Catálogo Arte Vivo Edición 2024

Chandelier by Philippe Parreno

Edición XXX

Padrino de Honor

Javier Marín

Madrina de Honor

Maripili González

Subastador

Memo Martínez

Muestra de Arte

Del 28 al 29 de octubre 10:00 a 18:00 hrs.

Subasta

Martes 29 de octubre 20:00 hrs.

Museo Kaluz

Av. Hidalgo 81, Centro Histórico Ciudad de México

Informes: artevivo@mexicovivo.org / 01800 FMX VIVO Consulte catálogo digital en: mexicovivo.org/artevivo2024

PORTADA: Javier Marín Archivo III chico colores, 2023

Impresión 3D en resina con acrílico. 99x65x35 cm

¡GRACIAS!

A LAS Y LOS INTEGRANTES DEL

CONSEJO ARTE VIVO 2024

Alejandro Soto Galería 6x4

Andrés Rodríguez Galería 6x4

Antonio Ramírez Vicepresidente del Patronato

Arturo Mizrahi MAIA Contemporary

Bernardo Saenger Saenger Galería

Beto Moheno Asesor Curatorial

Claudio Castellanos Gestor cultural

Eduardo Mier y Terán Terreno Baldío Arte

Emilia Cohen ECOH Galería

Eugenia Peralta Consultora de Arte

Guadalupe Artigas Presidenta del Patronato

Gustavo Arroniz Galería Arróniz

Karina Fernández Promotora de Arte

Lourdes Sosa Galería Lourdes Sosa

Luciana Sánchez Galería Hispánica - Proyecto H

Marisol Argüelles Curadora independiente

Memo Martínez MM Casa de Subastas

Miriam Villaseñor Promotor cultural

Monica Quintero Consultora de Arte

Nico Covacevich Promotor de Arte

Nicole Badin Nicole Art Services

Odette Paz Mexicráneos - Casa Milán

Oscar Padilla Coleccionista

Pablo Ortega Galería Urbana

Patricia Conde Galería Patricia Conde

Patrick Charpenel El Museo del Barrio en NY

Polina Stroganova Curadora Independiente

Salvador Riestra Los Contemporáneos

Salvador Vera Islas Promotor cultural

Sofía Sáenz de Santamaría Asesora de Arte

Sylvia Navarrete Gestora en Arte

Alejandro Soberón

Alejandro Ortega

Alonso Gómez Payro

Álvaro Velarca

Ángel de León

Anne Engérant

Antuan Harfuch

Cristina Ruz

Daniel Ferraro

A LAS Y LOS IMPULSORES INSTITUCIONALES, 2023 — 2024

David Romero

Denise Velázquez

Dolores Pérez de Salazar

Enrique Aguayo

Giselle Moheno

Humberto Sarkis

Isaac Sasson Cohen

Jesús Eduardo Reyes Smith

José Hilario Ibarrola

Lincoln Alejandro Carrillo Valdez

Luis Perelman

Marcos Tuachi

Martha Delia

Mauricio Boy

Mónica Quintero

Óscar Padilla

Paul Longshaw

Pilar Goutas

Ramiro González Luna

Sasha Sökol

Santiago Payro

Sebastian Herrejon

Sophie Harvey Teofilo Kalach

Viko Sofer

A LAS AMIGAS Y AMIGOS DE ARTE VIVO QUE CON SU APOYO, TIEMPO, ESFUERZO Y CONTRIBUCIÓN ES POSIBLE REALIZAR ESTA EDICIÓN

Adaliz Chavero

Alan Escalona

Alejandra Jaimes

Alejandro Gil

Alejandro López

Alejandro Pardo

Alejandro Soto

Alejandro Vela

Alfredo Fajer

Ana Gabriela Boy

Ana Luisa Pérez

Antonio Redondo

Arabela López Lena Ari Katz

Arturo Finkowsky

Carlos Acosta

AldereteBegoña Hano

Carlos de Anda

Carlos Martinez

Carolina Bermúdez

Carolina Cisterna

Claire Holliday

Claudia Galvez

Dan Defossey

Daniel Quintero

David Álvarez

David Mustri

David Osnaya

Diana Oliva

Enrique Galdeano

Eugenio López Alonso

Fernando Estevez

Fernando Feres

Fernando Gurza

Fernando Veytia

Fernando Pavón

Fernando Ramos Schadtler

Francisco Sarabia

Fernanda Muñoz

Frida Mortera

Gabriela Correa

Gabriela Elizondo

Gastón Fernández

Gerard Mates

Gerardo Castañeiras

Gerardo González

Germán Campos

Harold May

Héctor Pardo

Hugo Wacogne

Isaac Mustri

Jaime Ruiz

Janeth Rodriguez

Javier Baca

Javier Moreno

Jesús González

Joaquín Rodríguez

Jonathan Guzman

Jorge Marín

Jorge Ramos

José Antonio Ortega

José Ramón Corral

Josue Martinez

Laura Flores

Laura Reyna de la Garza

Lautaro Cárdenas

Leticia Vega

Lilia Casillas

Luis Garcia Martinez

Magalí Lara

Manolo Mestre

Maria G. León

Maria Landa

Maripili Gonzalez

Marisol Villareal

Martha Abedrop

Martha Cristiana

Mauricio Gutierrez

Mauricio Olivera

Mercedes de Oteyza

Michael Marczell

Miguel Basurto

Miguel Mallet

Natalia Pollak

Nicolás Martínez Acra

Nicolás Poggi

Oguzhan Silviri

Olga Álvarez

Oliver Janiky

Paulino Martínez Acra

Ricardo Ibarra

Rolando Cuevas

Rosalba Hernández

Salvador Saenz

Santiago Nicieza

Sebastián Guzmán

Sergio Cortés

Silvia Sánchez

Tanya Villarreal

Tere Aguirre

Vanessa Castillo

Xóchitl Morales

Agradecemos la generosidad de las instituciones anfitrionas de Arte Vivo 2024

Agradecemos a los auspiciantes institucionales de Fundación México Vivo

Agradecemos a los patrocinadores de la edición 2024 de Arte Vivo

Agradecemos a las galerías donantes

Auspiciantes Arte Vivo

mexicovivo.org/artistasparticipantes2024

AARON GLASSON ADELIA SAYEG ALBERTO ESTRADA ALDO CHAPARRO ALEJANDRA EDWARDS

ALEJANDRO GRANDE ALEJANDRO PINTADO ALEX LAZARD ALEXANDER ZULETA ALEXIS DE CHAUNAC

ALEXIS MATA ALFREDO COTA ALFREDO GALLEGOS MENA ÁLVARO VERDUZCO AMADOR MONTES ANA

LUCÍA SANDOVAL ANDREA SOTELO ANDRÉS ANZA ARNALDO COEN ARTURO HERNÁNDEZ ALCÁZAR AURORA NOREÑA BELINDA GAREN BETSABEÉ ROMERO BORIS VISKIN BRADLEY NARDUZZI CA

ART COLLECTIVE CHARLIE NESI CLAUDIO RONCOLI CONCHITA PINEDA DAMIÁN SUÁREZ DANIEL AZUARA DANIEL MATTAR DARÍO ESCOBAR DAVID ALFARO DAVID MONT DAVID TROICE DIEGO

RODARTE PLANTER DULCE PINZÓN EDUARDO ESTRADA EMILIO RANGEL ERIK RICO FELIPE

ECHEVERRY LASSO FER NARCHI FERNANDO OSORNO FOREMAN FRANCESCA DALLA BENETTA FRANCESCO MERLETTI FRANCISCO ESNAYRA FRANCISCO TOSTADO GIUSEPPE FERLITO GONZALO

LEBRIJA GUILLERMO FORNES GUILLERMO OLGUÍN GUSTAVO ARGÜELLO PEÑALOZA HARLEY CORTEZ

HARUNA SHINAGAWA HIKARU ILÁN RABCHINSKEY ISAURO HUIZAR JASMINE CADENHEAD JAVIER

MARÍN JORDI MOLLÁ JORGE ROSANO GAMBOA JORGE TELLAECHE JORGE VARELA JOSÉ ANTONIO

MARTÍNEZ JOSÉ DE SANTIAGO JOSÉ LUIS CUEVAS JOSH MAYHEM JUAN CARLOS GARDUÑO JUAN

RAFAEL CORONEL RIVERA JULES WITTOCK JULIO MARTÍNEZ BARNETCHE JUN OLMAN KARIAN

AMAYA KARLA LEYVA KIYOTO OTA KYLLA PIQUERAS LAO GABRIELLI LENKA KLOBÁSOVÁ LEO MATIZ

LEONARDO MORALES LOLA VILLEGAS LOUIS VUITTON X YAYOI KUSAMA LUCA BRAY LUCIANO

MATUS LUIA CORSINI LUIS FELIPE DE LA TORRE LULÚ OSNAYA MANEL PUJOL BALADAS MANUEL

FELGUÉREZ MARCO ROUNTREE MARCOS COJAB MARÍA JOSÉ LAVÍN MARÍA LEVY MATEO PIZARRO

MAURA FALFÁN MAX SANZ MAXIM WAKULTSCHIK MAZVYDE SAKAL MIGUEL ALANÍS MIGUEL ÁNGEL

CORDERA MIGUEL CASTRO LEÑERO MIGUEL G. COUNAHAN MIKI MOISES LEVY OTTO MARTÍN MORENO PALOMA TORRES PAOLA DÁVILA PAUL WEINER PILAR GOUTAS POL BALLONGA PRINCE LÁUDER + BARÓN Y VICARIO PROYECTO 6X4 PUTU WIRANTAWAN RAFAEL CORONEL RAÚL CARDOZO RENATA

CASSIANO RICARDO GARDUÑO RICARDO LUÉVANOS RICARDO SANABRIA RICKY LEE GORDON ROB

WOODCOX ROBERTO ZAMARRIPA RODRIGO GARAGARZA RODRIGO PALMA ROXANA ALBANESE RUMSZ

LEC SERGIO HERNÁNDEZ SIOUZANA MELIKIAN SUTTON TANIA ESPONDA AJA TANIA FRANCO KLEIN

TODD WILLIAMSON VANESSA GARCÍA LEMBO VANESSA KÜSTNER VÍCTOR ZAVALA VICTORIA CHÁVEZ

GARCÍA WILLIAM GABER XIMENA ALARCÓN YVONNE VENEGAS LOUIS VUITTON (COLM DILLANE)

EDITORIAL

“Nadie puede construir un mundo mejor sin mejorar a las personas.”

—Marie Curie

Esta edición XXX de Arte Vivo coincide con el 20 aniversario de Fundación México Vivo, ambos, caminos de sinergias, de servicio, generosidad, arte, salud, educación, colectividad, solidaridad, resiliencia y de un profundo amor por México y su población.

Nuestro trabajo, lo que hacemos conjuntamente con nuestr@s aliados y donantes, llega cada día a más personas, pero también a más comunidades y a otras latitudes ya. Este compromiso sostenido durante dos décadas es posible gracias a la unión de esfuerzos.

Son muchos los retos aún enfrente, las adolescencias y juventudes son cada vez más expuestas a contenidos pornográficos en línea que moldean sus comportamientos y forma de entender y asimilar la sexualidad. Necesitamos contrarrestar con buena educación sexual desde temprana edad para influir positivamente en las nuevas generaciones.

Tenemos aún mucho trabajo para mitigar y sanar las heridas en nuestra población del abuso sexual, la violencia, los embarazos en adolescentes, los no deseados, las infecciones no detectadas y atendidas, el estigma y la discriminación asociados. Nos falta mucho aún para que la gran mayoría de nuestra población pueda vivir la sexualidad con salud, bienestar, amor, respeto, placer y poder de decisión.

En el último año, con acciones de alto impacto, de la mano de las instituciones aliadas lanzamos el Programa Safeteen First, que en conjunto con el UNFPA, FEMESS y Reckitt nos permitirá llevar educación integral en sexualidad (EIS) a millones de personas, a través de la plataforma PARESS 2030 en su renovada interfase. En un trabajo colaborativo con la SEP y CONAPO participamos activamente también para acompañar la inserción de la EIS en las aulas de todo el país. Gracias a SICO, seguimos llevando anualmente 1 millón de condones a la población.

Junto con Gilead lanzaremos esta año también la plataforma Conexión Viva para acercar digitalmente a la población los servicios de salud y con quienes hacemos llegar 60,000 pruebas rápidas a comunidades para que más personas tengan un diagnóstico oportuno. En alianza con MAC Viva Glam, el programa Comunidades Vivas apoya con insumos y fortaleciendo las capacidades de más de 53 organizaciones comunitarias en todo el país. De la mano de Abbott participamos también en el lanzamiento de la autoprueba en México. Y este año también aportamos en un artículo en la revista The Lancet junto con 51 especialistas de todo el mundo. Por mencionar algunas de las acciones más relevantes que estamos realizando para influir en la salud sexual de nuestra población.

Arte Vivo en su edición XXX nos brinda nuevamente la posibilidad de coincidir, de reunirnos y colectivamente gracias a la generosidad del arte, unir esfuerzos para que desde México Vivo podamos llegar a más personas brindándoles herramientas educativas, insumos y servicios de salud para vivir con mayor bienestar.

Nos honra contar con el Mtro. Javier Marín, uno de los artistas más relevantes de nuestros tiempos en México y el mundo, como Padrino de Honor, quien también es uno de los artistas fundadores de Arte Vivo. Nuestra profunda gratitud a él y a nuestra Madrina de Honor Maripili González, quien desde su arte y su altruismo siempre ha dado impulso y fuerza a nuestra labor.

Agradecemos profundamente las 337 propuestas recibidas para esta edición, gracias a cada artista que con la generosidad de su arte, dan vida a este esfuerzos colectivo. Agradecemos también al Consejo de Arte Vivo y a cada un@ de sus integrantes por su compromiso y ética para la invitación de artistas y el proceso de curaduría para seleccionar las 142 obras de arte participantes en esta edición XXX.

Gracias a cada empresa aliada y patrocinadora, a cada una de las galerías, marcas y a cada aliad@ que hacen posible esta sinergia un año más.

A cada persona voluntaria, de servicio social, practicantes y a todo el Equipo Operativo por su entrega y dedicación.

Finalmente rindo honor, homenaje y gratitud en estas líneas a 20 años de su creación, a Charlie Cordero, Miguel Ortiz Monasterio, Gustavo Reyes Terán, Lulú Ramos Cárdenas, Arlette Parres y a Virgilio Caballero, con quienes fundamos esta institución para servir a México. A las miles de personas que se han sumado estas dos décadas para mantener vivo y creciendo este esfuerzo.

Estas páginas que llegan a tus manos hoy, están llenas de amor, del amor que nos mueve y une para seguir, para llegar a más. Gracias a todas las personas coleccionistas, por hacer esa magia desde la generosidad, para que este esfuerzo prospere y logre dar vida a estas acciones. Gracias a cada persona que con ese mismo amor adquieren cada obra para llevar salud y vida a nuestra población.

En nombre de cada una y cada uno de las millones de personas beneficiarias de nuestro trabajo, recibe nuestra más honesta y profunda gratitud por dar vida con arte y amor a la labor de México Vivo.

H. Rodrigo Moheno M. Director General & Asociado Fundador

PRÓLOGO

“No hay una estrategia única, global, válida para toda la sociedad y enfocada de manera uniforme sobre todas las manifestaciones del sexo…”

Historia de la sexualidad I. La voluntad de saber. Michel Foucault.

In memoriam María del Perpetuo Socorro Villarreal Escárcega.

El muy joven siglo XXI mexicano vio nacer una institución altruista fruto de la pasión de un grupo de entusiastas, personas respetuosas con su pasado y comprometidas con el presente y futuro. La Fundación México Vivo nace en 2003 en un momento coyuntural a nivel global en que la sociedad reaccionaba asertivamente a la necesidad de colaborar con los gobiernos en acciones destinadas a la investigación de tratamientos para el VIH-SIDA y la atención integral para pacientes. Esta ardua tarea demandaba la definición de programas novedosos para la recaudación de fondos y la participación activa de diversos grupos sociales; así se crea Arte Vivo, un acertado programa que une creación artística y filantropía en favor de la vida, lo que ha permitido continuar, así como ampliar la labor de la Fundación en áreas de educación, prevención, acompañamiento, comunicación y servicios de salud para que más personas puedan vivir sanamente su sexualidad.

La Subasta Arte Vivo es un festejo de la creación y la vida, en un país con una cultura tan viva, dinámica y pujante, producto de nuestra vasta diversidad cultural y del talento de nuestros artistas. En dos décadas, ha logrado que creadores visuales, prestigiados recintos museísticos públicos y privados, funcionarios y gestores

culturales, coleccionistas, estudiosos de las artes y empresarios, sean gozosos partícipes de su realización.

Más de mil artistas de gran reconocimiento y quienes están en proceso de consolidación, han donado su trabajo a México Vivo, un círculo virtuoso, ya que al tiempo que contribuyen a una causa social, echan mano de esta plataforma de visibilidad para promover su creación --suma de talentos y voluntades en una receta de éxito.

Este año, con la presentación de 130 piezas en formatos bidimensional y tridimensional, la subasta llega a su 30 edición a nivel nacional; se trata de un encuentro ya esperado en el panorama de las artes visuales, que ha tenido como sede grandes recintos del país. Enhorabuena a patronos, directivos y colaboradores de la Fundación México Vivo, al Consejo Arte Vivo, a los creadores, galerías, coleccionistas, museos e instituciones públicas y privadas que hacen posible esta fiesta por el arte y la vida.

El querer ayudar en favor del bien común es una premisa que se respira en Arte Vivo; celebremos esta concurrencia de talentos que es amor al género humano. Que la luz de esta sinergia continúe su afortunado camino donde el arte convoca a la unión y la colectividad.

Salvador Vera Islas.

GILEAD SCIENCES

Empresa estadounidense que desde hace más de 36 años ha revolucionado la industria farmacéutica.

Nos enfocamos en el desarrollo, investigación y comercialización de terapias innovadoras en prevención y tratamiento del VIH, Hepatitis C y próximamente en Oncología.

En México, tenemos un poco más de 10 años coadyuvando en alcanzar las metas del VIH para el 2030 y sumando esfuerzos en la eliminación de la hepatitis C.

Además de ser una empresa altamente comprometida en acercar programas educativos en diversidad e inclusión, que permitan impulsar una sociedad más inclusiva.

AÑOS

¡Hacemos “Posible lo imposible”!

Saenz y Asociados Construcciones

Por su compromiso como marca socialmente responsable y por su apoyo a nuestros diferentes programas y proyectos de México Vivo.

Es gracias a este tipo de colaboraciones que podemos incrementar el impacto y beneficios para los más vulnerables, la juventud mexicana.

Juntos lograremos que la población tenga acceso a información y herramientas que les permitan vivir su sexualidad con salud y poder de decisión.

Conoce más en: https://newsroom.tiktok.com/

LA REALIDAD QUE ESTAMOS TRANSFORMANDO

México es el 1er lugar en embarazo adolescente

77 nacimientos por cada

1,000 mujeres entre 15 y 19 años, dentro de los paises de la OCDE.

—OCDE

El grupo más joven de las mujeres embarazadas cada año en México, de entre 10 y 14 años , es causa de abuso sexual.

—Save the Children

56% de oficinistas en

México han tenido un romance en su ámbito laboral.

Sólo un 14% separa lo laboral de lo personal.

—Bumerán

México ocupa el 1er lugar en abuso sexual

Y en violencia física y homicidios de niñas y niños menores de 14 años

-OCDE

de entre 18 y 30 años de edad ha padecido alguna infección de transmisión sexual, incluido el VIH/Sida.

—Instituto Mexicano de Seguro Social 30% de la población en México

45% de infantes abusados en México

o prostituidos tienen relación directa o cercana con su agresor.

—DIF

17.5%

de estudiantes de nivel medio superior que abandona sus estudios lo hace debido a un embarazo no planeado.

—SEP

SOBRE MÉXICO VIVO

NUESTRA MISIÓN

Trabajamos y unimos esfuerzos para que la población vivamos la sexualidad con salud y con poder de decisión.

NUESTRA VISIÓN

Ser líderes sociales transformadores en el ámbito del desarrollo social, la educación y la salud en México; estableciendo un modelo de atención integral que abarca desde el apoyo directo a poblaciones vulnerables hasta la creación de alianzas estratégicas con entidades internacionales, gubernamentales, privadas, académicas, comunitarias y mediáticas afines. Fomentando y fortaleciendo la responsabilidad social incentivando a empresas y personas a involucrarse activamente como agentes de cambio en las comunidades. Ello a través de iniciativas educativas, programas y estrategias innovadoras de prevención, diagnóstico y atención oportuno, con las que buscamos generar un impacto sostenible y significativo, que contribuya al bienestar social y al desarrollo sostenible de México.

NUESTROS VALORES FUNDAMENTALES

Servicio

Gratitud

Responsabilidad

Transparencia

Amor

Igualdad

Equidad

Respeto

Empatía

Solidaridad

Cooperación

Resiliencia

Innovación

Compromiso

Diversidad

NUESTRA HISTORIA

Somos una asociación civil fundada en 2003 en la sede de la ONU en México. Inicialmente enfocados en apoyar la respuesta al sida. En 2013 ampliamos nuestra misión para trabajar y unir esfuerzos para que la población viva la sexualidad con salud y poder de decisión, expandiendo nuestro trabajo a todos los temas vinculados a la salud sexual individual. Proveemos herramientas educativas y servicios que permiten prevenir, diagnósticar y atender a las personas, promoviendo una vida individual, familiar y social con inclusión, equidad, respeto, salud, amor y arte.

NUESTRO COMPROMISO

Edificar para una sociedad más inclusiva, justa y saludable, creando sinergias entre los diferentes sectores y las comunidades a las que servimos, en un marco de ética, transparencia y colaboración mutua, optimizando los recursos para poder llegar a más personas.

POBLACIÓNES A LA QUE BRINDAMOS ATENCIÓN

Adolescentes en escuelas secundarias; jóvenes en bachillerato y nivel universitario, personal docente, madres y padres de familia; personal de servicios de salud; población LGBT+, comunidades indígenas en zonas rurales y urbanas; personas trabajadoras sexuales, migrantes en tránsito y toda persona con vida sexual activa.

CONTRIBUCIÓN A LOS OBJETIVOS DE DESARROLLO SOSTENIBLE

Nuestros programas contribuyen al alcance de 6 de los 17 Objetivos de Desarrollo del Milenio y los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la ONU.

Nuestros programas contribuyen al alcance de 6 de los 17 objetivos de Desarrollo del Milenio y los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la ONU:

ASOCIACIÓN AVALADA POR

ASOCIACIÓN MIEMBRO DE

DE EIS Y

/ GIPEA

GRUPO

CAPACITACIÓN

SOBRE LA SUBASTA

REGISTRO

Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse previamente en línea; o el mismo día del evento acudiendo a la mesa de registro. Sugerimos el registro previo, para agilizar su acceso al evento.

1. Como garantía de pago para la Fundación, por el o los lotes que usted seleccionó, y que le fueron adjudicados durante la subasta, deberá dejar un cheque nominativo, de caja o un voucher abierto.

2.

Una vez hecho el registro, se le entregará una “Paleta” numerada, que le permitir á licitar en la subasta y le identificará con su hoja de registro, el uso de esta paleta es personal e intransferible y su responsabilidad. En caso de pérdida o extravío deberá reportarla de inmediato para evitar un mal uso de ella.

3. Para que las y los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada, en ese momento usted elige y adquiere el lote.

4.

Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja y será la propuesta más alta la ganadora y a la que se le adjudicará el lote, siempre que no exista una puja mayor y el martillero lo confirme.

5.

Los lotes serán subastados en el estado físico que se encuentren en la exposición, en el momento de celebrarse la subasta. Las piezas a subastarse tienen un precio

6.

de salida especial, por debajo de su valor comercial, en consideración a esta causa. Adquiera las obras en pagos parciales o mensualidades (consulte las condiciones para cada tipo de tarjeta y plazo).

Al término de la subasta y con la entrega del registro, usted queda obligado(a) pagar el precio del lote(s) elegido(s) y que le hayan sido adjudicados.

7. Si usted realiza el pago en efectivo, podrá acceder a un descuento del 8% En caso de que su pago sea por transferencia electrónica, su pago tendrá un descuento del 5%.

8.

Sin excepción, todos los lotes deberán liquidarse el mismo día del evento.

9. Al término de la subasta deberá regresar a la mesa de registro para verificar los lotes adquiridos y adjudicados, el monto a pagar y solicitar la cancelación del voucher o cheque en garantía. Al no realizarlo, acepta que la Fundación haga efectivo el cobro de la anterior, así como el monto de los lotes que le hayan sido adjudicados.

OFERTAS EN AUSENCIA

Usted llena un formato de ofertas en ausencia, que le será proporcionado solicitándolo al correo artevivo@mexicovivo.org o bien llenándolo desde el sitio: mexicovivo.org /ofertasenausencia 2024

En dicho formato nos indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros voluntarios estará haciendo las ofertas en su nombre y representación.

La persona solicitante podrá hacer llegar su oferta en ausencia a México Vivo hasta un día antes de celebrarse la subasta, mediante la recepción en nuestras oficinas o por correo electrónico del formato correspondiente. Como garantía, la persona que desee hacer una oferta en ausencia deberá previamente proporcionar telefónicamente, una vez registrada su oferta, una tarjeta de crédito o un cheque a la orden de Fundación Unidos por un México Vivo, A.C.

Los lotes se adjudicarán al precio más alto que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la subasta.

Ponemos a su disposición también la facilidad de hacer su oferta con las promociones disponibles a meses sin intereses con las tarjetas de crédito participantes.

Realice sus ofertas en ausencia ingresando a: mexicovivo.org /ofertasenausencia2024

OBRAS PARTICIPANTES

Kiyoto Ota

Kylla Piqueras

Lao Gabrielli

Lenka Klobásová

Miguel Ángel Cordera

Miguel Castro Leñero

Miguel G. Counahan

Vuitton x Yayoi Kusama

Luciano Matus

Luis Felipe de la Torre

Lulú Osnaya

Renata Cassiano

Ricardo Garduño

Ricardo Luévanos

Ricardo Sanabria

Ricky Lee Gordon

Rob Woodcox

Roberto Zamarripa

Rodrigo Garagarza

Rodrigo Palma

Roxana Albanese

Rumsz Lec

Sergio Hernández

Siouzana Melikian

Tania Esponda Aja

Tania Franco Klein

Williamson

Vanessa García Lembo

Vanessa Küstner

Víctor Zavala

Victoria Chávez García

William Gaber

Ximena Alarcón

Yvonne Venegas

Louis Vuitton (Colm Dillane)

Aaron Glasson

SEMBLANZA →

Strange Quiet , 2024 Impresión. 53x70 cm

Preventa $9,000.00 mxn — Puja

$4,500.00 mxn

SEMBLANZA →

mxn

Hayata Sunan (Ofrenda a la Vida) , 2016 Cerámica rakú, textiles antiguos y conchas de cauri. 28x25x24 cm

Preventa $32,000.00 mxn — Puja $16,000.00

Alberto Estrada

SEMBLANZA →

mxn

Mujer #3, de la serie Guardianes de Urantia , 2019

Bronce a la cera perdida. 67x140x25 cm + pedestal de hierro 100x30x30

Preventa $250,000.00 mxn — Puja $170,000.00

Aldo Chaparro

SEMBLANZA →

What do you consider fun?, 2024 Acrílico y latón. 78x40x27 cm

Preventa $145,000.00 mxn — Puja $116,000.00 mxn

Alejandra Edwards

SEMBLANZA →

Adriana 05, 2024

Tinta sobre algodón. 90x60 cm. Edición 1/1.

Preventa $50,000.00 mxn — Puja $25,000.00 mxn

Alejandro Grande

SEMBLANZA →

Itzaes , 2022

Cantera naranja labrada a mano por artesanos en Chimalhuacán, Estado de México. 2 piezas, 45x45x30 cm c/u

Preventa $35.000,00 mxn — Puja $17.500,00 mxn

Alejandro Pintado

SEMBLANZA →

Vista cotidiana , 2023

Carbón y acrílico sobre lino crudo. 50x70 cm

Preventa $56,000.00 mxn — Puja $44,800.00 mxn

Alex Lazard

SEMBLANZA →

Busco adentro, 2024

Mixta sobre tela. 80x90 cm

Preventa $38,000.00 mxn — Puja $20,000.00 mxn

Alexander Zuleta

SEMBLANZA →

Quantum World , 2024

Óleo en lino. 30x30 cm

Alexis de Chaunac

SEMBLANZA →

Lupa , 2023

Óleo sobre madera. 28x36x3 cm

Preventa $40,000.00 mxn — Puja $20,000.00 mxn

Alexis Mata

SEMBLANZA →

Soñé con un volcán con cactús alrededor, 2023 Impresión sobre papel algodón. 70x70 cm. Edición de 23.

Preventa $13,600.00 mxn — Puja $6,800.00 mxn

Alfredo Cota

SEMBLANZA →

Pata de la garza de bronce, cuerpo de resina y base metálica. 110x58x45 cm

Preventa $127,600.00 mxn — Puja $87,600.00 mxn

Garza , 2022

Alfredo Gallegos Mena

SEMBLANZA →

E eu não desanimo jamais , 2023

Cubos de cera con pigmento sobre panel de madera. 60x60 cm

Preventa $50,000.00 mxn — Puja $35,000.00 mxn

Álvaro Verduzco

SEMBLANZA →

Hoja Milimétrica Sujetada a una hoja de cartón gris Pegada a una cartulina blanca con Diferentes tipos de cinta , 2023

Acuarela, tinta, gráfito sobre papel (collage). 30x40 cm

Preventa $29,000.00 mxn — Puja $14,500.00 mxn

Amador Montes

SEMBLANZA →

Un regalo, 2024

Mixta sobre tela. 190x190 cm

Preventa $650,000.00 mxn — Puja $520,000.00 mxn

Ana Lucía Sandoval

SEMBLANZA →

The Giver (La Dadora) , 2023 Acrílico sobre tela. 170x140 cm

Preventa $90,000.00 mxn — Puja $67,000.00 mxn

Andrea Sotelo

SEMBLANZA →

María C, 2022

Acrílico sobre tela. 150x100 cm

Preventa $70,000.00 mxn — Puja $52,500.00 mxn

Andrés Anza

SEMBLANZA →

Preventa $35,000.00 mxn — Puja $22,500.00 mxn

Flora Silvestre Morada , 2024 Cerámica. 16x16x15 cm

Arnaldo Coen

SEMBLANZA →

Espejo de lo invisible, 2022 Serigrafía. 56x76 cm

Preventa $49,000.00 mxn — Puja $24,500.00 mxn

Arturo Hernández Alcázar

SEMBLANZA →

Valle de Oaxaca , de la serie Necro Paisaje Mexicano, 2023

Escoria de fundición de cobre y bronce sobre fotolitografía recuperada de la carpeta México, sus Valles y Montañas (1976), y soporte de madera. 61x75x16 cm

Preventa $60,000.00 mxn — Puja $42,000.00 mxn

Aurora Noreña

SEMBLANZA →

Encuentro Fugitivo 2 , 2023

Acero, pintura electrostática y cordones de polietileno. 3a versión. 66x80x80 cm

Preventa $127,600.00 mxn — Puja $102,000.00 mxn

Belinda Garen

SEMBLANZA →

Dyor, 2022

Inyección de tinta sobre papel de algodón. 90x60 cm

Preventa $95,000.00 mxn — Puja $47,500.00 mxn

Betsabeé Romero

SEMBLANZA →

Códice de Calaveras , 2023

Llanta de GoKart grabada a mano, pintada con hoja de oro y con engranajes de bicicleta pintados a mano. 25x27x25 cm

Preventa $85,000.00 mxn — Puja $85,000.00 mxn

Boris Viskin

SEMBLANZA →

Mácula lútea: Una página de chistes , de la serie Mácula Lútea , 2019 Encáustica, óleo y collage sobre madera. 87x75 cm. Edición de 3.

Preventa $90,000.00 mxn — Puja $50,000.00 mxn

Bradley Narduzzi

SEMBLANZA →

Totem Nu. 6 , 2021-2024

sobre madera. 200x40x40 cm. Edición de 3. Preventa $280,000.00 mxn — Puja $205,000.00 mxn

Acrílico

CA Art Collective

SEMBLANZA →

Aprendizaje, de la serie Brillas , 2023

Acrílico sobre tela. 100x100 cm

Preventa $90,000.00 mxn — Puja $45,000.00 mxn

Charlie Nesi

SEMBLANZA →

Window shut with red velvet , 2021

Pulido y trabajado en bronce con red velvet. 100x100 cm

Preventa $385,754.00 mxn — Puja $192,877.00 mxn

Claudio Roncoli

SEMBLANZA

→

Vamos , 2013

Mixta sobre lienzo. 120x90 cm

Preventa $111,000.00 mxn — Puja $68,000.00 mxn

Conchita Pineda

SEMBLANZA →

DUO New York Matches!, de la serie Match mini serie New York, 2020 Madera, acrílico silkscreen. 38x7 cm

Preventa $30,000.00 mxn — Puja $15,000.00 mxn

Damián Suárez

SEMBLANZA →

Cromokinético #5, 2024

Hilo prensado sobre madera. 260x130 cm

Preventa $480,000.00 mxn — Puja $240,000.00 mxn

Daniel Azuara

SEMBLANZA →

Donde nacen los dioses , 2024

Hoja de oro, carbón y grafito sobre canson. 6 piezas, 54x45 cm c/u

Preventa $90,000.00 mxn — Puja $70,000.00 mxn

Daniel Mattar

SEMBLANZA →

Wakusei , 2022

Impresión en pigmento sobre papel de algodón/montado en plexiglás Diasec. 100x100 cm. Edición 1/3 + AP.

Preventa $128,000.00 mxn — Puja $80,000.00 mxn

Darío Escobar

SEMBLANZA →

Observe & Reverse , 2024 Cuero, cuerda y poliestireno. 21x21x21 cm. Edición 1/5.

mxn — Puja

David Alfaro

SEMBLANZA →

Preventa $30,000.00 mxn — Puja $15,000.00 mxn

Oblatio, 2024

Cerámica de barro negro, porcelana e hilo de plata. 2 piezas, 44x14 cm

David Mont

SEMBLANZA →

Minutos (Time Sensitive) , de la serie 1, 2023 Acero inoxidable pulido + figuras de pmma. 74x51 cm. Edición 1/3.

Preventa $120,000.00 mxn — Puja $60,000.00 mxn

David Troice

Expansión III , 2024

Acero inoxidable con pintura automotiva negro mate. 175x175 cm Preventa

SEMBLANZA →

Diego Rodarte Planter

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Acción LIV, 2023

Óleo sobre lino. 100x70 cm

Preventa $90,000.00 mxn — Puja $45,000.00 mxn

Dulce Pinzón

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Oso 1 , de la serie Historias del Paraíso,2017 Fotografía a color. 115x75 cm

Preventa $50,000.00 mxn — Puja $25,000.00 mxn

Eduardo Estrada

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Preventa $195,000.00 mxn — Puja $150,000.00 mxn

Jabali / Venado / Minotauro, de la serie Danza de la vida , 2024

Bronce a la cera perdida. Jabali 52x16x12cm Venado 82x52x36cm Minotauro 64x24x52cm

Emilio Rangel

The Whore of Babylon , 2022 Modelado en resina epòxica pigmentada. 14x39x25 cm

Preventa $60,000.00 mxn — Puja $30,000.00 mxn

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Rico

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Minerva , 2024 Óleo sobre tela. 59x59 cm

Preventa $38,000.00 mxn — Puja $19,000.00 mxn

Felipe Echeverry Lasso

SEMBLANZA →

The day After Tomorrow, 2018 Óleo, acrílico, carbón y pluma sobre lienzo. 182x152 cm

Preventa $450,000.00 mxn — Puja $300,000.00 mxn

SEMBLANZA →

Tiempo en el hielo, de la serie The World is a Sphere, 2023 Impresión en espejos tri-capa, caja veneciana. 40x60 cm. Edición 2/20.

Preventa $19,300.00 mxn — Puja $9,650.00 mxn

Fernando Osorno

SEMBLANZA →

Lloviendo flores , 2023

Escultura en papel. 43x32x30 cm

Preventa $24,000.00 mxn — Puja $12,000.00 mxn

Foreman

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Juego de memoria II , 2019

Acrílico sobre tela. 100x120 cm

Preventa $60,000.00 mxn — Puja $30,000.00 mxn

Francesca Dalla Benetta

Fuochi , 2020

Bronce y marmol. 6 piezas, 22x40x6 cm

Preventa $43,000.00 mxn — Puja $21,500.00 mxn

SEMBLANZA →

Francesco Merletti

SEMBLANZA →

P arlare, ridere che strano, 2023 Óleo y esmalte sobre tela. 80x70 cm

Preventa $170,000.00 mxn — Puja $85,000.00 mxn

Francisco Esnayra

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Monolito Indómito, 2023

Modelado digital, modelado en plastilina, vaciado en resina. 80x60x13 cm. Edición 2/8.

Preventa $276,000.00 mxn — Puja $200,000.00 mxn

Francisco Tostado

SEMBLANZA →

Sin título, de la serie Positivo y Negativo, 2023 Foto impresión y acrílico. 132x102x8 cm

Preventa $70,000.00 mxn — Puja $49,000.00 mxn

Giuseppe Ferlito

SEMBLANZA →

Preventa $170,000.00 mxn — Puja $111,000.00 mxn

Calavera , de la serie The Warriors , 2018 Mixta sobre lienzo, uso principal de acrílico. 110x92 cm

Gonzalo Lebrija

SEMBLANZA →

Who knows where the time goes I,5, 2013 Impresión de inyección de tinta. 64x80 cm. Edición 3/3 + PA.

