Arte al dia Mexico Ed58

año 9 / septiembre - octubre / 2012 Arte moderno y contemporáneo edición

MN $55 / USD $6 Cultural and independent journalism

5.8

10,000 ejemplares

Portada: Héctor De Anda

Periodismo cultural e independiente

artealdiamexico.com

• Reporte especial

•Artistas invitados

Nacional Monotipo y pintura

Ma. José ROMERO

Internacional Bienales en Brasil

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Ricardo ATL

Luis GRANDA

Tania CANDIANI

•Crítica opinión y ensayo

Espacios expositivos e 1 industrias culturales

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artealdía • méxico

Editorial 5 . 8 Por / by Iván Sanchezblas

El arte como un motor de desarrollo integral

C

oincido con Ernesto Piedras cuando en nuestra sección Crítica, opinión y ensayo menciona: “Si tenemos buena información podemos aspirar a tener buen análisis para diseñar una política pública y evaluar si lo hicimos bien; si hay una mala política cultural, hay mala gestión de recursos.” Pero en materia de artes visuales, a qué tipo de información es a la que se refiere este autor.

Paralelo a este tipo de estrategias institucionales están aquellas de carácter privado las cuales buscan promover y sustentar a los productores de arte. Ejemplo de ello es el trabajo que hace la galería Aldama Fine Art al compilar artistas bajo un mismo estilo para su comercialización. O bien, el trabajo realizado por el Taller Archivo Gráfico del maestro impresor Felipe Cortés, espacio donde la técnica del monotipo abre su conocimiento para aportarlo a la técnica pictórica pues la construye y la motiva.

Arte al día México en su trayectoria se ha dado a la tarea de construir un marco de referencia para la información especializada que genera el sector profesional del arte en nuestro país.

El resultado, en cada edición ejercemos un modelo editorial basado en tres premisas: 1) oferta artística 2) mercado de arte y 3) perspectiva académica. Bajo estos tres ejes nuestro contenido sistematiza y comparte la pulsión vital de un sector productivo, el sector cultural, que representa el 7% del PIB a nivel nacional.

Esta reflexión devuelve el valor a la obra de arte antes que ésta entre al circuito de su comercialización. La aportación estética de los artistas invitados en esta edición (Héctor De Anda, María José Romero, Luis Granda, Tania Candiani, Ricardo Atl) es tan necesaria reconocerla como su presencia y función dentro de nuestro mercado artístico.Como prueba de ello está Ana Mercedes Hoyos, artista colombiana cuya obra permite entender el proceso de hibridación de la identidad y economía del arte de nuestra región cultural. Su exposición en el Museo de arte de la SHCP ejemplifica el proceso económico del arte proponiendo una En una economía basada en la creatividad, las artes visuales son ejemplo de un proceso identidad visual contemporánea componentes de valor económico, estético, social y cultueconómico cuyo primer eslabón, el que detona todo y sin el cual no existe el proceso eco- ral cuya suma proyecta el valor del arte como un motor de desarrollo integral. nómico del arte, se llama obra. A partir de la misma es que nuestra información construye una identidad visual contemporánea con información que tiene, simultáneamente, compo- Finalmente, a través de nuestras secciones Imperdibles y Sugerencias invitamos a nuesnentes de valor económico, estético, social y cultural simultáneos, cuya suma se traduce tros lectores a ser beneficiarios de este proceso económico y convertirse en consumidores en un motor de desarrollo integral. De ahí la necesidad de construir un marco de referencia culturales de los productos y valores artísticos ofertados por las instituciones tales como para la información especializada que genera el sector y por lo tanto queda preguntarse, galerías y museos en todo el país. ¿qué grado de profesionalización necesitamos en la prensa y los medios, qué recursos de información para transmitir el contenido que genera este pilar del sector cultural en el país?

Art as an engine of integral development

En la presente edición nos interesó ejercer una perspectiva amplia de estas ideas a través de lo escrito, por ejemplo, sobre las bienales de São Paulo o del Mercosur, texto que evidencia como las periferias del arte cada vez están más interconectada regionalmente pero al mismo son cada vez más distantes del resto del mundo; pues son incapaces de rebasar sus restrictivas estrategias y políticas locales; aspecto clave para revelar cómo los artistas han dejado de ser creadores especializados de conocimientos artísticos para devenir en meras In its history, Arte al día Mexico has taken on the task of building a framework for the specialized information generated by the professional arts sector in our country. The result, in each issue we piezas políticas intercambiables.

Otro ejemplo dentro de la economía del arte regional es la gestión de Artpace San Antonio, pionero de las artes visuales en Texas, el cual pone el ejemplo elevando los niveles de la producción del arte contemporáneo experimental y emergente, sin descuidar su atención hacia el arte local. Debido a la alternancia de su programa de residencias artísticas, está al tanto simultáneamente de la obra de 3 artistas de 3 lugares distintos (uno de origen internacional, otro de EUA y un Texano) seleccionados por un curador invitado 4 veces al año.

exercise an editorial model based on three premises: 1) artistic offer 2) art market and 3) academic perspective. Under these three axes our content shares and systematizes the vital pulse of the productive cultural sector, one which accounts for 7% of the national Gross Domestic Product.

In an economy based on creativity, visual arts are an example of an economic process whose first link, the one that detonates everything and without which there is no economic process of art is the artwork. From it our information that builds a contemporary visual identity that has, simultaneously, components of economic, aesthetic, social and cultural whose sum translates visual arts into an engine of social development.

Actualizando el pensamiento Arte al Día MÉXICO Fundador José Costa-Peuser

Director Iván Sanchezblas • director@artealdia.mx Marketing cultural Sofía Llorente • marketing@artealdia.mx Asistente de Dirección Marielle Huttich • info@artealdia.mx Editor asociado Eduardo Egea •editorial@artealdia.mx Webmaster Jacqueline Benitez •webmaster@artealdia.mx Representante MONTERREY Domitila Castañeda • artealdiamty@gmail.com Representante OAXACA Gabriel Mendoza • artealdiaoax@gmail.com Diseño Martín Sánchez Álvarez Distribución: Roberto Romero

Pág. 4 IMPERDIBLES

Pág. 26 / 27 Tania CANDIANI Lo femenino y la expansión del arte por Eduardo Egea

Pág. 6 SUGERENCIAS D.F.

Pág. 16 - 17 GESTIÓN EN LAS ARTES Neofigurativismo, México DF por José Ignacio Aldama

Pág. 9 RESEÑA NACIONAL Ana Mercedes Hoyos. Oro negro por Mireil e Torres

Pag. 19 - 21 Héctor DE ANDA Caminar contando los pasos por Helena Braunstajn

Pág. 28 REPORTE ESPECIAL / Nacional Monotipo y pintura por Ana López Montes

Pág. 10 SUGERENCIAS ESTADOS Pág. 12 CORREDOR NORTE

Pág. 22 - 23 María José ROMERO Transformación y belleza infinita por Karen Huber

Pág. 28 REPORTE ESPECIAL / Internacional Dos bienales: de Sao Paulo a Mercosur por Eduardo Egea

Pág. 14 - 15 GESTIÓN EN LAS ARTES Artpace San Antonio, Texas por Leslie Moody Castro

Pág. 24 / 25 Luis GRANDA Entre líneas por Luis Carlos Emerich

Pág. 29 / 30 CRÍTICA, OPINIÓN Y ENSAYO Espacios expositivos e industrias culturales por Ernesto Piedras

Pág. 26 / 27 Ricardo ATL La nada por Nelson Hernández

Portada Sin título (Who am I?) 2012 De la serie Hipótesis de la conversación © Héctor De Anda

Arte al día México publicación bimestral. Editor responsable: Iván Gregory Antony Sanchezblas Sánchez. No. Certificado de Reserva otorgado por el Instituto nacional del Derecho de Autor: 04-2010-040710354000101. No. Certificado de licitud y contenido: 14810, expedido por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas el 11 de mayo de 2010. Domicilio: Álvaro Obregón 189 - Mezanine, Col. Roma, cp.

06700, México, D.F. Tel. 2876 2854. DISTRIBUCIÓN: Arte al día México A. Obregón 189, col. Roma, DF. IMPRESIÓN: Servicios editoriales ESTAMPA Artes gráficas Priv. de Dr. Márquez 53, Col Doctores. México, D.F.

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I M P E R D I B L E S MARCO Museo de Arte Contemporáneo

Museo de Arte Moderno

X Bienal Monterrey FEMSA Hasta octubre 21

Colectiva Teresa Margolles Surrealismo de mujeres artistas en México y Estados Unidos La Promesa Hasta diciembre Hasta enero 6

Constituida en 1992, la Bienal Monterrey FEMSA se ha consolidado a través de los años como el certamen de artes visuales más importante del país al otorgar más de $600,000.00 pesos en premios. A lo largo de su trayectoria, ha recibido la participación de 8640 artistas con 21 085 obras registradas. La Bienal se ha presentado en distintas sedes en ciudades como Monterrey, Ciudad de México, Chihuahua, Guadalajara, Hermosillo, León, Tijuana y Puebla, siendo apreciada por más de 400 000 personas.

En esta edición de aniversario, la exposición que se presenta en MARCO se encuentra conformada por tres ejes principales: Obras seleccionadas en la X edición; Obras ganadoras de la I a la IX edición, y Sextaniqatsi: desorden habitable, una exposición curada por José Roca que reúne a 11 artistas invitados procedentes de nueve países de América Latina: Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Guatemala, México, Nicaragua, Panamá y Venezuela.

Vista de la Bienal FEMSA en el MARCO de Monterrey. Imagen cortesía de este museo

Imagen cortesía del MAM

Esta exposición es el resultado de la colaboración entre el MAM, Museo de Arte Moderno del INBA de la Ciudad de México y Los Angeles County Museum of Art, LACMA. La muestra ofrece un primer acercamiento a la obra de artistas mujeres residentes en México y Estados Unidos entre las décadas de 1930 y 1970, vinculadas al surrealismo y los procesos transculturales que posibilitaron la creación de piezas artísticas en el continente americano con actitudes y características afines a este movimiento Europeo. Es así que a partir de la propia expresividad de las obras se pretende dar cuenta de las implicaciones surrealistas del arte en América.

Museo Universitario de Arte Contemporáneo

La obra de Teresa Margolles está marcada por su interés en el contexto social y político de México y la forma cómo este determina al individuo. La Promesa se inscribe dentro de un largo proyecto de investigación que la artista inició en Ciudad Juárez años atrás, lugar que con la llegada de las maquiladoras se fue convirtiendo en un centro de reales oportunidades que generó grandes expectativas en miles de migrantes. En los últimos años, las nuevas comunidades que a la par de crear vínculos laborales y económicos, tejieron lazos afectivos y sociales, se vieron directamente afectadas por la crisis económica, el impacto del narcotráfico y la creciente y asoladora ola de violencia que estos fenómenos han generado. El desenraizamiento forzado de las personas y su errancia, son el testimonio de una Promesa inconclusa que se manifiesta a través de miles de casas deshabitadas, abandonadas y vandalizadas que desdibujan el paisaje de una ciudad que anuncia la derrota de un proyecto de país.

Curaduría: Ilene Fort y Teresa Arcq Teresa Margolles. La Promesa, 2012, Imagen cortesía del MUAC

Zuazua y Jardón S/N, Centro www.marco.org.mx

Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N Polanco www.mam.org.mx

Insurgentes Sur 3000 www.muac.unam.mx

Museo de Arte de la SHCP

Museo Tamayo Arte Contemporáneo

MACAY Museo de Arte Contemporáneo

Ana Mercedes Hoyos Oro negro Hasta octubre 14

Rufino Tamayo Tamayo/Trayectos Hasta noviembre de 2012

Ateneo de Yucatán Leonardo Nierman Escultura del tercer milenio Hasta septiembre 30

Esta es una exposición retrospectiva que muestra las diversas maneras en las que el artista oaxaqueño abordó a lo largo de su trayectoria artística algunos temas clásicos de la historia del arte como el paisaje, la naturaleza muerta, el retrato, el desnudo femenino y las escenas de género, así como su incursión en los movimientos indigenista y surrealista. La muestra comprende 60 pinturas, entre las que destacan seis obras inéditas y poco vistas.

La selección tiene un interés temático más que cronológico, el cual busca evidenciar el desarrollo del artista y sus aportaciones estéticas al campo de la pintura a lo largo de siete décadas (1920–1990).

Celebrando junto con el Museo Macay su décimo octavo aniversario, Leonardo Nierman presenta esta gran exposición de quince piezas, conjunto a través del cual se puede constatar la aportación al lenguaje de las tres dimensiones que ha hecho Nierman a lo largo de más de cinco décadas de trabajo. Este universo de formas y volúmenes da paso a la aparición de aves, ángeles, victorias aladas, flamas e instrumentos musicales realizados en múltiples dimensiones. Nierman es un artista mexicano que ha expuesto en más de 100 ocasiones en América, Asia, Australia y Europa.

Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec www.museotamayo.org www.rufino.mx

Pasaje de la Revolución entre 58 y 60 www.macay.org

Ma fruta ata freko, 2006-2012, Óleo sobre lienzo, Tríptico. (detalle)

“Nunca he coincidido con las modas en el arte, la moda y yo siempre hemos estado en lados opuestos; entonces, puedo estar tranquila y segura de que mi obra nunca va a pasar de moda porque, de hecho y afortunadamente, nunca lo ha estado”. Ese es el juego de palabras que pronuncia la artista colombiana Ana Mercedes Hoyos cada vez que habla de su interés en el arte atemporal; es decir, en aquel que perdura por lo que rescata o aporta, mas no por su éxito en el mercado ni por el gusto imperante de un sector del público; probablemente ese sentido de atemporalidad ha permitido que su obra cobre cada vez mayor vigencia. La artista plástica colombiana Ana Mercedes Hoyos explora el comercio de esclavos de África a América con más de 50 obras que exploran la riqueza cultural y valores que estos trajeron hacia América.

La muestra se titula Oro negro, que alude a la forma como se denominó a los esclavos en tiempos de la colonia, pues el comercio de estos hombres resultaba aun más lucrativo que ese metal precioso.

Imagen cortesía del Museo Tamayo Arte Contemporáneo.

Moneda 4, Centro Histórico 4

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Rosa de los vientos, acero inoxidable, 264 x 79 x 70 cm. Imagen cortesía del MACAY

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SUG E R E N C I AS D. F. Museo de Arte Moderno Fernando García Ponce Un impulso constructivo Hasta noviembre 4 Esta exposición de Fernando García Ponce (1933-1987) reúne más de 45 obras entre acuarela, collage, pintura y proyecciones de las construcciones que realizó durante su etapa como arquitecto tanto en Mérida, Yucatán como en la Ciudad de México. En el marco del 25 aniversario de su fallecimiento se rinde homenaje a este pintor abstracto a través de una selección retrospectiva en la que se intentará mostrar cómo en su producción existió un constante diálogo entre disciplinas y prácticas como la pintura, la arquitectura y el collage. Poco se conoce de su producción como arquitecto ya que la mayor parte de sus construcciones fueron residencias particulares, y sus obras de collage, han recibido escasa atención crítica, especialmente si se comparan con las numerosas revisiones que ha tenido su obra pictórica Curaduría: Daniel Garza Usabiaga Paseo de la Reforma y Campo Marte SN Polanco www.mam.org.mx

Composicion sobre Azul, 1981, (imagen cortesía del MAM)

Museo Nacional de Arte Rubén Herrera Trazo y volumen Hasta septiembre 23

Autorretrato Ruben Rerrera, (imagen cortesía del museo)

Museo de la SHCP Luis Argudin Afinidades selectivas Hasta septiembre 23 Hoy, como ayer, Argudín permanece fiel a sí mismo. ¿Acaso nada hay que lo haga cambiar de rumbo narrativo o de valores estéticos? El andamiaje de su lenguaje está ya sólidamente armado en repertorios iconográficos y en panoplias simbólicas que este artista ha ido ensamblando de manera que no podrían haber sido hechas por otro autor. Una exposición de Argudín equivale siempre a una suma, un epítome de la extensa y constante producción de cuadros con que ha certificado su rango en la escena plástica mexicana. La lógica de Argudín articula el amor al canon del retrato y la naturaleza muerta, y la postura del pintor clásico: No sólo por su apego a la figuración o para con argumentos de la historia del arte y la iconografía sacra, sino por la apetencia de lo bello y lo armónico o el desnudo femenino concebido como un paisaje.

La muestra reúne cerca de 70 obras representativas de la producción pictórica y dibujística del maestro Herrera durante su formación académica, su estadía en Italia y posterior retorno a México. Las piezas proceden del Museo “Rubén Herrera” en la ciudad de Saltillo, Coahuila, de la Pinacoteca del Ateneo Fuente de la Universidad Autónoma de Coahuila, y de colecciones privadas, entre sus obras sobresalen retratos, bodegones y bocetos de gran formato.

Calle de Tacuba 8 Centro Histórico www.munal.com.mx

Imagen cortesia del museo de la SCHP

Moneda 4, Centro Histórico Arte Hoy Galería Jorge Yázpik Hasta octubre 18

Galería OMR Rubén Ortiz Torres Retrospectiva en un minuto Hasta mediados de octubre

Ortiz Torres es un artista con un pie firmemente puesto en cada lado de la frontera entre México y Estados Unidos, combina ideas y culturas para crear significados híbridos, permitiéndonos ver el mundo que conocemos desde una perspectiva nueva y diferente. A primera vista sus esculturas y pinturas termo-sensibles parecen aludir simplemente a una versión contemporánea del modernis- Sin Titulo, 1990 Ólep sobre triplay. Cortesía del artista y de Galería OMR, México. mo abstracto, pero detrás de Jorge Yázpik es un reconocido y las múltiples capas de pintura industrial automotriz, se encuentalentoso escultor que nació en tran varios niveles narrativos que crean una nueva aproximación. la Ciudad de México en 1955, ha La estética seductora de sus obras invita al espectador a tocar tenido relevantes exposiciones o a sentarse en ellas, dejando marcas visibles. Como resultado en instituciones como: El MuImagen cortesía de Arte Hoy galería de esta interacción, no solamente las obras cambian físicamenseo de Arte Moderno, el Museo Tamayo, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, el Museo te, también se transforma su espacio y sentido cultural. El rol del de Antropología, INAH, en la Galería José Luis Benlluire, además espectador cambia al de participante, alterando la dinámica de la de la Facultad de Arquitectura de la UNAM y la Universidad Ibero- galería o el museo, donde tradicionalmente se mira pasivamente en lugar de actuar activamente. americana.

En las esculturas que conforman esta exhibición, se observa el equilibrio de los elementos y la unión de los materiales, su espacio, forma y esencia. En su obra se percibe la inmortalidad del vacío y el papel de la materia como contenedor de lo inmaterial. Cada una de las piezas de este artista posee una historia evolutiva a partir de su forma original.

Presidente Carranza 176, Coyoacán www.artehoy.com.mx 6

Plaza Río de Janeiro, 54, col. Roma www.galeriaomr.com

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Galería Eje José Grinberg Canto en la energía del caos Hasta noviembre 30 Esta es una muestra que pone en duda si el nombre de José Grinberg, trascenderá en el tiempo como el afamado arquitecto que ya es, o como el prometedor artista plástico que aquí se manifiesta. En su séptima década de vida, cuando inyecta estridente color a los años, Grinberg se reescribe y renace. Dice que siempre ha pintado, que fue la pintura lo que determinó su ocio cuando las computadoras no habían irrumpido y el talento de un arquitecto se determinaba por la calidad de sus trazos e inventiva. Su formación en Ciudad Universitaria en 1960 validó su vocación, el programa de estudios de Arquitectura de la UNAM se enfocaba en las visiones artísticas de Mies van der Rohe, Frank Lloyd Wright y Le Corbusier; Grinberg pintaba ya desde entonces con pasión. Fue alumno de Arnold Belkin, aprendió a experimentar con técnicas, a dibujar con precisión y a manejar con destreza el color.

Imágenes cortesía de la galería eje

Eje Central Lázaro Cárdenas 425 www.e-j-e.com.mx

Sollano No. 13, Centro

Emilio Said Patrick Pettersson Claire Becker Fernando Pizarro Xochitl Rivera Bradley Narduzzi

COLIMA 179 COL. ROMA ENTRE JALAPA Y ORIZABA www.traeger-pinto.com

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Reseña de exposición

Ciudad de México / México

Ana Mercedes Hoyos Oro negro Museo de SHCP (ago-oct 2012) Por / By Mireille Torres

A

na Mercedes Hoyos (1942. Cartagena, Colombia) presenta en el Museo de la SHCP la exposición retrospectiva llamada Oro negro, ca. 1502 curada por Rafael Alfonso Pérez y Pérez, que incluye obras realizadas en esta última década principalmente.

Desde hace ya varios años, la temática de Hoyos ha sido el comercio de negros de África a América que comenzó a principios del siglo XVI. En sus obras hay claramente una intención de vindicar la condición de la raza negra frente a la discriminación etnocentrista y la explotación que data de tiempos de la colonia.

Ana Mercedes Hoyos tuvo la oportunidad de trabajar en el taller de Andy Warhol y el de Rupert Smith en Nueva York poco antes de que ambos murieran, de ahí que podamos ver cierta influencia del lenguaje formal del pop art en sus obras, sin embargo, la artista, lejos de manejar el discurso de la sociedad de consumo, se Ma fruta ata fresko I y II Óleo sobre lienzo , 60 x 60 cms, 2011 vuelca más a la relación del humano con la naturaleza.

En la serie “Vara de Premio” (2008) podemos ver el interés de Hoyos por el relieve, nuevamente, en materiales clásicos como Es así que en “Pink Knife” el bronce. Para Hoyos el mantener vivo el oficio es sumamente (2005) podemos articular una importante, de ahí que no esté interesada en experimentar con obvia referencia a los cuchillos otras técnicas como el video o la fotografía. Si bien Hoyos tiene un serigrafiados de Warhol. archivo fotográfico y de video sobre su relación con la comunidad negra de San Basilio de Palenque -primer pueblo liberado de la Si para Warhol estos cuchillos esclavitud en América en 1713 1- principalmente, para ella esto es representan a una sociedad sólo documentación y no piezas artísticas. decadente en la que la taza de crímenes aumenta durante la En estos relieves podemos apreciar una narrativa local de un juedécada de los ochenta, para go conocido en otros lados como el palo encebado, que consiste Hoyos estos cuchillos repre- en escalar un poste largo embadurnado de cera sólo con la ayuda sentan aún en este nuevo siglo. de pies y manos. Se trata de una narrativa que surge de la vida cotidiana de las zonas rurales europeas y que con la colonización Representa a las palenque- llegó a América Latina convirtiéndose en parte de las costumbres ras, mujeres de Colombia que de muchos pueblos. mantienen la tradición de vender frutas y que tienen como La obra Ma fruta ata freko (2012) es un óleo sobre lienzo que ha herramienta el cuchillo para llegado a México para quedarse. Se trata de un tríptico de proporPink knife 2005. cortar dichas frutas y adornar ciones colosales que bien podría evocar los murales de Diego RiLitografía sobre papel guarro, 76 x 56 cm las palanganas coloridamente. vera. En él podemos ver representadas a las palenqueras vestidas de colores intensos al lado de sus frutas. Nuevamente, el costumPor otra parte, Warhol partía de la fotografía Polaroid en el caso brismo está presente, sin embargo, lejos de tratarse de retratos específico de ls cuchillos y de las noticias de periódicos para lleva fieles, las imágenes de Hoyos parten de escenarios locales que a cabo sus serigrafías, mientras que Hoyos parte de la litografía se transforman, desde la mirada de la artista, en idealizaciones para después pasar a la tridimensionalidad del cuchillo en una universales de la raza negra. escultura de bronce.

Partiendo de los tres ejemplos anteriores, podemos decir que hay en Hoyos una consecución que va del hiperrealismo a una abstracción sintética, pasando por una configuración formal que hace referencia al arte pop y al costumbrismo naif planteado por los primitivistas europeos de principios del siglo XX.

Imágenes © Ana Mercedes Hoyos

En esta consecución encontramos la línea como eje conductor de las obras de Hoyos. Es decir, a pesar de que es una artista contemporánea, su forma de trabajo remite a metodologías clásicas, en las que se parte del dibujo, para seguir con la litografía, continuar con el relieve y culminar con la escultura.

En este sentido, sus obras no llegan a dislocar la metodología creativa, pues es el producto lo que tiene mayor relevancia y no el proceso. No obstante, hay en el arte de Ana Mercedes Hoyos una resistencia al canon estético establecido, que se manifiesta en una re/escritura del costumbrismo y del arte pop.

En sus obras vemos la muerte de las metanarrativas en una apuesta hacia una reconstrucción de la subjetividad, un proyecto de transformación social para unirse a las filas de artistas, críticos y filósofos que provocan al espectador a pensar el mundo en y desde las periferias.

1 El pueblo fue fundado por esclavos fugados de Cartagena de Indias en el siglo XVI . Han desarrollado una lengua criolla y características únicas en su formación y cultura, por lo que han sido considerados Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

Imagen de archivo Ana Mercedes Hoyos de la serie Vara de premio

Bodegón De la serie Pink knife. 2010. Escultura en bronce, pátina de color. 8 x 96 x 12 cm

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SUG E R E N C I AS E D OS. Tijuana Centro Cultural Tijuana Xawery Wolsky Materia de deseo Hasta diciembre 31

Zapopan Galería Curro y Poncho Gabriel Rico Jiménez Lo que me da forma…lo que me contiene Hasta octubre 26

Una ciudad que inspira a crear, es lo que el artista polaco Xawery Wolski expresó sobre Tijuana durante la inauguración de esta exposición, la cual es una ambiciosa recopilación de obras producidas en los últimos 20 años de trabajo. Por primera vez están reunidas piezas que, aunque han nacido del mismo autor, no habían convivido bajo el mismo recinto.

