Arte moderno y contemporáneo
MEXICO
Año 9 · Nº 49 Febrero-marzo Dosmilonce
Cultural and independent Journalism
10,000 ejemplares
MN $ 40 / USD $ 5
México USA
Periodismo cultural e independiente
Cover / Portada
Davis BIRKS Art fairs / Ferias de arte ART BASEL Miami 2010 LA Art Show 2011
Guest artists / Artistas invitados Minerva CUEVAS Héctor DE De ANDA Fernando SÁNCHEZ ACEVES Luis CARRERA-MAUL Critic, opinion and essay / Crítica, opinión y ensayo SITAC IX Theory and practice of the catastrophe Teoría y práctica de la catástrofe www. artealdiamexico.com
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EDITORIAL
seguir lineamientos editoriales que nos aseguren un éxito comercial. Tomamos la iniciativa de desprendernos de la normatividad para posicionarnos como un referente, ya no en un localismo; sino como una herramienta glo-cal.
Libertad de pensamiento Por / by José Costa-Peuser Arte al día México
Este es un año importante para nosotros, un año en el que el Museo de Arte cosechamos el resultado de nuestro esfuerzo: el de crear un C o n t e m p o r á n e o medio para el mercado de arte y el pensamiento cultural. de San Diego (MACSD) y el Arte al Día México surgió de la necesidad de cubrir un Museum of Latin American Art en los Angeles (MOLAA), nicho de mercado existente. Un nicho que todavía requiere y la cual hace una revisión de la Colección Isabel y Agustín exige medios que reflejen la necesidad del mercado de arte. Coppel (CIAC) y que congregará una mirada al quehacer En este sentido entendemos que hemos sido un referente; artístico contemporáneo de México desde una perspectiva comenzamos con el Distrito Federal y posteriormente externa a nuestra frontera. hicimos una apertura hacia las ciudades más importantes del país. Nos vimos reflejados en la necesidad de informar Esta coincidencia entre calidad y tiempos de exposición y documentar lo que sucede por fuera de la gran urbe. habla de una posibilidad de intercambio y visibilidad de la Quedamos asombrados y complacidos. Activamos nuestra producción creativa. A partir de ello pretendemos crear energía en visualizar las regiones que desarrollan un espacio coincidencias, conversaciones estéticas que unifiquen un comercial, de producción artística y de pensamiento cultural. reconocimiento a la aportación de la producción artística equiparando su evolución temporal. Nuestro medio evolucionó como un río de montaña, captando el agua de diferentes puntos, surcando por De igual modo, en esta edición tomamos como referencia encima de los obstáculos, tomando fuerza en la pendiente a la ciudad de Puerto Vallarta, un destino turístico con un hasta convertirse hoy en una corriente que tiene un cauce gran desarrollo de infraestructura hotelera y vacacional intenso, vibrante y nítido. orientada a inversionistas internacionales. Estos mega proyectos construyen miles de metros de paredes que Esta edición cumple para nosotros con un giro de siempre se adaptan a una decoración folklórica del lugar; de perspectiva, una curva natural para crear nuevos lazos de ahí la amplia oferta de galerías de arte en la ciudad.pero entendimientos entre mercados, potenciar regiones, enfocar también surgen arquitecturas innovadoras que se integran miradas hacia una nueva visibilidad de ofertas y demandas a la naturaleza del lugar; conceptualizando la percepción en el mercado artístico. Nuestra visión se enfoca en el del residente habitual o temporal para exigir una estetica sentido de la evolución natural del mercado, en crear nuevos más comprometida con sus valores y gustos personales. públicos consumidores, fortalecer los circuitos existentes con nuevas propuestas artísticas; en entender que el mercado Es así como por encima de la gran oferta existente surgen es la piel y nosotros la vena que riega la carne y la revitaliza. espacios que destacan en la calidad y el gusto selecto que satisfacen una demanda evidente. Ya no sólo es brindar Que no somos: un medio que imponga una tendencia un servicio especializado; también conlleva a un éxodo estética, brindamos las herramientas para formar libertad de productores artísticos que de manera permanente o de pensamiento, de asumir criterios propios para consolidar circunstancial alimentan la oferta cultural local. gustos individuales. El conocimiento de cómo discurre el mercado permite conformar un coleccionismo inteligente, Existen diferentes puntos geográficos que de acuerdo a distanciarse de los modismos para reconocer valores su capacidad de convocar un público turístico nacional estéticos que sumados a una línea discursiva consolida una o internacional fomentan un interés comercial y cultural. inversión. Ciudades como Oaxaca, San Miguel de Allende o Tijuana son referencias de la producción artística; ésta se evidencia Nuestra próxima edición será un gran número, cincuenta por la convocatoria que crean en la comunidad productiva (50) ediciones. Seguimos soñando que es una gran meta que se involucra creando una identidad cultural local. Otras pero no le queremos sacar méritos a este número (49); que ciudades; si bien no han desarrollado un circuito comercial, es el que en verdad determina un cambio de rumbo, uno construyen una identidad creativa, tal es el caso de Morelia en el que editorialmente nos comprometemos a estrechar que convoca a los artístas gráficos del país en la Bienal relaciones dentro de nuestro triángulo / mercado artístico: Alfredo Zalce o Zacatecas con la Bienal Pedro Coronel ; las Los Ángeles - Miami - México o viceversa; donde queremos cuales invitan a desgustar una extensa lista de creadores que el arte deje de ser una tendencia para convertirse en que compiten en calidad y técnica. Monterrey, de acuerdo un núcleo donde se confronten nuevas identidades, valores a su demandante naturaleza, ofrece la Bienal / Colección y referencias. FEMSA, evento que registra la mayor participación de En esta ocasión destacamos dos exposiciones que nos artistas en un encuentro de premiación del cual se puede resultan referenciales. Ambas se realizan en el vértice tener un termómetro de las tendencias y nuevos actores noroeste de nuestro triángulo regional; por una parte la que discursionan en casi todo el país. reseña de la exposición realizada en el MOCA de Los Ángeles, El reto que nos imponemos al comunicar estas regiones “The artist’s museum” que involucra a los artistas locales es parte de una libertad de pensamiento que da cimiento o regionales que producen en California y la exposición a nuestro criterio a partir de nuevos parámetros, de “México unexpected“ que se exhibe simultáneamente en fomentar nuevos discursos. No nos interesa, en absoluto, Pág. 2 EDITORIAL Libertad de pensamiento / Freedom of thought
Periodismo Cultural e Independiente
SUMARIO MEXICO
Edición 49 Febrero / marzo 2011
Pág. 4 / 5 Ferias de arte: De Miami a Los Angeles a través de México por / by José Costa-Peuser Pág. 6 IMPERDIBLES Pág. 8 SUGERENCIAS D.F. Pág. 9 SUGERENCIAS Estados Pág. 10 / 11 CORREDOR NORTE Pág. 12 / 13 RESEÑAS EXPOS Pág. 14 / 15 RESEÑAS INT.
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Freedom of thought
The Artists’Museum MOCA Los Angeles Pág. 16 / 17 RESEÑAS INT. Mexico: Expected / Unexpected MACSD (San Diego) & MOLAA (Los Angeles)
Esperamos que nos acompañen y consientan; que compartan y critiquen, que aporten, que direccionen el cauce de este pensamiento para que tengamos todos un destino.
This is an important year for us, a year in which we harvest the results of our efforts: to create a media for the art market and cultural thought. Our next edition will be a great number, fifty (50) editions. We´re still dreaming that big goal but now, this number (49), is the one that really determines a change; one that editorially committ us to activate our art market region: Los Angeles - Miami - Mexico or vice versa, where we want that art ceases to be a tendency to become a center where to confront new identities, values and references. This shift in perspective has been for us a natural curve of growing that has showed us new bonds of understanding between markets. Empowering strategic regions we have focused towards a new visibility of supply and demand in the art market. Our editorial vision focuses in the natural evolution of the artistic market; we want to stimulate new consumer audiences by strengthening existing circuits with new artistic proposals. In doing so we have realized that the art market is the skin and we are the vein that waters the meat and revitalizes it. In this edition we highlight two exhibitions that are a real museistic reference. Both are made in the northwest corner of our regional triangle: on one hand the review of the exhibition at the MOCA in Los Angeles, “The artist’s museum” that involves local and regional artists who produce in California; and the exhibition “Mexico: expected/unexpected” which is displayed simultaneously at the Museum of Contemporary Art San Diego (MACSD) and the Museum of Latin American Art in Los Angeles (MOLAA). This exhibition is a review of the Isabel and Agustin Coppel Collection (CIAC) and bring together a look at Mexico’s contemporary art work from an outside perspective of our border. This coincidence between quality and exhibition times speaks about a visibility and possible exchange of creative production scenes. The proposal for our readers is to recognize and create coincidences, to exercise aesthetic conversations that unify the contribution of each artistic production considering its temporal evolution. The challenge that we take to communicate in-out these regions is part of a freedom of thought that gives foundation to our experience of art today. Based on new parameters to promote new discourses, we hope you join us and consent, share and critique, contribute to the course of this thinking so that we all have a destiny. Pág. 24 Artista invitado Fernando SÁNCHEZ ACEVES Pág. 25 Artista invitado Luis CARRERA-MAUL Por Pablo J. Rico
Pág. 18 / 19 Artista invitado / Portada Davis BIRKS por Edwin Treitler
Pág. 28 Gestión en las artes Reapertura de LA QUIÑONERA Por Fernando Gálvez
Pág. 20 / 21 Artista invitada Minerva CUEVAS por María Calleguerrero
Pág. 30 Gestión en las artes Galería ARTE CONTEMPORÁNEO Por María García Flores
Pág. 22 / 23 Artista invitada Héctor DE ANDA por Guillermo Santamarina
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MUSEO TAMAYO Proyección actual Por José Costa Peuser
Pág. 31 Gestión en las artes Bienal Nacional de Pintura y Grabado ALFREDO ZALCE Por Iván Sanchezblas Pág. 32 Gestión en las artes Tres formas de recrear un mismo ámbito en el MUPO Por Jorge Pech Casanova Pág. 34 / 35 Crítica, opinión y ensayo DECONSTRUYENDO LA CATÁSTROFE Forma y discurso en el SITAC IX Por Eduardo Egea
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Mercado de arte / Internacional
Ferias de arte: de MIAMI a LOS ANGELES a través de MÉXICO
Por / by José Costa-Peuser Editor
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iciembre invita a los amantes del arte a navegar por la costa este de EU. La ciudad de Miami se convierte en el gran puerto del mercado de arte y a la cita llegan las más importantes galerías, propuestas artísticas, operadores de arte, críticos, curadores de arte y por supuesto, coleccionistas. Todos se congregan en el epicentro de un conjunto de ferias que involucran diferentes tendencias y que concentran el mayor exponente del mercado de arte actual en el continente. En ediciones anteriores hemos analizado este mercado profundizando en sus actores y dinámicas comerciales; en esta oportunidad haremos referencia a las propuestas más relevantes: Art Basel Miami y las buenas actuaciones de Art Miami y Pulse, además de una mención especial a Art Miami Por otra parte, enero es la época del año en la que los amantes del arte en la costa oeste se pone su calzado deportivo y salen a correr por ahí. Una vez más, durante el mes del arte en Los Ángeles, la ciudad alberga ferias de arte que atraen cientos de comerciantes y coleccionista tanto de Estados Unidos como del extranjero. Los Ángeles tuvo su auge como mercado de arte en la década de 1990, compartiendo la vitrina con propuestas que se exhibían en Nueva York. Una realidad que como tantas otras, escaló el tobogán del arte y terminó en el cajón de arena. Una buena oportunidad se vislumbra en el panorama actual: la constancia de L. A. Art Show en su 16ta edición, la irrupción en el escenario de Art Los Angeles Contemporary que consolidó en este 2011 su 2do año de realización y la novedad de una nueva feria para el mes de septiembre de 2011 con Art Platform Los Angeles, son buen augurio para la escena artística de la ciudad. En la misma fecha (septiembre 2011) aparece otra pequeña estrella en la región, Art San Diego Fair, a la cual su directora Ann Berchtold está convocando para su 3ra. edición. Esta es una feria que se moldea al compás de una mirada crítica del mercado; la apuesta, desarrollar San Diego como una ciudad de referencia para el mercado de arte internacional. Con luz propia y la asesoría curatorial de Marcela Quiróz, esta es una feria que promete una identidad necesaria para un sistema comercial saludable.
Miami Beach Art Fairs December 2010 isualizar el mercado de arte en la ciudad de Miami ha sido una labor que año con año realizamos en Arte V al día México como una manera de visualizar el mecanismo que permite celebrar quince ferias de arte simultáneas en un solo contexto. Para nuestra cobertura anual mencionaremos el comportamiento de las ferias que a nuestro análisis son compatibles con la oferta y demanda del mercado latinoamericano en Estados Unidos; dejando una mención especial para Art Basel Miami Beach, la principal propuesta comercial de esta urbe. Ferias celebradas alrededor de Art Basel Miami Beach 2010: Aqua 10 | Art Asia | Art Miami | Design Miami | Fountain Miami | Ink Miami | NADA Art Fair | Pool Art Fair | Pulse Miami | Red Dot Miami | Scope Miami | Sculpt Miami | Seven | Verge | Zones Art Fair
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ach year Arte al dia Mexico has made a review over the Miami city art market.
The objective is to visualize the mechanism that make possible to hold fifteen simultaneous art fairs in a single context.
For our annual coverage we will mention the behavior of the events that in our analysis of supply and demand of Latin American art in this U.S. marketare consistent and succesful, leaving a special mention for Art Basel Miami Beach, the main commercial proposal of this city.
Cerrando el circuito de ferias que
Los Angeles tuvo su auge como mercado de nos interesan cubrir se encuentran aquellas proyectadas en la ciudad arte en la década de 1990... de México. Aquí el ejercicio del arte cambia su deporte por el alpinismo; es decir, la capacidad de visualizar con cada paso dado, una ruta de ascenso y conquista de este mercado.
Para abril de este año está programada Zona MACO, feria organizada por Zélika García que en su 8va. edición se confirma como el evento comercial más importante de latinoamérica. Su capacidad de convocar a coleccionistas internacionales es resultado de una estrategia de outdating además de una constante visita a los circuitos de las ferias en el mundo, actividad que motiva un interés creciente en el coleccionismo europeo y americano. Lamentamos informar de la cancelación de la que sería la segunda feria internacional de arte en el país, FIAR (cuyo antecedente es Hot Art Basel) y estuvo operada por Nina Menocal. La expectativa que generó confirma la necesidad de abrir escenarios comerciales en nuestro mercado.
Art Basel Miami Beach 2010
En nuestras próximas ediciones realizaremos la cobertura especializada de las ferias mecionadas para evaluar su comportamiento y visualizar escenarios comunes tanto para operadores de arte como coleccionistas.
Art fairs D
alidad excepcional y ventas muy consolidadas en Art Basel Miami Beach 2010 Miami Beach, Florida, C EE.UU. from MIAMI to LOS ANGELES La novena edición de Art Basel Miami Beach se clausuró el día domingo, 5 de diciembre de 2010. Más de 250
through MEXICO CITY
ecember invites art lovers to browse, Miami became the major port of the art market, the most important galleries, artistic proposals, operators of art, art critics and curators, collectors and artists of course. They congregate at the epicenter, all fairs that involve various trends and which offer the greatest exponent of the market on the continent. In previous editions we have analyzed the market to deepen their complegidad, this time we will refer to the most interesting we saw. Starting with Art Basel Miami and the good performances of Art Miami and Pulse. January is the time of the year in which art lovers put on their sneakers and go running around. Once again, Los Angeles is filled this month with shows that attract hundreds of art dealers in both the U.S. and abroad, all eager to deploy before you, thousands of paintings, sculptures, photographs, videos. Los Angeles had its heyday as the art market in the 90’s, sharing the case with the proposals that were exhibited in New York. A reality that like many others, climbed the slide and finished art in the sandbox. Dislumbra a good opportunity in the current scenario, the constancy of L. A. Art show in 16tta edition., The arrival on stage of Contemporary Art Los Angeles in this 2011 that consolidated their 2nd. year of implementation and the novelty of a new fair for the month of September, “Art Platform Los Angeles”, with project management by Adam Gross.
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September has another small star in the region, San Diego Art Fair, its director Ann Berchtold is calling for 3rd. Edition, a show that is molded to the beat of a critical market to bet that San Diego will become a reference of art in the region with its own light and the invitation of artistic proposals are framed in a high quality production. A warning tone that can make its own identity in the region. Closing the circle shows that we are interested in cover art fairs that take place in Mexico City. Here the sport change for mountaineering, the ability to visualize each step taken to make visible this market. By April of this year is scheduled Zona Maco and Fair. The first organized by Zélika Garcia would become his 8th. Edition, a show that has managed to call out, collector of the times and channels of international trade fairs, which motivates a growing interest in European and American collectors. A key reason to make it the largest fair in the center of the continent. The second is released in this geographical context, its history is Hot Art Basel and operated by Nina Menocal, a show that creates expectations in the call will submit and we hope to have the success it deserves so much effort. In our next edition we will cover each specialist to assess the behavior and display sucite scenarios that are likely to share common interests for both an operator and the art collector.
galerías de América del Norte, Europa, América Latina, Asia y África exhibieron trabajos de más de 2.000 artistas. La exposición atrajo a más de 46.000 visitantes, una cifra récord. Coleccionistas de arte, directores de museos, curadores y periodistas especializados en cultura de todo el mundo, disfrutaron un programa de exhibiciones especiales, mesas redondas, recorridos de colecciones privadas y eventos que presentaron cine, performance y video. Más de 130 grupos de museos e instituciones visitaron la exposición, al igual que coleccionistas privados provenientes de las Américas, Europa y muchos mercados emergentes del mundo del arte.
Los nuevos criterios de Art Positions, evento organizado por la feria, crearon una plataforma para un importante proyecto individual de un artista, lo que permitió que los curadores, los críticos y los coleccionistas descubrieran ambiciosos talentos nuevos. La sección Art Positions presentó a 14 jóvenes galerías provenientes de siete países distintos, las cuales exhibieron vanguardistas proyectos individuales de los artistas Hany Armanious (Foxy Production, Nueva York), Jorge Méndez Blake (Meessen De Clercq, Bruselas), Brian Bress (Cherry and Martin, Los Ángeles), François Bucher (Proyectos Monclova, México), Darío Escobar (Josée Bienvenu Gallery, Nueva York), Fernanda Fragateiro (Arratia, Beer, Berlín), Nikolas Gambaroff (Balice Hertling, París), Eddie Martínez (ZieherSmith, Nueva York), Gabriel Sierra (Casas Riegner Gallery, Bogotá), Kara Tanaka (Simon Preston Gallery, Nueva York), Johanna Unzuetta (Christinger De Mayo, Zürich), Phil Wagner (UNTITLED, Nueva York), Judi Werthein (Figge von Rosen Galerie, Colonia) y Héctor Zamora (Labor, México). Dentro Del programa de este año Art Public, curada por segunda vez por Patrick Charpenel de Guadalajara, México, presentó nueve proyectos de artistas de renombre internacional provenientes de siete países. Los proyectos se instalaron en los espacios públicos al aire libre de Miami Beach, muy cerca del área Oceanfront y del Miami Beach Convention Center. La versión 2010 de Art Public presentó trabajos que se vincularon directamente con el espectador, interrumpiendo la rutina diaria de los transeúntes de maneras poéticas y sorprendentes. De los trabajos se puede encontrar una descripción detallada en www.artbasel.com/public. Por otra parte el programa público de cada noche de Art Basel Miami Beach en Oceanfront, presentó cuatro ciudades a la vanguardia de la experimentación artística y de la colaboración interdisciplinaria actuales: Detroit, Ciudad de México, Berlín y Glasgow. Art Basel Miami Beach y Creative Time invitaron a cuatro organizaciones para que colaboraran en la creación del programa: el Museum of Contemporary Art de Detroit, el Museo Tamayo de Ciudad de México, 032c de Berlín y Tramway de Glasgow. www.artbaselmiamibeach.com Art Basel Miami Beach
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Binational Triangle
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he ninth Edition of the Art Basel Miami Beach closed down on december the 5th, 2010. More than 250 galleries form North America, Europe, Latin American, Asia and Africa, exhibited works from more than 2.000 artists. More than 130 museums and institutions visited the show, as well as private collectors from America, Europe and other emerging art markets. Art Basel Miami Beach proved again that best quality works are still demanded for collectors. In addition, exhibitors made new and valuable contacts specially in Latin America.
This year the new Art Positions criteria has been an important platform for individual projects, which permited curators, art critics and collectors to discover new talents. The Art Positions section presented 14 new galleries from 7 different countries, that showed individual projects from the artists: Hany Armanious (Foxy Production, Nueva York), Jorge Méndez Blake (Meessen De Clercq, Bruselas), Brian Bress (Cherry and Martin, Los Ángeles), François Bucher (Proyectos Monclova, México), Darío Escobar (Josée Bienvenu Gallery, Nueva York), Fernanda Fragateiro (Arratia, Beer, Berlín), Nikolas Gambaroff (Balice Hertling, París), Eddie Martínez (ZieherSmith, Nueva York),
Gabriel Sierra (Casas Riegner Gallery, Bogotá), Kara Tanaka (Simon Preston Gallery, Nueva York), Johanna Unzuetta (Christinger De Mayo, Zürich), Phil Wagner (UNTITLED, Nueva York), Judi Werthein (Figge von Rosen Galerie, Colonia) y Héctor Zamora (Labor, México). Art Public, curated for the second time by Patrick Charpenel, Guadalajara, México, presented nine new projects from well known International artists. These projects were installed in public spaces in Miami Beach, close to the Oceanfront and the Miami Beach Convention Center. Works showed in Art Public 2010 has interrumpeted the people´s dayly routine.
Los Angeles Art Show Enero 19-23
Art market / International
Most of the art works are made specifically for each place: like the artist´s projects: Francois Bucher and Minerva Cuevas ( www.artbasel. com/public.)
The Art Basel Miami Beach program in Oceanfront, presented four vanguard cities in artistic scene: Detroit, Mexico City, Berlin and Glasgow. Art Basel Miami Beach and Creative Time invited four organizers to create the program: Museum of Contemporary Art Detroit, Museo Tamayo , Mexico City, 032c Berlín and Tramway de Glasgow.
Art Los Angeles Contemporary 27 al 30 de enero
ealizada en el Convention Center de Los Ángeles durante el L.A. Arts Month (Mes del arte en Los Angert Los Angeles Contemporary cumple su segundo año como la única feria internacional de arte conR les), esta feria proyectó atraer unas 50.000 personas y generar más de 25 millones de dólares en ventas. Atemporáneo en Los Ángeles. La edición de este año tuvo su sede en el Barker Hangar en Santa Mónica; Aunque las cifras están por confirmarse, en su 16ª edición se presentaron más de 100 galerías y 15.000 obras después de una primera realizada en el Pacific Design Center en West Hollywood. La nueva ubicación, con un
provenientes de todos los géneros y periodos; desde los maestros antiguos a las creaciones más contemporá- techo de 12 m (40 pies) de alto, permitió a la feria acomodar más galerias y proyectos de gran escala. neas. “Los principiantes pueden venir a esta feria y educarse artísticamente”, dijo Kim Martindale, productor del evento. “Si eres un comprador serio o si estás buscando crear una colección de arte, esta feria da la oportunidad La feria presentó 70 galerías internacionales emergentes de todo el mundo con una especial atención en las de acercarte a ver qué está disponible en el mercado de arte actual”. galerías de Los Ángeles. Tim Fleming, director de la feria, explica por qué cree que no hay una feria comparable en Los Ángeles: “Santa Mónica es un lugar accesible para todo el mundo. Con nuestro programa de eventos pretendemos crear una atmósfera Organizada por la Fine Art Dealers Asactual. Esta no es sólo una herrasociation (Asociación de Comercianmienta de marketing; sino una mates de Bellas Artes) y el KR Martindale nera en que las galerías apoyan a los Show Management, este evento inició artistas al establecer una relación en 1995 en el Pasadena Convention directa entre ambos. El propósito Center antes de mudarse al Barker es crear una experiencia cultural. En Hangar en Santa Mónica. Su actual esta edición esperamos alrededor sede en el centro de la ciudad repite de 10.000 visitantes; pues somos la por tercera ocasión permitiendo que única feria de arte contemporáneo todas las obras se expongan en un en la ciudad con una amplia gama solo lugar en vez de estar divididos en de galerías nuevas. El volumen de diferentes espacios. Martindale señaló ventas del año pasado fue fuerte, que en esta edición esperaban superar acudieron 9.000 visitantes de todo los 25 millones de dólares que hubo en el mundo y este año presentamos ventas el año pasado, con la confianza una feria en la cual muchas de las de un incremento debido a la participagalerías repiten su presencia”. ción de un 20% más de expositores. Heidi Chang, propietaria de la PYO Gallery en South Park regresó como expositor por tercera vez. Comentó que además de la venta obra, la exposición de la misma es también un aspecto importante del evento. Añadió que eventos como Los Angeles Art Show y LA. Arts Month han ayudado a incrementar el perfil de la ciudad en el mundo del arte. Pese a no estar al nivel de Nueva York o Chicago, ella piensa que ha habido un incremento en cuanto a la percepción. “Hace tres años nadie hablaba de Los Ángeles y ahora, todo mundo habla de la escena artística en esta ciudad. La escena artística se está volviendo cada vez más activa. Se está volviendo más emocionante, especialmente en el centro de la ciudad” dijo Chang.
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eld at the Convention Center in Los Angeles during the LA Arts Month (Month of Art in Los Angeles), this fair designed to attract about 50,000 people and generate more than $ 25 million in sales. Although the figures are confirmed, the 16 th edition featured more than 100 galleries and 15,000 provinentes works of all genres and periods, from old masters to more contemporary creations. “Beginners can come to this fair and art educator,” said Kim Martindale, Producer of the event. “If you’re a serious buyer or are looking to create an art collection, this exhibition provides an opportunity to get closer to see what’s available in the current art market.”
