Arte Vivo Edición 2021

LA IMAGINACIÓN TOMA VUELO

EDICIÓN XXVII MAIA Contemporary

| Casa Basalta

Ciudad de México PA DRIN O DE H O N O R

Maestro Pedro Reyes PA DRIN O FU N DA D OR D E A RT E V I VO

Sr. Eugenio López Alonso SU BASTA D O R

Memo Martínez MU ESTRA DE A RT E

16 al 22 de octubre de 2021 MUSEO GRA F Í A

Cecilia Pardo SU BASTA

19, 20 y 21 de octubre 2021 / 19:30 horas *Aforo limitado

Informes artevivo@mexicovivo.org 01800 FMX VIVO Consulte catálogo digital en mexicovivo.org/artevivo2021

Portada Pedro Reyes Study for Epicurus, 2016 Yeso 46 x 14 x 15 cm

Gracias a las y los generosos exponentes de las artes plásticas que a través de su trabajo crean vida para México.

A las y los miembros del Consejo Arte Vivo 2021 Alejandro Serratos Taller Ciudad Arturo Mizrahi MAIA Contemporary Bernardo Saenger Archivo Colectivo Carlos Carbajal Gestor cultural Carlota Ortiz Monasterio Fraenkel Gallery Carolina Estrada KINO Cecilia Pardo MUAC Clara Ruíz Promotora Cultural Claudio Castellanos Coordinador del Consejo Arte Vivo 2021 Daniela Pérez Curadora independiente Eduardo Mier y Terán Galería Terreno Baldío

Humberto Moro Museo Tamayo Karen Huber Galería Karen Huber Karina Fernández Promotora de arte Luzma Moctezuma Curadora independiente María Saldaña Galería Quetzalli Marisol Argüelles Curadora independiente Memo Martínez MM Casa de Subastas Miriam Villaseñor Promotora cultural Nicole Badin Nicole Art Services Patrick Charpenel Museo del Barrio NY Ricardo González Ramos Galería RGR Salvador Riestra Promotor cultural

Emilia Cohen Galería ECOH

Salvador Vera Islas Promotor cultural

Gabriela Correa Promotora cultural

Sofía Sáenz de Santamaría Proyecto H

Gonzalo de Benito Promotor cultural Guadalupe Artigas Amigos del MAM

Tania Ragasol Historiadora del arte

A las y los impulsores institucionales, 2020-2021 Alejandro Soberón • Alicia Santamans • Álvaro Velarca • Ángel de León Anne Engerant • Antonio Redondo • Eduardo Chabat • Enrique Aguayo Ernesto Mier • Fernando Feres • Gerardo González • Giselle Moheno Hugo Petricioli • José Hilario Ibarrola • José Luis González • José Manuel García Colina Lincoln Alejandro Carrillo Valdéz • Luis Carlos Urzúa • Marcos Tuachi Mariana Gibert • Mauricio Boy • Mauricio Vega • Mazvyde Sacalyte Michael Marczel • Miguel Mier Esparza • Óscar Padilla • Pilar Goutas Santiago Payro • Sasha Sökol • Sofía Sánchez Navarro

A las amigas y amigos que gracias a su apoyo, tiempo, esfuerzo y dedicación es posible realizar esta edición de Arte Vivo Alejandra Matiz • Alejandro Gil • Alejandro Sordo • Alfredo Fajer • Ana Luisa Pérez Andrés Lebrija • Antonio Ramírez Valerio • Ari Katz • Begoña Hano Carlos de Anda • Carlos Martínez • Celina Turrent • Claudia Gálvez • David Mustri Eugenio López Alonso • Fernando Esteves • Fernando Gurza • Fernando Pavón Fernando Ramos Schadtler • Fracisco García • Francisco Sarabia • Gabriela Correa Gabriela Elizondo • Germán Campos • Guadalupe Artigas de Ramos Cárdenas Harold May • Héctor Pardo • Hugo Wacogne • Isaac Mustri • Jack Helfon Janeth Rodríguez • Jesús González • Joaquín Rodríguez • Jonathan Guzmán José Antonio Ortega • Lautaro Cárdenas • Leticia Vega • Lilia Casillas • Luis Ortíz María G. León • Maripili González • Martha Abedrop • Mauricio Gutiérrez Mauricio Olivera • Memo Martínez • Mercedes de Oteyza • Miguel Mallet • Olga Álvarez Olivier Janiky • Pablo Álvarez • Perla Gálvez • Ricardo Covalín • Ricardo Ibarra Rosalba Hernández • Tere Aguirre • Vanessa Castillo • Xóchitl Morales

Agradecemos la generosidad de los anfitriones de Arte Vivo 2021

Agradecemos a los auspiciantes institucionales de Fundación México Vivo

Agradecemos a los patrocinadores de la edición 2021 de Arte Vivo

Agradecemos a las galerías donantes

Agradecemos a los auspiciantes que participan en esta edición de Arte Vivo

Conoce a las y los artistas que dan vida a la edición XXVII de Arte Vivo. instagram.com/arte_vivo_fmv

Abraham Chávez • Aldo Álvarez Tostado • Aldo Chaparro • Alejandro Grande Alejandro Pintado • Alejandro Santiago • Alex Lazard • Alexander Mignot Alexander Zuleta • Alexis de Chaunac • Alfredo Cota • Andrés Basurto Andrés Felipe Castaño • Armando de la Garza • Betsabée Romero • Carlos Abascal Carlos Agustín • Chance Watt • Charlie Nesi • Alexis Mata • Claudio Roncoli Cynthia Gutiérrez • Cynthia Serur • Daniel Dugan David Leon & Mutual Concept Studio Collab • Dennis Miranda • Dr. ATL Dulce Pinzón • Emilio Rangel • Francisco Esnayra • Francisco Tavoni • Franz Klainsek Gabriel Macotela • Gabriel Rico • Guillermo Celis • Gustavo Argüello Peñaloza Harley Cortez • Héctor de Anda • Hilos • Inés Cusi • Irene Dubrovsky Isabel Alonso Vega • Isauro Huizar • Jacob Vilató • Jasmine Cadenhead • Javier Areán Javier Arévalo • Jessica Feldman • Jorge Marín • Jorge Rosano Gamboa • Jorge Yázpik José Luis Cuevas • Joy Laville • Juan Carlos Garduño • Juan Sebastián Barberá Juan Soriano • Judith Romero • Julio Barrita • Kanako Namura • Karian Amaya Khara Oxier-Mori • Lao Gabrielli • Leo Matiz • Leonor Hochschild • Lucien Shapiro Luia Corsini • Lyora Pissarro • Manolo Garibay • Manuel Felguérez • Marc Breslin Marcos González Foreman • Maura Falfán • Meredith Dittmar • Olivia Steele Orlando Díaz • Pablo Boneau • Pablo Llana • Paul Lozano • Paul Weiner Pedro Friedeberg • Pedro Reyes • Polímera Fernández • Raúl Anguiano Renata Alarcón • Ricardo Sanabria • Ricardo Santos • Roberto Cortázar Roberto Zamarripa • Rodrigo de la Sierra • Rodrigo Garagarza • Rodrigo Palma Sabino Guisu • Santiago Díaz Guichón • Sebastián Hidalgo • Taeko Nomiya Tania EA • Tatiana Camacho + Prince Láuder • Urs Fischer x Louis Vuitton Venuz White • Ximena Alarcón • Yvonne Domenge • Zach Thompson

Índice 12Editorial —— 21 ——

La realidad que estamos transformando

44 ——

Ofertas en ausencia

46 ——

Índice alfabético de artistas

180 ——

22 —— Sobre México Vivo

Más sobre las y los artistas participantes

40 —— Reconocimiento 2021

228 —— Nuestros programas y servicios

42 —— Sobre la subasta

230 —— Directorio Institucional

índice general

Editorial H. Rodrigo Moheno M.

Secretario General y Cofundador

“Un niño, un profesor, un libro y una pluma pueden cambiar el mundo.

La educación es la única solución”.

—Malala Yousafzai

Cada persona que hemos podido beneficiar a lo largo de estos años gracias a Arte Vivo, constituye, en sí, un canto a la vida, y también vidas que florecen en medio de dificultades, gracias al amor y al arte. El legado de esta sinergia florece año con año, transformando historias de vida, para que estas vidas sigan transformando la historia, presente y futuro de México.

Enfrentamos uno de los momentos más difíciles en la historia de la humanidad. La epidemia por COVID-19, ha cambiado las formas en que vivimos, nos relacionamos, individual y colectivamente, globalmente también.

Estos tiempos, nos recuerdan la vulnerabilidad de la vida humana, en condiciones iguales. De un momento a otro, sin importar nuestro origen, género, sexo, condición, orientación, todas y todos hemos experimentado en estos meses de pérdidas, cuán vulnerable es la vida humana. Pero hay personas más vulnerables que otras, por las condiciones y determinantes sociales.

Los Organismos Internacionales estiman un retroceso de 20 a 30 años en la planificación familiar y el bienestar de la salud sexual de las personas en mayor vulnerabilidad. Nunca habíamos visto tantos padecimientos 12

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a causa de la sexualidad, abusos, violaciones, violencia de género, embarazos adolescentes, embarazos no deseados, infecciones no atendidas, depresión, suicidios. Más que nunca, la salud sexual individual se ve amenazada en proporciones desorbitantes. Y por ello más que nunca antes, refrendamos nuestro compromiso institucional para que la población podamos vivir la sexualidad con salud y poder de decisión. Que la vida se vea fortalecida y no más amenazada.

Expresamos nuestra mayor gratitud a cada persona, institución, donante, aliados y voluntarios por su generosidad en estos meses para continuar llevando salud y educación a millones de personas durante esta emergencia sanitaria. Con esta gratitud, les compartimos el Reporte de Acciones Institucionales frente a COVID-19: mexicovivo.org/contingencia Una vez más, la comunidad artística nos conmueve en lo más profundo solidarizándose con esta causa social, con amor, con inspiración, con generosidad, para continuar generando la transformación social tan necesaria.

En estas páginas presentamos y rendimos tributo a cada voluntad que conforma el acervo de esta edición.

Creemos firmemente, que garantizar los derechos sexuales y reproductivos, son un pilar para la reconstrucción social y más aún para que las nuevas generaciones, jóvenes y adolescentes puedan tener la posibilidad de mejores futuros, aprendiendo el autocuidado, la autodeterminación y la toma de decisiones en la construcción del plan de vida de cada una y cada uno.

Por ello fortalecemos nuestras acciones más que nunca, en alianza con instituciones, Organismos Internacionales, empresas y aliados de todos los sectores para volver realidad el acceso a educación integral en sexualidad y a servicios integrales para la salud sexual y reproductiva, que puedan hacer una gran diferencia perdurable para las vidas de nuestra población. Gracias a la suma de esfuerzos podemos llevar cada día herramientas a miles de personas que antes no las tenían para vivir mejor. En medio de esta pandemia, en conjunto con el Fondo de Población de las Naciones Unidas y Reckitt

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lanzamos la plataforma PARESS 2030 www.paress2030.org con el compendio más importante de cursos y educación en línea gratuita y abierta para el autocuidado.

Nuestro México querido, está profundamente herido y nos llama, nos urge a la reconstrucción, a la regeneración, a su renacer, a unirnos por la vida de cada persona. El arte impulsa esta transformación. Agradecemos profundamente a cada voluntad que hace sinergia para dar vida a esta edición de Arte Vivo que nos permite en conjunto aportar para contar con acciones sólidas para el bienestar social.

Arte Vivo nos da la oportunidad de coincidir nuevamente para que a través del arte llevemos salud y educación a más personas. Nos honra que este esfuerzo sea cobijado por el Maestro Pedro Reyes, por el Consejo Arte Vivo, conformado por las autoridades más respetadas del arte en México, por cada artista, auspiciante, patrocinador que lo hacen posible. Nuestra profunda gratitud a Maia Contemporary Art y Casa Basalta por acogernos y presentar el acervo de esta edición. Nuestra gratitud institucional a cada uno.

Estas páginas que llegan a tus manos, hoy digitalmente, están llenas de amor, del amor que nos mueve para seguir, para llegar a más. Gracias a todas las personas coleccionistas, por hacer esa magia desde la generosidad, para que este esfuerzo prospere y logre dar vida a estas intenciones.

Gracias a cada persona que con ese mismo amor adquieren cada obra para llevar salud y vida a nuestra población.

En nombre de cada una y cada uno de nuestros millones de beneficiarios, recibe nuestra más honesta y profunda gratitud por dar vida con arte y amor a la labor de México Vivo.

H. Rodrigo Moheno M. 14

México es el 1er lugar en embarazo adolescente (77 nacimientos por cada 1,000 mujeres entre 15 y 19 años) dentro de los paises de la OCDE. -OCDE

El grupo más joven de las mujeres embarazadas cada año en México, de entre 10 y 14 años, es causa de abuso sexual.

-Save the Children

56% de oficinistas en México han tenido un romance en su ámbito laboral.

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La realidad que estamos transformando

México ocupa también el 1er lugar en abuso sexual Y en violencia física y homicidios de niñas y niños menores de 14 años.

-OCDE

30% de la población enMéxico de entre 18 y 30 años de edad ha padecido alguna infección de transmisión sexual, incluido el VIH/Sida.

-Instituto Mexicano de Seguro Social

Sólo un 14% separa lo laboral de lo personal.

-Bumerán

45% de infantes abusados en México o prostituidos tienen relación directa o cercana con su agresor.

-DIF

17.5% de estudiantes de nivel medio superior que abandona sus estudios lo hace debido a un embarazo no planeado.

-SEP

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Sobre México Vivo NUESTRA MISIÓN / Trabajamos y unimos esfuerzos para que la población viva la sexualidad con salud y poder de decisión.

NUESTRA HISTORIA Somos una asociación civil, fundada en 2003 en la sede de la ONU en México. Inicialmente estábamos enfocados en apoyar la lucha contra el sida y en 2014 ampliamos nuestra misión para trabajar y unir esfuerzos para que la población viva la sexualidad con salud y poder de decisión.

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Proveemos de herramientas educativas y servicios que permiten elegir, prevenir, detectar y atender a las personas para que tengan una vida individual, familiar y social con inclusión, equidad, respeto, salud, amor y arte.

Asociación avalada por

Asociación miembro de

Brindamos atención a adolescentes en escuelas secundarias, jóvenes en bachillerato y nivel universitario, personal docente, madres y padres de familia, personal de los servicios de salud, población LGBT+, trabajadorxs sexuales, comunidades indígenas y en zonas rurales, migrantes y personas con vida sexual activa.

Nuestros programas contribuyen al alcance de 6 de los 17 Objetivos de Desarrollo del Milenio y los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la ONU.

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Por su compromiso como marca socialmente responsable y por su apoyo a nuestros diferentes programas y proyectos de México Vivo.

Es gracias a este tipo de colaboraciones que podemos incrementar el impacto y beneficios para los más vulnerables, la juventud mexicana.

Juntos lograremos que la población tenga acceso a información y herramientas que les permitan vivir su sexualidad con salud y poder de decisión.

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Reconocimiento 2021

Sra. Guadalupe Artigas de Ramos Cárdenas El arte y la filantropía son las dos áreas medulares en la carrera profesional de Guadalupe. Comienza en 1965 la licenciatura en Antropología e Historia, para continuar con formaciones continuas en el IPADE. Confiesa que su dialéctica la aprende de Guillermo Tovar y de Teresa, del cual fue gran amiga.

Es socia fundadora del Grupo de los 16 en 1972, del colectivo ecológico Azalea en 1985 y de la AAMAP en 1999, que más tarde se convertiría en el Museo de Artes Populares. Dentro del Grupo de los 16, se especializa en la venta de la obra de los artistas modernos y de ruptura más importantes del siglo XX: Tamayo, Coronel, Mérida, Carrington y Soriano, entre otros.

Es Rufino Tamayo el primer padrino de la subasta efectuada en 1979 en la Haciende de los Morales. En 1991 es nombrada Presidente, cargo que mantendrá a lo largo de 16 años.

En 2007 acepta de Teresa de Conde la presidencia del patronato del Museo de Arte Moderno, Amigos del MAM a lo largo de 14 años. Con pasos firmes, congruentes y generosos, Guadalupe se ha vuelto el pilar de muchas actividades artísticas y asociaciones filantrópicas del México del siglo XX, y lo que va del XXI.

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Obras participantes Arte Vivo 2021

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Sobre la subasta Adquisición de obras durante la muestra en MAIA Contemporary - Casa Basalta.

La muestra de las obras se llevará a cabo a partir del 16 y hasta el 22 de octubre en las extraordinarias instalaciones de MAIA – Casa Basalta, ubicada en la Calle Colima 159 en la colonia Roma.

Durante esta semana, podrás adquirir alguna pieza, que tan generosamente las y los artistas han donado a favor de la causa de México Vivo, a su valor comercial.

Debido a las restricciones sanitarias por COVID-19 el aforo es limitado a 30 personas con uso obligatorio de cubrebocas, solicitamos que realices tu cita en: artevivo@mexicovivo.org o al número de WhatsApp: 55 3332 5497. Te compartimos que del sábado 16 y hasta el lunes 18 de octubre, los horarios en los que podrás visitar la muestra son de 11:00 am a 10:00 pm.

Los días martes 19 al jueves 21, los horarios son de 11:00 am a 6:30 pm para visitar la muestra bajo cita. A partir de las 7:30 pm y hasta las 10:00 pm, contaremos con la presencia del señor Memo Martínez para realizar tres subastas temáticas de 15 lotes.

Si te interesa asistir a alguna de estas tres subastas puedes agendar tu cita en: artevivo@mexicovivo.org, o al número de WhatsApp: 55 3332 5497, recuerda que el aforo es limitado.

¡No te pierdas esta gran semana!

EDICIÓN EN LÍNEA Registro. Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse previamente en línea o el mismo día del evento acudiendo a la mesa de registro.

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Adquiera las obras en pagos parciales o mensualidades (consulte las condiciones para cada tipo de tarjeta y plazo).

1

Como garantía para la Fundación y para que

5 Al término de la subasta, nuestros operadores

Usted pueda iniciar sesión el día del evento;

se comunicarán con usted para solicitarle

una vez que se haya registrado en la página

los datos correspondientes, quedando

web, le llegará un correo electrónico de

obligado(a) a pagar el precio del lote(s)

confirmación y una solicitud de documentos

elegido(s) y que le hayan sido adjudicados.

personales de identificación, con los que podrá obtener su usuario y contraseña.

6 Por concepto de comisión bancaria, si el

El uso adecuado, resguardo y control

pago es realizado en una sola exhibición,

de su usuario y contraseña es personal,

con tarjetas American Express, se cobrará

intransferible y su responsabilidad.

el 5% (cinco por ciento) más IVA sobre el

2 Para que las y los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el subastador, bastará con indicar en el chat de la puja el monto

monto total del lote adjudicado. El 8% más IVA si el pago se difiere a 3 meses y el 12% más IVA si se difiere a 6 meses.

7 Sin excepción, todos los lotes deberán

dicho. En ese momento usted elige y

liquidarse al momento de adquirirlo

adquiere el lote.

directamente en MAIA Contemporary -

3 Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja y será la propuesta más

Casa Basalta o el mismo día del evento.

8 Al término de la subasta, nuestros

alta la ganadora y a quien se le adjudicará el

operadores se comunicarán con usted vía

lote, siempre que no exista una puja mayor

telefónica para verificar los lotes adquiridos,

y el subastador lo confirme.

monto a pagar y verificar la cancelación de

4 Los lotes serán subastados en el estado

índice general

Las piezas a subastarse tienen un precio de salida de puja especial por debajo de su valor comercial, en consideración a esta causa.

la garantía. Al no recibir respuesta alguna, acepta que la Fundación haga efectivo el

físico que se encuentren en la muestra en

cobro del anterior, así como el monto de los

MAIA Contemporary - Casa Basalta.

lotes que le hayan sido adjudicados.

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índice general

Ofertas en ausencia Usted llena un formato de ofertas en ausencia, que le será proporcionado solicitándolo al correo artevivo@mexicovivo.org o bien llenándolo desde el sitio: mexicovivo.org/ofertasenausencia2021

En dicho formato nos indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros voluntarios estará haciendo las ofertas en su nombre y representación.

La persona solicitante podrá hacer llegar su oferta en ausencia a México Vivo hasta un día antes de celebrarse la subasta, mediante la recepción en nuestras oficinas o por correo electrónico del formato correspondiente. Como garantía, la persona que desee hacer una oferta en ausencia deberá proporcionar telefónicamente, una vez registrada su oferta, una tarjeta de crédito o un cheque a la orden de Fundación Unidos por un México Vivo, A.C. Los lotes se adjudicarán al precio más alto que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la subasta.

Ponemos a su disposición también la facilidad de hacer su oferta con las promociones disponibles a meses sin intereses con las tarjetas de crédito participantes.

