Edición XXIX
PADRINO DE HONOR
Arnaldo Coen
MADRINA DE HONOR
Fernanda Castillo
SUBASTADOR
Memo Martínez MUESTRA DE ARTE
Del 3 al 5 de octubre de 2023
SUBASTA
4 de octubre de 2023
Museo de Arte Moderno Ciudad de México
Informes
artevivo@mexicovivo.org
01800 FMX VIVO
Consulte catálogo digital en mexicovivo.org/artevivo2023
Portada
Arnaldo Coen
La transparencia de la mirada, 2023
Serigrafía
98 x 66 cm
A cada artista que generosamente a través de su trabajo, visión y sentir, crean vida para México.
Alejandro Serratos Taller Ciudad A.C.
Alejandro Soto Galería 6x4
Andrés Rodríguez Galería 6x4
Antonio Ramírez Consultor Cultural
Arturo Delgado Almanaque
Arturo Mizrahi MAIA Contemporary
Bernardo Saenger Saenger Galería
Beto Moheno Asesor Curatorial
Bruno Blackmore Coleccionista
Clara Ruíz Promotora Cultural
Claudio Castellanos de Oteyza Promotor Cultural
Eduardo Mier y Terán Galería Terreno Baldío
Emilia Cohen Galería ECOH
Eugenia Peralta Consultora de Arte
Guadalupe Artigas Consultora de Arte
Henoc de Santiago Promotor Cultural
Karina Fernández Promotora de Arte
Lourdes Sosa Galería Lourdes Sosa
Luciana Sánchez Galería Hispánica-Proyecto H
María Saldaña Julián Galería Quetzalli
Mariana Ortiz Cervantes Galería Quetzalli
Marisol Argüelles Curadora Independiente
Memo Martínez MM Casa de Subastas
Miriam Villaseñor Oficios
Monica Quintero Consultora de Arte
Nicole Badin Nicole Art Services
Odette Paz Mexicráneos-Casa Milán
Oscar Padilla Coleccionista
Pablo Ortega Galería Urbana
Paloma Porraz Gestora de Arte
Patricia Conde Galería Patricia Conde
Patrick Charpenel Museo del Barrio en NY
Polina Stroganova Curadora Independiente
Rolando Tomasini Coleccionista
Salvador Riestra Los Contemporáneos
Salvador Vera Islas Promotor Cultural
Sofía Mariscal Fundación Marso
Sofía Sáenz de Santa María Gestora Cultural
Sylvia Navarrete Bouzard Gestora de Arte
Alejandro Soberón
Alicia Santamans
Alonso Gómez Payro
Álvaro Velarca
Ana Lucia Tejeda
Ángel de León
Anne Engérant
Antuan Harfuch
Bruno Blackmore
Cristina Ruz
Daniel Ferraro
Dolores Pérez de Salazar
Enrique Aguayo
Fernando Feres
Gabriel Andrée
Gabriel González
Gerardo Gonzalez
Giselle Moheno
Hector Pardo
Hugo Petricioli
Heriberto Uriza
Humberto Sarkis
José Hilario Ibarrola
José Luis González
José Manuel García Colina
José Valdes
Lincoln Alejandro Carrillo Valdéz
Luis Carlos Urzúa
Luis Perelman
Manolo Mestre
Marcos Tuachi
Mariana Gibert
Martha Cristiana
Mauricio Boy
Mazvyde Sacalyte
Michael Marczell
Óscar Padilla
Pilar Goutas
Ramiro González Luna
Sasha Sökol
Sebastian Herrejon
Sofía Sánchez Navarro
Sonia Villalpando
Tania Mordacci
Adaliz Chavero
Alan Escalona
Alejandra Jaimes
Alejandro Gil
Alejandro López
Alejandro Soto
Alfredo Fajer
Ana Gabriela Boy
Ana Luisa Pérez
Antonio Redondo
Ari Katz
Arturo Finkowsky
Begoña Hano
Carlos de Anda
Carlos Martinez
Carolina Bermúdez
Carolina Cisterna
Claire Holliday
Claudia Galvez
Dan Defossey
Daniel Quintero
David Mustri
David Osnaya
Diana Oliva
Enrique Galdeano
Eugenio López Alonso
Fernando Estevez
Fernando Gurza
Fernando Pavón
Fernando Ramos Schadtler
Francisco Sarabia
Fernanda Muñoz
Frida Mortera
Gabriela Correa
Gabriela Elizondo
Gerard Mates
Germán Campos
Harold May
Héctor Pardo
Hugo Wacogne
Isaac Mustri
Jaime Ruiz
Janeth Rodriguez
Javier Baca
Javier Moreno
Jesús González
Joaquín Rodríguez
Jonathan Guzman
José Antonio Ortega
José Ramón Corral
Josue Martinez
Laura Flores
Laura Reyna de la Garza
Lautaro Cárdenas
Leticia Vega
Lilia Casillas
Luis Garcia Martinez
Maria G. León
María Landa
Mariana Villalobos
Maripili Gonzalez
Marisol Villareal
Martha Abedrop
Mauricio Gutierrez
Mauricio Olivera
Mercedes de Oteyza
Miguel Mallet
Natalia Pollak
Nicolás Poggi
Oguzhan Silviri
Olga Álvarez
Oliver Janiky
Ricardo Ibarra
Rolando Cuevas
Rosalba Hernández
Salvador Saenz
Sebastián Guzmán
Sergio Cortés
Silvia Sánchez
Tere Aguirre
Vanessa Castillo
Verónica Valadés
Xóchitl Morales
A las y los impulsores institucionales, 2022 — 2023
A las amigas y amigos de Arte Vivo que con su apoyo, tiempo, esfuerzo y contribución es posible realizar esta edición
Agradecemos a los patrocinadores de la edición 2023 de Arte Vivo
Agradecemos a las galerías donantes
Auspiciantes Arte Vivo
Aaron Glasson Adam Wiseman Aldo Chaparro
Alberto Estrada Gaytán Alejandro Lopart Alexander
Mignot Alexis de Chaunac Alexis Mata Alfredo Cota
Álvaro Verduzco Antonio Vidal Armando de la Garza
Armando Romero Arno Avilés Arnaldo Coen Barry
Wolfryd Benjamín Torres Betsabeé Romero Bradley
Narduzzi CA Art Collective Claire Becker Claudio
Roncoli Conchita Pineda Cristina Kahlo Damián Suárez
Daniel Dugan Daniel Mattar Daniel Avilés David Alfaro
Donovan Quiroz Eduardo Estrada Emilio Rangel
Felipe Lasso Fer Narchi Filogonio Naxín Francesca
Dalla Benetta Francesco Merletti Germán Venegas
Gilberto Aceves Navarro Giuseppe Ferlito Gonzalo
Lebrija Gustavo Argüello Guy-Pierre Tur Harley Cortez
Haruna Shinagawa Héctor Velázquez Isauro Huizar
Jasmine Cadenhead Javier Hinojosa Javier López del
Espino Jessica Feldman Jesús Lugo Jesús Mayagoitia
Jordi Mollá Jorge Marín Jorge Rosano Gamboa José
González Veites Josh Mayhem Juan Garaizabal Juana
Gómez Jules Wittock Jun Olman Karian Amaya Kym C
Laura Ortiz Vega Laura Rosete Lao Gabrielli Leo Matiz
Leonardo Morales Leonor Hochschild Lola Villegas Louis
Carreon Louis Vuitton x Yayoi Kusama Luca Bray Lucas
Torres Lucía Valencia Luciano Matus Luia Corsini
Manel Pujol Baladas María José Lavín Manuel Felguérez
Marcos Cojab Mauricio Alejo Max Sanz Mazvyde Sakal
Miguel Ángel Cordera Miguel Castro Leñero Miguel
G. Counahan MIKI Moíses Levy Monica Czukerberg
Montenegro Orlando Díaz OTTO Pablo Boneu Pablo
Sierra Paloma Torres Patricia Lagarde Paul Weiner
Paulo Jacobo Alonso Pedro Friedeberg Pia Camil & Mateo Riestra Pilar Goutas Prince Láuder Ramiro
Martínez Plasencia Raúl Anguiano Ricardo Garduño
Ricardo Pinto Ricardo Sanabria Ricky Lee Gordon Rob
Woodcox Roberto Zamarripa Rodrigo de la Sierra
Rodrigo Garagarza Rodrigo Palma Roxana Albanese
Simone D’Auria Tellaeche Vanessa García Lembo Víctor
López Rúa Victoria Chávez García Víctor Zavala Yvonne
Domenge Zony Maya 6x4 The Affordable Art Project:
Armando de la Garza Gustavo Argüello William
Reinsh Jesica López Ernesto Marenco Daniel Martínez
Jorge Tellaeche Gerardo Monsivais David Troice
Conoce a las y los artistas que dan vida a la edición XXIX de Arte Vivo
mexicovivo.org/artistasparticipantes2023
Por su compromiso como marca socialmente responsable y por su apoyo a nuestros diferentes programas y proyectos de México Vivo.
Es gracias a este tipo de colaboraciones que podemos incrementar el impacto y beneficios para los más vulnerables, la juventud mexicana.
Juntos lograremos que la población tenga acceso a información y herramientas que les permitan vivir su sexualidad con salud y poder de decisión.
14 Editorial
15 Prólogo
23 La realidad que estamos transformando
24 Sobre México Vivo
46 Sobre la subasta
48 Ofertas en ausencia
49 Obras Participantes
50 Índice alfabético de Artistas
179 Galerías Participantes
197 Patrocinadores
210 Más sobre las y los Artistas Participantes
248 Nuestros programas y servicios
250 Directorio Institucional
252 Equipo Operativo
Editorial H. Rodrigo Moheno M. Secretario General y CofundadorCon la mayor gratitud presentamos la edición XXIX de Arte Vivo este 2023, en el año 20 de vida del trabajo y servicio de Fundación México Vivo.
Esta labor es y ha sido posible gracias a la suma de esfuerzos, pasión, generosidad y amor de miles de personas, las alianzas de cientos de instituciones, empresas, organizaciones, comunidades, organismos internacionales, medios de comunicación, escuelas, servicios de salud, que hemos coincidido para transformar vidas y realidades en nuestro México.
Si bien los alcances logrados en estos 20 años, superan todos los sueños y objetivos de quienes fundamos esta institución llevando salud y educación a millones de personas; la realidad de nuestra población nos compromete más que nunca a llegar a más. La alarmante situación actual de la salud sexual de la población es muy dolorosa, herencia e historias de padecimientos, violencia, abuso, explotación, doble moral, juicio, estigmas, ignorancia, vergüenza, deshonestidad, culpa, miedo, falta de amor.
Necesitamos sanar nuestras raíces, a la par de transmitir todo este aprendizaje para que las nuevas y presentes generaciones podamos vivir nuevas posibilidades con bienestar y plenitud. Que podamos tener la oportunidad de ser, descubrirnos, disfrutar, florecer, crear, vivir, a partir de sexualidades saludables.
Las dinámicas de interacción sexual se transforman, constantemente, es parte de la naturaleza evolutiva humana. Los tiempos presentes nos retan a generar nuevas plataformas -educación, información, servicios, campañas, políticas públicas- para que esas interacciones puedan ser informadas, educadas, saludables, placenteras, responsables, coherentes, recíprocas, elegidas, edificadoras, inspiradoras, respetuosas, plenas, con amor, idealmente.
Arte Vivo nos reúne un año más, desde la generosidad, talento, virtud, sensibilidad y creación de sus artistas, para que en la colectividad podamos continuar labrando ese México vivo que soñamos, que es posible, y que sólo en la unión podemos lograr.
Nuestra gratitud a las 299 propuestas recibidas para esta edición de Arte Vivo, cada una con la intención y amor para sumar. Agradecemos también el compromiso e impulso del Consejo de Arte Vivo, para conjuntar y hacer la selección de las 124 obras presentadas. Nos honra y conmueve la generosidad solidaria del Museo de Arte Moderno para ser la sede de Arte Vivo desde 2009 y cobijar esta sinergia por México.
Todos los días recibimos de miles de personas sinceros y amorosos “GRACIAS”. Con esa intención de gratitud, en nombre de cada una y cada uno de las millones de personas beneficiadas por esta suma de esfuerzos, recibe nuestra gratitud, por dar vida con arte y amor a esta labor.
Hace 20 años nacía un proyecto filantrópico como un corolario a un programa independiente (y muy vanguardista) enfocado a resolver graves problemas de salud pública: la Fundación México Vivo que, desde entonces, ha respaldado el inmenso esfuerzo que supone contribuir a la respuesta al VIH y a favor de la educación sexual en nuestro país. Esta iniciativa se debe a un grupo de personas excepcionales que se impusieron como una misión inaplazable formar un organismo que trabajara arduamente, y de manera paralela al gobierno, en desarrollar esas metas a escala nacional.
Ahora bien, los objetivos alcanzados hasta ahora por la Fundación México Vivo no se pudieron lograr sin los protagonistas de Arte Vivo, la sinergia de artistas, coleccionistas, galerías y empresas que cada año dan vida a su ya tradicional subasta: los mil 100 artistas que, desde su primera edición en 2005, han participado en esta vasta labor colectiva. Se dice fácil, pero (como en cualquier individuo) se requiere un alto grado de sentido humanitario, de compromiso y de generosidad para que un creador responda a un llamado desinteresado de esta índole. No todos los artistas nacen con vocación de servicio. Pero se convierten, gracias al ejemplo de fundaciones como ésta, en filántropos por derecho propio.
La prioridad actual de la Fundación consiste en aportar a la población de México la posibilidad de vivir los 365 días del año una sexualidad con salud y poder de decisión, sin discriminación de ningún tipo. Los artistas, todos profesionales, así sean consagrados o emergentes, se suman en este aniversario al caudal de donantes, instituciones, alianzas, empresas, voluntariado, medios y particulares que aspiran a incrementar la salud, el bienestar y la educación en pos de un México más vivo en todas sus ciudades y sus regiones del interior. El Museo de Arte Moderno ha sido un enlace importante en esta red de solidaridades, en virtud de una fidelidad que se traduce por la voluntad de recibir, año con año, la subasta Arte Vivo en sus salas y a sus participantes y benefactores en sus jardines con motivo de un evento que, al cabo de dos décadas, significa una colaboración extremadamente gratificante para todas las partes. Este festejo amerita un agradecimiento especial al equipo entero de la Fundación México Vivo, al personal del MAM y de su Asociación de Amigos, y desde luego a los artistas y a todos aquellos que durante 20 años han apoyado esta digna causa y seguramente lo seguirán haciendo.
Empresa estadounidense que desde hace más de 35 años ha revolucionado la industria farmacéutica.
Nos enfocamos en el desarrollo, investigación y comercialización de terapias innovadoras en prevención y tratamiento del VIH y próximamente en oncología
En México, llevamos más de 9 años, comprometidos con el gobierno y todos los actores clave para lograr las metas de ONUSIDA.
¡Hacemos
“Posible lo imposible”!
México es el 1er lugar en embarazo adolescente
77 nacimientos por cada 1,000 mujeres entre 15 y 19 años, dentro de los paises de la OCDE.
—OCDE
El grupo más joven de las mujeres embarazadas cada año en México, de entre 10 y 14 años, es causa de abuso sexual
—Save the Children
México ocupa el 1er lugar en abuso sexual
Y en violencia física y homicidios de niñas y niños menores de 14 años
-OCDE
56% de oficinistas en México han tenido
un romance en su ámbito laboral .
Sólo un 14% separa lo laboral de lo personal.
—Bumerán
45% de infantes abusados en México
de entre 18 y 30 años de edad ha padecido alguna infección de transmisión sexual, incluido el VIH/Sida.
—Instituto Mexicano de Seguro Social
17.5%
30% de la población en México o prostituidos tienen relación directa o cercana con su agresor
—DIF
de estudiantes de nivel medio superior que abandona sus estudios lo hace debido a un embarazo no planeado.
—SEP
Trabajamos y unimos esfuerzos para que la población vivamos la sexualidad con salud y poder de decisión
Somos una asociación civil, fundada en 2003 en la sede de la ONU en México. Inicialmente estábamos enfocados en apoyar la lucha contra el sida y en 2013 ampliamos nuestra misión para trabajar y unir esfuerzos para que la poblacion viva la sexualidad con salud y poder de decisión.
Proveemos de herramientas educativas y servicios que permiten elegir prevenir, detectar y atender a las personas para que tengan una vida individual, familiar y social con inclusión, equidad, respeto, salud, amor y arte
Brindamos atencion a adolescentes en escuelas secundarias, jovenes en bachillerato y nivel universitario, personal docente, madres y padres de familia, personal de servicios de salud, población LGBT+, trabajadorxs sexuales, comunidades indígenas y en zonas rurales, migrantes y personas con vida sexual activa.
Nuestros programas contribuyen al alcance de 6 de los 17 objetivos de Desarrollo del Milenio y los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la ONU
ASOCIA CIÓN AVALADA POR
ASOCIA CIÓN MIEMBRO DE
México Vivo quiere agradecer el invaluable apoyo de Saenz y Asociados, para la remodelación de nuestras instalaciones.
Gracias a su apoyo tod@s los colaboradores realizaremos nuestras actividades en un lugar renovado y lleno de nuevos horizontes.
J. García López revoluciona la manera de rendir Homenajes a través de una atmósfera inmersiva
Nuevo concepto disponible en: Casa Pedregal y Casa Prim
La vida está hecha de momentos que se convierten en recuerdos, y éstos en experiencias.
Contáctanos y recibe más información.
Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse previamente en línea o el mismo dia del evento acudiendo a la mesa de registro.
1. Como garantía para la Fundación, por el o los lotes que usted seleccionó y que le fueron adjudicados durante la subasta, deberá dejar un cheque nominativo, de caja o un voucher abierto.
2. Una vez hecho el registro, se le entregará una “Paleta” numerada, que le permitirá licitar en la subasta y le identificará con su hoja de registro. el uso de esta paleta es personal e intransferible y su responsabilidad. En caso de pérdida o extravío deberá reportarla de inmediato para evitar un mal uso de ella.
3. Para que las y los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. en ese momento usted elige y adquiere el lote.
4. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja y será la propuesta más alta la ganadora y a quien se le adjudicará el lote, siempre que no exista una puja mayor y el martillero lo confirme.
5. Los lotes serán subastados en el estado físico que se encuentren en la exposición en el momento de celebrarse la subasta.
Las piezas a subastarse tienen un precio de salida especial por debajo de su valor comercial, en consideración a esta causa.
Adquiera las obras en pagos parciales o mensualidades (consulte las condiciones para cada tipo de tarjeta y plazo).
6. Al término de la subasta y con la entrega del registro, usted queda obligado(a) pagar el precio del lote(s) elegido(s) y que le hayan sido adjudicados.
7. Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito american express en usa sola exhibición o a meses sin intereses, se cobrará el 5% (cinco por ciento) más IVA, si el pago se realiza con BBVA a meses sin intereses se cobrará con el 5% (cinco por ciento) más de IVA, en ambos casos por concepto de comisión bancaria, sobre el monto total del lote o lotes que se le hayan adjudicado.
8. Sin excepción, todos los lotes deberán liquidarse el mismo dia del evento.
9. Al término de la subasta deberá regresar a la mesa de registro para verificar los lotes adquiridos, monto a pagar y verificar la cancelación del voucher o cheque en garantía. Al no realizarlo, acepta que la Fundación haga efectivo el cobro de la anterior, así como el monto de los lotes que le hayan sido adjudicados.
Usted llena un formato de ofertas en ausencia, que le será proporcionado solicitándolo al correo artevivo@mexicovivo.org o bien llenándolo desde el sitio:
mexicovivo.org/ofertasenausencia2023
En dicho formato nos indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros voluntarios estará haciendo las ofertas en su nombre y representación.
La persona solicitante podrá hacer llegar su oferta en ausencia a México Vivo hasta un día antes de celebrarse la subasta, mediante la recepción en nuestras oficinas o por correo electrónico del formato correspondiente. Como garantía, la persona que desee hacer una oferta en ausencia deberá previamente proporcionar telefónicamente, una vez registrada su oferta, una tarjeta de crédito o un cheque a la orden de Fundación Unidos por un México Vivo, A.C.
Los lotes se adjudicarán al precio más alto que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la subasta.
Ponemos a su disposición también la facilidad de hacer su oferta con las promociones disponibles a meses sin intereses con las tarjetas de crédito participantes.
mexicovivo.org/ofertasenausencia2023
Paloma
Patricia
150 Patricia Lagarde
151 Paul Weiner
152 Paulo Jacobo Alonso
153 Pedro Friedeberg
154 Pia Camil & Mateo Riestra
155 Pilar Goutas
156 Prince Láuder
157 Ramiro Martínez Plasencia
158 Raúl Anguiano
159 Ricardo Garduño
160 Ricardo Pinto
161 Ricardo Sanabria
162 Ricky Lee Gordon
163 Rob Woodcox
164 Roberto Zamarripa
165 Rodrigo de la Sierra
166 Rodrigo Garagarza
167 Rodrigo Palma
168 Roxana Albanese
169 Simone D’Auria
170 Tellaeche
171 Vanessa García Lembo
172 Víctor López Rúa
173 Victoria Chávez García
174 Víctor Zavala
175 Yvonne Domenge
176 Zony Maya
177 6x4 The Affordable Art Project.
Armando de la Garza, Gustavo Argüello, William Reinsh, Jesica López, Ernesto Marenco, Daniel Martínez, Jorge Tellaeche, Gerardo
Monsivais, David Troice
Blueprint for Dissolving, 2023
Serigrafía sobre papel, edición de 30 PA. 61x61 cm
Preventa $7,500.00 m.n. — Puja $3,500.00 m.n.
Sin título, 2020
Pigmentos calidad de archivo sobre papel. 63x45 cm
Preventa $80,000.00 m.n. — Puja $40,000.00 m.n.
Mx Blue, June 7, 2023 14:43, 2023
Acero inoxidable y pintura automotriz BMW Grupo Bavaria. 85x115x27 cm
Preventa $238,000.00 m.n. — Puja $190,500.00 m.n.
Lunario de géminis II, 2023
Bronce a la cera perdida. 125x55x27 cm
Preventa $200,000.00 m.n. — Puja $140,000.00 m.n.
Oraciones II, 2020
Acrílico sobre madera, espejo y texturas. 120x120 cm
Preventa $96,500.00 m.n. — Puja $80,000.00 m.n.
Ver
Ergo, 2018
Mixta, cemento, hierro y resina. 65x15x15 cm
Preventa $27,000.00 m.n. — Puja $13,500.00 m.n.
Nace en la Ciudad de México en 1940. Perteneciente a la generación Ruptura, fue galardonado con el máximo reconocimiento artístico en México, el Premio Nacional de Ciencias y Artes por “su obra ligada a la pintura, la investigación del espacio, la música y la teoría del arte contemporáneo que le ha permitido innovar e influir en diversas generaciones”; asimismo, entre otros reconocimientos a su excelente trayectoria es nombrado Miembro de Número de la Academia de Artes y Miembro Titular del Seminario de Cultura Mexicana. En el 2022 fue galardonado con la medalla de Bellas Artes. Sobre su obra han escrito importantes críticos de arte y escritores como Octavio Paz, Raquel Tibol, Carlos Monsivais, Juan García Ponce, Salvador Elizondo, Teresa del Conde, Singrunn Paas, Josephine Siller, entre muchos otros. Arnaldo Coen ha sido un artista que a través de su visión y sus obras ha generado una imagen contemporánea de México en el mundo. Ha formado parte de las tutorías del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, y ha demostrado su compromiso con las nuevas generaciones de jóvenes artistas, los cuales han y seguirán siendo influenciados por los integrantes de la generación de “La Ruptura” para que se conviertan ellos mismos en agentes de cambio y se conviertan en artistas integrales y conocedores de sus procesos.
Perteneciente a la Generación de la Ruptura. Recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes por “su obra ligada a la pintura, la investigación del espacio, la música y la teoría del arte contemporáneo, que le ha permitido innovar e influir en diversas generaciones”. Entre otros reconocimientos a su trayectoria, fue becado por el Gobierno Francés, y fue nombrado Miembro de número de la Academia de Artes y miembro Titular del Seminario de Cultura Mexicana.
Ha expuesto en forma individual en la Sala Nacional del Palacio de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno en México, entre muchos otros museos y galerías de cuatro continentes.
Sobre su obra han escrito importantes críticos de arte y escritores como Octavio Paz, Raquel Tibol, Carlos Monsiváis, Juan García Ponce, Salvador Elizondo, Teresa del Conde, Sigrunn Paas, Josephine Siller, entre muchos otros.
Su madre fue cantante de ópera y su padre musicólogo, por lo que la música ha estado cercana en su vida. Conoce desde muy joven, a los 16 años, a Diego Rivera, quien le aconseja seguir pintando e investigando sin estudiar en escuelas de arte. De 1957 a 1962 estudia y trabaja en diseño gráfico con Gordon Jones. Trabajó en el taller de Laurence Calgagno (1959-1960) y comenzó a experimentar en el expresionismo abstracto. Sin embargo en su primera exposición individual (1963) presentó expresionismo figurativo y posteriormente (1964) incursionó en el expresionismo fantástico. Fue becado por el Gobierno Francés en 1967. Fue miembro fundador del Salón Independiente (1968). En su desarrollo artístico comenzó a trabajar con pinturas objeto y con escultura, utilizando como tema principal el torso femenino con diferentes tratamientos. Además de la pintura ha realizado “environments”, escenografías y vestuarios para obras de teatro y danza.
Ha realizado importantes exposiciones en diferentes ciudades de Europa, Estados Unidos, Latinoamérica, India y Japón. En México ha expuesto en la Sala Nacional del Palacio de Bellas Artes y en el Museo de Arte Moderno entre otros.
Sin título, 2022
Cerámica de alta temperatura. 54x20x20 cm
Preventa $30,000.00 m.n. — Puja $10,000.00 m.n.
Bailarina, 2011
Catálogo intervenido. 40x34 cm
Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $42,000.00 m.n.
Al migrante desconocido IV, 2023 Llanta de diablito con impresión en serigrafía, y engranajes de bicicleta dorados. 17x17x3 cm Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $60,000.00 m.n.
Totem Nu 7, 2023
Pintura Acrílico sobre MDF. 200x40x40 cm
Preventa $280,000.00 m.n. — Puja $205,000.00 m.n.
Axis Mundi I, 1997
Vaciado en resina transparente pulida, base de madera laqueada con lámpara de led. P/A de la edición limitada de 8. 31x20x20 cm Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
CALAVERAS MATCHES!, 2023 Madera, acrílico serigrafía. 28x28x12 cm
Preventa $18,700.00 m.n. — Puja $9,350.00 m.n.
Lluvia de hojas, 2022
Inyección de tinta sobre papel de algodón. 109x37 cm
Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
Mexican Vibes, 2023
Hilo prensado sobre madera. 100x280 cm
Preventa $425,000.00 m.n. — Puja $220,000.00 m.n.
Oaxacan Reflection, 2023
Acrílico y óleo sobre arcilla antigua. 43x36 cm
Preventa $145,000.00 m.n. — Puja $100,000.00 m.n.
