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DIRECCIÓN GENERAL Y EDITORIAL
Guillermo González Taboada CONCEPTO | DISEÑO | REDACCIÓN
Art Democracy Hub COLABORACIONES ESPECIALES
María Inés Viturro, Pilar Lonziéme PRODUCCIÓN EDITORIAL
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Buenos Aires: Ricardo Gruneisen, Richard Willmott, Edgardo Giménez, Martin Ron, Polly Miranda, Alejandra Achával, Cristina Cassinelli, María Racana, Gastón Deleau, Guadalupe Requena, Naná Gallardo, Mariela Ivanier, Sandra Di Lucca, María Cristina Andreone, Amalia Monpelat, Flavia Masetto, Anne Smurra, Marcelo Maglione, Emilio Xarrier, Alex Garbarini Islas, Fernanda Canals, Agustin Larco, Willy Troglia, Agustín Jorge Villegas, Marcelo Paz, Antonio Lanusse, Miguel Bornstein, César Stange, Annette Charreau, Silvio Paniza, Montserrat García, Agustín Llanos, Gonzalo Vidal, Marina Pellegrini, Aldo de Sousa, Pablo de Sousa, Dolores Casares, Roberto Schaudt, Yanina Flores, Laura Salas, Achi Pirovano, Carlos Citara, Federico Gonz, Jorge González, Laura Sánchez, Gisela Asmundo, Carlos Solanet, Agustin Muguerza, Santi Pozzi, Matilde Krause, Ruy Salas, Javier Arroyuelo, Mauro Herlitzka, Nicolás Melmann, Madrid: Paloma Alarcó, Gema Sese, Miami: Richard J. Willmott, Florencia Kaplan, Jose Rainer, Claudio Roncoli, Marcelo Cabred, Helsinski: Pablo Steffa, Venecia: María Rita Cerilli, Nueva York: Ridley Howard, Eliane Awada, Londres: Cecily Carbone, Minneapolis: Meredith Kessler, Australia: Claire Butler, Holanda: Virginia Vierling Preimpresión e impresión
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La Iniciativa Rolex
Mentores y Discípulos
Una gran iniciativa de Rolex reúne a consagrados y jóvenes promesas durante un año de colaboración creativa. Se trata de un extraordinario emprendimiento a nivel internacional, en distintas disciplinas artísticas. En artes visuales, este aÑo Olafur Eliasson trabaja con el fotógrafo emergente Sammy Baloji.
“The Rolex Mentor and Protegé Arts Initiative” va por su séptima edición y desde 2002 ha reunido referentes a nivel mundial con talentos jóvenes, seleccionados a su vez por otras grandes figuras. En artes visuales, han participado Anish Kapoor con Nicholas Hlobo, John Baldessari con Alejandro Cesarco y David Hockney con Matthias Weischer, entre otros.
Olafur Eliasson y Sammy Baloji, Artes Visuales, Foto: ©Rolex / Tina Ruisinger
Cada dos años, un consejo asesor, integrado por artistas y profesionales consagrados, propone a mentores potenciales. Luego se trabaja junto a los mentores elegidos para trazar el perfil de los discípulos a convocar. Un comité del que forman parte otros referentes propone a los jóvenes artistas y Rolex los invita a presentar sus candidaturas. Ambos comités las estudian y recomiendan tres finalistas. Finalmente Rolex dispone los medios para que el mentor se reuna con la terna y elija al discípulo con el que compartirá su experiencia. “El arte es una gran manera de darle forma al futuro” dice el celebrado Olafur Eliasson, mentor 2014/2015. Para Sammy Baloji, de la República Democrática del Congo, a quien Eliasson escogió como su protegido, “el gran interés de Olafur por Africa establecerá un fuerte punto de conexión, mientras yo exploro nuevas maneras de expresarme artísticamente, más allá de la fotografía”. Para entender lo que esta gran iniciativa de Rolex representa desde la perspectiva individual de un artista emergente, vale como ejemplo el comentario de Sammy Baloji: “Cuando visité el estudio de Olafur en Berlín, me quedé asombrado por su gran tamaño. Es como una fábrica -¡hay casi 80 personas que operan para él! Yo nunca había visto una colaboración tan grande entre artistas, investigadores, artesanos y arquitectos- todo bajo un mismo techo y todos trabajando juntos. Tengo muchas ganas de crear un estudio interdisciplinario en mi país. Espero que sea un espacio experimental para mí y para otros artistas. Un lugar para preservar antiguas formas de arte de la zona y que corresponda a la realidad local y los problemas cotidianos. Hasta ahora he trabajado principalmente con la fotografía, el vídeo y la ilustración. Busco ampliar mis conocimientos artísticos, para seguir adelante con nuevas ideas. Espero discutir todo esto con Olafur. ¡Ya estoy inspirado con sólo ver su estudio!”
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JEAN-MICHEL BASQUIAT
Entre el cielo y el infierno NOTA DE TAPA
Fashion & Art ALEXANDER CALDER Y EMILIO PUCCI
The Braniff Collection DALILA PUZZOVIO
Aquella chica de las plataformas DELIA CANCELA
Sociedad Creativa LANCE STAEDLER
El menos conocido entre los famosos GABY HERBSTEIN
Sueños bien despiertos ANDY CHERNIAVSKY
Arte, Moda y Rock & Roll THYSSEN-BORNEMISZA
Vogue like a painting FRIDA KHALO
Frida Super Model MARIANO FERRANTE
Esa geometría está viva HENSE
Algo grande está pasando EDUARDO MAC ENTYRE
Le magicien du compas RICARDO CINALLI
Imágenes renacentistas, corazón contemporáneo DANIELE CRIPPA
Il Cavalieri di Portofino DAVID DESPAU
Alma-retratista de alma TATE MODERN
El mundo se vuelve pop ÚLTIMA PÁGINA
Cerati según Santi Pozzi edición impresa | octubre 2015 8
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edición impresa | octubre 2015 Entré a esa casa de 700 m2 en un country al norte de Buenos Aires y recorrí los grandes ambientes de la planta baja que dan sobre el golf. Esas paredes inmaculadamente blancas que vi por primera vez cuando fue inaugurada, se mantenían tal cual. Los dueños, una exitosa pareja de poco más de cuarenta años, viajeros incansables, habían invitado a almorzar. Eramos unos cuantos y entre charla y charla el tema derivó al arte. Una de las mujeres contó que fue a ver la muestra “Vogue Like a Painting” en Madrid. Una pareja enamorada de paso por Venecia, se hizo tiempo para visitar la de Jackson Pollock en el Gugghenheim local. Otra viajó a New York y desde luego, fue al MoMA. Cualquiera que hubiera escuchado la conversación no dudaría que el arte estaba entre las inquietudes de todos. De pronto alguien comentó que le habían ofrecido una obra de un argentino conocido y que su precio era 25.000 dólares. El clima arty que reinaba hasta entonces viró por completo, cuando uno de los hombres dijo “¡Estás loco pagar por un cuadro 25 lucas, con eso te vas quince días a la Toscana con tu novia!” Creí que alguien más que yo iba a saltar por la comparación y argumentaría sobre el placer que tener una obra de cierta importancia significa. Lejos de eso, el consenso fue mayoritario, fogoneado por el dueño de esa espléndida casa, cuyo valor de mercado es fácil imaginar. En ese momento caí en la cuenta que -a pesar del aparente interés por el arte- esas paredes blancas estaban condenadas a permanecer así, a no ser que alguna sobrina decidiera empuñar los pinceles y fuera entronizada como “la artista de la familia”. Si este caso fuera la excepción, el arte, los artistas serios que empujan la frontera en la Argentina tendrían alguna chance de ser valorados como se merecen. Sin embargo me temo que lo que ocurre con este grupo de buenos amigos es la regla entre sectores que pueden, pero que por falta de información, contacto o sencillamente desconfianza, no se atreven a las galerías. Y por las ferias, sólo pasean.
¿Paredes irremediablemente blancas? A diferencia de lo que sucede en Venezuela, Colombia, Perú, México, Brasil -por citar algunos ejemplos- no existe en la Argentina un coleccionismo extendido ni siquiera incipiente entre sectores que, con algun poder económico, deberían sentirse motivados a integrar el arte a su vida de todos los días. ¿Un problema cultural? Tal vez. ¿Falta de contacto con gente allegada al arte? Quizás. ¿Qué pueden, qué podemos hacer todos lo que desde un lugar u otro interactuamos en la comunidad del arte en la Argentina? La respuesta no es sencilla, pero un camino sin duda es multiplicar las oportunidades. Con un par de ferias no alcanza. Se necesita interesar aún más a los medios. Es fundamental abrir el juego, convocar desde agrupaciones de galeristas como las que se están formando, provocar encuentros con potenciales compradores, desarrollar ideas que interesen a las empresas. Y pensar en el futuro, llevando el mensaje del arte a los colegios, a las universidades. Nada de esto es nuevo. Lo que puede ser nuevo es la forma de hacerlo. Hasta el próximo número y antes, claro está, ¡qué disfrutes de éste! Guillermo González Taboada EDITOR
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Para algunos Basquiat fue un fenómeno producto de la necesidad -y la habilidad- de los galeristas neoyorkinos para inventar estrellas. Sin embargo otros jugadores del sistema del arte -periodistas, museos y coleccionistas- lo convalidaron rápidamente. Lo que sucedió después fue una vida en cámara rápida que se apagó en pocos años.
Jean-Michel Basquiat, 1984, fotografiado por Lee Jaffe
Jean-Michel Basquiat
Self-Portrait, 1984, acrílico y papel montado sobre lienzo,100 x 70 cm, Yoav Harlap Collection, © Estate of Jean-Michel Basquiat >
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¿Habrá sido el sistema que endiosó a Jean-Michel Basquiat y lo catapultó a la fama con apenas 25 años, el responsable de su muerte?