Gabriel Rico Jiménez cursó La licenciatura en Arquitectura en la ciudad de Guadalajara. Ha colaborado en proyectos independientes como Urbanizarte, Turista y el proyecto Liga, del cual es co-fundador. Desde el año 2004 su trayectoria como artista se ha consolidado en paralelo a su labor como promotor cultural y detonador de proyectos de arte; actualmente, Gabriel Rico se encuentra enriqueciendo un cuerpo de obra cada vez mas propositivo que frecuentemente salta y algunas veces se detiene en la línea divisoria entre el arte y el diseño, creando lámparas que coquetean con la instalación, las cuales son visualmente intrigantes y cautivadoras.

El trabajo de Wolsky tiene alcances importantes en tanto que ha creado una estética pro- Xawery Wolski, collar, 2005 101.6x50.8x7.6cm pia: Todo ha nacido en el barro, en el dibujo, en la piedra rayada y en el cuerpo ficcionado, ahora cada objeto es una referencia simbólica de aquello que le inspiró.

Entre cada uno de ellos, se tejen historias similares, aunque contadas de distintas maneras.

The Winners Take All, 2011, letras de madera, 80 x 30 cm

Guadalajara Diéresis. Centro de cultura contemporánea Cábula raza Francisco Morales y Pedro Andrés Hasta septiembre 14 Dedos en Dos, 351 piezas de papel pergamenta recortadas a mano. El montaje de esta pieza les llevó a los artistas 5 días de trabajo. (Imágenes cortesía de la galería Diéresis)

¿Quién dijo que el arte tiene que llegar hasta el final? En el proceso suelen improvisarse piezas que también son dignas de exponerse. Hay artistas como Morales que han llevado este concepto más allá al crear todo un laboratorio para concretar una propuesta de arte contemporáneo. Con alrededor de 50 piezas, la idea de esta muestra surgió cuando Francisco Morales en su trabajo como arquitecto llegó a una obra en construcción una mañana de sábado y un albañil le dijo a otro que se levantara la camisa y le enseñara el tatuaje de una pistola; días después, al volver a charlar con él, Morales le notó otra imagen. “Era una forma un poco endeble, grisácea y yo le pregunté ‘¿Por qué no te lo retocas?’, me contestó: ‘¿Qué pasó, arquí? Este es un tatuaje penalero’. A partir de entonces quedo claro que el talento de este hombre para el dibujo también puede ser usado como estrategia de supervivencia en la cárcel, circunstancia que le dio a Morales inspiración para arrancar este intenso proyecto artístico.

Paseo de Los Héroes 9350, Zona Río www.cecut.gob.mx

Blvd. Puerta de Hierro 5210-13B www.curroyponcho.com

Av. Hidalgo 1228, Col. Americana www.dieresis.com

Oaxaca Galería Quetzalli Sabino Guisu Dead Honey Hasta octubre

San Luis Potosí Museo de arte contemporáneo Phil Kelly La línea desnuda Desde septiembre 20 hasta diciembre 2

Oaxaca Transverso Arte Contemporáneo Colectiva TRANSITORIO Hasta Octubre 9

Pensar a la miel como algo muerto, es una ironía, porque la miel no muere ni se pudre, a veces se cristaliza, pero no se descompone, solo se transforma pero la metáfora va más allá, es el título de la primera exposición que el juchiteco Sabino Guisu tendrá en esta galería. Para este artista, la miel es mística y a través de ella encontró la conexión con el humo es utilizado por los humadores de los apiarios. Esta exposición la conforman piezas en gran formato trabajadas con humo, polen y ceras, así como una instalación en la entrada con estrellas de madera, una panal de abejas y un cráneo hecho con celdas creadas por este himenóptero que el manipuló para formar una representación de la muerte. Para Guisu la naturaleza misma es una obra de arte y acepta que extrae un poco de ella para utilizarla en su propia creación.

La línea desnuda incluye la última producción del artista Phil Kelly (Dublín, 1950 - México D.F. 2010). Con más de 50 obras al óleo, tinta y carbón sobre papel, éstas contribuyen a que el efecto plástico sea más completo y agradable, siendo su estilo pictórico una forma de presentar el expresionismo abstracto.

El artista con su obra, imagen cortesía de la galería Quetzalli

Constitución 104-1, Centro Histórico www.galeriaquetzalli.com 10

Curaduría: Jimena Espejo

Pink Nude I Mixta/papel I 62 x 21.5 cm I 2003

Morelos No. 235, Zona Centro www.macsanluispotosi.com

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Vista de la exposición, Imagen cortesia de Arte Transverso

La exposición aborda lo transitorio no sólo desde su hecho natural e irrevocable, sino desde una dialéctica que actualmente cobra una mayor relevancia por la velocidad en la que viajan las ideas y las imágenes, los sentimientos y las emociones. Es factible que ya no haya vuelta atrás ahora que se percibe al mundo de manera efímera, un mundo lleno de imágenes desechable y fáciles, productos que no duran, relaciones humanas individualizadas y egoístas y todo un universo globalizado, engañosamente abierto y a la vez, fronterizo y perversamente seductor. En esta exhibición lo transitorio ha estado siempre allí, advirtiéndonos que la vida es al menos una ilusión transferible, manipulada y efímera. Desde la fotografía, la instalación y el vídeo, los artistas aquí expuestos conforman sus planteamientos desde distintos puntos de vista, atendiendo siempre a ese paisaje veloz en el que transcurre nuestro devenir.

Avenida Independencia 1310, Altos / Centro www.transversoartemexicoguate.blogspot.mx

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CORREDOR NORTE San Antonio Texas Mc Nay Art Museum Colectiva Estampas de la Raza Hasta enero 27, 2013

Texas El Paso Art Museum Margarita Cabrera Hasta agosto 4, 2013

Miami Bass Museum of art Colectiva Unnatural Hasta noviembre 4 El concepto de la naturaleza ha adquirido una nueva relevancia en la era de lo tecnológico, lo que lleva a muchos artistas a reflexionar sobre los ambientes artificiales, donde uno es incapaz de confiar en lo que es real y lo que no lo es. Los artistas seleccionados para UNNATURAL provienen de diversos orígenes culturales y trabajan en una amplia gama de medios, incluyendo vídeo, fotografía, escultura o instalación, recursos con los que se abordaran concepciones científicas, románticas, conceptuales, poéticas, sensuales o ecológicas de la naturaleza a través de una variedad de estrategias que reflejan los avances en la tecnología del siglo XXI. UNNATURAL representa la inverosímil fusión entre la realidad, la fantasía y la ficción, reflejando simultáneamente la libertad de la imaginación y las maravillas de la tecnología de simulación.

Boaz Aharonovitch Dark Matter, 2010-2012 Archival Pigment Print (Cuatro impresiones Giclée) 122 x 122 cm cada una. imagen cortesía del Bass Museum of Art

Margarita Cabrera (EU, 1973) Arbol de la Vida: John Deere Model 790, 2007 Cerámica, pintura y herrajes de acero.

Imagen cortesía de El Paso Museum

Margarita Cabrera es una artista de Monterrey, Nuevo León, que vive y trabaja en El Paso, quien presenta en esta exposición once piezas producidas en los últimos diez años. Esta artista comenzó a ser conocida por sus esculturas blandas de productos comerciales como cafeteras y licuadoras de marcas estadounidenses pero maquiladas en México y las cuales sirven como recordatorio de la mano de obra migrante. La preocupación de Cabrera por el papel de los trabajadores que maquilan estos productos fuera de su país, superó a su interés por los objetos en sí mismos, ya que esta artista comenzó a organizar proyectos que involucran el trabajo de artesanos de las comunidades de inmigrantes. Esta perspectiva transcultural de Cabrera ha permitido a su práctica artística involucrar aspectos políticos, sociales y emocionales de dos culturas distintas.

Esta histórica exposición reúne artistas chicanos, latinos, mexicanos y norteamericanos por igual, esfuerzo que celebra la más reciente donación hecha al McNay de obras de la colección de Harriett y Ricardo Romo. Temas como la identidad, la lucha, la tradición, la cultura, la memoria y los iconos se manifiestan en monumentales serigrafías y litografías a color de artistas como Rolando Briseño, Sam Coronado, Richard Duardo, Ester Hernández, Luis A. Jiménez Jr., César A. Martínez, Malaquías Montoya, Sonia Romero, Alex Rubio y Vicente Valdez.

Richard Duardo, Four Fridas (detalle), 2003.

Serigrafía. Imagen cortesia del Mc Nay Art Museum

6000 North New Braunfels Avenue www.mcnayart.org

2100 Collins Avenue www.bassmuseum.org

One Arts Festival Plz www.elpasoartmuseum.org

San Diego Museum of Contemporary Art San Diego Colectiva Behold America! Art of the United States from three San Diego Museums Hasta Feb 10, 2013

Los Angeles The Museum of Contemporary Art Colectiva Destroy the Picture: Painting the Void, 1949–1962 Hasta enero 7, 2013

San Francisco San Francisco Museum of Modern Art Cindy Sherman Hasta octubre 8

Esta exposición es una dinámica colaboración entre tres de las instituciones de arte más importantes de San Diego: El Museum of Contemporary Art San Diego (MCASD), el San Diego Museum of Art y el Timken Museum of Art. Al reunir a las mejores obras de arte norteamericano de estas instituciones, esta exposición ofrece al público la oportunidad de presenciar los cambios radicales en el arte creado en los Estados Unidos a través de tres siglos. La muestra presenta una rica variedad de pinturas, esculturas y fotografías, la mayoría de los cuales no habían sido reunidas con anterioridad.

Esta muestra en el MCASD se encuentra dividida en tres secciones principales: Fronteras, Figuras y Formas, siendo que en cada uno de estos museos se muestran obras de las tres colecciones.

Esta exhibición se centra en la destrucción como uno de los modos de producción en la pintura internacional de posguerra. La exposición presenta 100 obras de 25 artistas procedentes de ocho países, quienes literalmente asaltaron al plano pictórico a través de experimentos tempranos de gestualidad matérica, como lo fue el romper, quemar, cortar Alberto Burri, Combustione Plastica, o fijar objetos, recursos con los 1958, Plástico, Acrílico y quemaduras sobre tela (98 x 84 cm). Imagen cortesía MOCA. que se puso énfasis a la desaparición de límites entre la bi y la tridimensionalidad; esta expansión del medio pronosticó el uso en el arte del espacio y el tiempo, y puso de relieve un tipo de sensibilidad artística que tomó forma en el contexto mundial de la post-guerra.

Cindy Sherman, es una de las artistas más influyente de nuestro tiempo, crea fotografías provocadoras que exploran una amplia gama de temas sobre la identidad y la representación. Trabaja utilizándose a sí misma como modelo, para hábilmente transformar su apariencia utilizando pelucas, disfraces, maquillaje, prótesis y accesorios para recrear personajes inspirados en películas, televisión, revistas o la historia del arte.

250 South Grand Avenue www.moca.org

151 Third Street www.sfmoma.org

Sergio De La Torre Thinking About Expansion, 2003 Fotografía digital, Imagen cortesía del MCASD

700 Prospect Street La Jolla www.mcasd.org

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Cindy Sherman, Untitled #193, 1989.

Esta gran retrospectiva reúne más de 150 fotografías realizadas desde mediados de los años setenta hasta el presente.

Cindy Sherman, Untitled #458, 2007-08.

(Imágenes cortesía del San Francisco Museum of Modern Art)

Art San Diego

L

a Feria de Arte de San Diego regresa este año con su cuarta edición. Hace un año recibió una asistencia record de más de 8,000 coleccionistas, curadores, directores de museos y entusiastas del arte. Grandes ventas fueron reportadas por las galerías y la feria recibió mucha atención convirtiéndose así en uno de los eventos culturales más visitados de la ciudad.

El tema de la Art San Diego 2012 es “New Art City”, la cual sugiere una nueva forma de expresar esta feria. Cuatro plataformas serán dedicadas a diferentes disciplinas, cada una con su propio carácter y lugar permitiendo una nueva interacción entre artistas, corredores y el público. Las cuatro plataformas son: arte contemporáneo, productos contemporáneos/ diseño de muebles, arte moderno/ arte de la mitad del siglo y pabellones únicos de artistas.

El escenario en el que se desarrollara la feria de San Diego New Art City es el parque Balboa, un oasis cultural y recreacional de 1,200 acres en el corazón de San Diego, el parque urbano mas único de América que recibe más de 12 millones de visitantes anualmente.

Con esta Feria Art San Diego 2012 se inserta como un actor principal en el mercado de arte, y nutre y fortalece la escena de arte con una agenda dinámica. www. artsandiego2012.com

Houston Fine Art Fair

H

ouston es actualmente reconocida como una gema cultural en Estados Unidos.

Hogar de grandes museos, una floreciente escena de galerías y una fuerte base de apasionados coleccionistas; su feria anual, la Houston Fine Art Fair regresa con su segunda edición como un evento muy esperado. El año pasado, 10,500 entusiastas exploraron las ofertas de 83 corredores de arte logrando un éxito de asistencia y ventas.

En esta edición la feria aspira reflejar las diversas y sofisticadas practicas de los coleccionistas en Houston con una gran selección internacional de trabajos de todas las formas; desde la post-guerra hasta el presente. Más de 65 galerías que representan aproximadamente 10 países y 24 ciudades han establecido a Houston Fine Art Fair como la más grande en la región suroeste de EUA. Como el tercer mercado de arte más grande de USA, Houston Fine Art Fair mostrará sus nuevas plataformas: HFAF Fahrenheit, que muestra galerías que tienen menos de cinco años. Los asistentes podrán explorar y descubrir estos lugares que esta redefiniendo el arte contemporáneo. HFAF Foto presenta lo mejor en fotografía contemporánea y clásica dando mayor perspectiva a la visión y mensaje de los artistas. Otra interesante adición es MFAH Core Factor, una exhibición curada por los coleccionistas y benefactores Brad Bucher y Victoria Lightman.