COLOUR GAME 10, série Photographic Drawings, 2021, 2021
Impresión fotográfica con pigmentos minerales montada sobre plexiglás satinado y marco. 110x110 cm
Preventa $89,500.00 m.n. — Puja $45,000.00 m.n.
Serpiente de Dos Cabezas, 2021
Bronce a la cera perdida, pátina: nitrato de cobre, nitrato de fierro y azul maya 11/13 . 21x44x6 cm
Preventa $136,000.00 m.n. — Puja $106,000.00 m.n.
Azúcar y Ceniza, 2023
Cerámica de barro negro. 14x24x14 cm
Preventa $25,000.00 m.n. — Puja $12,500.00 m.n.
Sagrado Corazón, 2023
Raso litúrgico, hilo de algodón y poliéster. 35x35 cm
Preventa $15,000.00 m.n. — Puja $12,000.00 m.n.
Grinding Corn (4:00 in the morning), 2019
Pastel al óleo, acrílico, carboncillo y bolígrafo sobre lienzo. 152x152 cm
Preventa $210,000.00 m.n. — Puja $140,000.00 m.n.
El pájaro negro, 2019 Monotipo 1/1. 60x40 cm
Preventa $32,000.00 m.n. — Puja $16,000.00 m.n.
TRASCENDER I, 2021
Bronce, marmol. 25x11x11 cm
Preventa $24,000.00 m.n. — Puja $12,000.00 m.n.
Seres de barro, 1997
Temple sobre tela. 120x95 cm
Preventa $300,000.00 m.n. — Puja $150,000.00 m.n.
,
Veladura Nocturna (Skybox Green), 2022
Óleo sobre lino. 120x90 cm
Preventa $475,000.00 m.n. — Puja $237,500.00 m.n.
Quetzal, 2018
Esmalte en aceite, polvo de oro y nitrocelulosa sobre manta. 150x170 cm
Preventa $45,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
I thought it was a fire, 2023
Óleo, acrílico, pastel sobre tela. 182x137 cm
Preventa $320,000.00 m.n. — Puja $240,000.00 m.n.
Peel of the Paint No. 260, 2022
Óleo sobre tela. 60x70 cm
Preventa $37,500.00 m.n. — Puja $26,250.00 m.n.
Retrato de un mango Ataúlfo 2 (En colaboración con Toumani Cámara), 2022
Impresión digital. 70x50 cm
Preventa $23,000.00 m.n. — Puja $23,000.00 m.n.
Refracción 0, 2010
Acrílico sobre madera. 48x38 cm
Preventa $40,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
La Loba, 2023
Pintura de resina, lienzo teñido a mano con pigmentos mexicanos locales. 91 cm de diámetro
Preventa $59,000.00 m.n. — Puja $45,000.00 m.n.
Ver semblanza del artista →
Árbol, 2003
Impresión gicleé sobre papel de algodón. 53x43 cm
Preventa $24,000.00 m.n. — Puja $12,000.00 m.n.
Balance, 2022
Óleo sobre madera, láminas de pvc recortadas y curveadas y cuero pvc. 77x50x10 cm
Preventa $80,000.00 m.n. — Puja $40,000.00 m.n.
Jardín Oriental, 2023
Mixta sobre papel y madera. 28x21 cm
Preventa $34,000.00 m.n. — Puja $17,000.00 m.n.
Conoide 19, 2022
Bronce. 24x43x20
Preventa $88,000.00 m.n. — Puja $44,000.00 m.n.
Entrepaneur Van Gogh, 2023
Técnica mixta sobre lienzo. 150x120 cm
Preventa $300,000.00 m.n. — Puja $240,000.00 m.n.
Hombre círculo, 2016 Litografía. 47x32 cm
Preventa $18,000.00 m.n. — Puja $9,000.00 m.n.
“U”- alba, 2021 Mono-cianotipo sobre lino. 150x150 cm Preventa $90,000.00 m.n. — Puja $67,000.00 m.n.
Sin título, 2023 Óleo sobre algodón. 80x100 cm
Preventa $80,000.00 m.n. — Puja $40,000.00 m.n.
I Think It’s Kickin’ In, 2023
Acrílico, resina, metal y arcilla en vinilo auténtico de KAWS. 30x12x17 cm
Preventa $135,000.00 m.n. — Puja $90,000.00 m.n.
Ouverture d´Ainay III, 2022
Cobre. 66x20x26 cm
Preventa $200,000.00 m.n. — Puja $120,000.00 m.n.
Segunda piel en algas,, 2023 Fotografía, bordado a mano, punto a cruz sobre fotografía impresa en algodón 100%. 25x25x5 cm Preventa $9,500.00 m.n. — Puja $6,500.00 m.n.
Play, 2023
Acrílico sobre algodón de museo. 100x100 cm c/u, 2 piezas
Preventa $90,000.00 m.n. — Puja $70,000.00 m.n.
Hairry, 2023
Hair silk sobre tela de algodon. 60x50x15 cm Preventa $6,000.00 m.n. — Puja $3,000.00 m.n.
Atardecer irregular, 2020
Cobre sobre mármol. 70x70x35 cm
Preventa $47,000.00 m.n. — Puja $35,500.00 m.n.
Escultura/Grabado sobre espejo acrílico. 21x28x8 cm
Preventa $45,000.00 m.n. — Puja $22,500.00 m.n.
Construcción no1, 2023
Madera, estuvo, cerámica, reglas de madera y vidrio. 45x45x5 cm
Preventa $24,000.00 m.n. — Puja $12,000.00 m.n.
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Spectrum, 2023
Pintura acrílica sobre placa acrílica espejada dicroica. 100 cm de diámetro
Preventa $130,000.00 m.n. — Puja $65,000.00 m.n.
Sombreros de Palma Ecuador 1946, 2017
Fotografia BN. 40x50 cm
Preventa $30,500.00 m.n. — Puja $15,500.00 m.n.
Naranjas, 2021
Cerámica raku sobre madera. 40x137x5 cm
Preventa $80,000.00 m.n. — Puja $40,000.00 m.n.
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Mint breath is better than tuna breath, 2023
Técnica mixta. 103x123x15 cm
Preventa $64,000.00 m.n. — Puja $47,000.00 m.n.
Capucine Psychedelic Flowers, 2023 Cuero. 33x34x13 cm Preventa $182,000.00 m.n. — Puja $182,001.00 m.n.
Selfie on aluminium foil IV, 2022
Óleo sobre lino. 120x90 cm
Preventa $70,000.00 m.n. — Puja $49,000.00 m.n.
Un montón de sueños, 2023 Óleo sobre tela. 80 cm de diámetro
Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
Sin título, 2022
Hoja de oro y acrílico sobre madera. 50x30x10 cm
Preventa $35,000.00 m.n. — Puja $25,000.00 m.n.
Enlaces, 2022 Óleo y collage. 90x130 cm
$400,000.00 m.n. — Puja $200,000.00 m.n.
Sueños, Amores de Agua, 2019 Resina cristal. 38x27x15 cm Preventa $60,000.00 m.n. — Puja
,
Red Smiley Bomb, 2021
Resina, poliéster y oro de 24 kilates. 47x45x49 cm
Preventa $400,000.00 m.n. — Puja $300,000.00 m.n.
Through, 2012
Impresión digital de archivo escaneado de negativo de film de 4x5 pulg. 80x100 cm
Preventa $145,000.00 m.n. — Puja $100,000.00 m.n.
A dream I can call my own, 2023
Técnica mixta, hoja de oro. 150x150 cm
Preventa $150,000.00 m.n. — Puja $100,000.00 m.n.
Perro amarillo, 2023
Escultura en bronce. 38x32x14 cm
Preventa $70,000.00 m.n. — Puja $35,000.00 m.n.
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Salta pa’tras negro briseado, 2011
Bronce pintado con esmalte acrílico. 32x34x14 cm
Preventa $89,800.00 m.n. — Puja $67,350.00 m.n.
“So Opposite, so Necessary”, 2023 Acrílico sobre tela. 100x120 cm
Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $50,000.00 m.n.
Te lo dije 1001 veces, 2020
Lápices de cera, grafito, acrílico, estrellas metálicas y resina
acrílica / papel de algodón roto, d. 100x80 cm
Preventa $110,000.00 m.n. — Puja $70,000.00 m.n.
Game 001, 2023
Acero al carbón con pintura automotriz. 50x50x40 cm
Preventa $30,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
Ubi Exultem, 2013
Fotografía analógica impresa sobre hilos e intervenida manualmente. 65x53 cm Preventa $160,000.00 m.n. — Puja $136,000.00 m.n.
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Tokio de Noche, 2023
Tintas de archivo pigmentadas sobre papel metálico Hahnemühle - 1/4 + CA. 50x33 cm
Preventa $20,000.00 m.n. — Puja $10,000.00 m.n.
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Relieve Cimbras, 2021
Ceramica, barro de Zacatecas y engobe. 200x40x10 cm
Preventa $120,000.00 m.n. — Puja $120,000.00 m.n.
Sin título, 2021
Pigmentos calidad de archivo sobre papel de algodón. 69x103 cm
Preventa $70,000.00 m.n. — Puja $35,000.00 m.n.
Untitled, 2023
Charcoal on raw cotton canvas. 127x101 cm
Preventa
Isomorfo VIII, 2020
Módulos de fieltro cortados con láser ensamblado y cosido a mano. 65x25x30 cm
Preventa $50,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
Baby lover’s rainbow, 2022
Varillas, acero y pintura automotiva. Donación de Ediciones
Marea + Pia Camil & Mateo Riestra. 26x74x17 cm
Preventa $54,400.00 m.n. — Puja $27,000.00 m.n.
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38°, 2023
Heliograbado en papel Hanemühle de 350 gr. 80x50 cm c/u - 2 piezas
Preventa $38,000.00 m.n. — Puja $19,000.00 m.n.
NAAY II - NAAV V , 2023
Collage e inyección de tintas sobre papel algodón
fine arts. 80x65 cm c/u - 2 piezas
Preventa $36,000.00 m.n. — Puja $18,000.00 m.n.
Entrenamiento, 2018
Lápiz, tinta y acuarela sobre papel. 25x25 cm
Preventa $45,000.00 m.n. — Puja $27,000.00 m.n.
Rostro de Mujer, 1945
Lápiz sobre papel. 53x35 cm
Preventa $160,000.00 m.n. — Puja $120,000.00 m.n.
Earth Mother, 2023
Impresión sobre papel algodón,. 40x35 cm
Preventa $5,000.00 m.n. — Puja $2,500.00 m.n.
Tamul, 2021
Arte fino, surrealismo. 165x133 cm
Preventa $190,000.00 m.n. — Puja $80,000.00 m.n.
Amores Cero Discordantes, 2021
Óleo, grafiti y aerosol. 120x90 cm
Preventa $27,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
Matatena de fores con pétalos, 2021
Lamina de acero oxidada. 63x64x75 cm
Preventa $96,000.00 m.n. — Puja $70,000.00 m.n.
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Metlac, 2022
Mixta (fotografía y pintura acrílica sobre papel algodón). 26x39 cm
Preventa $22,500.00 m.n. — Puja $11,500.00 m.n.
Contrastes, 2020
Collage de papel sobre tela. 130x115 cm
Preventa $50,000.00 m.n. — Puja $40,000.00 m.n.
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Spoon Tribute to Piet Mondrian, 2021
Plástico reciclado modelado con la técnica de fusión. 150x25x10 cm
Preventa $600,000.00 m.n. — Puja $300,000.00 m.n.
Portrait of a Robot, 2023
Acrílico sobre lienzo. 60x50 cm
Preventa $49,000.00 m.n. — Puja $24,500.00 m.n.
Sin título 20, De la serie Fragmentos, 2020
Fotografía, acrílico y collage sobre madera ensamblada.. 120x120 cm
Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
Croquet, 2019
Óleo sobre lienzo. 166x230 cm
Preventa $380,000.00 m.n. — Puja $190,000.00 m.n.
Mask, 2020
Cerámica. 46x32 cm
Preventa $30,700.00 m.n. — Puja $15,000.00 m.n.
Regresa o moriré, 2023
Óleo sobre tela. 100x150 cm
Preventa $113,000.00 m.n. — Puja $56,500.00 m.n.
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Alcatraz, 1999
Bronce a la cera perdida (Pátina negra). 41x15x10 cm
Preventa $70,000.00 m.n. — Puja $70,000.00 m.n.
Hana, 2023
Intervención de impresión lightjet sobre madera. 50x80x10 cm
Preventa $30,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
Armando de la Garza, Gustavo Argüello, William Reinsh, Jesica López, Ernesto Marenco, Daniel Martínez, Jorge Tellaeche, Gerardo Monsivais, David Troice
Políptico, 2023
Poliptico de 9 piezas de 6x4 pulgadas. 104x86 cm
Preventa $54,000.00 m.n. — Puja $32,400.00 m.n.
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w w w . n i c o l e . s e r v i c e s
Aaron Glasson (Nueva Zelanda, s/f)
Reside en el desierto de Mojave. Completó una licenciatura en Arte y Diseño en la Universidad Tecnológica de Auckland en 2005. Desde entonces ha creado y exhibido obras de arte públicas a nivel internacional. Su trabajo abarca instalaciones participativas, murales, pinturas, ilustración, mobiliario, escultura, montaje y cine. Ha dedicado buena parte de su carrera a explorar ideas sobre ecología, conectividad y participación comunitaria, con especial interés no solo en los aspectos conceptuales y técnicos de la creación artística, sino también en el potencial práctico del arte fuera de sus contextos tradicionales, lo que lo ha llevado a trabajar con organizaciones comunitarias e instituciones educativas, donde usa al arte como herramienta de conexión y aprendizaje. Glasson, ha ocupado cargos en organizaciones de conservación del océano tales como Sea Shepard y PangeaSeed, además, impartió clases de arte en la Universidad Estatal de San Diego y la Academia de Diseño. Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo de East Hawaii, Heron Arts, Skye Gallery, Maia Contemporary, el Museo Straat y ha realizado exposiciones individuales en el Instituto de Arte Contemporáneo de San Diego y Swish Projects así como en la Ciudad de México con Aquí Ahora en Fifty24. En 2023, tendrá exposiciones individuales dentro del Louis Bhul & Co. de Detroit y el Curators Cube en Tokio.
En más de 20 años de carrera, el trabajo de Wiseman se ha publicado en revistas como Le Monde, Paris Match, New York Times, T Magazine, Rolling Stone, Time Magazine, The Telegraph Magazine y National Geographic, así como en los periódicos The New York Times, Wall Street Journal, The Observer Magazine y The Guardian. De igual forma, su obra ha sido exhibida en España, Estados Unidos, Francia, Japón, México, Argentina, Venezuela y Suiza, que se caracteriza por la mirada limpia y minimalista frente a lo urbano. Su lente adopta la estética dead pan, que cuestiona las proporciones y dimensiones del espacio de una manera excepcional, en el que destacan la gente, el tráfico, los edificios, los espectaculares, el movimiento de la ciudad y la vida cotidiana. Sus piezas son parte de la Colección Schöepflin Stiftung en Alemania; la colección permanente del Smithsonian Institute en Washington D.C; el Museum of Fine Arts Houston; el 9/11 Memorial en Nueva York; el World Bank de la sede México; la Colección Coppel y Colección
Banamex, México así como del Museum of Fine Arts Houston, Texas. En los últimos años, su trabajo explora el lenguaje fotográfico documental, el cual se ha enfocado en retar la estructura formal del documentalismo para incorporar los procesos como parte de la factura final para lograr la objetividad a través de la intersubjetividad.
Alberto Estrada Gaytán (México, 1979)
Nació en el Estado de México y desde muy joven se interesó en el complejo procedimiento de fundición a la cera perdida bajo la enseñanza de su padre y maestro Venancio Estrada. A la edad de 17 años empezó a estudiar Escultura con el escultor Porfirio del Álamo, cuatro años después estudió a lado del escultor Enrique Jollysy, posteriormente con el escultor Julio Barrera, lo que le ayudó a desarrollar una propuesta y estilo artístico propio. La exploración del misticismo mental que conlleva al ser humano a un subconsciente irracional, despertó su interés y lo llevó a realizar obras con carga emocional con el objetivo de transmitir ciertas reacciones al espectador, como entablar un diálogo simbólico con distintas texturas, colores, movimientos, volúmenes, materiales y técnicas. En su trabajo trata de establecer un estilo particular con detalles emocionantes evidentes al contacto visual para causar cierta polémica. Tiene interés en que sus piezas no pasen inadvertidas al tener una fuerte carga de elementos místicos, personajes fantasiosos y de abstracción. Su obra se encuentra en colecciones privadas y ha recorrido los estados de Monterrey, Coahuila, Guerrero, Oaxaca, Puebla, Guadalajara, Cancún, entre otros, en espacios como el Museo Metro de la Ciudad de México, Museo Legislativo de la Cámara de Diputados, la Alameda Central de la Ciudad de México, Centro comercial Vía Santa Fe, Paseo Interlomas, Centro Cultural México Bicentenario entre otros, así como en España y Estados Unidos.
Aldo Chaparro
(México, 1965)
Aldo Chaparro es un artista mexicano cuyo trabajo se centra en el uso de la escultura y la pintura para explorar las estructuras posindustriales, la forma a través del vacío, la materia y el cuerpo humano mediante procesos rápidos para transformar materiales prefabricados en objetos únicos. Trabaja con elementos comúnmente utilizados en la construcción para manipular y sustraer la materia y crear formas en equilibrio. Actualmente, vive y trabaja entre la Ciudad de México, Los Ángeles, Madrid y Lima. Ha participado en ex-
posiciones individuales y colectivas como Abstract Cabinet en Florencia en 2019, Art Miami, CONTEXT
Art Miami, Arriba de la Mueblería en la Ciudad de México, todas en 2020 y Hotel Felicidad, en la Galería Casado Santapau, Madrid en 2021.
Alejandro Lopart (México, 1977)Vive y desarrolla su trabajo entre Los Ángeles, Austin y la Ciudad de México. Estudió en la Facultad de Filosofía y Letras así como en la Facultad de Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México. Desde 1998, sus obras se han expuesto en Tbilisi Georgia, París, Viena, Los Ángeles, Nueva York, Austin, Minneapolis, en diversas ciudades de Asia y recientemente, en Buenos Aires y Serbia. Su misión artística no ha sido menos ambiciosa ya que intenta representar las naturalezas profundas del ser y sus estructuras de creencia y conocimiento que este utiliza para entender y visualizar dicho conocimiento. La esencia de su obra expone un lenguaje dotado de simbolismos relacionados con la espiritualidad, el ocultismo y la meditación como maneras de alcanzar un estado de mayor conciencia a través de la contemplación de ideas y sus consecuentes interpretaciones. La compasión, el sufrimiento y el deseo como afectos de la transformación personal también son ejes que rigen tanto su obra como su vida. Lopart no solo capta, sino que cristaliza la continuidad infinita del presente, de lo instantáneo de la vida, a la que considera un milagro.
Mignot, artista franco venezolano, creció en la isla de Margarita, Venezuela, rodeado por el mar caribeño y el surf, que practicaba a diario. Esto le permitió vivir en un velero con Kaya, su fiel amiga de cuatro patas, con quien por siete años, cruzó los mares para buscar olas en diversas partes del mundo. Cuando era necesario trabajaba en labores de construcción en algunas islas del Caribe y nunca hubiera dejado de viajar de no haber sido porque su Niña Del Mar se hundió, lo que lo dejó sin lugar para vivir. Fue entonces que decidió moverse hacia Europa para comenzar una nueva etapa en su vida. Después de explorar varias ciudades y ya casi sin recursos se instaló en Lisboa y de forma inesperada, un conocido coleccionista de arte lo contactó al quedar fascinado por un mural pintado por Mignot en una de las construcciones donde en la cual trabajó, por lo que lo convenció para que pintara de manera profesionalmente. Dado que el color y la pintura han sido partes importantes en su vida, logró
presentar al público su obra por primera vez el 20 de Julio del 2017 en la ciudad de Miami, donde los asistentes comprendieron al instante que un artista había surgido al construir una obra libre, espontánea y con un sentido del color maravilloso. A partir de ese momento y después de dos años y medio más de oficio, ha tenido seis diferentes muestras individuales en Ciudad de México, Nueva York, Madrid, París, St. Barths y Mykonos, todas con muy buena recepción ya que sus piezas fueron adquiridas velozmente, lo que ha contribuido a que su obra sea parte de diferentes colecciones Blue Chip alrededor del mundo. Es por ello que ahora, el arte se ha convertido en la vida y propósito de Mignot. Vive, pinta y persigue olas en Lisboa pero sus viajes continúan, lo que le permite tener nuevas experiencias que le proporcionan inspiración para su trabajo. Su filosofía de vida es “pinto lo que conozco”.
Alexis de Chaunac (Estados Unidos,1991)
Artista franco mexicano nacido en Nueva York, que vive y trabaja en Chicago, IL. Realizó el Bachelor of Arts (BA) en Sarah Lawrence College en Bronxville, Nueva York en 2014 y es parte del Master of Fine Arts (MFA) en School of the Art Institute of Chicago. Su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas en Nueva York, Los Angeles, Chicago, Dallas, París y México. Dentro de sus principales exposiciones individuales se encuentran Ex Votos , University Club of Chicago, IL (2022); Minutiae: Works on Paper, FLXST Fracas, Chicago, Il (2021); Botanica, Sargent’s Daughters, New York (2019); Botanica Magnifica , ChaShaMa, New York (2018); Rebelde con Causa , XLV Festival Internacional Cervantino en la Universidad de Guanajuato, México (2017); A Dance with Life and Death, Silas von Morisse Gallery, Brooklyn, Nueva York (2015); Mala Sangre, Bestiario, Pinacoteca Diego Rivera, Xalapa, México (2015); que también se presentó en el Instituto Cultural de León y el Museo Iconográfico del Quijote, ambos en Guanajuato, México (2014). En cuanto a sus exposiciones colectivas se pueden mencionar La Exit Counseling , The Green Gallery, Milwaukee, WI (2022); This (Supposedly) Must be the Place, Visa Projects, Nueva York (2022); Preventative Maintenance, Patient Info, Chicago, IL (2021); Against Impossibility, FLXST Contemporary, Chicago, IL (2021); Darkest Before Dawn: Art in Time of Uncertainty, Ethan Cohen KuBe, Beacon, Nueva York (2020); Exodus III: Mexico in New York , WhiteBox Harlem, Nueva York (2020); Vertigo, Works on paper, Baahng & Co. Gallery, Nueva York (2018); 7102 Fantasma semiótico (s)cituacionista,
Museo de Arte Carillo Gil, Mexico (2017); DRAW, the largest contemporary drawing exhibition, Museo de la Ciudad de México, México (2010). En 2022, recibió el Dedalus Foundation MFA Fellowship en Nueva York y en 2021 recibió la Beca Fundación Jumex de Arte Contemporáneo, en la Ciudad de México.
Alexis Mata (México, 1978)Es un artista multidisciplinario que vive y trabaja en la Ciudad de México. Con un bagaje plástico originado a partir de las intervenciones de espacios urbanos, ha logrado navegar a través de una multiplicidad de medios que van desde el collage, el dibujo, la pintura, la instalación y el arte digital. Es así que, a pesar de la diversidad de recursos plásticos, su obra permanece permeada de una fuerte carga social y política. En su cuerpo de trabajo hay referencias recurrentes en torno a la muerte, la violencia, la belleza y la exaltación de ideas maniqueas de un pasado próspero pero corrosivo a la vez. Mata, investiga sobre la estética a través de arquetipos visuales y crea, a partir de un ejercicio de error, cortes, glitch, pixelados e imágenes que son el resultado de la fractura de obras clásicas apropiadas en un ejercicio que lleva el collage del campo de lo formal al campo de la autoría, un ejercicio que lleva el collage del campo de lo formal al campo de la autoría. En sus piezas yuxtapone imágenes y realiza ejercicios de autorreflexión con preguntas sobre la belleza y la representación de ésta como parte de un proceso análogo-digital-análogo en soportes como la fotografía, la gráfica y la pintura. Sus exposiciones individuales son: Formas Oníricas , Johansson Projects, 2023; Sueñan las Flores que Desaparecen, MAIA Contemporary, 2021; La Muerte del Autor, MAIA Contemporary, 2017. Ha participado en exposiciones colectivas como Night Birds / Yohualli Tomeh, MAIA Contemporary, 2023; Anamorphic Portraiture, Mirus Gallery, 2021; Back Room Noviembre 2019, Pop Up y PoP UP II , MAIA Contemporary, 2019, What’s Up Buttercup?, Parlor Gallery, también en 2019 y en 2018 participó en Backroom, MAIA 1 y Deliciosa Monstera , dentro de MAIA Contemporary.
Artista plástico dedicado principalmente a la escultura. A través de la representación figurativa, crea imágenes de distintas especies animales en las que, mediante un tratamiento técnico de corte expresionista, impone un gesto agreste como símbolo de su propia expresividad artística. Gran parte de su trabajo
creativo se enfoca principalmente en la técnica del modelado con plastilina, cuyo vaciado posterior se realiza en materiales rígidos como la resina y el metal. Alfredo Cota busca plasmar en cada pieza una experiencia personal que funciona como recordatorio de la transitoriedad de su propia vida. También tiene como tema recurrente la migración, el cambio constante del territorio físico y mental, el impulso de explorar nuevas experiencias y el aprendizaje. Nació en Chihuahua y buena parte de su vida residió en su estado natal. Posteriormente se trasladó a diversas ciudades de México y Estados Unidos. Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara y en 2014 realizó un intercambio académico en la Universidad Diego Portales en Santiago de Chile. Ha participado en diferentes exposiciones individuales y colectivas en espacios de la República Mexicana. En 2016 fue elegido para realizar la escultura conmemorativa de los 25 años del Auditorio Nacional en la Ciudad de México. En el mismo año, figuró como artista invitado de Moshi Art, también en la Ciudad de México, con su exposición individual El Arca y El Zorro. Ha realizado exposiciones en diversas galerías como Gallery Weekend y Corredor Cultural Roma Condesa y en 2019 participó en Art Vancouver International Art Fair. Su exposición individual itinerante más reciente Animal, elemento y materia , se presentó a inicios del 2020 en el Museo de Arte de Ciudad Juárez, en mayo del 2021 en el Museo de Arte Nogales y actualmente se presenta en el Museo Casa Chihuahua.
Su obra tiene como soporte desde el más pequeño trozo de papel hasta grandes muros en los que utiliza lápiz, collage, video e instalación, por nombrar algunos. Problematizar lo que se puede denominar una fenomenología del dibujo utilizando los mecanismos de la memoria como el objeto de estudio principal. Sus influencias abarcan el arte clásico, el contemporáneo y modernista, al tomar como referentes a artistas como David Alfaro Siqueiros, José Guadalupe Posada, Dorothea Rockburn, William Anastasi, Alberto Durero, El Bosco, On Kawara entre otros. Sus principales exposiciones individuales son Blue Tape- Progressions , Estudio Roca, Ciudad de México, 2018, que también presentó en La Tozi, San Cristóbal de las Casas Chiapas, México en 2017; Record Label Series , Rastro Gallery, San Cristóbal de las Casas Chiapas, 2017; An Elephants Footprints Lead To Firm Ground, Ampersand International, San Francisco California, Estados Unidos, 2016; Metal y Guadaña,
Sala de Arte Público Siqueiros. Ciudad de México, 2014; Blue Tape Series , Consulado de México en San Francisco, San Francisco, California, Estados Unidos, 2013; Horizonte, La Estación, Chihuahua; México, 2013; Kaleidostenia: El ejercicio de hacer kaleidoscopios , Cultura Surplus, Ciudad de México, 2013, por mencionar solo algunas. Y su obra forma parte de colecciones del Centro Cultural y de las Artes de Lázarea, Rumania; Sala de Arte Público Siqueiros, Ciudad de México, entre otras. También ha obtenido premios y reconocimientos como Parámetro 03 , Colección de Arte Lumen Mención Honorífica, 2018 y ha sido beneficiario de Proyectos Especiales por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Ciudad de México, 2017.