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The Ring, 1981
tela,
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n Privada, © Es
cm, Clecció 152.4 x 121.9
Basquiat no era un chico de la calle. Se dice que a los 6 años su madre, una diseñadora gráfica puertorriqueña de cierto reconocimiento, lo llevaba a visitar museos y de hecho a esa edad fue miembro junior del Museo de Brooklyn- Estudió en una escuela pública privada y luego pública hasta que a los 16 ingresó en City-As-School, un centro escolar para adolescentes superdotados del que lo expulsaron por rebelde antes de graduarse. Por ese tiempo Jean-Michel se sumergió en la subcultura de Nueva York, abandonó su casa y entró en contacto con el mundo de las drogas y las bandas callejeras. En 1977, junto a Al Díaz, se convierte en grafitero y pinta los vagones del metro y las paredes del Soho. Sus pintadas solían ser satíricas y tenían una carga filosófica y poética. Los graffitis y murales que por entonces realizaba en conjunto con Díaz, los firmaban como SAMO (Same Old Shit) y despertaron la atención de The Village Voice que publicó un artículo sobre su trabajo. Fue la señal de que el mundo del arte lo había detectado, pero será recién en 1980 cuando todavía sin destino cierto decide dedicarse de lleno a la pintura, inspirado en el expresionismo abstracto por el que tenía una gran admiración. Entre su primera participación en una muestra colectiva en 1980 y el artículo “The Radiant Child” que le dedica Art Forum a fines de 1981 se suceden una serie de hechos que lo ponen en la mira de los galeristas.
“Yo quería ser una estrella, no una mascota de galería”. Jean-Michel Basquiat
De ahí en más el fenómeno Basquiat crece rápidamente y se ocupan de él Sidney Janis, Gagosian, Annina Nosei, Mary Boone y el galerista suizo Bruno Bischcoferger a quien lo presenta quien fuera el mentor de Jean-Michel: Andy Warhol. En Febrero de 1985, Basquiat aparece en la portada de la revista dominical de The New York Times y despierta curiosidad porque es el primer artista plástico negro que aparece en una portada de esa importancia en los Estados Unidos.
< Irony of a Negro Policeman, 1981, acrílico sobre tela, 183 x 122 cm, Colección Privada, © Estate of Jean-Michel Basquiat.
El estereotipo racista blanco podía considerar bueno a un deportista, un bailarín o un músico, pero un artista plástico de color parecía demasiado. Sin embargo, el título de la nota resultaba un tanto desagradable para su condición de artista: “Nuevo arte, nuevo dinero: el marketing del artista americano”. Mientras la fama y el dinero seguían acumulándose, Jean-Michel sufría ataques de paranoia y persecución y sus adicciones se profundizaban. Había gente que se robaba obras de su estudio, algunos galeristas se llevaban trabajos sin terminar para exhibirlos o venderlos. El sistema ejercía
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su máxima presión. 40 exposiciones individuales y más de 100 colectivas en apenas ocho años son demasiado para cualquiera. Una madrugada de Agosto, a sus 27 años, Jean-Michel muere por una sobredosis de heroína.
Los críticos especializados siguen debatiendo sobre la obra de Basquiat, la notoriedad del personaje y su desaparición temprana lo convierten en un mito. Para quienes comercializan sus obras, este cóctel resulta extraordinario. Para los observadores críticos, a ese chico rebelde y talentoso, lo devoró el sistema.
Mert Alas y Marcus Piggott para Vogue, 2011, Vogue Like a Painting >
The Braniff Collection Dalila Puzzovio | Delia Cancela Gaby Herbstein | Andy Cherniavsky Vogue like a Painting | Frida Khalo A lo largo de la historia se han producido infinidad de encuentros entre el arte y la moda. Si nos remitimos al siglo pasado un tal Andy Warhola-antes de convertirse en Warhol- se ganaba la vida ilustrando espléndidos figurines en tinta, que retornaron al ruedo hace un par de años en la Semana de la Moda en París. Christian Dior fue galerista antes que diseñador. Artistas de vanguardia como Raoul Dufy y Sonia Delaunay crearon telas y diseñadores como Elsa Schiaparelli formaron parte de movimientos artísticos. Yves Saint Laurent homenajeó en sus creaciones a Van Gogh, Picasso y Mondrian, entre muchos otros. La afinidad entre Halston y Warhol, su interacción creativa, se convirtió en un ícono de la cultura americana. Vivienne Westwood descubrió el arte de callejero de Keith Haring y lo incorporó a su colección “Witches”. Alexander McQueen, antes de morir, recreó a los maestros flamencos y renacentistas en una de sus últimas colecciones. Takashi Murakami trabajó para Louis Vuitton. Ed Ruscha para Stella McCartney. Los ejemplos son miles.
Esta selección que hoy presentamos es apenas una pequeña muestra de esos encuentros. Algunos, emblemáticos, reaparecen en estos días montados en la revalorización del arte pop en el mundo. Dos de ellos nos tocan muy de cerca y son los casos de Dalila Puzzovio y Delia Cancela, con incursiones que cruzaron el arte y la moda y hoy son tomadas como referencia en los Estados Unidos y Europa.
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Las fotografías de esta nota son propiedad de la Universidad de Texas y son reproducidas por Art Democracy con su autorización
Braniff International, la línea aérea americana que voló desde 1928 hasta 1982 generó uno de los mayores cruces entre la moda y el arte de la historia. Desde 1965 y durante más de diez años, bajo la orientación de una genial creativa publicitaria, Mary Wells y con el concurso de arquitectos como Alexander Girard, el diseñador de muebles Herman Miller y los diseñadores de moda Emilio Pucci y Halston, Braniff provocó una revolución en el mundo de las corporaciones y la imagen.
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Alexander Calder
para The Braniff Collection El emprendimiento más ambicioso que haya unido jamás el arte y la moda tuvo lugar en el aire. ReciÉn comenzaban los 70, EL DISEÑADOR Emilio Pucci estaba en su apogeo y ALEXANDER Calder ya era un grande ENTRE LOS GRANDES. Braniff los reunió detrás del proyecto más original y sofisticado de la historia de la aviación.
Esa revolución tuvo su climax con la invitación a Alexander Calder a pintar uno de sus aviones. Fue en 1973 cuando Calder intervino un Douglas DC 8 que fue introducido como “Flying Colours of South America”.
Calder murió en 1976 cuando se disponía a hacer la intervención de un tercer avión, el “Flying Colours of Mexico”. Esta audaz idea tuvo una enorme repercusión mediática y motivó a muchas otras compañías a incorporar arte a sus campañas.
En 1975, ese obra de arte de los cielos fue presentada en “Paris Air Show” e inmediatamente lo sucedió el “Flying Colours of the United States” para conmemorar el Bicentenario de los Estados Unidos.
Es muy interesante cuando uno rastrea cómo los artistas descubrían esos trabajos. Estuvo este famoso número de Enero de 1963 de la revista “Arte Internacional” que tenía mucha información sobre los artistas pop estadounidenses. Esa fue una de las formas en la que mucha gente se enteró de que una de las ramas del arte pop estaba ocurriendo en el mundo. Los artistas viajaban para recibir premios o becas, iban a bienales. Había una forma en la que podían tener conciencia de lo que se estaba desarrollando. Esa fue una de las formas en la que mucha gente se enteró
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Emilio Pucci
para The Braniff Collection
Las fotos de esta nota son propiedad de la Universidad de Texas y son reproducidas por Art Democracy con su autorización
A mediados de los 60, Emilio Pucci, el aristócrata florentino, era el diseñador de moda más sofisticado de la época. Desde la posguerra Pucci venía impactando con sus estampados geométricos y caleidoscópicos, de una extraordinaria combinación cromática. Asociar su estética a Braniff fue el primero de los movimientos que conducirían a que Calder pintara los aviones algunos años más tarde. La energía creativa de esa década fluía por todos lados. La cultura se había tornado decididamente pop y las grandes marcas descubrían que convocar a diseñadores y artistas era una llave mágica para alcanzar mayor difusión y ganar prestigio. Pero nadie voló tan alto como Braniff. Las creaciones de Pucci para la innovadora aerolínea remiten a aquello de “la moda no es arte, pero se necesita de un artista para crear moda”. Esos diseños originales tienen hoy un altísimo valor y se conservan piezas de la colección en distintos museos alrededor del mundo.
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ELLA
LVOE
ASÍ
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“Emilio Pucci, el Marqués, adelantó con sus estampados geométricos y psicodélicos -atento al color y a la geografía de sus lugares preferidos Capri y Portofino- la gloriosa década de los 60”. DALILA PUZZOVIO Artista
Con sus “arty shoes”, Dalila Puzzovio ganó en 1967 el Premio Internacional del legendario Instituto Di Tella. Ese cruce puntual entre el arte y la moda, en su momento visto por algunos como una banalidad, es rescatado hoy en los Estados Unidos como un ejemplo brillante de conceptualismo.
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1966.
El cruce entre la moda y el arte en la Argentina tiene un momento histórico y es el que, en el marco de los rupturistas años 60, unió a Alberto Grimoldi, un empresario audaz y visionario, con Dalila Puzzovio, una de las estrellas del Di Tella. Todo empezó con Dalila.
Dalila Puzzovio
Corría 1967 y el Instituto Di Tella era el epicentro del arte de vanguardia en la Argentina. Ese año su Premio Internacional tendría como habitualmente, jurados extranjeros muy prestigiosos. Dalila, niña mimada del Instituto, llegaba con un buen antecedente: había ganado el Premio Nacional Di Tella. Y allí comenzó la historia de “Doble Plataforma”.
Dalila Puzzovio, La calidad de la vida en la punta de una doble plataforma, collage con fotos propias,1998.