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ontemporary Art Los Angeles in his second year as the only international contemporary art fair in Los Angeles. This year’s edition was hosted at the Barker Hangar in Santa Monica, after a first conducted at the Pacific Design Center in West Hollywood. Tim Fleming, director of the show, explains why he believes that there is
Organized by the Fine Art Dealers Association (Merchants of Fine Arts) and Managenment KR Martindale Show, this event began in 1995 at the Pasadena Convention Center before moving to the Barker Hanger in Santa Monica. Its present headquarters in downtown repeated for the third time allowing all the works displayed at one place instead of being divided into different spaces. Martindale said that this year expected to exceed 25 million dollars in sales there last year, confident of an increase due to the participation of 20% more exhibitors. laartshow.com
no comparable show in Los Angeles: “Santa Monica is an accessible place for everyone. With this program we seek to create an event atmosphere today. This is not just a marketing tool, but in a way that the galleries support the artists by establishing a direct relationship between them. The purpose is to create a cultural experience. artlosangelesfair.com
Art Platform Los Angeles sep 30 a oct 3 periodista del LA Times, arroja una interesante reflexión en torno al mercado de arte de esta Jeventooriurbe:Finkel, “El truco para las ferias es atraer a las galerías europeas y sus coleccionistas para convertir este en uno de clase mundial. De otro modo, la competencia se traduce únicamente en una batalla entre organizadores locales. Este año aparece en el horizonte el MMPI Art Group, una firma de Chicago que contrató a Adam Gross como director de su nuevo proyecto, “Art Platform Los Angeles”. El MMPI ya organiza siete ferias incluidas el Armory Show en Nueva York y Art Chicago, además de otros 77 eventos de comercialización. Esta feria se realizará en el L.A. Mart, una propiedad del MMPI, hacia septiembre de este año (sep 30 a oct 3).”
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ori Finkel, a LA Times journalist, gives an interesting reflection on the art market in this city: “The trick to the fairs is to bring European galleries and collectors to make this event a worldclass. Otherwise, competition results only in a battle between local organizers. This year appears on the horizon the MMPI Art Group, a Chicago firm that
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hired Adam Gross as director of his new project, “Art Platform Los Angeles. “ The MMPI and organized seven exhibitions including the New York Armory Show and Art in Chicago, plus 77 other marketing events. This new show will be held in L.A. Mart, a property of the MMPI, by September this year. laartshow.com
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I M P E R D I B L E S D. F. Museo Universitario del Chopo Jardín de invierno El micropop en el arte contemporáneo japonés Multidisciplinaria Hasta el 2 de marzo Micropop es una palabra inventada por el crítico y curador Midori Matsui la cual resume una doble meta artística: 1) Refrescar la percepción de la realidad más allá de los rígidos marcos de los roles sociales, la clase, el género o la nacionalidad, para lograr la libertad de la imaginación y 2) Reutilizar el conocimiento de cosas y ambientes preexistentes para lidiar con las exigencias inmediatas de la vida. Para lograr tales metas el micropop: 1) Acumula fragmentos para crear un nuevo grupo de cosas e imágenes con el fin de revelar una nueva perspectiva o una nueva forma de realizar una acción efectiva y 2) Inventa juegos, contextos y usos para para crear un espacio flexible de comunicación entre cosas y lugares que se aprecian oscuras, pasadas de moda o banales.
Jardín de Invierno
Esta exposición explora las tendencias clandestinas pero significativas del arte contemporáneo japonés compartidas por una generación de artistas que cumplieron la mayoría de edad en los noventa; que si bien se conocen por la gran diversidad de sus metas y técnicas, comparten algunos acercamientos y actitudes hacia el arte y el mundo contemporáneo. Los artistas que comparten la tendencia micropop iniciaron su práctica artística a finales de los noventa y principios del dos mil; experimentaron los resultados negativos de la globalización en su etapa de adultos jóvenes incluyendo la recesión económica, los desastres naturales, así como varios tipos de crímenes violentos causados por la reorganización política de las nuevas religiones; además de la difusión de la red medio ambiental y la creciente desigualdad social creada por las políticas neoliberales. En consecuencia, creen poco en el progreso de la sociedad, la visión teológica o las metas de éxito material y fama. Sus expresiones parecen modestas y anónimas, utilizan materiales baratos o desechables y adoptan con frecuencia métodos de dibujo y video “fáciles de lograr”. El título “Jardín de invierno”, contiene dos significados opuestos. por una parte significa un “jardín desolado en invierno” y por otra, entendida como frase, “jardín invernal” significa invernadero. Esta coexistencia de significados opuestos dentro de una sola expresión plasma la paradoja central de la exhibición. Curaduría: Midori Matsui
impulsaron interacciones entre diversos lenguajes. Aquella exposición fue el punto de partida para convocar a una nueva muestra que reúne propuestas de artistas japoneses que viven y trabajan en México. A la fecha, innumerables creadores japoneses han vivido en México y han tenido una trayectoria destacada en la producción y la enseñanza de las artes. Por ello, esta exposición contiene obras de artistas de diferentes generaciones, tendencias y trayectorias. De acuerdo con Miho Hagino, Hiroshi Okuno y Natsumi Baba, artistas que participan en esta muestra y quienes hicieron la selección de las obras aquí expuestas, el contraste entre el país de origen y el de destino es muy fuerte. Mientras en Japón se tiene la impresión de que el arte es una idea importada de Occidente, en México se reconoce como una actividad social esencial.
Antiguo Colegio de San Ildefonso José Clemente Orozco Pintura y verdad Hasta 27 de febrero Orozco abordó con espíritu crítico, maestría técnica y a veces visión satírica, periodos convulsos de la historia de México: la creación del nuevo mundo, la destrucción del viejo orden, la Conquista, los conflictos sociales, la falsedad y la injusticia, los sacrificios y los ideales, la Revolución. Toda esta síntesis quedó plasmada en su legado artístico; por ello, la Universidad Nacional Autónoma de México, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el Gobierno
lajara, Jalisco, entre 1948 y 1949), un fresco en la bóveda del que fuera el Salón de Sesiones de la Cámara de Diputados, realizado sin la necesidad de la calca de algún esbozo. Los estudios preparatorios, hermosas piezas de arte en sí mismas, funcionaron como puntos de partida para las exploraciones plásticas que el muralista iba desentrañando en el acto mismo de pintar sobre el muro recién preparado. Asimismo se exhiben obras realizadas entre 1919 y 1949, provenientes de colecciones públicas y privadas, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte de Filadelfia, el Museo de Arte de Dallas, el Museo de Arte de
Takashi Murakami fue el primero en demostrar de una manera fácil y comprensible que el arte en Japón se distingue por dar más importancia a la forma que al significado y por la elección de una meta y la consecución de su logro. En tanto que la lógica del proceso de creación occidental propone una idea de liberación desde una presión generada por los significados y los conceptos, el artista japonés no divide el objeto del sujeto; vive inmerso en un mundo donde naturaleza y sociedad se hallan Nación pequeña. 1944, Óleo sobre tela, 52 x 63 cm. Col. Particular conectados y donde crea aspectos del Distrito Federal, instituciones San Antonio, el Hood Museum of tangibles de tal ideología. que conforman el Mandato Anti- Art, el Museo Franz Mayer, el MuEn “Selva de Cristal” participan ar- guo Colegio de San Ildefonso unen seo de Arte Moderno, el Museo Natistas japoneses o hijos de japone- sus esfuerzos para presentar: cional de Arte, el Instituto Cultural ses que han recibido influencia di- “José Clemente Orozco. Pintura y Cabañas, el Museo de Arte Carrillo recta de la cultura japonesa y que verdad”, exposición sin preceden- Gil y la Colección Andrés Blaistein, residen y producen en México. En te producida originalmente por la entre otras. Un total de 358 obras su obra existe un frágil equilibrio Secretaría de Cultura del Gobierno ejecutadas en 50 años de producentre el orgullo por la tradicional del Estado de Jalisco y el Instituto ción del artista. cultura japonesa y la simpatía por la occidentalizada cultura mexi- Cultural Cabañas en Guadalajara. Curaduría: Miguel Cervantes cana, siempre con una postura La muestra exhibe por primera vez escéptica ante lo que es actual en cualquiera de los dos países, en- en la ciudad de México más de 20 contrando un resquicio, una frac- dibujos inéditos que Orozco rea- Justo Sierra 16, Centro Histórico tura entre Oriente y Occidente. lizó como estudios preparatorios www.sanildefonso.org.mx para el mural “La gran legislación revolucionaria mexicana” (Guada-
Fábula de dos conflagraciones Colectiva. Estampa y pintura Hasta 10 de abril
Muestra en torno a la trascendencia de los movimientos armados de 1810 y 1910 que confrontan los postulados iniciales de estas luchas con los impuestos por los triunfadores. Aunque se pretendan colgar ribetes de olvido y distractores de pirotecnia a los dos grandes parteaguas en la historia de México; la exposición recuerda la memoria de los movimientos independencista y revolucionario buscando concretar un trabajo más complicado: construir y desarrollar en paz la nación que a la que fue consagrada penurias y esfuerzos. Celebrar la memoria histórica aquí, es ejercer derechos y satisfacer necesidades que exigen progreso social.
Selva de Cristal
Fenómeno periférico de los artistas japoneses en México Hasta 18 de mayo
Colectiva Un lugar fuera de la historia Hasta 6 de marzo Exposición colectiva con obra de Francis Alÿs, Olivier Debroise, Harun Farocki, Jill Magid, Domingo Malagón Alea, Han van Meegeren, Tina Modotti, Melvin Moti, Museum of American Art (MoAA), Simon Starling, Hito Steyerl y Nedko Solakov. El Museo Tamayo inaugura “Un lugar fuera de la historia”, una exposición colectiva que indaga en las proezas, los infortunios y los reveses en la vida y obra de personajes legendarios, figuras secretas e instituciones claves para la historia del arte como lo fueron Tina Modotti, Domingo Malagón Alea, Anthony Blunt, Han van Meegeren, el Museo del Hermitage en San Petersburgo y el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. Esta muestra incluye pintura, escultura, video, dibujo y collage, así como fotografías, documentos históricos, publicaciones y materiales diversos que tejen narrativas artísticas y políticas. La exposición se perfila como una tribuna o escenario donde convergen una serie de relatos en los que las identidades falsas, las agendas secretas, las versiones oficiales y las verdades a medias han jugado un papel activo; aunque casi siempre tras bambalinas en la definición de determinados escenarios y movimientos políticos. Al delatar una serie de coincidencias históricas y divergencias ideológicas, sus reconstrucciones narrativas y restituciones mediáticas han logrado desdibujar las fronteras entre el adentro y el afuera de la historia, entre lo ficticio y lo real. “Un lugar fuera de la historia”forma parte de la serie de exposiciones “Microhistorias y macromundos”, iniciada en abril de 2010, la cual incluye lo más representativo del arte contemporáneo internacional. Como parte de esta serie del 2010 al 2012 se presentan muestras colectivas que explorarán de forma creativa las relaciones entre lo histórico y lo contemporáneo.
Fábula de dos
Curaduría: Magalí Arriola
Dr. Enrique González En el año 2001 el Museo del Chopo presentó la exposición “Ichigo Ichie” Martínez no. 10 (“Un tiempo, un encuentro”) de siete artistas visuales japoneses y cua- Col. Santa María la Ribera tro creadores mexicanos que habían tenido intercambios artísticos e www.chopo.unam.mx 6
Museo Tamayo
Ballet y mascaras. 1945, Óleo sobre tela
www. artealdiamexico.com
Paseo de la Reforma y Gandhi Bosque de Chapultepec 11580 www.museotamayo.org
www. artealdiamexico.com
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S U G E R E N C I A S D. F.
Sala de Arte Público Siqueiros Colectivo Tercerunquinto Restauración de una pintura Hasta 17 de abril
Galería Caja Blanca
Galería Hilario Galguera
Colectiva Antes / después Hasta 27 de abril
Daniel Buren Para analizar Hasta 31 de marzo
La exposición “Antes / después” reúne un conjunto de documentos preparatorios y de rastros de rituales artísticos fomentados por Santiago Borja, Hernaín Bravo, Juan Pablo Macías y Mario de Vega.
La Sala de Arte Público Siqueiros presenta el proyecto “Restauración de una pintura” mural del colectivo Tercerunquinto (Julio Castro, Gabriel Cázares y Rolando Flores). Esta muestra pretende examinar la relación de los discursos políticos y el espacio público en el que se insertan, así como establecer líneas críticas entre el arte contemporáneo y el muralismo mexicano. Tercerunquinto desarrolla proyectos que analizan la relación entre arquitectura, escultura y urbanismo. En su obra exploran los límites entre el espacio privado y el espacio público y las posibles formas de apropiación e interacción de la sociedad en estos espacios. Paralela a esta exhibición está el nuevo “Proyecto Fachada” del museo, que en esta ocasión está realizado por Artemio. En esta ocasión el proyecto se basa en el Postmiserismo, el cual versa sobre estrategias artísticas, literarias y cinematográficas asociadas a la toma de una postura crítica frente a denigrantes realidades sociales. La Postmiseria se refiere a construcciones discursivas basadas en problemáticas de corte socio-político y económico que resultan degradantes para la existencia humana y, generalmente, ocurren en zonas periféricas.
Desde tiempos de las vanguardias en la década de 1960 hay quienes se interrogan en torno al estatus de ese material mnemónico; ¿mera documentación u obras de arte? Provocar e ir en pos del accidente, cambiar por explosivos el martillo y el buril tradicionales, suspender lejos del suelo improbables viviendas precarias, hurgar en el pasado de un vagabundo, sustituir el célebre tapiz persa de un ilustre psicoanalista fallecido en Londres en 1938 por un conjunto de telas originales creadas para ese fin por un indio huichol; son algunas de las prácticas que “Antes / después” se da a la tarea de interrogar. Curaduría: Michel Blancsubé Paseo de los Tamarindos 90, local 27 www.cajablanca.com.mx
Tony Garifalakis The Philosophy of Misery Hasta 26 de Febrero
YAUTEPEC celebra su tercer aniversario con la inauguración de “The Philosophy of Misery”, primera muestra individual en México de Tony Garifalakis, artista originario de Melbourne, Australia, quien tiene la distinción de ser el primer artista en Yautepec oficialmente censurado por el Vaticano.
The Philosophy of Misery será complementada por otra exposición individual en la galería Curro y Poncho (GDL) titulada The Misery of Philosophy, un intercambio retórico que se refiere directamente a la batalla ideológica entre Pierre-Joseph Proudhon y Karl Marx -- importante tensión temprana del conflicto fundamentalista entre las corrientes de pensamiento revolucionario del Anarquismo y el Marxismo. La yuxtaposición es apropiada para Garifalakis, quien ha sido descrito por la crítica de arte australiana Ashley Crawford como “un palimpsesto de cultura contemporánea y política mezclado dentro de una licuadora para partículas apocalípticas.” Para este artista las políticas radicales, las conspiraciones, el poder, la música extrema, las profecías del juicio final y el memento mori se convierten en el follaje visual y conceptual para una defensa oscura y humorística de la racionalidad, o bien, de un estado generalizado de misantropía. Melchor Ocampo 154-A Col. San Rafael www.yau.com.mx 8
Su trabajo trata, en su mayoría, de intervenciones, especialmente en edificios históricos que emplean entre sus elementos formales más característicos, las líneas verticales negras y de color, alternadamente, de 8.7 cms de ancho rigurosamente, para acentuar aspectos de la arquitectura y el paisaje y utilizarlos como medio para realizar composiciones que discuten la relación entre el ser humano y su entorno físico. La contextualización de la obra en un espacio determinado, genera un trabajo creado especialmente para el sitio en el que será presentado, o como él lo define, “trabajar in situ”.
Tercera Muestra de arte Iberoamericano Programa de Residencias Artísticas para creadores de Iberoamérica y de Haití en México Hasta finales de abril Este año la exposición Arte Visual Iberoamericano reúne le trabajo de once artistas que tras un periodo de residencia en el Centro de las Artes de San Agustín Etla, Oaxaca y el Centro de las Artes de Baja California, han desarrollado diversos proyectos estéticos con un alto grado de reflexión en torno al contexto propio y en el que se desarrollaron. El planteamiento de la exposición no sigue una línea delimitada; sin embargo, se puede percibir la dinámica relación entre los creadores y su medio, los temas de interés y la manera en que los soportes actuales reflejan diversas perspectivas de la realidad. Esta condición, además de la convivencia y retroalimentación generada, dió forma de manera natural a un conjunto de ideas y expresiones heterogéneas que construyen un recorrido dentro del espacio que hoy las alberga. Guatemala 18 Centro Histórico www.ccemx.org
Francisco Pimentel 3 Col. San Rafael www.galeriahilariogalguera.com
Tres Picos 29, Col. Polanco www.saps-latallera.org
Yautepec Gallery
Daniel Buren (1938) es una de los exponentes más significativos de la escena del arte conceptual de la segunda mitad del Siglo XX. Su discurso gira en torno a la democratización del arte a través de su recontextualización al llevarlo al territorio arquitectónico y urbano. Fue uno de los precursores de la crítica institucional que se gestó en la década de los 60 ante el rol que tiene el museo como entidad sacralizadora del arte.
Centro Cultural de España en México
Laboratorio Arte Alameda
VICO | Videoclub de operación expandida 2 al 31 de marzo VICO es un proyecto itinerante de producción, análisis y difusión de videoarte y cortometraje contemporáneo. Chloé Fricout y Javier Toscano activan un espacio de intercambio, transmisión y archivo a través de un mueble móvil que permite transportar, guardar y proyectar un material visual que viajará a distintos puntos en México y el extranjero. La muestra de video y cortometraje podrá verse en el atrio del LAA de martes a domingo de 9:00 a 17:00 hrs. y estará acompañada de actividades como sesiones de intercambio, pláticas, seminarios y talleres.
Galería José María Velasco
Daniel Manrique. Homenaje póstumo Si todos jaláramos parejo, la vida sería más chida Hasta 20 de marzo
Daniel Manrique (1939-2010) fue un prolífico artista cuyo trabajo se aprecia en murales, mantas, esculturas, dibujos y escritos.
Como módulo de exhibición el VICO presenta al público una muestra en expansión conformada en su inicio por obras de cineastas y artistas contemporáneos. Desde distintos monitores se proponen al visitante numerosas piezas que pertenecen a la Colección Inicial (CI) o que acaban de integrarse durante las sesiones de intercambio. En su arranque la CI consta de 21 obras. Los artistas invitados a formar parte de la misma son Gabriel Acevedo Velarde, Guillermo Amato – art33, Marcela Armas, Artemio, Marie Benito, Iván Edeza, Gilberto Esparza, Ulises Fierro, Diana González Colmenero, Simon Gerbaud, Amanda Gutiérrez, Ricardo Harispuru, Mauricio Limón, Iván Lomelí, Sarah Minter, Vinny Morales, Viumasters, Paulina del Paso, Alfredo Salomón, Javier Toscano, Héctor Zamora.
Esta exposición esboza el empeño, fuerza y ejemplo de esta gran figura de Tepito a través de dos aproximaciones: el testimonial y el artístico. La primera parte propone una reconstrucción de su personalidad desde la mirada de personas que rodearon a Manrique en distintos momentos de su vida. En lo artístico se exhibe obra seleccionada de la colección Campamentos Unidos de la Colonia Guerrero, Asociación Pro Vivienda de Autoconstrucción (de la que fue colaborador), obra poco conocida a tinta y lápiz sobre papel que exalta la dignidad liberadora del trabajo hecho a mano derivado de los oficios; así como la participación activa, solidaria y concreta, y el empuje femenino en la generación y reconstrucción del patrimonio y el hogar familiar, como recurso imprescindible de la subsistencia humana.
Dr. Mora 7, Centro Histórico www.artealameda.bellasartes.gob.mx
Manrique creyó toda su vida que “mientras quienes somos pueblo jodido y pobretón no estemos unidos y sigamos de hojaldras y yeyos, de cada quien para su santo, cualquier propuesta política, social, económica y cultural para beneficio del mismo pueblo, vale una pura chingada”. Peralvillo 55, Col. Morelos www.galeriavelasco.bellasartes.gob.mx
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Galería Labor
Irene Kopelman 50 metros de distancia o más Hasta 12 de marzo El 6 de enero de 2010 Kopelman partió desde el punto más septentrional de Argentina hacia la Antártida a bordo de un barco para ocho personas, el “Spirit of Sydney”. En el transcurso de 26 días Kopelman documentó el paisaje antártico enfrentándose todo el tiempo a las inclemencias del frío, la lluvia y la nieve. Las dimensiones del barco, sus constantes movimientos y las extremas condiciones climáticas pasaron a formar parte integral de su trabajo. Sus observaciones de los territorios de la Antártida fueron registradas en una serie de dibujos al lápiz y pequeñas acuarelas que se exhiben en varias vitrinas, similares a las que encontramos en museos de ciencias naturales. Durante su viaje esta artista se sorprendió ante la naturalidad con la que el paisaje se prestaba a la pintura; la luz, las sombras, la sutileza de la gama de blancos y azules; todo parecía como si ya hubiera encontrado su expresión en un lienzo. A su regreso al estudio produjo varias obras al óleo de gran escala que representan una parte central de la exhibición. Estos trabajos, así como gran parte de su obra entran en un diálogo con la tradición de la pintura Romántica paisajista, intentando localizar alguna esencia o sensación más allá del dominio de lo visible. Colima 55, col. Roma www.labor.org.mx
SUGERENCIAS EDOS.
Oaxaca Trine Ellitsgaard Textiles Galería Quetzalli Hasta 20 de marzo
Pertenecer a un lugar y al mismo tiempo ser de otra parte, quizá permite percibir con mayor claridad la belleza y las paradojas del sitio. Trine Ellitsgaard creció en Dinamarca y allí se formó como tejedora, pero durante los últimos veinte años ha tenido su hogar en Oaxaca. En su estudio prevalece una serenidad nórdica; pero no bien pone un pie en la calle, al instante ocurre la confrontación con el tráfico abrumador, los saturados colores del cielo, los edificios
coloniales y los grafitis –el rico, anárquico tejido de Latinoamérica, que amenaza a cada momento con sobrecargar sus sentidos. No queda más que entregarse al caos o combatirlo o bien, optar por ambas acciones.
Guadalajara Ray Smith
El que Trine aún trabaje con el telar que importó de Copenhague cuando llegó a México, implica mucho más que una interesante nota al margen. Al observar sus textiles, lo que resulta más llamativo no es la influencia abiertamente visible de la artesanía oaxaqueña, sino su aparente ausencia. Los ordenados diseños geométricos, los colores atenuados, el terso balance de formas y texturas, todo parece expresar una sensibilidad escandinava en directo contraste con una vida pasada en México, o con el tejido mexicano tradicional.
representativas de los últimos 30 años de la carrera de este pintor estadounidense vinculado al neoexpresionismo. La producción artística Ray Smith (Brownsville, 1959), además del grado de importancia y legitimidad internacional que tiene desde hace más de veinte años, representa un cuerpo estético de gran vigencia en el momento actual.
Constitución 104-1 Centro Histórico, Oaxaca www.galeriaquetzalli.com
Museo de Arte de Zapopan Hasta 5 de junio El MAZ presenta más de 25 pinturas en gran formato
Monterrey Beuys y más allá
Lee Hendrickson Paisajes moleculares Microfotografía Hasta 12 de marzo
Dr. Lakra Hasta 9 de Mayo
Andador 20 de noviembre 166 Centro Histórico, Zapopan, Jalisco. www.mazmuseo.com
Se trata de una obra que pone en evidencia lo que plantean los estudios culturales en el sentido de irradiar -desde la práctica pictórica- cuestiones sobre la identidad individual y colectiva, lo multicultural, lo binacional (México-Estados Unidos) y la temporalidad (pasado remoto y mundo contemporáneo).
Nayarit Haus der Kunst
Puebla Museo Amparo
Con curaduría Daniel Lezama esta es una exhibición que reúne obra de épocas y etapas diversas; según el crítico Erik Castillo, la exposición “Ray Smith. Una curaduría de culto por Daniel Lezama” da la oportunidad de disfrutar un contenido de rango internacional al nivel de lo que se ve en cualquier institución global.
Colectiva Hasta 15 de mayo MARCO
El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta “Beuys y más allá. El enseñar como arte”; un diálogo directo con la obra en papel proveniente de la Colección Deutsche Bank del artista Joseph Beuys (1921-1986) y de seis de sus estudiantes: Lothar Baumgarten (1944), Imi Knoebel (1940), Jörg Immendorf (1945), Blinky Palermo (1943 – 1976), Katherina Seiverding (1944), y Norbert Tadeuz (1940). Jerónimo López Ramírez (Oaxaca, 1972) es un ilustrador autodidacta y artista del tatuaje que firma sus obras como Dr. Lakra. Este alias refleja la tendencia del artista hacia la rebelión — “doctor” es un título que conlleva respeto mientras que “lakra”, en español, es argot para delincuente y un juego con la palabra lacra (cicatriz o marca).
Con curaduría de Pedro Alonzo, además de estas obras sobre papel, Lakra ha creado un mural in situ como parte de su primera individual en el Museo Amparo este museo. 2 Sur 708, Centro Histórico, Puebla www.museoamparo.com
Coleccionista de las tradiciones del arte corporal, sus tatuajes reflejan sus experiencias con las culturas maorí, tailandesa, chicana y filipina. En un estilo similar al del gran ilustrador mexicano José Guadalupe Posada, conocido por sus icónicas imágenes del Día de Muertos, Lakra une lo cómico y lo macabro en un intento de retar las costumbres y estructuras sociales tradicionales. Al trazar una línea entre lo vulgar y lo maravilloso, sus dibujos replantean las ideas convencionales de belleza, buen gusto y la identidad individual contra la colectiva.