Antonio Vidal
(México, s/f)
Ha sido parte de exposiciones colectivas como Clavo Movimiento, Ciudad de México, 2022; Corpus/ Morbus , Studio Croma, Ciudad de México, 2021; Paisajes de la Querencia , Torranoa, Torreón, 2021; FIC. Debut Group Show y Blood of The Fold , Provoke Gallery, ambas en San Francisco California, Estados Unidos, 2020; Puente, Provoke gallery/Tiber 59, San Francisco / Ciudad de México, 2019; Fantasy, Feelmore Gallery, Oakland, 2019; Goldilocks Planet , Starcity, San Francisco, 2019; NASAD Accreditation Exhibition, San Francisco, 2018, DoAllCitizen Loggia , 50 Washburn, San Francisco, 2017; entre otras.
Arnaldo Coen
(México, 1940)
Perteneciente a la generación Ruptura, fue galardonado con el máximo reconocimiento artístico en México, el Premio Nacional de Ciencias y Artes por “su obra ligada a la pintura, la investigación del espacio, la música y la teoría del arte contemporáneo que le ha permitido innovar e influir en diversas generaciones”. Gracias a su trayectoria ha sido nombrado Miembro de Número de la Academia de Artes y Miembro Titular del Seminario de Cultura Mexicana y en 2022 fue galardonado con la medalla de Bellas Artes. Sobre su obra han escrito importantes críticos de arte y escritores como Octavio Paz, Raquel Tibol, Carlos Monsivais, Juan García Ponce, Salvador
Elizondo, Teresa del Conde, Singrunn Paas, Josephine Siller, entre muchos otros. Recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes por “su obra ligada a la pintura, la investigación del espacio, la música y la teoría del arte contemporáneo, que le ha permitido innovar e influir en diversas generaciones ”. Entre otros reconocimientos a su trayectoria, fue becado por el Gobierno
Francés, fue nombrado Miembro de número de la Academia de Artes y miembro Titular del Seminario de Cultura Mexicana y ha sido galardonado en 2014 con el Premio Nacional de Ciencias y Artes. Su obra forma parte de importantes colecciones, acervos y de exposiciones en diferentes recintos culturales como el Museo de Arte Moderno, el Centro Cultural Tlatelolco, Museo de Arte Contemporáneo, Centro Cultural Isidro Fabela, el Museo de Arte Mexicano en Chicago y el Banco de México, por mencionar algunos. Ha realizado importantes exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno y en la Sala Nacional del Museo del Palacio de Bellas Artes y su obra ha sido exhibida en diferentes lugares del mundo como Japón y países tanto de Europa como de África y América Latina. En su estilo artístico son temas constantes la presencia del cuerpo femenino y lo erótico, lo onírico, las tensiones entre lo geométrico y lo orgánico, la memoria visual y el tiempo, así como los procesos de transformación en torno a las formas, su repetición y el dinamismo.
Armando de la Garza
(México, 1973)
Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma de Nuevo León y tomó cursos y talleres de Artes. Cuenta con alrededor de 40 exposiciones colectivas en Argentina, Australia, Austria, Chile, Estados Unidos, Hong Kong, México y República Checa. Ha tenido más de 25 exhibiciones individuales, de las que destacan En cualquier lugar que esto pueda hallarse en Ginocchio Galería en la Ciudad de México; Érase una vez en el Centro de las artes de la Ciudad de Monterrey; ID en Emma Molina Galería en San Pedro Garza García; Los Infortunios de la Virtud en Galería Oblyon, Barcelona, España; Horror Vacui, en Galería Isabel Croxatto, Santiago de Chile; Retratos de la corte, Galería Alternativa Once; Biotá en el espacio de Área Creativa 42 en Rivarolo Italia; entre otras. Ha sido acreedor a diversos reconocimientos como el premio de adquisición en la XVIII Reseña de la plástica Nuevoleonesa y primer lugar en la Primer Bienal del Centro Cultural Alemán, así como selecciones en la IX Bienal FEMSA, así como en diferentes emisiones de la Reseña de la plástica Nuevoleonesa, el Encuentro Nacional de Arte Joven, entre otros.
Armando Romero (México, 1964)
Es un pintor mexicano que estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Instituto Nacional de Bellas Artes
en la Ciudad de México. De 1991 a 1997, Romero enseñó escultura, pintura e historia del arte en “La Esmeralda”. También, enseñó historia del arte, diseño y dibujo en el Centro Universitario de Estudios en Ciencias y Comunicaciones de la Ciudad de México de 1991 a 1993 y en 2002 impartió la clase de pintura en la Escuela de Artes Visuales de Michoacán, México. En 1998, Romero representó a México en la exhibición de Artistas Emergentes de América Latina en la galería Passage de Retz en París, Francia. En 2021, ofreció una conferencia sobre escultura y participó en el Programa Internacional de Estudios de la Fundación Nacional para el Avance en las Artes en los Estados Unidos. Ha destacado como pintor neoecléctico, al combinar pinturas históricas de artistas como Caravaggio, Rembrandt, Goya y Bosch con imágenes contemporáneas irreverentes con emoción y libertad para extender los límites de su expresividad.
Arno Avilés
(México, 1971)
Ingresó a la escuela nacional de artes plásticas de la UNAM en 1989, donde cursó la carrera de artes visuales y se especializó en escultura. A partir de 1995, comenzó su producción personal. Su trabajo tiene como base a la escultura universal, la contemporánea, la del siglo XX, con las que busca configurar un lenguaje formal de la naturaleza y la exploración de sus propios conceptos para crear un discurso escultórico propio. Su trabajo es fundamentalmente realizado con la talla directa, con la ha logrado madurar su técnica y reducir la cantidad de obras, lo que le permite dar seguimiento y coherencia a su propuesta plástica. A partir de 2005, empezó a exhibir su trabajo de manera individual con exposiciones en la casa de la cultura de Azcapotzalco, Ciudad de México; Casa de la Cultura de Magdalena Contreras, Ciudad de México; Museo Federico Silva, San Luis Potosí, México; Museo Macay Mérida, Yucatán, México; Museo de Arte Popular, Ciudad de México; Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas, México y la Universidad Nacional Autónoma de México, así como en diversas galerías de arte privadas en México y Estados Unidos. En 2012, formó parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte y ha sido sido reconocido por el certamen del XXX Aniversario de la Dirección General de Educación Indígena de la SEP 2009. Algunos proyectos colectivos de escultura con obra pública en los que ha participado son el Simposio Escultórico del Ecoparque Metropolitano de Puebla; Simposio de Escultura en Playa del Carmen, Quintana Roo, México;
Simposio Internacional de Escultura del Desierto en Minquin, China y Certamen de Escultura Pública, Jingdezhen, China.
Barry Wolfryd
(Estados Unidos, 1952) Nació en Los Ángeles, California pero ha desarrollado la mayor parte de su carrera artística en México, donde ha vivido durante los últimos 40 años. Comenzó sus estudios artísticos en 1972 en el Colegio Comunitario Housatonic en Bridgeport, Connecticut, EE. UU. En 1975 se matriculó en el Instituto Allende en San Miguel Allende, Guanajuato, México. En 1982, estudió en el Chicago Art Institute (estudiante independiente) y en 1984 en el Instituto Nacional de las Artes en San Luis Potosí, México. Fue en 1985 cuando se trasladó a la Ciudad de México donde vive y trabaja dentro de su taller. La influencia de la música de Bob Dylan o Frank Zappa, así como la escena artística de Nueva York, le inspiraron a realizar sus primeras pruebas creativas. Estas experiencias conformaron una base ideológica que él vincularía con la cultura, la conciencia histórica y la crítica social. Su trabajo abarca pintura, técnica mixta sobre papel, escultura en cerámica y vidrio, arte objeto y gráfica, centrándose en el uso de la iconografía y la imaginería popular como vehículo de crítica. Desde 1985, ha realizado más de 40 exposiciones individuales y participado en más de 120 exposiciones colectivas en galerías y museos de Estados Unidos, Sudamérica, Japón, México y Europa. Recientemente, ha realizado residencias artísticas en Murano, Italia; Segovia, España, Muhlberg, Alemania y Zagreb, Croacia. En 2022 publicó su primer libro Semiverdades Half-Truths , en los que se revisan los últimos 20 años de su producción artística.
(México, 1969)
Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM, Ciudad de México, participó en talleres de dibujo en The Art Student’s League of New York, Nueva York y fue parte del Seminario de Arte Contemporáneo con Tadashi Uei Horibata de la Universidad de Kioto, Japón. Algunas de sus exposiciones individuales son: ¡No trabajes jamás!, Pequod Co, Ciudad de México, 2022; Códigos en Rosa Tokyo, grafemas en Verde Mojito, un proyecto digital, 2021; Dislocaciones demarcadas , Estudio Marte, Ciudad de México, 2019; Diario se cuela la luz, diario se fuga el color, Galería Hilario Galguera, Ciudad de México, 2016; Los efectos a largo plazo son aún desconocidos , Museo de Arte Carrillo
Gil, Ciudad de México, 2016 Luz obscura, Galería Hilario Galguera, Ciudad de México, 2016; Polvo de un sol distante, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México, 2013, por mencionar algunas. Las exposiciones colectivas en las que ha participado son Material Art Fair, Saenger Galería, Ciudad de México,2023; Corazón egoísta , ACHE Galería, San Luis Potosí, México, 2023; Atl 217, Acapulco 62, Ciudad de México, 2022; Bitácoras , Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, Colección Fundación Casa Wabi, Ciudad de México; Museo Abierto / Acervo MACO, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México; Subasta SOMA, Ciudad de México 2021; Al aire libre, proyecto virtual y editorial, Chile, Brasil, México, 2020; If You Like This, You’ll Love That , Collarworks, exposición virtual Imagen y palabra entre muchas otras. Ha sido beneficiario del programa del Sistema Nacional de Creadores de ARTE, Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en dos ocasiones (2022 – 2025 y 2018-2021). En 2002 se hizo acreedor a la Beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Recibió en 1999 el Apoyo del programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y su obra se puede encontrar en Colección JUMEX, Ciudad de México; ESPAC, Ciudad de México; Fundación RAC, Pontevedra, España; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México; Museo de Arte de Sonora, Sonora, México; Nassau County Museum of Art, Nueva York, Estados Unidos; The Spencer Collection, New York Public Library, también en Nueva York; USC Fischer Museum of Art, Los Ángeles y en la Colección Alma Colectiva, en Guadalajara, México.
(México, 1963)
Vive y trabaja en la Ciudad de México. Desde hace más de 20 años, su trabajo se ha especializado en la elaboración de un discurso crítico acerca de temas como migración, mestizaje y movilidad, a través de la resemantización de símbolos y ritos cotidianos de la cultura del consumo global, como automóviles, tatuajes, señalética urbana, etc. De igual manera, se ha interesado en abordar la problemática del arte público así como del arte popular, su permanencia y relación con el tejido social y con públicos alternativos del arte contemporáneo. Ha realizado más de 100 exposiciones individuales en los cinco continentes, entre las que destacan las del British Museum, Grand Palais, York Avenue en Washington, Pabellón de México en la Expo Dubái 2020, Place Du Louvre, la Vieille Bourse en Lille, la Gran Ofrenda
del Zócalo de la Ciudad de México, Nevada Museum of Art, Neuberger Museum, Nelson & Atkins Museum of art, Museo Anahuacalli, Museo Dolores Olmedo, Antiguo Colegio de San Ildefonso, Museo Amparo en Puebla, MARCO, Museo de Monterrey, Canberra University Museum, Museo Carrillo Gil, la Recoleta en Buenos Aires y varias más. Ha participado en numerosas residencias y exposiciones internacionales como Bienal de La Habana, bienal de Portoalegre, Art Grandeur Nature en la Courneuve, Francia, Le Clezio en el Museo de Louvre, Exposición ECO en Museo Reyna Sofía, InSite 97 en San Diego y Tijuana, respectivamente, Bienal del Cairo, Kohj en Bangalore India, BIENAL SUR, Buenos Aires y Bogotá entre otras. Su obra forma parte de importantes colecciones como British Museum Collection, Museos de Arte Contemporáneo de Houston, Phoenix y Montreal; Daros Collection en Suiza, Nelson & Atkins, Nevada Museum of Art Collection, Banco Mundial en Washington, Gelman en México, MOCA de Los Ángeles, Museo de Monterrey así como en el Museo de Arte Contemporáneo de Portoalegre, Brasil
Bradley Narduzzi
(Estados Unidos, 1967)
Estudió arquitectura en la universidad Columbia en Nueva York. Fue diseñador de muebles y arquitecto durante varios años antes de dedicarse a su carrera como pintor a partir del 2001. En 1992 recibió la beca Salomon R. Guggenheim Foundation para el programa en Venecia, Italia y en 1996 lanzó una línea de muebles contemporáneos. De 1998 a 1999 fue profesor en la Parsons School of Design, en el departamento de diseño de muebles. En 2001 recibió el premio de Artista del New York Council on the Arts y en 2003 recibió el Young Artist Award de The Art Student League of New York City. Desde el año 2003, Narduzzi vive y trabaja en la Ciudad de México y en Nueva York. Algunas de sus exposiciones se han presentado en diversos recintos y algunas de ellas son 19 Aniversario Arte Contemporáneo, en Museo Estatal, Querétaro, México, 2007; Latitud 20 14 16 Arte Contemporáneo, Centro de Cultura Tampico, Tampico, México, 2007; VIII Bienal de Monterrey 2007, Monterrey, México; Stuart Davis y sus contemporáneos , Englewood, Nueva Jersey, 2007; Art 20, Feria Internacional de Arte, Armory, Nueva York, 2007; La Galería, Málaga, España, 2006; Casa Mayor, Ciudad de México, 2005; R-Arte, Ciudad de México, 2005; ArtFest 2005, Ciudad de México, México, 2005, “Artistas en Residencia”, Museo de La Ciudad, Ciudad de México, México, por mencionar algunas. Su obra tiene la capacidad de generar armonía con formas simples y una gama
de colores suficientemente expandida, que catalizada por el pop convierte los espacios en zonas completamente renovadas.
CA Art Collective
(México y Argentina, 1980 y 1981)
Dúo Artístico conformado por Ara + Mariano. Reconocen que el arte existe porque se construye en comunidad, desde la producción hasta la apreciación. La naturaleza de lo humano, lo divino, lo terrenal, el cosmos, las distintas realidades se condensan en su obra de Mundos Paralelos , la cual consta de 6 series, que muestran que se puede estar y no estar al mismo tiempo, para convertir ambas opciones, en una probabilidad cósmica. De esta forma, establecen armonía a través de la geometría como una búsqueda para reivindicar que “existimos porque somos”, como una forma de establecer una relación de reciprocidad del arte con la sociedad. Destinan un porcentaje de la venta de sus obras para apoyar a fundaciones u organizaciones de la sociedad civil que desde su trabajo, ayudan a reconstruir el tejido social. Las piezas que conforman Mundos Paralelos , se han exhibido en Residencia Radio28 CS; Sólidos Platónicos, Ciudad de México, 2023; Art Week CDMX, Ciudad de México; Litosiderito is in da house, Campo Marte, Ciudad de México en este 2023; Muestra Anual Arte Vivo, Fundación México Vivo en Museo Rufino Tamayo, 2022. También se han presentado en Casa EME, Ciudad de México y en La Galería DLL, Aribau 101, Barcelona, España en 2022.
Claire Becker
(Francia, 1964)
Es una artista que tiene más de 25 años de carrera como escultora. Estudió artes plásticas, música, teatro, literatura y danza y reside en México desde 1997, después de haber vivido en Nueva York 10 años como bailarina y artista. En su práctica artística no disocia su búsqueda estética de su búsqueda espiritual. Sus series de obras híbridas entre escultura, instalación, fotografía, texto y medios alternativos, invitan a cuestionarse de manera lúdica, poética y experiencial, las cuales nacen de su experiencia como viajera, mujer y alma confrontada a la vida material en un mundo de múltiples caras y realidades. Ha participado en más de 120 exposiciones y ferias de arte en varios países de Europa, Asia, América y Australia, ha presentado 27 exposiciones individuales, la mayoría en galerías, espacios públicos y museos de México como el Senado de la República mexicana, la Galería de Arte Público de la estación Tacuba en el metro de la Ciudad de México, el Museo
de Historia de Tlalpan, el Museo de la Mujer, el Museo MACAY en Mérida, el Museo del Chopo, Ciudad de México, el Museo de Antropología de Xalapa, Veracruz y la Plaza Juárez, Ciudad de México. Es curadora de la exposición colectiva Viceversa, miradas cruzadas de lo masculino sobre lo femenino y de lo femenino sobre lo masculino, en el Museo de la Cancillería en la Ciudad de México, 2021. El cortometraje sobre su serie escultórica Involutati, en el que colaboró con el guión, la dirección y la edición, el cual, ha sido parte de la selección oficial de quince festivales internacionales de cine, en donde ha sido ganador de diversos premios, incluyendo Mejor película experimental en el Las Vegas International Film and Screenwriting Festival en Estados Unidos, en 2021.
Claudio Roncoli (Argentina, 1971)
Claudio Roncoli nació el 19 de marzo de 1971 en Capital Federal, Buenos Aires, Argentina. Es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de Buenos Aires. Participó en el taller de serigrafía Andrea Moccio en Buenos Aires, Argentina en 2001 y en el taller de serigrafía de Miguel Lescano en Lima, Perú, 2003.
Conchita Pineda (Venezuela, 1977)
Estudió arquitectura y diseño gráfico en la Ilustre Universidad del Zulia, en la Ciudad de Maracaibo. Cuenta con experiencia en el Arte y Diseño a nivel de instituciones Públicas y Privadas. Su propuesta artística es producto de reflexiones sobre la creación, la vida, un evento minúsculo ante la inmensidad del universo, las relaciones del azar, a la casualidad, al descubrimiento de la idea, de la acción de crear en sí misma y la transformación de los elementos en el tiempo. Actualmente, desarrolla su investigación artística y trabajo de creación de su marca personal entre Barcelona, España y Miami. Su obra ha formado parte de diversas exposiciones como Arte Vivo 2022, Museo Tamayo, Ciudad de México; Expo Pride Art 2022 Barcelona, Stop Sida ONG, Barcelona, España; Celebration Pride 2021 Coral Gables, Florida; Expo Pride 2021 Sitges Barcelona, Stop Sida ONG, Barcelona, España; Innovación, Movimiento y Color. Homenaje al artista Carlos CruzDiez , Miluna Life and Art, Gallery, Barcelona, España, 2019; 3i3 Joyería Contemporánea, Miluna Life and Art Gallery, Barcelona, España, 2019; Luna (United Latinas in the Arts) Artista invitada, Genesis Gallery, Milwaukee, Estados Unidos, 2019; Venezuelan
Format , Art Gallery 448, Milwaukee, Estados Unidos, 2018; En ausencia de oxígeno, Centro de Bellas Artes Ateneo de Maracaibo, Venezuela, 2018; Collective Gallery 210, Nueva York, Estados Unidos, 2017; Art en Femení, Barcelona, España en 2015, 2017 y 2018; Segundo Festival de Gráfica México Aid for Aids , Museo Soumaya, Ciudad de México, 2015; Exposició Sant Jordi 2015 , Reial Cercle Artístic, Barcelona, España, entre otras.
Cristina Kahlo (México, 1960)
A lo largo de su trayectoria, Cristina Kahlo ha abordado distintos aspectos dentro de la fotografía de autor y la fotografía documental. Al inicio de su carrera, realizó una extensa documentación fotográfica sobre temas como el autismo, síndrome de down y parálisis cerebral infantil en distintas instituciones. A lo largo de su incursión dentro de la cultura mexicana, ha sido fundadora y directora de la Galería Alternativa de 1983 a 1985 y posteriormente, en sociedad con Juan Coronel Rivera, fundaron la Fotogalería KahloCoronel, que tuvo actividades de 1986 a 1991 en la Ciudad de México. Como curadora independiente en el área de fotografía, trabajó para importantes museos internacionales como el Martin Gropius Bau en Berlín, Alemania; el Kunsforum en Viena, Austria; el Palazzo Ducale en Génova, Italia y el Museo del Palacio de las Bellas Artes en la Ciudad de México, entre otros. Ha impartido conferencias sobre fotografía en la Universidad Anáhuac en la Ciudad de México; en UDEM en Monterrey, México; Universidad de Santa Fe, Nuevo México, Estados Unidos y la Freie Universität en Berlín por mencionar algunas. En México ha participado como jurado y tutora del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. En la última década, ha centrado su interés en la geometría, los conceptos de viaje y desplazamiento geográfico en exhibiciones tales como Laboratorio de Ficciones (2011); La Mirada del Viajero (2015), presentada en la Bode Galerie en Karlsruhe, Alemania y Marco Polo es Metáfora (2014), en Patricia Conde Galería, Ciudad de México. Su interés por la arquitectura y su diálogo con la luz se refleja en muestras como Revelaciones del Palacio de Bellas Artes (2014) y Lo concreto (2017). Gracias a su trabajo artístico, le fue otorgada la beca de Residencia de la Fundación Bartels de Basilea, Suiza y por Tiempo de Danzón , recibió el Premio Nacional a la Preservación y Difusión del Danzón Rosa Abdala en Artes Visuales, del Gobierno de Veracruz en el año 2011.
Damián Suárez (Venezuela, 1988)
Las principales exposiciones individuales en las que ha participado este artista venezolano son: Fenotipo de la Luz , Espacio Mannach, Ciudad de México, 2015 y 2017 en Pandea, Puebla; Lenguaje Subconsciente 1ra Edición ; Aeropuerto FBO Acapulco, México, 2017; 2da Edición ; Pavillion, Madrid, España, 2018, 3ra Edición, Craighead Green Gallery, Dallas, Estados Unidos; El Ser Etológico 1ra Edición ; Centro de Cultura Gabriel García Márquez, Fondo de Cultura de México en Colombia, Bogotá, 2019, 2da Edición ; CAM Gallery, Ciudad de México, 2019; Exit , Museo de Arte de Sinaloa, Culiacán, 2014, Arte Vivo, Museo de Arte Moderno. CDMX, 2016, 2017 y 2018. La Ciudad de las ideas, Puebla, 2019. Mención de Honor Bienal Nacional de Pintura Julio Castillo”, 2014.
Daniel Avilés
(México, 1988)
Estudia en la Academia Nacional de San Carlos donde desarrolla sus habilidades en diversas disciplinas como el dibujo, la pintura, la escultura y el grabado. The journey, 2018 y Chimaeram, 2019 son sus dos exposiciones individuales realizadas en el California Science Center, Los Ángeles. Formó parte de la selección final de la Bienal de dibujo Osten en 2020 en la National Gallery de Macedonia. En México, ha participado en exposiciones colectivas en recintos como la Academia de San Carlos, La Asamblea Legislativa de la Ciudad de México, Casa Azul Maya Ch’oj, El Metro de la Ciudad de México, Confederación Deportiva Mexicana, La Casa de Cultura San Rafael, Casa de cultura de la UAEM en Tlalpan, la Casa de Cultura de Celaya Guanajuato, STUNAM, entre otros. Fue preseleccionado en la Bienal de pintura J.A. Monroy 2018. Parte de su trabajo se nutre del interés en las culturas prehispánicas, la ciencia y la figura humana. Algunas de sus obras se encuentran en colecciones privadas en países como Suecia, Alemania, Francia, Suiza, España, Brasil, Emiratos Árabes, Estados Unidos y México.
Daniel Dugan
(Estados Unidos, 1978)
Comenzó a desarrollar su estilo de arte personal y meditativo a los 10 años, al dibujar meticulosos laberintos con una línea continua uniformemente espaciada que nunca se intersecta. Este ejercicio de resolución de problemas le ayudó a poner a prueba su paciencia y precisión así como una forma de práctica espiritual para aquietar la mente. La línea se convirtió en una de sus obsesiones, gracias a lo cual cada obra rea-
lizada, representaba el flujo de la vida con sus giros inesperados. Graduado con honores en Ciencias, Biología Pre-médica y Español en la Universidad de Alabama de 1997 a 2001, Dugan, ha participado en residencias internacionales como Pascal Morabito Art Villa, Bali, en 2022; Labyrinthia, Ibiza, 2021-2022; Kho Phangan, Tailandia, 2022; Steiner Ranch, Austin, Texas, 2022; El Monasterio, Puerto Rico, 2020. Su obra es parte de colecciones como Eugenio López, Colección Jumex, Los Ángeles – Ciudad de México; Diane von Furstenberg, Nueva York; Colección Kadisha, Los Ángeles; Diane Allen, Los Ángeles; Brock Pierce, Puerto Rico; Stefan Ashkenazy, Los Ángeles; Claire Chung, Shanghái y Maximilian Springer, Hong Kong. Las exposiciones en las que ha participado son Ksar Ibiza , Exposición colectiva, Ibiza, España, 2023; Translations/Traducciones , Ciudad de México, 2023; Window Project , Rue de la Paix, París, 2022; LA Art Fair, en Klaus Moeller Gallery, Los Ángeles, 2021; Spring/Break Art Show, Los Ángeles, 2020; Bombay Beach Biennale, Bombay Beach, California, 2019, entre otras. Algunos de los murales que ha realizado son: Laberinto de hierba , ChamarandesChoignes, Francia 2023 y en 2020 en Topanga, California; Mural GG Tokyo, Nueva York, 2022 y Havana House, Cuba, 2018.
Daniel Mattar
(Río de Janeiro, 1971)
Estudió arte y diseño en la Pontificia Universidad
Católica de Río de Janeiro. Su investigación en fotografía comenzó en Tokio, Japón, donde vivió y trabajó en los años noventa. Desde hace veinticinco años que la fotografía es su forma de expresión, desempeñándose en diversos campos como la moda, el retrato y el documental. La obra de Daniel está llena de paradojas: la cámara tecnológica al gesto intuitivo con la pintura al óleo. Desarrolla diálogos a través de la fotografía que muestran múltiples tridimensionales en planos bidimensionales. Mediante el uso de pinturas al óleo y/o pigmentos minerales, el artista compone sus imágenes interviniendo pequeñas áreas de empaques, imágenes de libros, cartuchos de tinta, fotos de archivos personales y otras superficies relacionadas con la reproducción de imágenes. Una vez terminados, sus microespacios son inmediatamente fotografiados cuando las pinturas aún están frescas para ser impresos en obras de gran formato, lo que le permite establecer un vasto vocabulario dimensional de volúmenes y colores. Daniel realiza exposiciones individuales y colectivas desde 1988, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM-RJ), el Centro Cultural Banco
do Brasil (CCBB) y el Espacio Cultural Sergio Porto. Actualmente, vive en Lisboa, Portugal, donde desarrolla su trabajo artístico.
