Informes artevivo@mexicovivo.org
MADRINA DE HONOR Paloma Porraz
PADRINO FUNDADOR DE ARTE VIVO Sr. Eugenio López Alonso
SUBASTADOR Memo Martínez
PADRINO DE HONOR Maestro Federico Silva
01800 FMX VIVO Consulte catálogo digital mexicovivo.org/artevivo2022en
Museo Tamayo Ciudad de México EDICIÓN XXVIII
MUESTRA DE ARTE 20 al 22 de septiembre de 2022
Portada Federico Silva Encuentros, s/f 31Broncex10x 14 cm
SUBASTA 22 de septiembre 2022
Alejandro Serratos Taller Ciudad Arturo Mizrahi MAIA Contemporary Bernardo Saenger Saenger Galería Bruno Blackmore Coleccionista
Cecilia Pardo MUAC Clara Ruíz Promotora Cultural Eduardo Mier y Terán Galería Terreno Baldío Emilia Cohen Galería ECOH
Eugenia Peralta Consultora de Arte Guadalupe Artigas Presidenta del Patronato Henoc de Santiago Museo del Estanquillo Humberto Moro Promotor Cultural
Karina Fernández Promotora de Arte María Saldaña Julián Galería Quetzalli Marisol Argüelles Curadora Independiente Memo Martínez MM Casa de Subastas Miriam Villaseñor Promotora Cultural Nicole Badin Nicole Art Services Patrick Charpenel Museo del barrio en NY Pedro Reyes Artista Rolando Tomasini Coleccionista Salvador Riestra Promotor Cultural Salvador Vera Islas Promotor Cultural Sofía Mariscal Fundación Marso Sofía Sáenz de Santamaría Proyecto H Claudio Castellanos de Oteyza Coordinador del Consejo Arte Vivo
GRATITUD
a cada artista que generosamente a través de su trabajo, visión y sentir, crean vida para México.
A las y los miembros del Consejo Arte Vivo 2022
Alejandro Soberón Alicia Santamans Álvaro Velarca Ana Lucia Tejeda Ángel de León Anne Engérant Antuan Harfuch Bruno Blackmore Cristina Ruz Daniel Ferraro Dolores Pérez de Salazar Enrique Aguayo Fernando Feres Gabriel Andrée Gerardo González Giselle Moheno Hugo Petricioli Humberto Sarkis José Hilario Ibarrola José Luis González José Manuel García Colina Lincoln Alejandro Carrillo Valdéz Luis Carlos Urzúa Luis Perelman Manolo Mestre Marcos Tuachi Mariana Gibert Martha Cristiana Mauricio Boy Mazvyde Sacalyte Michael Marczell Óscar Padilla Pilar Goutas Santiago Payro Sasha Sökol Sebastián Herrejón Sofía Sánchez Navarro Sonia Villalpando Tanya Mordacci
A las y los impulsores institucionales, 2021-2022
Eduardo Chabat Eugenio López Alonso Fernando Esteves Fernando Gurza Fernando Pavón Fernando Ramos Schadtler Francisco García Francisco Sarabia Gabriela Correa Gabriela Elizondo Gerard Mates Germán Campos Harold May Héctor Pardo Hugo Wacogne Isaac Mustri Jaime Ruiz Janeth Rodríguez Javier Baca Javier Moreno Jesús González Joaquín Rodríguez
Adaliz Chavero Alejandro Gil Alejandro Sordo Alejandro Soto Alex Reyes Alfredo Fajer Ana Luisa Pérez Antonio Duarte Antonio Redondo Ari Katz Begoña Hano Carli Samper Carlos de Anda Carlos Martínez Claudia Gálvez Dan Defossey David Mustri Diego Cardoso
Jonathan Guzmán José Antonio Ortega José Ramón Corral Josué Martínez La Bruja de Texcoco Laura Flores Lautaro Cárdenas Leticia Vega Lilia Casillas Luis García Serrano Magalí Arriola María G. León Maripili González Marisol Villarreal Martha Abedrop Mauricio Gutiérrez Mauricio Olivera Mercedes de Oteyza Miguel Mallet Nicolás Poggi Olga Álvarez Olivier Janiky Pablo Álvarez Ricardo Covalín Ricardo Ibarra Rolando Cuevas Rosalba Hernández Sergio Cortés Silvia Sánchez Tere Aguirre Tomas Sánchez Vanessa Castillo Verónica Valadés Xóchitl Morales
A las amigas y amigos de Arte Vivo que con su apoyo, tiempo, esfuerzo y contribución es posible realizar esta edición de Arte Vivo
Agradecemos a los auspiciantes institucionales de Fundación México Vivo
Agradecemos la generosidad de los anfitriones de Arte Vivo 2022
Agradecemos a los patrocinadores de la edición 2022 de Arte Vivo
Agradecemos a las galerías donantes Auspiciantes Arte Vivo
XXVIII
Conoce a las y los artistas que dan vida a la edición de Arte Vivo
mexicovivo.org/artistasparticipantes2022
Adela Goldbard — Adriana Treviño — Aldebarán Solares — Aldo Chaparro — Aldo Islas — Alejandro Pintado — Alexander Zuleta — Alexis de Chaunac — Alexis Mata — Alfredo Cota — Amador Montes — Amarist Studio — Andrés Anza — Andrés Basurto y Abel Camacho — Armando de la Garza — Barkyro — Betsabée Romero — Byron Gálvez — CA Art Collective — Carlos Arias Vicuña — Carlos Mérida — Cecilia Avendaño — Claudio Roncoli — Conchita Pineda — Damián Suárez — Daniel Mattar — Daniel Montalvo — David Troice — Dulce Pinzón — Eduardo Estrada — Eduardo Terrazas — Emilio Rangel — Enrique Larios — Enrique Rosas — Eva Gerd — Felipe Lasso — Federico Silva — Francesca Dalla Benetta — Franz Klainsek — Gabriel Macotela — Gabriel Rico — Guillermo Fornes — Gustavo Argüello Peñaloza — Harley Cortez — Héctor Velázquez — Helio Vianna — Inés Cusi — Iñigo Navarro — Isauro Huizar — Jacob Vilató — Jasmine Cadenhead — Javier Hinojosa — Jonathan Miralda Fuksman — Jorge Marín — Jorge Rosano Gamboa — José Chávez Morado — José Luis Cuevas — Josh Mayhem — Joy Laville — Juan Carlos Garduño — Juan Garaizabal — Juana Gómez — Jules Wittock — Jun Olman — Karian Amaya — Khara Oxier-Mori — Lao Gabrielli — Leo Matiz — Leonardo Morales — Leonor Hochschild — Leonora Carrington — Lola Villegas — Luia Corsini — Luis Antonio Yerenas Sánchez — Magali Lara — Manel Pujol Baladas — Manuel Felguérez — Marcos González — Mario Arroyave — Maura Falfán Hudak — Michael Conrads — Miguel Ángel Cordera — Miguel Castro Leñero — Olivia Steele — Omar Castillo Torres — Óscar Ratto — Otto — Paul Spencer — Paul Weiner — Paulo Jacobo Alonso — Pedro Friedeberg — Pierre Fudarylí — Pilar Goutas — Pipe Yanguas — Prince Láuder — Proyecto 6x4 — Rachel Hellmann — Raúl Anguiano — Raúl Cardozo — Renata Alarcón — Ricardo Garduño — Ricardo Luévanos — Ricardo Sanabria — Ricardo Santos — Rob Woodcox — Roberto Cortázar — Rodolfo Morales — Rodrigo de la Sierra — Rodrigo Garagarza — Rodrigo González Castellanos — Rodrigo Palma — Romeo Méndez — Roxana Albanese — Sabino Guisu — Sakal — Sebastián — Simone D’Auria — Taeko Nomiya — Vida Yovanovich — Viviana Martínez — Virgil Abloh x Louis Vuitton — Ximena Alarcón — Yolanda López — Yvonne Domenge
OfertasSobretransformandoqueLaEditorial1219realidadestamos20SobreMéxicoVivo48lasubasta50enausencia51ObrasParticipantes 52
Índice Índice alfabético de DirectorioGalerías182artistasParticipantes204Mássobrelasylosartistasparticipantes260Nuestrosprogramasyservicios262Institucional264EquipoOperativo
H. Rodrigo Moheno M. Secretario General y Cofundador
Actualmente, nuestro México ocupa los primeros lugares mundiales en embarazo adolescente, en violaciones, en producción de pornografía infantil, discriminación y violencia. La educa ción sexual nos permite prevenir y cambiar el rumbo de las nuevas generaciones para que puedan cambiar esta historia y vivir su se xualidad con salud, responsabilidad y bienestar frente a las amenazas que enfrentan hoy.
12iralíndiceprincipal
y llevar a mejores términos la situación de la salud sexual de nuestro México, lo que sólo es posible abriendo diálogos que sanen, llevando educación y servicios de salud a donde no los hay. El arte presentado en esta edición es una posibilidad para volverlo realidad para millones de vidas más.
Arte Vivo es una expresión de amor a México, de cada artista, de cada persona, empresa e institución involucrada, de mucho trabajo, para presentar una sinergia, en la que conjuntamente posibilitamos, hacer más, llegar a más, servir mejor y más rápido. Los tiempos y generaciones presentes requieren que ac tuemos con aceleración para resanar el tejido social, familiar e individual ante un estado de la salud sexual nacional alarmante.
Estos retos y heridas, nos convocan más que nunca, a la necesidad imperante de cambiar de rumbo esta realidad, a sanar, a cobijar
Con la mayor gratitud institucional de México Vivo presentamos esta edición de Arte Vivo, fruto de la generosidad y sinergia de artistas, galerías, coleccionistas, empresas auspi ciantes, marcas e instituciones que unimos esfuerzos para transformar la actual situación de padecimientos en torno a la sexualidad que vive nuestra población, para conjuntamente crear mejores presentes y futuros con salud, educación, bienestar y amor.
Nos conmueve e inspira, ser testigos de la virtud, generosidad, amor, talento, filantropía y unión de esfuerzos que año con año dan vida a Arte Vivo, por y para nuestro México. Para que cada día podamos llevar a miles
Editorial
Con mucho amor desde y para México, presentamos en estas páginas la edición 2022 de la sinergia más grande del arte en nuestro país en beneficio de la salud sexual de la población de México: Arte Vivo.
México Vivo, eres tú, somos todas, todos y todes. Los que tenemos el privilegio de coincidir para servir, para generar salud, arte, bienestar y vida para nuestro México. Estamos viviendo importantes tiempos de cambio frente a necesidades sociales enormes que puedan permitir un mejor futuro, para enaltecer el gran legado de nuestra tierra y ancestros reflejados en el bienestar de cada una de sus hijas e hijos.
principalíndicealir13
de personas más, herramientas, conocimiento, información y servicios para poder vivir la sexualidad con salud y con poder de decisión.
Esta edición, gestada con esta intención de transformación social, necesaria para tantos millones de vidas, es cobijada por uno de los más trascendentes exponentes del arte mexicano contemporáneo, el Mtro. Federico Silva, como Padrino de Honor y con el impulso de una de las principales gestoras de arte y cultura en México, la Sra. Paloma Porraz, Madrina de Honor de esta edición.
Nuestra profunda gratitud a las 229 propuestas recibidas para esta edición de Arte Vivo, cada una con la intención y amor para sumar. Agradecemos también el impulso y difícil tra bajo del Consejo de Arte Vivo, para conjuntar y hacer la selección de las 120 obras presen tadas. Nos honra y conmueve la generosidad solidaria del Museo Tamayo para ser la sede de esta edición, que fue la casa de la primera edición de Arte Vivo en 2005.
Cada nuevo día recibimos de miles de personas sinceros y amorosos “gracias”. Con esos latidos de gratitud, en nombre de cada una y cada uno de las millones de personas beneficiadas por nuestro trabajo, recibe la más honesta y profunda gratitud por dar vida con arte y amor a la labor de éste, nuestro México Vivo.
¿Qué quieres decir?AMORAMOR10:03 LA EDUCACIÓN SEXUAL SÍ PUEDE CAMBIAR TU HISTORIA 1 de cada 2 adolescentes que han comenzado su vida sexual entre 12 y 19 años queda embarazada PLATAFORMA GRATUITA DE LIBRE ACCESO *LAS MARCAS QUE APARECEN EN ESTA PUBLICIDAD SON PROPIEDAD DE SUS RESPECTIVOS TITULARES, PREVENCIÓN ES SALUD. Fuente: SSA/Inegi, Encuesta Nacional de Salud y Nutrición (Ensanut) 2018. Microdatos [en línea]. 10:03
Hacemos dúo para una mejor comunidad Conoce más en: https://newsroom.tiktok.com/Creamos programas, alianzas y actividades en: • diversidad e inclusión • salud y bienestar • cambio climático • desarrollo económico•• https://newsroom.tiktok.com/
#SICOnfíoPREVENCIÓNESSALUD
Y en violencia física y homicidios de niñas y niños menores de 14 años. -OCDE
Sólo un 14% separa lo laboral de lo personal.
17.5% de estudiantes de nivel medio superior que abandona sus estudios lo hace debido a un embarazo no planeado.
o prostituidos tienen relación directa o cercana con su agresor.
—SEP 45% de infantes abusados en México
—DIF
—Save the Children
México es el 1er lugar enadolescenteembarazo
de entre 18 y 30 años de edad ha padecido alguna infección de transmisión sexual, incluido el VIH/Sida. —Instituto Mexicano de Seguro Social 30% de la población en México
—Bumerán
—OCDE
El grupo más joven de las mujeres embarazadas cada año en México, de entre 10 y 14 años, es causa de abuso sexual.
56% de oficinistas en México han tenido un romance en su ámbito laboral.
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La realidad que transformandoestamos
77 nacimientos por cada 1,000 mujeres entre 15 y 19 años, dentro de los paises de la OCDE.
México ocupa el 1er lugar en abuso sexual
NUESTRA MISIÓN
Trabajamos y unimos esfuerzos para que la población viva la sexualidad con salud y poder de decisión.
Sobre México Vivo
NUESTRA HISTORIA
20iralíndiceprincipal
Somos una asociación civil, fundada en 2003 en la sede de la ONU en México. Inicialmente estábamos enfocados en apoyar la lucha contra el sida y en 2014 ampliamos nuestra misión para trabajar y unir esfuerzos para que la población viva la sexualidad con salud y poder de decisión.
Nuestros programas contribuyen al alcance de 6 de los 17 Objetivos de Desarrollo del Milenio y los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la ONU.
Asociación avalada por
Proveemos de herramientas educativas y servicios que permiten elegir, prevenir, detectar y atender a las personas para que tengan una vida individual, familiar y social con inclusión, equidad, respeto, salud, amor y arte.
principalíndicealir21
Asociación miembro de
GRUPO DE EIS Y CAPACITACIÓN / GIPEA
Brindamos atención a adolescentes en escuelas secundarias, jóvenes en bachillerato y nivel universitario, personal docente, madres y padres de familia, personal de los servicios de salud, población LGBT+, trabajadorxs sexuales, comunidades indígenas y en zonas rurales, migrantes y personas con vida sexual activa.
Consultas atendidas en línea
+14 millones personas usuarias de nuestra plataforma online hablemosdesexo.com +2700 artículos creados por especialistas con perspectiva de placer y derechos sexuales +1.700.000 jóvenes seguidores de nuestras redes sociales Cumplimos 10 años deCumplimos 10 años de
AUMENTA La salud sexual individual aumenta la productividad. EVITA ausentismo laboral por temas de salud, discriminaciónenfermedades,yviolencia. PROMUEVE ambientes de trabajo sanos. ¿Quieres llevar Empresa Viva a tu espacio de trabajo? Conferencias | Capacitaciones | Jornadas de salud BENEFICIOS Escríbenos a empresaviva@mexicovivo.org
vivir su sexualidad con salud y poder de decisión.
o f T h e V au l t House.
Im a ge s a n d d r a wi n g s a r e a r tisti c r e n de r i n g s o f t h e p r opose d desig n a n d a r e onl y c o n c eptual T h e V au l t Hous e r ese r v e s t h e r igh t t o ma k e m , r e vision s a n d c ha n ge s t o design p r ici n g o r a n y ot h e r f e atu r e a t sol e a n d absolu t e disc r etio n
Madrina de Honor
Paloma Porraz Gestora de Arte
Posteriormente, sirvió como directora fundadora del Laboratorio Arte Alameda, el primer espacio de arte contemporáneo dedicado al arte en medios electrónicos. Su programación allí se centró principalmente en exposiciones internacionales de artistas como Mona Hatoum, Daniel Buren, Antoni Muntadas y Rafael Lozano Hemmer.
Recientemente.
Se desempeñó como directora ejecutiva del Antiguo Colegio de San Ildefonso donde realizó exposiciones históricas y contemporáneas, entre ellas: Revelación. Arte Colonial de América Latina, Joseph y Annie Albers, David Lachapelle, Antony Gromley, Ron Mueck, Ernesto Neto
Actualmente forma parte del equipo curatorial de “Hacer Noche” , una Bienal de Arte Contemporáneo internacional en Oaxaca.
Paloma Porraz es curadora, historiadora del arte y administradora de las artes, originaria de la Ciudad de México. Estudió Historia en la UNAM. A los 23 años fue curadora del Museo Universitario del Chopo. Organizó una innovadora serie de exposiciones con una generación de artistas que cambiarían el panorama del arte mexicano en los años 90, como Francis Alys, Damián Ortega, Abraham Cruzvillegas y Eduardo Abaroa. Ahí también fue responsable de varias exposiciones dedicadas a la diversidad sexual y al pensamiento radical: El Círculo Cultural Gay.
ha dirigido el nuevo Museo Kaluz organizando la transformación del an tiguo Hotel Cortés en un espacio de arte para una colección privada. Allí realizó la emblemática exposición “80 años. Artistas del Exilio Español en México”.
46iralíndiceprincipal
El Laboratorio Arte Alameda se convirtió en un lugar de encuentro y producción para la comunidad de medios electrónicos en México.
17
54
84
120 Roxana Albanese 167
28
58
1 Jorge Marín 108
5 Alfredo Cota 63
44
81
98 Daniel Montalvo 80 99 Alexander Zuleta 60
62
9
123 Francesca Dalla Benetta 92 124 Vida Yovanovich 173
Lote Lote LoteArtista Artista ArtistaPág. Pág. Pág.
45
92 Rodrigo Palma 165 93 Simone D’Auria 171 94 Betsabée Romero 70 95 Rachel Hellmann 151 96 Taeko Nomiya 172
83
97 Khara Oxier-Mori 120
13
31
7 Leonor Hochschild 124
40
85 Lola Villegas 126 86 Paul Spencer 142 87 Leonardo Morales 123 88 Aldo Islas 58 89 Eduardo Terrazas 84 90 Ricardo Sanabria 157 91 Andrés Anza 66
82
117 Jasmine Cadenhead 105
118 Aldebarán Solares 56
119 Jules Wittock 117
75
14
23
50
11
30
43 Cecilia Avendaño 75 Isauro Huizar 103 Rodrigo Garagarza 163 Ricardo Luévanos 156 Adela Goldbard 54 Luis Antonio Yerenas S. 128 Raúl Cardozo 153 Pilar Goutas 147 Manel Pujol Baladas 130 Pedro Friedeberg 145 Armando de la Garza 68 Franz Klainsek 93 Luia Corsini 127 Michael Conrads 135 Karian Amaya 119 Jorge Rosano Gamboa 109 Yvonne Domenge 180 Enrique Rosas 87 Pipe Yanguas 148 Alexis de Chaunac 61 63 Rodrigo González C 164 Mario Arroyave 133 65 Leonora Carrington 125 66 José Chávez Morado 110 67 Harley Cortez 98 68 Héctor Velázquez 99 69 Renata Alarcón 154 70 Romeo Méndez 166 71 Alexis Mata 62 72 Guillermo Fornes 96 Juan Carlos Garduño 114 Eva Gerd 88 Byron Gálvez 71 Sebastián 170 Jonathan Miralda Fuksman 107 Federico Silva 90 Conchita Pineda 77 Proyecto 6x4 150 Juan Garaizabal 115 Pierre Fudarylí 146 Alejandro Pintado 59 Rob Woodcox 159
80
33
51
57
52
56
27
74
121 Adriana Treviño 55
25
26
113 Gustavo Argüello Peñaloza 97
59
77
122 Yolanda López 179
116 Paul Weiner 143
19
Índice de lotes para subasta
8 Javier Hinojosa 106 Gabriel Rico 95 Raúl Anguiano 152 Olivia Steele 138 Magali Lara 129 Sabino Guisu 168 Damián Suárez 78 Leo Matiz 122
12
20
35
36
3 Joy Laville 113
32
47
24
48
108 Paulo Jacobo Alonso 144 109 Rodolfo Morales 161
49
100 Viviana Martínez 174 101 David Troice 81 102 Roberto Cortázar 160 103 Carlos Arias Vicuña 73 104 Ricardo Santos 158 105 Andrés Basurto y Abel Camacho 67 106 Claudio Roncoli 76 107 Josh Mayhem 112
38
39
46
76
22
37
41
55
16 Miguel Ángel Cordera 136 Juana Gómez 116 Sakal 169 Jacob Vilató 104 Jun Olman 118 Gabriel Macotela 94 Felipe Lasso 89 Carlos Mérida 74 Enrique Larios 86 Barkyro 69 CA Art Collective 72 Inés Cusi 101 Aldo Chaparro 57 Ricardo Garduño 155 Marcos González 132 Maura Falfán Hudak 134 Daniel Mattar 79 Emilio Rangel 85 Miguel Castro Leñero 137 Rodrigo de la Sierra 162 Dulce Pinzón 82 Eduardo Estrada 83 Amador Montes 64 Helio Vianna 100 José Luis Cuevas 111 Iñigo Navarro 102 Otto 141
53
64
73
78
principalíndicealir47
79
61
110 Virgil Abloh x Louis Vuitton 176
21
111 Amarist Studio 65
112 Prince Láuder 149
6 Ximena Alarcón 178
18
34
42
114 Óscar Ratto 140
2 Manuel Felguérez 131
10
29
15
115 Omar Castillo Torres 139
4 Lao Gabrielli 121
60
REGISTRO
2 Una vez hecho el registro, se le entregará una “Paleta” numerada, que le permitirá licitar en la subasta y le identificará con su hoja de registro. El uso de esta paleta es personal e intransferible y su responsabilidad. En caso de perdida o extravío deberá reportarla de inmediato para evitar un mal uso de ella.
1 Como garantía para la Fundación, por el o los lotes que usted seleccionó y que le fueron adjudicados durante la subasta, deberá dejar un cheque nominativo, de caja o un voucher abierto.
4 Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja y será la propuesta más alta la ganadora y a quien se le adjudicará el lote, siempre que no exista una puja mayor y el martillero lo confirme.
3 Para que las y los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. En ese momento usted elige y adquiere el lote.
Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse previamente en línea o el mismo día del evento acudiendo a la mesa de registro.
