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DIRECCIÓN GENERAL Y EDITORIAL
Guillermo González Taboada DISEÑO GRÁFICO
González Taboada/Guevara | Worldwide Partners Buenos Aires COLABORACIONES ESPECIALES
Angel Navarro, Alejandra Achaval, João Correia PRODUCCIÓN EDITORIAL
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Sanchez Moreno 794, Tel.: 4342.4031 D.I.S.A. Luis Saenz Peña 1836, Tel.: 4305.0114
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YOUNG NEW YORKERS
Buceando entre Brooklyn y Manhattan CARLOS GORRIARENA
Rumbo al podio ZAHA HADID
Las curvas de Zaha MARTÍN RON
El chico de la calle ANGEL NAVARRO
El pasado siempre vuelve CRAIG ROBINS
El lo vio primero DANIEL SANTORO
Aquellos años felices y su lado B MAURIZIO VANNI
Bienvenidos al museo amigable PABLO BERNASCONI
Vuela, vuela JOAO CORREIA
El grito de los Pixadores ARTY PEOPLE
Here, there & everywhere POR EL MUNDO
Y por aquí cerca también ÚLTIMA PÁGINA
edición impresa | enero 2015
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edición impresa | enero 2015
Citando el título de aquel famoso libro de Díaz-Polanco, Art Democracy rinde especial homenaje en esta edición a las diferencias dentro del mundo del arte. Así vamos desde la obra de Daniel Santoro, que nos lleva al sentir profundo del apogeo peronista, a las luces del Miami Design District donde su creador, Craig Robins, nos habla de una realidad muy distinta. Partimos de una pared de Floresta en la que Martín Ron plasmó la tapa de esta edición -con la que festejamos nuestro primer año- para arribar sin escalas a la hipersofisticación de esa trememda ARTquitecta que es Zaha Hadid. En ese viaje pluralista y multicultural reflejamos la mirada de Angel Navarro, quizá el mayor experto mundial en la pintura del siglo de oro holandés y de allí pasamos a la visión de João Correia, quien desde San Pablo nos presenta la expresión más marginal del arte, los Pixadores, que generaron polémica en tres Bienales. La diversidad se observa también en los anunciantes que nos acompañan, muchos de los cuales están desde siempre a la vanguardia y que al igual que algunos de los grandes museos del mundo, valoran y exaltan las disímiles maneras de creación. Es que el arte, entre otras cosas, es un culto a lo distinto y desde luego se expresa de muchas formas; por eso y por nuestro permanente buceo en lo contemporáneo nos identificamos particularmente con el MoMA, que bien puede estar exhibiendo la obra de un maestro del diseño gráfico, mantener una muestra de lo mejor del expresionismo y darle cabida simultáneamente a un artista pop. Hacer esto en pos del arte contemporáneo, desde Nueva York y desde el MoMA es obviamente natural y universalmente comprendido. Ponerlo en práctica desde una publicación en Buenos Aires no siempre alcanza.
d a d i s r e v i d a l e d o i g o l E Nos hemos enfrentado a la opinión de una gerente de marketing que nos dijo “Mi marca está para auspiciar un contenido más formal ¿no van a poner nada de Van Gogh o de Rembrandt?” Quizá por falta de formación o tal vez porque todavía no han registrado lo que está pasando con esos centenares de miles de personas que en Buenos Aires y otras ciudades inundan los museos, algunos decisores están viendo otra película. Ese público -mayoritariamente joven o con actitud y mentalidad joven y sin prejuicio alguno- está ávido de consumir arte en todas sus formas. Y eso bien puede ir desde lo que hizo Warhol a lo que pintaba Rembrandt. Desde lo que hoy hace en la calle Martín Ron, hasta lo que cuelga de las paredes del MNBA, en sus salas dedicadas a la pintura de siglos pasados. Para ese gran público, decididamente actual y sofisticado de espíritu, va este nuevo número de Art Democracy, el cuarto. El de nuestro primer cumpleaños en esta aventura que significa hacer una revista de arte contemporáneo en un medio en el que el arte -en todas sus expresiones- va a dar muchas sorpresas en los próximos años.
Guillermo González Taboada EDITOR
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Austin Lee | Benjamin Butler | Brian Alfred Holly Coulis | Patrick Berran | Ryan Johnson Saira Mc Laren | Sarah Peters
Alguien dijo que el mejor ojo para detectar el talento artístico es precisamente el de otros artistas. Con en esa idea le pedimos a Ridley Howard, el figurativo que ya fue nota en Art Democracy, que señalara a sus favoritos upcoming en la escena neoyorkina y sumamos un par más, a partir de la visión de algunos críticos que están monitoreando la escena americana.
Ryan Johnson, Keeper, 2014
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Austin Lee nació en Las Vegas en 1983, se graduó en la Tyler School of Art y obtuvo el MFA de la Yale School of Art en 2013. Habitualmente trabaja en su I Pad incluso mientras viaja en el subte neoyorkino y luego pasa a la tela. Buena parte de sus obras están inspiradas en historietas y son el resultado de un “action painting” digital. Luego de su primera muestra individual -Mixed Fillings- en el espacio de Carl Kostyál en Saville Row, Londres, una crítica publicada en The Observer hizo un paralelo entre su trabajo con el de David Hockney: “...mientras que las pinturas de Hockney parecen los productos cuidadosamente trabajados de un anciano que se interna alegremente en el mundo digital pero cuyo pensamiento tienes sus raíces en el mundo analógico, la obra de Lee Austin transfiere la estética digital a la tela”.
Austin Lee, Taboo, 2013, acrílico sobre tela
Austin Lee Austin Lee, Untitled , 2014
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Ryan Johnson
Ryan Johnson nació en 1978 en un lugar tan fuera de nuestro radar como Karachi, Pakistan, creció y se educó en Yakarta, Indonesia. Actualmente vive y trabaja en Brooklyn. Desde 2005 ha realizado varias muestras individuales en Nueva York, Turín y fue invitado a exhibir en la Saatchi Gallery de Londres. Sus esculturas pueden combinar materiales tan disímiles como aluminio, vidrio, madera, cinta de embalaje, caucho, tela, plástico, cartón, pintura esmalte. Tienen una fuerte personalidad y dos conocedores de la escena neoyorkina a quienes contactamos, lo mencionaron espontáneamente. En su primera muestra individual en The Suzanne Geiss Company, en el Soho neoyorkino, 2012, sorprendió con una obra bautizada Rocking Horse. En 2007, otra de sus impactantes esculturas, Pedestrian, sirvió de inspiración -por no decir que fue directamente copiada- por la agencia Ogilvy & Mather, para su cliente UPS. Luego de ver esos y otros trabajos como el que mostramos aquí, apostamos por Ryan.
Ryan Johnson, Composition, 2013
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Saira Mc Laren, Untitled, 2014
Saira Mc Laren nació en Toronto, Canadá, pero vive y trabaja en Brooklyn. En un blog local alguien definió su pintura como “gestual, improvisada e intuitiva” y agregó “hay siempre una sensación de libertad rondando sus obras”. Observando sus abstracciones, la definición parece acertada. Una crítica firmada por Jason Hoelscher en Art Pulse concluye que la pintura de McLaren “Presenta un enfoque alternativo a la relación entre el orden y la intuición. Su pintura refleja la necesidad de imponer orden casi como una ocurrencia tardía”. Recientemente incorporada a la nueva galería Sargent´s Daughters, en el Lower East Side de Nueva York, sus trabajos han merecido publicaciones en The New York Times, New York Magazine, Art Observed y ArtSlant. Este enero y hasta el 8 de febrero de 2015, Sargent´s Daughters exhibirá una individual de Saira.
Saira Mc Laren Saira Mc Laren, Club Scene, 2013
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Holly Coulis nació en Toronto en 1968 pero vive y trabaja en Brooklyn junto a su marido también artista, Ridley Howard, que fue nota en Art Democracy. Según una crítica neoyorquina, los personajes de los retratos de Holly parecen estar suspendidos en el tiempo y trasmiten una tranquila elegancia. Otros agregan que el trabajo de Holly está inspirado en la historia del arte occidental y su composición y técnica remite a pintores americanos como Milton Avery y Fairfield Porter. Lo cierto es que este período de su pintura ha resultado atractivo para galeristas en Nueva York, Boston, Basilea, Toronto y Los Angeles, que han montado exhibiciones individuales de su obra.
Holly Coulis
Holly Coulis, Blue Storage, 2012
Holly Coulis, The Architect, 2012
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Si bien nació en Kansas (1975) y hoy reside en Viena, Benjamin Butler está integrado a la escena artística de Nueva York. Por más de una década, se ha dedicado a pintar bosques y árboles, evocando troncos y ramas, utilizando distintas tonalidades de verde. Sus pinturas, en la opinión de la mítica crítica Roberta Smith del New York Times, “alcanzan una significativa complejidad dentro de su ostensible simplicidad”. En 2005 sus pinturas fueron incluidas en una exhibición del MoMA PS1. Hoy tiene galeristas en Tokyo, Viena y Nueva York.
Benjamin Butler
“Benjamin Butler parece querer ser el Robert Ryman de los árboles y el verde y está haciendo un excelente trabajo”. Roberta Smith
New York Times, Mayo 2014
Sarah Peters, Woman with Ecstatic Hair, 2012
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Sarah Peters
Benjamin Butler, Green Forest, 2013
Con un Master of Fine Arts en escultura de la Universidad de Virginia en 2003 y varios títulos anteriores, Sarah Peters no descansó hasta concretar su primera individual Being American en la Winkleman Gallery de Nueva York, en 2007. Esa muestra mereció una nota de Roberta Smith en el New York Times, quien escribió: “Sarah Peters le da vida a una obsesión por el arte y la historia de la América colonial”.