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índice general

Realice sus ofertas en ausencia ingresando a:

mexicovivo.org/ofertasenausencia2021

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Índice alfabético de artistas

48 ��� 49 ��� 50 ��� 51 ��� 52 ��� 53 ��� 54 ��� 55 ��� 56 ��� 57 ��� 68 ��� 58 ��� 59 ��� 60 ��� 61 ��� 62 ��� 64 ��� 65 ��� 66 ��� 67 ��� 69 ��� 70 ��� 71 ��� 72 ��� 46

Abraham Chávez Aldo Álvarez Tostado Aldo Chaparro Alejandro Grande Alejandro Pintado Alejandro Santiago Alex Lazard Alexander Mignot Alexander Zuleta Alexis de Chaunac Alexis Mata Alfredo Cota Andrés Basurto Andrés Felipe Castaño Armando de la Garza Betsabée Romero Carlos Abascal Carlos Agustín Chance Watt Charlie Nesi Claudio Roncoli Cynthia Gutiérrez Cynthia Serur Daniel Dugan

73 ��� David Leon & Mutual Concept Studio Collab 74 ��� Dennis Miranda 75 ��� Dr. ATL 76 ��� Dulce Pinzón 77 ��� Emilio Rangel 78 ��� Francisco Esnayra 79 ��� Francisco Tavoni 80 ��� Franz Klainsek 81 ��� Gabriel Macotela 82 ��� Gabriel Rico 83 ��� Guillermo Celis 84 ��� Gustavo Argüello Peñaloza 85 ��� Harley Cortez 86 ��� Héctor de Anda 87 ��� Hilos 88 ��� Inés Cusi 89 ��� Irene Dubrovsky 90 ��� Isabel Alonso Vega 91 ��� Isauro Huizar 92 ��� Jacob Vilató 93 ��� Jasmine Cadenhead 94 ��� Javier Areán 95 ��� Javier Arévalo

96 ��� 97 ��� 98 ��� 99 ��� 100 ��� 101 ��� 102 ��� 103 ��� 104 ��� 105 ��� 106 ��� 107 ��� 108 ��� 109 ���

Jessica Feldman Jorge Marín Jorge Rosano Gamboa Jorge Yázpik José Luis Cuevas Joy Laville Juan Carlos Garduño Juan Sebastián Barberá Juan Soriano Judith Romero Julio Barrita Kanako Namura Karian Amaya Khara Oxier-Mori

124 ��� 125 ��� 126 ��� 127 ��� 128 ��� 130 ��� 132 ��� 133 ��� 134 ��� 154 ��� 135 ��� 136 ��� 137 ��� 138 ���

Pablo Boneau Pablo Llana Paul Lozano Paul Weiner Pedro Friedeberg Pedro Reyes Polímera Fernández Raúl Anguiano Renata Alarcón Ricardo Garduño Ricardo Sanabria Ricardo Santos Roberto Cortázar Roberto Zamarripa

110 ��� 111 ��� 112 ��� 113 ��� 114 ��� 115 ��� 116 ��� 117 ��� 118 ��� 119 ��� 120 ��� 121 ��� 122 ��� 123 ���

Lao Gabrielli Leo Matiz Leonor Hochschild Lucien Shapiro Luia Corsini Lyora Pissarro Manolo Garibay Manuel Felguérez Marc Breslin Marcos González Foreman Maura Falfán Meredith Dittmar Olivia Steele Orlando Díaz

139 ��� 140 ��� 141 ��� 142 ��� 143 ��� 144 ��� 145 ��� 146 ��� 147 ��� 148 ��� 150 ��� 151 ��� 152 ��� 153 ���

Rodrigo de la Sierra Rodrigo Garagarza Rodrigo Palma Sabino Guisu Santiago Díaz Guichón Sebastián Hidalgo Taeko Nomiya Tania EA Tatiana Camacho + Prince Láuder Urs Fischer x Louis Vuitton Venuz White Ximena Alarcón Yvonne Domenge Zach Thompson 47

índice de artistas

Abraham Chávez → Semblanza del artista

Manifestación de cinabrio, s/f Neón, escultura e instalación 200 x 200 cm $90,000.00 M.N. — Preventa $65,000.00 M.N. — Puja

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índice de artistas

Aldo Álvarez Tostado

→ Semblanza del artista

Pueblo mexicano I, 2019 Piedra volcánica, vinil reflejante 34 x 60 x 5 cm $40,000.00 M.N. — Preventa $40,000.00 M.N. — Puja

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índice de artistas

Aldo Chaparro → Semblanza del artista

Mx Blue & Silver, March 12, 2021 14:40, 2021 Pintura electrostática y acero inoxidable 163 x 110 x 30 cm $360,000.00 M.N. — Preventa $288,000.00 M.N. — Puja

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índice de artistas

Alejandro Grande

→ Semblanza del artista

Integración, s/f Escultura de muro: Cera derretida en momentos meditativos, encapsulada en resina y bañada con polvo de cuarzo verde 120 x 120 cm $36,000.00 M.N. — Preventa $18,000.00 M.N. — Puja

51

índice de artistas

Alejandro Pintado → Semblanza del artista

Bigger Reality, 2020 Serigrafía sobre lino crudo 66 x 94 cm $32,000.00 M.N. — Preventa $24,000.00 M.N. — Puja

52

índice de artistas

Alejandro Santiago

→ Semblanza del artista

Personajes, s/f Madera esgrafiada en hoja de oro 60 x 50 cm $80,000.00 M.N. — Preventa $40,000.00 M.N. — Puja

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índice de artistas

Alex Lazard → Semblanza del artista

Historias sagradas, 2019 Mixta sobre tela 160 x 160 cm $90,000.00 M.N. — Preventa $50,000.00 M.N. — Puja

54

índice de artistas

Alexander Mignot → Semblanza del artista

Atardecer, 2020 Mixta sobre lienzo 135 x 235 cm $340,000.00 M.N. — Preventa $240,000.00 M.N. — Puja

55

índice de artistas

Alexander Zuleta → Semblanza del artista

Changing natura series, 2021 Óleo y papel oro sobre lienzo 150 x 150 cm $370,000.00 M.N. — Preventa $240,000.00 M.N. — Puja

56

índice de artistas

Alexis de Chaunac → Semblanza del artista

Autorretrato en cuarentena, 2021 Óleo sobre madera 30 x 23 x 3 cm $40,000.00 M.N. — Preventa $20,000.00 M.N. — Puja

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índice de artistas

Alfredo Cota → Semblanza del artista

León joven, 2020 Bronce a la cera perdida 11 x 13 x 23 cm $23,000.00 M.N. — Preventa $23,200.00 M.N. — Puja

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índice de artistas

Andrés Basurto

→ Semblanza del artista

Orca. De la serie Memento Memori, 2017 Ensamble de vidrio 18 x 16 x 17 cm $102,500.00 M.N. — Preventa $102,500.00 M.N. — Puja

59

índice de artistas

Andrés Felipe Castaño → Semblanza del artista

Odalisca. De la serie Roseta. s/f Lápiz pastel sobre papel 53 x 67 cm $60,000.00 M.N. — Preventa $30,000.00 M.N. — Puja

60

índice de artistas

Armando de la Garza → Semblanza del artista

117. De la serie Los Reinos de la Naturaleza y del Hombre, s/f Intervención con ramas sobre caja de cartón 14 x 17 x 20 cm. $30,000.00 M.N. — Preventa $15,000.00 M.N. — Puja

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índice de artistas

Betsabée Romero → Semblanza del artista

Uroboro con mariposa, 2021 Serigrafia sobre tela estampada 47 x 120 cm $92,000.00 M.N. — Preventa $92,000.00 M.N. — Puja

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del Sur (BIENALSUR), Plaza Dante, Buenos Aires,

lizado en la elaboración de un discurso crítico

Argentina (2019); Del otro lado del estigma,

acerca de temas como migración, mestizaje

Bienal Internacional de Arte Contemporáneo

y movilidad, a través de la resemantización

de América del Sur (BIENALSUR), Museo

de símbolos y ritos cotidianos de la cultura

de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), Bogotá,

del consumo global, como automóviles, tatuajes

Colombia (2019); A Requiem for the Polluting

y señalética urbana. De la misma manera, se ha

Car, Art Paris, Grand Palais, París, Francia (2019);

interesado en abordar la problemática del arte

Huellas que florecen, Centro Cultural Clavijero

público y el arte popular, su permanencia y rela-

(CCC), Morelia, Michoacán (2019); Trenzando

ción con el tejido social y con públicos alternativos

Raíces, Galería de Arte de la Universidad de York,

al del arte contemporáneo. Su lenguaje artís-

Toronto, Canadá (2018); Barro, papel y tijera,

tico, que va desde intervenciones específicas

Museo de Arte Popular, Ciudad de México,

en sitio al uso de variadas técnicas plásticas,

México (2017); Las alas de los sueños no pierden

rescata tradiciones y elementos culturales

sus plumas, Instituto Cultural de México

que refieren a problemas sociales de la realidad

en Montreal, Canadá (2017); El vuelo y la semilla,

mexicana contemporánea como la migración,

Instituto Cultural de México en San Antonio,

las tradiciones y el mestizaje; y abre un sin nú-

Texas, Estados Unidos (2017); Canto al Agua,

mero de interrogantes en torno a problemáticas

Plaza de la Constitución, Ciudad de México,

de género, globalización y límites geográficos.

México (2016); Urban Ouroboros, Galería

Romero tiene una maestría en Artes Visuales

Juan Ruíz, Art Basel Miami, Miami, Estados

en la Escuela Nacional de Artes Plásticas

Unidos (2016); Sin Radares, Galería Saroleón,

de la Universidad Nacional Autónoma de México;

Las Palmas de Gran Canaria, España (2016);

un año de Historia del Arte en el Museo

Los huesos tienen memoria, Ofrenda inédita

del Louvre; en la Escuela de Bellas Artes; y doc-

de Betsabeé Romero, Museo Dolores Olmedo,

torado en Historia del arte en la UNAM. Entre

Ciudad de México, México (2016); Sombras nó-

los premios que ha recibido están el Oric’Art,

madas, Museo de Arte Contemporáneo de San

Neuilly sur Seine, Francia en 1988; el Gran

Luis Potosí, México (2016); Desde el otro lado

Premio de adquisición en la modalidad de ins-

de las sombras, Museo de Arte Contemporáneo

talación en la Segunda Bienal Monterrey, Museo

de Tamaulipas – MACT, México (2015); Ídolos

de Monterrey en 1994; y el primer premio en la

frente a los altares, Museo Diego Rivera-

Bienal del Cairo 2006. Entre sus exposiciones

Anahuacalli, Ciudad de México, México (2015);

y proyectos más importantes se encuentran:

No hables más del puente hasta haber cruzado

Sin pedestal y sin medallas, Bienal Internacional

el río, Centro de las Artes de San Agustín (CaSa),

de

Oaxaca (2015); entre otras.

Arte

Contemporáneo

de

América

índice de artistas

El trabajo de Betsabeé Romero se ha especia-

63

índice de artistas

Carlos Abascal → Semblanza del artista

Perdóname Tierra, 2021 Cerámica y técnica raku 39 x 20 cm $45,000.00 M.N. — Preventa $30,000.00 M.N. — Puja

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Carlos Agustín → Semblanza del artista

Magen David, 2021 Acero con pintura electroestática 65 cm $55,000.00 M.N. — Preventa $40,000.00 M.N. — Puja

65

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Chance Watt → Semblanza del artista

Lady in colors, s/f Acrílico sobre lienzo 160 x 100 cm $450,000.00 M.N. — Preventa $300,000.00 M.N. — Puja

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Charlie Nesi → Semblanza del artista

Inanimate Object with Velvet, 2021 Bronce pulido y tratado con terciopelo USA 100 x 100 cm $300,000.00 M.N. — Preventa $200,000.00 M.N. — Puja

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Alexis Mata

→ Semblanza del artista Sin título, 2021 Impresión digital 100 x 80 cm $20,000.00 M.N. — Preventa $10,000.00 M.N. — Puja

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Claudio Roncoli

→ Semblanza del artista

EEP_1, 2021 Metal pulido 160 x 50 x 25 cm $170,000.00 M.N. — Preventa $120,000.00 M.N. — Puja

69

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Cynthia Gutiérrez → Semblanza del artista

Duelo eterno, 2014 Óleo sobre madera. Ejecución técnica Humberto Ramírez.

60 x 80 x 2.7 cm $55,384.00 M.N. — Preventa $38,770.00 M.N. — Puja

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Cynthia Serur → Semblanza del artista

Sin título. De la serie “SOD”, 2018 Giclée Hahnemüle Photo Rag 55 x 95 cm $52,000.00 M.N. — Preventa $52,000.00 M.N. — Puja

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Daniel Dugan → Semblanza del artista

Kisses are the answer. De la serie “One Continuous line”, s/f Acrílico y óleo sobre lienzo 91 x 152 cm $300,000.00 M.N. — Preventa $160,000.00 M.N. — Puja

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David Leon & Mutual Concept Studio Collab Leeu Van Krag, 2021 Réplica de esqueleto de león africano de tamaño real en lámina de oro 120 x 225 x 60 cm / Edición especial P/A $700,000.00 M.N. — Preventa $400,000.00 M.N. — Puja

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Dennis Miranda → Semblanza del artista

Kinky Kids, 2019 Intervención con laca, tintas y carbón sobre fotografía 22 x 14 cm c/u / Tríptico $21,000.00 M.N. — Preventa $12,000.00 M.N. — Puja

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Dr. ATL

→ Semblanza del artista Erupción del paricutín, s/f Óleo sobre tela 30 x 40 cm $2,200,000.00 M.N. — Preventa $1,200,000.00 M.N. — Puja

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Dulce Pinzón → Semblanza del artista

Harvey Birdman - José Rosendo de Jesús from the State of Guerrero. Works as a union organizer in New York, he sends 700 a month, 2005-2010 Fotografía a color 50 x 60 x 3 cm $60,000.00 M.N. — Preventa $30,000.00 M.N. — Puja

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Emilio Rangel → Semblanza del artista

Plata sobre gelatina, 2019 Impresión digital sobre papel de algodón 79 x 103 cm $35,000.00 M.N. — Preventa $30,000.00 M.N. — Puja

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Francisco Esnayra → Semblanza del artista

Apego por el objeto del deseo, 2019 Modelado en plastilina y vaciado en resina 105 x 30 x 33 cm $212,800.00 M.N. — Preventa $180,000.00 M.N. — Puja

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Francisco Tavoni → Semblanza del artista

El encuentro, 2020 Impresión cromogénica en papel de algodón 168 x 118 cm $160,000.00 M.N. — Preventa $80,000.00 M.N. — Puja

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Franz Klainsek → Semblanza del artista

Through thick and thin, 2021 Cobre, aceite y roca volcánica sobre lienzo quemado 80 x 80 cm $200,000.00 M.N. — Preventa $140,000.00 M.N. — Puja

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Gabriel Macotela → Semblanza del artista

Selva urbana I, 2017 Grabado a tres placas con cobre 61 x 80 cm $18,000.00 M.N. — Preventa $18,000.00 M.N. — Puja

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Gabriel Rico → Semblanza del artista

París, 2015 Serigrafía. Impreso en tela de fibra de bambú 50 x 50 cm $32,000.00 M.N. — Preventa $10,000.00 M.N. — Puja

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Guillermo Celis

→ Semblanza del artista

A Window to the Soul 1.15, 2021 Tinta china sobre papel algodón 108 x 78 cm $40,000.00 M.N. — Preventa $20,000.00 M.N. — Puja

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Gustavo Argüello Peñaloza → Semblanza del artista

El jaral, 2021 Esmalte base aceite, polvo de oro y barniz damar sobre manta 120 x 250 cm $65,000.00 M.N. — Preventa $30,000.00 M.N. — Puja

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Harley Cortez

→ Semblanza del artista

Pantoja, 2021 Mixta sobre tela 183 x 150 cm $400,000.00 M.N. — Preventa $300,000.00 M.N. — Puja

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Héctor de Anda → Semblanza del artista

Cruce de vías, 2019 Impresión digital, tintas y collage sobre papel guarro 100 x 85 cm $90,000.00 M.N. — Preventa $90,000.00 M.N. — Puja

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Hilos

→ Semblanza del artista Sin título, 2020 Impresión digital 48 x 62 cm c/u / Edición de 4 piezas $23,740.00 M.N. — Preventa $16,615.00 M.N. — Puja

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Inés Cusi

→ Semblanza del artista Laberinto hacia la luz, s/f Resina 22 cm de diámetro $18,000.00 M.N. — Preventa $9,000.00 M.N. — Puja

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Irene Dubrovsky

→ Semblanza del artista

New Babylon II, s/f Lápiz y tinta en gráfica digital, sobre papel de algodón 60 x 60 cm $44,000.00 M.N. — Preventa $30,000.00 M.N. — Puja

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Isabel Alonso Vega → Semblanza del artista

Nube 2, 2021 Carbón y humo sobre madera 61 x 61 cm $20,000.00 M.N. — Preventa $10,000.00 M.N. — Puja

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Isauro Huizar → Semblanza del artista

Euphonia Hirundinacea. De la serie “El origen proviene de los límites”, 2018 Acrílico e inyección de tinta sobre tela 140 x 100 x 2 cm $70,000.00 M.N. — Preventa $50,000.00 M.N. — Puja

91

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Jacob Vilató → Semblanza del artista

Hombre sentado III, 2021 Acrílico sobre lienzo 120 x 91 cm $450,000.00 M.N. — Preventa $260,000.00 M.N. — Puja

92

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Jasmine Cadenhead → Semblanza del artista

Crux, 2020 Pintura de resina, lienzo teñido a mano con pigmentos mexicanos locales 122 cm diámetro $85,000.00 M.N. — Preventa $55,000.00 M.N. — Puja

93

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Javier Areán → Semblanza del artista

Ovnis con postes de luz, 2019 Óleo sobre papel montado en panel de madera 50 x 63 cm $55,000.00 M.N. — Preventa $27,500.00 M.N. — Puja

94

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Javier Arévalo → Semblanza del artista

Contorsionistas, s/f Óleo sobre tela 60 x 40 cm $160,000.00 M.N. — Preventa $80,000.00 M.N. — Puja

95

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Jessica Feldman → Semblanza del artista

Vuela conmigo, s/f Óleo sobre papel hecho a mano con fibras naturales, pigmentos naturales, estructura de carrizo entrecruzado y pvc.

72 x 54 cm $30,000.00 M.N. — Preventa $15,000.00 M.N. — Puja

96

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Jorge Marín → Semblanza del artista

Hombre círculo, 2018 Litografía 47 x 32 cm / Edición 12 de 50 $7,000.00 M.N. — Preventa $7,000.00 M.N. — Puja

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Jorge Rosano Gamboa → Semblanza del artista

Blue velvet, 2021 Óleo sobre lienzo 150 x 150 cm $100,000.00 M.N. — Preventa $60,000.00 M.N. — Puja

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Jorge Yázpik → Semblanza del artista

Sin título, 2021 Madera tropical, talla directa 31 x 32 x 16 cm $320,000.00 M.N. — Preventa $160,000.00 M.N. — Puja

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José Luis Cuevas → Semblanza del artista

Personaje con pescado, s/f Tinta sobre papel 32 x 25 cm $140,000.00 M.N. — Preventa $70,000.00 M.N. — Puja

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Joy Laville

→ Semblanza del artista Sin título, s/f Grabado en placa de aguatinta 20 x 26 cm $20,000.00 M.N. — Preventa $10,000.00 M.N. — Puja

101

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Juan Carlos Garduño → Semblanza del artista

Sekil, s/f Mármol Monterrey negro sobre Mármol Bego sólido 80 x 20 x 20 cm $45,000.00 M.N. — Preventa $25,000.00 M.N. — Puja

102

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Juan Sebastián Barberá

→ Semblanza del artista

Ciudad de noche IV, s/f Acrílico sobre tela 80 x 60 cm $96,000.00 M.N. — Preventa $48,000.00 M.N. — Puja

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Juan Soriano → Semblanza del artista

Dialéctica entre peces y gatos, s/f Tinta sobre papel 10 x 16 cm $70,000.00 M.N. — Preventa $40,000.00 M.N. — Puja

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Judith Romero

→ Semblanza del artista

5th Avenue, New York, USA. De la serie “Pasajera en tránsito”, 2016 Inyección de tinta sobre Mate Pro Premium 210 g 90 x 100 cm $18,500.00 M.N. — Preventa $18,500.00 M.N. — Puja

105

índice de artistas

Julio Barrita → Semblanza del artista

Asfixia, 2018 Fotografía digital encapsulada en tierra 48 x 38 cm $9,800.00 M.N. — Preventa $9,800.00 M.N. — Puja

106

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Kanako Namura

→ Semblanza del artista

Match Box Park –around and around, Magnified, s/f Inyección de tintas de pigmento sobre papel de algodón 59.4 x 42 cm $14,000.00 M.N. — Preventa $7,000.00 M.N. — Puja

107

índice de artistas

Karian Amaya → Semblanza del artista

Circular ruins, (series V), 2021 Cobre sobre maRmol 40 cm de diámetro/ Edición 2 de 5 $58,000.00 M.N. — Preventa $40,600.00 M.N. — Puja

108

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Khara Oxier-Mori → Semblanza del artista

Vestibule, 2021 Costura sobre papel 76.2 x 55.8 cm $58,000.00 M.N. — Preventa $38,000.00 M.N. — Puja

109

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Lao Gabrielli → Semblanza del artista

Frecuencia cromática, 2021 Pintura acrílica sobre tela de terciopelo 100 x 100 x 5 cm $120,000.00 M.N. — Preventa $46,000.00 M.N. — Puja

110

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Leo Matiz

→ Semblanza del artista Circo de Macondo, 1960 Impresión digital 20 x 25.2 cm $35,000.00 M.N. — Preventa $30,000.00 M.N. — Puja

111

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Leonor Hochschild → Semblanza del artista

R13, 2021 Resina metilmetacrilato 25 x 82 x 24 cm $75,000.00 M.N. — Preventa $48,000.00 M.N. — Puja

112

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Lucien Shapiro → Semblanza del artista

Green and quartz studded croquet of protection, 2019 Madera, tachuelas, cadena, resina epoxi, cuarzo y luz 69 x 25 cm $45,000.00 M.N. — Preventa $22,500.00 M.N. — Puja

113

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Luia Corsini → Semblanza del artista

Cempasúchil, 2020 Acrílico y óleo sobre lienzo 174 x 134 cm $76,000.00 M.N. — Preventa $45,600.00 M.N. — Puja

114

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Lyora Pissarro → Semblanza del artista

Energetic Exchange, 2021 Mixta con papel de oro 70 x 55 cm $78,000.00 M.N. — Preventa $56,000.00 M.N. — Puja

115

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Manolo Garibay → Semblanza del artista

Cabeza de Xiuhcóatl, mujer masturbándose, s/f Tinta sobre papel 100 x 70 cm $45,000.00 M.N. — Preventa $39,000.00 M.N. — Puja

116

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Manuel Felguérez → Semblanza del artista

Sin título, 2003 Serigrafía 84 x 64 cm / Edición 4 de 8 P/A $60,000.00 M.N. — Preventa $30,000.00 M.N. — Puja

117

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Marc Breslin → Semblanza del artista

Homework, too, s/f Óleo sobre tela 31 x 48 cm $50,000.00 M.N. — Preventa $25,000.00 M.N. — Puja

118

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Marcos González Foreman

→ Semblanza del artista

II, s/f Óleo sobre tela 130 x 130 cm $50,000.00 M.N. — Preventa $30,000.00 M.N. — Puja

119

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Maura Falfán → Semblanza del artista

Cowboy, 2010 Acrílico sobre madera 122 x 122 cm $150,000.00 M.N. — Preventa $80,000.00 M.N. — Puja

120

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Meredith Dittmar → Semblanza del artista

Her Work, 2018 Arcilla polimérica sobre acrílico 50 x 40 x 12 cm $50,000.00 M.N. — Preventa $25,000.00 M.N. — Puja

121

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Olivia Steele → Semblanza del artista

The civilized live in the wild, 2017 Papel algodón 190 grs. Hahnemuhle, William Turner.

50 x 75 cm / Edición de 25 $18,000.00 M.N. — Preventa $9,000.00 M.N. — Puja

122

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Orlando Díaz

→ Semblanza del artista

El Arquitecto, s/f Acrílico, recortes de papel, lápices de cera, encausto industrial sobre bastidor de madera 160 x 130 cm $65,000.00 M.N. — Preventa $35,000.00 M.N. — Puja

123

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Pablo Boneau → Semblanza del artista

Retrato al azar 3. De la serie: Ejercicios Estocásticos, 2021 Policarbonato, acero, hierro y aluminio 80 x 80 x 10 cm / Edición de 5 + 2 P/A $240,000.00 M.N. — Preventa $240,000.00 M.N. — Puja

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Pablo Llana

→ Semblanza del artista Crapitalism, 2021 Envolturas recicladas de Coca Cola, resina y hojas de acrílico sobre tela 40 x 50 cm $10,000.00 M.N. — Preventa $5,000.00 M.N. — Puja

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Paul Lozano → Semblanza del artista

Montañas, s/f Óleo sobre tela 40 x 40 cm $30,000.00 M.N. — Preventa $15,000.00 M.N. — Puja

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Paul Weiner

→ Semblanza del artista

Sin título, 2021 Cloro sobre algodón 230 x 200 cm $400,000.00 M.N. — Preventa $220,000.00 M.N. — Puja

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Pedro Friedeberg → Semblanza del artista

Los pergaminos. Templos de la amistad, 2018 Giclée en papel de algodón Rauch, 320g 60 x 70 cm / Edición 9 de 40. $80,000.00 M.N. — Preventa $80,000.00 M.N. — Puja

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Conocido por su obra surrealista llena de líneas, colores y símbolos religiosos antiguos. Su pieza más conocida es la Mano-Silla: una escultura/ silla diseñada para sentarse en la palma, usando los dedos como respaldo y descansabrazos. El artista de origen italiano comenzó a producir diseños que iban en contra de las formas convencionales de la década de los cincuenta, algunos tan increíbles como casas con techos en forma de alcachofa.