48iralíndiceprincipal
Sobre la subasta
7 Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito American Express en una sola exhibición o a meses sin intereses, se cobrará el 5% (cinco por ciento) más IVA, si el pago se realiza con BBVA a meses sin intereses se cobrará el 5% (cinco por ciento) más IVA, en ambos casos por concepto de comisión bancaria, sobre el monto total del lote o lotes que se le hayan adjudicado.
9 Al término de la subasta deberá regresar a la mesa de registro para verificar los lotes adquiridos, monto a pagar y verificar la cancelación del voucher o cheque en garantía. Al no realizarlo, acepta que la Fundación haga efectivo el cobro del anterior, así como el monto de los lotes que le hayan sido adjudicados.
6 Al término de la subasta y con la entrega del registro, usted queda obligado(a) a pagar el precio del lote(s) elegido(s) y que le hayan sido adjudicados.
Las piezas a subastarse tienen un precio de salida especial por debajo de su valor comercial, en consideración a esta causa.
principalíndicealir49
5 Los lotes serán subastados en el estado físico que se encuentren en la exposición en el momento de celebrarse la subasta.
Adquiera las obras en pagos parciales o mensualidades (consulte las condiciones para cada tipo de tarjeta y plazo).
8 Sin excepción, todos los lotes deberán liquidarse el mismo día del evento.
Los lotes se adjudicarán al precio más alto que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la subasta.
50iralíndiceprincipal
Realice sus ofertas en ausencia ingresando a: mexicovivo.org/ofertasenausencia2022
Ponemos a su disposición también la facilidad de hacer su oferta con las promociones disponibles a meses sin intereses con las tarjetas de crédito participantes.
Usted llena un formato de ofertas en ausencia, que le será proporcionado solicitándolo al correo artevivo@mexicovivo.org o bien llenándolo desde el sitio: mexicovivo.org/ofertasenausencia2022
En dicho formato nos indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros voluntarios estará haciendo las ofertas en su nombre y representación.
La persona solicitante podrá hacer llegar su oferta en ausencia a México Vivo hasta un día antes de celebrarse la subasta, mediante la recepción en nuestras oficinas o por correo electrónico del formato correspondiente. Como garantía, la persona que desee hacer una oferta en ausencia deberá previamente proporcionar telefónicamente, una vez registrada su oferta, una tarjeta de crédito o un cheque a la orden de Fundación Unidos por un México Vivo, A.C.
Ofertas en ausencia
ObrasArteParticipantesVivo2022
Armando de la Garza 68
Adriana Treviño 55
Amador Montes 64
Andrés Basurto y Abel Camacho 67
Barkyro 69
Alexis de Chaunac 61
Daniel Montalvo 80
115
Alexander Zuleta 60
David Troice 81
Dulce Pinzón 82
CA Art Collective 72
Aldo Chaparro 57
Cecilia Avendaño 75
52iralíndiceprincipal
Alfredo Cota 63
Betsabée Romero 70
Byron Gálvez 71
Carlos Mérida 74
Alexis Mata 62
Andrés Anza 66
Conchita Pineda 77
Damián Suárez 78
Índice alfabético de artistas
Amarist Studio 65
Eduardo Terrazas 84
85 Emilio Rangel 86 Enrique Larios 87 Enrique Rosas 88 Eva Gerd 89 Felipe Lasso 90 Federico Silva 92 Francesca Dalla Benetta 93 Franz Klainsek 94 Gabriel Macotela 95 Gabriel Rico 96 Guillermo Fornes 97 Gustavo Argüello Peñaloza 98 Harley Cortez 99 Héctor Velázquez 100 Helio Vianna 101 Inés Cusi 102 Iñigo Navarro 103 Isauro Huizar 104 Jacob Vilató 105 Jasmine Cadenhead 106 Javier Hinojosa 107 Jonathan Miralda Fuksman 108 Jorge Marín 109 Jorge Rosano Gamboa 110 José Chávez Morado 111 José Luis Cuevas Josh Mayhem Joy Laville Juan Carlos Garduño Juan Garaizabal Juana Gómez
114
113
Adela Goldbard 54
Alejandro Pintado 59
112
116
Aldo Islas 58
Daniel Mattar 79
Aldebarán Solares 56
Claudio Roncoli 76
Carlos Arias Vicuña 73
Eduardo Estrada 83
176
179
Michael Conrads 135 Miguel Ángel Cordera 136
principalíndicealir53
Jules Wittock 117 Jun Olman 118
Omar Castillo Torres 139 Óscar Ratto 140 Otto 141
Miguel Castro Leñero 137 Olivia Steele 138
178
148 Pipe Yanguas 149 Prince Láuder 150 Proyecto 6x4 151 Rachel Hellmann 152 Raúl Anguiano 153 Raúl Cardozo 154 Renata Alarcón 155 Ricardo Garduño 156 Ricardo Luévanos 157 Ricardo Sanabria 158 Ricardo Santos 159 Rob Woodcox 160 Roberto Cortázar 161 Rodolfo Morales 162 Rodrigo de la Sierra 163 Rodrigo Garagarza 164 Rodrigo González Castellanos 165 Rodrigo Palma 166 Romeo Méndez 167 Roxana Albanese 168 Sabino Guisu 169 Sakal 170 Sebastián 171 Simone D’Auria Taeko Nomiya 173 Vida Yovanovich Viviana Martínez Virgil Abloh x Louis Vuitton Ximena Alarcón Yolanda López Yvonne Domenge
Paul Spencer 142 Paul Weiner 143 Paulo Jacobo Alonso 144 Pedro Friedeberg 145 Pierre Fudarylí 146 Pilar Goutas 147
Lao Gabrielli 121 Leo Matiz 122
Leonardo Morales 123 Leonor Hochschild 124 Leonora Carrington 125 Lola Villegas 126 Luia Corsini 127 Luis Antonio Yerenas Sánchez 128 Magali Lara 129
Manel Pujol Baladas 130 Manuel Felguérez 131 Marcos González 132 Mario Arroyave 133 Maura Falfán Hudak 134
174
Karian Amaya 119 Khara Oxier-Mori 120
180
172
Inyección de tinta. 70 x 110 cm Preventa $130,000.00 m.n. — Puja $75,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Adela Goldbard
Lobo I, 2015
54iraíndicedeartistas
Adriana Treviño
Rosa l , 2021
Semblanza del artista →
Inyección de tintas pigmentadas en papel Moab pearl acabado en acrílico mate. 100 x 80 cm Preventa $36,000.00 m.n. — Puja $18,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair55
Preventa $160,000.00 m.n. — Puja $80,000.00 m.n.
Preventa $160,000.00 m.n. — Puja $80,000.00 m.n.
Polaroid intervenida. 17.5 x 17.5 cm c/u / 9 piezas
Disección II, 2021
Disección II, 2021
Polaroid intervenida. 17.5 x 17.5 cm c/u / 6 piezas
56iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Aldebarán Solares
Semblanza del artista →
Aldo Chaparro
Mx Copper & Silver, December 15, 2020 13:20, 2020 Acero inoxidable y pintura electrostática. 130 x 80 x 27 cm Preventa $280,000.00 m.n. — Puja $140,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair57
58iraíndicedeartistas
La Marcha del Triunfo, 2020 Óleo sobre tela. 40 x 50 cm
Aldo Islas
Semblanza del artista →
Preventa $25,000.00 m.n. — Puja $12,500.00 m.n.
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair59
Alejandro Pintado
Paisaje Atmosférico, 2022 Carbón, acrílico, madera y heliografía sobre lino. 74 x 104 cm Preventa $105,000.00 m.n. — Puja $89,000.00 m.n.
60iraíndicedeartistas
Pintura electrostática sobre madera. 150 x 150 cm
Untitled , 2022
Alexander Zuleta
Semblanza del artista →
Preventa $280,000.00 m.n. — Puja $240,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Preventa $40,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair61
Alexis de Chaunac
Retrato con Cerebro, 2020 Óleo sobre madera. 30 x 23 cm
Alexis Mata
62iraíndicedeartistas
Ejercicio de caleidoscopio sobre frutos y flores (print), 2022 Impresión digital en papel algodón de 320 g. 100 x 100 cm Preventa $30,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Alfredo Cota
artistasdeíndiceair63
Coyote , s/f Bronce a la cera perdida. 115 x 30 x 30 cm Preventa $52,200.00 m.n. — Puja $26,100.00 m.n.
Semblanza del artista →
En Azul , s/f Mixta sobre tela. 140 x 170 cm Preventa $600,000.00 m.n. — Puja $436,000.00 m.n.
64iraíndicedeartistas
Amador Montes
Semblanza del artista →
One Bullet , 2021 Bala bañada en oro de 24K y hormigón. 20 x 29 x 25 cm Preventa $130,000.00 m.n. — Puja $80,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair65
Amarist Studio
Semblanza del artista →
66iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Preventa $16,000.00 m.n. — Puja $16,000.00 m.n.
Desparrame 1/10, 2022 Cerámica. 27 x 32 x 31 cm
Andrés Anza
Fogata , 2022 Ensamble de vidrio, chaquira y plastilina epóxica. 16 x 15 x 21 cm / 6 x 5 x 6 cm Preventa $50,000.00 m.n. — Puja $25,000.00 m.n.
Andrés Basurto y Abel Camacho
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair67
Armando de la Garza
68iraíndicedeartistas
Óleo y colmillo de cachalote sobre lino. 30 x 24 cm
Semblanza del artista →
0.10, 2022
Preventa $40,000.00 m.n. — Puja $24,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Barkyro
Touch Me – Hurt Me , s/f Fotografía impresa sobre papel 100% de algodón montada en caja veneciana de pino entintado en negro. 60 x 60 cm c/u / 4 piezas Preventa $70,000.00 m.n. — Puja $36,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair69
Semblanza del artista →
70iraíndicedeartistas
Betsabée Romero
Tu Huella es el Camino, tu Bandera es de Paz , 2017 Par de hormas de zapatos de madera, con grabado y pintura a mano, en empeine y planta de la horma. 26 x 10 x 11 cm Preventa $100,000.00 m.n. — Puja $100,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair71
Byron Gálvez
Semblanza del artista →
Sin Título, s/f Mixta. 80 x 60 cm Preventa $36,000.00 m.n. — Puja $25,000.00 m.n.
72iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
CA Art Collective
Asociación Íntima 06 , de la serie Simbiosis , 2022 Serigrafía y madera sobre papel. 42 x 47 cm Preventa $16,240.00 m.n. — Puja $8,120.00 m.n.
Centro Gris , 2018 Bordado. 90 x 90 cm
Preventa $160,000.00 m.n. — Puja $120,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair73
Carlos Arias Vicuña
Preventa $64,000.00 m.n. — Puja $50,000.00 m.n.
Carlos Mérida
74iraíndicedeartistas
Equilibrio en Punto Negro, s/f Tablero Pulido a Mano. 60 x 45 cm
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair75
EP 14, de la serie Enfermedades Preciosas , 2019 Fotografía y fotomontaje. 130 x 100 cm / 6/6 Preventa $100,000.00 m.n. — Puja $60,000.00 m.n.
Cecilia Avendaño
Semblanza del artista →
76iraíndicedeartistas
The Rover, s/f Mixta sobre tela. 100 x 115 cm Preventa $130,000.00 m.n. — Puja $65,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Claudio Roncoli
Serie Light , 2019 Litografía, mixmedia 3d panel. 53 x 43 cm P/A Preventa $13,600.00 m.n. — Puja $6,800.00 m.n.
artistasdeíndiceair77
Conchita Pineda
Semblanza del artista →
Semblanza del artista →
78iraíndicedeartistas
Not Dangerous , 2022 Hilo prensado a mano sobre madera. 190 x 190 cm Preventa $400,000.00 m.n. — Puja $210,000.00 m.n.
Damián Suárez
artistasdeíndiceair79
Zen Game , 2022 Pigmento fotográfico en Diasec/Plexiglass . 100 x 100 cm / Edición 1/3 +1AP Preventa $120,000.00 m.n. — Puja $70,000.00 m.n.
Daniel Mattar
Semblanza del artista →
Neuroverso, 2022 Enramado en aluminio. 100 x 100 x 100 cm Preventa $50,000.00 m.n. — Puja $35,000.00 m.n.
80iraíndicedeartistas
Daniel Montalvo
Semblanza del artista →
Luna II, 2022 Origami en acero. 125 x 125 x 100 cm Preventa $350,000.00 m.n. — Puja $175,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair81
Semblanza del artista →
David Troice
Dulce Pinzón
82iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Housewife , de la serie The Wonderful Life of Andy , 2012-2017 Fotografía a color enmarcada en marco blanco tipo caja y acrílico. 115 x 75 cm Preventa $100,000.00 m.n. — Puja $65,000.00 m.n.
Dualidad , s/f Bronce a la cera perdida. 79 x 72 x 21 cm Preventa $100,000.00 m.n. — Puja $75,000.00 m.n.
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Eduardo Estrada Semblanza del artista →
1. 1.612BS (AP 2/11), de la serie Posibilidades de una Estructura , 2022 Serigrafía sobre papel algodón. 60 x 60 cm Preventa $63,000.00 m.n. — Puja $50,000.00 m.n.
84iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Eduardo Terrazas
Preventa $140,000.00 m.n. — Puja $80,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Emilio Rangel
artistasdeíndiceair85
Marte / P.U. , 2021 Resina epóxica, pigmentos, piedra, bronce y fierro. 72 x 56 x 47 cm
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Semblanza del artista →
Enrique Larios
Promesas , s/f Acrílico sobre MDF de 5 mm. 43 x 28 cm Preventa $5,000.00 m.n. — Puja $2,500.00 m.n.
Semblanza del artista →
Enrique Rosas
artistasdeíndiceair87
Kineograma VI, 2020
Cianotipo caligrafiado, grana cochinilla, ácido cítrico, bicarbonato de sodio y alumbre sobre papel. 217 x 110 cm Preventa $240,000.00 m.n. — Puja $120,000.00 m.n.
88iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $35,000.00 m.n.
Sin Título, 2007
Hueso y tela. 11 x 32 x 15 cm
Eva Gerd
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Sugar Cane Worker, 2019 Óleo pastel, acrílico,carbón y bolígrafo sobre lienzo. 122 x 91 cm Preventa $180,000.00 m.n. — Puja $100,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Felipe Lasso
Federico Silva (Ciudad de México, N. 1923)
Aprendió las técnicas de encáustica, frescos y temple en los libros y desde su niñez se interesó en el dibujo. Conoció a David Alfaro Siqueiros, quien lo invitó a ser su ayudante. Colaboró con él en la realización del mural Nueva Democracia del Palacio de Bellas Artes. Posteriormente, conoce a Diego Rivera, Leopoldo Méndez, Pablo O’Higgins y el escritor José Revueltas, que influyeron considerable mente su obra.
Participó en la primera y segunda etapa del Espacio Escultórico. Su obra escultórica más importante se encuentra en Ciudad Universitaria, UNAM, Sección Escultura. Se destaca aquí la obra denominada Serpiente del Pedregal, considerada por el artista como su escultura más sobresaliente.
Viajó a Europa en el tiempo de la posguerra y a su regreso a México, intervino el Primer Salón Nacional de Pintura. En 1950, empezó a pintar murales y en 1962 presentó una exposición en la Universidad Obrera. A partir de ello, comenzó a experimentar con la escultura y el arte cinético, realizando objetos “solares” con prismas, lentes de fresnel, espejos, imanes, rayos láser así como diferentes cuerpos suspendidos en el espacio. En 1985 estableció su taller en Amaxac de Guerrero, Tlaxcala.
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Su extensa producción comprende tanto la escultura como la pintura de caballete y mural, aunque también incursiona en la grá fica digital. En 1981 realiza los murales de la facultad de ingeniería de la UNAM y en 1992 inició su proyecto mural más ambicioso,
En 1995, recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes, la distinción más importante que el Estado Mexicano otorga a los artistas. Ha realizado su trabajo en madera, aluminio, acero, cemento, fierro y piedra. Su obras escultórica también se encuentra en varios países de Europa y Oriente.
El 18 de septiembre del 2003, se inauguró el Museo Federico Silva en la ciudad de San Luis Potosí, capital del estado. En 2010, las Universidades Autónomas de San Luis Potosí y la Nacional de México le otorgaron el Doctorado Honoris Causa. En noviembre de 2016 recibió la Medalla de Bellas Artes.
No ha dejado de crear, tanto pintura, como es cultura y actualmente a raíz de la pandemia, ha realizado un número muy importante de maquetas de escultura.
Federico Silva es uno de los artistas más destacados de México.
Desde hace poco más de veinte años, ha sido parte de la Coordinación de Humanidades de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), que le ha permitido reflexionar sobre el sentido del arte y el artista en la sociedad, producto de estas reflexiones ha publicado varios libros.
Principio, en la cueva de Huites, de 6000 metros cuadrados, en Choix, al norte del estado de Sinaloa. Y en 1993, es nombrado Creador Emérito del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.
Encuentros , s/f
Valor $600,000.00 m.n.
Bronce. 31 x 10 x 14 cm
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Des-bordar, 2022
92iraíndicedeartistas
Francesca Dalla Benetta
Semblanza del artista →
Resina, hilo, alambre, látex, tela, óleo. 27 x 23 x 52 cm Preventa $52,000.00 m.n. — Puja $26,000.00 m.n.
Franz Klainsek
Por Ti, 2022
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Semblanza del artista →
Por Ti, 2022 Óleo, madera triturada, cemento, rosa, papel quemado en lienzo quemado y cobre oxidado. 102 x 183 cm $400,000.00 m.n. — Puja $300,000.00 m.n.
Óleo, madera, cemento, rosa, papel quemado en lienzo quemado. 102 x 183 cm Preventa $400,000.00 m.n. — Puja $300,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Paisaje Nocturno 3, 2021, 2021 Óleo sobre lienzo. 75 x 60 cm c/u / 2 piezas Preventa $88,000.00 m.n. — Puja $66,000.00 m.n.
94iraíndicedeartistas
Gabriel Macotela
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Semblanza del artista →
Zoológico, 2021 Dibujo sobre papel. 68 x 53 cm Preventa $120,000.00 m.n. — Puja $60,000.00 m.n.
Gabriel Rico
Guillermo Fornes
Nun 2018 , 2018 Mixta sobre lienzo. 200 x 180 cm Preventa $396,000.00 m.n. — Puja $198,000.00 m.n.
96iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair97
Semblanza del artista →
Gustavo Argüello Peñaloza
Dinastía , 2022 Esmalte, óleo, polvo de oro y barniz damar sobre tela. 170 x 150 cm Preventa $40,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
98iraíndicedeartistas
In the Belly of The Flower, 2021 Óleo y acrílico sobre lienzo. 76 x 101 cm Preventa $120,000.00 m.n. — Puja $70,000.00 m.n.
Harley Cortez
Héctor Velázquez
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Contención, 2014 Resina e hilo de algodón. 55 x 54 x 22 cm / 1/3 Preventa $180,000.00 m.n. — Puja $150,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Helio Vianna
Hambre de Piel: Espejo III, 2021 Arte digital impresa en papel fine-art . 55 x 42 cm Preventa $18,000.00 m.n. — Puja $9,000.00 m.n.
100iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Cerebrum III, s/f Resina. 22 cm
Inés Cusi
Preventa $19,000.00 m.n. — Puja $8,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair101
Iñigo Navarro
Nunca Dice Palabrotas , s/f Óleo sobre tela. 92 x 76 cm
Preventa $115,000.00 m.n. — Puja $69,000.00 m.n.
102iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Semblanza del artista →
Variación Musical , 2019 Acrílico e inyección de tinta sobre tela. 65 x 50 cm Preventa $45,000.00 m.n. — Puja $32,500.00 m.n.
artistasdeíndiceair103
Isauro Huizar
104iraíndicedeartistas
Jacob Vilató
Semblanza del artista →
Preventa $430,000.00 m.n. — Puja $297,500.00 m.n.
Homme Assis XXV, s/f Acrílico sobre lienzo. 89 x 116 cm
artistasdeíndiceair105
Jasmine Cadenhead
Semblanza del artista →
HADAL , 2022 Pigmento sobre resina en lienzo metálico. 122 x 122 cm Preventa $85,000.00 m.n. — Puja $65,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
106iraíndicedeartistas
Javier Hinojosa
Uyuni VI, 2017
Glicée sobre papel algodón. 87 x 113 cm Preventa $110,200.00 m.n. — Puja $81,200.00 m.n.
artistasdeíndiceair107
Jonathan Miralda Fuksman
Semblanza del artista →
En el Castillo del Rey , 2022 Acrílico sobre madera. 122 x 81 cm c/u / 2 piezas Preventa $79,000.00 m.n. — Puja $39,500.00 m.n.
108iraíndicedeartistas
“Treinta y Cinco” 350 IIE y “Cuarenta y Tres” 450 IIE , s/f Litografía. 52 x 43 cm c/u / 2 piezas Preventa $16,000.00 m.n. — Puja $8,000.00 m.n.
Jorge Marín
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair109
Semblanza del artista →
Landlords (Señores del Monte), 2018 Cianotipo sobre papel amate ceremonial. 115 x 115 cm Preventa $40,000.00 m.n. — Puja $25,000.00 m.n.
Jorge Rosano Gamboa
110iraíndicedeartistas
Ensayo de Mural , s/f Tinta sobre papel. 23.7 x 21.3 cm Preventa $80,000.00 m.n. — Puja $55,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
José Chávez Morado
artistasdeíndiceair111
Sin Título, s/f Tinta sobre papel. 23 x 29 cm Preventa $140,000.00 m.n. — Puja $110,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
José Luis Cuevas
Josh Mayhem
Obra única, firmada UV (Unique Variation) 1/1 en la planta del pie
Marbled Red , Blown Away -Josh Mayhem-KAWS, 2022
112iraíndicedeartistas
Acrílico, metal y resina sobre figura plástica. 34.5 x 22.86 x 12.7 cm / Obra única, firmada UV (Unique Variation) 1/1 en la planta del pie Preventa $85,000.00 m.n. — Puja $50,000.00 m.n.
Blown Away BFF-Marbled Crimson
Semblanza del artista →
Josh Mayhem after KAWS, 2022
Acrílico, metal y resina sobre figura vinílica 34.2 x 22.86 x 12.7 cm
Precio preventa: $85,000.00 — Precio salida de puja: $50,000.00
Josh Mayhem
Sin Título, s/f Mixta. 80 x 60 cm
artistasdeíndiceair113
Semblanza del artista →
Joy Laville
Preventa $36,000.00 m.n. — Puja $25,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Juan Carlos Garduño
Mármol Bego sobre roca volcánica. 20 x 20 x 70 cm
Sekil , 2022
Preventa $37,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
114iraíndicedeartistas
artistasdeíndiceair115
Semblanza del artista →
Juan Garaizabal
Broken Chicago Façade II. Chicago Grand Central Station , 2013 Acero. 110 x 160 x 30 cm Preventa $340,000.00 m.n. — Puja $170,000.00 m.n.
Juana Gómez
Piel Como Territorio, 2022 Impresión en algodón. 77 x 77 cm
116iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Preventa $31,500.00 m.n. — Puja $21,000.00 m.n.