Preventa $148,500.80 mxn — Puja $72,250.40 mxn

Guillermo Fornes

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Archlight , 2020

TM sobre lienzo. 130x90 cm

Preventa $180,000.00 mxn — Puja

$162,000.00 mxn

Guillermo Olguín

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Tonas y paisajes , 2023 Carpeta gráfica. 5 litografías, 38x28 cm. Edición 40/60.

Preventa $65,000.00 mxn — Puja $45,000.00 mxn

Gustavo Argüello Peñaloza

SEMBLANZA →

Deshielos , 2023

Acrílico, óleo y esmalte en aceite. 120x270 cm

Preventa $84,000.00 mxn — Puja $42,000.00 mxn

Harley Cortez

SEMBLANZA →

Preventa $400,000.00 mxn — Puja $280,000.00 mxn

Tiempo, 2023

Óleo, acrílico y pastel en lienzo. 150x150 cm

Haruna Shinagawa

SEMBLANZA →

Peel Off the Paint #278, 2023

Acrílico sobre tela. 60x50 cm

Preventa $30,000.00 mxn — Puja $21,000.00 mxn

SEMBLANZA →

Kyoto al atardecer, 2023

Tintas de archivo pigmentadas sobre papel de algodón. 40x60 cm. Edición 1/4.

Preventa $30,000.00 mxn — Puja $15,000.00 mxn

Ilán Rabchinskey

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Progression #1 , de la serie Objeto probable/Espacio posible, 2022

Inyección de tintas pigmentadas sobre papel algodón, montada sobre respaldo rígido Sintra de 6mm, enmarcada con moldura de madera en acabado blanco mate de 7mm de frente. 66x48x4 cm. Edición 1/4.

Preventa $55,000.00 mxn — Puja $27,500.00 mxn

Isauro Huizar

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Vidriera resplandeciente , de la serie Soltar la mente, 2024 Acrílico y marcadores metálicos e inyección de tinta sobre plata. Pieza única. 58x51 cm Preventa $27,500.00 mxn — Puja $13,750.00 mxn

Jasmine Cadenhead

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Blue of nothingness , 2024

Preventa $124,000.00 mxn — Puja $87,000.00 mxn

Madera, lino, índigo puro de Oaxaca, tinta de índigo y resina. 151x110 cm

Javier Marín

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Archivo III chico colores , 2023

Impresión 3D en resina con acrílico. Pieza única. 99x65x35 cm

Preventa $1,127,057.00 mxn — Puja $870,800.00 mxn

“Artista mexicano nacido en Uruapan, Michoacán en 1962, con cuarenta años de producción y presencia en instituciones y el medio del arte y la cultura, Javier Marín ha expuesto su obra en más de trescientas ocasiones de forma individual y colectiva en México, Estados Unidos y Canadá, así como en varios países de Centroamérica, Sudamérica, Asia y Europa.

Javier Marín concibe en su obra un ser humano integral, a través del análisis del proceso de construcción y deconstrucción de las formas tridimensionales. Aunque muchas de sus piezas son paradójicamente abstractas, es conocido principalmente por su escultura figurativa que representa humanos.

Investigador constante que colabora con artesanos altamente calificados, utilizando materiales y técnicas tradicionales (dibujo, pintura al óleo o acrílico, modelado en terracota, bronce fundido a la cera perdida, talla de mármol, talla de madera, tejido de lana, cianotipias y otros procesos fotográficos y más) , también investiga para desarrollar nuevas técnicas como la mezcla de polímeros para encapsular semillas, azúcar, carne, tabaco y otros elementos. Javier Marín ha incorporado recientemente el escaneo e impresión 3D en técnicas aditivas, sustractivas e híbridas de impresión fotográfica digital en continua exploración con nuevas herramientas. El diseño arquitectónico es también uno de sus medios

de expresión, siendo “Plantel Matilde” en Sac Chich, Yucatán, su pieza más importante.

Con sus piezas invita al espectador a centrarse en la evidencia del proceso, los elementos que son cruciales en la transformación de los materiales y la intervención de terceros, ya sean personas, instrumentos, máquinas o robots.

Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de México y el extranjero, entre ellas: la del Museo de Arte Moderno y la del Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, en la Ciudad de México; la del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey; la del Museo del Barro, en Caracas; la del Santa Barbara Museum of Art, en California; la del Museum of Fine Arts, en Boston; la del Boca Raton Museum of Art y la del Latin American Museum, en Florida; y también de la Colección BlakePurnell, en Nueva York; la Colección Costantini del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; la Colección Ersel, en Turín; y la Colección de Arte del Príncipe de Mónaco.

Entre sus últimos proyectos destaca la creación de la Fundación Javier Marín, una asociación sin fines de lucro, creada en 2013, que se inserta dentro del mundo de la cultura y el arte. Es un espacio que investiga, vincula y profesionaliza las artes plásticas y visuales. Creando espacios de encuentro y colaboración en comunidades vulnerables.”

Jordi Mollá

SEMBLANZA →

This is the beautiful wonderful world we live in , 2019

Mixta sobre lienzo. 135x212 cm

Preventa $422,000.00 mxn — Puja $280,000.00 mxn

Jorge Rosano Gamboa

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Manto celestial , 2019 Mono-cianotipo sobre lino. 170x200 cm

Preventa $120,000.00 mxn — Puja $85,000.00 mxn

Jorge Tellaeche

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My experience , 2023

Preventa $40,000.00 mxn — Puja $20,000.00 mxn

Acrílico sobre lienzo. 80x60 cm

Jorge Varela

SEMBLANZA →

Tríptico, de la serie 1/1, 2023

Pigmentos, yeso, cola de conejo y temple sobre madera. 3 piezas, 34x26x2.5 cm c/u

Preventa $80,000.00 mxn — Puja $56,000.00 mxn

José Antonio Martínez

SEMBLANZA →

Canario II , 2011

Escanografía, impresión digital, pigmento sobre papel de algodón libre de ácido. 80x140 cm. Edición 2/2.

Preventa $60,000.00 mxn — Puja $30,000.00 mxn

José de Santiago

SEMBLANZA →

Preventa $50,000.00 mxn — Puja $25,000.00 mxn

María Eugenia 06 , 2024 Tinta sobre algodón. 90x60 cm

José Luis Cuevas

SEMBLANZA →

Diálogo III , NA Serigrafía. 98x78 cm

Preventa $35,000.00 mxn — Puja $16,500.00 mxn

Josh Mayhem

SEMBLANZA →

Wasted - Cosmo Brown , s/f

Acrílico, metal, plastilina y resina sobre figura auténtica de Kaws/Obra única, firmada UV (Unique Variation) 1/1 en la planta del pie. 38x35x15 cm

Preventa $195,000.00 mxn — Puja $130,000.00 mxn

Juan Carlos Garduño

SEMBLANZA →

Aiónios , 2024

mxn — Puja $32,000.00 mxn

Madera zebrano sobre mármol calacatta. 37x55x55 cm Preventa $64,000.00

Juan Rafael Coronel Rivera

SEMBLANZA →

, 2000-2024

Preventa $45,000.00 mxn — Puja $25,000.00 mxn

Todo lo ve desde lo alto, de la serie 1/5

Plata sobre gelatina. 50x40 cm

Jules Wittock

SEMBLANZA →

Emotion , 2024

Técnica mixta de acrílico sobre lienzo. 120x180 cm Preventa $125,000.00 mxn — Puja $80,000.00 mxn

Julio Martínez Barnetche

SEMBLANZA →

Triángulo, 2016 Talla directa en mármol negro de Tilapan, Veracrúz. Colección pares y ovarios. 26x52x29 cm

Preventa $235,000.00 mxn — Puja $188,000.00 mxn

Jun Olman

SEMBLANZA →

Lunar, 2024

Acrílico sobre tela. 2 piezas, 80x80 cm c/u. Edición 5/20 (amarilla), 3/20 (negra).

Preventa $63,000.00 mxn — Puja $30,000.00 mxn

Karian Amaya

SEMBLANZA →

aire

Preventa $63,000.00 mxn — Puja $44,100.00 mxn

Oda al

II , 2022 Cobre. 89x25 cm. Edición 2/5.

Karla Leyva

SEMBLANZA →

Máscara de Jade V, 2023 Chatarra tecnológica. Pieza única. 20x17 cm

Preventa $34,800.00 mxn — Puja $28,000.00 mxn

SEMBLANZA →

mxn

La Huella del Tiempo, 2005 Raku. Pieza única. 11x20x20 cm

Preventa $120,000.00 mxn — Puja $108,000.00

Kylla Piqueras

Semilla Estelar I , 2015 Mixta sobre terciopelo. 110x110 cm

Preventa $200,000.00 mxn — Puja $120,000.00 mxn

SEMBLANZA →

Lao Gabrielli

SEMBLANZA →

Oscilaciones Cromáticas , 2022

Pintura acrílica sobre lienzo. Pieza única. 100x100 cm

Preventa $150,000.00 mxn — Puja $75,000.00 mxn

Lenka Klobásová

SEMBLANZA →

Recovery 1.0, 2022

Mixta sobre tela. 110x110 cm

Preventa $80,000.00 mxn — Puja $70,000.00 mxn

Leo Matiz

SEMBLANZA

→

Patzc uaro, México, 1997

Impresión digital fine art hannemuler. 50x60 cm

Leonardo Morales

SEMBLANZA →

El profeta , 2018 Resina. 176x178x56 cm

Preventa $170,000.00 mxn — Puja $111,000.00 mxn

Lola Villegas

SEMBLANZA →

There is No riGht Way, 2024 Mixta. 120x120 cm

Preventa $78,000.00 mxn — Puja $60,000.00 mxn

Louis Vuitton x Yayoi Kusama

SEMBLANZA →

Piel Epi granulada con estampado Infinity Dots, forro en piel, cierre de giro LV con acabado esmaltado. 23x9.5x17 cm

Preventa $113,000.00 mxn — Puja $113,000.00 mxn

LV x YK Bolso Twist MM , s/f

El llamativo bolso Twist LV x YK MM, fruto de la nueva colaboración exclusiva entre Louis Vuitton y Yayoi Kusama, está confeccionado en exquisita piel Epi de color rojo vivo. Luce la temática Infinity Dots, un alegre estampado de luminosos lunares blancos inspirados en uno de los motivos favoritos de la famosa artista japonesa. Este elegante modelo incorpora un cierre LV Twist distintivo con acabado esmaltado, que presenta el mismo patrón característico de la colección.

DIMENSIONES Y PESO

NETO

• 23 x 9.5 x 17 cm

• 9.1 x 3.7 x 6.7 inches

• 1.03 KG

CARACTERÍSTICAS

DETALLADAS

• Rojo / blanco

• Piel Epi granulada con estampado Infinity Dots

• Forro en piel

• Piezas metálicas de color plateado

• Logotipo LVxYK en el interior

• Cierre de giro LV distintivo con acabado esmaltado

• Bolsillo interior plano en la parte trasera

• Bolsillo interior plano en piel estampada con espejo extraíble

• Amplio compartimento interior con bolsillo con cremallera en la parte delantera

• Chain: Deslizante, no extraíble

• Chain Drop Min: 31.0 cm

• Chain Drop Max: 54.0 cm

Luca Bray

SEMBLANZA →

Tierra , 2021

Cerámica de baja temperatura. Pieza única. 99x103 cm

Preventa $169,000.00 mxn — Puja $152,000.00 mxn

Luciano Matus

SEMBLANZA →

Sin Título , Hoja de oro 24K sobre madera. 30x30x5 cm

Preventa $50,000.00 mxn — Puja $35,000.00 mxn

Luia Corsini

SEMBLANZA →

mxn

Casa Pedegral , 2023

Tipografía acrílica sobre papel. 70x60 cm. Edición 3/40.

Preventa $30,500.00 mxn — Puja $23,000.00

Luis Felipe de la Torre

SEMBLANZA →

Peregrinos , 2010

Preventa $90,000.00 mxn — Puja $70,000.00 mxn

Mixta sobre tela. 120x70 cm

Lulú Osnaya

SEMBLANZA →

Ductus II , 2023

Escultura en papel negro libre de ácido cortado y cosido a mano sobre fondo de papel algodón blanco. 52x65x16 cm

Preventa $29,000.00 mxn — Puja $14,500.00 mxn

Manel Pujol Baladas

SEMBLANZA →

Materia transhumante , 2023 Mixta sobre madera. 122x122 cm

Preventa $500,000.00 mxn — Puja $300,000.00 mxn

Manuel Felguérez

SEMBLANZA →

Sin título, 2011

Serifrafía e impresión digital. 57x57 cm

Preventa $50,000.00 mxn — Puja $25,000.00 mxn

Marco Rountree

SEMBLANZA →

Sin título (ruinas México) , 2020 Acrílico sobre imagen. 36x28 cm

Preventa $18,000.00 mxn — Puja $9,000.00 mxn

Marcos Cojab

SEMBLANZA →

Skull , s/f

Plata 999. 50x32x43 cm / 20 kg. ALQUIMIAMC by Marcos Cojab.

Preventa $340,000.00 mxn — Puja $270,000.00 mxn

María José Lavín

SEMBLANZA →

Preventa $60,000.00 mxn — Puja $40,000.00 mxn

Sueño Blanco, de la serie Sueños a la carta , 2020 Resina con polvo de mármol. 27x38 cm

María Levy

SEMBLANZA →

Expansión , 2024

Tinta sobre algodón. 90x60 cm. Edición 2/1.

Preventa $50,000.00 mxn — Puja $25,000.00 mxn

Mateo Pizarro

SEMBLANZA →

Like and subscribe , 2021 Dibujo a lápiz. 35x28 cm

Preventa $42,000.00 mxn — Puja $28,000.00 mxn

Maura Falfán

SEMBLANZA →

Sin título (Caseína Rojo) , 2006

Temple de caseína sobre tela sobre tabla. 45x45 cm Preventa $70,000.00 mxn — Puja $35,000.00 mxn

SEMBLANZA →

$80,000.00 mxn — Puja $40,000.00 mxn

Espora de agua , 2024

Metal y hoja de oro. Pieza única. 2 piezas, 104x50x24 cm

Preventa

SEMBLANZA →

That’s what they’re made for, 2024 Barniz en madera sobre tablero Kapa detrás de plexiglass. 20x20x9 cm

Preventa $69,000.00 mxn — Puja $49,000.00 mxn

SEMBLANZA →

Torso, 2023

Mixta sobre lienzo. 100x100 cm

Preventa $200,000.00 mxn — Puja $140,000.00 mxn

Miguel Alanís

SEMBLANZA →

GT-PS-17, 2024

Acrílico sobre tela. 100x100 cm

Preventa $65,000.00 mxn — Puja $32,500.00 mxn

Miguel Ángel Cordera

SEMBLANZA →

Sin título (3) , 2023

Silicon sobre aluminio. 50x40 cm

Preventa $60,000.00 mxn — Puja $60,000.00 mxn

Miguel Castro Leñero

SEMBLANZA →

Perro negro, 2023

Escultura en bronce. 50x47x14 cm

Preventa $80,000.00 mxn — Puja $40,000.00 mxn

Miguel G. Counahan

SEMBLANZA →

Eclipse , 2024 Heliograbado en cobre impreso en papel japonés sobre papel de algodón. 50x40 cm. Edición de 10.

Preventa $22,000.00 mxn — Puja $15,000.00 mxn

SEMBLANZA →

Arrítmica , 2008

Bronce. 22x60x23 cm. Edición de 8.

Preventa $127,380.00 mxn — Puja $101,904.00 mxn

Moises Levy

SEMBLANZA →

Génesis , 2017 toma / 2024 impresión Piezografía sobre algodón. 60x40 cm

Preventa $27,000.00 mxn — Puja $13,500.00 mxn

Otto Martín Moreno

SEMBLANZA →

Desfragmentada , 2024 Acero inoxidable macizo. 120x120x130 cm Preventa $400,000.00 mxn — Puja $300,000.00 mxn

Paloma Torres

SEMBLANZA →

Neblina , 2020

Preventa $110,000.00 mxn — Puja $110,000.00 mxn

Barro de Zacatecas con engobe de zinc y óxidos; Papel de arroz y encausto. 106x50 cm

Paola Dávila

SEMBLANZA →

— Puja $19,140.00 mxn

Alga XIX , 2023

Cianotipia sobre papel de algodón. Pieza única. 47x47 cm Preventa $38,280.00 mxn

Paul Weiner

SEMBLANZA →

“I’m gonna blame you for everything (Artificial Intelligence Model #10)”, 2024 Carbón sobre lienzo de algodón crudo. 254x244 cm

Preventa $400,000.00 mxn — Puja $280,000.00 mxn

Pilar Goutas

SEMBLANZA →

Lobo, 2024

Heliograbado en cobre impreso en papel japonés sobre papel algodón. 60x40 cm. Edición de 7.

Preventa $30,000.00 mxn — Puja $15,000.00 mxn

Pol Ballonga

SEMBLANZA →

Cracking , 2024 Resina policromada. 48x36x20 cm

Preventa $60,000.00 mxn — Puja

$35,000.00 mxn

Prince Láuder + Barón y Vicario

SEMBLANZA →

Orígenes , 2022

Escultura de resina color humo y latón. 27x33x23 cm Preventa $22,000.00 mxn — Puja $11,000.00 mxn

Proyecto 6x4

David Mont, Ernesto Marenco, Armando de la Garza, Cecilia Avendaño, Alfredo Gallegos, Raúl Cardozo, Juana Gómez, David Troice, Mario Arroyabe

SEMBLANZA →

Políptico 6x4, 2024 Variadas. 9 piezas, 86x104 cm

Preventa $54,000.00 mxn — Puja $27,000.00 mxn

Putu Wirantawan

SEMBLANZA →

Lápices y pluma sobre papel.53.5x36 cm

Preventa 85,000.00 mxn — Puja $42,500.00 mxn

Menjaga Keseimbangan , 2024

Rafael Coronel

SEMBLANZA →

Do Menor, NA Gicleé. 112x131 cm

Preventa $65,000.00 mxn — Puja $32,500.00 mxn

Raúl Cardozo

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Aura , de la serie Astronity, 2024 PETG policromado. 62x62 cm

Preventa $45,000.00 mxn — Puja $22,500.00 mxn

Renata Cassiano

SEMBLANZA →

Preventa $58,000.00 mxn — Puja

$40,600.00 mxn

Icono I , 2021

Cerámica y oro. 36x9x9 cm

Ricardo Garduño

SEMBLANZA →

Anémona No. 4, Fabricación piano: 1935/2024 Piano Baldwin de Estados Unidos, Madera tallada, fibra de vidrio, poliuretano, polvos luminiscentes. 150x180x190 cm

Preventa $700,000.00 mxn — Puja $300,000.00 mxn

Ricardo Luévanos

SEMBLANZA →

Somewhere , 2024

Pintura digital. Impresión en papel algodón alemán 100% libre de ácido. Pigmentos naturales. Marco en pintura automotiva. Acrílico sobre tela. 2 piezas, 80x70 cm c/u. Edición 3/3.

Preventa $50,000.00 mxn — Puja $24,000.00 mxn

Ricardo Sanabria

SEMBLANZA →

Cosmogonía I , 2021

Xilografía entelada. 110x200 cm

Preventa $111,000.00 mxn — Puja $70,000.00 mxn

Ricky Lee Gordon

SEMBLANZA →

Litograph edition teal , 2024 Litografía. 64.5x49.5 cm. Edición de 20.

Preventa $6,200.00 mxn — Puja $3,100.00 mxn

Rob Woodcox

SEMBLANZA →

Otherworld , 2021 Fotografía. 127x102 cm

Preventa $108,000.00 mxn — Puja

$54,000.00 mxn

Roberto Zamarripa

SEMBLANZA →

Sus deseos , sus desamparos, sus excesos , 2024 Óleo y grafito sobre triplay de pino. 104x97 cm

Preventa $35,000.00 mxn — Puja $30,000.00 mxn

Rodrigo Garagarza

SEMBLANZA →

Relieve de tres medios círculos , 2024 Madera y MDF. 100x300x30 cm Preventa $172,000.00 mxn — Puja

Rodrigo Palma

SEMBLANZA →

Preventa $50,000.00 mxn — Puja $25,000.00 mxn

Miguel 2 , 2024

Tinta sobre algodón. 90x60 cm. Edición 3/1.

Roxana Albanese

SEMBLANZA →

Reflejos de la tierra , 2024

Mixta de materiales reciclados. 105x85 cm

$50,000.00 mxn — Puja $40,000.00 mxn

Rumsz Lec

SEMBLANZA →

Torso no. 28, de la serie A 10/10, 2021 Bronce a la cera perdida. 197x58x40 cm

Preventa $240,000.00 mxn — Puja $150,000.00 mxn

Sergio Hernández

SEMBLANZA →

Sin título, 2021 Aguafuerte y aguatinta. 98x123 cm Preventa $141,780.00 mxn — Puja

Siouzana Melikian

SEMBLANZA →

Oscuridad , 2024

Bordado a mano con material variado (Chakita, canutillo). 32x32 cm

Preventa $20,000.00 mxn — Puja $10,000.00 mxn

SEMBLANZA →

Nobel thougts , 2023

Impresión en hilo. 200x80 cm

Preventa $250,000.00 mxn — Puja $125,000.00 mxn

Tania Esponda Aja

SEMBLANZA →

mxn — Puja $71,000.00 mxn

La Danza , s/f Acero inoxidable pulido y cepillado. 52x35x35 cm Preventa $89,000.00

Tania Franco Klein

SEMBLANZA →

Black Smoke (self portrait) , de la serie Break In Case Of Emergency, 2020

Archival Pigment Print. 75x100 cm. Edición de 7.

Preventa $150,000.00 mxn — Puja $120,000.00 mxn

Todd Williamson

SEMBLANZA →

Chromatic Interplay, 2024

$130,000.00 mxn — Puja $111,000.00 mxn

Óleo sobre lienzo. 102x92 cm

Preventa

Vanessa García Lembo

SEMBLANZA →

Sin título 35, de la serie Fragmentos , 2016-2020 Fotografía, acrílico y collage sobre madera ensamblada. 120x120 cm

Preventa $65,000.00 mxn — Puja $32,500.00 mxn

Vanessa Küstner

SEMBLANZA →

Through children’s eyes , 2024 Técnica mixta sobre lienzo de algodón, acrílico, metal, rotulador y marcador. 215x158 cm

Preventa $400,000.00 mxn — Puja $330,000.00 mxn

Víctor Zavala

SEMBLANZA →

Liberación / Conciencia de la Impermanencia , 2024 Óleo sobre tela. 100x100 cm

Preventa $85,000.00 mxn — Puja $42,500.00 mxn

Victoria Chávez García

SEMBLANZA →

Coeur, 2020

Cerámica de alta temperatura sobre latón. 43x43 cm

Preventa $30,000.00 mxn — Puja $15,000.00 mxn

William Gaber

SEMBLANZA →

Monumento #SS07, de la serie Monumento, 2023

Escultura en acero y pintura electrostática. 73x49x12 cm. PA1 Edición de 6 + 2 PA.

Preventa $120,000.00 mxn — Puja $60,000.00 mxn

Ximena Alarcón

SEMBLANZA →

Erotrip l , de la serie Erotrip, 2022

Collage digital impreso en papel Hahnemuhle. 110x110 cm

Preventa $50,000.00 mxn — Puja $25,000.00 mxn

Yvonne Venegas

SEMBLANZA →

Arcoiris en Mulege, 2022

Impresión inyección de tinta, fotografía análoga. 50x60 cm

Preventa $65,000.00 mxn — Puja $32,500.00 mxn

Louis Vuitton (Colm Dillane)

SEMBLANZA →

Bolso Sac Plat NV, de la serie FW23, s/f Lona Monogram revestida y piel, forro de tela, piezas metálicas de color dorado. 36.5x9x38 cm

Preventa $73,500.00 mxn — Puja $73,500.00 mxn

GALERÍAS PARTICIPANTES

Milán 41, Juárez.

Lunes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm.

Sábados de 12:00 a 6:00 pm.

PATROCINADORES

Subastas, asesorías a coleccionistas y gestión cultural.

casamm.art memo@casamm.art

STRATEGIC CREATIVITY

EXPERIENCE DESIGN AND PRODUCTION

HOSPITALITY SERVICE BRANDING PACKAGING

Rio Elba 52, Cuauhtémoc, 06700, CDMX

MÁS

SOBRE LAS Y LOS ARTISTAS PARTICIPANTES

(Auckland, 1983)

Es un artista multidisciplinario nacido en Nueva Zelanda. Desde su licenciatura en Arte y Diseño por la Universidad Tecnológica de Auckland en 2005, ha expuesto y creado obras de arte público en todo el mundo. Su obra incluye instalaciones participativas, pinturas, dibujos, esculturas, arquitectura, ensamblajes, murales y películas. Al trabajar con diversos medios, Glasson ha desarrollado un lenguaje visual abstracto que unifica toda su obra. Sus pinturas, arraigadas en la geometría pero inspiradas en el tiempo que pasa en la naturaleza, ofrecen perspectivas sobre micro y macro entornos. Este enfoque se refleja en sus instalaciones interactivas a gran escala, que fomentan la participación del espectador, así como en los objetos funcionales que exploran el potencial práctico del arte más allá de los contextos tradicionales. En el centro de la práctica del artista se encuentra su devoción por investigar ideas sobre la naturaleza y la ecología, al tiempo que reflexiona sobre nuestro papel en dichos contextos. Esto se refleja en sus experimentos con elementos naturales, como pigmentos elaborados a partir de roca, óxido y carboncillo, así como en pinturas hechas a mano y tintes vegetales o en instalaciones de bricolaje a gran escala realizadas con objetos desechados. Algunos ejemplos son Sumbiology Archive , una biblioteca pública y centro de aprendizaje instalado en el interior del ICA, realizado enteramente con materiales reutilizados, en el que los espectadores aportaron su propio arte a las paredes de la galería; MH-1 (Migration Home 1) , una casa móvil conceptual de propulsión humana diseñada para proporcionar autonomía a los usuarios que viven en medio de los crecientes retos medioambientales del siglo XXI. Otra de sus obras es Jana Koya , una cabaña abandonada en el desierto que fue construida en 1956 y que Glasson, junto con el artista Prescott McCarthy, restauró con materiales reutilizados y respetuosos con el medio ambiente. La cabaña funciona ahora como residencia artística, la cual es estudio y taller, que además, ofrece la oportunidad de relacionarse con los locales de la comunidad del desierto de Mojave. Ha trabajado como artista en numerosas organizaciones comunitarias e instituciones educativas, utilizando su arte como herramienta de conexión y aprendizaje, impartiendo clases en los departamentos de arte de la

Universidad Estatal de San Diego y en la Academia de Diseño de Colombo, Sri Lanka. Su obra ha sido parte de exposiciones colectivas en el East Hawaii Museum of Contemporary Art , el Oceanside Museum of Art , Heron Arts , Maia Contemporary, Goodmother Gallery, Spoke Art y el Straat Museum , además de exposiciones individuales en ICA San Diego , Swish Projects , Louis Buhl & Co y Curators Cube . Del 23 de agosto al 22 de septiembre, presenta una exposición individual en Maia Contemporary en la Ciudad de México y en NOTA en Shiga, Japón.

ADELIA SAYEG

(Ciudad de México, 1962)

Nació y creció en la Ciudad de México, donde inició su carrera en el arte. A lo largo de su vida, ha tomado diversos talleres en dibujo, lápiz, pastel, pintura, grabado, encausto, fotografía, teñido, cerámica, textil en telar y Nuno Felting. Cursó la licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma Metropolitana y un máster en Religiones Comparadas en la Universidad Anáhuac. Su obra se ha presentado en 24 exposiciones individuales dentro de galerías y museos de México, Estados Unidos, Europa y Asia. Además, ha participado en más de 100 exposiciones colectivas y en 2020 publicó su libro Camino a pie . Como artista contemporánea, trabaja con la cerámica, la pintura y el textil, utilizando materiales naturales y residuos orgánicos. Un aspecto significativo de su obra alude a la mujer y a la fragmentación de lo femenino. Sus piezas tridimensionales están vinculadas a los procesos de vida, a la gestación en sus múltiples connotaciones y a la creación a partir de un pensamiento holístico. “Adelia encontró en la práctica del arte el cauce por el cual fluyen sus emociones. El cauce terroso canaliza su comprensión del ser mujer y las relaciones entre lo masculino y lo femenino. Por ese mismo cauce rezuma la herida humana: corre agua, sangre y grito. El agua recoge tierra, piedras, hojas, ramas, huesos, y con ello Adelia da forma o permite que los elementos cobren forma hasta detener su intervención y dejar que el objeto hable por sí mismo. Adelia tiene la cualidad de encontrar belleza en lo oculto, en lo profundo, en lo que está debajo de la piedra o dentro de la cueva. Sabe intuitivamente que su trabajo es un homenaje al alma claroscura de todo aquel que se precia de ser ‘solamente humano’”.

(México, 1979)

Nacido en el Estado de México, desde muy joven, mostró un profundo interés por el complejo procedimiento de fundición a la cera perdida, guiado por la enseñanza de su padre y maestro, Venancio Estrada. A la edad de diecisiete años, comenzó a estudiar escultura con Porfirio del Álamo. Cuatro años después, amplió su formación al lado de Enrique Jollys y, posteriormente, bajo la tutela de Julio Barrera. A través de su trabajo y aprendizaje con estos maestros, logró desarrollar una propuesta y un estilo artístico propio. El interés del artista por el misticismo mental lo llevó a explorar el subconsciente irracional, lo que se tradujo en obras cargadas de emoción. Su objetivo es provocar reacciones en el espectador mediante un diálogo simbólico que combina diversas texturas, colores, movimientos, volúmenes, materiales y técnicas. De esa manera, busca establecer un estilo distintivo, lleno de detalles que invitan a la reflexión y al contacto visual, generando cierta polémica con el fin de que sus obras no pasen desapercibidas, tanto por la riqueza de sus personajes místicos y fantasiosos como por la abstracción presente en algunas de sus creaciones. Su obra se encuentra en colecciones privadas a lo largo de la República Mexicana, en estados como Monterrey, Coahuila, Guerrero, Oaxaca, Puebla, Guadalajara y Cancún, así como en países como España y Estados Unidos. Ha expuesto en destacados espacios como el Museo Metro de la Ciudad de México, el Museo Legislativo de la Cámara de Diputados, la exposición en la Alameda Central de la Ciudad de México, el centro comercial Vía Santa Fe, el Paseo Interlomas en Un Paseo por el Arte, el Museo Rufino Tamayo, el Centro Cultural México Bicentenario, el Museo de Arte Moderno y en el Festival de Cine de Morelia 2023.

ALDO CHAPARRO

(Ciudad de México,1965)

El artista se centra en la producción de escultura y pintura, siendo especialmente conocido por sus esculturas realizadas en acero inoxidable. Actualmente, vive y trabaja entre la Ciudad de México, Valle de Bravo, Los Ángeles, Madrid, París y Lima. Su obra explora procesos dinámicos que transforman materiales prefabricados en objetos únicos a través de la interacción con el cuerpo. Al utilizar elementos comúnmente empleados en la construcción, Chaparro crea formas en equilibrio

mediante la manipulación o sustracción de materia, demostrando así cómo la mano y la visión humana tienen el poder de transformar la realidad. Sus piezas forman parte de colecciones como la de Fundación Jumex de Arte Contemporáneo, México; The Coppel Collection México; The CIFO – Cisneros Fontanals Art Foundation en Miami, Estados Unidos; The Helga de Alvear Foundation en Cáceres, España; Simon de Pury, Londres, Reino Unido; Douglas Baxter’s Collection, Nueva York, Estados Unidos; Collection Domenico de Sole, Hilton Head, Estados Unidos; Collection Guler Sabanci, Estambul, Turquía; Pierre Huber Collection, Suiza; Museo de Arte Contemporáneo Lima en Lima, Perú y Perez Art Museum Miami en Miami, Estados Unidos.

ALEJANDRA EDWARDS

(1987)

Fotógrafa de ascendencia mexicana y británica, Alejandra Edwards reside en la Ciudad de México. Su trabajo fotográfico investiga la influencia de las emociones humanas y los estados mentales en nuestra percepción de la realidad y del entorno que nos rodea. Edwards se especializa en paisajes, el cuerpo humano y la fotografía escenificada, explorando cómo estos elementos se interrelacionan para ofrecer una visión única del mundo.

ALEJANDRO GRANDE

(México, 1994)

Es un artista plástico, gráfico, digital y transpersonal, así como diseñador industrial egresado de la Universidad Iberoamericana. Su trabajo se caracteriza por una profunda evolución en cada paso que da, siempre admirando diversas personalidades del mundo del diseño y el arte. Alejandro Grande se enfoca en abrir posibilidades de entendimiento y colaboración a través de la confianza, el reflejo y la identificación, construyendo así cimientos sólidos en su faceta artística y personal. A lo largo de su carrera, ha trabajado en una variedad de proyectos y colaboraciones notables. Participó en el desarrollo de piezas e instalaciones con Javier Marín, incluyendo la obra Torre de cuerpos presentada en la Bienal de Milán en 2005. En 2006, contribuyó con diseños y piezas de iluminación para Tónico Visual de la artista Lila Downs en España y Portugal. También realizó el diseño y desarrollo de museografía para la Galería MODO (Museo del Objeto) en 2006 en la Ciudad de México. En 2007, participó en la museografía, diseño y gestión de la galería PIN, trabajando

con Pirwi, Esrawe, el Colectivo NEL, así como con Emiliano Godoy y Alejandro Castro. Posteriormente, en ese mismo año, desarrolló el interiorismo de lujo para Emanuel Piccault en Chic by Accident, creando piezas de arte objeto. Ha dirigido arte conceptual, gráfico e industrial para Matraka Experiential Marketing, enfocándose en el entendimiento de marcas y estrategias artísticas. Como socio fundador del estudio de diseño FOAM, se ha dedicado a la creación de mobiliario, espacios y arte objeto, abordando discursos sensibles sobre la humanidad y su carácter filosófico y espiritual. Además, ha diseñado y producido instalaciones en espacios públicos y colaboraciones especiales para marcas de lujo, incluyendo Louis Vuitton, Diageo Reserve (con marcas como Johnnie Walker, Tanqueray, Buchanan’s, Ron Zacapa y Don Julio), Palacio de Hierro, Cartier y Balenciaga.

ALEJANDRO PINTADO

(Ciudad de México, 1973)

Estudió la licenciatura en Pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Inbal, en la Ciudad de México y posteriormente, la maestría en Bellas Artes en Goldsmiths College de la Universidad de Londres, Reino Unido. Ha recibido varios reconocimientos internacionales y nacionales, como la beca Adolph Gottlieb Grant, Nueva York, Estados Unidos. (2022); el Premio de Pintura Centenario en la feria ZonaMACO (2012); la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2010–2013); la beca de apoyo a publicaciones de la Fundación Bancomer BBVA; la beca Skowhegan School of Painting, Maine, Estados Unidos (2007); la beca de la Fundación PollockKrasner de Nueva York (2007); el premio especial de Arte Laguna en el Arsenal de Venecia, Italia (2010) y el primer premio de la Bienal Miradas de Tijuana (2013). Su obra ha sido presentada de manera individual tanto en galerías como museos de América y Europa, entre las que destacan exposiciones como Crack the Code en SAENGER Galería, Ciudad de México (2021); En busca de la medida del cosmos: viajes y encuentros de Humboldt en el ICM, Berlín, Alemania (2019); Realidad construida en el Instituto Camões, Lisboa, Portugal (2019); Las cosas no son lo que aparentan en ZonaMACO Sur, Rofa Projects, Ciudad de México (2018); Material/ Ethereal en Hamiltonian Gallery, Washington (2015); The Clearest Skies en Post Box Gallery, Londres, Reino Unido (2013); Cuando lo racional parece abstracto en Galería Arróniz Arte Contemporáneo, Ciudad de México (2013); Trayectoria del Conocimiento

en el Museo Nacional de Arte (MUNAL), Ciudad de México (2012); Incisión al Romanticismo en el Museo Nacional de San Carlos, (2012) y Vistas desde el Romanticismo en Arróniz Arte Contemporáneo, Ciudad de México (2010). También ha participado en exposiciones colectivas, incluyendo Tear, Pour, Carve en Phillips Collection, Washington, Estados Unidos. (2023); Helio en Space DD47 en Sede Común, Madrid, España (2023); Blue and Green en Galería Arróniz Arte Contemporáneo, Ciudad de México (2021); Breaking Borders en Campo Air, Garzón, Uruguay (2021); Territorios de la Memoria en el Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2019); Constelaciones en Archivo Colectivo, Ciudad de México (2019); Crosslines en el Smithsonian Arts and Industries Building, Washington, Estados Unidos, (2015); Pabellón de México en la Feria Universal EXPO 2015, Milán, Italia; Landscape Interventions en el Museo de Arte Moderno de Moscú, Rusia (2008); Bienal Tamayo en el Museo Tamayo (2005); Declaraciones en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2002) y la XI Bienal de Fotografía en el Centro de la Imagen, Ciudad de México (2001). Actualmente, prepara una muestra individual para el otoño de este año en la Galería Drexel en Monterrey, México.