Sarah Peters, Portrait of a Bearded Man, bronce, 2014
Más recientemente, según la crítica Amy Griffin, en la serie Utopistas presentada en 2013 la artista “hace referencias a la escultura clásica, al arte del siglo XIX y XX, a la historia y mitología Americana, para crear un cuerpo de obra que funciona como la narrativa de un pasado imaginario”. Más allá de estas dos visiones que reflejan con claridad la búsqueda de Sarah Peters, lo cierto es que la fuerte personalidad de sus trabajos la ha puesto en la mira del coleccionismo.
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Patrick Berran
Patrick Berran nació en 1980 en Woodbridge, muy cerca de Washington, y asistió desde los 8 a los 18 años a la Dasel Art Academy. En 2005, mientras estudiaba en el Hunter College para obtener el Master en Fine Arts, fue elegido para hacer una incursión de dos semanas en el estudio de Franz Ackermann en Berlín. El 7 de Marzo pasado fue un gran día para Patrick: el New York Times publicó una gran fotografía de un conjunto de sus obras exhibidas por su galería, Whites Columns. Antes, en 2012, fue incluido en la lista de Modern Painters “100 Artistas para Mirar”, una encuesta que la revista realiza entre referentes del arte para detectar nuevos talentos.
Patric Berran, Untitled, 2014
Brian Alfred nació en 1974 en Pittsburgh y recibió el degree de Bachelor of Art en la Penn State University y el Master of Art en Yale. Hoy vive y trabaja en Brooklyn. Brian Alfred, Cargo, 2014
Su cuerpo de obra abarca el collage, la pintura y la animación digital. Sus obras examinan cómo la percepción del mundo que nos rodea y la cultura está mediada por la tecnología y los medios. Alfred está presente en numerosas colecciones, entre ellas la de los museos Whitney y Guggenheim en Nueva York, también la Galería Nacional de Victoria, Australia y el Museo de Arte Moderno de San Francisco.
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Brian Alfred, RT4, 2013
Brian Alfred 21
Carlos Gorriarena
No es fácil predecir en qué momento su obra alcanzará todo el reconocimiento que se merece, pero la cosa está latente. Mientras su pintura gana adeptos entre los más jóvenes, algunos referentes comparten la idea de que si alguien debería ser consagrado definitivamente entre los grandes, ese es Gorriarena.
Gorriarena y el
abrazo de León
Dos cosas impresionan cuando se tiene la posibilidad de ver en simultáneo una gran cantidad de obras de Gorriarena.
Ferrari
La primera es la diversidad y la riqueza de sus personajes. Cada grupo, cada individuo de esa fauna particular ejercen una fuerte atracción, invitan a descubrir por qué están allí y cuál es su mensaje, que muchas veces no es tan obvio como parece. La segunda es que cuando uno se acerca a una de sus pinturas y fija la vista en un sector cualquiera, la figuración desaparece y descubrimos una abstracción que en muchos casos podría constituir una obra en sí misma. Esos trazos del pincel de Gorriarena, esa coloración imponente que es otra de sus características, logran que una superficie acotada se constituya en una suerte de pequeña obra. Si tenés una lupa a mano, dos páginas más adelante podés hacer el ejercicio sobre la obra “Racing”. En esa extrarodinaria pintura de Gorriarena de gran tamaño -vista de muy cercavas a encontrar alguna de esas abstracciones.
Región, acrílico sobre tela, 200 x 200 cms., 1992
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Centímetro lineal, acrílico sobre tela, 69 x 99 cms., 1978
“Cuerpos y Gestos del Poder”, así se llama un capítulo del libro sobre Gorriarena de Diana Wechsler y María Teresa Constantin. En la introducción a ese capítulo las autoras señalan que la mirada crítica de Gorriarena está expuesta en gestos, actitudes y situaciones de muchas de sus obras en las que explícitamente a veces y sutilmente en otras, buscaba reflejar la imagen del poder. Los personajes -políticos, ejecutivos, familias, mujeres-accesorio, militares, papas y grupos de afinidad - fueron representados por Gorri con un aire de grotesco.
Jardines prometidos, acrílico sobre tela, 190 x 140cms., 1995
Cuando murió, en 2007, Beatriz Vignoli escribió en Página 12: “Gorriarena consideraba su actividad plástica como un hecho ético”. Para el crítico de arte y ex director del MAMBA Raúl Santana, “Gorriarena es un gran heredero de Antonio Berni. Mantuvieron una gran amistad y ambos compartían la preocupación por el contexto social”.
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“Elípticamente mi pintura puede tener un carácter social, pero yo no hago pietismo ni pinto gente desamparada, más bien me interesa expresar los aspectos agresivos del poder”. Carlos Gorriarena
Ceremonia, acrílico sobre tela, 144 x 144 cms., 2003
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Racing 1925, acrĂlico sobre tela, 200 x 125 cms., 2006
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Sobre un fondo tormenta, acrílico sobre tela, 134 x 134 cms., 2000/2
ELLOS
En 2009, Marina Oybin de Clarín, recorrió junto a Yuyo Noé la individual de “Gorriarena Siglo XX!” que el Gobierno de la Ciudad le dedicó en el Centro Cultural Recoleta.
LO
En su nota publicada en la revista Ñ, las observaciones de Noé sintetizan de manera admirable las características de la pintura de Gorriarena: “El color en su obra es un adjetivo calificativo, fuerte, potente como una puteada. Gorriarena es figurativo y ahí esta el sustantivo. El no hace hincapié en el dibujo, en la línea, sino en los colores, que son como un adjetivo” “Las imágenes de sus obras oscilan entre el retrato y la caricatura: cuando Gorri perdona, la pintura tiene más de retrato; cuando no, más de caricatura”.
VEN
ASÍ “Gorriarena es un pintor con mayúsculas que logró crear climas de alto impacto y mensaje, siempre con un magistral manejo del color y la textura”. MIGUEL BORNSTEIN Creador del el espacio de arte y diseño 30quarenta en Buenos Aires
< Thriller gardeliano, acrílico s/tela, 200 x 140 cms., 1997
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“A pesar de haber hecho una profunda crítica de lo social, Gorriarena jamás descuidó la armonía estética, fundamentado la construcción de su obra en la intensidad del color”. RENATO RITA
The ARTchitects
Zaha Hadid, FotografĂa de Brigitte Lacombe
Zaha Hadid 30
En nuestra visión, la arquitectura es capaz de despertar emociones como cualquier obra artística. Si no todos, muchos arquitectos encierran un artista. Algunos elegidos han logrado liberarlo en toda su dimensión. Ellos son los que bautizamos como “The ARTchitects” y comenzamos a desplegar con gran repercusión en nuestras páginas de las redes sociales. Hoy abrimos esta sección aquí con la más grande de nuestro tiempo: ZAHA HADID.
Heydar Aliyev Center, Baku, Fotografía de Helene Binet
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Zaha Hadid, como todo aquel que empuja la frontera en su actividad, ha recibido muchas críticas pero éstas han sido superadas largamente por los elogios, para no mencionar la lluvia de invitaciones a concursar que anualmente recibe desde todo el planeta, en su estudio de Londres. Esas críticas, cuando no han sido por las dimensiones o el presupuesto de algunas de sus propuestas, lo son por su condición de extranjera cuando gana un proyecto en otro país. Las hay más sofisticadas y hasta difamatorias, como las que un crítico neoyorkino hizo –y se ganó una demanda- por un supuesto menosprecio de Zaha a las condiciones de trabajo de los obreros migrantes en un emprendimiento en el Medio Oriente.
Zaha es hoy sin duda la mayor celebrity en el mundo de la arquitectura. Las curvas imposibles de sus proyectos más ambiciosos han cautivado a sus clientes y luego de terminados a todo el público. Esas mismas curvas también han recibido críticas que resultan obvias, mayormente por el desperdicio y poca funcionalidad que suponen en algunos espacios, ¿pero qué representa eso frente el poder que emana de una obra majestuosa que termina por convertirse en un ícono de la ciudad donde fue emplazada? Zaha avanza desafiando los límites e invita en ese desafío a quienes la contratan y a su propio staff. Quien ha sido su mentor, Rem Koolhas, durante años director de la escuela de la Asociación de Arquitectos de Londres, define a Zaha como “Un planeta en su propia e inimitable órbita”.
“Creo que la arquitectura imaginativa puede marcar una diferencia en la vida de la gente, pero desearía que fuese posible redirigir parte del esfuerzo que ponemos en galerías y museos ambiciosos hacia la arquitectura básica para la sociedad”. Zaha Hadid
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Heydar Aliyev Center, Baku,
Azerbaiyán
Heydar Aliyev Center, Baku, Fotografías de Hufton and Crow
Heydar Aliyev Center, Baku, Fotografía de Helene Binet
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Galaxy SOHO, Beijing,
China
“La arquitectura debería ser capaz de excitarte, de calmarte, de hacerte pensar”. Zaha Hadid
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En los últimos diez años, la “Reina de las Curvas” ha competido y ganado reiteradamente alrededor del mundo hasta alcanzar en 2013 un record difícil de batir: 950 proyectos en 44 países. También ha ganado los mayores premios de la industria. Según sus allegados, su carácter provoca miedo pero también inspira admiración. A sus 63 años y apenas 21 después de concretar su primer edificio, un cuartel de bomberos cercano a la frontera entre Alemania y Suiza, Zaha es un torbellino que avanza con su espectacular arquitectura y una personalidad que parece capaz de lograrlo todo.