Guidance , 2022
Preventa $50,000.00 m.n. — Puja $35,000.00 m.n.
Jules Wittock
Acrílico sobre lienzo de algodón. 80 x 100 cm
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair117
2020, 2020
Acrílico, hilos de lana y seda sobre tela. 84 x 84 x 5 cm Preventa $35,000.00 m.n. — Puja $11,000.00 m.n.
118iraíndicedeartistas Jun Olman
artistasdeíndiceair119
Karian Amaya
F=G M1 M2/ R2, 2022 , 2022 Cobre sobre Mármol Fiorito Puebla. 112.6 x 40 x 9 cm Preventa $95,000.00 m.n. — Puja $76,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
“Reap & Sow”, s/f Mixta sobre lienzo. 117 x 117 cm — Lana en crudo, estaca de excavación, lino, semillas, plastilina, terciopelo, hilo. 30.48 x 15.24 x 7.62 cm / 2 piezas
Preventa $187,000.00 m.n. — Puja $99,000.00 m.n.
Khara Oxier-Mori
Semblanza del artista →
120iraíndicedeartistas
artistasdeíndiceair121
Semblanza del artista →
Lao Gabrielli
Rotación Cromática , 2022
Acrílico sobre lienzo. 120 x 120 x 4.5 cm
Preventa $140,000.00 m.n. — Puja $65,000.00 m.n.
Leo Matiz
122iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
The Anchor, 1952 Papel bambú Hahnemühle . 43 x 32.5 cm Preventa $80,000.00 m.n. — Puja $40,000.00 m.n.
Leonardo Morales
artistasdeíndiceair123
Semblanza del artista →
Contingencia I, 2019 Resina. 65 x 25 x 35 cm Preventa $62,000.00 m.n. — Puja $50,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
124iraíndicedeartistas
Leonor Hochschild
Alambre 1.111, 2022 Malla de alambre, cemento, pasta, polvo de mármol, óleo y esmalte. 90 x 120 cm Preventa $70,000.00 m.n. — Puja $35,000.00 m.n.
Leonora Carrington
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair125
La Lepidoptera , s/f Litografía en papel guarro. 112 x 70.5 cm Preventa $220,000.00 m.n. — Puja $170,000.00 m.n.
Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $40,000.00 m.n.
126iraíndicedeartistas
I Want Chew Back , 2022 Polímeros y campo expandido. 74 x 80 cm
Semblanza del artista →
Lola Villegas
Luia Corsini
Semblanza del artista →
El Tamayo, 2021 Acrílico sobre lienzo. 149 x 130 cm Preventa $95,000.00 m.n. — Puja $60,000.00 m.n.
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128iraíndicedeartistas
Luis Antonio Yerenas Sánchez
Golden Slumbers , s/f Óleo sobre lienzo. 120 x 80 x 4 cm Preventa $25,000.00 m.n. — Puja $12,500.00 m.n.
Semblanza del artista →
Universo, 2016 Grabado en cobre. Aguafuerte y agua tinta sobre algodón. 76 x 56 cm Preventa $12,000.00 m.n. — Puja $6,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair129
Semblanza del artista →
Magali Lara
130iraíndicedeartistas
Manel Pujol Baladas
Semblanza del artista →
Paisajes Estelares , 2020 Mixta / Cartón corrugado tratado / Collage. 100 x 110 cm Preventa $350,000.00 m.n. — Puja $200,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair131
Manuel Felguérez
Semblanza del artista →
Sin título, s/f Serigrafía. 39 x 54.5 cm Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $45,000.00 m.n.
132iraíndicedeartistas
Marcos González
Semblanza del artista →
On The Road Again , 2022 Acrílico sobre tela. 100 x 120 cm Preventa $50,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
Mario Arroyave
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair133
Dissections of the Infinite IX , 2022 Plexiglas, espejo, madera, leds. 28 x 28 x 28 cm Preventa $44,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
Maura Falfán Hudak
Semblanza del artista →
Rorschach Blanco, s/f Acrílico sobre tela. 76.2 x 76.2 cm Preventa $63,328.00 m.n. — Puja $32,000.00 m.n.
134iraíndicedeartistas
Michael Conrads
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair135
Road to Know Where , 2018 Cartulina, papel craft, acrílico, barníz y pigmento sobre tela. 190 x 135 cm Preventa $195,000.00 m.n. — Puja $97,500.00 m.n.
Semblanza del artista →
Flow II, 2012 Óleo sobre tela. 120 x 100 cm
136iraíndicedeartistas
Miguel Ángel Cordera
Preventa $70,000.00 m.n. — Puja $35,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Miguel Castro Leñero
Preventa $80,000.00 m.n. — Puja $40,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair137
Águila de Brancusi, 2015
Bronce. 76 x 24 x 13 cm
Burning Love , 2022
Hahnemühle Photo Rag 308 . 150 x 96 cm
Olivia Steele
Preventa $100,000.00 m.n. — Puja $50,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
138iraíndicedeartistas
Límites , 2020
Omar Castillo Torres
Acrílico, acuarela y hoja de oro sobre madera. 70 x 70 cm Preventa $40,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair139
Semblanza del artista →
140iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Escorzo, 2017 Técnica veneciana (óleo y temple) sobre tela. 30 x 30 cm Preventa $30,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
Óscar Ratto
Flujo del Tiempo, 2022 Acero y pintura automotiva. 100 x 100 x 120 cm Preventa $218,000.00 m.n. — Puja $152,800.00 m.n.
Otto Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair141
Waveform No.2 , 2022
142iraíndicedeartistas
On Edge paper. 43 x 43 x 5 cm
Preventa $20,000.00 m.n. — Puja $14,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Paul Spencer
artistasdeíndiceair143
Semblanza del artista →
Charcoal Landscape (Rocky Mountains 11), 2021 Carbón sobre lienzo. 76 x 91 cm Preventa $40,000.00 m.n. — Puja $25,000.00 m.n.
Paul Weiner
Módulos de fieltro cortados en láser, ensamblado y cosido a mano. 65 x 25 x 25 cm Preventa $45,000.00 m.n. — Puja $35,000.00 m.n.
Paulo Jacobo Alonso
144iraíndicedeartistas
Isomorfo VIII, 2022
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair145
Semblanza del artista →
Pedro Friedeberg
Bienestar Social , 2021 Gráfica digital sobre lienzo de algodón. 100 x 125 cm Preventa $150,000.00 m.n. — Puja $90,000.00 m.n.
Pierre Fudarylí Semblanza del artista →
146iraíndicedeartistas
Eyaculación Precoz de una Buena Idea , 2021 Fotografía intervenida. 185 x 140 cm / Pieza única Preventa $259,000.00 m.n. — Puja $129,500.00 m.n.
artistasdeíndiceair147
Pilar Goutas
Destina , de la serie Campirana , 2022 Heliograbado sobre papel Hahnemühle de 350gr. 60 x 80 cm Preventa $16,000.00 m.n. — Puja $8,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Pipe Yanguas
148iraíndicedeartistas
Preventa $56,000.00 m.n. — Puja $28,000.00 m.n.
Midnight Dreams , 2022 Pintura acrilica en papel 100% algodón Arches rough 140lb. 50 x 35 cm
Semblanza del artista →
Preventa $34,000.00 m.n. — Puja $17,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
Kate , 2012 Inyección de tintas sobre papel algodón fine arts. 120 x 90 cm / 3/5
artistasdeíndiceair149
Prince Láuder
Políptico, s/f
150iraíndicedeartistas
Gerardo Monsivaes, David Troice, Francisco Esnayra, Rabi Montoya, Manuel Mathar, Enrique Minjares, Rolando Sosa, Armando de la Garza, Horacio Quiroz
Proyecto 6x4
Semblanza del proyecto →
Preventa $45,000.00 m.n. — Puja $27,000.00 m.n.
Mixta. 32 x 26 cm c/u - 9 piezas
Sliding Scale , 2019 Acrílico sobre papel. 69 x 56 cm Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $51,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair151
Semblanza del artista →
Rachel Hellmann
Semblanza del artista →
Raúl Anguiano
152iraíndicedeartistas
Orquídea Nocturna , s/f Grabado. 72 x 53 cm
Preventa $30,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
Astrosurfer, 2022 PETG Policromado. 120 x 120 cm Preventa $110,000.00 m.n. — Puja $66,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair153
Raúl Cardozo
Fractal I, 2022
Latón y pigmentos sobre bastidor de lino natural. 100 x 100 cm
Preventa $21,000.00 m.n. — Puja $10,500.00 m.n.
Semblanza del artista →
Renata Alarcón
154iraíndicedeartistas
artistasdeíndiceair155
Semblanza del artista →
Ricardo Garduño
Cónesis 3, La Zanahoria Prohibida , 2022 Óleo sobre tela. 200 x 120 cm Preventa $250,000.00 m.n. — Puja $80,000.00 m.n.
156iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Thinking About You , s/f Pintura digital. Impresión en papel algodón alemán, pigmentos naturales. 100 x 100 cm / 1/2 Preventa $40,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
Ricardo Luévanos
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair157
El Encuentro de un Genio, 2019 Mixta sobre madera. 120 x 200 cm Preventa $200,000.00 m.n. — Puja $140,000.00 m.n.
Ricardo Sanabria
158iraíndicedeartistas
Estirando el Chicle (Elefante), de la serie About the Fucking Elephant in the Room , 2021 Acrílico sobre tela en caja veneciana. 72 x 42 cm Preventa $30,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
Ricardo Santos
Semblanza del artista →
Time Travel , 2019 Impresión fotográfica. 102 x 76 cm Preventa $57,000.00 m.n. — Puja $28,500.00 m.n.
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair159
Rob Woodcox
Roberto Cortázar
Semblanza del artista →
160iraíndicedeartistas
Harmodio I, II y III Monumento a los Tiranicidas (Según Antenor), 2021 Serigrafía sobre papel, Tiraje 8. 112 x 76 cm c/u / 3 piezas Preventa $78,120.00 m.n. — Puja $55,000.00 m.n.
Sin Título, s/f Mixta. 80 x 60 cm Preventa $36,000.00 m.n. — Puja $25,000.00 m.n.
Rodolfo Morales
artistasdeíndiceair161
Semblanza del artista →
162iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Ego VI Petite , 2022
Rodrigo de la Sierra
Preventa $60,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
Bronce a la cera perdida. 20 x 4 x 5 cm
artistasdeíndiceair163
Rodrigo Garagarza
Semblanza del artista →
Matatena de Círculos , 2022 Placa de acero y pintura automotiva. 120 x 148 x 158 cm Preventa $209,000.00 m.n. — Puja $147,000.00 m.n.
Preventa $19,000.00 m.n. — Puja $9,500.00 m.n.
164iraíndicedeartistas
Eclipse Solar I, 2021
Semblanza del artista →
Rodrigo González Castellanos
Tierra roja de los Altos de Jalisco sobre papel algodón. 85 x 65 cm
Rodrigo Palma
artistasdeíndiceair165
Semblanza del artista →
Rocas , 2022 Fotografía sobre papel algodón montada sobre sintra. 70 x 100 cm Preventa $28,250.00 m.n. — Puja $14,125.00 m.n.
Despierta , Mi Amor, 2020 Óleo sobre tela. 200 x 170 cm
Romeo Méndez
Preventa $210,000.00 m.n. — Puja $105,000.00 m.n.
166iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
Semblanza del artista →
Imperfecta , s/f Acrílico sobre papel. 44 x 50 cm c/u / 3 piezas Preventa $45,000.00 m.n. — Puja $30,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair167
Roxana Albanese
168iraíndicedeartistas
Sabino Guisu
Semblanza del artista →
Preventa $30,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
Radical Mycology (Gold Leaf Print), 2021 Grabado con hoja de oro. 75 x 55 cm
Semblanza del artista →
Mixta sobre lienzo, piedra volcánica y hoja de oro. 120 x 120 cm Preventa $90,000.00 m.n. — Puja $60,000.00 m.n.
artistasdeíndiceair169
Sakal
Spell , 2022
Sin Título, s/f Mixta. 80 x 60 cm
Preventa $36,000.00 m.n. — Puja $25,000.00 m.n.
Sebastián
170iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair171
Simone D’Auria
Spoon Red , s/f Plástico reciclado. 150 x 25 x 20 cm
Semblanza del artista →
Preventa $228,000.00 m.n. — Puja $137,000.00 m.n.
Taeko Nomiya
Semblanza del artista →
Hahnemühle Fine Art Pearl. 79 x 50 cm / 1/6
Preventa $30,000.00 m.n. — Puja $15,000.00 m.n.
172iraíndicedeartistas
Churros , 2020
Vida Yovanovich
artistasdeíndiceair173
Semblanza del artista →
De la serie Abismo de ausencia , 2005 Toma análoga e impresión fina en papel de algodón. 20 x 25 cm Preventa $35,000.00 m.n. — Puja $26,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
174iraíndicedeartistas
Viviana Martínez
Pintura de Percusión 2 , 2021 Martillazos percutidos sobre aluminio durante performance sonoro. 110 x 100 cm Preventa $40,000.00 m.n. — Puja $20,000.00 m.n.
LV, los alocados personajes conocidos como LV FRIENDS fueron visualizados por Virgil Abloh como símbolos de la diversidad y la positividad encarnadas por él mismo y sus amigos cuando descendieron a París durante la semana de su primer desfile para Louis Vuitton. Reforzando el espíritu de comunidad que existe en torno al universo de la moda masculina de la Maison.
Virgil Abloh x Louis Vuitton
176iraíndicedeartistas
Semblanza del artista →
‘Zoooom with friends’ cobra vida en la colección Primavera-Verano 2021, que explora el tema constante de Virgil Abloh sobre la niñez: ver el mundo a través los ojos de un niño.
Speedy Soft Trunk , s/f Piel Taurillon, relieve revestido con monograma y acabados impresos. 27 x 15 x 11.5 cm Preventa $89,500.00 m.n. — Puja $89,500.00 m.n.
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178iraíndicedeartistas
Ximena Alarcón
Semblanza del artista →
Los Desahuciados VIII La Jaula De Oro, 2014 Impresión de fotografía sobre papel algodón, collage y lápiz. 84 x 119 cm Preventa $100,000.00 m.n. — Puja $50,000.00 m.n.
Lazos Rotos , 2020 Tres libros de artista en repisa de aluminio protegida por acrílico. 77 x 193 cm / 3 piezas Preventa $160,000.00 m.n. — Puja $80,000.00 m.n.
Semblanza del artista →
artistasdeíndiceair179
Yolanda López
180iraíndicedeartistas
Preventa $115,500.00 m.n. — Puja $115,500.00 m.n.
Semblanza del artista →
Bronce a la cera perdida. 35 x 32 x 34 cm
Yvonne Domenge
Árbol Nodriza , 2018
GaleríasArteParticipantesVivo2022
m_estanquillo @museodelestanquilloMuseo del Estanquillo Colecciones Carlos Monsiváis Entrada libre / De miércoles a lunes de 10 a 18 horas. Isabel la Católica 26, esquina Madero, Centro Histórico de la Ciudad de México. Teléfono 5521 3052 museodelestanquillo.cdmx.gob.mx
Colima 159, CDMX 06700 maia.art
w w w . n i c o l e . s e r v i c e s
PatrocinadoresArteVivo2022
RESERVACIONES T.www.hotelcarlota.mxreservaciones@hotelcarlota.com(55)5511-6300 INST hotelcarlotamx TW @hotelcarlotamx FB /hotelcarlota
Más sobre las y los participantesartistas
ADRIANA TREVIÑO LEAL (México, N. 1982)
artistasdeíndiceair205
ADELA GOLDBARD (México, N. 1979)
Estudió la Licenciatura en Letras Españolas en ITESM Campus Monterrey y la Maestría en Estudios Humanísticos con especialidad en discurso histórico artístico y literario. Actualmente cursa el doctorado en Estudios Humanísticos en la misma institución y el Máster de fotografía de PhotoEspaña. Forma parte del proyecto Juan Cano 68 de Patricia Conde Galería para artistas emergentes. Su obra académica ha sido publicada en España con Plaza y Valdés en 2014 y desde 2016 se desempeña como fotógrafa profesional en Monterrey, N.L. Fue artista seleccionada para participar en la feria FAMA en Monterrey 2021 y en Zona Maco 2022 como parte de la Galería Patricia Conde.
ALDEBARÁN SOLARES (México, N. 1987)
Cursó el SPF-2018 en el Centro de la Imagen (México), la Maestría en Artes Visuales en la UNAM y Mundo-imagen en el el Museo Uni versitario de Arte Contemporáneo. Realizó la residencia de investigación en la Facultad de Bellas Artes, UPV - España y fue parte del pro grama transdisciplinar Fragua Arte Contem poráneo Sur 2019 en Valdivia, Chile. Participó en el 6° Encuentro Nacional de Investigación sobre Fotografía en el Centro de la Imagen y fue curador invitado en el International Festival on Experimental Photography EXP.21, en Barcelo na, España. Fue acreedor al apoyo PAC-COVID 2020 por el Patronato de Arte Contemporáneo, primer Lugar en el Ginnel Foto Fest en Ipswich, Inglaterra en 2018, primer Premio en Medios Alternativos en la categoría estudiante en el Festival Internacional de la Imagen FINI 2018, mención Honorífica en el Prix de la Photogra phie de París 2018, mención Honorífica ND Awards 2018 y premio Fideicomiso del Centro Histórico de fotografía en el DOCSDF 2015. Ha expuesto su trabajo de manera individual en 3 ocasiones y en más de 40 muestras colectivas
Es originaria de la Ciudad de México, vive y trabaja en México, Estados Unidos y Canadá. Es artista y educadora interdisciplinaria que cree en el potencial del arte para generar pensamiento crítico y transformación social. Goldbard realizó la maestría en Arte por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y la licenciatura en Lengua y Literaturas Hispánicas por la UNAM. Es profesora de tiempo completo en la división de Estudios Experimentales y Fundacionales de la Escuela de Diseño de Rhode Island. Actualmente cursa un doctorado interdisciplinario en Humanidades en la Universidad de Concordia (Montreal) y es parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA-SNCA). En México la representa la Galería Enrique Guerrero. Su práctica e investigación se enfoca en cómo las narrativas oficiales impuestas por las estructuras de poder pueden ser rebatidas y subvertidas a través de performances, rituales y recreaciones co munitarias radicales. Su trabajo se nutre de la investigación de archivo y de campo, combinando escultura, video, fotografía, texto, textiles, instalaciones inmersivas y performances pirotécnicos. A partir de la puesta en escena y del trabajo artístico colaborativo, busca visibilizar la memoria social disidente y cuestionar las políticas de la memoria –quién quiere qué, quién recuerde qué y por qué–, desafiando las narrativas oficiales. También explora cómo la destrucción puede convertirse en ritual, declaración, metáfora, memoria y en un acto de desobediencia y resistencia. Entre sus trabajos más recientes se encuentran: una obra de teatro pirotécnica para/con la comunidad mexicana de La Villita en Chicago, comisionada por Gallery 400 (Universidad de Illinois, Chicago, 2019-2020) y un proyecto de arte interdisciplinario para/con la comunidad Purépecha de Arantepacua, comisionado por la XIV Bienal FEMSA (Michoacán, México, 2020).
Es un artista contemporáneo originario de Perú cuyo trabajo se centra principalmente alrede dor de la escultura, el diseño y la arquitectura, que destaca especialmente por sus esculturas
ALDO ISLAS (México, N. s/f)
hechas con acero inoxidable. Actualmente vive y trabaja entre la Ciudad de México, Los Ángeles, Madrid y Lima. Mucho del trabajo de Aldo Cha parro está basado en procesos rápidos, lo cual le obliga a tener una relación estrecha con sus materiales. Sus esculturas en acero inoxidable doblado remiten por un lado al error, teniendo un parecido con hojas de papel desechadas, así como a una de las maneras más primitivas de darle volumen a un plano. Por otro lado, la su perficie de los mismos funciona como espejos distorsionados que sirven como un visor del espacio alternativo que construyen. Las láminas de acero, dobladas con el cuerpo y la fuerza de Chaparro, tienen su origen en su interés por el reflejo. Una de las premisas de su obra es el tiempo y la relación que éste tiene con el mate rial. Sus esculturas con acero son el resultado de la interacción de su propio peso, fuerza y estado de ánimo, con las hojas de acero inoxi dable o latón, de modo que la producción de las mismas funciona como un diario de su cuerpo. Es representado por la Galería de Pierre Huber en Suiza, la Galería Casado Santapau en España, Ginsberg Galería en Lima y OMR en México. También ha sido editor y director de arte. Como director del Grupo Editorial Celeste produjo más de 40 publicaciones de arte contemporáneo y moda del año 2000 al 2012, incluyendo Celeste y Baby baby baby, dos de las publicaciones de arte y cultura contemporánea más influ yentes a nivel mundial. Su trabajo se encuentra en colecciones como: Fundación/Colección Jumex, y Colección Coppel en México; The CIFO – Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, Estados Unidos; The Helga de Alvear Foundation, España; Simon de Pury, Londres, Reino Unido; Douglas Baxter’s Collection, Nueva York, Estados Unidos; Collection Domenico de Sole, Hilton Head, Estados Unidos; Collection Guler Sabanci, Estambul, Turquía; Pierre Huber Collection, Ginebra, Suiza; Museo de Arte Contemporáneo Lima, Lima, Perú; Perez Art Museum Miami, Miami, Estados Unidos.
206iraíndicedeartistas
ALDO CHAPARRO (Perú, N. 1965)
como Seven Seconds, Fringe Arts Bath, Inglate rra, 2022; Hall of fake, MAS Gallery, Rusia en 2021; NAW Vol.2 Circuito de muestras independientes de la 15° Bienal de Cuenca 2021 en Ecuador; la XII Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce 2020 en México; Pocztówka Z Ameryki Lacinskie en el Art Centre Gallery EL de Elblag, Polonia en 2020; Todo menos un fantasma en el Centro de la Imagen en México en el año 2019; LIGA – Rotatoria 2019 del Centro Cultural Recole ta, Argentina; Collective 2019 en el Perth Center of Photography, Australia; The Chelsea Interna tional Photography Competition, Agora Gallery de Nueva York en 2019; Geste Paris, Third edition - Binary / Non-Binary en París, Francia en 2018, Foto Film Tijuana, Juke Visual Foto CECUT en Tijuana, México, 2018. Su trabajo forma parte de diferentes colecciones y ha sido publicado por Lenscratch, Fish Eye Magazine, Dont Take Photos y Phases Magazine, entre otras.