ALEX LAZARD

(Ciudad de México, 1986)

Se formó como pintor y grabador en diversas instituciones y talleres en México y en el extranjero, entre los que se encuentra el Taller del maestro Gilberto Aceves Navarro. Tomó cursos en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Inbal, en la Universidad de Barcelona en España y en la Angel Academy of Classic Art de Florencia, Italia. Su obra se basa en la búsqueda de lo primitivo, utilizando simbolismos arquetípicos desde una exploración personal que se adentra en la complejidad de la psique y sus formas. El artista no busca referencias externas, sino imágenes provenientes de la inmensidad del inconsciente. La ejecución de la obra es visceral, donde la intuición y el error son partes importantes del proceso creativo. La obra no se preconcibe; se va gestando a medida que la materia y sus particularidades van dando forma a la imagen, en la cual Lazard actúa como un canal que permite plasmar lo que no se ve. La deformación de la imagen crea mundos particulares, en los que el espectador puede y debe generar una reacción particular de deducción ante la narrativa que propone el artista, quien transita una búsqueda inagotable por “bajar la información” y plasmar sinceramente lo que es, lo que ve y siente.

(Guatemala,1984)

Es un artista visual que desafía las clasificaciones contemporáneas. Trabaja con técnicas de pintura formal y explora diversas tendencias experimentales, así como la relevancia de sus esculturas. Su práctica abarca también el dibujo, la fotografía, la instalación y el collage, produciendo resultados diversos en los temas que explora. Su trabajo es a la vez lírico, mundano y poético, reflejando la fragilidad de las culturas en América Latina y el mundo, además de abordar el concepto de ready made . Uno de los temas principales en su obra es un estudio constante influenciado por su infancia, lo que le lleva a investigar la existencia de formas, objetos y la humanidad. Examina la razón de estos elementos en relación con el espacio y el tiempo, cuestionando las nociones convencionales de pintura y la realidad en el arte. Para él, el tiempo y el espacio representan una búsqueda continua, alterando las percepciones tradicionales. Las obras y propuestas de Zuleta responden a sus inquietudes personales, derivadas de reflexiones conceptuales y vivencias emocionales tanto en su país como en el extranjero. Estas inquietudes se manifiestan en espacios públicos y en la exploración de la producción en un mundo globalizado, impulsándolo a redescubrir cotidianamente los objetos bajo una nueva perspectiva estética. Su trabajo, que transita desde la abstracción geométrica hasta la concreción objetual y las intervenciones efímeras en sitios específicos, ha sido incluido en colecciones privadas en diversas partes del mundo.

ALEXIS DE CHAUNAC

(Nueva York, 1991)

Vive y trabaja en Chicago, Illinois, Estados Unidos. Se graduó con un Master of Fine Arts (MFA) en la School of the Art Institute of Chicago (2022) y posee un Bachelor of Arts (BA) en Sarah Lawrence College, Bronxville, Nueva York (2014). Su obra forma parte de colecciones privadas y públicas en Nueva York, Los Ángeles, Chicago, Dallas, París y México. Entre sus principales exposiciones individuales se encuentran Ex Votos en el University Club of Chicago, Chicago, Illinois (2022); Minutiae: Works on Paper en FLXST Fracas, Chicago, IL (2021); Botanica en Sargent’s Daughters, Nueva York (2019); Botanica Magnifica en ChaShaMa,

Nueva York (2018); Rebelde con Causa en el XLV Festival Internacional Cervantino, Universidad de Guanajuato, México (2017); A Dance with Life and Death en Silas von Morisse Gallery, Brooklyn, Nueva York (2015); Mala Sangre en Bestiario, Pinacoteca Diego Rivera, Xalapa, México (2015), que también fue exhibida en el Instituto Cultural de León, Guanajuato, México (2014) y en el Museo Iconográfico del Quijote, Guanajuato, México (2014). Entre sus exposiciones colectivas se encuentran This is Not a Curated Exhibition III en Galleria Ramo, Como, Italia (2022); Exit Counseling en The Green Gallery, Milwaukee, WI (2022); This (Supposedly) Must be the Place en Visa Projects, Nueva York (2022); Preventative Maintenance en Patient Info, Chicago, IL (2021); Against Impossibility en FLXST Contemporary, Chicago, IL (2021); Darkest Before Dawn: Art in Time of Uncertainty en Ethan Cohen KuBe, Beacon, NY (2020); Exodus III: Mexico in New York en WhiteBox Harlem, Nueva York, NY (2020); Vertigo: Works on Paper en Baahng & Co. Gallery, Nueva York, NY (2018); 7102 Fantasma Semiótico (s) cituacionista en el Museo de Arte Carrillo Gil, México (2017); y DRAW: The Largest Contemporary Drawing Exhibition en el Museo de la Ciudad de México (2010). Ha recibido diversos premios y residencias, entre los cuales se encuentran la BOLT Residency en Chicago Artists Coalition, Chicago, IL (20232024); la Palazzo Monti Residency, Brescia, Italia (2023); la Dedalus Foundation MFA Fellowship , Nueva York, NY (2022); y la Beca Fundación Jumex de Arte Contemporáneo , México (2021).

ALEXIS MATA

(Ciudad de México, 1981)

Comenzó a trabajar con intervenciones en espacios públicos y urbanos, enfocándose en generar crítica social y diálogo entre los espectadores ante la situación de un país plagado de desigualdades, violencias y simulaciones. El carácter efímero de estas prácticas lo llevó a probar técnicas como collage, pintura, dibujo e instalación, considerando la importancia de la conservación de los formatos. Esto derivó en el trabajo y la preservación de las imágenes a través de formatos digitales. A partir de este momento, su trabajo empezó a transitar entre lo digital y lo analógico. Empleando herramientas como escáneres, así como la manipulación y edición digital, reflexiona sobre la información que se pierde, transforma y genera al migrar de for-

matos, construyendo diálogos distintos a los inicialmente planteados. En los últimos años, ha centrado su investigación en cuestionar estándares e ideas generadas o impuestas de manera colectiva y su aceptación, como la idea de belleza, éxito, prosperidad, entre otras. Trabaja a partir de y apropiándose de imágenes clásicas pertenecientes al dominio común. Estas reflexiones le permiten ahondar en la estética de signos, símbolos y arquetipos, para analizarlos, sintetizarlos, deconstruirlos y generar nuevas imágenes, tomando como base de construcción el error (pixelados, glitches, cortes). Su trabajo reciente pone la contemplación como eje central a partir del cual se desarrolla la experimentación visual. Partiendo de este ejercicio, documenta de manera meticulosa sueños, sensaciones y experiencias relacionadas con los paisajes, ya sea a través de textos, ideas, poemas, haikus, fotografías, dibujos, entre otros. Con ellos genera un diálogo con la inteligencia artificial en un proceso que simula no solo su conversación con la herramienta, sino cómo esta funciona como una especie de inconsciente colectivo. Sus piezas han sido expuestas de manera individual y colectiva a nivel nacional e internacional, en espacios como el Museo de Arte Carrillo Gil , MUCA Roma , Bellas Artes, Puebla , y galerías como MAI A Co ntemporary (Ciudad de México), Soze Gallery (Los Ángeles), Brick Lane Gallery (Londres), entre otras. Fue miembro fundador, así como director y curador del espacio independiente USSR - Un Espacio sobre Revolución entre 2019 y 2022, generando espacios de experimentación, diálogo y exposición para artistas como Enrique Jezik, Alejandra España, Ernesto Solana, Melanie McLain, Marcos Castro, entre otros.

ALFREDO COTA

(Chihuahua, México, 1982)

Es un artista plástico centrado principalmente en la escultura. Mediante una representación figurativa, crea imágenes de diversas especies animales utilizando un enfoque expresionista. Cota ha desarrollado un lenguaje artístico que no solo define su identidad como creador, sino que también proporciona una experiencia significativa para el espectador. Su proceso creativo se caracteriza por una introspección profunda y una distancia deliberada del entorno cotidiano, permitiéndole observarse y aprender de sí mismo. Esta práctica está marcada por una constante deconstrucción y reconstruc -

ción, reflejando el dinamismo y la evolución de su trabajo. A lo largo de su trayectoria artística, ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en distintos espacios de la República Mexicana, como el Museo Tamayo y el Museo Jumex en Ciudad de México. Durante siete años consecutivos, ha colaborado en la subasta de arte de la Fundación México Vivo. En 2016, fue elegido para realizar la escultura conmemorativa de los 25 años del Auditorio Nacional en Ciudad de México. En ese mismo año, fue invitado por Moshi Art a través de Galería Terreno Baldío, donde presentó su exposición individual El Arca y el Zorro . Ha expuesto en diversas galerías y plataformas, incluyendo Gallery Weekend y Corredor Cultural Roma Condesa. En 2019, participó en Art Vancouver International Art Fair. Su exposición individual itinerante Animal, Elemento y Materia se presentó a principios de 2020 en el Museo de Arte de Ciudad Juárez, en mayo de 2021 en el Museo de Arte Nogales en Sonora, y a finales del mismo año en el Museo Casa Chihuahua Centro Patrimonio Cultural. Su exposición más reciente, Rituales y El Artista , una colaboración con la artista menonita Verónica Enns, se inauguró en el Museo y Centro Cultural Menonita en agosto de 2022 y se exhibió posteriormente en diciembre del mismo año en Casa Redonda Museo Chihuahuense de Arte Contemporáneo.

ALFREDO GALLEGOS MENA

(Ciudad de México, 1991)

La práctica artística de Alfredo Gallegos se desenvuelve a través de escenarios y experiencias cotidianas, donde integra materiales inusuales en las prácticas tradicionales de pintura, escultura y dibujo. Su trabajo se basa en la creación de obras a partir del barro, madera, empaques de medicamentos, materia orgánica, cera, cajetillas de cerillos antiguas y diversos componentes de restauración. Para estel artista cada material es una fuente de información valiosa. Estudió Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (2009-2013) y cursó un Diplomado en Curaduría en la Academia de San Carlos de la UNAM (2014). Ha trabajado como curador en el Colectivo Tres y en la Fundación Novangardo. Entre sus exposiciones individuales destacan Se Vende Serie (La Nao, Ciudad de México, 2024), Não Deixe a Pintura Morrer (Museo de la Ciudad de Querétaro, Querétaro, 2024), Construcción Pictórica Materia (Salón Acme No. 10,

Ciudad de México, 2023; curaduría de Ana Castella) y Clareou (SAENGER Galería, Ciudad de México, 2022; curaduría de Christian Barragán). Su obra también ha sido parte de exposiciones colectivas importantes, como la Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica (Centro Cultural Tijuana, México, 2024), la XXII Bienal Internacional de Arte de Cerveira (Vila Nova de Cerveira, Portugal, 2022), la XIX Bienal de Pintura Rufino Tamayo (Museo Tamayo, Ciudad de México, 2022), el XLI Encuentro Nacional de Arte Joven (Museo de Arte de Celaya, Guanajuato, 2021), la XII Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce (Museo de Arte Contemporáneo, Michoacán, 2020), la ABLí Arte Bienal Lima (Monumental Callao, Perú, 2020) y la FAMA Monterrey (México, 2021). Recientemente, recibió el Premio Adquisición en la Bienal de Cerveira (2020) y obtuvo Menciones Honoríficas en el XLI Encuentro Nacional de Arte Joven (2021), así como en la XII Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce (2020). Alfredo Gallegos Mena es representado en exclusividad por SAENGER Galería.

ÁLVARO VERDUZCO

(Ciudad de México, 1977)

Es licenciado en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y completó un posgrado en Teoría y Práctica en Goldsmiths College, Universidad de Londres (2003-2004). Ha participado en una amplia gama de exposiciones tanto nacionales como internacionales, individuales y colectivas. En México, sus exposiciones incluyen Metal y Guadaña en la Sala de Arte Público Siqueiros (2014), así como Estudio de Trazo en el Museo de Arte Moderno (2014). Internacionalmente, ha exhibido su trabajo en Urban Legends en LMAK Projects, Nueva York, Estados Unidos (2006), Belper International en Inglaterra (2008) y Sandarbh en Rajastán, India (2009). Verduzco ha sido seleccionado para diversas residencias artísticas globales, como en Hargyta Council, Rumania (2008) y Hybrid Art Projects, El Salvador (2010). También ha sido galardonado con la Beca de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2005-2006) y ha recibido premios de adquisición en concursos de dibujo, como en Lunas del Auditorio (2008). Además, ha desarrollado una sólida carrera como docente en dibujo en instituciones como el Centro de Diseño Cine y Televisión (2005-2010, Ciudad de México), UNARTE

(2007-2009, Puebla) y la Universidad Iberoamericana (2012-2016). Su obra abarca desde pequeños trozos de papel hasta grandes murales en trabajos de sitio específico, utilizando una variedad de medios como lápiz, collage, video e instalación. Verduzco explora lo que podría denominarse una fenomenología del dibujo, centrando su estudio en los mecanismos de la memoria. Su trabajo está influenciado por una extensa investigación de la historia del arte, desde el clasicismo hasta el modernismo y el arte contemporáneo. Entre sus referentes se encuentran David Alfaro Siqueiros, José Guadalupe Posada, Dorothea Rockburne, William Anastasi, Raymond Pettibon, Alberto Durero, El Bosco, On Kawara, así como Jis y Trino, entre varios más. El trabajo de Álvaro Verduzco forma parte de varias colecciones públicas y privadas tanto nacionales como internacionales, incluyendo la Sala de Arte Público Siqueiros, la colección de la familia Ashida, Nina Menocal (México), el Centro de Cultura de Artes de Lazarea (Rumania) y la colección de Camila Sol (Argentina y El Salvador), entre otras.

AMADOR MONTES

(México)

La obra de Amador ha sido ampliamente apreciada y forma parte de importantes acervos públicos y privados en México, Inglaterra, España, Estados Unidos, Corea, Suecia, los Emiratos Árabes, Mónaco, Polonia y Australia, entre otros países. En México, ha expuesto en espacios significativos como el Jardín Botánico del Bosque de Chapultepec, la Galería Abierta Acuario, la Galería Casa Lamm, el Museo Internacional del Barroco, el Centro Cultural Santo Domingo, la Galería Alfredo Ginocchio, el Museo Nacional de la Estampa, el Museo de la Filatelia de Oaxaca, la Galería Drexel, el Museo Casa del Risco, la Galería Oscar Román, la Galería Urbana, el Museo Universitario Casa de los Muñecos, el Complejo Cultural Universitario de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, el Museo Regional de Guadalajara, el Museo de los Pintores Oaxaqueños, el Museo de Arte de Querétaro, el Museo de Arte del Arzobispado y el Museo Fernando García Ponce – MACAY. Su trabajo ha sido exhibido en lugares destacados del extranjero, como la sede de las Naciones Unidas en Nueva York, la Amsterdam Whitney Gallery, Art of the World Gallery en Houston, la Embajada de México en España, el Ateneo de Sevilla, el Vaticano, Galleri SoHo en Suecia, la Galería PICI y el Museo

de Arte Hangaram en Corea, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo Arte3F en Mónaco, diversas universidades en el Reino Unido, Bismarck Studios y el Museo Internacional de Arte y Ciencia en Texas, el Instituto Cultural Mexicano en Washington D.C., el Jardín Escultórico Juan Soriano en Owczarnia y el Palacio de las Artes en Cracovia, Polonia. Además, su obra forma parte del acervo de la Organización de las Naciones Unidas en su sede en Nueva York. Destaca también la instalación permanente El lago de la Tipulas , ubicada en el Bosque de Chapultepec de la Ciudad de México. Ha sido panelista en el Latino Impact Summit en la sede de la Organización de las Naciones Unidas en Nueva York y fue nombrado en 2018 entre los 100 mexicanos más creativos del mundo por la revista Forbes México.

ANA LUCÍA SANDOVAL

(Ciudad de México,1979)

Es una artista multidisciplinaria que creció en Morelia, Michoacán, donde actualmente reside. Desde temprana edad, ha estado inmersa en el mundo del arte, explorando diversas disciplinas que abarcan desde el ballet, la fotografía, la pintura y la escultura, hasta el grafiti y el videoarte. Además, se dedica a la creación de mobiliario y al diseño de objetos utilitarios. Graduada en Artes Aplicadas en Comunicación Visual por el Lycée La Tourrache École de la Chambre de Commerce et Industrie du Var, Francia (1998-2002), Sandoval comprende profundamente la importancia de la comunicación entre el artista y el espectador. Inspirada en el momento presente, busca representar visualmente la idea de que la totalidad es mayor que la suma de sus partes, discurso filosófico que trata sobre la existencia y la conciencia, lo que le confiere un estilo distintivo. El dominio de la colorimetría de la artista, combinado con su estilo rítmico, produce un efecto óptico que hace vibrar el entorno de los espectadores y el espacio que contiene su obra. La intención particular de la obra de Sandoval es transmitir al espectador percepciones íntimas desarrolladas a través de su práctica de meditación, que la ha llevado a redescubrir lo esencial: lo más puro, inocente y verdadero. Esta técnica que aplica en su obra desde 2005, ha sido fundamental en su proceso creativo. A medida que profundiza en el significado de su trabajo, su pasión y dedicación la impulsan a seguir explorando la fuente de la existencia, dejando en su trabajo una huella, como un testimonio de la unicidad.

ANDREA SOTELO

(Ciudad de México, 1992)

La artista nacida en Ciudad de México se graduó en Diseño y decidió complementar sus estudios con un máster en Práctica Artística y Cine Experimental en el Laboratorio Audiovisual de Creación y Práctica Contemporánea de Madrid. Actualmente, trabaja en proyectos multidisciplinarios que incluyen animación experimental, escultura y pintura. Su obra explora diversos aspectos de la iconografía femenina a lo largo del tiempo, analizando cómo se manifiestan símbolos y valores en diferentes culturas. Recientemente, obtuvo la Beca Jóvenes Creadores del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) en la categoría de pintura. Además, fue seleccionada para la Bienal Nacional de Pintura Julio Castillo de Querétaro y participó en Salón Acme 2024. En octubre pasado, realizó la residencia y exposición individual Áspid en la galería Proyecto T. En la actualidad, tiene una exposición individual en la Galería Unión en la Ciudad de México. Sotelo ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y España. De igual forma, ha sido seleccionada en festivales de cine y animación experimental en México, España y Estados Unidos. Vive y trabaja entre Ciudad de México y Madrid.

ANDRÉS ANZA

(Monterrey, México, 1991)

Estudió la Licenciatura en Artes en la Universidad de Monterrey en 2014. Utiliza la cerámica como medio para crear seres amorfos que, aunque parecen pertenecer a un ecosistema conocido, resultan irreconocibles al ser extraídos del imaginario abstracto. El volumen, el relieve y la textura excesiva de sus piezas exigen diferentes ángulos de apreciación, convirtiendo su observación en un ejercicio de reconocimiento y en una invitación a comprender lo que nos es desconocido. Su obra ha sido presentada en numerosas exposiciones en México, destacando la Bienal de Arte Emergente y la Bienal UNAM, donde recibió Menciones Honoríficas. Además, ha exhibido su trabajo en diversas ciudades de Estados Unidos, Italia, España, Francia, Dinamarca, Suiza y Sudáfrica. Entre sus exposiciones internacionales más relevantes se encuentran el Loewe Foundation Craft Prize , en el que obtuvo el Primer Premio y la residencia artística del Officine Saffi Award . En 2023, presentó Portraits of an (Un)known World en la Galería Anna

Marra en Roma, Italia. En 2017, mostró Ecosistemas Amorfos en la Galería Casa Gotxikoa, ubicada en San Pedro Garza García, México, así como Las Entrañas de la Cerámica en la Galería Obra Negra, en Ciudad de México. En 2016, exhibió De lo Real y lo Irreal en la Galería Casa Gotxikoa, en San Pedro Garza García, México y en 2015 presentó De Adentro Hacia Afuera en el Centro Cultural Plaza Fátima, en San Pedro Garza García, México. Durante 2024, ha participado en diversas exposiciones colectivas tales como Enter Art Fair, Galeria Anna Marra en Lokomotivværkstedet, Copenhague, Dinamarca; Volta Art Fair, Tamara Kreisler Gallery en Volta, Basilea, Suiza; (Un) Known Territories en Officine Saffi, Milán, Italia; Loewe Craft Prize Foundation en Palais de Tokyo, París, Francia; Investec Art Fair, Galeria Anna Marra en CTICC, Ciudad del Cabo, Sudáfrica; Feria ZonaMACO, Galeria Anna Marra en Centro Banamex, Ciudad de México. En tanto que en 2023, participó en Arte in Nuvola , Galeria Anna Marra en La Nuvola, Roma, Italia; The Others , San Sebastiano Contemporary en Torino Esposizioni, Turín, Italia; Estampa Art Fair, Tamara Kreisler Gallery en IFEMA, Madrid, España; Reseña de la Cerámica en la Casa de la Cultura, San Pedro Garza García, México; y (Un)Fair Milano en Superstudio Maxi, Milán, Italia. En 2022 exhibió en Salón Cosa en Distrito Armida, Monterrey, México; Volumen I en AMA, Ciudad de México; Milan Design Week by Isola Design en Isola Design, Milán, Italia; por mencionar algunas. Mientras que en 2021, participó en Feria FAMA en Parque Arboleda, San Pedro Garza García, México; Fain Feria en San Pedro Garza García, México y Feria Clavo en Casa Versalles, Ciudad de México. En 2020, sus exposiciones incluyeron Las Lenguas del Barro en Proyecto Público PRIM, Ciudad de México; Worst Case Scenario en Galería La Cresta, San Pedro Garza García, México y SubastarTE 2020 en Museo de Arte de Sinaloa, Culiacán, México. En 2019, expusó Escultura de la Tierra en el Complejo Cultural Los Pinos, Ciudad de México y Al encuentro de lo sensible en Museo Marco, Monterrey, México. En 2018, participó en el Premio Artes Nuevo León en Nave Generadores, Monterrey, México; (Un)Happy Accidents en Galería 1 CRGS, San Pedro Garza García, México. En 2017, realizó Pinta Miami en Rubber Stamp Art Projects, Miami, Estados Unidos.; Albergue Transitorio 11 en Casa Julia y Renata, Guadalajara, México; Love is in the Air en High Park, San Pedro Garza García, México; Duets 2.0 en Fort Works Art Gallery, Fort Worth, Estados Unidos.; Reencuentro: Salón de Cerámica en Casa de la Cultura, Monterrey, México; y Galería México Local en Plaza Nativa,

San Pedro Garza García, México, entre muchas exhibiciones más. En 2024, recibió la Residencia Artística Un)known Territories en Officine Saffi, Milán, Italia, así como el Primer Premio en la Loewe Craft Prize Foundation en el Palais de Tokyo en París, Francia. En 2016, obtuvo una Mención Honorífica en la Bienal UNAM de Artes Visuales 2016 en el Museo Universitario de Ciencias y Artes (MUCA), Ciudad de México y en 2015, recibió el Estímulo a la Creación en la Bienal Artemergente 2015 en el Centro de las Artes, Monterrey, Nuevo León.

ARNALDO COEN

(Ciudad de México, 1940)

La obra de Arnaldo Coen se encuentra en importantes colecciones y acervos, y ha sido exhibida en destacados recintos culturales como el Museo de Arte Moderno, el Centro Cultural Tlatelolco, el Museo de Arte Contemporáneo, el Centro Cultural Isidro Fabela, el Museo de Arte Mexicano en Chicago y el Banco de México, entre otros. En octubre de 2014, fue galardonado con el Premio Nacional de Ciencias y Artes, el más alto reconocimiento otorgado por el Estado a un artista. Coen ha llevado a cabo exposiciones individuales de gran relevancia en el Museo de Arte Moderno y en la Sala Nacional del Museo del Palacio de Bellas Artes. Su obra ha sido presentada en diversos países de Japón, Europa, África y América Latina. Además, es miembro de la Academia de Artes y del Seminario de Cultura Mexicana.

ARTURO HERNÁNDEZ ALCAZAR

(Ciudad de México,1978)

Es un artista visual multidisciplinario cuya formación académica incluye estudios en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Inbal, entre 1996 y 2001. Su obra se caracteriza por el uso de restos de procesos en constante evolución, combinando una mirada crítica con una poética espacial y una visión política de los materiales y las relaciones poder-forma. Su práctica abarca la investigación documental, la exploración de campo y la interacción con diversas disciplinas y saberes, resultando en instalaciones, esculturas, proyectos de sitio específico, instalaciones sonoras y audiovisuales, acciones, dibujos y publicaciones. Desde 1997, ha presentado su trabajo en diversos foros

en México y en países como Colombia, Uruguay, Rusia, China, Austria, Francia, España, Alemania, Italia, Escocia, Australia y Estados Unidos. Su obra ha sido expuesta en museos y galerías reconocidos, como la 5ª Bienal de Moscú, la 10ª Bienal Internacional de Arte Contemporáneo en Estambul, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo en Ciudad de México, el Museo Amparo en Puebla, el Museo de Arte Moderno en Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Casa del Lago en Ciudad de México, el San Francisco Art Institute, el School of the Museum of Fine Arts de Boston, el Musée d’Art Moderne de París, el Centro Alcobendas en Madrid, la Feria SWAB en Barcelona, la Vadehra Art Gallery en Nueva Delhi, la Galería José de la Fuente en Santander y la Galería Marso en Ciudad de México. Hernández Alcázar ha organizado exposiciones, seminarios, talleres y encuentros, tanto en México como a nivel internacional. También se desempeña como tutor, ponente y coordinador en programas educativos y conferencias. De los reconocimiento más importantes que ha recibido se encuentra el Jóvenes Creadores en 2006-2007, las Residencias de Libre Gestión del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en 2011 y fue residente en la Cité des Arts en París, así como en la Sommerakademie del Paul Klee Zentrum en 2012. Además, fue becario del Instituto de Arte de Alemania en 2014 y formó parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) entre 2019 y 2022. Desde 2018, es docente en la Escuela Superior de Cine en México y es miembro de la Banda Municipal en Ciudad de México. Su trabajo aborda temas como la circulación, el colapso económico y la disolución de sistemas materiales, lo que en ocasiones lleva a que sus piezas se destruyan, se atomizen o se disuelvan, reflexionando sobre el ciclo material y económico. La declaración de principios del artista, Mi novia dice que soy raro. Tiene razón, encapsula su visión singular y su enfoque distintivo en la creación artística.

AURORA NOREÑA

(Ciudad de México, 1962)

Aurora Noreña es egresada de la carrera de arquitectura de la UAM-Azcapotzalco y de la Maestría en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Ha sido acreedora de diversos reconocimientos entre los que destacan: el Premio de Adquisición del XIEncuentro Nacional de Arte

Joven en Aguascalientes en 1991; Mención Honorífica en Escultura en el Salón de Octubre 2001 del Gran Premio Omnilife, Guadalajara, Jalisco; beca Jóvenes Creadores 1996-1997 en Escultura y beca de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales por el proyecto Corrientes Invisibles , ambas del FONCA, así como la residencia artística: Art/Omi Residency en 1998 en Ghent, Nueva York, Estados Unidos. Ha sido profesora en diversas instituciones entre las que se encuentran la División de Ciencias y Artes para el Diseño de la UAMXochimilco, la Colección Jumex y la Universidad del Claustro de Sor Juana. Entre sus proyectos de obra pública destacan: Corrientes invisibles , Metro Copilco, Ciudad de México, 1999; Pulsaciones , Instituto de Investigaciones Biomédicas, Ciudad Universitaria, Ciudad de México, 2008 y Paisajes del cielo , Instituto de Ingeniería, UNAM, Ciudad de México, 2010. En 2010 comenzó a desarrollar una vasta producción con el horizonte como eje temático. Sin embargo, con el tiempo, lo que primero fue un tema, se convirtió en una estrategia creativa que le permite explorar otras cuestiones como la memoria, las nuevas nociones de paisaje y la expatriación del patrimonio cultural.

BELINDA GAREN

(Ciudad de México,1979)

Nació en 1979 en la Ciudad de México. Entre 1999 y 2002, estudió la Licenciatura en Historia del Arte en el Centro de Arte Mexicano (CAM), complementando su formación con diplomados en arte, iconografía, literatura, historia comparada de las religiones y filosofía en el Museo Nacional de Antropología e Historia. Posteriormente, estudió fotografía en el Canadian Photographic Center en Toronto, Canadá y, de regreso a México, continuó sus estudios en Historia de la Fotografía y en la Maestría en Arte Moderno y Contemporáneo Mexicano en el CAM. Garen ha utilizado diversos medios de las artes visuales para explorar la naturaleza y el sentido de la imagen fotográfica, considerándola no solo como una herramienta de registro, sino como un lenguaje complejo con implicaciones, alcances y dilemas propios. A través de un enfoque interdisciplinario y un diálogo constante entre técnica, pensamiento y sensibilidad, sus proyectos han abordado múltiples dimensiones reflexivas, incluyendo aspectos performáticos, éticos, ontológicos y epistemológicos del quehacer fotográfico. Su obra ha sido exhibida en exposiciones individuales y colectivas en destacados lugares como la Galería Patricia

Conde, Paris Photo Los Angeles, Miami Basel, Fountain Art Fair Miami y Open Realization Contemporary Art Center 798 en Beijing, China. En México, ha mostrado su trabajo en el Museo Franz Mayer, el Museo de la Estampa Toluca, la Galería de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público y en el Hotel W en colaboración con la revista Fahrenheit . Además, ha acumulado una vasta trayectoria en el ámbito editorial, contribuyendo con su trabajo en revistas como Playboy, Penthouse , Caras y Quién .

BETSABEÉ ROMERO

(Ciudad de México)

Desde hace más de veinte años, su trabajo se ha centrado en la creación de un discurso crítico sobre temas como migración, mestizaje y movilidad, a través de la resemantización de símbolos y ritos cotidianos de la cultura del consumo global, tales como automóviles, tatuajes y señalética urbana. Asimismo, ha abordado la problemática del arte público y popular, explorando su permanencia y relación con el tejido social y con audiencias alternativas al arte contemporáneo. Ha llevado a cabo más de cien exposiciones individuales en los cinco continentes, destacándose en instituciones como el British Museum, el Grand Palais, York Avenue en Washington, el Pabellón de México en la Expo Dubái 2020, Place du Louvre, la Vieille Bourse en Lille, la Gran Ofrenda del Zócalo de la Ciudad de México, el Nevada Museum of Art, el Neuberger Museum, el NelsonAtkins Museum of Art, el Museo Anahuacalli, el Museo Dolores Olmedo, el Antiguo Colegio de San Ildefonso, el Museo Amparo en Puebla, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Canberra University Museum, el Museo Carrillo Gil, la Recoleta en Buenos Aires, entre muchos otros. En el presente año, destacan sus intervenciones Traces in Order to Remember en Park Avenue, Nueva York, Estados Unidos, y The Endless Spiral en la Bienal de Venecia, en el evento oficial colateral en la Galería Belacqua La Masa, en la Plaza de San Marcos, Venecia, Italia. Además, ha participado en numerosas residencias y exposiciones internacionales, tales como la Bienal de La Habana, la Bienal de Porto Alegre, Art Grandeur Nature en La Courneuve, Francia, Le Clezio en el Museo del Louvre, la Exposición ECO en el Museo Reina Sofía, InSite 97 en San Diego-Tijuana, la Bienal de El Cairo, Kohj en Bangalore, India y la BIENAL SUR en Buenos Aires y Bogotá, entre otras. Su obra forma parte de importantes colecciones, incluyendo

la Colección del British Museum, el Museo de Arte Contemporáneo de Houston, Phoenix, Montreal, la Colección Daros en Suiza, el Nelson-Atkins Museum of Art, la Colección del Nevada Museum of Art, el Banco Mundial en Washington, la Colección Gelman en México, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Monterrey, y el Museo de Arte Contemporáneo de Porto Alegre, Brasil, entre otras.

BORIS VISKIN

(Ciudad de México,1960)

Nació en la Ciudad de México en 1960, donde vivió su infancia. Su juventud la pasó en Israel, en ciudades como Jerusalén, Tel Aviv y en el Kibutz Galed. Posteriormente, residió durante tres años en Florencia, Italia, donde comenzó su trayectoria pictórica en el Studio Art Center International (S. A.C. I.). En 1985, regresó a la Ciudad de México y participó durante dos años en los talleres de grabado y litografía de la Academia de San Carlos. Estos cambios culturales, paisajísticos e idiomáticos se reflejan en su obra. A través de figuras pequeñas inmersas en grandes espacios o mediante la combinación de elementos abstractos con otros figurativos, emerge la presencia del ser desarraigado: a la vez frágil y vulnerable, pero también firme y resiliente ante el aparente sinsentido de su existencia. El artista comenta sobre su trabajo: “Siempre desconfié y me sentí incómodo con las palabras. Desde una edad temprana, el mundo de las imágenes fue siempre un espacio más sólido y seguro. Así, la pintura, con todas sus limitaciones, ha sido el medio ideal para entrelazar mis múltiples y contradictorias personalidades. A veces me siento un cavernícola intuitivo; en otras ocasiones, un artista conceptual.” Desde 1984, ha realizado exposiciones individuales en México (Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara, Zacatecas, Mérida) y en el extranjero (Los Ángeles, Estados Unidos; Zúrich, Suiza; Buenos Aires, Argentina; Florencia, Italia; Jerusalén, Israel; La Paz, Bolivia). También ha participado en numerosas exposiciones colectivas tanto en México como internacionalmente. En noviembre de 2018, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México le dedicó una retrospectiva titulada La belleza llegará después . Fue miembro fundador de “Zona”, un espacio emblemático de los años noventa y en 2019, junto con Alfonso Mena, inauguró Acapulco 62 , donde expuso la serie Padova y presentó el video Yendo a casa , producido por Mao Padilla.

BRADLEY NARDUZZI

(Estados Unidos, 1967)

Nacido en New Haven, Connecticut, el artista radica y trabaja entre la Ciudad de México y Austin. Estudió en la Universidad de Columbia, donde se graduó con una licenciatura en Arquitectura en 1991. Durante su tiempo en Nueva York, trabajó para diversas pequeñas empresas de arquitectura y construcción, al mismo tiempo que dedicaba horas a la pintura. En 1992, recibió la beca de la Fundación Solomon R. Guggenheim para trabajar y estudiar en Venecia, Italia, cuya experiencia despertó su fascinación por la industria del diseño de muebles, lo que lo llevó a buscar un puesto de diseño en la prestigiosa ModernAge Gallery al regresar a Nueva York. En 1996, diseñó su propia línea de muebles contemporáneos y comenzó su fabricación en la Ciudad de México. A pesar de su incipiente carrera en el diseño de muebles, continuó pintando. En 1999, se estableció en la colonia La Condesa de la Ciudad de México y, en 2001, decidió dejar la industria del mueble para dedicarse por completo a la pintura. Su primera exposición individual importante tuvo lugar en la Galería Casa Lamm en 2003. Desde entonces, ha expuesto en Estados Unidos, Europa y Asia. En 2010, abrió un estudio de fotografía contemporánea junto a English Photographer y Adrian Mealand (Rex Workman), con quienes ha realizado varias exhibiciones y producciones de fotografía experimental. En 2023, regresó a Estados Unidos y abrió un pequeño estudio en Austin, Texas. A lo largo de su carrera, ha presentado su obra en diversas exposiciones individuales, destacándose en el año 2024 con Perspective & Pop en la Galería Aura de la Ciudad de Guatemala y Bradley with Totems en la Affordable Art Fair de Austin. En 2022, exhibió The Legacy of Caos en Shelf Gallery de la Ciudad de México. Otras exposiciones individuales notables incluyen A Bold Expression en Julie Zener Gallery en San Francisco en 2019, The Act of Commission en Galería K2 en Monterrey en 2018 y The Landscape & The Painter en Galería Urbana en la Ciudad de México en 2017. También participó en InStyle Magazine Graffiti Day, organizado por Grupo Expansión en el Hipódromo de las Américas, y presentó The Smaller Picture en la Galería Mimi Mendoza en Guadalajara en 2016. Su trayectoria incluye importantes exposiciones colectivas. En 2024, participó en No Se Vende durante ZonaMACO Art Week en la Ciudad de México y en la Annual Nimbus Art Auction en Napa Valley. En 2023, formó parte de la Subasta Arte Vivo

en el Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de México y del 45.º Annual Auction del Grupo de 16. En 2022, exhibió en Insta-Select V2 en Mark Borghi en Sag Harbor y en el 44.º Annual Auction del Grupo de 16 en el Club de Empresarios Bosques, entre otros eventos. A lo largo de los años, ha participado en ferias y exposiciones en lugares destacados, incluyendo Paper - Scissors - Rock en Xaman Projects durante la Miami Basel Art Week en 2019 y Dialogues with 20 Contemporary Painters en el Museo de Arte de Querétaro en 2018. Sus obras también se han exhibido en el Museo de Franz Meyer, en el Antiguo Colegio de San Ildefonso y en el marco de la VIII Bienal de Monterrey. Con cada exposición, el artista continúa dejando una huella significativa en la escena del arte contemporáneo, desafiando y cautivando al espectador con su enfoque único y su visión creativa.

CA ART COLLECTIVE

(n/a)

Dúo artístico conformado por Ara y Mariano, que reconoce que el arte se construye en comunidad, desde la producción hasta la apreciación. Su obra Mundos Paralelos se compone de seis series que condensan la naturaleza de lo humano, lo divino, lo terrenal, el cosmos y diversas realidades. A través de esta obra, exploran la posibilidad de estar y no estar simultáneamente, presentando ambas opciones como una probabilidad cósmica. La geometría juega un papel fundamental en la creación de armonía en sus piezas.