Arte y ciencia encuentran una armonía sin igual en las fotografías de cristales de Lee Hendrickson. Tomadas a través del microscopio, estos paisajes cristalinos confunden la imaginación con sus colores y patrones como en un calidoscopio; todos reproducidos como realmente se ven. Los colores en estas fotografías son el resultado de la refracción de la luz blanca a través de las caras de los cristales, en un modo similar a lo que sucede con un prisma. Durante largo tiempo se han atribuido a los cristales propiedades curativas y se ha admirado largamente su belleza; pero muy poco se había revelado con tan íntimo detalle. Con sus fotografías Lee Hendrickson nos demuestra la relación productiva que sucede cuando un artista ve como científico y educador; actividad que ha llevado su trabajo por todo el mundo compartiendo la magia que ha descubierto.
La exposición documenta la notable labor de Beuys como maestro y artista durante el periodo de la postguerra en Alemania y muestra las muy diferentes posturas, técnicas y medios que impulsó a sus alumnos a explorar en más de 100 trabajos que la comprenden. El diálogo se extiende al arte contemporáneo latinoamericano al vincularse con la exposición retrospectiva de la trayectoria de más de 30 años del artista y maestro mexicano Mario Rangel Faz (1956-2009). “Coordenadas, Mario Rangel Faz” es presentada junto al trabajo de los colectivos Grupo Suma y Atte. La Dirección de los cuales fue miembro Zuazua y Jardón s/n Monterrey, N.L www.marco.org.mx
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C O R R E D O R
San Antonio, Texas
Bergamot Station, Santa Monica (CA)
Ruiz-Healy Art
Track16 Gallery
Chuck Ramirez Iconic and unseen Desde abril
Don Hardy Tat cat shack Hasta 12 de marzo
Latin American Masters José Alberto Marchi La escuela del escándalo Hasta 30 de abril
La galería Latin American Masters presenta pinturas e instalación de José Alberto Marchi, un trabajo inspirado en fotografías del siglo XIX tomadas por Thomas Eakins. En esta exhibición los estudios de Eakins se transforman en dípticos luminosos que combinan la figura original con su negativo, el resultado es una evocación tanto de la historia de la pintura como de la fotografía.
Careyes Series
Chuck Ramirez (1962-2010) fue un artista y diseñador que vivió y trabajó en San Antonio, Texas. Sus retratos fotográficos a gran escala así como las instalaciones con objetos banales son metáforas humorísticas y conmovedoras de la naturaleza transitoria de la cultura de consumo y la fragilidad de la vida.
Chuck Ramirez (1962-2010) was an artist and designer who lived and worked in San Antonio, Texas. His large scale photographic portraits as well as installations with banal objects are humorous and poignant metaphors of the transitory nature of consumer culture and the fragility of life.
Ramirez se encontraba en proceso de obtener el reconocimiento nacional por sus trabajos fotográficos. Durante el último año se pudo ver su obra en ferias de arte en Nueva York y Dallas. Su capacidad única para prestar una sensibilidad universal a la estética local (trabajando como traductor de lenguaje visual único del Sur de Texas) le permitió transmitir mensajes con humor de aspectos como la identidad y la cultura. Como diseñador gráfico y artista, Ramirez deconstruye el mundo de los medios en que vive. Su obra emplea técnicas visuales y conceptuales que se encuentran en la publicidad y el diseño contemporáneo, una herramienta doble que uso de forma sofisticada. Al recontextualizar objetos familiares y textos a través de sus fotografías e instalaciones; explora la condición humana y visualiza la identidad cultural desde la mortalidad y el consumismo. En varias de sus series se aprecia cómo resucita el desperdicio fotografiando bolsas llenas de basura, flores maltratadas y muriendo, piñatas vacías que reflexionan sobre la fugacidad de la existencia humana en contraste a la voluntad de sobrevivir.
Ramirez was in the process of gaining national recognition for his photographic work. During the last year his work was at art fairs in New York and Dallas. His unique ability to provide a universal sensitivity to local aesthetics (working as a translator of the unique visual language of South Texas) conveyed humor messages with issues as identity and culture.
Por selección del Ramírez’ Estate (Acervo Ramírez), la galería Ruiz-Healy Art en San Antonio será la representante exclusiva de la obra producida por este artista. Una exposición retrospectiva titulada “Chuck Ramirez: Iconic and Unseen” está prevista para abril en San Antonio en este espacio. El ensayo del catálogo de la exhibición estará a cargo de Víctor Zamudio-Taylor. www.ruizhealyart.com
Lost and Found Series
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“Tat cat shack (... y una cantidad abundante de obras en papel relacionadas con tatuaje)” es una instalación en la galería Track 16 que se activa cuando los clientes entran en un taller de tatuaje, un espacio cerrado y pequeño dispuesto en la galería como un cuarto de lámina desvencijada. Inspirado en la ilustración de María de Schubert de 1934, Hardy se apropia de la Cuchulain, una pantera fuerte, valiente y mágica que cubre las paredes del taller. www.track16.com Tac cat shack is an installation in the gallery Track 16 that is activated when customers enter into a tattoo shop, a small enclosed space arranged in a rickety plate room . In his installation Hardy appropiates the Cuchulain, an artwork of Mary Schubert dated in 1934.
En la instalación que acompaña esta muestra, Marchi proyecta sobre el tradicional soporte de la tela tensa y enmarcada, un video con su propia imagen desnuda inspirado en las secuencias fotográficas de Muybridge. www.latinamericanmasters.com Latin American Masters Gallery features paintings and installation of José Alberto Marchi, a work inspired by nineteenth-century photographs taken by Thomas Eakins. In this exhibition, Eakin´s studies become lightly diptychs that combine the original figure with its negative; the result, an evocation of both the history of painting and photography.
Luis de Jesus Margie Livingston Paint Objects Hasta 27 de febrero
Shoshana Wayne Gallery Yuken Teruya Journey Hasta 26 de marzo
Luis De Jesus presenta en Los Angeles la primera muestra individual de Margie Livingston titulada “Paint Objects” (“Objetos pintura”). Su obra ha sido admirada por sus pinturas abstractas que articulan la interacción entre la red de la arquitectura y el mundo natural, orgánico.
Watermills Series
As a graphic designer and artist, Ramirez deconstructs the media world in which he lived. His work employs visual and conceptual techniques found in contemporary advertising and design, a double tool used in a sophisticated way. By reframing familiar objects and texts through his photographs and installations, he explores the human condition and displays the cultural identity from mortality and consumerism issues. In several of his series it is appreciated how Ramirez resurrects waste— photographing filled garbage bags, dying flowers and battered, empty piñatas—reflecting on the fleeting nature of human existence while imposing the will to survive Ruiz-Healy Art in San Antonio has been selected by Ramirez’s Estate as the artist’s exclusive representative. A retrospective exhibit titled “Chuck Ramirez: Iconic and Unseen” is scheduled in April. Ruiz-Healy Art will also be taking Ramirez’s work to the Dallas Art Fair which is held from April 8-10.
Dejando a los accidentes cumplir con la invención y la experimentación, Livingston invierte su proceso habitual: el uso de pintura para la construcción de objetos. Sus nuevos “Objetos pintura” (construidos de puntos, tiras y capas de acrílico) investigan las propiedades de la pintura llevada a tres dimensiones lo que ofrecen una visión convincente de cómo el medio de la pintura se puede utilizar escultóricamente. Con esta transformación de su práctica, Livingston se aleja de la ilusión de espacio hacia un trabajo literal con el espacio; la construcción de objetos que se sitúan en dos medios, la pintura y la escultura. www.luisdejesus.com Luis de Jesus presents in Los Angeles the first individual show of Margie Livingstone called “Paint Objects. “ Her work has been admired for her abstract paintings that articulate the interaction between network architecture and the natural world, organic.
www. artealdiamexico.com
Teruya evoca su raíz en Okinawa y la conecta con su experiencia americana. Mejor conocido por sus árboles recortados en bolsas de papel, esta exhibición extiende el vocabulario artístico de este creador utilizando la precisión del stencil para llevarlo al idioma de la calle. Su trabajo utiliza formas tradicionales japonesas (bingata y origami) que se relacionan con la cultura popular y contemporánea mayormente influida por formas culturales americanas (graffiti y publicidad). El simbolismo de las flores, aves, olas y bicicletas presentes en todos sus trabajos son una poesía visual cuyo foco es un movimiento relacionado con el modo en el que las identidades culturales fluyen. www.shoshanawayne.com Teruya evokes his roots in Okinawa and connects them with his American experience. His work uses traditional Japanese forms (bingata and origami) that relates to a contemporary popular culture largely influenced by American cultural forms (graffiti and advertising). The symbolism of flowers, birds, waves and bicycles present in all his works are a visual poetry that focus in the movement in which cultural identities flow.
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N O R T E Los Angeles Steve Turner Contemporary James Benning Two Faces Hasta 12 de marzo
Steve Turner Contemporary y su curadora invitada, Chiara Giovando, presentan “Two Faces” (Dos caras), una video instalación a dos canales realizada por James Benning, artista que cumple su primera muestra individual en esta galería. Esta participación marca de igual modo la reciente transición del cineasta al formato digital, así como su regreso a la instalación. La pieza se compone por planos de dos o tres segundos de películas en 16mm, las cuales han sido digitalizadas y extendidas a doce y medio minutos cada una produciendo con ello un sutil y desorientador cambio. Al principio la imagen parece no cambiar; pero al tiempo se revelan cambiantes a si mismas. “Tuve la idea de hacer films apolíticos, pero muy pronto que di cuenta que mi estética desarrollaba formas que de algún modo eran radicales y eso es político en si. Hacer ver a la gente de un modo diferente en la pantalla, creo, es en realidad una posición radical a tomar”, menciona el artista.
San Diego San Diego Museum of Art Colección del museo Arte de las Américas Permanente
Incluyendo artistas de las colonias británicas y españolas hasta la obra de artistas contemporáneos, el arte de las Américas has sido de particular interés en la colección del museo desde su fundación. Pinturas de Robert Henri y John Sloan estuvieron dentro de las primeras piezas donadas al museo y muy pronto se incluirían trabajos de George Bellows, Mary Cassatt, William Merritt Chase y Thomas Eakins.
Durante los últimos cuarenta años las películas de Benning ha sido reconocidas por su maestría en el plano estático y su precisión matemática en la composición. Al re-fotografiar el cine en video, Benning utiliza deliberadamente la incompatibilidad técnica para realizar una distorsión poética. steveturnercontemporary.com
Steve Turner Contemporary and guest curator Chiara Giovando, present “Two Faces”, a twochannel video installation by James Benning, an artist who has his first solo exhibition in this gallery. This show equally testifies the filmmaker's recent transition to digital format and his return to the installation.
Miami Kavachnina contemporary Zhang Hong Mei, Ku De Qi & Zeng Yi Three artists from Shan Dong- China Hasta el 12 marzo
Gala Kavachnina fundó la Art Rouge Gallery hace 20 años en San Petesburgo, Rusia; más tarde se trasladaría a la ciudad de México y empezaría a trabajar en la ciudad de Miami en 2005 con su actual proyecto. En esta ocasión presenta una colectiva de tres artistas de Shan Dong, China; muestra que afirma la intención de esta galería por construir y acompañar la carrera de artistas emergentes y de mediana trayectoria tanto del ámbito local como del internacional.
La obra de estos artistas, cánones del arte americano, se complementaron después con el trabajo de Asher B. Durand, Eastman Johnson, Albert Bierstadt, Stuart Davis, Georgia O’Keeffe y Thomas Hart Benton. De igual modo el trabajo de los artistas mexicanos y suramericanos está bien representado con obra de Diego Rivera, Rufino Tamayo y Alfredo Ramos Martínez, entre otros. La producción de los artistas locales es de igual interés para el museo de modo que incluye en su colección pintura de artistas californianos como Maurice Braun, Nicholai Fechin, Charles Fries, Alfred Mitchell, Charles Reiffel, Guy Rose. www.sdmart.org
www.kavachnina.com Gala Kavachnina founded Rouge Art Gallery 20 years ago in St. Petersburg, Russia, and later moved to Mexico City and later started to work in Miami with her actual gallery in 2005. This show presents a collective of three artists from Shan Dong, China, iniciative that states the intent of this gallery to build and support the careers of emerging and middle path artists on both local and the international scene.
The Mexican and South American artists are well represented with works by Diego Rivera, Rufino Tamayo and Alfredo Ramos Martinez, among others. The production of local artists is of equal interest for this museum so as to include in its collection paintings by artists such as Maurice Braun California, Nicholai Fechin, Charles Fries, Alfred Mitchell, Charles Reiffel, Guy Rose.
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RESEÑAS DE EXPOS Shinpei Takeda Decaimiento Alfa
Caligrafías 10 x 10 Intervención urbana
Centro Cultural Tijuana Hasta 12 de marzo
Por / by Samuel Mesinas Periodista y gestor cultural
Por / By Marcela Quiróz Curadora
“Basta a veces con mirar de otro modo para mirar mejor”
“…ya no es nadie que haya desaparecido dejando ahí ceniza,solamente su nombre pero ilegible”[1]
Paul Virilio
Resulta casi impropio pensar en un tiempo después de la destrucción (impropio por la imposibilidad de hacerse de la destrucción radical que es capaz de soportar un cuerpo ajeno). Hasta que sucede ese dolor como desgarramiento irremediable, nos atrevemos a asumir que habitamos la duración de nuestro propio decaimiento. No es incidental que se nombre con una misma palabra a quien porta el dolor que a quien guarda el duelo. Ese ser ‘doliente’ supone y soporta un estado en transición. En cualquiera de los casos -–sea el resto del cuerpo en dolor o el rastro de un cuerpo ido– el cuerpo doliente existe como lanzado de ese orden supuesto, a salvaguarda en el cuidado cotidiano. Se pensaría que el ser no supone su existencia como estado en duelo; quizá lo que no supone es la conciencia de su duración.
Decaimiento Alfa 1
“Decaimiento Alfa | Alpha Decay” es una intervención artístico-arquitectónica que anima la conciencia de su irremediable caducidad. Históricamente situada en ese después de la destrucción, la obra interroga, enfrenta y confiesa sus propias capacidades reflexivas. Situada al borde del horizonte, una vezvista la extensión de la destrucción de la historia y el tiempo de dos ciudades –Hiroshima y Nagasaki después de la explosión de las bombas atómicas de agosto de 1945– ésta es una intervención que habla del resto y su resguardo. La historia que ha configurado el proceso de los últimos cinco años del artista Shinpei Takeda hacia la constitución de “Decaimiento Alfa | Alpha Decay”, habla de una génesis revertida sobre el trazo de su propio ser en cenizas. El tiempo de su exposición –asumiendo y confrontando en profundidad las implicaciones del ser expuesto– se erige como homenaje íntimo y singular en responsabilidad de la duración de una memoria cultural a cuya destrucción pertenece.
Hacia el final de la borrachera bicentenaria del 2010, de manera casi invisible y efímera, los inmuebles urbanos de la Ciudad de México cambiaron de piel. Durante 30 días los parabuses pasaron de ser un simple proyector de imágenes hiper fetichizadas a cajas lumínicas que dislocaron el panorama visual cotidiano.
Demián Flores de La Curtiduría (OAX) junto con Peatonal (DF), resemantizamos el uso de estos espacios al generar en ellos una galería efímera que estimulara a los artistas a repensar su relación con el espacio público y la Ciudad de México; al tiempo que permitiera al transeúnte reapropiarse Recuperando aquel decir sobre la ceniza en palabras de Jacques Derri- de la panorámica de su propio da, en tanto “aquello que conserva para ya no conservar siquiera, con- desplazamiento. sagrando el resto a la disposición”; ésta es una obra que se arma en la integración residual de medios y leguajes diversos. En el pasaje de un territorio devastado, un pabellón de cartón y madera diseñado por el arquitecto Gabriel Martínez; se sostiene la confirmación de su propia fragilidad. Los materiales elegidos comportan como referencia su ser morada como impulso primigenio. Sobre la piel que devela al exterior, el pabellón recibe los trazos de la vibración del timbre de voz elegidos y re-
Parabus 3
Se invitó a diez curadores los cuales convocaron a 100 artistas para realizar “Caligrafías 10 x 10”; una propuesta que aborda transformaciones sustantivas en la comprensión del uso de los medios de comunicación masivos y la gráfica.
Decaimiento Alfa logo
producidos manualmente en grafito de entre algunos testimonios de sobrevivientes de la incineración masiva recuperados por Takeda. Al interior, la intensidad táctil de una confesión visual-sonora engulle al espectador en el tiempo de un cuerpo que busca entender los restos de un pasado asumido en pérdida. Paseo de los Héroes 9350 Zona Urbana Río, Tijuana www.cecut.gob.mx
Decaimiento Alfa 3 [1] Derrida, Jacques. La difunta ceniza | Feu la cendre. Buenos Aires: La Cebra. 2009. p 21. (1987)
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Los artistas entregaron dos imágenes. Una de ellas se destinó al conjunto de serigrafías que propusimos como memoria gráfica y acervo; el cual se montó en diciembre del 2010 en el Museo de la Ciudad de México y ahora se encuentra en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO). La segunda se montó en 100 parabuses ubicados en las principales avenidas capitalinas. Como parte de un proyecto de arte contemporáneo que explora la ciudad y sus dinámicas de comunicación urbana; la calle y los sistemas de transporte público fueron escenarios insuperables de la interacción social. Ambas exposiciones arrancaron simultáneamente, en el museo y en el espacio público. El objetivo
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Sublevarte cultura 1T
fue subrayar la importancia de cómo la fusión de los medios analógicos y digitales están provocando nuevos modos de hacer globalidad y de representación social; así como estimular las subjetividades e imaginarios urbanos alrededor de temas como velocidad e imagen; ambas, apartados indispensables en la construcción, percepción y concepción de la ciudad global. Es necesario replantear la cultura y la sociedad en un contexto de flexibilización laboral, explosión demográfica y nuevas tecnologías; porque estos fenómenos transforman la ciudad como territorio de pertenencia y alteran e intensifican las dinámicas metropolitanas interviniendo y reformulando los procesos de producción de subjetividad y los modos en que se conforma la identidad en el espacio público capitalino. durante esta intervención, mientras buscaba los 100 parabuses intervenidos para fotografiarlos entre avenidas disímbolas entre sí (Tlalpan, Pantitlan, San Cosme, Reforma, Canal de Tezontle, Copilco) encontré a algunos peatones retratándose al lado del parabus con su celular; en otras ocasiones, la gráfica y los usuarios se fundían en el paisaje creando otra imagen con una poética propia. En mi recorrido los insidiosos cuestionamientos de Paul Virilio en su frenético ensayo “La Liberación de la Velocidad” parecían luces que anunciaban la noche: “¿Estamos en presencia de un fetichismo de la óptica o, más exactamente de la electroóptica? ¿Debemos apartar nuestra mirada, observar tímidamente de soslayo, evitando la abusiva focalización propuesta? Preguntas todas que no conciernen únicamente a la estética, sino a la ética de la percepción contemporánea”. “La visión ya no es la posibilidad de ver, sino la imposibilidad de ver”, completa el videasta Gary Hill, como refiriéndose a la fachada de manchones de aerosol, carteles, anuncios colocados en postes, espectaculares, semáforos, bardas, portones, de toda la metrópoli. Algo semejante percibían Los Estridentistas en 1920, quienes pusieron en evidencia los telégrafos, teléfonos y un paisaje campirano alterado por humeantes locomotoras, poderosos tranvías y ondas hertzianas; elementos que terminaron por convertirse en símbolos profundos de su proceso creativo. Al igual que Los Estridentistas es importante imaginar las posibilidades creativas que generan los elementos urbanos, en este caso la yuxtaposición de imágenes y el uso de los inmuebles (parabuses) para significar el desplazamiento cotidiano y a la vez mostrar a la gráfica como una poderosa herramienta capaz de devolverle textura y volumen al tiempo actual.
RESEÑAS DE EXPOS Colectiva Hortus
”Hortus” reúne un conjunto de obras de artistas contemporáneos residentes en Mérida quienes se conjugan con la materia vegetal, la historia del lugar y su atmósfera; la idea general: revalorizar este espacio. La mayoría de las obras fueron pensadas para la exposición y fueron realizadas en materiales diversos, naturales o industriales, con base la lectura personal de cada artista sobre esta porción del paisaje urbano. Algunas obras son efímeras y otras están pensadas como objetos durables, pero en ambos casos, como las plantas, árboles y especies animales, las obras de arte son frágiles y se exponen a múltiples riesgos naturales y su permanencia depende en gran parte de la voluntad humana.
Mérida, Yucatán Jardín de la Ermita de Santa Isabel A partir 12 de febrero Por / by Alfredo Cruz Ramírez, curador
La capilla de la Ermita de Santa Isabel es un edificio colonial cuya fecha de construcción se sitúa entre el siglo XVI y XVII. Se encuentra al sur de la ciudad, sobre el camino real de Campeche y del cementerio de San Antonio Xcoholté, y se le conoce también como capilla del buen camino, nombre que se presta a una doble interpretación: viaje hacia un destino geográfico o hacia el fin ineluctable.
Un jardín es un espacio de cultivo y artificios que se va desarrollando gracias a la tenacidad y pasión del jardinero, pero al final es un espacio de encuentro que se comparte con el “otro” proporcionándole deleite visual y bienestar. ”Hortus” es una exaltación de ese encuentro entre naturaleza y civilidad que permite al arte florecer y encontrar su lugar dentro de la urbe. Beatriz Castillo, “Broca”, alambrón.
Los artistas participantes son Beatriz Castillo, Gerardo Espejo, Gerda Gruber, Yolanda Gutierrez, Hernán Medina, Vanessa Rivero, John Thompson, Isaac Zambra y Saul Villa. El edificio está rodeado de un huerto que constituye hoy en día un ejemplo único en Mérida de jardín cerrado, hortus conclusus, como los que rodeaban conventos e iglesias. En ellos se cultivaban flores, árboles frutales, plantas medicinales y eran espacios cargados de espiritualidad.
Yolanda Gutierrez, “Cultivo de agua”, gel de irrigación.
En tiempos recientes el jardín de la Ermita de Santa Isabel fue convertido en jardín botánico donde se exponían también esculturas prehispánicas y coloniales. De este proyecto didáctico quedan vestigios que hacen del lugar un espacio conceptual: pancartas y pedestales vacíos nos invitan a imaginar plantas y formas que han desaparecido. El lugar es un oasis de frescura y tranquilidad con un carácter romántico que lo hace único.
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Isaac Zambra, “Rastrera”, recipiente de aluminio.
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Reseña internacional
Los Angeles / EUA
“El museo de los artistas” - Los Angeles
Por / by Arte al día México
El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA) ha presentado desde el pasado mes de octubre hasta finales del mes de enero de 2011 una exposición con obras de más de 140 artistas que han ayudado a formar el diálogo artístico en la ciudad de Los Ángeles desde que se fundó el museo hace ya más de tres décadas Photo by Brian Forrest © Courtesy MOCA
E
La exposición “The Artist´s Museum” se presentó en las dos sedes del MOCA en el centro de la ciudad de Los Angeles. La sede The Geffen Contemporary se compuso principalmente de escultura e instalación, por su parte el edificio de la Grand Avenue expuso fotografía, pintura y obra gráfica.
sta exposición representa la gran diversidad de la comunidad artística de dicha ciudad, subrayando la importancia de artistas legendarios y ya consagrados que continúan en activo, junto con aquellos artistas emergentes y visionarios que provienen de escuelas de arte locales y están conectados con la cultura de la calle, el performance, la música y el cine.
Se incluyeron obras de Doug Aitken (Electric Earth, 1999), Robbie Conal, Thomas Houseago (Sprawling Octopus Man, 2009), Mike Kelley (instalación Pay for your pleasure, 1999), Amanda Ross-Ho (Double Tragedy Wall, 2007), la performance de la artista Vaginal Davis; así como la obra de Jim Isermann que fue creada para la entrada del museo. Se incluyó también video arte y proyectos de sitio específicos como el de la artista Jennifer Steinkamp (Orbit,7) que investigó el espacio arquitectónico y la percepción humana mediante
Parte de las obras provienen del acervo del propio museo, así como de préstamos de coleccionistas y artistas locales; que en su conjunto, conforman un elenco de más de 250 piezas, incluyendo algunos proyectos nuevos realizados especialmente para esta ocasión.
“Los Angeles es una ciudad increíblemente hospitalaria para los artistas que viven y trabajan en ella y como resultado, esta ciudad está enriquecida con los artistas más innovadores y talentosos de nuestro tiem- combinaciones de luz y movimiento. La exposición fue organizada por el MOCA y curada por Rebecca Morse en colaboración con un equipo que po” dijo Rebecca Morse, curadora asociada del MOCA incluye a Jeffrey Deitch, director del museo de arte contemporáneo de Los Ángeles, Lisa Gabrielle Mark, direcLos artistas que participan en esta muestra han interactuado de manera paralela con el desarrollo del museo y tora de publicaciones, Alma Ruiz, curadora del museo y el curador asociado Bennett Simpson. han ido transformado el panorama artístico de Los Angeles hasta convertirla en una ciudad acoge a artistas de todas las partes del mundo. Es posible trazar líneas de influencia y asociación dentro de la exposición, ya que La exposición se crea como una idea original basada en la colección del museo de manos de Paul Schimmel, curador jefe, quien considera el trabajo de los artistas en un contexto local. Esta exposición es la continuación abarca un ámbito de relaciones- desde profesores y estudiantes hasta mentores, amigos y colaboradores. de una muestra anterior, “Los treinta primeros años del MOCA” la cual presentó a los artistas de Los Angeles “La exposición The Artist´s Mu- en un contexto internacional. seum paga tributo al inmenso talento de esta ciudad trazando una evolución, sólo posible en Los Ángeles, donde hay tanta intersección activa de disciplinas” comentó Jeffrey Deitch, Director del MOCA. Basado en un sobrenombre que ha sido usado para describir al MOCA desde sus comienzos, The Artist´s Museum también hace honor a la trayectoria desarrollada junto con el MOCA, el cual fue fundado en 1979 bajo la premisa de existir para el beneficio de los artistas contemporáneos. A finales de los años setenta, un grupo de 150 artistas llegaron juntos para discutir la creación de un nuevo museo dedicado al arte contemporáneo en Los Angeles. Como resultado, el Artist´s Advisory Council con 15 miembros, se formó para hacer recomendaciones sobre todos los temas asociados con la construcción del museo. El MOCA ha continuado el legado de aquel original grupo nombrando en su consejo a artistas como John Baldessari, Barbara Kruger, Catherine Opie y Edward Rusch; siendo la mayor fuente de artistas locales llevando a la ciudad de Los Angeles a un diálogo entre artistas nacionales e internacionales, de renombre y emergentes.