Zaha Hadid se ha convertido en una marca de clase mundial y esa marca contribuye a que empresas, ciudades e instituciones logren una repercusión inédita. Cada proyecto de Zaha es noticia internacional desde el mismo momento en que un concurso le es adjudicado y en la mayor parte de los casos su obra baña de fama y atrae miles de visitantes a la locación donde fue emplazada. Si alguien se tomase el trabajo de sumar el valor de los espacios en la prensa internacional que una obra de Zaha suele obtener y de medir el retorno del prestigio que sus proyectos logran, seguramente el “cachet” de Zaha y su estudio resulte finalmente más que razonable.
Galaxy SOHO, Beijing, Fotografías de Hufton and Crow
Galaxy SOHO, Beijing, Fotografía de Iwan Baan
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Manta Ray chair, Fotografía de Jacopo Spilimbergo
Luna Table, Fotografía de Jacopo Spilimbergo
Tela Shelving, Fotografía de Jacopo Spilimbergo
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Las tentadoras curvas de Zaha se extienden también al diseño de mobiliario y objetos. Tener algo de Zaha en casa o en la oficina resulta excitante para el sector más alto de la pirámide. Sus diseños, al igual que su arquitectura, son decididamente innovadores y desafiantes. Entre las grandes marcas internacionales que han solicitado un diseño “by Zaha Hadid” están Dupont, Swarovsky, Sawaya & Moroni y Alessi. A través de esos objetos de uso cotidiano quizá estemos viendo el futuro. La única mujer que ha ganado el Pritzker Prize -un Nobel para la Arquitectura- en sus casi treinta años de historia y también la mujer más exitosa en el mundo del diseño de mobiliario, tradicionalmente dominado por hombres, está en camino de ver concretados nuevos proyectos durante 2015, entre ellos su primer edificio en New York, sobre el High Line y el avance de su primer rascacielos en Miami en el 1000 Biscayne Boulevard, bautizado One Thousand Museum. Liquid Glacial Table, Fotografía de Jacopo Spilimbergo
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ELLA
LA VE
Zaha Hadid nació en Bagdad, en 1950. Hija de un conocido político liberal y empresario. Ella siempre recuerda los paseos familiares por las ruinas de las ciudades sumerias en el sur de Iraq. No hay duda que su prolífica obra está inspirada en los ríos y las dunas de su infancia. La primera mujer en recibir el máximo galardón en arquitectura, el Premio Prizker, estudió matemáticas en la Universidad Americana de Beirut y arquitectura en Londres, donde vive desde entonces. Comenzó a trabajar en el renombrado OMA, con Rem Koolhaas, hasta que en 1980 abrió su propia práctica profesional. En sus comienzos era más conocida por sus trabajos conceptuales antes que por sus obras, aunque adquirió presencia internacional a partir del diseño de la estación de Vitra en 1993. Empecinada en modificar los límites de la arquitectura parte de la naturaleza para redefinirlos, sus propuestas no están regladas por la normativa, ni diseña edificios convencionales. En su reciente obra en Hong Kong, el Jockey Club Innovation Tower vemos una composición fluída donde el exterior e interior se encuentran e interactúan creando espacios informales de exhibición, teatros, estudios y áreas de recreación, lejos de los espacios rectangulares esperables. La fluidez en la arquitectura no es un concepto nuevo para el Medio Oriente. En las construcciones históricas islámicas están presentes las filas, grillas o secuencias de columnas que definen espacios muy dinámicos. La caligrafía continua, los diseños ornamentales de alfombras, paredes, cielorrasos y cúpulas establecen relaciones constantes que borran los límites entre la arquitectura y su entorno.
ASÍ
Alejandra Achaval escribe sobre Zaha Hadid La belleza del Heydar Aliyev Center, en Azerbaiján, se aleja de la arquitectura rígida de los mega monumentos soviéticos, representando la sensibilidad y el optimismo de la nueva nación. Ondulaciones, bifurcaciones, pliegues e inflexiones acompañan y guían al visitante desde la plaza hacia los diferentes niveles interiores, eliminando la diferenciación entre el objeto de arquitectura y el paisaje urbano. La fuerza y la potencia que trasluce el Dongdaemun Design Plaza, en Seul, confirma su intención de redefinir los espacios en el corazón del distrito histórico de la ciudad. Lo que hace a Hadid tan importante es la influencia que tiene en el mundo de la arquitectura. Los cinco volúmenes flotantes e interconectados del Galaxy Soho en Pekín, crean un nuevo interior donde se encuentran oficinas, locales y complejos de entretenimiento, sin esquinas ni transiciones abruptas y nos impactan con su belleza Pareciera que el agua en movimiento fuera su inspiración para la geometría del London Aquatics Centre, el gesto de una ola ondulada define la cubierta y su perfil recrea la rompiente del mar. Trabaja en todas las escalas y en todos los ámbitos. Equipamiento, exposiciones, interiores y locales comerciales llevan su marca de diseño. La espectacular Liquid Glacial Table nos asombra tanto desde su materialidad como su formalidad. Paralelamente a su práctica profesional Zaha Hadid está involucrada en el ámbito académico no sólo en Harvard, Yale y Columbia, sino también en Chicago, Hamburgo y Viena.
Hadid no se ha casado, no tiene hijos ni ha construido una casa para ella. Vive en un departamento impersonal cerca de su oficina. Su trabajo es su vida. El dolor que le produce la distancia entre el Bagdad de su juventud y el de la dictadura, ha evitado que vuelva a su país natal pero la comisión del nuevo Banco Central al lado del Tigris la llevará a sus orígenes después de tantos años. Sus fanáticos la consideran un genio, sus detractores una estrella con fantasías convulsionadas. La mejor definición de Zaha fue hecha por otro Pritzker, Frank Gehry, quien la describió como “Una extraordinaria fuerza de la naturaleza”. Quizás ella simplemente intente recrear las arenas fluídas de su infancia.
Art Democracy agradece especialmente a la arquitecta Alejandra Achaval su colaboración para la realización de esta nota y en particular su visión sobre Zaha Hadid.
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Martín Ron
El arte callejero que vandalizaba las ciudades evoluciona favorablemente gracias a mecenazgos públicos y privados que alientan y sostienen a talentos como Martin Ron, el argentino que integra la elite mundial de los artistas urbanos. Martín y sus escenas fantásticas pusieron a Buenos Aires en el mapa del street art internacional. Es la una de la tarde de un viernes del último mes de Noviembre y bajo un sol rabioso estamos frente a un paredón de Floresta, un barrio donde reina la pasión por All Boys, uno de los primeros y legendarios clubes de fútbol de Buenos Aires. La pared en cuestión está en una esquina de lo que parece ser una casa abandonada y sobre ella hay pintada una leyenda y el distintivo del club. Martín y su equipo de colaboradores se prepara para plantar allí lo que será la tapa de este número de Art Democracy. Se acerca una vecina, solidaria, a ofrecernos agua. De la casa del paredón sale un vecino que tiene allí su taller de carpintería. Enterados en la cuadra que se va a pintar un mural, todos se muestran intrigados por saber de qué se trata. Uno de ellos sugiere que al terminar Martín le agregue el escudo de All Boys, para que la obra no sea vandalizada. Martín tranquiliza a todo el mundo -tiene años de experiencia en esto de charlar con la gente mientras se dispone a pintar- se sube a una escalera y arremete con un boceto en la mano y un aerosol en la otra. A los quince minutos, el trazo de esa cabeza gigantesca está plantado y ya hay un vecino que ofrece la pared de enfrente para que le pinten un mural.
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En el Rock Werchter Music Festival en Bélgica, Martín pintó subido a una grúa durante nueve días sobre una torre de siete containers, un área de 205 m2
El mural más grande que Martín Ron ha pintado hasta hoy tiene 412 m2, está Villa Urquiza -otro barrio porteño- y es una muestra acabada de esa suerte de surrealismo urbano que practica y que lo catapultó a la elite de los street artists en el mundo. Antes ya había hecho el mural de Carlitos Tévez en una gran pared de Fuerte Apache, el barrio que vio nacer al futbolista. Enseguida las invitaciones se multiplicaron y debutó en Londres con dos murales en Shoreditch, un distrito reconocido por su arte urbano. De allí a Bélgica, a pintar murales en el marco del mayor festival de rock. Martín retoma el mural para Art Democracy el Sábado, otra vez con un sol que raja la tierra. Los colaboradores arrancan con el fondo. Entre mate y mate y mientras charla con algún vecino Martín le va dando forma y carácter a la cara. La idea es que esa cabeza gigante, que no es otra que la del propio Martín, esté gritando hacia el lugar que él ocupará para las tomas fotográficas, a cargo de Claudio Larrea. Es su primer autoretrato.