CA Art Collective busca demostrar que nuestra existencia está intrínsecamente ligada a nuestra identidad y, de igual manera, que el arte debe establecer una relación de reciprocidad con la sociedad. Comprometidos con este principio, destinan un porcentaje de las ventas de sus obras para apoyar a fundaciones y organizaciones de la sociedad civil que trabajan en la reconstrucción del tejido social. La última colección creada por los artistas, Mundos Paralelos , que comprende seis series interconectadas, ha sido exhibida en una variedad de eventos y espacios destacados. En 2024, se presentó en Art Week Ciudad de México bajo el título Diálogo Más Allá de lo Humano en OpenArt, Ciudad de México, México. En 2023, la colección formó parte de la Muestra Anual Arte Vivo de Fundación México Vivo en el Museo Arte Moderno, Ciudad de México y también se exhibió en la Residencia Cobertizo con la misma muestra del mismo nombre en Jilotepec, Estado de México. Durante ese año, se presentó en la Residencia

Radio28 CS con la exposición Sólidos Platónicos en Ciudad de México, México, y en Art Week Ciudad de México con Litosiderito is in da house en Campo Marte, Ciudad de México. En 2022, también estuvieron presentes en la Muestra Anual Arte Vivo de Fundación México Vivo se llevó a cabo en el Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México, México. Además, la exposición individual Mundos Paralelos fue mostrada en La Galería DLL, Aribau 101, Barcelona, España y en Casa EME, Ciudad de México. Cada una de estas exposiciones ha ofrecido una plataforma significativa para explorar y difundir la complejidad y el alcance de la colección.

CHARLIE NESI

(Estados Unidos, 1987)

La última exposición del artista neoyorquino afincado en Ciudad de México, Charlie Nesi, CATHARSIS , se exhibió en el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro. Con un enfoque abstracto minimalista, el artista trabaja de manera poco convencional, explorando diversos materiales para crear esculturas refinadas. En esta presentación, Nesi entrelaza cuestiones sociales con materiales olvidados, que a menudo constituyen la espina dorsal de la cultura material mexicana. Al hacerlo, la exposición invita al espectador, de forma hipotética y visual, a investigar el uso y potencial de estos materiales dentro de esa cultura específica. Varias piezas de la muestra están elaboradas con latón pulido y tratado, terciopelo rojo y acero oxidado. Estos materiales, erosionados naturalmente por diversos tratamientos químicos, ponen de relieve elementos olvidados o invisibles, pero siempre omnipresentes, que configuran el paisaje urbano de la Ciudad de México. La práctica multidisciplinaria de Nesi difumina los límites entre la pintura y la escultura para investigar los gestos materiales. Con formación en filosofía y sociología, explora temas universales como el tiempo, el valor y la historia. En esencia, la exposición resalta la lucha y las transformaciones a las que los seres humanos se ven sometidos. Entre sus exposiciones individuales destacan Catarsis (2021), Museo Arte Contemporáneo de Querétaro (MACQ), Querétaro; Catarsis (2021), Galería Umbral, Ciudad de México; Decadencia (2017), Ciudad de México; y Óxido blanco, metal brillante, globos rojos (2017), Ciudad de México. Su obra también se ha presentado en exposiciones colectivas en Melet Mercantile Gallery (2016), Nueva York; Rock Paper Photo (2014), Nueva York; Garris & Hahn Gallery (2013), Nueva York; y The Space Gallery (2013), Nueva York; entre otras.

CLAUDIO RONCOLI

(Argentina, 1971)

Nació el 19 de marzo de 1971 en Capital Federal, Buenos Aires, Argentina. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de Buenos Aires. Participó en el taller de serigrafía Andrea Moccio en Buenos Aires, Argentina en 2001 y en el taller de serigrafía de Miguel Lescano en Lima, Perú, 2003.

CONCHITA PINEDA

(Barcelona, Cataluña, España)

Es una artista visual que desarrolla su investigación artística entre Barcelona y Miami. Posee una vasta experiencia en el arte visual contemporáneo y destaca por su innegable talento y su personalidad audaz, Pineda ha dedicado más de 15 años a la investigación y la exploración de nuevas posibilidades en la integración de materiales, lo que le ha permitido sobresalir en importantes escenarios nacionales e internacionales. La obra de Conchita se distingue por una combinación de innovación y serenidad, que la proyecta como una artista capaz de comprender y revitalizar diversos contextos artísticos. Su enfoque surge de profundas reflexiones sobre la creación y la existencia, abordando cada pieza como un evento singular dentro de la vastedad del universo. Pineda explora las interacciones entre el azar y la idea, la acción creativa en sí misma y la transformación de los elementos a lo largo del tiempo. Su propuesta artística fusiona pensamiento y creatividad, donde cada pieza refleja un diálogo íntimo entre la artista y su entorno. A través de su trabajo, Conchita Pineda ha captado la esencia de la contemporaneidad, ofreciendo al espectador una experiencia única que trasciende las fronteras tradicionales del arte. A lo largo de su carrera, ha participado en numerosas exposiciones y proyectos artísticos, consolidándose como una figura influyente en el panorama artístico internacional. La obra de Pineda no solo refleja su maestría técnica, sino también su capacidad para emocionar y conectar con el público a un nivel profundo. Entre sus piezas más destacadas se encuentran El Silencio de los Elementos , Ecos de lo Invisible y Fragmentos del Tiempo. Conchita Pineda continúa su incansable búsqueda de nuevas formas de expresión, invitando a todos a unirse a su viaje artístico y a descubrir la magia y el misterio que impregnan su obra.

(n/a)

Nacido en Caracas, Venezuela, ha desarrollado una carrera artística que investiga la relación entre tradiciones prehispánicas y corrientes estéticas contemporáneas. Tras residir en Venezuela, Chile y México, su obra se nutre de las diversas culturas textiles de América Latina, al tiempo que incorpora la influencia del arte óptico-kinético venezolano. Utilizando hilos, madera y otros materiales naturales, Suárez crea composiciones geométricas intrincadas que exploran la interacción entre el color, la luz y la forma. Estas obras ofrecen una experiencia perceptiva en constante transformación, donde las texturas y los matices lumínicos se revelan de acuerdo al ángulo del espectador. En su trabajo, Suárez establece un diálogo entre el legado histórico y la innovación estética, generando una reflexión profunda sobre la identidad y el tiempo. Además de su práctica individual, Suárez ha ampliado su impacto a través de S.S. Galerie , una fundación dedicada a la promoción de artistas emergentes, la creación de espacios comunitarios y el activismo social. Mediante esta plataforma, ha consolidado un proyecto cultural que va más allá de su producción personal, ofreciendo apoyo a otros creadores dentro del arte contemporáneo. Su trabajo ha sido destacado en revistas internacionales como Architectural Digest y T Magazine del New York Times , que lo han reconocido como “el maestro del hilo”. Suárez también ha colaborado con marcas internacionales como Roche Bobois y Lutron Electronics, llevando su visión artística a un contexto global e integrando su estética en proyectos que reafirman su compromiso con la intersección entre arte, tecnología, espiritualidad y comunidad.

DANIEL AZUARA

(Tepic, México, 1987)

Nacido en Tepic, Nayarit, en febrero de 1987, Daniel Azuara estudió Arquitectura en el Instituto Tecnológico de Tepic y actualmente cursa un Máster en Management en la ESADE Business School de Madrid, España. Ingresó en la Escuela de Dibujo y Pintura Brizo en 1996. Desde temprana edad, mostró un notable interés y talento por el arte, especialmente la pintura, destacando en el Concurso Nacional de Dibujo Infantil “Los Pequeños Grandes Artistas” a los 7 años, lo que le valió su primer reconocimiento nacional. A lo largo de su carrera, ha recibido numerosos premios, incluyendo

el Premio Estatal a la Juventud Edición Bicentenario en 2010, en la categoría de Artes Plásticas, otorgado por el Gobierno del Estado de Nayarit. Hasta la fecha, ha participado en más de 50 exposiciones, tanto colectivas como individuales, en diversos estados de México, incluyendo Ciudad de México, Nuevo León, Morelos, Querétaro, Guanajuato, Estado de México, Aguascalientes, Veracruz, Nayarit y Colima. Sus obras han sido vendidas en países como España, Inglaterra, Brasil y Estados Unidos. Además, ha participado en más de 10 subastas y ha realizado intervenciones en vivo en eventos de Life & Style en Ciudad de México, San Miguel de Allende, Querétaro y Estado de México. También ha colaborado con marcas de renombre como Michelin Chef México, Autoart World Tour, BMW, Audi, Omoda y Hotel Presidente Intercontinental México, entre otros. Su formación como arquitecto y su sensibilidad hacia las formas y colores le proporcionan una visión única para interpretar, capturar y plasmar su percepción del entorno en cada lienzo. Inspirado en la cultura mexicana, Azuara conjuga texturas, gamas de colores y el misterio del universo en su propuesta artística, que fusiona elementos geométricos, cósmicos y culturales. Su obsesión por la perfección, la simetría y el ritmo de las formas, junto con el contraste entre elementos geométricos y orgánicos, enriquece el discurso visual de sus piezas.

DANIEL MATTAR

(Brasil, 1971)

Estudió arte y diseño en la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro. Su investigación en fotografía comenzó en Tokio, Japón, donde vivió y trabajó en los años noventa. Desde hace veinticinco años que la fotografía es su forma de expresión, desempeñándose en diversos campos como la moda, el retrato y el documental. La obra de Daniel está llena de paradojas: la cámara tecnológica al gesto intuitivo con la pintura al óleo. Desarrolla diálogos a través de la fotografía que muestran múltiples tridimensionales en planos bidimensionales. Mediante el uso de pinturas al óleo y/o pigmentos minerales, el artista compone sus imágenes interviniendo pequeñas áreas de empaques, imágenes de libros, cartuchos de tinta, fotos de archivos personales y otras superficies relacionadas con la reproducción de imágenes. Una vez terminados, sus microespacios son inmediatamente fotografiados cuando las pinturas aún están frescas para ser impresos en obras de gran formato, lo que le permite establecer un vasto vocabulario

dimensional de volúmenes y colores. Daniel realiza exposiciones individuales y colectivas desde 1988, en lugares como el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM-RJ), el Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) y el Espacio Cultural Sergio Porto. Actualmente, vive en Lisboa, Portugal, donde desarrolla su trabajo artístico.

DARIO ESCOBAR

(Ciudad de Guatemala, 1971)

Gracias a su formación en arquitectura, el trabajo de Darío Escobar destaca por la investigación formal y conceptual que el artista realiza sobre los objetos, explorando su integración en el ámbito de las artes visuales y su relación con la historia del arte. Reside y trabaja entre Ciudad de México y Guatemala. Escobar utiliza una amplia gama de productos industriales y de consumo cotidiano desde finales de la década de los noventa. Entre estos se encuentran vasos de McDonald ‘s, cajas de cereales, llantas vulcanizadas, parachoques de automóviles y equipo deportivo de diversos tipos, que son utilizados con el objetivo de construir un diálogo continuo con la realidad del consumismo global. Este diálogo también ha incluido una profunda reflexión sobre la función de los objetos a lo largo del tiempo. Su obra desafía constantemente al espectador a reconsiderar las relaciones centrales de la vida contemporánea: la conexión entre el individuo y la cultura de masas, la formación de nuevas identidades en función del consumo, así como la interacción entre lo popular y lo culto. A través de objetos producidos que invaden la experiencia diaria, su trabajo invita a una reflexión crítica sobre el propio espacio en los sistemas sociales, políticos y económicos que sustentan nuestra existencia.

DAVID ALFARO (n/a)

Escultor y sociólogo, con una formación destacada en la Universidad Nacional Autónoma de México y el Inbal, ha expuesto su trabajo en todo México y ha recibido premios internacionales en Nueva Zelanda y en diversos países. Su arte ha sido presentado en la Academia de Bellas Artes y una de sus piezas se encuentra galardonada en la colección nacional de anfibios y reptiles de la UNAM. Su obra se fundamenta en la simbología de las representaciones sociales y culturales.

DAVID MONT

(Tijuana, Baja California, México, 1990)

Artista visual mexicano que reside y trabaja entre Tijuana, México y San Diego, California, trascendiendo las fronteras geográficas con su práctica artística. En el núcleo de su obra, explora la relación entre las emociones y el siempre cambiante paisaje de la mente, un reflejo infinito en busca del equilibrio donde los opuestos se fusionan en unidad. Mont conecta, explora y comunica esta esfera artística a través de la escultura y la pintura, utilizando el metal como su medio predilecto. En su obra, este material se convierte en una metáfora que nos recuerda que nuestra solidez y delicadeza son una sola entidad y que esta dualidad es, en su perfección, una expresión de equilibrio. En un mundo de perspectivas cambiantes y normas sociales fluctuantes, las piezas de David actúan como catalizadores para la exploración personal que fomentan una conexión más profunda con nuestras emociones y con la complejidad de la experiencia humana.

DAVID TROICE

(Ciudad de México, 1990)

Es un artista mexicano-estadounidense radicado en la Ciudad de México, cuya obra se centra en la creación de esculturas de origami en acero inspiradas en la geometría y la física del universo. Influenciado por el trabajo de M.C. Escher, Victor Vasarely y Anish Kapoor, su trabajo desafía la percepción del espectador sobre el espacio y la dimensionalidad. Troice pliega y ensambla láminas de acero en formas tridimensionales complejas, creando obras geométricas que dialogan y transforman el espacio. Sus esculturas son un estudio de precisión y paciencia, que requieren una planificación y ejecución meticulosas para lograr el efecto deseado. Obras como Espiral Cósmica y Hexágono Celestial ejemplifican esta complejidad. Le fascinan los fenómenos aparentemente dispares, como los patrones espirales de las galaxias y las formas hexagonales de las colmenas, que pueden ser descritos por principios matemáticos subyacentes, Troice emplea el plegado de acero para revelar las esculturas ocultas que emergen del mundo natural. Su obra Galaxia Oculta ejemplifica esta fascinación al materializar visualmente la conexión entre estos patrones universales. También busca constantemente empujar los límites de lo posible, tanto en términos de forma como de función, creando

obras que resuenan con las personas a un nivel profundo y significativo. A través de su trabajo, invita al espectador a explorar las infinitas variaciones del universo y a contemplar los misterios de la existencia. David Troice estudió Diseño Industrial en la Ciudad de México antes de trasladarse a Boston para completar sus estudios. Combinando diseño industrial con escultura, obtuvo un título de Licenciado en Bellas Artes en 2015. Este trasfondo académico interdisciplinario le proporcionó una sólida base en principios y técnicas de diseño, al tiempo que fomentó su exploración artística. Desde entonces, ha exhibido su trabajo en varias exposiciones en México, Estados Unidos y Europa. “Me especializo en la creación de esculturas de origami de acero que exploran la belleza y complejidad de nuestro mundo. Mis piezas reflejan la interacción de la luz, la sombra y la textura, así como el delicado equilibrio entre la estructura y el caos... Mi trabajo es una celebración de la interconexión de todas las cosas, y una invitación a explorar las infinitas posibilidades que surgen cuando abordamos la vida con un espíritu de curiosidad y asombro” - David Troice.

DIEGO RODARTE PLANTER

(Ciudad de México,1984)

Es un artista autodidacta con 20 años de trayectoria, centrado en la exploración de la pintura a través de diversos soportes técnicos. Su carrera abarca exposiciones en galerías, museos y centros culturales en México y en el extranjero. Entre sus exposiciones más destacadas se encuentran The National Gallery of Thailand en Bangkok y el Museo de Bellas Artes de Ho Chi Minh City en Vietnam, ambas realizadas en 2023. Además, ha presentado su obra en el Jardín Escultórico Juan Soriano en Varsovia, Polonia (2021), el Centre Culturel du Mexique en París, Francia (2008) y en el USC Fisher Museumy The Huntington Library en California (2017). Su trayectoria también incluye exposiciones en la Art Division Gallery en Los Ángeles (2018), el Museo MACAY en Mérida (2009), el Museo Ex Convento del Carmen en Guadalajara (2009), Casa LAMM en la Ciudad de México (2015) y el Centro de las Artes San Agustín en Oaxaca (2016). En 2021, exhibió en el Museo de Arte de Querétaro y participó en la feria ZonaMACO con la Galería Alfredo Ginocchio. Rodarte Planter ha participado en importantes ferias internacionales de arte, como Scope Miami (2019), Art Miami (2022) y ZonaMACO (2021). Sus residencias artísticas han incluido es -

tancias en Los Ángeles (2018), París (2008), Oaxaca (2017), Torreón (2016) y Varsovia (2019). Fue galardonado con la Primera Muestra de Arte Club del Grupo Reforma en 2007 y ha sido jurado en el Salón de la Plástica Ahomense en Los Mochis (2012), así como en residencias de artes plásticas en Colombia para El Laboratorio de Artes de La Curtiduría en Oaxaca (2018). También fue seleccionado para la XIX Bienal de Pintura Rufino Tamayo en la Ciudad de México (2022). Actualmente, vive y trabaja en la Ciudad de México.

DULCE PINZÓN

(Ciudad de México,1974)

Es una artista visual, curadora, gestora cultural, empresaria, activista y madre, conocida por su firme compromiso con la justicia social y su habilidad para provocar un impacto positivo en ámbitos colectivos y legislativos. Su trabajo abarca campañas en defensa de los derechos laborales en Nueva York, en colaboración con el ex procurador de justicia Eliot Spitzer, y proyectos con las Naciones Unidas enfocados en desarrollar productos culturales que promuevan el crecimiento y la democratización en países de habla hispana Actualmente, dirige su atención hacia temas culturales, medioambientales y de género a través de sus iniciativas personales, curatoriales y museográficas. Pinzón estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de las Américas Puebla y fotografía en la Universidad de Indiana en Pennsylvania. En 1995, se mudó a Nueva York, donde continuó su formación en el International Center of Photography, cine en la Universidad de Nueva York, Derecho Laboral en Dowling College, Long Island, y realizó un seminario de curadurías situadas en el Museo Tamayo de la Ciudad de México. Su trabajo como artista visual ha sido exhibido, publicado, coleccionado y premiado internacionalmente. Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) del FONCA de 2014 a 2017, tutora de Jóvenes Creadores y jurado en diversos concursos de arte a nivel global. En 2019, inauguró Plataforma ArtBase, un espacio galerístico y de gestión cultural en Puebla. Este espacio está diseñado para conectar a artistas emergentes nacionales e internacionales con instituciones y entusiastas del arte, brindando apoyo en la producción artística y desarrollando estrategias para la difusión, promoción, venta y asesoramiento a coleccionistas. Además, ha sido directora creativa de Iluminemos al Atoyac , un evento colateral de la Asociación Civil “Dale la Cara al Atoyac”,

que organiza una subasta de piezas lumínicas para recaudar fondos y contribuir a la conservación de este río. También ha estado involucrada en la curaduría de festivales como Art Souterrain (una instalación de arte contemporáneo internacional en espacios públicos arquitectónicos e históricos, así como en el subterráneo de Montreal), Espacio México en Montreal y varias galerías en Ciudad de México. Dulce Pinzón reside actualmente con sus dos hijos y trabaja entre México, Nueva York y Montreal.

EDUARDO ESTRADA

(México, 1985)

Artista Plástico. Su proceso como artista plástico se desenvuelve de manera empírica y autodidacta, esforzándose en la práctica, la experimentación y tomando recursos de libros y talleres virtuales de escultura y pintura para lograr el entendimiento y manejo de la materia. De esta forma, ha desarrollado su propia Fundición Artística en Bronce, una nueva e inmensa puerta de experimentación, no solo en el modelado, sino en todo el proceso de producción de una pieza, lo que permite que cada obra, sea única y modificable de acuerdo a su necesidad creativa. Para él el arte es la mejor manera que tienen los seres humanos de comunicarse, es el canal que cuenta la historia de la humanidad y narra el contexto histórico y social que la rodea. Se ubica en el aquí y ahora, para transmitir emociones e ideas, ya que es un lenguaje que domina y desnuda al ser humano. Su arte pretende ser partícipe de un ligero espacio en la historia, aportar a este lugar en el que habita una pequeña mejora, es una propuesta al que observa en la que prevalece la maravilla del mundo, con el objetivo de encontrar en el arte el entusiasmo que muchas veces ya no se alcanza a percibir. Su obra como parte de colecciones privadas ha recorrido parte de la República mexicana en lugares como Monterrey, Coahuila, Guerrero, Oaxaca, Puebla, Guadalajara, Jalisco, Cancún, entre otros. Además, ha estado presente en países como España y Estados Unidos. Su primera exposición individual fue realizada en el Museo Metro de la Ciudad de México. Cuenta con poco más de 20 exposiciones colectivas realizadas en espacios como el Museo Legislativo de la Cámara de Diputados, Museo Bicentenario del Estado de México, la Alameda Central de la Ciudad de México, Centro comercial Vía Santa Fe, Paseo Interlomas, Museo Rufino Tamayo y el Centro Cultural México Bicentenario.

EMILIO RANGEL

(n/a)

Con una producción predominantemente constituida por esculturas, Emilio Rangel centra su trabajo técnico en el contacto directo con el material. Generalmente utiliza plastilina epóxica, entre otros soportes. Este material permite que su práctica sea siempre lúdica, evocando la noción de juego que surge naturalmente al experimentar con un material maleable, como todos lo hicimos desde la infancia con la plastilina. El resultado es un objeto de carácter cercano a la manualidad, pero con la herencia de una sólida formación en arte contemporáneo que hace guiños a la cultura comercial y popular. Las imágenes que Emilio Rangel construye en su trabajo, ya sea escultórico o gráfico, surgen de una metamorfosis conceptual que transforma personajes de antiguos mitos universales, religiones y creencias producidas a lo largo de la historia, fusionándolos con figuras zoomorfas o caricaturas contemporáneas. En muchos casos, Rangel logra establecer un diálogo profundo con el espectador, basado en recuerdos infantiles o en elementos de identificación simbólica que pueden incluir creencias religiosas del observador. Ha participado en exposiciones nacionales e internacionales. Ha exhibido su trabajo en más de quince muestras colectivas en instituciones públicas y privadas, como Terreno Baldío Arte en la Ciudad de México, Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México, Co-lab en Copenhague, Dinamarca, Queens Nails Annex en San Francisco, California, Estados Unidos, Centro Nacional de las Artes en la Ciudad de México, Centro Cultural Tijuana en Tijuana, Baja California, México, y Fábrica de San Pedro en Uruapan, entre otras.

ERIK RICO

(México)

Cuenta con una trayectoria activa como arquitecto. Completó sus estudios profesionales en la Facultad de Arquitectura en 2008 y obtuvo un posgrado en la Universidad Iberoamericana en 2009. Su carrera ha incluido colaboraciones con varias firmas destacadas, como TEN Arquitectos, Taller de Enrique Norten, BUNKER Arquitectura, Arroyo Solís Agraz Arquitectos y JSa (Javier Sánchez). Su especialización se centra en la construcción de modelos físicos y escultóricos tanto para el diseño arquitectónico como para el desarrollo de mobiliario en AURA. Además, ha creado modelos en colaboración con diseñadores de joyería

mexicana como TANE y Daniel Espinosa Jewelry. Erik Rico ha presentado su trabajo en museos y exposiciones internacionales, incluyendo: Museo Tamayo, Museo Amparo, Polyforum Siqueiros y M ARCO en México; MoMA en Nueva York; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid; Centre Pompidou en París y Museo delle Culture en Milán. Como artista visual, el trabajo de Rico explora temas de deconstrucción, surrealismo oscuro y análisis autobiográfico religioso. Su proceso creativo se manifiesta en diversas formas de expresión, incluyendo dibujo, pintura, fotografía y escultura. Ha participado en numerosas exposiciones en colaboración con diversas galerías en México, destacándose por su capacidad para reflejar complejos temas personales y culturales en su obra.

FELIPE ECHEVERRY LASSO

(Colombia, 1988)

Inició su carrera como arquitecto en su ciudad natal Cali, Colombia. Estudió la Licenciatura en Arquitectura en la Universidad de San Buenaventura en Santiago de Cali, Colombia en 2011 y su MLA en la Universidad de Buenos Aires Argentina en 2014. En 2015, decidió pasar de una exitosa carrera en arquitectura a su verdadera pasión, la pintura. Se mudó a Nueva York y se sumergió en la escena artística de renombre mundial. Actualmente, vive y trabaja en dicha ciudad. Sus pinturas, elaboradas mediante técnicas mixtas y dibujos, están inspiradas en recuerdos personales y en las historias que recoge a lo largo de su camino. Su trabajo oscila entre la observación y la crítica social, siendo a la vez provocativo e intrínseco. Estas obras cuestionan lo cotidiano y fomentan la autorreflexión. Sin sumergirse en el clima político actual, Lasso cambia la atención del ruido de los titulares a la experiencia personal de los migrantes. Revela de manera gráfica la lucha de aquellos que persiguen sueños que no siempre se han materializado de la manera esperada, sino que se han transformado en algo nuevo, extraño y desafiante, pero a menudo igual o más satisfactorio. Explora esa conversación íntima que ocurre entre tu yo pasado, presente y futuro. Cada charla es única y envuelve capas de complejidad, placeres momentáneos, alegrías y dolor e indaga en los recuerdos y recopilación de historias de las personas que encuentra en sus viajes. Su trabajo está inspirado en las técnicas del expresionismo figurativo de los años 80 para exponer los ideales colectivos y las emociones de estas historias a través de pinceladas

rápidas aparentemente irreflexivas. Acrílicos, óleos, carboncillo y bolígrafos dan vida al lienzo en bruto, elevando cómodamente las tensiones que existen en su interior. Ha participado en exposiciones colectivas en lugares como la Galería Mayson, Bowery Bond en Nueva York; Society for Ethical Culture; Galería Richard Taittinger; Galería Avant Miami; Galería Avant NY; Art Basel Miami y Art NY Nueva York. En 2018, colaboró con Saks Fifth Avenue y Good Luck Dry Cleaners en una presentación especial durante la Semana de la Moda de Nueva York, que incluyó un escaparate con los diseñadores Valentino e Issey Miyake. En 2017, fue incluido en 10 Rising Street Artists Who Are Taking the Art Form Beyond Banksy de ArtNet. En 2019, fue destacado en la edición de noviembre de ArtNet como uno de “5 Artistas Emergentes Para Ver Este Mes” por su exposición individual de palabras en la Galería Avant en Nueva York. Su obra figura en numerosas colecciones privadas.

FER NARCHI

(México)

Diseñadora gráfica y fotógrafa mexicana, con una profunda pasión por la creatividad, el diseño y la exploración. Su espíritu aventurero la llevó a la fotografía desde temprana edad. A los 13 años, comenzó a capturar imágenes utilizando la cámara de su madre durante sus viajes. A los 16 años, recibió su primera cámara, que se ha convertido en su compañera constante en todos sus trayectos. Lo que más le fascina es observar cómo dos personas pueden capturar la misma escena, produciendo fotografías distintas y únicas. A través de la fotografía, disfruta enseñando a otros y considera su cámara como su tercer ojo. Para ella, no hay arte ni recuerdo más valioso que el capturado a través del objetivo, ya sea un evento, un paisaje, un retrato o cualquier otro tema. Como sabiamente dijo Ansel Adams: “No tomas una fotografía, la haces.” En el ámbito del diseño gráfico, la fotografía y el collage, encuentra una inspiración y satisfacción infinitas. Estos medios le permiten plasmar sus sueños, ideas y perspectivas en formas visuales. Está en un viaje continuo de exploración, buscando traspasar los límites de su expresión artística y capturar la belleza que la rodea. Estudió la licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana de 2015 a 2020. En 2018, realizó un diplomado en Social Media Marketing en Sydney, Australia y cuenta con un diplomado en Dirección Creativa en Branding por CENTRO.

FERNANDO OSORNO

(Ciudad de México, 1978)

Estudió en la Universidad Nacional Autónoma de México. Su trabajo abarca una variedad de técnicas, incluyendo óleo, acrílico, esmalte, acuarela y papel, con claras influencias de las artes decorativas, el arte popular y la exuberancia del paisaje mexicano. Su trabajo es un juego entre formas y la interacción de la luz, creando atmósferas que invitan al espectador a un viaje que transita de lo superficial a lo introspectivo. Los personajes en sus obras, generalmente hombres envueltos en su entorno, disfrutan del viaje y del placer, en un proceso de búsqueda personal. Entre sus exposiciones individuales destacan PornohouseMX (2008), El Jardín de las Ausencias (2022) en el Centro Cultural Villaurrutia, Noche de linternas (2013) y La Horma de tu zapato (2014) en la Galería Hazme el Milagrito, Amor de papel (2015) en el Museo de Arte Moderno, Amor es más laberinto (2017) en la Galería José María Velasco, y Anatomías de papel (2019) en la Galería Óscar Román. También ha participado en exposiciones colectivas como Bodas de plata (2012) en el Museo del Chopo y La Bolsa y la vida (2015) en el Palacio de los Condes de Gabia. Además de su carrera artística, Osorno apoya proyectos sociales en México, enfocándose en los derechos sexuales y reproductivos.

FOREMAN

(México, 1991)

Nació en la Ciudad de México y estudió la licenciatura en Artes Visuales en la UNAM, especializándose en pintura. Posteriormente, cursó el taller de Producción de Pintura Contemporánea con el maestro Francisco Castro Leñero y recientemente completó el Diplomado en Producción y Lenguajes Contemporáneos en el Centro de las Artes de San Agustín, Etla, Oaxaca. Cuenta con seis exposiciones individuales, siendo la más reciente El jardín de la Tuna Iridiscente en Mérida, Yucatán. Ha participado en diversas exposiciones colectivas tanto en México como en el extranjero y fue beneficiario de la Beca Jóvenes Creadores del Sistema Nacional de Creadores en tres emisiones (2017-2018, 2019-2020 y 2022-2023). Desde 2019, es cofundador del proyecto Talleres Fresno 301, un espacio de producción artística multidisciplinaria en Ciudad de México. Su trabajo aborda el género pictórico del paisaje como un dispositivo de memoria social, cultural y política. A través de un eclecticismo técnico y formal en sus composiciones,

explora las relaciones discursivas de la pintura dentro del lenguaje visual contemporáneo. Los colores neón evocan la vibrante paleta cromática mexicana y los colores luz generados por dispositivos digitales, creando un contraste entre la permanencia del soporte pictórico y el carácter efímero de las pantallas. Estos colores crean escenarios ficticios en los que gestos y movimientos invitan al espectador a generar una lectura personal y abierta sobre su entorno e identidad dentro del ecosistema global.

FRANCESCA DALLA BENETTA

(Italia)

Es una artista italiana establecida en México desde 2006. Graduada en Artes Plásticas por la Academia de Artes de Milán, comenzó su carrera en la industria cinematográfica. Su llegada a México coincidió con su participación en la producción de la película Apocalypto de Mel Gibson, lo que influyó en su decisión de radicarse en el país. Desde 2012, Dalla Benetta ha enfocado su labor en proyectos personales dedicados a la escultura, explorando temas como la transformación, la identidad, la pertenencia, la autopercepción, las convenciones sociales y la locura. Su obra refleja una marcada influencia del surrealismo mexicano, el cine y la literatura fantástica. Ha realizado más de 20 exposiciones individuales en espacios destacados como el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí, el Museo de Arte Contemporáneo de Tampico, la Galería José María Velasco y la Galería Oscar Román, entre otros. Además, ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y en ciudades internacionales como Múnich, Nueva York, Filadelfia, Lisboa, Chicago y Milán. Su trabajo ha sido reseñado en revistas especializadas como Horizontum , Scenario , La Razón , Milenio Diario , Excélsior y El Universal . También ha aparecido en programas culturales de radio y televisión como Milenio TV, Canal 22, Canal Once y TV Azteca. Su obra ha sido incluida en los libros 35x35 Project Italy y Covart Project del Copelouzos Family Art Museum en Grecia. Actualmente está en proceso de publicar el libro El rostro oculto , con una introducción de Avelina Lésper. En 2023, diseñó el premio Mujeres que Inspiran Mujeres del periódico Excélsior. Sus obras forman parte de la Colección Milenio, Pagos en Especie de Hacienda y Crédito Público, la colección del Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí y de colecciones privadas en más de veinte países. Desde 2009, Dalla Benetta imparte clases en instituciones universitarias, museos y de forma independiente.

FRANCESCO MERLETTI

(Italia,1966)

Presente en el mundo del arte durante varios años, comenzó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán. Ha colaborado con diversas galerías, incluyendo Magrorocca en Milán y 6x4 The Affordable Art Project en Ciudad de México. En 2013, su obra fue seleccionada para ser exhibida en espacios prestigiosos como Gallerie d’Italia, Museo Poldi Pezzoli, Fondazione Antonio Mazzotta Wunderkammer y Arte. En 2012, participó en Triennale di Milano en la muestra Pelle di Donna , así como en Volta Basel 2010 y Saatchi & Saatchi en Nueva York, en una subasta a beneficio de la Escuela de Arte de Harlem en 2006. También formó parte de Scope en Nueva York en 2005. Ha sido galardonado con el Premio Celeste en el Museo Marino Marini en 2006, el Premio Cairo Arte Mondadori en el Museo della Permanente en Milán en 2004, el Premio Durini en el Museo della Permanente en Milán en 2001 y el Premio Morlotti en Imbersago en 2000. Su trabajo también ha sido destacado en la publicación ARTE Cairo Editori , número 460, en diciembre de 2011.

FRANCISCO ESNAYRA

(México, 1985)

Asentado en la práctica de la escultura y, dentro de ella, en la especificidad del retrato, Francisco Esnayra (Chihuahua, 1985) utiliza la experimentación con materiales, dimensiones y otros aspectos visuales como un correlato de un peculiar viaje espiritual, una búsqueda interna de verdades y discernimientos diversos. Los gestos faciales en cada pieza, complementados por los demás elementos en la composición, son testimonios de estados mentales específicos. El rostro que observamos en sus obras es siempre el mismo, el de Esnayra, pero en realidad es el de nadie y al mismo tiempo el de todos. Desde máscaras mortuorias y cabezas en meditación hasta semblantes compungidos, la distorsión —ya sea de la expresión facial o de ciertas proporciones— es una presencia recurrente en su trabajo. Aunque a veces su obra puede parecer que explora los aspectos negativos de la psique, la decadencia perceptible es solo una parte del viaje interior; también hay calma, ataraxia y conciencia iluminada.

FRANCISCO TOSTADO

(México, 1981)

Nació en La Paz, Baja California Sur, el 18 de mayo de 1981. Residente principalmente en Mazatlán, Sinaloa, se mudó a la Ciudad de México en 2006. Su trayectoria artística comenzó en 2000 con la primera de seis exposiciones en colaboración con otros artistas, que tuvo lugar en el Ex Claustro de Santa María de Gracia de la Universidad de Guadalajara. Posteriormente, presentó una exposición en el Museo de las Artes de Mazatlán en 2005 y otra titulada Fade Away and Radiate en el Hotel W de la Ciudad de México. En 2016, colaboró con el Premio Maguey, lo que le permitió realizar su primera exposición individual en el Museo de las Artes (MUSA). En mayo de 2023, Francisco Tostado presentó la exposición individual Miedo a volar, curada por Mauricio Marcin, en la Galería Banda Municipal.

GIUSEPPE FERLITO

(s/f)

Comenzó a pintar en 2010 en Los Ángeles mientras escribía el primer borrador del guion de la película 88 Entre hacer una película y otra, tiene algunos descansos que a menudo resultan frustrantes debido a la imposibilidad de dar rienda suelta a su creatividad. “Empecé a pintar como un remedio a esta frustración, y hasta el día de hoy creo que pintar para mí es terapéutico porque me permite descargar todas las emociones que estoy sintiendo en la pintura, enfrentar mis miedos y confrontarme a mí mismo y a mis inseguridades”. Ferlito pinta en diversas superficies: lona, cartón, madera contrachapada y paredes. Muchas de sus obras hoy en día son irremplazables, ya que fueron realizadas en superficies no transportables como paredes en algunas de las casas de sus amigos, mesas, persianas y otras superficies. Encuentra su mayor satisfacción en realizar el trabajo y no en poseerlo. “No utilizo una técnica precisa. Cuando dirijo una película, principalmente trato de recrear emociones de varias maneras, pero allí tengo un equipo de cine y actores que guiar. En la pintura, de alguna manera es más fácil porque solo tengo que dirigir mi creatividad usando los colores como un vehículo”. Al igual que en el cine, cree que no es importante respetar reglas preestablecidas, sino asegurarse de que la elección de no seguirlas no comprometa el resultado final, que, tanto en pintura como en dirección, es transmitir emociones. “Según yo, una obra de arte, con toda su expresividad,

no deriva de un conjunto de reglas y un estado de ánimo. Creo, en cambio, que someterse y ser fiel a reglas y racionalidad hará que termines manchando tu trabajo”.