Fotografías actuales de Dalila -tapa y notapor Cristina Casinelli
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Bartholomew Ryan, co curador de la muestra International Pop, que se exhibe actualmente en el Walker Art Center de Minneapolis, le comentó a Art Democracy: “La forma y el tipo de conceptualismo que emergió en la Argentina en los 60 fue mucho más de avanzada que el conceptualismo que surgió en los Estados Unidos. Un ejemplo es “Doble Plataforma” de Dalila Puzzovio, una obra increíble y sofisticada y desde la dimensión pop, esos zapatos preciosos, exhuberantes y alegres, eran exhibidos en una conservadora zapatería de la calle Florida y a la vez eran expuestos en el Di Tella”. nujín, ordia, Marta Mi llo con Zulema Ci ma Dalila Puzzovio Rafael Squirru y Alberto Ra , 19 nín , 61. Rubén Santanto el Museo de Arte Moderno en
Para concretar “Doble Plataforma” Dalila buscó un sponsor, intento extraño para la época más aún tratándose de arte. Se contactó con Alberto Grimoldi, dueño de las famosa cadena de zapaterías argentinas, que sin dudar le dio su apoyo a la idea -entonces revolucionaria- de que una obra de arte se convirtiera simultáneamente en un objeto de uso cotidiano.
Dalila lo cuenta con sus propias palabras: “Las grandes afirmaciones necesitan grandes manifestaciones, el desafío fue convertir la obra de arte en una experiencia de consumo, imaginé una estructura fría de metal que encerrara la “nueva Divina Proporción”: las mujeres desde esas alturas podríamos predecir el año 2000. Ese discurso interior se convirtió en la primera obra “in progress”, ya que el jurado internacional tuvo que evaluar el trabajo en el Instituto Di Tella como obra de arte y luego recorrer las sucursales de Grimoldi por los distintos barrios de Buenos Aires para evaluarla como objeto de consumo”.
Fotografía de
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Originalmente la intención de Dalila fue relacionar el arte con el consumo y no particularmente con la moda, pero las fronteras eran muy cercanas y las vidrieras de Grimoldi recibieron esa temporada un estallido de vanguardia y color, que utilizando un modismo de la época fue calificado como “el último grito de la moda”. O “el último Grimoldi de la moda”, como imaginaría un publicitario.
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Alejandro Kurop
El Premio le permitió a Dalila viajar a Nueva York con Charly Squirru, su pareja, artista también y protagonista del Di Tella. Allí, en la casa de Halston, conoció a Andy Warhol que, por la afinidad y cercanía con el diseñador, cruzaban permanentemente sus creaciones.
El mítico Pierre Restany, treinta años después, se refirió a “Doble Plataforma” de esta manera: “El premio otorgado a los zapatos de Dalila adquiría sentido en la corriente de vitalismo urbano de la época y marcaba una fecha capital en la relación porteña arte-moda”. Pero nadie como Felisa Pinto, en una nota para Debate, la revista de opinión, definió con tanta claridad lo que significó este cruce y la trayectoria de Dalila hasta hoy: “A caballo de la fusión entre arte y moda, Dalila es una pionera en la exploración de las fronteras de ambos mundos y sigue mostrando -con la misma fuerza que despertó en tiempos del Di Tella- cómo “aunque la moda no es arte, para hacer moda se necesita ser artista”.
Actualmente Dalila sigue creando y es un referente obligado para las nuevas generaciones de ese extraordinario movimiento que fue el Di Tella. tora del Fondo Fortabat, Direc alia Lacroze de e “La parusía”, 2002. Dalila con Am ag ss Artes, verni Nacional de las
en” otros destruy os construyen 79. “Mientras un 9 de Julio, 19 ida en Av la Performance de en la ampliación
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Dalila y Charl
“La moda me permitió crear individualismo más que status”. Dalila Puzzovio
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1968.
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Delia Cancela DiseĂąo Bon Ă tirer, 1989, tinta sobre papel, 205 x 152 cm
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Escribe Inés
Viturro para Art Democracy
Unir el arte con la moda ha sido y es para Delia Cancela una constante. En plena euforia de los 60 y tras ganar el premio Braque junto a Pablo Mesejean -su socio creativo y compañero de vida- alcanzaron la cima en Europa con creaciones que fueron tapa de Vogue y hoy están en el museo Victoria & Albert de Londres. 27
“La obra de Cancela se integra en nuestro interés por las vanguardias artísticas latinoamericanas desde mediados del siglo XX. Su paso por el Pop, la Moda y las prácticas conceptuales, que viene desarrollando activamente desde los 60s, dan testimonio de su gran capacidad creativa”. MAURO HERLITZKA Asociado Galería Henrique Faria, Buenos Aires
Cuanto más avanzaban en su trabajo, menos les interesaban las categorías. Se preguntaron: ¿Por qué no hacer lo que hacían en la pintura, donde trabajaban con íconos de la moda, el cine y la música y llevarlo a la realidad?
ÉL
LO VE
En 1969 viajaron a Nueva York, pero enseguida partieron a Londres. Llegaban referidos por la Vogue USA y se encontraron en la Vogue británica con la entonces muy joven editora de moda Grace Coddington. Vio sus obras y les dijo: “Si se quedan un mes hacemos una tapa”. Se quedaron un mes y unos cuantos años más. Así comenzó este vínculo con la revista: sus imágenes cobraron vida y su estética se lució más de una vez en portadas y editoriales. Ellos habían llegado para cambiar la escena de la moda de la época.
tirer, 1990, Diseño Bon à a, 42 x 51,5 cm tinta sobre tel
ASÍ
A los accesorios sumaron su primera colección de ropa, que fue un éxito. Así lo vio Horatio Goni quien escribió enel catálogo que acompañó la exhibición “Pablo & Delia The London Years 1970-75”, en Judith Clark Costume Gallery: “Su habilidad para pintar se ve en los vestidos y el vestido se vuelve como un lienzo. La cercanía de la relación entre el vestido y el arte está en su punto más alto aquí. Es su mayor logro. La moda se convierte en un medio de expresión que nos hace levemente olvidar la funcionalidad de la pieza”.
En Argentina, Delia Cancela introdujo junto a Pablo Mesejean el lenguaje del arte en la moda. Se animaron a salir del cuadro, a darles volumen a las creaciones y llevarlas a los cuerpos. Y aunque ella hoy elude las definiciones está claro que fue pionera -junto a Dalila Puzzovio- en relacionar estos dos mundos. Delia no admite etiquetas. No le gusta lo lineal, las fronteras. Su arte fluye como la naturaleza, una de sus máximas fuentes de inspiración. Fue y sigue siendo fiel a sus intereses de niña: la danza, la moda, el dibujo. Estudió ballet desde los 5 años y, aunque lo abandonó en la adolescencia, mantuvo esa gracia siempre. Aquellos trazos que surgían de sus dedos infantiles mutaron a precisas pinceladas. Y de esas revistas femeninas que había en su casa surgió su pasión por la moda y la estética.
Vendían en Browns, Mr. Freedom, Fortnum & Mason, Harrods. Y desde Estados Unidos los buscaron para comprarles de Lord and Taylor, y Macy´s. Pablo and Delia era una etiqueta que se inspiraba en la naturaleza que disfrutaban a diario. Pablo and Delia, Vogue England, 1970, Foto: Barry Lategan
El arte atraviesa su vida. Al conocer y casarse con Pablo Mesejean formaron el primer dúo artístico de la plástica argentina. Fueron miembros de la vanguardia del Di Tella, instalaron sus obras en un territorio bisagra y lideraron en este maridaje entre moda y arte. La simbiosis fue tal, que acordaron callar quién hacía qué. Con el tiempo eso dejó de importar y fueron simplemente Pablo y Delia. El camino creativo de Delia se inicia cuando ya en Bellas Artes despuntaba su interés por la imagen. Allí ya hacía performances, simulacros de desfiles con sus compañeras de clase. Para 1965 sus dibujos de jóvenes con atuendos coloridos se hacían eco de los deseos de una generación que instalaba la juventud como valor. Pronto empezó a trabajar con Pablo, viajaron a París becados por el Premio Braque y al regreso en 1968 son invitados al Di Tella a “Experiencias 68”. Allí presentaron la revista “Yiyisch” y un desfile performance llamado “Ropa con Riesgo”. Sus creaciones pasaron de las dos a las tres dimensiones. Para Delia este pasaje fue lógico. “La imagen nunca fue completamente plana. Desde el principio nosotros les aplicábamos cosas a la pintura. Antes yo les ponía mis corazones que caían, también flores. Siempre hubo intención de salir del cuadro. Sentimos más libertad al hacerlo. La obra pasaba a un cuerpo, se movía”. Así su arte se corporizó en uniformes, vestuarios y escenografías.
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Diseño Bon à
ta sobre tela,
tirer, 1991, tin
48,3 x 41,5 cm
Las formas comenzaron siendo geométricas, ya que sin saber moldería cortaban en plano. Cosían patchwork de cuero pintado a las prendas. Llegaron estilos más etéreos cuando sumaron otros materiales: gamuzas, chiffons, lanas, gasas, bordados y flores aplicadas a telas exquisitas. “Esa es la época en que los hippies trabajaban el cuero, pero nosotros usábamos materiales increíbles. Había toda una sofisticación de lo que pintábamos. Siempre dije ‘éramos hippies de lujo’”, recuerda Delia. Su alegría, su disfrute de la vida, ese que habían dejado por escrito en su Manifiesto se veía en sus prendas. A través de ellas se expresaban. Cinco años después llegaría París, su marca Pablo et Delia y jugar en las primeras ligas del fashion internacional. La moda los atrapó por completo. Para entonces hacían colecciones de 80 modelos. Cuidaban cada pieza de la colección y la imagen de sus desfiles, que eran verdaderas performances. Cuando el dúo se fue separando, Delia continuó con su arte aplicado a la moda. Llegaron los bon à tirer, diseños propios de la artista para una firma francesa que fueron exhibidos hace un par de meses en la galería Henrique Faria. En estas grandes telas se hizo evidente una vez más su maestría, en la suavidad de sus pinceladas y en la elección de la naturaleza como imagen central.
Diseño origin
al, 1993, tinta
sobre tela, 51
,5 x 42,5 cm
Por estos días Delia sigue creando y su obra está tan vigente que fue incluida en las muestras dedicadas al Pop art del Walker Art Center y de la Tate Modern. Además el Victoria and Albert Museum tiene prendas de Pablo and Delia y este año la artista fue homenajeada en arteBA, donde exhibió algunas de sus creaciones con la curaduría de Javier Arroyuelo, una de las personas que más la conoce. Para él “Delia hace evidente en su obra maneras diferentes de estar siempre presente, con el lenguaje y los medios de hoy en una actualidad permanente”.