A la 1 de la tarde se disculpa, tiene que ir hasta Villa Urquiza porque hay un equipo de la televisión china que quiere entrevistarlo junto a su gigantesco mural. Retomaremos a las 3 de la tarde. Antes de partir Martín cuenta que tuvo que cancelar su viaje al Festival de Street Art de Moscú porque coincidía con Art Basel en Miami, donde también fue invitado para hacer lo suyo en un edificio de Wynwood, el paraíso del arte callejero en la ciudad. El Cuento de los loros, Villa Urquiza, Ciudad de Buenos Aires
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“Cuando pintás en la calle hay conexión con la gente y eso está bueno” Martín Ron
Hoy si Miguel Angel viviera bien podría ser uno de los grandes artistas callejeros, a los que los mecenas de esta época han comenzado a prestarle especial atención. En Caseros, al noroeste de Buenos Aires, no hay una Capilla Sixtina pero sí una escuelita de barrio donde hace varios años, un por entonces incipiente artista, plasmó una obra que se convertiría en el primer escalón de una carrera que hoy tiene el mundo como destino.
n, frente de un
Victoria Brow
mo, Ciudad de
local en Paler
Buenos Aires
“Lo que más disfruto es pintar situaciones fantásticas”.
Martín Ron fue invitado por el gobierno municipal a embellecer los muros de la zona, donde realizó decenas de obras convirtiéndose en el ídolo y maestro de otros chicos con su misma pasión. El Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires también convocó a Martín a hacer su arte en la línea A de subtes. Intervino diez vagones con imágenes de personalidades argentinas y también lo hará en la estación Plaza de Mayo.
Martín Ron
De la calle, como casi todos los mejores artistas urbanos, Martín ya ha saltado a las galerías. Su primera experiencia fue en Londres, en la Mead Carney Gallery de Mayfair donde se vendieron sus primeros cuadros y en Diciembre pasado, en Miami donde expuso en la Vice Gallery, una galería que acaba de abrirse en Wynwood. Sin embargo, el placer de pintar en el caballete ni siquiera se aproxima al de hacerlo en la calle. Martín habla de la “conexión” que se da con la gente y con la obra, durante la ejecución y más tarde cuando el barrio la “adopta” y se convierte en un orgullo.
Pedro Luján y su perro, en la fachada de una fábrica en Barracas, Ciudad de Buenos Aires, 2012
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Son las seis de la tarde del Sábado en Floresta y la obra está a punto de quedar terminada. Encaramado en una escalera, Martín apura el ritmo mientras conversa con un vecino, y sigue pintando. Un buen tema suena en los parlantes de su camioneta. Se junta algo más de gente. Claudio Larrea dispara la toma que irá a la tapa, la adrenalina está a pleno. Martín y su equipo disfrutan el momento. Mañana los espera otro muro pero éste tiene para todos un sabor especial. También para Art Democracy.
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“Trato de popularizar la pintura, que es bastante elitista”. Martín Ron
David y Goliath, en el Village Underground Wall, Londres.
El sol de la tarde cae sobre Floresta y Martín –siguiendo los consejos del vecino buena onda- “firma” el mural con un escudo de All Boys. Esa noche pasarán por allí los barras del lugar. Al día siguiente, las paredes linderas amanecen tapadas de consignas futboleras. La obra de Martín permanece intacta.
En la Ciudad lo esperan otros grandes desafíos. Tal vez en la próxima edición de Art Democracy podamos dar la noticia que la mayor obra de arte urbano que se haya concretado jamás en Buenos Aires tiene vía libre y el apoyo necesario para hacerse realidad.
Brick Lane, Londres
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Inconsciente o conscientemente, los artistas de todos los tiempos han abrevado en sus predecesores. Ya sea aplicando tÉcnicas, reinterpretando o haciendo citas, la creación artística suele nutrirse de la observación previa. ángel Navarro, el gran especialista argentino en obras del siglo XVI y XVII, hombre de consulta de museos e instituciones referentes alrededor del mundo, da su parecer basado en una formaciÓn y experiencia, que se reconocen únicas. No sé cuándo empezó mi interés por el arte. Bien seguro que fue de niño, pues recuerdo cuanto me deslumbraban las imágenes que veía en los libros de mis hermanos mayores. Me llamaban la atención las ilustraciones de templos y ciudades en ruinas, de esculturas de personajes y deidades o de objetos que me parecían preciosos. Eran evocadores del pasado que se proyectaba al presente en un mundo que mezclaba ilusión y realidad en aventuras que todos los niños ansiábamos experimentar. Ese cedazo arqueológico tal vez fue el primero que me introdujo en el mundo del arte y que se reveló extraordinario cuando descubrí Egipto. Templos, dioses y esculturas se mezclaban con costumbres y creencias donde el Libro de los Muertos era protagonista fundamental. Vinieron luego Grecia, Roma y otras expresiones diferentes que poco a poco fui conociendo. Pero en Santa Lucía, el ingenio tucumano donde nací y crecí, encontré también a Picasso y sus obras cubistas. Deslumbrado por sus formas angulosas y coloridas, mi primer acercamiento fue copiarlo, y, con escuadra y colores de acuarela, logré una “obra” que, desde ya, en nada reflejaba las del español. Nada sabía del sentido y el origen de sus formas, ni de su observación del pasado y su elaborada teoría que unía tiempo y espacio. Como universitario la historia de la arquitectura fue mi disciplina preferida y me deleitaron tanto las creaciones contemporáneas como las del pasado. El siglo XVI italiano me atrajo de modo especial. Tuvo mucho que ver en eso el libro de Gustav Rene Hocke Die Welt als Labyrinth, publicado en 1957, que examina el arte contemporáneo llegando al período manierista que por entonces aparecía bien definido como expresión de una época, diferente al renacimiento y al barroco, movimiento que también por ese tiempo había alcanzado una definición. De niño, mi texto de historia del arte fue Apolo, de Salomón Reinach, 1904. Para la historia del arte de esa época, desde el siglo XV, el Renacimiento se prolongaba sin solución de continuidad hasta el siglo XIX cuando se mencionaban la école de Barbizon y a tal vez los impresionistas. Me interesé por Rafael Sanzio y las villas romanas del siglo XVI (su villa Madama fue tema de mi tesis doctoral), los palacios italianos de esa época y la pintura. Pero nunca perdí interés por el arte contemporáneo, buscando siempre relaciones entre formas y tiempos.
A la derecha, la obra original de Antonio Berni, “La mujer del sweater rojo” Colección Malba – Fundación Costantini, Foto: Oscar Balducci. A la izquierda, la versión-homenaje de Nicola Costantino
En el caso de Picasso, como muchos artistas de su tiempo, se sirve de lo producido en el pasado. El mundo clásico, Velázquez y Goya están presentes en su obra. Dalí experimenta con obras y técnicas del pasado; la perspectiva fue uno de sus grandes tema, como lo fueron las anamorfosis del siglo XVI. Hoy, trabajadas con computadora y fotografía, podemos verlas en el Centro Cultural Recoleta en la obra de Luis Gonzáles Palma, guatemalteco que vive en Córdoba. Otros artistas usan a su modo el pasado. Entre otros, Ricardo Cinalli reinterpreta esculturas romanas, Miguel D´Arienzo incluye citas de obras clásicas o evoca personajes de un pasado local y no muy lejano, Nicola Costantino revive a Caravaggio, Vermeer, Velázquez o Antonio Berni. El pasado nos envuelve y es, a veces sin que seamos conscientes, el motor del presente. En el mundo del arte no hay nada nuevo bajo el sol: el pasado está siempre presente.
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Angel Navarro escribe para Art Democracy
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Que Miami se ha convertido en un must en el calendario internacional del arte no es ninguna novedad, pero lo que hoy parece natural tuvo un comienzo y si bien la revolución arrancó con la preservación del art decó, alguien tuvo claro desde el vamos que ese era sólo el punto de partida: Craig Robins, el tipo que vio antes que nadie lo que el mix entre la arquitectura, el arte y el diseño podían provocar.
Craig Robins en sus oficinas del Design District de Miami. Detrás, una de las versiones de “Marilyn´s dress” de John Baldessari. Fotografía: Lex Fodere
Entrevista a Craig
Robins por Guillermo Gonzalez Taboada Probablemente aún somos algo jóvenes para ser el destino principal en lo que se refiere al arte, pero creo que ya somos uno de los más importantes aún más allá de la semana de las ferias. Nuestras instituciones culturales están trabajando fuertemente para traer las exhibiciones más importantes, también para mejorar sus instalaciones, haciéndolas más atractivas y espaciosas para poder producir y ser anfitriones de grandes muestras. Aquí los coleccionistas que dan acceso público a sus colecciones destacan lo que hacen los museos, y los esfuerzos locales de los artistas y clientes habituales de Miami realmente no tienen parangón. Estoy integrando instalaciones importantísimas de arte público en el Design District y otros varios desarrolladores también le están dando su respaldo a proyectos de arte público que atraerán a amantes del arte de todo el mundo. Sólo se trata de seguir adelante esforzándonos y de no intentar ser como otros lugares, sólo desarrollar nuestra propia identidad, y creo que Miami está haciéndolo muy bien en este momento.