Exhibió por primera vez sus obras en 2013 en Miami, aprovechando el prestigioso escenario de Art Basel. “Me siento afortunado, porque soy consciente de que para muchos, Basel es un objetivo, y tuve la oportunidad de mostrar mi obra allí, mi ser en color, al lado de grandes artistas”. Más tarde, exhibió en México en dos ocasiones diferentes, primero durante la famosa feria MACO y luego durante la ceremonia del Global Gift de Eva Longoria, así como en Londres, Nueva York y Los Ángeles, donde por primera vez exhibió bolsos pintados como lienzos. “Las personas más cercanas a mí me incitaron durante varios años a mostrar mis obras, pero no me sentía listo, no porque estuviera inseguro, sino porque soy discreto. Hay tanto de mí en cada obra que pinto, que sentía que estaba revelando demasiado, y soy una persona discreta aunque no lo parezca porque mi trabajo me pone en el centro de atención”. Según Freud, la inspiración artística surge directamente del subconsciente, y por eso los surrealistas escribían sobre sus sueños y momentos de inspiración en diarios. Desde su infancia, Ferlito ha seguido impulsivamente este instinto, impulsado por el miedo a perder algo que se origina en su imaginación más inconsciente. Temía desperdiciar algo precioso que su lado creativo le daba vida. “Esa es la razón por la cual cuando pinto es como si estuviera haciendo una sesión terapéutica; me ayuda a disipar las dificultades que estoy viviendo en ese momento. Esta es una característica que no puedo experimentar en el cine”. Sus obras han sido apreciadas desde el principio y adquiridas tanto por coleccionistas como por estrellas de cine. “Es una sensación extraña enviar tu obra al otro lado del mundo, especialmente cuando la envías a actores que son íconos del cine, quienes me han hecho enamorarme de este trabajo y quienes, hoy en día, disfrutan de la emoción que una de mis obras comunica”. En la pintura, se identifica con imágenes poderosas, cargadas de fuerza emocional, a veces arriesgadas, que le hacen obedecer a los sentimientos del momento y pintar de manera que exprese sus reales emociones. “Cuando pienso en cómo rodar una escena, lo primero que viene a mi mente es un encuadre más estándar, más glorificado y menos arriesgado sin duda. Pero cuando miro a la cámara de cine, donde tienes la percepción real de lo que estás a punto de rodar, es en ese momento preciso que me comparo con mi conciencia artística y me pregunto si quiero transformar mi guion de esa manera. No acepto la cobardía en el arte; prefiero ser malentendido o mal concebido, aunque no tenga que hacer

compromisos con mi creatividad, lo cual no me perdonaría”. Desde 2013, ha exhibido sus obras en varias ciudades, incluyendo Nueva York, Miami, Los Ángeles, Las Vegas, Ciudad de México, Morelia, París, Londres, Venecia, Roma, Madrid, Ibiza, Dubái, Tiflis y Santo Domingo. Ferlito siempre ha sido socialmente consciente y ha participado en importantes eventos internacionales de caridad. Por ejemplo, donó obras de arte para la subasta benéfica organizada por la Institution Nationale des Invalides en París para las víctimas del ataque terrorista del 13 de noviembre de 2015. En 2017, donó obras de arte al proyecto de cáncer infantil en Miami para apoyar la investigación del cáncer pediátrico. En 2018, contribuyó con una pintura a una subasta benéfica en la Ciudad del Vaticano organizada por la asociación Scholas Occurrentes, fundada por el Papa Francisco. En este evento, la obra de arte de Ferlito que representaba a Salvador Dalí se subastó por más de 30,000 euros. Durante la subasta, conoció a Su Santidad y le presentó una obra de arte que representaba al Papa, la cual ahora forma parte de su colección privada. En 2023, Ferlito donó una pintura que representaba a Audrey Hepburn para la Subasta Arte Vivo de la Fundación México Vivo en apoyo a sus programas de Educación y Salud Sexual. Su obra fue exhibida y subastada en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México.

GONZALO LEBRIJA

(Ciudad de México,1972)

Formado en Ciencias de la Comunicación en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (Guadalajara, México), su trabajo se centra en la fotografía, el video, la instalación y la escultura. Explora la fragilidad del tiempo suspendido a través de desplazamientos y registros de instrumentos de dominación. Con un nihilismo casi humorístico, investiga el pasaje y la futilidad de la vida, a menudo centrando su atención en las vertiginosas posibilidades de momentos congelados. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre las que destacan: La casa que nos inventamos en el Oklahoma Contemporary Arts Center (Oklahoma, Estados Unidos., 2022); Miracle of the Eternal Present en el Palm Springs Museum (Palm Springs, Estados Unidos, 2022); La suerte de detener el tiempo en el Centro Cultural Juan Beckmann Gallardo (Tequila, México, 2021); Al filo de la navaja , organizada por Patricia Marshall, en el Museo Jumex (Ciudad de México, 2020); Kodak – Instantánea , curada por Geovana Ibarra, en la Antigua Fábrica Kodak (Guadalajara, 2020); Saber

Acomodar, comisariada por Patrick Charpenel, en MCA (Denver, 2017); El día es azul, el silencio es verde, la vida es amarilla... en el Museo Experimental El Eco (Ciudad de México, 2017); Cómo te voy a olvidar en Galerie Perrotin (París, 2016); Motopoétique , comisariada por Paul Ardenne, en el Museo de Arte Contemporáneo de Lyon (2014); Habitar el tiempo , comisariada por Michel Blancsubé, en el Museo Jumex (Ciudad de México, 2014); The House en Faggionato (Londres, 2014); GRIT: Contemporary Mexican Video Art – An arbitrary selection 1996 – 2012 en Goleb (Ámsterdam, 2013); Under the Mexican Sky: Gabriel Figueroa – Art and Film en LACMA (Los Ángeles, 2013); Resisting the Present, Mexico 2000-2012 en ARC – Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (París, 2012); Les enfants terribles en la Colección Jumex (Ciudad de México, 2009); y Eco: arte contemporáneo mexicano en el Museo de Arte Reina Sofía (Madrid, 2005). Entre sus exposiciones individuales destacan: Dormir en Travesía Cuatro (Ciudad de México/ Guadalajara, 2023); Piales (La suerte de detener el tiempo) en Travesía Cuatro (Madrid, 2019); Cathedral en SCAD Museum of Art (Savannah, 2019); Veladuras Nocturnas en Kohn Gallery (Los Ángeles, 2019); Vía Láctea en el Museo Rufino Tamayo (Ciudad de México, 2018) y en el Palacio de Bellas Artes (La Habana, 2016); Mariachi Wagner en Moody Performance Hall (Dallas, 2018); Caída Libre en Galerie Laurent Godin (París, 2017); Unfolded Paintings en Travesía Cuatro (Guadalajara, 2017); Unfolded en Galerie Laurent Godin (París, 2015) y en el Museo de Arte de Zapopan (Guadalajara, 2015); Who Knows Where the Time Goes en Faggionato (Londres, 2014); Possibility of Disaster en el Centro de las Artes de Monterrey (Monterrey, 2014); R75/Toaster en el Multimedia Art Museum (Moscú, 2013) y en Galerie Laurent Godin (París, 2008); Trou noir en Galerie Laurent Godin (París, 2012); Deriva Especular en el Museo de Arte Moderno (Ciudad de México, 2011) y The Distance Between You and Me en I-20 Gallery (Nueva York, 2010). Lebrija es también cofundador de la Oficina para Proyectos de Arte (OPA). Vive y trabaja en Guadalajara.

GUILLERMO FORNES

(Bilbao,1964)

Cursó la carrera de Psicología en la Universidad Cardenal Cisneros de Madrid. Tras completar sus estudios, realizó estudios de Bellas Artes en el King’s College de Londres, donde residió y trabajó durante los siguientes siete años. En Londres, estableció su primer estudio y se relacionó con la vibrante comunidad artística londinense. Posteriormente, vivió

en diversas ciudades alrededor del mundo, lo que sin duda marcó su carácter cosmopolita y transcultural, enriqueciendo su trabajo con el conocimiento de distintas culturas de Europa y Oriente. A lo largo de su carrera, además de en Londres, abrirá estudios en Hamburgo, Benarés y Madrid. Las primeras pinturas de Fornes enfatizan una experimentación con nuevas técnicas pictóricas, desarrolladas en la Fundación BilbaoArte y ampliadas durante su colaboración con el Museo Guggenheim de Bilbao. La obra de Fornes se distingue por una poética en la que se combinan elementos expresivos de la pintura tradicional oriental con el gesto neoexpresionista, integrados ambos en una estética conceptual que reflexiona sobre los mecanismos del lenguaje en las dinámicas expresivas del arte contemporáneo. Su trabajo, de vocación humanista, explora la relación entre la historia, el habitar y la cultura material y espiritual como soporte de una subjetividad pictórica expandida, que busca ampliar nuestra percepción frente a un mundo fragmentado por la especificidad extrema de las distintas esferas del conocimiento. En sus obras, que se nutren de simbolismo y síntesis, se contraponen la gestualidad y expresividad de la mancha con la fuerza del color. Este diálogo entre contrarios define la concepción de sus pinturas, profundas y de profundo mensaje. Fornes se caracteriza por una naturalidad en el trazo directo y una poética sin pretensiones ni barreras intelectuales distanciadoras. En definitiva, su obra se encuentra en una intersección entre el origen y la modernidad, logrando transmitir su fuerza expresiva y poética a través de recursos gestuales transparentes y sutiles. Guillermo Fornes ha expuesto en América y Europa, y sus obras están representadas en importantes colecciones institucionales y fundaciones tanto del ámbito público como privado.

GUILLERMO OLGUÍN

(Ciudad de México, 1969)

Es uno de los artistas más destacados de la escena artística oaxaqueña. Reside y trabaja entre Oaxaca y Nueva York. Ha sido un ferviente promotor de la cultura oaxaqueña y fundador del Café Central, un espacio dedicado a la música, el cine y las artes visuales durante más de diez años. Su interés por las culturas originarias, como la del mezcal, le llevó a fundar la Mezcalería Los Amantes y Casa Mezcal en Nueva York, Estados Unidos. Realizó estudios profesionales en el Cornish School of Arts

en Seattle, Washington y un posgrado en la Academia de Arte de Budapest, Hungría. Su obra ha sido exhibida tanto de manera individual como colectiva en más de 30 exposiciones en países como México, Estados Unidos, Hungría, Cuba, Paraguay, Brasil, Argentina, Italia, Reino Unido, Alemania, España, Portugal, Francia, Finlandia y Japón. Su trabajo se encuentra en colecciones privadas de arte en México, Estados Unidos y Europa, así como en espacios públicos, incluyendo el Museo de Arte de Oaxaca y el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca.

GUSTAVO ARGÜELLO PEÑALOZA

(México, 1991)

La obra de este artista surge de la danza somática y caótica de los colores, así como de las texturas en lienzos de gran formato. A través de la mancha, el artista encuentra su voz y su vehículo expresivo, lo que le permite explorar la infinita profundidad de la abstracción. Cada pincelada y cada salpicadura invitan a descubrir formas sugeridas por la mente, una pareidolia que se forma a partir de los matices y las capas que el color ofrece. En su proceso creativo, Argüello no busca únicamente crear una representación visual, sino una experiencia emocional y sensorial. Los colores dialogan y entrelazan sus historias, mientras que las texturas se convierten en el lenguaje que revela los secretos del lienzo. Cada obra es un universo en sí mismo, una ventana hacia un mundo de posibilidades y conexiones. El objetivo del artista es provocar en el espectador una conversación interna, una exploración de las formas que emergen y se desvanecen en las capas de la pintura. Su arte se presenta como un viaje compartido, una invitación a encontrar la belleza en la ambigüedad y a descubrir la conexión entre los colores y las emociones. En cada lienzo, el artista aspira a desafiar las limitaciones perceptuales y a liberar la imaginación, buscando trascender lo evidente y despertar una experiencia única en cada mirada.

HARLEY CORTEZ

(Estados Unidos, 1976)

Es artista, músico y cineasta multidisciplinario. Ha tenido exposiciones individuales en Nueva York, Berlín y en la Ciudad de México, primer país de América Latina donde expusó. También, ha presentado su trabajo en Los Ángeles y Tokio. De sus exhibiciones individuales destacan The Poet as Spacemen , una instalación realizada por The Paper Agency Gallery,

Los Ángeles, 2016; Voices, Voices , Tokio, Japón, 2019; The Ashes of Us , San Diego, Estados Unidos 2019 y Gestures , Rabat, Marruecos, 2019. Su reciente inclusión en exposiciones colectivas lo ha colocado en el radar del mundo del arte internacional, igual que los cortometrajes Ignacio y The Sick Oyster, así como sus películas experimentales y videos musicales.

HARUNA SHINAGAWA

(Tokyo, 1995)

Se graduó en la Facultad de Arte y Diseño con especialización en Pintura por la Universidad de Tokio Zokei en 2017. Desde entonces, ha presentado cinco exposiciones individuales destacadas: Hands Across the Sea (Bonte the Palace 131 Gallery, Seúl, 2023), Ishiomiru / Ishiohirou (SAENGER GALERÍA, 2023; curaduría de Christian Barragán), Every Cloud Has a Silver Lining (SAENGER Galería, Ciudad de México, 2022), Do Not Say a Little in Many Words but a Great Deal in a Few (EUKARYOTE, Tokio, 2019) y Unknown Vol.5 (Galería Gen, Tokio, 2016). Además, ha participado en diversas exposiciones colectivas, entre las que destacan: New Look of the Paintings by Haruna Shinagawa and Hiroaki Yoshioka (EUKARYOTE, Tokio, 2022), Texture (Medel Gallery Shu, Tokio, 2021), (im) perfect surface (NEWoMan Yokohama, Kanagawa, 2021), Delta Experiment (Tezukayama Gallery, Osaka, 2020), Lumine Art Fair (Lumine, Tokio, 2019), House and Atelier (KWorks, Tokio, 2018), 10 Colors #2 (Atelier Seino, Tokio, 2018), Transient Color (Kodama Gallery, Tokio, 2017), Art Awards Tokyo Marunouchi 2017 (Gyoko Dori Underground Gallery, Tokio, 2017), Les Fleurs Anim / Points of Departures (ARENA 1, Los Ángeles, 2017), Vibrant Colors No.3 (Gallery Yu, Tokio, 2017) y Youth Biennale of Gunma 2017 (The Gunma Museum of Modern Art, Gunma, 2017). En 2016, recibió el Zokei Award (Tokyo Zokei University, Tokio). Shinagawa es representada en exclusividad por SAENGER Galería y actualmente reside en Tokio.

HIKARU (s/f)

Es un fotógrafo y artista japonés que reside en Tokio y la Ciudad de México. En diciembre de 2015, se graduó con honores en la Licenciatura en Bellas Artes con especialización en Fotografía por la Universidad Parsons School of Design en la Ciudad de Nueva York. Su obra ha sido exhibida en destacados espacios, como Thierry

Goldberg y Metro Pictures Gallery en Nueva York, así como en Traeger y Pinto Arte Contemporáneo en la Ciudad de México. Además, su trabajo ha sido mostrado en Cultura Colectiva y diversos museos y galerías. Hikaru también ha presentado su obra en espacios públicos, incluyendo el Planetario de la Ciudad de Puebla y la Embajada de México en Guatemala. Hikaru cuenta con fotografías publicadas en libros de arte con alcance internacional y su trabajo ha sido destacado en medios de comunicación como Vice: The Creators Project, El Reforma y Time Out Mexico City. Entre 2017 y 2019, fue profesor de fotografía en El Taller del Estudio Urquiza y el Instituto Imago.

ILAN RABCHINSKEY

(Ciudad de México,1980)

Vive y trabaja en la Ciudad de México. Su obra explora, entre otros temas, la tensión entre las fuerzas naturales y la especie humana, las propiedades de la materia, y la intersección entre fotografía y escultura. Ha expuesto en México, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, España, Brasil y Chile, y ha sido invitado a residencias en Japón (Casa Nano), Finlandia (ONOMA AiR) y Oaxaca, México (Casa Wabi). Rabchinskey es autor de cuatro libros y ha recibido numerosos premios y reconocimientos, incluyendo recientemente el Premio del Público en la XIX Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen. Además de su práctica artística, Ilan es profesor de fotografía en la Universidad Centro, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y su trabajo está representado por Patricia Conde Galería.

ISAURO HUIZAR

(México. 1985)

Es un artista radicado en la Ciudad de México. En su práctica artística, Isauro Huizar se especializa en proyectos de sitio específico y explora principalmente los medios de la pintura, la escultura, y más recientemente, la escritura y la fotografía. Su obra se inspira en la vida cotidiana y en su rutina diaria. A partir de estas experiencias, produce sistemas que le permiten reflexionar y comprender su entorno. Se graduó con honores en el Programa Educativo SOMA, tras haber obtenido una Licenciatura en Arquitectura en el CRGS - UDEM. Isauro Huizar concibe el arte como un acto de vitalidad, lucha y resistencia, y considera

que ser artista es una forma de compartir su talento y visión para contribuir a la sociedad. Huizar cree firmemente que “el arte ya está en ti, solo tienes que hacerlo crecer.”

JASMINE CADENHEAD

(s/f)

Combina su experiencia como terapeuta de trauma con su interés en la biología para enriquecer su trabajo artístico. A través de su práctica multidisciplinaria, que abarca escultura, pintura y narración, Cadenhead entrelaza las diversas fuerzas de la naturaleza y la tecnología, resaltando la interconexión de todos los seres. Su obra a menudo incorpora la naturaleza como una co-creadora, utilizando materiales tradicionales y locales de México, país en el que ha residido durante más de siete años. Su trabajo se inspira en las prácticas de las Primeras Naciones de Canadá, fusionando temas culturales y ecológicos para ofrecer una visión única y reflexiva.

JAVIER MARÍN

(México,1962)

Artista mexicano nacido en Uruapan, Michoacán, en 1962. Con cuarenta años de producción y presencia en instituciones y en el ámbito del arte y la cultura, Javier Marín ha expuesto su obra en más de trescientas ocasiones, tanto de forma individual como colectiva, en México, Estados Unidos y Canadá, así como en varios países de Centroamérica, Sudamérica, Asia y Europa. Javier Marín concibe en su obra un ser humano integral a través del análisis del proceso de construcción y deconstrucción de las formas tridimensionales. Aunque muchas de sus piezas son paradójicamente abstractas, es conocido principalmente por su escultura figurativa que representa a seres humanos. Investigador constante que colabora con artesanos altamente calificados, utiliza materiales y técnicas tradicionales (dibujo, pintura al óleo o acrílico, modelado en terracota, bronce fundido a la cera perdida, talla de mármol, talla de madera, tejido de lana, cianotipias y otros procesos fotográficos, entre otros).

También investiga para desarrollar nuevas técnicas, como la mezcla de polímeros para encapsular semillas, azúcar, carne, tabaco y otros elementos. Javier Marín ha incorporado recientemente el escaneo e impresión 3D en técnicas aditivas, sustractivas e híbridas de impresión fotográfica digital, en con -

tinua exploración con nuevas herramientas. El diseño arquitectónico es también uno de sus medios de expresión, siendo Plantel Matilde , en Sac Chich, Yucatán, su pieza más importante. Con su trabajo, invita al espectador a centrarse en la evidencia del proceso, los elementos cruciales en la transformación de los materiales y la intervención de terceros, ya sean personas, instrumentos, máquinas o robots. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de México y el extranjero, entre ellas: la del Museo de Arte Moderno y la del Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, en la Ciudad de México; la del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey; la del Museo del Barro, en Caracas; la del Santa Barbara Museum of Art, en California; la del Museum of Fine Arts, en Boston; la del Boca Raton Museum of Art y la del Latin American Museum, en Florida; así como la Colección Blake-Purnell, en Nueva York; la Colección Costantini del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; la Colección Ersel, en Turín; y la Colección de Arte del Príncipe de Mónaco. Entre sus últimos proyectos destaca la creación de la Fundación Javier Marín . Fundación Javier Marín es una asociación sin fines de lucro, creada en 2013, que se inserta dentro del mundo de la cultura y el arte. Es un espacio que investiga, vincula y profesionaliza las artes plásticas y visuales, creando espacios de encuentro y colaboración en comunidades vulnerables.

JORDI MOLLÁ

(s/f)

Su incursión al mundo de las pinceladas ocurrió cuando tenía 27 años en el ámbito cinematográfico, cuando participaba en el rodaje de una cinta en París. “Tenía muchos días libres, no conocía a nadie y pensaba que me iba a deprimir, entonces, me puse a dibujar“, declara. Señala que sus obras contenían enfoques abstractos porque cuando empezó a pintar no estaba interesado en crear figuras, quizá porque su papel como actor giraba en torno a ellas e inconscientemente la pintura lo llevaba por un territorio abstracto, basado en el color, la proporción y la ubicación de los elementos. La abstracción no fue el único elemento de evolución en su obra, la paleta de colores también empezó a formar parte de su trabajo, sobre todo cuando se mudó a Estados Unidos, debido a que ahí experimentó un boom de colores. “En Madrid y Barcelona la luz es mucho más rasa, más romántica y con menos contraste, eso influyó en los cuadros”. Al explicar cuál es el estilo actual que predomina en sus obras, el artista pun-

tualiza que se trata de algo impulsivo, intuitivo y ecléctico con lo cual desea transmitir vitalidad, gentileza, sensualidad, sexualidad, inteligencia y vigor. En cuanto a la fuente de inspiración de la que parten sus obras, afirma que esta proviene del mundo, del ahora y el antes, pues se considera un gran defensor de lo que ya no existe en este mundo pero que aún prevalece. Su colección más reciente Personajes y momentos de mi historia , fue exhibida en la Ciudad de México e incluyó alrededor de 17 piezas realizadas entre 2014 y 2023. “Hay cuadros que tienen bastantes años, de los que a veces me olvido que existen. Cuadros que ya han sido pintados y almacenados, pero que salieron del almacén para ser resucitados“. Obras como Siempre hacia la tormenta y Misterio , fueron retocadas para formar parte de dicha colección. La creatividad de Jordi Mollà no se detiene ya que próximamente contará con algunas exposiciones en Madrid, Zúrich y Düsseldorf.

JORGE ROSANO GAMBOA

(México, 1984)

Artista visual que vive y trabaja en la Ciudad de México. Se graduó en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Inbal, en la Ciudad de México y posteriormente, cursó el posgrado en SOMA. La obra del artista se origina en un profundo pensamiento fotográfico y, en los últimos años, ha buscado nuevas formas de reflexionar sobre la relación entre el instante y su representación. Su trabajo explora el ritual de crear imágenes, su registro, sus métodos y, sobre todo, el instante atrapado en forma de imagen. A través de la creación de espacios fabricados e intervenidos, la ausencia se hace visible, ya que sus composiciones parecen estar conformadas por imágenes suspendidas, que son solo huellas, rastros o memorias. Con esta práctica se adentra en la extrañeza de lo fantasmal, convirtiéndose en un espectro que contempla el espectáculo de la ausencia. Entre sus exposiciones individuales se destacan Impermanencia en el Museo Universitario de Ciencias y Arte Roma en la Ciudad de México en 2013, Ominus en la 1919 Gallery de Berlín en 2016, Pentimento en la Galería Breve de la Ciudad de México en 2017, LANDLORDS en Filet Space de Londres en 2018, EN el en-Medio en La Nao de la Ciudad de México en 2023, y Espectro entrecruzado en Lateral de la Ciudad de México en 2024. Su trayectoria también incluye importantes exposiciones colectivas, como Nuestro Barrio en Neurotitan Gallery de Berlín y Dark Cartographies en Efraín López Gallery de Chicago, ambas en 2016, así como Blessed en Chalton

Gallery de Londres el mismo año. Ha participado en ferias de arte en México, Corea y Lima y fue seleccionado en la Bienal de Fotografía en 2016 y 2018. Ganador de diversas residencias artísticas, entre las que destacan Casa Wabi en México en 2018, Neurotitan en Berlín en 2016 y “Call to Dream” en 18th Street en Santa Mónica, Estados Unidos, en 2023. Su trabajo continúa desafiando las fronteras de la fotografía y la representación, invitando al espectador a contemplar la naturaleza efímera de la imagen y la memoria.

JORGE TELLAECHE

(s/f)

El trabajo de Tellaeche se distingue por su intimidad y honestidad. Aborda temas relevantes para su entorno, evocando diálogo y autoconfrontación. Su lenguaje visual abarca la pintura, la escultura y los murales, así es como su obra representa una visión del México contemporáneo, creando un mundo paralelo donde el tiempo se desvanece. En este universo, figuras prehispánicas se fusionan con un lenguaje retrofuturista, donde los elementos robóticos hacen referencia a la tecnología, la cultura pop y temas sociales significativos para nuestra realidad.

JORGE VARELA

(España, 1979)

Jorge Varela es un artista multidisciplinario nacido en Tuy. Su obra abarca pintura, escultura, poesía y cinematografía. Es licenciado en Sociología por la Universidad de La Coruña y Técnico Superior en Artes Plásticas (especialidad en escultura) por la Escuela de Arte de La Palma en Madrid. En 2010, recibió una beca para realizar el Máster en Obra Gráfica de la Fundación CIEC en Betanzos, España. Desde 2014, reside en la Ciudad de México, donde está representado por la galería Banda Municipal. Su obra deriva del estudio de las técnicas y materiales que, desde el siglo XIII, permitieron a la pintura europea alcanzar sus niveles más altos de sofisticación. La revisión de fuentes antiguas lo lleva a implementar, en su propia práctica, aquellos materiales que, con el devenir de la modernidad, quedaron relegados en favor de productos industriales y estandarizados. En resumen, su búsqueda se enfoca en las esencias, un esfuerzo por recuperar, a través de la carga simbólica de los materiales históricos, el pasado como un poder crítico frente a la precariedad del presente.

JOSÉ ANTONIO MARTÍNEZ

(México, 1950)

Graduado cum laude como diseñador industrial por la Universidad Iberoamericana, José Antonio Martínez es un individuo silencioso, reflexivo y estudioso de los grandes misterios de la vida. Ha desarrollado un concepto creativo en el que la descripción de la realidad sirve como pretexto para activar el significado evocativo de la imagen. Gran conocedor de la técnica, sus fotografías revelan una sensibilidad particular hacia la muerte, la belleza de los objetos y el comportamiento humano. A lo largo de su amplia carrera como fotógrafo, Martínez ha llevado a cabo diversas exposiciones individuales y colectivas tanto en México como en el extranjero. Entre sus muestras individuales destacan: Montag entumecido (Patricia Conde Galería, Ciudad de México), parte del programa FotoSeptiembre 2011 ; Elegía (Galería El Atrio, Universidad de Guanajuato, Guanajuato, México), realizada durante el 37° Festival Internacional Cervantino, 2009; Todo ángel es terrible (Museo de Arte de Santiago de Querétaro, Querétaro, México, 2009); y Las güeras (Sotocoro de la Universidad del Claustro de Sor Juana, Ciudad de México, 2009). Sobre el quehacer fotográfico de Martínez han escrito Ernesto de la Peña, Arnoldo Kraus, Guillermo Samperio y Mary Ellen Mark, entre otros autores. Su obra forma parte de las colecciones del Centro Fotográfico del Noreste, Seattle; Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, Oaxaca; Galería Wittliff de Fotografía del Suroeste y México, Biblioteca de la Universidad de Texas, San Marcos, Texas; Museo de la Estampa de Toluca; y Museum of Photographic Arts en San Diego, California.

JOSÉ DE SANTIAGO

(Zacatecas, 1942)

Ha cultivado una próspera carrera que combina su experiencia creativa con la docencia. En 1961 ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) en la disciplina de pintura en la UNAM. Estudió la Maestría en Artes Visuales y posteriormente la de Comunicación y Diseño Gráfico en la misma institución (1996). También cursó el doctorado en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia, España (2000). Entre otros importantes cargos en la UNAM, ha sido Director de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (1990-1994 y 19941998) y Coordinador de Difusión Cultural (1998-2000). También fue curador en las colecciones de Pintura, Escultura y Grabado del Museo Nacional de Historia

(MNH) y Subdirector del mismo recinto (1973-1977), Director de la Galería de Historia (1977-1978) y Director del Museo de Arte Moderno (1981-1982). Su labor le ha valido importantes premios, como el Primer Premio en el Salón Anual de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (1963) y el Premio Universidad Nacional 2011 en el campo de Creación Artística y Extensión de la Cultura otorgado por la UNAM, entre otros. Su trayectoria como artista plástico incluye la estampa, el dibujo, la pintura mural, la fotografía, la plástica escénica y la instalación. Cuenta, además, con más de 150 publicaciones académicas. Ha ejercido la docencia de manera ininterrumpida desde 1974, cuando fue nombrado Profesor de Asignatura Interino en la ENAP. Actualmente, cuenta con 42 años de experiencia en las aulas, el nombramiento de Profesor de Carrera Titular C de tiempo completo definitivo en la Facultad de Artes y Diseño (FAD) y más de setenta direcciones de tesis en los niveles de licenciatura, maestría y doctorado. En diciembre de 2020, fue nombrado Profesor Emérito por la Universidad Nacional Autónoma de México. En la actualidad, el Dr. José de Santiago enfoca sus esfuerzos en los acervos artísticos de su alma mater, liderando la Coordinación de Investigación, Difusión y Catalogación de Colecciones (CIDyCC) de la FAD. Su trayectoria está íntimamente ligada a la historia de las instituciones culturales de nuestra universidad y país, dignificando las artes visuales, el diseño gráfico, la cinematografía y el teatro a nivel profesional e institucional.

JOSÉ LUIS CUEVAS

(México, 1931 - 2017)

Nacido en la Ciudad de México, José Luis Cuevas desarrolló su aprendizaje de manera autodidacta, abarcando principalmente el grabado, el dibujo y la escultura. Se dio a conocer internacionalmente a partir de sus exposiciones en Washington (1954), París (1955) y Nueva York (1957). En 1959, obtuvo el Primer Premio en Dibujo en la V Bienal de São Paulo, el Primer Premio Internacional de Grabado en la I Trienal de Nueva Delhi (1968) y el Premio del Consejo Mundial del Grabado en 1984, entre otros. En 1991, recibió la Orden de Caballero de las Artes y de las Letras por parte del gobierno francés, y en México fue nombrado Creador Emérito en 1993. Autor de lo que se considera el manifiesto de la ruptura entre los artistas emergentes y la institución del muralismo y la Escuela Mexicana de Pintura (EMP), Cuevas representó el cambio en el arte mexicano en la segunda mitad del siglo XX.

JOSH MAYHEM

(Estados Unidos, 1979)

Nacido en Estados Unidos en 1979, es un artista que reside en Los Ángeles conocido por su estética Blown Away. Mayhem ha ganado reconocimiento por transformar juguetes de diseño y figuras icónicas del pop art en esculturas contemporáneas de alta gama, que invitan al espectador a un mundo de asombro y curiosidad. Comenzó personalizando juguetes de diseño a pequeña escala, pero pronto evolucionó hacia la creación de esculturas únicas y exclusivas que destacan por su estilo colorido y su representación del viento, capturando la ilusión de movimiento y caos. El trabajo de Mayhem ha sido exhibido en museos, ferias de arte de renombre y galerías, y ha colaborado con algunos de los nombres más prominentes en la industria de juguetes de diseño. Su éxito se debe a su habilidad para fusionar la cultura popular del pop art con el arte contemporáneo de alta gama, resultando en esculturas únicas y cautivadoras que desafían los límites del estilo y el arte derivado.

JUAN CARLOS GARDUÑO

(México, 1995)

Juan Carlos Garduño es un joven escultor cuya propuesta contemporánea retoma las formas abstractas de las culturas mesoamericanas a través de líneas que exploran la simetría en contraste con la asimetría. Su enfoque invita a descubrir todas las facetas de sus piezas. Su formación profesional como arquitecto se refleja en sus procesos plásticos, en los que utiliza materiales naturales como la cantera, el ónix y las maderas finas, estableciendo un paralelismo entre la era industrializada y el pasado precolombino. Ha participado en importantes eventos como ZonaMACO, Design Week México, Mextropoli, México Territorio Creativo, Ensamble Artesano y Taller Maya, entre otros. Entre sus publicaciones destacan The World of Interiors (Reino Unido), donde se le presenta como uno de los principales artistas emergentes, así como las revistas Quién , Ambientes y Adhoc .

JUAN RAFAEL CORONEL RIVERA

(México,1961)

Es bachiller y su labor profesional se desarrolla como poeta, narrador, fotógrafo, ensayista, crítico e historiador del arte, curador y editor. Comenzó su labor en el campo de la fotografía

en 1985, cuando escribió el texto Visione de agua dulce , el cual acompañó a la exposición homónima de Dornith Doherty en la Galería Alternativa en junio de ese año. Desde entonces, ha contribuido con textos sobre fotografía para libros, catálogos, revistas y periódicos. En 1987 cofundó la fotogalería Kahlo-Coronel, la primera de su tipo en México, que permaneció abierta hasta 1991. Entre julio de 1989 y mayo de 2001, mantuvo una columna sobre crítica e historia del arte en el periódico Uno Más Uno , abordando frecuentemente temas relacionados con la imagen. Desde 1995, se ha dedicado a la fotografía, publicando los fotolibros Rituales atmósferas (México, Envidia, 2000), Ce Acatl: Cuando las piedras hablaron (México, Envidia, 2005), La Plaga: Un análisis alrededor del turismo (México, Talamontes, 2019) y, recientemente, Mentiras: Paisajes tentativos (México, Talamontes, 2023). Entre sus exposiciones recientes, se encuentra Ce Acatl: Cuando las piedras hablaron en la Galería José María Velasco, Ciudad de México en 2005; La Plaga: Un análisis visual alrededor del turismo en el Centro de Exposiciones del Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México, Terminal 1 en 2008; Septiembre: La Plaga. Un análisis alrededor del turismo en el Centro Deportivo Israelí, Galería Juan Gerson de 2017 y Mentiras: Paisajes tentativos , con curaduría de Alejandro Castellanos, en Patricia Conde Galería, Ciudad de México en 2023.

JULES WITTOCK

(Bélgica, 1993)

Es un artista belga emergente, nacido en 1993, conocido por sus singulares laberintos pictóricos que incorporan acrílico, óleo y bronce. Su obra explora los temas del significado y la toma de decisiones a través de piezas en las que el camino de la solución de cada laberinto revela una palabra oculta, lo que permite una gran libertad de interpretación al espectador. El título de cada obra sirve de pista para descubrir esta palabra secreta. Wittock ha expuesto su trabajo en todo el mundo, incluidos Hong Kong, Nueva York, París y Londres. Con exposiciones internacionales y prestigiosos proyectos, como la pintura del techo del Palacio de Justicia de Bruselas, Wittock destaca como un creador innovador en el mundo del arte contemporáneo. En enero de 2025, participará en la Feria de Arte BRAFA en Bruselas, donde realizará una pintura en vivo. En marzo de 2025, estará presente en Lille Art Up en Lille. Durante 2024 su obra

se exhibirá en diversos países como Ámsterdam, Londres, Berlín, Bruselas, Nueva York, Hong Kong, Austin, Hamburgo, Madrid, París y Lille. En junio de ese año participó en las subastas de Sotheby’s en IRSA, Bruselas, Bélgica y su trabajo también se exhibió en la Galería Couck en Bruselas, así como en Art Unity, Knokke-Heist. Desde 2023 su obra forma parte del acervo de la Galería Xinart en Île de Ré, Francia y la Galería Isabelle Laverny en París. En ese mismo año realizó una muestra individual en el Museo Arte Moderno de la Ciudad de México y también exhibió su instalación Invisible , en en el Metro Bourse/Beurs de Bruselas, Bélgica. Además, dentro la Galería Art Unity en Knokke-Heist, Bélgica, exhibió su obra. Wittock participó en la Affordable Art Fair Hampstead en Londres, Reino Unido en mayo de dicho año. Estuvo presente en el Antwerp Art Weekend en Amberes, Bélgica y participó en la Affordable Art Fair London Battersea, así como en la Affordable Art Fair Brussels y en octubre de 2023, su obra se exhibió en la Galería Xinart en Estocolmo, Suecia y en Hong Kong, en la Galería Visus Art. En 2022, Jules Wittock presentó una exposición individual en el Museo Tamayo de la Ciudad de México y participó en la Affordable Art Fair de Ámsterdam, que se celebró del 26 al 30 de octubre. Además, expuso en la Galerie des Dominicains en Bruselas y estuvo presente en Knokke-Heist, Bélgica. Su participación en la Affordable Art Fair Bruselas, Uccle, tuvo lugar del 17 al 20 de febrero de 2022, y en L’app-ART, en Etterbeek, Bélgica, del 18 al 20 de noviembre de 2021. Uno de sus proyectos más destacados fue la pintura del techo del Palacio de Justicia en Bruselas, Bélgica.

JULIO MARTÍNEZ BARNETCHE

(México, 1974)

Estudió Diseño Industrial en la Universidad Autónoma Metropolitana Xochimilco en la Ciudad de México. En 1995, comenzó a trabajar con la talla directa en piedra en el estudio del arquitecto, pintor y escultor Fernando Arnaud. En 1999, estableció su propio espacio de arte, Taller C. Tlalzahuates, dedicado a la enseñanza, diseño y producción de obras de arte y objetos en piedra y madera. Este taller está ubicado en Zacualpan de Amilpas, Morelos, y constituye su principal lugar de trabajo. Su labor como escultor se centra en la talla directa sobre piedra y abarca una amplia gama de enfoques, desde el expresionismo figurativo y la escultura utilitaria hasta el pintoresquismo abstracto.

(México, 1977)

Es un artista multidisciplinario y multifacético cuya práctica se centra en estrategias del arte moderno, con especial énfasis en la abstracción geométrica, el papier collé, el arte povera, el arte naïve y el primitivismo. Sus raíces japonesas se reflejan en su trabajo a través de la memoria y la nostalgia, de igual manera influyen en su técnica manual, su uso del color y su aproximación a la figuración, elementos que hacen que su obra sea única en la escena del arte contemporáneo. Las obras seleccionadas para la Subasta de Arte Vivo de la Fundación México Vivo, rinden homenaje al concepto japonés de Ikigai , que se traduce como el impulso de la vida o una razón para ser. En su exploración del modernismo, Jun hace referencias sutiles a influencias como la película Metropolis (Fritz Lang, 1927) y a la estética de la Bauhaus, hasta alcanzar la máxima simplicidad del arte conceptual.