Ha producido arte para marcas internacionales como Bayer, Tommy Hilfiger y Google. También ha participado en exposiciones dentro de la Galeries Lafayette en París, Francia; en la Bake house Art complex de Miami y en la Ciudad de México en espacios como la Galería Oscar Roman, EJE y Zona Maco. En 2016, fue finalista en el concurso nacional de pintura profesional Royal Talens del Museo Soumaya y realizó su primera exposición individual en la Ciudad de México en abril de 2018, dentro de la Galería Espacio Mannach. Como artista, busca la evolución constante.
artistasdeíndiceair207
ALEXANDER ZULETA (Guatemala, N. 1984)
de prefabricado. Uno de los temas principales ha sido un estudio constante influido por los temas de la infancia que lo han llevado a investigar la existencia de las formas, los objetos y la humanidad que conforman el sujeto. Y al cuestionar el porqué de las mismas; en el espacio y el tiempo. Para Zuleta, el tiempo y el espacio son una búsqueda constante, ya que altera las nociones convencionales de pintura que se toman de la realidad sobre el arte. Los trabajos y propuestas realizados ahora han respondido a sus inquietudes personales que se derivan de reflexiones conceptuales y las vivencias emocionales de su país y del exterior en los espacios públicos y el cuestionamiento de la producción del nuevo mundo globalizado. Lo que le ha movido al reencuentro cotidiano de los objetos siguiendo un sentido de la belleza estética. Trabaja así en diversos cambios, desde la abstracción geométrica hasta la concreción objetual e intervenciones efímeras de algún sitio específico. Su obra hoy forma parte de colecciones privadas en diversas partes del mundo.
ALEXIS DE CHAUNAC (Estados Unidos, N. 1991) Vive y trabaja en Chicago, IL. Es parte del Master of Fine Arts (MFA) en School of the Art Institute of Chicago y realizó el Bachelor of Arts (BA) en Sarah Lawrence College en Bronxville, NY en 2014. Su obra forma parte de colecciones privadas y públicas en Nueva York, Los Angeles, Chicago, Dallas, París y México. Sus principales exposiciones individuales son Ex Votos , University Club of Chicago, Chicago, IL (2022), Minutiae: Works on Paper, FLXST Fracas, Chicago, Il (2021), Botanica , Sargent’s Daughters, New York, NY (2019) Botanica Mag nifica , ChaShaMa, New York, NY (2018) Rebelde con Causa , XLV Festival Internacional Cervantino, Universidad de Guanajuato, México (2017) A Dance with Life and Death, Silas von Morisse Gallery, Brooklyn, NY (2015) Mala Sangre, Bes-
Zuleta es una artista visual que desafía las clasificaciones contemporáneas. Trabajando las técnicas de la pintura formal y otras corrientes experimentales de la pintura, así como la relevancia de sus esculturas. Práctica en dibujo, fotografía, instalación y collage. Son resulta dos diversos con los temas que uno explora. Líricos, mundanos y poéticos, dentro de la fragilidad de los objetos cotidianos de las culturas en América Latina y el mundo. Además
ALEJANDRO PINTADO (México, N. 1973)
Cursó la licenciatura de Pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» en la Ciudad de México, la Maestría en Bellas Artes en Goldsmiths College de la Universidad de Londres y realizó estudios en Skowhegan School of Painting en Maine. Entre algunas de sus exposiciones más relevantes destacan: Material/Ethereal, Hamiltonian Gallery, Washington, DC; The Clearest Skies , Post Box Gallery, Londres; Trayectoria del conocimiento. Diálogo con José María Velasco, Museo Nacional de Arte, Ciudad de México. También ha participado en la Galería Ethra de Ciudad de México con Planos convergentes ; Crosslines en el Arts and Industries Museum Smithsonian de Washington D.C.; Pabellón de México en la Feria Mundial Expo de Milán en 2015; Messico circa 2000 en la Scuderia del Castello Miramare de Turín; Escape en la Sumarria Lunn Gallery, Londres; Landscape in terventions en la Fundación Arte sin límites, La Haya y Berlín. Ha sido distinguido con galardones como el premio Bienal Miradas, de Tijuana; la beca del Sistema Nacional de Creadores del FONCA, México; el Premio Especial en Venecia, Italia; la Beca Pollock-Krasner, de la Fundación Pollock-Krasner, de Nueva York y el Premio de Adquisición del XVIII Encuentro Nacional de Arte Jóven en Aguascalientes.
208iraíndicedeartistas
Es un artista multidisciplinario que vive y trabaja en la Ciudad de México. Con un bagaje plástico originado a partir de las intervenciones de espacios urbanos, Mata ha logrado navegar a través de una multiplicidad de medios que van desde el collage, el dibujo, la pintura, instalación y arte digital. Es así que, a pesar de la diversidad de recursos plásticos, su obra permanece permeada de una fuerte carga social y política. En su cuerpo de trabajo, podemos encontrar referencias recurrentes en torno a la muerte, la violencia, la belleza y la exaltación de ideas maniqueas de un pasado próspero pero corrosivo a la vez. Mata investiga sobre la estética a través de arquetipos visuales y crea, a partir de un ejercicio de error, cortes, glitch, pixelados, nuevas imágenes que son el resultado de la fractura de obras clá-
sicas apropiadas en un ejercicio que lleva el collage del campo de lo formal al campo de la autoría. En estas piezas yuxtapone imágenes y en ejercicios de autorreflexión hace preguntas sobre la belleza y la representación de ésta como parte de un proceso análogo-digital-análogo en soportes como la fotografía, la gráfica y la pintura.
ALFREDO COTA (México, N. 1982)
tiario, Pinacoteca Diego Rivera, Xalapa, México (2015) Mala Sangre, Instituto Cultural de León, Guanajuato, México (2014) Mala Sangre, Museo Iconográfico del Quijote, Guanajuato, México (2014) Mientras que sus exposiciones colectivas comprenden la Exit Counseling , The Green Gallery, Milwaukee, WI (2022), This (Supposedly) Must be the Place, Visa Projects, New York, NY (2022), Preventative Maintenance, Patient Info, Chicago, IL (2021), Against Impossibility , FLXST Contemporary, Chicago, IL (2021) Darkest Before Dawn: Art in Time of Uncertainty , Ethan Cohen KuBe, Beacon, NY (2020) Exodus III: Mexico in New York , WhiteBox Harlem, New York, NY (2020) Vertigo, Works on paper, Baahng & Co. Gallery, New York, NY (2018) 7102 Fantasma semiótico (s)cituacionista , Museo de Arte Carillo Gil, Mexico (2017) DRAW, the largest contemporary drawing exhibition, Museo de la Ciudad de México, México (2010) Ha recibido el Dedalus Foundation MFA Fellowship en Nueva York, 2022 y la Beca Fundación Jumex de Arte Contemporáneo, 2021 en Mexico.
ALEXIS MATA CILER (México, N. s/f)
Artista plástico dedicado principalmente a la escultura, a través de la representación figu rativa, crea imágenes de distintas especies animales en las que, mediante un tratamiento técnico de corte expresionista, impone un gesto agreste como símbolo de su propia ex presividad artística. Gran parte de su trabajo creativo se enfoca principalmente en la técnica del modelado con plastilina, cuyo vaciado posterior se realiza en materiales rígidos, en especial la resina y el metal. Estas imágenes son una reflexión del artista sobre el propio comportamiento e instinto animal, haciendo un análisis de su trayectoria artística, Alfredo Cota busca plasmar en cada pieza una experiencia personal que funciona como recordatorio de la transitoriedad de su propia vida, un tema recu rrente es la migración, una acción recurrente al cambiar de manera constante de territorio físico y mental, con el impulso de explorar así nuevas experiencias y generar aprendizaje, el artista nace y vive una parte de su vida en Chihuahua, y posteriormente se traslada a di versas ciudades de México y Estados Unidos. Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara y en 2014 realizó un intercambio académico en la Universidad Diego Portales en Santiago de Chile, ha partici pado en diferentes exposiciones individuales y colectivas en distintos espacios de la Repúbli ca Mexicana. Actualmente radica en la Ciudad de México, en 2016 fue elegido para realizar la escultura conmemorativa de los 25 años del
Auditorio Nacional en la Ciudad de México. En el mismo año, figuró como artista invitado de Moshi Art, también en la Ciudad de México, con su exposición individual «El Arca y El zorro». Ha realizado exposiciones en diversas galerías y plataformas de visualización como Gallery Weekend y Corredor Cultural Roma Condesa. En 2019 participó en Art Vancouver Internatio nal Art Fair. Su exposición individual itinerante más reciente «Animal, elemento y materia» se presentó a inicios del 2020 en el Museo de Arte de Ciudad Juárez, en mayo del 2021 en el Museo de Arte Nogales y actualmente se presenta en el Museo Casa Chihuahua.
Arán Lozano y Clara Campo se conocieron en el pequeño pueblo natal de sus padres en los Pirineos, rodeados de naturaleza y un ambiente artesanal. A medida que crecían y maduraban, comenzaron a compartir concep tos e ideas, iniciando así su práctica creativa juntos. Amarist Studio tiende a desdibujar los límites entre el arte contemporáneo, el diseño y la artesanía para crear obras que sean a la vez evocadoras y funcionales. En 2018, aparecieron en Forbes 30 under 30 Arts & Culture Edition . Amarist Studio trabaja en un marco de reflexión y desarrollo de piezas críticas con la actualidad social, cultural y económica internacional con serie de objetos cotidianos y símbolos preconcebidos que se transforman en esculturas funcionales para estimular la conciencia. Transforman conceptos hereda dos que ponen de manifiesto las consecuencias detrás de nuestras acciones e intereses, todas las piezas se caracterizan por su colosal poder visual, transmitiendo interrogantes y temas desafiantes de los tiempos que vivimos, generando una necesidad de pasar de los conceptos a la acción. Ejemplo de cómo el Arte y el Diseño pueden ser actores importantes para cambiar conceptos y ayudar a mejorar la sociedad. El Estudio dio origen al movimiento Welcome, una colección de joyas elaboradas ín tegramente con piezas de los muros fronterizos, cuya recaudación se dona a los refugiados que huyen de zonas de guerra y desastres natura les. Welcome cambia el significado del alambre de púas, lo convierte en un símbolo de respeto, tolerancia y dignidad humana y genera un movi miento viral para crear conciencia y fondos para las necesidades de los sobrevivientes.
AMARIST STUDIO (N. 1988)
artistasdeíndiceair209
AMADOR MONTES (México N. s/f) Vive y trabaja en Oaxaca. Su obra forma parte de importantes acervos públicos y privados en México, Inglaterra, España, Estados Unidos, Corea y los Emiratos Árabes, entre otros países. Artista de gran trayectoria que le gusta prescin dir de la razón para centrarse más en las emo ciones, ya que es por accidente que su obra se hace realidad. Le gusta la evolución, disfruta con los cambios, la experimentación y estar en constante búsqueda. Su estética y poder de expresividad van más allá para volver a su vida personal, sus viajes, sus momentos, en su discurso. Su obra ha sido expuesta en México en espacios tales como Galería Casa Lamm, Museo Internacional del Barroco, Jardín Botá nico del Bosque de Chapultepec, Centro Cultu ral Santo Domingo, Galería Alfredo Ginocchio, Museo de la Filatelia de Oaxaca, Museo Nacio nal de la Estampa, Galería Drexel, Museo Casa del Risco, Galería Oscar Román, Galería Urbana, Museo Universitario Casa de los Muñecos, Complejo Cultural Universitario de la BUAP, Museo Regional de Guadalajara, Museo de los Pintores Oaxaqueños, Museo de Arte de Que rétaro, Museo de Arte del Arzobispado y Museo Fernando García Ponce. Entre los recintos fuera del país que han albergado su obra destacan
Sede ONU y Amsterdam Whitney Gallery en Nueva York, Ciudad del Vaticano, Embajada de México en España, diversas Universidades del Reino Unido, entre otros.
Es un pintor y escultor conocido por utilizar fragmentos de vidrio de botellas de cerveza y vino para crear esculturas en mosaico de diversas formas y colores. Sus mosaicos se mantienen unidos con resina epóxica y exponen la creencia de Basurto en la fragilidad del ser humano. Crea formas específicas que evocan el esqueleto y el cráneo humano como un contenedor del alma. Su trabajo se ha exhibido extensamente en todo México y ha sido presentado en una serie de ferias de arte y galerías en Nueva York, Miami, Inglaterra y Escocia. Las esculturas de Basurto represen tan el deseo humano primordial y esencial de preservar y mantener la vida junto con la necesidad inútil de controlar la muerte, haciendo evidente la fragilidad de nuestra existencia.
ANDRÉS ANZA (México, N. 1991)
ARMANDO DE LA GARZA (México, N. 1973)
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BARKYRO (s/f)
Fotógrafo y documentalista que opera bajo el seudónimo de Barkyro, que prefiere man tener su identidad en anonimato. Su trabajo es, en su mayoría inédito, se ha centrado en la foto-etnografía.
Cursó la Licenciatura en comunicación y la especialidad en Comunicación Participativa en 1984 en la UIA, además de la Maestría en Artes visuales 1986, UNAM. Realizó el Diplo mado de l´ Ecole Superieure de Beaux Arts 1989, Estudios de historia del arte en L´Ecole
Nació el 25 de enero de 1991 en Monterrey, Nuevo León. Estudió la Licenciatura en Artes en la Universidad de Monterrey (2014). Comenzó a hacer esculturas en cerámica en el año 2010 trabajando como asistente del escultor Mauricio Cortés. Andrés usa la cerá mica como medio para crear seres amorfos que parecen pertenecer a un ecosistema conocido pero que resultan irreconocibles por ser extraídos del imaginario abstracto. El volumen, el relieve y la excesiva textura exigen que las piezas tengan siempre dife rentes ángulos de apreciación, verlas es un ejercicio de reconocimiento y una invitación a comprender lo que no conocemos. Su obra ha participado en numerosas exposiciones en la ciudad de Monterrey, Guadalajara y Ciudad de México, incluyendo la Bienal de Arte Emergente y Bienal UNAM, en la cuales recibió una Mención Honorífica. Su trabajo también ha sido expuesto en ciudades como Dallas y Miami en Estados Unidos.
ANDRÉS BASURTO (México, N. 1973)
BETSABEÉ ROMERO (México, N. 1963)
Estudió Arquitectura en la Universidad Autóno ma de Nuevo León y tomó cursos y talleres de Artes. Cuenta con alrededor de 40 exposicio nes colectivas en Argentina, Australia, Austria, Chile, Estados Unidos, Hong Kong, México y República Checa. De forma individual, ha parti cipado en más de 25 exhibiciones, de las cuales destacan En cualquier lugar que esto pueda hallarse en Ginocchio Galería en la Ciudad de México; Érase una vez en el Centro de las artes de la Ciudad de Monterrey; ID en Emma Molina Galería en San Pedro Garza García; Los Infortunios de la Virtud en Galería Oblyon, Bar celona, España; Horror Vacui, en Galería Isabel Croxatto, Santiago de Chile; Retratos de la corte, Galería Alternativa Once; Biotá en el espacio de Área Creativa 42 en Rivarolo Italia; entre otras. Ha sido acreedor a diversos reconocimien tos como el premio de adquisición en la XVIII Reseña de la plástica Nuevoleonesa y primer lugar en la Primer Bienal del Centro Cultural Alemán, así como selecciones en la IX Bienal FEMSA, en diferentes emisiones de la Reseña de la plástica Nuevoleonesa, el Encuentro Na cional de Arte Joven, entre otros.
BYRON GÁLVEZ (México, N. 1941 - M. 2009) Nació en 1941 en Mixquiahuala, estado de Hidalgo. Desde muy joven manifestó sus inquietudes artísticas. Su padre, que era comerciante y campesino, fue un apasionado de la literatura quien además, tocaba el violín en una banda de jazz. Así, el pintor creció en un ambiente ligado a las expresiones de la cultura de una manera natural. A los 16 años decidió trasladarse a la Ciudad de México, con el objetivo central de estudiar arte en la Academia de San Carlos. Ahí, entre 1958 y 1962 cursó sus estudios superiores y tuvo como maestros al pintor peninsular Antonio Rodríguez Luna, al grabador Francisco Moreno Capdevila, a Luis Nishizawa, Santos Balmori y Antonio Ramírez.
Entre 1962 y 1964, realizó estudios de postgrado, especializándose en pintura. Fue miembro fundador del taller de escultura en metal de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. En 1964 montó su primera exposición individual y fue parte de más de 60 en los principales foros de México y en diferentes ciudades de Estados Unidos, Europa y Latinoamérica. Un hecho singular dentro de su trayectoria como artista plástico aconteció cuando, siendo muy joven, el famoso actor estadounidense Vincent Price adquirió todas las obras que conformaban su primera exposición individual. Asombrado ante la producción de Byron Gálvez, Price lo calificó como «un Picasso mexicano». Ha sido acreedor a más de 15 premios y menciones honoríficas como reconocimiento a su vasta y diversa producción. Fue nombrado miembro del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes del estado de Hidalgo por el gobernador de la entidad. Su producción plástica, que abarca la escultura, el grabado, el dibujo y la pintura, forma parte de importantes colecciones privadas de México y el extranjero. Sobre su obra han escrito, entre otros, Jorge Juan Crespo de la Serna, Alejandro Aura, Berta Taracena, Santos Balmori, Pablo Fernández Márquez, Enrique F. Gual y Margarita Nelken.
CA ART COLLECTIVE (México y Argentina, N. 1980 y 1981)
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del Louvre 1988-89 y fue doctorante de Histo ria del Arte de 1990-1993 en la UNAM. Ha rea lizado más de 100 exposiciones individuales en los 5 continentes, entre las que destacan las del British Museum, Grand Palais, York Avenue en Washington, la Vieille Bourse en Lille, France, ofrenda monumental del Zócalo de la Ciudad de México, Nevada Museum of Art, Neuberger Museum, Nelson & Atkins Museum of art, Museo Anahuacalli, Antiguo Colegio de San Ildefonso, Museo Amparo en Puebla, MARCO en Monterrey, Canberra Uni versity Museum, Museo Carrillo Gil, La Reco leta en Buenos Aires, Pabellón de México en la Expo Dubái 2020, La Place du Louvre. Su obra forma parte de importantes coleccio nes como la de British Museum, Museo de Arte Contemporáneo de Houston, Museo de Phoenix, Beaux Arts Museum Montreal, Daros Collection Suiza, Nelson & Atkins Museum, Nevada Museum of Art, Banco Mundial Collection, LACMA California, FEMSA, Irish Museum of Modern Art, Museo del Barrio, Museo de Arte Moderno de México, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Michi gan State University.
Como colectivo hacemos un reclamo a la autoría personal y a la verticalidad que existe en el mundo del arte. Para nosotros, el artista es aquél que materializa su obra gracias a todos los que participan en su proceso de creación. En CA Art Collective, reconocemos con humildad, que el arte existe porque se construye en comunidad, desde la produc ción hasta la apreciación. Nosotros, busca mos reivindicar que existimos porque somos. Por eso mismo, también el arte debe de es tablecer una relación de reciprocidad con
Como resultado de la Dictadura Militar en Chile viajó con su familia a México, donde residió de 1975 a 1983. Regresó a su país para estudiar Artes Plásticas y volvió a México en 1988 para realizar una Maestría en la UNAM. En 1994 decidió dejar la pintura y dedicarse al bordado como una opción de reflexión con ceptual en la labor manual, antes de retomar la pintura en 2004 y 2014, regresó al bordado sin dejar a la primera. De 1988 y hasta 2021, fue Maestro de Pintura, Dibujo, Teoría del Arte y Tesis en la Licenciatura en Artes Plásticas de la Universidad de las Américas, Puebla, México. Importantes críticos y curadores se han interesado en la obra de Arias a lo largo de su carrera entre los que destacan María
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Guerra, Olivier Debroise, Giorgio Verzotti, Cuauhtémoc Medina, Anthony Bond, Maare tta Jaukkuri, Betti-Sue Hertz, Nelly Richard, Osvaldo Sánchez, Magalí Arriola y Gerardo Mosquera. Su obra se ha presentado junto a Mike Kelley, Anish Kapoor, Cildo Meireles, Mona Hatoum, Wim Delvoye, Santiago Sierra, Gabriel Orozco, Stan Douglas, Joseph Beuys, Alighiero Boetti, Julio Galán, Warhol, Picasso, Cézanne, Rondín, entre otros. Su trabajo ha sido parte de exposiciones como la Primera Bienal de Liverpool, Inglaterra en 1999, ARS 01 Kiasma de Helsinki, Finlandia en 2001 –considerada la Documenta nórdica–; se ha presentado en el San Diego Museum of Art en 2002; Museum Beelden aan Zee, Holanda en 2002, Il Racconto del Filo, Italia, 2003; Eco: arte contemporáneo mexicano, Madrid, España en 2005, Plataforma 01, Puebla en 2006, La era de la discrepancia presentada en la UNAM, México, así como en el Malba, Buenos Aires y la Pinacoteca de Sao Paulo en los años 2007 2008; IV Bienal de Praga en 2009, Neomexicanismos en 2011 dentro del MAM, México; El hombre al desnudo en el Munal y Autorretratos en lo común en el Museo textil de Oaxaca, 2014; El hilo de la vida en la Capilla del Arte UDLAP, Puebla y en el Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México, 2016; Bordados Museo Internacional del Barroco en Puebla y el Museo de Artes Visuales en Santiago de Chile, 2019. Recibió el apoyo de la beca FONDART del gobierno chileno para un proyecto con el hilo y ha sido Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2004-2007. Obtuvo el Premio de la crítica Santiago de Chile a la mejor exposi ción de 2019. Su obra forma parte de varias colecciones públicas entre las que desta can Museum of Textiles de Lodz, Polonia; Museum Beelden aan Zee, La Haya, Holanda; San Diego Museum of Art, San Diego, USA y el Museo Universitario de Arte Contemporá neo, UNAM, México.
CARLOS ARIAS VICUÑA (Chile, N. 1964)
la sociedad. Hoy y siempre, tendremos un compromiso de apoyar con un porcentaje de nuestras ventas a fundaciones u organiza ciones de la sociedad civil que están, desde su trinchera, reconstruyendo el tejido social. Araceli Calderón (Ciudad de México, 1981) y Mariano Cardin (Buenos Aires, 1980), a su propia manera, buscan hacer una interpre tación del terreno universal. La perspectiva de Araceli es íntima, más personal. A través de su introspección, plasma sus vivencias y busca crear arte que la ayude a resolver sus cuestionamientos. Mariano, al crear, se deja guiar por su interés en el cosmos, en el que su nivel de observación y estudio lo lleva a explorar e imaginar lo que puede haber más allá. A pesar de sus contextos tan distintos, y construcciones del mundo diferentes, ambos artistas se terminan encontrando, unidos por su curiosidad infinita de descifrar la vida a través de la abstracción. Creando juntos, su ego se hace a un lado como alternativa para entender al universo, así forman un colectivo que les recuerda que ellos son porque se re conocen en el otro.
Fue un pintor y escultor guatemalteco, natu ralizado mexicano. Formó parte del muralismo mexicano pero desde una perspectiva abstrac ta y geométrica que se diferenció del estilo na rrativo y figurativo de los grandes maestros de dicha corriente. Integró el arte plástico dentro de la arquitectura en una fusión permanente entre los cánones occidentales del arte y ele mentos del arte mesoamericano. Su vida crea tiva se desarrolló entre Guatemala y México.