Su trabajo llamó la atención de Mathías Goeritz, quien lo animó a continuar su carrera de artista.

A través de familiares y amigos, conoció a otros artistas surrealistas, como Remedios Varo, quien recomendó su trabajo a la Galería Diana. Esto derivó en la primera exposición de Friedeberg en 1960, cuando sólo tenía 24 años. También conoció a Leonora Carrington y a Alicia Rahon, después se volvió miembro de Los Hartos, en 1961.

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Pedro Reyes → Semblanza del artista

Study for Epicurus, 2016 Yeso 46 x 14 x 15 cm $100,000.00 M.N. — Preventa $100,000.00 M.N. — Puja

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En 2011, Reyes dio comienzo Sanatorium, una obra que dota de dimensiones plásticas a distintos procesos psicoterapéuticos.

Comisionada originalmente por el museo Guggenheim de Nueva York, Sanatorium ha operado en Documenta 13, Kassel (2012), Whitechapel Gallery, Londres (2013), The Power Plant, Toronto, Canadá (2014) y OCA, São Paulo (2015), y recientemente celebró su décima edición en el MAAT de Lisboa, Portugal.

En 2013, tuvo lugar pUN: The People’s United Nations, en el Museo de Queens en Nueva York, una conferencia experimental en la que ciudadanos comunes actúan como delegados para cada uno de los países de las Naciones Unidas y buscan aplicar recursos de la psicología social y la resolución de conflictos a la geopolítica.

La segunda edición de pUN se llevó a cabo en el Hammer Museum de Los Ángeles (2015), y la tercera en 2015, en el Museo de Arte Contemporáneo del Siglo XXI, en Kanazawa, Japón.

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Pedro Reyes (Ciudad de México, 1972) estudió arquitectura. Se considera escultor tanto en el sentido clásico del término como en el campo expandido de la escultura social, en donde integra elementos como el teatro, la cibernética, el activismo y la psicología. Su práctica toma una variedad de formas, desde esculturas penetrables (Capulas, 2002-08) hasta elaborados montajes de guiñol (La Revolución Permanente, 2014), (Manufacturing Mischief, 2018).

En 2008, Reyes inició el proyecto Palas por Pistolas, donde 1,527 armas de fuego fueron recolectadas en México a través de un programa de donación voluntaria para producirse el mismo número de palas y plantar 1,527 árboles. Esto condujo a Disarm (2012), donde 6,700 armas fueron destruidas para transformarse en instrumentos musicales. En 2014 realizó Amendment to the Amendment, un ejercicio de teatro legislativo en donde el público se daba a la tarea de reescribir la segunda enmienda de la constitución de los Estados Unidos.

A finales del 2016 presentó Doomocracy, una instalación de teatro inmersivo comisionada por Creative Time. También fue profesor en el Massachussetts Institute of Technology durante el otoño de 2016, donde colaboró con Noam Chomsky en la obra de teatro Manufacturing Mischief. Recientemente, Pedro Reyes fue comisionado por el “Bulletin of the Atomic Scientists” para generar conciencia en torno al creciente riesgo de un conflicto nuclear, por lo que desarrolló el proyecto Amnesia Atómica, que se presentará en Times Square, Nueva York, en Mayo de 2022, durante la conferencia del Tratado de No-Proliferación en las Naciones Unidas.

Por su trabajo acerca del desarme, Reyes fue laureado con el Premio Luxemburgo de la Paz en 2021.

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Polímera Fernández → Semblanza del artista

Bowie, 2021 Acrílico sobre lienzo 100 x 100 cm $14,500.00 M.N. — Preventa $14,500.00 M.N. — Puja

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Raúl Anguiano → Semblanza del artista

Rostro de mujer, 1938 Lápiz sobre papel 47 x 32 cm $160,000.00 M.N. — Preventa $80,000.00 M.N. — Puja

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Renata Alarcón → Semblanza del artista

Transiciones II, Serie 1 de 5, 2021 Figuras de latón sobre bastidor de lino crudo 70 x 50 cm $14,000.00 M.N. — Preventa $7,000.00 M.N. — Puja

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Ricardo Sanabria Piedra angular, 2019 Mixta sobre madera 110 x 90 cm $90,000.00 M.N. — Preventa $60,000.00 M.N. — Puja

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Ricardo Santos → Semblanza del artista

Se vende, 2021 Acrílico sobre lienzo 20 x 25 x 4 cm $5,700.00 M.N. — Preventa $2,850.00 M.N. — Puja

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Roberto Cortázar → Semblanza del artista

Cabeza masculina, 2020 Bronce patinado con nitrato de cobre y sulfuro de potasio. Color negro pavonado.

51 x 14 x 12 cm $80,000.00 M.N. — Preventa $80,000.00 M.N. — Puja

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Roberto Zamarripa → Semblanza del artista

He preferido el polvo, 2013 Mixta 100 x 100 cm $45,000.00 M.N. — Preventa $25,000.00 M.N. — Puja

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Rodrigo de la Sierra → Semblanza del artista

El Bicho... pensar que algo tan pequeño ha hecho tanto daño, Serie 5 de 40, 2021 Bronce y acero inoxidable. Bronce a la cera perdida 9 x 12.5 x 8.5 cm $50,000.00 M.N. — Preventa $25,000.00 M.N. — Puja

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Rodrigo Garagarza → Semblanza del artista

Relieve de estructura floral. No. 1, 2021 MDF, espejo y madera 110 x 110 x 54cm $138,500.00 M.N. — Preventa $95,000.00 M.N. — Puja

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Rodrigo Palma

→ Semblanza del artista

Duna 3, s/f Fotografía impresa sobre papel algodón montada sobre sintra 100 x 100 cm $25,000.00 M.N. — Preventa $12,500.00 M.N. — Puja

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Sabino Guisu → Semblanza del artista

Sin título, 2021 Humo, acrílico y hoja de oro sobre tela 80 x 80 cm $50,000.00 M.N. — Preventa $25,000.00 M.N. — Puja

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índice de artistas

Santiago Díaz Guichón

→ Semblanza del artista

Sueños vividos, 2021 Electroart 88 x 134 cm $33,000.00 M.N. — Preventa $22,500.00 M.N. — Puja

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Sebastián Hidalgo → Semblanza del artista

Destellos, 2018 Óleo sobre tela 33 x 22 cm $16,000.00 M.N. — Preventa $11,200.00 M.N. — Puja

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Taeko Nomiya → Semblanza del artista

Blue lights, 2020 Impresión de pigmento 50 x 79 cm / Edición de 10 $30,000.00 M.N. — Preventa $15,000.00 M.N. — Puja

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Tania EA

→ Semblanza del artista Mundos paralelos, 2021 Acero 40 x 40 x 40 cm $51,040.00 M.N. — Preventa $31,000.00 M.N. — Puja

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Tatiana Camacho + Prince Láuder Semblanzas: → Tatiana Camacho, → Prince Láuder

Energía solar, Serie 2 de 5, 2021 Collage e inyección de tintas sobre papel algodón 120 x 85 x 5 cm $40,000.00 M.N. — Preventa $20,000.00 M.N. — Puja

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Urs Fischer x Louis Vuitton → Semblanza del artista

Bolso LVXUF CABAS, s/f Bolso acolchado sobre un fondo de lona, forro de lona monogram revestida.

38 x 36 x 11 cm $70,000.00 M.N. — Preventa $70,000.00 M.N. — Puja

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Louis Vuitton se ha unido con el aclamado artista contemporáneo suizo, Urs Fischer, en una colaboración multifacética que destaca su visión creativa y divertidamente audaz a lo largo de una gran gama de piezas de marroquinería, prêt-à-porter, zapatos y accesorios, así como llamativos escaparates, instalaciones dentro de las tiendas y contenido digital. El punto de partida para esta colaboración integral, titulada Louis Vuitton x Urs Fischer, es el tratamiento exuberante y texturizado que el artista da al Monograma insignia de Louis Vuitton.

Los motivos oníricos resultantes, que parecen flotar y moverse delante de la mirada, han sido adaptados de forma meticulosa para ir de acuerdo con cada producto específico a lo largo de esta colección integral, cambiando en tamaño, perspectiva, color y técnica de aplicación. Louis Vuitton x Urs Fischer es al mismo tiempo el escaparate perfecto a gran escala para el mundo creativo de Urs Fischer y el más reciente y excitante capítulo dentro del compromiso de larga trayectoria que Louis Vuitton mantiene con las artes.

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Venuz White → Semblanza del artista

VAHO, 2018 Mixta sobre madera 180 x 160 cm / Díptico $400,000.00 M.N. — Preventa $280,000.00 M.N. — Puja

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Ximena Alarcón

→ Semblanza del artista

Los Desahuciados III. De la serie “Los Desahuciados”, 2014 Carbón y lápiz sobre papel 84 x 119 cm $82,000.00 M.N. — Preventa $41,000.00 M.N. — Puja

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Yvonne Domenge → Semblanza del artista

Esfera de lunas crecientes, Serie 1 de 6, 2019 Bronce a la cera perdida con pátina rojo quemado 20 cm de diámetro $214,600.00 M.N. — Preventa $185,000.00 M.N. — Puja

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Zach Thompson → Semblanza del artista

Chess moves, 2020 Acrílico, óleo, grafito, pastel y carbón 91.44 x 91.44 cm c/u / Tríptico $300,000.00 M.N. — Preventa $200,000.00 M.N. — Puja

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Ricardo Garduño → Semblanza del artista

Piano escarlata, 2021 Piano intervenido 195 x 146. 5 cm $600,000.00 M.N. — Preventa $300,000.00 M.N. — Puja

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Galerías participantes

Endy Hupperich - Rien ne va plus avec muse, Febrero - 2021

El Cielo y la serpiente, exposición de José Ángel Santiago 2021 @soyjoms

Constitución 104 int 1 Centro Histórico, Oaxaca T. 9515142606 contacto@galeriaquetzalli.com galeriaquetzalli.com IG. galeria_quetzalli

w ww.nicole.services

“La otra esquina Mediterránea”

Av. Presidente Masaryk 61, Polanco

T. 55 1560 7219

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Más sobre las y los artistas participantes

Abraham Chávez

Aldo Álvarez Tostado

(México, N. 1988) Comenzó sus estudios de Fotografía en la Escuela Activa de Fotografía, posteriormente, finalizó su formación artística en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Ha expuesto de manera individual con la siguiente muestra: Rojo Itinerante, Pandeo (2018). Entre sus principales exposiciones colectivas, destacan: Primera Exposición del día mundial del medio ambiente, Espacio Alternativo La Esmeralda, CDMX (2016); XIII Exposición colectiva de Gráfica, Galería Central La Esmeralda, CDMX (2017); Fábulas sin moraleja, Casa del Lago, CDMX (2018); Status Quo - Primer Encuentro de Arte Contemporáneo, Oaxaca (2019); ¿De qué hablamos cuando hablamos de espacios independientes?, Diálogo, Salón ACME, CDMX (2020); entre otras. Es Co-fundador y Director de “Frontera Garibaldi”.

(México, N. 1987) Egresado de la Escuela de Arquitectura del ITESO (2010), donde es profesor de taller. Su obra ha sido expuesta en varias exhibiciones alrededor de México por invitación de curadores como Nicolás Bourriaud, Paulina Ascencio, Alberto Ríos de la Rosa y Mario Ballesteros. Su práctica se extiende al diseño y la arquitectura, como fundador del estudio homónimo (2013), cuya producción ha formado parte de exhibiciones en London Design Fair, Reino Unido; Adorno Gallery, Copenhague, Dinamarca; Museo Tamayo, Ciudad de México, México; y el Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México, México. Ha sido seleccionado para la Ghetto Biennale, Puerto Príncipe, Haiti (2019); acreedor del Art Review / Casa Wabi Residency Award (2018); y del Programa de Residencias Locales PAOS (2018).

Actualmente, vive y trabaja en Guadalajara.

(Perú, N. 1965) Es un artista contemporáneo originario de Perú cuyo trabajo se centra, principalmente, alrededor de la escultura, el diseño y la arquitectura. Conocido especialmente por sus esculturas hechas con acero inoxidable. Actualmente vive y trabaja entre la Ciudad de México, Los Ángeles, Madrid y Lima. Mucho del trabajo de Aldo Chaparro está basado en procesos rápidos, lo cual le obliga a tener una relación estrecha con sus materiales. Sus esculturas en acero inoxidable doblado remiten por un lado al error, teniendo un parecido con hojas de papel desechadas, así como a una de las maneras más primitivas de darle volumen a un plano. Por otro lado, la superficie de los mismos funciona como espejos distorsionados que sirven como un visor del espacio alternativo que construyen. Las láminas de acero, dobladas con el cuerpo y la fuerza de Chaparro, tienen su origen en su interés por el reflejo. Una de las premisas de su obra es el tiempo y la relación que éste tiene con el material. Sus esculturas con acero son el resultado de la interacción de su propio peso, fuerza y estado de ánimo, con las hojas de acero inoxidable o latón, de modo que la producción de las mismas funciona como un diario de su cuerpo. Es representado por la Galería de Pierre Huber en Suiza, la Galería Casado Santapau en España, Ginsberg Galería en Lima, y OMR

en México. Además de su trabajo como artista, también ha sido editor y director de arte. Como director del Grupo Editorial Celeste produjo más de 40 publicaciones de arte contemporáneo y moda del año 2000 al 2012, incluyendo Celeste y Baby baby baby, dos de las publicaciones de arte y cultura contemporánea más influyentes a nivel mundial. Su trabajo se encuentra en colecciones como: Fundación/Colección Jumex, México; Colección Coppel, México; The CIFO – Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, Estados Unidos; The Helga de Alvear Foundation, España; Simon de Pury, Londres, Reino Unido; Douglas Baxter’s Collection, Nueva York, Estados Unidos; Collection Domenico de Sole, Hilton Head, Estados Unidos; Collection Guler Sabanci, Estambul, Turquía; Pierre Huber Collection, Ginebra, Suiza; Museo de Arte Contemporáneo Lima, Lima, Perú; Pérez Art Museum Miami, Miami, Estados Unidos.

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Aldo Chaparro

Alejandro Grande (México, N. 1984) Diseñador industrial egresado de la Universidad Iberoamericana. Desde los inicios de su carrera ha colaborado con diferentes personalidades del mundo del diseño y el arte como Javier Marín en el desarrollo de esculturas para la Bienal de Milán en 2005.

También ha colaborado con Emiliano Godoy y Alejandro Castro como parte del equipo de PIRWI 2007. Ha creado instalaciones 181

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en espacios públicos y colaboraciones especiales para marcas como Louis Vuitton, Diageo Reserve, Palacio de Hierro y Cartier.

Ha expuesto de manera colectiva en diferentes ocasiones, entre las que destacan: Exposición colectiva, Esto no es una galería, México (2019); Colección de momentos: Diseño en México 1999-2015, Museo Universitario del Chopo, México (2018); Inédito showcase, Design Week México, Museo Tamayo, México (2017); Bilateral, Tokyo Design Week, Japón (2016); Talen mexican, France Gallery S. Bensimon, Francia (2015); entre otras. Es socio fundador del Estudio de Diseño “FOAM”.

Alejandro Pintado (México, N. 1973) Cursó la Licenciatura de Pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en la Ciudad de México, la maestría en Bellas Artes en Goldsmiths College de la Universidad de Londres y realizó estudios en Skowhegan School of Painting en Maine.

Destacan entre algunas de sus exposiciones relevantes: Material/Ethereal, Hamiltonian Gallery, Washington, DC; The Clearest Skies, Post Box Gallery, Londres; Trayectoria del conocimiento. Diálogo con José María Velasco, Museo Nacional de Arte, Ciudad de México. Ha participado también con Planos convergentes, en la Galería Ethra de Ciudad de México; Crosslines en el Arts and Industries Museum Smithsonian de Washington 182

D.C.; Pabellón de México en la Feria Mundial Expo de Milán (2015); Messico circa 2000 en la Scuderia del Castello Miramare de Turín; Escape en la Sumarria Lunn Gallery, Londres; Landscape interventions en la Fundación Arte sin límites, La Haya y Berlín. Ha sido distinguido con galardones como el premio Bienal Miradas, de Tijuana; la beca del Sistema Nacional de Creadores del FONCA, México; el Premio Especial en Venecia, Italia; la Beca Pollock-Krasner, de la Fundación Pollock-Krasner, de Nueva York; y el Premio de Adquisición del XVIII Encuentro Nacional de Arte Jóven en, en Aguascalientes.

Alejandro Santiago (México, N. 1964 - M. 2013) Nació en Teococuilco, Oaxaca, a 60 km al noreste de la ciudad de Oaxaca, en 1964.

Cuando tenía 9 años, se mudó con su familia a la ciudad de Oaxaca. Estudió en el Centro de Iniciación Artística en la ciudad de Oaxaca. Interesado en seguir estudiando pintura se inscribió en el Taller de Arte Rufino Tamayo, que dirigía el maestro Roberto Donis y logró conseguir una beca.

Allí fue donde se convirtió en pintor. Luego ingresó por un corto tiempo a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Oaxaca, en donde conoció al maestro Shinzaburo Takeda, un pilar académico en esa institución, quien era egresado de la Universidad de Bellas Artes de Tokio, y en 1963 se mudó a México, para continuar sus estudios en la

y añadió una más, la suya propia, colocada como testimonio de su regreso. Alejandro Santiago entregó su vida al arte y a ayudar a su pueblo. Fundó el Centro Escultórico La Telaraña y becó a jóvenes para que se acercaran a las artes como lo hizo él desde temprana edad.

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Escuela Nacional de Artes Plásticas, a lado de Luis Nishizawa. En 1985, presenta su primera exhibición individual en la Galería Sol y Luna, en la cual la Fundación Rockefeller adquirió tres de sus obras. En 1989 fue seleccionado para un programa de intercambio cultural de la Embajada de Estados Unidos, por medio del cual obtuvo una beca que le permitió viajar a Nueva York, Boston, Washington y Santa Fe, para compartir sus experiencias con estudiantes de habla hispana de escuelas de enseñanza superior.

Posteriormente, visitó Seattle, Portland y San Francisco, en donde estableció contacto con galerías; así la proyección de su obra alcanzó foros internacionales. En 1993 participó en la exposición colectiva Europalia 93, que tuvo lugar en Bruselas, Bélgica. Tras viajar varios años por Francia y Estados Unidos, regresó a la ciudad de Oaxaca donde estableció su estudio y en un rancho cerca de la comunidad de Suchilquitongo desarrolló sus proyectos de escultura.

Descubrió que Teococuilco, su comunidad de origen, estaba cada vez menos poblada a consecuencia de muchos años de migración, ahí encontró una gran inspiración a través de la cruda realidad que él mismo experimentó, la cual le llevó a realizar su obra más importante titulada 2501 Migrantes. Su manera de representar el fenómeno de la migración en una serie de esculturas que simbolizan las almas de 2500 +1 paisanos que estaban ausentes de Teococuilco

Alex Lazard (México, N. 1986) Artista plástico enfocado en la pintura y el grabado. Ha estudiado recientemente en el Taller “Xiguil” de Javier Cabrera, en el Distrito Federal de México, actualmente Ciudad de México, donde perfeccionó su técnica gráfica. Ha realizado estudios en diversas escuelas del extranjero como en la Universidad de Barcelona, España, y en la Angel Academy of Classic Art en Florencia, Italia.

Cuenta entre sus obras artísticas más relevantes pinturas de gran formato realizadas, principalmente, con acrílico u óleo sobre tela. Entre sus exposiciones individuales más significativas destacan las de Casa Barragán, Ciudad de México (2013); la del MDA Graphic Design Center, Ciudad de México (2012); la de Galería Integral, México (2012); Embajada de México en Madrid, España (2010); y la del Club Deportivo Israelita, Ciudad de México (2009). Lazard también ha participado en más de diez exposiciones colectivas, en la Bienal de arte Lumen (2019); en Casteli Art Space, Los Angeles, Estados Unidos (2018); Arte Vivo, Museo de Arte Moderno, México 183

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(2015); Galería Aguafuerte, México (2013); exposición para el Grupo White Spider, Ciudad de México (2012); entre otras. Su obra ha sido reseñada en las redes sociales de Conaculta (2011) y en periódicos relevantes como el diario Reforma (2012) y El Universal (2013), entre otros.

Alexander Mignot (Canadá, N. 1984) Pintor mitad francés y mitad venezolano, creció en la isla de Margarita, en Venezuela, rodeado por el mar Caribeño y surfeando a diario. Ha vivido también en Florida y Portugal. Realizó su primera exposición individual en Miami, Florida. Ha expuesto de manera individual durante seis ocasiones diferentes en Ciudad de México, Nueva York, Madrid, París, St. Barths y Mykonos. Su obra forma parte de diferentes colecciones Blue Chip alrededor del mundo. El arte se convierte en su vida y propósito. Su estudio se encuentra en Lisboa donde vive y pinta.

Alexander Zuleta (Guatemala, N. 1984) Trabaja en la geometría, estudiando en profundidad el arte cinético, y el op-art. Artista visual, diseñador gráfico, pintor, escultor, grabador, fotógrafo y dibujante. Desde la edad de cinco años empieza su interés y afición por la pintura, prácticamente, su formación es autodidacta. Luego de obtener varios reconocimientos y primeros lugares 184

en los concursos de la región, a partir de los 17 años estudia Diseño Gráfico en la Universidad del Istmo de Guatemala. Posteriormente, obtiene un intercambio de estudios basados en Filosofía del Arte y Diseño y Arte Práctico en CODARTS, Hogeschool Voor de Kunsten en Países Bajos. Además ha realizado estudios con maestros reconocidos. Su obra ha participado en varias exposiciones colectivas nacionales e internacionales en Argentina, Brasil, Costa Rica, Cuba, El Salvador, España, Estados Unidos, Guatemala, México y Países Bajos. Ha participado en la realización de la joven estampa en la Casa de las Américas - Cuba, dentro de sus exhibiciones en Guatemala y el extranjero, destacan la Tercera Muestra Centroamericana de Arte Emergente en el Museo de las Américas, Palacio de Bellas Artes, México (2005); exhibición de dibujos en la sala Clemente Orozco; exhibición CODARTS, Países Bajos (2003); Bienal de arte Paiz, Guatemala (2004); Juannio (2005 a 2007): Arte Subasta Rotarios, Fundación Rozas Botrán. Palacio Nacional de Cultura, Alianza Francesa, Museo de la Cervecería, Sala Marco Augusto Quiroa, La Antigua, Galería Carlos Woods, El Ático, El Túnet, Caos, El Sitio.