David Alfaro (México, s/f)
Escultor, sociólogo e hijo de la cerámica, egresado de la UNAM, la Academia de San Carlos y la Escuela de Artesanías del INBAL, con más de 18 años trabajando para las artes y la educación. Su arte se basa en la simbología de las representaciones sociales y culturales.
Donovan Quiroz (México, s/f)
Fotógrafo y creador visual independiente, nacido en la Ciudad de México. Estudió la licenciatura de Diseño y Comunicación Visual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la Universidad Nacional Autónoma de México. Comenzó su carrera como fotógrafo en editoriales de moda independientes como Pánico Magazine, GXXRL Magazine, Revista 192, i-d México, Timeout México, Suspend Mag, Huf Magazine, Defuze Mag, Hyperanimals, Y- NOT Magazine (de la cual es codirector), The Beauty Effect, Moi, BBMundo, Revista Central, Paper City, Baltic Guide, Fashion Finland entre otras. Su trabajo ha sido parte de exhibiciones colectivas como: Bribones , Libertines: Jotxs y Recuerdos , Pose: Fotografía de moda en México, Diseñando México 32, Y- NOT Exhibition Vol I y Vol ll, Like a Friend, Paraísos Artificiales (Galería Enrique Guerrero) y Grandes Hiits (Pequeños Bribones). Como artista, la voz fotográfica de Donovan articula una visión única de la belleza y brinda una intimidad y honestidad distintas en los medios en los que se aloja, al explorar conceptos de identidad sexual, soledad, transfiguración y masculinidad.
Eduardo Estrada (México, 1985)
Su proceso como artista plástico se desenvuelve de manera empírica y autodidacta, esforzándose en la práctica, la experimentación y tomando recursos de libros y talleres virtuales de escultura y pintura para lograr el entendimiento y manejo de la materia. De esta forma, ha logrado desarrollar su propia Fundición Artística en Bronce, una nueva e inmensa puerta de experimentación, no solo en el modelado, sino en todo el proceso creativo y de producción de una pieza, lo que permite que cada obra, sea única y modificable de acuerdo a su necesidad creativa. Para él el arte es la mejor manera que tienen los seres humanos de comunicarse, es el canal que cuenta la historia
de la humanidad y narra el contexto histórico y social que la rodea. Se ubica en el aquí y ahora, para transmitir emociones e ideas, ya que es un lenguaje que domina y desnuda al ser humano. Su arte pretende ser partícipe de un ligero espacio en la historia, aportar a este lugar en el que habita una pequeña mejora, es una propuesta al que observa en la que prevalece la maravilla del mundo, con el objetivo de encontrar en el arte el entusiasmo que muchas veces ya no se alcanza a percibir. Su obra como parte de colecciones privadas ha recorrido parte de la República mexicana en lugares como Monterrey, Coahuila, Guerrero, Oaxaca, Puebla, Guadalajara, Jalisco, Cancún, entre otros. Además, ha estado presente en países como España y EUA. Su primera exposición individual fue realizada en el Museo Metro de la Ciudad de México. Cuenta con poco más de 20 exposiciones colectivas realizadas en espacios como el Museo Legislativo de la Cámara de Diputados, Museo Bicentenario del Estado de México, la Alameda Central de la Ciudad de México, Centro comercial
Vía Santa Fe, Paseo Interlomas, Museo Rufino Tamayo y el Centro Cultural México Bicentenario.
Emilio Rangel
(México, 1982)
Con una producción constituida mayormente por esculturas, Emilio Rangel centra su trabajo técnico en el contacto directo con el material, al utilizar como medio la plastilina epóxica, entre otros soportes. Este elemento permite que su práctica sea siempre lúdica, lo que evoca el juego que se desprende naturalmente al experimentar con un material maleable, como se hace desde la infancia con la plastilina. El resultado final son objetos de carácter cercano a la manualidad, pero con la herencia de una sólida escuela de arte contemporáneo que hace guiños a la cultura comercial y popular. Su trabajo, ya sea escultórico o gráfico, es una especie de metamorfosis conceptual que transforma en personajes de antiguos mitos del universo, religiones y creencias que el ser humano ha producido a lo largo de la historia, para dar como resultado personajes zoomorfos o caricaturas de nuestros tiempos. En muchos casos, logra un diálogo profundo con el espectador, basado en los recuerdos infantiles o en los elementos de identificación simbólica, que pueden provenir inclusive de las creencias religiosas de quien observa la obra. Ha participado en más de quince muestras colectivas nacionales e internacionales en instituciones públicas y privadas como el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México, Co-lab en Copenhagen, Dinamarca; Queens Nails Annex de San Francisco, California, Estados Unidos;
el Centro Nacional de las Artes de la Ciudad de México, el Centro Cultural Tijuana en Tijuana, Baja California; la Fábrica de San Pedro, Uruapan, entre otros.
Inició su carrera como arquitecto en su ciudad natal Cali, Colombia. Estudió la Licenciatura en Arquitectura en la Universidad de San Buenaventura en Santiago de Cali, Colombia en 2011 y su MLA en la Universidad de Buenos Aires Argentina en 2014. En 2015, decidió pasar de una exitosa carrera en arquitectura a su verdadera pasión, la pintura. Se mudó a Nueva York y se sumergió en la escena artística de renombre mundial. Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Sus pinturas, resultado de técnicas mixtas y dibujos, están inspiradas en los recuerdos personales y las historias que recopila en el camino. Su trabajo se desarrolla entre la observación y la crítica social. Son provocativas e intrínsecas, cuestionan lo mundano y fomentan la autorreflexión. Sin sumergirse en el clima político actual, el trabajo de Lasso cambia la atención del ruido de los titulares a la experiencia personal de los migrantes. Revela de manera gráfica la lucha de aquellos que persiguen sueños que no siempre se han materializado de la manera esperada, sino que se han transformado en algo nuevo, extraño y desafiante, pero a menudo igual o más satisfactorio. Explora esa conversación íntima que ocurre dentro de ti: tu yo pasado, presente y futuro. Cada charla es única y envuelve capas de complejidad, placeres momentáneos, alegrías y dolor e indaga en los recuerdos y recopilación de historias de las personas que encuentra en sus viajes. Su trabajo está inspirado en las técnicas del expresionismo figurativo de los años 80 para exponer los ideales colectivos y las emociones de estas historias a través de pinceladas rápidas aparentemente irreflexivas. Acrílicos, óleos, carboncillo y bolígrafos dan vida al lienzo en bruto, elevando cómodamente las tensiones que existen en su interior. Ha participado en exposiciones colectivas que se han llevado a cabo en las lugares como la galería Mayson, Bowery Bond, Nueva York, Society for Ethical Culture, Galería Richard Taittinger, Galería Avant Miami, Galería Avant NY, Art Basel Miami y Art NY NY. En 2018, colaboró con Saks Fifth Avenue y Good Luck Dry Cleaners para una presentación especial junto con la Semana de la Moda de Nueva York, que incluyó un escaparate con los diseñadores Valentino e Issey Miyake. En 2017, fue incluido en 10 Rising Street Artists Who Are Taking the Art Form Beyond Banksy de ArtNet. En 2019 fue incluido en la edición de noviembre de 2019 de 5 artistas emergentes para ver este mes de ArtNet por su pre-
sentación individual de palabras con la galería Avant en Nueva York. Su obra figura en numerosas colecciones privadas.
Fer Narchi (México, s/f)
Diseñadora gráfica y fotógrafa mexicana con pasión por la creatividad, el diseño y la exploración, su espíritu aventurero la llevó a capturar imágenes desde los 13 años durante sus viajes. Con solo 16 años, obtiene su primera cámara, convirtiéndose en la herramienta de todos sus trayectos. A través de la fotografía, disfruta enseñar a otros y considera que su cámara ces un tercer ojo. Considera que no hay arte ni recuerdo más grande que aquel capturado a través del objetivo, ya sea un evento, un paisaje, un retrato o cualquier otro tema, idea con la que cristaliza la idea de Ansel Adams: “No tomas una fotografía, la haces”. El diseño gráfico, la fotografía y el collage, son sus principales fuentes de inspiración y satisfacción infinita, ya que estos medios le permiten plasmar sueños, ideas y perspectivas en formas visuales. Su trabajo es un viaje continuo de exploración, con el que busca traspasar los límites de su propia expresión artística para capturar la belleza que la rodea. Estudió la licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana de 2015 - 2020. También ha realizado diversos estudios como Diplomado en Social Media Marketing en Sydney, Australia en 2018 y Diplomado en Dirección Creativa en Branding en CENTRO. Obtuvo mención honorífica en Whalebone magazine en abril 2023, en la categoría de aventura con la foto Gambit . También participó en la exposición fotográfica Bitácora de Luz en San Pablo, Oaxaca, 2022; Subasta EXPO Fotografía Pixa 2022, Exposición Colectiva y Subasta para Comer y Crecer, Ciudad de México, 2015. En abril 2023, realizó una exposición individual de su trabajo fotográfico en la Ciudad de México.
(México, 1986)
El artista plástico nacido en Oaxaca, es ilustrador de libros, promotor de las culturas indígenas, hablante de la lengua mazateca y maestro de talleres de pintura, dibujo y grabado. Es egresado de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca, de la Licenciatura de Artes Plásticas y Visuales de la Facultad de Bellas Artes en 2012. Como pintor, cuenta con más de 30 exposiciones individuales y colectivas entre las que destacan las realizadas en el Colegio de San Ildefonso, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca-IAGO, el Museo Nacional de las Culturas del Mundo del INAH y el Museo Nacional de Culturas Populares. Su trabajo
como ilustrador ha estado en la portada de la Revista Arqueología Mexicana en su 25 aniversario, edición especial 83. La revista Playboy Edición especial de arte 2020. La revista Mexicanísimo no. 120, entre otras. Como tallerista ha impartido talleres de gráfica y pintura en diversos museos, y casas de cultura, como el Complejo Cultural los Pinos a través de Alas y Raíces de la Secretaría de Cultura, así como en comunidades indígenas del estado de Oaxaca.
Artista italiana residente en México que realizó sus estudios en la Academia de Artes de Milán. Desde 2004 se dedica a la realización de efectos especiales y escultura para la industria del cine, lo que le ha permitido aprender técnicas de modelado, que comenzó a incorporar a su obra personal como artista. Francesca llegó a México en 2006 con la producción de la película Apocalypto de Mel Gibson y decidió quedarse por motivos profesionales. La influencia surrealista de la vida en México, junto con el amor por el cine y la literatura fantástica, determinaron su estilo y concepto de manera decisiva. Su obra investiga la anatomía fantástica, los sueños, la identidad propia, la transformación y evolución espiritual, el sentido de pertenencia, la soledad, la conexión del ser humano con el cosmos y con lo divino. Cuenta con 15 exposiciones individuales realizadas en espacios como Galeria Oscar Roman, Fundación Sebastian, Galeria de la Universidad Iberoamericana, Espacio y Lugar, Aguafuerte, Galería Málaga, entre otras. También cuenta con numerosas exhibiciones colectivas en lugares como Galería Corsica, Galeria Oscar Roman, Ex Teresa, etcétera. Su obra ha sido reseñada en revistas especializadas en arte (Horizontum, Escenario, La Razón, Milenio Diario, El universal, Distrito Global) así como en numerosos programas culturales de radio y televisión (Milenio TV, Canal 22, Canal Once, El Matutino TV, El financiero TV entre otros). Desde hace 9 años, parte de su carrera se ha enfocado en la enseñanza y formación de nuevos talentos en el área de las artes plásticas y la caracterización dentro del campo artístico y cinematográfico.
Francesco Merletti (Italia,1966)
Presente en el mundo del arte durante varios años, comenzó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán. Ha colaborado con varias galerías, incluidas Magrorocca, Milán, 6x4 the Affordable Art Project, México. En 2013, su obra fue seleccionada para ser exhibida en diversos espacios como Gallerie
d’Italia, Museo Poldi Pezzoli, Fondazione Antonio Mazzotta Wunderkammer, Arte. En 2012 fue parte de Triennale di Milano Pelle di donna, Volta Basel 2010; Saachti&Saachi New York, Subasta a beneficio de la Escuela de Arte de Harlem, 2006 y la Scope, Nueva York, 2005. También ha sido reconocido con el Premio Celeste, Museo Marino Marini, 2006; Premio Cairo Arte Mondadori, Museo della Permanente, Milano, 2004; Premio Durini, Museo della Permanente, Milano, 2001 y el Premio Morlotti, Imbersago, 2000. Su trabajo ha aparecido en la publicación ARTE Cairo Editori n° 460 en diciembre 2011.
Germán Venegas (México, 1959)
Pintor, escultor, dibujante y grabador mexicano nacido en Magdalena Tlatlauquitepec, Puebla. Es egresado de “La Esmeralda” Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, del Instituto Nacional de Bellas Artes (1977-1982). Antes de su preparación formal como artista plástico se desarrolló como artesano tallador. Es ampliamente reconocido como uno de los más destacados representantes de la generación de artistas que durante la década de los ochenta irrumpió con gran vigor en la escena de la cultura nacional denominada neomexicanista, en la que Germán Venegas destacó por su avidez de vanguardia y poseer cierta mirada nostálgica de lo mexicano. Su obra sintetiza de manera admirable ambas perspectivas que aunadas a su inobjetable maestría, ya sea en tallado de altorrelieves coloreados, esculturas, dibujo, grabado o pintura, la dotan de un carácter propio que le ha merecido reconocimiento internacional. Después de un período amplio dedicado a la escultura, Venegas regresó al quehacer pictórico, la búsqueda de un nuevo punto de partida que lo condujo al universo filosófico-religioso del budismo en donde encontró un vínculo entre su existencia y su arte, lo cual enriqueció su obra con una nueva percepción de la vida y de la muerte. Presentó su primera exposición individual en 1984. Se hizo acreedor al premio de adquisición en el III Encuentro de Arte Joven en 1983 y ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en cinco ocasiones: 2001, 2004, 2010, 2014 y 2020. Además, obtuvo la beca del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales en 2000, también otorgada por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Su obra se ha expuesto en México, Estados Unidos, Japón, España, Guatemala, Brasil, Alemania, Ecuador, Australia, Cuba, Italia, Francia, China e Inglaterra, Países Bajos. Es parte de importantes colecciones del Museo
de Ponce en Puerto Rico, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo Metropolitano de Nueva York, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo en Badajoz, España, Museo de Arte Carrillo Gil, Marieluise Hessel Collection, Hessel Museum of Arts, CCS, Bard, N.Y. Museo Tamayo Arte Contemporáneo, entre otros.
Gilberto Aceves Navarro
(México, 1931 - 2019)
Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en 1950 bajo la dirección de Enrique Assad, Ignacio Aguirre y Carlos Orozco Romero. En 1952 trabajó como asistente con el maestro David Alfaro Siqueiros en la realización de los murales de Rectoría en la Universidad Autónoma de México y continuó sus estudios en “La Esmeralda” en 1953 con el maestro Isidro Ocampo en el área de grabado; pero fue expulsado de la escuela. De 1957 a 1961 impartió clases en el Institute of Mexican-American Cultural Exchange en Los Ángeles, California, en 1971 dentro de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México y desde 1998 en su propio taller, ubicado en la Colonia Roma en la Ciudad de México. En 1968 realizó Poema floral, mural al óleo realizado para el Pabellón de México en la Hemisfair de San Antonio Texas, Estados Unidos en 1970; Yo canto a Vietnam, mural de acrílico, Pabellón de México, Feria Mundial de Osaka, Japón y su mural Canto triste por Biafra, es parte del acervo del Museo de Arte Moderno, pieza clave para el desarrollo de La Ruptura. También destacan sus murales Canto a la raza y Danzas de la vida y la muerte. En 1989 recibió la mención honorífica en la Bienal de Cannes Sur Mer en Francia, así como el Premio Universidad Nacional de la Universidad Nacional Autónoma de México. Durante 1994, realizó las obras murales Agredida por los zancudos , mural de acrílico sobre lámina de fierro, instalado en la carretera entre Zarzal y Roldanillo para el Museo Rayo, Roldanillo, Colombia y Los músicos , mural de acrílico sobre tela, en Nueva York, Estados Unidos. En 1996 realizó la obra mural La guerra y La Paz en la avenida Santa María La Ribera, Ciudad de México y la instalación efímera Monte Albán, con 11000 botellas de vino en el Museo de Historia de México, Monterrey, Nuevo León. Fue miembro de la Academia de Artes desde 2003, año en el que ganó el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes. En 2009 se realizó una exposición retrospectiva de su obra, la cual ocupó por completo el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México.
El director, guionista y pintor, nacido en Padua el 3 de septiembre de 1975, comenzó a pintar en 2010 en Los Ángeles mientras escribía el primer borrador del guión de la película 88 . Entre los lapsos de hacer una película y otra, tiene períodos frustrantes porque no puede dar rienda suelta a su creatividad: “Empecé a pintar como un remedio a este tipo de frustración, y hasta el día de hoy creo que pintar para mí es terapéutico porque me permite descargar todas las emociones que estoy sintiendo en la pintura, enfrentar mis miedos y enfrentarme a mí mismo y a mis inseguridades”. Pinta en diferentes superficies: lienzo, cartón, madera contrachapada y paredes: “No uso una técnica precisa. Cuando dirijo una película, principalmente trato de recrear emociones de varias maneras, pero allí tengo un equipo de filmación y actores para guiar. En la pintura de alguna manera es más fácil porque solo tengo que dirigir mi creatividad usando los colores como vehículo”. Así como en el cine, cree que no es importante respetar las reglas, sino solo asegurarse de que la elección de no seguirlas no comprometa el resultado final, que, tanto en la pintura como en la dirección, es el de transmitir emociones. En 2013 exhibió sus obras por primera vez en Miami, en el prestigioso escaparate Art Basel. “Me siento afortunado, porque soy consciente de que para muchos, Basilea es un objetivo, y tuve la oportunidad de mostrar mi obra allí, mi ser en color, junto a grandes artistas”. Posteriormente, expuso en México en dos ocasiones diferentes, primero durante la feria MACO y luego durante la ceremonia de Global Gift de Eva Longoria. También ha llevado su obra a Londres, Nueva York y Los Ángeles, donde por primera vez expuso bolsas pintadas como lienzos. “Las personas más cercanas a mí, me instaron durante varios años a mostrar mis obras, pero no me sentí preparado, no porque fuera inseguro, sino porque soy discreto, hay tanto sobre mí en cada obra que pinto, que sentí que estaba revelando demasiado, y soy una persona discreta aunque no lo parezca porque mi trabajo me pone en el centro de atención”. Desde su infancia. Ferlito ha seguido impulsivamente su instinto, impulsado por el miedo a perder algo que se origina en su imaginación más inconsciente, en sus sueños, tenía miedo de desperdiciar algo precioso, al que su lado creativo daba vida. “Esa es la razón por la que cuando pinto es como si estuviera haciendo una sesión terapéutica, me ayuda a disipar las dificultades que estoy viviendo en ese momento”. Sus obras de arte han sido adquiridas tanto por coleccionistas como por estrellas de cine. “Es una sensación extraña
enviar tu obra al otro lado del mundo, especialmente cuando la estás enviando a actores que son iconos del cine, que me han enamorado de este trabajo y que, hoy, disfrutan de una emoción que una de mis obras comunica”. En la pintura se identifica con imágenes poderosas, cargadas de fuerza emocional, a veces arriesgadas, que le hacen obedecer a los sentimientos del momento y le hacen pintar de tal manera que exprese sus emociones reales. “Cuando pienso en cómo rodar una escena, me viene a la mente el encuadre más estándar, más glorificado y menos arriesgado, sin duda, pero cuando miro a la cámara de cine, donde tienes la percepción real de lo que estás a punto de rodar, es en ese preciso momento que me comparo con mi conciencia artística y me pregunto si quiero transformar mi guión de esa manera. No acepto la cobardía en el arte, prefiero ser malinterpretado o mal entendido siempre y cuando no tenga que hacer compromisos con mi creatividad que no me perdonen”.
Gonzalo Lebrija (México, 1972)
Estudió Ciencias de la Comunicación en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente, Guadalajara, México. Se vale del video, la fotografía, la instalación, la escultura y la pintura para explorar desde distintas perspectivas la experiencia estética del tiempo. A través de múltiples formas de registro o aproximación del instante, mediante un lenguaje poético y lúdico, evidencia estructuras sociales y culturales, así como las contradicciones del sistema de organización capitalista que habitamos. Con un nihilismo casi humorístico, explora el pasaje y la futilidad de la vida, a menudo centradas en las posibilidades vertiginosas de momentos congelados. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre las que destacan: La casa que nos inventamos , Oklahoma Contemporary Arts Center, Oklahoma, Estados Unidos,2022; Miracle of the Eternal Present , Palm Springs Museum, Estados Unidos, 2022; La suerte de detener el tiempo, Centro Cultural Juan Beckmann Gallardo, Tequila, México, 2021; Al filo de la navaja , Museo Jumex, Ciudad de México, 2020; Kodak – Instantánea , Antigua Fábrica Kodak, Guadalajara, 2020; Saber Acomodar, MCA, Denver, Estados Unidos 2017; El día es azul, el silencio es verde, la vida es amarilla... , Museo Experimental El Eco, Ciudad de México, 2017; Cómo te voy a olvidar, Galerie Perrotin, París, 2016; Motopoétique, Museo de Arte Contemporáneo de Lyon 2014; Habitar el tiempo, Museo Jumex, Ciudad de México, 2014; The House, Faggionato, Londres, 2014 son algunas de ellas. Entre sus exposiciones individuales destacan: Piales (La suerte
de detener el tiempo), Travesía Cuatro, Madrid, 2019; Cathedral, SCAD Museum of Art, Savannah, 2019; Veladuras Nocturnas , Kohn Gallery, Los Ángeles, 2019; Vía Láctea , Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México, 2018 y Palacio de Bellas Artes, La Habana, 2016; Mariachi Wagner, Moody Performance Hall, Dallas, 2018; Caída Libre, Galerie Laurent Godin, París, 2017; Unfolded Paintings , Travesía Cuatro, Guadalajara, 2017; Unfolded, Galerie Laurent Godin, París, 2015 y Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara, 2015; Who knows where the time goes , Faggionato, Londres, 2014, por mencionar algunas. Lebrija es co-fundador de la Oficina para Proyectos de Arte (OPA). Actualmente vive y trabaja en Guadalajara.
A través de su enfoque artístico, Argüello Peñaloza busca despertar la imaginación del espectador, invitándolo a explorar la riqueza de las formas y a descubrir sus propias interpretaciones en las imágenes abstractas. Su obra refleja la experimentación visual y el deseo de desafiar las convenciones artísticas tradicionales. Las pinturas que realiza se caracterizan por su formato de gran tamaño, ya que busca extender la presencia de la pintura en su composición. Esta elección amplía el impacto visual de su trabajo y permite una inmersión más profunda en las formas y texturas abstractas que crea. Se inspira en la pareidolia, una tendencia humana a percibir patrones reconocibles, cómo rostros o formas familiares para crear composiciones pictóricas que consisten en imágenes abstractas generadas a través de manchas como recurso expresivo. Graduado y egresado en 2014 de la Escuela Nacional de Escultura, Pintura y Grabado; “La Esmeralda”, ha participado exposiciones colectivas como El sesgo perceptual, Galería Zorella Studio, Fábrica La Aurora, 2023; Open studio 2a edición 2023, Ciudad de México; Exhibición y Subasta México Vivo 2022, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México; Subasta virtual con Agencia de Arte 2020, Ciudad de México. También ha sido parte de de Comida para héroes , Agencia de Arte y Archivo Colectivo, Ciudad de México, 2020; Quédate en casa durante Covid-19 , Ciudad de México, 2020. Dimorfa Dual, 2019, Galería Ovalo, Ciudad de México. Untitled by Cody Barber 2018 , Puebla 109, Roma, Ciudad de México; Nueva abstracción y minimalismo 2017, Galería 665, Ciudad de México, etcétera. Ha realizado colaboraciones en Proyecto Interiores, Estudio Actual, México/Suecia, 2022; Other People, propuestas de trabajo para Pandora México, 2019; Ogilvy & Mather, propuesta de trabajo para American Express México, 2018.
Fue seleccionado en la 3er Bienal Dr. Alfonso Pérez Romo, Aguascalientes, Mexico, 2013 y fue Asistente de Shinpei Takeda para la exhibición Desierto Sentido, Pabellón de Multimedia de la Feria Internacional del Libro Juvenil, 2011.
Artista francés nacido en Argelia, radicado en México desde 1982. Empezó a exponer en 1975 y cuenta con varias muestras tanto colectivas como individuales realizadas en México dentro de espacios como El Palacio de Minería, Museo de la Ciudad, Museo José Luis Cuevas, Metro de la Ciudad de México, Biblioteca Magna de Monterrey, Poliforum Siqueiros, Universidad Iberoamericana, Universidad Autónoma de México, Galería José María Velasco, Fundación Jumex, Antiguo Senado de la República, Centro Cultural Juan Rulfo, entre otros. En 2017 participó en el Festival Internacional Cervantino en el Museo del Quijote. También ha presentado su obra en diferentes países y ha sido invitado a dar charlas en diferentes foros, universidades e instituciones tanto a nivel nacional como internacional. Su obra incursiona y profundiza en el terreno de la psicoterapia y del desarrollo humano.
Harley Cortez (Estados Unidos, 1976)
Es artista, músico y cineasta multidisciplinario. En los últimos meses ha tenido 3 exposiciones individuales en Nueva York, Berlín y en la Ciudad de México, primer país de América Latina donde expone. También, ha presentado su trabajo en Los Ángeles, Nueva York y Tokio. De sus exhibiciones individuales destacan The Poet as Spacemen una instalación realizada por The Paper Agency Gallery, Los Ángeles, 2016; Voices, Voices , Tokio, Japón, 2019; The Ashes of Us , San Diego, Estados Unidos 2019 y Gestures , Rabat, Marruecos, 2019. Su reciente inclusión en exposiciones colectivas lo ha colocado en el radar del mundo del arte internacional, igual que los cortometrajes Ignacio y The Sick Oyster, así como sus películas experimentales y videos musicales.