Autor: Joseph Martínez Photo by Brian Forrest © Courtesy MOCA
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Photo by Brian Forrest © Courtesy MOCA
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International review
Los Angeles / USA
“The artist´s museum” T
he Museum of Contemporary Art in Los Angeles (MOCA) presented up to january a showcase of works by over 140 artists who helped to shape the artistic dialogue in the city since its founding over 30 years ago. “The Artist’s Museum” is an exhibition that represented the diversity and uniqueness of the Los Angeles community, and highlighted important works from legendary L.A. artists who remain vital and influential alongside those emerging from renowned local art schools, visionary artists associated with various street cultures and subcultures and crossover artists connected to performance, music, and film. This special presentation included pieces from MOCA’s permanent collection supplemented by local collectors and artists, featuring over 250 works with a number of new projects made especially for this occasion. “Los Angeles is an incredibly city for artists to live and make their work, as a result, this city is nurtured with the most innovative, talented, and groundbreaking artists of our time,” said MOCA´s Associate Curator, Rebecca Morse. The three decades represented within “The Artist’s Museum” touch on several generations of artists whose careers intersect with MOCA’s own development as a major contemporary art institution. The exhibition underlines the museum’s important role in shaping and supporting the artistic landscape of Los Angeles while looking beyond the museum’s own history to embrace artists who have helped transform the city into an internationally recognized center. It is possible to trace lines of influence and association within the exhibition, as it encompasses a range of relationships—from teachers and students, to mentors, friends, and collaborators. “The Artist’s Museum pays tribute to the immense talent in this city, tracing an evolution possible only here, where there is such an active intersection of disciplines,” commented MOCA’s Director, Jeffrey Deitch. The exhibition was organized for MOCA by Rebecca Morse in collaboration with a curatorial team that included Jeffrey Deitch, Lisa Gabrielle Mark (Director of Publications), Alma Ruiz (Curator) and Bennett Simpson (Associate Curator). “The Artist’s Museum” expands in an international context over a show originally conceived by Chief Curator Paul Schimmel, who considered the work of Los Angeles artists in a local context through the exhibition “MOCA’s First Thirty Years”. Photo by Brian Forrest © Courtesy MOCA
FEATURED ARTISTS Amy Adler, Doug Aitken, Lita Albuquerque, Peter Alexander, Carlos Almaraz, Edgar Arceneaux, Ron Athey, Judy Baca, John Baldessari, Devendra Banhart, Uta Barth, Vanessa Beecroft, Larry Bell, Billy Al Bengston, Cindy Bernard, Walead Beshty, Jeremy Blake, Jonathan Borofsky, Andrea Bowers, Mark Bradford, Chris Burden, Karen Carson, Vija Celmins, Guy de Cointet, Robbie Conal, Meg Cranston, Vaginal Davis, Devo, Guy Dill, John Divola, Roy Dowell, Sam Durant, Fred Eversley, Morgan Fisher, Judy Fiskin, Simone Forti, Llyn Foulkes, Sam Francis, Charles Gaines, Harry Gamboa Jr., Charles Garabedian, Frank O. Gehry, Jack Goldstein, Piero Golia, Joe Goode, Robert Graham, Alexandra Grant, Katie Grinnan, Gronk, Mark Grotjahn, Richard Hawkins, Tim Hawkinson, Wayne Healy, Robert Heinecken, George Herms, David Hockney, Patrick Hogan, Evan Holloway, Thomas Houseago, Douglas Huebler, Elliott Hundley, Robert Irwin, Jim Isermann, Richard Jackson, Cameron Jamie, Larry Johnson, William E. Jones, Miranda July, Glenn Kaino, Craig Kauffman, Mike Kelley, Mary Kelly, Martin Kersels, Toba Khedoori, Edward Kienholz and Nancy, Reddin Kienholz, John Knight, Barbara Kruger, Lisa Lapinski, Liz Larner, William Leavitt, Gary Lloyd, Sharon Lockhart, Peter Lodato, Liza Lou, Machine Project, Florian Maier-Aichen, Kerry James Marshall, Daniel Joseph Martinez, Paul McCarthy, John McCracken, Rodney McMillian, Matthew Monahan, Ivan Morley, Ed Moses, Dave Muller, Kori Newkirk, Ruben Ochoa, Catherine Opie, Rubén Ortiz-Torres, Kaz Oshiro, John Outterbridge, Laura Owens, Jorge Pardo, Helen Pashgian, Jennifer Pastor, Raymond Pettibon, Lari Pittman, Monique Prieto, Stephen Prina, Charles Ray, Joe Ray, Roland Reiss, Jason Rhoades, Amanda Ross-Ho, Nancy Rubins, Sterling Ruby, Allen Ruppersberg, Edward Ruscha, Mark Ryden, Betye Saar, Kenny Scharf, Lara Schnitger, Allan Sekula, Jim Shaw, Peter Shelton, Paul Sietsema, Alexis Smith, Frances Stark, Jennifer Steinkamp, Henry Taylor, Diana Thater, Robert Therrien, DeWain Valentine, Jeffrey Vallance, Bill Viola, Marnie Weber, James Welling, Eric Wesley, Charlie White, Pae White, Christopher Williams, Robert Williams, Tom Wudl, Bruce Yonemoto, Andrea Zittel
Photo by Brian Forrest © Courtesy MOCA
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San Diego / EUA
Reseña internacional
México: Esperado / Inesperado Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (MCASD) y Museo de Arte Latinoamericano en Los Angeles(MOLAA) Por / by Arte al día México
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l Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (MCASD) y el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) en Long Beach presentarán la exposición “Mexico: Expected / Unexpected” (México:Esperado/Inesperado), exposición que cuenta con más de 100 obras selecionadas de la Colección Isabel y Agustín Coppel (CIAC), una de las colecciones de arte contemporáneo más dinámicas de México.
Carlos Amorales The Horny Ghosts 07 Courtesy © MCASD
Presentando obras expresivas que superan el concepto de “Mexican-ness” como categoría fija, la colección Coppel sorprende al espectador de manera inesperada desafiando al cliché mexicano. Así mismo, la exposición propone el arte contemporáneo mexicano como inestable, rico, complejo, impredecible y en constante cambio entre la tradición y la innovación, al igual que la cultura globlal a la que responde, .
Mexico: Expected/Unexpected está organizado por el CIAC con apoyo de la Secretaría de Relaciones Exteriores, México y en Consulado General de México en San Diego y Los Angeles. La muestra es presentada en su conjunto en el Museum of Contemporary Art San Diego (MCASD) y el Museum of Latin American Art (MOLAA) in Long Beach, California. Los programas relacionados con el MCASD reciben el apoyo de The James Irvine Foundation Arts Innovation Fund, el County of San Diego Community Enhancement Fund y el Institute of Museum and Library Services. Apoyo institucional para el MCASD está provisto por City of San Diego Commission for Arts and Culture. En el MOLAA,los recursos para la exhibición fueron otorgados por Robert Gumbiner FounRichard P. Townsend, el Presidente del MOLAA y CEO comenta: “Estamos encantados no sólo de trabajar con dation, Arts Council for Long Beach, City of Long Beach y el MOLAA Annual Exhibition Fund. tan eminentes coleccionistas como los Coppel, sino también con tan distinguida institución como el Museo de Arte de San Diego. El MCASD es célebre por su trabajo con arte Latinoamericano y la relevante migración local Mexico: Expected / Unexpected fue originalmente curada por Mónica Amor con Carlos Basualdo como consejero del proyecto para la Maison Rouge, Paris (2008). Las instalaciones del MCASD y el MOLAA utilizadas en temas fronterizos.” son el resultado de un diálogo curatorial entre Mireya Escalante y Ana Belén Lezana (CIAC), Lucía Sanromán Hugh M. Davies, miembro del MCASD, añade: “El MOLAA es el único museo del sur de California que se centra (MCASD) y Cecilia Fajardo-Hill y Idurre Alonso (MOLAA). en arte Latinoamericano. A través de nuestra colaboración con ellos cumplir nuestra meta de reformular la relación entre el discurso contemporáneo internacional y el arte que se hace en México y Latinoamérica. Esta exposición intenta elevar las expectativas sobre qué es el arte mexicano actual.” La exposición que se presenta el 5 de febrero en el MCASD de La Jolla y el 20 de febrero en el MOLAA, estará en los dos museos hasta el 15 de mayo. La colaboración de ambas instituciones amplía el alcance geográfico de la colección, haciéndola accesible a los visitantes desde la frontera entre Estados Unidos y México hasta el área de Los Ángeles. La muestra reúne obras de artistas contemporáneos mexicanos e internacionales en su primera presentación en los Estados Unidos.
Mexico: Expected / Unexpected Collaborative exhibition features works by Mexican and international contemporary artists in its first U.S. presentation
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he Museum of Contemporary Art San Diego (MCASD) and the Museum of Latin American Art (MOLAA) in Long Beach will jointly present “Mexico: Expected/ Unexpected”, an exhibition featuring more than 100 artworks selected from the Isabel and Agustin Coppel Collection (CIAC), one of Mexico’s most comprehensive and dynamic contemporary art collections. The exhibition, which opens at MCASD La Jolla on Feb. 5 and at MOLAA on Feb. 20, will be on view at both museums through May 15. This collaboration broadens the geographic reach of the collection, making it accessible to visitors from the U.S.-Mexico border to the greater Los Angeles area.
francis Alys Zócalo, 1999, video instalación. Courtesy © MCASD
De lo poético a lo político, “México: Esperado/Inesperado” exhibe a las figuras claves de la escena del arte contemporáneo mexicano, incluido Francis Alÿs, Carlos Amorales, Iñaki Bonillas, Abraham Cruzvillegas, Jorge Méndez Blake, Gabriel Orozco, Damián Ortega, Pedro Reyes y Melanie Smith. La exposición contextualiza a estos artistas en relación con los profesionales internacionales históricos como Lygia Clark, William Eggleston, Gordon Matta Clark, Ana Mendieta, y Helio Oiticica. Otro acierto de esta muestra es la incorporación de artistas internacionales innovadores quines comparten su sensibilidad artística y métodos de trabajo; tal es el caso de Lothar Baumgarten, Maurizio Cattelan, Kendell Geers, Marepe, Rivane Neuenschwander y Tatiana Trouvé. Richard P. Townsend, MOLAA “México: Esperado/Inesperado” está organizado en nueve secciones lo que permite a la colección estar al mismo tiempo presente en dos lugares diferentes. Las obras se concentran alrededor de líneas temáticas como la poesía de los artesanos, la relación entre la ciudad y la naturaleza, afinidades estructurales, la iconografía del nacionalismo, imágenes de muerte y mortalidad, lógica constructiva, agrupación y acumulación de archivos y la precariedad de la vida diaria. El MCASD presentará cinco secciones poniendo énfasis en la instalación artística, la pintura y la escultura; mientras que el MOLAA presentará cuatro secciones que exploran en profundidad el hilo conductor entre las participaciones fotográficas de la colección, la abstracción geométrica, la escultura y el cine. En su primera presentación en los Estados Unidos (después de su reciente tour europeo: La Maison Rouge en París, TEA en Canary Island, Museo Stedelijk en Schiedam, Holanda, y en el BPS22 de Bélgica); “México: Esperado/Inesperado” desafía los estereotipos típicamente asociados a México y al arte mexicano. Mientras que cada lugar de exhibición presentó por su cuenta una exposición unida por una fuerte lógica interna, el MCASD y el MOLAA han añadido a su muestra nuevos trabajos provenientes de la Colección Coppel, ofreciendo una visión profunda sin precedentes.
President and CEO stated, “We are delighted not only to work with such eminent collectors as the Coppels, but with such a distinguished institution as the Museum of Contemporary Art San Diego. MCASD is renowned for its longtime work with Latin American art and locally relevant migration and border issues. They have the tradition of setting this within an international dialogue, which provides an excellent example for MOLAA and other museums across the country.”
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Hugh M. Davies at MCASD adds: “MOLAA is the only museum in Southern California with a specific focus on Latin American art. Through our institutional partnership, we hope to underscore the exhibition’s goal of reformulating the relationship between international contemporary discourse and art practitioners in Mexico and Latin America. This exhibition is intended to upend expectations about what Mexican art is today.” From the poetic to the political, “Mexico: Expected/Unexpected” showcases the key figures of the Mexican contemporary art scene, including Francis Alÿs, Carlos Amorales, Iñaki Bonillas, Abraham Cruzvillegas, Jorge Méndez Blake, Gabriel Orozco, Damián Ortega, Pedro Reyes, and Melanie Smith. The exhibition contextualizes these artists in relation to noted historical international practitioners, such as Lygia Clark, William Eggleston, Gordon Matta Clark, Ana Mendieta, and Helio Oiticica. As well, this show goes one step further incorporating the work of cutting-edge international artists such as Lothar Baumgarten, Maurizio Cattelan, Kendell Geers, Marepe, Rivane Neuenschwander, and
Tatiana Trouvé; who share artistic sensibilities and working methods. Mexico: Expected/Unexpected is organized into nine sections allowing the collection to be concurrently presented in two different locations. Works are gathered around thematic lines such as poetics of craftsmanship, the relationship between city and nature, structural affinities, the iconography of nationalism, imagery of death and mortality, constructive logic, archival accumulation and grouping, and the precariousness of everyday life. MCASD will present five sections, with an emphasis on installation art, painting and sculpture, while MOLAA will present four sections that explore in depth the connecting thread between the collection’s photographic holdings, geometric abstraction, sculpture and film. This is the first U.S. presentation of “Mexico: Expected/Unexpected”. Fresh from a European tour, where it was shown at the cutting-edge La Maison Rouge in Paris, TEA in Canary Island, Stedelijk Museum in Schiedam, Holland, and BPS22 in Belgium. Mexico: Expected/ Unexpected defies stereotypes typically associated with Mexico and with Mexican art.
San Diego / USA
International review While each venue on its own presents a cohesive exhibition with strong internal logic, extraordinary artworks, and site-specific programming and interpretation, MCASD and MOLAA have added new artworks from the Coppel Collection to their presentations, offering an unprecedented in-depth view of its holdings. Audiences are encouraged to travel between the two locations to understand the full associations offered by the exhibition.
Enhancement Fund, and the Institute of Museum and Library Services. Institutional support for MCASD is provided, in part, by the City of San Diego Commission for Arts and Culture. At MOLAA, funding for the exhibition is provided by the Robert Gumbiner Foundation, Arts Council for Long Beach, City of Long Beach, and the MOLAA Annual Exhibition Fund. Mexico: Expected / Unexpected was originally curated by Mónica Amor with project advisor Carlos Basualdo for the Maison Rouge, Paris (2008). The MCASD and MOLAA installations are the result of a curatorial dialogue between Mireya Escalante and Ana Belén Lezana (CIAC), Lucía Sanromán (MCASD) and Cecilia Fajardo-Hill and Idurre Alonso (MOLAA).
The exhibition reveals how the Isabel and Agustin Coppel Collection assumes contemporary art nationally and internationally, while consistently interrogates the fundamental differences between those two categories. Featuring expressive artworks that overcome the concept of “Mexican-ness” as a fixed category, the Coppel Collection surprises the viewer in unexpected ways, defying the plainness of a mexican cliché. Likewise, this show proposes that Mexican contemporary art, like the global culture to which it responds, is unstable, rich, complex, unpredictable and constantly shifting between tradition and innovation. Support Mexico: Expected/Unexpected is organized by CIAC with support from Secretaría de Relaciones Exteriores, México, and the Consulado General de México in San Diego and Los Angeles. The exhibition is jointly presented at the Museum of Contemporary Art San Diego (MCASD) and at the Museum of Latin American Art (MOLAA) in Long Beach, California. Related programs at MCASD are supported by grants from The James Irvine Foundation Arts Innovation Fund, the County of San Diego Community
Damian Ortega. Geometria expandida Courtesy © MCASD
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Artista invitado
Davis D
Birks
Puerto Vallarta / México
Preservador de lo desechable
Por / by Edwin Treitler Crítico de arte
avis Birks es un testigo y comentador de las paradojas de la vida. Su carrera artística abarca un cuarto de siglo entre pintura, escultura e instalaciones. Dentro del lenguaje metafórico, Davis confronta al espectador con parábolas, no con respuestas. Su trabajo confía en la filosofía y en premisas éticas traducidas en señas y símbolos, códigos simples que nos piden encontrar la clave. Las herramientas cotidianas son su firma distintiva. Tuercas, pernos, tornillos, alambres; todos ellos se encuentran siempre en algún lugar de su obra de arte. Su fascinación por las herramientas proviene de su juventud, cuando recorría las callejuelas en busca de artículos eléctricos y mecánicos de desecho. Aún ahora rescata los materiales desechables de nuestra era industrial, los revive y recicla; y bajo la rúbrica artística los transforma en metáfora. La actitud imperialista de exploración y conquista (de abrir nuevas puertas pero no de cerrar aquellas por las que otros han pasado) son algunas de las ideas fundamentales de Davis, reafirmadas por él en Deleuze y Guattari en “Capitalismo y esquizofrenia: Anti-Edipo”. Davis Birks persigue la idea de abrazar la expansión, la apertura, la multiplicidad y la proliferación; la exploración heurística basada en el instinto y en el flujo reprimidas por los límites de los axiomas y la lógica. Él ve la red de información ya abrumadora, la aceleración de los hechos y los datos como una oportunidad para explorar todas las facetas de la sociedad y hablar sobre ella.
El plástico, nuestro ubicuo producto cultural disponible, es otra de sus fascinaciones
WHAT YOU WISH Madera pintada y luz de neón, 96 x 80 x 48 cm. 2010
Con diez metros de altura y cinco de ancho, la serie de cables de alambre encadenan una espectacular variedad de juguetes de plástico de color rojo, densamente apilados unos sobre otros. Ningún juguete puede ser eliminado del grupo, sino que deben estar juntos, por lo tanto, cada elemento por separado es relativamente insignificante en relación con el trabajo y junto con los otros juguetes. Esta pieza crea una metáfora tangible y visual de la idea de poder que tienen los números, una inherente fuerza natural, fisiológica, que constantemente talla la historia con ramificaciones positivas y negativas. Otro trabajo dentro de esta muestra es “Lo que desea”, una escalera en miniatura que conduce a una puerta entreabierta iluminada desde atrás en rojo fluorescente. “Ten cuidado con lo que deseas (puede que lo consigas)” es el título completo de esta obra. Con un resplandor rojo detrás de la puerta se cuestiona sobre el peligro de los deseos y los sueños. Lo que hay detrás es siempre desconocido y nuestra sociedad es una sociedad construida sobre los sueños y los deseos de perpetuidad que pone poca atención a los resultados ambientales o psicológicos. Como señala este artista, “los sueños son esenciales para nuestra existencia. Sin embargo, dentro de la cultura occidental, creo que hay una naturaleza falsa en nuestra manera de soñar. Los consideramos como respuestas a nuestros problemas de muchas maneras. Lograr un sueño o una meta específica es por lo general un reconocimiento de nuestro crecimiento como persona, pero cada sueño intrínsecamente lleva consigo nuevos problemas”. LA RED Juguetes de plástico con cable, 10 x 7 m. 2011
Uno de sus trabajos recientes, “Tú y yo”, muestra un par de zapatos de tenis colgados de un cable y con la sangre del artista y las palabras “Tu y Yo” con letras en la parte delantera. La pieza habla de una mayoría de edad, una boda, un nacimiento, o en este caso, los marcadores de las muertes relacionadas con las guerras de pandillas y la distribución de drogas. Pero las palabras “Tú y yo” van más allá del objeto violado, los zapatos están unidos. Tú y yo somos dependientes entre si y lo que te pasa me pasa a mí. Esta es la sutil poesía en la que Davis destaca.
Después de muchos años de actividad en Guadalajara, Birks trasladó su estudio a Puerto Vallarta con la esperanza de influir en la escena local de arte tradicional con ideas más radicales. En 1989 en la Galería Uno, una de las pocas galerías en Puerto Vallarta por aquel entonces, Davis mostró su exposición “Agentes sociales”, que había empezado años antes, pero siguió evolucionando. Este fue un trabajo de cartón laminado con mensajes tallados con la cara de un Faraón. Inspirado por un hombre joven, de clase obrera industrial, los restos de rueda de cartón en una Dentro del lenguaje metafórico, carretilla hacían referencia a los muebles de cartón de Frank Gerry. La idea culminó en una metáfora visual de la jerarquía social y los residuos Davis confronta al espectador con industriales. Muchas de las ideas de Davis fueron desarrolladas durante parábolas, no con respuestas largos períodos de tiempo. El periodo de gestación real de “Agentes sociales” fue de unos 8 años. Sin embargo, Puerto Vallarta no estaba listo para su arte y la reacción de su trabajo fue lenta. La simplicidad en el trabajo de Birks es lo que ayuda a su mensaje. Ya se trate de ironía social o divagaciones metafísicas el trabajo final es trans10 años después en 1999, Davis Birks mostró en la Galería T. Fuller “Au- parente, como en “No tengo nada que ocultar”, una serie de maletas de torretrato # 4”, un trabajo con series de signos que revelan la cara de acrílico transparente, un lugar común en el aeropuerto. Con las palabras Hitler disuelta en el rostro de Jesús mirado desde un punto de vista, y “No tengo nada que ocultar” pegado en el interior, claramente legible viceversa. La “Serie espiral”, con círculos serpenteantes que emanan desde el exterior y traducido a siete idiomas diferentes, Davis explica: hacia el exterior como el interior de los anillos en un árbol, fue otra ofer- “Millones de personas pasan por los aeropuertos todos los días con la ta del conceptualismo de esa galería. La reacción positiva que generó sola idea de ir de un lugar a otro sin ninguna intención de crear tumulto. este espectáculo impulsó a este artista a alojarse en Puerto Vallarta y Sin embargo, hay un pequeño porcentaje de gente que utilizará todos los continuar su trabajo. Los materiales industriales son sagrados para él. medios a su disposición para que este miedo prolifere a través del uso El plástico, nuestro ubicuo producto cultural disponible, es otra de sus de la violencia; un aspecto que simplemente ha sido siempre una parte fascinaciones y lo ha utilizado en muchas de sus obras. de la vida que se manifiesta de manera diferente con cada generación. Me gusta la idea de la maleta transparente, ya que se relaciona bien con La muestra de arte contemporáneo “Red / Rojo” en la Galería Omar nuestra obsesión por crear un mundo transparente, sin rincones oscuros Alonso en Puerto Vallarta, recientemente mostró una de las enormes por el uso de la vigilancia y los rayos X”. instalaciones de plástico de Davis. 18
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169 BALAZOS Puerta de camioneta perforada, 129 x 110 x 20 cm. 2010
En la actualidad el trabajo de Davis Birks en Puerto Vallarta continúa yendo más allá del arte típico de una ciudad turística. Otros artistas se han unido a él en esta búsqueda por alcanzar un arte con contenido social. La explosión del acceso a Internet y una amplia comunidad de creadores internacionales, ha hecho avanzar el arte contemporáneo más allá de las fronteras de la Ciudad de México. La Galería Omar Alonso en Puerto Vallarta presentará, “Red / Rojo”, una muestra contemporánea de artistas de América Latina, Europa, Canadá y los Estados Unidos. El programa incluirá un buen número obras recientes de Davis Birks. La muestra se abre el 18 de febrero con pinturas, esculturas, videos, instalaciones y performance de más de 20 artistas.
CARVED SPIRAL no.15 Grabado en hoja de acrílico, 180 x 180 cm. 2008
Guest artist
Puerto Vallarta / Mexico
Preserver of the Disposable D
avis Birks is a witness and a commentator of the paradoxes of life. His career spans over a quarter century, and his arena of observation includes painting, sculpture, and installations. Weaving metaphor into visual language, Davis confronts the viewer with parables, not answers. His work relies on philosophic and ethical premises translated into signage and symbol, simple codes that require we find the key. Everyday hardware is a distinctive signature of Davis. Nuts, bolts, screws, wire _you will always find these somewhere in a Davis work of art. His fascination with hardware stems from his youth when he scoured the alleyways for discarded electrical and mechanical items. Up to the present Davis still rescues the disposables of our industrial age, revives and recycles, and under the rubric of art transmutes them to metaphor. The Imperialist attitude of exploration and conquest, of opening new doors, but not closing other doors passed through, are some of Davis’ core ideas that were reaffirmed for him in Deleuze and Guattari’s “Capitalism and Schizophrenia: Anti-Oedipus.” Davis pursues the idea of embracing expansion, opening up, multiplicity and proliferation, heuristic exploration based on instinct and flow, not repressed by the limits of axioms and logic. He sees the now overwhelming information network, the acceleration of facts and data as an opportunity for the artist to explore every facet of society and comment upon it. After many active years in Guadalajara Davis moved his studio to Puerto Vallarta hoping to influence the local traditional art scene with more radical ideas. In1989 at Gallery Uno, one of the few galleries in Puerto Vallarta then, Davis exhibited a multiple “Social Servants,” which he had begun years before but continued to evolve. This was a multiple of discarded laminated cardboard posts carved with Pharaoh like faces. Inspired by having seen a young man, the working class industrial server, wheeling cardboard scraps in a hand truck, and with a reference to the cardboard furniture of Frank Gerry. The idea culminated in a visual metaphor of social hierarchy and industrial waste. Many of Davis’ ideas develop over long periods of time. The actual gestation period for “Social Servants” was about 8 years. However, Puerto Vallarta was not ready for his art, and reaction to his work was slow.