La anécdota es muy conocida pero aplica con precisión al caso: un día le preguntaron a Onassis cómo se hacía para construir una fortuna como la suya. Onassis sin pausa y señalando un cuadro le dijo a su interlocutor: “¿Ve ese cuadro?“ “Sí, claro” respondió el otro. “Bueno... yo lo ví primero”. Lo cierto es que Miami le debe a la visión de Craig Robins y a su amigo Chris Blackwell, fundador de Island Records, que se hayan preservado y restaurado los espléndidos edificios art-decó en South Beach, cuando mucha gente en los años 80 pensaba que debían ser demolidos. Sin embargo, el joven Craig y sus amigos estaban persuadidos de que esta riqueza arquitectónica era un legado que la ciudad debía proteger y ofrecerle al mundo. Eventos posteriores demostraron que estaba en lo cierto. Simultáneamente con ésta, su primer iniciativa en bienes raíces, Craig Robins comenzó a coleccionar arte y diseño y en el proceso su instinto y su talento natural para lo estético lo pusieron en el umbral de la segunda movida a gran escala: el Miami Design District, el sector de la ciudad que concentra las tendencias de hoy en la moda, la arquitectura y, naturalmente, el diseño en todas sus formas de expresión. Allí, en su bunker, donde trabaja rodeado de una pequeña pero significativa porción de su magnífica colección de arte contemporáneo, nos dijo lo siguiente:
Aunque no haya nada nuevo en incluir o asociar el arte a un proyecto de bienes raíces, hoy es una especie de epidemia que se ha expandido por todo el mundo. ¿Creés que es una moda, como pasó en los 60, o esta vez es algo que llegó para quedarse? Debería haber llegado para quedarse porque, si se hace bien y con el enfoque adecuado, integrar el arte con los bienes raíces no es solo significa atraer alguien una vez. Se trata de construir arte en la trama misma de una comunidad. El arte público, la arquitectura y el diseño de innovación crean una sensación de pertenencia.
En los 80, el hecho de que un joven estudiante de derecho decidiera iniciar una cruzada para preservar las construcciones Art Deco de Miami, mostraba no sólo una sagaz visión para el negocio, sino también una buena base cultural y un gusto especial por esa expresión del arte que es la arquitectura. ¿Dónde adquiriste estas condiciones? El tiempo que pasé estudiando en España tuvo una gran influencia. El gusto europeo por integrar lo antiguo y lo nuevo, preservando el pasado e integrándolo con la arquitectura y el arte actuales, no es un concepto nuevo en Europa. Miami, al ser una ciudad joven, no ha tenido siquiera la oportunidad de reflexionar sobre su pasado, y todo aquí es avanzar y hacerse más grande. En ese tiempo que estuve en Europa aprendí a ir un poco más lento y apreciar la arquitectura que marcó nuestro pasado y me di cuenta de que también era la manera de forjar un nuevo futuro.
Mientras que el establishment del arte sólo lo considera un diseñador gráfico exitoso, mucha gente que ha visitado Miami ve a Romero Britto como un artista icónico de la ciudad. La famosa campaña de Absolut Vodka, que también involucró a Warhol y a otros artistas, seguramente tuvo algo que ver con esto. ¿Qué opinión tienes del trabajo de Britto, y qué relación tiene -si es que la hay- con el espíritu de la ciudad? Britto encontró aquí un nicho y me alegra su éxito. Se lo ve representativo de la ciudad creo por sus esfuerzos comerciales, de manera que los visitantes pueden irse con algo de Britto. ¿Tiene alguna relación con el espíritu de la ciudad? Por supuesto, pero también la tienen todos los otros artistas que viven y trabajan aquí, no hay una única representación artística de Miami en la obra de una persona.
Tu decisión de restaurar estas viejas estructuras significó algo innovador en Estados Unidos en materia de bienes raíces. Aparte del auge de las ferias y el relanzamiento de su museo con la contribución de Jorge Pérez ¿crees que Miami puede hacer algo aún más innovador para que la ciudad se convierta en el destino principal del los amantes del arte? ¿Qué lugar crees que debería ocupar Miami en la oferta de arte global?
¿Cuál fue la primera obra de arte que compraste y cuándo nació el coleccionista? Un dibujo de Dalí. De nuevo, el tiempo que pasé en España fue como el comienzo del verdadero amor por el arte y su apreciación. Y cuando comencé a desarrollar proyectos en South Beach tuve la oportunidad de conocer personalmente a muchos grandes artistas y bueno, allí se inició la colección y nunca se detuvo.
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Hasta donde sé, John Baldessari, considerado por unos un artista reflexivo y por otros provocativo, es uno de tus favoritos. ¿Qué es lo que más te gusta de Baldessari? John continúa demostrando que grandes ideas pueden ser arte. Su trabajo siempre incluye su ingenio y su humor. A pesar de su éxito y extensa carrera, su obra sigue siendo fresca e innovadora. Me gusta la forma en la que John ve al mundo y nos tiene a todos pensando.
DACRA office, Fotografía de Robin Hill
Leslie Jones, curador de Los Angeles Museum, refiriéndose a Baldessari dijo: “Toma imágenes preexistentes y las reconfigura creando realidades nuevas…”. Creo que este concepto se corresponde muy bien con la forma en la que desarrollaste primero South Beach y ahora el Design District. ¿Fue Baldessari, o algún otro artista, una fuente de inspiración para tu trabajo? La colección y mis proyectos comerciales dialogan entre sí. Cuando estás en las oficinas de la empresa donde se exhibe parte de mi colección de arte y diseño, tienes la sensación de que están filosóficamente integradas en el espíritu del Design District y viceversa. He incluido arte público en todos mis proyectos de bienes raíces desde el comienzo de mi carrera. Este año me complace haber podido trabajar con John quien tendrá dos piezas de arte público en el barrio. ¿Fue él una influencia directa en el barrio? Quizás ha tenido una influencia sobre nosotros como profundo pensador creativo. Todos podemos ser inspirados por John en muchos niveles. Supongo que estarás de acuerdo con nosotros. Creemos que hay arquitectos que son en realidad grandes artistas de nuestros tiempos. En nuestras páginas de las redes sociales tenemos una sección llamada “The Artchitects” donde hemos mostrado a muchos de ellos. ¿Cuáles son tus preferidos, ya que algunos de los mejores participan o participarán con su trabajo en el Design District? Soy fanático de la obra de Zaha Hadid y de David Adjaye, como arquitectos y como diseñadores. Tengo piezas de los dos en mi colección y disfruto la experiencia de sus diseños en mi vida diaria. Terry Riley, Johnston Mark Lee, ArandaLasch, Sou Fujimoto, Moorhead & Moorhead, Studio Gang, Neri and Hu, IwamotoScott, y Leong Leong están todos diseñando edificios en el Design District. También tenemos para el barrio un importante plan de paisajismo diseñado por Nathan Browning de Island Planning Corp. En relación con tu colección de arte, si alguna vez tuvieses que deshacerte de ella y conservar sólo tres obras ¿Cuáles elegirías? “Clement Greenberg” de John Baldessari, “Three Standard Stoppages” de Marcel Duchamp y “Untitled” de Richard Tuttle. Por último, nos gustaría convertirnos en coleccionistas de arte exitosos ¿podrías por favor enumerar cuatro o cinco artistas jóvenes -de cualquier parte del mundoque te hayan llamado la atención y que creas que están haciendo algo innovador y valioso? Nate Lowman, Hugh Scott Douglas, Njideka Akunyili, Sterling Ruby y Luca Dellaverson.
Art Democracy agradece especialmente a Anna Williams su colaboración para la realización de esta nota.
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Daniel Santoro
El Estado protector que encarnó el primer gobierno Justicialista permitió que muchos argentinos vieran concretados sus sueños y se sintieran protagonistas. En 2001, Daniel Santoro comenzó a interpretar el tiempo de Juan y Eva y el resultado es un extenso cuerpo de obra que aún hoy continúa desarrollando. “Perón cumple, Evita Dignifica” y Santoro pinta. El slogan con el que en aquellos años se inauguró una nueva forma de propaganda política en la Argentina, dio pie a Santoro para recrear realidades y utopías de ese período que marcó al país para siempre.
La máquina de coser, 140 x 120 cms., 2006
“En muchos de mis trabajos -escribe Santoro- busco lograr un acercamiento visual o al menos dibujar los contornos de lo que podría ser el Justicialismo. Esto sin duda es un desafío, tal búsqueda siempre fue un enigma para sociólogos, politólogos y economistas; intento tener algún resultado antes que la inquietud llegue a los arqueólogos”.
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El guardapolvo nuevo, 170 x 150 cms., 2005
El acceso a la vivienda, a la educación, a la recreación, a los avances de la sociedad moderna -representados por objetos de uso cotidiano como la máquina de coser y la heladera- son parte de la temática que Santoro aborda en su pintura reflejando las alegrías de aquellos años de satisfacción, propiciada desde el Estado. Verano en la Ciudad de los niños, 170 x 140 cms., 2004
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“Heladeras, radios y lavarropas “argentinos, nobles y buenos”, como rezaba un aviso de la época, completaban el bienestar armonioso y medido en esas ciudades de chalecitos californianos, jalonados de hospitales, escuelas, correos, aeródromos, puertos y fábricas hasta donde se perdía la vista. Se cumplía así paradójicamente el sueño civilizador de Sarmiento con los protagonistas menos deseados. Era un mundo que lejos de reclamar sacrificios revolucionarios, inmolando generaciones de jóvenes, o de exponer al pueblo a las radiaciones de la codicia capitalista, ofrecería a todos justicia social, bienestar y felicidad inmediata” escribe Santoro en su ensayo “La utopía tecnológica”. Gótico justicialista, 80 x 120 cms., 2011
Lo cierto es que al sentirse valorados desde el Estado por un lado y beneficiarios directos de políticas sociales por el otro, esos argentinos le rindieron culto a Juan y Eva Perón que representaron mucho más que dos líderes políticos y se transformaron en un sentimiento.