Alexis De Chaunac (Estados Unidos, N. 1991) Vive y trabaja entre Nueva York, París y México. Estudió en Sarah Lawrence College en Nueva York antes de inscribirse en la Uni-

Alfredo Cota (México, N. 1982) Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara, realizó un intercambio académico en la Univer-

sidad Diego Portales en Santiago de Chile.

Trabaja a partir del modelado con plastilina y posterior vaciado en materiales rígidos como la resina o el metal. Su propuesta escultórica analiza aspectos de socialización y migración de especies animales siempre dinámicas. Ha expuesto individualmente en diferentes plataformas y galerías como: Gallery Weekend, Corredor Cultural Roma Condesa y Art Vancouver, Canadá. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas en museos, galerías y espacios independientes de distintas partes de la república mexicana. Fue elegido para realizar la escultura conmemorativa de los 25 años del Auditorio Nacional en la Ciudad de México (2016).

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versidad de Oxford en Inglaterra, en la carrera de Historia del Arte. Sus principales exposiciones individuales son: Alexis de Chaunac: Botánica, Sargent Daughters, Nueva York, Estados Unidos (2019); Alexis de Chaunac: Botánica Magnífica, ChaShaMa, Nueva York, Estados Unidos (2018); Alexis de Chaunac: Rebelde con Causa, XLV Festival Internacional Cervantino, Universidad de Guanajuato, México (2017); Alexis de Chaunac: A Dance with Life and Death, ART 3 Gallery, Brooklyn, Estados Unidos (2015); Alexis de Chaunac: Mala Sangre / Bestiario, Pinacoteca Diego Rivera, Xalapa, México (2015); Alexis de Chaunac: Mala Sangre, Instituto Cultural de León, Guanajuato, México (2014); Alexis de Chaunac: Mala Sangre, Museo Iconográfico del Quijote, Guanajuato, México (2014).

Principales exposiciones colectivas: 7102 Fantasma Semiótico (S)Cituacionista, Museo de Arte Carrillo Gil, México (2017); Inaugural Exhibition, ART 3 Gallery, Brooklyn, Estados Unidos (2014); DRAW, the largest contemporary drawing exhibition curada por Erik Foss y Miguel Calderón, Museo de la Ciudad de México, México (2010). Sus obras forman parte de colecciones privadas de Nueva York, Los Ángeles, Dallas, París y México.

Andrés Basurto (México, N. 1973) Es un pintor y escultor conocido por utilizar fragmentos de vidrio de botellas de cerveza y vino para crear esculturas en mosaico de diversas formas y colores. Sus mosaicos se mantienen unidos con resina epóxica y exponen la creencia de Basurto en la fragilidad del ser humano. Crea formas específicas que evocan el esqueleto y el cráneo humano como un contenedor del alma. Su trabajo se ha exhibido extensamente en todo México y ha sido presentado en una serie de ferias de arte y galerías en Nueva York, Miami, Inglaterra y Escocia. Las esculturas de Basurto representan el deseo 185

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humano primordial y esencial de preservar y mantener la vida junto con la necesidad inútil de controlar la muerte, haciendo evidente la fragilidad de nuestra existencia.

Andrés Felipe Castaño (Colombia, N. 1986) Egresado de la Academia Superior de Artes de Bogotá, maestro en Artes Visuales por la Universidad Nacional Autónoma de México, integrante del programa educativo SOMA (2014), y del programa de estudios CAPACETE (2016), en Río de Janeiro. Ha realizado residencias artísticas en Colombia, Costa Rica y Noruega (2009-2013). Entre sus exposiciones colectivas sobresalen Imago Mundi, Fundación Giorgio Cini, Venecia; Salón de Arte Joven, Fundación Gilberto Álzate Avendaño; Bienal de las Fronteras, Museo de Arte Contemporáneo de Tamaulipas (2015); I Bienal de Arte Contemporáneo, Cartagena (2014); VI Salón de Arte Bidimensional, Fundación Gilberto Álzate Avendaño (2013); Melgart/ Arte de paseo, Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBO (2013); 41 Salón Nacional de Artistas en Cali, Colombia.

Armando de La Garza (México, N. 1973) Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma de Nuevo León y tomó cursos y talleres de Artes. Cuenta con alrededor de 40 exposiciones colectivas en Argentina, Australia, Austria, Chile, Estados Unidos, Hong Kong, 186

México y República Checa. Individualmente ha expuesto en más de 25 ocasiones destacando En cualquier lugar que esto pueda hallarse en Ginocchio Galería en la Ciudad de México; Érase una vez en el Centro de las artes de la Ciudad de Monterrey; ID en Emma Molina Galería, San Pedro Garza García; Los Infortunios de la Virtud en Galería Oblyon, Barcelona, España; Horror Vacui, en Galería Isabel Croxatto, Santiago de Chile; Retratos de la corte, Galería Alternativa Once; Biotá en el espacio de Área Creativa 42 en Rivarolo Italia; entre otras. Ha sido acreedor a diversos reconocimientos como el premio de adquisición en la XVIII Reseña de la plástica Nuevoleonesa y primer lugar en la Primer Bienal del Centro Cultural Alemán, así como selecciones en la IX Bienal FEMSA y en diferentes emisiones de la Reseña de la plástica Nuevoleonesa, y el Encuentro Nacional de Arte Joven, entre otros.

Betsabeé Romero (México, N. 1963) Artista visual mexicana que mezcla el arte contemporáneo con el arte popular.

Su lenguaje artístico, que va desde intervenciones al uso de variadas técnicas plásticas, le han convertido en una de las artistas visuales mexicanas más destacadas del momento; sobre todo, en temas de importancia social como la migración, las tradiciones y el mestizaje. Su trabajo se ha caracterizado por el predominio de

Carlos Abascal (México, N. 1986) Abogado de profesión, artista por decisión. Comienza su formación artística en 2017, en un taller artístico en la ciudad de Puebla, acompañado de grandes amigos artistas. Incursionó en la escultura de cerámica, encontrando su pasión. Carlos Abascal ha creado diversas colecciones de esculturas que desarrollan una temática específica y tienen un significado.

Actualmente trabaja en piezas enfocadas en la figura de astronauta.

Carlos Agustín (México, N. 1952) Estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del INBA, y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos de la Universidad Nacional Autónoma de México. Artista visual multidisciplinario de amplia trayectoria: pintor, grabador, editor de libros de arte y fotógrafo. Entre sus exposiciones individuales más relevantes se encuentran: Sculptures: Carlos Agustín, Hoffman Gallery, San Diego (1987); Carlos Agustín Esculturas, Centro Asturiano, Ciudad de México (1989); Homenaje a Juan Rulfo.

Donde Retorna el Viento, Instalación, Instituto Politécnico Nacional, Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura, Ciudad de México (2006). Es el creador de esculturas monumentales para el Hotel Presidente Intercontinental de Polanco, Ciudad de México (2011); en el Jardín Zaragoza, Toluca (2010); autor de obras para el 70 aniversario del Instituto Politécnico Nacional (2006) y para el Instituto Nacional de Cancerología (2003); entre otras. Se ha hecho acreedor a diferentes premios y menciones honoríficas en salones de artes plásticas. Su obra es parte de colecciones y museos como el Museo de Arte de Aguascalientes, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte de Querétaro y el Kochi de Osaka.

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la temática urbana y la exploración que hay detrás de objetos como el auto o las llantas, de esta manera, ha ido rescatando tradiciones y elementos culturales enfocándose en problemas sociales de la realidad mexicana contemporánea. Muchos de los cuales son la herencia de su complejo proceso histórico, por ejemplo, el tema de la industria textil de México y el mestizaje.

Betsabeé Romero ha participado en más de 20 bienales y ha llevado a cabo más de 40 exposiciones individuales en México y en el extranjero, entre las que destacan las del Museo Británico, el Colegio de San Ildefonso, Museo de Arte Carrillo Gil, la Universidad UNISA de Sudáfrica y la Recoleta en Buenos Aires. Cuenta con una gran trayectoria que la ha convertido en una de las principales representantes del arte latinoamericano del siglo XXI.

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Chance Watt (Estados Unidos, N. 1993) Artista estadounidense que descubre su pasión por el arte a los 19 años. Entre su interpretación contemplativa hábilmente audaz de la abstracción y el realismo, sus pinturas son viscerales pero sensuales. Cada concepto es un placer, la mente salta entre toques de color y sofisticación cambiante. Chance crea una energía con toques de densidad que emiten una ligera sensación escultural para que el ojo juegue.

Sus sujetos se elevan a una nueva era y una vibra que estimularán constantemente la mente con narrativas en constante cambio.

Charlie Nesi (Estados Unidos, N. 1987) Después de trabajar en la industria de la moda durante muchos años, dejó ese medio para seguir una carrera en las artes plásticas. Poco tiempo después conoció a Raphael Mazzucco, un artista multidisciplinario, que se convertiría en su mentor.

Dividiendo su tiempo trabajando junto a Raphael en su estudio de Montauk y en su propio estudio en Brooklyn, comenzó a sumergirse en la escena artística de la ciudad de Nueva York. Fue durante esta época que le ofrecieron una residencia artística en México; los siguientes cinco años influyeron y dieron forma a su estilo en lienzo y técnicas mixtas. Charlie Nesi recurre a varios estilos, utilizando un enfoque abstracto mi188

nimalista y trabajando con una exploración poco convencional de diferentes materiales para crear arte escultórico.

Alexis Mata (México, N. 1981) La práctica de Alexis Mata implica la desfiguración y la manipulación de imágenes existentes con una oscura intención arqueológica, con el fin de desenterrar un sustrato emocional. A través del collage, el dibujo, la pintura e instalaciones, retuerce las imágenes halladas para posicionarlas como glosas viscerales sobre la muerte, la violencia, la belleza y el entorno construido. Su obra más reciente se enfoca en los sistemas de representación en el arte y los medios, a través de estructuras no figurativas y ejercicios de deconstrucción de la imagen, generando un cúmulo de formas plásticas que buscan respuestas. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Deliciosa Monstera, MAIA Contemporary, Ciudad de México (2018); Pintura Reactiva, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México (2018); La Muerte del Autor, MAIA Contemporary, Ciudad de México (2017); Ponzoña, Galería FU, Miami (2015); Error, Soze Gallery, Los Ángeles (2014); Pensamientos Vagos, Tijuana Cultural Center, Tijuana (2009), entre otras. Dentro de sus exposiciones colectivas podemos encontrar: México: Pintura Reactiva, Museo Carrillo Gil, Ciudad de México (2018); Platinum Blend 2, Modern

Claudio Roncoli (Argentina, N. 1971) Artista multidisciplinario, egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (1995). Es reconocido por sus murales en Nueva York, Miami y Buenos Aires. De sus exposiciones individuales, destacan: The Empty Project, Adelina Gallery, São Paulo, Brasil (2017); Change to Balance, Atium Art Gallery, Miami, Estados Unidos (2016); Encounter Latin & Korean, Busan Art Center, Corea (2015); El tiempo es arena en mis manos, Galería MODOS, Buenos Aires, Argentina (2014); entre muchas otras. Ha obtenido la beca del Fondo Nacional NEA, Estados Unidos, en Bakehouse Art Complex de Wynwood, Miami y dos Premios Grammy por su Dirección de Arte en packaging de discos (2017-2018).

Cynthia Gutiérrez (México, N. 1978) Su obra denota una búsqueda constante por analizar la memoria en distintos niveles, generando tensiones o fisuras en los esquemas establecidos. Sus reflexiones

y procesos parten de situaciones de conflicto, de terrenos inestables, indefinidos, cuya vulnerabilidad permite el desplazamiento en múltiples direcciones. A partir de fragmentos, reconfigura imágenes que alteran trayectos habituales y desestabilizan estructuras ofreciendo alternativas que operan simultáneamente entre realidad y ficción. Articula elementos históricos desde una nueva postura con cronologías distorsionadas que evidencian la imposibilidad de generar recuerdos precisos y revelan la fugacidad de la historia. Con formación en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara ha realizado diversas exposiciones individuales como Todos los siglos son un solo instante, La Tallera, México (2019); No para siempre en la tierra, Proyecto Paralelo, México (2019); Persisting Monuments, SCAD Museum of Art, Estados Unidos (2017); Paráfrasis del estrago, Museo de Arte Raúl Anguiano, México (2016); Coreografía del colapso, Proyecto Paralelo, México (2014); Notas de Carnaval, Museo de Arte de Zapopan, México (2011); Escuela para cadáveres, Museo de las Artes, México (2008). Ha participado en muestras colectivas como Nunca fuimos contemporáneos, XIII Bienal Femsa, México (2018); Viva Arte Viva, 57a Exposición Internacional, Biennale Di Venezia, Italia (2017); Social Contract, Izolyatsia Platform for Cultural Initiatives, Ucrania (2016); Overburden, CCS Bard Hessel Museum, Estados Unidos (2016); A

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Eden Gallery, San Francisco (2016); The Soze Collection, Soze Gallery, Los Ángeles (2014); 1000 Amsterdam Drawing, Brakke Grond Vlaams Cultuurhuis, NL. (2013); Distorting views, Brick Lane Gallery, E1 6SA, Londres (2012); Honesty Eye, Level Gallery, NY. International, Nueva York (2009).

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Certain Urge (Towards Turmoil), EFA Project Space, Estados Unidos (2016); Reconstrucción, Museo de Arte de Zapopan, México (2016); Como fantasmas que vienen de las sombras… y en las sombras, se van, ESPAC, México (2015); Objects Food Rooms, Proyecto Paralelo, México (2015); Celemania, Frac des Pays de la Loire, Francia (2014); Bienal de Berlín 8, KW Institute for Contemporary Art, Alemania (2014); Algunas Lagunas, Proyecto Paralelo, México (2013); Crossing Boundaries, II Bienal Internacional de Arte Joven de Moscú, Rusia (2010); y Hecho en casa, Museo de Arte Moderno, México (2009). Fue invitada a las Residencias MCA Denver, Estados Unidos (2018); Frac des Pays de la Loire, Francia (2014) y A+D Arte y Desarrollo en Laboral Centro de Arte, España (2009). Ha sido becaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2013-2014) y miembro del SNCA (2016-2019).

Cynthia Serur (México, N. 1974) Fotógrafa que ha optado por evidenciar y atrapar ese cambio que caracteriza a la realidad que nos circunda; transfigura arquitecturas, espacios, objetos y materiales en evocativas formas abstractas en las que solo existe luz, oscuridad, sombra y estructura, siendo así valiente ante la defensa de la belleza como una categoría necesaria para el bienestar del ser humano, generando imágenes que alevosamente seducen la 190

mirada al tiempo que alteran las expectativas estéticas convencionales. Su obra ha sido expuesta en San Miguel de Allende, Miami, Los Ángeles, Nueva York, Madrid, Florencia, Portugal e Israel; también ha sido incluida en varias colecciones, como la colección del Museo Nacional de Antropología, el Museo del Arte Contemporáneo y en colecciones privadas en Estados Unidos, Inglaterra y México. Ha participado en ferias internacionales como Zona MACO con Patricia Conde Galería; MADRID PHOTO con Patricia Conde Galería; Context Art Miami, Photo Independent LA y ART, Innsbruck.

Asimismo, en el Festival Emergente de Lleida España con la muestra La fotografía no tiene tiempo sino memoria. Es miembro fundador de la Fundación OR-B. A través de la fotografía y el arte urbano, desde 2012 desarrolla ISITIA (despertar en Náhuatl), un programa social para el empoderamiento de los jóvenes. Miembro del Consejo Consultivo de la UNICEF desde 2015.

Daniel Dugan (Estados Unidos, N. 1978) Con base en sus estudios de Los Ángeles, Miami y Ciudad de México, su proceso aparece en papel, lienzo, madera, metal, vidrio y una variedad de materiales mientras crea comisiones personalizadas para hogares privados, propiedades de lujo y museos de todo el mundo. Su trabajo ha aparecido en la edición de Arte de Ange-

Dennis Miranda (México, N. 1993) Artista autodidacta, ha sido parte de diversas muestras, individuales y colectivas, en Estados Unidos, México y Países Bajos en espacios alternativos como For here or to go? en Los Ángeles. De manera colectiva ha expuesto en Gallery Weekend y Motor de impulso en la Galería Terreno Baldío y en el proyecto 1/2 Estudio Galería con la muestra Magdalena Contreras, una exposición de pintura. Es miembro y fundador del proyecto Absurda’s así como de Librería Informal, una librería pública de consulta gratuita e interacción social, y del proyecto 1/2 Estudio Galería, proyecto provisional y sin sitio, que responde a necesidades de exhibición efímeras e inmediatas.

Dr. ATL (México, N. 1875 M. 1964) Gerardo Murillo Cornado, conocido como Dr. Atl, estudió pintura con Felipe Castro.

En Ciudad de México ingresó a la Escuela de Bellas Artes y a la preparatoria. Porfirio Díaz le otorgó una beca como estudiante de pintura en Europa. Cursó filosofía y derecho en la Universidad de Roma. Co-

laboró con el Partido Socialista Italiano y con el periódico Avanti. Fue caminando hasta París para escuchar las cátedras de Henri Bergson sobre arte. Por aquel entonces, Leopoldo Lugones lo bautizó como Dr. Atl. De vuelta en México, organizó una exposición para la revista Savia Moderna que patrocinaban los jóvenes más brillantes del momento. Exhibieron sus primicias Francisco de la Torre, Diego Rivera y Ponce de León, quienes acabaron con el llamado estilo pompier. A lo largo de su vida, Atl sostuvo que la revolución artística se inició en el otoño de 1910; ese año organizó una exposición que celebraba el centenario de la Independencia. El hecho, de carácter nacionalista, se convirtió en un escándalo trascendente. Participó activamente en política dentro del bando carrancista. Se interesó por la vulcanología, que había estudiado en Italia (1911), y regresó a su oficio de pintor. Decoró varios patios de jardines provincianos. Quería dejar aportaciones técnicas, como los atl-color, que se podían imprimir sobre papel, tela o roca. Según decía, durante sus caminatas infantiles se sorprendió a sí mismo copiando los paisajes ante sus ojos; por eso escaló frecuentemente el Popocatépetl y el Iztaccíhuatl. Tal atracción por los volcanes lo llevó a presenciar el nacimiento del Paricutín (1943).

Registró el fenómeno y elaboró apuntes y pinturas que expuso al año siguiente en el Palacio de Bellas Artes, y que enriqueció

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leno Magazine, Architectural Digest China, El Heraldo de México, Reforma, Quien, Traditional Home y Los Angeles Times. Ha expuesto en varias Art Weeks en Miami, La Habana y Ciudad de México.

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para publicar el libro, ahora considerado una joya bibliográfica: Cómo nace y crece un volcán, el Paricutín (1950). Sus monografías sobre las iglesias de México y sobre las artes populares fueron en su tiempo revelaciones fundamentales. Obtuvo la Medalla Belisario Domínguez en 1956, y el Premio Nacional de Artes en 1958. Uno de los iniciadores del muralismo mexicano, impuso un estilo del que derivaron tanto Diego Rivera como David Alfaro Siqueiros; hombre polémico, escribió bastantes libros de cuentos provocadores en la temática y en el tratamiento. El Dr. Atl ingresó en El Colegio Nacional el 5 de marzo de 1951. El paisajista y vulcanólogo Gerardo Murillo murió en la Ciudad de México el 15 de agosto de 1964. Sus restos descansan en la Rotonda de las Personas Ilustres del Panteón Civil de Dolores.

Dulce Pinzón (México, N. 1974) Estudió la Licenciatura en Comunicación de Medios de Comunicación en la Universidad de Las Américas en Puebla, México; y fotografía en la Universidad de Indiana en Pennsylvania. En 1995 se trasladó a Nueva York donde estudió en The International Center of Photography. Su trabajo ha sido publicado y recopilado a nivel internacional. En 2001, sus fotos se utilizaron para la portada de una publicación del libro de Howard Zinn, A People’s History of the 192

United States. Ha sido acreedora de la beca Jóvenes Creadores del FONCA (2002); obtuvo Mención Honorífica en el concurso de proyectos de Santa Fe (2006); y ganó la XII edición de la Bienal Mexicana de El Centro de La Imagen. Fue becaria de fotografía en la New York Foundation for the Arts (2006); para el programa del Museo del Bronx Artist in the Market Place (2007) y becaria de la Fundación Ford (2008).

Fue invitada a participar en el reconocido festival de fotografía Les Rencontres D’Arles Photographie en Francia (2012), esta participación le valió una nominación para el prestigioso Prix Pictet; el mismo año obtuvo una Mención Honorífica en la X edición de la bienal FEMSA. Su libro La verdadera historia de los superhéroes fue publicado en 2012 en 3 idiomas: inglés, español y francés por Editorial RM con el apoyo del programa de Co-inversión Cultural del FONCA.

Emilio Rangel (México, N. 1984) Nace en Toluca, Estado de México y trabaja en la Ciudad de México. Estudió la Licenciatura de Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda”, posteriormente se convirtió en beneficiario del Sistema Nacional de Jóvenes Creadores del FONCA entre 2013 y 2014. Con una producción constituida mayormente por esculturas, centra

Francisco Esnayra (México, N. 1985) Es licenciado en Artes Plásticas por la Universidad Autónoma de Chihuahua. En el 2013, asistió al Rome Sculpture Workshop de la Washington University Rome Center en Roma, Italia. La obra de Francisco Esnayra consiste, principalmente, en esculturas que buscan externar, por medio de la creación plástica, los sentimientos contenidos en las personas.

Esnayra ha desarrollado a lo largo de su producción, múltiples autorretratos que exploran las emociones evidenciadas en la gesticulación anatómica del rostro; asimismo, ha producido distintas metáforas visuales con la representación de objetos cotidianos que buscan formular nuevas estrategias de reflexión introspectiva desde el formato tridimensional. Francisco Esnayra explora la figuración a través de la escultura, moldeando la resina, el barro y el bronce para dar origen a sus creaciones; experimentado además en el ámbito de la cromática y los diversos formatos que son posibles en el mundo del arte y la imaginación del creador. En el año 2010, fue ganador del primer lugar en la categoría Escultura Contemporánea del Premio Nacional de Cerámica.

Obtuvo Mención Honorífica en el Premio Chihuahua (2008); beneficiario de la Beca PIFI del Programa Institucional de Formación de Investigadores (2009).

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su trabajo técnico en el contacto directo con el material. Generalmente, utiliza como medio la plastilina epóxica, entre otros soportes. Este elemento permite que su práctica sea siempre lúdica, evocando a la noción de juego que se desprende naturalmente al experimentar con un material maleable, como todos lo hicimos desde la infancia con la plastilina. Como resultado final se produce un objeto de carácter cercano a la manualidad, pero con la herencia de una sólida escuela de arte contemporáneo que hace guiños a la cultura comercial y popular. Su obra es accesible para cualquier público, ya que tiene una notable referencia al humor en la sociedad contemporánea a partir del reciclaje y consumo de imágenes de la cultura, utilizando la caricatura como recurso visual. Ha participado en muestras nacionales e internacionales en donde ha mostrado algunos elementos que conforman el amplio cuerpo de obra que ha producido. Ha exhibido su trabajo en más de quince muestras colectivas en instituciones públicas y privadas como el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México; Co-lab en Copenhagen, Dinamarca; Queens Nails Annex de San Francisco, California, Estados Unidos; el Centro Nacional de las Artes de la Ciudad de México, México y el Centro Cultural Tijuana en Tijuana, Baja California, México.

