de la no necesidad. Esta violencia corporal puede ser real o ficticia, lo importante es que sea pública”. Con esto demuestra que él también sufre y que falsamente se solidariza con la clase desprotegida. Caminar con un pie fracturado, como en el caso de Julián Higuerey, no es el martirio extremo de participar en una procesión religiosa, ni de vivir las mutilaciones de la India: es sufrimiento recreativo. El sufrimiento burgués de estos performances chantajea al espectador, nos impone solidarizarnos con una actividad ociosa, que ni de lejos alcanza el dolor real que inflige la sociedad. La razón es ineficaz para la metafísica La exaltación de la tarea sin objetivo: tejer, escuchar el propio corazón con un estetoscopio, pedir chile de puerta en puerta, caminar por una línea, romper libros (me imagino que siempre es mejor que leerlos), derretir un hielo con un soplete, escribir en una pizarra, meterse en una caja de cartón. Resulta que para el performance estas tareas tienen implicaciones artísticas por el hecho de realizarse en un entorno privilegiado y con apoyos institucionales; se respaldan en reflexiones para explicar que su simpleza es aparente y su búsqueda buena para la humanidad. Lo que signifiquen va más allá de la evidencia, su valor es una invención metafísica, no una realidad racional.

El performancero: ¿centro del arte? El performance no abre brechas; se asienta en conquistas de otras disciplinas, investiga en obviedades y se queda en representaciones mínimas de fenómenos que no comprende. Los performanceros califican sus obras como experimentos que están revolucionando el arte y responden a nuestra época, pero las evidencias fotográficas y la información adjunta nada tienen que ver con la teoría. Las reflexiones se imponen de forma artificial para dar valor a obras que sin estos argumentos jamás podrían ser vistas como arte. Esta situación es generalizada, lo pude apreciar en todos los volúmenes del catálogo y en varios de los performances a los que asistí. Y también sucede con las estrellas internacionales. Presencié el show de Marina Abramovic en el MoMA, con su contingente de guardias de seguridad, su sueldo estratosférico de 1.000 dólares la hora y la simpleza de la acción: sentarse en el átrium del museo en los horarios para el público, mientras unos guardias expulsaban a los espectadores que miraran por más de unos segundos a performanceros desnudos. Esa es la naturaleza de tales acciones: transcurren en un espacio que las protege y que les permite desarrollarse sin el peligro de enfrentar al público. De este modo no alcanzan, por ejemplo, el nivel que tiene Greenpeace en sus múltiples protestas, cuyos miembros han llegado a colarse en el Parlamento Europeo aunque les toque pagar con prisión esos actos.

Conclusión En este catálogo no hay un solo análisis del resultado de las obras; pareciera que todas son exitosas, que en todas se logró lo deseado. No se explica bajo qué criterios fueron seleccionadas. Lo que sí se tiene clarísimo es que quienes hacen esto son artistas y que cualquier acción realizada por el artista, desde masticar y escupir comida hasta llenar un vaso con tierra o pintar sus glúteos de colores, se transforma en arte. Esa arrogancia da como resultado una colección inusitada de clichés y simplezas elevados a un estatus que no les corresponde. Lo digo con claridad: estos performances no aportan ni al arte, ni a la experiencia estética. Son acciones sin provocación, políticamente correctas, con argumentos débiles para cuestionamientos fáciles; cargadas de propósitos morales e ideas de inspiración burguesa. Con esta cascada de buenos propósitos los performanceros evaden la responsabilidad de hacer arte con oficio. Un movimiento que surgió como rompimiento, y que no requería de comprensión, ha degenerado en obras que acumulan explicaciones y discursos alineados con el statu quo. Ninguna de estas manifestaciones demuestra talento, técnica, lenguaje o capacidad creadora. No arriesgan más de lo que la pornografía, los programas de concurso, los reality-shows de la televisión, las procesiones religiosas, la ciencia y las protestas sociales ya han arriesgado. Entonces, ¿por qué llaman a esto arte, por qué se autodenominan artistas y cómo pueden decir que este es el arte de nuestra época? Los espectadores merecemos más, merecemos que hagan cosas realmente trascendentales. Si, como dice Freud, “la repetición manifiesta el instinto de muerte”, estas acciones que se copian, se repiten, se desgastan, están anunciando la muerte del performance. Porque esto, el contenido de este catálogo, no es arte, y así como está ahora el performance, en general, tampoco es arte.

Avelina Lésper 87

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Arte Contemporรกneo

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ARTCLUB magazine - Issue 2

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Arte Contemporáneo

CURVATARES - serie - # 25 - mixed media on Canvas - 100 x 100 cm.—Arturo Carrión

ARTCLUB magazine - Issue 4

Dibujo “Marijó Piñeiro” montmartre - París

- Photo by arturoCarrión 96

4 ARTCLUB magazine - Issue 4 - page