TRANSFORMER Aluminio ytubos de PVC, 2.35 x 1.80 x 1.30 m. 1993
knowledgement of our growth as a person, but each dream attained inherently carries with it new problems.“ A recent work, “You and I,” a pair of tennis shoes hung from a cable and spotted with the artist’s blood and the words “Tu y Yo” lettered on each toe front, speaks of the popular street semaphore for a coming of age, a wedding, a But 10 years later in 1999 Davis showed at the T. Fuller Gallery in birth, or in this case, markers for deaths related to gang wars and Puerto Vallarta with “Self Portrait #4” a series of walk through signs drug distribution. But the words “You and I” go beyond the violated that reveal the face of Hitler dissolving into the face of Jesus as you object, for the shoes are tied together. You and I are dependent on pass one way, and visa versa when you passed in reverse. The “Spiral each other, and what happens to you happens to me. This is the Series” with its spontaneous meandering circles emanating outward subtle visual poetry of which Davis excels. like the inner rings on a tree, was another offering of conceptualism for that gallery. The positive reaction to this show gave Davis the Simplicity in Davis` work aids his message. Whether it be social boost to stay in Puerto Vallarta and continue his work. irony or metaphysical meanderings, the final work is transparent, as All industrial materials are sacrosanct for Davis. Plastic, our ubiquitous disposable cultural product, is another fascination for him, and he has used it many of his works. The contemporary art show “Red / Rojo” at the Omar Alonso Gallery in Puerto Vallarta, displayed one of Davis` massive plastic installations. On a 10 meters high and 5 meters wide series of wire cables Davis strung a spectacular variety of red plastic toys, densely stacked on one another. Not one toy can be removed from the group but must hang together; hence, each separate element is relatively insignificant in conjunction with and working together with the other toys. This piece creates a tangible, visual metaphor of the idea of power in numbers, an inherent natural, physiological force that constantly carves history with both positive and negative ramifications.
in “I Have Nothing to Hide,” a series of translucent acrylic suitcase, a commonplace at the airport, with the words “I have nothing to hide” pasted inside, clearly readable from the outside, and translated into seven different languages. Davis explains, “Millions of people pass through airports everyday with just the idea of getting
from one place to the other and have no intention of creating mayhem. Nevertheless, there is a small percentage of those who use whatever means at their disposal to proliferate this fear through the use of violence, an aspect that has simply always been a part of life, manifesting in itself in different ways with each generation. I like the idea of the translucent suitcase because it correlates well with our obsession of creating a transparent world with no dark corners through the use of surveillance and x-rays.”
TRUST ME Versión 2 Acrílico, 45 x 55 x 17 cm. 2010
At present, Davis’ work in Puerto Vallarta continues to explore outside of the usual art encountered in a tourist city. Other artists have joined him in this pursuit of art with social content. The explosion of Internet access, and a wider international creative community, has made contemporary art move beyond the borders of Mexico City.
Another work in the show “What You Wish” is a miniature stairway leading to a half opened door lit from behind in fluorescent red. “Be careful what you wish, (you may get it,)” is the dictum from which this work gets its title. It questions in a red glow behind the door the dangers of wishes and dreams. What lies behind the door is always unknown, and our society is a society built on perpetual dreams and wishes, with little heed to the environmental or psychological results. As Davis points out, “Dreams are essential to our existence. Nevertheless, within Western Culture, I think there is a false nature to how we hold dreams. We consider them as answers to our woes in many ways. Achieving a dream, or specific goal is usually an acSOCIAL SERVANTS Cartón y acero con poliuretano montados sobre montacarga. Cada pieza mide 118 x 65 x 60 cm. 1998 Vista de la instalación Galería Omar Alonso, 2010
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Gallery Omar Alonso in Puerto Vallarta will present, Red/Rojo, a contemporary exhibit drawing on artists from Latin America, Europe, Canada, and the United States. The show will include a number of Davis Birks most recent works. The show opens February 18, with paintings, sculpture, videos, installations and performance art of more than 20 artists.
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Artista invitada
D.F. / MÉXICO
Minerva Cuevas Házlo tu mismo. Guerrilla ontológica
Por / by María Calleguerrero Videoartista / Investigadora en arte actual
¿Es que estamos condenados, los que vivimos el presente, a nunca experimentar la autonomía, a nunca habitar ni por un momento una tierra regulada sólo por la libertad? ¿No nos queda otra opción que la nostalgia del pasado o la nostalgia del futuro? ¿Tendremos que esperar a que la totalidad del mundo sea liberado del control político antes de que uno sólo de nosotros pueda afirmar conocer la libertad? 1 Hakim Bey
H
ace tres años empecé una investigación en busca de creador@s que a mi parecer hacen “arte libertario”, un arte detonador que parte de la insurrección para romper o cuestionar la institucionalización, hackear sistemas, descontextualizar, sabotear, alterar desde la manera como se plantea y se articula el arte para permitir otras formas de relación con el espectador. La manera de percibir el arte o lo estético está ahora en manos de un espectador/actor consciente que se construye en la decisión de acción que éste tome.
Me acerqué a Minerva por estos motivos. Conocí su obra en los muros de la ciudad, en pegatinas en la agenda de alguien, por Internet. Lo primero con lo que la asocié fue con Hakim Bey y sus zonas temporalmente autónomas; sentí un llamado a la desobediencia corporativa, a la desobediencia civil y quise saber más de ella. ¿Qué implicaba para ella el arte, por qué o cómo es que hacer una credencial se convierte en una obra artística?
Minerva Cuevas: “El arte es el ejercicio de la libertad, libertad de observar, de registrar, de hacer, de investigar, libertad que se ha ido sacrificando y abandonando por los supuestos favores del capitalismo, el concepto de autor, de valor comercial, de institucionalización... pero finalmente, a pesar de todo esto, la creatividad es de lo más subversivo que hay, la creatividad detona situaciones” Arte efímero / mural / gráfica / video / acciones / instalaciones/ investigaciones / relecturas / sitios de Internet / manifestaciones / textos. Minerva es fructífera y plural, muchos formatos, soportes, plataformas, lo que importa, a mi parecer, es la estrategia. ANÁLISIS / INVESTIGACIÓN / REACCIÓN Así se entiende Minerva en su hacer. Llega a cada lugar, lo investiga y crea. Cada obra realizada en diferentes partes del mundo nace en el propio contexto. Usa materiales del lugar, trabaja con gente del lugar; construye estrategias que llevan a trayectorias, a recorridos de elementos / objetos/ imágenes relacionados en el ejercicio estético / intelectual en que el espectador esta obligado a ir mas allá de ver.
Un meteorito en Yucatán detona una reflexión sobre el petróleo / explotación / ciencia / arte / ecología / sociedad / domesticación, como es el caso de la Venganza del elefante, 3 una serie montada a través de diapositivas que originalmente fueron hechas para ser usadas “pedagógicaMejor Vida Corp. "Melate" 2000 mente” y que la artista trastoca para presentar una moraleja dislocada. Rótulo y distribución de carteles. México D.F. Están también el “Sismógrafo horizontal para terremotos provocados” Imagen cortesía de MVC y una colección de monedas recordando la esclavitud: “Numismática Asumo que hackear es, en esencia, “una actividad con una fuerte com- Arqueología del capital; además de la instalación sonora “Canciones de ponente de juego, hacer un uso creativo y libre de la tecnología”2. De orden” entre otras, obras que funcionan como dispositivos que hacen ahí que mi investigación sea un registro escrito, en video y audio, que visible la incisión entre naturaleza/tecnología. compone un rompecabezas de preguntas sobre el proceso creativo y 4 que da cuenta del “estar creando en este tiempo”. A partir de una serie Otro ejemplo de su estrategia artística es el proyecto SCOOP, el cual incluyó la producción de una moneda de cambio para usarse en una de entrevistas hago un acompañamiento del proceso creativo en la cotiheladería en Londres. A los días de abrirse el helado se fue acabando dianidad del taller; viéndol@s trabajar, conversando, grabando un poco, quedando como testimonio objetos, libros, e imágenes que remiten a comiendo, conociéndonos, estando. las primeras cooperativas de comienzos del siglo XX. Más adelante la Hablo de “guerrilla ontológica” desde la acción que busca desmontar moneda se fue colando en la economía del barrio al punto de poder comtodos aquellos dispositivos que impiden la posibilidad de las múltiples prar en la panadería u otras tiendas con ellas, planteando así un sistema lógicas. Encuentro en este papel de compiladora de los artistas de mi económico alterno. tiempo, una posibilidad de evidenciar los discursos libertarios, “otras lógicas” que más allá de partir de una obra terminada, en la dinámica Mediante estas obras abiertas, Minerva Cuevas propone un mapa de hecha cotidianidad del oficio artístico, despliegan la mirada y la llevan a relaciones múltiples y directas que describen realidades contundentes obras-acciones que buscan siempre mantenerse abiertas, en movimien- y aparentemente sin conexión. Su percepción aguda nos invita a dislocar to. Al preguntar dónde termina la obra, cuándo es que esto sucede si las la mirada para ampliar o atravesar la realidad. imágenes-códigos se siguen imprimiendo y volviendo a verse; el espíritu libertario del guerriller@ ontológic@ desplaza el discurso del poder, DESAPRENDER / REEDUCARSE / APROPIARSE / SABOTEAR / FALTAR abriendo grietas por donde otras voces, lógicas y maneras de habitar el AL RESPETO / HACKEAR / ALTERAR / ESTRATEGIA / VISIBILIZAR / mundo, se hacen visibles, se construyen, se hacen y surgen zonas libera- RESISTIR / COMPLICIDAD / ACCIÓN das, o se desaparecen por omisión los mecanismos de control. MC: “El ejercicio estético es primordial pero la solución formal de la obra es secundaria, constituye el canal para generar un ejercicio intelectual. 1 www.caosmosis.acracia.net (en español), www.t0.or.at/hakimbey/taz (en inglés). Llegar a la idea o a la investigación que está detrás es un concepto de 2 Cito aquí a Debora Weber-Wulff, profesora de la Escuela Superior para Técnica y belleza más amplio que sigue encajando como parte del arte conceptual; Economía (HTW) de Berlín. la investigación como contenido estético, detonar la idea de justicia o 3 Fragmento extraído del comunicado de prensa para esta exposición “Al recuperar como medio de representación una serie de dispositivos cuyo diseño antecede a la de equilibrio social mediante los canales más directos con los que porevolución industrial, Cuevas señala un momento decisivo en la historia humana en demos percibir la belleza. No se trata de ver o el que el entendimiento de lo social se escindió del entendimiento de la naturaleza, y el concepto de progreso, en tanto organización y distribución de los bienes materia- admirar, es ceder a los detonadores les y espirituales, fue suplantada por el de crecimiento y expansión como fines en sí de la provocación... El arte es el mismos, acompañados de su contraparte, el exterminio, que define las violentas relaciones de poder y competencia del mundo contemporáneo” www.kurimanzutto.com ejercicio intelectual, lo estético es la estrategia”. 4 http://www.whitechapelgallery.org/exhibitions/minerva-cuevas-scoop 20
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"Egalité" 2001 Material impreso. Rennes, Francia
Por eso Minerva no necesita significar lo que hay alrededor sino “hacerlo mover”. La creación como libertad es la posibilidad de existir. La elección de realidad que registra, analiza e investiga es, por mucho, una elección política. Minerva Cuevas: “Todos somos actores políticos, no solamente los intelectuales o los artistas; pero me parece que en tanto el trabajo intelectual se relaciona con la cultura y ésta es parte fundamental de cualquier sociedad, es importante asumirse públicamente como un actor político. Y eso no quiere decir que la obra necesariamente tenga elementos que hagan referencia a lo político, puedes ser pintor abstracto y ser un actor político (…) Cuando la obra es un enunciado moral cerrado, no hay opción más que estar de acuerdo o no, y deja de existir la posibilidad del ejercicio intelectual y entonces se delimita el impacto cultural de ese trabajo o esa obra.... No quiero hacer pensar a nadie lo que pienso, sino proponer un terreno de provocación. El espectador genera los enunciados según sus referencias personales, el filtro final no soy yo, es el espectador.” En los proyectos / obra de Minerva no hay reglas establecidas desde el principio sino una intuición formal que en el recorrido que hace durante la investigación, va construyendo la estrategia que soportará cada pieza. Obras / proyectos abiertas que piden al espectador ser partícipe, hacer conexiones. Si es una galería donde haces un recorrido a través de objetos que dibujan mapas mentales, como le dice Minerva; o si es una oficina donde el espectador tramita un credencial o un recorrido evidenciando el camino natural que hay en el río Bravo (en la frontera mental o legal); no importa, pues cada obra / estrategia queda abierta a su libre lectura, hacia una posible acción dependiendo de cada espectador. Algunos se han apropiado de su trabajo reproduciendo carteles con alteraciones a la identidad de diversas marcas corporativas; como es el caso de “Evian, Eau Minérale naturelle” (Evian, Agua mineral natural), la cual se cambió a “Égalitè , Une Condition Naturelle” (Igualdad, Una condición natural) que fue la consigna que portaron manifestantes en Francia. "Serie Hidrocarburos" (detalle) Exposición: La Venganza del Elefante. 2007 Imagen cortesía de galería Kurimanzutto, México
Guest artist
Inspirando a cómplices anónimos, 10 años después de sus primeras obras Minerva recibe la imagen institucional del INEGI antes de hacerse pública oficialmente para el censo 2010. El objetivo de este guerriller@ ontológic@ es que esta vez se vuelva a alterar la imagen, como cuando Minerva sacó al ciudadano - personaje de la casa con una frase contundente: “SI TIENES CASA PARA EL INEGI CUENTAS, LOS INDIGENTES NO”.
D.F. / Mexico
que sucedieron. En contraste, una característica de MVC es que funciona siempre, todos los días del año en Internet o en sus estancias temporales como oficina en un museo, tal como sucedió en el Museo Tamayo; donde incautos banqueros cayeron en su propio juego al prestar su inmobiliaria para dicha oficina, dejando sólo en la descontextualización de la imagen corporativa (el cerdito) al descubierto.
Sus obras funcionan desde una mecánica libertaria que permite al TODOS PODEMOS RECONOCERNOS COMO ACTORES POLÍTICOS, espectador ser activo / partícipe. Son de libre uso, diseñadas para ser HACER, ACCIÓN, HÁZLO TU MISMO apropiadas, ser acción. Minerva Cuevas: “No estoy buscando generar algo que no es arte con este tipo de estrategias, sino por el contrario, para llegar a ese ejercicio 5 MEJOR VIDA CORP (MCV) “No es caridad, es estrategia” intelectual que deviene arte, necesito estas estrategias, necesito produSobre este proyecto hablaba con Minerva de cómo mucha gente podría cir un video o un mural o un sitio en Internet para llegar a la situación pensar en términos cristianos de actos altruistas llenos de caridad. Esto estética. Cuando surge ese ejercicio intelectual no queda contenido en no es así. MCV es una obra en constante acción que no termina, es una el resultado o el objeto. El arte es esto, el ejercicio estético / intelectual oficina como espacio físico y una plataforma en Internet en la que te dan es este, y si sucede quiere decir que la estrategia estuvo bien planteada, cartas de recomendación y te avalan como persona con credenciales de y hasta ahí me toca a mí” estudiante. También ofrece códigos de barras de las macro-tiendas que Estas acciones son una serie de libertades. Más que un proyecto deterte permiten comprar alimentos a precios más bajos. minado, pues nunca empieza como tal, su trabajo se activa de una nueva Estas acciones, así como dejar en los cajeros automáticos bolsitas con forma y orgánicamente sigue siendo acción / reacción cuando un nuevo semillas de maíz no transgénico, son actos subversivos de conciencia, espectador entra a su página de Internet y la hace suya descargando los códigos de barras o las marcas alteradas, usándolas, creando sus proun modo de meterle un virus al sistema, obra virus, obra insurrección. pios virus. Caminar como un acto político, me dice Minerva; y cuenta del 7 Minerva Cuevas: “El fin es hackear los sistemas de reconocimiento, de camino natural que encontró Cruzando el río Bravo cuando simplemente siguió el camino y desapareció la idea de frontera estando ahí, donde identificación, de validación del mecanismo social capitalista partiendo; se supone está el límite. Simplemente seguir el camino, caminar. por ejemplo, de los mecanismos burocráticos e interviniéndolos... los códigos de barra funcionan porque siguen siendo parte de la solución ¡El arte es acción y contra el miedo desobediencia!
"Monocrome" 2010 Heladería y moneda SCOOP. Imagen cortesía de Whitechapel Gallery, Londres
Do it yourself. Ontological guerrilla T
hree years ago I began an investigation on visual artists who I believe make “libertarian art”, an art that trigger the uprising to break or challenge the institutionalization, hack systems, decontextualise, sabotage, alter it through art practice, so to articulate and allow other forms of relationship with the spectator. The way of perceiving art and the aesthetics is now in the hands of a spectator / actor who is aware about himself through the decision of take an action. I assume that hacking is, essentially, “an activity with a strong game component; is a making free and creative use of technology.” Hence, my research is a written, video and audio register that composes a puzzle of questions about the creative process, a blink into the “being creating at this time.” I talk about “Ontological Guerrilla “ as the action that seeks to remove all devices that prevent the possibility of multiple logical. I find in this role of compiling the artists of my time a chance to demonstrate the libertarian speeches, “other logical” beyond a finished work but made daily in the dynamics of artistic craft. When asked where does the work finishes, we must be aware that the libertarian spirit of the Ontological Guerrilla search to displace the discourse of power by opening cracks through which other voices, logic and ways of inhabiting the world can become visible in a constructed and liberated areas where the default control mechanisms fade out or disappear. I investigated Minerva’s art for these reasons. I knew her on the walls of Mexico City, on stickers on the agenda of someone, online. The first thing that came to my mind was Hakim Bey and his temporary autonomous zones. Suddenly I felt a call to a corporate disobedience, civil disobedience and wanted to know more about this work.
"Serie Hidrocarburos" (detalle) Exposición: La Venganza del Elefante. 2007 Imagen cortesía de galería Kurimanzutto, México
tecnológica, los códigos de barra son tan abstractos que las personas no pueden leerlos, necesitan de una máquina; entonces es por ahí donde es posible sabotear y pasar desapercibido... Es muy disfrutable poder hacerlo, poder infiltrarse, es el placer de la libertad y es contagioso.” En muchos casos, al exhibir proyectos parecidos a “Mejor Vida Corp” en museos o espacios culturales, se muestran registros de actos aislados
Mejor Vida Corp. "Códigos de barras" 1998 Códigos de barras para reducir precios. México D.F. Imagen cortesía de MVC
4 http://www.whitechapelgallery.org/exhibitions/minerva-cuevas-scoop 5 http://www.irational.org/mvc/english.html 6 Acción/instalación presentada en Ballroom, Marfa, Texas. 2010
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Mejor Vida Corp. "Códigos de barras" 1998 Códigos de barras para reducir precios. México D.F. Imagen cortesía de MVC
"Monocrome" 2010 Heladería y moneda SCOOP. Imagen cortesía de Whitechapel Gallery, Londres
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Artista invitado
Héctor de
D.F. / MÉXICO
Anda
Orígenes paralelos
Por / by Guillermo Santamarina Curador
J
usto en el momento que escribo estas palabras escuchó como derrumban un árbol frente a mi casa. Estoy muy molesto, de hecho, estoy invadido de ira. No resulta fácil concentrarme así. Y para poder trabajar y no escuchar tanta pendejada, escucho una pieza extrema de ruido lacerante, vibración estremecedora y presagio satánico… A lo mejor estos brutos se asustan y se largan con su horror a la mierda donde seguramente habitan. … Cuando pregunté qué influía en su obra, Héctor De Anda respondió, “todo”. Todo es influencia en su obra. Todo cuanto distingue en su deambular por la ciudad. Todo lo que en detalle caracteriza y torna peculiar a los materiales del entorno que puede percibir. Todo lo que llame su atención en el tránsito, aquello que estimula su concentración en un absoluto desbordamiento de palpitaciones informes, todo lo que brota del pandemonio super urbano; la energía y su evolución, principio que tutela su proceso de acoplamiento estético.
Cubo en deconstrucción, mixta sobre madera, 225 x 225 x 225 cm.
O el dinamismo devastador operando a la par de todas las reverberaciones de la presencia humana, lastres del progreso. Tal vez, sencillamente, por la carga imprevista, vandálica, de otros quiméricos, la mirada valga de supervisor del caos; también, testigo de equilibrios y sinergia. Tanto las marcas en las láminas utilizadas para el anuncio espectacular como en la apreciación del sublime diseño de un nido, Héctor encuentra materia para su trabajo. El primer ejemplo certifica la nomenclatura industrial que buena parte de sus obras comenta (como lo hicieron distintas pericias del expresionismo abstracto o de la pintura informalista de la Europa de posguerra). También menciona cierto perfil del minimalismo, uno emparentado con la espiritualidad o incluso con la exégesis del pensamiento místico védico, raíz de la meditación Jnana Yoga, camino de la comprensión intelectual.
como caen los enormes troncos de un cedro que según estos vecinos indiferentes …(Escucho a la desgracia, sólo tenía 20 años. Lo están tirando porque sus ramas estorban los cables
Héctor De Anda, De la serie: Orígenes paralelos en color.
Ahora que revuelco la respuesta identifico el imponente surco que la meditación draga en la mirada de quien va de paso, conciente. De quienes como Héctor, exploran la materia del diseño orgánico, la maravilla natural, la celebración usual de la vida y la muerte.
Héctor De Anda, De la serie: Orígenes paralelos en color VI, mixta sobre madera, 24 x 24 cm.
Con tan estupenda gravedad y relación como puede suceder con otra fuente de entusiasmo creativo, aquella de luz pero sobre todo, porque a un vecino el cual no tiene ni tres años viviendo en esta vieja dispuesta en el entorno corriente de una ciudad se revela hoy como un fenómeno desconcertante. La integri- colonia y quien, en por lo menos dos ocasiones, se ha ufanado de su poder sacando una pistola; dad de objetos asociados con la acción humana avalada por la máquina, los arrestos de la naturaleza sobre las le provoca sensación de inseguridad la sombra que en la noche cubre la entrada de sus carros. cosas; corroboran así su poder indócil.
… Viveka (‘discriminación’): la habilidad de diferenciar entre lo que es real/eterno y lo que es irreal/temporal).
El ruido de afuera y el emitido por “Merzbow” desde mis bocinas impide ejercer contundentemente las 6 virtudes: Santa (tranquilidad), Dama (control de los sentidos), Uparati (renuncia al placer), Titiksa (paciencia), Sraddhá (fe ciega), Samadhana (concentración). Shad sampat Santa (tranquilidad) me regresen al “sendero del conocimiento”.
Héctor De Anda, De la serie: Orígenes paralelos en negro. XXV, XXIII, XXI, XIX y XXIV, mixta sobre madera de 48 x 48 cm., 2012.
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Guest artist
D.F. / Mexico
Con respecto a la apreciación de las cualidades de un nido (recodificado por Héctor como un readymade cuyo título es “Tranquilidad”) señala y expande la lógica de lo que ese título abrevia. Aquí encuentro la afinidad con la monumental madeja de acontecimientos que envuelve a varias de las más grandes y entrañables figuras de la cultura contemporánea: índice hacia experiencias como el arte povera. Jalando ese hilo, elocuentemente, De Anda revela vínculos filosóficos con las investigaciones de Merz, Kounellis, Zorio, Pistoletto o Fabró; y de paso, ofrece otras perspectivas sobre la noción del flujo energético que la forma y el diseño de “lo importante” y “lo sublime” determinan.
(‘discriminación’): la habilidad de diferenciar entre lo que es real/eterno y lo que …(Viveka es irreal/temporal).
Así puede identificarse correctamente su paradigma en la búsqueda reiterada de lo real / eterno, significativamente en la complejidad de caracteres singulares que componen cada pieza de un dispositivo común, la medición del infinito.
(Afuera han terminado su idiotez. Encuentro toda esta nueva ventana y luminosidad infame … y vulgar. La música de “Merzbow”, al contrario, ha sido el más noble acompañante de esta circunstancia de muerte. Otra vez, historia recurrente de profanación e impunidad). La marcha –positivamente espiritual- que practica De Anda, podría ser similar a lo que designa el músico La Monte Young con su filosofía (por cierto, influenciada por los mismos parámetros místicos antes apuntados); una noción que fluye con la comprensión de el universo como una vibración o sucesión de ciclos circulantes.
Parece que el grueso de la actividad de Héctor atiende a esta lógica de la discursividad de la energía, similar a la esgrimida por las simultaneidades en el poverismo: para trabajar es necesario invertir tiempo en observar y en segundos pasos, recoger del piso, registrar con una cámara, deducir, aplicar en unidades y extender hasta una negociación límite con el espacio. Su operación artística parte de un punto estrictamente formalizado, económico, que por su derivación consecutiva (o reiteración de “elementos y marcos” constructivos) tiene capacidad de extenderse sin límite, como sucede con otras formas de energía física.