El evento también tendrá memorables instalaciones, proyectos especiales y un vigorizante programa de paneles de discusión diseñados tanto para coleccionistas novatos como para experimentados.

“Este año nos concentramos en los artistas y coleccionistas de Texas, como un generador para la cultura de nuestras artes. Los paneles, los eventos y la programación dejan ver la única y sofisticada perspectiva de Houston en el mercado de Arte Internacional. Houston Fine Art Fair reflejara la vitalidad y diversidad de la ciudad, nuestro estado y nuestra región” dice Grobmyer, consultora de la feria.

Igual que el año pasado, la feria tendrá una gran influencia latina con galerías de arte como: Antena Estudio, Beatriz Esguerra Arte, Concorsio de Arte, Drexel Galería, Galería Alfredo Ginocchio, González y González, La Casona, Pan American Art Projects, Patricia Conde Galería, Salar Galería de Arte y Toca Galería. www.houstonfineartfair.com

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Gestión en las artes

San Antonio / Texas

Por / By Leslie Moody Castro

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omo pionero de las artes visuales en Texas, Artpace San Antonio ha puesto el ejemplo y elevado los niveles de la producción del arte contemporáneo experimental y emergente, sin descuidar por ello su atención hacia el arte local.

Debido a la alternancia de su programa de residencias artísticas, San Antonio está al tanto simultáneamente de la obra de tres artistas de tres lugares distintos (uno de origen internacional, otro de los Estados Unidos y un Texano) quienes son seleccionados por un curador invitado cuatro veces al año.

Tuve el placer de sentarme con Mary Heathcott, subdirectora de Artpace para platicar sobre el rol de esta institución tanto en Texas como internacionalmente.

Leslie Moody Castro (LMC): A lo largo de 17 años de historia, Artpace se ha vuelto un espacio respetable, manteniéndose desde el principio fiel a su misión, conservando tanto su espíritu experimental, como dando importancia a los aspectos educativos y facilitando apoyo a los artistas actuales. ¿Cómo crees que Artpace ha logrado mantener esa integridad?

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Mary Heathcott (MH): Creo que es por la prioridad que se le da a los artistas. Estamos realmente dejando al artista tomar las decisiones sin tener un control absoluto, especialmente en el programa de residencias permitimos que el artista nos guíe. Evitamos la política de decir no. Uno de los aspectos principales del programa es el poder darle al artista la libertad de arriesgarse, y creo que eso nos impulsa hacia adelante y nos mantiene frescos. El flujo de artistas siempre está cambiando cada cuatro meses, por lo tanto, la perspectiva siempre es distinta, del mismo modo que el programa curatorial que selecciona a esos artistas también está continuamente siendo modificado. La naturaleza de ese tipo de programa es grandiosamente maleable y flexible, ya que permite ser ajustada y guiada por el artista.

San Antonio era su ciudad natal, pero es una de las tantas urbes en las que residió. Ella hubiera podido fácilmente fundarla en Nueva York o Londres, pero tomó la consciente decisión de ubicarla en San Antonio. Creo que esto en gran medida tenía como finalidad dar a su comunidad – y esto era muy importante para ella – acceso a lo mejor que se produzca en el arte contemporáneo hoy en día. Además, también tenemos la posibilidad de encontrar financiamiento y recursos para los artistas; de tal modo que sí estuviéramos ubicados en Nueva York, LMC: Artpace también ha logrado obtener una importante posi- no estoy segura de que pudiéramos hacerlo, debido a las grandes ción en el mundo del arte contemporáneo. ¿Cómo ha determina- diferencias económicas de ambos sitios. do esto el lugar de Artpace en Texas y en San Antonio? Al parecer, mantener su interés en la comunidad y estar conectados con ella La ubicación de Artpace aquí en San Antonio fue algo muy bien pensado, pues sentimos un compromiso muy especial con nuesparece ser algo muy importante para ustedes. tra comunidad de artistas. Al incluir artistas de Texas como parte MH: Sí en realidad lo es. Esto proviene de la visión de nuestra del programa de residencias, es una manera de también devolfundadora Linda Pace, la cual inspiró la idea para iniciar Artpace. verle algo a nuestro público local. Cuando los curadores del pro-

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Arts management

San Antonio / Texas

grama de residencias vienen a hacer sus selecciones con un año o año y medio de anticipación, algunos de ellos no resultan estar familiarizados con lo que se está haciendo aquí en San Antonio, en Houston, en Austin o en cualquiera de las ciudades o pequeños pueblos que se encuentran dentro de los límites de Texas; y así que le damos una oportunidad a esos artistas en mostrar su trabajo a curadores que vienen de todas partes. También creo que un aspecto importante del programa es que los artistas quedan a consideración de estos curadores visitantes, sin importar si los escogieron o no para la residencia, ya que con regularidad se les suelen dar oportunidades fuera de Artpace. Y como tanto los programas de residencias como los de exposiciones giran alrededor de los artistas, es importante para nosotros contar con el apoyo de la comunidad de artistas locales.

LMC: En abril de este año vinieron a la feria ZONA MACO. ¿Por qué el interés de visitar México?

MH: Pues es que es inevitable. Debido a la locación geográfica de San Antonio resultamos ser vecinos, y por lo tanto, debemos tener una relación cercana. Hay una gran parte de nuestro público que cada vez más viaja a México, ya sea por negocios, placer o porque tienen casas allá. Hay un creciente diálogo entre nuestras comunidades y creo que podemos hacer más a través del intercambio de ideas y arte reciente producido en estos lugares. También pienso que es bueno contar con otras ferias de arte que se encuentren a nuestro alcance. Todo el mundo más o menos se ha acostumbrado a ir a Art Basel Miami Beach, pero visitar otras ferias que estén más allá de este circuito y que a su vez muestren arte increíble es refrescante; sin mencionar que además está muy cerca. Esa fue la motivación inicial; simplemente trabajar con México y desear una relación más cercana.

LMC: ¿Cómo ves que se desenvuelve esta relación internacional, especialmente en lo que respecta a la misión de Artpace y el contexto de San Antonio?

MH: Lo más inmediato y que también implica un buen comienzo es nuestro plan para el Hudson Showroom en el 2013. Espero ver más involucrados a coleccionistas que conocimos en ZONA MACO, ya sean estos de todo México o de la Ciudad de México y quienes también mostraron interés en los artistas internacionales que han participado en nuestro programa. También veo la posibilidad de que más curadores mexicanos sean invitados a participar. Patrick Charpenel de Jumex es, por ejemplo, uno de nuestros alumnos. También para darnos más oportunidad de invitar curadores y artistas que participen en nuestras exhibiciones y programas.

LMC: ¿Cómo crees que esto repercuta en la comunidad San Antonio? ¿Cuál crees que pueda ser el beneficio educacional para la comunidad y cómo Artpace puede ser el vínculo para que algo así suceda?

MH: Bueno, pienso que en el caso de Artpace estaríamos mostrando la actualidad de lo que sucede en al arte contemporáneo de México, creo además que nuestras instituciones y socios en San Antonio están bastante abiertos a ello. Organizaciones como el Instituto Cultural de México, el Centro Cultural de Guadalupe y la Academia Henry Ford de La Alameda intercambiarían ideas para traer artistas Mexicanos recientes y mostrar más de su obra. Creo que esto sería muy bien recibido por la comunidad. Hay un gran interés en México y si el arte contemporáneo tiene la función de responder a las nuevas ideas y políticas de hoy, entonces este otro medio de expresión es realmente una parte importante del diálogo, y justo demuestra como todo esto se expresa en las artes visuales y creo que esto sería bienvenido por nuestra comunidad. Como si fuera el otro lado de la historia.

LMC : Y esa historia, s¡ necesita ser mostrada!

A

s a pioneer in the visual arts in Texas, Artpace San Antonio has continually set the stage and raised the bar for the production of fresh and experimental contemporary art production, while also staying focused on the community around them. With its rotating residency program, San Antonio is privy to the work of three artists from three different locations (international, from the United States, and one from Texas) four times a year who are chosen by a guest curator. Throughout its 17 year history, Artpace has become a well respected place while also staying true to its mission: remaining experimental, staying grounded in education and really supporting contemporary artists.

Inauguración:

27 de septiembre, 2012 Museo Reyes Meza Centro Cultural Nuevo Laredo Tamaulipas Permanencia: Enero 2013

In conversations with Mary Heathcott, Artpace’s Deputy Director we highlighted the concern of the center to have a connection with its community, the interest it has with starting new projects with Mexican curators and artists, and always maintaining the center´s integrity. www.artpace.org

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Gestión en las artes

Reflexiones sobre la nueva pintura figurativa en México

U

na revisión de la pintura mexicana contemporánea nos invita a reflexionar sobre las inquietudes e intereses actuales de nuestros creadores. ¿Qué desean plasmar en sus cuadros? ¿A cuáles tendencias se apegan?

Basta con atender a una pequeña muestra de exposiciones y concursos para darnos cuenta de que hoy conviven numerosas corrientes, que van desde las propuestas más abstractas y las revisiones de los “ismos” de los siglos XIX y XX (con todas las mezclas posibles), hasta propuestas figurativas como el paisaje, el retrato, la naturaleza muerta o cualquier variante de la pintura representacional.

El “regreso” de la pintura, como hemos visto, se ha dado desde la pintura figurativa, aquella que tiene un mayor grado de semejanza con lo real y nos exige, como espectadores, un juicio de valor estético inmediato, que nos hace críticos pues podemos conectarnos en un plano consciente con lo que el autor intenta comunicar en su creación.

No dejo a un lado a la pintura abstracta, que nos hace reaccionar en

Ciudad de México / México

Por / By José Ignacio Aldama

un plano inconsciente, pero la figurativa se abre camino de manera patente, aparece cada vez más en las selecciones de los concursos, en los museos, las galerías y los gustos del público. Son creaciones en las que el factor fortuito o casual deja de desempeñar un papel primordial para que la técnica y el oficio pictórico se conjuguen con la responsabilidad y el respeto a materiales y soportes.

Por un momento se pretendió hacernos creer que la pintura sucumbía ante el éxito de los nuevos medios y plataformas que consiguieron despertar la atención del espectador a través de la sorpresa y la perturbación, identificando a la novedad como valor supremo de la creación artística. Sin embargo, después de haber visto transcurrir tales creaciones de interés perecedero, la pintura se consolida una vez más como el medio creativo por antonomasia. Hoy encontramos una cantidad de pintores sin precedente, un creciente número de exposiciones y un mundo del arte con el mayor dinamismo de todos los tiempos, repleto de museos, instituciones, muestras públicas, concursos, estímulos y publicaciones. También hallamos un mercado donde coexisten ferias, subastas, ventas altruistas, exposiciones privadas y demás manifestaciones que comprueban que la pintura está muy presente en el gusto de los espectadores y de los coleccionistas desilusionados de las propuestas tan novedosas como momentáneas a que hemos hecho mención.

El regreso del oficio No crea el lector, sin embargo, que toda la pintura por el mero hecho de serla, debe considerarse obra de arte. ¿Qué hacer ante la escasez de una crítica especializada que nos oriente? Para lograr la indispensable diferenciación resulta imprescindible que el espectador exija lo mejor de los creadores y se forme un criterio propio con base en el estudio y la contemplación.

José Antonio Farrera. La niña con la mano en el pecho - 2010 - óleo sobre tela - 140 x 120 cm.

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Héctor Javier Ramírez. Migraña - 2011 - óleo sobre tela - 149 x 120 cm.

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Mexico city / Mexico

Arts management

escenas cotidianas y familiares y la forma de llevarlas al lienzo, dio forma a un cuerpo de obra compuesto por un centenar de piezas conmovedoras y fascinantes que plasman el transcurrir de la vida diaria en una indagación constante de la luz, el color y el movimiento. Héctor Javier Ramírez (1977), ha sido reconocido con más de una docena de premios y distinciones, entre los que sobresalen el Primer Lugar y la Mención Honorífica en Dibujo en el Tercer Encuentro Estatal de Arte Jalisco Joven, en Guadalajara (1998) o la selección en la II, IV, V y VI ediciones de la Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, en Michoacán. Sugiere sus intenciones a través del título, en el que trata con ironía y sarcasmo ciertos temas oscuros quizá para defendernos del dolor, la injusticia o lo inevitable de la muerte. La aportación intelectual del espectador es un factor clave que dinamiza el contenido de sus obras. Tomás Gómez Robledo (1952) cuenta con una sobresaliente trayectoria de varias décadas en las que se ha forjado un oficio pictórico sin par. Incontables son los reconocimientos y distinciones que ha recibido. El espectador se reconoce en sus lienzos gracias a situaciones que reflejan su devenir. Sus cuadros detienen el tiempo pero a la vez plantean el dinamismo de su transcurrir en el mundo de hoy: momentos que no regresan y que el autor traza sin prisa para recordarnos nuestra finitud.