KARIAN AMAYA

(Chihuahua, 1986)

La práctica artística de Karian Amaya se centra en la noción del encuentro. A través de la escultura, la artista explora los diálogos y las resistencias que emergen entre la materia, el paisaje y sus contextos sociales y territoriales. Influenciada profundamente por los movimientos del land art y el posminimalismo, su obra se enraíza en el encuentro formal y narrativo de materiales crudos, naturales e industriales. Karian Amaya cuenta con una licenciatura en Artes Visuales por la Universidad de Guadalajara y ha cursado estudios en Mixed Media en The Art Students League de Nueva York. Su trabajo ha sido exhibido en México, Estados Unidos y Europa. En 2015, participó en el programa de mentores para artistas migrantes de la New York Foundation for the Arts. En 2016, fue incluida en la Bienal de la Frontera en el El Paso Museum of Art. Ha recibido numerosos premios, entre ellos: el Estímulo a la Creación Artística PECDA (2013-2014), la Beca Alfaro Siqueiros (2017), la Beca Legado Grodman otorgada por la Fundación UDG (2018), Proyecta Traslados (2019), Contigo a la Distancia (2020), el Programa HORIZONTES Jalisco (2020) y el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes CECA (2021-2022) en la categoría de escultura.

También ha sido parte de la Residencia Casa Wabi (2022) y recibió la PECD A Ch ihuahua (2022) en la ca -

tegoría de Creadores con Trayectoria en Escultura. En 2023, fue galardonada con la Beca de Repatriación Grodman The University of Guadalajara Foundation in the United States of America, Inc.

KARLA LEYVA

(s/f)

El trabajo de Karla Leyva gira en torno a las diversas formas en que el cuerpo articula nuestra identidad y sus relaciones con el poder. En los últimos años, su producción se ha centrado en la industria de la belleza y el bienestar y su intersección con lo postorgánico, concepto que se refiere a la hibridación entre lo orgánico y lo inorgánico en el cuerpo humano y la naturaleza con ayuda de la ciencia y la tecnología. En su trabajo, se manifiesta un deseo de expandir el cuerpo más allá de la carne, de superar los límites periféricos para ser visto, tocado y palpado, e incluso consumido, al mismo tiempo que se enfrenta a la posibilidad de ser desechado. Además, su obra refleja obsesiones contemporáneas derivadas de la cultura visual imperante, tales como el culto al cuerpo, la salud, la juventud y la belleza. Mediante una variedad de soportes -video, fotografía, pintura, escultura-, Leyva traza una línea de pensamiento que analiza la fantasía alrededor de los cuerpos colonizados por la imagen y las consecuencias de las crecientes prácticas digitales en el comportamiento y la anatomía del ser humano. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) y del Estímulo Fiscal a la Creación Artística (EFCA). Además, ha recibido premios destacados, incluyendo la Bienal Femsa, el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONARTE), así como premios internacionales como los de la Fundación Botín y los Visionados Photo España, entre otros. Su trabajo ha sido exhibido en ciudades como Pereira, Colombia; Los Ángeles; Portland; Londres; París y Ciudad de México.

KIYOTO OTA

(Japón, 1948)

Estudió en la Escuela de Arte Democrático de Japón en Tokio y realizó una maestría en escultura en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM (San Carlos) en la Ciudad de México. Ha obtenido varios premios y reconocimientos, entre los que destacan las Trienales de Escultura del Inbal (1982, 1985)

y las Becas del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2013). Fue profesor de Talla en Piedra en la ENAP (Escuela Nacional de Artes Plásticas) UNAM desde 1983 hasta 2018. También impartió clases de escultura en “La Esmeralda” de 1986 a 1990 y, como parte de un intercambio académico, fue profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, España. En México, ha dado cursos, conferencias y participado en mesas redondas en diversos institutos y universidades. En su obra, la audacia de las formas y planteamientos de Kiyoto Ota contrasta profundamente con la serenidad implícita en cada pieza. Esta combinación provoca una sorpresa que se funde con la ecuanimidad de la obra. La mirada se deleita con su composición, mientras que la conciencia expande su percepción del espacio: el que ocupa la pieza, el que la rodea y el del espectador. Es en esta dinámica espacial donde se crea una sensación de libertad y desahogo de los sentidos. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México.

KYLLA PIQUERAS

(Perú, 1979)

Autodidacta por elección, realizó estudios de diseño y artes plásticas en Toulouse Lautrec y Corriente Alterna, además de estudios de humanidades en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Trabaja en diversas disciplinas artísticas como parte de una búsqueda espiritual incansable. Como performer y bailarina, ha estudiado danza clásica, moderna, contemporánea, oriental y folklórica. Su propuesta corporal articula el movimiento como una herramienta de autosanación, integración y conexión con el universo que habitamos. Lleva 15 años investigando la riqueza de las plantas medicinales del Perú y estudiando la simbología sagrada de diversas tradiciones espirituales del mundo. Bisnieta del escultor y arquitecto Manuel Piqueras Cotolí (Córdoba, 1885 - Lima, 1937), quien, aunque nacido en Lucerna (Córdoba, España), es considerado peruano debido a que sus trabajos más importantes fueron realizados en Perú. Piqueras Cotolí fue una figura clave del movimiento neo-peruano, que buscaba crear un estilo autónomo y genuinamente peruano, basado en el arte precolombino y el modernismo europeo. Su influencia en la historia cultural del Perú moderno fue decisiva. Kylla atesora el legado creativo de su bisabuelo y propone una continuidad en esa visión a través de diversas

técnicas y texturas en sus Mantos en los que fusiona con maestría técnicas y texturas al incorporar tintas, teñidos, pintura, serigrafía y elementos diversos, enfoques meticulosos que culminan en una obra que logra un sincretismo cultural sólido, amalgamando con gracia expresiones de arte popular, ancestral y contemporáneo en un lenguaje artístico singular. Vivió más de 10 años en los Andes peruanos investigando técnicas ancestrales textiles y desarrolló un proyecto de educación basado en la creatividad. Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en Lima, Cusco, São Paulo, Ciudad de México, China, Japón, Estados Unidos., Londres, Rusia y Qatar. En 2014, ganó el VI Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú.

LAO GABRIELLI

(Argentina, 1971)

Artista visual y diseñadora gráfica formada en la Universidad de Buenos Aires, donde también realizó estudios de arquitectura. Reside en la Ciudad de México desde 2009. Su formación artística fue guiada por el Maestro Guillermo Roux, y completó estudios de restauración en el taller de Mónica Tezanos Pinto. En 2007, participó en seminarios impartidos por la Maestra Anna Rank y el Maestro Julio Alpuy sobre el Constructivismo de Joaquín Torres García en Nueva York. En 2013 y 2014, asistió a seminarios del Musei e Patrimonio dirigidos por la Dra. Mercedes Auteri en la Ciudad de México. También participó en la jornada sobre la interrelación arquitectónica-artística del Maestro Eduardo Terrazas en la Fundación Javier Marín en la Ciudad de México. Gabrielli ha participado en bienales internacionales, como la Boston Biennial 3 en Atlantic Works Gallery, Boston, en 2014; la XI Bienal de Pintura Joaquín Clausell en la Universidad Autónoma de Campeche, México, en 2015, así como en la Tercera Bienal de Arte del Centro Universitario de Ciencias y Humanidades de Puebla, México, en 2017. Su trabajo ha sido exhibido en países como Argentina, México, España, Francia, Bélgica, Rusia y Estados Unidos, con siete exposiciones individuales y más de sesenta exposiciones colectivas. Entre sus exposiciones más recientes destaca una muestra individual en el Museo de la Ciudad de México en 2023. Además, sus obras han formado parte de subastas de arte contemporáneo en el Museo de Arte Moderno, el Museo Tamayo y el Museo Jumex de la Ciudad de México, en apoyo a la Fundación México Vivo. También

ha participado en subastas de arte latinoamericano y contemporáneo organizadas por Morton Auctions, en No Name en el Museo San Carlos, en la Subasta Fundación Apoya y Punto para ayudar a comunidades de Morelos, y en la Subasta Piedras con Memoria en el Museo Soumaya, en apoyo a las víctimas del sismo del 19S. La línea de investigación de Gabrielli se centra en la vibración del color y la abstracción geométrica. La artista busca crear un juego visual que propicie una realidad óptica, acelerando en apariencia las líneas móviles mediante secuencias armónicas y variaciones cromáticas, para expandir el objeto pictórico a dos o más dimensiones. La obra de Lao Gabrielli explora los fenómenos ópticos que generan procesos de percepción en diferentes planos, y la forma en que estos se plasman en diversos medios. Su trabajo parte de la apropiación de superficies y del espacio físico a través de la línea y la vibración del color.

LENKA KLOBÁSOVÁ

(República Checa, 1977)

Lenka Klobásová comenzó su formación artística a una edad temprana en la Academia L.S.U. , donde estudió dibujo, pintura, cerámica, escultura, grabado y litografía bajo la dirección del maestro Emanuel Holek. En 1999, se mudó a México, donde colaboró con los pintores Manuel Guillén y Arturo Rivera, enfocándose en la pintura, el dibujo y la estampa. En 2004, continuó su formación en escultura y dibujo de figura humana en la Academia de San Carlos. En 2006, realizó estudios con el maestro José Rodríguez en el Museo Nacional de la Acuarela “Alfredo Guati Rojo”. Durante 2016-2017, asistió al taller de estampa oriental dirigido por la maestra Nunik Sauret. Su obra ha sido presentada en exposiciones individuales y colectivas en México, la República Checa, Estados Unidos y Alemania. Entre sus exposiciones más recientes, destacan las siguientes: Nina Torres , en Fine Art August Contemporary y Fine Art September Contemporary en Miami, Florida, Estados Unidos, ambas en 2014; Art Fair en The American School Foundation, Ciudad de México, México; y en el Museo Mariánská Tynice, Moravia, República Checa. En 2014 también presentó Levedades pictóricas y acertijos en el Centro de Arquitectura y Diseño en Polanco, Ciudad de México, México y La República del Arte en el Museo Torre Bicentenario, Toluca, México. Su obra fue seleccionada como Obra del Mes en el

Aeropuerto Internacional de Ciudad de México y participó en Signos Vitales. Plástica Contemporánea en la Galería de Arte Bodega 19 en Tepoztlán, Morelos, México. En 2015 y 2016, su trabajo fue parte del libro Los Artistas Responsables en Defensa de la Fauna (UNAM, INAH, Arte y Biodiversidad, A.C.) y se exhibió colectivamente en el Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo en Ciudad de México. También participó en la Galería Vuela en el Aeropuerto Internacional de Toluca, México, y en la iniciativa y el libro Vuela Arte del Instituto Mexiquense de Cultura del Gobierno del Estado de México. En 2016, mostró su obra en el Museo José Luis Cuevas durante el Día Mundial del Arte en el Centro Histórico de Ciudad de México, y en el Festival Internacional de Arte, Dibujo, Pintura, Ilustración, Urban Fine Art en la Fundación Sebastián, Ciudad de México. Además, participó en el Museo de Arte Moderno del Estado de México en la exposición Sin curador y en la Galería de la Universidad Autónoma Metropolitana con Memento: Entes vacilantes . En 2017, su obra formó parte de la exposición La geografía estética del billete en el Banco de México, con curaduría de Nunik Sauret, y se presentó en Aknel en Gallé·Art·Design en San Miguel Chapultepec, Ciudad de México. Participó en Morton Subastas·Arte Moderno y Contemporáneo en 2017 y 2018, y en exposiciones colectivas en homenaje a Hieronymus Bosch (2016) y Edgar Degas (2017), curadas por el maestro Manuel Marín en la Fundación Sebastián. El Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí exhibió Qi, brújula de la armonía visible en 2019, una revisión exhaustiva de su producción de la última década y el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas presentó Vuelo de Tanizaki en el mismo año. Entre sus exposiciones privadas destaca Los sueños de Leonora Carrington y Lenka Klobásová en la Galería Páramo en Guadalajara de 2023 a 2024. Cultiva una abstracción que combina elementos geométricos y orgánicos, influenciada por el Wabi-sabi ( 侘・寂 ), que elimina lo superfluo y preserva lo esencial, con un enfoque minimalista. Esta interpretación de la realidad valora las heridas y cicatrices que el tiempo deja en los objetos perecederos, similar al Kintsugi ( 継ぎ ), que revaloriza los objetos al suturar los fragmentos de cerámica con polvo de oro. Para Klobásová, esta metáfora revela su interés en lo inacabado y lo fracturado. Su práctica incluye el diseño de muebles de colección, arte objeto, libros de artista y origami, además de su trabajo en grabado y dibujo.

(Colombia, 1917)

El fotógrafo colombiano Leo Matiz, nacido en Aracataca el 1 de abril de 1917 y fallecido en Bogotá el 28 de octubre de 1998, está íntimamente ligado a la memoria visual del siglo XX durante varias décadas. Representa el legado documental histórico de una de las generaciones más versátiles y singulares de reporteros gráficos que revolucionaron el fotoperiodismo en América Latina, Estados Unidos y Europa durante las primeras seis décadas del siglo pasado. A lo largo de su vida como trotamundos, Matiz capturó con su cámara Rolleiflex momentos decisivos de la historia contemporánea. Además de su trabajo como fotógrafo, Matiz fue caricaturista, pintor y creador de periódicos y galerías de arte. Su obra es especialmente reconocida en México, donde desarrolló su lenguaje fotográfico y se convirtió en un fotógrafo destacado para revistas como Así , Hoy y Nosotros . También incursionó en el cine como fotógrafo de rodaje y stillman, documentando el ambiente artístico de la época y relacionándose con figuras prominentes como José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Su trabajo estuvo estrechamente vinculado al arte mexicano y, además, trabajó como corresponsal en América del Sur, cubriendo el conflicto árabe-israelí y eventos políticos en Venezuela. A lo largo de su carrera, recibió numerosos reconocimientos internacionales y, tras su fallecimiento en 1998, fue honrado como el fotógrafo más importante de Colombia del siglo XX. En 2017, se celebró el centenario de su nacimiento con varias exposiciones en los cinco continentes.

LEONARDO MORALES

(México, 1988)

Artista contemporáneo mexicano, nacido en Chihuahua, quien se enfoca de forma esencial en la escultura. El concepto de su producción se centra en la provocación de lo emotivo o lo sensorial, acercando al espectador una visión deshumanizada del cuerpo abordada desde dos valores: lo figurativo y lo abstracto. Este concepto surge a partir de los estudios simultáneos en Psicología y Artes Plásticas, un diplomado en Tanatología y una maestría en Psicología Clínica. De igual forma, el artista actualiza sus procesos técnicos en espacios multidisciplinarios, como en el taller de tallado de madera impartido por el escultor Aron Demetz en la Fábrica San Pedro, en Uruapan, Michoacán, México, y en el Roma Workshop con David Simons

en Roma, Italia. Estos conocimientos lo han llevado a ofrecer talleres de modelado en plastilina de figura humana. Su obra ha dejado huella en diversos lugares alrededor del mundo. En Múnich, Alemania, formó parte de la exhibición KAFKA’S UNGLAUBLICHE REISE en la Galerie Benjamin ECK, así como de Figurativas 2021 en el Museu Europeu d’Art Modern de Barcelona, España. En México, ha consolidado su presencia a través de colaboraciones en el Paseo Escultórico de Reforma, en la exposición y subastas Arte Vivo de la Fundación México Vivo en el Museo de Arte Moderno y en en el Museo Tamayo, así como en Metanoia dentro de Dogma Gallery. La obra de Leonardo Morales es una búsqueda continua de enfrentar al espectador con sus propios complejos y miedos.

LOLA VILLEGAS

(México, 1986)

Pintora y artista visual, Lola Villegas vive y trabaja en la Ciudad de México. Graduada en artes por la Universidad Anáhuac Campus Norte, ha participado en diversas muestras individuales y colectivas, así como en exposiciones emergentes. Destacan su participación en la Bienal de La Habana 2019 y en Art Week 2024. Los intereses y cuestionamientos plásticos de Lola se centran en dos variables principales. La primera se relaciona con una teoría que abarca desde el minimalismo y el kitsch hasta el arte pop, tomando como punto de partida las consideraciones del campo expandido. En este contexto, reflexiona sobre los pliegues del color y la forma, desafiando el plano bidimensional y abordando los retos que implica confrontar una pieza cuyos referentes no son inmediatamente representables, sino aquellos que constituyen la propia pieza. La segunda variable en la obra de Lola muestra un interés particular por la materia. Este interés la ha llevado a desarrollar una serie de metodologías enfocadas en la manipulación de diversos materiales, como polímeros, resinas, luces de neón y técnicas de vaciado. El resultado es una serie de piezas únicas que, además de poseer jerarquías formales diversas, evidencian la preocupación de esta joven y brillante artista por explorar los problemas intrínsecos de los medios bidimensionales tradicionales y su expansión tridimensional. El color, la forma, la escala y las narrativas sutiles en la obra de Lola Villegas invitan a la reflexión sobre los lenguajes globalizados y locales, abordando estos temas de manera sutil, irónica y crítica a través de la cita y la apropiación características de la posmodernidad.

LOUIS VUITTON X YAYOI KUSAMA

(n/a)

El llamativo bolso Twist LV x YK MM , resultado de la colaboración exclusiva entre Louis Vuitton y Yayoi Kusama, está elaborado en lujosa piel Epi de un vibrante color rojo. Presenta la temática Infinity Dots , un alegre estampado de luminosos lunares blancos que rinde homenaje a uno de los motivos predilectos de la reconocida artista japonesa. Este elegante modelo cuenta con un distintivo cierre LV Twist de acabado esmaltado, que exhibe el mismo patrón característico de la colección.

LOUIS VUITTON (COLM DILLANE)

(n/a)

Es uno de los bolsos más elegantes de la Maison para hombre, confeccionado en lona revestida. Su diseño se destaca por los trazos en distintos tonos de marrón que esbozan un rostro, complementado con un parche en piel con forma de ojo, diseñado por Colm Dillane. El bolso Sac Plat presenta unas dimensiones de 36.5 x 9 x 38 centímetros (14.4 x 3.5 x 15 pulgadas) y un peso neto de 1.2 kilogramos. Su diseño en color marrón utiliza lona Monogram revestida y piel, con ribetes en piel y un forro de tela. Los detalles metálicos en color dorado, junto con un colgante en piel y lona, añaden un toque distintivo. Cuenta con un bolsillo interior con cremallera y dos bolsillos interiores planos, además de dos parches en forma de ojo ubicados en la parte delantera y trasera. La correa es extraíble y ajustable, con una caída mínima de 37.0 centímetros y una caída máxima de 51.0 centímetros. El bolso se complementa con dos asas individuales.

LUCA BRAY

(Italia, 1971)

Nacido en Italia, Luca Bray asistió a la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán. Ha expuesto en galerías, museos y bienales internacionales en países como Francia, Italia, España, El Salvador, Venezuela, Japón, Hong Kong, Singapur, México, el Reino Unido, Turquía, Dubái, Canadá, Estados Unidos (en ciudades como Nueva York, Washington y Chicago). Sus obras se encuentran en numerosas colecciones públicas, incluida Museo Antiguo Palacio del Azobispado, Ciudad de México;

Museo de Arte Moderno de Sinaloa; Fundación Daniel Chappard, Venezuela; Museo de Arte Contemporáneo de Morelia, México; Museo Amparo, México y la Fundación Cultural Bancomer, también en México. Bray exhibió su trabajo en la galería Terreno Baldío Arte y Casa Lamm en la Ciudad de México de manera reciente.

LUCIANO MATUS

(México, 1971)

Es licenciado en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana, donde culminó sus estudios en 1995. A lo largo de su carrera, Matus ha llevado a cabo intervenciones en edificios históricos considerados Patrimonio de la Humanidad en diversos países, incluyendo México, Guatemala, Colombia, Perú, Paraguay, Venezuela, Ecuador, Chile, España, Italia, India, China y Estados Unidos. En 2007, recibió la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y en 2004 fue el primer becario latinoamericano en la Academia de España en Roma, donde desarrolló proyectos de revisión e intervención en el Panteón de Agrippa y El Tempietto de Bramante. Su trabajo ha sido documentado en dos publicaciones, Luciano Matus , editado por Turner en 2004 y Ciudad Memoria , también de Turner, en 2014.

LUIA CORSINI

(s/f)

En su ensayo seminal Grids , la historiadora del arte Rosalind Krauss afirmó que “la cuadrícula sirve para declarar la modernidad del arte moderno”. Según Krauss, “al descubrir la cuadrícula, el cubismo, el de Stijl, Mondrian, Malevich... llegaron a un lugar que estaba fuera del alcance de todo lo anterior. Es decir, llegaron al presente, y todo lo demás fue declarado como pasado”. Creciendo entre Roma y Nueva York, la artista desarrolló una profunda pasión por el arte. Vivir en dos ciudades donde el adorno decorativo siempre está respaldado por una geometría simple inspiró la creación de su primera Cuadrícula : una estructuración de bloques de color abstractos apilados unos sobre otros, evocativa del antiguo ladrillo presente en monumentos romanos como el Coliseo, así como de las formas geométricas limpias de los mapas urbanos que definen una ciudad moderna e industrial como Nueva York. Fascinada por la geometría

desde una edad temprana, fue en Nueva York donde se familiarizó con el movimiento del Color Field Painting y la capacidad del color para transmitir y desencadenar sentimientos y emociones. Artistas como Agnes Martin, Ad Reinhardt, Donald Judd, Frank Stella y Mark Rothko ejercieron una notable influencia en su trabajo. Un día, mientras exploraba las infinitas posibilidades y matices del morado y cómo pintar con cinta en su estudio, creó accidentalmente una secuencia geométrica que resonó con su estado de ánimo. A esta secuencia la denominó La Cuadrícula , que se convirtió en su estilo distintivo para explorar sentimientos y memorias a través de bloques de color. Después de graduarse de la Universidad de Nueva York, vivió y pintó brevemente en Barcelona antes de mudarse a Malibú, California, donde abrió su propio estudio. Los colores vibrantes y la exuberancia natural del lugar, en contraste con la rigidez y la simetría artificial de ciudades más industriales como Nueva York y Barcelona, la desafiaron a continuar explorando la arquitectura, el color y la forma a través de sus pinturas de Cuadrícula . Estas se habían transformado en un análisis de los sentimientos evocadores por los entornos arquitectónicos y naturales de los lugares en los que había vivido. Desde las calles de Roma hasta los rascacielos de la ciudad de Nueva York; desde los edificios caprichosos de Gaudí en Barcelona hasta la arquitectura moderna de mediados de siglo en Los Ángeles, desde Richard Neutra hasta Frank Lloyd Wright, comprendió el papel fundamental que la arquitectura y la naturaleza desempeñan en la definición de la estética de una ciudad, así como en la psique colectiva de sus ciudadanos. En 2020, se mudó a Ciudad de México, inspirada tanto por su vibrante escena artística como por los edificios coloridos de maestros como Luis Barragán. Durante los últimos tres años, ha estado pintando en una residencia de artistas en el corazón de la ciudad, donde ha comenzado a desarrollar un interés en los tintes naturales mientras continúa sus exploraciones sobre arquitectura y pintura Color Field a través de su Cuadrícula . A lo largo de los años, su Cuadrícula le ha permitido ampliar las posibilidades de forma, color y composición, re-conceptualizando la cuadrícula modernista de artistas como Piet Mondrian y Kazimir Malevich para lograr un efecto que es tanto arquitectónico como emotivo, desentrañando así una trayectoria de la función de la cuadrícula en el arte contemporáneo a través de nuevas técnicas y pintura Color Field.

LUIS FELIPE DE LA TORRE

(México, 1962)

Nació en Guadalajara, Jalisco, en 1962. Estudió pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Inbal. Ha expuesto en 150 ocasiones de manera colectiva y cuenta con 25 exposiciones individuales en museos y galerías. Ha realizado siete murales en edificios públicos y es heredero del muralismo, habiendo trabajado primero como asistente de Arnold Belkin y posteriormente con Vlady. Entre sus premios y reconocimientos, destaca el primer premio de la Bienal de Belgrado 2023. Su obra forma parte de importantes colecciones y museos. De la Torre es un viajero que ha residido en los Himalayas de la India, en los Alpes Suizos y en la Sierra Wixárika. Ha creado cuadernos y bitácoras gráficas de viaje en Roma, Nueva York, Nicaragua, Perú, Birmania y Serbia.

LULÚ OSNAYA

(México,1982)

Artista textil, Lulú Osnaya es Maestra en Artes Visuales y Textiles por la Universidad Konstfack, Estocolmo, Suecia, y Licenciada en Diseño Industrial por el CIDI, UNAM. En 2013, realizó una estancia de investigación en el Instituto de Tecnología de Kioto a través de CONACyT - JICA. Su obra abarca escultura textil e instalación, combinando técnicas tradicionales y experimentales, como los textiles vivos de epidermis de cebolla y la escultura en papel cristalizado. Los conceptos que explora se basan en la materialidad de los rituales, con el tiempo como un elemento clave, tanto en el cambio paulatino de las piezas resultado de la interacción humana y ambiental, como en la realización de acciones repetitivas y simbólicas durante largos periodos para transformar los materiales. Al desviar nuestra percepción de materiales ordinarios, busca un punto de convergencia entre lo espiritual y lo emocional dentro de lo cotidiano, investigando la tradición como algo en continua transformación y resultado de un pensamiento colectivo y pluricultural. Trata temas como la naturaleza transitoria del cuerpo, su fragilidad y su relación con el medio ambiente. Ha recibido reconocimientos como la Beca Vasakronan para Arte Público en Estocolmo, Suecia (2018), la Beca Anna-Lisa Thomson para cinco mujeres artistas, Suecia (2018), y el Premio Global Swede del Instituto Sueco y el Ministerio de Asuntos Exteriores, Suecia (2018), entre otros. Entre sus exposiciones individuales destacan Transfiguraciones de lo cotidiano en el Museo de la Cancillería, México (2023-2024), La paradoja de lá -

grimas: naturaleza, cuerpo y rito en el textil contemporáneo en el Museo Universitario de Ciencias y Arte MUCA–Roma, México (2020) y Frånvaro en Odenplan, Suecia (2018). Ha participado en más de 20 exposiciones colectivas en México, Japón, Suecia y Portugal, incluyendo la Bienal de Arte Textil Contemporáneo Contextile, Portugal (2016), la VIII Bienal Internacional de Estandartes en el Centro Cultural Tijuana CECUT (2014), así como en el Proyecto Heterogeneous en Tokyo Designers Week, Japón (2013).

MANEL PUJOL BALADAS

(España, 1947)

Destacado artista plástico catalán, Manel Pujol Baladas radica en México desde finales de los 90. Investigador del uso de la materia, se expresa en la pintura, gráfica y escultura dentro de la abstracción lírica. La convivencia con tres maestros legendarios —Joan Miró, Salvador Dalí y Pablo Picasso— le situó en el contexto político y socio-cultural del siglo XX, y sus enseñanzas estéticas influyeron en su formación, complementando su educación académica y autodidacta. Emplea diversos medios y materiales, utilizando técnicas mixtas como acrílicos, collage, óleo y texturas para crear diferentes planos y puntos de luz. Su trabajo propone una abstracción atmosférica que refleja nuestra actualidad, abordando lo esencial con múltiples lecturas y análisis emocional e intuitivo. Su personalidad se manifiesta en una obra apasionada, con colores vibrantes, de estilo abstracto y en continua exploración. Ha participado en múltiples exposiciones colectivas con artistas como Karel Appel, Antoni Tàpies, Joan Miró y Pablo Picasso, entre otros, en galerías y ferias de arte como ARCO (Madrid, España), Expo Ginebra (Suiza), Arte Sur (Granada, España), Art Miami (Miami, Estados Unidos) y Corinne Timsit (París, Francia). Además, cuenta con más de 80 exposiciones individuales en México, El Salvador, Puerto Rico, España, Suecia, Francia y Estados Unidos. Su obra se encuentra en galerías como GASPAR (Barcelona, España), Corinne Timsit (París, Francia), Pecanins (Ciudad de México) y Pablo Goebel (Ciudad de México), y en colecciones del Museo de Arte Contemporáneo en Denver, Estados Unidos; el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas; el Museo Sammlung Essl en Viena, Austria; el Museo de Antropología de Santiago de Compostela; la Casa Real Española; el Museo Olímpico de Barcelona; el Olímpico de Lausana; el Museo de Arte Hispánico de San Francisco, Estados Unidos; la Casa de la Moneda de París, así como en colecciones privadas de Europa y América.

MANUEL FELGUÉREZ

(México, 1928 - 2020)

Nacido en México en 1928 y fallecido en 2020, Manuel Felguérez fue un destacado pintor, escultor, muralista, profesor e investigador. Estudió en la Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México en 1948 y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Inbal en 1951. Fue becario del Gobierno Francés en la Academia de la Grande Chaumière en París en 1944 y 1959, así como en la Academia Colarossi en París de 1954 a 1955, donde también trabajó en los talleres escultóricos de Constantin Brancusi y Jacques Lipchitz. A su regreso de Europa, formó parte de la primera generación de artistas abstractos en México, que se enfrentó abiertamente a la tradición de la Escuela Mexicana de Pintura, liderada por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, en lo que se conoce como la Generación de la Ruptura. Su trabajo ha sido presentado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, destacando la retrospectiva de su obra en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México en ocasión de su 80º cumpleaños, así como en importantes obras públicas, incluyendo la fuente y escultura frente a la Lotería Nacional y murales en el Museo Nacional de Antropología, entre otros. Recibió numerosas distinciones, entre ellas el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes por el Gobierno de México en 1988; la Beca de la Fundación Guggenheim en 1975; el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de São Paulo, Brasil, en 1975, por las obras resultantes de El Espacio Múltiple en 1973 y el Segundo Premio de Pintura en la Primera Trienal de Nueva Delhi, India, en 1968. Además, fue maestro invitado en la Universidad de Cornell en Estados Unidos e investigador huésped en la Universidad de Harvard en 1975. También impartió la clase de Composición de la Estructura del Cuadro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y, a partir de 1977, colaboró como investigador en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México.

MARCO ROUNTREE

(México,1982)

Es un artista visual que vive y trabaja en Ciudad de México. Autodidacta, define su práctica como una libre experimentación con el dibujo en cualquier material. A través del dibujo, el collage, la pintura, la escultura, la instalación, el video y las interven -

ciones en el espacio arquitectónico, Rountree explora el concepto de ornamento, centrándose especialmente en la resignificación de objetos cotidianos a través de su manipulación y representación. Ha realizado exposiciones individuales en el Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México (2020); el Museo Anahuacalli, Ciudad de México (2019) y el Museo de Arte de Querétaro, Querétaro (2010). Entre sus exposiciones colectivas destacan la del Museo Tamayo, Ciudad de México (2020); UNEM, Monterrey (2018); PROXYCO, Nueva York (2017); el Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2012); la Segunda Trienal Poligráfica, San Juan (2009) y la Fundación Jumex, Ciudad de México (2012, 2009, 2008). Además, ha sido parte del proyecto permanente en el Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa (desde 2011) y participó en la XIV Bienal Femsa, en Morelia (2020).

MARCOS COJAB

(México)

Arquitecto mexicano que creció en Ciudad de México y se adentró en el mundo de la escultura en 2014, utilizando el nombre artístico ALQUIMI AMC Sus obras han captado la atención internacional, brindándole la oportunidad de presentar varias de sus piezas en exposiciones en ciudades como Nueva York, Hong Kong y Miami. Entre sus obras más destacadas se encuentran Ice Cream Skul , Red Smiley Bomb Interconnection Monumental . En entrevista con Forbes , mencionó que sus futuras obras tienen el objetivo de proyectar el talento mexicano en el ámbito internacional. Las creaciones de Cojab, llenas de color y formas inesperadas, han sido exhibidas en museos y galerías, así como en colecciones privadas, en eventos destacados como Art Basel, la Bienal de Venecia, el Museo Soumaya y Scope New York, entre otros.

MARÍA JOSÉ LAVIN

(México,1957)

La artista mexicana ha expuesto en México, Houston, Nueva York, San Diego, España, Viena y Washington. Se formó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos, bajo la tutela de Gilberto Aceves Navarro, Tomás Parra, Francisco Moreno Capdevilla, Ignacio Salazar, Luis Nishizawa y Gerda Gruber. Estudió arte con el maestro Pedro Coronel en El Círculo de Bellas Artes en Madrid y aprendió la técnica de la

encáustica con el maestro Francisco Toledo. Obtuvo mención honorífica en dibujo en Aguascalientes, el Premio de Grabado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, a cargo del maestro Francisco Moreno Capdevilla, así como la beca de residencia en el taller El efecto collage en el arte contemporáneo , otorgada por la Fundación Félix Llopis y la Fundación Carolina de España. También ha impartido cursos en el Centro de las Artes de San Agustín Etla en Oaxaca, donde realizó varias residencias de producción. En 2014, presentó Territorios de piel , una exposición organizada por la Coordinación Nacional de Artes Visuales del Instituto Nacional de Bellas Artes en el Museo José Luis Cuevas. Esta exposición ha sido itinerada en el Espacio Cultural Metropolitano, con motivo del Festival Internacional Tamaulipas, y en el Museo de Arte Contemporáneo de Tamaulipas. Territorios de piel continuó su itinerancia en 2015 en el Parque Cultural Reynosa, el Instituto Potosino de Bellas Artes y el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, concluyendo en 2016 en el Museo de Arte Popular de Ciudad de México. Participó en la exposición colectiva de cerámica Tierras ambulantes , junto a Paloma Torres, Gustavo Pérez, Perla Krauze, María José de la Macorra, Ana Gómez y Saúl Kaminer, que fue itinerada por la Secretaría de Relaciones Exteriores en el Instituto Cultural de México en Washington y en el Museo Newcomb de Tulane, en Estados Unidos. En 2019, presentó la exposición de escultura Archipiélago II en el Museo de Escultura Contemporánea Federico Silva en San Luis Potosí, México. En 2022, participó en la exposición colectiva Mujeres entretejidas: historias de resistencia en el Museo de Arte de Querétaro, México. En 2023, estuvo en la exposición colectiva Arte Vivo en el Museo de Arte Moderno de Ciudad de México y en 2024 en la exposición colectiva Parafraseando a Picasso en el Museo de San Ildefonso, Ciudad de México, así como en El árbol, testigo permanente, testimonio viviente en el Museo de Arte Popular de Ciudad de México. Ha formado parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) en las emisiones de 2012 y 2017. En 2022, presentó la exposición individual Sueños a la carta en el Seminario de Cultura Mexicana en Ciudad de México, una de las más reconocidas en su carrera por su propuesta innovadora en concepto y materiales. Sus obras se encuentran en las colecciones del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, la Fundación Félix Llopis en España, el Museo de Arte de Querétaro, el Museo de la Cancillería, además de colecciones particulares en México, España y Estados Unidos.

(México, 1996)

Es una fotógrafa y artista visual mexicana que se adentra en la esencia espiritual y natural del ser humano a través del autorretrato y la fotografía análoga. Su obra explora la vulnerabilidad y la pureza del ser, capturando la desnudez como un reflejo de nuestra verdadera naturaleza y propósito. Levy utiliza la fotografía como un medio para revelar la profunda interconexión entre el individuo y el universo, destacando la belleza del vínculo con la naturaleza y guiándonos hacia una mayor comprensión de nosotros mismos y del equilibrio interior. Actualmente vive en Valle de Bravo, donde enriquece su búsqueda impartiendo clases a niños en el sistema Waldorf, además de guiar retiros y actividades que promueven la conexión con la armonía del cosmos. Sus imágenes nos recuerdan la importancia de la unidad ontológica a todos los niveles y nos transmiten una experiencia sinestésica que profundiza nuestra percepción del mundo.