Esa circunstancia ofrece una orientación singular de un presente puro, el devenir de la existencia y con esto, entonces alcanzar lo esencial, el espacio que se abre entre vida y arte. Simultaneidad que guía al desprendimiento del egocentrismo nocivo, el narcisismo a la transformación de la mirada que se va quedando “fija” en el ser utilitario y la expectativa sin cauce real; en sentido inverso a las definiciones, a los deseos impuestos, al hedor de esclavitud. Ese encuentro con la “nada – en - medio”, que como John Cage anunciara, “obliga remover todos los fundamentos.” La mirada honra al deseo. El deseo apunta hacia la cumbre inaccesible (Bataille). Sin embargo, su modelo no trata exactamente la persecución de un proceso monotonal en una misma matriz, El arte como la filosofía es conquista de desacomodo y deriva. sino la observación de la recreación de esa matriz en entidades individuales.
…(Hay más árboles)
Héctor De Anda, De la serie: Orígenes paralelos en negro. mixta sobre madera de 48 x 48 cm., 2012.
Héctor De Anda, De la serie: Orígenes paralelos en color IX, mixta sobre madera, 24 x 24 cm.
Parallel origins A
Héctor De Anda
s I write these words I hear a tree collapsing outside my house. I’m very upset, in fact, I am flooded with rage. It’s not easy to concentrate. So to work and not hear so bullshit I listen a extreme piece of wounding noise, hair-raising vibration, shaking and satanic omen... maybe these brutes scare and make off to hell where they will surely live. ... When asked about his influences, Hector De Anda replies, “everything.” Everything’s influence in his work. All that stands out in his wanderings through the city, every detail that features and makes unique the materials of the reality he can perceive. Everything that catches his attention in traffic. Everything that stimulates his concentration in an absolute overflow of palpitations about what flows from the super urban pandemonium. Everything and consequent; energy and its evolution, a principle that rules the process of his aesthetic. Now that I wallow the response, I identify the impressive groove that meditation dredge in the eyes of the one who goes, conscious. Of those who like Héctor, explore the art of organic design, natural wonder, the usual celebration of life and death.
Héctor De Anda, De la serie: Orígenes paralelos en color IX, mixta sobre madera, 24 x 24 cm.
I hear the fall of a huge cedar log. Indifferent to these neighbors, unfortunately, it was only 20 years they say. They’re pulling its branches because were cloging the power lines but above all, because for a neighbor - who has no 3 years living in this old neighborhood and at least in two occasions has boasted of his power taking a gun - it causes feelings of insecurity in With great seriousness and respect given to any source of creative enthusiasm, that provided in the environment of a city is revealed today as a puzzling phenomenon; the integrity of objects as- the shadow of night covering the entrance to his cars. The outside noise and the one emitsociated with human activities supported by the machine, the arrests of the nature over the things ted by “Merzbow” from my speakers strongly inhibit the 6 purpose of exercising virtue: Santa (quiet), Dama (control of senses), Uparati (renunciation of pleasure), Titiksa (patience), confirm their unruly power or the devastating dynamism operating with all the reverberations of Sraddha (blind faith), Samadhana (concentration). Shad sampat Santa (quiet), I return to the human presence, weights of progress. Perhaps simply by loading unexpected vandalism or other “path of knowledge”. chimerics, the look is worth a supervisor of chaos being witness of balance and synergy. Both in marks on the plates used for the billboard and the appreciation of the sublime design of a nest, Hector finds material for his work. The first example certifies industrial nomenclature that much of his work has, different skills of abstract expressionist or the informal painting in the European postwar. He also evoques certain profile of minimalism, one related to spirituality or even the Vedic exegesis of mystical thought, the root of Jnana Yoga meditation, the path of intellectual understanding.
Through the qualities appreciated in a nest, re-coded by Hector as a readymade titled “Tranquility”, De Anda notes and expands the logic of what that title abbreviates. Here I find an affinity with the monumental tangle of events that involves several of the largest and most beloved figures of contemporary culture: the index into experiences as Arte Povera. Pulling this thread, eloquently, this artist reveals philosophical links with Merz, Kounellis, Zorio, Pistoletto or Fabró; and researchs and incidentally, offers another perspectives on the notion of energy flow determined by the form and the design of “important” and “the sublime”.
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Oaxaca • Puerto Vallarta / México
Artista invitado
Fernando
Sánchez Aceves Sudarios I
Por / by Arte al día México
E
l proyecto “Sudarios I” es una serie de sábanas estampadas en blanco y negro con figuras humanas dormidas. Las estampas fueron realizadas sobre diez juegos de sábanas de algodón en dos tamaños individuales y matrimoniales, así como las respectivas fundas de almohada. Utilizando transfer litográfico, en dichas estampas aparecen imágenes en tamaño natural de personas durmiendo. Para su exhibición estas sábanas se montan sobre camas en espacios públicos cerrados o abiertos.
En el contexto social de la obra, explicita la íntima, inevitable y mutua interdependencia entre el creador como ente inminentemente social y la “responsabilidad” que tiene para con ella. Los teóricos de la conducta colectiva ponen énfasis en las reacciones psicológicas ante el colapso (Cohen y Arato, 2001) como una especie de “despertar”, que de manera natural e instintiva nos instala en la búsqueda de alternativas dentro de lo cual, el arte no ha sido excluido.
Las piezas forman un conjunto tridimensional ordenado por género y por la condición psicosocial de los sujetos retratados. Las medidas de este conjunto son variables y se adaptan de acuerdo al espacio en el que se presenta. Las figuras retratadas son personas escogidas con un perfil específico, el cual incluye las características generales de la población mexicana, rasgos típicos de lo que podemos describir como mestizo mexicano de clase media baja.
El componente sustantivo de este despertar sin duda supera la dicotomía entre arte y realidad social, cuya principal característica es el aparente “consenso” que provoca en todo el mundo; aunque no exento de una visión crítica de la que nunca ha sido desplazado. El arte constituye un diálogo profundo entre el yo creador y el yo crítico o espectador; dos componentes que comparten arte y psicología. Una de las reflexiones importantes es que de manera paradójica, somos una sociedad que vive soñando con un “mejor mañana”, soñamos tan ilimitadamente que frustramos gran parte de nuestras vidas intentando “alcanzar nuestros sueños”. No quiero decir que proponerse metas no sea factible, sino más bien delatar el hecho de la forma en que son moldeados nuestros sueños a escalas inalcanzables debido a que existe todo un mecanismo publicitario que los diseña, convirtiendo el soñar en un mito cercano, siempre a punto de ser parte de la realidad, pero jamás logrando serlo.
En el proyecto “Sudarios I” la proporción natural es un referente inmediato donde podemos vernos en un espejo y donde la gráfica adquiere nuevas lecturas y maneras de interpretar el discurso. En un acto conciente evidencia la forma de permutar en el yo inconciente o en el paisaje onírico que muchas veces rebasa la propia realidad; de ahí que la obra en espacios abiertos está contemplada como intervenciones que conectan al espacio público con el doméstico. 24
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Zacatecas • Oaxaca / México
Artista invitado
ción en las esquinas; aunque también parecen tachaduras, cruces que anulan y sancionan. Estas huellas consuman eficazmente el simulacro de lo que parece fue y no existió. Me refiero al hecho de que en realidad nunca hubo una tela o un papel pintado sobre la pared aunque así parezca por los restos de pintura que enmarcan su presunta ausencia.
Luis
Carrera-Maul
Pinturas horizontales. Ese decir lo indecible… Por Pablo J. Rico
H
ace tiempo que las cuestiones sobre identidad del arte –– ¿Qué es ser artista? ¿Qué es la pintura?, por ejemplo –– no forman parte del repertorio de temas de la crítica artística, de la reflexión estética. La filosofía de la diferencia, y más concretamente el deconstructivismo derridiano, nos liberaron de aquel inútil debate que ocupó a los teóricos críticos durante décadas ––que si esto es o no arte, pintura, etc… “Pintura horizontal” de Luis Carrera-Maul es un brillante y sofisticado ejercicio sobre “lo diferencial” del arte más que sobre “lo propio” de la pintura. Y esto, que por sí mismo ya es reseñable en estos tiempos de indiferenciada generalidad, resulta más que valiente, heroico, al haberse presentado por primera vez en Oaxaca, centro irreductible de la pintura mexicana y en su Museo de los Pintores Oaxaqueños.
Luis ha creado una ficción pictórica excepcionalmente evocadora. Con cintas adhesivas ha diseñado el espacio convencional de un cuadro; ha reforzado su presencia visual con el artificio de marcar sus esquinas, anclarlas virtualmente a la pared. Luego ha pintado fuera del espacio delimitado, ha simulado las huellas de un exceso de pintura que en realidad eran simplemente marcas de territorio. El interior del supuesto cuadro original es puro vacío; su contenido es el silencio mismo de la pintura. Sin embargo la pintura se manifiesta elocuente, habla su propio lenguaje a través del color en su periferia; ajena, externa a su convencional función como modo de hacer o representar. La única pintura original es pues la mural que interpreta magistralmente la ficción de una ausencia. El marco virtual, es decir la pintura residual, centra y focaliza nuestra atención sobre este espacio vacío, una pantalla sorda y muda sobre la que proyectar nuestras ideas y pensamientos. En “Pintura horizontal” hay múltiples reconocimientos y reinterpretaciones, más que cleptomanía artística o apropiacionismo irónico como estamos acostumbrados a ver y padecer en ferias y exposiciones de todo tipo. Hay reconocimientos y también contigüidades formales y/o conceptuales dignas de destacar; por ejemplo con los “Nouveaux réalistes”, a los que antes me he referido. Advierto en Luis un parecido espíritu de “reciclado poético” de la realidad que la que propugnaban los integrantes del grupo y proclamaba Pierre Restany. Pero no se trata de reciclaje de objetos industriales, residuos urbanos o carteles publicitarios de las calles parisinas, sino de cosas más cercanas, del mundo del arte en particular. En primer lugar sus propias obras, dibujos y experimentos plásticos ya superados; libros y revistas de arte, carteles y otras publicaciones, partituras de música, imágenes de arquitectura racionalista, modelos constructi-
Luis Carrera-Maul es un joven e inteligente artista mexicano formado en Europa —Barcelona y Berlín— con sólidos conocimientos artísticos, filosóficos y científicos; sus propuestas conceptuales y prácticas artísticas así lo atestiguan. En el pasado año fue “artista residente” en La Curtiduría de Oaxaca; “Pintura horizontal” es el resumen de su trabajo allí, sus reflexiones sobre “el hacer” artístico en la “postcontemporaneidad”, las necesarias estrategias diferenciales de un artista que no se siente ni determinado por su origen nacional ni por la falsa demagogia de un arte presuntamente universal, “globalizado”.
En muchos aspectos el arte actual es continuador de las estrategias de la diferencia propuestas por Jacques Derrida. Las prácticas artísticas postcontemporáneas son un buen ejemplo de diferenciación: “ni es esto ni aquello” — sin tener por ello que proponer un tercer término que solucione el conflicto. Derrida señalaba al respecto que debemos aprender a escribir “a dos manos”. Con una se respetaría el juego de los conceptos binarios, los modos propios del pensamiento racional de nuestro mundo, y con la otra se “finge” respetar a través de una máscara (en sentido nietzscheano), hasta que se le borra, desplaza, desliza “hasta su extinción y su clausura”, poniendo en jaque la supuesta unidad de sentido que subyace en cada configuración conceptual Carrera-Maul pinta sin pintar en el sentido tradicional y convencional determinada. del término. Lo hacen en unos casos sus péndulos, mecanismos hasta cierto punto aleatorios o controlados, lo hace mediante operaciones “a- Esto es lo que hace Luis Carrera-Maul con sus obras. artísticas” de reciclado poético: la compresión de carteles y revistas, el Por una parte utiliza los procedimientos y las refereciclaje de obras suyas anteriores, su “empaquetado” y re ensamblaje, rencias formales, conceptuales, que le proporciona o mediante estarcidos, imprimaciones, goteos y corrimientos en los que el arte contemporáneo, el arte en general, la misma la huella, la marca intencional, ocupan el lugar antes privilegiado de la historia de la pintura; y por otra las enmascara con pincelada. Sus procedimientos nos recuerdan algunos ejemplos singula- nuevas simulaciones, desplazamientos, intervenres del arte contemporáneo, como los utilizados por los integrantes del ciones “heterodoxas”, hasta borrar cualquier tipo de Nouveau Réalisme –César, Arman, Tinguely, Christo, Yves Klein, Hains, determinismo y sus principios identitarios. En cada Dufrêne–, o algunos miembros de Fluxus, o tienen que ver con algunas una de sus obras Luis dice simultánea y sucesivaideas seminales de Yoko Ono, Rebecca Horn o Marina Abramovic, entre mente: “esto es pintura y aquello también”. otros. Luis Carrera-Maul es un digno heredero de Duchamp como lo es Quizá donde Luis Carrera-Maul mejor significa vide Jackson Pollock, acaso su mestizaje perfecto. Pintar con la cabeza ya sualmente este “decir sin decir”, o decir lo indecible, no es una utopía… es en “Sin título”, una pintura realizada directamente sobre el muro, un manifiesto visual, un programa Muchos de los procedimientos que utiliza parecen un juego, una manipu- de intenciones; por supuesto algo seminal, fundalación traviesa, poco tienen que ver con la taciturna seriedad en materia- cional ––una viva imagen del “ser-arte”. La interpreles y técnicas del arte tradicional hasta nuestros días. Sus prácticas más to como una exacta fórmula del artefacto artístico; comunes —el collage, el ensamblaje, la pintura “sin pincel ni pintura”, el tan precisa, sencilla y hermosa como la fórmula de dripping, la comprensión, los mecanismos motores, las transferencias la teoría de la relatividad de Albert Einstein: E=mc2, directas, los procesos aleatorios— forman parte sustancial de nuestro ni más ni menos… Vistas generales de la exposición en el Museo de los Pintores Oaxaqueños julio 2010 arsenal de modos de hacer arte desde hace décadas, pero todavía son muy desconocidos por el público en general, cuestionados hasta con A simple vista “Sin título” parece la huella de una pintura, el resto de algo que fue pin- vos, e incluso prácticas artísticas singulares… ––como las cierta agresividad y desprecio, infravalorados. Para tal público de funda- tado sobre el muro, la presencia de una ausencia. Sin duda se trata de una pintura compresiones de César o Chamberlain, las acumulaciones mentalistas la obra de Luis Carrera-Maul es un auténtico repertorio de intencional, al permanecer más allá del acto de pintar el primer original y retirarlo y encapsulados de Arman y Christo, los más recientes de Igprovocaciones. luego. Es la evidencia pues tanto de un acto como de una intención —es decir, es un nasi Aballí, los décollages y procedimientos alternativos a la simulacro… El acto es pintar “vertical”, con pin- publicidad de Dufrène, Hains, La Villeglé, o Mimmo Rotella, tura y utensilios convencionales, con colores las “máquinas artistas” de Rebecca Horn, los performances y medios propios de la práctica general de la de Marina Abramovic, las piezas para compartir de Félix pintura, mediante superposiciones y veladu- González Torres, las “Instructions Paintings” de Yoko Ono, ras que se trasparentan; pero sus intenciones por ejemplo. son otras —las podemos adivinar o reconstruir aproximadamente por las huellas que dejó el Se trata de un reciclaje poético, nada retórico, de objetos artista queriendo o aun sin querer. Interpreto y procesos artísticos con los que Luis Carrera-Maul consque Luis Carrera-Maul quiere hablar sobre arte tituye nuevas realidades artísticas hasta cierto punto y sobre la pintura, sobre su modo de entender “preciosas”, delicadas y elegantes, con una cierta estética el arte, sus contigüidades y antagonismos… sus minimalista, atractivas nada más ver. Pienso que su belleza simulacros. formal es una máscara que oculta (o mejor dicho, disfraza) intenciones más conceptuales que formales, desde luego La sensación de ausencia de la pintura original, nada melancólicas. su desaparición, viene señaladas no sólo por CMYK – (pública) intervenciones públicas durante el período de exposición el perímetro pintado sino sobre todo por las medidas variables huellas de supuestas tiras diagonales de suje2010
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Gestión en las artes
Reapertura de
La Quiñonera
Por / by Fernando Gálvez de Aguinaga Crítico de arte
L
a Quiñonera es un espacio esencial para entender el devenir del arte contemporáneo en México. Muchos accedimos en su jardín de lava volcánica a verdaderos eventos iniciáticos, yo por ejemplo, nunca había presenciado performances o instalaciones en vivo cuando tuve la oportunidad de verlas ahí. Eran los años ochenta, creo que fue en tercero de secundaria, en 1985, cuando asistí a una fiesta en la Quiñonera. Mi escuela quedaba cerca y los artistas que vivían con los Quiñones y los que se sumaban a las fiestas y eventos culturales, eran casi todos de prepas privadas pero “activas” como el Colegio Madrid, el CAF, el Hermanos Revueltas y otros. Muy pronto las fiestas empezaron a poblarse de obras de arte y el sonido fue haciéndose vivo, con tocadas de incipientes grupos de rock, varios de los cuales serían después los más importantes de la escena nacional: Santa Sabina, Maldita Vecindad, Los Caifanes, creo que hasta Café Tacuba. Las grandes tocadas de Rock no eran permitidas en espacios públicos en el DF, era difícil acceder a espacios que le diesen lugar a la música y los bailes de los jóvenes, y lo mismo sucedía con los museos y centros culturales, estaban anquilosados en fera que se lograba en esas tardes que todos bailaban, se besaban, oían maneras de hacer arte que ya no respondían a todas las necesidades rock, miraban esculturas paradas entre cactus, textiles colgando de los del ámbito cultural. ahuehuetes, pinturas sobre los muros, perfomances que salían como un chorro de sangre desde la entrada octagonal de la casa; una arquitectuAunque ya se habían dado movimientos como el de Los Grupos, era difí- ra fantástica, voces que empezaban a buscar palabras para expresar las cil encontrar información sobre su quehacer. Hoy día sigue siendo difícil nuevas formas de arte que se manifestaban frente a todos. encontrar bibliografía sobre lo que había sucedido en SUMA, PROCESO PENTÁGONO, MIRA o cualquiera de los otros colectivos. Pero La Quiño- Una gran exposición de cerámica se realizó por vez primera aquí, en La nera no fue un espacio con una línea curatorial cerrada a una tendencia Quiñonera. A pesar de la gran tradición de alfareros y ceramistas que tiedel arte, por el contrario, inclusive cuando empezó a operar con la cu- ne México, no se le daba seguimiento al arte actual del barro. Así pues, raduría de Rubén Bautista en 1988, las exposiciones siguieron tenien- se daba lugar al happening y el performance, pero también a la cerámido un espíritu muy libre y el espacio se convirtió en un mirador para lo ca y el textil. Ambos convivían sin problemas, la instalación y la pintura, que estaba sucediendo en el arte mexicano. Se incorporaron nombres los maestros y los alumnos, los artistas de varias generaciones. ya muy consagrados y de corrientes artísticas y estilos muy distintos; ahí expuso desde Francisco Toledo hasta Helen Escobedo, desde Gabriel Luego de sus reverberaciones, el ámbito cultural construyó muchas Macotela hasta Germán Venegas, desde Diego Toledo hasta los propios otras maneras de espacios culturales y comerciales autogestionados hermanos Quiñones. por los creadores: El Salón de los Aztecas de Aldo Flores y sus eventos vitales como la toma del Balmori, los espacios de Adolfo Patiño y después Zona, Temístocles y La Panadería entre los más importantes. Hoy La Quiñonera abre sus puertas nuevamente cuando la ciudad de México requiere un espacio donde confluyan las diversas tendencias para discutir y para generar ideas comunes y contrarias. Hacen falta espacios con aquella vitalidad en que se puedan volver los eventos una licuadora de generaciones y apuestas creativas. La primer exposición de la nueva época fue de Manolo Cocho y se realizó en alianza con el Salón de los Aztecas y bajo el apoyo En las fiestas todos enseñaban del empresario Luis Vázquez y parte de su trabajo la Galería Ethra. Fue una muestra en la que el artista mostró desde escultura, hasta registro fotográfico y en vídeo de instalaciones de land art en diversos parajes naturales del mundo; desde pinturas abstractas y paisajes hasta grandes móviles escultóricos e instalaciones. Las salas de exposición de la casa se renovaron y profesionalizaron. El viejo auditorio donde los monstruos del rock mexicano hicieron brincar a nuestra generación volvió a llenarse de jóvenes y un grupo nuevo llamado Devian llenó de canciones la noche de su reapertura.
Héctor y Néstor Quiñones abrieron su casa espontáneamente, hicieron una especie de comuna en la que vivían con Claudia y Taka Hernández, con Manolo Cocho, con Tomás Gleason, con Diego Toledo y Mónica Castillo. Algunos artistas residían ahí, otros rentaban para hacer sus talleres. En las fiestas todos enseñaban parte de su trabajo o mejor, realizaban piezas ex profeso para el evento. También hubo cineastas, críticos de arte, teatreros y músicos muy vinculados al espacio, tanto en los momentos públicos como en la cotidianidad interna; cargada de discusiones y prácticas artísticas, políticas y antropológicas. Todo el tiempo En diciembre del año pasado inició un ciclo de exposiciones en el que pasaban cosas. Néstor Quiñones y Héctor invitan a dos artistas, uno consagrado y otro más joven a confrontar su obra, en este caso fueron Germán Venegas y En una reciente entrevista que Gabriel Orozco le hace a Doctor Lakra, Alfonso Zárate. El virtuosismo expresionista de las tallas de madera de este último confiesa que ahí fue dónde aprendió a tatuar, pero eso es Venegas y sus pinturas descarnadas. El conceptualismo antropológico como decir que ahí aprendió las bases de lo que hoy es su arte. Algunos de Alfonso Zárate. Las obras y sus reflexiones sobre el México y el muncreen que el mismo Gabriel Orozco realizó ahí sus primeras instalaciones do actual se veían de forma inmejorable en el espacio renovado de La y creen recordar la fuente vacía del jardín llenándose por las bugambilias Quiñonera. caídas, haciendo un agua púrpura en un gesto muy orozquiano como las mesas con arena y otros. Así pues, el espacio era propiciatorio de expe- Muy pronto este centro va a ser riencias para los artistas y para los que éramos público o mejor, para nuevamente un referente para la quienes vivíamos la experiencia. Puedo decir que en mi caso fue funda- actualidad cultural, su extravagante mental para mi formación como crítico de arte y curador. Desde enton- historia como el único centro cultural ces sé que me gustan los espacios abiertos, los que son generadores de dirigido por adolescentes que se haya ideas y movimientos imaginativos y que no se casan con una corriente dado en México, permitió la libertada exclusiva. Recuerdo que lo mismo encontrábamos un texto de Carlos creativa e imaginativa a quienes lo Monsiváis como texto de sala y catálogo, que una curaduría y texto de vivimos, pero el de hoy, será con ese Guillermo Santamarina, aquí la confluencia y el cruce de caminos era na- pasado como catapulta, un nuevo tural. Así como este jardín de lava prodigioso tiene dos cenotes, dos ojos disparadero de ideas y expresiones. de agua gemelos, así también era fertilizante como manantial la atmós26
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Reopening of La Quiñonera
D.F. / México
T
o understand the evolution of contemporary art in Mexico, “La Quiñonera” is an essential cultural and artistic reference. For many of us a lot of what happened in its garden was a truthful initiation. I had never seen live performances or installations until I had the opportunity to see them there; it was the 80’s and I was at ninth grade when I attended a party at La Quiñonera. My school was close to it and almost all who attended to the festivities and cultural events, including artists, studied at private “active” high schools as the Colegio Madrid, the CAF, the Hermanos Revueltas and others. Things were happening there all time. In a recent interview that Gabriel Orozco makes to Doctor Lakra, the latter admits that was at La Quiñonera where he learned to tattoo, but that’s like saying that there he learned the basics of what is now is his art. Some believe that even Gabriel Orozco made his first facilities there and use to remember the empty fountain garden bougainvillea filled by fall, making a purple water gesture like those made by Orozco through tables with sand and some other pieces. Thus, the space was mercy of experiences for artists and for those who lived the experience. I can say that in my case it was instrumental in my development as an art critic and curator. Since then I know that I like spaces which are generating imaginative ideas and movements that do not marry an exclusive outlet. I remember the same could find a text by Carlos Monsivais as text and catalog room, a curated and text by Guillermo Santamarina, here the confluence and was a natural crossroads. Just as the prodigious lava garden has two cenotes, two twin springs and spring fertilizer and was also the atmosphere that was achieved on those afternoons we all danced, they kissed, they heard rock, looked stops between cactus sculptures, textiles hanging the ahuhuetes, paintings on the walls, performances that came like a gush of blood from the octagonal entrance of the house, fantastic architecture, voices began to find words to express new forms of art that are demonstrating in front of everyone. Despite the great pottery and ceramics tradition in Mexico, none space had made an exhibition about these artistic disciplines. The first time a major exhibition about contemporary ceramics took place at La Quiñonera. Thus, here arose the happening and performance but also the ceramics and textiles. In this place all art disciplines lived trouble free between teachers and students, artists from several generations. Its reverberations in the cultural scene took many other ways of cultural and commercial self-managed by the creators: Salón des Aztecas of Aldo Flores and actions they did like taking the Balmori building or Adolfo Patiño spaces and after him Zona, Temístocles and La Panadería as the most important. Nowadays La Quiñonera reopened its doors when the Mexico City requires a place where the various trends converge to generate and discuss common and contrary ideas. There’s a needing of spaces with the necessary to turn into a blender of different generations of artists. In December 2010, La Quiñonera began a series of exhibitions in which Nestor and Héctor Quiñones invite two artists: a master and a young that confront his work, in this case were German Venegas and Alfonso Zarate. With wood carvings and paintings, the virtuous expressionism of Venegas has its contrast with the anthropological conceptualism of Alfonso Zarate. These works and thoughts happen at La Quiñonera as a reflection about Mexico’s and world’s reality. In a short time this place will again become a cultural reference. Its flamboyant history as the only cultural center run by teenagers that have existed in Mexico allowed an imaginative and creative freedom for those who lived the experience. Today, with this past as a springboard, it will be a new shooter of ideas and expressions.