Tomás Gómez Robledo. En el puerto - 2011 - Acrílico sobre tela - 120 x 180 cm.

¿Qué pintan hoy nuestros creadores figurativos? Muchos han regresado a una búsqueda interior, a mirar a su alrededor, a despreocuparse por las vanguardias y a representar su entorno, sus calles, su gente, sin pretensiones de sorprender, perturbar o innovar como si éstos fueran requisitos indispensables. Buscan la manera de conectarse con sus influencias a través de la introspección. En ellos el impacto de autores anteriores es definitivo (a través de la tecnología lo han visto todo, pero no se asumen herederos de nada). Si bien el fenómeno no es privativo de México, en nuestro país existen enormes coincidencias entre artistas que no se conocen pero tienen intenciones similares. Los diferencian, entre otras cuestiones, los intereses, los temas, el tratamiento de la pintura, la técnica, la paleta y el estilo. Sin embargo, todos buscan conmover al espectador y conectarse con él para cerrar el ciclo de la obra de arte. Quizá se alegre o se entristezca, tal vez se sienta complacido o disgustado; quizá se cuestione o se vea reflejado en las obras, pero nunca permanecerá indiferente ante ellas.

Cuatro autores representativos. La dinámica expuesta aquí se ejemplifica en cuatro artistas cuyos trabajos he revisado, presentado y reseñado en los últimos años. José Antonio Farrera (1964), ha sobresalido con distinciones como el ingreso al Sistema Nacional de Creadores de Arte (2010), la doble Mención Honorífica en la Primera Bienal de Pintura Gómez Palacio (2008), la Mención Honorífica en la Bienal de Pintura Julio Castillo (2008), el Premio de Adquisición en la Primera Bienal de Pintura Pedro Coronel (2008) y la Mención Honorífica en la Segunda Bienal Nacional Alfredo Zalce (1999), entre otras. Su trabajo se centra en la figura humana como elemento trascendente. Sus retratos no representan a personas bien identificadas: son meros personajes anónimos en los cuales el espectador puede proyectarse o reflejarse. Miguel Ángel Garrido (1982) ha obtenido en dos ocasiones la Beca Jóvenes Creadores que otorga el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Después de tres exposiciones presentadas en Aldama Fine Art en las que exploró la imagen fotográfica de

La selección ofrecida por Aldama Fine Art con ocasión de la Affordable Art Fair concentra una muestra representativa de la dinámica expuesta en estas líneas; el trabajo de cuatro creadores que, en pleno dominio de su oficio, con una visión conectada por nítidos vasos comunicantes pero independiente en sus medios expresivos celebran el regreso de la buena pintura y, desde el lienzo, desafían y conmueven al espectador.

About the New Figurative Painting in Mexico

T

oday various trends coexist in painting, from abstract works and trends from XIX and XX centuries, to figurative proposals like portraits, landscapes, dead nature and any other variation of representational painting.

The “return” of painting, is shown through figurative painting, which is a lot more similar to whats real and demmands us as spectators to have an immediate aesthetic judgement, which allows us as critics to be able to connect in a concious way to what the author is trying to communicate. Lets not displace abstract painting, that makes us react in unconscious ways, but figurative painting is opening its path to be seen more and more regularly in contests, museums, galleries and choices of the public. These are creations where the accidental factor stops acting as the main element, and technique and pictorial skills become the most important thing.

Our Figurative creators have returned to an inner search, by looking to their surroundings, not worrying about trends and representing their environment, their streets, their people, without searching for surprise, innovation or disturbance and treating these reactions as dispensable requirements. They look for a way of connecting with their influences through introspection. www.aldama.com Miguel Ángel Garrido. Sirviendo refresco - 2011 - óleo sobre tela - 79 x 105 cm

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galerĂ­a de artes danza teatro tienda de autor

atlixco 1/veracruz 97 condesa, d.f. mĂŠxico (5255) 5211 8671 y 74 xespaciodearte.com

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un espacio para todos

Artista invitado / Portada

Héctor de Anda

Ciudad de México / México

Caminar contando los pasos Por / By Helena Braunštajn

¿Como encuadrar un perfume?

J. Derrida

α

. Inicio, 1.

“Me gustan estas puertas intervenidas” (1996), comenté a Héctor De Anda mientras conversábamos en su taller sobre sus obras.

Estos umbrales que se independizan de sus casas y se multiplican y sobreponen en la memoria; como si fueran entradas-salidas a otro tipo de construcciones hechas de recuerdos, tal vez de abismos o ausencias acumuladas que se hacen presentes tan sólo en imágenes. Se yuxtaponen, sí, y entonces empiezan a fluir las evocaciones del artista: el umbral de la espera, el niño sentado en el escalón; o la puerta de alguna partida inevitable, una espalda que se aleja.

Las capas de la materia, como las de la memoria, simultáneamente dejan ver y encubren.

Estas puertas y su historia condensada en los recubrimientos de pintura, en las estrías y las grietas de madera; parecen una metáfora de la memoria que da acceso a sinsentidos, transformaciones, usos y afectos, núcleos de resistencia al olvido. Al mismo tiempo, oculta las claves de lectura, impide la coherencia narrativa, introduce todo tipo de interferencias: excesos ocasionales y solitarios, aglomeraciones de información que se interrumpen con un repentino campo en blanco: silencio, pausa.

Estos umbrales... construcciones hechas de recuerdos, tal vez de abismos o ausencias acumuladas que se hacen presentes tan sólo en imágenes Origenes Paralelos. 2011 Políptico en blanco con Héctor de Anda

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Artista invitado / Reconocimiento a trayectoria

Ciudad de México / México

Entonces, lijar las puertas y explorar sus capas, añadir sus propias marcas, es poner en circulación los recuerdos de la infancia, movilizar los umbrales y relativizar las distancias o inconexiones entre los fragmentos. También, recopilar, reciclar, imprimir, caminar contando pasos, soñar fórmulas matemáticas imposibles, (re) ordenar series numéricas: son otras tantas acciones de los transcursos de creación de Héctor De Anda.

Espectacular. De la serie Fósiles urbanos. 2002

Voyeur Eternum. De la serie Umbrales. Mixta sobre madera, 1996

Estas puertas y su historia condensada en los recubrimientos de pintura, en las estrías y las grietas de madera; parecen una metáfora de la memoria

Como en un bosque: la alusión al espacio infinito creado por la re- tipos gráficos que no están de cabeza, y tal vez, ésta sería la única petición de series de elementos con sus variaciones, para saturar apelación a la convención de lectura. La obsesión por los números las extensiones, oscurecer las claridades. y los rituales personales que ellos detonan hacen que el artista disponga las letras y números en redes y relaciones que sugieren, En “Bosque petrificado” (2007) el artista reflexiona: si se acabara no las lecturas horizontales de la sintaxis, sino la infinidad combila memoria, si se acabaran los árboles, quedaría la posibilidad de natoria de los sentidos, imaginarlos y volver a crearlos, para, una vez más, perderse en ellos y lograr un claro del bosque: espacio de meditación y silencio. Olvidé preguntarle: ¿en qué momento es suficiente generar las reLa instalación de 70 esculturas verticales y muros del recinto re- peticiones, cuándo la obra está terminada y entonces es preciso cubiertos con placas rectangulares que albergan distintas formas hacer otra…? y texturas; la materia prima de terracota, madera, alambre, papel, piel; son los elementos que densifican y ensombrecen el espacio… γ. Multiplicación de marcos, 3. “Creo en las pausas y en el Y de pronto ¡un árbol dorado, o unos cuantos blancos, luminosos! silencio”, dice Héctor. El infinito no se comprende, se intuye. ¿Dónde empiezan o terminan nuestras construcciones –puertas de En otros casos, en aquellos bosques de texto, lo único que nos entrada, de espera o partida- para temporalizar y darle forma conindica alguna dirección (arriba-abajo, izquierda-derecha) son los creta a lo inaprensible? Los intervalos de signos gráficos que se Bosque Petrificado. Medidas variables. Terracota y metal, 2007

Paréntesis: el apartado α es un discurrir sobre los lazos, no siempre ordenados, no siempre lógicos; lo que entrelaza el adentro y el afuera; atravesar el lienzo, dislocar, o mejor, reflexionar las locaciones: ¿dónde está el lugar de la obra?; no el origen, no las finalidades, sino su sitio más allá de lo material. Narrar estas obras: es mi deseo. Por eso la numeración, los subtítulos que intentan contener, el intento del inicio y la difusa aprehensión de las ramificaciones…

β. Seguimiento, 2. “Me gusta el movimiento del número 2” dice Héctor. Ahora sigue el asunto de los desdoblamientos, las series y las repeticiones: puertas, bosques, bolsas de plástico, retículas, signos, números y alfabetos. Las diferentes técnicas y soportes de cada obra se cruzan y se complementan mutuamente potenciando la existencia de cada una en relación con el resto.

Su perspectiva es de la memoria que puede desplegar todo en un mismo plano de importancia y, a la vez, confundir los orígenes profundos que prescinden de un arriba-abajo real.

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Ríos de plástico . Instalación, medidas variables, 2009

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Mexico city / Mexico

Guest artist / Career acknowledgment propagan independientemente del marco, de la barda de “Un río de plástico” (2009), de los muros del museo, están organizados siguiendo la economía de pausas y la variación silencio-sonido. La proliferación rítmica de retículas que siempre enmarcan algo es una paradójica, repentinamente intuida presencia del infinito en las formas delimitadas.

Ya lo he dicho, todo esto rebasa los muros del museo, este auténtico marco que da lugar al arte.

En “Fósiles urbanos” (2002) De Anda emprende una serie de intervenciones en los espectaculares del espacio público: sobre su superficie incorpora “Esto es una obra de arte” y su firma, acto que desvía el mensaje publicitario original el cual, al repetirse, conecta cada una de las intervenciones con el resto de la serie. Él es un tejedor: enlaza distintos niveles espaciales y semánticos que siguen generando series. Tal como lo comenta “con la idea de crear una red similar a la invasión vira”l.

Las puertas con sus figuraciones insinuadas, abiertas al inicio de este texto, con el tiempo se han vuelto más abstractas y ahora se han tornado puros lenguajes reordenados, códigos personales: campos rectangulares que encierran letras u ojos-pantallas (“Campo de miradas”, 2011), que al despojarse de sus rostros, aparecen como signos de una muchedumbre de miradas.

Hipótesis de la conversación. Obras diversas. Imagenes cortesía del artista

δ. Códigos, 4. Una serie más: “Hipótesis de la conversación” (2012) de pronto hace emerger un 5 negro sobre la superficie poblada por números y letras grises tan solo sugeridos; luego un 8 o un 2 (“me gusta su movimiento”) o una g mayúscula. Los recortes de periódicos de fondo, las manchas o las ligeras variaciones del color, densifican el campo, generando ruidos de información que contrastan con el orden de filas y columnas de textos que no son palabras ni frases.

Estos textos personales, los tejidos del artista, confrontan al espectador con su condicionamiento de buscar sintaxis y lecturas lineales. El primer intento de lectura habitual fracasa y luego se empiezan a percibir los niveles y capas, que invitan a una interpretación hacia lo profundo, hacia el interior opaco de la comprensión; una interpretación que intente conexiones entre la superficie de la apariencia y la hondura cuya fuerza de gravedad atrae hacia los significados últimos que hay que descifrar, como si de sagradas escrituras se tratara. Una vez más se rebasa el marco: las formas gráficas perforan las superficies y se expanden hasta la profundidad infinita del sentido.

Héctor de Anda

Walking counting steps

B

y Working with doors (and other recicled materials and objects), exploring their layers and adding his own marks, Hector de Anda restores the fragments and distances of childhood memories. What he aims to do is making intuiton talk, translating the evocation of shapes.

These doors with their insinuated shapes, have become more and more abstract with time, and now they are reordered languages, personal codes.

The obsession for numbers and personal rituals that Hector de Anda`s work achieve, make the artist talk about the boundless combination of the senses, the rhythms that can keep developing beyond the frame of the painting; inviting the spectator to a profound and endless interpretation of conciousness.

Artista recomendación de Arte al día México

www.hectordeanda.com

Hipótesis de la conversación. Obras diversas. Imagenes cortesía del artista

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Artista invitado

María José Romero

Ciudad de México / México

Transformación y belleza infinita Por/by Karen Huber

Casa 7, 2012. Mixta sobre tela, 420 x 300 cm

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a pintura de María José Romero se traduce como un ejercicio donde lejana a la ver- los desnuda y deja completamente lejos de sí, en un intento por buscar el ritmo del otro, el intento balidad y usando su cuerpo como un conductor, materializa los códigos sensoriales es fallido, sin embargo encuentra su propio corazón en los pedazos esparcidos por el universo; lay registra los estados impulsivos. tiendo, anunciando su vida y ganas de vivir, realmente vivir. Cae la lluvia con las lágrimas y la razón, con la neblina se pierde el otro, se despide a través de los recuerdos y emociones compartidas. La En sus trazos, una mujer con fuerza y furia derrocha recuerdos, pensamientos y sobre todo emo- brocha negra de Tánatos quiebra escabrosamente el acuerdo. ciones que viven y recorren su cuerpo con la misma intensidad y energía que expresa en sus pinturas. María José desafía la geometría creando figuras que sin tener un forma ó significado real, María José pinta la muerte, una parte de su corazón ha muerto y es inevitable negarlo. Pinta la vida una vez decodificadas, vuelven el instinto animal y su energía un lugar habitable, confortable para restaurando la negrura, celebrando el latir de su corazón regresa de las cenizas como Ave Fénix y ella. Trabajar con una mujer tan viva y tan llena de fuerza es como dejarse llevar por las vibraciones vuelve a sonreír. A través de los ojos y sensibilidad de la artista, la representación pictórica de una de la luna llena. ruptura abrupta en el amor es un Infarto.