MATEO PIZARRO

(Bogotá, Colombia, 1984)

Es un artista y curador que ha ocupado posiciones clave en el ámbito artístico, destacándose como curador y co-director en El Consultorio MX de 2018 a 2021, en Casa Pixan de 2019 a 2021, y como director en CALETA de 2021 a 2023. Se formó en la Universidad de los Andes en Bogotá, donde obtuvo una licenciatura en Artes Electrónicas en 2010. Entre sus exposiciones destacan El Cuadro Roto y otras imágenes adulteradas en La Miscelánea, Ciudad de México, en 2010; No hay peor ciego que el que no quiere oír en Valenzuela y Klenner, Bogotá, en 2011; Animal/ Machine en HeartEgo, Monterrey, en 2017; Proximity en The Museum of Drawing, Houston, en 2017; Antología de catástrofes en HeartEgo, Monterrey, en 2019; y UnExtinct en HeartEgo, Monterrey, en 2021. Entre las exhibiciones colectivas, ferias y subastas en las que ha participado, se encuentran SmART en Miami en 2010; IV Salón de arte joven Embajada de España-Colsanitas en Bogotá en 2011; La Otra en Bogotá en 2011; No todo lo que brilla es oro en Espacio VK, Cartagena, en 2012; Colectiva: Bidimensional en un entorno de video en Valenzuela Klenner, Bogotá, en 2012; una subasta en la Fundación Santiago Corazón, Medellín, en 2012; La Cooperativa en el Banco de la República Museum, Bogotá, en 2012; ArtBo IIX en Bogotá en 2012; ArtBo IX en Bogotá en 2013; Etogramas: Códigos Animalistas

en MYL Arte Contemporáneo, Ciudad de México, en 2013; ArteBA en Buenos Aires en 2013; Fleeting Imaginaries en Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, en 2014; Favor de Tocar en LIA, Guadalajara, en 2014; Dos tres dibujitos en Traeger y Pinto, Ciudad de México, en 2014; Lenguajes de Papel en Galería El Museo, Bogotá, en 2015; Territorios encontrados en Galería Fernando Pradilla, Madrid, en 2015; Drawing Now en París en 2015; SUMM A Co ntemporary en Madrid en 2015; una subasta en la Fundación la rueda rueda, Bogotá, en 2016; Body of Art en La Galerie Particulière, París, en 2017; D o not Panic en HeartEgo, Monterrey, en 2017; Lenguajes de Papel en Galería El Museo, Bogotá, en 2018; Dark/Light Drives en El Consultorio, Ciudad de México, en 2019; Pixan en Bucareli 69, Ciudad de México, en 2019; The Animal That Therefore I Am en La Cápsula, Zúrich, en 2019; Standing Wave en CALETA, Ciudad de México, en 2022; y Form Familiar en Koik Contemporary, Ciudad de México, en 2023. En el ámbito curatorial, Pizarro ha organizado diversas exposiciones, incluyendo Chill Aliens en El Consultorio, Ciudad de México, en 2019; Pixan en Bucareli 69, Ciudad de México, en 2019; Pixan II en Ciudad de México, en 2020; Pixan III en El Consultorio, Ciudad de México, en 2021; Standing Wave en CALETA, Ciudad de México, en 2022; Dioses de México , una exposición individual de Helmut Dosantos en CALETA, Ciudad de México, en 2022; Pieces of Time , una exposición individual de Julia Carrillo en CALETA, Ciudad de México, en 2023; y Puntos en el Mapa en CALETA, Ciudad de México, en 2023. Entre los premios, becas y residencias que ha recibido se encuentran el primer premio en el IV Salón de Arte Joven Colsanitas en Bogotá en 2011; una beca de La Cooperativa en Bogotá en 2012; la beca y comisión Emerging Artist del Cisneros Fontanals Art Foundation en Miami en 2014; una beca de Coediciones Conaculta en Ciudad de México en 2015; y una residencia en el Hotel El Ganzo, San José del Cabo, en 2021. Su obra está representada en importantes colecciones, incluyendo la Colección privada de la Baronesa Carmen Thyssen-Bornemisza; Cisneros-Fontanals Art Foundation; la colección Diane and Bruce Halle de Arte Latinoamericano; la colección privada de Solita y Steven Mishaan; Thyssen-Bornemisza Art Contemporary; la Colección Colsanitas; y Luis Pérez-Oramas. El trabajo de Mateo Pizarro surge como una reacción frente a las ideas deterministas sobre el funcionamiento del mundo, operando en el ámbito de la liminalidad e indeterminación. Nacido en Bogotá en 1984, en una Colombia sumida en una guerra interna, su trabajo no gira exclusivamente en torno al narcotráfico ni a la realidad nacional

colombiana, sino que busca resignificar el conflicto como metodología creativa. Su historia familiar, marcada por una larga línea de militares y guerrilleros, le ha permitido observar el conflicto desde múltiples perspectivas. Esto ha influido en su trabajo, donde se exploran frecuentes encuentros entre opuestos, buscando entender qué sucede al poner en contacto elementos que aparentemente deberían excluirse mutuamente. Este contacto puede ser generativo, produciendo turbulencias inesperadas y efectos de umbral, lo que revela la riqueza y variedad del fenómeno binario. Pizarro ha llegado a entender su interés en las fuerzas opuestas como una sublimación del conflicto vivido en su infancia, llevada hacia sus posibilidades creativas. En lugar de la aniquilación, la colisión produce una síntesis de las partes. Su inclinación hacia el dibujo a lápiz, con su binomio fundamental de blanco y negro, refleja su interés en representar visualmente la totalidad del universo visible. Además, explora dualidades como luz-sombra, documento-ficción, imagen-texto, belleza-monstruosidad, y animal-humano, entre otras. Su trabajo también se centra en la estructura de la serie, iterando sobre el mismo tema para explorar la complejidad de estas dualidades.

MAURA FALFÁN

(México, 1973)

Es una artista mexicana contemporánea nacida en 1973. Su trabajo ha sido presentado en numerosas galerías y museos importantes. Su visión artística se centra en crear una abstracción transfigurativa, avanzando la pintura abstracta hacia una postura contemporánea, aunque personal, en la que la fragilidad del medio y su necesidad se manifiestan como su función esencial. Con una formación inicial en fotografía, ha centrado su investigación artística en el concepto de vestigio, entendiendo el signo como un referente a lo que ya no existe. La idea de lo inefable y su posible manifestación a través de la pintura han sido el núcleo de su exploración y proceso creativo. En los últimos siete años, ha desarrollado lo que denomina paisajes interiores: imágenes visualmente abstractas de campos oscuros y monocromáticos que destacan los aspectos sensuales y en capas de la pintura, combinados con cualidades documentales derivadas de la fotografía. Para Falfán, la pintura es un medio en constante lucha, que se niega a morir gracias a su persistente capacidad de seducir al espectador. Como pintora, utiliza técnicas que implican presión, estratificación y acumulación, así como resta y descarga para lograr interpretaciones

complejas y multilayered de color y forma. Su proceso es obsesivo y personal, y cualquier referencia histórica que aparezca lo hace de manera sutil, ya sea sugerida a través de los títulos o manifestada en la imaginería y el estilo evidente de su obra.

MAX SANZ

(México, 1992)

Nació el 24 de abril en una comunidad de la Sierra Norte del Estado de Oaxaca, México. Desde muy joven mostró una profunda pasión por las artes plásticas. A la edad de 12 años, ingresó al taller “Rufino Tamayo” en la ciudad de Oaxaca, gracias al apoyo del entonces director, el Maestro Juan Alcázar. Allí conoció al maestro Marco Palma, quien lo introdujo en el mundo de la escultura. Más tarde, Max Sanz decidió trabajar como ayudante impresor en el taller de grabado del maestro Fernando Sandoval, lo que le permitió colaborar con artistas de renombre como Francisco Toledo, Sergio Hernández y Luis Zárate. Al mismo tiempo, tomó clases con el maestro Barry Head, quien tuvo un papel fundamental en su formación en pintura. Max Sanz se embarcó en la creación de su propia propuesta plástica, un desafío que no fue fácil. Realizó cursos en el Centro de las Artes de San Agustín Etla bajo la tutela de maestros como Francisco Castro Leñero, María José Lavin y Leonel Shagon, entre otros. También estudió en el CEDART “Miguel Cabrera” con especialización en el bachillerato de artes y se graduó en la licenciatura en artes plásticas por la Universidad Bauhaus en la ciudad de Puebla. Desde los 13 años, ha participado en 60 exposiciones colectivas en lugares destacados como Casa Lamm, Museo de Arte Moderno, Centro Cultural Pico House, Museo Soumaya, Museo José Luis Cuevas, Museo de Cuernavaca, y Museo de los Pintores Oaxaqueños. Su obra también se ha presentado de forma individual en países como Francia, España, China, Estados Unidos, Italia, México y Hungría, con 50 exposiciones notables, incluyendo Casa México en Barcelona, Museo de Arte de Guangzhou en China, Centro Cultural de Xiamen en China, The Hangar Gallery en Miami, el Congreso de la Unión en Ciudad de México, Grand Palais, The Red Door Gallery y Centro Cultural Maison de M.A.I. en París. Max Sanz ha recibido diversas becas y premios, entre ellos la Beca C-12 y C-13 de la Secretaría de las Culturas y Artes del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), así como una beca de producción de la Secretaría de las Culturas y Artes del Estado de Oaxaca a los 16 años. También ha sido reconocido por la Asamblea Legislativa del Distrito Federal por su

notable aporte a las artes plásticas mexicanas. En 2018, obtuvo el tercer lugar a nivel nacional en la categoría de escultura y en 2022, el primer lugar en la categoría de pintura dentro del Festival Internacional Da Vinci. Su obra se encuentra en colecciones importantes tanto dentro como fuera del país, destacando: SIVAM-Pepita Serrano, Miguel Torres, Casa México en Barcelona, Hacerbo Cultural de la Embajada de México en Hungría, Instituto Nacional de Pediatría, Monte de Piedad del Estado de Oaxaca y Centro Cultural Santa Isabel del Gobierno de Aragón en España.

MAXIM WAKULTSCHIK

(Bielorrusa, 1973)

Desde que estudiaba en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, Maxim Wakultschik ha conseguido transformar sus cuadros en una materia objetual utilizando diversos elementos y técnicas de producción desarrolladas por él mismo. Su arte consiste en crear obras matemáticamente precisas, construidas con exactitud, en las que hay un orden formal constituido de partes individuales, independientes. En su obra, compleja y de múltiples capas, explora la interacción de luces, sombras, así como la estructura de la superficie y la vibración del color. Wakultschik centra su atención en el efecto que crea el reflejo de la luz ambiental y en las variaciones oscilantes de la realidad para desafiar al espectador a acercarse a sus obras de forma proactiva. El más mínimo movimiento o el más leve cambio de perspectiva frente a sus obras, conducen a nuevas y sorprendentes posibilidades. Esto hace que las obras parezcan objetos cinéticos que difuminan la línea divisoria entre realidad e ilusión.

MAZVYDE SAKAL

(Lituania, 1988)

La artista lituana vive y trabaja entre Londres y la Ciudad de México. Tiene una sólida formación en diseño y arte gracias a sus estudios en la Academia de las Artes, el Instituto de Arte de Sotheby’s y otros programas de posgrado. Cuenta con experiencia internacional de más de 10 años en el campo del arte y el diseño. Ha tenido diversas exposiciones en Lituania, Finlandia y Milán, además de vender sus obras para coleccionistas en Miami y Los Ángeles en Estados Unidos.

MIGUEL ALANIS

(México,1982)

Alanis se inquieta ante la presencia de colores, espacios y disposiciones. Hay algo en el orden que, de manera natural, se manifiesta a su percepción y le impide sentir que las cosas están bien, que existe una verdadera armonía. Su búsqueda del espacio perfecto le ha llevado a explorar diversas disciplinas, que ha desarrollado desde una edad temprana. Actualmente, ha incursionado en distintas corrientes pictóricas, tanto clásicas como contemporáneas, siendo él mismo su único maestro hasta ahora. Utiliza el pastel, el grafito, el óleo, el acrílico, el lápiz y la técnica mixta. A los nueve años, realizó su primera exposición individual, y desde entonces no ha cesado en su afán de encontrar espacios para presentar su obra. Aunque su investigación sobre la armonía estructural a través del arte ha evolucionado, actualmente manifiesta un interés en lo abstracto. Sus temas abarcan desde la contextualización de lo que se considera “normal” (plantas, piedras, muros, ciudades) hasta la disección del caos, con el principal objetivo de crear espacios imaginarios que despierten la curiosidad del espectador. Esta orientación es evidente en su trabajo, que se basa en la búsqueda constante de lo orgánico, con un enfoque predominante en la proporción y la geometría. Su técnica actual se fundamenta en la incorporación de elementos metálicos, texturas naturales y colores en bloque, que actúan como “captadores” de luz y profundidad. Aprovechando su formación académica como arquitecto, tiende a ordenar la realidad confusa interpretándola en figuras exactas y distancias precisas. Los estímulos anárquicos que él puede organizar en cuadrados, círculos, simetrías y paralelismos no solo provienen de la ciudad ni son meramente visuales. El cazador de orden también descifra, desde su lenguaje estructurado, los ruidos, olores e incluso personas y momentos. La construcción y deconstrucción son ejes centrales en su obra, que le apasiona explorar.

MIGUEL ÁNGEL CORDERA

(México,1971)

Es un artista visual mexicano con una formación académica en Diseño Gráfico por la Universidad Iberoamericana (1990-1995), y estudios adicionales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en la Academia Nacional de San Carlos (1997-1998). También ha asistido al Taller de Ignacio Salazar

en la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (2001-2002) y realizó una residencia en la Rhode Island School of Design (1993). Con más de 30 años de trayectoria artística, Cordera ha llevado a cabo una amplia gama de proyectos en países como México, Francia, Alemania, España, Estados Unidos, Portugal, Canadá y Egipto, entre otros. Ha presentado más de diez exposiciones individuales y ha participado en numerosas exposiciones colectivas. Es fundador y director del espacio independiente Edison 137 ‘El Palmar’, donde ha colaborado con otros artistas en la promoción y difusión del arte contemporáneo. Miguel Ángel Cordera se especializa en la pintura, que desarrolla a partir de la observación de su entorno y su posterior apropiación y abstracción. Su trabajo se basa en el paisaje urbano y la naturaleza circundante, transformándolos en composiciones donde la elección cromática contrapone el accidente con la marca directa y precisa. Entre sus exposiciones más destacadas se encuentran: Trascender la luz en la Secretaría de Relaciones Exteriores (2022), Softer Image en Galería Arróniz (2020), S ofter Image en Edison 137 (2019), Salón Acme (2019), Trayecto o curso de una parte a otra en Edison 137 (2018), Deriva en 123 (2016), Pararrayos en la Embajada de México en Alemania (2015), Polaris en México, Ciudad de México (2015), Distorsión Orgánica en el Museo de la Cancillería, México, Ciudad de México (2013), Polen (2012), Summer Sessions en Eyelevel BQE, Brooklyn, Nueva York (2010), On the Shoulders of Davids en Haus Art, Los Ángeles, California (2008), FUN (2004) y El Yo Dividido (2002). También ha participado en exposiciones colectivas en el Palacio de las Artes en El Cairo, Egipto, en la IX Bienal FEMSA en el Centro de las Artes, Monterrey, Nuevo León, y en la Bienal Miradas en el Centro Cultural Tijuana (2014). Ha realizado residencias en Cobertizo y Vermont Studio Center. En 2023, su obra fue destacada en Manía y en Summer Show en El Palmar, Ciudad de México.

MIGUEL CASTRO LEÑERO

(México, 1956)

Nació en la Ciudad de México en 1956. Cursó estudios de arte en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda y más tarde ingresó al Centro de Investigación y Experimentación Plástica del Instituto Nacional de Bellas Artes. A lo largo de sus cuarenta años de trayectoria artística, ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales

en México y en diversas partes del mundo. Entre las más destacadas se encuentran: Hermès New Home Collection (2018), Palazzo della Permanente, Milán, Italia; Animal Mundi en Galería López Quiroga, Ciudad de México; Alfabetos Encontrados , Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, México; Miguel Castro Leñero (2021), Centro Cultural San Pablo, Oaxaca, México; Los Objetos Están Más Cerca de lo que Aparentan (2023), Lux Perpetua, Mérida, Yucatán, México; y Boomerang (2024), Museo Raúl Anguiano, y Colapso , Guadalajara, Jalisco, México. Se ha hecho acreedor a numerosos premios nacionales e internacionales, y sus obras se encuentran en fundaciones y museos tanto en México como en diversas partes del mundo. Entre ellos, destacan el Museo Sammlung Essl en Viena, Austria; el Museo Würth en Künzelsau, Alemania; el Museo Metropolitano de Nueva York; así como el Museo Rufino Tamayo, el Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte Carrillo Gil, todos en la Ciudad de México. También forma parte del acervo del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, Zacatecas, y de la Colección José F. Gómez del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Oaxaca. En 2006, fue invitado por la prestigiosa Fundación Civitella Ranieri en Umbría, Italia, para desarrollar un proyecto personal en las artes visuales con una beca de producción. En 2018 y 2023, fue seleccionado por la Casa Hermès de París para realizar proyectos textiles, producidos en la India y exhibidos en Milán, Italia. Su obra ha aparecido en varios libros, siendo los más recientes Animales del Nuevo Mundo , Mundos Encontrados , Avión Casa y Cien en el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC).

MIGUEL G. COUNAHAN

(México, 1976)

Realiza viajes frecuentemente y sin compañía a lugares remotos o de difícil acceso, cuyas rutas son determinadas principalmente por textos literarios de autores que describieron los mismos paisajes por primera vez. A través de distintas disciplinas y lenguajes artísticos –dibujo, acuarela, escritura y fotografía, entre otros–, Gómez Counahan establece paralelismos y yuxtaposiciones, formales y conceptuales, entre distintos documentos históricos de los sitios y su experiencia presente, íntima, compleja y subjetiva con él. El tiempo, la duración, la impermanencia y la nostalgia, son el punto de partida para el registro formal, poético e interdisciplinario de la memoria del paisaje en relación a la memoria del artista, enfatizados también por medio

de la utilización de técnicas, instrumentos y procesos fotográficos antiguos. Es fundador y director de “El taller de Mike”, un espacio dedicado a la investigación y recuperación de técnicas antiguas de fotografía y grabado, tales como el heliograbado, la cianotipia y la impresión de plata sobre gelatina, entre otras.

MIKI

(México,1956)

Estudió el Máster en Administración de Empresas en la San Diego National University y el Programa de Alta Dirección en el Instituto Panamericano de Alta Dirección de Empresa. Cuenta con más de 75 exposiciones individuales y más de 230 colectivas. Su obra se encuentra en importantes ubicaciones como el Palacio de Dubai, el Parlamento de Israel y en Vail, y ha sido exhibida en las calles de Ginebra. Ha exhibido en más de 50 museos, además de diversas galerías destacadas, entre las que se encuentran: Opera Gallery en ocho países, el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Aura Galerías, el Museo de Bellas Artes de San Luis Potosí, el Museo de la Independencia, el Museo Tecnológico de la Comisión Federal de Electricidad (MUTEC), la Galería Urbana, la Galería de Arte Moderno y Contemporáneo, el Centro Cultural Jardín Borda, el Museo de Arte de Tlaxcala, el Parque Fundidora en Monterrey y el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán. En México, ha expuesto en 23 estados de la República. Actualmente, su obra se expone en ciudades internacionales como Hong Kong, Singapur, Los Ángeles, Vail, Dallas, Houston, San Diego, Miami, Scottsdale, Nueva York, San Francisco, Montreal, Buenos Aires, Ciudad de Guatemala, Londres, Madrid, París, Ginebra, Múnich, Mónaco, Tel Aviv, Beirut y Dubai.

MOISES LEVY

(México)

Arquitecto mexicano, nacido en Ciudad de México, donde ha residido y trabajado toda su vida. Su interés por la arquitectura y la fotografía comenzó a una edad temprana, cuando, a los 13 años, tuvo la oportunidad de viajar a Nueva York. Aunque la mayor parte de sus estudios en fotografía han sido autodidactas, ha complementado su formación con diversos talleres a lo largo de su carrera como arquitecto. Gran parte de su obra refleja una profunda apreciación de la relación natural entre la luz y la arquitectura, así como

los vínculos que las unen. Además, su portafolio se enriquece con imágenes de paisajes, que revelan una gran sensibilidad por la composición artística, la historia y los estilos.

OTTO MARTÍN MORENO

(México, 2000)

Artista graduado con honores del Art Center College of Design de Pasadena. Desde una edad temprana se inclinó por la estética urbana de la Ciudad de México, la cual está en constante reorganización, reestructuración y reforma. Así, el propio paisaje es el mismo que propulsa sus ideas de repetición y organización de piezas sólidas en componentes que hacen una entera composición escultórica. A través de su práctica creativa, el artista se considera, ante todo, un escultor. En los últimos años, ha explorado composiciones tridimensionales que integran el tiempo, el espacio y la geometría. Su interés natural por la arquitectura contemporánea y el arte tridimensional se manifiesta especialmente en obras que utilizan procesos y materiales industriales, lo que lo ha llevado a cuestionarse cómo técnicas de manufactura como el CNC router, las impresoras 3D de PLA o el corte láser pueden ser implementadas en su trabajo. Sus esculturas monocromáticas y geométricas abstractas evocan la estética de artistas como Sol Lewitt, Alexander Calder, Edgar Negrete, Damián Ortega, Eduardo Chillida y Richard Serra, quienes han transformado el uso de materiales e intenciones en el arte. Utiliza programas de modelado y renderización tridimensional para organizar formas abstractas, lo que le permite crear cuerpos de trabajo a través de la representación digital. Este enfoque lo lleva a reflexionar sobre cómo nos relacionamos con el tiempo en un espacio sin tiempo, como el que ofrecen las plataformas digitales. Para él, el tiempo es un concepto crucial, y utiliza el símbolo de carga—Loading thread—como clave gráfica para evocar la espera digital, ya que gran parte de nuestra percepción del tiempo se gasta en esperar información. En conclusión, ha logrado desarrollar un cuerpo de trabajo que explora las tensiones entre lo industrial, lo digital y los procesos de construcción con elementos de manufactura. Estas piezas reflejan su experiencia e interacción con dimensiones espaciales y temporales. Encuentra un valor emocional intrínseco en el conocimiento y la cultura que rodean su nacionalidad, sin intentar crear una práctica escultórica que demuestre su identidad mexicana; su objetivo es simplemente expresar sus orígenes.

(México,1960)

Es una artista visual graduada de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, con una Maestría en la Academia de San Carlos. Complementó su formación realizando residencias artísticas en prestigiosos centros como el Taller de Afelpado del Centro de las Artes de San Agustín Etla en Oaxaca, la Universidad Visva Bharati en Shantiniketan, Bengala, la Ciudad Internacional de las Artes en París, Nirox en Sudáfrica y el Museo de Arte de Cerámica Mexicana en Fuping, Shaanxi, China. Ha impartido cursos y conferencias tanto en México como en el extranjero. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) y, desde 2014, forma parte de la Academia Internacional de Cerámica en Ginebra, Suiza. También ha participado en más de cien exhibiciones individuales y colectivas en 40 diferentes países. Entre las más destacadas se encuentran las realizadas en el Museo de Arte Carrillo Gil, el Palacio de Bellas Artes, el Museo Amparo en Puebla y el Museo Federico Silva de San Luis Potosí. Su exposición Urban Patterns se presentó en París, Berlín, Beirut, Doha, Kuwait, Bangkok y San Francisco. En 2019 presentó Recreaciones Urbanas en la Capilla del Arte en Puebla y, en 2020, la misma exposición en el Museo Textil de Oaxaca. También exhibió El hilo de la tierra en el Seminario de Cultura Mexicana en Ciudad de México, Recreaciones Urbanas en El MUSAS de Sonora, en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara y Trayectos de la Mirada en el Museo de Arte e Historia de Guanajuato en León. Su exposición El bosque de las columnas se presentó en el Museo Kaluz en Ciudad de México. Se destaca su exposición Paloma Torres. Trazas y planos urbanos , dentro de Casa Nuestra, sede histórica del Senado de la República, de noviembre de 2023 a febrero de 2024. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas en los cinco continentes, incluyendo el Museo De Young de San Francisco, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, el Museo de Arte de Cerámica Mexicana en Shaanxi, China, el Museo de Arte Moderno en Ciudad de México, el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas y el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) de la Universidad Nacional Autónoma de México, entre otros.

PAOLA DÁVILA

(México,1980)

Cuenta con 13 exposiciones individuales y más de 40 exposiciones colectivas tanto en México como el extranjero. En 2002, recibió el Premio Nacional de Fotografía en la Bienal de Artes Visuales de Yucatán, el Premio de Adquisición del Cuarto Concurso Arte Libertad y la beca estatal Jóvenes Creadores del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico del Estado de Oaxaca. También fue becaria del programa Artes por Todas Partes de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de México en 2002 y 2005. En 2009, obtuvo una Mención Honorífica en la Feria Internacional de Libros de Artista organizada por el Centro de la Imagen y la Beca de Intercambios y Residencias Artísticas FONCA-BANFF. En 2010, recibió la Beca Tierney de la Fundación Tierney de Nueva York para realizar el proyecto Temporales Interiores . Fue beneficiaria del Programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) en 2003, 2006 y 2011. En 2014, obtuvo la Beca de Intercambios y Residencias Artísticas FONCA-Land Salzburg en Austria, con la que desarrolló el proyecto Schrebergarten En 2019, obtuvo el grado de Maestría en Artes Visuales por la Universidad Nacional Autónoma de México con Mención Honorífica. En 2021, recibió el Premio de Adquisición en la XIX Bienal Nacional de Fotografía, organizada por el Centro de la Imagen. Desde 2020, es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA).Su obra forma parte de colecciones importantes como la del Museo Universitario Arte Contemporáneo, la EPO Foundation en Múnich, Alemania, la Tierney Foundation en Nueva York, el Museo Universitario del Chopo, la Fototeca Nacional del Instituto Nacional de Antropología e Historia y el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, entre otros.

PAUL WEINER

(Estados Unidos,1993)

Nació en Aurora, Colorado, en 1993. Se graduó con una licenciatura en Bellas Artes en Pintura de la Universidad de Syracuse en 2015. Su obra ha sido exhibida en una variedad de exposiciones individuales y colectivas en lugares destacados como Krupic Kersting Galerie en Colonia, Alemania; Athens Institute for Contemporary Art en Atenas, Georgia;

TWFINEART en Brisbane, Australia; Nancy Littlejohn Fine Art en Houston, Texas; Mana Contemporary en Chicago, Illinois; Pablo’s Birthday en Nueva York, Nueva York; Museo Tamayo en Ciudad de México; Museo Jumex en Ciudad de México; Durden and Ray Gallery en Los Ángeles, California; Re en Brooklyn, Nueva York; HF Johnson Gallery of Art en Carthage College, Wisconsin; SABOT/MIMI/FASTER en Berlín, Alemania; Long Road Projects en Jacksonville, Florida; se! rum en Aarhus, Dinamarca; Alto Gallery en Denver, Colorado; Arvada Center for Arts and Humanities en Arvada, Colorado; Neuer Aachener Kunstverein en Aachen, Alemania; Chabah Yelmani Gallery en Bruselas, Bélgica; YIA Art Fair en Bruselas, Bélgica; UNTITLED Art Miami Beach; ARTBandini Fair en Los Ángeles, California; Miscellaneous Press en Los Ángeles, California; Leeds College of Art en Leeds, Reino Unido; York St. John University en York, Reino Unido y CTRL+SHFT en Oakland, California, entre otros. Weiner ha participado en residencias y compromisos como artista invitado en Carthage College en Kenosha, Wisconsin; Universidad de Syracuse en Syracuse, Nueva York; Long Road Projects en Jacksonville, Florida; Miscellaneous Press en Los Ángeles, California; y Front Range Community College en Fort Collins, Colorado. En la Universidad de Syracuse, recibió los premios Augusta Hazard y Roswell Hill. Varias de sus obras en carbón fueron adquiridas por Kehinde Wiley y se encuentran en su residencia Black Rock Senegal en Dakar, Senegal.

PILAR GOUTAS

(México, 1963)

Estudió Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana y Diseño de Modas en el Instituto Marangoni en Milán, Italia. Es pintora, fotógrafa, diseñadora gráfica, productora de cine y proyectos culturales. Entre sus exposiciones destacadas se encuentran Liliths de Mayo (2022) y Cultura en Bicicleta (2022) en la Galería La Mercantil; Mural efímero Homenaje a Nolberto Aceves Navarro en Amartt, Ciudad de México (2022); Foto Noir en la Photo Place Gallery, Middlebury, Vermont (2021); Modern Love Vol. V, Ciudad de México (2020); e Identidades en el Museo Archivo de la Fotografía, Ciudad de México (2019), entre otras. Su muestra individual Ojos Rojos se presentó en el Sunshine International Art Museum en Pekín, China en 2009; en Open Art 798, Art District; en el Centro Alemán de Diseño; en la Galería Fine Arts Pablo Goebel en Ciudad de México en 2008; en Zone Chelsea Center of the Arts Collections Zonema,

Nueva York en 2007 y 2006; en Atrio Centro Histórico en Ciudad de México en 2005 y en Open en Venecia, Italia, el mismo año. El proyecto Mural fue presentado en el Palacio Postal en Ciudad de México en 2004, así como en la Galería Sans Filtre en Ciudad de México, donde también mostró Del Lado de Allá dentro de la misma galería y en la Universidad Iberoamericana, Campus Ciudad de México. El Sunshine International Museum de Pekín, China, posee tres de sus piezas en su acervo. Pilar Goutas es representada por la galería Baahng en Nueva York.

POL BALLONGA

(España, 1996)

Nacido en Barcelona, Ballonga comenzó su carrera artística experimentando y explorando diferentes medios como el dibujo, la acuarela y la pintura al óleo para expresar sus inquietudes más profundas. Esta exploración le llevó finalmente a la escultura. Sintió que a través de este medio podía crear un mundo tridimensional con un simbolismo más fuerte que estableciera más conexiones entre su arte y el espectador. Desde entonces, ha trabajado como escultor, dominando los procesos del oficio, desde el boceto hasta la producción de la obra final. Innovación e impacto en los espectadores es lo que Pol Ballonga quiere lograr a través de su arte, fomentando la reflexión, la introspección y enfatizando la importancia del autoconocimiento y la empatía hacia los demás.

PRINCE LÁUDER + BARÓN Y VICARIO

(n/a)

Desde una edad muy temprana, el trabajo de Prince Láuder comenzó a desarrollarse gracias a su gran pasión por las artes. A los 15 años, y de manera autodidacta, Prince comenzó a experimentar con diferentes técnicas como la pintura, la fotografía y el collage, siempre buscando las conexiones entre ellas. Con estudios en filosofía y estética por la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, logró establecer un diálogo entre la belleza y el arte, explorando el retrato como máximo exponente de la belleza. Tras numerosas series de collages y retratos inspirados en la moda, la música y el cine, logró posicionar su obra en todo el mundo con su estilo distintivo. Lo figurativo, las formas y el color han sido constantes en su trabajo, llevando su arte a explorar el concepto acumulativo del collage

y transformarlo en una imagen ordenada. Ha expuesto en diversos países y ha colaborado con grandes firmas internacionales como Chanel, Givenchy, H&M, Apple y Netflix, entre otras. Prince Láuder ha sido galardonado como uno de los “100 mejores artistas del collage en el mundo”, reconocimiento que se incluye en el libro Mix and Match: Exploring Contemporary Collage , publicado en Hong Kong. Baron & Vicario nace a partir de una realidad que impulsa la reflexión sobre la necesidad de fortalecer y promover pequeños talleres mexicanos mediante el diseño. Fundado por Raúl de la Cerda, diseñador mexicano que, a partir de su visión única del diseño, genera nuevas propuestas de productos y objetos, siempre partiendo de un concepto sólido que respeta su identidad, contexto y esencia en cada proyecto. Creemos que lo más importante al crear una pieza son las manos que, con dedicación y compromiso, trabajan en su elaboración. Cada obra pasa por un proceso que involucra múltiples manos, lo que confiere a cada una una calidad y acabado perfectos que la hacen única. La idea original fue concebida junto con Raúl, basado en el trabajo de un gran maestro con más de 25 años de experiencia en el arte de la resina. Su exploración meticulosa y detallada ha desarrollado técnicas y acabados que complementan perfectamente el concepto del diseñador. Nuestros productos son el resultado del gran compromiso de nuestros artesanos, es por ello que buscamos siempre apoyar talleres locales, mejorando sus condiciones de salud, seguridad y trabajo, y siendo conscientes y responsables del compromiso social y cultural hacia nuestro país.

PROYECTO 6X4

(s/f)

Es un proyecto que ofrece, a través de una plataforma digital y un Comité Curatorial, obras de arte originales, certificadas y enmarcadas en un capelo-marco de acrílico, listas para ser colgadas en la pared. Todas las obras están estandarizadas en formato y precio: cada pieza mide 6x4 pulgadas y tiene un costo de 6 mil pesos, sin importar el autor o la técnica.La obra se envía a cualquier punto de la República Mexicana sin costo adicional por mensajería. El objetivo de 6x4 es promover el arte mediante tres metas principales: romper con la barrera del precio para que obras de calidad lleguen a nuevos muros; hacer que el arte sea accesible tanto en términos de precio como en la forma de adquisición y sembrar la semilla del coleccionismo en jóvenes y adultos.

PUTU WIRANTAWAN

(Indonesia, 1972)

Nació en Sangkar Agung, Negara, en abril de 1972. Cursó estudios de artes visuales en el Instituto Indonesio de las Artes de Yogyakarta. Actualmente, Putu trabaja en su estudio en Negara, Jembrana, Bali Occidental. Durante sus años universitarios, expuso activamente sus obras en colaboración con comunidades artísticas y el Sanggar Dewata Indonesia, un colectivo de artistas balineses en Yogyakarta. Sus dibujos forman parte de colecciones de diversas instituciones artísticas internacionales en Asia y Europa. Wirantawan crea sus dibujos utilizando lápices, bolígrafos y papel, inspirándose en elementos de su entorno como la luz del sol, el agua, el fuego, el humo y el universo. Sus obras evocan la imaginación, la fantasía y nuevas formas en diversos tamaños, llegando a alcanzar hasta dos metros de tamaño. Antes de abordar piezas más grandes, realiza una serie de bocetos que sirven como base para sus diseños. Sus obras bidimensionales no solo se exponen en paredes, sino que también se presentan en formato de instalación, permitiendo a los espectadores verlas de cerca e interactuar con ellas. Ha recibido numerosos premios, entre ellos: mejor boceto en la Facultad de Arte de Diseño de la Universidad de Yogyakarta en 1995; mejor acuarela y mejor pintura acrílica en 1996; mejor pintura en el Dies Natalis XIV de la Universidad de Yogyakarta en 1998; y el primer premio en el Jakarta Art Award en 2010. También obtuvo mención honorífica en la 12ª Bienal Internacional de Grabado y Dibujo en Taiwán en 2006 y fue finalista en la 2ª Trienal Internacional de Grabado y Dibujo en Bangkok en 2008, entre otros reconocimientos. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en varias ciudades de Indonesia y en el extranjero.

RAFAEL CORONEL

(México, 1931)

Nacido en 1931, el maestro Rafael Coronel es reconocido como uno de los más destacados exponentes del Nuevo Expresionismo Mexicano. Su profundo interés por la naturaleza humana lo llevó a capturar algunos de sus elementos y transformarla en formas plásticas únicas. A lo largo de su carrera, realizó exposiciones en los cinco continentes, logrando un notable reconocimiento en la VII Bienal de Sao Paulo, donde recibió el Premio Córdoba al Mejor Pintor Joven Latinoamericano, y en la I Bienal Internacional de Pintura Figurativa en Osaka, Japón, donde obtuvo el Primer Premio en 1974. Fue el único artista vivo que realizó cuatro exposiciones indi-

viduales en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Además de recibir numerosos galardones, su obra forma parte de importantes colecciones y museos internacionales. En reconocimiento a su destacada labor artística, el Gobierno de México le otorgó un espacio para el museo que lleva su nombre en la ciudad de Zacatecas. La obra del maestro Coronel encarna una filosofía de vida marcada por la honestidad y la humanidad.

RAÚL CARDOZO

(Venezuela, 1986)

Artista plástico y diseñador industrial, Raúl Cardozo ha construido su carrera con un enfoque profundo en el estudio del inconsciente colectivo y la percepción humana. A través de una investigación meticulosa, fusiona creatividad y pasión para desentrañar los misterios del inconsciente y su vínculo con lo divino. Cada una de sus piezas invita a una reflexión sobre nuestra conexión con el universo, donde pensamientos y energías convergen en un todo interrelacionado. En su obra, Cardozo explora los elementos universales que conforman la psique humana, transformándolos en formas visuales que evocan emociones y estimulan una introspección profunda. Su búsqueda por comprender lo trascendental lo lleva a establecer un diálogo constante entre lo humano y lo espiritual, sumergiendo al espectador en los enigmas más profundos de la existencia y cuestionando la naturaleza de la realidad misma. Su proceso creativol está guiado por una constante experimentación con formas, colores y texturas, buscando siempre evocar emociones que trascienden lo tangible para conectarse directamente con el alma. En un mundo interconectado, cada pensamiento y acción, según él, tiene un impacto en nuestro entorno y en el universo, una idea que se refleja en su obra, la cual va más allá de lo visible, alcanzando una dimensión metafísica. Ha participado en más de 35 exposiciones colectivas y tres individuales, destacándose en eventos internacionales como Pinta Miami y Art Basel. Su obra, que fluye entre el arte y el diseño industrial, varía en estética según la investigación y el enfoque de cada proyecto. Esta versatilidad le ha permitido formar parte de importantes colecciones, como las de la Organización de las Naciones Unidas, Banesco y Fundación Govea-Meoz. Actualmente, divide su tiempo creativo entre Caracas, Bogotá, Miami y Ciudad de México. Además de su labor artística, Raúl se dedica a la enseñanza, inspirando a nuevas generaciones y contribuyendo al desarrollo del arte contemporáneo con una visión reflexiva e innovadora.

RENATA CASSIANO

(México-Italia 1981)

Es una artista de ascendencia mexicano-italiana, nacida en Ciudad de México. Su trabajo se enfoca en el proceso creativo, desarrollando una conexión profunda con los materiales y sus diversos lenguajes. Influenciada por la arqueología y la experiencia colectiva latinoamericana, ella cree en el poder del objeto como símbolo de supervivencia y testigo de la transformación y resistencia a lo largo del tiempo, conectándonos a través de una continuidad ininterrumpida. Su obra ha sido exhibida internacionalmente y forma parte de colecciones públicas y privadas. Actualmente, trabaja entre su estudio en Veracruz, México, y Springdale, Arkansas, Estados Unidos.