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Morelia / México
Bienal Nacional de Pintura y Grabado
Alfredo Zalce
Por / by Iván Sanchezblas Editor y periodista cultural
O
los mejores ejemplos de la tendencia romántica francesa de finales del siglo XIX en Morelia. En 1971, el Gobierno del Estado adquiere la propiedad para utilizarla como Galería de Arte Contemporáneo, fundada y dirigida por el Lic. Manuel Aguilar de la Torre, Jefe del Departamento de Promoción Cultural del Gobierno del Estado. El espacio abre sus puertas por primera vez el 30 de Septiembre de 1971, exhibiendo obras de arte cinético, escultura y fotografía. Eventualmente, se integra al Instituto Iniciada en 1997 por la iniciativa del entonces Instituto Michoacano de Michoacano de Cultura (IMC), hoy Secretaría de Cultura del Estado de Cultura (IMC), esta bienal rinde homenaje al artista michoacano más Michoacán (SECUM). prolífico e importante del siglo XX, Alfredo Zalce Torres. La relevancia de este certamen radica en la amplia respuesta de la comunidad artística La primera recopilación de obras exhibidas fue posible gracias al apoyo local y nacional, desde varios estados de la República, variada en género, del Gobierno del Estado y al Lic. Manuel Aguilar de la Torre, quien por sus relaciones de amistad con artistas locales, nacionales e internacioedades y trayectorias artísticas. nales las consiguió como préstamo o donación, destacando las piezas Esta bienal compone un panorama actual del arte contemporáneo en de Jesús Escalera, Luis Sahagún, Feliciano Béjar, Valetta, Yolanda Savín, México representado en una diversidad de propuestas, técnicas y estilos Irene Becerril, Leopoldo Estrada, Fitzia, Luis Torreblanca, Loraine Pinto, artísticos vigentes que sitúan al Estado de Michoacán como un motor Rian Lazo, Arturo García Bustos, Ayaco Tsuru, Tossia Malamud y María de la identidad artística nacional al permitir y apoyar la visualización de Teresa Toral, entre otros. la producción artística actual. La “Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce” en su edición 2007, logra su consolidación a nivel nacional Posteriormente en 1972, la “Galería de Arte Contemporáneo” cambia itinerando fuera de Michoacán la exposición colectiva conformada por su nombre al de “Museo de Arte Contemporáneo”. A finales de 1980, las obras que ambas categorías que fueron seleccionadas, así como las el museo cierra por remodelación, reabriendo nuevamente en 1984 que se hicieron acreedoras al premio único de adquisición y las mencio- con una grandiosa exposición de dibujo, pintura, grabado, cerámica, escultura y tapiz del artista michoacano Alfredo Zalce Torres. A partir nes honoríficas. de 1993, el museo lleva el nombre de este gran artista michoacano, por A partir de esta etapa la bienal adquiere un papel fundamental en el otorgamiento del arquitecto Ángel Díaz Cano. sistema cultural nacional sumándose a certámenes como son la Bienal Rufino Tamayo (Arte al día México, Ed. 38, junio 2008), la Bienal Pedro Hoy día el MACAZ cuenta con 8 salas en dos niveles para Coronel en Zacatecas (Arte al día México, Ed. 38, junio 2008) y la Bienal exposiciones temporales, en las que exhibe arte contemMonterrey FEMSA (Arte al día México, Ed. 44, febrero 2010), eventos a poráneo de pintura, grabado, escultura, arte objeto, instalación y multimedia, tanto de reconocidos artistas locales, los que nuestra publicación ha dado seguimiento y cobertura crítica. como nacionales e internacionales. El arte contemporáLas 54 piezas de pintura y 39 de grabado (de una selección de entre neo, literalmente hablando, es el producido en nuestra 1250 obras recibidas desde varios estados de la República) componen época, llamado también arte actual –El concepto de la un panorama actual del arte contemporáneo en México, representado contemporaneidad aplicado al arte, debe ser entendido en una diversidad de propuestas, técnicas y estilos artísticos vigentes. como todo aquel producido desde finales del siglo XVIII En su séptima edición (2009) la Bienal Nacional de Pintura y Grabado hasta nuestros días— Igualmente, presenta por temporaAlfredo Zalce permitió asomarse a lugares, situaciones y efectos de la das, exposiciones temáticas conformadas por obras de la vida cotidiana mediante una revisión y relectura de su entorno social a colección de su acervo. través de la conciencia estética de cada artista. Acervo del museo En pintura, el premio de adquisición ($115,000.00) fue para Luis Carlos Hurtado Hernández, originario de Campeche y radicado en el D.F. En gra- El acervo del Museo de Arte Contemporáneo “Alfredo Zalbado, el premio ($115,000.00) fue para María del Pilar Palacio Sánchez, ce” resguarda una colección de más de 3500 piezas, paoriginaria de Aguascalientes. Igualmente se designaron siete menciones trimonio estatal, conformadas por una variada colección honoríficas para la categoría de Pintura y seis para la de Grabado. La se- de dibujo, pintura, gráfica, escultura, cerámica, fotografía, lección de obras, así como la deliberación de premios y menciones, fue textiles y arte objeto de reconocidos artistas, tanto naciohecha por un Jurado calificador integrado por: Mtra. Argelia Castillo, cu- nales como internacionales. radora residente en Uruapan; Dra. Laura de la Mora Martí, investigadora de la Universidad de Xalapa y el Mtro. Luis Rius Caso, actual Director de Muchas de las obras que conforman este acervo fueron donadas al mula Escuela Superior de Artes Visuales de Mérida y ex Director del Centro seo por sus artistas creadores desde sus inicios como Galería de Arte Nacional de Investigación y Documentación en Artes Plásticas del INBA. Contemporáneo (1971). Destacan principalmente en número, obras de los maestros michoacanos Alfredo Zalce y Efraín Vargas, así como del Para entender la relevancia de esta bienal compartimos con nuestros México-estadounidense Pablo O’Higgins. Se cuenta también con una lectores el contexto desde el cual surge, sus características, proyección importante colección de piezas de los más renombrados integrantes y repercusiones; para de este modo visualizar la solidez de su propuesta del Taller de Gráfica Popular (TGP), como Leopoldo Méndez, Mariana Yampolsky, Andrea Gómez, Ángel Bracho, Celia Calderón, Fanny Rabel, de cara a la celebración de su siguiente edición este año. Fernando Castro Pacheco, Luis Arenal y Raúl Anguiano entre otros. Y desde luego del propio Alfredo Zalce, quien fuera uno de los principales MACAZ miembros fundadores. El Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce como organizador de esta bienal, tiene prioridad en ofrecer una amplia visión del arte de nues- Figuran entre otras no menos importantes las obras de José Guadalupe tro país y vincular al público con las nuevas vertientes artísticas, contri- Posada, Manuel Manilla, David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera, José Clemente Orozco, José Luis Cuevas, Vicente Rojo, Pedro Banda, Heriberto buyendo a ampliar sus criterios de apreciación y reflexión. Juárez, Luis Plomares, Octavio Bajonero, Francisco Huazo, Javier Cruz, La historia del inmueble que hoy alberga al museo data del año 1897. Enrique Ortega, Tina Modotti, Joan Miró, Detapless, Rufino Tamayo, Un edificio de dos plantas rodeado completamente por jardines que ha Mimo Paladino, Juan Manuel de la Rosa, Julio Ruelas y Carlos Gutiérrez pertenecido a varias familias morelianas; el cual destaca como uno de Angulo. rganizada por el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce (MACAZ) la “Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce”, se lleva a cabo ininterrumpidamente desde hace más de diez años y está dedicada a las manifestaciones plásticas de pintura y grabado realizadas por artistas tanto mexicanos como extranjeros residentes en nuestro país.
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PREMIO ÚNICO DE ADQUISICIÓN 2009 / CATEGORÍA PINTURA Luis Carlos Hurtado Hernández (Campeche, Campeche / México, Distrito Federal) Accidente en Xola y Uxmal, 2009 , Óleo / papel
A partir de entonces, la colección se ha incrementado cada año gracias a las constantes donaciones de artistas que exhibieron su obra y continúan haciéndolo en las salas del hoy MACAZ. De igual modo, el acervo se nutre de los diferentes concursos y bienales organizados por la hoy Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de Michoacán a través de sus diferentes dependencias culturales y/o museísticas. Las piezas que resultan ganadoras son adquiridas –premio de adquisición– y pasan a formar parte del acervo que resguarda este museo. Otras tantas piezas forman parte del acervo a través del programa “Pago en especie”, una opción del Sistema de Administración Tributaria (SAT), antes Secretaría de Hacienda y Crédito Público, que permite a instituciones y/o artistas el cumplimiento del pago de sus impuestos mediante la entrega de obras; quedando así cubierta su responsabilidad fiscal con el gobierno. Las piezas así recibidas se integran a la colección del MACAZ en calidad de comodato.
PREMIO ÚNICO DE ADQUISICIÓN 2009 / CATEGORÍA GRABADO María del Pilar Palacio Sánchez (Aguascalientes, Aguascalientes) UNO… (De la serie: Vigilas desde este cuarto donde la sombra temible es la tuya) 2009, Aguatinta, aguafuerte y ruleta. P/A
ALFREDO ZALCE TORRES (1908-2003) Uno de los grandes artistas mexicanos del siglo XX a la par de los maestros Rivera, Orozco, Siqueiros, Tamayo. Fundador de la Escuela de Pintura y Escultura, en Taxco, Guerrero (1930); sus temas más recurrentes fueron los paisajes, mercados rurales, mujeres indígenas y animales de la región. Enseñó dibujo en las primarias de la Secretaría de Educación (1932-1935) y fue activista de las Misiones Culturales (1936-1940). Fue miembro de la LEAR (Liga de Escritores Artistas Revolucionarios) y del Taller de la Gráfica Popular. En 1950 traslada su taller a la ciudad de Morelia, en la que residió hasta su muerte. Fue Director de la Escuela Popular de Bellas Artes (EPBA) de Morelia, auspiciada por la UMSNH y el INBA. Sus obras en óleo, acrílico, acuarela, batik, monotipo, grabado, tapiz, duco, joyería, cerámica y escultura; han sido expuestas y forman parte de colecciones en diferentes museos e instituciones, tanto nacionales como internacionales. Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce (MACAZ) www.cultura.michoacan.gob.mx
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Gestión en las artes
Oaxaca / México
Tres formas de recrear un mismo ámbito
Fulgencio Lazo, Hugo Tovar y Rosendo Pinacho
T
res artistas de la Galería Noel Cayetano Arte Contemporáneo han expuesto su obra en el Museo de los Pintores Oaxaqueños (MUPO) desde finales de 2010 hasta el primer mes de 2011. Fulgencio Lazo, Rosendo Pérez Pinacho y Hugo Tovar presentaron “Gozona”, “Reflejos de Luz y Arena” y “Andurriales mixtos”, respectivamente, en las salas de esa institución. Dado que son artistas cuya trayectoria viene definiéndose desde hace más de una década, el resultado de su reunión en un solo espacio es sugestivo. En más de un momento, induce a reconsiderar el curso de las artes en Oaxaca.
por/by Jorge Pech Casanova Crítico de arte
Pero las efigies de Rosendo Pérez Pinacho impelen, no al temor, sino a la nostalgia. Nostalgia del origen, del rumbo incierto de la existencia, del tiempo perdido y recobrado. En sus lienzos conviven relojes, barcas, ruecas y árboles enraizados en ninguna parte: símbolos del ciclo vital, de los incesantes renacimiento y mutación del mundo. Símbolos de esa sustancia enigmática de la que estamos hechos: el tiempo.
FAUNA DE METAL
“Andurriales mixtos”, es la muestra escultórica con que Hugo Tovar convierte el patio principal y la sala menor del MUPO en la refrescante convivencia con criaturas surgidas de combinar técnicas industriales Rosendo Pérez Pinacho es el más joven de los tres expositores, pues avanzadas con una depurada artesanía. El resultado es regocijante, por nació en la comunidad de Candelaria Loxicha en 1972. Esta población su contundente enunciación estética. se hizo tristemente célebre a raíz de la represión gubernamental contra los indígenas loxichas en 1996. Sin embargo, en las obras que despliega Nacido en 1967 en Tláhuac, en el Distrito Federal, Tovar radica en Oaxaca en el MUPO, el pintor y escultor Pérez Pinacho está muy apartado de las desde hace dos décadas y algunos años más. Es sobre todo escultor y vicisitudes y tragedias de su región. ensamblador, pero la pintura no le es ajena y suele complementar con ella sus piezas tridimensionales: así, esculpe, ensambla y pinta objetos “Reflejos de Luz y Arena”, la muestra de pintura y escultura en cerámica utilitarios que convierte en arte. Sobre todo, recicla los materiales menos llevada al museo por Pérez Pinacho, emana serenidad y un inusitado prestigiosos y los devuelve a la vida cotidiana para fascinar con su osada sentimiento del tiempo, tanto en las piezas pictóricas como en las es- transmutación. cultóricas. Una morosa delectación en celebrar un estado primigenio (y en tratar de resolver un enigma que nos llena de perplejidad), marca las En las piezas de Hugo Tovar predomina una intención lúdica que torna diversas piezas que el pintor y ceramista ha dispuesto en las salas del los desechos industriales y domésticos en una crítica de la sociedad que museo como si hubiese trasladado hasta allí un embarcadero. los produce, y a veces hasta en una respuesta al aparente desahucio de los objetos destinados al basurero. Para la serie “Andurriales mixtos”,, Tovar trabajó en una fábrica de estufas, con cuyos sobrantes de planchas de acero moldeó vacas, perros y figuras fantásticas de configuración humanoide, perruna-vacuna o de reminiscencias caprinas. A estas figuras de acero soldado, el artista las pintó (algunas con temas figurativos y otras con diseños expresionistas abstractos). Finalmente, sometió las efigies al proceso de esmaltado industrial que se emplea en la fábrica. El resultado son esculturas de presencia regocijante, una característica habitual en la obra de Hugo Tovar; además, el esmaltado aporta a las piezas una exquisitez poco frecuente en la producción del artífice defeño-oaxaqueño. La brillantez y tersura de los acabados infunde a los acerados cuerpos gran vivacidad, pues el acero pierde su rigidez y participa del ritmo vivo que el escultor sabe Imágenes cortesía de Galería Noel Cayetano Arte Contemporáneo extraer de sus operaciones de ensamblaje. La figura recurrente de la serie son embarcaciones, pintadas o esculpidas, pero en vez de llevar pescadores o navegantes, estas embarca- Divertida, acogedora, rutilante: la serie escultórica en metal esmaltado ciones se dirigen a evocar un misterio original: el del inicio de la vida. que se reúne en “Andurriales mixtos”,, presenta una nueva faceta del Las piezas en cerámica, particularmente, participan de ese sentimiento quehacer artístico de Hugo Tovar. Una vez más, nos encara con seres sobrecogedor que el artista ha modelado y dibujado con no disimula- vulnerables a las convenciones de una sociedad turbulenta, análogos da obsesión. Ya sea que se trate de modelos de barcas o de singulares a los que vemos por las calles, en nuestras casas y frente al espejo. De columnas talladas, en todas ellas resaltan, en relieve, las efigies de la nueva cuenta, sus esculturas y ensamblajes son la irónica imagen de nofauna marina: pulpos, crustáceos, caracolas, peces, mantarrayas y otras sotros mismos, con debilidades y contradicciones, pero definitivamente, especies abordan los navíos, se adhieren a ellos, entonan con nitidez una vitales. canción que conmueve y causa un ligero estremecimiento. Al mirar estas embarcaciones y columnas esculpidas, es inevitable pensar en las Quizá en Tovar, como en casi todos los artistas recicladores, aliente un criaturas primordiales que describió H. P. Lovecraft en sus narraciones regodeo en evidenciar que su materia prima no responde a las pretende horror materialista. Esos seres estaban en el universo antes que no- siones de nobleza y durabilidad del bronce o el mármol, sino a la sencilla sotros y permanecerán cuando nuestra especie se haya desvanecido, máxima de que nada se crea ni se destruye, ni es ilustre o deleznable según el narrador estadounidense. por sí mismo: sólo adquiere una calidad determinada al transformarse en arte. 28 www. artealdiamexico.com
EL SENTIMIENTO DEL TIEMPO
EVOCACIONES DE UNA TRADICIÓN Como Hugo Tovar, Fulgencio Lazo nació en 1967, pero a diferencia de aquél, Lazo vino al mundo en el istmo de Tehuantepec, en la comunidad de El Paraíso, situada en el límite entre Oaxaca y Veracruz, donde no permaneció por mucho tiempo. La familia del futuro pintor se trasladó muy pronto a la ciudad de Oaxaca, a una pequeña colonia de emigrados de Yalálag, población enclavada en la sierra zapoteca. El niño Fulgencio aprendió allí a vivir y compartir como lo hacen los zapotecos de la sierra. De joven, tuvo la oportunidad de acudir a la Escuela de Bellas Artes, donde comenzó su formación como pintor. En 1990, el artista marchó a Estados Unidos en viaje de estudio, pero las condiciones que halló en ese país lo animaron a permanecer en él. Desde entonces, Lazo mantiene una doble residencia: en el país vecino y en su tierra natal. Las diferentes etapas en la vida de Fulgencio Lazo explican porque su más reciente muestra pictórica está dedicada por entero, y minuciosamente, al sistema de retribuciones comunitarias conocido entre los hablantes de zapoteco como Gwzon, y que los demás oaxaqueños conocen como “Gozona”. Tal es el título de la serie de óleos con que Lazo prácticamente llenó la segunda planta del MUPO, en los cuales recrea detalladamente los aspectos de este sistema de contribuciones comunitarias recíprocas. Esta y otras obras de Lazo constituyen el instrumento simbólico por el cual el artista sostiene su vinculación con su origen social y humano. Así se explica el enorme y detallado esfuerzo que ha realizado para retratar sucintamente a los numerosos protagonistas de ese sistema social que ha dado en llamarse Gozona. A primera vista, sobre los muros del museo, la serie produce una impresión de engañosa uniformidad y simplicidad. El efecto que da la exposición en su conjunto es el de una reunión de cuadros que sólo se diferencian por los colores predominantes en cada uno: cálidos rojos, amarillos luminosos, azules serenos, grises elocuentes, blancos jaspeados. Sin embargo, un examen más detallado permite apreciar los múltiples elementos diferenciantes de cada obra, inscritos con trazo sucinto. Al poner atención en estos aspectos, uno se percata de que no sólo está rodeado por una multitud de cuadros, sino sobre todo por una multitud de personajes que surgen del trasfondo como de entre una bruma. Mediante los colores que aprendió en su experiencia oaxaqueña, el pintor vuelca su nostalgia de un modo de vida muy distante al que lo rodea desde hace dos décadas en la sociedad estadounidense. Su motivo conductor no es el pintoresquismo, sino una honda necesidad de mantener el vínculo con su cultura originaria, con su lengua madre, con los lazos íntimos que se fortalecieron para toda su vida en la pequeña colonia yalalteca donde recibió sus primeras experiencias formativas. El MUPO, para acompañar esta muestra, editó el libro bilingüe “Fulgencio Lazo. Reconstrucción de la memoria”, el cual permite confrontar, mediante una iconografía selecta, su producción precedente con esta nueva serie.
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San Miguel de Allende • -D.F. / México
Gestión en las artes
Galería
Arte A Contemporáneo C en San Miguel de Allende
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n el interior de una casona colonial, ubicada en pleno centro del magnífico San Miguel de Allende Gto., México, cobijada por los portales y las campanas y caminada por miles de viajeros a lo largo de los siglos, se logra la apertura de un espacio en medio del tiempo, que conjuga con la antigua usanza aires nuevos de lo que hoy llamamos Arte Contemporáneo. El objetivo primordial de esta galería Arte Contemporáneo es recuperar el antiguo oficio del galero, del marchante de arte. De aquel que acompaña al artista en sus esfuerzos, en su vida, en su trayectoria. Aquel que apoya al autor, compartiendo sus esfuerzos y aquel que gestiona su obra y lo lleva a exponer, a viajar, a conocer círculos y personas para difundir su obra y compartir sus triunfos. El objetivo es retomar el valor de la galería como impulsora de artistas. El interés de la galería hacia el arte es una relación que no se limita a decorar con ideas, sino que es la síntesis de la capacidad de un artista. Es en donde el arte tiene un foro de expresión. Arte Contemporáneo busca dar oportunidad a los artistas de tener un espacio para promoverse. Proporcionarles una plataforma. Comentar su disAlfonso CHIMAL El caminante óleo sobre tela 150x120 cm. 2010
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Beverley ASHE Somniferum Mixta sobre tela 90x90 cm.
Por / by María García Flores-Chapa
Museo Tamayo Proyección actual
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Por / by José Costa Peuser Editor y periodista cultural
n reciente conversación con Carmen Cuenca sobre la identidad UCSD y Arkheia Centro de Doactual del Museo Tamayo y los proyectos que sucederán bajo su cumentación para las Artes del nueva dirección, Arte al día comparte con nuestros lectores la MUAC – UNAM. En este espacio se busca presentar por una parte, a maestros del Arte Contemporáneo, galardonados y altamente reconocidos, por otra a los posición y ruta actual de esta institución. 2008-2009 Subdirección de muartífices que tiene ya una trayectoria y quizá son poco conocidos, pero José Costa Peuser (JCP): La percepción general sobre el museo es de seo, Centro Cultural Tijuana, (El están-como se dice de los vinos- en su punto. una incertidumbre respecto a la salida de la anterior directora, ¿conti- CUBO) Tijuana BC. Coordinación Curatorial, investigación y profeDe igual manera, se quiere dar oportunidad a artistas emergentes de alta nuarán los proyectos presentados por la gestión anterior? sionalización museística. Produccalidad, que van surgiendo y requieren ese espacio. Conviviendo todos como iguales como creadores con la capacidad sorprendente de produ- Carmen Cuenca (CC): Acepté la dirección de este museo con la idea de ción y ejecución de exposiciones cir “de la nada” algo muy visual, esencias puras de arte, de gracia, de dar continuidad y trabajar con lo ya avanzado. Recibo el Museo Tamayo y catálogos. con un equipo de trabajo de profesionales y un programa en proceso al emoción, de vivencia, de inquietud. que me sumo con entusiasmo para continuar con una importante labor 2006-2008 Subdirección Promoción Cultural, Centro Cultural Arte Contemporáneo responde a los deseos de tres empresarios mexi- de gestión y promoción del arte contemporáneo en México. Tijuana CECUT. Planeación, reescanos. Héctor Gómez, coleccionista de arte, antropólogo etnólogo, curador, diseñador, pero sobre todo inquieto promotor de todo aquello La red de museos a cargo del INBA tiene varios años que está dirigida tructuración institucional y coordique le gusta, que lo anima y apasiona. Elia Leyva, coleccionista de arte, por profesionales en gestión museística, dirección de instituciones de nación para museo y exposiciones economista, empresaria y gastrónoma. Joaquín Piñeiro, artista plástico cultura y curaduría. Durante este tiempo se han formado equipos con CECUT- supervisión museológica experiencia en las diferentes áreas sustantivas de la gestión museística: en la construcción de El CUBO. y curador. 1) curaduría e investigación, 2) exhibición y museografía, 3) educación, Apasionados coleccionistas, hablan con los artistas, quieren saber qué 4) relaciones interinstitucionales de producción, 5) publicaciones y 6) 2003-2005 Co – Directora Ejepiensan, qué reflejan, qué añoran, qué viven. Arte Contemporáneo debe desarrollo institucional (recaudación de fondos y administración públi- cutiva de inSite_05. Proyecto Binacional de Arte Público. Red de conocerlos y mostrarlos, entenderlos y difundirlos. Este es un proyecto ca). colaboración interinstitucional de resultado de la pasión. Pasión por el arte y la pasión del artista. Con esta pasión decidieron construir un lugar de respeto para el arte, una plata- Además de ejecutar y dar forma a un programa que apenas tiene unos arte contemporáneo internacioforma desde donde promocionar a los artistas desplegando una estrate- meses de haberse presentado, busco en mi gestión enriquecer al museo nal en Tijuana- San Diego para la con lo que pueda aportar de mi experiencia. producción de: 26 Intervenciones gia para que ellos se concentren en su trabajo, hacer arte. en el espacio público; exposición Este espacio presenta obras calificadas de grandes artistas, artistas con JCP: El Museo Tamayo es la institución más importante de arte contem- en dos Museos; Ciclo de pláticas, conferencias, simposio y publicatrayectoria y artistas emergentes. De tal modo se invitó a once amigos poráneo en México, ¿hacia dónde va? ciones. con quienes ya se ha compartido el vino y los sueños, los anhelos y las charlas, Jordi Boldó, Vladimir Cora, Irene Dubrovsky, Manuela Generali, CC: El museo se fundó hace 30 años y desde entonces ha sido la instiLuis Granda, Beverley Ashe, Eduardo Beristaín, Alonso Chimal, Joaquín tución de arte contemporáneo que ha contribuido en la formación de 2001-2003 Coordinadora de Progeneraciones de públicos, de investigación y conocimiento sobre arte yectos Binacionales y Comité CuPiñeiro, Esmeralda Torres y Gabriel Vergara. contemporáneo con énfasis en los artistas y las manifestaciones inter- ratorial para las Artes Visuales en el Centro Cultural Tijuana CECUT. Paulatinamente, la casona crecerá en servicios para el arte, áreas de nacionales. actividades, gabinete de dibujo, bodega y zonas de reflexión para que se conozca el estilo del artista y se intercambien opiniones entre pares y En el mundo actual la producción artística contemporánea es diversa, 1997-2001 Co-Directora ejecutiprofanos. Queda pues abierta Arte Contemporáneo como inicio que bus- extensa y fascinante; la realidad local y global del arte es el reto al que va de inSite97 y de inSite2000cará trascender sus muros e ir creciendo, para difundir aquí y en otros nos enfrentamos para definir nuestra labor como museo nacional en un 2001. Arte Público contemporáneo contexto en el que ya no somos los únicos en la ciudad o el país. en la región Tijuana -San Diego. Inespacios, para continuar con la noble labor del galerista. tervenciones en el espacio público, JCP: ¿Cómo se visualiza el Tamayo a nivel internacional? ciclo de pláticas, conferencias y publicaciones. CC: Esta pregunta está muy relacionada con la anterior respuesta. Nuestro nicho de acción a nivel internacional tiene sus fundamentos en la 1994-1997 Agregada Cultural del investigación y producción de exposiciones; así como en la contextuali- Consulado General de México zación de la producción artística internacional con la realidad y contexto en San Diego, California, E.U.A. mexicano. Directora Ejecutiva del Instituto Cultural Mexicano en San Diego. En mi experiencia, el traslado que hice de la ciudad de México a TijuanaSan Diego hace 22 años me permitió ser testigo de una constante movi- 1992-1994 Gerente de museolidad entre las realidades contemporáneas en estos contextos tan diver- grafía y exposiciones del Centro sos: la binacionalidad de la región Tijuana – San Diego y la experiencia Cultural Tijuana CECUT. Coordide trabajo con la producción artística nacional e internacional (a partir nadora del Comité Baja California de comisión de obra y bajo esquemas de residencia); establecieron re- para la participación en inSite94. laciones con la comunidad y la educación desde la periferia permitiendo Proyecto Binacional de Arte Púahora el reencuentro con la realidad de la ciudad de México. blico contemporáneo en la región Tijuana -San Diego. ¿Quién es Carmen Cuenca Carrara? 1989-1992 Directora de la Gale2010 Co-Dirección Ejecutiva inSite. Coordinación curatorial: exposi- ría Carmen Cuenca (socia-propieción Wandering Positión Posición Errante : selecciones del archivo de in- taria) en Tijuana B.C. Site, y de la intervención artística para Arkheia en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC. UNAM. México DF. 1981- 1989 Investigadora y curadora del Museo de San Carlos, 2009-2010 Co - Dirección Ejecutiva inSite. Coordinación para la cata- INBA Ciudad de México. logación y digitalización de Archivo inSite de 1992 a 2010. Coordinación para la donación a San Diego California University, Special Collection curso e impulsar al artista.