En Infarto, la última serie de producciones pictóricas de intenso trabajo de dos años, María José se acerca a la anatomía de la vida, a la danza entre dos seres dónde Eros y Tánatos se presentan en su plenitud; una vena acecha a la otra, la percibe y reacciona; se tocan, bailan, se besan y entonces dos seres se convierten en uno. Sin aviso alguno, un torbellino que emprende con fuerza animal 22

Bajo la coraza de esta mujer y artista descansa la confianza y el amor absoluto por la vida, el mundo y todo lo que en él vive. Para entender que hay mundo bajo el mundo, hace falta mirar la luna sentir su esplendor y magnificencia. Contemplar la pintura de María José, pararse frente a sus obras y sentir desvanecer en otra dimensión, una recorrida por ella con ritmo seguro y efervescente.

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Mexico city / Mexico

Guest artist

María José Romero Endless Beauty and Transformation

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n Infarto the last series of pictorial productions that took an intense two year labor by Maria Jose, we come close to the anatomy of life, to the dance between two beings where Eros and Tanatos present themselves fully, they touch, dance, kiss, and two beings become as one.

Without any notice a whirlwind with incredible strength rips out their clothes and leaves them far from each other, in an attempt for finding each others beats they find only failure, but nonetheless they find their own hearts in little pieces scattered around the universe. The rain falls down mixed with tears and they lose each other in the mist, they say goodbye through shared memories and emotions. Tanatos then breaks the agreement with his black brush.

Infarto, 2012. Mixta sobre tela 95 x 190 cm

Membrana, 2012. Mixta sobre tela, 150 x 135 cm

Artista recomendación de Arte al Día México www. mariajoseromero.com INFARTO - Septiembre 27 hasta octubre 7 -

Electro, 2012. Mixta sobre tela, 100 x 120 cm (díptico)

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Artista invitado

Luis Granda Entre líneas

Ciudad de México / México

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Mi trabajo en el lienzo es de adentro hacia fuera. La figura humana es interiorizada, desdoblada y expuesta, transformándose en un pretexto para expresar un concepto básicamente orgánico, cercano al orden establecido por la naturaleza”. *

La constante redefinición formal de la obra plástica de Luis Granda ha obedecido a su necesidad de ahondar cada vez más en su temática, la cual se podría definir como la inmanencia de los mitos primordiales a los rituales contemporáneos.

En este conjunto de pinturas, Granda ha dado un giro a su característico tratamiento primitivo de la figura humana en interacción dinámica con un entorno poblado de animales, plantas, idolillos, símbolos y signos, que podrían considerarse como ramificaciones de su ser, para trasponerlo a una indeterminada urbe actual y mostrar que el ser humano, a pesar de sus sofisticados atavíos y su consecuente auto indulgencia, requiere aún del rito para autoafirmarse, mayormente hoy ante el amago globalizador de su identidad individual.

Luis Granda nació en Madrid, España. Llegó a México en 1954. Estudió arquitectura en la UNAM, profesión que ejerció al mismo tiempo que el de la pintura. Pertenece a una generación posterior a la de los pintores españoles tras terrados a México (como Climent, Souto, Rodríguez Luna, Bartolí, Peláez, Peyrí, Gandía y Rojo), pero como cada uno de ellos, ha desarrollado un lenguaje y una temática estrictamente personales también posteriores al surgimiento de la denominada Ruptura.

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Equilibrio, 2012, Mixta sobre tela, 190 x 165 cm

Su independencia le ha permitió iniciar una trayectoria ajena a toda tendencia durante más de tres décadas. El eje temático de su obra ha sido lo esencial humano manifiesto en los modos de satisfacer sus necesidades primordiales regido por los instintos y a merced de las fuerzas naturales, considerando al devenir civilizatorio como un creciente sucesión de restricciones de su libertad. De allí que, para

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Granda, el mito y sus rituales sean la realidad misma y no alegorías, así como también el lenguaje del pintor primitivo es el único capaz de expresar sus motivaciones más profundas. Esto, confrontado con la actual hiper-intelectualización del arte, significa la afirmación de un lirismo pictórico que deviene autorrealizatorio al entablar con el espectador una comunicación afectiva.

Mexico city / Mexico

Guest artist

Reposo sin reloj, 2012, Mixta sobre tela, 150 x 180 cm

Luis Granda Between the lines

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uis Granda was born in Madrid, Spain. He arrived in Mexico in 1954. He studied architecture at UNAM, profession who served at the same time as the painting. Belongs to a generation after the Spanish painters expelled to Mexico (as Climent, Souto, Rodríguez Luna, Bartoli, Pelaez, Peyri, Gandia and Rojo), but as each one of them, has developed a strictly personal language and thematic also after the emergence of the so-called Ruptura.

Its independence has allowed us to begin a path free from all tendencies for over three decades. The central theme of his work has been shown in human essence modes to meet their basic needs and instincts governed by the mercy of natural forces, considering the future of civilization as a succession of increasing restrictions on their freedom.

El salto, 2012, Mixta sobre tela, 180 x 150 cm

Artista representado por Galería Óscar Roman

www.galeriaoscarroman.com.mx

Hence, for Granda, the myth and its rituals are reality itself and not allegories, as well as the language of the primitive painter is uniquely able to express their deepest motivations. This, confronted with the present hyper intellectualization of art, means the assertion of a pictorial lyricism that becomes self-fulfilling to engage an affective communication with the viewer.

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Dos sillas y uno, 2012, Mixta sobre tela, 180 x 150 cm

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Artista invitado

Tania Candiani

Ciudad de México / México

Lo femenino y la expansión del arte Por / By Eduardo Egea

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ania Candiani (Ciudad de México, 1974) presenta en el Laboratorio Arte Alameda Cinco variaciones de circunstancias fónicas y una pausa, exposición clave para esta artista, ya que a través de más de dos años y una intensa agenda interdisciplinaria se crearon una serie de piezas que exploran el simultáneo uso del lenguaje, la tecnología, la comunicación, etc.; y lo cual implica la fusión de las políticas de género con el derrumbe de las fronteras entre las disciplinas del arte, pero ¿cómo se genera este complejo proceso en la obra de esta artista?

Encontrarse a si misma: De la literatura al lenguaje y la herencia feminista

En sus inicios, Tania Candiani estudió letras en la UNAM y fungió como editora en Tijuana donde vivió cerca de quince años, lo cual explica la constante referencia en su obra a la literatura, impulso que persiste incluso en series recientes, como “Tales and Nightmares” (2009) donde se citan a autores como Marguerite Duras, Charles Bukowski, Ralph Ellison, Ray Bradbury, Milan Kundera, James Matthew Barrie, Albert Camus, etc. y la cual consistió en el bordado de frases literarias de estos autores que se asocian ambiguamente a sugerentes dibujos realistas.

Tania pertenece a una generación de artistas jóvenes que asumen su condición femenina en un contexto como el actual que tiende a ser mucho más incluyente y fluido respecto al que le tocó pelear a generaciones anteriores de mujeres hace treinta, cuarenta o cincuenta años. Aun así en algunas de sus obras, todavía puede encontrarse un combativo espíritu de género en series como “Tipos de gordura” (2004) donde asoció textos médicos a mullidos relieves en tela de mujeres obesas o en “Protección familiar” (2004) serie de fotografías donde transformó utensilios de cocina La feminidad aplicada. Raciocinio e intuición simultánea en protecciones corporales; o incluso, a través de un performance realizado junto a Regina José Galindo, “Battleground” (2008) en donde invitaron a estudiantes en diversos puntos de la frontera En los últimos años Tania ha pasado de asimilar la herencia del arte feminista militante o realizar citas literarias a empatar su natural capacidad femenina de realizar diversas actividades simultáneapara crear armas con trastos de cocina.

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Guest artist

Mexico City / Mexico

En esta serie de imágenes (inferior en página anterior y toda esta página) se aprecia desde el acercamiento a un circuito integrado y las trompetas del órgano, hasta diferentes detalles: La trascripción del dictado de los literatos (arriba), una tableta ya montada, un detalle de los rodamientos de las pianolas, una gráfica de las historias sonoras contadas por los sonidistas y hasta los dos teclados utilizados en el órgano, la maquina de escribir y el sintetizador (abajo). Imágenes cortesia del Laboratorio Arte Alameda

mente , con la expansión del arte contemporáneo hacía cualquier cosa, material, disciplina o el vínculo del arte con la vida cotidiana.

Como parte de esta capacidad de empalmar lo simultáneo con lo intuitivo, Candiani crea con regularidad transcripciones de una forma de representación a otra - por ejemplo, de la escritura a la escultura -, no para construir una narración literaria con una coherencia lineal predecible, sino para expandir el potencial de la interpretación intuitiva del lenguaje, los signos, los objetos, los materiales o el espacio público.

Tania Candiani The Femenine and the expansion of art

Tres obras que ya definen a este proceder son el copiado con bordado de los graffitis de una pared exterior de un museo en Lituania, llevados a la misma pared, pero al interior del museo, obra con la que Candiani ganó la novena Kaunas Art Triennal (Lituania) en 2009; otra pieza que exploró la tensión entre las expresiones institucionales y las ilegales, fue la escritura por parte de graffiteros (writers) de los nombres de encumbrados escritores, pero en una ventana exterior de la biblioteca Vasconcelos en la Ciudad de México. Una intervención más del espacio público, fue la introducción al patio central de un hotel de una columna de bocinas en forma de corneania Candiani presents in the Alameda Art Labota, donde el simultáneo sonido de 30 relojes de cuerda inundaba ratory: Five Variations of Phonic Circumstances a las habitaciones cercanas. and a pause, key exhibit for the artist, in view of the work she has been doing for more than two years, a Con su proyecto para el Laboratorio Arte Alameda, Candiani ha series of art pieces that explore the simultaneous use llegado incluso más lejos, ya que ha generado un proceso paraleof language, technology, communication, etc. lo a la sinestesia, efecto logrado por esta artista justo cuando al interconectar a sus seis proyectos, obtiene un resultado muy siTania has spent the last years assimilating the politimilar a cuando olemos colores o vemos sonidos: A partir de cinco cally active feminism in art heritage or creating literary pianolas mecánicas cuyas tarjetas son leídas digitalmente, Tania quotes, and transcriptions from a representation form to another -for example, from writing to sculpting-, unifica la historia de esta ciencia con la producción sistemática de not to construct a literary predictable narration, but to sonido; los cuales a su vez son emitidos en otra obra de manera expand the intuitive interpretation of language, obincidental, para producir a la manera de los sonidistas del cine jects, materials and public space. antiguo, una narración de imágenes puramente mentales; este sentido de la narración, es trastocado en un vídeo donde diversos With her recent project for Laboratori Arte Alameda escritores dictan oralmente su literatura, la cual es reinventada has gotten even further, by connecting the six prepor un copista y su máquina de escribir; aparato utilizado en otra sented works not only on a sensorial form but on obra como teclado de un órgano monumental con el cual transa conceptual one, she has accomplished an effect formamos nuestra escritura en voces, o paralelamente, al pulsar very similar to synesthesia, where it seems that we otro teclado musical no para producir notas, sino sílabas y las cuacan smell colors or see sounds; but above all Tania les son eco de las bocinas instaladas en el campanario del LAA, Candiani´s creative development demonstrates the que a través de una compleja composición coral, y una réplica de convergence of what’s feminine and what’s collective, esta torre en el barrio de Coyoacán, desdibujan los límites entre el when it is summed up to the culture of contemporary espacio sagrado y el profano. art, and she cooperates to pull down the prejudice

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that involves the process of art making with race, gender, culture or social position.

El desarrollo creativo de una artista como Tania Candiani, demuestra como la fluida confluencia de distintas características tanto personales, sociales y culturales, produce arte que no podría haber sido hecho sino por una persona o grupo en un entorno específico, y lo cual al ser sumado a esa rica, compleja y diversa cultura que es el arte contemporáneo, coopera a derrumbar el prejuicio paternalista de que el arte producido desde la raza, el género, la cultura o la posición social es un arte de minorías.

Artista recomendación de Arte al Día México

www.taniacandiani.com 5 variaciones de circunstancias fónicas y una pausa - A partir de octubre 2012 www. artealdiamexico.com

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Artista invitado

Ricardo ATL

Ciudad de México / México

La nada, de donde provienen todas las fuerzas transgresoras Por / By Nelson Hernández

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l vacío se llena con lo que cada quien quiera. La pregunta del vacío produce la respuesta que lo llenará después. No puede ser de otra forma. Se trata de la creación de un nombre propio. Y todos los nombres propios vienen del futuro. ¿Cuánto tiempo puedes regodearte de vacío? ¿Cuánta nada puedes acumular? Lo que necesite lo real para ser producido. Un llamado del exterior al centro de la nada lo termina por llenar. Un grito de euxilio hacia ese vacío que no será más. La realidad toca. El vacío produce cuando es tocado por fuera. Nada que no sea vacío será producido desde dentro. Y Ricardo Atl es consciente de esto.