Modelo YSL y Paisaje, Colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes, Bs. As.,1966 >
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Es casi imposible encontrar referencias personales o autoretratos de Lance Staedler en la red. Cuando uno da con su página tampoco va a encontrar nada sobre él allí. Salvo lo que ha sido y es su trabajo desde hace años: fotografiar celebridades para las productoras de cine, las cadenas de televisión y los sellos grabadores internacionales más conocidos. Dimos con él en los Estados Unidos, fue sumamente cordial, nos envió sus archivos -impresionantes- pero humildemente declinó publicar su retrato o hablar de sí mismo, así que respetando su decisión optamos por publicar sus fotografías y mantenernos en contacto, con vistas a algo más grande en el futuro. Sus retratos de personajes archifamosos tienen siempre una gran personalidad. Sus incursiones en el mundo de la moda han seguido el mismo tono. Ha fotografiado en numerosas oportunidades para Gucci, Armani, Ferre, Vogue, Elle, L´Uomo Vogue y también para marcas populares como Levis, Gap y Banana Republic. Seguramente le dedicaremos una nota a Lance y sus espléndidas series como “Natural Beauty” en el próximo número, pero para éste que refleja distintos cruces entre el arte y la moda, elegimos dos trabajos suyos emblemáticos, realizados para producciones internacionales en distintas épocas.
Lance Staedler es uno de los más importantes fotógrafos contemporáneos de celebridades, con incursiones en el mundo de la moda que tienen una fuerte impronta artística. En lo que respecta a su persona, Lance ha mantenido siempre un bajo perfil. Es un placer presentarlo en Art Democracy e introducir su trabajo en Buenos Aires.
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Lance Staedler
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Gaby Herbstein ha fotografiado para el mundo de la moda en cientos de oportunidades y en ese trayecto fue convirtiéndose en la gran artista visual que es hoy. En “Estados de Conciencia”, un proyecto quE estÁ en su etapa final de gestaciÓn, su trabajo alcanza una vez mÁS -valga la redundancia- un estado de excelencia.
De la serie “Estados de Conciencia”
De los estados ordinarios de la conciencia, la vigilia se caracteriza por un conocimiento permanente de uno mismo y del entorno que nos rodea. Mientras que el sueño, es donde suelen aparecer las imágenes oníricas y la realidad se modifica de manera aparentemente impredecible. Gaby Herbstein, una de las mejores fotógrafas de esta parte del mundo, tiene el don de plasmar en la realidad lo que tal vez sólo en un estado de ensoñación profunda, un ser decididamente espiritual y creativo sería capaz de imaginar. De esto se trata precisamente su próximo proyecto “Estados de Conciencia”, junto a la edición de un libro de colección que llevará el mismo nombre y que aparecerá este año.
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Gaby Herbstein
De la serie â&#x20AC;&#x153;Estados de Concienciaâ&#x20AC;?
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“De la fotografía me enamoró y me siguen enamorando sus infinitas posibilidades creativas”. Gaby Herbstein
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Retrato de Gaby por Guido Adler
De la serie “Icons”, Frida Kahlo
Durante años Gaby Herbstein ha tomado a la fotografía como un medio expresivo para generar conciencia. Su primer trabajo no comercial fue un calendario para la Fundación Huésped en 1995 y esos calendarios se conviertieron en un clásico. Uno de sus favoritos es “Huella” de 2000, para el que investigó un año, se pasó días enteros en museos y viajó al Norte argentino en busca de representar a la mujer de estos lares antes de la llegada de los españoles. Hace algunos años Gaby fue madre y se volcó a la espiritualidad, estudió Cabalá y dice que esa búsqueda la hizo sentir realmente bien y la ayudó en muchos aspectos de su vida. Llegó a asegurar en una entrevista “Podría abandonar la fotografía, pero la Cabalá nunca”. Si hay un estado de conciencia ideal es aquel en el que uno alcanza el conocimiento permanente de uno mismo y de lo que lo rodea. Gaby Herbstein parece haberlo alcanzado y esa certeza, esa plenitud, se ve reflejada en su obra.
De la serie “Estados de Conciencia”
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< Jessica Toscanini
Andy Cherniavsky
Foto de Andy
nardo
por Luciano Me
Durante los 80, los 90 y buena parte de 2000 Andy fue la fotógrafa elegida del rock nacional. En 2012, su muestra “Rock and Roll Series” fue un must. Mucho antes DE ESA GRAN EXHIBICIÓN, junto a Gabriel Rocca, incursionó en la moda y fue allí donde se reafirmó como artista visual. Si bien en sus treinta años como fotógrafa profesional, Andy Cherniavsky ha recibido todos los elogios posibleso, pocos se han referido a su perfil de artista visual. Su interés por la música y en particular por el rock le vienen de muy chica. Su padre fue manager de algunos de los referentes, entre ellos Moris, Arco Iris y Miguel Abuelo. También de otros grandes artistas como Mercedes Sosa, Nacha Guevara y Les Luthiers. Andy llegó a interesarse por la carrera de su madre psicóloga, pero la fotografía la atrapó desde la adolescencia y no la abandonó más. Criada en un ambiente donde el arte y la cultura ocupaban un espacio importante, la fotografía -más allá de ser su trabajo- se convirtió en su pasión y reconoce a Annie Leibovitz como su primera gran influencia, aunque más tarde también se interesó por lo que hacían Herb Ritts, Bruce Weber y Richard Avedon. De su trabajo con personalidades, hay un excelente libro “Corazón Argentino”, donde se luce su talento como retratista, al igual que en “Charly”, una biografía fotográfica de su amigo y personaje icónico del rock nacional. Con estos antecedentes, tal vez haya llegado el tiempo de que Andy se dedique por entero a fotografiar lo que verdaderamente la inspira y motiva -y abandone por un tiempo la fotografía comercial- para ponerle todas las fichas a su genio de artista. Desde aquí, votamos por eso. Muestra Japón
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Thyssen-Bornemisza
En cada fotรณgrafo de moda anida un artista y Vogue ha sido el escenario mรกs prestigioso del mundo para exhibir sus trabajos. Si bien no es nuevo que un fotรณgrafo de las grandes ligas de la moda desembarque en un museo, la muestra que debutรณ este Junio en el Thyssen agrupรณ por primera vez a la elite.
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Madrid asistió hasta hace pocos días a una exhibición que explora la relación entre la fotografía de moda y la pintura. El Thyssen-Bornemisza, luego de la espléndida muestra pop que montó el año pasado, le dedicó sus salas a una extraordinaria selección de imágenes publicadas en la revista Vogue, todas ellas creadas por los más destacados fotógrafos de las últimas décadas. “Vogue like a painting”, tal el título de esta novedad, reúne obras que evocan cuadros de diferentes períodos de la historia del arte, haciendo referencia directa a masterpieces o bien recordándonos a artistas como Zurbarán, Gauguin, Dalí, Vermeer, Renoir y Magritte, entre otros. Organizada por Condé Nast y el propio museo y curada por Debra Smith, “Vogue like a painting” es una colección de 61 escenas que grandes fotógrafos, entre los que se destacan Peter Lindbergh, Annie Leibovitz, Irving Penn, Mario Testino y Paolo Roversi, crearon especialmente para Vogue.
Sheila Metzner, Uma Patou, 1986, 100 x 80 cm.
Estructurada en torno a los grandes géneros del retrato, el paisaje y los interiores, la muestra presenta fotografías que recrean pinturas de grupo británicas del siglo XVIII, naturalezas muertas, conversation pieces y desde luego tienen siempre a la mujer como eje. En algunas de esas imágenes, la fuente de inspiracián es mucho más sutil, incluso subjetiva y no remite a una pintura en particular.
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Todas las fotografías que componen la muestra tienen características que tradicionalmente se le atribuyen a la pintura. De algún modo reflejan recursos utilizados con frecuencia por los pintores, en particular los clásicos, tales como la teatralidad de los escenarios, el uso del claroscuro y cuidados esquemas de composición, poniendo un acento especial en la belleza de las figuras, las poses y los decorados. El retrato holandés, las grandes pinturas del período victoriano, obras clave del Siglo de Oro español, los retratos pre Rafaelitas y diferentes escuelas de pintura clásica y moderna, presentes en las colecciones reales europeas, fueron durante años la fuente de inspiración de fotógrafos que, a través de sus producciones centradas en el culto de la imagen femenina y su relación con la moda, forjaron la imagen de la revista Vogue a lo largo de los años, convirtiéndose incluso en referencias para otros artistas contemporáneos.
Michael Thompson, Carmen como la Santa Isabel de Zurbarán, 2000, 100 x 80 cm.
Flora González, escribió para Vogue España: “Tampoco faltan las pinceladas románticas y el impresionismo. Sin embargo, si hay un denominador común en todas las obras, es su atmósfera: un sentimiento de quietud y de sosiego, como si el tiempo se hubiera detenido; y en realidad, lo ha hecho de la mano de estos artistas de la cámara que veneran los detalles aportados por el pincel”. Por la calidad de los trabajos allí expuestos, consideramos a esta muestra como el ejemplo más representativo de lo que el la moda y el arte son capaces de provocar.
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Erwin Olaf, Vogue, Países Bajos, 2013, 140 x 100 cm.
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Elegida como una de las mejores exposiciones que se hayan realizado este año en España, “Vogue like a Painting” habrá finalizado en los primeros días de Octubre. Aunque es de esperar que Condé Nast decida que continúe itinerando por el mundo.
Paolo Roversi, Gemma, París, 2003, 53 x 40 cm.