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Francisco Tavoni (Venezuela, N. 1986) Usa la fotografía como forma de entender colectivamente el poder del afecto, en sus imágenes, veladas por delicadas telas, los cuerpos humanos se muestran despreocupados por los confines de la identidad. Empleando la novedosa técnica de iluminación en la que la luz es absorbida para revelar los patrones del tejido. El escenario ámbar y vestido de lunares de muchas de sus imágenes apunta tanto a su ciudad natal de Caracas como a las tierras del Bundjalung australiano donde reside desde 2011. En su obra gestos táctiles sutiles conviven con el movimiento, la danza y la coreografía en imágenes que carecen de los significantes clásicos de la identidad. Ha expuesto de manera individual en repetidas ocasiones, entre las que destacan: Encuentro, UNIQ, Ciudad de México (2021); Identidad Cultural, Espace Coultoures, París (2020); La Mujer, Studio Trópico, Australia (2017).

Franz Klainsek (Estados Unidos, N. 1978) Artista multidisciplinario y autodidacta estadounidense de ascendencia cubana y austriaca. Entre sus exposiciones individuales destacan: Chains, Galería Hoerle-Guggenheim, Nueva York (2019); REBIRTH. Presentado por Philippe Hoerle-Guggenheim y HG Contemporary, Nueva York (2018); MORE SOUL, Art Basel Miami, 194

Galería Hoerle-Guggenheim, Florida (2017). De manera colectiva ha expuesto en recintos importantes como el Museo Jumex y la Galería Hoerle-Guggenheim. Ha participado en Ferias de Arte como Zona MACO y Art Basel.

Gabriel Macotela (México, N. 1954) Pintor, escultor, grabador, dibujante, escenógrafo, editor y músico mexicano. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, y completó su formación en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, en el taller del maestro Gilberto Aceves Navarro. En 1977 funda Cocina Ediciones y en 1985 la librería El Archivero. A partir de 1976 realiza exposiciones individuales en la Ciudad de México y Monterrey. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y en el extranjero, tanto de pintura, escultura y libros de artistas en Francia, India, Cuba, Brasil, Estados Unidos, Alemania y España. Macotela recibió el reconocimiento del FONCA y se convirtió en miembro del Sistema Nacional de Creadores (SNCA) durante el período 1993 a 1996. En 2014 en el marco de la celebración de sus 60 años de vida y cuatro décadas de trayectoria como pintor, escultor, grabador, dibujante y escenógrafo realizó el mural de la Facultad de Medici-

Gabriel Rico (México, N. 1980) Estudió arquitectura en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (ITESO), de Guadalajara. Su trabajo le ha obligado a estudiar constantemente los procesos de producción y las posibilidades estéticas y compositivas de los objetos, con particular interés en las condiciones morfológicas causadas por la erosión. Ha sido seleccionado para residencias internacionales en Corea del Sur, Francia, Colombia y Bélgica. Su obra se ha presentado en México, Colombia, Inglaterra, Países Bajos, Bélgica, España y Corea del Sur. Ha recibido la becas del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes del Estado de Jalisco (FECA), de la Fundación Ténot Bursary for Artists, de Francia (2014), del FONCA-Conaculta, el Ministerio de Cultura de Colombia; de la organización Pince Claus de los Países Bajos (2011); y dos más del mismo FECA. Es cofundador del proyecto LIGA al cual se le otorgó la beca de coinversión por parte del FONCA en 2010. Además en los años 2009 y 2010 recibió el apoyo del PAC (Patronato de Arte Contemporáneo) de México. Sus obras integran algunos

acervos como el de la Colección Pública del Museo Arte de Sinaloa; de la Charpenel de México; la estadunidense Patricia Marshall; la colombiano-estadunidense Fundación ArtNexus; la del Museo Nacional Reina Sofía, de España; otras de Bélgica, Corea del Sur y más.

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na en la Universidad Nacional Autónoma de México; la obra de teatro en el Museo León Trotsky titulada Marcha silenciosa y la exposición retrospectiva De la Vida en la Galeria Machado Arte Espacio.

Guillermo Celis (México, N. 1980) Estudió Fotografía en Brandhome, Guadalajara, México (2012), además, cursó el Taller de Dibujo en el Laboratorio de Arte Jorge Martínez, Guadalajara, Jalisco (2015).

Ha expuesto de manera individual con las siguientes muestras: Población, Proyecto Arte-Casa Patrice, Guadalajara, México (2018); Searching Light, Vía Libertad, Galeria Armendaguer, Guadalajara, México (2019). Ha expuesto de manera colectiva en repetidas ocasiones, entre las que destacan: Inflexiones, Casa Kavi, Guadalajara, México (2019); Exposición colectiva, Van Gogh Art Gallery, Madrid, España (20192020); Exposición colectiva, Casa Pixan Vol. 2, CDMX, México (2020). Ha participado en ferias de arte tales como la Feria Bruxelles Art Fair by Art3f, Bélgica (2019); Feria Maroma, México (2019); Feria de Arte Wit, Guadalajara, México (2019). Su trabajo ha sido merecedor del reconocimiento Tequila Don Julio a mejor obra en la IX Edición de UN-M2 Sujetos después de todo, Guadalajara, México (2019).

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Gustavo Argüello Peñaloza (México, N. 1991) Estudió en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2010 a 2014). Tuvo diversas experiencias que lo han ido formando como artista, cpmo el haber sido discípulo y ayudante del artista Shinpei Takeda en 2011. Su obra es víctima de la influencia del expresionismo abstracto, que ha tomado una línea de trabajo constante con respecto a la interpretación pictórica del color en la pintura y su manera tan efímera de tener una reacción con ella. Ha obtenido diversos reconocimientos, en los que destaca su participación en la exposición y Subasta Arte Vivo (2017, 2018 y 2019), que tiene como sede en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Además su trabajo ha sido exhibido de forma individual: Anagnórisis, El Quinto Piso, Venustiano Carranza, Centro, Ciudad de México (2017); Advenedizo, Galeria Noox, Ciudad de México (2017); Criptomnesia, Galería 665, Manuel María Contreras, Ciudad de México (2015); Atmósferas espontáneas, El Quinto Piso, Venustiano Carranza, Centro, Ciudad de México (2015).

Harley Cortez (Estados Unidos, N. 1979) Artista, músico y cineasta. Su trabajo se ha expuesto en Los Ángeles, Nueva York y Tokio. Ha expuesto de manera individual en varias ocasiones, entre las que destacan: The 196

Poet as Spacemen, instalación, The Paper Agency Gallery, Los Ángeles (2016); Voices, Voices, Tokio, Japón (2019), The Ashes of Us, San Diego, Estados Unidos (2019) y Gestures, Rabat, Marruecos (2019). Su reciente inclusión en exposiciones colectivas lo ha colocado en el radar del mundo del arte internacional. Sus cortometrajes incluyen Ignacio y The Sick Oyster así como varias películas experimentales y videos musicales.

Héctor de Anda (México, N. 1950) Se considera un artista autodidacta que ha completado su formación de diferentes formas: estudió Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (1970 - 1971); Historia del Arte y Fotografía en la Academia Lorenzo di Medici, Florencia, Italia (1975 - 1976); taller de Serigrafía en la Academia de San Carlos, y taller de Fotografía con la maestra Yolanda Andrade en la Academia de San Carlos, México (2007). Cuenta con diversas exposiciones, dentro de las individuales destacan: El Conocimiento Silencioso, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas (2016); Futuro próximo / Pasado remoto, Museo de Arte Fernando García Ponce / MACAY, Mérida (2016); Diáspora / El Exilio, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México; Acumulaciones, Centro Cultural Eje, Ciudad de México (2014); Futuro próximo / Pasado remoto, Museo de la Ciudad de Querétaro, Querétaro (2013);

Hilos (México, N. 1991) Artista autodidacta que comenzó a pintar a inicios del año 2003 sin un equipo “crew” que lo acompañara hasta que conoció a un grupo de cholos al que se unió por seis meses donde creó su tag (firma que los artistas grafiteros plasman en lugares públicos para ser reconocidos). Posteriormente, en el 2012 formó parte de otro crew donde se formó y en el que su trabajo consistió en intervenir vagones del metro.

Inés Cusi (México, N. 1974) Realizó estudios en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana y Licenciatura en Economía por el Tecnológico de Monterrey, cuenta con un Diplomado en Foto-

grafía y Laboratorio blanco y negro y uno sobre técnica en acuarela en París, Francia.

Ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas, entre las que destacan: Pintura en acuarela. Mariposas, Tash, Valle de Bravo, (1995); Escultura Ojo de Ballena. World Exposition, Aichi, Japón (2005); Nature’s Wisdom. Exposición de escultura dentro del Pabellón de México en la exposición mundial, Aichi Japón. (2005); Proyecto Puerta Escultórica, Fisher Island, Miami Florida (2007); Muestra escultórica Centro Platero, Guadalupe, Zacatecas (2007); XIII BIENAL FEMSA, Siempre fuimos contemporáneos. Antiguo Templo de San Agustín, Zacatecas, (2018). Su obra ha sido reconocida con su montaje en espacios de arquitectos como López Guerra, Legorreta, Ogarrio Zapata, así como ser parte de la colección FEMSA.

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Ovillos y Orígenes Paralelos en el Palacio de Gobierno de la Ciudad de Aguascalientes (2012); Hipótesis de la Conversación, Galería Maresa Arévalo, Ciudad de México (2012); Orígenes Paralelos, Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México (2011-2012); Orígenes Paralelos, Instituto Cervantes, Hamburgo, Alemania (2011-2012); Construcción – Deconstrucción, Museo de la Ciudad, Querétaro (2010); Deconstrucción, Galería Pecanins, Ciudad de México; Metáfora en Transición, Museo Experimental El Eco, Ciudad de México; Un Río de Plástico, Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México (2009).

Irene Dubrovsky (Argentina, N. 1972) Licenciada en Artes Visuales. Sus primeras exposiciones sobre cartografías las realizó en Sudamérica: Buenos Aires, Brasil y Venezuela. Su obra se caracteriza por la creación de mapas que indagan el problema de las Teorías Cosmológicas y su representación en el ámbito de la estética. A sus escasos 19 años recibe el Premio de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (Argentina) CAYC. Pertenece al Sistema Nacional de Creadores.

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En sus obras, utiliza la abstracción como el lenguaje primordial, que constituye para la artista la mejor traducción de la intensa inquietud interior del hombre ante los fenómenos. Entre sus exposiciones más relevantes destacan: Modos de Oír, Laboratorio Arte Alameda; Cartografías Satelitales X Bienal de la Habana, Cuba; Universos Progresivos, Hong Kong, Puerta Roja (2015); World Maps, Galería Couturier, Los Ángeles; Paseo por Mapa, Antiguo Palacio de San Ildefonso; Mapas Nómadas, Bodega Quetzalli, Oaxaca.

Fronteritat, Universitat de Valencia, Folia, Celda Contemporánea; Punto de Fusión, Bienal Ventosul, Brasil; Polo Norte-Polo Sur, Nina Menocal Projects; Cartografías alteradas, Bienal de Cuenca, Museo Historia; La Máquina Humana, Centro Wifredo Lamm, La Habana, Museo Raúl Anguiano de Guadalajara; Mapas de la Alteridad, Viena, Austria, Instituto de Cultura, Centre Pere Pruna Barcelona, Palacio de Egipto; entre otras. Actualmente, trabaja en una pieza para espacio público, un gran espejo de agua en cerámica de alta temperatura a colocarse en el Jardín Botánico de Oaxaca.

Isabel Alonso Vega (España, N. 1968) Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. En 2013, empieza a dar forma y ser parte activa en el Centro de Arte Urgel 3, organismo que 198

fomenta la interacción internacional entre artistas a través de residencias, exposiciones de arte y ferias internacionales, en Madrid. Su trabajo se ha expuesto en varias galerías europeas como Löwenbrau Kunst Zurich, Zurich, Suiza; en Ulf Larsson Gallery, Cologne, Alemania; White Noise Gallery, Roma, Italia; entre otras. También ha participado en varias ferias internacionales: Art Verona (2018-2019); Positions Berlin (2018); Affordable Art Hong Kong (2018); Scope Miami (2016-2017); Scope NY (2017); Scope Basel (2017); Art Madrid (2018); entre otras. Ha sido elegida para formar parte de la residencia de artistas Montressor, en Marrakesh, y expone sus obras este año en el Centro Cultural de Móstoles, y en CEART, Fuenlabrada. Su trabajo forma parte de las colecciones: Norlinda y José Lima Collection; Room Mate collection; Gerry Bonetty; Bracken Darrel; e Iris Fabbri.

Isauro Huizar (México, N. 1985) Estudió Arquitectura en el Centro Roberto Garza Sada en Nuevo León México y, posteriormente, cursó el Programa Educativo SOMA y el programa académico PARAC, también en México. De manera individual ha presentado: Recorridos sobre la superficie de un cuerpo, Casa Maauad, Ciudad de México, (2016); Sobran cosas Lugar Común, XII Bienal Femsa, Monte-

Jacob Vilató (España, N. 1981) Aunque el arte de Vilató recuerda inevitablemente al de su célebre tío Pablo Picasso, sobre todo en su manejo de la figura femenina, no obstante logró desarrollar un estilo de dibujo que le es propio. Arquitecto de profesión, dirigió un negocio exitoso con oficinas en todo el mundo durante más de 15 años, antes de aventurarse en el diseño de muebles. Al darse cuenta de que su verdadera pasión era el arte y el diseño, en 2018 saltó al abismo de sus miedos y abandonó el mundo de la arquitectura, lanzando Vilató i Vilató con su socia Itzel Culebro para dedicarse de lleno a la pintura, la escultura y el diseño de objetos. Sus colecciones privadas se pueden encontrar en Europa, Asia, México y Estados Unidos. Grandes exposiciones en México, una nueva colección de vidrio, colaboraciones en revistas y asociaciones con marcas de lujo son solo algunos de los proyectos en trámite para 2021.

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rrey, México (2016); Dodecilbencenosulfonato Sódico, LADRÓN galería, Ciudad de México, (2016); Espacio - Objeto - Comportamiento, Bikini Wax, Ciudad de México, (2015). Dentro de sus exhibiciones en colectivo destacan: Vessel: Three Viewpoint from Contemporary Mexico, SOIL Gallery, Seattle, Estados Unidos. (2017); 25o 39’’ 43’ N 100’25’ 18’ O 670 m s. n. m., Centro Roberto Garza Sada, Monterrey, México (2017); Puras cosas nuevas, Pantalla Blanca, Ciudad de México (2017); PDF-OBJECTS by Jason Lazarus & Sean Ward, El Espectro, Ciudad de México; (2017); 1st Meeting of Artistic Crime Investigation Bikini Wax, Ciudad de México, (2016); El aire entre las cosas, Casa Maauad, Ciudad de México, (2015); México: The Future is unwritten, Map of the new art Fondazione Giorgio Cini, Bienal de Venecia. (2015); Mapping the city, Contemporary Cartographic Art, New Wing, Sumerset House, Londres, (2015); Continually revealing multiple routes of entry and exit, FIFI Projects, SPGG, México (2014). Se encargó de la museografía en Diseño en proceso, en colaboración con Mario Ballesteros, en Archivo Arquitectura y Diseño, Ciudad de México (2016) y ha sido artista residente en F8 Residency Facebook page, Fundación Casa Wabi, Oaxaca, y en la XII Bienal Femsa. Obtuvo el primer lugar en la XVII Antonio López Sáenz Bienal en 2012 y el Premio de Arquitectura Luis Barragán en 2007.

Jasmine Cadenhead (Canadá, N. 1984) Licenciada en Arteterapia por el Vancouver Art Therapy Institute (2012-2014); cuenta con una Maestría en Arte, Estudios de Discapacidad del Desarrollo con Mención en Historia por la Universidad Ryerson, Toronto (2006-2009); cursó un Diplomado en Asistente educativo, Apoyo para necesidades especiales por el Niagara College, Ontario 199

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(2004). Ha expuesto en varias ocasiones tanto de manera individual como colectiva en Canadá y México.

Javier Areán (México, N. 1969) Estudió en la New School for Social Research de Nueva York, cursó una especialización en pintura y dibujo en la New York Studio School en la Universität der Künste, en Berlín. De manera complementaria, ha estudiado litografía y serigrafía. Se le reconoce la fundación en 2013 del proyecto Diagrama, una plataforma dedicada al diálogo, la crítica y la reflexión de la pintura contemporánea en México. Fue Rosehill State Speaker en la Universidad Lewis Clark en Idaho. Ha sido docente en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México y, actualmente, en CENTRO de diseño, cine y televisión. En 2012 fue invitado a formar parte del Consejo Editorial de Cultura del periódico Reforma. En 2016, fue uno de los diez artistas seleccionados en Batidores, una iniciativa privada para difundir la pintura contemporánea en México. Ese mismo año, fue comisionado por el sello editorial Mirlo para realizar 31 ilustraciones sobre la novela de F. S. Fitzgerald, El gran Gatsby, para su publicación en una edición de lujo. Su obra forma parte de colecciones públicas en el Museo de la Estampa de la Ciudad de México, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y el Museo de Cancillería

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de la Ciudad de México. De manera individual se ha presentado en México, España y Camboya. Ha participado colectivamente en ferias de arte como Zona Maco, Houston Fine Art Fair, y Chic Dessin, así como en bienales nacionales e internacionales.

Javier Arévalo (México, N. 1937 - M. 2020) Nacido en Guadalajara, Jalisco. En 1961, se trasladó a la Ciudad de México para estudiar en la Escuela Nacional de Artes Plásticas San Carlos, donde recibió cinco premios de pintura. En ese mismo año, participó en la Bienal de Grabado en Córdoba, Argentina.

Entre sus exposiciones individuales destacan: Yo, el pintor, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (1970); Un viaje al México profundo, Centro Cultural de México, París, Francia (1982); Yo, el pintor, retrospectiva de Javier Arévalo, Salas Nacional y Diego Rivera, Museo Nacional del Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México (1990); Exposición Antológica, Los Patios Gallery, San Antonio, Estados Unidos (1991), El México Mágico de Arévalo, Américas Gallery, Nueva York, Estados Unidos (1993); Solas las cosas van diciendo, Centro Médico Nacional Siglo XXI, Ciudad de México (2000); De todas formas...

Javier Arévalo me llamo, Museo José Luis Cuevas, Ciudad de México (2000); Cabezas de cabeza, IFAL, Ciudad de México (2001); Solas las cosas van diciendo, Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara (2001). Participó

Jessica Feldman (Estados Unidos, N. 1972 ) Cursó sus estudios en el Museo de Bellas Artes de Boston, Estados Unidos y en la Academia de Arte en Florencia, Italia. Ha tomado varios cursos en la Academia de San Carlos en la Ciudad de México y en el Miami Art Center. Sus pinturas han sido expuestas en México dentro de importantes

espacios como Torre Mayor, Senado de la República, Museo José Luis Cuevas, Lotería Nacional, Museo Bicentenario, Museo de Oaxaca, Museo de Arte Moderno. A nivel internacional ha expuesto en diferentes ciudades como: Atlanta, California, Miami, y Nueva York en Estados Unidos; Inglaterra, España y Taiwán. Ha sido galardonada con el Premio Art Tour International en el Mad Museum de Nueva York.

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en numerosas exposiciones colectivas en importantes museos y galerías: Confrontación 66, Museo del Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México (1966); Exposición solar, Museo del Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México (1968); Cien Años de Pintura Jalisciense, Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara (1983); Nuevas Alternativas, Museo Nacional de la Estampa, Ciudad de México (1987); Cuatro décadas después del Muralismo, Kimberly Gallery, Los Angeles / Washington, Estados Unidos (1991) y en el Mexican Fine Art Center Museum, Chicago (1992); Homenaje a Picasso, Galería López Quiroga (1993); Homenaje al lápiz, Museo José Luis Cuevas, Ciudad de México (1999); Una constelación de noches, Galería López Quiroga (2000); entre otras. Su trabajo fue merecedor de distinguidos premios y reconocimientos entres los que destacan, Premio Nacional de Pintura, Guadalajara (1966); Primer Premio de Grabado, Bienal de Tokio (1970); Premio Jalisco en Arte (2000).

Falleció en febrero del 2020.

Jorge Marín (México, N. 1963) E s uno de los mayores exponentes del ​ arte contemporáneo figurativo en México.

Su carrera ha sido multifacética, lo que le ha permitido abarcar distintas disciplinas y trabajar con diversos materiales como la cerámica y la resina. Sin embargo, tras una larga y minuciosa búsqueda, optó por usar el bronce como signo distintivo, lo que resultó ideal para que las manos y los pies de sus personajes, así como las texturas de plumas, venas y telas, adquirieran la perfección de la materia viva. Durante su trayectoria que suma 25 años de labor, ha participado en más de 260 exposiciones colectivas e individuales. Su trabajo ha sido expuesto en museos y galerías de Europa, en países como Alemania, Bélgica, Dinamarca, España, Francia, Hungría, Inglaterra, Portugal, Turquía y Rumania; de América como en Canadá, Costa Rica, Estados Unidos, El Salvador, Guatema201

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la y Panamá; así como de Asia donde ha estado en China, Singapur e Indonesia. La obra plástica de Jorge Marín ha obtenido un amplio reconocimiento a nivel nacional e internacional. Ha incursionado en diferentes dimensiones escultóricas desde la miniatura hasta la escultura monumental. En el espacio público ha generado un diálogo inédito entre la obra de arte y el espectador, que haciéndose cómplice de un juego espontáneo y lúdico, se apropia de un par de alas y convive con sus personajes fantásticos.

Jorge Rosano Gamboa (México, N.1984) Egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda (2011). Cursó el posgrado en Crítica de Arte y Producción en SOMA. Entre sus exposiciones individuales se encuentran Impermanencia, MUCA Roma, Ciudad de México (2013); Ominus, 1919 gallery, Berlín (2016); Pentimento, Galeria Breve, Ciudad de México (2017) y LANDLORDS, Filet space (2018). Entre sus exposiciones colectivas se encuentran Nuestro Barrio, Neurotitan Gallery, Berlin, Dark Cartographies, Efrain Lopez Gallery, Chicago (2016) y Blessed, Chalton Gallery, Londres (2016). Ha participado en Ferias de Arte en México, Corea y Lima. Ha sido parte de la selección de la Bienal de Fotografía en dos ocasiones.

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Jorge Yázpik (México, N. 1955) Inició sus estudios profesionales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos en 1977. Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y museos en México y el extranjero, tanto de manera individual como colectiva. En 1980, participó en la Primera Bienal Internacional de Montevideo, Uruguay; en el Museo Nacional de Bellas Artes de Montevideo; Galería 9 de Lima; Museo de Arte Moderno de Colombia; Casa de México en París; el Museo de Arte Moderno de Ciudad de México, entre otros.

Ha realizado diversas intervenciones en espacios públicos de la Ciudad de México como las treinta y seis bancas ubicadas en el Centro Histórico, la pieza de roca volcánica ubicado en el acceso a la Facultad de Arquitectura en el Campus de la UNAM y la obra compuesta de varias piezas de concreto ubicada en el recinto del Posgrado de Diseño Industrial de la UNAM.