Haruna Shinagawa
(Japón, 1995)
Graduada de la Universidad Zokei de Tokio con una especialización en pintura en 2017. Su trabajo ha sido aclamado por su expresión, lo que le permitió aparecer en la 12ª Bienal de Gunma para Jóvenes Artistas 2017 y ser nominada para el Art Award Tokyo Marunouchi el mismo año. En su serie de trabajos denominada peel off the paint , constituye uno de los pilares de su
obra, en la que despega parte de la superficie coloreada del lienzo, en un efecto creado mediante el uso de pintura acrílica y tela de polietileno despegable, para dejar como resultado una superficie de lienzo única con la que crea ilusiones compositivas y trazos de planos monocromáticos. Sus exposiciones individuales son Ishiomiru / Ishiohirou y Toda nube tiene un revestimiento plateado, Saenger Galería, Ciudad de México, 2023 y 2022 respectivamente; No digas poco en muchas palabras sino mucho en ocas , EUKARYOTE, Tokio, 2016 y Unknowns , Galería Gen, Tokio, 2016. Ha participado en exposiciones colectivas como Hola, mi nombre es EUKARYOTE, Tokio, 2019, Casa y taller, K Works, Tokio, 2018; Suerte del principiante, Mimo, Tokio, 2018; 10 Colors #2, Escuela de Arte Seino, Tokio, 2017; Vista Previa, EUKARYOTE, Tokio. 2017; Casa Abierta , Casa de Arte contemporáneo
Nishijin, Kioto, 2017; Color transitorio, Galería Kodama, Tokio, 2017; Art Award Tokyo Marunouchi 2017, Galería Subterránea Gyoko-dori, Tokio, Les Fleurs
Animėe, Galería Lara, Tokyo, Puntos De Partida Arena
1, Los Ángeles, Estados Unidos; Colores desbordantes
n.° 2, Yu Gallery, Tokio,2017; 12a Bienal de Gunma para Artistas Jóvenes 2017, Museo de Arte Moderno, Gunma, Gumma, 2017 y también ha sido parte de ferias de arte Zona Maco, Dallas Art Fair, Material y, próximamente, Art Collaboration Kyoto. En 2017, le fue otorgado el Premio Zokei y estuvo nominada al Premio de Arte Tokio Marunouchi 2017.
Héctor Velázquez (México, 1965)
Nació un 30 de septiembre en la Ciudad de México. Asistió a diversos talleres de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México y posteriormente realizó estudios de escultura en Stuttgart y Berlín, Alemania. A lo largo de su vida ha recibido la beca Jóvenes Creadores en 1998 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de la Secretaría de Cultura, la del Sistema Nacional de Creadores de Artes en 2008, 2012 y 2016. Fue seleccionado tres veces para realizar residencias artísticas en el Centro Banff, Canadá, en los años 2001, 2005 y 2008. De manera reciente obtuvo la beca Eustart Kultur de la fundación alemana Stiftung Kunstfonds. En el año 2001 obtuvo el Gran Premio Omnilife de Escultura, Guadalajara, Jalisco. Fue seleccionado en La Bienal de Monterrey FEMSA 1999 y 2014, la Bienal de Yucatán, 2004 y fue invitado especial para participar en la IV Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo en el 2011, que se realizó en el Museo Anahuacalli de la Ciudad de México. Su obra forma parte
de diversas colecciones públicas y privadas, entre ellas el Banco de México, Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM, Museo de Arte de Querétaro, Museo de Arte Carrillo Gil, Museo de Arte Moderno y la Fundación José Cuervo. En el 2004 fue invitado a realizar una intervención en la sala de arte prehispánico del Museo Etnológico de Berlín (2004). Ha expuesto de forma individual y colectiva en múltiples ocasiones en México, Francia, Alemania, Hong Kong, Estados Unidos, Malta y España.
Isauro Huizar (México, 1985)
Es un artista radicado en la Ciudad de México. Su trabajo está inspirado en la vida y su rutina cotidiana. A partir de estas experiencias produce sistemas para reflexionar y comprender lo que le rodea. En su práctica artística, explora principalmente la pintura, la escultura y de forma reciente, la escritura y la fotografía. Como extensión de su práctica ha realizado proyectos museográficos para galerías e instituciones, mostrando sus habilidades en narrativas espaciales. Periódicamente, imparte los talleres Superficie, color y forma y Modos de presentación para fundaciones sin fines de lucro dedicadas a dar a conocer el arte a niños y jóvenes.
Jasmine Cadenhead (Canadá, 1984)
Estudió la Licenciatura en Arteterapia por el Vancouver Art Therapy Institute de 2012 a 2014; Maestría en Arte, Estudios de Discapacidad del Desarrollo con Mención en Historia por la Universidad Ryerson, Toronto (20062009). Realizó un Diplomado como asistente educativo en Apoyo para Necesidades Especiales por el Niagara College, Ontario (2004). Ha expuesto en varias ocasiones tanto de manera individual como colectiva en Canadá y México. Sus piezas son la exploración táctil de nuestro procesamiento interno convertido en recuerdos íntimos y encarnados de los entornos, la tierra y las prácticas tradicionales. Cada lienzo es un intento de capturar momentos únicos entre las infinitas posibilidades temporales, donde los pigmentos, resinas y a veces, el propio medio ambiente se convierte en el co-creador de la pieza. Gran parte de su trabajo, busca explorar pigmentos naturales y capas de sedimentos como marcadores de tiempo. Al usar una combinación de métodos contemporáneos y tradicionales, las superficies potenciales de estas obras iluminan momentos que llaman la atención sobre la forma en que la tierra registra recuerdos en comparación con los del ser humano. Usa en su obra, pigmentos locales y sostenibles.
Licenciado en Enseñanza Artística en Artes Plásticas por el Instituto Nacional de Bellas Artes con estudios previos de Cinematografía en el Centro de Estudios Cinematográficos de la UNAM, posee una carrera impecable dentro de la fotografía mexicana de paisaje, su lente refleja lugares inolvidables los cuales se muestran como planos contemplativos. Ha dado cursos, diplomados y talleres en distintas universidades y centros culturales del país, además de impartir cátedra periódicamente para la Academia de San Carlos y la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía del INAH. A lo largo de más de 40 años de carrera profesional, ha trabajado con distintos modos de producción e impresión, desde técnicas experimentales como el esgrafiado y la intervención de negativos o el collage y la composición múltiple. De 2001 a la fecha, ha desarrollado el proyecto Estaciones , un registro de áreas protegidas de América Latina, lo cual le ha dado la oportunidad de experimentar con diversas técnicas de impresión e incorporar a su producción lenguajes como el video y la instalación. Sus fotografías forman parte de colecciones como el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), la Fundación Televisa y el Museo de Arte Precolombino e Indígena de Montevideo. Además, ha recibido becas en el Sistema Nacional de Creadores de Arte en los períodos 2001-2009, 2012-2013, 2013-2016 y 2017-2020. Ganó la Medalla al Mérito Fotográfico 2018 y premios por adquisición de la Bienal de Fotografía del Instituto Nacional de Bellas Artes 1984 y el Concurso de Fotografía Antropológica 1983. Ha sido acreedor a menciones honoríficas en la Feria Internacional del Libro de Artista, Centro de la imagen (2011), Concurso Cuerpo y Fruta, IFAL, Embajada de Francia en México (2000) y por la Bienal de Fotografía Instituto Nacional de Bellas Artes (1980). En 1996 recibió el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes por su proyecto Nuevas Ideas, Viejos Procesos . En 2017 recibió la medalla al mérito fotográfico por parte del Instituto Nacional de Antropología e Historia.
Inició su carrera artística realizando imágenes religiosas para adentrarse y expandirse en el campo de la escultura contemporánea a través del estudio, la reflexión, el esfuerzo y las ganas de querer utilizar distintas narrativas a la hora de expresarse como artista. En 2009 comenzó a trabajar en su propio
taller con encargos de cofradías tanto en Andalucía como en diferentes ciudades de España. En 2014 realizó una escultura de San Juan Pablo II y en 2016 recibió la Medalla de Plata al Mérito de las Bellas Artes por la Academia de Artes, Ciencias y Letras de París. En el año 2019, fue nombrado Consejero de Número del Real Instituto de Estudios Históricos Políticos de Ciencias y Artes Alfonso XIII así como miembro adscrito del Consejo General de las Reales Academias e Institutos de España. En 2020 inició una serie de esculturas de terracota, a las que incorporó resina, desarrollando un concepto escultórico totalmente novedoso y año en el cual realizó una exposición en OCCO Art Gallery Madrid y en la Feria ArtMarbella en colaboración con dicha galería. En 2021 participó en la International Contemporary Art Fair Mónaco en colaboración Van Gogh Art Gallery; Salón Internacional de Arte contemporáneo París; exposición en Estudio & Galería de Arte Contemporáneo Abartium, Barcelona, Galería Espacio Primavera, Madrid y fue finalista en los Premios Premios Reina Sofía 2021. En 2022, el Real Monasterio de Santa María de Guadalupe, patrimonio de la Humanidad por la Unesco, adquirió su obra San Jerónimo Penitente, además de compartir espacio con obras de artistas como Zurbarán, El Greco, Goya, Pedro de Mena, Martínez Montañés o Juan de Flandes. Ha trabajado en proyectos en países como Estados Unidos, República Dominicana, Francia, Abu Dabi y México, sus piezas han sido expuestas en Barcelona, Madrid, París, Mónaco o Zúrich y entre otras menciones destacadas se encuentra la concesión por el Ministerio de Cultura de la República de Francia, a través de la Real Academia de Artes, Ciencias y Letras de París, de la Medalla de Oro al mérito de las bellas artes entregada en París en octubre de 2022.
Jessica Feldman
(México, s/f)
Vive y trabaja en la ciudad de México. Su trabajo con el movimiento dentro de su obra crea una idea a veces fragmentada y a veces completa, por lo que el espectador es una parte crucial de su obra. Utiliza óleo y técnicas mixtas que incluyen fotografía, espejo, acrílico, pvc y madera. Sus piezas han estado en diversos espacios como líneas , Galería Artsol, Torre Mayor, DMA , Museo José Luis Cuevas y el Museo del Bicentenario; Subasta Arte Vivo en Museo Jumex y Museo de Arte Moderno, Vibraciones en el Senado de la República, Mujeres en progreso, Lotería Nacional, Sin fronteras , Secretaría de Relaciones Exteriores, Juan Rulfo, Centro Cultural en Luvina, Somaap, Museo del Gobierno del Estado de Oaxaca,
Percepciones dentro del Museo de la Bolsa Mexicana de Valores, Casa Amarilla, Spectrum, Scope, Context y Art Miami. También se ha exhibido su obra en Galerías Mark Hachem, Contemporary Art Projects USA, Art Basel Week, Nueva York, Grimandy Gallery, Gateway Center, International Collective, Museo Latinoamericano en California, Zero Gallery de Londres, Asociación Cultural Mexicano Catalana, Cuba Casa de la Cultura Josúe País García y Museo Chan Liu de Taiwán. Su obra está en colecciones como Casa de la literatura Gabriel García Márquez, el Museo Latinoamericano de Barcelona y El museo de la Bolsa Mexicana de Valores. Ha recibido premios como Museo José Luis Cuevas de Pintura 2017, ATIM en Nueva York 2019, recibido en el museo MAD y en 2021 fue finalista de Art revolution Taipei.
Jesús Lugo
(México, 1963)
Estudió en “La Esmeralda” y ha obtenido varios reconocimientos tanto en México como en Estados Unidos y Francia. Se hizo acreedor al primer premio en la Bienal Rufino Tamayo en el año 2002 y ha tenido exposiciones tanto en el Museo Rufino Tamayo como en el Museo de Arte Moderno. Sus obras hacen alusión a construcciones, fragmentos de ciudades, de memorias, de experiencias y de aspectos vividos, en donde la imagen almacena aspectos de lo cotidiano, de uno mismo en otros, personajes literarios, descripciones sensoriales del día a día, caricaturas, transportes, medios de comunicación y vivencias que lo llevan a plasmar diferentes afectos experimentados en cada una de sus piezas. La obra de Lugo implica un viaje a la memoria, un viaje que a primera instancia podría parecer confuso pero que, mirando más detenidamente, está perfectamente estructurado.
Estudió dibujo publicitario en la escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1977, concluyó la licenciatura en artes visuales en ese mismo centro de estudios, donde ha impartido las cátedras de geometría, diseño gráfico y diseño básico. Actualmente, se desempeña como profesor de tiempo completo impartiendo las materias como escultura en metal y escultura urbana. Desde 1997 pertenece al Sistema Nacional de Creadores. Su primera participación en una exposición colectiva la llevó a cabo en el marco de la V Bienal del Cartel, celebrada en Varsovia, Polonia, en 1974. A esta, siguieron
un número importante de exposiciones colectivas, entre las que sobresalen el XII Concurso Nacional de Artes Plásticas para estudiantes, celebrado en Aguascalientes en 1977; la Primera Trienal Nacional de Escultura, en la Galería del Auditorio Nacional en 1979; la muestra 3 años del Salón Nacional de Artes Plásticas en 1980 ; la XII Bienal de Jóvenes, en París, Francia en 1981 y 10 maestros escultores de San Carlos , en la Casa del Lago de la Ciudad de México. También fue de particular relevancia la exhibición de sus obras en ocasión de la 5th Henry Moore Grand Prize Exhibition, celebrada en 1986 en el Utsukushi-gahara open-air Museum de Japón.
Su incursión al mundo de las pinceladas ocurrió cuando tenía 27 años, en el ámbito cinematográfico, cuando participaba en el rodaje de una cinta en París. “Tenía muchos días libres, no conocía a nadie y pensaba que me iba a deprimir, entonces, me puse a dibujar“, declara. Señala que sus obras contenían enfoques abstractos porque cuando empezó a pintar no estaba interesado en crear figuras, quizá porque su papel como actor giraba en torno a ellas e inconscientemente la pintura lo llevaba por un territorio abstracto, basado en el color, la proporción y la ubicación de los elementos. La abstracción no fue el único elemento de evolución en su obra, la paleta de colores también empezó a formar parte de su trabajo, sobre todo cuando se mudó a Estados Unidos, debido a que ahí experimentó un boom de colores. “En Madrid y Barcelona la luz es mucho más rasa, más romántica y con menos contraste, eso influyó en los cuadros”. Al explicar cuál es el estilo actual que predomina en sus obras, el artista puntualiza que se trata de algo impulsivo, intuitivo y ecléctico con lo cual desea transmitir vitalidad, gentileza, sensualidad, sexualidad, inteligencia y vigor. En cuanto a la fuente de inspiración de la que parten sus obras, afirma que esta proviene del mundo, del ahora y el antes, pues se considera un gran defensor de lo que ya no existe en este mundo pero que aún prevalece. Su colección más reciente Personajes y momentos de mi historia, fue exhibida en la Ciudad de México e incluyó alrededor de 17 piezas realizadas entre 2014 y 2023. “Hay cuadros que tienen bastantes años, de los que a veces me olvido que existen. Cuadros que ya han sido pintados y almacenados, pero que salieron del almacén para ser resucitados“. Obras como Siempre hacia la tormenta y Misterio, fueron retocadas para formar parte de dicha colección. La creatividad de Jordi Mollà no se detiene ya que próximamente contará con algunas exposiciones en Madrid, Zúrich y Düsseldorf.
Lleva 25 años sumergido en el mundo del arte con el bronce como su material favorito de trabajo en la última década. Estudió, además de diseño gráfico, restauración en la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía. El maestro Marín representa un universo complejo, en el cual la figura humana es el paisaje. Su obra ha sido expuesta en México, Estados Unidos, Japón y varios países del continente europeo. En su obra, Marín logra captar el movimiento en sus personajes y llenarlos de fuerza contenida. La manufactura de sus piezas es sumamente detallista por lo que podemos afirmar que se trata de obra de muy alta calidad y valor artístico.
(México, 1984)
Proveniente del pensamiento fotográfico, la relación que ha creado entre el instante y su representación ha derivado en un ritual del registro, métodos y sobre todo, del instante atrapado en forma de imagen. Su trabajo crea espacios fabricados e intervenidos en donde la ausencia se hace visible, pues están compuestos de imágenes que parecieran suspendidas por ser sólo huella, rastro o memoria. Como arrojándose a la extrañeza de lo fantasmal, su trabajo no es más que un espectro en donde se contempla el espectáculo de la ausencia, donde la imagen y los fantasmas son uno mismo. Vive y trabaja en la Ciudad de México, graduado en la Escuela de Pintura y Escultura «La Esmeralda» en el año 2011 y posteriormente cursó un posgrado en SOMA. Entre sus exposiciones individuales se encuentran Impermanencia , MUCA Roma, Ciudad de México (2013); Ominus , 1919 Gallery, Berlín (2016); Pentimento, Galería Breve, Ciudad de México (2017), LANDLORDS , Filet Space, Londres (2018) y El azul de la distancia , Ciudad de México (2022). Entre sus exposiciones colectivas se encuentra Nuestro Barrio , Neurotitan Gallery, Berlín; Dark Cartographies , Efraín López Gallery, Chicago (2016) y Blessed , Chalton Gallery, Londres (2016). Su trabajo ha participado en ferias de arte en México, Corea, España y Lima. Además, fue seleccionado en la Bienal de Fotografía en dos ocasiones (2016 y 2018) y ha participado en varias residencias como CasaWabi (2019) y en Neurotitan en Berlín (2016).
Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas San Carlos, de la ciudad de México. Posteriormente viajó a Europa donde residió e hizo una estancia en el taller de Emilio Vedova, en Venecia, Italia (1981-1983). Ha expuesto de manera individual principalmente en la Galería de Arte Mexicano, así como en galerías de los Estados Unidos y Europa. También ha participado en más de cien exposiciones colectivas dentro y fuera del país. Importantes críticos de arte como Damián Bayón, Rita Eder, Teresa del Conde, María Minera, Evelynne Brack, Patricia Sloane, Phyllis Braff y Avelina Lesper, entre otros, han escrito sobre su trabajo. Sus obras forman parte de colecciones privadas en Estados Unidos, Bélgica y México, así como de diversos museos: Metropolitan Museum de Nueva York, Estados Unidos; Museo de Bellas Artes de Charleroi, Bélgica; Museo de Arte Contemporáneo de Montevideo, Uruguay y el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, México. A lo largo de una trayectoria explora la abstracción geométrica y la búsqueda del accidente que aparece de improviso, el color discurre por el soporte y las líneas insinúan esqueletos, mediante los que José establece un diálogo que interpela y conspira creando rajaduras por las que es posible incursionar.
Josh Mayhem
(Estados Unidos, 1979)
El hábito de toda la vida del artista residente en Los Ángeles, Josh Mayhem, de coleccionar juguetes para niños ha alimentado su pasión por transformar dichos juguetes en objetos de arte. Entre sus piezas más conocidas se encuentran las que constituyen su colección Blown Away, en la que formas producidas en serie se cubren con hilos de resina y capas de pintura acrílica para crear goteos que desafían la gravedad y dan la impresión de que la obra está deconstruyéndose por un viento fuerte. La popularidad de esta estética ha llevado a Mayhem a ganar el premio Custom of the Year en los Designer Toys Awards 2019, además de tener múltiples lanzamientos y colaboraciones con muchos de los mejores artistas y productores de juguetes de diseño del mundo, participando en TRASHed: Art of Recycling en el Festival de Coachella y exhibiciones individuales en Clutter Gallery en Beacon Nueva York, Bruce Lurie Gallery en Los Ángeles California (así como una residencia de artistas), PIQ Grand Central Terminal en Nueva York y dos exhibiciones en The Crown Collection Gallery en Denver y Los Ángeles. En 2020, Josh Mayhem firmó para la representación y gestión de artistas
exclusivamente en Avant Gallery y en 2021, ganó nuevamente el premio Custom of the Year en los Designer Toy Awards. En ese mismo año, Mayhem debutó en la feria de arte Art Miami, exhibiendo con Avant Gallery y al mismo tiempo, tuvo su exposición principal, Art Figures en Avant Gallery Miami.
Juan Garaizabal (España, 1971)
Pocos artistas tienen tres talleres abiertos como él en Madrid, Berlín y Nueva York. Su obra Memorias Urbanas , esculturas de formatos monumentales, se encuentran en ciudades como Miami, Londres, Venecia, París y Berlín. En la capital alemana tiene su obra más conocida: La Iglesia de Belén, una estructura de 30 m de altura y 30 toneladas, que recrea la estructura original del templo. Sus más recientes obras están colocadas en París en la plaza del Louvre y en el Castillo de Aunoy, además de ser parte del festival de Arte Público JISP 2020, en Shanghai, China.
Juana Gómez (Chile, 1980)
Es una artesana tzeltal de Amatenango del Valle, un pueblo que se encuentra a mitad de camino entre San Cristóbal de las Casas y Comitán, famoso por la destreza de sus artesanas que elaboran ollas, cántaros, macetas y pequeñas figuras de animales, muchos de ellos ajenos a este lugar. En Amatenango el conocimiento del manejo del barro se transmite de generación en generación. A Juana, su madre Feliciana Ramírez Gómez, le enseñó desde pequeña el oficio de la alfarería: ollas, chimeneas y macetas en forma de paloma brotaban de su trabajo e imaginación. Pero fue más allá y a los doce años realizó su primer jaguar. “Este hermoso animal es un Dios en la cultura maya. Para nuestros antepasados el jaguar blanco representaba al día y el negro a la noche. Era el que los cuidaba. Por eso los hago y siento su energía cada que trabajo sus formas entre mis manos. Nunca he visto un jaguar vivo, solo en mi imaginación o en los libros. Por eso todas mis piezas son diferentes”.
Jules Wittock(s/f)
Nació en una familia con especial interés por el arte. Su madre, artista, le animó a dibujar, pintar y esculpir desde muy pequeño. No puede explicar por qué pero siempre ha dibujado y le han atraído los laberintos. Es una forma de meditación que le permite escapar. Decidió compartir esta pasión a través de una primera exposición y tuvo muy buenos comentarios, por lo que decidió continuar. ¿Por qué no, verdad?
Si es una gran terapia. Y aunque no ha descubierto por qué dibuja laberintos, sabe una cosa: le hace sentir bien. Cada laberinto tiene una solución y esa solución dibuja una palabra. Algunas palabras/soluciones son visibles, otras no, algunas son más complicadas que otras. Todo depende de su estado de ánimo. Trabaja con pintura acrílica sobre lienzo de algodón y tiene exhibiciones permanentes en París, Bélgica, Bruselas y otros países de Europa.
Desde temprana edad, Jun Olman mostró un gran interés por la pintura y el dibujo, actividades a las que se entregó total y completamente durante su niñez y adolescencia. Su trayectoria profesional centrada en el diseño, le ha llevado a desarrollar una plástica que abarca el paisajismo conceptual, el retrato y lo figurativo. El trabajo textil que presenta, trasciende temas como el paisaje, la feminidad y lo “absurdo”. El manejo de sus formas agudizan ciertos momentos donde la geometría y el color son preponderantes dentro de su obra. El textil con el que trabaja, elaborado por artesanos indígenas en Chiapas, logra un sincretismo entre la tradición y su forma de interpretar el objeto a través de nuevos significados, en ocasiones imaginario, soñado, incluso deteriorado. Jun Olman es un artista radicado en la Ciudad de México y realizó sus estudios de Diseño de Arte en la Universidad de Nueva York.
Karian Amaya (México, 1986)
Vive y trabaja en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, México. Su práctica artística gira en torno a la noción del encuentro. A través de la escultura y la fotografía, la artista cuestiona los diálogos y las resistencias que se originan entre la materia, el paisaje y sus contextos sociales y territoriales. Con una profunda influencia de los movimientos del land art y post-minimalismo, su obra se enraíza en el encuentro formal y narrativo de materiales crudos, naturales e industriales. Su trabajo ha sido exhibido en México, Estados Unidos y Europa. En 2015 participó en el programa de mentores de artistas migrantes de la New York Foundation for the Arts. En 2016 fue incluida en la Bienal de la Frontera El Paso Museum of Art. Ha recibido numerosos premios, entre ellos el Estímulos de la Creación Artística PECDA (20132014), la Beca Alfaro Siqueiros (2017), la beca Legado Grodman otorgada por la Fundación UDG (2018), Proyecta traslados (2019), Contigo a la distancia Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2020)
y Programa HORIZONTES Jalisco (2020), Consejo Estatal para la Cultura y las Artes CECA (2021-2022) en la categoría de escultura. Ha participado en la Residencia Casa Wabi 2022. PECDA Chihuahua 2022 en la categoría creadores con trayectoria escultórica, Residencia La Wayaka, Atacama, Chile 2023, Beca Grodman de Repatriación de Talento, Universidad de Guadalajara, Estados Unidos.
Kym C (s/f)
Es el pseudónimo de un artista madrileño cuyos orígenes proceden del mundo del diseño, la música y la comunicación audiovisual. Desde el año 2005 trabaja en su carrera artística creando su propio universo iconográfico. Sus obras forman figuras construidas a través de bloques de color que el propio artista bautiza como Kbloks o “unidades básicas”. Tras haber participado durante varios años en exposiciones colectivas y ferias, en 2021 realizó su primera exposición individual Unidad Básica en la sala Monkey Garage. En Octubre de 2022, presentó Family is Forever, segunda parte de una trilogía que termina con los Kmonsta’s , donde varias galerías, fundaciones y colecciones privadas adquirieron su obra.
Laura Ortiz Vega
(México, 1975)
Es una artista autodidacta, apasionada del Arte Popular Mexicano y de documentar la cuidad. Su trabajo se centra en la manufactura de la obra como principio fundamental del objeto artístico y a través de este, cuestionar las categorías convencionales que definen lo que se entiende por “lo bello”. Ha expuesto en el país, pero sobre todo internacionalmente, en exposiciones individuales y ferias de arte colectiva. Ha colaborado con varias galerías en diversos proyectos expositivos como artista independiente. Es cofundadora del proyecto Antena Estudio que del 2006 al 2015, se dedicó a la autogestión y promoción de artesanos y artistas contemporáneos en foros internacionales. Actualmente, está próxima a lanzar su proyecto de espacio de exposición y autogestión ubicado en la Colonia Roma.
Laura Rosete (México, 1966)
Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y cursó la Maestría en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, de la UNAM. Realizó en 1992 su primera exposición individual en la Galería La Esmeralda, ENPEG, INBA. Fue becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las
Artes, en el programa Jóvenes Creadores, durante los años 2000-2001. En 2002 obtuvo la Mención honorífica Nacional de la Escultura en la l Bienal de Artes Visuales de Yucatán. En 2004 participó en una exposición colectiva en Especial Art Gallery, Miami, Estados Unidos y consiguió la beca del Programa de Intercambio de Residencias Artísticas, MéxicoCanadá, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, en el Banff Centre en la disciplina de escultura. En México, ha expuesto en Lourdes Sosa Galería en 2006 y en el mismo año en el Centro Cultural España. En 2006 realizó la Residencia en el Vermont Studio Center, Johnson, Vermont, Estados Unidos.
Artista visual y diseñadora gráfica. Estudió Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires donde realizó también estudios de arquitectura. Ha exhibido sus obras en Argentina, México, España, Francia, Bélgica, Rusia y Estados Unidos, en ferias y galerías en Miami y en Zona Maco en la Ciudad de México. Sus piezas han sido parte de subastas de Arte Contemporáneo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, Museo Jumex, Museo Tamayo, en apoyo a la Fundación México Vivo; en las subastas de Arte Latinoamericano y Arte Contemporáneo de Morton Auctions; Subasta Máscara de Aliento en apoyo de CONFE (Confederación Mexicana de Organizaciones a favor de la persona con discapacidad intelectual), Subasta de la Fundación Apoya y Punto para ayudar a diferentes comunidades de Morelos, Subasta en el Museo Soumaya, Piedras con memoria , a beneficio del sismo del 19S, entre otras. El color vibrante y la abstracción geométrica son un denominador común en su obra. En esencia, un juego visual, a través del color y la geometría en el plano que propician una realidad óptica y aceleran en apariencia las líneas móviles a través de secuencias geométricas y la variación del color que amplían a dos o más dimensiones el objeto pictórico.