RICARDO GARDUÑO

(México, 1988)

Artista mexicano, egresado de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México. En 2009, presentó su primera exposición colectiva titulada 14 Individuales en GB Gallery y, en el mismo año, realizó su primera exposición individual en una casona sobre la calle Reforma, donde se exhibieron más de 40 de sus obras, inspiradas en las diversas personalidades del gremio artístico. Entre sus exposiciones más destacadas se encuentran Gigantes , una serie de siete retratos arrugados presentados en Barcelona (2012); Agua y Emociones , exhibida en el espacio Galería de El Dorado on the Beach en Puerto Vallarta (2012) y posteriormente en el Centro Libanés (2013). Además, realizó un trabajo colaborativo con Pedro Friedeberg en la obra Silla-Mano para una subasta en la exposición Manos por México en el Museo Franz Mayer, a beneficio de la Fundación V. Ferrara. En 2015, presentó para MaxMara una nueva colección de primavera con el diseño de un aparador en la boutique Masaryk en Polanco, además de crear obras hiperrealistas y un piano invertido con la textura de dicha temporada. Ese mismo año, participó como conferencista en TEDx, presentado por la Universidad Nacional Autónoma de México, y realizó una obra inspirada en la Whitney Bag , la cual fue subastada para la Fundación Rebeca de Alba. En 2016, trabajó con Calvin Klein en la intervención de un piano, una instalación y el arte musical para la temporada de la marca.

RICARDO LUÉVANOS

(México, 1985)

Artista mexicano que radica en la ciudad de Guadalajara, quien se ha consolidado como un autor destacado de mixed media que toma como base la técnica digital. Al mismo tiempo, explora y recupera recursos formales del arte figurativo, conceptual y tradicional. Su obra evoca emociones arraigadas en la juventud y en la nostalgia adolescente con el uso de frases de amor, abandono y dolor, que se materializan en sinuosas luces de neón y se enuncian también sobre cerámicas y lienzos que se caracterizan por la belleza y el dolor que constituyen la fuerza creativa de Luévanos: parvadas que son enjambres o luminosidad de neón enuncia paradójicamente, una ruptura o un abandono. La amplia aceptación de la obra de Luévanos entre las generaciones de jóvenes y adultos contemporáneos radica en su deslumbrante capacidad para convocar a la reflexión y explorar los rincones más profundos de la propia existencia.

RICARDO SANABRIA

(Toluca, México,1983)

Comenzó su formación académica en la Escuela de Bellas Artes de la capital mexiquense y ha dedicado 12 años a la experimentación en la gráfica y la pintura. Su obra se ha exhibido en más de treinta exposiciones colectivas y diez muestras individuales en diversos países como Taiwán, Colombia, Cuba, Brasil, China y Estados Unidos. La producción plástica de Sanabria está representada en colecciones públicas y privadas, como la colección JUMEX. Su trabajo ha sido seleccionado en importantes bienales nacionales de gráfica, como la Sexta y Séptima Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinzaburo Takeda en Oaxaca en 2019 y 2022, la Undécima Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce en Michoacán y el XXII Concurso Nacional de Artes Visuales en Guanajuato en 2018. También participó en la Tercera Bienal Internacional José Guadalupe Posada en Aguascalientes en 2017. En 2023, presentó en su ciudad natal la exposición Creaturas y Misterios , que incluye más de 100 obras en diversas técnicas y formatos, atrayendo a más de 10,000 visitantes entre noviembre y enero. Entre los reconocimientos obtenidos por Sanabria se encuentran el Primer Lugar en el Premio Estatal de la Juventud en 2012, la Beca Jóvenes Creadores en 2015 y Mención Honorífica en el Concurso Nacional

de Artes Visuales de Guanajuato en 2009 y 2018. Su obra ha sido exhibida en destacados espacios y museos, entre los que se encuentran: Museo Iconográfico del Quijote, Guanajuato; Museo Nacional de la Estampa, Ciudad de México; Museo Alfredo Zalce, Morelia; Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México; Museo de los Pintores Oaxaqueños, Oaxaca; Museo José Guadalupe Posada, Aguascalientes; Museo de Arte Moderno, Estado de México y el Museo de la Estampa, Estado de México. Además, su obra ha sido publicada en portadas de libros premiados por el Fondo Editorial del Estado de México, así como en las revistas Castálida de la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM), Biografías México y Medusa , editada en Guadalajara.

RICKY LEE GORDON

(Sudáfrica, 1984)

Nacido en Johannesburgo, Ricky Lee Gordon es un artista y comisario que trabaja en su estudio creando paisajes naturales sobre lienzo, utilizando pigmentos y tintes que solo se encuentran en la naturaleza. Este proceso profundamente personal, que él compara con la meditación, ilumina la interconexión de toda la vida. Bajo el lema de “pintar la naturaleza con la naturaleza”, explora una variedad de medios, buscando la armonía a través de la alquimia de materiales y formas. Sus procesos incluyen tintes vegetales oxidantes, impresión batik con cera de abeja, cianotipos, litografías, grabado en cobre y al ácido, talla en madera y fundición de latón. En su práctica pública es conocido como uno de los “11 grandes del arte callejero” según National Geographic, por sus obras a gran escala que abordan cuestiones sociales y medioambientales. Ha realizado encargos para organizaciones como Amnistía Internacional, Greenpeace y las Naciones Unidas. Su mayor obra hasta la fecha es un mural de 40 x 30 metros en el centro de Houston, Texas, que llama la atención sobre el estado de los océanos. Tras mudarse a Ciudad del Cabo a los veinte años, fundó la galería A WORD OF ART, el proyecto de rejuvenecimiento de la escuela Colour Ikamva y la agencia de publicidad Andpeople . En 2015, se trasladó a Los Ángeles, donde estudió anatomía, dibujo clásico y pintura en la Academia de Arte Figurativo de Los Ángeles. Con el océano siempre presente como fuente de inspiración, Lee Gordon reside actualmente entre las residencias artísticas Śūnyatā que fundó en Sri Lanka y Bali, Indonesia.

ROB WOODCOX

(Estados Unidos)

Es un fotógrafo de arte y director de cine que actualmente vive entre México y Colombia. Su pasión por el arte visual se ha transformado en una dedicación a la defensa, produciendo proyectos que generan conciencia y conversación sobre temas como el sistema de acogida y adopción en Estados Unidos, la identidad queer, la neutralidad corporal, la igualdad racial, la positividad sexual y la justicia ambiental. Adoptado de niño, Rob crea desde una perspectiva única, encontrando esperanza en la conexión humana y en la voluntad de superar los constructos negativos dentro de nuestras sociedades complejas. Ha recorrido el mundo, hablando en espacios educativos en 16 países y más de 35 ciudades a nivel mundial. También ha aparecido en diversas publicaciones importantes, exposiciones y ha producido trabajos comerciales para clientes como Apple, Universal Pictures y Capitol Records. En 2021, asumió su primer rol como director de cine en colaboración con la Dra. Barbara Sturm y el Royal Ballet en Londres. Continuó su trayectoria cinematográfica dirigiendo su primer cortometraje, Honey To The Moon , que debutó en el verano de 2023 y se proyectó en el Provincetown International Film Festival, donde fue calificado para los Oscars. Actualmente, se enfoca en desarrollar su primer largometraje, combinando su amor por la danza con el documental para resaltar las comunidades indígenas en la primera línea de implementación de soluciones para el cambio climático.

ROBERTO ZAMARRIPA

(México, 1984)

Es licenciado en Diseño para la Comunicación Gráfica por la Universidad de Guadalajara, donde se graduó en 2002. Posteriormente, cursó una Maestría en Lenguajes Artísticos Combinados en la Universidad Nacional de las Artes en Argentina en 2017. Ha complementado su formación en diversas áreas como artes audiovisuales, dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Barcelona en 2012, escenografía, diseño, docencia, danza, fotografía y cerámica. Su producción artística abarca el diseño de producción, dirección de arte y vestuario en cine, así como obras transdisciplinares en los campos de la pintura, fotografía, video experimental, danza, instalación y performance, constituyendo un cruce

de distintos lenguajes. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas tanto nacionales como internacionales. Además, ha colaborado con artistas en cine, video, fotografía y revistas, trabajando con Kenya Márquez, Analeine Cal y Mayor, Luis Ayllon, Armando Casas, Julián Hernández, Roberto Fiesco, Lucero Novaro, Salvador Espinoza, Sebastián y Emiliano Zurita, entre otros, así como con productoras como Tita Lombardo. Actualmente, la Galería Juan Soriano de la Casa de la Cultura Jalisciense “Agustín Yáñez” en Guadalajara está preparando una extensa exposición individual del artista. También ha producido y coproducido obra experimental y de medios alternativos, apoyando el trabajo artístico de creadores locales. Con más de 20 años de experiencia en la docencia, considera la pedagogía y los procesos de formación como una parte esencial de su producción artística y de investigación, así como del pensamiento crítico en México. Su trabajo se centra en el cuerpo como continente y contenido, explorando la intersección entre diversas disciplinas como la plástica, la literatura y la fotografía, entendiendo estos soportes y formatos no como fines en sí mismos, sino como partes del ciclo continuo que conforma su proceso creativo. La transversalidad y el desarrollo de su investigación sobre la posibilidad de imaginar otros cuerpos, géneros y erotismos se manifiestan en la búsqueda de diversos recursos materiales, espirituales y esotéricos. Busca aproximarse a trazos y gestos perturbadores, creando una seducción incómoda que conecta el cuerpo con la palabra y encadenando fragmentos que conduzcan a lugares inaprensibles y, por ende, eróticos.

RODRIGO GARAGARZA

(México, 1971)

En 2008, Rodrigo Garagarza participó en una exposición colectiva en el Centro Cultural La Tallera, Museo Casa Estudio de David Alfaro Siqueiros en Cuernavaca, Morelos. Entre 2009 y 2010, su obra estuvo en la Galería “LA 303” en Valle de Bravo, Estado de México. En 2010, la pieza Figura Tripode fue expuesta el 7 de junio en la subasta anual “Arte Sana” del Patronato del Museo de Antropología en Ciudad de México. En 2011, participó en varias exposiciones colectivas, incluyendo Espacio de Arte en Condesa y en la Galería GB Gallery y Galería Barbabosa, ambas ubicadas en la Ciudad de México. En 2016, presentó su trabajo en Art Legacy en San

Antonio, Texas, Estados Unidos. En 2018, estuvo en Blue Star Contemporary en San Antonio, Texas, Estados Unidos. En 2022, participó en una exposición para la subasta de arte Mexico Vivo en el Museo Tamayo en Ciudad de México, y en 2023, en una exposición similar en el Museo de Arte Moderno en Ciudad de México. En 2011, Garagarza tuvo una exposición individual en la Galería Torre del Reloj en Polanco, Ciudad de México. En 2012, presentó su obra en la Galería Manuel Chacón en La Aurora, San Miguel de Allende, y en la Galería Lazcarro-La Noria en Puebla. En 2013, sus obras fueron exhibidas en el Museo de Arte de Querétaro y en el Museo de Antropología de Xalapa. En 2014, regresó a la Galería Manuel Chacón en La Aurora, San Miguel de Allende. En 2015, la instalación Peces se mostró en el Palacio de Minería en Ciudad de México, y también presentó su trabajo en la Galería Intersección en San Miguel de Allende. En 2017, exhibió en el Jardín Botánico de San Antonio, Estados Unidos. En 2019, participó en una exposición en la Galería LTB ART en Polanco, Ciudad de México. En 2022, su trabajo fue mostrado en el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro. De igual forma, su trabajo forma parte de colecciones privadas en Ciudad de México, Querétaro, Valle de Bravo, Xalapa, Monterrey, Cancún, Tulum, Miami, San Antonio y Palm Springs.

RODRIGO PALMA

(México, 1983)

El fotógrafo y artista plástico nacido en México, ve la imagen como un testimonio material de todo lo que existe y “quiere” ser percibido. Más allá de registrar inteligentemente las cosas, su trabajo se enfoca en la revelación visual de aspectos y elementos que, aunque presentes, suelen pasar desapercibidos. Texturas, planos, gestos momentáneos, distorsiones y otros atributos del movimiento forman parte de su búsqueda visual. Sus piezas son tratados momentáneos que exploran la circunstancialidad visual de objetos, lugares y personas. Se aleja del tradicionalismo visual para explorar nuevas perspectivas y proporciones. Investiga la secuencialidad, la masa y la distorsión. Sus reflexiones creativas no son verbales; en cambio, mantienen un diálogo plástico y geométrico con su entorno, ya sea piedra, persona o sentimiento. Sus obras han sido expuestas en diversas galerías y museos en México, Estados Unidos, Japón y Hungría.

ROXANA ALBANESE (Argentina)

Se graduó en Publicidad por la Universidad Kennedy en Buenos Aires. Durante años, combinó su interés por la comunicación para marcas con el estudio y las prácticas en talleres de arte, incrementando su experimentación y búsqueda creativa. Esta dualidad de actividades, realizada entre viajes y mudanzas dentro de su país y luego en el extranjero, definió sin querer un estilo que desafía las formas y los límites convencionales. Actualmente, vive en Ciudad de México, que considera su hogar y donde desarrolla su carrera artística. También estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Inbal, ampliando así su visión conceptual. Su trabajo ha sido exhibido en importantes salas como el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo Regional de Puebla y el Museo Rufino Tamayo. En 2024, fue invitada por Artexpo New York, el mismo recinto donde hace medio siglo irrumpieron figuras como Andy Warhol, Keith Haring y Jean-Michel Basquiat. Allí presentó su colección Desapego , inspirada en el Arte Povera y creada a partir de materiales completamente reciclados. En esta exposición, reafirmó su convicción estética de que la belleza puede manifestarse en la simpleza y el desapego, reflejando el sello de su diario personal de viaje.

RUMSZ LEC

(México,1993)

Nacido en 1993 en Morelia, Michoacán, el artista ha cultivado una perspectiva versátil y única desde temprana edad, influenciado por su madre, poeta, y su padre, ingeniero. Inició sus estudios en la Facultad Popular de Bellas Artes de Morelia a los 16 años y continuó su formación en diversas disciplinas, como arquitectura, fotografía y cine, entre otras. Además de su carrera artística, Lec está comprometido con la docencia, por lo que también trabaja en proyectos tanto propios como colaborativos con grandes personalidades del medio. Ha participado en programas de gobierno para la reconstrucción del tejido social en zonas vulnerables, defendiendo fervientemente que la educación artística es una herramienta de unificación social. Desde joven, encontró en el arte su principal motivación creativa: el sentir universal del ser humano. Su obra explora la comunicación a través del cuerpo humano, capturando emociones primitivas y sin -

ceras, desde la fisonomía y la gesticulación hasta la intensidad de texturas táctiles y visuales, con lo que busca romper la línea entre el alma y la materia que la atrapa. La naturaleza también influye notablemente en su trabajo y que se refleja en el uso de texturas, formas y colores que evocan paisajes místicos y oníricos, sin perder la influencia clásica. La pesadez del bronce y otros materiales en sus piezas desafían la percepción del espectador, añadiendo nuevas cualidades a su obra.

SERGIO HERNÁNDEZ

(México,1957)

Nació en Huajuapan de León, en la sierra mixteca de Oaxaca, en 1957. Estudió en la Academia de San Carlos en la Ciudad de México (1973-1975) y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Instituto Nacional de Bellas Artes (1975-1980). En los años ochenta, viajó a Europa para sumergirse en la pintura clásica y contemporánea. En París, conoció a Francisco Toledo, con quien entabló una amistad cercana e inició su incursión en la gráfica en el prestigioso taller de Peter Bramsen, entrando en contacto con las vanguardias del arte europeo. Desde joven, su talento y originalidad han sido reconocidos por la crítica especializada, llevándolo a exponer en diferentes espacios en México, España, Italia, Alemania y recientemente en San Diego, Estados Unidos. La exposición en el Colegio de San Ildefonso presenta una amplia gama de su trabajo realizado principalmente en las últimas décadas, consolidándose como uno de los artistas más representativos de la plástica mexicana actual.

SIOUZANA MELIKIAN

(Ucrania, 1986)

Nacida en Donetsk en el seno de una familia circense, Siouzana Melikian comenzó su carrera como acróbata en el Circo Nuevo de Moscú a los seis años. Su pasión por el arte la llevó a viajar por el mundo, hasta que se estableció en México, donde decidió estudiar actuación. A los 17 años, hizo su debut cinematográfico en la película Transit . Con una trayectoria de veinte años en la actuación, ha trabajado en cine, televisión y teatro. En su búsqueda por expandir su expresión artística, Siouzana incursiona en la producción cinematográfica, siendo productora asociada de la película Ayer Maravilla Fui

Actualmente, está desarrollando un documental titulado Las Grandes Mujeres Trans Mexicanas , que destaca la vida y los logros de mujeres trans en México. Además, es cofundadora de HUA, una marca de ropa que ha estado en el mercado durante diez años. A través de esta iniciativa, explora su faceta de diseñadora y emprendedora. Siouzana se involucra socialmente, proporcionando empleo a mujeres privadas de la libertad en colaboración con la fundación La Cana Mx. También ha creado SIOULA, una marca especializada en ingeniería corporal para tallas grandes. Su curiosidad por las artes la lleva a crear piezas bordadas, utilizando diversos materiales. Con sus obras, transforma objetos aparentemente insignificantes, sacándolos de su contexto original y trasladando su experiencia infantil en el circo a estos elementos. Es una artista multidisciplinaria que cree firmemente en la capacidad de la expresión artística para manifestarse en diversas disciplinas, enriqueciendo así su obra y contribuyendo a un diálogo artístico más amplio.

SUTTON

(s/f)

Con más de 18 años de experimentación visual, SUTTON se conformó en 2018 con el objetivo de crear ambientes únicos, elegantes y sofisticados a partir de la fusión del cine, la fotografía, el diseño, la pintura, la escultura y la instalación. Fue fundado por Nat, fotógrafa y artista, y Salo Sutton, cineasta que realiza películas estáticas y narra historias congeladas en imágenes, produciendo cine quieto. Su trabajo es complejo y meticuloso, siguiendo un proceso cinematográfico: grandes equipos, scouting y locaciones adecuadas, directores de arte y castings para elegir actores. La luz continua, la pre y postproducción, así como la atención al detalle, son características esenciales de sus obras. Vivieron y trabajaron en Nueva York, donde, además, tomaron numerosos cursos en el International Center of Photography. Han realizado proyectos de alto calibre, como Little People , Secrets y Asfalto Neoyorkino . También tienen publicados los libros Plegarias , así como Out Of The Box . En Tierra Santa, realizaron diversos proyectos con el Medio Oriente como locación, donde desarrollaron proyectos como Desafiando a Newton , Coexist y Art House . De regreso en México, asistieron a talleres con Pedro Meyer, Francisco Mata, los hermanos Montiel Klint y Saúl Serrano, entre otros. Han obtenido impor-

tantes premios en fotografía, cine y pintura, como Haz Click con México , la Bienal de Cine y Video, y la World Photographic Cup, entre otros. Su trabajo ha participado en exposiciones colectivas e individuales en CAF, Fundación Pedro Meyer, Baga 06, La Fábrica (Cuba), GFG (Miami), New York PhotoPlus Expo, etcétera. Sus creaciones se han exhibido en galerías, showrooms y redes sociales, como la Galería Mariana García, Minotti, Galería Baga 06, Piachere, CAF, Fine Floors, Studio Vidalta, Galería López Quiroga y P4E Studio. Retratan rostros, historias, paisajes, las cicatrices y caricias de la naturaleza, el movimiento de las urbes, las sombras de los vientos, la penumbra de los desiertos y la luz de la noche. En su amplio Studio Ambulante, experimentan, juegan, exploran y consiguen maneras de escapar de lo cotidiano y del cliché para crear obras únicas, peculiares, alegres y profundas.

TANIA ESPONDA AJA

(México, 1980)

Es una artista multidisciplinaria mexicano-española que reside y trabaja entre México y Miami. Explora los reinos del lenguaje y el simbolismo a través de diversos medios artísticos, que incluyen escultura, instalación, fotografía, pintura y realidad aumentada. Su práctica creativa se centra en descifrar lenguajes únicos, entrelazando temas como el vino, la tipografía y la geometría, empleando diversos materiales y técnicas innovadoras para articular mensajes específicos.

Su investigación ha dado lugar al desarrollo de técnicas novedosas, presentadas en tres colecciones principales: VINUS: lenguaje del vino , Lenguaje Tipográfico y Lenguaje Geométrico . Cada uno de estos temas da lugar a series en las que comunica su visión de formas sin precedentes, creando un lenguaje artístico distintivo dentro de cada colección. El trabajo de Tania ha sido exhibido en prestigiosos museos, bienales y galerías alrededor del mundo. Entre los lugares notables se incluyen el Museo Rufino Tamayo, la Bienal de Soncino en Italia, el Museo José Luis Cuevas, el Museo del Bicentenario de Torres, la Bienal de Rufino Tamayo, la Trienal de Tijuana, así como destacadas ferias de arte en Shanghai, Nueva York y Miami, entre otras. A través de su enfoque innovador, Tania Esponda Aja continúa cautivando al público, traspasando los límites del lenguaje y la expresión artística.

TANIA FRANCO KLEIN

(México, 1990)

Es una artista multidisciplinaria que trabaja principalmente con fotografía, instalación y GIF. Su práctica se centra en examinar los síntomas de las sociedades contemporáneas, en particular las secuelas psicológicas de la obsesión constante con la superación personal, la sobre productividad, los efectos de la sobreestimulación mediática, el uso de la publicidad como herramienta de propaganda neoliberal, y la forma en que nos perfilamos a nosotros mismos y a los demás para entender las realidades eclécticas y fragmentadas del mundo actual. Centrando su investigación en teóricos sociológicos y antropológicos como Byung-Chul Han y Marc Augé, Tania explora el paisaje psicológico y las construcciones culturales actuales como una experiencia colectiva más que individual. Su trabajo ha sido reseñado por la crítica especializada en medios como ARTFORUM , CNN, Los Angeles Times , The Washington Post , I-D Magazine , The Guardian y The Paris Review. Además, es colaboradora de medios como TIME , The New York Times, The New Yorker, Financial Times , New York Magazine y Los Angeles Times . La obra de Tania forma parte de las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York y del J. Paul Getty Museum de Los Ángeles.

TODD WILLIAMSON

(Estados Unidos, 1964)

Es un artista contemporáneo radicado en Los Ángeles, conocido por su trabajo en la expresión abstracta, el cual revela una profundidad visual significativa. Sus obras exploran temas complejos mediante una combinación única de simbolismo, teoría del color y abstracción, a menudo reflexionando sobre valores sociales e implicaciones de las dinámicas de poder. Su proceso artístico se distingue por el uso de capas intrincadas, lijado, pinceladas meticulosas y un agudo sentido de la geometría, lo que resulta en cautivadores juegos de luz y sombra. Williamson ha sido galardonado con numerosos reconocimientos, entre ellos el Pollock Prize for Creativity de la Pollock Krasner Foundation en 2019 y dos Foundation Award Grants. Sus exposiciones han tenido lugar en escenarios internacionales, desde la 58ª Bienal de Venecia en 2019 hasta galerías en Alemania, Italia y Estados Unidos. El artista a menudo colabora con músicos o compositores para integrar partituras musicales originales en su trabajo, añadiendo una dimensión auditiva única a sus com-

posiciones abstractas. Estas colaboraciones aportan una calidad multidimensional a sus exposiciones, permitiéndole conectar el arte visual con el arte auditivo. El trabajo de Williamson se encuentra en algunas de las principales colecciones públicas y privadas a nivel mundial, subrayando su influencia y reconocimiento en la escena del arte contemporáneo. Entre las colecciones destacadas se encuentran la Fundación Pio Monte della Misericordia, el Museo MAC, el Museo CAM, el Museo MAUI, entre otras.

VANESSA GARCÍA LEMBO

(Ciudad de México,1969)

Estudió pintura y dibujo en el Atelier Röhrig y en el Atelier Pulley-Beuys en Hamburgo, Alemania. Completó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en Ciudad de México y la Maestría en Pintura en la Universidad Nacional Autónoma de México. Su obra transita por varios medios y utiliza imágenes y documentos con nociones de utopía y memoria, integrándolos en sus pinturas. En los últimos años, ha trabajado en series interrelacionadas, creando una interacción entre ellas y estableciendo y modificando constantemente sus propias reglas. Desde 2012, se ha enfocado en los proyectos La fragmentación como discontinuidad y unidad y Desplazamientos pictóricos , investigando la noción de fragmento y los procesos de montaje y desmontaje en diversos espacios. Ha obtenido la Beca de Residencia Informal Architecture en Banff, Canadá, en 2004. Su obra se ha expuesto en México, Canadá, Francia, Indonesia y China, y ha realizado intervenciones in situ en Tijuana, la isla de Gölyazy en Turquía y en Banff, Canadá. Además, ha participado en tres programas de televisión: En el fondo somos así en Canal 22/Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, en TV UNAM/Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, y en 2015, en el programa Naturaleza quieta de TV UNAM/Museo Universitario de Ciencias y Arte Roma. Actualmente, forma parte del Sistema Nacional de Creadores. Su obra forma parte de las colecciones permanentes de diversos museos, entre los que se incluyen el Museo del Arzobispado, la Universidad Autónoma Metropolitana, el Museo de Arte Carrillo Gil y el Banco de México, todos en Ciudad de México; el Museo Alfredo Zalce en Morelia, Michoacán; Calgary University en Canadá; y el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, México, entre otros. Vive y trabaja en la Ciudad de México.

VANESSA KÜSTNER

(s/f)

Nacida en Salzburgo, creció rodeada de personas creativas y artísticas. Algunos de sus familiares se destacaron como pintores excepcionalmente talentosos en generaciones anteriores. Al experimentar con diferentes materiales y técnicas, Küstner ha creado en muy poco tiempo una obra notable de aproximadamente 500 trabajos. Su talento único se refleja especialmente en un lenguaje visual inconfundible. Como autodidacta, pasó por un proceso transformador de autoformación, durante el cual, guiada por una profunda pasión por la exploración, reveló la resonancia auténtica de su propia voz y las características distintivas de su expresión. Vanessa Küstner ha vivido en varias ciudades como Múnich, Pekín y Amberes. Parece que el tiempo que pasó en Asia ha influido en su trabajo de manera significativa. Su obra ha sido parte de diversos eventos destacados, incluyendo el Proyecto Open Art en Summerstage en 1090, la subasta de Sotheby’s para Icep en Viena y una exposición en Gallery Wagenschlag en Viena 1010. En 2023, participó en una exposición colectiva en Gallery Gerhard Braun en Madrid, así como en una exposición individual en la misma galería en Palma, España. También formó parte de la feria Estampa Artfair en Madrid y de otra subasta de Sotheby’s para Icep en Viena. En 2024, participa con una exposición individual en Galerie Gerald Hartinger en Viena, una exposición colectiva en Artcare en Viena y una exhibición colectiva en Villa Bulfon, Austria, con la Gallery Gerald Hartinger. Fue nominada para el Vienna Award 2024 en la categoría de “Artista del Año”, cuyo evento se celebrará en octubre de 2024.

VÍCTOR ZAVALA

(s/f)

Es un pintor contemporáneo originario de la Ciudad de México que se especializa en la pintura al óleo figurativa, explorando la profundidad de la condición humana. Su obra busca desentrañar las complejidades de la emoción al retratar almas individuales, a menudo incorporando figuras enigmáticas que, de manera sutil, cuentan historias y evocan la introspección a través de lo surrealista presente en una mirada o un gesto. En su proceso artístico, utiliza óleo sobre lienzo con una paleta de colores reducida, lo que le impulsa a descubrir tonos no previstos y a ir más allá de lo inicialmente imaginado para la obra. Su técnica se ca -

racteriza por trazos fluidos y expresivos que funden la figura con el fondo, y viceversa. Encuentra una gran belleza e inspiración en lo inesperado de los trazos largos, que conducen a descubrimientos fortuitos y enriquecen la obra final. El objetivo de su trabajo es evocar un impacto emocional a través de la narración. Víctor Zavala busca la belleza y la conexión introspectiva como vías de innovación, entrelazando temas de peripecia, identidad y espiritualidad. Su exploración artística está impulsada por una continua búsqueda de la esencia y el significado del arte, interactuando tanto con referencias históricas como con temas contemporáneos.

VICTORIA CHÁVEZ GARCÍA

(México, 1991)

Es una destacada artista mexicana cuyo trabajo en cerámica refleja sus obsesiones y raíces personales. Desde sus inicios en este antiguo arte, ha explorado incansablemente los límites del material, creando paisajes visuales y táctiles que capturan la esencia de su ser. Nacida en México, Victoria se adentró en el mundo de la cerámica sin conocer la vasta complejidad de este medio. Descubrió un universo lleno de secretos, técnicas y procesos que la fascinó profundamente. La cerámica se convirtió en el medio a través del cual pudo fusionar su proceso creativo, la interacción física y, de manera inconsciente, su autoexpresión. A lo largo de su carrera, ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, compartiendo su visión artística en prestigiosas galerías y museos. Sus obras han sido exhibidas en lugares como Óvalo Galería, The Old Biscuit Factory y el Museo de Arte de Querétaro. En cada una de estas exposiciones, ha dejado una huella imborrable con su enfoque singular y su capacidad para crear piezas que despiertan emociones y ofrecen una experiencia perceptiva única. En reconocimiento a su talento y dedicación, fue galardonada con el Premio Nacional de la Cerámica en la categoría de Escultura Cerámica en 2022. Este prestigioso galardón destaca su excelencia y su valioso aporte al campo artístico. La trayectoria de Victoria Chávez García es un testimonio de su profundo compromiso con la cerámica como medio de expresión y su constante búsqueda de belleza, de conexión con su entorno. Su habilidad para explorar los límites del material y transmitir emociones a través de sus creaciones la ha establecido como una figura prominente en la escena artística mexicana y más allá.

WILLIAM GABER

(México, 1968)

Nacido en Mérida, México, William vive y trabaja actualmente entre la Ciudad de México y Mérida, Yucatán. Su formación artística se ha desarrollado a lo largo de diversas etapas y bajo la tutoría de diferentes maestros. En los últimos años, ha ampliado su educación con cursos en varias escuelas de Madrid y en el Royal College of Art en Londres, Inglaterra. Entre las colecciones que albergan su obra se encuentran la Fundación PONS en Madrid, España, y el Centro Cultural Casa de Indias en Cádiz, España. En cuanto a obra pública, William ha contribuido con Lo que dejamos pasar, una escultura monumental que forma parte del acervo cultural del Ayuntamiento de Mérida, Yucatán, y con Monumento #SG05, una escultura monumental en la colección Inmobilia. En noviembre de 2023, William recibió una beca de producción de obra gráfica en Casa Lool. Entre sus exposiciones individuales destacadas se encuentran Monumento en el Gran Museo del Mundo Maya en Mérida, México y en Kuna Galería en San Miguel de Allende, México, ambas realizadas en diciembre de 2023. En septiembre del mismo año, presentó Monumento en la Galería Alfredo Ginocchio en Ciudad de México. En octubre de 2022, exhibió Lo que dejamos pasar en el Centro Cultural Olimpo en Mérida, México y en ese mismo año, dentro de la Instituto Cultural Mexicano en España, Embajada de México en España. En diciembre de 2021, presentó Whole en PEN Projects, Miami, Florida. En agosto de 2021, mostró ¿Qué estará haciendo Houdini? en el Centro de Arte Casa de Indias en Cádiz, España. En septiembre de 2019, exhibió Sacred Places en PEN Projects, Miami, Florida, y en enero de 2019, En la Mirada del Observador en la Fundación PONS, Madrid, España. En septiembre de 2016, presentó La Maqueta Humana en la Galería Casa Gotxicoa en Monterrey, México. Sus exposiciones colectivas incluyen Reflejos Ocultos en Maison Celeste en Ciudad de México, México, en febrero de 2024; The Summer Exhibition en Galería Lux Perpetua en Mérida, Yucatán, en junio de 2023; Carajillo en Nave Oporto en Madrid, España, en febrero de 2022; Corriente Alterna / Corriente Continua en Galería Nueva en Madrid, España, en junio de 2020; y PEN Projects en Miami, Florida, en diciembre de 2019. También participó en Aqua Art Miami en Rubber Stamp Art Projects, Miami, Florida, en diciembre de 2019; en Espacio Mannach en Ciudad de México en septiembre de 2019; en Galería Pandea Cartesiano en Puebla, México, en octubre de 2018; en el Museo Vostell Malpartida en Malpartida de Cáceres, España, en octubre de 2018; y en Royal College of Art en Londres, Inglaterra, en agosto de 2017.

(México, 1968)

Es una artista visual nacida en México que actualmente divide su tiempo entre Francia, Colombia y México. Sus instalaciones, objetos y obras sobre papel abordan temas de desigualdad social, condición de género, racismo y empatía. Ha presentado exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, el Museo de Arte de Ciudad Juárez, la Fundación Sebastián, y la galería Quetzalli, entre otros, así como en galerías y museos en Perú, Japón, Estados Unidos, Turquía y Grecia. Su obra forma parte del acervo de la Fundación Sebastián y de colecciones privadas en México, España, Suecia, Francia, Estados Unidos, Perú y Japón.

YVONNE VENEGAS

(Estados Unidos, 1970)

Se graduó del International Center of Photography en Nueva York y obtuvo una maestría en Artes Visuales por la Universidad de California, San Diego. Realizó una residencia artística en la Escuela de Crítica de Arte en La Tallera, centrada en el arte feminista (2019). Su trabajo ha sido expuesto en Estados Unidos, México, Brasil, España, Francia, Canadá, Polonia y Rusia. Ha participado en exposiciones colectivas como Pulsions Urbaines en Rencontres d’Arles, Point Counterpoint en el Museo de Photographie

de San Diego, y Mexican Photography en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. Ha presentado exposiciones individuales en la Galería Shoshana Wayne en Santa Mónica, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo en Ciudad de México, la Casa de América en Madrid, el Museo de Arte Carrillo Gil, la Galería de Arte Mexicano en Ciudad de México y la Galería Baxter en Nueva York. Su trabajo ha sido premiado en la X Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen, y ha recibido el premio Magnum Expression Award 2010 otorgado por la agencia Magnum Photos. Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en 2011 y 2015. Su proyecto Gestus fue publicado por Editorial RM con el apoyo de la Beca Fundación Bancomer en 2015. En 2016, recibió la Beca Guggenheim Fellowship para el proyecto San Pedro Garza García , y en 2020 obtuvo el premio de adquisición de la Fundación Cuervo, el apoyo de la Fundación Jumex para el proyecto El lápiz de la naturaleza , y la Beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte para el proyecto Mar de Cortés . En 2022, fue finalista en el Portfolio Prize convocado por la revista Aperture . Ha publicado cuatro monografías de su trabajo: ME de Hank (2010), Inédito (2012), San Pedro Garza García (2018), y El lápiz de la naturaleza (2023) por Editorial RM, así como el catálogo de su exposición Nunca será más joven que este día (2012, INBA) y el catálogo de la exposición Días Únicos publicado por el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) en 2019.

PROGRAMAS Y SERVICIOS

Plataforma para el auto cuidado y recursos educativos en línea para la salud sexual, iniciativa conjunta de UNFPA, México Vivo, Reckitt y FEMESS con principios de la agenda 2030, para proveer con herramientas de Educación Integral en Sexualidad a través de un sitio gratuito y de libre acceso con cursos, videos, infografías servicios de salud y otros recursos pedagógicos, donde se fortalecen habilidades para la vida y competencias, desde un enfoque de Derechos Humanos, con perspectiva de género, intercultural y de juventudes, basada en evidencia científica, apegada a los criterios y necesidades nacionales y regionales, amigable y para distintas poblaciones: adolescentes, jóvenes, madres, padres, tutores, docentes, profesionales de la salud. www.paress2030.org

La plataforma con la comunidad más grande de habla hispana en línea, donde proporcionamos el diálogo positivo a través contenidos en redes y un sitio para que la juventud asuma de forma saludable la sexualidad con mayor conciencia, bienestar y placer a través de información clara, libre y sin rodeos. hablemosdesexo.com

Acompañamos con atención médica y psicológica integral para que individualmente vivamos con salud, bienestar, placer y plenitud la sexualidad. Centro comunitario. Programa de Diagnóstico y Prevención de ITS. PrEP. Acompañamiento. Red de Vinculación a Servicios de Salud y de las OSC. insumos para la salud sexual. Jornadas de salud. mexicovivo.org /assivivo

Trabajamos por el derecho a que adolescentes y jóvenes tengan acceso a educación integral en sexualidad de calidad a través de intervenciones, talleres, conferencias, jornadas de salud y capacitaciones en los espacios escolares con la participación de docentes, madres y padres de familia.

Colaboramos para que existan entornos laborales más saludables, incluyentes, igualitarios y equitativos a través de capacitaciones, talleres y conferencias, para que las personas tengan un desarrollo integral dentro de sus espacios de trabajo y que se refleje en su vida individual.

Iniciativa conjunta del Fondo de Población de las Naciones Unidas (UNFPA), Fundación México Vivo y Reckitt, con la colaboración de la Federación Mexicana de Educación Sexual y Sexología (FEMESS), se centra en programas y Tecnologías de Información y Comunicación (TICs) involucrando alianzas multisectoriales, con el objetivo de implementar modelos innovadores, basados en evidencia para lograr un impacto medible y sostenible en la salud sexual de nuestras juventudes, impactando en prevenir embarazos en adolescentes, infecciones de transmisión sexual (ITS), violencia de género, entre otros.

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A cada joven de nuestro programa de Juventudes:

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Créditos

Edición 2024

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Antonio Salazar - jasho.mx

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Cuidado de la edición

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Coordinación de la edición

Nayeli Mora

Auxiliar Arte Vivo

Sofía Santillán Fotografía

Sofía Santillán

Adrián Rojas

Jazael Burgos

Jean Axel Ayala

Edición de fotografía

Se terminó de imprimir en septiembre de 2024 en los talleres de Offset Rebosán S.A de C.V , Av. Acueducto 115, Col. Huipulco, CP, 14370, CDMX.

Esta edición consta de 2,000 ejemplares.