José Luis Cuevas (México, N. 1934 - M. 2017) Pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano. Retó al movimiento muralista mexicano que dominaba la vida artística nacional y fue un prominente miembro de la Generación de la Ruptura.

Fue un artista autodidacta, con muchos estilos e influencias muy marcados en el lado oscuro de su vida, frecuentemente,

Joy Laville (Reino Unido, N. 1923 - México, M. 2018) Pintora y escultora inglesa nacionalizada mexicana. Se especializó en esculturas de bronce, serigrafía, óleo, pintura acrílica y grabados de aguafuerte. Junto con Rufino Tamayo, José Luis Cuevas, Pedro Coronel y Francisco Toledo formó parte del grupo llamado la Generación de la Ruptura.

Algunas de sus obras se encuentran en el Museo de Arte de Dallas, National Museum of Women in the Arts en Washington D.C., en la Esso Oil de Canadá, en el Banco Nacional de México, en el Banco Nacional de Comercio, en el Museo de Arte Moderno, en el Museo José Luis Cuevas y en el Museo del Arzobispado de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público.

Juan Carlos Garduño (México, N. 1995) Egresado de la licenciatura en Arquitectura por la Universidad Anáhuac. Cuenta con un Diplomado en Escultura y Museografía por la misma universidad. Ejerce como escultor y arquitecto con grandes influencias y simbiosis al crear sus obras. Sus mentores incluyen a grandes arquitectos y escultores como Alejandro de la Vega y Aldo Chaparro.

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distorsionando figuras y debatiéndolas en su humanidad. Recibió el Premio de Excelencia en Arte y Diseño (1964); el Madeco en la II Bienal Iberoamericana de Grabado (1965); Medalla de Oro en la I Trienal de Grabado de Nueva Delhi (1968); y en 1970 el poeta mexicano Octavio Paz, Premio Nobel de Literatura, le dedicó el poema Totalidad y fragmento. Para el año 1976 llevó su exposición José Luis Cuevas. Su infierno terrenal llegó a Francia, donde se autoexilió. Tres años después volvió a México con la exposición José Luis Cuevas. El regreso de otro hijo pródigo, llevada a cabo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

Juan Sebastián Barberá (México, N. 1964) Estudió Percusión, Pintura y Grabado con grandes maestros, y se dedicó a las artes plásticas a partir de los 17 años, tras un viaje místico a la India. Autodidacta, realiza la carrera en forma libre en la academia de San Carlos y, de manera paralela, obtiene la Licenciatura en Diseño Industrial. Su primera exhibición en los muros de la emblemática cafetería de la Librería Gandhi fue posible gracias a Mauricio Achar y Luis Méndez Jiménez. Ha expuesto más de 40 individuales en centros culturales, museos y galerías de prestigio en diferentes países, entre ellos México, España, Francia, Estados Unidos e Índia, y en todos los países de Iberoamérica en la colectiva Iberoamérica Pinta, organizada por la UNESCO y el Fondo de Cultura Económica en 1997-1998. En 1993 ganó el primer lugar con el dragón Nicolás en el Certámen de Juguete Arte Objeto, orga203

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nizado por Impronta editores, Sedesol, el DDF y el fideicomiso para ayudar a niños en situación de calle. Su obra se encuentra en diferentes colecciones públicas y privadas. Forma parte del Sistema Nacional de Creadores Mexicanos.

Juan Soriano (México, N. 1920, M. 2006) Estudió pintura con los ya consagrados Roberto Montenegro y Chucho Reyes Ferreira. A los dieciséis años presenta su primera exposición individual. Viaja a la capital en 1935 donde su pintura no tarda en obtener reconocimiento. En 1936, ingresa a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios y en 1950, hace su primer viaje a Europa, instalándose en Roma hasta 1952. Durante su estancia en Roma, surge el interés de Soriano por la escultura: trabaja entonces terracotas y cerámicas. De regreso en México su lenguaje pictórico busca y encuentra nuevos caminos expresivos. Es el tiempo de la colaboración como diseñador de diversos ballets y obras teatrales. En 1956, viaja otra vez a Europa y visita Grecia, experiencia que enriquece su pintura tanto en tema como en procedimiento. En 1962, presenta catorce retratos de Lupe Marín; Octavio Paz escribe un texto alusivo. En 1983, se organiza una gran retrospectiva en homenaje al pintor. Expuso en importantes museos del mundo, entre ellos el Museo Reina Sofía de España. Si bien todos estos 204

elementos tuvieron parte en el desarrollo del trabajo único de Juan Soriano durante estas dos décadas, no es posible conectarlo con alguna corriente específica, más bien, creó un lenguaje particular de realismo romántico. Soriano también estuvo en contacto con Inés Amor, de la Galería de Arte Mexicano, quien fue una pieza clave en la distribución del trabajo de Juan Soriano en las colecciones de arte más importantes a nivel nacional e internacional. Inés Amor fue también pieza pivotal en la adquisición de cuatro pinturas de Soriano por el museo de Arte de Filadelfia, en lo que sería su colección más extensa en los Estados Unidos.

Después de 1950, Soriano vivió largo tiempo fuera de México. Experimentó con diversos métodos de abstracción tanto en pintura como escultura, y expandió su repertorio de referencia artística. Hizo numerosos diseños de escenografía y vestuario para la compañía teatral mexicana Poesía en Voz Alta. Los años que pasó en Roma y, posteriormente, en París cambiaron completamente su arte en lo que su amigo, Rufino Tamayo, llamaba “tendencias universales”.

Judith Romero (México, N. 1976) Fotógrafa y diseñadora editorial. Coordina la Galería de Fotografía “Resplandor’’, la cual dirige desde 2015. Realiza proyectos de fotografía documental desde hace 15 años, enfocándose en temáti-

Julio Barrita (México, N. 1989) Cursó la Maestría en Producción Artística en la ciudad de Cuernavaca (2016-2018).

Es miembro de Estudios Benito Juárez.

Su trabajo reflexiona sobre la relación entre el objeto y la imagen. Ha expuesto de manera individual y colectiva en México, Brasil, Guatemala, Chile, España y Estados Unidos. Ha sido becario del FONCA en la categoría de Jóvenes Creadores en las emisiones 2014-2015, 20162017 y 2019-2020. En 2013 fue acreedor a la beca Roberto Villagraz en España y también fue ganador de la bienal Héctor García. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Oaxaca.

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cas sociales con perspectiva de género; también le ha interesado explorar aspectos vinculados al cuerpo, las identidades y las decisiones (políticas) que asumen las mujeres frente a los mandatos sociales. Ha realizado investigaciones y trabajos documentales en comunidades indígenas, afromexicanas y mestizas, principalmente en regiones de Oaxaca.

Algunas de las series que ha realizado son: Otras Mujeres. La decisión de no tener hijos; Biodesnudez; Pasajera en tránsito; Insuperable opacidad; Intersecciones (Fotografía + Textil); Instantáneas comunitarias; Nosotras: narrativas para un futuro, entre otras. Su trabajo fotográfico ha sido incluido en libros y publicaciones como: Ser mujer en América Latina (UAM, 2018); Relicarios: The Forgotten Jewels of Latin America (SF Designs/Fresco Books, 2020); Loïe.

Danza, performance y nuevos medios.

Festival Internacional de videodanza en Argentina (2020); Mujeres. Festival Internacional de fotografía FOTOMéxico, Centro de la Imagen-CONACULTA (2019); Latitudes. Festival Internacional de fotografía FOTOMéxico, Centro de la Imagen-CONACULTA (2017); ATLAS/ Fotografía e Imagen en Latinoamérica, Atlas Imaginarios Visuales (2017); Fotografía Contemporánea en Oaxaca, CONACULTA, CFMAB, Luna Zeta Ediciones (2011); entre otros.

Kanako Namura (Japón, N. 1976) Vive y trabaja en la Ciudad de México.

Comenzó sus estudios de Diseño Gráfico en la Universidad de Artes de Osaka.

En 1991 cursó una segunda licenciatura en Fiber Arts en el Instituto de Artes de Kansas y finalmente realizó la Maestría en Artes en la Universidad de San Francisco, en 2012. Entre sus exposiciones individuales destacan: Acumulación, Galería Karen Huber, Ciudad de México (2015) y Sendas, Yebisu Art Labo Gallery, Nagoya (2005, 2006, 2007, 2008 y 2015). Colectivamente ha expuesto en México, Estados Unidos y Japón.

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Karian Amaya

Khara Oxier-Mori

(México, N. 1986) Cuenta con una Licenciatura por la Universidad de Guadalajara y cursó estudios en Mixed Media en The Art Students League de Nueva York. Su trabajo ha sido exhibido en México, Estados Unidos y Europa. En 2015 participó en el Programa de Mentores de Artistas Migrantes de la New York Foundation for the Arts. En 2016 fue incluida en la Bienal de la Frontera, Museo de Arte El Paso. Ha recibido numerosos premios, entre ellos, estímulos de la creación artística PECDA (2013-2014); la Beca Alfaro Siqueiros (2017); la Beca Legado Grodman otorgada por la Fundación UDG USA (2018); Proyecta traslados (2019); Contigo a la distancia FONCA (2020) y Programa Horizontes, Jalisco (2020). Con una práctica que abarca el dibujo, la fotografía y la escultura, Amaya explora las nociones de la subjetividad y el yo. Los años de formación de la artista en el norte de México influencian su trabajo profundamente, siendo este totalmente personal y silenciosamente político. Su investigación se centra en la política y la poética del paisaje desértico así como la historia y el impacto de las industrias extractivas en el paisaje. Informada por el minimalismo, explora temas relacionados con el lenguaje, la violencia, la relación de la mujer con la naturaleza y el deterioro del paisaje.

(Estados Unidos, N. 1979) Cursó la Licenciatura en Antropología en la Universidad Estatal de Boise, Idaho, Estados Unidos. Ha expuesto de manera individual en varias ocasiones, entre las que destacan: Osmosis, Universidad Estatal de Boise, Galería de Bellas Artes (2019); LaBry Fine Art, Boise, Idaho (2017); Decultivated, Galleri Oxholm, Copenhague, Dinamarca (2015); Khara Oxier Art Exposition, Metro Gallery, Iida, Japón (2015); entre otras. También, ha participado en numerosas exposiciones colectivas, tales como: World Center for Birds of Prey, Nocturne, Boise, Idaho (2018); Christmas Group Exhibition, Galleri Oxholm, Dinamarca (2016); The Filthy Few, Galleri Oxholm, Copenhague, Dinamarca (2015); La Bottega Dell Acquaforte, Laguna Beach, CA (2015); entre muchas otras.

Su obra es parte de colecciones públicas y privadas en Alemania, Canadá, Dinamarca, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Guatemala, Irlanda, Italia, Japón, México, Países Bajos, Puerto Rico y Suiza. Ha sido merecedora de la Residencia James Castle House Artist-in-Residence, otorgada por el Departamento de Artes e Historia de Boise, Estados Unidos (2020).

Lao Gabrielli (Argentina, N. 1971) Artista visual y diseñadora gráfica, actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Estudió Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urba-

Painting, Sculpture and Installation. Venecia (2016); Arte Visual México, Corporativo Antara Polanco 1, Ciudad de México (2014); 5ta Exhibición Internacional de Señaladores de Artista, Galería Vuelvo al Sur. Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (2014); Arte Laguna Prize, Arsenale de Venecia (2013); Florence Shanghai Prize 2013, Present Contemporary Art, Italia y China (2013); México Actual, Galería Aguafuerte, Ciudad de México (2013); Umbrellas for Peace. Instalación colectiva. Central Park Bandshell, Nueva York (2010); Muestra Anual Taller Guillermo Roux, Buenos Aires (2008). Reconocida por la Bienal de Arte del Centro Mexicano Universitario de Ciencias y Humanidades de Puebla, la XI Bienal de Pintura Joaquín Clausell, Universidad Autónoma de Campeche y la Boston Biennal 3, Atlantic Works Gallery, Boston.

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nismo de la Universidad de Buenos Aires, en donde también cursó un año de Arquitectura. Realizó sus estudios artísticos con el Maestro Guillermo Roux y estudios de restauración en el taller de Mónica Tezanos Pinto. En Nueva York, participó en los seminarios de los maestros Anna Rank y Julio Alpuy del Constructivismo de Joaquín Torres García, en seminarios de Musei e Patrimonio con la Dra. en Arte y Museografía Mercedes Auteri. Al igual que en la Jornada fundamentada en la interrelación arquitectónica-artística del Maestro Eduardo Terrazas en la Fundación Javier Marín, Ciudad de México. Sus principales exposiciones individuales son: Exposición Conmemoración 209º Aniversario de la Revolución de Mayo, Embajada Argentina en México, Ciudad de México (2019); Más allá del cinetismo, Alianza Francesa, Ciudad de México (2017); Miami Limited Edition, Wynwood Art District, Miami (2017); Espressioni, Dante Alighieri, Ciudad de México (2016); La muerte tiene permiso, Galería Aguafuerte, Ciudad de México (2012). Ha expuesto, además, en importantes recintos como: el Centro Cultural Mizrahi, Ciudad de México (2017); el Centro Cultural Periodista, Ciudad de México (2016); la Casa de la Primera Imprenta de América, Universidad Autónoma Metropolitana, Ciudad de México (2016); Galería de Arte Moderno, Ciudad de México (2016); Contempo, Arte Contemporáneo, Ciudad de México; Arte Laguna Prize 13.14,

Leo Matiz (Colombia, N. 1917, M. 1998) Creó un rico lenguaje estético gracias a los múltiples oficios que desarrolló a lo largo de su trayectoria. En sus obras, conjunta sus criterios pictóricos con la percepción, la poética, la sensibilidad y la imaginación del fotógrafo. Le atrajeron los enigmas de las sombras y los secretos que revelan las formas cuando la luz apenas la roza; la profundidad de campo, el juego del claroscuro, los matices y las siluetas que dibujan mapas grises que se disuelven en la imagen.

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Fue fotógrafo, dibujante, pintor, caricaturista, publicista, galerista, conocedor de las reglas clásicas de composición y enterado de la actualidad por su ejercicio como reportero gráfico ligado a la prensa y a Organismos Internacionales. También, fue un trotamundos, que con su cámara capturó la diversidad de los momentos decisivos de la historia del siglo XX. Leo Matiz registró sin compasión lo que ante él transcurría. Su ojo escrutador y su infalible velocidad lograron captar momentos irrepetibles llenos de fuerza y una gran verdad. Enfocó su lente en México para registrar los sucesos y fragmentos de la vida cotidiana de los campesinos, el desencanto de la vida rural y los oficios humildes. Encontró en la historia, el paisaje y la cultura popular mexicana la inspiración necesaria que le dio sentido a su propia búsqueda artística. Después de un desencuentro intelectual con David Alfaro Siqueiros, el fotógrafo colombiano dejó México en 1947. Se vinculó profesionalmente con la revista Selecciones de Reader’s Digest y viajó por varios países de Centro y Sudamérica, registrando fotografías a color para las portadas de esa publicación, en su edición en español.

Leonor Hochschild (México, N. 1962) Cuenta con estudios especializados en Pintura en la Escuela de Artes Aplicadas Llotja en Barcelona y en Técnicas Mixtas 208

con el artista Víctor Ceprián Cortés en Madrid. Ha realizado estudios en dibujo con el maestro Gilberto Aceves Navarro en la Ciudad de México y en la Escuela de Artes y Oficios de la Diputación de Barcelona. Además, tiene formación en Diseño Publicitario y un diplomado en Ilustración Artística en el Claustro de Sor Juana. Entre sus principales exposiciones se encuentran: Leonor Hochschild, Utopía Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2018); Amistad México-Israel, Embajada de Israel, Centro cultural México - Israel; Las monarcas, Museo J. Arcadio Pagaza, Valle de Bravo, México (2018); Rutas Alternas, Galería Veracruzana, Ciudad de México, México (2017); Tiempos de Regeneración, Museo Gustavo de Maeztu, Navarra, España (2017); Reacciones, AC. Gallery, Arte y Ciencia, Madrid, España (2013); Sismografía, AC. Gallery, Arte y Ciencia, Madrid, España (2011); entre otras.

Lucien Shapiro (Estados Unidos, N. 1979) Se graduó con un BFA de la San Francisco Academy of Art University en 2003. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Solo, Fort Wayne Museum of Art (2018); From Ash To Diamonds, Hashimoto Contemporary (2017); Urban Obsessions, MAIA Contemporary (2017); Relics of the World, Marfa Film Festival (2016); entre

Luia Corsini (Italia, N. 1994) Egresada de la licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Nueva York. Ha expuesto de manera individual con la exposición: The Grid, Lagos, Ciudad de México, México (2021). Dentro de sus exposiciones colectivas, destacan: Qué Rica es la Calle, Galería Furiosa, Ciudad de México (2021); Colors of Lebanon, Nonprofit, Miami, Estados Unidos (2021); Memories Manifest, Palo Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2020); Guidance, Private Villa, Malibu, Estados Unidos (2019); entre otras. Ha participado en ferias de arte, tales como Zona MACO (2021).

Lyora Pissarro (Francia, N. 1991) Completó su educación formal en Hunter College en Nueva York, después de hacer su año de fundación en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD). Rompiendo con las técnicas impresionistas, adopta la geometría para jugar con las convenciones cromáticas y desafiar las leyes de la gravedad. Los ríos corren de color rojo amapola, los cielos caen en fragmentos degradados de lavanda y orbes rayados levitan en medio del lienzo donde uno podría esperar ver un sol o una luna. Al deconstruir la línea típica en el horizonte, su obra plantea una nueva topografía que es a la vez monumental y caprichosa, sustancial y onírica, equilibrada y sorprendente. Los paisajes representados en sus pinturas son exploraciones de paisajes mentales. Mientras que el impresionismo apunta a capturar los efectos de la luz en el ojo del espectador, esta serie explora cómo la pintura puede capturar la mente cuando está iluminada, o en otras palabras, la mente iluminada. Descrita como la “pintora joven definitiva” en la revista GQ, ha realizado exposiciones tanto en Nueva York, Texas y Boston, su trabajo también se encuentra en San Francisco y Londres.

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otras. Ha expuesto de manera colectiva en Nueva York, Los Angeles, San Francisco y Londres. Realiza performances que integran sus objetos como parte de rituales que son documentados en video. Las esculturas son utilizadas como objetos simbólicos de autoprotección, como en su más reciente serie de performances titulada Ritual de Recolección del miedo, que fue presentada en más de 30 ciudades a lo largo de Estados Unidos durante el 2016; entre otros de sus performances más conocidos se encuentran Coachella 2015, Kaaboo 2015 y la Dirección de Arte detrás del video The GasLampKiller Experience realizado por la revista Rolling Stone.

Manolo Garibay (México, N. 1984) Trabaja con pintura, dibujo, escultura, fotografía, video y performance audiovisual.

De manera individual, destacan sus mues209

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tras: Tráeme tres mitades de cielo, tengo deseos de comerlas, Galería galería; Caleidoscopio, Espectro Electromagnético; Paráfrasis de la Pintura Sacra, Museo de la Ciudad de Cuernavaca; Memento Mori, Capilla de la Iglesia de San Diego, Cuautla; y El Hecho, Galería Luis Nishizawa. Ha participado en más de 70 exposiciones colectivas y en más de 50 performances en diferentes foros, museos y galerías de México, Sudamérica, Canadá, Estados Unidos y Europa. Destacan sus performances audiovisuales en festivales y encuentros de arte como el XLIV Festival du Nouveau Cinema en Montreal; el XLIII Festival Internacional Cervantino en Guanajuato; el Encuentro MDE15 en el Museo de Antioquia, Medellín; entre otros. Su trabajo ha sido distinguido en varias ocasiones al ser seleccionado en diferentes certámenes de artes plásticas, como la Décima Bienal de Puebla de los Ángeles (2015), el Premio Nacional de Pintura Julio Castillo en Querétaro (2014 y 2019), XXX Encuentro Nacional de Arte Joven, en la ciudad de Aguascalientes (2010), la Primera Bienal de Pintura Pedro Coronel, en la ciudad de Zacatecas (2008) y la Sexta Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, en la ciudad de Morelia, Michoacán (2005). En 2018 fue beneficiario del apoyo del Fondo Nacional de las Artes con el Programa Jóvenes Creadores.

Manuel Felguérez (México, N. 1928 – M. 2020) Pintor, escultor, muralista, profesor e investigador. Estudió en la Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (1948) y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (1951). Fue becario del Gobierno Francés en la Academia de la Grande Chaumier, París (1944 y 1959) y en la Academia Colarossi, París (1954-1955). Trabajó en los talleres escultóricos de Brancusi y Sadkine. A su regreso de Europa, formó parte de la primera generación de artistas abstractos nacionales, abiertamente confrontados con la tradición de la Escuela Mexicana de Pintura encabezada por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, la llamada Generación de la Ruptura. Su obra ha sido objeto de múltiples exposiciones individuales y colectivas, entre ellas, la retrospectiva de su obra en el homenaje al cumplir 80 años, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México; obra pública de gran formato como: la fuente y escultura frente a la Lotería Nacional; obra mural en el Museo Nacional de Antropología, entre otras. Se ha hecho acreedor a múltiples distinciones, como el Premio Nacional de Ciencias y Artes del Gobierno de México, en el área de Bellas Artes (1988); la Beca de la Fundación Guggenheim (1975); el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de Sao Paulo, Brasil (1975), por las obras producto

Marc Breslin (Estados Unidos, N. 1983) Vive y trabaja en Nueva York. A partir de planos de color, sus obras cuestionan las bases de la representación mimética de la realidad en el arte. En sus pinturas aparecen figuras esquemáticas que rozan la abstracción y lugares que bien podrían ser un paisaje natural o un producto de su imaginación. Las imágenes creadas por él generan sus propias narrativas, funcionan como estudios sobre la comunicación o, incluso, la falta de comunicación entre ellas mismas, y en un espectro más general en relación con la historia del arte. Temáticas como la ubicación y el tiempo, así como la pérdida y reconstrucción son recurrentes en su trabajo. Contempla su práctica como una oportunidad para crear encuentros compartidos de una manera tanto histórica como personal. Entre sus exposiciones más importantes destaca Cindy, Carmine,

George, Pierre and Others, Galería Karen Huber, Ciudad de México (2017); Piano Piano en Umberto Di Marino, Nápoles, Italia; Casual curses are the most effective, Scaramouche, Nueva York, Estados Unidos; entre otras. Participó en el Festival of Ideas del New Museum, Nueva York. Su trabajo se incluyó en la exhibición Gerhard Richter and the Disappearance of the Image en Contemporary Art, en el Centro de Cultura Contemporánea Strozzina en el Palazzo Strozzi, Florencia, Italia e instalaciones específicas en la Fondazione Rivoli Due, Milán, Italia y la Galleria Umberto Di Marino, Nápoles, Italia.