Leo Matiz (Colombia, 1917 - 1998)Fue uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, no sólo de Colombia sino de todo el mundo. Su aguda intuición lo acompañó a lo largo de las últimas seis décadas de su vida para registrar el instantes y momentos en que los rostros recibirán la luz de una determinada manera, en que una acción predecible llegará a su clímax, en que el gesto se tornará elocuente, en que las sombras agudizarán los ángulos o la curva-
tura de un elemento inanimado conformará una composición abstracta. La forma instantánea para captar acciones, resultó definitiva para su trabajo, para configurar un poder formal y documental único. Su quehacer como pintor y sus conocimientos en esta materia son reconocibles en la composición, la nitidez de formas y en la utilización poética del claroscuro. Su trabajo como reportero gráfico, dio como resultado retratos, fotografía industrial e ilustraciones, que le permitió cumplir compromisos con importantes revistas internacionales, registró guerras y sequías, presenció asesinatos y documentó faenas, mercados y fiestas populares. Apeló a inusitados recursos para cumplir con esta labor, incluido el de hacerse pasar por interno de una cárcel mexicana y disfrazarse de pordiosero para convivir con presos y mendigos en busca de testimoniar aspectos no muy evidentes de su realidad. En su archivo figuran imágenes de distintos lugares de América, Europa y el Medio Oriente. Junto con Obando, Ramos, Kraus, Nereo y otros pocos fotógrafos, Matiz encontró un lenguaje personal y puso de relieve las posibilidades expresivas de la fotografía, donde los seres humanos hacen gala de una dignidad irrenunciable. Poros y arrugas, rasgos oscuros, siluetas, gestos y talantes a contraluz, su obra sigue despertando admiración. El acoplamiento entre la visión y la cámara de Leo Matiz ha sido total como se demuestra en las innumerables exposiciones de su trabajo como fotógrafo y humano sensible, como reportero gráfico con intención estética.
Leonardo Morales (México, 1988)
Leonardo Morales es Licenciado en Psicología, con Maestría en Psicología Clínica y diplomado en Tanatología; además de estudiar 3 años en la carrera de artes plásticas de la Universidad Autónoma de Chihuahua con especialidad en escultura. Fue participante del Taller de Tallado en Madera impartido por el escultor Aron Demetz en la Fábrica San Pedro, Uruapan, Michoacán, México (2017), así como alumno de The Rome Workshops con David Simons en Roma, Italia (2019). Colaboró con tres piezas del paseo escultórico en Paseo de la Reforma en la Ciudad de México (2019/2021), donde reside. En 2019, se llevó a cabo su exposición individual Razón límite en Ciudad de México y de manera colectiva, participó en Figurativas 2021 dentro del Museu Europeu d’Art Modern en Barcelona, España; Altair, Casa Estudio, Ciudad de México en el mismo año; El vacío, Ciudad de México, 2021, entre otras. Su obra ha aparecido en Catálogo de Acciones NEUG en 2018, Ciudad de México y Galería Canal Street de Cerámica
Chihuahua-Houston, 2013 en Texas, revista de arte The Guide Artist, además de haber sido seleccionado y publicado en digital en Beautiful Bizarre Magazine.
Leonor Hochschild (México, 1962)
Nació en la Ciudad de México y cuenta con una formación profesional en Diseño publicitario por el CECC, México. Inició su carrera como artista multidisciplinaria en el año 2010, con diversos cursos de especialización en el campo de las artes visuales, entre los cuales destacan: Talleres de producción cerámica en la técnica tradicional Rakú, estudios especializados de pintura y dibujo en la Escuela de Artes Aplicadas, Llotja en Barcelona, Técnicas mixtas con el artista Víctor Ceprián Cortés en Madrid, por mencionar algunos. Cuenta con un Diplomado en Ilustración Artística otorgado por la Universidad del Claustro de Sor Juana y fue parte del Programa Artístico Internacional Superficie Arte de 2016 a 2019. A lo largo de su carrera como artista, ha desarrollado un lenguaje plástico, visual y conceptual donde los materiales adquieren relevancia por sí mismos, bajo la premisa de que cada uno de ellos posee una propia historia, así como cualidades físicas y visuales a explotar. Sus obras han participado en exposiciones individuales y colectivas, así como en ferias de arte en México, Europa y Asia. Entre las que destacan: Zona Maco 2022 y 2021, Materia viva , Galería L, Ciudad de México 2022 y 2020; Reflexus , G Oscar Roman, Ciudad de México, 2021; Bienal de libro de artista, Museo del Mar, Santa Pola Alicante, España, 2021; Con-fin-arte, MA Arte contemporáneo, Palma de Mallorca, 2020. Muestras individuales en Madrid, España, 2013 y 2011. Su obra ha estado presente en ferias de arte como: Art-Madrid ‘012, Art Beijing, Art Innsbruck y Arte Expo Nueva York. También ha participado para Arte Vivo en el MAIA Contemporary Gallery, Museo Jumex y en el Museo de Arte Moderno en las ediciones de 2021, 2020, 2019 y 2015. También se ha desempeñado como jurado en el concurso de pintura profesional Royal Talents en 2021 y 2017.
Lola Villegas (México, 1986)
Pintora y artista visual que vive y trabaja en la Ciudad de México. Es graduada de la licenciatura en Artes por la Universidad Anáhuac Campus Norte que ha participado en diversas muestras colectivas y exposiciones como la Bienal de La Habana 2019. Los intereses y cuestionamientos plásticos de Lola se concentran principalmente sobre dos variables: la primera, atiene a la teoría que versa desde
el minimalismo, el kitsch hasta el arte pop, tomando como punto de partida las consideraciones propuestas por el crítico norteamericano Clement Greenberg descritas en su texto sobre Vanguardia y Kitsch. La segunda variable en la obra de Lola, muestra un particular interés por la materia, aspecto que la ha impulsado a desarrollar una serie de metodologías preocupadas por la manipulación de diferentes materiales entre los que podemos mencionar los polímeros, las resinas, luces neón y distintos tipos de vaciado, para concluir en una serie de piezas únicas que además de poseer distintas jerarquías formales muestran su preocupación por explorar los problemas intrínsecos de los medios bidimensionales tradicionales y su expansión tridimensional. El color, la forma, la escala y las narrativas sutiles en la obra de Lola Villegas, invitan a pensar y reflexionar sobre los lenguajes globalizados y también sobre aquellos locales de una manera sutil, irónica y crítica a partir de la cita, la apropiación característicos de la posmodernidad.
Louis Carreon(Estados Unidos, 1977)
Este artista contemporáneo está cambiando la forma en que se percibe el arte. Gracias a la pasión, la honestidad y la voluntad de compartir su trabajo, se ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más influyentes e innovadores de la actualidad. Después de ser encarcelado en una prisión federal por delitos relacionados con las drogas, Louis encontró la paz mientras ilustraba su hoja de ruta artística mediante la limpieza de su alma y su mente. Esa experiencia lo llevó a superar la adicción y a sumergirse en el arte. Con un pasado colorido en el que inspirarse, su obra no es simplemente arte moderno o arte callejero, sino modernismo contado con una voz que gotea sobre el lienzo, la pared o un jet. Después de haber sido comisionado por algunos de los lugares más reconocidos de los Estados
Unidos, incluida SoHo House, Viper Room, para pintar la Copa Stanley para el equipo del Campeonato, los Chicago Blackhawks para recaudar dinero para Autism Speaks, sus creaciones son inmediatamente reconocibles. El trabajo de Louis representa una poesía rara vez vista con énfasis en la creación de piezas con significado. Recientemente fue encargado de pintar un jet privado de 12 plazas en colaboración con Landmark Aviation para el famoso Art Basel. Con ello, Louis refuerza continuamente el poder esencial del arte. Su estudio de trabajo en Los Ángeles, The Drip Factory, es el paisaje por excelencia para las creaciones de Louis. Ya sea en un
muro de hormigón en algún lugar de Los Ángeles o en el interior de un hotel boutique, Louis Carreon es un artista que seguirá inspirando.
Artista de vanguardia y novelista, nació en la ciudad de Matsumoto, prefectura de Nagano. Desde muy joven, Yayoi Kusama experimentó alucinaciones visuales y auditivas y comenzó a crear imágenes con patrones de red y lunares. En 1957 viajó a los Estados Unidos y comenzó a realizar pinturas en red y esculturas blandas, además de organizar happenings y desarrollar instalaciones que utilizaban espejos y luces, consolidándose como una artista de vanguardia. Tras superar varias obsesiones, descubrió una filosofía artística de autodestrucción a través de la repetición y multiplicación obsesiva de motivos únicos. Ha realizado exposiciones en varios museos de todo el mundo y en los últimos años, sus exposiciones retrospectivas a gran escala en la Tate Modern y el Centro Pompidou han suscitado una respuesta inusitada: registró más de 2 millones de visitantes en sus giras por América Latina y Asia, lo que la llevó a ser nombrada la “artista más popular del mundo en 2014” por el Art Newspaper. En 2016, recibió la Orden de la Cultura de Japón y en 2017, comenzó una gira de sus obras por América del Norte. En 2021 se llevó a cabo la exposición individual KUSAMA: Cosmic Nature en el Jardín Botánico de Nueva York, Exposición retrospectiva Yayoi Kusama: Una retrospectiva itinerante en el Museo de Arte Gropius Bau, Berlín y Tel Aviv, Israel.
Luca Bray (Italia, 1971)
Se graduó en la Academia Brera de Bellas Artes en Milán en 1993. Sus exposiciones han incluido: From Pekin to Beijing en Galería Casa Lamm; Beginnings en la Art Lounge Gallery de Lisboa, Portugal; Bray en la Fine Arts Laboratory Gallery Tokio, Japón y Retrospectiva de Luca Bray en la Mundo Gallery de Nueva York, Estados Unidos. Su principal medio de expresión es la pintura. Sin embargo, ha trabajado de igual manera con escultura, esmaltes e intervenciones artísticas para el taller de Talavera de la Reyna. En todas sus piezas muestra aún un gran apego a la materia, a la sinuosidad y al color, pero es sin duda la primera en la que ha trascendido. En su trabajo pictórico recurre al uso de varios materiales y técnicas pero el constante uso del color a través del cual crea formas y construye espacios es recurrente. Exalta el lirismo
y permite al público encontrar en sus piezas ámbitos comunes a todo ser humano: sensaciones, formas, imágenes, y - sobre todo - evocaciones.
Tuvo sus primeros acercamientos al arte a partir de los 11 años de edad y desarrolló habilidades para el dibujo. Así comenzó desde muy temprana edad a crear retratos de personas por comisión durante varios años. Estudió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Autónoma de Sinaloa cuando tenía 20 años, para entonces ya dominaba la pintura en acrílico y tenía obras de su autoría mientras seguía haciendo retratos. En 2014 decidió tomar talleres de pintura en óleo en San Miguel de Allende y posteriormente dejó la Arquitectura y decidió estudiar la carrera de Artes en la Ciudad de México en 2015. Comenzó a estudiar en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Durante la carrera buscó entre diferentes medios y técnicas un estilo propio y sobre todo un tema en el cual trabajar; para entonces había dejado por completo de hacer retratos de otras personas y empezó a realizar autorretratos, a los que cubría con manchas o manipulaba la pintura aún fresca con las manos para distorsionar la cara. A partir de esto, comenzó a crear obras qué en técnica fueran realistas y abstractas al mismo tiempo. En 2020, regresó a Culiacán inició el proyecto que hasta ahora se ha adecuado mejor a la idea de crear realismo abstracto y al mismo tiempo continuar con los autorretratos que a veces es su manera personal de auto exploración y búsqueda de identidad propia.
Lucía Valencia (México, s/f)
Trabajo bajo la idea de que el ser humano pasa una tercera parte de la vida durmiendo. En esta etapa no es posible hacer algo diferente a soñar, reorganizar recuerdos que reflejan sentimientos, deseos y miedos más profundos. Pero afortunadamente para los seres humanos, al dormir se reduce el impacto emocional de la vida cotidiana.
Luciano Matus (México, 1971)
Licenciado en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana en el año 1995. Ha realizado intervenciones en edificios históricos considerados Patrimonio de la Humanidad en México, Guatemala, Colombia, Perú, Paraguay, Venezuela, Ecuador, Chile, España, Italia, India, China y Estados Unidos. Obtuvo la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte
en 2007, fue el primer becario latinoamericano en La Academia de España en Roma 2004 con el proyecto de revisión e intervención al Panteón de Agrippa y El Tempietto de Bramante. Se han publicado dos libros sobre su trabajo, Luciano Matus , Editorial Turner, 2004 y Ciudad Memoria por editorial Turner, 2014.
Luia Corsini
(Estados Unidos, 1994)
Es una artista italo americana que actualmente vive entre Malibú, California y la Ciudad de México. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Nueva York. En la obra de Luia Corsini circulan nociones ligadas a la naturaleza, materializadas a través de colores vibrantes y más recientemente, a través de las investigaciones que ha realizado en México, El Salvador y Los Ángeles sobre tintes naturales. En su pintura, las figuras geométricas se entrecruzan de la misma manera que lo haría una “cuadrícula”, palabra que Corsini utiliza para denominar su obra. Acercándose a un tratamiento espiritual y somático del color y la geometría, Corsini está interesada en explorar las categorías de belleza y naturaleza en su producción artística.
Manel Pujol Baladas
(España, 1947)
Destacado artista plástico catalán que radica en México desde finales de los noventa. Investigador del uso de la materia, este artista se expresa en la pintura, gráfica y escultura dentro de la abstracción lírica. La convivencia con tres legendarios maestros: Miró, Dalí y Picasso, con quienes convivió activamente, le hicieron parte del contexto político socio-cultural imprescindible en el siglo XX y sus enseñanzas estéticas son parte de su formación, además de la académica y la autodidacta. Posee una firma personalizada al implementar técnicas mixtas en donde conviven acrílicos, collage, óleo y texturas que le permiten crear diferentes planos y puntos de luz. Su trabajo artístico propone una abstracción atmosférica que como sucede a lo largo de la historia del arte, es reflejo de nuestra actualidad, de nuestro acontecer. Su obra refleja su personalidad apasionada, con colores vibrantes, moderna, de estilo abstracto y en continua exploración sobre materiales y texturas. Ha participado en múltiples exposiciones colectivas con artistas como Appel, Argimon, Barceló, Bartolotzi, RàfolsCasamanda, Clavé, Robert Llimós, Rogelio Cuéllar, Cuixart, Farreras, Elvira Gascón, Joan Genovés, Guinovart, Sergio Hernández, Joan Miró, Pelayo, Pablo Picasso, Saura, Nunik Sauret, Subirachs y Tàpies. Además, sus piezas han sido exhi -
bidas en distintas galerías y ferias de arte como ARCO (Madrid, España), Expo Ginebra (Suiza), Arte Sur (Granada, España), Art Miami (Miami, Estados Unidos), Corinne Timsit (París, Francia). Cuenta con más de 80 exposiciones individuales en México, El Salvador, Puerto Rico, España, Suecia, Francia y Estados Unidos y su obra se encuentra en las colecciones públicas del Museo de Arte Contemporáneo de Denver, Colorado, Estados Unidos, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas, México, Museo Sammlung Essl, Viena, Austria, Museo de Arte de Querétaro México, Museo de Antropología de Santiago de Compostela, España, Casa Real Española y Museo Olímpico de Barcelona, Museo Olímpico de Lausanne Suiza, Museo de Arte Hispánico, San Francisco, Estados Unidos, Casa de la Moneda París, Francia, entre otras de carácter privado.
Manuel Felguérez
(México, 1928 - 2020)
Fue pintor, escultor, muralista, profesor e investigador. Estudió en la Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (1948) y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» (1951). Fue becario del Gobierno Francés en la Academia de la Grande Chaumier, París (1944 y 1959) y en la Academia Colarossi, París (1954-1955). Trabajó en los talleres escultóricos de Brancusi y Sadkine. A su regreso de Europa, formó parte de la primera generación de artistas abstractos nacionales, abiertamente confrontados con la tradición de la Escuela Mexicana de Pintura encabezada por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, la llamada Generación de la Ruptura. Su trabajo ha sido objeto de múltiples exposiciones individuales y colectivas, entre ellas, la retrospectiva de su obra en el homenaje al cumplir 80 años, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México; obra pública de gran formato como: la fuente y escultura frente a la Lotería Nacional; obra mural en el Museo Nacional de Antropología, entre otras. Se hizo acreedor a múltiples distinciones, como el Premio Nacional de Ciencias y Artes del Gobierno de México, en el área de Bellas Artes (1988); la Beca de la Fundación Guggenheim (1975); el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de Sao Paulo, Brasil (1975), por las obras producto de El Espacio Múltiple (1973), y el Segundo Premio de Pintura en la Primera Trienal de Nueva Delhi, India (1968). Fue maestro invitado en la Universidad de Cornell, Estados Unidos; investigador huésped en la Universidad de Harvard (1975); impartió la clase de Composición de la Estructura del Cuadro
en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A partir de 1977 colaboró como investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.
s/f)
Arquitecto mexicano, que creció en CDMX, empezó a adentrarse al mundo de la escultura en 2014, y tiene como nombre artístico ALQUIMIAMC. Sus obras han llamada la atención a nivel internacional, y esto le ha dado la oportunidad de presentar varias de sus obras de arte en exposiciones en ciudades como Nueva York, Hong Kong y Miami. Sus obras más recientes son Ice Cream Skul y Red Smiley Bomb. Y una de las obras que piensa sacar en este año es Interconnection Monumental. Según una entrevista con Forbes sus futuras obras apuestan para poder proyectar el talento mexicano. Sus obras llenas de color y formas inesperadas han sido exhibidas en museos, galerías y en colecciones privadas como ART BASEL, Bienal Venecia, Museo Soumaya, Scope NYC, entre otros.
María José Lavín (México, 1957)
Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos, bajo la tutela de Gilberto Aceves Navarro, Tomás Parra, Francisco Moreno Capdevilla, Ignacio Salazar, Luis Nishizawa y Gerda Gruber. También realizó estudios en El Círculo de Bellas Artes en Madrid. Posteriormente con Pedro Coronel, aprendió la técnica de la encáustica con el Maestro Francisco Toledo. Obtuvo el premio de grabado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, a cargo del Mtro. Francisco Moreno Capdevilla. Realizó una residencia en el taller El efecto Collage en el Arte contemporáneo, de la Fundación Felix Llopis y de la Fundación Carolina. Ha impartido cursos en El CaSa, Centro de las Artes de San Agustín Etla en Oaxaca, donde también ha sido invitada para hacer su residencia de producción. Fue parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2012 y 2017. Ha expuesto en México, Houston, Nueva York, San Diego, España, Viena así como en Washington y sus obras están en El Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, La Fundación Félix Llopis, El Museo de Arte de Querétaro, El Museo de la Cancillería y en colecciones particulares en México, España y Estados Unidos. La exposición en 2014, Territorios de piel , se presentó a través de La Coordinación Nacional de Artes Visuales del INBA en el Museo José Luis Cuevas, misma que ha sido presentada en varios museos de la República. En 2015 fue parte de la ex-
posición colectiva, Tierras Ambulantes , de escultura en cerámica en la Secretaría de Relaciones Exteriores, la cual también se presentó en el Instituto Cultural de México en Washington y posteriormente en el Museo Newcomb de Tulane, Estados Unidos. En 2019 presentó la exposición de escultura Archipiélago II , en el Museo de Escultura Contemporánea Federico Silva. San Luis Potosí, México y en noviembre de 2022 su exposición individual Sueños a la carta , estuvo presente en el Seminario de Cultura Mexicana, Ciudad de México.
Mauricio Alejo
(México, 1969)
Estudió la maestría en Artes en la Universidad de Nueva York, gracias a la Beca Fulbright-García Robles. Ha expuesto en la Bienal de La Habana; La trienal Poligráfica de San Juan de Puerto Rico; el Museo Rufino Tamayo en la Ciudad de México; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España y el CCA Wattis Institute for Contemporary Art en San Francisco, California, entre otros. Su trabajo ha sido reseñado en algunas publicaciones como Flash Art, Art Nexus, Art News, Art in America y Modern Painters. Fue becario de la New York Foundation for the Arts así como del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Su trabajo forma parte de las colecciones Daros Latinamerica, Zurich, Suiza; Art Museum of the Americas, Washington, D.C.; MUAC de la Universidad Nacional Autónoma de México y la Colección Isabel y Agustín Coppel. Vive y trabaja en la Ciudad de México.
Max Saenz
(México, 1992)
Nació en una comunidad de la Sierra Norte del Estado de Oaxaca, México. Desde muy pequeño, mostró un gusto por lo que sería su pasión: las artes plásticas. Realizó sus estudios en el CEDART Miguel Cabrera, con especialización en el bachillerato de artes y es egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas del Universitario Bauhaus en la ciudad de Puebla. A los 12 años ingresó al taller “Rufino Tamayo” en la ciudad de Oaxaca y a partir de los 13 años ha realizado 60 exposiciones colectivas en recintos como Casa Lamm, Museo de Arte Moderno, Centro Cultural Pico House, Museo Soumaya, Museo José Luis Cuevas, Museo de Cuernavaca, Museo de los Pintores Oaxaqueños y de forma individual se ha presentado en estos países, de los que destacan Francia, España, China, Estados Unidos, Italia y Hungría, con 50 exposiciones en espacios como Casa México Barcelona, Museo de Arte de Guangzhou
China, Centro Cultural de Xiamen China, en galería The Hangar Gallery Miami, Grand Palais, The Red Door Gallery, Centro Cultural Maisson de M.A.I. , París Francia. Ha sido acreedor de la beca C-12 Y C-13, de CONACULTA, así como una beca de producción de la SECULTA a la edad de 16 años, reconocimiento y premio por parte de la Asamblea Legislativa del Distrito Federal por su notable aporte a las artes plásticas mexicanas. En el 2018 obtuvo el tercer lugar a nivel nacional en la categoría de escultura y en 2022 obtuvo el primer lugar en la categoría de pintura dentro del Festival Internacional Da Vinci. Su obra pertenece a diferentes colecciones dentro y fuera del país, de las cuales destacan: SIVAM-Pepita Serrano, Miguel Torres, Casa México en Barcelona, Acervo Cultural de la Embajada de México en Hungría, Instituto Nacional de Pediatría, Monte de piedad del estado de Oaxaca, Centro Cultural Santa Isabel del gobierno de Aragón, España.
Mazvyde Sakal (Lituania,1988)
La artista lituana vive y trabaja entre Londres y la Ciudad de México. Tiene una sólida formación en diseño y arte gracias a sus estudios en la Academia de las Artes, el Instituto de Arte de Sotheby’s y otros programas de posgrado. Tiene experiencia laboral internacional de más de 10 años en el campo del arte y el diseño. Ha tenido diversas exposiciones en Lituania, Finlandia y Milán, además de vender sus obras para coleccionistas en Miami y Los Ángeles en Estados Unidos.
Miguel Ángel Cordera (México, 1971)
Mantiene una investigación alrededor de la pintura actual a través de su trabajo personal y otros proyectos expositivos. En un constante vaivén entre la mancha y los planos, hace una contraposición entre lo aleatorio-gestual con la estructura, que surge a partir del juego de líneas, formas geométricas y transparencias. Aprovecha el encuentro entre los materiales y los residuos, dando forma a piezas que logran un punto de equilibrio entre la saturación y el vacío. “La obra de Cordera habita dentro de un lenguaje muy específico y difícilmente sostenible en la pintura: la abstracción. Su proceso de práctica nos confronta —y se confronta a sí mismo— con un espacio casi laberíntico de búsquedas y resistencias que se desbordan de posibilidad, de riesgo. Composiciones explosivas de líneas y color que parecen no buscar resolución, se traducen en momentos aparentemente líricos sugiriendo la conectividad del cuerpo a la materia. Más allá de esto, la investigación de la obra tiene
que ver con la agitación mental que vibra en el vértigo del encuentro tangible, tratando de resolverse a partir de un lenguaje puramente pictórico. Hay una lucha por controlar el movimiento y el color, pero al mismo tiempo por dejar que la pintura controle dicha agitación o ritmo en la consciencia. Las decisiones in situ –o el desprendimiento de ellas– en la representación pictórica, se transforman en un registro de acción corporal y mental, abandonando por instantes la imposición de la abstracción para intentar liberar, fragmentar o detonar momentos disonantes de subjetividad. Cordera se enfrenta, de lleno, al peligro plástico”..
Miguel Castro Leñero (México, 1956)
Es un pintor mexicano y uno de los principales exponentes del arte contemporáneo mexicano en el mundo. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura «La Esmeralda» del INBA y posteriormente ingresó al taller de grabado del Centro de Investigación y Experimentación Plástica del INBA.
A lo largo de su trayectoria artística ha realizado diversas exposiciones individuales como Hombre cruzando la calle, Galería Pi, México (2011); Miguel Castro Leñero, Recent Work , Diaz Contemporary, Toronto, Canadá (2009); Sin salir de casa , Galería Arróniz Arte Contemporáneo, México (2007); Estar en el mundo, Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Oaxaca (2006); Modificaciones al plano general de una casa , Galería López Quiroga, México; Casa intervenida , Galería Bodega Quetzalli, Oaxaca (2005); Gráfica de taller, Museo José G. Posada, Aguascalientes, México (2004); Obra reciente, Galería Art Project, Gerona, España (2003); Formas Esenciales , Galería López Quiroga, México (2001); Calle México, Galerie Verien fur original-Radierung, Munich, Alemania y La Flor de Papel, Galería López Quiroga, México (2000).
Realiza viajes frecuentemente y sin compañía a lugares remotos o de difícil acceso, cuyas rutas son determinadas principalmente por textos literarios de autores que describieron los mismos paisajes por primera vez. A través de distintas disciplinas y lenguajes artísticos –dibujo, acuarela, escritura y fotografía, entre otros–, Gómez Counahan establece paralelismos y yuxtaposiciones, formales y conceptuales, entre distintos documentos históricos de los sitios y su experiencia presente, íntima, compleja y subjetiva con él. El tiempo, la duración, la impermanencia y la nostalgia, son el punto de partida para el registro formal, poético e interdis -
ciplinario de la memoria del paisaje en relación a la memoria del artista, enfatizados también por medio de la utilización de técnicas, instrumentos y procesos fotográficos antiguos. Es fundador y director de El taller de Mike, un espacio dedicado a la investigación y recuperación de técnicas antiguas de fotografía y grabado, tales como el heliograbado, la cianotipia y la impresión de plata sobre gelatina, entre otras.