CECILIA AVENDAÑO (s/f)
Es Licenciada en Artes Visuales, con mención en Fotografía por la Universidad de Chile. Su trabajo más reciente consiste en operaciones de postproducción digital a partir de la fotografía en las que deconstruye imágenes para componer nuevos retratos que combinan elementos de diferentes modelos que operan bajo la noción de construcción de identidad con la que y que integra la serie Enfermedades Preciosas (2015-2019), e.Merge (2014-2015), Blow (2012) y PRIDE (2009). A finales de 2019, presentó su gran exposición Enfermedades Preciosas , organizada por Isabel Croxatto Galería en la Sala de Arte CCU (Santiago), que reunió y presentó por primera vez al público su serie completa. En junio de ese mismo año, Avendaño lanzó su primer libro de artista que muestra su aclamada serie fotográfica del mismo nombre y detalla el trabajo detrás de ella. Contiene textos de la curadora Andrea Jösch, la escritora Rocío Cano, la investigadora Elisa McCausland y el teórico de arte, Sergio Rojas. Sus obras se han mostrado desde 2002 en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Chile y el mundo. Sus muestras individuales han sido parte de las salas de arte MNBA Plaza Trébol y MNBA Plaza Vespucio del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, BAC! Festival en el MACBA de Barcelona, Centro
CARLOS MÉRIDA
Estudió Arquitectura y Diseño Gráfico en la Universidad del Zulia, en Maracaibo, Venezue la y tiene experiencia en el arte y el diseño a nivel público y con instituciones privadas. Ha trabajado como diseñadora gráfica en el Instituto para el Control y la conservación de la cuenca Hidrográfica del Lago de Maracai bo (ICLAM). También, fue parte del equipo de diseño gráfico de una de las más importantes en Venezuela, Petróleos de Venezuela (PDVSA). La propuesta artística de Conchita es producto de sus reflexiones acerca de la creación, la vida; un pequeño evento ante la inmensidad del uni verso, las relaciones del azar, el descubrimiento
Cultural Borges en Buenos Aires y la Bienal Internacional de Arte de Santa Cruz, Bolivia. También ha participado en ferias de arte contemporáneo de Chile y otros países como Art Central Hong Kong, Contemporary Istanbul, Sydney Contemporary, Ch.ACO y Art Lima con Isabel Croxatto Galería.
CLAUDIO RONCOLI (Argentina, N. 1971)
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Artista multidisciplinario egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (1995). Es reconocido por sus murales en Nueva York, Miami y Buenos Aires. De sus exposiciones individuales, destacan The Empty Project en Adelina Gallery, São Paulo, Brasil (2017); Change to Balance, Artium Art Gallery de Miami, Estados Unidos (2016); Encounter Latin & Korean, Busan Art Center, Corea (2015); El tiempo es arena en mis manos , Galería MODOS en Buenos Aires, Argentina (2014); entre muchas otras. Ha obtenido la beca del Fondo Nacional NEA Estados Unidos, en Bakehouse Art Complex de Wynwood, Miami y dos Premios Grammy por su Dirección de Arte en packaging de discos en 2017 y 2018 respectivamente.
CONCHITA PINEDA (N. 1981)
(Guatemala, N. 1891 - México, M. 1984)
Nació en Río de Janeiro, Brasil, en 1971. Estudió arte y diseño en la PUC Rio. Su in vestigación en fotografía comenzó en Tokio, Japón, donde vivió y trabajó en los años noventa. Desde hace veinticinco años la foto grafía es su forma de expresión pero explora diversos campos como la moda, el retrato y el documental. La obra de Daniel está llena de paradojas: de la cámara tecnológica al gesto intuitivo con la pintura al óleo. En su inves tigación, desarrolla diálogos a través de la fotografía que muestran múltiples tridimen sionales en planos bidimensionales. Median te el uso de pinturas al óleo y/o pigmentos minerales compone imágenes al intervenir pequeñas áreas de empaques, libros, cartu chos de tinta, fotos de archivos personales y
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DAMIÁN SUÁREZ (Venezuela, N. 1988)
de la idea, la acción de crear en sí misma, así como la transformación de los elementos en el tiempo. Actualmente, ha tenido que solicitar asilo político, que la llevó a Barcelona, España, donde desarrolla su investigación artística en el Real Círculo Artístico de Barcelona. Ha tra bajado en el desarrollo y creación de su marca personal Matchtobehappy , arte vestible. Sus obras han sido parte de diversas exposiciones como Innovación, Movimiento y Color homenaje al artista Carlos Cruz-Diez , en Barcelona (2019); Luna (United Latinas in the Arts) en Milwaukee (2019); Collective GALLERY 210 en Nueva York (2017) y en la Exposició SANT JORDI 2015 , en Barcelona (2015).
La vida de Damián Suárez ha transcurrido en diferentes países de América Latina, después de dejar su natal Venezuela. Chile, Argentina y actualmente México, representan sus influen cias culturales, a partir de las que ha desarro llado un sentido de pertenencia. Su obra está hecha con hilos y maderas en un proceso de construcción manual que lo mantiene afe rrado al dibujo, con lo cual logra intrincadas composiciones geométricas, que al ser vistas en detalle, descubren los cientos de miles de hilos que siempre son parte de algo más grande y complejo, como un fenómeno emer gente. La obra de Suárez está formulada para activar la sensibilidad del espectador y así re lacionarse con la imagen a través del dinamis mo de los colores, los brillos, las texturas y las formas. La incidencia de la luz y la orientación visual modifican la vibración de la imagen, lo que ofrece un sinfín de posibilidades de in teracción entre la obra y el espectador, que en sí mismo son una representación del arte óptico. Carly-Ann McGoldrick describió su trabajo como “la textura y la mano de obra son indicios de algo increíblemente rápido... Lo encuentro intrigante porque a primera
DANIEL MATTAR (Brasil, N. 1971)
vista parece una pintura texturizada, pero por supuesto no lo es”. Por su parte, Miguel Ángel Corona sostiene que “lo que hace es explorar las relaciones entre la pintura escultórica y la bidimensional. Cuando te acercas, te sorpren des al encontrar esa multidimensionalidad de texturas, colores, profundidad y espacios mínimos y máximos” y en cuanto a la técnica, el crítico afirma “no se inserta en la pintura, ni en la escultura, ni en el arte textil. Es el desa rrollo de una técnica”. La obra de Damián ha sido publicada por el Architectural Digest y T Magazine de la revista del New York Times, que lo ha calificado de “maestro del hilo” afirmando “... recuerde su nombre porque dará mucho qué hablar...”. Actualmente, Damián participa en proyectos sociales de la Fundación México Vivo de la ciudad de México, con la que trabaja para promover la educación y la salud sexual en México a través del arte. También, ha sido invitado a colaborar con marcas como Roche Bobois y Samsung y formó parte de la colección del Museo Pérez en 2021.
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otras superficies relacionadas con la repro ducción de imágenes. Una vez terminados, estos microespacios son fotografiados inme diatamente cuando la pintura aún está fresca y posteriormente impresos en obras de gran formato, lo que le permite establecer un vasto vocabulario dimensional de volúmenes y colores. Daniel realiza exposiciones indivi duales y colectivas desde 1988, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM-RJ), el Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) y el Espacio Cultural Sergio Porto.
Escultor mexicano, habitante de la Ciudad de México, donde comenzó su labor artística en el año 2005. Su escultura es tridimensio nal y emerge como una copia atrevida de la naturaleza, en el que deja llevar sus manos sin reglas, con irreverencia, asumiendo la inexistencia de la igualdad entre los árboles. Por tal razón, cada pieza esculpida es única e irrepetible. La obra de Daniel es libertaria, le permite experimentar al igual que lo hace la naturaleza con las formas: sin reglas. Cada árbol con su propia estructura es natural mente fuerte en su raíz. En este camino su aliado ha sido el hilo de aluminio: maleable, brillante, noble y ligero. Con él ha vertido mi visión de la naturaleza, desde la miniatura hasta el gran calado. Es autodidacta, sin es cuelas, sin conceptos, sin caminos prefabri cados a seguir. Únicamente deja correr sus emociones en cada pieza, con libertad y sen timiento absolutos. Arriba, abajo, derecha, izquierda, en cualquier punto hay un camino, hay ramas, raíces, una dirección, forma y función. Moldea y construye a través de téc nicas que obedecen a la física. Así esculpe. Mientras que la visión del espectador es quien dota de vida a su escultura, logrando con ello la magia que se produce entre el autor, la obra y el mundo.
DAVID TROICE
DANIEL MONTALVO (México, N. s/f)
Escultor y artista contemporáneo. Sus primeros recuerdos de infancia marcaron su vida y su obra, buscando constantemente la forma y la armonía del Universo a través de sus pliegues. “Mi primer recuerdo del mundo es ver a mi padre haciendo paracaidismo, doblando su tiro, cada capa con una precisión tremenda cuidando de no enredar las cuerdas y hacer que todo fluya... Su vida dependía de ello y eso me hizo pensar en ello -el pliegue- como una especie de ritual místico que conformaba el mundo”. Su fascinación por el origami creció con los años y se convirtió en inspiración. Al aprender el arte de doblar materiales como el papel para formar figuras que fueran capaces de volar, flotar y “moverse”, el artista descubre la transformación del material en expresión para crear su propio mundo. En 2009, comenzó sus estudios como diseñador industrial en la Universidad Iberoamericana antes de trasladarse al Massachusetts College of Art en 2013. Ahí aprendió a fundir metal y una serie de técnicas escultóricas que han enriquecido su perspectiva y trabajo hasta el día de hoy. En 2015, se graduó en el Massachusetts College of Art con una licenciatura en Bellas Artes con especialización en Diseño Industrial y Escultura. En sus inicios se centró en la creación de murales de mosaico inspirados en patrones de origami. Poco a poco, descubrió las cualidades en la geometría que le permitieron materializar su visión de la realidad explorando la reacción entre la luz, el espacio y la materia. En 2018, Troice comenzó la formación escultórica de su obra en acero. Esto amplió el campo de exploración y expresión, ya que se centró más en el pliegue y en transformar sus maquetas de papel en esculturas de acero. La ampliación del papel a una escala mayor y a un material diferente introdujo nuevas metáforas en su discurso, extendiendo su visión hacia las percepciones de la vida a través
(Estados Unidos, N. 1990)
Dulce se autodefine como «un alma libre que utiliza el arte para inspirar a los demás a ser». Es artista visual, curadora, gestora, empresaria cultural, activista y madre. Estudió Ciencias de la Comunicación en La Universidad de Las Américas Puebla y fotografía en La Universidad de Indiana en Pennsylvania. En 1995 se mudó a Nueva York en donde estudió fotografía en el International Center of Photography, Cine en la Universidad de Nueva York y Derecho Laboral en Dowling College, Long Island Nueva York. Está particularmente interesada en temas de justicia social y activaciones que tengan reper cusiones positivas a nivel consciente colectivo y en e l ámbito de la legislación. Ha trabajado en campañas para la lucha de derechos labo rales en NY junto con el ex procurador de jus ticia Elliot Spitzer y desde las Naciones Unidas con objetos culturales en la diseminación de comunicados para el desarrollo y democratiza ción de los países de habla hispana. Su obra se inserta en una línea de la fotografía que busca construir la imagen, no captura con su cámara lo que está en la realidad sino que «inventa» una nueva. Para ello, echa mano de referentes de la alta cultura o de la cultura popular en donde citar es lo importante, lográndolo con la pintura, el dibujo, los diagramas de arte con ceptual, la publicidad, el cine. Incluso puede hacer referencias a otras fotografías. Su trabajo ha sido exhibido, publicado y coleccionado in ternacionalmente. En el 2001, sus fotos fueron usadas para la portada de la edición en español del libro de Howard Zinn A People’s History of the United States . En el 2002, obtuvo la beca
Jóvenes Creadores, en el 2004 obtuvo el primer premio en la categoría bidimensional en el IV encuentro de arte contemporáneo de Puebla, en el 2006 obtuvo el primer premio que otorga el público en la XII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen. En ese mismo año, fue becaria del New York Foundation for The Arts y en 2008 de la Fundación Ford. Ha obtenido premios como Gaea Foundation/Sea Change Residencies Award en el 2010 y el Premio de adquisición Perrier de Zona Maco 2011. En el 2012, obtuvo Mención de Honor en la edición X de la Bienal FEMSA e invitada para representar a México en el renombrado Festival’ Les Rencontres D’Arles Photographie’ en Francia, por la que fue nomi nada al prestigioso premio de fotografía Prix Pictet. También en ese año su libro La verdadera Historia de Los Superhéroes , fue publicado por Editorial RM con apoyo de Coinversiones Culturales del Fonca en tres idiomas español, inglés y francés. Su segundo libro de autor fue publicado en 2018 por la editorial Troconi y Letayf, que fue mencionado por la Revista Código como uno de los 8 libros de artistas más relevantes en la historia del arte. En diciembre del 2015 apareció en la revista FORBES como uno de los 50 mexicanos más creativos en el mundo. Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA del 2014 al 2017, tutora de Jóvenes creadores y jurado en múl tiples concursos de arte a nivel global. En 2019 lanzó la Plataforma ArtBase, un espacio físico de galería en la ciudad de Puebla que vincula artistas emergentes nacionales e internacio nales con instituciones y entusiastas del arte, acompañando al creador en su producción ar tística y desarrollando estrategias de difusión, promoción, venta, asesoramiento con colec cionistas y gestión de proyectos individuales e interinstitucionales a nivel nacional y global. Ha sido también encargada de curar exposiciones y Pop-ups de las cuales destacan Burbujas de Rocío Cerón; Histeria, exposición de pintura contemporánea; Festival de arte público en el
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DULCE PINZÓN (México, N. 1974)
de la descomposición del metal oxidado, las sombras pronunciadas en las caras opues tas de una pieza y los reflejos rebotados en el acero pulido. La mezcla de técnica, estilo y material dio lugar a un universo de expresión totalmente nuevo.
ser partícipe de un ligero espacio en la historia con el arte, aportar a este lugar en el que habitamos una pequeña mejora, proponerle al que observa, prevalerse de la maravilla de mundo que lo rodea, encontrar en el arte el en tusiasmo que muchas veces ya no se alcanza a percibir. Su obra en colecciones privadas, ha recorrido parte de la República Mexicana en estados como Monterrey, Coahuila, Guerrero, Oaxaca, Puebla, Guadalajara, Jalisco, Cancún, entre otros, además de países como España y Estados Unidos. Su primera exposición individual fue en el Museo Metro de la Ciudad de México y cuenta con poco más de 20 exposiciones colectivas entre las que destacan: Museo Legislativo de la Cámara de Diputados, Museo Bicentenario del Estado de México, Ex posición en la Alameda Central de la Ciudad de México, Centro comercial Vía Santa fe, Paseo Interlomas: un paseo por el arte. Su padre trabajaba en un taller de fundición artística y para él como familia, significaba que dependía de alguna manera del arte para vivir. Con el tiempo, su padre se independizó y emprendió su propio camino en el trabajo de la fundición, siendo su hermano el primer apoyo que tuvo. Poco a poco fue necesitando ayuda para algunos trabajos de modelado, algún retrato, y su hermano fue el primero en comenzar en este camino de la escultura. Por su parte, Eduardo comenzó dibujando y pintando, sin darse cuenta que cada vez se fue involucrando más en el proceso de la escultura, primero en el proceso de la fundición y luego en la creación plástica. Su desarrollo y formación fue en un taller y no en una academia.
Arquitecto de formación por la UNAM y la Universidad de Cornell. Su quehacer profesional abarca diseño, fotografía, arquitectura, planeación urbana/regional y artes visuales. Se ha interesado por mirar y pensar el mundo por
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EDUARDO TERRAZAS (México, N. 1936)
Metro de Montreal, Art Souterrain del Instituto México en Montreal; The Rug Company , que integraron Paul Smith, Kelly Wearstler, Alexan der McQueen y Vivienne Westwood entre otrxs. Algunas de sus exposiciones fotográficas son La Fantástica Construcción Femenina para el Museo Erasto Cortés; Ferias como ZonaMaco, ZonaMaco foto, Meca Puerto Rico, Trámite y FAMA. Del 2004 hasta 2008, formó parte del co lectivo curatorial Fresa Salvaje en la ciudad de Nueva York junto con Aldo Sánchez, que con sistía en una fiesta con música y visuales, en la que gestionó la participación de bandas tales como Titán, Cumbia Queers, Instituto Mexicano del Sonido y María Daniela y su Sonido Laser, entre otros. También gestionó festivales como Brooklyn Presents, Cinema Tropical, El FUTURO MÁS ACÁ, Mexico NOW, Pasagüero e institu ciones y galerías como The New Museum e Yvonne Lambert.
EDUARDO ESTRADA (México, N. 1985)
Su proceso como artista plástico se desenvuelve de manera empírica y autodidacta, esforzándose en la práctica, la experimentación y tomando recursos de libros y talleres virtuales de escultura y pintura. Así es como llega al entendimiento y manejo de la materia. Paulatinamente, se decide a poner su propia Fundición Artística en Bronce, con lo que abre una nueva e inmensa puerta a la experimentación, no solo en el modelado, sino en todo el proceso creativo y de producción de una pieza, esto hace que cada obra, sea única y modificable a su necesidad creativa. Para él, el arte es la mejor manera que tienen los seres humanos de comunicarse, es el canal que cuenta nuestra historia y muchas veces narra el contexto histórico y social que nos rodea aquí y ahora. Es la manera más sincera de transmitir nuestras emociones e ideas, es un lenguaje que nos domina y desnuda a nosotros mismos. Por todo esto, Eduardo pretende
entre el arte y la cultura popular mexicana a partir de recontextualizar objetos cotidianos. De sus muchas series se encuentran Cero, Orígenes, Crecimiento Orgánico y Exponencial, Constelaciones, Universo, Desafíos de la Hu manidad y Ventanas. Actualmente su obra visual forma parte de importantes colecciones priva das, así como de instituciones y museos nacio nales e internacionales. Es representado por las galerías Proyectos Monclova (México), Timothy Taylor (Londres) y Nils Stærk (Dinamarca).
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EMILIO RANGEL (México, N. 1984)
Con una producción constituida mayormente por esculturas, Emilio Rangel centra su trabajo técnico en el contacto directo con el material. Generalmente utiliza como medio de producción la plastilina epóxica entre otros materiales. Este elemento permite que su práctica sea siempre lúdica, evocando a la noción de juego que se desprende naturalmente al experimentar con un material maleable, como todos lo hicimos con la plastilina durante la infancia. Como resultado final se produce un objeto de carácter cercano a la manualidad pero con la herencia de una sólida escuela de arte contemporáneo que hace guiños a la cultura comercial y popular. Las imágenes que Emilio Rangel construye en su trabajo, ya sea escultórico o gráfico, resultan de una especie de metamorfosis conceptual que transforma a personajes de antiguos mitos del universo, de religiones y creencias que el ser humano ha producido a lo largo de la historia, los cuales se mezclan con personajes zoomorfos o con caricaturas de nuestros tiempos. En muchos casos, logra un diálogo profundo con el espectador, basado en los recuerdos infantiles o en los elementos de identificación simbólica, que pueden provenir inclusive de las creencias religiosas de quien observa la obra. Emilio Rangel ha participado en muestras nacionales e internacionales y su trabajo ha sido
el que camina, entender y reflexionar sobre la realidad cambiante y las problemáticas del mundo contemporáneo. Fue asistente del museógrafo Fernando Gamboa en la exposición Obras Maestras del Arte Mexicano, que se presentó en Museo Hermitagede Leningrado, Museo Narodowa de Varsovia y el Museo Petis Palais en París. Trabajó en las oficinas de los arquitectos Howell-Killick-Partridge & Amis en Londres y Candilis Jossic & Woods en París. Realizó la construcción del Pabellón de México en la Feria Mundial de Nueva York 1964-1965 para los arquitectos Pedro Ramírez Vázquez y Rafael Mijares. Impartió clases en la Universidad de Columbia y California y fue Director Artístico y Coordinador del Programa de Identidad Olímpica para los Juegos de la XIX Olimpiada México 1968, además de diseñar junto con Lance Wyman, el logotipo y cartel oficial. Ha sido conferencista en India, Pakistán, Canadá, Estados Unidos y Chile. Dirigió el equipo mexicano que estuvo a cargo del diseño urbano para la nueva capital de Tanzania, Dodoma. En 1975 presenta el Códice de la Solidaridad para la Paz y el Desarroll o y la exhi bición Todo depende de todo, con motivo de la reunión del Club de Roma, en México. Realizó el diseño urbano de la Macroplaza y Parque Fundidora en Monterrey, la Plaza de la Solidaridad y los Ejes Viales en la Ciudad de México. Proyectó los centros culturales de Ciudad Vic toria, Tampico, Nuevo Laredo y Reynosa en el estado de Tamaulipas. En su amplia producción artística, destacan trabajos como Posibilidades de una Estructura (1970), investigación pictórica compuesta por 5 Subseries: Cosmos , Nueve Círculos , Diagonales , Retícula y Código de Barras , en la que cada una de estas estructuras se establece y se va desarrollando en un sinfín de variaciones; Tablas (1972), que se pre sentó en el Palacio de Bellas Artes con obras realizadas bajo la técnica huichol de hebra de lana; Museo de lo Cotidiano (1987), en la que manifiesta su interés por cruzar las fronteras
(México, N. 1972)
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ENRIQUE ROSAS
(México, N. s/f)
ENRIQUE LARIOS
Enrique Rosas explora las conexiones entre arte, ciencia y tecnología abarcando campos tan disímiles como la electrónica y la biología. Se centra en la materialización de ideas entendiéndolas no como meras abstracciones, sino como procesos que concilian lo inmaterial con lo material. Su obra rescata el ideal renacentista de un mundo que no solo se percibía sino también, se proyectaba desde los ojos. Interesado en el tema del reconocimiento por patrones, al cual la ciencia suele recurrir
parte de más de quince muestras colectivas en instituciones públicas y privadas como el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México, Co-lab en Copenhagen, Dinamarca, Queens Nails Annex de San Francisco en California, Estados Unidos, el Centro Nacional de las Artes de la Ciudad de México, el Centro Cultural Tijuana en Tijuana, Baja California, la Fábrica de San Pedro en Uruapan, Michoacán, entre otros.
para descifrar la realidad, su investigación se desarrolla desde un punto de vista específico, relacionando los estudios científicos sobre la materia y el lenguaje de la programación con campos esotéricos vinculados a las nociones de «memoria arquetípica» y los descubrimien tos de la futurología. Estableciendo una retroalimentación entre pensamiento y técnica, todas sus piezas se organizan a partir de binomios: el observador y lo observado, lo individual y lo colectivo, lo natural y lo construido, lo micro y lo macro, entre otros. Su formación y labor como arquitecto, su cercanía desde pequeño con el cine y sus experimentaciones en el diseño y la computación, suman otras variables en su trabajo como lo arquitectónico, lo escultórico y los mecanismos propios de una base de datos, lo que le permite incorporar a su proceso una reorganización en la metodología del arte y su relación con el conocimiento científico. De esta forma, se insertó de forma recientemente en la tradición del cinetismo y el diálogo con la estética del constructivismo, lo que también constituye un reposicionamiento de estos lenguajes dentro de su obra, lo que, en su caso, introduce al azar, la intuición y la experiencia sensorial como componentes determinantes de su labor artística. Es por esta razón, que su principal búsqueda es la de generar en el campo creativo una óptica gratificante frente a los usos fríos y despersonalizados que está adoptando la tecnología de hoy. De esta forma, persigue una experiencia donde el espectador se convierta, como el mismo artista, en hacedor de sus propios materiales e imaginarios. La galería Le Laboratoire, organizó la primera exposición individual del artista en México, Sell your Money , durante el Gallery Weekend México 2013. También presentó su trabajo de manera consecutiva en ZONA MACO de 2014 hasta 2020. Rosas ganó el Premio Colección Reserva de la Familia edición 2014, que fue presentado en octubre de 2014 en el Museo Jumex. Realizó la exposición in-
Originario de Guadalajara, Jalisco, el ilustrador Enrique Larios es licenciado en mercadotecnia y diseño gráfico. Sus obras mezclan la nostalgia y la alegría de lo cotidiano para crear personajes y situaciones que existen entre la fantasía y la realidad, entre lo que es y lo que pudo haber sido. Su trabajo, enfocado a medios digitales principalmente, ha evolucionado a través de los años al explorar y combinar distintas técnicas de ilustración y diseño. Se caracteriza por el uso de colores vibrantes y contrastantes, figuras fluidas y abstractas, pero imponentes. Inició su trabajo en la ilustración a partir del 2018 y desde entonces ha presentado su obra en distintas exposiciones, además de colaborar con varios cantantes, editoriales y diseñadores.