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Frida Kahlo En 2008, en la Universidad de Leipzig se llevó a cabo un congreso internacional con el tema “Frida Kahlo Revisitada. Estrategias transmediales, transculturales y transpicturales en la obra de Frida Kahlo”. Si Frida viviera, seguramente todavía estaría sonriendo. La Kahlomanía no tiene límites. Legiones de críticos de arte, biógrafos, teóricos de la cultura y tantos otros -aquí nos sumamosse han referido a Frida de las maneras más diversas. Desde nuestra óptica, la increíble fascinación que Frida ejerce tiene mucho menos que ver con su obra -sin desmerecerla en absoluto- y se apoya decididamente en el personaje, su historia de vida y particularmente su look. Frida se retrató a sí misma en sus pinturas y fue retratada cientos de veces con sus singulares vestidos en los que el color, la simetría y las formas, influenciaron y siguen influenciando a diseñadores de distintas generaciones. Frida es un ícono de esos dos mundos, el del arte y el de la moda. Su estrella, lejos de apagarse se proyecta cada vez con más fuerza.
Desde luego jamás estuvo en sus planes ser modelo de nada ni convertirse en un referente de moda. Lo suyo fue expresarse libremente y seguramente su único propósito fue ser quien era. El tiempo la convirtió en un ícono y su imagen, aún para quienes no tienen demasiado claro de quien se trata, ejerce un atractivo extraordinario.
Frida, fotografiada por Leo Matis, es precisamente el eje de la muestra inaugural de Fola, el primer espacio de Latinoamérica dedicado por entero a la fotografía, que inaugura este OCTUbre en Buenos Aires. “Frida Kahlo, bajo el signo de Leo” es una celebrada muestra que ha itinerado por importantes ciudades del mundo y llega a Buenos Aires como estrella de la apertura de FoLa, Fototeca Latinoamericana, el museo creado y liderado por Gastón Deleau, una iniciativa de repercusión internacional que se inscribe entre los más calificados emprendimientos dedicados a la fotografía. El colombiano Leo Matiz, fallecido en 1998, es uno de los fotógrafos más singulares de la legendaria generación de reporteros gráficos que renovaron la escena del fotoperiodismo durante las primeras seis décadas del siglo XX en América Latina, Estados Unidos y Europa. Vital e incansable, Matiz viajó por todo el mundo, volcó su talento igualmente al cine y la fotografía publicitaria, fue creador de periódicos y fundador de galerías de arte, exhibiendo por primera vez en 1951 a Fernando Botero. Con su Rolleiflex, se zambulló en el ambiente artístico e intelectual de su época y logró un registro único de Frida, que se rindió ante su cámara en su casa de Coyoacán. El resultado de esa incursión en la intimidad de Frida Kahlo, se exhibe a partir de Octubre en FoLa, Godoy Cruz 2620, Distrito Arcos, Palermo, Buenos Aires.
© Leo Matiz >
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Mariano Ferrante
De lejos, sus obras tienen una vibración especial. De cerca, parece que su crayon o su pincel hubieran pasado por allí hace un instante. El universo de Mariano Ferrante es una combinación de precisión y sensibilidad como pocas veces se ha visto en la ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA LATINOAMERICANA.
Mariano Ferrante en la Fundación Proa - Espacio Contemporáneo, Buenos Aires, 2010
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Pintura N 12, acrílico sobre tela, 200 x 200 cm, 2015 >
La razón, la lógica y el cálculo son pilares en lo que se apoya la geometría y los que organizan la obra, permitiendo que tenga equilibrio y unidad. Esos factores están presentes en toda composición geométrica pero cuando un trabajo de esa naturaleza logra conmover hay un factor más que interviene en forma decisiva y es la impronta del artista. Un diseñador gráfico o un arquitecto tienen la formación necesaria para construir una forma geométrica, pero solo un artista es capaz de lograr que esas construcciones aparentemente racionales tengan alma, vida propia y trasciendan de manera especial. Mariano Ferrante es uno de ellos. El trabajo de Mariano es el de un investigador que ha profundizado primero en la historia del arte para convertirse luego en un experimentador: sus construcciones dinámicas son de una complejidad y una riqueza visual admirables. Intervalo N 512, acrílico, óleo y lápiz sobre lino, 180x180 cm, 2012
Mariano utiliza distintos elementos: óleo, lápiz, acrílico, esmalte, pastel, crayón o vinilo. Su obra parte de un planteo racional pero en la medida que avanza la acción da lugar a lo emocional y el resultado son esas geometrías que parece que siempre estuvieran en movimiento.
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Representado hoy en Buenos Aires por Hernán Zavaleta, quien también ayudó a catapultar en su momento a de Volder, Mariano ha sido invitado en su momento por Proa, por el Museo de Arte Moderno y por el Museo Nacional de Bellas Artes, para la realización de murales en sus interiores. También recibió hace un par de años una invitación del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires para realizar otro mural en Nueva York, dentro del marco de la feria Pinta. Composición N 111-12, óleo sobre tela, 55 x 55 cm., 2009
En una nota titulada “La Argentina Geométrica”, que publicamos el año pasado, se incluyó una “selección de todos los tiempos” y Ferrante fue elegido para integrar la “delantera” junto a Burgos, Paternosto, Mac Entyre y Siquier. En ese “equipo de los sueños” también figuraban Polesello, Asis, Brizzi, de Volder, Hasper y Dorr. La nota despertó la polémica en un grupo de entendidos, que cuestionaba algunas inclusiones y el “olvido” de otros grandes como Tomasello, Melé, Silva, Martorell, Alvarez, Vardanega, Deamarco y Le Parc. Sin embargo, en el interesante debate que se dio en un restaurante de la calle San Martín donde suele reunirse el establishment del arte local, nadie cuestionó a Ferrante. Más allá de cualquier polémica lo cierto es que por la calidad de lo suyo Ferrante merece integrar ese grupo de artistas que han elevado la abstracción geométrica argentina a un nivel de excelencia, status que a nuestro juicio aún no ha sido reconocido debidamente en el plano internacional. Cuando eso ocurra -algunas señales indican que más temprano que tarde ocurrirá- Mariano seguramente ocupará un lugar de privilegio.
“Creo que ser artista es intentar correr el límite, que la razón del tiempo en el que vivimos estipula”. Mariano Ferrante
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ÉL
LO
VIO
ASÍ Mariano Ferrante en ZavaletaLab Galería de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, 2015
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“…vale la pena dejarse llevar por el efecto casi hipnótico de la serie, por su instantánea seducción, como si nos halláramos bajo el influjo anímico de una antología de mandalas sintéticos” EDUARDO STUPIA Artista (del prólogo sobre una muestra de Ferrante)
HENSE
Alrededor del mundo, el arte urbano continúa expandiéndose en una dimensión cada vez mayor. La regla de quienes lideran esta movida es romper las reglas. No le temen a las alturas y se expresan en gran escala. El NORTEamericano Alex Brewer se hace llamar HENSE y es uno de esos referentes.
Entrevista de Inés
Viturro para Art Democracy
“El arte urbano paga” dice alguien que conoce de cerca lo que los gobiernos de muchas ciudades del mundo han descubierto y alientan, convocando a los mejores a pintar en las calles. Es simple: la gente ama ver a los artistas pintando en vivo, los vecinos de los barrios donde se emplazan las obras están orgullosos y todo el mundo contento. Inés Viturro fue tras uno de los referentes actuales y lo que sigue es el resultado.
Columbus | Hense, Columbus State University, Georgia, Estados Unidos, 2014
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HENSE trabaja en muros inmensos y sus obras quitan el aliento. Maravillan. Su arte detiene el tiempo, nos saca de la rutina y fogonea nuestra imaginación. Vimos su mural gigante que bañó de color a unos silos de concreto en Northam, Australia. Nos encantó su inmensa instalación sobre los muros del Instituto ISIL en Miraflores, Lima que llegó a medir 50 metros de ancho por 40 de alto. Y nos sorprendió cómo transformó una iglesia abandonada en una bellísima obra en Washington DC. Buscamos a HENSE, y desde Colonia, Alemania, donde está trabajando, habló con nosotros. ¿Por qué elegís pintar en las calles y edificios públicos? Disfruto crear trabajos allí porque me da la oportunidad de interactuar con la arquitectura y el entorno. El contexto es muy importante para mi trabajo y los proyectos y edificios públicos le dan el espacio y la escala que necesita. También estoy muy interesado en ideas esculturales y veo a los edificios como instalaciones site-specific con un enfoque escultural. ¿Te divierte el diálogo que tus obras tienen con el espacio público? Creo que como artista podés presentar tu trabajo en galerías y museos pero el entorno público es el más interesante para mí. Me gusta ver cómo el público interactúa con las obras aún si no las entiende. Alex Brewer quien prefiere ser llamado HENSE, tiene 36 años y es admirador de Sol LeWitt, Christopher Wool, Imi Knoebel, Picasso, Richard Tuttle y Aaron Curry entre otros. Nació y vive en Atlanta y viene pintando desde chico. Western Australia Silos, Northam, Australia, 2015
The Z Lot | Hense, Detroit, Estados Unidos, 2013
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RVA Mural | Hense, Richmond , Estados Unidos, 2013
Detroit | Hense, Detroit, Estados Unidos, 2014
Wiregrass Museum of Art, Dothan , Estados Unidos, 2014
“Como artista podés presentar tu trabajo en galerías y museos pero el entorno público es el más interesante para mí”. HENSE
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Fue en la secundaria que se dio cuenta de la importancia que el arte tenía para él y que quería hacer una carrera de ello. Solo que no sabía cómo hacerlo. Estudió arte en la Virginia Commonwealth University en Richmond, Virginia y pronto entendió que trabajar de forma profesional como artista requiere mucha pasión, pero también compromiso y persistencia. Interesado en explorar la abstracción tanto en el espacio público como en la privacidad de un estudio, HENSE tiene su propio estilo. El coleccionista Ted Elmore encontró una imagen bastante apropiada para describirlo: en su opinión él combina “la belleza de las bellas artes con el bricolage de las calles”. Sus obras, además de vestir el espacio público, son solicitadas por empresas como Adidas, Ford y Apple, se lucen en hoteles, entre ellos el Hilton y son además objeto de deseo de grandes coleccionistas.