MIKI
(México, 1956)
Estudió el MBA en la Universiada Nacional de San Diego y el AD2 en el IPADE. Cuenta con más de 70 exposiciones individuales y más de 200 colectivas. Su obra se encuentra en el Palacio de Dubai, Parlamento de Israel, Vail y ha estado expuesta en las calles de Ginebra. En México, ha expuesto en 23 estados de la república y ha exhibido en más de 50 museos además de diversas galerías entre las que destacan: Opera Gallery (con presencia en ocho países), Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Aura Galerías, Museo de Bellas Artes de San Luis Potosí, Museo de la Independencia, MUTEC, Galería Urbana, Galería de Arte Moderno y Contemporáneo, Centro Cultural Jardín Borda, Museo de Arte de Tlaxcala, Parque Fundidora Monterrey y Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán. Actualmente su obra se expone en Hong Kong, Singapur, Los Angeles, Vail, Dallas, Houston, San Diego, Miami, Scottsdale, Nueva York, Londres, Madrid, París, Ginebra, Mónaco, Israel, Beirut y Dubai.
Moíses Levy
(México, 1963)
Reside y trabaja en la Ciudad de México. Con estudios de Arquitectura en la Universidad Iberoamericana, Moisés Levy es un fotógrafo contemporáneo que extrae el máximo partido a sus proyectos y temáticas. Trabaja con diferentes técnicas como platino/paladio, fotograbado e impresiones en papel japonés. También maneja el color, domina el blanco y negro, complementando con alto contraste para lograr fotografías potentes donde integra momentos cotidianos con la arquitectura y el espacio. Sus fotografías capturan momentos fugaces de situaciones irrepetibles que transmiten fragmentos de la vida cotidiana con una estética dinámica y con un lenguaje gráfico llegando casi al límite del dibujo, que mezcla con la fotografía, el espacio, la perspectiva y la escala. Encuadra desde ángulos que generan perspectivas inusuales con escalas contrastantes y escenarios minimalistas que representen las diferentes dimensiones del ser humano. Una característica
de su trabajo es la captura de imágenes a contraluz para lograr una percepción que transmita más conceptos que detalles. Ha tenido múltiples muestras de su trabajo, nacionales e internacionales, algunas de las cuales han estado en Galería CDI, México (2019), en Latitud Gallery, México (2016), en el Centro Cultural Indianilla (2014), CODEX México (2012), entre otras. Su trabajo ha sido acreedor a múltiples distinciones entre las que destacan: la International Photo Award Gold Medal (2016), Mención Honorífica en International Photo Award (2017) y Mención Honorífica en PX3 Awards 2016), entre otros. Además, su trabajo fotográfico ha aparecido en publicaciones como Seeing in SIXES by LensWork (2017), ND Magazine (2013) y LensWork Magazine (2006), entre otras.
Estudió Arquitectura en la Universidad Anáhuac en la Ciudad de México (2002-2006). Realizó varios cursos y diplomados en Moda, Historia del Arte, Dibujo, Pintura, entre otros, en diferentes Instituciones como el Instituto Di Moda Burgo en Milán, Italia, la Universidad Iberoamericana en la Ciudad de México, la Universidad Centro de Diseño, Cine y TV en Ciudad de México. También trabajó en un estudio de arquitectura (grupo Elipse) durante 3 años en la Ciudad de México. Su trabajo se ha exhibido en 3 exposiciones individuales y alrededor de 20 exposiciones colectivas en la Ciudad de México, Cancún, Miami, Nueva York, Madrid y otros. Ha sido jurado en varios concursos de pintura. Actualmente, realiza un MFA en la Universidad Internacional de Arte y Diseño de Miami, en la cual desarrolla un proyecto que involucra arte textil, collage, pintura, cerámica, entre otras disciplinas. Es artista visual, enfocada principalmente en pintura abstracta, escultura, mixed media y fotografía, con los que experimentar con materiales, texturas y formas. También se centra en la búsqueda constante de técnicas y materiales que le permitan expresar su universo plástico. Llama a su estilo “realismo abstracto”, que se caracteriza por captar elementos de la naturaleza ubicados en escenarios indefinidos que son el resultado de diversas reflexiones e investigaciones. Toma como inspiración la naturaleza y los Pueblos Mágicos de México, con la grandeza que rodea los paisajes, las luces y sombras así como la profundidad de los océanos, el aire puro de los bosques, el color verde de las hojas, los tonos vibrantes de las flores. Como arquitecta y artista, busca transmitir equilibrio y una mezcla de formas geométricas y orgánicas, dejando
de lado las reglas impuestas por la realidad, para mostrar diversas formas de expresar una emoción, una palabra, e incluso cualquier tema o motivo. Quiere crear en el espectador una ilusión sobre la naturaleza, que al ver su obra pueda sentirse dentro de ese paisaje abstracto, a un rincón mágico del planeta para apreciar su valor, color para sentirse inmerso este universo infinito y majestuoso.
Montenegro (México, 1881-1968)
Roberto Montenegro Nervo fue un pintor, litógrafo y escenógrafo, hijo del coronel Ignacio Luis Montenegro y de María Nervo (tía de Amado Nervo), precursor y protagonista del arte contemporáneo de México y difusor del arte y la cultura mexicana en el extranjero.
Orlando Díaz
(México, 1978)
Su obra se desarrolla desde el andamiaje simbólico existente en la remembranza y la reconstrucción de la memoria física y psíquica de personas, situaciones, hechos y objetos. Se sostiene de los procesos por medio de los cuales el tiempo desgasta, erosiona, reconfigura, borra o exalta la memoria en los objetos, los distintos estados y constructos psíquicos de una persona. Por medio de las alteraciones que el paso del tiempo genera, la obra se constituye como un vestigio de muchas situaciones que hacen que funcione como un mapa en el que se contiene la cartografía de todo lo vivido, la recuperación de los hechos, los gestos simbólicos y de los fragmentos que constituyen e interpretan un mundo personal. Su formación académica como productor plástico comienza de manera formal en 1994 como alumno del Bachillerato en Artes y Humanidades CEDART Frida Kahlo. Tiene estudios de Licenciatura en la Escuela de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes y la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. De 1999 al 2000 asiste al Taller de dibujo de figura humana en la Academia de San Carlos. A partir del aprendizaje en instituciones académicas, de manera autodidacta y en talleres con maestros experimentados ha desarrollado un buen grado de control de distintos medios, técnicas y materiales. Medios pictóricos y gráficos, medios escultóricos y tridimensionales. En la práctica profesional ha desarrollado estrategia de gestión de proyectos culturales, curatoriales, ventas y desarrollo de proyectos culturales y publicitarios. También ha desarrollado diseño editorial, museográfico, escenográfico, edición de imagen en medios digitales, ilustración tradicional, e ilustración digital. En su
trayectoria como artista productor cuenta con 10 exposiciones individuales, más de 70 exposiciones colectivas, subastas y muestras generacionales en varios de los principales museos y en galerías de México y el extranjero para varias causas sociales. Cuenta con más de 150 publicaciones en medios impresos, revistas especializadas, prensa, editoriales independientes, radio, tv, libros, catálogos e internet. Su obra ha sido expuesta en varios estados de la República Mexicana, EUA, Japón, Bulgaria, Cuba, Italia y se encuentra en colecciones particulares y públicas en México, España, Francia, Suiza, Bélgica y Estados Unidos. Paralelismos y emulación de la memoria , exposición itinerante fue presentada en La galería del curador-artista Sergio Gómez, 33 contemporary.
Otto (México, 2000)
Artista emergente que tiene una gran pasión por el arte y la arquitectura. Estudió arte en la escuela de Lumen durante un año, para después desarrollar sus ideas en la escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC) Al terminar estos cursos, se dedicó a crear esculturas de forma didáctica, lo que lo ha llevado a obtener reconocimientos y participar en exposiciones en diferentes galerías. Entre sus proyectos recientes se encuentran Exposición Estudio actual (2017); la Subasta XCU, donación para los damnificados del temblor del 19 de septiembre (2017) así como arte musical, diseño y colaboración de un cover art discográfico con BEZESIE.
Pablo Boneu (Argentina, 1969)
Su actividad artística es heterogénea y aunque su formación es autodidacta, durante algún tiempo cursó estudios de astronomía y de cine en la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. Desde principios de los noventa, ha realizado numerosas producciones no convencionales ligadas a la fotografía, el diseño, el video, los textos de ficción y numerosas acciones de arte público. Esta variedad de propuestas no significa que su trabajo carezca de una línea estilística clara, hay un elemento común que los vincula, una línea de fuerza que recorre toda su producción como un vector oculto de identidad que no termina de reconocerse a sí misma y es la idea de procedimiento: más que filmar, fotografiar, dibujar o escribir, Boneu, inventa estructuras; una clase muy particular de estructuras, que son a la vez cerradas y abiertas. Cerradas porque tienen una coherencia interna rigurosa y abiertas porque
pueden proliferar indefinidamente. De esta manera, en su obra se conjugan dos impulsos críticos: por un lado, el de producción como repetición serial de un mismo objeto y, por el otro, la idea tradicional de obra de arte como fetiche artesanal. Entre sus exposiciones destacan Burke & Hare, Asesinos , Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina; La estética de la omisión, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Córdoba Argentina; Intercomics , Centro de la Imagen, Ciudad de México; Instrucciones para destruir Dinero, Galería Hilario Galguera, Ciudad de México, México; Visibles e Invisibles , Galería Blanca Berlín, Madrid, España; Quimera, Galería de Babel, Sao Paulo, Brasil; Multitudes, Individuos y otras ilusiones , Galería Terreno Baldío, Ciudad de México, México, entre otras.
Pablo Sierra (México, 1996)
El fotógrafo y artista mexicano residente en la Ciudad de México, que retrata en su obra la consciencia, espacios etéreos y luminiscentes que no son parte del mundo físico, pero tampoco están separados del todo. En 2015, se graduó con honores de la Licenciatura en Bellas Artes con Especialidad en Fotografía por la Universidad de Parsons School of Design en la Ciudad de Nueva York. Cuenta también con estudios de fotografía en El Taller del Estudio Urquiza y la Escuela Activa de Fotografía durante los años 2010-11. Las fotografías de Pablo Sierra describen un ámbito que no es abstracto del todo, pero tampoco completamente figurativo. Su proceso no involucra ninguna manipulación digital, usa de tres a cuatro cámaras en cada una de sus imágenes, tanto análogas como digitales, para después combinar en el estudio proyecciones sobre diapositivas y crear un mundo a partir de múltiples realidades. Su obra ha sido exhibida en Thierry Goldbergh y Metro Pictures Gallery entre otras galerías en la Ciudad de Nueva York, en Traeger y Pinto Arte Contemporáneo y Cultura Colectiva entre otras galerías así como museos en la Ciudad de México, espacios públicos y la Embajada de México en Guatemala. Su trabajo fotográfico ha aparecido en libros de arte con alcance internacional y su obra ha sido mencionada en diversos medios de comunicación entre los que destacan Vice, The Creator´s Project, El Reforma y Time Out Mexico City. De 2017 a 2019, fue profesor de fotografía en El Taller del Estudio Urquiza y el Instituto Imago. Es co-fundador de Punto Blanco Centro de Creación, de RAC Ruta de Arte y Cultura y de la productora Viva la Vida Films en la Ciudad de México, además de continuar con su práctica artística.
Paloma Torres (México, 1960)
Artista visual egresada de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, y de la Maestría en la Academia de San Carlos. Asistió al curso de huecograbado en color en Atelier 17 de S. W. Hayter, París y aprendió técnicas de impresión cerámica con Graciela Olio. Realizó residencias en el Taller de Afelpado en el CaSa en San Agustín Etla, Oaxaca; la Universidad Visva Bharati, Shantiniketan Bengala, Calcuta; en la Ciudad Internacional de las Artes, París, Francia, en Nirox, Sudáfrica y en el Museo de Arte de Cerámica Mexicana, en Fuping, Shaanxi, China. Ha impartido cursos y conferencias en México y el extranjero. Forma parte del Sistema Nacional de Creadores y en 2014 se integró a la Academia Internacional de Cerámica ( AIC/ IAC) de Ginebra, Suiza. Cuenta con más de cien exposiciones colectivas e individuales, llevadas a cabo en espacios como Museo de Arte Carrillo Gil, Palacio de Bellas Artes, Museo Amparo en Puebla, Museo Federico Silva de San Luis Potosí, entre otros. Exhibió Urban Patterns en París, Berlín, Beirut, Doha, Kuwait, Bangkok y San Francisco. En 2019, Recreaciones Urbanas en la Capilla del Arte en Puebla, en 2020 en el Museo Textil de Oaxaca y en el Museo de las Artes Universidad de Guadalajara, México. El hilo de la Tierra fue presentada en el Seminario de Cultura Mexicana, en la Ciudad de México; Trayectos de la Mirada , Museo de Arte e Historia de Guanajuato, México, El bosque de las columnas , Museo Kaluz, en la Ciudad de México, por mencionar solo algunas. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como De Young Museum de San Francisco, California; Museo de Arte de Ponce, Puerto Rico; Museo de Arte de Cerámica Mexican, Shaanxi, China; Museo de Arte Moderno, Ciudad de México; Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacateca, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México, entre otros.
Patricia Lagarde (México, 1959)
Su trabajo consiste en ver al objeto como símbolo. Le interesan las relaciones que se establecen entre las cosas y el sujeto que las ve, describe, analiza y nombra. La representación como lenguaje, como metáfora. El tema de la memoria y su construcción es una constante en el discurso de su obra. La memoria está en el centro de las colecciones, las listas interminables, el espíritu de los Wunderkammer y los Gabinetes de curiosidades.
Considera que su trabajo es abierto, siempre en proceso continuo. Explora diversas técnicas y materiales como métodos de expresión, tales como: libros de artista, instalaciones, exhibiciones fotográficas, cajas, proyecciones, imágenes e imágenes en movimiento.
Paul Weiner
(Estados Unidos, 1993)
Cursó la Licenciatura en Pintura en la Universidad de Syracuse en Nueva York. Ha expuesto de manera individual y colectiva en numerosas ocasiones, entre la que se encuentran Socially Distanced Art Exhibition, TZ Projects, Los Ángeles, California (2020); American Amnesia , Krupic Kersting Gallery, Colonia, Alemania (2018); Old Glory, Long Road Projects, Jacksonville, Florida, (2018); Paul Weiner, Alto Gallery, Denver, Colorado (2018); Correspondence / Correspondencia, CTRL+SHFT Oakland, Estados Unidos (2016); Common Language, St. John University, York, Reino Unido (2013); New York to London, HOUSE Gallery, Londres, Reino Unido (2013), entre otras. Su trabajo fue reconocido con el Premio Augusta Hazard de la Universidad de Syracuse en 2015 y con el Premio Roswell Hill de la Universidad de Syracuse en 2014.
Paulo Jacobo Alonso
(México, 1984)
Licenciado en Sistemas Computacionales por la Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla, Puebla y graduado de la Licenciatura en Artes Plásticas por la Universidad Autónoma de Baja California y de 2014 al 2015 estudió en la Universidad de Rennes 2 Francia. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes emisión 2020-2023 en la disciplina de Escultura. Fue beneficiario del programa Jóvenes Creadores 2016-2017, profesor de la Licenciatura en Artes y Diseño en la Escuela Nacional de Estudios Superiores de la UNAM, Unidad Morelia. Ha participado en diferentes exposiciones en México, Finlandia, Estados Unidos, Inglaterra, Hungría, Italia, Francia, Portugal, Polonia, España, Eslovaquia, República Checa y Alemania. También ha mostrado su trabajo en LA Art Show Contemporary Art Fair en Los Ángeles California, en la Bienal de Arte Textil Contemporáneo en Portugal, en la 16° Trienal Internacional de Tapices en Polonia, en la 10° Bienal de Lucca en Italia, entre otros recintos. Su obra es parte de la Colección Internazionale BugattiSegantini, Italia, Colección LUMEN, México, Colección Banco de México y Colección Homeira Goldstein, Estados Unidos.
Pedro Friedeberg (Italia, 1936)
Es un artista y diseñador italiano radicado en México. Su trabajo forma parte de lo que se podría clasificar como movimiento surrealista mexicano, junto con obras de Leonora Carrington y Alice Rahon. A partir de los sesentas comenzó a exponer de manera prolífica dentro y fuera del país llegando al siglo XXI con más de 70 exposiciones en su carrera artística. A lo largo de su desempeño artístico, ha ganado diferentes premios, entre ellos el de la Bienal de Córdoba en 1966 (Argentina), la Exhibición Solar en 1967 (México), la Trienal de Grabado en Buenos Aires y la XI Bienal de Artes Gráficos en Tokio 1984. Fue nombrado Artista Creador por el Sistema Nacional de Creadores Mexicanos y Extranjeros en 1993. Su obra forma parte de exposiciones permanentes y de colecciones privadas.
Pia Camil & Mateo Riestra
Pia Camil (México, 1980)
Vive y trabaja en la Ciudad de México. Realizó sus estudios de Licenciatura en Rhode Island School of Design y una Maestría en The Slade School of Fine Art, Londres. Algunas de sus exposiciones individuales recientes incluyen: Nidos y nudos , Blum and Poe, Los Ángeles (2021); Three works , MOCA, Tucson (2021); Ríe ahora, Llora después , Galería OMR, Ciudad de México (2020); Here Comes The Sun, performance en Guggenheim Museum, Nueva York (2019); Fade into Black: Sit, chill, look, talk... , Queens Museum, Nueva York (2019); Bara, Bara, Bara, Tramway Art Space, Glasgow (2019); Telón de Boca, Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México (2018); Split Wall, Nottingham Contemporary (2018); A Pot for a Latch, New Museum, Nueva York (2016); entre otras. El trabajo de Camil está en la colección permanente del Centro Georges Pompidou, París; La Colección Jumex, Ciudad de México; Blanton Museum of Art, AustinM y en la Colección Kadist, París; por mencionar algunas. Su obra suele estar asociada al paisaje urbano mexicano, con una aproximación crítica al legado del modernismo y a la política del consumismo. En su trabajo más reciente destaca la importancia de la colectividad a través de la participación pública.
Mateo Riestra
(México, 1980)
Vive y trabaja en la Ciudad de México. Es licenciado en arquitectura por la Universidad Iberoamericana y realizó su maestría en arquitectura y urbanismo por la Architectural Association School of Architecture en Londres. Es fundador y director creativo de ALBA,
una organización dedicada a explorar temas de salud sistémica por medio de la educación con el fin de construir futuros más habitables. Su pasión por la geometría, las ciencias naturales, las matemáticas y los sistemas le ha llevado a desarrollar estrategias de diseño y desarrollo para ingenieros, arquitectos, artistas, educadores y organizaciones.
(México, 1963)
Estudió Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana y Diseño de Modas en el Instituto Marangoni en Milano, Italia. Es pintora, fotógrafa y diseñadora gráfica, productora de cine y proyectos culturales. Algunas exposiciones en las que ha participado son Liliths de Mayo (2022) y Cultura en Bicicleta (2022) en Galería La Mercantil; Mural efímero Homenaje a Nolberto Aceves Navarro, en Amartt, Ciudad de México (2022); Foto Noir, Photo Place Gallery Middlebury Vermont (2021), Modern Love Vol. V, Ciudad de México (2020), Identidades , Museo Archivo de la Fotografía Ciudad de México (2019); por mencionar algunas. Su exposición individual Ojos Rojos , ha sido expuesta en Sunshine International Art Museum, Beijing China 2009; Open Art 798, Art District; Centro Alemán de Diseño; Galería Fine Arts Pablo Goebel, Ciudad de México 2008; Zone Chelsea Center of the Arts Collections Zonema, Nueva York 2007 y 2006; en Atrio Centro Histórico, Ciudad de México en 2005 y Open en Venecia Italia, en el mismo año. Su Proyecto Mural, se presentó en el Palacio Postal, en la Ciudad de México en 2004; Del Lado de Acá en Galería Sans Filtre, Ciudad de México 2004 en donde también presentó Del lado de Allá en el mismo espacio así como en la Universidad Iberoamericana, Campus Ciudad de México. El Sunshine international Museum de Beijing China cuenta con 3 de sus piezas en su acervo y la representa la galería Baahng en Nueva York.
Carlos Guerrero, mejor conocido como Prince Láuder, es artista visual desde muy temprana edad: a los 15 años, de manera autodidacta, comenzó a experimentar con diferentes técnicas como la pintura, la fotografía y el collage, en las que buscaba la relación que hay entre ellas. Con estudios en filosofía y estética por la facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, logró establecer un diálogo entre la belleza y el arte para encontrar en el retrato el máximo exponente de la belleza. Sus numerosas series de collages
y retratos inspirados en la moda, la música y el cine, son conocidas en todo el mundo al poseer un estilo característico, en el que lo figurativo, las formas y el color, han sido una constante en su obra, lo que lo ha llevado a explorar el concepto acumulativo del collage y convertirlo en una imagen ordenada. Su inspiración proviene de los recursos cotidianos y naturales, que a su vez, reinterpreta para otorgarles una nueva relación entre ellos. La capacidad de unir y combinar, es esencial en su práctica, pues invita al espectador a no contemplar una obra resuelta, sino como elementos aislados y combinaciones posibles, para crear nuevas lecturas de su obra. Ha sido reconocido como uno de los 100 mejores artistas del collage en el mundo, dentro del libro Making a Splash, en Hong Kong.
Ramiro Martínez Plasencia
(México, 1963)
Antes de cumplir el año de edad, su familia se trasladó a la ciudad de Monterrey donde permaneció hasta concluir sus estudios de arquitectura en el ITESM y trabajar en diversos despachos arquitectónicos. En 1988 decidió dejar la arquitectura y se trasladó a la Ciudad de México donde ingresó a la Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos de la Universidad Nacional Autónoma de México. Ahí trabajó en varios talleres entre los que destacan el de pintura de Javier Anzures y el de dibujo de Francisco Bravo, lo cual influyó en su vocación por esta disciplina. En 1992 ingresó al taller de producción de pintura que dirigía el maestro Ignacio Salazar en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, que le permitió trabajar de tiempo completo en el desarrollo de su obra. A partir de ese momento, dirigió el taller de dibujo de la figura humana en la ENAP y desde entonces ha impartido cursos en distintas instituciones como la Universidad de Monterrey, Marco, la Universidad Autónoma de Coahuila y el Instituto Potosino de Bellas Artes. Hasta la fecha ha presentado 14 exposiciones individuales, las más recientes en el Instituto Cultural de México en Miami y en la Pinacoteca de Nuevo León. Ha participado en múltiples exposiciones colectivas entre las que destacan la V y la VII Bienal Diego Rivera; las ediciones II, III,V,VI y VIII de la Bienal Monterrey Femsa; las ediciones VII, X y XI de la Bienal Tamayo, así como la IV Trienal de Arte Majdanek en Polonia y la exposición Registro 02 en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y en el American University Museum en Washington D.C. Ha sido becario del Programa de Apoyo a Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en 1994 y 1997, artista
en residencia en el Xu Yuan Centre de Beijing, China 2014 y miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de 2015-2017. También se ha hecho acreedor a distinciones como el 1er Premio en el Salón de Noviembre de Arte A.C. (2001 y 2006), 2° lugar del Premio Bernardo Elosua, Arte A.C. (2005) y menciones honoríficas en la III Bienal Monterrey Femsa (1997), la Bienal Diego Rivera (1996) y el Concurso Johnny Walker en el Museo de Arte Moderno (1997) . Desde 1999 reside en Santiago, N.L.
Raúl Anguiano
(México, 1915 - 2006)
Considerado uno de los principales exponentes de la Escuela Mexicana de Pintura, José Raúl Anguiano Valadez nació en Guadalajara, Jalisco el 26 de febrero de 1915 y murió el 13 de enero de 2006. Plasmó con excelencia las tradiciones y festividades del México del siglo XX y los procesos sociales del país. Fue uno de los cinco muralistas mexicanos que dejó obra en Estados Unidos, además de José Clemente Orozco, Ramos Martínez, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Entre sus murales en dicho país destacan Grandeza Mexicana , en el Museo Bowers de Santa Ana California y Los Mayas , en el Consulado General de México en los Ángeles.
Ricardo Garduño
(México, 1988)
Artista mexicano, egresado de Arquitectura de la UNAM. En 2009, presentó su primera exposición colectiva titulada 14 individuales en GB Gallery y en ese mismo año, realizó su primera exposición individual en una casona sobre la calle de Reforma, en la cual se expusieron más de 40 de sus obras, inspiradas en las distintas personalidades del gremio artístico. Dentro de sus exposiciones más importantes resaltan Gigantes , que estuvo conformada por siete retratos arrugados presentados en Barcelona (2012); Agua y emociones , en el espacio Galería de El Dorado on the Beach, Puerto Vallarta (2012) y posteriormente en el Centro Libanés (2013), así como un trabajo colaborativo con Pedro Friedeberg en la obra Silla-mano para una subasta en la exposición Manos por México en el museo Franz Mayer para la Fundación V. Ferrara. En 2015, presentó para MaxMara la nueva colección de primavera con el diseño de un aparador en la boutique Masaryk en Polanco, además de la realización de obras hiperrealistas y un piano invertido con la textura de dicha temporada. Ese mismo año participó como conferencista para TEDx, presentado por la Universidad Nacional Autónoma de México y realizó una obra inspirada en la Whitney Bag , misma que fue
subastada para la Fundación Rebeca de Alba. En 2016 trabajó para Calvin Klein con la intervención de un piano, una instalación y el arte musical de la temporada de la marca.
Ricardo Pinto (México, 1973)Artista visual radicado en la ciudad de Oaxaca, México. Su prolífico y creativo trabajo pictórico se ha desarrollado a la par de la experimentación de texturas y diversos materiales de estampa, así como la intervención en varios proyectos de arquitectura. A lo largo de su trayectoria ha expuesto en los principales museos de México, entre los que destacan el Museo de Arte Moderno, el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, el Museo de las Artes de Guadalajara y el Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán. Su obra se ha exhibido en importantes ferias de arte como Red Dot New York, Dallas Art Fair y Zona Maco, México. También ha sido invitado a participar en distintos programas de residencias artísticas alrededor del mundo, entre las que sobresalen AIR Program, auspiciado por el Kala Art Institute de Berkeley, California y Red Gate Residence, en Beijing, China. Recientemente realizó una colaboración Luis Vuitton con una aplicación gráfica en un tapial provisional colocado en una de sus tiendas exclusivas en la Ciudad de México. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores en las emisiones 2014 y 2020. Su interés gira en torno al encuentro de la representación del espacio bidimensional y el proceso arqueológico-pictórico. Su búsqueda se basa en la vivencia del proceso como proyecto para mantener el diálogo creativo evidente en la obra: “Mis composiciones se estructuran a partir de un elemento geométrico que destaca como trama mientras se entreteje la relación entre forma y fondo”.