Autorretrato (De la Serie, Aproximaciones al Cubo), 2008 Plomo sobre Carbón, 20 x 17 x 17 cms.

Autorretrato (De la Serie, Aproximaciones al Cubo), 2008, Plomo sobre Carbón, 20 x 17 x 17 cms. (detalle) El trabajo de este “escultor joven de segunda del tercer mundo”, proviene de la nada. De la pregunta de la nada y el vacío, de lo oscuro. De lo nocturno. Es un trabajo de años atrás donde la realidad estaba contenida en un cubocabeza chocando contra ella. El vacío no la dejaba pasar. Las preguntas sobre el tiempo, el silencio, la inmovilidad, son todas la misma pregunta sobre la he void is filled with what each one of us wants. The questioning of the void producmuerte. Obsesividad hecha obra. Sublimación que arroja hacia la es the answer that will fill it afterwards. How much time can you gloat over the void? vida. Tiempo después. Lo imaginario, podrá imaginar todo lo que Whatever it takes for reality to be produced.The work of this young sculptor comes from quiera. La vida quiebra. Saturno a la alza. Llegó lo real. the void, from the night. This work goes back several years where reality was contained

Ricardo ATL

The VOID

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Sol negro, 2012. Carbón, 40 x 35 x 35 cms.

S/T (De la Serie Alambre), 2012 Plomo sobre Carbón, 90 x 155 cms.

Se escogerá de esta manera la vida que desees. ¿Cuántas personas has querido ser? Cuantas personas mismas te hayas creado.

Al final eres el mismo. No por que exista la esencia. Sino por que existe la diferencia. Es decir la unidad. El autorretrato que Ricardo se hace a sí mismo, es la multiplicidad hecha identidad. El eterno retorno de lo mismo. Lo que se repite es lo diferente. Pero la pregunta deja de tener sentido cuando se está a la hora del mundo. En ese momento no hay metáfora que pueda contener la irrupción del carbón que prende. La respuesta no llega nunca, de esto hay que estar protegidos. El vacío se llena sólo para vaciarse.

in a block-head. The void did not let it through. The questions about time, silence, immobility, are all the same question about dead.

The void is filled only to empty itself. Possibly it`s just a moment of change. A particular moment beyond the void but produced by it, in the course of long years of work invoked

by Atl. Whichever way there is a warning: there is no value on thinking only about what`s full. The void is behind it, when you see the first art piece.

Posiblemente sea sólo un momento de cambio. Un particular momento ajeno al vacío pero producido por él, en el transcurso de obra de largos años en los que ha sido invocado por Atl. De cualquier manera, hay una advertencia: no es valorable pensar solamente en lo lleno.

La nada está detrás, cuando se enciende la primera pieza.

Artista representado por Galería Garash

www.garashgaleria.com Izquierda a derecha: Campana Sorda, 2012, Carbón y Plomo, medidas variables. La Creación, 2012, Plomo sobre Carbón, 150 x 90 cm. Caja, 2012, Plomo sobre Carbón, 160 x 60 cm

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Reporte especial / Nacional

México

MONOTIPO y PINTURA Por / By Ana López Montes En reconocimiento y honor al maestro Felipe Cortes, Maestro Impresor del Taller Archivo Gráfico

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n mi carrera de artes plásticas aprendí, esencialmente, a producir arte conceptual.

Una ideología promocionada por escuelas de vanguardia que, hasta ahora, está al frente del arte contemporáneo. Mis esfuerzos los supe dirigir hacia aquello que era la tendencia en mi escuela, mas que dirigirlos hacia lo que realmente me pedían mis manos. Mi llamado era diferente.

Tanto el monotipo como la pintura son celosos de su técnica y exigen resultados afines. El monotipo sorprende, la impresión casi siempre es diferente a la primera intención y esto me permite encontrar nuevos caminos. La pintura, aunque también sorprende por su esencia meditativa, se resuelve en momentos con relación al espacio. Es decir, al momento de abordar la pintura, el tiempo se fusiona con el espacio y lo expande. Se siente libertad pero en realidad es responsabilidad.

Empecé con la técnica de monotipo pensando que dibujaba con color. Su inmediatez despejaba el pensa- Seguramente, influenciado por artistas como Otto Bacher y Vicompte Lodovic Lepic quienes se caracmiento y me abría las puertas a la intuición. Las posibilidades las sentía infinitas; veía el color como parte terizan por sus piezas en monotipo a finales del siglo XIX, Whistler (Estados Unidos, 1834-1903) mostró esencial de la composición, y lo más importante, veía mis mainterés en explorar el monotipo como una forma diferente y nos trabajar. Su práctica respeta la disposición de las manos a contemporánea de hacer grabado, que en ese entonces solo continuar trabajando y la constancia calma su necesidad. Pero consistía en pincelar tinta directamente sobre una placa en faltaba algo en el cuerpo de mi trabajo... el monotipo se quedaba blanco. A partir de entonces esta técnica ha logrado increíbles aislado del resto de mi obra; y ahora, en retrospectiva, la expealcances en la expresión de ciertos artistas reconocidos quienes riencia en el taller me llevó a presentarme una vez más frente a sostienen un dialogo interdisciplinario; uno de ellos Gerhard Rila pintura con un nuevo lenguaje desde ahí aprendido. chter (Alemania, 1932) quien utilizó el monotipo en un momento temprano de su carrera y exploró sus posibilidades. En retros¿Como manifestar la inquietud de crecer pictóricamente en el pectiva, ese trabajo fue un presagio de piezas abstractas postearte contemporáneo? ¿Como dejar a un lado la memoria de las riores donde maneja una sutileza envidiable entre la abstracción manos por la búsqueda de transmitir eficazmente un concepy el paisaje. to? Las ideas favorecen el avance en el camino del artista y el sentido de las manos se pierde. Ellas buscan la misma disciplina Asimismo encontramos a Jasper Johns (1930), neo-dadaista que tiene un buen impresor, el oficio, e imponen a las ideas, al norteamericano quien al contrario del individualismo del Expremismo razonamiento, su practicidad. sionismo Abstracto de su época, buscó dar un sentido solamente por el uso de símbolos convencionales. En 1983 hizo una serie Me gusta el carácter de grabado que conserva el monotipo. El de monotipos que vigila un patrón de movimiento de 5 paneles a aire, el bisel, la precisión, la limpieza, todo esto le da un sentir lo largo de un plano horizontal. El movimiento se esconde debido de formalidad y ofrece un terreno seguro y conocido al especa la repetición y el azar de la trama cruzada, pero el patrón logra tador. También me gusta trabajar con el impresor; busco que exponerse. Un ejemplo más cercano a nosotros es el artista sea exacto, firme y valiente. Aquel que permite al trabajo lucirse plástico Felipe Cortes (México, 1957), pintor y escultor quien ha en color, en movimiento y espontaneidad. Así las posibilidades incorporado paralelamente y de manera esencial al monotipo en aumentan y circulan alrededor de la longitud de mis brazos. El su trabajo. Sus piezas conllevan más de 20 años de experiencia único límite que siento es aquel que el impresor sugiere solo por misma que transmite en su taller de monotipo, Archivo Grafico respetar a la técnica. del cual es fundador, director y maestro impresor.

En el monotipo el enfoque queda en la experiencia de un conocimiento pictórico personal, le da carácter Estos ejemplos demuestran que el monotipo puede ser utilizado tanto conceptualmente (siguiendo una a las manos, las hace dóciles al trabajo y dirige su voluntad. Este crecimiento permanece en su memoria. línea de trabajo como parte del lenguaje personal del artista) o como un método de exploración para construir un cuerpo de trabajo pictórico. Tanto en el siglo XIX como en el siglo XX y hasta ahora, se considera En la pintura, este crecer se manifiesta lentamente, se desenvuelve y luego queda presente en el objeto. como una técnica de grabado contemporáneo, es decir, es una forma a-temporal, actual y eficaz de transEn ella las manos liberan su experiencia. La pintura busca siempre un nuevo momento y continuar con mitir el diálogo del artista con su obra; de cualquier forma esta técnica gráfica es y será un método de el siguiente objeto. Pero el enfoque finalmente permanece en el objeto. Puedo decir entonces que en mi estudio que permite la búsqueda de nuevas formas además de ser una herramienta ideal para la evolución caso, el ejercicio del monotipo estudia a la pintura, la construye y la motiva. de una disciplina pictórica.

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Brasil

Reporte especial / Internacional

Dos Bienales: de São Paulo al Mercosur Por / By Eduardo Egea

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esde hace varias décadas la legendaria Bienal de São Paulo ha experimentado un lento pero definitivo reposicionamiento en el circuito mundial de bienales, ya que al haber sido fundada en 1951, se constituye como la segunda bienal de arte de mayor antigüedad, justo después de la Bienal de Venecia, fundada en 1895. Este aspecto situó directamente a São Paulo como el segundo evento del arte más importante en todo el mundo; sin embargo, esto ha cambiado radicalmente con la explosiva bienalización que ha experimentado el arte globalmente en los últimos veinte años y en particular, desde 1997 con la emergencia de la Bienal del Mercosur, la cual engloba a los países de Latinoamérica que forman parte de este ambicioso tratado económico.

tes en estas bienales surgidas en los últimas dos o tres décadas, es que muchas de ellas responden a intereses políticos regionales en un paradójico mundo global. El más importante ejemplo desde Latinoamérica, es la Bienal de Mercosur: El Mercosur, o Mercado Común del Sur, es el tratado de libre flujo de bienes, servicios y factores de producción formalizado en 1991 a través del Tratado de Asunción, que incluyó en sus inicios a Brasil, Argentina, Uruguay, Venezuela y Paraguay (este último país ha sido temporalmente suspendido), además de países asociados como, Chile, Colombia, Bolivia, Perú y Ecuador.

Como parte de este proceso de integración económica, se creó la Bienal del Mercosur en 1997, y la cual, si bien desde su primera En un momento en donde el arte cada vez está más interconecta- edición ha contado con una preponderante presencia de artistas do globalmente ¿Cual es la función de ambos eventos en el esce- de estos países, paulatinamente ha incluido artistas de otras renario del arte latinoamericano? giones de Latinoamérica o el mundo, como en el caso de México, que ha participado con regularidad a partir de su cuarta edición, 2003, con muchos de sus más importantes artistas actuales, entre otros: Betsabeé Romero, Tercerunquinto, Teresa Margolles, Carlos Amorales, Manuel Rocha, Mariana Castillo Deball, Pablo Vargas Lugo, Francis Alÿs, Minerva Cuevas, Abraham Cruzvillegas, Marcela Armas, Gilberto Esparza, Pedro Reyes, Edgardo Aragón, Eduardo Abaroa, Melanie Smith, Sebastián Romo, Torolab, etc.

El anti-conocimiento y la invisible línea entre Bienales y Ferias de Arte Hay dos fuerzas económicas en el mundo del arte, la de las galerías, ferias de arte, subastas, etc. o lo que es propiamente el mercado del arte, y un mercado del arte paralelo regido sobre Primer Movimiento: São Paulo todo por el Estado o empresas patrocinadoras, las cuales a través de curadores y funcionarios adjudican concursos, residencias, Según declaraba Ivo Mesquita en 1996, la bienal de São Paulo, ya simposios, etc., donde las bienales son importantes espacios de había alcanzado sus objetivos al lograr consolidar y sostener un visibilidad y legitimación para todos sus partícipes. circuito artístico para la ciudad, insertar artistas brasileños en el escenario internacional y al mismo tiempo conservar la autono- El director de la octava Bienal del Mercosur, 2011, José Roca, mía del arte brasileño. describe en su texto, Bienalidades , como las bienales suelen ser caros eventos que se mimetizan con las ferias del arte, pero que Con más de 13 mil artistas y 60,000 obras de arte provenientes sobre todo, al buscar generar turismo cultural para posicionar code 160 países con más de siete millones de espectadores; enton- mercialmente a la ciudad en turno, mantienen una gran distancia ces, ¿qué es lo que le queda por hacer a un evento de semejante con el público local. magnitud cuando este evento ha sido restringido en su influencia global por la emergencia de cerca de ¡200 bienales más!, entre Roca propone en este texto veinte puntos para conceptualizar a otras: La Habana, fundada en 1984, y la cual llegó en su momento la curaduría de bienales, descartando que estos eventos sean, a ser uno de los escaparates del arte periférico a nivel global, o bibliotecas, archivos, escuelas, museos, enciclopedias, cineclubs las de Estambul, (1987) ó Gwangju (1995), que fungen como con- y abre sus posibilidades educacionales a la intuición, de tal modo, trapeso político y cultural respecto al primer mundo desde sus que para este autor las bienales son sobre todo experiencias de respectivas regiones. vida avaladas por las instituciones y los patrocinadores y regidas por los curadores.