700 Delaware | Hense, iglesia en Washington DC, Estados Unidos, 2012
Comenzaste expresándote a través del graffiti, y luego tu trabajo fue mostrando rasgos más abstractos. ¿Cómo fue esa transición? Empecé con el graffiti y de esta experiencia pude aprender sobre materiales y escalas. Fue una parte importante de mi educación. Siempre estuve interesado en la abstracción y quería experimentar, pero en ese momento estaba restringido por las reglas propias del graffiti. Las mismas reglas y limitaciones existen con la pintura y el arte contemporáneo. Trato de ignorarlo porque obstaculiza la creatividad y no me resulta inspirador sentir que no puedo romper las reglas. Quiero romper hasta mis propias reglas. ¿Tenés una ciudad favorita para pintar en sus muros? Mis proyectos favoritos son los internacionales. Realmente disfruto viajar a nuevos lugares y experimentar la cultura y hacer amigos. La mayoría de mis proyectos internacionales fueron para trabajos en el espacio público. Estoy muy contento con los silos de granos que pinté en Australia este año. Ese es probablemente mi favorito hasta el momento. ¿Te sentís cómodo trabajando en pequeños formatos? Sí, realmente me gusta crear también trabajos en pequeña escala. La mayoría de mis trabajos en estudio sigue dándole importancia a la escala. Intento subirla con mis pinturas. Pronto presentará una exhibición en solitario en Detroit en la Library Street Collective Gallery, para la cual se está preparando. Ese trabajo será una exploración de nuevos materiales y formas. Esperamos verlo y en algun momento quizá su arte lo traiga a Buenos Aires.
ISIL Institute | Hense, Lima, Perú, 2013
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¿QUERÉS FORMAR PARTE DE LA COLECCIÓN DE AFICHES DE
?
CONCURSO FERNET BRANCA de AFICHES
Desde sus inicios, Fratelli Branca estuvo relacionada al mundo del arte. Al igual que hace 170 años, hoy ese vínculo permanece intacto mediante el concurso de afiches Arte Único. Fernet Branca, comprometida con la promoción de jóvenes valores y la difusión de sus obras.
www.arteunico.com.ar /ConcursoArteUnico
/ConcursoArteUnico
57 SU VENTA A MENORES DE 18 AÑOS. BEBER CON MODERACIÓN. PROHIBIDA
Innovador y único, Mac Entyre pasó por París a principios de los 70 y allí, luego de exponer en el Museé de la Ville, alguien lo definió como lo que realmente fue, un mago que con su compás dejó una marca en el arte que aún hoy no se valora en toda su dimensión. 58
Eduardo Mac Entyre
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Robert “Bobby” Kennedy frente a un Mac Entyre, en la extraordinaria muestra en Washington, Estados Unidos.
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Corrían los 60 y Eduardo Mac Entyre solía reunirse con Miguel Angel Vidal, su amigo y gran artista, y con Ignacio Pirovano, crítico y coleccionista de vanguardia, a quien el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires debe una parte importante de su patrimonio. Conocedor a fondo y admirador del trabajo de los dos amigos, Pirovano propuso bautizar Arte Generativo al movimiento que allí se gestaba y más tarde se unió al grupo el ingeniero Gorlero. Pirovano, que tenía un gran conocimiento y enorme sentido estético había apoyado previamente a otros artistas como Maldonado, Iommi y Hlito y decidió incorporar al incipiente movimiento a Carlos Silva y Ary Brizzi.
La línea era el elemento sobre el que pivotaba el grupo. Vidal se expresaba a través de la línea recta y Mac Entyre a través de la curva, porque se sentía más cómodo con ella y porque pensaba que era el paradigma del movimiento. Optó por investigar la circunferencia, a la que con el tiempo y la experimentación le fue agregando complejidad, superponiendo líneas y tramados para lograr nuevos efectos ópticos, enfatizados por el color. La idea, con Vidal, era dinamizar la pintura geométrica que hasta ese momento se consideraba muy rígida. Así ese movimiento que desde Buenos Aires intentaba empujar la frontera de la geometria comenzó a difundirse en Latinoamérica, en particular en Venezuela donde ya brillaban Soto y Cruz Diez. Allí Mac Entyre fue descubierto por los Cisneros que apoyaron su trabajo y establecieron con Eduardo una relación amistosa que lo llevó en varias oportunidades a visitar Caracas junto a su familia.
La admiración y el interés llegó a Europa y a los Estados Unidos. Luego de una gran exposición del grupo en Buenos Aires, curada por Billy Whitelow, Jacques Lesainge lo invita exponer en el Museo de Arte Moderno en París. Allí el trabajo de Mac Entyre en particular recibe muchos elogios, pero sin embargo -según Camilo Racana, un reconocido operador cultural argentino que reside en París desde los 70- Mac Entyre no logra hacer pie en la ciudad donde otros artistas argentinos se mueven con gran habilidad. Resulta llamativo que la orientación y la calidad de obra de Mac Entyre no haya entrado entonces en la mira de la legendaria Denise René. Mientras tanto, del otro lado del Atlántico, en Washington, Eduardo Mac Entyre recibe una gran satisfacción. Es invitado a exponer en el Museo de Arte de la OEA. Lleva 30 obras pero los organizadores, entusiasmados, le ceden más espacio y agregan otras 10. De allí, invitado por el galerista Bonino, continúa a Nueva York donde el Op Art estaba en pleno auge y su obra encuentra gran aceptación.
De la serie “Reflejos luminosos”
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Luego de esos hitos en su carrera Mac Entyre siguió trabajando en Buenos Aires, disciplinadamente, fiel a su personalidad y alejado del ruido mediático. Pero para algunos observadores del exterior, Mac Entyre era un referente: la foto que ilustra la apertura, cedida gentilmente por sus hijos, fue publicada en una extensa nota de National Geographic sobre la Argentina, donde se lo rescata como artista ícono de una nueva generación. En tanto, la euforia por el Op Art y la abstracción geométrica estaba disminuyendo y se adormecería casi definitivamente durante los 80 y los 90. En la última década se inicia una revalorización y en algunos remates en Nueva York y París aparecen espléndidos Mac Entyre de aquella época.
“Para ser artista hay que obviar lo fácil, llegar a nuestra esencia. Entonces, frente a la tela, estás comprometido con todo tu ser y eso se expresa en la obra”. Eduardo Mac Entyre
La desaparición de Mac Entyre, hace poco más de un año, generó en la Argentina una gran cantidad de artículos y comentarios periodísticos que lo recordaron como lo que fue, una gran persona y un enorme artista. Desde Art Democracy, volveremos sobre Mac Entyre. Su mejor obra siguió una ruta que vale la pena investigar con vistas a hacer una gran retrospectiva en Buenos Aires, lo que sería un merecido homenaje y seguramente un apasionante descubrimiento para las nuevas generaciones. En Venezuela, en Francia, en los Estados Unidos están muchas de esas telas que si en algún momento vuelven a reunirse en un mismo lugar, pondrán a Eduardo Mac Entyre donde a nuestro juicio se merece estar: el podio de los grandes de la abstracción geométrica mundial.
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Ricardo Cinalli
Aunque su estilo neoclÁsico y su monumentalismo nos remiten a la tradiciÓn de los frescos italianos, Cinalli es un artista particularmente sensible a su Época. El retorno a la religiÓn o el fenÓmeno de la inmigraciÓn son temas que han sobrevolado su obra en los Últimos aÑos. Cabeza 1, 2013, cerámica y madera, 178 x 55 x 50 cm., Foto: Juan Cabrera
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Libreta personal del artista
Pasaje, 2015, 贸leo sobre tela, 500 x 210 cm., Foto: Juan Cabrera
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Psicólogo y estudiante de filosofía, se radicó en Londres en 1973 y de tanto en tanto vuelve a la Argentina para sorprender con una nueva muestra de ese particular neoclasicismo que es su marca de fábrica. Sensible e intutivo, en una entrevista que le hizo Marcela Costa Peuser en 2008, Ricardo decía “mi serie Los Negros es una metáfora de la diferencia. En mi obra utilizo la estética como herramienta para trasmitir un mensaje. Como artista siento la necesidad de contar lo que me toca vivir, lo que me pasa y lo que percibo. Y hoy lo que percibo es este gran poder de las corrientes inmigratorias no integradas”. En una de sus instalaciones realizada en la galería Long & Ryle de Londres, cuatro cabezas enormes y negras enfrentan a otras tantas cabezas blancas, todas ellas ciegas. En esa serie que en Inglaterra se conoció como “Black People, su preocupación como artista fue representar el fenómeno complejo de la inmigración y la actitud de una sociedad que no alcanza a ver. Sin título, 2013, carbonilla y guache sobre tela, voile y piedras brillantes, 140 x 200 cm. , Foto: Juan Cabrera Sin título, 2013, carbonilla y guache sobre tela, voile y piedras brillantes, 140 x 200 cm., Foto: Juan Cabrera
Cuando se habla de Ricardo Cinalli enseguida se recuerda el clasicismo y la escala de muchas de sus obras. Sin embargo no toda su obra responde a esos patrones y en realidad son los temas y el abordaje que de ellos hace lo que vale la pena observar con detenimiento.
Cabeza 2, 2013, cerámica y madera, 178 x 55 x 50 cm., Foto: Juan Cabrera
Todo empezó, como él mismo dijo alguna vez, “con algo parecido a una Venus de Milo”. Cinalli tenía apenas nueve años y su familia se había mudado de casa en la ciudad de Santa Fe. Se subió a una escalera, pegó unos papeles en una pared de casi tres metros y arremetió pintando esa pretendida y enorme Venus. Ese día no sólo afloró su vocación, también una técnica a la que recurriría una y otra vez: pintar figuras de talla gigantesca sobre delicados papeles de seda.