Ricardo Sanabria (México, 1983)Su formación académica inició en la Escuela de Bellas Artes de la capital mexiquense; lleva 10 años de experimentación en la gráfica y la pintura. En su trabajo se aprecia inteligencia poética y una resolución técnica que caminan a la par y que enriquece su proyecto artístico de gran manera. Ricardo Sanabria no pinta figuras fantasmagóricas, más bien lleva a la tesitura más interiorista aquellas escenas tan simples como complejas de su experiencia como ser. Preguntas como ¿Qué somos? es parte importante de la configuración de su obra. Con más de treinta exposiciones colectivas y diez muestras individuales de obra inédita, su trabajo se ha exhibido en Taiwán, Colombia, Cuba, Brasil, China y Estados
Unidos. Su producción plástica se encuentra en colecciones públicas y privadas destacando la colección Jumex y ha sido seleccionada en las más importantes bienales de gráfica nacionales como la 6ta Y 7a Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinza-buro Takeda, Oaxaca, en 2019 y 2022; XI Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, Michoacán, y XXII Concurso Nacional de Artes Visuales, Guanajuato, en 2018; y la 3a Bienal Internacional José Guadalupe Posada, Aguascalientes, en 2017. Ha obtenido reconocimientos como el primer lugar del Premio Estatal de la Juventud 2012, Beca jóvenes Creadores 2015. Mención Honorífica del Concurso Nacional de Artes Visuales Guanajuato en 2009 y 2018. Su obra ha sido exhibida en diferentes espacios y museos entre ellos: Museo iconográfico del Quijote, Guanajuato; Museo Nacional de la Estampa, Ciudad de México; Museo Alfredo Zalce, Morelia; Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México, Museo de los pintores Oaxaqueños, Oaxaca; Museo José Guadalupe Posada, Aguascalientes; Museo de Arte Moderno, Estado de México; Museo de la Estampa, Estado de México. Además, su trabajo ha aparecido en las portadas de libros premiados por el Fondo Editorial del Estado de México, en la revista Castálida de la Universidad Autónoma del Estado de México y en la revista Biografías México.
Ricky Lee Gordon (Sudáfrica, 1984)
Es un artista y curador con una práctica de estudio que lo ve crear paisajes naturales sobre lienzo utilizando pigmentos y tintes que se encuentran solo en la naturaleza, un proceso profundamente personal que compara con la meditación por la forma en que ilumina la interconexión de toda la vida. Trabaja bajo la égida de pintar la naturaleza con la naturaleza, explora una variedad de medios, buscando la armonía a través de la alquimia de los materiales y la forma en procesos que incluyen tintes vegetales oxidantes, impresión batik con cera de abeja, cianotipos, litografías, grabado en cobre y ácido, tallado en madera y fundición de latón. En su práctica pública, Lee Gordon es conocido como uno de los “11 grandes del arte callejero” (National Geographic), por sus obras de arte a gran escala que sacan a la luz problemas sociales y ambientales con comisiones para organizaciones como Amnistía Internacional, Greenpeace y las Naciones Unidas, para la que recientemente creó su obra más grande hasta la fecha, en el centro de Houston, Texas, un mural de 40 x 30 metros que llama la atención sobre el estado de los océanos. Se mudó a Ciudad del Cabo cuando tenía veinte años
y fundó A WORD OF ART Gallery, proyecto de rejuvenecimiento de la escuela Color Ikamva y la agencia de publicidad And People. Posteriormente, Lee Gordon se fue a vivir a Los Ángeles en 2015, donde estudió anatomía, dibujo clásico y pintura en la Academia de Arte Figurativo de Los Ángeles. Con el océano siendo una fuente siempre presente de inspiración.
Rob Woodcox
(Estados Unidos, s/f)
Es un fotógrafo de arte y director de cine que actualmente vive entre México y los Estados Unidos. A medida que crea cada obra de arte, Rob se esfuerza por capturar fragmentos de una vida vívida cosidos por los hilos de la realidad, la memoria y el sueño. Cada concepto es una declaración de su experiencia y busca contar una historia significativa para cada individuo que lo contempla. La pasión de Rob por la fotografía se ha convertido en una dedicación a la defensa y hacer que se escuchen las voces tensas. Ha producido proyectos que aumentan la conciencia y la conversación sobre el sistema de crianza y adopción en Estados Unidos, la identidad queer, la neutralidad corporal, la igualdad racial y la justicia ambiental. Habiendo sido adoptado cuando era niño e interactuando a menudo con el sistema de acogida, Rob crea desde una perspectiva única, encontrando esperanza en la conexión humana y la voluntad de superar las construcciones negativas dentro de nuestras sociedades complejas.
Roberto Zamarripa
(México, 1984)
Realizó la licenciatura en Diseño para la Comunicación Gráfica en la Universidad de Guadalajara en 2002 y la Maestría en Lenguajes Artísticos Combinados en la Universidad Nacional de las Artes Argentina en 2017. Ha complementado sus estudios en artes audiovisuales, dirección cinematográfica en la escuela de cine de Barcelona ECIB 2012, así como de escenografía, diseño, docencia, danza, fotografía y cerámica. Su producción artística transita desde el diseño de producción, dirección arte y vestuario en cine, así como obra transdisciplinar en los campos de la pintura, fotografía, video experimental, danza, instalación y performance, que se constituye en el cruce de distintos lenguajes. Cuenta con exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales y ha colaborado con artistas en cine, video, fotografía, revistas, editoriales como Kenya Márquez, Analeine Cal y Mayor, Luis Ayllon, Armando Casas, Julián Hernández, Roberto Fiesco, Lucero Novaro, Salvador
Espinoza, Sebastián y Emiliano Zurita y productoras como Tita Lombardo por mencionar algunos. También apoya el quehacer artístico de creadores locales y se ha dedicado por más de 20 años a la docencia, en la que encuentra a la pedagogía y a los procesos de formación como una parte importante de su producción artística, de investigación y pensamiento crítico mexicano tanto en obra y saberes. Su trabajo se centra en el cuerpo como continente y contenido, su exploración física y sígnica deviene del cruce de lenguajes y disciplinas como la plástica, la literatura y la fotografía entre otras, a las que entiende como partes del ciclo que conforman el mismo proceso y no un fin en sí, lo que revela la transversalidad y desarrollo de su investigación sobre la posibilidad de imaginar otros cuerpos, géneros, erotismos.
Rodrigo de la Sierra (México, 1971)
Vive y trabaja en la Ciudad de México. Tras desempeñarse como arquitecto durante doce años, estudió Artes Plásticas, enfocándose en la escultura figurativa. Hoy, después de numerosas exposiciones tanto nacionales como internacionales, es reconocido gracias a Timoteo, su juguetón personaje, a través de cuya semejanza de ser ha logrado repartir una sutil dosis de crítica hacia la sociedad actual. Con más de trece años de trayectoria, De la Sierra ha logrado exponer su obra en las ciudades más importantes de países como Italia, China, Corea del Sur, Estados Unidos y México. Ha participado en ferias de arte tales como Zona Maco, SCOPE Miami y SCOPE Nueva York, Art Market San Francisco, Art Palm Springs, LA Art Show, Art Busan, Asia Contemporary Art Show, Expo Chicago y Affordable Art Fair Singapur. En 2016 recibió el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Autónoma del Estado de México, por lo que la Facultad de Arquitectura y Diseño de la de dicha Casa de Estudios nombró en su honor la Plaza del Arte Rodrigo de la Sierra “Timoteo”. En 2018, la Lotería Nacional dedicó su sorteo a su personaje principal “Timoteo, que apareció en el Timbre Postal conmemorando “El día Mundial del Correo” en ese mismo año. En 2019 participó en el Premio Nobel de la Paz en Mérida, Yucatán. En 2022, su obra monumental Horizonte fue seleccionada para presentarse en el marco de la Bienal de Venecia, en la exposición Personal Structures , organizada por el European Cultural Centre. Ha tenido exposiciones en el Museo de la Ciudad en Querétaro, el Museo de la SHCP, el Centro Cultural Isidro Fabela Museo Casa del Risco, el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México, el Centro Médico Nacional Siglo XXI,
el Centro Cultural Mexiquense, el Museo de Arte Moderno del Estado de México, el Museo Jumex, el Museo Soumaya, Museo de Arte de México, Ciudad de México y el MACAY. A la lista se suman recintos como la Secretaría de Gobernación, la Cámara de Diputados, el Senado de la República, el Centro Administrativo Pemex y el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México (AICM), así como espacios públicos como La Alameda Central CDMX, la Plaza de Armas de Chihuahua, Metepec, y pueblos mágicos como Valle de Bravo, El Oro, Tepoztlán y Malinalco. Mantiene de manera activa una actividad filantrópica con la que ha apoyado a cerca de 20 fundaciones nacionales e internacionales al y ha realizado colaboraciones con la ONU, organizaciones de donación de órganos, a favor del medio ambiente y otras tales como Aid for Aids en Nueva York, Fundación México Vivo, Unidos Somos Iguales Cuernavaca A.C, Fundación Todo por el Cine, Fundación Alma, entre otras.
Rodrigo Garagarza (México, 1971)
Desde muy joven tuvo un deseo innato de transformar el cartón, la madera y otros materiales en figuras tridimensionales. Con el tiempo, esto lo despertó a sus dos grandes pasiones: la escultura y la arquitectura. Con estudios formales de Arquitectura en México y cursos de arte posteriores en Italia y Francia, Rodrigo se ha embarcado en una búsqueda intensiva de tridimensionalidad de composiciones geométricas. Comenzó a transformar modelos de cartón en figuras de láminas de metal cuando estaba en la escuela secundaria. Durante ese tiempo surgieron sus primeras piezas y poco después comenzaron a aparecer ofertas para encargos. Después de la universidad, trabajó durante tres años como diseñador de exposiciones en el Museo Nacional de San Carlos, la pinacoteca europea más importante de México. Esa experiencia le permitió desarrollar un sentido de orden estético entre las figuras y el contexto, así como la expresión a través del uso de la iluminación, los materiales y el color. Durante su permanencia en el museo, recibió una beca para un importante curso de Museología en la Universidad Mazarykova en Brno, República Checa. Posteriormente, se incorporó a un estudio de arquitectura familiar en el que desarrolló esculturas, divisiones de paredes, celosías y figuras que se integraron con sus propios diseños arquitectónicos. En el 2011, estableció su estudio de escultura y desde ese año ha desarrollado continuamente modelos a escala de esculturas. Muchas de ellas se han producido en mediano y gran tamaño para impor-
tantes colecciones privadas en México y Estados Unidos. Ha presentado exposiciones individuales en el Palacio de Minería de la Ciudad de México, Museo de Antropología de Xalapa, Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, Jardín Botánico de San Antonio, Texas, entre otros lugares.
Rodrigo Palma (México, 1983)
Nieto de una gran pintora y apasionado de la fotografía, creció en el seno de una familia de artistas, por lo que desde muy pequeño estuvo expuesto al arte. Es egresado de la carrera de Ingeniería Industrial en la Universidad Iberoamericana y más tarde, se mudó a Santa Bárbara California para estudiar en el prestigioso Brooks Institute of Photography. Durante sus estudios en Estados Unidos, participó en varios concursos como el PDN Best of College Photography y los World Photography Awards, en los cuales obtuvo más de 8 reconocimientos por su trabajo. También participó en exposiciones en espacios como la Galería 27 y en Los Ángeles. Acudió a cursos en París y Los Ángeles donde tuvo la oportunidad de trabajar y aprender bajo la tutela de distintos fotógrafos profesionales. Al concluir sus estudios, se estableció en Nueva York, donde trabajó por dos años con el reconocido fotógrafo Mark Seliger y fue parte del equipo que realizó su último libro Listen. Después de dos años de formar parte del equipo de Seliger, Rodrigo empezó a colaborar con el fotógrafo mexicano Enrique Badulescu, con el que trabajó durante dos años. Tras cinco años en Nueva York, regresó a México para concentrarse en su obra, la cual destaca por poseer una voz única que lleva al espectador a apreciar imágenes que muestran el mundo de manera distinta. Le gusta experimentar con nuevas técnicas y formas así como la pintura y técnicas mixtas para intervenir sus fotografías, las cuales son únicas por crearse en el instante en el que se le comisiona la obra con el fin de ofrecer a sus coleccionistas un pedazo de sí mismo en cada una.
(Argentina, s/f)
EL ARTE COMO FORMA DE VIDA. De formación publicista, ha tenido la suerte de experimentar diferentes culturas a lo largo de su vida, por lo que actualmente vive y disfruta de la Ciudad de México. Su libro de viaje está signado por la indagación y los límites de la cotidianidad para comunicar temas inherentes al ser humano. Su trabajo apela a aquellos sentimientos y emociones que definen la identidad para sumergir al espectador en un camino de introspec-
ción y reflexión. Estudió la Licenciatura en Publicidad en la Universidad JF Kennedy, Buenos Aires, Argentina, además de realizar prácticas en talleres de arte en Buenos Aires (Argentina). Su enfoque es mayormente abstracto, combinado con diferentes materiales reciclados que resignifican su obra. Posee una inclinación por colores y patrones neutros que recrean la naturaleza en su simplicidad y esplendor. Ha sido parte de exposiciones en lugares como Casa Maiko Art Exposición Colectiva Noviembre 2022; Arte Vivo México 2022 en el Museo Tamayo en septiembre de 2022; Diálogos , exposición individual en Galería Expone México, Inefable, Galería Sophart Monterrey, 2022. De la Poesía al Lienzo, Embajada de Suiza y Gobierno de Puebla. Casa de Cultura Puebla, 2022; Expo Art Baja, Valle de Guadalupe, Baja California, 2021; Yahuali, Casa de Cultura Teziutlán, 2021; Siwini. De las Grietas florece la esperanza , Casa de Cultura Puebla,2021; Clandestina, The Canvas Market, 2021; Equinoccio. Galería Sophart Polanco, 2021.
El repertorio de Simone D’Auria abarca el diseño industrial, el arte, la arquitectura y el diseño gráfico, ya que crea pinturas, esculturas, diseña salas de exposición, hoteles y casas particulares. Distinguidas por su atractivo integrador, las obras de D’Auria reflejan una visión única e idiosincrásica que lo insta a buscar nuevas ideas y materiales para su arte, mientras crea hermosas obras que transmiten positividad por la vida y la naturaleza. Un tema común y recurrente en su obra es el de la cuchara, representada en esculturas como Spoon (2019), así como las figuras antropomórficas usadas en pinturas y grabados famosos como Spoows Cover (2020), una parodia que reemplaza a la nadadora en el icónico cartel de Tiburón con una cuchara. Ha colaborado con una variedad de empresas y marcas, incluidas Adidas, Leica, Ferragamo y Bally.
Tellaeche
(México, 1982)
El trabajo de Jorge Tellaeche se puede leer como íntimo y honesto, al sumergirse en temas que son relevantes a su alrededor, que evocan diálogo y autoconfrontación. Su lenguaje visual incluye pintura, escultura, murales y joyería. Su trabajo reinterpreta la imagen de un México contemporáneo a partir de la creación de un mundo paralelo en donde no existe el tiempo. Figuras prehispánicas se integran con un lenguaje retro-futurista en donde existen
elementos robóticos con referencia a la tecnología, cultura pop y temas socialmente relevantes en la realidad. Sus murales han sido comisionados por la Residencia del Embajador de México en Inglaterra, Lomita Vinícola en Valle de Guadalupe, la Universidad CUNY en Nueva York y ONU, así como por marcas internacionales como Adidas, Hotel W, Montblanc, New Era, Shake Shack, Perrier y Lululemon.
Vanessa García Lembo (México, 1969)
Estudió pintura y dibujo en el Atelier Röhrig y en el Atelier Pulley-Beuys en Hamburgo, Alemania. Realizó la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y la Maestría en pintura en la Universidad Nacional Autónoma de México. Su obra transita en varios medios, utiliza imágenes y documentos con nociones de utopía y memoria para que terminen siendo parte de sus pinturas y su series se involucran entre sí para crear una interacción entre ellas. Le gusta generar sus propias reglas y las modifica constantemente. Desde el 2012 trabaja en el proyecto La fragmentación como discontinuidad y unidad y Esplazamientos pictóricos , investigando la noción de fragmento, montaje, desmontaje, etcétera, para llevar estas nociones a la práctica en diversos espacios. Obtuvo la Beca de residencia Informal Architecture en Banff, Canadá, 2004. Su obra se ha expuesto en México, Canadá, Francia, Indonesia y China. Ha realizado obras in situ en Tijuana, la isla de Gölyazy en Turquía y en Banff, Canadá. También han sido realizados tres programas de televisión que hablan de su obra En el fondo somos así de Canal 22 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, TV UNAM y en el programa Naturaleza quieta de TV UNAM/MUCA Roma y actualmente, forma parte del Sistema Nacional de Creadores. Su obra forma parte de las colecciones del Museo del Arzobispado, CDMX, Universidad Autónoma Metropolitana, CDMX. Calgary University, Canadá. Museo Alfredo Zalce, Morelia, Michoacán. Museo de la Cancillería, CDMX. Museo de Arte Carrillo Gil, CDMX. Banco de México, CDMX. Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas, México, entre otros. Reside y trabaja en la Ciudad de México.
(España, 1971)
Desarrolla su obra pictórica en relación a la tensión cinematográfica, la narrativa y el conflicto a través de la acción en sus personajes. Recientemente ha desarrollado la pintura estereoscópica, que puede verse en tercera dimensión y ha llevado su innovación
al Centro León de la República Dominicana, Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, en el MAC de La Coruña y en la Galería Adora Calvo en Salamanca. En México ha expuesto con el Centro Cultura de España, Museo Francisco Goitia en Zacatecas y el CEIIDA en Monterrey, además de exposiciones individuales y colectivas con Galería Hispánica. Su obra ha sido parte de ferias como ARCO, Art Marbella, Art Madrid y Dallas Art Fair.
Víctor Zavala(México, 1956)
Estudió Comunicación y Diseño Gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Apasionado por la geometría, con la que ha jugado y desarrollado como diseñador gráfico, decidió buscar hacia dentro de la perfección del círculo y el cuadrado, explorando la libertad que explota con la pintura. Primero acrílico, muy en relación con las formas geométricas, hasta descubrir la pintura al óleo, que le ha permitido expresar su trabajo a través de lo humano. Cuando un símbolo inconsciente se abre a la consciencia en forma de sueño o premonición y sucede una situación objetiva, real, que coincide con ese contenido, explota la sincronicidad y de ese preciso tiempo y espacio, busca mostrar en su obra la relación del alma y el cuerpo. Considera que el momento de la sincronicidad es maravilloso y muy bello por ser real. Su obra busca personas comunes, desde dentro y hacia afuera. Algunas como reflejo en un cristal, otras mirándose con el espectador desde su lugar y momento y otras más son símbolos salidos de los propios sueños. Su obra Intersticio a 5 voces fue exhibida en la Galería comunitaria La Tosca en abril de 2022. En julio del mismo año abrió su estudio para su exposición Esencia. En octubre, expuso junto con Óscar Alarcón Ser un otro, en la galería del Centro Libanés. Participó en la colectiva Los espectros del corazón, en el Instituto cultural Helénico en febrero de 2023 y en el Hospital General de México en marzo.
Vica Cerámica - Victoria Chávez García
Es una destacada ceramista mexicana que encuentra inspiración en la naturalidad de los elementos. Su obra se define por explorar los límites y crear paisajes visuales y táctiles, sintiendo la forma en cada pieza. Para Victoria, la cerámica es mucho más que un medio de expresión artística: es un antiguo ecosistema lleno de secretos, recetas y posibilidades. A través de su trabajo en cerámica, Victoria ha descubierto más sobre sí misma, sin pretensiones, como algo fortuito. Este proceso involuntario es parte de su día a
día y lo ha abrazado como una táctica instintiva para ser nutrida y explorada continuamente, en lugar de ser interrumpida o forzada. Con exposiciones en reconocidas galerías y museos nacionales e internacionales, como The Old Biscuit Factory en Londres y el Museo de Arte de Querétaro en México, Victoria ha dejado su huella en el mundo del arte cerámico. Su talento la llevó a recibir el premio nacional de cerámica en 2022, consolidando su posición como una destacada artista en su campo.
Yvonne Domenge
(Ciudad de México, 1946-2019)
Realizó estudios de artes plásticas en la Corcoran School of Arts, en Washington D.C., bajo la dirección de la escultora Somsy Smuthart y en la Ciudad de México, bajo la dirección de Kitzia Hofmann (Hélene Domenge) y Alberto Pérez Soria. Cursó la carrera de Desarrollo Humano en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México, lo que la llevó a impartir cursos de expresión estética y terapia de arte por medio del dibujo y la escultura dirigida tanto a niños como a adultos. Su desempeño en el área de las artes plásticas se centró en la escultura. Fue miembro de la Comisión Consultiva en Escultura del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), así como tutora y becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Participó en más de 50 exposiciones individuales y más de 160 colectivas tanto en México como en el extranjero. Destacan Interconnected, Millenium Park, Chicago, Estados Unidos; Visión Antológica, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México; Sol del Nuevo Milenio, Instituto Politécnico Nacional, Ciudad de México; Procesos , Centro Cultural del México Contemporáneo, Ciudad de México y Las maderas de Domenge, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas, entre otras. Algunas de sus piezas más representativas se ubican en Chevron, Texaco, San Ramón, California; Novell Inc. San Francisco, California; Toyamura General Center, Abuta-gun, Hokkaido, Japón; plaza pública de Zhengzhou, Henan, China; Parque Escultórico de los Juegos Olímpicos, Beijing, China y Casa de México en Francia, Ciudad Universitaria, París. En México sobresalen las piezas que se encuentran en el Museo de Arte Moderno (Instituto Nacional de Bellas Artes); el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey; el Museo Universitario del Chopo y Universum, Museo de las Ciencias, ambos de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM); la Universidad Autónoma Metropolitana, Unidad Xochimilco; la Secretaría de Relaciones Exteriores;
entre otras. De sus más importantes esculturas monumentales en México destacan: Instituto Nacional de Investigaciones Nucleares, Estado de México; el Jardín de la Emperatriz, en Palacio Nacional; la Universidad Autónoma Metropolitana, Unidad Azcapotzalco; la Facultad de Ciencias Biomédicas y la Facultad de Estudios Superiores Unidad Zaragoza de la UNA, todas en Ciudad de México; el Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa; las Galerías Cuernavaca, en Morelos; y Lomas de Angelópolis, en Puebla. En el extranjero destacan las esculturas localizadas en Parque Martin L. King en Atlanta, Georgia; Michigan State University; Edificio de las Cortes y Seguridad Pública, Fort Worth, Texas; Complejo de Artes Escénicas en Denver, Colorado; Woodlands, Houston Texas; Sam Houston State University, Huntsville, Texas; Canary Wharf, Londres, Inglaterra; Hospital Surrey Memorial, British Columbia, Canadá; Parque Escultórico, Chicago, Illinois. Gracias a su trayectoria artística recibió múltiples reconocimientos, premios y distinciones como el segundo lugar Internacional de Arte en Hielo en Fairbanks, Alaska (Semilla de mar,1992); Premio de Adquisición Euroescultura, Bardonecchia, Italia (Eros , 1993); primer lugar del Premio Mexino de Diseño Industrial Latinoamericano (Coincidentia Opositorum, 1996); Premio Adquisición Bienal Internacional de Escultura Toyamura, Japón (Microcosmos , 1997); primer lugar del Premio Nacional del Acero, Cámara Nacional del Hierro y del Acero, México (Fullereno, 2000); por mencionar solo algunos. Entre las publicaciones sobre su obra destacan: Yvonne Domenge. La aventura del centro, Rius Caso Luis, INBA-CONACULTA 2012. Yvonne Domenge. Interconexiones , autores varios, Fomento Cultural Banamex, A.C. 2014. En 2006 recibió la medalla de la Sociedad Académica de las Artes, Ciencias y Letras de París, Francia y en 2008 ingresó como miembro honorario de la Real Academia de Ciencias, Letras y Bellas Artes de Bélgica en la Sección de Escultura. Fue designada Miembro de la Academia de Artes de México el 12 de agosto de 2017. Falleció en la Ciudad de México el 27 de septiembre de 2019, a los 73 años de edad.
Zony Maya (México, 1978)
Artista visual que utiliza la fotografía, el video arte y la instalación como los principales medios para desarrollar sus proyectos. Becado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y la beca Fulbright-García Robles, realizó su Maestría en la School of Visual Arts en Nueva York y es egresado de la Escuela Activa de Fotografía, de la Academia de Artes Visuales y de la carrera de Comunicación en la Universidad Iberoamericana. Ha expuesto su trabajo en el Solomon R. Guggenheim Museum de New York, la Bienal Manifesta 11 en Suiza, El Fotomuseo cuatro Caminos y la XIII Bienal de Fotografía en México. Imparte clases, talleres y conferencias en la República Mexicana, Estados Unidos, Canadá el Medio Oriente y Asia, así mismo ha colaborado en publicaciones como, Nat Geo, The New York Times, Vogue, Gatopardo y Vanity Fair. Es Embajador de la marca Canon y Co-fundador de la Fundación Maya-Barron.
Surgió con el objetivo de impulsar el coleccionismo de arte contemporáneo y ofrecer, con la ayuda de una plataforma digital así como de un Comité Curatorial, obras de arte originales, certificadas y enmarcadas dentro un capelo- marco de acrílico listas para ser colgadas al muro. Los formatos y el precio de las piezas están estandarizados: miden 6x4 pulgadas y tienen un costo de 5 mil pesos sin importar el autor o la técnica. Además, realizan envíos por mensajería a cualquier punto de la República Mexicana sin cargo alguno. 6x4 The Affordable Art Project promueve el arte cumpliendo con 3 objetivos principales: 1) Romper con la barrera del precio para que obras de calidad lleguen a nuevos muros; 2) Volver accesible al arte a través del precio y la forma de adquirirlo, y 3) Sembrar la semilla del coleccionismo en jóvenes y adultos.
Plataforma educativa para el autocuidado creada por el UNFPA, México Vivo, Reckitt y FEMESS con principios de la agenda 2030, para proveer con herramientas de Educación Integral en Sexualidad a través de un sitio gratuito y de libre acceso con cursos, videos, infografías, servicios de salud y otros recursos pedagógicos, donde se fortalecen habilidades para la vida y competencias, desde un enfoque de Derechos Humanos, con perspectiva de género, intercultural y de juventudes, basada en evidencia científica, apegada a los criterios y necesidades nacionales y regionales, amigable y para distintas poblaciones: 12 a 15 años, 16 a 19 años 19 a 25 años, madres, padres, tutores, docentes, profesionales de la salud. www.paress2030.org
Trabajamos por el derecho a que la juventud tenga acceso a educación de calidad e información sobre sexualidad y salud sexual a través de intervenciones en el espacio escolar con la participación de docentes, madres y padres de familia.
Trabajamos para que existan entornos laborales más saludables, incluyentes, igualitarios y equitativos a través de capacitaciones y conferencias, para que las personas tengan un desarrollo integral dentro de sus espacios de trabajo y que se refleje en su vida cotidiana.
Propiciamos el diálogo positivo a través de estas plataformas en línea para que la juventud asuma de forma responsable la sexualidad con salud y placer a través de información clara, libre y sín rodeos. www.hablemosdesexo.com
Acompañamos con atención médica y psicológica integral para que individualmente vivamos con salud, bienestar, placer y plenitud la sexualidad. Centro comunitario. Programa de Diagnóstico y Prevención de ITS. Acompañamiento. Red de Vinculación a Servicios de Salud y de las OSC. Insumos para la salud sexual.
Iniciativa en conjunto con el Fondo de Población de las Naciones Unidas (UNFPA), Reckitt y México Vivo desarrollada para contribuir a los Objetivos de Desarrollo Sostenible 2030, proporcionando a comunidades vulnerables herramientas que les permitan tener acceso a educación sexual, reproductiva, materno y neonatal así como información de salud mental y nutricional para construir futuros más saludables.
Haciendo un donativo a través de PayPal.
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