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EVA GERD (s/f)
FEDERICO SILVA (México, N. 1923)
Nació en Dinamarca y estudió en la Real Aca demia de Bellas Artes de Copenhague entre 1986 y 1993. Posteriormente obtuvo una beca en la Academia Danesa de Roma. Ha vivido en Roma, Catania y unos años en la Ciudad de México. Sobre su trabajo con objetos encon trados, menciona: «colecciono objetos parti culares, que he encontrado por casualidad. Algunos, como los huesos, son meros restos de vida, otros han tenido una función de protección, control o manipulación. Creados por la naturaleza, como el nido o inventados por el hombre como los pañales para recién nacidos, son testigos silenciosos. Todos es conden una historia secreta y esto muchas veces le asustan. Es como si fuera un recuer do de sufrimiento desde dentro de sus inte riores, emanando de esos objetos y a la vez su decadencia toca algo en lo más profundo de su ser. Necesita entender por qué. Debe detener su destrucción y resucitarlos del olvido para cubrirlos y celebrarlos». Con esta idea, observa en el objeto un acto de protec ción para crear una intimidad que hace fluir la energía entre el objeto y Eva. Cuando inicia una pieza, tiene una vaga idea del resultado final pero se siente obligada a terminar lo que le dice el objeto. En su más reciente etapa, crea bordados inspirados en la naturaleza y en su continua transformación. Con la aguja y el hilo, sus manos encuentran los caminos guiados por el mismo objeto, ahora envuelto en su creación.
dividual Estados alterados de conciencia , en el Museo de Arte Contemporáneo Carrillo Gil de noviembre 2014 a enero 2015. Su obra se encuentra en colecciones importantes como Colección José Cuervo, Colección Fundación Televisa, así como en colecciones privadas en México, Estados Unidos, Francia, Suiza, por mencionar algunas.
Aprendió las técnicas de encáustica, frescos y temple en los libros y desde su niñez se interesó en el dibujo. Conoció a David Alfaro Siqueiros, quien lo invitó a ser su ayudante. Colaboró con él en la realización del mural Nueva Democracia del Palacio de Bellas Artes. Posteriormente, conoce a Diego Rivera, Leopoldo Méndez, Pablo O’Higgins y el escritor José Revueltas, que influyeron considerablemente su obra. Viajó a Europa en el tiempo de la posgue rra y a su regreso a México, intervino el Primer Salón Nacional de Pintura. En 1950, empezó a pintar murales y en 1962 presentó una exposición en la Universidad Obrera. A partir de ello, comenzó a experimentar con la escultura y el arte cinético, realizando objetos solares con prismas, lentes de fresnel, espejos, imanes, rayos láser, así como diferentes cuerpos suspendidos en el espacio. En 1985 estableció su taller en Amaxac de Guerrero, Tlaxcala. Participó en la primera y segunda etapa del Espacio Escultórico. Su obra escultórica más importante se encuentra en Ciudad Universitaria, UNAM, Sección Escultura. Se destaca aquí la obra denominada Serpiente del Pe dregal, considerada por el artista como su escultura más sobresaliente. Su extensa producción comprende tanto la escultura como la pintura de caballete y mural, aunque también incursiona en la gráfica digital. En 1981 realizó los murales de la facultad de ingeniería de la UNAM y en 1992 inició su proyecto mural más ambicioso, Principio, en la cueva de Huites, de 6000 metros cuadrados, en Choix, al norte del estado de Sinaloa. En 1993, es nombrado Creador Emérito del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. En 1995, recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes, la distinción más importante que el Estado Mexicano otorga a los artistas. Ha realizado su trabajo en madera, aluminio, acero, cemento, fierro y piedra. Su obra escultórica también se encuentra en
Felipe Echeverry Lasso inició su carrera como arquitecto en su ciudad natal Cali, Colombia. En 2015, decidió pasar de una exitosa carrera en arquitectura a su verdadera pasión, la pintura. Lasso se mudó a Nueva York y se sumergió en la escena artística de renombre mundial. En sus pinturas, obras de técnica mixta y dibujos, Lasso se inspira en los recuerdos personales y las historias que recopila en el camino. Su trabajo vive en la intersección de una observación y crítica social. Las piezas son provocativas e intrínsecas, cuestionan lo mundano y fomentan la autorreflexión. Sin sumergirse en el clima político actual, el trabajo de Lasso cambia la atención del ruido de los titulares a la experiencia personal de los migrantes. Revela de manera gráfica la lucha de aquellos que persiguen sueños que no siempre se han materializado de la manera esperada, sino que se han transformado en algo nuevo, extraño y desafiante, pero a menudo igual o más satisfactorio. Explora esa conversación íntima que ocurre dentro de ti: tu yo pasado, presente y futuro. Cada charla es única y envuelve capas
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FELIPE LASSO (Colombia, N. 1988)
varios países de Europa y Oriente. El 18 de septiembre de 2003, se inauguró el Museo Federi co Silva en la ciudad de San Luis Potosí, capital del estado. En 2010, la Universidad Autónoma de San Luis Potosí y la UNAM le otorgaron el Doctorado Honoris Causa y en noviembre de 2016, recibió la Medalla de Bellas Artes. Desde hace poco más de veinte años, ha sido parte de la Coordinación de Humanidades de la UNAM, lo que le ha permitido reflexionar sobre el sentido del arte y el artista en la sociedad, reflexiones que han sido publicadas en varios libros. No ha dejado de crear, tanto pintura como escultura y actualmente, a raíz de la pandemia, ha realiza do un número muy importante de maquetas de escultura. Federico Silva es uno de los artistas más destacados de México.
FRANCESCA DALLA BENETTA
(Italia, N. s/f)
de complejidad, placeres momentáneos, ale grías y dolor. En su práctica, indaga en los recuerdos y recopila historias de las personas que ha encontrado en sus viajes. Inspirándose técnicamente en el expresionismo figurativo de los años 80 para exponer los ideales colectivos y las emociones de estas historias a través de pinceladas rápidas aparentemente irreflexivas. Acrílicos, óleos, carboncillo y bolígrafos dan vida al lienzo en bruto, elevando cómodamente las tensiones que existen en su interior. Lasso vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Formado como arquitecto, recibió su Licenciatura en Arquitectura en la Universidad de San Buenaventura en Santiago de Cali, Colombia en 2011 y su MLA en la Universidad de Buenos Aires Argentina en 2014. Las exposiciones colectivas en las que ha participado incluyen las realizadas en la galería Mayson, Bowery Bond, Nueva York. Society for Ethical Culture, Galería Richard Taittinger, Galería Avant Miami, Galería Avant NY, art Basel Miami y art NY NY. En 2018, colaboró con Saks Fifth Avenue y Good Luck Dry Cleaners para una presentación especial junto con la Semana de la Moda de Nueva York, que incluyó un escaparate con los diseñadores Valentino e Issey Miyake. En 2017, fue incluido en 10 Rising Street Artists Who Are Taking the Art Form Beyond Banksy de ArtNet. Y en 2019 fue incluido en la edición de noviembre de 2019 de 5 artistas emergentes para ver este mes de ArtNet por su presentación individual de palabras con la galería Avant en Nueva York. Su obra figura en numerosas colecciones privadas.
La artista italiana Francesca Dalla Benetta, realizó sus estudios en la Academia de Artes de Milán. Desde 2004 se dedicaba a la realización de efectos especiales y escultura para la industria del cine y gracias a esta profesión, aprendió técnicas de modelado que comenzó
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(Estados Unidos, N. 1978)
FRANZ KLAINSEK
a integrar a su obra artística. Llegó a México en 2006 con la producción de la película Apocalypto de Mel Gibson y decidió quedar se por motivos profesionales. La influencia surrealista de la vida en México, junto con el amor por el cine y la literatura fantástica, de terminaron su estilo y concepto de manera decisiva. Su obra investiga la anatomía fantástica, los sueños, la identidad propia, la transformación y evolución espiritual, el sentido de pertenencia, la soledad, la cone xión del ser humano con el cosmos y con lo divino. En su trayectoria, Francesca cuenta con 15 exposiciones individuales dentro de la Galería Oscar Román, Fundación Sebastián, Galería de la Universidad Iberoamericana, Espacio y Lugar, Aguafuerte, Galería Málaga. También ha participado en exhibiciones con numerosas colectivas en Galería Córsica, Ex Teresa Actual en México y otras más en Italia. Su obra ha sido reseñada en las revistas es pecializadas en arte Horizontum y Escenario, en diarios nacionales como La Razón, Milenio Diario, El universal, Distrito Global, así como en programas culturales de radio y televisión de Milenio TV, Canal 22, Canal Once, El Matu tino TV, El financiero TV entre otros. Desde hace 9 años forma nuevos talentos en el campo artístico y cinematográfico, enfocán dose en la enseñanza de las artes plásticas y la caracterización.
la compleja sociedad actual. Franz presenta temas de la evolución humana mientras explora la relación de la materia, la percepción, el movimiento y la mente. Al trabajar a gran escala, el artista crea piezas exigentes física y mentalmente con dedicación total de cuerpo y mente, ya que su trabajo empuja los límites entre el espacio, el arte y la interacción humana. Con su trabajo artístico crea conciencia sobre los problemas del sufrimiento, ofreciendo al espectador una posible solución, lo que en sus propias palabras es «vivir en la verdad. Descansar en Libertad». Su obra vive en un estado de impermanencia, al explorar una vida de creación, existencia y muerte a través del arte. Utiliza materiales no convencionales en su trabajo y sus instalaciones, así como sus esculturas reflejan su fascinación por redefinir el uso de un objeto. Sus obras se han presentado en espacios transformados para instalaciones específicas de arte inmersivo, trabajo interactivo, esculturas, pinturas y performance. Klainsek tiene una marcada tendencia a encarnar el arte de la resistencia y la expresión artística de la transformación. Actualmente, está trabajando en una serie de instalaciones y esculturas permanentes a gran escala para una exhibición pública en asociación con diversos líderes culturales más importantes de nuestro tiempo.
GABRIEL MACOTELA (México, N. 1954)
Macotela estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Huecograbado «La Es meralda» del INBA y completó su formación en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, en el taller del maestro Gilber to Aceves Navarro. Desde 1976 ha realizado exposiciones individuales en la Ciudad de México y Monterrey. En 1977 fundó Cocina Ediciones y en 1985 la librería El Archivero. Recibió el reconocimiento de Fonca y pasó a ser miembro del Sistema Nacional de
Franz Klainsek es un artista multidisciplinario estadounidense que comenzó su carrera como pintor y desarrolló el interés por experimentar con materiales poco convencionales. Su práctica artística es resultado de su continua exploración filosófica. Su obra de arte se extiende entre la creación de objetos y el performance. Las esculturas e instalaciones a gran escala suelen incluir referencias a la libertad y la búsqueda de la verdad dentro de
GUILLERMO FORNES
HARLEY CORTEZ
Artista, músico y cineasta multidisciplinario. En los últimos meses ha tenido 3 exposiciones individuales en Nueva York, Berlín y en la Ciudad de México, primer país de América Latina donde expone. Su trabajo se ha presentado en Los Ángeles, Nueva York y Tokio.
La obra de Gabriel Rico se caracteriza por la interrelación de objetos aparentemente dispares. Rico, autoproclamado «ontólogo con una metodología heurística», combina materiales encontrados, recolectados y fabricados para crear esculturas que invitan a los espectadores a reflexionar sobre la relación entre los humanos y nuestro entorno natural. Con frecuencia utiliza neón, taxidermia, cerámica, ramas y piezas más personales de su pasado para crear una ecuación o formulación en la quelogra una geometría precisa a pesar del carácter orgánico y toscamente tallado de sus materiales. Sus instalaciones combinan irónica y poéticamente formas naturales y antinaturales, insistiendo en una contemplación necesaria de su asimetría, así como de nuestras propias fallas culturales y políticas.
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GABRIEL RICO (México, N. 1980)
(Estados Unidos, N. 1976)
Nacido en Bilbao, España en 1964, Guillermo Fornes comenzó su carrera en Londres, donde estudió Fine Arts en el Kings College of Art y es licenciado en Psicología por la Universidad Complutense de Madrid. Ha colaborado con el Museo Guggenheim de Bilbao y la Fundación Bilbao-Arte. Su trabajo ha sido presentado en galerías, museos y fundaciones de América y Europa, donde ha desarrollado su carrera pro fesional. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas nacionales e internaciona les.
(España, N. 1964)
Estudió en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado «La Esmeralda» del INBA de 2010 a 2014. Tuvo diversas experiencias que lo han formado como artista, como el haber sido discípulo y ayudante del artista Shinpei Takeda en 2011. Su obra está influenciada por el expresionismo abstracto, al tomar como línea de trabajo constante la interpretación pictórica del color en la pintura y su manera tan efímera de tener una reacción con ella. Ha obtenido diversos reconocimientos, en los que destaca su participación en la exposición y Subasta Arte Vivo 2017 y 2021. Sus trabajos exhibidos en la Ciudad de México de forma individual son Anagnórisis dentro de El Quinto Piso (2017); Advenedizo, Galeria Noox (2017); Criptomnesia , Galería 665 (2015); Atmósferas espontáneas en El Quinto Piso (2015).
GUSTAVO ARGÜELLO PEÑALOZA (México, N. 1991)
Creadores (SNCA) en el período 1993-1996. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y en el extranjero inclu yendo pintura, escultura, así como de libro de artista en Francia, India, Cuba, Brasil, Estados Unidos, Alemania y España. En 1989 presentó Personajes y su sombra en el Consulado de México en Barcelona, España y en 1990 en el Centro Cultural de México en París, Francia. En 2014, con motivo de sus 60 años de vida, Macotela inauguró su primer mural público en un edificio de la Facultad de Medicina de la UNAM. También, presentó su exposición de pintura, escultura y grabado De la Vida... Gabriel Macotela . Ha sido reconocido con varios premios como el Segundo Premio de Pintura y Mención de dibujo en el XII Con curso Nacional para estudiantes de Pintura y Escultura de Aguascalientes; el premio de ad quisición en el Salón Nacional de Pintura del INBA; la Primera Bienal de Cuenca, Ecuador y el Premio Salón Juguete Arte Objeto en el Museo José Luis Cuevas.
Nació el 30 de septiembre de 1965 en la Ciudad de México. Asistió a diversos talleres de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y posteriormente realizó estudios de escultura en la Escuela Superior de Arte de la Universidad de Berlín y en la Academia Estatal de Artes Plásticas de Stuttgart, Alemania. A lo largo de su vida ha recibido becas y premios en reconocimiento a su obra, como la Baden-Wurtemberg de Alemania. En México, recibió la del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de la Secretaría de Cultura, Jóvenes Creadores y del Sistema Nacional de Creadores de Arte en las emisiones 2009, 2012 y 2016. En el año 2001, obtuvo el Gran Premio Omnilife de Escultura en Guadalajara, Jalisco. Fue seleccionado en La Bienal de Monterrey FEMSA 1999 y 2014, así como en la Bienal de Yucatán 2004 y fue invitado especial en la IV Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo en el 2011, que se realizó en el Museo Anahuacalli de la Ciudad de México. También, fue invitado a realizar una intervención en la sala de arte prehispánico del Museo Etnológico de Berlín en 2004. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas, entre ellas El Banco de México, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM, el Museo de Arte de Querétaro, el Museo de Arte Carrillo Gil y la Fundación José Cuervo. Ha expuesto
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De sus exhibiciones individuales destacan The Poet as Spacemen, instalación, The Paper Agency Gallery, Los Ángeles (2016); Voices, Voices , Tokio, Japón (2019), The Ashes of Us , San Diego, Estados Unidos (2019) y Gestures, Rabat, Marruecos (2019). Su reciente inclusión en exposiciones colectivas lo ha colocado en el radar del mundo del arte internacional. Sus cortometrajes incluyen Ignacio y The Sick Oyster, así como varias películas experimenta les y videos musicales.
HELIO VIANNA (Brasil, N. 1983)
HÉCTOR VELÁZQUEZ (México, N. 1965)
de forma individual y colectiva en múltiples ocasiones en México, Francia, Alemania, Hong Kong, Estados Unidos y España. El trabajo de Héctor Velázquez se ha interesado en explorar las relaciones con el cuerpo humano y su entorno, sus formas, concepciones y sensacio nes, así como de las partes relacionadas con los sentidos y la comunicación. En un proceso de introspección, casi ritual, Velázquez teje su íntima concepción del cuerpo humano con nuevas y viejas «pieles» retomando en algunos casos cosmovisiones prehispánicas como la del Xipe Tótec. Busca, entre otras cosas, incursionar en regeneraciones emocionales e investiga las relaciones psíquicas y anímicas entre las representaciones del terreno físico o mapas topográficos, con el cuerpo, la dermis y la ropa que la cubre. A través de distintos materiales como telas, hilos, prendas usadas y piedras, crea piezas que invitan al espectador a involucrarse corporal y emocionalmente. Ha publicado el libro Cuerpos desdoblados , editado en México por la Galería Terreno Baldío Arte en 2007, que comprende parte de su obra y textos de historiadores y críticos de arte como Karen Cordero. En el año 2022 recibió una beca por parte de la Stiftung Kunstfonds, fundación del Gobierno Alemán.
Artista brasileño que reside en la Ciudad de México y es Maestro en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Su formación interdisciplinaria, comprende la Licenciatura en Producción Cultural, una en Relaciones Internacionales por la UFRJ y una Especialización en Literatura Infantil. Antes de ejercer la profesión de artista, trabajó en la Agencia Nacional del Cine y con el Ministerio de Relaciones Exteriores de Brasil, integrando el Comité Nacional de Organización de la Río +20, evento de la ONU. Como productor cultural autónomo, ha producido películas
documentales independientes, montaje de obras teatrales y exposiciones. Desde 2007 trabaja con artistas visuales y desde 2013 es dealer de artistas brasileños. Su labor artística inició entre 2013 y 2014, gracias a la beca en la Escuela de Artes Visuales del Parque Lage en Brasil. Ha tenido clases con artistas de la Geração 80 como Luiz Ernesto y Joao Modé, así como con Bruno Miguel y Adriana Varejão. Desde 2015, su trabajo ha sido expuesto por las galerías Quetzalli, Aura, Oscar Román, PRPG.MX en México, Galería Toulouse en Brasil y Alpha’A Inc. en Estados Unidos. Trabaja con múltiples medios y lenguajes como pintura, fotografía, performance, arte digital, video y medios híbridos. Sus temas se vinculan al arte global que están dentro de la agenda internacional como la preservación de las lenguas y culturas, la proliferación de armas NQBR, la diversidad sexual y de género, el cibercrimen y los códigos de comunicación.
Inés Cusi nació en la Ciudad de México el 29 de abril de 1974. Es Licenciada en Economía por el Tec de Monterrey Campus Ciudad de México y tiene estudios de arte en Acuarela, Fotografía, Escultura y Arquitectura en talleres de la Ciudad de México, Zacatecas y París. Ha expuesto en diferentes exposiciones nacionales e internacionales de forma colectiva e individual. Recientemente, participó en la Bienal Monterrey - FEMSA en Zacatecas, edición 2018-2019 Nunca fuimos contemporáneos y también formó parte de la exposición Génesis en principio, en el marco de la celebración de los 100 años del Museo de Guadalupe, Zacatecas, como Artista y como parte del equipo impulsor del proyecto. En 2011 se realizó su ex posición individual en el Museo Pedro Cornel. Participó en la Bienal de Florencia Italia en 2013. En 2005, se unió al equipo de escultura del Pabellón de México Exposición Mundial
Nació en Madrid en abril de 1977 y es licenciado en Bellas Artes por la UCM. Comenzó su carrera como director y guionista de cine y fotógrafo donde cosechó cierto reconocimiento en los festivales independientes de Rhinebeck, Estados Unidos, el Festibérico de Delph y en el premio descubrimientos de Pho toespaña. Su primera exposición individual en el extranjero se realizó en la Galería Irvine Contemporary de Washington en el año 2006. A partir de entonces empezó a exponer con regularidad en ferias y galerías tanto naciona les como extranjeras. Actualmente trabaja con la galería Contrast de Barcelona y la Alemana Galerie Heissings Art.
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ISAURO HUIZAR (México, N. 1985)
Nació en Culiacán, Sinaloa, México en el año 1985. Actualmente, vive y trabaja en la Ciudad de México. Cursó el Programa Educativo dentro de SOMA. Su trabajo se inspira en la vida coti diana y en su rutina diaria. A partir de dichas experiencias produce sistemas para reflexionar y comprender lo que le rodea. En su práctica artística explora principalmente los medios de la pintura, la escultura y de forma reciente, la escritura y la fotografía. Como extensión de su práctica, ha realizado proyectos de museogra fía para galerías e instituciones, desplegando sus habilidades en las narrativas espaciales. También imparte periódicamente el taller La superficie, el color y la forma y Modos de presentar dirigido a fundaciones no lucrativas de
INÉS CUSI (México, N. 1974)
Aichi, Japón. Sus esculturas a gran escala han sido colocadas en diferentes lugares públicos y privados de México y Estados Unidos. Forma parte de la colección FEMSA con la escultura ARTEMIS y participa en la edición 2022 en la subasta anual Arte Vivo de la Fundación México Vivo.