Incluso Europa tiene su propia bienal de integración regional, Manifiesta (1996), además de la Bienal de Praga (2001), que es Lo hasta aquí escrito sobre las bienales de São Paulo o del Mercouna especie de bienal de curadores, o la Bienal de Moscú (2003), sur, demuestra que las periferias cada vez están más interconecdonde predominan los artistas jóvenes. tada regionalmente, pero también son cada vez más distantes del resto del mundo, ya que las bienales son incapaces de rebasar Segundo Movimiento, La Bienal del Mercosur, su única función especializada, y que es su influencia a través de restrictivas estrategias y políticas locales; y lo cual es clave para Bienales super especializadas como las anteriores, han diluido la revelar cómo los artistas han dejado de ser creadores especialiinfluencia de la Documenta o viejas bienales como Venecia, Syd- zados de conocimientos artísticos, para devenir en meras piezas ney (1973) o São Paulo; una de las características preponderan- políticas intercambiables.

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Iñaki Bonillas A sombra e o brilho 2007. Imagen cortesía Bienal de São Paulo

José Arnaud Bello Proyecto Trabajos en el Cauce: Todas las formas de estar juntos 2008-2011 Galería OMR, México. Imagen cortesía Bienal de São Paulo

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Crítica, opinión y ensayo

Ciudad de México / México

Economía de la creatividad Por / by Dr. Ernesto Piedras www.nomismae.net

El siguiente recuento es la transcripción editorial de la conferencia que presentó el Dr. Ernesto Pierdas el jueves 16 de agosto del 2012 en el Museo de la Ciudad de México en el marco de las Jornadas del 4to. Encuentro Nacional Conaimuc, dirigido por Mayté Cordeiro y cuyo tema fue “Espacios Expositivos: Museos, galerías, espacios alternativos y autogestivos”.

La economía es una ciencia que analiza y atiende la escases, ya que son tantas las cosas que queremos hacer y relativamente pocos los elementos con los que contamos, y ahí se encuentran la oferta y la demanda: a una audiencia, a un espectador nosotros los economistas les llamamos demanda cultural; a un creador o artista le llamamos oferta cultural, tenemos la producción, el proceso de creación, tenemos los consumidores, la inversión, la infraestructura cultural, todo esto ¿como podemos hacerlo útil Aquí se reunieron los responsables de cultura a nivel local para para el mundo de la cultura? intercambiar conocimientos que ayuden a gestionar, administrar y proyectar de mejor forma espacios de exposición obre los es- La economía le debe mucho a la cultura y la cultura también ha pacios expositivos. Participaron personalidades como Fernado cerrado mucho las puertas y las ventanas a la economía; entonOsorio, director de conservación de las colecciones fotográficas ces, insisto en este maridaje necesario que hay entre economía de la Colección Fotográfica de la Fundación Televisa, Eugenio y creatividad o cultura; todo este proceso de reproducción y Echeverría director del Centro Cultural Border, Gustavo Ramírez, transmisión de tradiciones, de contenidos, de valores simbólicos director del Museo – Taller Erastro Cortés, MUTEC, Dolores Beis- y cómo podemos intentar ese maridaje entre ambos ¿qué meditegui directora del Papalote Museo del Niño, Alma Rosa Jiménez, mos en este proceso? especialista en museística y vinculación de espacios en el entorno local, Samuel Morales, Jefe de Programas de Educación y Comu- No existe algún acuerdo consensuado sobre qué es lo que vamos nicación de la Colección / Fundación Jumex, Guillermo Santama- a medir; sin embargo, tenemos el componente de las industrias rina, director del Museo Universitario de Ciencias y Artes, MUCA culturales o sector cultural al que le agregamos la perspectiva de ROMA, Othón Tellez, artista y promotor cultural independiente, lo tecnológico y llegamos a las industrias creativas que siguen Magdalena Zavala, Directora del Museo de Arte Moderno, MAM, más una tradición anglosajona con los británicos en la vanguardia Guillermo Fricke, director del Instituto de Arte Gráficas de Oaxa- de esta medición. ca, IAGO, Cristina Faesler, directora del Museo de la Ciudad de México o Ernesto Bejarano, Museógrafo del Antiguo Colegio de San Ildefonso, Natalia Rubinstein, especialista en interpretación del patrimonio del Uruguay y Carmen Villaseñor, coordinadora de exhibiciones del Museo Interactivo de Economía, MIDE. Ernesto Piedras:“Este texto reflexiona sobre el entorno de los espacios de expositivos, ese eslabón que hay entre la creatividad, la producción, la generación de contenidos de carácter simbólico y la apropiación, desde lo que los economistas llamamos el lado de la demanda.

Mucho de lo que hacemos los economistas en la cultura es tratar de poner números, detonar esa dimensión cuantitativa de la cultura que a veces nos hace falta; un ejercicio que Mayte y yo hemos llamado irreverentemente cuantificar, aunque como siempre digo, esa dimensión económica que para fines prácticos y reales es lo menos importante en la cultura, la cual – y no dejo de decirlo – vale por su contenido simbólico, social, de objeción.

Pero también hay una dimensión económica que atender, una generación de empleos, de producción, de exportaciones, de insumos, de inversión, de remuneraciones y es lo que a los economistas nos toca medir. Poner números es un poco la esencia de lo que nos toca a los economistas, pero cuando pensaba en economía y cultura, me refería a que hay que desmembrar los elementos, ¿cómo es cada uno?

Sigo viendo muy limitada la utilización efectiva de los números, veo que son más los recursos que la utilización efectiva que hacen los gobiernos a nivel federal, estatal o municipal, para poder establecer una política publica de la creatividad.

Como economista no dejo de enfatizar que me siento muy incómodo con la descripción de industria cultural; para mí lo industrial es un proceso mecánico, repetitivo, automatizable, y aquí estamos hablando de un sector que frecuentemente es todo lo opuesto. La industria puede ser una parte pero no lo es todo, lo cultural le toca a los sociólogos o antropólogos definirlo: Llegan los británicos y proponen “industrias creativas”, dicen: la creatividad como el insumo que detona procesos. Ahí, como economista me voy sintiendo mas cómodo. Luego llegan los gringos y dicen: la industria del entretenimiento, que hay que despreciarla a priori, no es lo que queremos pero tampoco está totalmente alejada porque hay varios segmentos de esa industria que tocan a lo que hacemos nosotros.

En lo personal me quedo con la denominación “economía de la creatividad” economía basada en la creatividad, si el proceso económico es una cadena compuesta por eslabones, el primer eslabón que detona todo y sin el cual no existe el proceso completo se llama creatividad, esa capacidad de flujo de inventiva, de generación de símbolos cotidianos, entonces me quedo con “economía basada en la creatividad”.

Algo que me encanta del sector cultural y la creatividad es que es el único que tiene, simultáneamente, componente de valor económico, generación de empleo, producción, todo este discurso económico y bienestar simultáneo, donde lo más importante es el bienestar; sin embargo están juntos. Es el único sector que simultáneamente tiene los elementos para decir que se constituye como un sector de desarrollo integral, otros lo tienen desfasado, ejemplo la educación, un proceso de acumulación de capital humano con plazos muy largos (3 o 15 años). Si, en este caso, cuando ustedes emprenden proyectos, cuando ustedes apoyan También están la prensa y los medios .¿Qué grado de profesiona- proyectos culturales, son proyectos que generalmente tienen pelización necesitamos y qué recursos para transmitir ese conteni- riodos de maduración de tres, seis onueve meses; ¡muy rápido vemos el retorno económico! La cultura es el único sector que do que es también es uno del sector cultural? tiene esta dualidad de crecimiento y desarrollo simultáneos.

La parte académica ¿tenemos suficiente academia para la cultura? Desde el lado de las ciencias sociales yo diría que es insu- Pero cuanto valor económico genere este sector no está exento ficiente, desde el lado económico yo diría que es casi nula una de los mismos problemas que padece el país y buena parte de ¿quién se queda con los beneficios? De ese 7% que la cultura y la aproximación a la economía de la cultura creatividad representan para el Producto Interno Bruto, de todos .

Siempre insisto: presionemos, definamos de qué estamos ha- los miles de servicios que producimos en el país en un año ¿quién blando cuando decimos economía de la cultura o economía de la se queda con ellos? creatividad, industrias culturales o industrias creativas; todo esto tanto para construir políticas culturales como para cuantificar un Si finalmente la creatividad es ese eslabón del inicio, ¿cómo hacemos para tener una remuneración equitativa de sus beneficios? proceso económico de la creatividad.

Ernesto Piedras. Director de Nomismae Consulting, autor de diversos análisis de la economía basada en la creatividad; así como la instrumentación de políticas públicas nacionales, estatales y municipales. También es autor de diversos libros sobre la industria cultural y colaborador de diferentes periódicos como “el Economista”. Ha sido académico desde 1997 en el ITAM de la UDG, de la UNAM y de la Universidad Nacional de Córdoba Argentina.

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Crítica, opinión y ensayo

Ciudad de México / México

Buena parte del trabajo le toca a este tipo de reuniones para hacer lo que nos toca desde la esfera pública, privada, académica, para hacer un repaso de información, indicadores, análisis y políticas públicas.

Si tenemos buena información podemos aspirar a tener buen análisis para diseñar una política pública y evaluar si lo hicimos bien; si hay una mala política cultural, hay mala gestión de recursos.

Economy of the creativity A

Dr. Ernesto Piedras. Foto: Santiago Hernández.

Si no tenemos estos diagnósticos, no vamos a saber en dónde Si tenemos buena información podemos está el eslabón débil, en donde tenemos que enfocar los esfuer- aspirar a tener buen análisis para diseñar una zos. política pública y evaluar si lo hicimos bien; si hay una mala política cultural, hay mala Hace 10 años empecé a tomar fotos satelitales de la cultura y la gestión de recursos. economía en México y en otros países, hemos pasado de la foto satelital de carácter nacional hacia estudios de Ciudad en el Distrito Federal , Puebla y la pregunta es ¿y los estudios sectoriales? El que quiere llegar a mayores públicos, necesita exhibir para ¿Y en donde está el estudio de cuánto vale el mariachi? La eco- lograr producir más obra, distribuirla, comercializarla y llegar a nomía del mariachi, de la religión, la marimba en Guatemala, ya sus audiencias finales; entonces tenemos que dejar de hablar se ha avanzado con la gastronomía, etc. Sin duda, necesitamos de cultura en términos abstractos y cuantificarla. estudios más específicos ¿Cuál va ser su mayor impacto local, social y beneficio para la Pero, ¿qué papel tiene los espacios de exposición? Son un esla- comunidad? Creo que es el enfoque al que nos conviene migrar bón necesario y vital entre la oferta y la demanda. Si el creador, el y uno de esos pasos debe de ser la infraestructura, de la cual sin duda tendremos acuerdos y desacuerdos…. artista plástico produce y no exhibe se pierde de mucho.

lot of what economist do in culture is trying to put numbers on it, But how can we quantify the economic process of creativity? Ernesto Piedras talks and shows us about it when he points out that culture is the only sector that has creativity as the raw material that creates economic process, process that includes job creations, production and social welfare, however although this “creativity based economics” generates almost 7% of the country economics, the cultural politics in Mexico still lack information and analysis in management of the resources, which is why it is really important to stop talking about culture in abstract terms and quantify it, What is it`s local and social impact?

What is the benefit it leaves to society? Regarding art, one of the proposed steps in the 4th Conaimuc National Encounter, is to bet on exhibition spaces, surely a lot of opinions will raise about this.

Ernesto Piedras. Director of Nomismae Consulting, author of plenty analysis of the economy based in creativity; as well as the design and operation of national, statal and municipal public policies. He es author too of different books about the cultural industries and writer in newspapers as “El Economista” in Mexico. He has been academic since 1997 in the ITAM, UDG and UNAM in Mexico, as well of the Universidad Nacional de Córdoba in Argentina.

*Autor: Cisco Jiménez *Autor: *Autor: Cisco Cisco Jiménez Jiménez

*Autor: Humberto Spíndola *Autor: *Autor: Humberto Humberto Spíndola Spíndola *Autor: Alex Dorfsman *Autor: *Autor: Alex Dorfsman Alex Dorfsman

*Autor: Kiyoto Ota

*Autor: Francisco Castro Leñero

*Autor: *Autor: KiyotoKiyoto Ota OtaUriarte Talavera (Fábrica y Tienda) 4 Poniente 911 Col. Centro Puebla, *Autor: *Autor: Francisco CastroCastro LeñeroLeñero Pue., Méx.Francisco

Tel. 52(222) 232.15.98 / 232.51.26 Uriarte Uriarte Talavera Talavera (Fábrica (Fábrica yCol. Tienda) y Polanco Tienda) 4 Poniente 4 Poniente 911D.F. Col. 911Tel. Centro Col.52Centro Puebla, Puebla, Pue.,Pue., Méx.Méx.

Galileo No. 67A México, (555) 280.06.35 Tel. 52(222) Tel. 52(222) 232.15.98 232.15.98 / 232.51.26 / 232.51.26 Galileo Galileo No. 67A No.www.uriartetalavera.com.mx 67A Col. Polanco Col. Polanco México, México, D.F. D.F. Tel. 52 Tel.(555) 52 (555) 280.06.35 280.06.35

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