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de El Espacio Múltiple (1973), y el Segundo Premio de Pintura en la Primera Trienal de Nueva Delhi, India (1968). Maestro invitado en la Universidad de Cornell, Estados Unidos; investigador huésped en la Universidad de Harvard (1975); impartió la clase de Composición de la Estructura del Cuadro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas; a partir de 1977 colaboró como investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Marcos González Foreman (México, N. 1991) Egresado de la Licenciatura en Artes Visuales por la Facultad de Arte y Diseño de la UNAM. Ha cursado el Taller sobre Pintura Contemporánea impartido por el Maestro Francisco Castro Leñero. Ha expuesto de manera individual en repetidas ocasiones, entre las que destacan: Todas las cosas deben nombrarse, Estudio Marte, Ciudad de México (2020); Cosmos, Sin Falda, Ciudad de México (2019); RRA RRA RRA, Librería Bodet, Ciudad de México (2019); entre otras. De su participación en exposiciones colectivas destacan: Panorama, Lanao Galería, Zona MACO, México (2021); Aquí no es Rusia, USSR Roma, México (2020); Nueva piel para una vieja ceremonia, Galería Karen Huber, México (2019); entre otras. Su trabajo ha sido seleccionado en el 211

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XXXIX Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes (2019). Fue miembro del Programa de Jóvenes Creadores del FONCA en las emisiones 2017-2018 y 2019-2020.

Maura Falfán (México, N. 1973) Cuenta con una Maestría en el Pratt Institute, Brooklyn, Nueva York (2008-2010). Cursó la Licenciatura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (19962001). Fue becaria del Programa de Jóvenes Creadores del FONCA, CONACULTA (2004); artista en residencia del Artist In Residency de Governors Island, Nueva York (2014) y del New York Foundation for the Arts (20132014). De sus exposiciones individuales, destacan: Paradise Lost, 210 Gallery, Nueva York (2012); La huella de lo ausente, Tecnológico de Monterrey, Campus Santa Fe, México (2005); Configuraciones, Casa del Mago, México (1998); entre otras. Ha expuesto de manera colectiva en la II Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán (2004) y en el Taller-Exposición de Pintura Iberoamericana, Parque Ferial Juan Carlos, Madrid, España (2001). Ha sido acreedora al premio de la VII Bienal de Pintura Rufino Tamayo (2016).

Meredith Dittmar (Estados Unidos, N. 1974) Cuenta con estudios en Informática y Diseño Interactivo, y una necesidad compulsiva de crear. Ha trabajado princi212

palmente con arcilla polimérica, las amalgamas de energía humana-animal-vegetal de Dittmar contienen hilos de elementos y colores comunes para expresar niveles profundos de unión entre temas de biología, tecnología y conciencia. Los personajes se involucran frecuentemente en momentos tranquilos y expresivos, o se sientan frente a una audiencia, compartiendo su espacio interior. La artista cree que es este espacio lo que reconocemos en nosotros mismos, y al reunirnos en ese espacio, se revela la interconexión de todas las cosas. El artista ve el acto de creación artística espontánea como parte de una práctica más amplia de estar presente y una forma de comprender mejor a sí mismo y la realidad.

Olivia Steele (Estados Unidos, N. 1985) La artista de luz, se ha ganado una reputación internacional por sus instalaciones en neón. Sus frases iluminadas se suspenden en tiempo y movimiento en paisajes de Berlín, Bombay, Roma, Miami, Tulúm, Nueva York y Los Ángeles, utilizando el poder de la luz para crear enunciados simbólicos que impactan y provocan.

Sus piezas cargan emociones ocultas y fuerzas invisibles, formando parte de su marco de exploración temas como la conciencia, lo femenino y lo divino. Las frases contenidas en su obra habitan es-

Orlando Díaz (México, N. 1978) Su formación académica como productor plástico comienza de manera formal en 1994, como alumno del Bachillerato en Artes y Humanidades CEDART Frida Kahlo. Tiene estudios de Licenciatura en la Escuela de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes y la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. De 1999 al 2000 asiste al Taller de dibujo de figura humana en la Academia de San Carlos. Su obra ha sido expuesta en: EUA ( California, Chicago, San Antonio Texas), Japón, Bul-

garia e Italia, y su trabajo se encuentra en colecciones particulares en: México, España, Francia, Suiza, Bélgica, Canadá y EUA. Ha expuesto en varias exposiciones colectivas, entre las que destacan: 2021.

Marzo. Viceversa, Exposición curada por la artista Claire Becker, Museo de la Cancillería (2021); Paralelismos y emulación de la memoria, 33 contemporary. Zhou B art center. Chicago (2019); Mapas de historias de toda una vida, Grace Jane gallery, Chicago (2018); Tempo memoria.

Museo Internazionale Italia Arte. Turín, Italia (2016); entre otras.

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pacios de significados a veces contradictorios, confrontativos o conciliatorios. Ha expuesto de manera individual y colectiva en diferentes partes del mundo, entre las que destacan: Deliciosa Monstera, MAIA Contemporary, Ciudad de México (2018); Looking Forward, Galleria Torbandena Projects, Trieste (2017); Urban Intervention, Zona MACO, Ciudad de México (2017); Faux Real, Circle Culture, Berlín (2016); Hello Darkness and Viva La Muerte, Día de muertos, Oaxaca (2015); Nothing is what it seems, Circle Culture Gallery, Hamburgo (2014); Exhibition of Neon Artworks, Circle Culture Gallery at Corner Store, Berlín (2012); Welcome to Cashville, Private Collection, Nashville (2011); entre muchas otras.

Pablo Boneau (Argentina, N. 1969) Su actividad artística es heterogénea y, aunque su formación es autodidacta, durante algún tiempo cursó estudios de Astronomía y de Cine en la Universidad Nacional de su natal Córdoba. Ha realizado numerosas producciones no convencionales ligadas a la fotografía, el diseño y el video; ha escrito además textos de ficción.

Varios de sus proyectos artísticos los ha mostrado en España, Estados Unidos, Argentina, Alemania y México. En 2001 fundó Kung Works, productora de contenidos, con la cual dio soporte a varios proyectos de arte, comunicación y tecnología de diferentes artistas, compañías privadas y entidades del Gobierno de México. Reside entre México y Argentina.

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Pablo Llana

Paul Lozano

(México, N. 1980) Entre sus exposiciones individuales más recientes se encuentran: Muestra retrospectiva Trashformacion, Museo de la Ciudad de Querétaro; Eye Candy, Articulo 123, Ciudad de México; Sweet Death, Galería Art Virus LTD Frankfurt, Alemania; Oaxaca desde Acá, Museo Textil de Oaxaca, Oaxaca; entre otras.

Ha participado en más de 30 exposiciones colectivas locales e internacionales entre las que destacan: Private collection selection, Vica Venice Institute Of Contemporary Art, Los Angeles CA; Morton Subastas, Galería La Fonderia, Florencia, Italia (2019); Come and Sea, Atilla & Co. Milán, Italia; Arte Vivo, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México; Emerging to Established, Krause Gallery, Nueva York; México, Frankfurter Volksbank Frankfurt, Alemania; entre muchas otras. Ha obtenido menciones honorificas en las siguientes bienales: III Bienal de Arte Contemporáneo de Cancún, México (2017); XIV Bienal de Artes Visuales del Noroeste (2013); V Bienal Bienal Nacional Miradas (2012); XIII Bienal de Artes Visuales del Noroeste (2011); y en la XII Bienal Plástica de Baja California (1999). Ha sido seleccionado en la XII Bienal de Pintura Joaquín Clausell (2017); Bienal Nacional Monterrey Artemergente (2015); IX Bienal Puebla de los Ángeles; entre otras. Fue acreedor del primer lugar en la VI Bienal Nacional Miradas (2014).

Sus piezas se encuentran en colecciones nacionales e internacionales.

(México, N. 1982) Realizó sus estudios de Pintura en la Escuela de Artes Plásticas del Instituto Cultural Cabañas. En 2007 fue invitado a realizar grabados en el taller Il Bisonte en Florencia, Italia. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas y ha exhibido su obra de manera individual en 13 ocasiones. En su obra muestra la intervención del hombre en el espacio para construir su hábitat, un lugar donde trabajar, vivir y relacionarse.

Mostrando el descontrol, su transformación y su destrucción como un ciclo que se repite constantemente, donde el individuo está a merced de las condiciones naturales y de su propia biología, por eso intentará modificarlo. Este descontrol es el punto donde se une el estado natural de la realidad con el movimiento artificial. Su obra pertenece a colecciones como Il Bisonte Florencia Italia; Museo Internacional de Arte Mexicano en Chicago; Colección Museo Raúl Anguiano; Pinacoteca Atanasio Monroy; Museo de Arte Contemporáneo, Sofia, Bulgaria. Tiene más de 50 selecciones en diversos concursos nacionales e internacionales, entre ellos, la Bienal Rufino Tamayo, Bienal Pedro Coronel Bienal Shinzaburo Takeda, en el 2008 fue acreedor del tercer lugar del concurso nacional de pintura José Atanasio Monroy, en el 2010 fue acreedor del segundo lugar del premio nacional José Atanasio Monroy, fue becario de Jóvenes Creadores del FONCA 2009 – 2010.

(Estados Unidos, N. 1993) Cursó la Licenciatura en Pintura en la Universidad de Syracuse en Nueva York. Ha expuesto de manera individual y colectiva en numerosas ocasiones, entre estas destacan: Socially Distanced Art Exhibition, TZ Projects, Los Ángeles, California (2020); American Amnesia, Krupic Kersting Gallery, Colonia, Alemania (2018); Old Glory, Long Road Projects, Jacksonville, Florida curada por Aaron Levi Garvey (2018); Paul Weiner Alto Gallery, Denver, Colorado (2018); Correspondence / Correspondencia, CTRL+SHFT Oakland, Estados Unidos curada por Á.R. Vázquez-Concepción (2016); Common Language, St. John University, York, Reino Unido (2013); New York to London, HOUSE Gallery curado por Berik Kulmamirov.

Londres, Reino Unido (2013). Su trabajo ha sido reconocido con el Premio Augusta Hazard de la Universidad de Syracuse (2015); y con el Premio Roswell Hill de la Universidad de Syracuse (2014).

Pedro Friedeberg (Italia, N. 1936) Pintor surrealista, grabador, diseñador, ilustrador, muralista y escultor. Estudió tres años de Arquitectura en la Universidad Iberoamericana (1957). Sus mentores fueron Mathías Goeritz, José González Camarena y Gerry Morris. Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran: Gran retros-

pectiva, Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México (1953-2009); Galería Drexel, Monterrey; Galerie im Gassla, Nuremberg (2001); Festival del Desierto, La Paz, San Luis Potosí (2002); Museo de Historia, Monterrey (2002); Antiguo Palacio del Arzobispado, Ciudad de México (2003); Studio DVO, Bruselas (2004); Galería Pecannins, Ciudad de México (2004); Instituto Cultural Aguascalientes (2004). Entre sus exposiciones colectivas recientes destacan: Escuela mexicana, de la Ruptura al Geometrismo, Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México (2000); De mi colección, exposición itinerante de CONACULTA (2000); Cajas, Casa de la Primera Imprenta, Ciudad de México (2001); Aparentemente Sublime, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2003). Su obra forma parte de colecciones particulares y públicas, entre ellas: Museo de Arte Moderno, Museo José Luis Cuevas, Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, Museo de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans, Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en Washington D.C., Consejo Nacional de Investigación de Canadá en Ottawa, Museo de Louvre de París, Museo de Israel en Jerusalén, Museo Nacional de Arte Moderno en Bagdad, Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, Museo Franklin Rawson en Argentina, Museo Omar Rayo en Colombia y el Museo Nacional de Historia Natural del Instituto Smithsoniano en Washington, D.C.

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Paul Weiner

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Su obra mural se encuentra en diversas instituciones de México y el extranjero. Ha ilustrado publicaciones, diseñado portadas de libros de texto y proyectado escenografías y vestuarios. Se ha hecho acreedor a diferentes premios, entre ellos: el 2° lugar de la Bienal de Córdoba, Argentina (1966); 1er lugar en la Exhibición Solar en la Ciudad de México (1967); en la Trienal de Grabado, Buenos Aires (1979); Premio especial en la XI Bienal de Artes Gráficos en Tokio (1984); nombrado Artista Creador por el Sistema Nacional de Creadores Mexicanos y Extranjeros (1993). Su trabajo y vida han sido presentados en ocho libros desde 1972. Su autobiografía De vacaciones por la vida, Memorias no autorizadas, fue editada por Trilce y CONACULTA.

Pedro Reyes (México, N. 1972) Formado como arquitecto, estudia la capacidad de los espacios creados para convertirse en generador de ideas y adquirir funciones específicas. Alude por medio del espacio y su acotación a cuestiones de índole social, política, psicológica o cultural.

Explora el poder de la organización individual y colectiva para incitar al cambio a través de la comunicación, la creatividad, la felicidad y el humor, a través de una práctica variada entre escultura, dibujo, performance, maquetas y video. Entre sus exposiciones individuales se desta216

can: Creative Time, Nueva York, Estados Unidos (2016); Dallas Contemporary, Texas, Estados Unidos (2016); DOCUMENTA (13), ICA, Miami, Florida, Estados Unidos (2014); Beijing Biennale, China (2014); Kassel, Alemania (2012); Guggenheim Museum, Nueva York, Estados Unidos (2011); Lyon Biennale, Francia (2009); y The 50th Venice Biennale, Italia (2003).

Polímera Fernández (México, N. 1989) Ha expuesto de manera individual en distintas ocasiones, entre las que destacan: Mundo Salvaje, Roma Norte, CDMX (2018); Los 60’s, Roma Norte, CDMX (2018); Abstracto, San Miguel de Allende, México (2019); entre otras. Ha expuesto de manera colectiva nacionalmente en recintos como el Museo Franz Mayer (2018); Museo Nacional de San Carlos (2018); Centro Cultural Helénico (2018); Museo de Tequila y Mezcal (2019); de forma internacional ha expuesto en Londres, Reino Unido. Es representada por la Galería Urbana en la Ciudad de México.

Prince Láuder (México, N. 1992) Carlos Guerrero (Prince Láuder) es un ilustrador y artista visual, autodidacta. Desde temprana edad, su obra se desarrolló a través de su gran gusto por el arte. Empezó a experimentar con la pintura, el dibujo y la fotografía, creando piezas únicas llenas

Raúl Anguiano (México, N. 1915, M. 2006) Pintor, muralista y grabador. A los 12 años se incorpora a la Escuela Libre de Pintura en Guadalajara y a los 19 llega a Ciudad de México, donde estudia en la Escuela Nacional de Escultura, Pintura y Grabado “La Esmeralda” del INBA. Fundador del Taller

de la Gráfica Popular (1938), donde principalmente realizó grabados y litografías con la idea básica de solidaridad con los trabajadores y campesinos. El mismo año, presentó su primera exhibición individual en el Palacio de Bellas Artes. En 1941 fue a Estados Unidos donde estudió y enseñó pintura. Ejerció, junto con José Guadalupe Posada, Leopoldo Méndez y los artistas del Taller de Gráfica Popular, una gran influencia sobre otros movimientos artísticos. Fue fundador del Salón de la Plástica Mexicana.

Perteneció a la segunda generación de muralistas, integrada también por Jorge González Camarena, Federico Cantú Garza, Juan O’Gorman, entre otros. A lo largo de su vida pintó cerca de 50 murales, entre los que destacan los de la Ciudad de México en el Museo de Antropología y el de la Secretaría de Educación Pública; y en Estados Unidos el del Museo Bowers en Santa Ana, California.

Su obra como ilustrador incluye libros de la Expedición a Bonampak (1959) y Mawarirra.

Un viaje al mundo mágico de los huicholes (1972). Enfocó su obra en el México rural e indígena. Por su continuo viajar, también pintó varios países y le gustaba dibujar desnudos. Fue merecedor del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes (2000); la primera distinción de Invierno del Salón de la Plástica Mexicana (1954) y la Condecoración José Clemente Orozco, otorgada por el Congreso de Jalisco (1956). Otros reconocimientos a los que fue acreedor son

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de colores, formas y texturas, utilizando el collage como elemento principal de sus obras. Sus piezas se pueden definir como un juego entre moda y arte, que buscan reinterpretar la belleza femenina. Su estilo característico y distintivo lo ha posicionado como uno de los mejores artistas del momento. Su trabajo se ha expuesto en diferentes países a través de numerosas colaboraciones con prestigiosas marcas y editoriales internacionales como Chanel, Givenchy, Miu Miu, LuisaViaRoma, Hotel W y London Fashion Week. Destacan sus exposiciones: Demi Voo, Tokyo, Japón (2014); Firenze 4 Ever, LuisaViaRoma, Florencia, Italia (2014); Rosina, Parque Fundidora, Monterrey, México (2015); Design Week México, Blend Design, CDMX, México (2015); Icons, Blend Design, CDMX, México (2016); Arte Vivo 2016, Museo de Arte Moderno, CDMX, México (2016); No Name, Museo Tamayo, CDMX, México (2016). Fue galardonado como uno de los 100 mejores artistas del collage en el mundo en el libro Making a Splash en Hong Kong (2014).

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la Medalla de Oro del Salón Panamericana de Porto Alegre, Brasil (1958) y el Premio Jalisco (1988). Desde 1993 fue parte del Sistema Nacional de Creadores. Algunas de las obras del reconocido artista integran colecciones en Argentina, Bélgica, China, Estados Unidos, Francia, Italia, México, Polonia y Suecia.

Renata Alarcón (México, N. 1994) Cursó un programa educativo en la Academia de San Carlos, donde descubrió distintas técnicas e ideas para la intervención artística de los objetos. Recientemente, impulsa la práctica con metales a partir de cursos y talleres en la escuela de Artesanías de la Ciudad de México, especializándose en joyería; experiencia que facilitó la introducción al conocimiento y manejo de los metales. Considerando el nuevo aprendizaje de los elementos y las técnicas artísticas adquiridas, logra interactuar de forma constructiva dentro del marco artístico. Como extensión de su práctica ha colaborado con diversos artistas en proyectos comerciales y culturales, recurriendo a la literatura como medio de expresión. Sus publicaciones más recientes han sido para la revista GLISE en dos ediciones consecutivas; en pasantía y archivo de artista, colaboraciones y textos curatoriales para el artista Prince Láuder y Semblanzas para el mismo artista. La obras Rosa y Mapas entrelazados, fueron seleccionadas para la exposición colectiva 218

MAROMA, en la Ciudad de México, (2020); y, Transiciones para la exposición JUEGOS realizada por el artista plástico Isauro Huizar en colaboración con Agencia de Arte, Ciudad de México, 2020.

Ricardo Santos (México, N. 1983) Egresado de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Chihuahua. Su obra ha sido expuesta en espacios de divulgación tales como el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, Museo Franz Mayer, Museo Casa Redonda, Museo del Desierto; en Países Bajos: COBRA Museo, Art House Holland, NDSM Fuse Amsterdam, Museum de Lakenhal, Old School Gallery y NoEsUnaGalería, por mencionar algunos. Hasta el momento ha realizado dos residencias en Art House Holland, Países Bajos. Es Co-fundador de NoEsUnaGalería, plataforma autogestora de difusión, colaboración y residencias para artistas emergentes a nivel nacional e internacional, la cual cuenta con dos sedes, una en Ciudad de México y recientemente otra en Utrecht, Países Bajos. NEUG cuenta con más de 20 ediciones de las cuales, varias de ellas, se llevaron a cabo en diversas ciudades a lo largo de los Países Bajos, por mencionar algunas Ámsterdam, Utrech y Leiden. Actualmente trabaja en estrecha colaboración con la embajada de México para llevar a cabo más proyectos que involucren el intercambio cultural entre ambos países.

Roberto Zamarripa

(México, N. 1962) En 1976 comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Iniciación Artística no. 2, INBA-SEP; en 1977 ingresó a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del INBA, y en 1980 obtuvo su primera beca en producción, participando en diversos concursos, subrayando su presencia en el Segundo Salón Anual de Artes Plásticas del Museo del Palacio Nacional de Bellas Artes (1980), como finalista en la sección de Nueva Figuración y Neoexpresionismo. Así mismo, se presentó en el Segundo Encuentro Nacional de Arte Joven (1981) y obtuvo el premio especial en la Primera Bienal de Dibujo del Salón Nacional de Arte Plásticas del INBA (1982), llamando la atención de la crítica especializada, particularmente la de la Maestra Raquel Tibol y el legendario museógrafo mexicano Fernando Gamboa. Realizó entonces su primera exposición individual en la Galería Sloanne Racotta, en la Ciudad de México (1983); presentó una exhibición individual en la Galería Reynold Kerr Soho, Nueva York (29184) y en la Galería Misrachi, México; así como en un sinfín de exposiciones colectivas en diversos museos y galerías, principalmente en México, Centroamérica y Estados Unidos. En 1988 expuso individualmente Anatomías en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, misma que se presentó posteriormente en otros recintos como el Museo de Monterrey y en el Museo Regional de Guadalajara.

(México, N. 1984) Licenciado en Diseño para la Comunicación Gráfica por la Universidad de Guadalajara, (2002), cuenta con una Maestría en Lenguajes Artísticos Combinados en la Universidad Nacional de las Artes Argentina (2017). Ha complementado sus estudios en otras áreas como las artes audiovisuales; dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Barcelona (2012); escenografía; diseño; docencia; danza; fotografía; y cerámica.

Cuenta con varias exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales. Recientemente su obra fue expuesta en el Consulado de México en Miami, como parte de una colectiva de arte emergente de México. Así como también ha producido y co-producido obra experimental y de medios alternativos.

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Roberto Cortázar

Rodrigo de La Sierra (México, N. 1971) Al finalizar la Licenciatura en Arquitectura, un Diplomado de Creatividad en la Universidad del Valle de México y desarrollar durante 12 años su profesión como arquitecto, participó en los talleres Técnica de Materiales y Patinas, Taller de Escultura en Círculo de Arte y Escultura Pippal. Realizó cursos de modelado, talla en madera, moldes, vaciado y escultura figurativa en la Universidad Iberoamericana. Continuó su desarrollo de forma autodidacta. Con 219

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10 años de trayectoria como escultor, ha logrado exponer en países como Italia, China, Corea del Sur, Estados Unidos y México. Ha sido seleccionado para participar en prestigiosas bienales en España y Japón.

Ha tenido exposiciones en el Museo de la Ciudad Santiago de Querétaro, el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, el Centro Cultural Isidro Fabela Museo Casa del Risco en la Ciudad de México, el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México, el Centro Médico Nacional Siglo XXI, Centro Cultural Mexiquense, Museo de Arte Moderno del Estado de México, el Museo Jumex, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo Soumaya, la Universidad Autónoma del Estado de México, entre otros. Ha expuesto en recintos importantes del país como la Secretaría de Gobernación, la Cámara de Diputados, el Senado de la República, entre otros.

Rodrigo Garagarza (México, N. 1971) Estudió la Licenciatura de Arquitectura en la Universidad Iberoamericana, egresando con la tesis Ampliación-Anexo Museo Franz Mayer, en el cual realizó su servicio social. Ingresó al Museo de San Carlos como Jefe de Museografía, y a lo largo de 3 años, diseñó más de 15 exposiciones temporales, algunas de gran importancia, de artistas como Francisco de Goya y Aristide Maillol. También renovó las salas 220

permanentes del museo. Recibió una beca por parte del museo para asistir a un curso de Museología en Brno, República Checa, organizado por la UNESCO. Cuenta con estudios en Escultura y Cultura: Gargnano del Garda, organizado por la Universidad Politécnica de Milán y en Montecastello di Vibio, Perugia, Italia, organizado por la Escuela de Arte de Nueva York. Ha presentado su trabajo en exposiciones individuales en varias galerías y museos de México.