“Sospecho que la Ramona de Berni fue peronista y que en algún rincón de su habitación guardaría un altarcito dedicado a Evita. ¿O acaso era una rara prostituta “marxista-leninista”?” Daniel Santoro
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Daniel Santoro
Los momentos más difíciles del Peronismo, las tristezas, los mitos, sus ambigüedades y contradicciones, son también parte de ese Mundo Peronista que Santoro sigue recreando -a veces con dramatismo, otras con ironía- desde su casataller en Buenos Aires. Daniel nos recibe con la amabilidad de siempre en su bunker, plagado de pinturas y objetos, una enorme agrupación de elementos en la que conviven pájaros e insectos embalsamados junto a esculturas y proyectos de esculturas, los bocetos de las dos Evas que a pocas cuadras de allí están emplazadas en las alturas del edificio de Obras Públicas, infinitos libros, obras de su mujer y de pintores amigos y por supuesto una cantidad de trabajos propios, algunos en plena ejecución. Tanta diversidad, pensamos, se emparenta con la que siempre ha abrigado el movimiento peronista.
En la sala principal del antiguo primer piso por escalera de la calle Saénz Peña, inmediatamente nos impacta una gran obra que está en proceso. Es “el Guernica de Santoro” -se nos ocurre- y refleja el bombardeo de la Plaza de Mayo por parte de los aviones de la Marina, quizá el momento más siniestro de la Argentina durante el segundo mandato de Perón. A unos metros vemos otra obra polémica que, Daniel dice, es un homenaje a León Ferrari y su avión de guerra con el Cristo crucificado. Ese Santoro sucede también en la Plaza de Mayo: un Cristo de rodillas, cargando en sus espaldas el avión maléfico, intenta subir las escalinatas de la Catedral.
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El descamisado gigante expulsado de la ciudad, 90 x 140 cms., 2008
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“El peronismo no es ni de izquierda ni de derecha sino que tiende a serlo”. Daniel Santoro
Santoro es un pintor de raza, “pintorazo” dicen algunos. Sus muestras en la galería Palatina de la calle Arroyo -este año presentará allí una nueva serie de obras- convocan personalidades de todos los sectores políticos. También artistas consagrados que respetan y admiran su obra, como Nicolás García Uriburu. Pero la faceta menos conocida de Santoro, salvo para los muy involucrados en el mundo del arte y la política, es que se trata de un intelectual, alguien que ha profundizado en los temas sociales, en las realidades y apariencias de una Argentina que a setenta años de la aparición del peronismo ha vuelto a revivir los enfrentamientos, capaces de destruir familias y quebrar para siempre antiguas amistades. Invierno en la República de los niños, 140 x 100 cms., 2002
Sobre los sentimientos encontrados de aquella época, Santoro escribe: “Una sociedad de hombres blancos confinados en el sur del mundo vio cómo esa turba bizarra amenazaba todo aquello que amaba, incluidas sus instituciones hechas a imagen y semejanza del norte civilizador; de esta forma, fue colocada en el plano inclinado que la llevaría al mundo latinoamericano, en el que jamás habían pensado inscribirse. Es fácil imaginar el temor y rechazo que produjo esa masa oscura movilizada en aquellos primeros años fundacionales del peronismo, mostrando por primera vez la cara mestiza de un país que se creía de blancos europeos”.
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Y en el mismo escrito, refleja el pensamiento de las clases altas y de buena parte de la clase media: “Nuestras ciudades sitiadas por la barbarie resistían el asedio como faros de civilización, pero de pronto el peronismo habilitó el ingreso de “la negrada”; inútiles resultaron los puentes levadizos, cruzó de todas formas como en la peor pesadilla y, con rápido descaro democrático, se entregó sin pudores a las delicias del goce capitalista; sin siquiera un pudor en forma de sacrificio marxista”. En obras como “Lucha de Clases”, “Invierno en la Ciudad de los Niños” (el imaginario escenario luego de la muerte de Eva), “Victoria Ocampo observando la vuelta del malón”, “Eva Perón castiga al niño marxista leninista” y tantas otras, Daniel Santoro refleja conflictos, tristezas y enfrentamientos que son propios de aquel pasado. Santoro no se limita a su pintura, ni a sus escritos en los que desarrolla su pensamiento con innegable talento. Participa de debates sobre temas culturales y ha expuesto en el país y en el exterior. Entre otras singularidades, aprendió la escritura china -que es otra manera de dibujar- y hoy la maneja con total soltura. Incursionó en el sánscrito y el hebreo y en el estudio de la cábala, lo que entre otros numerosos estudios, le dan un bagaje particular.
Eva Perón castiga al niño marxista leninista, 110 x 180 cms., 2005
Hijo de padres calabreses, este porteño de Constitución, ingresó a principios de los 70 a la Escuela Nacional de Bellas Artes y compartió esos estudios iniciales con la militancia en el peronismo. Años más tarde se integró al departamento de escenografía del Teatro Colón, etapa que resultaría clave para su formación como artista. Sus inquietudes también se extienden a la gestión cultural. Hace algunos años propuso la creación de la “la bienal de la Unasur”, un proyecto que encontró muchos apoyos y tiene buenas posibilidades de avanzar. Santoro espera que de concretarse sea comandado por alguien con capacidad y pleno conocimiento del mundo del arte y si se le pregunta cuál sería el perfil adecuado, no duda en señalar a Aníbal Jozami como su favorito.
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Entre cientos de dibujos que Santoro ha realizado para materializar su visión del mundo peronista, nos detuvimos en éste en el que a diferencia de las dos versiones de “Lucha de Clases” -en el que se enfrentan el descamisado y el gorila y el chico de la escuela pública con el de la privada- Santoro ironiza sobre la atracción entre los opuestos, representados aquí por Victoria Ocampo y Eva.
Más allá de su sonrisa espontánea y su apariencia de genio distraído, Santoro es un provocador. Si en lugar de ser afable y conversador fuera un tipo oscuro y cerrado, podría resultar agresivo. En cambio, es de esas personas con las que se puede estar en desacuerdo y discutir, pero difícilmente se desate una batalla. La diferencia entre los guerreros de la palabra y los persuasores como Santoro, es el conocimiento y desde luego la inteligencia. Habría que dedicarle muchas más páginas a ese Mundo Peronista que Santoro ha venido y continúa desarrollando con su particular visión. Es de esperar que ese fantástico cuerpo de obra -que incluye esos dibujos, hechos mientras aguardaba un encuentro en bares y cafés de Buenos Aires y que serán reunidos próximamente en un libro- tenga amplia difusión. Santoro ha reflexionado sobre una parte de nuestra historia como ningún otro artista lo ha hecho. Y tanto por la calidad como por la profundidad de su trabajo, será cada vez más reconocido. Art Democracy agradece especialmente a Daniel Santoro, su dedicación y buena onda para la realización de esta nota.
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Maurizio Vanni frente al Lucca Center of Contemporary Art, Lucca, Toscana, Italia.
Maurizio Vanni
Maurizio Vanni, a la manera del flautista de Hamelin, ha logrado atraer a miles de visitantes a Lucca mediante una propuesta que convierte a un museo en una experiencia particularmente interesante para públicos bien diferentes.
Gracias a una invitación de la Universidad del Museo Social Argentino, charlamos en Buenos Aires con este curador, museólogo y experto en marketing relacional, director del Lucca Center of Contemporay Art, que acreedita una enorme experiencia profesional recogida en todo el mundo. Maurizio es sumamente cordial, abierto y expresivo y coincidimos con su enfoque de entrada:
“Mi idea es que la cultura debe ser un instrumento social. Después de 23 años de carrera y de haber curado más de 500 muestras en 30 países, mi sueño es romper con el esquema cerrado del arte y acercarlo al público más amplio”. Mientras Vanni habla, a su lado asiente Michela Cicchiné. Ella es su colaboradora más cercana y directora ejecutiva de MVIVA, una organización especializada en el management de museos que Maurizio preside.
Exhibición de David LaChapelle en Lucca
“Hace algunos años luego de observar lo que ocurría entre los museos y el público tomé posición respecto a la necesidad de independencia, de libertad cultural que la gente merece, manifestando mi postura crítica respecto a quienes se atribuyen la sabiduría y pretenden determinar lo que es bueno que la gente vea o deje de ver. Por entonces perdí el 70% de los encargos que hubiera podido realizar”
Finalmente Maurizio logró persuadir a cuatro familias aristocráticas de la Toscana y con prudencia al principio, se lanzó a convertir un palazzo de Lucca, en la Toscana italiana, en un centro de experimentación artística y cultural. Allí nació lo que calificamos de “museo amigable”, un lugar que por su original propuesta se convirtió en “querible” para miles de visitantes. En los últimos años las muestras cuatrimestrales lograron un promedio de 70.000 visitas, más de un 70% de ellas extraterritoriales, algo realmente significativo para una comunidad de apenas 10.000 habitantes.
“Mi sueño es romper con el esquema cerrado Maurizio Vanni
El secreto del éxito de Vanni y su equipo -altamente profesional y consustanciado con el modelo- no es otro que la segmentación, ofreciéndole a cada sector de público -entre 3 y 80 años- lo que puede atraerlo a un lugar donde alrededor de una gran muestra giran una cantidad de actividades satélite lo que generan un vínculo especial.