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Crítica, opinión y ensayo
D.F. / México
Deconstruyendo la catástrofe Arte, forma y discurso en el E
SITAC IX
l Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo presentó este año “Teoría y Práctica de la Catástrofe”, más un planteamiento discursivo entorno a la noción de la catástrofe que un cerrado contrapunto entre el arte contemporáneo y este tópico. En reiteradas ocasiones Eduardo Abaroa – director de esta edición –, declaró que este evento no sería exclusivamente artístico. A su vez Sol Henaro – asesora invitada - precisó que los coordinadores de las clínicas posteriores al evento son especialistas provenientes de otros campos; de tal modo que en este simposio se desarrolló una aproximación discursiva con la cual se circunscribió y contuvo un concepto tan abierto y complejo como el de la catástrofe.
Por / by Eduardo Egea Investigador en arte y editor www.artgenetic.blogspot.com
zai, árbol al que se le sujeta una vara guía durante su crecimiento cual rígidas técnicas que hoy han sido cambiadas por flexibles y adaptables métodos bio-informáticos como los de las plantas transgénicas. Ante este nuevo panorama el ADN se ha revelado como un“ sistema operativo universal” de los seres vivos; así esta antropóloga se refirió a las escuelas, el psicoanálisis o a la confesión como métodos “analógicos” de transformación humana, instancias que tienen influencia en nosotros a través de rituales lentos y subjetivos sobre entelequias opacas, difícilmente discernibles y delimitables como la mente, el espíritu, el alma, el inconsciente o la psique y las cuales han demostrado ser esquivas a la ciencia. Contrariamente, el ADN es una entelequia transparente, manejable y eficaz; pero la actual está en una era de transición donde a pesar de que somos capaces de modelar nuestros genes, en ningún momento hemos podido transformar a la sociedad y a la historia. Continuamos sin saber si la tecnociencia nos dará la respuesta a preguntas básicas sobre el sujeto: qué somos y qué hacemos en este mundo.
Aún cuando el SITAC IX fue programado a partir de tres temas: 1) Muestrario Provisional de Eventos Catastróficos, 2) Tecnociencia, Desastre y Panacea y 3) La Imaginación Estética frente al Caos; este evento se entiende aquí, más bien, como un planteamiento discursivo en el que se discutieron una serie de ideas filosóficas, científicas, antropológicas, sociales o artísticas más o menos interrelacionadas entorno a la catás- Más allá de la teoría: Arte en vídeo y conversaciones en el SITAC IX trofe. Aunque la mayor parte de lo que se presentó en el simposio tocó frontalPara una mejor comprensión de este simposio asumo de estos tres te- mente el tema de los desastres en relación al arte, existe una situación mas las implicaciones presentes a lo largo del mismo proponiendo en que suele ser común en este tipo de eventos: los ejemplos artísticos que este texto, tres ejes de aproximación que en su conjunto constituyen una se incluyen en las presentaciones no suelen ser más que meras ilustraciones de lo expuesto por los especialistas. La realidad es que se tiende interpretación crítica del evento. a dejar a un lado el sondeo de los procesos formales y de representación del arte y cómo estos aspectos se articulan críticamente con apremianMás allá del arte: Teoría de la catástrofe tes tópicos sociales, científicos, filosóficos, culturales o políticos. Juan Villoro abrió el simposio con un panorama general sobre los desastres y sus implicaciones culturales. Este autor se centró en la lectura de Uno más de los fugaces ejemplos donde se mencionó la interacción su ensayo “Favor de empujar: la puerta abre hacia dentro”, texto donde entre forma y contenido fue cuando Christian Viveros-Fauné preguntó a realizó una rica genealogía de los accidentes: A partir de citas a Paul Vi- Mel Chin si con sus proyectos ha abandonado la exploración formal del rilio, J. G. Ballard, Nassim Nicholas Taleb, el Conde de Lautremont, Primo arte, a lo que este artista, respondió: “No, el aspecto formal puede ser un Levi, Maurice Blanchot, Carlos Monsiváis y refiriéndose a artistas como gran auxiliar en el sentido político del arte”. La siguiente es una selección Teresa Margolles o Enrique Meitinides; Villoro consideró a los acciden- de los distintos enfoques en torno al arte que lograron articularse con el tes como límites parciales que implican la suspensión del tiempo y el devenir temático del evento. espacio, a manera de “energía en inaudito estado de reposo” y donde el carácter único del accidente siempre implica una pérdida, la cual sirve El artista norteamericano Mel Chin no estuvo presente en el simposio; para desechar o realizar modificaciones radicales. Así, los accidentes no sin embargo, esto no fue obstáculo para que a través de una hipotética entrevista se discutiera una obra altamente relevante para el evento: nos enseñan a mejorar, sino simplemente a ser distintos. Después de la devastación que dejó Katrina en Nueva Orleans, Mel Chin Manuel de Landa realizó una descripción del fenómeno expresivo como visitó el sitio en el 2006 e ideó un plan para descontaminarlo de plomo. algo anterior al surgimiento del hombre e inherente a la naturaleza y a los Para obtener recursos, Chin realizó el “Fundred Dollar Bill Project”, en fenómenos catastróficos. Si bien, en términos históricos el surgimiento el que invitó a niños a dibujar billetes de cien dólares llegando a juntar de la palabra hablada ha sido muy reciente, lo es aún más la emergencia 358 283, los cuales fueron recolectados por centros especiales o en las del lenguaje simbólico; el cual nos aleja de la expresividad siendo que la escuelas de los niños. El destino final de este hipotético dinero es su mayor eficacia expresiva se logra cuando una manifestación es lo más presentación al congreso norteamericano para proponer su intercambio intensa posible. De tal modo el concepto de intensidad y los distintos por billetes reales y así dotar de fondos a un programa de descontamigradientes que la caracterizan son una herramienta que nos sirve para nación, el “Operation Paydirt”, con el cual se busca limpiar de plomo a separar a lo simbólico de lo expresivo; y es a través de esta división que Nueva Orleans y otras ciudades del país. podemos devolver a nuestras experiencias artísticas su función expresiva, ya que desde el siglo XX esta cualidad ha perdido fuerza en el arte. Johan Grimonprez presentó su conocida obra “Dial H-I-S-T-O-R-Y” de Para este autor la intensidad se logra cuando nuestras posibilidades 1997, la cual es un documental-ensayo centrado en los secuestros aécreativas y expresivas florecen al máximo, justo en el punto crítico en reos. En ella se realiza una disección de las estrategias con las que los medios de comunicación cooperan con regularidad a esparcir un clima que nos ponemos al borde de la catástrofe. de conspiración y desconfianza; ya que la percepción de la masa se Sarina Basta es una curadora que utilizó en su presentación al mar como retroalimenta con la información mediatizada formando una unidad una metáfora del “no-lugar”. Lo sugerente de esta idea es que articula la donde manipulación y deseo de creer se fusionan. Hace falta solo un propia ignorancia del hombre sobre los océanos y las enormes catástro- hombre que tenga esta idea para que ésta se propague por el mundo. fes que nuestra mano han desatado en sus aguas; o como se afirmó en Michel Blancsubé mencionó durante la conversación con este cineasta esta ponencia: “Actualmente (después de 1940) entendemos cada vez de origen belga una frase de un periodista y que ilustra la actual relación menos al mar”. Sarina hizo referencia a Allan Sekula y describió la abso- que tenemos con los medios: “Me gusta ver la televisión, porque así deluta percepción mediática que tenemos de los mares; habló de la aproxi- duzco lo que ellos quieren que yo no sepa”. Grimonprez se ha referido al mación no racionalista al mar de Matthew Barney y Mark Dion. Barney miedo como “un producto de primera necesidad” donde los terroristas a través de su ambiguo, casi ritual film, “A drawing restraint” y Dion a han remplazado a los escritores al suplir las novelas por el terror; lo cual través de subvertir en su obra los métodos de exploración y clasificación hace que el futuro parezca más posible en la actual era de lo virtual. Ante ésta esquizofrénica situación Hollywood suele adelantarse a la realidad a científica para poder acercarse subjetivamente a la naturaleza. través de un efecto similar al déjà vu, noción presente en los fragmentos Por su parte la antropóloga argentina Paula Sibilia señaló que el futuro que Grimonprez mostró de su obra “Double Take”. de la humanidad parece bloqueado ya que los relatos sobre su porvenir han perdido credibilidad. Sibilia planteó que las dos fuerzas que pueden Superflex es un colectivo danés que más allá de la noción del activisabrir el futuro son o la tecnología o el desastre. Vivimos una época en mo político, contextualiza sus piezas en relación a situaciones, reladonde el estado actual de la tecnociencia ha causado una enorme incer- ciones e ideas políticas. En esta ocasión se proyectó su pieza, “Flooded tidumbre, los medios tradicionales para incidir en los seres humanos y McDonald’s” (2009) en donde una solitaria réplica de uno de los locales la naturaleza han cambiado radicalmente. Esta autora puso de ejemplo de este restaurante se inunda hasta el desastre. Más sugerente fue la métodos “obsoletos”, mecánicos o “analógicos” en la figura de los bon34
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proyección de “The Financial Crisis” (2009), donde un terapeuta en hipnosis nos sumerge en cuatro sesiones (en una de ellas hace que nos creamos el especulador financiero George Soros) para así enfrentar la psicosis posterior a la gran debacle económica del 2008. En plática con Patrick Charpenel este especialista señaló como innovador en Superflex, el que comprometan moral o incluso legalmente a instituciones o inversionistas para el mantenimiento a largo plazo de sus proyectos; ejemplo de ello es su pieza de participación social “Supergas”, la cual es un sistema para la producción de bio-gas a partir de residuos orgánicos iniciada en 1996 - 97, iniciativa que se ha puesto a prueba en sitios como Tanzania, Camboya o Tailandia; y que próximamente se probará en diez zonas de México. La isla de Vieques en Puerto Rico fue utilizada por la naval de los EU para realizar operaciones. Actualmente es una reserva natural, denominación que es usada como pretexto por los marines para no remover la chatarra militar y explosivos que abandonaron. Los puertorriqueños se debaten entre el sometimiento político y las oportunidades económicas que brinda ser una colonia de los Estados Unidos, así, Allora & Calzadilla en su vídeo “Under Discusión” graban al protagonista, Diego, cuando recorre por mar antiguas rutas pesqueras alrededor de la Isla, pero tripulando una mesa vuelta patas para arriba a la que el joven adosó un motor, intervención que transforma al mueble en una metafórica “mesa de discusión”. Minerva Cuevas, la introductora en México de la relación entre arte y activismo, habló de algunas de sus más recientes piezas como MVC Biotech (iniciado en 2001) en su más reciente variante como Proyecto de Biorremediación. Esto dio inició al haber encontrado un artículo de un estudiante canadiense que proponía la descomposición del plástico a través de la acción de bacterias, recurso propuesto por la artista para enfrentar la acumulación de la basura. A partir de obras como ésta, T.J. Demos conversó con Minerva quien asumió su interés por las condiciones de emergencia de los desastres, declarándose escéptica de las campañas de ONGs, como las del Sida o de catástrofes ambientales, ya que fácilmente se vuelven una impuesta moda mediática. Rubén Ortiz-Torres y Felipe Ehrenberg coincidieron en este simposio al hablar del arte producido a raíz del terremoto de 1985 en la Ciudad de México. Ortiz-Torres habló de la arquitectura como desastre físico y social; su primer ejemplo fue la ciudad de Pruitt-Igoe, en San Luis Missouri, ideada por Minoru Yamasaki, el mismo arquitecto del World Trade Center de Nueva Cork. Este innovador complejo de 33 edificios fue un rotundo fracaso ya que se convirtió en foco de pobreza, segregación e inseguridad, teniendo que ser demolido en 1972, menos de veinte años después de su edificación; de aquí Ortiz-Torres pasó al terremoto del 85 y sus efectos en Tlatelolco, mencionando su pintura premiada en el VI Encuentro Nacional de Arte Joven, “El fin de la Modernidad” (1986), la cual describe a una luminaria y edificios sacudiéndose. Todo esto fue corolario para citar el libro de Ignacio Padilla, “Arte y olvido del terremoto”; como ha declarado Padilla en diversas entrevistas: “El temblor del 85 se ha ido olvidando después de que algunos artistas plásticos en su momento lo abordaron (escasamente en la literatura); pero no ha habido relevos visuales que lo continúen perpetuando”. Ortiz-Torres citó artistas como Sergio Toledano (a quien Padilla menciona), además de Susy Bielak y obra reciente de Amor Muñoz. Ehrenberg vía skype realizó una crónica sobre la fundación de “Tepito indómito”, un centro de Enlace y Asistencia, así como la ejecución de obra plástica, fiestas, ofrendas colectivas, etc.; coincidiendo con Padilla en que ni el cine ni el arte han continuado abordando la catástrofe. Julieta González realizó una aproximación al arte desde la perspectiva del desastre social y psicológico. Desde el ángulo de la diáspora, la diseminación de la fronteras políticas y culturales y el desgaste de la oposición entre centro-periferia; citó a Theodor Adorno, crítico del racionalismo como fin último. A partir de la idea de que el desencanto del progreso trae consigo el nacimiento de visiones apocalípticas, González habló de Gustav Metzger, artista y pensador del vínculo entre arte y destrucción. Si bien mencionó de este artista manifiestos, obras o proyectos en los que se articula la ciencia y la destrucción del arte, esta especialista señaló más bien que la renuencia al progreso que hay en la obra de Metzger se encuentra en estrecha relación al haber sido durante su niñez refugiado en Inglaterra de la persecución nazi. Con este ejemplo González analizó el vínculo entre aspectos formales de dos artistas mujeres y las implicaciones políticas y culturales de su
Critic, opinion and essay obra: Por una parte, Gego (Gertrud Goldschmidt) artista de origen alemán que llegó a Venezuela en 1939 huyendo del nazismo, propone una alternativa al progreso moderno a partir de estructuras geométricas que no son rígidas, ni jerárquicas, donde la implosión del espacio, las formas y la humildad de los materiales esta en concordancia con la disposición en el paisaje de los asentamientos irregulares de Caracas. Por otra, Mira Schendel, inmigrante de origen suizo y judío que llegó al Brasil en 1949 huyendo de los nazis, y cuya obra escultórica y dibujística se ha caracterizado por la disolución lineal del lenguaje. En ella utiliza la tipografía para hacer explotar los rígidos significados atribuidos a las palabras; ello en paralelo a la manera en que Max Bense se refería a la autonomía de los componentes del arte.
Deconstructing disaster
Art, form and discourse in SITAC IX
“ “
Theory and Practice of Disaster”, the International Symposium on Contemporary Art Theory (SITAC) celebrated each year in Mexico City introduced in this edition a discusion about the notion of the catastrophe as well as a closed counterpoint between contemporary art and this topic. Repeatedly Eduardo Abaroa - director of SITAC IX - said that this event would not be exclusively artistic. Sol Henaro- guest advisor - said that the coordinators of clinics were specialists from other fields, so that in González mencionó brevemente a Luis Camnitzer, artista nacido en Ale- this symposium has developed in a discursive approach which mania y que ha vivido flotando entre la cultura de este país y la uruguaya. was limited and contained on an open concept so complex as a este conflicto de identidad ante la catástrofe migratoria se expresa poéti- catastrophe.
camente con una frase de este artista: “soy ciudadano de mi memoria”.
A propósito de la exposición “Siqueiros Paisajista” (presentada en el Museum of Latinamerican Art de Long Beach, California), su curadora, Itala Schmelz, hizo referencia al Siqueiros apocalíptico: Desde el probable desencanto de este artista por la promesa comunista y el triunfo del capitalismo, hasta su toma de conciencia de la muerte durante su estancia en la cárcel, Schmelz trazó una genealogía de la visión profética y el espíritu apocalíptico del artista e hizo referencia a su pintura “El fin del Mundo” (1936), obra que ilustra la destrucción total, la más bella de las catástrofes contemplada por el último hombre, quien paradójicamente, tampoco podrá guardar memoria de ella. Un punto crítico Este simposio fue rico en ideas en torno a la catástrofe y sus conceptos afines; no obstante, fue más un evento donde se desarrolló una aproximación general respecto a estos tópicos, que sobre el vínculo entre arte, catástrofe y caos. En el programa del SITAC IX no se integró el discutir la noción de catástrofe e ideas paralelas como proceso formal del arte.
Although the SITAC IX was programmed in three areas: 1) Sample Interim of Catastrophic Events, 2) Technoscience, Disaster and Panacea and 3) the Aesthetic imagination against the Chaos, this event is here meant, rather, as an discoursive approach in which they discussed a range of philosophical, scientific, anthropological, social and artistic environment more or less interrelated to the disaster. For a better understanding of this symposium I assume these three themes and their implications along this paper through three lines of approach that together constitute a critical interpretation of the event. In this English edition have been selected representative excerpts of the original document in Spanish, which includes many more authors. Beyond art: Catastrophe Theory
Juan Villoro opened the symposium with an overview of disasters and cultural implications. Referring to artists such as Teresa and Enrique Margolles Meitinides; Villoro regarded as limits accidents involving partial suspension of time and space, as an “unprecedented power in idle state” and where the uniqueness Si bien Julieta González abordó a Gego o Mira Schendel, pocos fueron of the accident always involves a loss, which serves to dismiss or los especialistas que en algo mencionaron el vínculo entre los procesos make radical changes. Thus, accidents do not teach us to imdel arte y los temas sociales e históricos sobre las catástrofes. Aún cuan- prove, but just to be different.
do se proyectó la pieza de Cyprien Gaillard, “Real Remnants of Fictive Wars, parte II” (2004), no se discutió cómo este artista francés ha sido altamente influido por el concepto de entropía o pérdida de energía, el cual fue desarrollado a su vez por el artista seminal del Land Art, Robert Smithson, creador de cuya obra y pensamiento Eduardo Abaroa es un avezado conocedor.
Manuel de Landa made an expressive description of the phenomenon as something prior to the emergence of man and in the nature and catastrophic events. Although, historically the emergence of spoken word has been very recent, is even more the emergence of symbolic language, which distances us from the expression with the greater efficiency of expression is achieved when a demonstration is the most intense. To this auA lo largo de este texto se ha descrito, por un lado, el cómo algunos espe- thor, the intensity is achieved when our creative and expressive cialistas discutieron las diversas connotaciones culturales de las catás- full bloom, just at the critical point where we get to the brink of trofes; y por el otro, cómo los artistas participantes se dedicaron a hablar disaster.
de sí mismos y de su propuesta teniendo esto por efecto que apenas se establecieran vínculos entre las discusiones sobre el tema del simposio y el arte que se analizó. Este aspecto podía haberse solventado a partir de asumir que el arte y sus procesos están indisolublemente interrelacionados con sus temas.
Sin duda es de celebrarse la realización de un simposio sobre arte que abordó cuestiones socialmente pertinentes e inagotables en Latinoamérica como las catástrofes; sin embargo, en Europa ya se están revisando en la producción de artistas jóvenes, conceptos como forma, representación y su vínculo con las herencias de la modernidad. Por ejemplo están las exposiciones “Making is thinking” (2011), curada por Zoe Gray, “Modernologies” (2010) de Sabine Breitwieser o la cuarta Trienal Tate “Altermodern” (2009) de Nicholas Bourriaud. Al desarrollar temas de reflexión propios, un llamada de atención para los latinoamericanos es la autoexclusión de un diálogo con propuestas teóricas y curatoriales europeas, pues en su retraso y tardío “descubrimiento”, precipitadamente y de malas – tal y como suele suceder debido a nuestro constante desfase –, perdemos la oportunidad de exponer y compartir inquietudes que forman parte integral de nuestros propios intereses, procesos y necesidades visuales, estéticas o creativas.
D.F. / Mexico
For its part, Argentina anthropologist Paula Sibilia said that the future of mankind seems blocked because the stories about his future have lost credibility. This anthropologist noted the schools, psychoanalysis or confession as methods “analog” of human transformation, instances that influence us through slow and subjective rituals on entelechies opaque, hardly discernible and definable as the mind, spirit, the soul, the unconscious or the psyche and which have proved elusive to science. In contrast, DNA is a pipe dream transparent, manageable and effective, but the present is in a transitional era where even though we can shape our genes, we have never been able to transform society and history. Beyond theory: Video art and conversations in SITAC IX Although most of what was presented at the symposium hit head-on disaster issues in relation to art, there is a situation that is often common in these types of events: the examples of art that are included in the presentations do not tend to be more than mere illustrations of the above by specialists. The reality is that it tends to leave aside the formal survey process and representation of art and how these issues are critically pressing topics articulated social, scientific, philosophical, cultural or political.
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One more of the fleeting mention examples where the interaction between form and content was when Christian ViverosFauné asked Mel Chin whether his projects have left the formal exploration of art, he replied: “No, look formal can be a great help in the political sense of art”. The following is a selection of different approaches to artistic proposals whose content was the theme of the event. The American artist Mel Chin was not present at the symposium, but this wasn´t an obstacle to that through a hypothetical interview discussed a work highly relevant to the event: After the devastation of Katrina in New Orleans, Mel Chin visited the site in 2006 and devised a plan for decontamination of lead. For resources, Chin made the “Fundred Dollar Bill Project, which invited children to draw one hundred dollar bills coming to join 358 283, which was collected by special schools or in schools of children. The final destination of this money is hypothetical presentation to the U.S. Congress to propose exchange for real bills and provide funds to a program of decontamination. Johan Grimonprez presented his famous play “Dial HISTORY” 1997, which is a documentary-essay focused on hijackings. It performs a dissection of the strategies that the media regularly cooperate to spread an atmosphere of conspiracy and distrust as the perception of mass media information fed back to form a unit where manipulation and desire to believe merge. It takes just a man who has this idea for it to spread throughout the world. Julieta Gonzalez made an approach to art from the perspective of social and psychological disaster. From the perspective of the Diaspora, the spread of political and cultural boundaries and wear the opposition between center-periphery quoted Theodor Adorno, critical rationalism as the ultimate goal. From the idea that the disenchantment of progress brings the birth of apocalyptic visions, Gonzalez spoke of Gustav Metzger, artist and thinker in the link between art and destruction. Luis Camnitzer was briefly mentioned as an artist born in Germany and has lived floating in the culture of this country and Uruguay. This conflict of identity to the immigration disaster poetically expressed with a quote from this artist: “I am a citizen of my memory.” About the exhibition “Landscape Siqueiros” (presented at the Museum of Latinamerican Art in Long Beach, California), its curator, Itala Schmelz, Siqueiros made reference to the apocalyptic: From the probable disappointment of the artist by the communist promise and triumph of capitalism, to his awareness of death while in prison, Schmelz traced a genealogy of the prophetic vision and the apocalyptic spirit of the artist through different paintings including “The End of the World” (1936), work illustrates the total destruction, the most beautiful of disasters covered by the last man, who ironically, can not save her memory. Critical Point This symposium was rich in ideas about the disaster and its related concepts, however, was more an event where he developed a general approach on these topics that the link between art, catastrophe and chaos. In the IX SITAC program was not integrated to discuss the concept of disaster and parallel ideas of art as formal process. Throughout this text has been described, on one hand, how some experts discussed the different cultural connotations of disasters, and on the other, how the participating artists were devoted to talking about themselves and their proposal. This aspect could have been solved from assuming that art and its processes are inextricably intertwined with their subjects.
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