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Sin tĂtulo, 2013, carbonilla y guache sobre tela, voile y piedras brillantes, 140 x 200 cm., Foto: Juan Cabrera
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ÉL “La perturbante obra figurativa de Cinalli revela una refinada matriz humanística que raramente se encuentra en el panorama internacional. Sus escenas exteriorizan de manera original todas las contradicciones de nuestra época, tan desorientada y convulsiva. Es uno de los mayores artistas vivos”. ALESSANDRO T. DI COLLALTO Editor y Curador, Venecia, Italia
LO VE
ASÍ
Shattered, 2009, 174 x 151 cms., óleo sobre tela y vidrios rotos
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“Como artista siento la urgencia de decir lo que me toca vivir, lo que me pasa y lo que percibo”. Ricardo Cinalli
Pasaron nueve años de su antológica muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes -curada por Patricia Rizzo- y este año Cinalli volvió para exhibir en Buenos Aires sus “Nocturnos” en el Palais de Glace, una serie de pinturas, dibujos y esculturas, en la que se destacan cuatro óleos de 315 x 315 cm cada uno. En un texto de introducción a esta nueva muestra, Patricia Rizzo define así el trabajo de Cinalli: “Seres mitológicos en cuyos detalles se encuentran referencias artísticas e históricas, una escala monumental poco frecuente y la utilización de la metáfora como forma de señalización y reflexión discursiva, ubican a Ricardo Cinalli en al escena contemporánea internacional”. La obra de Ricardo transcurre entre lo narrativo y lo escenográfico, entre lo clásico y lo contemporáneo, entre la realidad y la ficción. Hay un mundo Cinalli y vale la pena descubrirlo observando los detalles, las metáforas visuales, los guiños históricos y las referencias actuales en un cuerpo de obra que sigue creciendo y que seguramente habrá que esperar un par de años para volver a disfrutar en Buenos Aires.
Estudio Spitalfield, Londres >
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Cracking Art
co
tta, 2010, plasti
Group, Di Vede
El Museo del Parco, es un jardín aterrazado de 3.500 metros cuadrados que tiene una de las mejores vistas de Portofino. Ese predio perteneció por décadas al Barón Von Mumm hasta que en 1987 Daniele Crippa, un marchand, coleccionista y curador italiano, decidió materializar allí uno de sus sueños, que son muchos y siempre han culminado en emprendimientos originales vinculados al arte. Daniele no ostenta el título honorífico de Cavaliere según la tradición italiana, pero se lo otorgamos desde aquí por sus méritos en el mundo del arte y su actitud de siempre. La charla fue relajada y por momentos llena de humor, como cada vez que tenemos la oportunidad de conversar con Daniele: “De niño respiraba arte -cuenta Daniele- gracias a mi padre que compraba desde De Chirico a Burri, de Fontana a Afro. A los 20 años abrí en Cortina D´Ampezzo mi primera galería de arte: Crippa Art Center, con una muestra exclusiva de los llamados artistas malditos romanos: Franco Angeli, Mario Schifano y Tano Festa. Y gracias a Marta Marzotto, entablé una amistad con Renato Gatusso. Fue una época de mundanidad, negocios y fiestas fantástica”.
En todos estos años, ¿cómo te has sentido más cómodo? ¿Como art dealer, como curador o como creador de museos? La curaduría es como el arte de la política, se requiere mucha habilidad para conciliar los intereses del artista, el Museo y el público y atender paralelamente el tema financiero. Crear un museo es adoptar un hijo y criarlo, día tras día, año tras año. Una satisfacción inmensa. Ser un art dealer es como apostar en un casino, una gran carga de adrenalina, apostar incluso contra la propia sensibilidad.
¿Cúando decidiste establecerte en Portofino y crear el Museo del Parco? Durante el verano italiano siempre vivo en Portofino. En 1977 inauguró la “Civica Galleria de Arte Moderno de Portofino”, con un consejo cultural integrado por muchas grandes figuras como Giuliano Bragante, Pierre Restany, Corrado Maltese, entre otros. La muestra inaugural entró en la historia del arte ya que reunió enormes artistas. Veinte años después nació el Museo del Parco, con el propósito de convertirse en un centro internacional de esculturas a cielo abierto. Hoy el el Museo reúne más de doscientas obras de artistas de todo el mundo. Daniele Crippa en Portofino, 2015 >
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Daniele Crippa En el corazón de Portofino, un museo de esculturas a cielo abierto reúne obras de conocidos artistas de distintas partes del mundo. La colección incluye a León Ferrari, Polesello, Kosice y también a Milo Lockett. Daniele Crippa, creador del Museo del Parco, bon vivant y hombre de mundo, mantiene un romance de muchos años con la Argentina.
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“Pienso que el coleccionista es un fetichista. Sabe que no es un artista y sueña con ser dueño de un momento creativo del artista”. Daniele Crippa
Tus actividades dentro del mundo del arte te permitieron conocer cientos de personajes. Artistas, curadores, directores de museos. ¿Cúal de ellos te impresionó más y por qué? Como artistas seguramente dos: Emilio Vedova por su explosiva locura creativa, un verdadero Doge Veneciano y Mimmo Rotella, fascinante por lo que yo llamaría su sensibilidad cotidiana, un verdadero protagonista de su tiempo. Como curadores, dos emperadores: Arturo Schwarz, tras su extraoridinaria Arte e Alchimia en la Bienal de Venecia de 1986 y Harald Szeemann, un director perfeccionista y perfecto de 49 Bienal veneciana en el 2001.
Creaste un museo subacuático de esculturas en otro lugar de Italia en la que hay incluso una de Polesello. ¿Qué te motivó a hacerlo y cúal es la respuesta del público? Un lugar único merece un museo único. El agua más increíble está en Cerdeña, en el golfo Aranci de la Costa Esmeralda. Allí, gracias al proyecto del arquitecto Lucio Micheletti y al la sensibilidad del intendente Giuseppe Fasolino, nació en el verano de 2013 el MuMart -Museo Marino d’Arte- 14 obras de los más interesantes artistas contemporáneos, sumergidas a una profunidad promedio de diez metros. Entre ellas una obra de Kosice y otra de Polesello (Rogelio estaba feliz de ver a quienes buceaban nadando en círculos alrededor de las obras. El MuMart se convirtió en un suceso enorme. Un Yellow Submarine te lleva de paseo a ver las esculturas y hoy se requiere una reserva con 20 días de anticipación para poder abordarlo.
¿Cual fue tu primer viaje a la Argentina y cómo te relacionaste con la obra de Fontana allí? Yo paso una buena parte del año en Argentina y durante la época de la guerra de las Malvinas murió un gran amigo de Lucio Fontana el pintor Yulio Vanzo y el Tribunal de Rosario puso en venta su atelier por un problema de herencia de menores: la mayoría de las obras que Lucio había hecho en Argentina estaban durmiendo allí. Las compré inmediatamente y allí en un placard encuentro una serie de escritos -las cartas de Fontana- un tesoro de Alí Babá: toda la correspondencia del artista con amigos, críticos y compradores. En veinte años logré comprar la mayoría de la obras de Lucio Fontana que quedaban en Argentina: un día voy a escribir un libro sobre esta increíble aventura.
Bruno Munari,
minio
ggio, 1972, alu
Scultura da via
Además de León Ferrari y Polesello, ¿qué otros artistas argentinos te visitaron allí en Portofino y están en la colección del Museo del Parco? La amistad con el mondo cultural argentino me llena de felicidad, el Museo tiene en su colección obras de Santiago Cogorno, Raul Soldi, Ennio Yommi, Gyula Kosice, Nora Iniesta y la próxima es de Eugenio Cuttica: fascinante. ¡Espero que Art Democracy colabore con el museo, aconsejándome artistas!
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Milo Lockett no es tomado en cuenta por el establishment del arte en la Argentina, que lo considera un artista menor y más aún algunos lo ven como un comerciante más que un artista. Sin embargo decidiste incorporar una de sus esculturas -que por cierto se ve muy bien allí- ¿Qué opinión tenés de Lockett? ¿Qué te motivo a invitarlo a ser parte de la colección del Museo del Parco? Un gran periodista italiano Indro Montanelli decía que “los italianos son un pueblo de envidiosos”, la Argentina tiene una gran cuota de sangre italiana. Milo es un buen artista que conoce muy bien la importancia del marketing. Warhol, Hirst y Koons son los mayores especialistas. El Museo tiene la filosofía de presentar en su colección todo el arte interesante que pueda, la escultura de Lockett tuvo un gran éxito, un diario importante como La Repubblica le dedicó media página a su obra, el Perro Planchado y sin ningún tam-tam de marketing. Creo que es una buena confirmación para esa obra, para Milo y para el Museo del Parco.
Tu próximo proyecto es la iglesia que levantaste en tu campo de Salta y que planeas cubrir con cientos de pequeñas mayólicas, cada una con un ángel creado por un artista distinto, entre los que hay de muchas naciones y también habrá argentinos. ¿Cómo nació ese proyecto, cómo se llamará la iglesia? La Iglesia de los Angeles es un proyecto que me llena el corazón: no existe una Iglesia contemporanea dedicada a los ángeles. Mil cuatrocientos artistas de todo el mundo interpretarán en una medida de 25 x 25 cm su propia visión del Angel. La idea nació con el viaje de Iuan Pablo II a Salta, ahora la Iglesia de Los Angeles es una realidad y este año vamos a poner los primeros quinientos ángeles pintados por artistas italianos y editar el primer libro, después quinientos ángeles de artistas argentinos y finalmente cuatrocientos del resto del mundo. La consagración está prevista para la primavera del 2016 durante el viaje papal y tenemos la esperanza que el Papa Francisco vaya a estar con nosotros. Milo Lockett,
Perro Plancha
do, 2012
Para cerrar, ¿cúal es es la obra de tu colección privada que apreciás especialmente y de las que nunca te desprenderías? El “Complentarismo dinamico di forma e colore” de Umberto Boccioni, un óleo de 1913 lleno de grandes emociones y producto de un momento cultural irrepetible va a vivir en la colección Crippa toda mi vida.