Pero el modelo de museo amigable de Maurizio y su equipo no termina allí. Han innovado montando un restaurant liderado por un chef famoso en las salas de exhibición de algunas muestras. En otras han perfumado sutilmente las salas para ofrecer otra experiencia olfativa. El sonido ambiente es otra de las herramientas con las que experimentan habitualmente. Los chicos y los jóvenes se han convertido en público habitual del lugar.
Teatro, danza, conciertos, workshops, talkshows se entrelazan con la muestra principal -desde Kandinsky hasta David LaChapelle han tenido la suya en Lucca- y convierten al museo en un centro de actividad cultural, social y artística de características únicas.
del arte y acercarlo al público más amplio”
“Los niños son críticos excepcionales si el museo tiene una propuesta para ellos y les gusta, el museo funciona. Y los padres se convierten en habitués” dice Maurizio. “Los jóvenes si son respetados y se sienten valorados, vuelven casi a diario y le dan una energía especial al lugar”. Maurizio sabe que lograr que un museo sea autosostenible es una misión casi imposible en cualquier lugar del mundo. Sin embargo, el modelo de “museo amigable” desarrollado en Lucca logró al quinto año independizarse totalmente del aporte de sus fundadores y se mantiene gracias a la captación de sponsors y la venta de abonos y tickets. Lo que Maurizio Vanni y su equipo vienen haciendo en Lucca quizá terminará influenciando a los museos actuales y a los que florezcan de aquí en más. Después de todo si hasta las iglesias y sus tradiciones tienen necesidad de adaptarse a las nuevas épocas, es razonable pensar que el museo tradicional y las muestras pasivas también deberán aggiornarse si quieren incorporar a las nuevas generaciones de fieles.
Lucca Centro de Arte Contemporéaneo, Toscana, Italia, Fotografía: Lucio Ghilardi
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Hay dos clases de ilustradores. Los que con una técnica exquisita retratan casi literalmente la realidad. Y los que en cambio despliegan un imaginario inagotable y le suman un estilo absolutamente propio. En esa categoría de ilustradoresartistas juega Pablo Bernasconi, otro argentino que integra la elite mundial en su especialidad.
Abrimos un diario o una revista y vemos una ilustración que nos sorprende e impacta. Nos detenemos por unos instantes y damos vuelta la página. Difícilmente hayamos leído la firma de su autor. Sólo después de algún tiempo -y si se lo reconoce primero en otros ámbitos- ese ilustrador habrá logrado que al conjunto de sus entregas periódicas se las termine considerando como el “cuerpo de obra” de un artista y se identifique popularmente a su creador como tal. Ese es el camino que han recorrido las ilustraciones y los collages de Pablo Bernasconi, quien en nuestra opinión aún hoy no ha trascendido todo lo que se merece en la Argentina.
El amante
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Pablo luce su propia obra, Moby Dick, que fue cubierta de su libro “Finales”
Un mundo feliz
Pablo Bernasconi
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Cielo
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Pablo está lejos, muy lejos de ser un mero retratador de la realidad. En una entrevista con Rolling Stone, algunos años atrás, con motivo de la aparición de su libro Bifocal, comentó: “este libro propone un experimento y es editar conceptualmente las ideas desde el humor de turno. Como autores tenemos días buenos y días malos, pero eso no implica que unos sean más creativos que otros o que la calidad de las ideas se resienta, sino que varía diametralmente la óptica, la manera en que devolvemos el significado. Me pareció oportuno comprobar esta teoría y obligarme a sacar ideas optimistas de temas que no lo son, como la muerte o la política, e ideas pesimistas de temas que naturalmente se relacionan con lo opuesto, como el amor o el éxito”.
Y en la misma entrevista -que recomendamos leer completa googleando Rolling Stone “Bernasconi: dibujos en dos dimensiones”, Pablo definió su proceso creativo de la siguiente manera: “... las imágenes que persigo son construcciones de significados, son exponentes de metáforas diseñadas para compartir ideas. Y justamente así lo definiría, como una construcción. Como si usara elementos en lugar de ladrillos, que dan forma a una habitación llena de mensajes. El proceso creativo es largo, y la mayor parte del tiempo la dedico a luchar con un lápiz contra una página en blanco. La ideas en mi caso se forman por perseverancia y no por espontaneidad. Me es imprescindible definir una dirección, un vector, para luego dirigirme a fuerza de mamarrachos”.
Quemador de ilusiones
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Rocky Balboa
Las obras de Pablo Bernasconi no tienen el contorno definido por un trazo de lápiz, no hay un perímetro que defina un espacio a llenar. Según su propia definición sus collages “se parecen más a pequeñas esculturas que a pedazos de papel pegados. Me interesa explorar el volumen. La escultura me resulta la actividad más amable y directa para experimentar”
Además de sus colaboraciones regulares con periódicos y otros medios gráficos, Pablo ha realizado trabajos para muchas grandes marcas. También escribe -y desde luego ilustra- libros infantiles que han tenido un gran éxito. Según él, su herramienta más importante es la conceptual: “Nunca me entrego a una técnica sin tener antes en claro qué es lo que quiero contar”
Julio Cortazar
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Spinetta
Cosechó una gran cantidad de premios, incluyendo el “Children´s book of the Week” otorgado por The Sunday Times, el premio de la Asociación inglesa de ilustradores, la medalla de oro de la Society of Newspaper Design por su columna semana en La Nación. Y la lista sigue con distinciones en Brasil, Venezuela y claro está, entre nosotros.
Tiempo atrás, en una entrevista y ante la pregunta de si se consideraba un caricaturista, Pablo marcó con claridad su “territorio”: “La palabra caricatura se usa para describir la exageración de personajes. Es un retrato de alguien, exagerando su fisonomía y no es lo que yo hago, no sé hacerlo. Lo mío es hacer dibujos conceptuales”.
“Mi herramienta más importante es la conceptual. Nunca me entrego a una técnica sin tener en claro antes qué es lo que quiero contar” Pablo Bernasconi
Edgar Allan Poe
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Charles Bukowsky
Pablo fue un dibujante precoz. Siendo muy chico devoraba las historietas y le prestaba especial atención al humor gráfico. Fontanarrosa, Quino y Nine estaban entre sus favoritos. Y la revista Fierro era una de sus lecturas habituales. Con esa carga de información el Bernasconi-niño comenzó a dibujar y según cuenta, fue a una edad bien temprana cuando comenzó a interesarse por los contenidos discursivos más que por los estéticos.
ÉL
LO
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ASÍ “Pablo me sorprendió siempre. Su búsqueda lo convierte en un alquimista curioso capaz de generar mil objetos imposibles. Es un artista porque hace lo que quiere y tiene un concepto claro del cual todos podemos aprender”. CLAUDIO RONCOLI Artista plástico Wynwood, Miami
Cuando llegó el momento de elegir una carrera , Pablo ingresó en la Universidad de Buenos Aires y se inclinó por el diseño gráfico. Volvió a la UBA años más tarde y durante un largo tiempo, para enseñar. Hoy a sus 40, tiene la satisfacción de haber trabajado para grandes diarios como The Times, The Wall Street Journal, The New York Times, Clarín, La Nación, El País, Rolling Stone y Playboy entre otras publicaciones de la Argentina y el exterior. Lleva diseñadas más de 300 tapas de suplementos, sólo para Clarín. Sus libros infantiles y también alguno para adultos, han sido traducidos y publicados en ocho idiomas.
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Hulk
Amor
El vuelo de Pablo Bernasconi parece no tener límites. Su vocación por explorar, por empujar la frontera es notoria. Si se observan sus trabajos a lo largo de todos estos años, es fácil concluir que su búsqueda no termina. Como decía una canción que alguna vez fue muy popular en Ibiza... “abre tus alas y vamos a volar…” la obra de Pablo es una invitación a dejar volar nuestra imaginación a partir de su propio y extraordinario imaginario.
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João Correia escribe para Art Democracy
A primera vista parecen simples vándalos urbanos. Sin embargo, este movimiento de arte callejero nacido en San Pablo tiene valores que van mucho más allá de su accionar y de su propuesta estética. En ellos puso su mirada João Correia -nuestro observador en Brasil- y luego de entender sus códigos, decidió representarlos. Esta es su visión, desde el interior de un movimiento que ya provocó revuelo en tres Bienales.
João Correia es Art Advisor en San Pablo, Brasil. hello@ijoao.com
www.ijoao.com
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El movimiento Pixo apunta a la cuestión de la democracia en el arte y a la falta de ella. Tuvieron que invadir la Bienal de San Pablo porque no es un festival democrático como dice ser. Tuvieron que invadir la Universidad de las Artes porque no es un lugar tan abierto a la transgresión como dice ser. Tuvieron que pintar al curador de la Bienal de Berlín porque no hacía lo que decía y esperaba poder domar a los Pixadores. Invadieron una de las galerías SP sólo porque detectaron cierta hipocresía en su discurso.
Como agente suyo, me aseguro de que esto continúe mientras entran gradualmente al mercado. Sus intervenciones señalan la discriminación oculta, la política y la falta de democracia escondidas que queremos denunciar. Mientras escribo siento este artículo como algo especial porque respeta el concepto de Art Democracy en su esencia. Piche es el material del que está hecho el pavimento, como el asfalto. Los Pixadores usaban eso para escribir en las paredes y de allí su nombre.