IÑIGO NAVARRO (España, N. 1977)
JAVIER HINOJOSA (México N. s/f)
Aunque el arte de Vilató recuerda inevitable mente al de su célebre tío Pablo Picasso, sobre todo en su manejo de la figura femenina, logró desarrollar un estilo de dibujo propio. Arqui tecto de profesión, dirigió un negocio exitoso con oficinas en todo el mundo durante más de 15 años, antes de aventurarse en el diseño de muebles. Al darse cuenta de que su verdadera pasión era el arte y el diseño, en 2018 saltó al abismo de sus miedos y abandonó el mundo de la arquitectura, lanzando Vilató i Vilató con su socia Itzel Culebro para dedicarse de lleno a la pintura, la escultura y el diseño de objetos. Sus colecciones privadas se pueden encontrar en Europa, Asia, México y Estados Unidos. Además, ha tenido diversas exposiciones en México, una nueva colección de vidrio, colaboraciones en revistas y asociaciones con marcas de lujo. Sus exhibiciones individuales de septiembre a noviembre de 2021 fueron en el Centro Cultural Palacio Clavijero en Morelia, Michoacán y en MUSA, Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara. Dentro de sus reconocimien tos se encuentra el ICON INTERNATIONALy y su trabajo ha aparecido en publicaciones de Estados Unidos, Canadá, Australia, Singapur, Europa, Hong Kong, Sudáfrica y Nueva Zelanda.
Licenciada en Arteterapia por el Vancouver Art Therapy Institute (2012-2014); a Maestría en Arte, Estudios de Discapacidad del Desarrollo con Mención en Historia por la Universidad Ryerson, Toronto (2006-2009). Realizó un Diplomado como Asistente educativo, Apoyo para Necesidades Especiales por el Niagara College, Ontario (2004). Ha expuesto en varias ocasio nes tanto de manera individual como colectiva en Canadá y México. Sus piezas son la explo ración táctil de nuestro procesamiento interno convertido en recuerdos íntimos y encarnados de los entornos, la tierra y las prácticas tradi
JAVIER HINOJOSA (México N. s/f)
proyecto una para JACOB VILATÓ, Barcelona 1979. Aunque el arte de Vilató recuerda inevitablemente al de su célebre tío Pablo Picasso, sobre todo en el manejo de la figura femenina, tiene un estilo y trazo propios. Ha pintado desde que era un niño, Pero no fue hasta finales de 2019 que mostró su obra al público por primera vez. A las puertas de una pandemia que hizo que los primeros meses de 2020 fueran de introspección para posteriormente sumergirse en un proceso creativo que dio luz a “Meninas Feas”, exposición individual que hasta ahora ha tenido como sedes, dos importantes museos en México: Palacio Clavijero en Morelia de septiembre a noviembre 2021 y MUSA, Museo de las Artes de la universidad de Guadalajara de marzo a junio 2022.
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dicadas a la introducción de niños y jóvenes en el arte. Es co-editor de AAF, una revista impresa sobre temas espaciales y mantiene el proyecto @abstractpaintingmexico en Instagram, una exploración personal para aprender y difundir el trabajo de pintores basados en México.
JACOB VILATÓ (España, N. 1980)
La fotografía de Javier Hinojosa estudia con detenimiento las posibilidades de contemplar el paisaje, lo que nos invita a reflexionar de manera recurrente nuestra relación con la naturaleza y diversos espacios históricos. A partir de 1998, recorre el país a la manera de los antiguos expedicionarios, fotografiando la arquitectura prehispánica, con lo que ha conformado un extenso catálogo impreso técnicas variadas y el cual, ha viajado por el mundo en distintas exposiciones. Descrito por Juan Villoro como «fotógrafo de soledades» y fiel a su ánimo conservacionista, desde hace quince años desarrolla el proyecto Estaciones ,
JASMINE CADENHEAD (Canadá, N. 1984)
JASMINE CADENHEAD (Canadá, N. 1984)
La fotografía de Javier Hinojosa estudia con detenimiento las posibilidades de contemplar el paisaje, lo que nos invita a reflexionar de manera recurrente nuestra relación con la naturaleza y diversos espacios históricos. A partir de 1998, recorre el país a la manera de
Licenciada en Arteterapia por el Vancouver Art Therapy Institute (2012-2014); a Maestría en Arte, Estudios de Discapacidad del Desarrollo con Mención en Historia por la Universidad Ryerson, Toronto (2006-2009). Realizó un Diplo-
mado como Asistente educativo, Apoyo para Necesidades Especiales por el Niagara College, Ontario (2004). Ha expuesto en varias ocasio nes tanto de manera individual como colectiva en Canadá y México. Sus piezas son la explo ración táctil de nuestro procesamiento interno convertido en recuerdos íntimos y encarnados de los entornos, la tierra y las prácticas tradi cionales. Cada lienzo es un intento de capturar momentos únicos entre las infinitas posibilida des temporales, donde los pigmentos, resinas y a veces el propio medio ambiente, se convierte en el co-creador de la pieza. Gran parte de su trabajo, busca explorar pigmentos naturales y capas de sedimentos como un marcador o indicador de tiempo, usando una combinación de métodos contemporáneos y tradiciona les la superficies potenciales de estas obras ilumina momentos que llaman la atención y la curiosidad sobre la forma única en que la tierra registra recuerdos en comparación con los nuestros. El vínculo entre memoria e iden tidad está en el corazón de nuestros temores sobre la memoria. intelectualmente podemos entender que el tiempo tiene un impacto en la memoria, pero también es memoria que crea y da forma a nuestra experiencia del tiempo. Muy posiblemente en mayor grado de lo que nos damos cuenta, dejando que el entorno dicte el material que busca Jasmine, utilizando pigmentos locales y sostenibles. Actualmente viviendo en Ciudad de México, Jasmine usa pigmentos como la cochinilla, insecto, índigo maya, cianotipo y muchas otras materias vege tales como pigmentos.
cionales. Cada lienzo es un intento de capturar momentos únicos entre las infinitas posibilida des temporales, donde los pigmentos, resinas y a veces el propio medio ambiente, se convierte el co-creador de la pieza. Gran parte de su trabajo, busca explorar pigmentos naturales y capas de sedimentos como un marcador o indicador de tiempo, usando una combinación de métodos contemporáneos y tradiciona les la superficies potenciales de estas obras ilumina momentos que llaman la atención y la curiosidad sobre la forma única en que la tierra registra recuerdos en comparación con los nuestros. El vínculo entre memoria e iden tidad está en el corazón de nuestros temores sobre la memoria. intelectualmente podemos entender que el tiempo tiene un impacto en la memoria, pero también es memoria que crea y da forma a nuestra experiencia del tiempo. Muy posiblemente en mayor grado de lo que nos damos cuenta, dejando que el entorno dicte el material que busca Jasmine, utilizando pigmentos locales y sostenibles. Actualmente viviendo en Ciudad de México, Jasmine usa pigmentos como la cochinilla, insecto, índigo maya, cianotipo y muchas otras materias vege tales como pigmentos.
Jonathan Miralda Fuksman tiene estudios de licenciatura en artes visuales por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» y de dibujo en la Academia de San Carlos de la UNAM. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Primaria trunca en guadalajara90210 (Ciudad de México, 2021), sin título en el Museo del Pueblo de Guana juato (Guanajuato, 2019), Jonathan Miralda Fuksman en Sala GAM (Ciudad de México, 2019), Berrinches, Bochornos, etc. en TOCA Galería (Ciudad de México, 2015) y MAMI en Cráter Invertido (Ciudad de México, 2015). Ha realizado varias exposiciones colaborativas,
un registro de áreas naturales protegidas de América Latina. Como parte de ese trabajo, Hinojosa ha retratado también la otra cara de la Ciudad de México: bosques, humedales, cimas y cañadas que se han mantenido al margen de los procesos de urbanización. Su obra ha sido expuesta en museos y galerías de Latinoamérica, Estados Unidos, Europa, Asia, África y Oceanía, además de ser parte también de colecciones como la del Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM, Fundación Televisa y la del Museo de Arte Precolombino e Indígena de Montevideo. Es autor de numerosos libros, entre ellos, Silencios compartidos (1998), Mayas: espacios de la memoria (2000), Guardianes del México antiguo (2004) y Esta ciones (2009). Ha producido diversos libros de artista en ediciones limitadas como parte de su serie Cuadernos del Insomnio .
Maj Britt Jensen (Ciudad de México, 2007).
entre las cuales destacan Studio Visitz con el artista Andrés Villalobos, presentada en Te zontle Studio (Ciudad de México, 2018), When/if con el artista Calvin Burton dentro de la galería Present Company (Brooklyn, NY, EUA, 2019) y Fuera de Lugar -tenemos una alberca- en la Galería de la Escuela Nacional de Pintura, Es cultura y Grabado «La Esmeralda», con la artista Maj Britt Jensen (Ciudad de México, 2007). También ha participado en exposiciones colec tivas que incluyen Cómo fantasmas que vienen de las sombras, y en las sombras se van... en Espacio de Arte Contemporáneo (Ciudad de México, 2015-2016) y Abusos de las formas en el Museo de Arte Carrillo Gil (Ciudad de México, 2019-2020). Fue becario del Programa Jóvenes Creadores del FONCA de 2009 a 2010 y bene ficiario del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA en 2014 y en 2017, como integrante de Vacaciones de Trabajo para la publicación de los libros MAMI y 2018 (Editorial Cráneo Invertido, 2019).
También ha participado en exposiciones colec tivas que incluyen Cómo fantasmas que vienen de las sombras, y en las sombras se van... en Espacio de Arte Contemporáneo (Ciudad de México, 2015-2016) y Abusos de las formas en el Museo de Arte Carrillo Gil (Ciudad de México, 2019-2020). Fue becario del Programa Jóvenes Creadores del FONCA de 2009 a 2010 y bene ficiario del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA en 2014 y en 2017, como integrante de Vacaciones de Trabajo para la publicación de los libros MAMI y 2018 (Editorial Cráneo Invertido, 2019).
JONATHAN MIRALDA FUKSMAN (Canadá, N. 1984)
JORGE MARÍN (México, N. 1963)
Jorge Marín es escultor. Tiene más de 25 años de trayectoria. Trabaja con bronce, en dimensiones que van desde la miniatura hasta la escultura monumental. Obras suyas atesti guan el movimiento de millones de mexicanos y han incorporado el arte a la vida cotidiana. Por ejemplo, El vigilante, gigantesca escultura a media avenida en la entrada al municipio de Ecatepec o Plaza las Alas ubicada entre cerros del parque la Marquesa. Ha realizado más de 260 exposiciones individuales y colectivas en cuatro continentes. Su trabajo ha sido exhibido en museos y galerías de Europa, en países como Alemania, Bélgica, Dinamarca, España, Francia, Hungría, Inglaterra, Portugal, Turquía y Azerbaiyán; en países de África como Egipto; Canadá, Costa Rica, Estados Unidos, El Salvador, Guatemala y Panamá en América y en Asia en países como China, Japón, Singapur,
Jonathan Miralda Fuksman tiene estudios de licenciatura en artes visuales por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» y de dibujo en la Academia de San Carlos de la UNAM. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Primaria trunca en guadalajara90210 (Ciudad de México, 2021), sin título en el Museo del Pueblo de Guana juato (Guanajuato, 2019), Jonathan Miralda Fuksman en Sala GAM (Ciudad de México, 2019), Berrinches, Bochornos, etc. en TOCA Galería (Ciudad de México, 2015) y MAMI en Cráter Invertido (Ciudad de México, 2015). Ha realizado varias exposiciones colaborativas, entre las cuales destacan Studio Visitz con el artista Andrés Villalobos, presentada en Te zontle Studio (Ciudad de México, 2018), When/if con el artista Calvin Burton dentro de la galería Present Company (Brooklyn, NY, EUA, 2019) y Fuera de Lugar -tenemos una alberca- en la Galería de la Escuela Nacional de Pintura, Es cultura y Grabado «La Esmeralda», con la artista
JORGE MARÍN (México, N. 1963)
JONATHAN MIRALDA FUKSMAN (Canadá, N. 1984)
artistasdeíndiceair227
los antiguos expedicionarios, fotografiando la arquitectura prehispánica, con lo que ha conformado un extenso catálogo impreso con técnicas variadas y el cual, ha viajado por el mundo en distintas exposiciones. Descrito por Juan Villoro como «fotógrafo de soledades» y fiel a su ánimo conservacionista, desde hace quince años desarrolla el proyecto Estaciones , un registro de áreas naturales protegidas de América Latina. Como parte de ese trabajo, Hinojosa ha retratado también la otra cara de la Ciudad de México: bosques, humedales, cimas y cañadas que se han mantenido al margen de los procesos de urbanización. Su obra ha sido expuesta en museos y galerías de Latinoamérica, Estados Unidos, Europa, Asia, África y Oceanía, además de ser parte también de colecciones como la del Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM, Fundación Televisa y la del Museo de Arte Precolombino e Indígena de Montevideo. Es autor de numerosos libros, entre ellos, Silencios compartidos (1998), Mayas: espacios de la memoria (2000), Guardianes del México antiguo (2004) y Esta ciones (2009). Ha producido diversos libros de artista en ediciones limitadas como parte de su serie Cuadernos del Insomnio
Jorge Marín es escultor. Tiene más de 25 años de trayectoria. Trabaja con bronce, en dimensiones que van desde la miniatura hasta la escultura monumental. Obras suyas atesti guan el movimiento de millones de mexicanos y han incorporado el arte a la vida cotidiana. Por ejemplo, El vigilante, gigantesca escultura a media avenida en la entrada al municipio de Ecatepec o Plaza las Alas ubicada entre cerros del parque la Marquesa. Ha realizado más de 260 exposiciones individuales y colectivas en cuatro continentes. Su trabajo ha sido exhibido en museos y galerías de Europa, en países como Alemania, Bélgica, Dinamarca, España, Francia, Hungría, Inglaterra, Portugal, Turquía y Azerbaiyán; en países de África como Egipto; Canadá, Costa Rica, Estados Unidos, El Salvador, Guatemala y Panamá en América y en Asia en países como China, Japón, Singapur, Indonesia, Hong Kong, Tailandia, Kuwait y Emiratos Arabes Unidos. Su obra Alas de México, acumula miles de kilómetros por el mundo. Ha sido instalada de forma definitiva en 11 ciudades de 3 continentes, además de exhibiciones temporales en cerca de 20 importantes urbes de las más diversas latitudes.
JOSÉ LUIS CUEVAS (México, N. 1934 - M. 2017) Pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano. Retó al movimiento mura lista mexicano que dominaba la vida artística nacional y fue un prominente miembro de la
Ángeles, Estados Unidos. En 1931, ingresó a la Escuela Central de Artes Plásticas. A partir de 1936, se integró a la Liga de Escritores y Artis tas Revolucionarios (LEAR) y dos años después, en 1938, al Taller de Gráfica Popular. Además, fue miembro fundador de la Sociedad de Arte Moderno y del Salón de la Plástica Mexica na (INBAL). En 1935 fue nombrado Jefe de la Sección de Artes Plásticas del Departamento de Bellas Artes (SEP) y en 1939 recibió el nom bramiento de Productor de Arte por parte de la SEP. A lo largo de su carrera, realizó actividades de docencia en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, así como en la Escuela de Artes del Libro, la Escuela de Pintura y Escultura «La Esmeralda» y fundó el Taller de Integración Plástica en 1949. Llevó a cabo la transforma ción del Centro Superior de Artes Aplicadas a la Escuela de Diseño y Artesanías en 1960 y dos años después, asumió el cargo de Director de la Escuela de Diseño y Artesanías (INBAL). En 1963, fue nombrado Vicepresidente del Subcomité Nacional de Artesanías y Arte Popular, organi zado por el Comité Consultivo del Gobierno de México ante la UNESCO. Desde 1970 y hasta 1980 fue Director del Museo Regional de Antropología e Historia, Alhóndiga de Granaditas en Guanajua to. Recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas 1946 de parte del INBAL en México. Ingresó a la Academia de Artes el 27 de junio de 1985.
La obra de Jorge Rosano Gamboa proviene del pensamiento fotográfico, la relación entre el instante y su representación: el ritual de crear su registro, sus métodos y sobre todo, el instante atrapado en forma de imagen. Su trabajo crea espacios fabricados e interve nidos en donde la ausencia se hace visible, pues están compuestos de imágenes que parecieran suspendidas por ser sólo huella, rastro o memoria. Como arrojándose a la extrañeza de lo fantasmal, su trabajo no es más que un espectro en donde se contem pla el espectáculo de la ausencia, donde la imagen y los fantasmas son uno mismo. Vive y trabaja en la Ciudad de México. Se graduó de la Escuela de Pintura y Escultura «La Es meralda» en 2011 y cursó el posgrado en SOMA. Entre sus exposiciones individuales se encuentran Impermanencia dentro del MUCA Roma, Ciudad de México (2013); Ominus , 1919 Gallery, Berlín (2016); Pentimento en Galería Breve, Ciudad de México (2017), LANDLORDS , Filet Space, Londres (2018); El azul de la dis tancia , Ciudad de México (2022). Entre sus ex posiciones colectivas se encuentra Nuestro Barrio , Neurotitan Gallery, Berlín; Dark Cartog raphies , Efraín López Gallery, Chicago (2016) y Blessed , Chalton Gallery, Londres (2016). Su trabajo ha participado en ferias de arte en México, Corea, España y Lima. Además, fue seleccionado en la Bienal de Fotografía en dos ocasiones (2016 y 2018) y ha participado en varias residencias como CasaWabi (2019), Neurotitan en Berlín (2016).
Pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano. Retó al movimiento mura lista mexicano que dominaba la vida artística nacional y fue un prominente miembro de la Generación de la Ruptura. Fue un artista auto didacta, con muchos estilos e influencias, muy marcados en el lado oscuro de su vida, por lo que frecuentemente distorsionaba figuras, lo que generaba debates. Recibió el Premio de Excelencia en Arte y Diseño en 1964, el Madeco en la II Bienal Iberoamericana de Grabado
JOSÉ CHÁVEZ MORADO (México N. 1909 - M. 2002) Nació el 4 de enero de 1909 en Silao, Guanajuato y murió el 1 de diciembre de 2002 en la ciudad de Guanajuato. Comenzó sus estudios profe sionales en 1930 tomando clases nocturnas de pintura en la Chouinard School of Arts en Los Ángeles, Estados Unidos. En 1931, ingresó a la Escuela Central de Artes Plásticas. A partir de 1936, se integró a la Liga de Escritores y Artis tas Revolucionarios (LEAR) y dos años después, en 1938, al Taller de Gráfica Popular. Además, fue miembro fundador de la Sociedad de Arte Moderno y del Salón de la Plástica Mexica na (INBAL). En 1935 fue nombrado Jefe de la Sección de Artes Plásticas del Departamento de Bellas Artes (SEP) y en 1939 recibió el nom bramiento de Productor de Arte por parte de la SEP. A lo largo de su carrera, realizó actividades de docencia en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, así como en la Escuela de Artes del Libro, la Escuela de Pintura y Escultura «La Esmeralda» y fundó el Taller de Integración Plástica en 1949. Llevó a cabo la transforma ción del Centro Superior de Artes Aplicadas a la Escuela de Diseño y Artesanías en 1960 y dos años después, asumió el cargo de Director de la Escuela de Diseño y Artesanías (INBAL). En 1963, fue nombrado Vicepresidente del Subcomité Nacional de Artesanías y Arte Popular, organi zado por el Comité Consultivo del Gobierno de México ante la UNESCO. Desde 1970 y hasta 1980 fue Director del Museo Regional de Antropología e Historia, Alhóndiga de Granaditas en Guanajua to. Recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas 1946 de parte del INBAL en México. Ingresó a la Academia de Artes el 27 de junio de 1985.
JOSÉ LUIS CUEVAS
JOSÉ CHÁVEZ MORADO
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JORGE ROSANO GAMBOA (México, N.1984)
(México N. 1909 - M. 2002)
(México, N. 1934 - M. 2017)
Indonesia, Hong Kong, Tailandia, Kuwait y Emiratos Arabes Unidos. Su obra Alas de México, acumula miles de kilómetros por el mundo. Ha sido instalada de forma definitiva en 11 ciudades de 3 continentes, además de exhibiciones temporales en cerca de 20 importantes urbes de las más diversas latitudes.
La obra de Jorge Rosano Gamboa proviene del pensamiento fotográfico, la relación entre el instante y su representación: el ritual de crear su registro, sus métodos y sobre todo, el instante atrapado en forma de imagen. Su trabajo crea espacios fabricados e interve nidos en donde la ausencia se hace visible, pues están compuestos de imágenes que parecieran suspendidas por ser sólo huella, rastro o memoria. Como arrojándose a la extrañeza de lo fantasmal, su trabajo no es más que un espectro en donde se contem pla el espectáculo de la ausencia, donde la imagen y los fantasmas son uno mismo. Vive y trabaja en la Ciudad de México. Se graduó de la Escuela de Pintura y Escultura «La Es meralda» en 2011 y cursó el posgrado en SOMA. Entre sus exposiciones individuales se encuentran Impermanencia dentro del MUCA Roma, Ciudad de México (2013); Ominus , 1919 Gallery, Berlín (2016); Pentimento en Galería Breve, Ciudad de México (2017), LANDLORDS , Filet Space, Londres (2018); El azul de la dis tancia , Ciudad de México (2022). Entre sus ex posiciones colectivas se encuentra Nuestro Barrio , Neurotitan Gallery, Berlín; Dark Cartog raphies , Efraín López Gallery, Chicago (2016) y Blessed , Chalton Gallery, Londres (2016). Su trabajo ha participado en ferias de arte en México, Corea, España y Lima. Además, fue seleccionado en la Bienal de Fotografía en dos ocasiones (2016 y 2018) y ha participado en varias residencias como CasaWabi (2019), Neurotitan en Berlín (2016).
Nació el 4 de enero de 1909 en Silao, Guanajuato y murió el 1 de diciembre de 2002 en la ciudad de Guanajuato. Comenzó sus estudios profe sionales en 1930 tomando clases nocturnas de pintura en la Chouinard School of Arts en Los
JORGE ROSANO GAMBOA (México, N.1984)
JOSH MAYHEM (Estados Unidos, N. 1979)
firmó para la representación y gestión de artistas exclusivamente en Avant Gallery y en 2021, ganó nuevamente el premio Custom of the Year en los Designer Toy Awards. En ese mismo año, Mayhem debutó en la feria de arte Art Miami, exhibiendo con Avant Gallery y al mismo tiempo, tuvo su exposición principal, Art Figures en Avant Gallery Miami.