¿Qué significó adquirirla y por qué le das especial valor? Pienso que el coleccionista es un fetichista. Sabe que no es un artista y sueña con ser dueño de un momento creativo del artista. Delante de esta obra yo vivo el nacimiento del Futurismo, las ciarlas entre Marinetti, Balla, Severini, Russolo, Carrà y Boccioni, todas las peleas culturales y otras situaciones históricas del arte de esa época. La obra pasó de Marinetti a Walden que se la vendió a Goering. Cuando llegó de Hitler la orden de quemar todo el Arte Degenerado, Goering no la acató y envió este capolavoro a Italia para devolverlo a sus antiguos dueños, la familia Marinetti. Goering escuchó su corazón. Yo escucho al mío. 03, cer’amica
i, L’Angelo, 20
Yumiko Tachim
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75 Aniversario DC Comics
Rachel Weisz, proyecto personal, 2010
David Despau
Con sus ilustraciones, David Despau le agrega un toque de clase a la realidad. Este madrile単o que ha retratado a decenas de celebridades, se detiene en lo gestual, bucea en el alma de cada personaje y LOS reinterpreta con una elegancia TAN particular que LO HA proyectAdo a los primeros planos de su especialidad. Desde hace varios a単os, el espa単ol David Despau integra la elite de los ilustradores en el mundo. Ha sido elegido incluso para ilustrar la tapa de uno de los libros que incluye a los m叩s importantes.
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Sus primeros estudios fueron de arquitectura pero al poco tiempo su natural facilidad para el dibujo lo llevó a una escuela de artes en la que se graduó como diseñador gráfico y de allí en más comenzó a trabajar para distintas agencias y fue afianzando su perfil como ilustrador, que es su vocación verdadera. Hay muchos maneras de hacer retratos pero David Despau le agrega a los suyos ciertos toques dramáticos empleando lápices, tinta y bolígrafos. Esa técnica le permite dar a cada retrato una fuerte personalidad gráfica, pero la magia de David en realidad comienza con la elección de lo gestual, la mirada, la actitud de cada personaje a retratar.
Illustration Now 3, cubierta de libro, 2012
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David Beckham, proyecto personal, 2010
Si la fotografía es capaz de detener el tiempo, captar un instante que nos permite asomarnos al alma de una persona, la ilustración -en particular las ilustraciones de David Despaulogran ir un poco más allá. Son una suerte de buceo en las profundidades de cada personaje. Esas deconstrucciones de rostros y cuerpos, mediante manchas de tinta y efectos de sombras que permite el lápiz y las miradas, siempre las miradas, hacen que cada retrato de este español se convierta en algo distinto, un resumen acabado de la personalidad de quien es objeto de su habilidad para ilustrar.
“Me encantan las caras, dibujarlas con realismo o simplificarlas hasta casi la abstracción. En una ilustración, la composición y el ritmo son fundamentales. Menos es más”. David Despau
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gazine, Mario
11 Freunde Ma
Gotze
ESPN Magazine, Diego Maradona y Lionel Messi
David Bowie, proyecto personal, 2014
Pero lo que creemos que pone a David Despau en una clase aparte es algo menos tangible y se trata de la elegancia que sobrevuela en todos sus retratos. Los ángulos que emplea, la combinación de materiales, el énfasis en determinados rasgos, logran que el todo se perciba como elegante. No importa si se trata del rostro de una modelo o el cuerpo de Lionel Messi, el objeto de la ilustración no influye en la percepción que de ella finalmente tenemos. Las ilustraciones de David Despau son como un ballet, pueden tener decenas de variaciones, pero cada movimiento y el conjunto resultan de una armonía admirables.
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Basado en Madrid, director creativo de la agencia digital Orbital, casado con otra creativa, David ha ilustrado las tapas de numerosas revistas de Europa y trabajado para grandes marcas y productoras de contenidos como DC Comics y Warner Bros, pero si busca profundizar su estilo y desarrollar su propio imaginario, más allá de ilustrar personalidades conocidas, este español con un don especial para retratar el alma puede saltar a lo que quizá termine siendo su gran desafío: iniciar una carrera como artista.
ÉL
STEVEN HELLER Coeditor de “100 Illustrators” de Taschen
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LO VE
ASÍ
75 Aniversario DC Comics
“David Despau crea unos retratos exquisitos en los que la exactitud ilusionista, cercana a lo fotográfico, realza la personalidad del retratado. Lo contemporáneo de su obra radica en los infinitos detalles contrarrestados por espacios vacíos: lo que queda fuera dice tanto como lo que con tanta precisión se incluye”.
“The EY Exhibition: The World Goes Pop” en la Tate Modern Inés Viturro entrevista a Flavia Frigeri, co-curadora de la muestra 80
Ushio Shinohara, Doll Festival, 1966, pintura fluorescente, óleo, tabla plástica sobre madera enchapada, Hyogo Prefectural Museum of Art, Yamamura Collection, © Ushio Shinohara
El espíritu pop se muda a Londres hasta Enero próximo. más de 160 obras de los años 60 y 70 de todo el mundo -con excepción de Inglaterra y los Estados Unidos- son exhibidas por primera vez. Gran idea y excepcional muestra de la Tate. 81
Henri Cueco, Les Hommes Rouges 1968-9, © Henri Cueco/ADAGP 2014, Foto: David Cueco >
La muestra, que se extenderá hasta enero de 2016, resalta figuras clave de la época que fueron soslayadas pero que se valieron del poder visual del lenguaje pop para establecer posturas políticas y reaccionar ante el consumismo. Con un cambio de foco, busca reorientar la mirada del espectador y dirigirla a artistas de todo el mundo, más allá de los nombres más conocidos asociados a este movimiento. Y así como el término “pop” fue acuñado en 1957 por el crítico londinense Lawrence Alloway, que encontró enseguida su vínculo con la cultura popular, ahora también es en Londres donde se busca echar nueva luz sobre este fenómeno. Curada por Jessica Morgan y Flavia Frigeri junto con Elsa Coustou, la exhibición aborda las expresiones que se dieron desde Latinoamérica hasta Asia y desde Europa a Medio Oriente. La iniciativa es ambiciosa: mostrar el pop como nunca antes se lo vio. Con este fin también se da un espacio destacado a las artistas mujeres, que en muchos casos fueron opacadas por las figuras masculinas que uno asocia al pop. Se ve obra de la brasileña Anna María Maiolino, la eslovaca Jana Želibská y las argentinas Delia Cancela y Marta Minujín, entre otras.
ÁN D O U C Y E D N DÓ The World Goes Pop Tate Modern, Londres 17 de septiembre de 2015 / al 24 de enero de 2016 160 obras muchas de ellas nunca antes exhibidas en Inglaterra.
Para saber un poco más sobre esta muestra, dialogamos con Flavia Frigeri. ¿Qué podemos esperar de esta exhibición? Pueden esperar sorprenderse. La exposición busca repensar lo que es el pop art y cómo se desarrolló contemporáneamente en diferentes lugares del mundo. Como parte de ésto estamos mostrando cómo el pop es puesto en uso por artistas de manera global para la subversión social y política. Cuando sugiere que en la exhibición hay historias alternativas de pop art, ¿significa que no debemos esperar ver obras de Richard Hamilton, Andy Warhol o Roy Lichtenstein? Correcto. Las conocidas historias del pop que muestran como sus héroes indiscutibles a figuras como Hamilton y Warhol estarán ausentes de nuestra exhibición. Este no es un juicio sobre las obras en sí mismas, que son geniales, sino que está dictado por una voluntad de expandir el canon del pop al introducir a nuestra audiencia actores clave y trabajos con los que aún no están familiarizados.
Teresa Burga, Cubes, 1968, Private Collection Foto: cortesía de la artista y de Galerie Barbara Thumm, © Teresa Burga
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La muestra busca exhibir artistas de otros países además de Gran Bretaña y Estados Unidos. ¿Qué piensa que será lo más sorprendente? Espero que las audiencias se sorprendan con la envergadura y riqueza del pop art realizado entre 1960 y los principios de los 70 alrededor del mundo. Los artistas estaban acogiendo al pop como un lenguaje con el cual comentar cada aspecto de la vida en aquel tiempo, desde la guerra de Vietnam hasta dictaduras militares y desde los derechos de las mujeres hasta la relación con la tradición histórica del arte. El pop art estaba dirigiéndose a todo eso, ¡así que esto será realmente sorprendente, espero!
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Evelyne Axell, Valentine 1966, Collection of Philippe Axell, Foto: Paul Louis, Š Evelyne Axell/DACS 2015
Todo el mundo todo
Arriba: Ariana Hufftington en el homenaje a Richard Serra y Kara Walker. Party in the Garden, MoMA Abajo: Kara Walker en el mismo homenaje donde también se recordó a David Rockefeller. Gentileza MoMa Julie Skarratt
Marco Antonio Castillo Valdes y Dagoberto Rodriguez Sánchez miembros del colectivo Los Carpinteros, dentro de su instalación “The Globe” en el Victoria and Albert. Gentileza Victoria and Albert Museum, London
Lucas Beccar Varela y amiga en la inauguración de “Polesello Joven” en el MALBA. Mercedes Casanegra, curadora de la exposición, con Martín Zubizarreta en la antológica muestra “Polesello Joven” en el MALBA.
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Marco Testino en la última Lima Photo, el emprendimiento de Gastón Deleau y Diego Costa Peuser.
Ocurre aquí y allá. Puede ser Nueva York, Londres, París, lima, Buenos Aires. En realidad, puede ser en cualquier parte del mundo. El arte está convocando como nunca antes. Y estamos atentos para mostrártelo.
Rachel Griffiths, la diseñadora Gwendolynne Burkin, Paul Ternent, Kristine Live y el diseñador Richard Nylon, en el blockbuster de David Bowie. Australian Centre for the Moving Image. Foto: Mark Gambino, imagen cortesía de ACMI.
Yamil Le Parc, Leandro Erlich, Julio Le Parc y Naná Gallardo en la explanada del Malba delante de la obra con la que Erlich sorprendió a Buenos Aires “La democracia del símbolo”.
Nynke Tynagel, Ximena Caminos, Alan Faena y la DJ Henrietta Tiefenthaler. Presentación Studio Job en Buenos Aires, Faena Arts Center.
Nicolás Melmann, Alexandra Kehayoglou, Chiachio y Giannone y Luján Cambariere, junto a la embajadora argentina en el Reino Unido, Alicia Castro en la muestra “Viajes desde el Sur”, Victoria and Albert Museum, Londres.
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