Ha sido entrevistado en programas de radio y televisión, también su trabajo se ha mostrado en diversos medios impresos. Posteriormente, se integró a una firma de arquitectura familiar, en donde diseñó esculturas, celosías escultóricas y figuras que se integraron con sus propios diseños arquitectónicos, los cuales en ocasiones buscan ser esculturas habitables, como fue el caso de la propuesta con la que concursó para el diseño del Pabellón de México en la Expo Mundial Shanghai 2010. Un año después estableció su estudio de escultura y desde entonces ha trabajado constantemente en comisiones para colecciones particulares.

Rodrigo Palma (México, N. 1983) Egresado de la carrera de Ingeniería Industrial en la Universidad Iberoamericana, persiguió su pasión por la fotografía y se mudó a Santa Bárbara, California para

Sabino Guisu (México, N. 1986) Es un artista originario de Juchitán de Zaragoza, cerca de la costa del Pacífico de Oaxaca. En su juventud estudió y trabajó en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca – I.A.G.O., inspirándose en el trabajo de

los artistas consagrados y la colección en su biblioteca. Recibió la mentoría del maestro Francisco Toledo, con quien colaboró y exhibió en numerosas ocasiones.

Desde sus primeros retratos creados con humo, hasta sus trabajos más recientes, textiles de lana en relieve y esculturas en madera al horno, mantiene el uso de materiales orgánicos en su trabajo. Descendiente de una familia ligada a la tradición del arte y la alfarería, Guisu (que en Zapoteco significa Alfarero), es conocido por el uso de humo en su obra. Utiliza la humareda que desprende el fuego para plasmar imágenes que resultan en capas que traslucen vislumbrando retratos, escenas y paisajes. Además, experimenta con numerosos materiales como miel de abeja, hongos, lana, madera, plata, piedra e incluso neón. Su obra es un camino que recorre la historia del hombre, desde los primeros vestigios impresos con cenizas sobre las cavernas, hasta el uso de los materiales antiguos en la exploración actual de nuevas técnicas para la producción de un objeto artístico. Su trabajo ofrece una visión de transculturación y ruptura espiritual que existe entre el individuo y su entorno, logrando una profunda reflexión personal. Los patrones geométricos encontrados en las ruinas de pirámides mexicanas aparecen con regularidad en su obra, la muerte y el azar son temas a los que siempre regresa.

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estudiar en el prestigioso Brooks Institute of Photography. Acudió a cursos en París y Los Ángeles, en donde tuvo la oportunidad de trabajar y aprender bajo la tutela de distintos fotógrafos profesionales. Al terminar sus estudios, se mudó a la Ciudad de Nueva York, donde trabajó por dos años con el reconocido fotógrafo Mark Seliger y fue parte del equipo que realizó su último libro, Listen. Posteriormente, empezó a colaborar con el fotógrafo mexicano Enrique Badulescu, con el que trabajó otros dos años bajo su tutela. Durante su estancia en Santa Bárbara, participó en exposiciones en la Galería 27 y en Los Ángeles. Después de cinco años en Nueva York, regresó a México para concentrarse en su obra, la cual tiene una voz única y lleva al espectador a apreciar imágenes que muestran el mundo de manera distinta. Durante sus estudios en Estados Unidos participó en varios concursos, el PDN Best of College Photography y los World Photography Awards en los cuales obtuvo más de ocho reconocimientos por su trabajo. Su obra se ha publicado en varios libros.

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Santiago Díaz Guichón

Taeko Nomiya

(Uruguay, N. 1981) Es Diseñador Gráfico, ha cursado estudios en la Scoula Italiana y en el Robert Morgan Institute of Art and Literature. Ha expuesto de manera individual en Montevideo, Uruguay, y en México, en Espacio Uno; GB Gallery México; R543 México. De forma colectiva ha expuesto en espacios como Galería Óscar Román, DIF Estatal de Querétaro, Hotel Marriot Polanco, Locanda y Sub-Urbano Sótano.

(México, N. 1990) Nacida en México de padres japoneses, Taeko aprendió a entender el mundo en japonés y a explicarlo en español. Antes incluso de que ella cobrara conciencia de sí misma y de que conceptos como “mexicana” y “japonesa” adquieren algún significado, Taeko ya había desarrollado una percepción dual del mundo que la rodea. Ella tiene muy claro que en cada cosa que nos encontramos, en cada lugar que visitamos, en cada persona que conocemos, hay siempre un subtexto que no es evidente a los ojos, pero que resulta indispensable para poder descifrar lo que tenemos enfrente. Esa es la razón por la que hace fotos en doble exposición. Al ser la japonesa que creció en México mientras que su familia extendida estaba en Japón, o la mexicana que visitó la insólita Tokio de la que todos sus amigos habían oído hablar, pero ninguno había visitado, se encontraba siempre poseída por el impulso de compartir su mundo a alguien que estaba del otro lado del mundo. Luego, al tomar la fotografía invariablemente descubre que, aunque la cámara había captado fielmente todo lo que ella tenía enfrente, había una capa de realidad que no estaba en las fotos. Curiosamente, es una mujer de pocas palabras, sin ninguna explicación. Tal vez sea porque esa misma naturaleza insular que le ha dado el que siempre la consideren extranjera la libera de la necesidad de per-

Sebastián Hidalgo (México, N. 1985) Cuenta con una Licenciatura en Arte por la Universidad de Valencia y por UNARTE, Puebla.

De forma individual ha expuesto numerosas veces, entre las que destacan, Mi Jardín Primitivo, (como Akira Toxqui), Archivo Colectivo, Ciudad de México, México (2019); Detrás de la puerta, Galería Miscelánea, Puebla, México (2018); Estaciones, Círculo Cubano de México, Ciudad de México, México (2017); Quimeras y semillas, Galería Miscelánea, Puebla, México (2016); Veladuras, Espacio Sero, Puebla, México (2008); entre otras. De manera colectiva ha expuesto con las siguientes muestras El Gran Sur, Museo Internacional del Barroco, Puebla, México (2020); FAMA Monterrey, Booth 23, Monterrey, México (2019); Salón Puebla, Galería de Arte del Palacio Municipal, Puebla, México (2019); Oniris, Museo de Ambiente Histórico Cubano, Santiago de Cuba, Cuba (2019); entre otras tantas.

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Tania EA (México, N. 1980) Espíritu libre por naturaleza, es una artista mexicana, impulsada por el deseo de encontrar grandes avenidas a sus ansias de expresión, descubre en las artes plásticas un continente de amplio horizonte para plasmar sus inquietudes. Como artista trabaja para unir sus diferentes pasiones: la escultura, la fotografía y la pintura, para crear obras llenas de expresión propia. Cada obra de arte, es una forma única e irrepetible de mostrar su visión ante la vida. Ha expuesto en varias ocasiones, entre las que destacan: El arte tiene vida propia, World Trade Center, CDMX, México (2021); NONAME, Museo Nacional de Arte, MUNAL, México (2020); Arte Vivo, Ediciones 2013, 2014 y 2017, Museo de Arte Contemporáneo, México (2013-2017); entre otras. Su trabajo ha sido reconocido con el Grand Prize Winner Art takes Chelsea, Estados Unidos. Además de ser seleccionada en varias bienales y trienales como Trienal de Tijuana: I Internacional Pictórica, México (2021); XVIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo, México; VIII Biennale di Soncino a Marco, Italia; Juegos Olímpicos de Londres, Art Show, Londres (2012); entre otras.

Tatiana Camacho (Colombia, n. 1987) Fotógrafa colombiana autodidacta que nos habla a través de la luz y la piel, sus cuadros nos seducen en profundos reflejos sobre lo femenino con su suave belleza. Camacho dejó el Fashion Institute of Technology en Nueva York, en conflicto por las formas en que las mujeres estaban representadas en la moda. Como fotógrafa, ha tratado de captar las muchas formas en que habla lo femenino para agregar más capas a una conversación monótona en Arte y Moda.

Para acceder a algunos de estos momentos más sutiles, realiza un ritual nacido de la intuición para sus retratos desnudos de mujeres: ella también se deshace de su ropa. Esta desnudez compartida entre el fotógrafo y el sujeto activa una atmósfera fértil de empatía y conexión. El sujeto ya no es un objeto. Aunque no cree en el feminismo radical, su trabajo expresa nuestra necesidad de estar en contacto con el poder de lo femenino como contrapunto al poder de lo masculino. Tiene su estudio en la Ciudad de México y explora la naturaleza en diversos contextos: desde covers y círculos ceremoniales en California, hasta momentos de desnudez sincera con amigos en Colombia, retiros en la costa del Pacífico mexicano y estudios de iluminación controlada en la ciudad. Su manejo de la luz se inspira en James Turrell y sus estudios de desnudos en Ryan McGinley.

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tenecer que da el saber comprendido. O tal vez sea que el proverbio tenía razón y, si una imagen vale más que mil palabras, cada una de sus fotografías ya contiene explicaciones más que suficientes.

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Urs Fischer (Suiza, N. 1973) Nació en 1973 en Zúrich, Suiza, donde estudió fotografía en la Schule für Gestaltung. Es conocido por sus esculturas a gran escala e instalaciones que revelan una profunda fascinación por los procesos espontáneos de transformación y deterioro. Su obra, la cual a menudo presenta objetos cotidianos monumentales, incluye un chalet suizo de tamaño natural hecho con hogazas de pan de masa madre, hule espuma y madera; una escultura de una enorme cajetilla de cigarros cruzada por la mitad de una silla de comedor, hecha con aluminio pintado; y una monumental escultura de bronce de 20 toneladas y siete metros de altura, en la cual una enorme lámpara de escritorio sale de la cabeza de un oso de felpa gigante. También ha creado esculturas de cera de tamaño real de personas reconstruidas como velas, las cuales son encendidas y se dejan consumir hasta que se han derretido en su totalidad. En 2019, colaboró con Louis Vuitton en la presentación de la colección Artycapucines, diseñando una bolsa Capucines que llevaba esculturas con forma de dijes, creadas de forma especial.

Actualmente vive y trabaja entre Los Ángeles y Nueva York.

Venuz White (Colombia, N. 1978) Su carrera artística abarca más de dos décadas, participando en una serie de 224

exposiciones individuales y colectivas, y proyectos en el extranjero en: Nueva York, Madrid, París, Medellín, San Francisco, Bogotá y Ciudad de México. Así como en Instituciones destacadas, como lo son el Museo de Arte Moderno de Bogotá; el Museo de Arte Moderno de Medellín; el Banco Central - Colección de Arte del Banco de la República en Colombia; y el Palais des Beaux-Arts de Paris, comisariada por Nicolas Bourriaud.

Ximena Alarcón (México, N. 1968) Estudia Diseño de Moda y una Maestría en el Instituto Marangoni de Milán. A su regreso a México, se interesa en la escultura y las artes plásticas. En 2002 abre su primer taller en el tercer distrito de París, incursionando en el Diseño de Joyería a través de un planteamiento escultórico-espacial con el proyecto XAC, el cual sigue trabajando hasta hoy día. Su obra escultórica ahonda en la noción de espacio y volumen inmaterial a través de recursos formales geométricos y orgánicos. Sus instalaciones, objetos y obras sobre papel plantean reflexiones respecto a la condición de género, la desigualdad social, el racismo y la empatía.

Ha expuesto su obra en varios recintos importantes de México, como la Fundación Sebastián, Galería Pablo Goebel, Instituto Nacional de Ciencias Médicas y Nutrición Salvador Zubirán de la Ciudad de México y

Yvonne Domenge (México n. 1946 – m. 2019) Realizó estudios de Artes Plásticas en Outremont School, Montreal, Canadá; Corcoran School of Art, Washington D.C., Estados Unidos, y en México. Ha participado en talleres de pintura, escultura y técnicas de materiales, e impartido cursos de apreciación estética y terapia de arte. En el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes ha sido miembro de la Comisión Consultiva en Escultura y fue miembro de la Comisión de Artes y Letras de París, Francia; miembro de la Academia de Ciencias y Artes de Bélgica; fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Desarrolló el proyecto Esculturas Realizadas por la Comunidad de la Col. Buenos Aires (1999 a 2002), con el apoyo de esta institución. Obtuvo la Beca de Residencia Discovery en el programa de intercambio México-Canadá FONCA, Centro Banff paras

las Artes, Alberta, Canadá. Ha participado en más de 50 exposiciones individuales y 165 colectivas en México, Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia, incluyendo el Museo de Louvre en París y una retrospectiva de su trayectoria en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Realizó la exposición Interconnected que exhibió seis piezas monumentales en las galerías Boeing de Millennium Park, Chicago, Estados Unidos. Dichas piezas monumentales están dentro de los Estados Unidos, como son el McNichols Building, Denver, Colorado; Nathan Manilow Sculpture Park, Chicago, Illinois, Freedom Park, Atlanta, Georgia. Ha obtenido reconocimientos en México y en el extranjero, como el reciente premio Phoenix en Freedom Park de Atlanta (2013) y el premio Sorel Etrog de por su trayectoria en escultura y arte público en Vancouver, Canadá (2012). Ha sido galardonada por la Academia de Medicina en México, por la pieza VIRUS AH1N1, en la Facultad de Ciencias Biomédicas, Universidad Nacional Autónoma de México, Ciudad de México, México (2010). Fue miembro honorario y medalla dorada de las Academias de Ciencias, Letras y Artes de Francia y de Bélgica y miembro de la Academia de Artes de México; recibió la medalla de oro por el Concurso de escultura para paisaje olímpico, Beijing, China (2008); fue seleccionada en la Segunda Bienal de Arte de Beijing, China (2006); y ganadora de la Bienal de Escultura Toyomura, Hokkaido, Japón (1997); Primer

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Centro Cultural Santo Domingo en Oaxaca.

De la misma forma, su trabajo ha sido expuesto en recintos renombrables de Perú, tales como la Alianza Francesa de Miraflores y Galería del Británico de San Juan de Lurigancho en Lima. Su obra forma parte del acervo de la Fundación Sebastián y colecciones particulares en México, España, Suecia, Francia, Estados Unidos y Perú.

Está representada por la Galería Quetzalli en México. Comparte su tiempo entre Perú, México y Francia.

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lugar de Artes Plásticas de CNN, Nueva York, Estados Unidos (1994); Premio de adquisición en Euro Escultura en Bardonecchia, Italia (1993); Premio de adquisición Camille, La Bresse, Francia (1991).

Zach Thompson (Estados Unidos) Egresado de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York con la Maestría en Bellas Artes, cursó la Licenciatura en Dibujo en la Universidad de Florida. Ha expuesto de manera individual en múltiples ocasiones, entre las que destacan: Have you ever seen a lamp turn a look?, Para//el Performance Space, Brooklyn, Nueva York (2019); False Family: The Architecture of Found Photographs, Craig Krull Gallery, Los Angeles, California (2016). Ha participado colectivamente en muestras como Chautauqua School of Art Students and Emerging Artists Exhibition, Centro de Arte Fowler– Kellogg, Nueva York, Estados Unidos (2019); What Happens Here Stays With Us, Edificio Pfizer, Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos (2019); Reference, Rose Gallery, Santa Mónica, California, Estados Unidos (2017); Art is Home, 4Most Gallery & Studio, Florida, Estados Unidos (2015); entre otras. Su trabajo ha sido reconocido con el Student Creative Research Awards-Best of School Award otorgado por la Universidad de Florida. En 2016 obtuvo la residencia del Hambidge Center for Creative Arts & Sciences, Rabun Gap, Georgia.

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RIcardo Garduño (México, n. 1988) Artista mexicano, egresado de Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México. En 2009 presentó su primera exposición colectiva titulada 14 individuales en GB GALLERY, también en ese mismo año realizó su primera exposición individual en una casona sobre la calle de Reforma, en la cual se expusieron más de 40 de sus obras, inspiradas en las distintas personalidades del gremio artístico. Dentro de sus exposiciones más importantes resaltan: Gigantes, que constó de siete retratos arrugados presentados en Barcelona (2012); Agua y emociones, en el espacio galería de El Dorado on the Beach, Puerto Vallarta (2012), y nuevamente en el Centro Libanés (2013); y un trabajo colaborativo con Pedro Friedeberg en la obra Silla-mano para una subasta en la exposición Manos por México en el museo Franz Mayer para la Fundación V. Ferrara. En 2015 presentó para MaxMara la nueva colección de primavera con el diseño de un aparador en la boutique Masaryk en Polanco, además de la realización de obras hiperrealistas y un piano invertido con la textura de dicha temporada.

Ese mismo año participó como conferencista para TEDx, presentado por la UNAM y realizó una obra inspirada en la Whitney Bag, misma que fue subastada para la Fundación Rebeca de Alba. En 2016 Trabajó para Calvin Klein con la intervención de un piano, una instalación y el arte musical de temporada.

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Nuestros programas y servicios Generación Viva Trabajamos por el derecho a que la juventud tenga acceso a información sobre sexualidad y salud sexual a través de intervenciones en el espacio escolar con la participación de docentes, madres y padres de familia.

ASSI Vivo Acompañamos con atención médica y psicológica integral para que vivamos con salud, bienestar, placer y plenitud la sexualidad.

Hablemos de sexo y amor Propiciamos el diálogo positivo a través de nuestra plataforma en línea para que la juventud asuma de forma responsable la sexualidad con salud y placer a través de información clara, libre y sin rodeos.

PARESS En el marco de la Agenda 2030, capacitamos a jóvenes para que puedan hablar de tú a tú a sus iguales (pares) en un ambiente de confianza para compartir libremente temas de salud sexual y sexualidad, con la finalidad de que repliquen estos conocimientos en su entorno.

Empresa Viva Trabajamos para que existan entornos laborales más saludables, incluyentes, igualitarios y equitativos a través de capacitaciones y conferencias, para que las personas tengan un desarrollo integral dentro de sus espacios de trabajo y que se refleje en su vida cotidiana.

Abrazando la vida Iniciativa en conjunto con el Fondo de Población de las Naciones Unidas (UNFPA), RB y México Vivo desarrollada para contribuir a los Objetivos de Desarrollo Sostenible 2030, proporcionando a comunidades vulnerables herramientas que les permitan tener acceso a educación sexual, reproductiva, materno y neonatal así como información de salud mental y nutricional para construir futuros más saludables.

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SÚMATE Y CONSTRUYAMOS UN MÉXICO MÁS VIVO Transformemos la realidad de más personas: — Con tus donaciones podemos ayudar a enfrentar la situación por COVID-19.

— Llevando Empresa Viva a tu organización, más personas tienen acceso a información para una salud sexual saludable.

— Adquiriendo una obra de nuestro acervo disponible, apoyas nuestros programas.

— Generando alianzas de Fundación México Vivo con instituciones, gobiernos, medios y/o empresas para desarrollar iniciativas o financiamientos.

— Brindando asesoramiento y orientación con tu experiencia profesional.

— Convirtiéndote en parte de nuestros voluntarios.

— Siguiéndonos en redes sociales y compartiendo nuestros contenidos.

— Tu labor es una pieza clave en el trabajo que realizamos. Regístrate en: mexicovivo.org/sumate.php

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Directorio Institucional

Asamblea de asociados Charlie Cordero Presidente H. Rodrigo Moheno Vicepresidente Mariana Gibert Secretaria David Cedeño Tesorero Jorge Luis Macías Pro-Secretario Beto Moheno Vocal

230

Consejo de asesores Alejandro Soberón Andrea González Anna Karina Rosales Carlos Salomón Cámara Eduaro Sojo Erika Argándar Ernesto Mier Fernando Veytia Gabriel André Nalda Javier Cordero Juan Carlos Luna Lourdes Skipsey Lucía García Noriega Michael Marczell Ofelia Reyes Nicolat Osmar Matsui Patrick Charpenel Rafael Heredia Raymundo Moreno

índice general

Patronato Mesa Directiva Guadalupe Artigas de Ramos Cárdenas Antonio Ramírez Valerio Beto Moheno Alejandro Pardo Díaz Álvaro Velarca Ana Gabriela Peralta Ángel de León Zamora Celina Turrent Charlie Nesi Claudio Castellanos Daniel Gerónimo Ferraro Emilia Cohen Emmanuel Serra Enrique Aguayo Fernando Veytia Morales Hugo Wacogne Humberto Sarkis

Jorge Marín Jorge Ramos Juan Luis Díaz de la Garza Lincoln Alejandro Carrillo Valdés Lorenza Guzmán María Pilar González Solana Maricarmen Ramos Martha Cristiana Memo Martínez Miguel Basurto Miguel Mier Miguel Rodarte Olivier Janiky Rebecca de Alba Ricardo Seco Ricardo Velderrain Rodrigo Garagarza Sasha Sökol Cuillery Siouzana Melikian Sol Méndez Roy

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índice general

Equipo Operativo

Charlie Cordero Presidente del Consejo

Adanelly Tovar Coordinadora de Diseño Gráfico

H. Rodrigo Moheno Mendoza Secretario General

Idana Rodas Coordinadora Hablemos de Sexo y Amor

Claudia Arenas Secretaria General Adjunta de Desarrollo Institucional

Fernanda Saldívar Coordinadora de Arte Vivo

David Cedeño Secretario General Adjunto de Alianzas Institucionales

Dra. Ana Paredes Médica General

Zeidy Arenas Asesora de la Secretaria General Adjunta de Administración

Gabriela Reyes Consejería y servicios de acompañamiento

Mónica Paredes Secretaria General Adjunta de Proyectos

Gustavo Jiménez Consejería y servicios de acompañamiento

Akiko Bonilla Coordinadora de Educación Integral de la Sexualidad

Sergio Romo Consejería y servicios de acompañamiento

Jorge Bernal Coordinador de Servicios de Salud Ginn Arias Coordinadora de Comunicaciones Hablemos de PrEP

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José Pacheco Coordinador MxVivo Norte

David Hernández Acompañamiento y Promoción Eduardo Chávez Enfermero

índice general José Eduardo Pérez Atención a usuarias y usuarios Ariana Aguilar Gestora de redes sociales Luis Emilio Hernández Redes Sociales de Hablemos de Sexo y Amor

Educación Integral en Sexualidad Joel Torres Arenas José Luis González Eloy Peláez Valencia Tania Gómez Guerrero Leydi Montoya Patiño Celeste Campos Dr. Juan Antonio Rodríguez

Mallinali Mejía Moderadora de Hablemos de Sexo y Amor Michela Guarente Moderadora de Hablemos de Sexo y Amor Rocío Ordoñez Moderadora de Hablemos de Sexo y Amor Leonardo Martínez Diseñador Gisela Rodríguez Auxiliar Administrativo Contable Alam Eduardo Flores Rangel Asistente Administrativo General

Créditos Edición 2021 Antonio Salazar —jasho.mx Dirección de Arte y Diseño Editorial Fernanda Saldivar Idana Rodas Mallinali Mejía Cuidado de la edición Sofía Santillán Fotógrafa

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Se terminó de editar el 16 de octubre de 2021.

Edición digital.