No hay en realidad una palabra que permita su traducción al idioma español -tampoco al inglés- ya que es algo típico de la cultura underground de San Pablo. Así que Pixo es la mejor definición de la actividad en cualquier lengua y para quienes la conocen tiene todo el significado de lo que aquí escribo. Pixação, según el artículo “O pixo nosso de cada dia”, escrito por uno de los pixadores más frontales de Brasil, Cripta Djan, no es sólo una tipografía estilizada utilizada en los espacios públicos de la ciudad sino la expresión de un movimiento social y artístico conceptualmente consistente y altamente organizado. Integrado predominantemente por jóvenes de las afueras de grandes ciudades como San Pablo y Río, Pixo es -en sus propias palabras- “la voz de los sin voz, el grito de los invisibles, la práctica de una libertad de expresión reprimida por la falsa democracia en la que vivimos”. Según ellos, los procesos de discriminación -entre los cuales el más emblemático -es la construcción de muros- combinados con los miedos en los grandes centros urbanos son un factor significativo en el aumento de la segregación. Los altos muros representan un sistema que falló, una división, una restricción al acceso, un corte permanente con las posibilidades de intercambio. Esta es una agresión física y concreta a sus derechos; es un gesto de vandalismo social infligido sobre ellos por parte de la sociedad.
Decidieron no trabajar con Puma a menos que fuese en sus términos. Puma cedió y el video fue sensacional. Rechazaron trabajar con Rihana porque no aceptó sus premisas. Se acercan a la escena artística desde un punto de transgresión (como debe ser) y llevan adelante todos los proyectos con la debida integridad con respecto a sus valores y sólo proceden en sus términos.
Con el tiempo comenzaron a llamar Picho a la actividad. Luego dejaron de lado la “ch” y emplearon la “x” como una manera de jugar con la palabra, ya que el juego de palabras es parte de su cultura. Pixo, con una “x”, se convirtió en la ortografía “oficial” de la palabra y así continúa aunque ya no usen el mismo material. Los reemplazaron por aerosoles, rodillos y lapiceras.
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Pixação, según lo ven ellos, es una respuesta estética a la agresión social y física que sufren. Lo que es vandalismo para algunos, para ellos es una re-apropiación. Cada muro firmado es la conquista de una ciudad que les fue negada, es un indicador de la insatisfacción social de su clase. El Pixador es el artista urbano que trasciende el lienzo y ve la ciudad como el soporte para su discurso. Si su trabajo nos complace o no es otro tema diferente, ya que su intención es provocar la reflexión que es el único camino para el cambio. El espacio urbano fortalece las desigualdades y las brechas sociales figuran en espacios públicos, que suelen ser cualquier cosa menos democráticos y sensibles a los pensamientos contemporáneos de igualdad, sostenibilidad e inclusión. “Debemos transgredir para progresar” dice el artículo.
Sergio Guerini, Sin título, 2014
Este y otros pensamientos sobre el movimiento aparecen en la página de Facebook de Cripta Djan, la que tiene más de 15.000 seguidores y es archivo de muchas de sus entrevistas y artículos para la prensa brasileña e internacional como por ejemplo el New York Times, Financial Times y CNN.
El 6 de diciembre, la divulgación de su mensaje -que aparte de la prensa ya cuenta con el documental “Pixo”- dio un paso más. El film “Pixadores”, un largometraje de Amir Arsames Escandari, se estrenó en San Pablo presentando la historia de un grupo de cuatro pixadores: Djan, Willian, Biscoito y Ricardo.
Pixadores descontentos en la Bienal de Berlín
La película muestra la intimidad de este movimiento avant-garde tan poco comprendido, revelando detalles desconocidos y refleja la convergencia de su arte con la política, los temas sociales y por qué su participación en las Bienales 28ª y 29ª de San Pablo y en la 7ª de Berlín generaron tanta controversia.
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Los Pixadores aportan una combinación singular de actitud y estética, muy esperada en la escena del arte contemporáneo. También contribuyen a hacer que se escuche la voz de una clase social entera y promueven un mejor entendimiento entre diferentes segmentos de nuestra sociedad. Ser contemporáneo significa también estar globalmente consciente de los problemas del mundo de hoy y trabajar para la remoción de las fricciones entre las diferentes ideologías en nuestro entorno. Los Pixadores corren riesgos y hacen su parte, invitándonos a reflexionar. Nos toca a nosotros poner nuestra atención en las señales que nos dan y hacer lo que podamos para alcanzar estándares verdaderamente universales para todos. El arte de los Pixadores es una alerta y como todo movimiento artístico de envergadura, siempre resulta incómodo al principio.
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Here, There & Everywhere
María O’Donell, Karina El Azem y Gaby Comte en Té de Colección, Palermo
Pharell Williams, Zaha Hadid y Craig Robins en el Miami Design District. Fotografía de worldredeye.com
Marlise y Aníbal Jozami, presentación de colección en Recoleta
Craig Robins, Elle Macpherson, Louboutin, & Rech en Dacra, Miami Design District
Entre Ramonas, Marcos López en la apertura de Berni en el Malba Hermes Binner y Eduardo Costantini en la inauguración de Berni en el Malba, Barrio Parque
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> Renato Rita y Lux Linder en la inauguración de Ruth Benzacar, Villa Crespo
Ocurrió en Barrio Parque y en Villa Crespo. En La Boca y en el Design District. En Puerto Madero y en la Recoleta. En espacios privados y en la calle. En las galerías y en los museos. Buenos Aires y Miami cerraron el 2014 respirando arte. Y En 2015 prometen mucho más.
Fernando Schapire, Gula Posse & Venetian Mask
Laura Batkis, Orly Benzacar y su hija Mora Bacal, desembarco de Ruth Benzacar en Villa Crespo
Inauguración de Noé en el museo de la Fundación Fortabat, Puerto Madero
Yuyo Noé durante la apertura de su muestra en el museo Fortabat
Cai Guo-Qiang en el debut de Impromtu en la Fundación Proa, La Boca
< Paolo Rocca, Cai Guo Qiang y Chinyan Wong en Fundación Proa
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Post, Björk,
Stéphane 1995, Foto de
tle Indian
rt Ltd & One Lit
sía de Wellha
Sednaoui, corte
Y por aquí cerca también
American Art y Museum of 1951. Whitne õ, Pa NY n rk, Sa Yo in w , Ne Owh! Stuart Davis, ensed by VAGA art Davis / Lic © Estate of Stu
K R O Y A V E U N Björk MoMA 15 de junio de 20 8 de marzo | 7
ica Björk, inde la multifacét a er rr ca de bums. También Los 20 años de sus siete al ón ci uc od pr cluyendo cocluyendo la os y objetos. In id st ve os y s, to en deos, fotógraf sus instrum ores de sus vi ct e re qu di ta de tin es a dis laboracion . Una muestr rio ua st ve de s diseñadore a muy bien. suene y se ve seguramente le Nude,
: Seated Ma Egon Schieles to a la obra de jun ig in dw Em Lu y A. ce / a Tra Museum, Vienn photo: Leopold
K R O Y A V E NU hibition Inaugural Ex Y N EW WH ITN E Spring 2015
r Renzo ey diseñado po tn hi W l de o ci lección de o edifi biendo una se hi Cuando el nuev ex rá ha lo s e reunirá s puerta tará un libro qu Piano abra su en es pr y te lección, un rmanen bo edificio-co su colección pe m co l E s. ta 50 artis el trabajo de 3 oyorkina. primavera ne ta must en es
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Egon Schiele – in m a E y e Trac EUM S 2015 LEOPOLD M U septiembre de e d 4 1 | l ri b a 24 de
ás Artist exhibe m Young British s jos lo bu de di le de ib rr al ión person La enfant te cc le se su y muestra trabajos on Schiele. Una de 80 de sus ag E ca ría st l Leopold nista au prolija Viena. E la de la expresio en n aú ás fuerte. onal y m ue apostando g nada convenci si y ti et m ibir Giaco viene de exh
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er, Sin título,
Mathieu Merci
2012 (detalle)
de Germain, p Paris 2014 67, Foto: Clau ió Miró / Adac jer y pájaro, 19 ence © Succes Mu e-V ró, l-d Mi au -P an Jo ht, Saint eg Ma on ati Archives Fond
S E R I A S O N BUE Cromofobia MACBA 5 marzo de 201 Hasta el 1 de
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ello, Fotografía
Rogelio Poles
Vicky Aguirre
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Joan Miró
N ART PAVILIO 5 febrero de 201 Hasta el 8 de
a del Este Miró en Europ de ra st ue m a inaria de Es la primer mente extraord al re ad id nt ca s- del genial y reúne una como escultura as ur nt pi to ia no está piezas -tan os que Croac am a in ag im s si andás cerc catalán. No ituales, pero ab h s o tin es entre tus d as. no te la pierd
S E R I A S O N BUE Homenaje a
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¿La tecnología estará ayudando a promover el interés por el arte o será que esa misma tecnología nos distrae, entre otras muchas cosas, del arte?
Esta foto rescatada del mar de las redes sociales por Augusto Zanetti puede tener varias lecturas. Si miramos el vaso lleno, cada vez más gente joven -incluyendo teens- invade los museos. Sucede en el mundo. Está sucediento entre nosotros. Si imaginamos el mismo vaso desbordante, esos chicos podrían estar interesando a sus amigos en visitar la muestra. Siendo realistas, es más probable que estén chateando de cualquier cosa. Sin embargo, lo importante es que llegaron hasta allí, al museo. Y eso, es definitivamente una tendencia.
Que lo pases bien, nos encontramos en unos meses en el próximo Art Democracy. Y no dejes de visitarnos donde la tecnología nos permite vernos a diario:
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