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Juan Carlos Garduño es un joven escultor, cuya propuesta contemporánea retoma las formas abstractas de las culturas mesoamericanas a través de líneas en las que explora la simetría en contraste con la asimetría, un planteamiento que nos invita a explorar todas las caras de sus piezas. Su formación profesional como arquitecto está presente en sus procesos plásti cos con el uso de materiales de la naturaleza como la cantera, el ónix y las maderas finas a través de procesos que crean un paralelismo entre nuestra era industrializada y el pasado precolombino, así como en el interés conceptual de abordar el espacio circundante a su obra escultórica, que se vuelve el significante y dota a sus objetos de nuevas lecturas. Entre sus exposiciones se encuentran Título de Arquitectura y Diplomado en Escultura (2019), Mención Honorífica EGEL (2019), Colaboración Los Contemporáneos (2020), Colaboración Casa Paolo (2020), Publicación en The Wordl of Interiors UK, como uno de los
JUAN CARLOS GARDUÑO (México, N. 1995)
JOY LAVILLE (Reino Unido, N. 1923 - M. 2018) Pintora y escultora inglesa nacionalizada mexi cana. Se especializó en esculturas de bronce, serigrafía, óleo, pintura acrílica y grabados de aguafuerte. Junto con Rufino Tamayo, José Luis Cuevas, Pedro Coronel y Francisco Toledo, formó parte del grupo llamado la Generación de la Ruptura. Algunas de sus obras se encuentran en el Museo de Arte de Dallas, el National Museum of Women in the Arts en Washington D.C., en la Esso Oil de Canadá, en el Banco Nacional de México, en el Banco Nacional de Comercio, en el Museo de Arte Moderno, en el Museo José Luis Cuevas y en el Museo del Arzobispado de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público.
JUAN CARLOS GARDUÑO (México, N. 1995)
JOSH MAYHEM
Juan Carlos Garduño es un joven escultor, cuya propuesta contemporánea retoma las formas abstractas de las culturas mesoamericanas a través de líneas en las que explora la simetría en contraste con la asimetría, un planteamiento que nos invita a explorar todas las caras de sus piezas. Su formación profesional como arquitecto está presente en sus procesos plásticos con el uso de materiales de la naturaleza como la cantera, el ónix y las maderas finas a través de procesos que crean un paralelismo entre nuestra era industrializada y el pasado precolombino, así como en el interés conceptual de abordar el espacio circundante a su obra escultórica, que se vuelve
(Estados Unidos, N. 1979)
JOY LAVILLE (Reino Unido, N. 1923 - M. 2018)
de 1965, la Medalla de Oro en la I Trienal de Grabado de Nueva Delhi de 1968. El poeta mexi cano Octavio Paz, Premio Nobel de Literatura, le dedicó el poema Totalidad y fragmento en 1970. En 1976 se autoexilió y se fue a vivir a Francia. Tres años después, volvió a México con la ex posición José Luis Cuevas: el regreso de otro hijo pródigo, llevada a cabo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.
Art Figures en Avant Gallery Miami.
Pintora y escultora inglesa nacionalizada mexi cana. Se especializó en esculturas de bronce, serigrafía, óleo, pintura acrílica y grabados de aguafuerte. Junto con Rufino Tamayo, José Luis Cuevas, Pedro Coronel y Francisco Toledo, formó parte del grupo llamado la Generación de la Ruptura. Algunas de sus obras se encuentran en el Museo de Arte de Dallas, el National Museum of Women in the Arts en Washington D.C., en la Esso Oil de Canadá, en el Banco Nacional de México, en el Banco Nacional de Comercio, en el Museo de Arte Moderno, en el Museo José Luis Cuevas y en el Museo del Arzobispado de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público.
El hábito de toda la vida del artista residente en Los Ángeles, Josh Mayhem de coleccionar juguetes para niños ha alimentado su pasión por transformar dichos juguetes en objetos de arte. Entre sus piezas más conocidas se encuentran las que constituyen su colección Blown Away , en la que formas producidas en serie se cubren con hilos de resina y capas de pintura acrílica para crear goteos que desafían la gravedad y dan la impresión de que la obra está siendo deconstruida por un viento fuerte. La popularidad de esta estética ha llevado a Mayhem a ganar el premio Custom of the Year en los Designer Toys Awards 2019, además de tener múltiples lanzamientos y colaboraciones con muchos de los mejores artistas y productores de juguetes de diseño del mundo, participando en TRASHed: Art of Recycling en el Festival de Coachella. y exhibiciones individuales en Clutter Gallery en Beacon NY, Bruce Lurie Gallery en Los Ángeles California (así como una residencia de artistas), PIQ Grand Central Terminal en Nueva York y dos exhibiciones en The Crown Collection Gallery en Denver y Los Ángeles. En 2020, Josh Mayhem
Generación de la Ruptura. Fue un artista auto didacta, con muchos estilos e influencias, muy marcados en el lado oscuro de su vida, por lo que frecuentemente distorsionaba figuras, lo que generaba debates. Recibió el Premio de Excelencia en Arte y Diseño en 1964, el Madeco en la II Bienal Iberoamericana de Grabado de 1965, la Medalla de Oro en la I Trienal de Grabado de Nueva Delhi de 1968. El poeta mexi cano Octavio Paz, Premio Nobel de Literatura, le dedicó el poema Totalidad y fragmento en 1970. En 1976 se autoexilió y se fue a vivir a Francia. Tres años después, volvió a México con la ex posición José Luis Cuevas: el regreso de otro hijo pródigo, llevada a cabo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.
El hábito de toda la vida del artista residente en Los Ángeles, Josh Mayhem de coleccionar juguetes para niños ha alimentado su pasión por transformar dichos juguetes en objetos de arte. Entre sus piezas más conocidas se encuentran las que constituyen su colección Blown Away , en la que formas producidas en serie se cubren con hilos de resina y capas de pintura acrílica para crear goteos que desafían la gravedad y dan la impresión de que la obra está siendo deconstruida por un viento fuerte. La popularidad de esta estética ha llevado a Mayhem a ganar el premio Custom of the Year en los Designer Toys Awards 2019, además de tener múltiples lanzamientos y colaboraciones con muchos de los mejores artistas y productores de juguetes de diseño del mundo, participando en TRASHed: Art of Recycling en el Festival de Coachella. y exhibiciones individuales en Clutter Gallery en Beacon NY, Bruce Lurie Gallery en Los Ángeles California (así como una residencia de artistas), PIQ Grand Central Terminal en Nueva York y dos exhibiciones en The Crown Collection Gallery en Denver y Los Ángeles. En 2020, Josh Mayhem firmó para la representación y gestión de artistas exclusivamente en Avant Gallery y en 2021, ganó nuevamente el premio Custom of the Year en los Designer Toy Awards. En ese mismo año, Mayhem debutó en la feria de arte Art Miami, exhibiendo con Avant Gallery y al mismo tiempo, tuvo su exposición principal,
el significante y dota a sus objetos de nuevas lecturas. Entre sus exposiciones se encuentran Título de Arquitectura y Diplomado en Escultura (2019), Mención Honorífica EGEL (2019), Colaboración Los Contemporáneos (2020), Colaboración Casa Paolo (2020), Publicación en The Wordl of Interiors UK, como uno de los principales artistas emergentes (2020), Exposición Inédito Design Week México (2020), Publicación anuario Design Week México (2020), Publicación México territorio creativo (2021), Publicación Revista Quién (2021), Colaboración Galería Alterna (2021), Colaboración Isabelle Serrano Fine Art Gallery (2021), Exposición en el Salon International d’Art Contemporain (París, Francia) (2021), Exposición Inédito Design Week México (2021), Colaboración Subasta Ballet Teletón (2021), Subasta Arte Vivo (2021), publicación Revista Adhoc (2021) y exposición en ZONA MACO (2022).
Artista plástico, escultor y grabador. Es también licenciado en ciencias económicas con especialización en Gestión Cultural por la Universidad de Reims, Cesem. Cuenta con 5 años de certificación en soldadura de acero con talleres prácticos de albañilería, carpintería y soplado de vidrio y un Certificado interna cional en acero inoxidable American Welding Society. Habla 6 idiomas: español, inglés, alemán, francés, italiano y chino y realizó su formación académica de dibujo en Madrid de 1984-1988. Es conocido internacionalmente por sus esculturas públicas monumenta les La Memorias Urbanas (Urban Memories), que recuperan elementos significativos de las ciudades, llenando vacíos de memorias extraordinarias y generando debate sobre el urbanismo, la historia y el papel del arte contemporáneo, ya que recuperan elementos desaparecidos en el centro de ciudades como Berlín, París, Mónaco, Venecia, Miami, Was-
Artista plástico, escultor y grabador. Es también licenciado en ciencias económicas con especialización en Gestión Cultural por la Universidad de Reims, Cesem. Cuenta con 5 años de certificación en soldadura de acero con talleres prácticos de albañilería, carpintería y soplado de vidrio y un Certificado interna cional en acero inoxidable American Welding Society. Habla 6 idiomas: español, inglés, alemán, francés, italiano y chino y realizó su formación académica de dibujo en Madrid de 1984-1988. Es conocido internacionalmente por sus esculturas públicas monumenta les La Memorias Urbanas (Urban Memories), que recuperan elementos significativos de las ciudades, llenando vacíos de memorias extraordinarias y generando debate sobre el urbanismo, la historia y el papel del arte contemporáneo, ya que recuperan elementos desaparecidos en el centro de ciudades como Berlín, París, Mónaco, Venecia, Miami, Washington, Shanghai o Seúl. Su trabajo destaca no solamente por su discurso personal, sino por sus técnicas propias, trabajadas por él mismo en sus talleres de forjado, carpintería, electricidad, soplado de vidrio, alfarería, enco frado y albañilería ubicados en Madrid, Berlín y Miami. Usa la combinación de materiales e
JUAN GARAIZABAL (España, N. 1971)
principales artistas emergentes (2020), Exposición Inédito Design Week México (2020), Publicación anuario Design Week México (2020), Publicación México territorio creativo (2021), Publicación Revista Quién (2021), Colaboración Galería Alterna (2021), Colaboración Isabelle Serrano Fine Art Gallery (2021), Exposición en el Salon International d’Art Contemporain (París, Francia) (2021), Exposición Inédito Design Week México (2021), Colaboración Subasta Ballet Teletón (2021), Subasta Arte Vivo (2021), publicación Revista Adhoc (2021) y exposición en ZONA MACO (2022).
introduce elementos como la madera, el hormigón, el cristal, el ladrillo, los motores, luces led para causar una sensación interactiva de contrastes de tiempo, vanguardia e historia. Garaizabal ha tenido la suerte de que personas e instituciones de diferentes ciudades del mundo apuesten por su visión para rescatar a través de la escultura, historias extraordinarias muy específicas de cada lugar. Una pagoda en Seúl, un palacio en las Tullerías de París, balco nes de la Habana, un templo en Palmira o una iglesia en Berlín. Detrás de cada elemento des aparecido hay simplemente sueños humanos. Según Garaizabal, además de la recuperación de dichas energías, trabaja siempre con una fuerte conciencia medioambiental de eficien cia y recuperación en el empleo de los mate riales (Revista Artnet, Nov. 2019). Su papel como artista no termina con la creación de la escultu ra. Esta es más bien el principio del verdadero papel, que es crear debate en la sociedad como con el Manifiesto Memorias Urbanas (Manifest der Urbanen Erinnerungen), Berliner Mor genpost, 2007. Sus principales exposiciones in dividuales se han llevado a cabo en el P Louvre, Paris, 2021; Museo de Alicante, España 2021; Hay Festival, 2019; Museo de Puebla Mexico, 2017; Bienal de Venezia Collateral Event Barbara Rose, 2013; Museo DOX Praga República Checa, 2011. Ha sido finalista en Nasher Sculpture Price 2019 en Dallas y artista elegido del periódico el Mundo 2014. Sus exhibiciones individua les y colectivas han sido en Dallas Art Fair en abril 2022, Proyecto H, Dallas Skylines; Galerie Capazza Nançay. Francia; Mémoire d’hier, Arco 2022. Madrid; Galería Álvaro Alcázar, 17 metros de mural Underwater, Zona Maco 2022, México; Proyecto H. Instalación monumental Anahuacalli; Museo Lonja de Alicante; Memoria del mar nuestro 2021-2022, Bogena Galerie Saint Paul de Vence, Francia; Mémoires urbaines 2021, Arco 2020, Lost Penn Station Clock Monumental Sculpture a, Alcázar, Monumental Piece At Hotel Palace, Arco 2020, Zona Maco 2020; Proyecto
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hington, Shanghai o Seúl. Su trabajo destaca no solamente por su discurso personal, sino por sus técnicas propias, trabajadas por él mismo en sus talleres de forjado, carpintería, electricidad, soplado de vidrio, alfarería, enco frado y albañilería ubicados en Madrid, Berlín y Miami. Usa la combinación de materiales e introduce elementos como la madera, el hormigón, el cristal, el ladrillo, los motores, luces led para causar una sensación interactiva de contrastes de tiempo, vanguardia e historia. Garaizabal ha tenido la suerte de que personas e instituciones de diferentes ciudades del mundo apuesten por su visión para rescatar a través de la escultura, historias extraordinarias muy específicas de cada lugar. Una pagoda en Seúl, un palacio en las Tullerías de París, balco nes de la Habana, un templo en Palmira o una iglesia en Berlín. Detrás de cada elemento des aparecido hay simplemente sueños humanos. Según Garaizabal, además de la recuperación de dichas energías, trabaja siempre con una fuerte conciencia medioambiental de eficien cia y recuperación en el empleo de los mate riales (Revista Artnet, Nov. 2019). Su papel como artista no termina con la creación de la escultu ra. Esta es más bien el principio del verdadero papel, que es crear debate en la sociedad como con el Manifiesto Memorias Urbanas (Manifest der Urbanen Erinnerungen), Berliner Mor genpost, 2007. Sus principales exposiciones in dividuales se han llevado a cabo en el P Louvre, Paris, 2021; Museo de Alicante, España 2021; Hay Festival, 2019; Museo de Puebla Mexico, 2017; Bienal de Venezia Collateral Event Barbara Rose, 2013; Museo DOX Praga República Checa, 2011. Ha sido finalista en Nasher Sculpture Price 2019 en Dallas y artista elegido del periódico el Mundo 2014. Sus exhibiciones individua les y colectivas han sido en Dallas Art Fair en abril 2022, Proyecto H, Dallas Skylines; Galerie Capazza Nançay. Francia; Mémoire d’hier, Arco 2022. Madrid; Galería Álvaro Alcázar, 17 metros de mural Underwater, Zona Maco 2022, México;
JUAN GARAIZABAL (España, N. 1971)
JUANA GÓMEZ (Chile, N. 1980)
Desde temprana edad, Jun Olman mostró un gran interés por la pintura y el dibujo, actividades a las que se entregó total y completamen te durante su niñez y adolescencia.
JULES WITTOCK (s/f)
Nació en una familia con especial interés por el arte. Su madre, siendo artista, le animó a dibujar, pintar, esculpir, desde muy pequeño. No puede explicar por qué pero siempre ha dibujado y le han atraído los laberintos. Es una forma de meditación que le permite escapar. Decidió compartir esta pasión a través de una primera exposición y tuvo muy buenos comentarios, por lo que decidió continuar. ¿Por qué no, verdad? Pueden pensar que es un poco raro, pero no se preocupen, ¡tiene un gran terapeuta! Y aunque no ha descubierto por qué dibuja laberintos, sabe una cosa: le hace sentir bien. Cada laberinto tiene una solución y esa solución dibuja una palabra. Algunas palabras/
Nació en una familia con especial interés por el arte. Su madre, siendo artista, le animó a dibujar, pintar, esculpir, desde muy pequeño. No puede explicar por qué pero siempre ha dibujado y le han atraído los laberintos. Es una forma de meditación que le permite escapar. Decidió compartir esta pasión a través de una primera exposición y tuvo muy buenos comentarios, por lo que decidió continuar. ¿Por qué no, verdad? Pueden pensar que es un poco raro, pero no se preocupen, ¡tiene un gran terapeuta! Y aunque no ha descubierto por qué dibuja laberintos, sabe una cosa: le hace sentir bien. Cada laberinto tiene una solución y esa solución dibuja una palabra. Algunas palabras/ soluciones son visibles, otras no, algunas son más complicadas que otras. Todo depende de su estado de ánimo. Trabaja con pintura acrílica sobre lienzo de algodón y tiene exhibiciones permanentes en París, Bélgica, Bruselas y otros países de Europa.
soluciones son visibles, otras no, algunas son más complicadas que otras. Todo depende de su estado de ánimo. Trabaja con pintura acrílica sobre lienzo de algodón y tiene exhibiciones permanentes en París, Bélgica, Bruselas y otros países de Europa.
JUANA GÓMEZ (Chile, N. 1980)
Artista egresada de la Universidad Católica en 2005. Su primera exposición individual, Hábito (2006), la realizó en la Perrera Arte por medio de la Municipalidad de Santiago. Constructal (2016), su segunda exposición individual, se presentó en Isabel Croxatto Galería y en 2017 vendría Distaff, su tercera muestra individual y la primera en el extranjero dentro de Michael Hoppen Gallery en Londres, Inglaterra. Ha participado en varias exposiciones colectivas en Chile y el extranjero, así como en ferias de arte como Photo London, Photo Paris, Art Central Hong Kong y Art Lima. Actualmente, pertenece a varias colecciones privadas entre las que destacan Colección Ca.Sa y The Private Museum, Singapur. Su trabajo nace de la observación de la naturaleza y los procesos que determinan la forma en que se estructuran y construyen los seres vivos y el mundo inorgánico. Esta ley fundamental se puede ver en las nervaduras de una hoja, el curso de un río y sus afluentes, el sistema nervioso central de los seres humanos, las corrientes del mar y las rutas del tráfico de Internet. Descifrar ese lenguaje común, que conecta lo micro con lo macro, y el mundo externo con el interno, permite distinguir un patrón que ejerce influencia en lo inerte, biológico, social y cultural. Nos afecta de forma continua, apenas consciente, y rige aspectos tan cotidianos como nuestros desplazamientos por la ciudad y otros tan personales como la simbología de nuestros sueños. Su esencia radica en la manera en que las cosas fluyen por el camino de menor resistencia.
Proyecto H. Instalación monumental Anahuacalli; Museo Lonja de Alicante; Memoria del mar nuestro 2021-2022, Bogena Galerie Saint Paul de Vence, Francia; Mémoires urbaines 2021, Arco 2020, Lost Penn Station Clock Monumental Sculpture a, Alcázar, Monumental Piece At Hotel Palace, Arco 2020, Zona Maco 2020; Proyecto H + Monumental lost street lamps, Art Miami 2019; Bogena Galerie+ Monumental Pieces, apertura Madrid; En la Memoria . Álvaro Alcázar Gallery, Centro de Arte Coreano; Madrid. Y si no somos distintos, Zona Maco 2019; Proyecto H, Monumental Broken, Chicago Façade. Arco 2019, Álvaro Alcázar Gallery; Monumental Piece, Arco 2018; Espacios especiales, Galería Álvaro Alcázar, Arsmalaga museum; Retrospective, 2018, Art Miami; Artscape Lab, Miami Art Week; Picasso, la estela infinita, exposición colectiva, Galería municipal de Puebla, 2017; Nature as Architecture, exposición colectiva, Roberto Polo Galler,Brussels, 2017; Opulent Landscapes, exposición colectiva, Monaco, 2017; De Buck Gallery, Nueva York, 2017; Arco 2016 Madrid, Art Miami, Public Sculpture in Korea, Godaedo Island y Arco Madrid 2016, entre otras muchas exhibiciones.
H + Monumental lost street lamps, Art Miami 2019; Bogena Galerie+ Monumental Pieces, apertura Madrid; En la Memoria . Álvaro Alcázar Gallery, Centro de Arte Coreano; Madrid. Y si no somos distintos, Zona Maco 2019; Proyecto H, Monumental Broken, Chicago Façade. Arco 2019, Álvaro Alcázar Gallery; Monumental Piece, Arco 2018; Espacios especiales, Galería Álvaro Alcázar, Arsmalaga museum; Retrospective, 2018, Art Miami; Artscape Lab, Miami Art Week; Picasso, la estela infinita, exposición colectiva, Galería municipal de Puebla, 2017; Nature as Architecture, exposición colectiva, Roberto Polo Galler,Brussels, 2017; Opulent Landscapes, exposición colectiva, Monaco, 2017; De Buck Gallery, Nueva York, 2017; Arco 2016 Madrid, Art Miami, Public Sculpture in Korea, Godaedo Island y Arco Madrid 2016, entre otras muchas exhibiciones.
JULES WITTOCK (s/f)
Artista egresada de la Universidad Católica en 2005. Su primera exposición individual, Hábito (2006), la realizó en la Perrera Arte por medio de la Municipalidad de Santiago. Constructal (2016), su segunda exposición individual, se presentó en Isabel Croxatto Galería y en 2017 vendría Distaff, su tercera muestra individual y la primera en el extranjero dentro de Michael Hoppen Gallery en Londres, Inglaterra. Ha participado en varias exposiciones colectivas en Chile y el extranjero, así como en ferias de arte como Photo London, Photo Paris, Art Central Hong Kong y Art Lima. Actualmente, pertenece a varias colecciones privadas entre las que destacan Colección Ca.Sa y The Private Museum, Singapur. Su trabajo nace de la observación de la naturaleza y los procesos que determinan la forma en que se estructuran y construyen los seres vivos y el mundo inorgá nico. Esta ley fundamental se puede ver en las nervaduras de una hoja, el curso de un río y sus afluentes, el sistema nervioso central de los seres humanos, las corrientes del mar y las rutas del tráfico de Internet. Descifrar ese lenguaje común, que conecta lo micro con lo macro, y el mundo externo con el interno, permite distinguir un patrón que ejerce influencia en lo inerte, biológico, social y cultural. Nos afecta de forma continua, apenas consciente, y rige aspectos tan cotidianos como nuestros desplazamientos por la ciudad y otros tan personales como la simbología de nuestros sueños. Su esencia radica en la manera en que las cosas fluyen por el camino de menor resistencia.
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JUN OLMAN (México, N. 1977)
KHARA OXIER-MORI (Estados Unidos, N. 1979) Cursó la Licenciatura en Antropología en la Universidad Estatal de Boise, Idaho, Estados Unidos. Ha expuesto de manera individual en diversas ocasiones, entre las que destacan Osmosis, Universidad Estatal de Boise, Galería de Bellas Artes (2019); LaBry Fine Art, Boise, Idaho (2017); Decultivated, Galleri Oxholm, Co penhague, Dinamarca (2015); Khara Oxier Art Exposition, Metro Gallery, Iida, Japón (2015), entre otras. También, ha participado en nu merosas exposiciones colectivas, tales como World Center for Birds of Prey , Nocturne, Boise, Idaho (2018); Christmas Group Exhibition, Galleri Oxholm, Dinamarca (2016); The Filthy Few, Galleri Oxholm, Copenhague, Dinamarca (2015); La Bottega Dell Acquaforte, Laguna Beach, CA (2015), por mencionar algunas. Su obra es parte de colecciones públicas y privadas en Alema nia, Canadá, Dinamarca, Estados Unidos, Fin landia, Francia, Guatemala, Irlanda, Italia, Japón, México, Países Bajos, Puerto Rico y Suiza. Fue parte de la Residencia James Castle House Ar tist-in-Residence, otorgada por el Departamen to de Artes e Historia de Boise, Estados Unidos (2020). También ha participado en Arte Vivo en el MAIA Contemporary, Ciudad de México en 2021 y en Scarlet Women Project, en Atelier de Melusine, Francia en el mismo año.
Su trayectoria profesional centrada en el diseño, le ha llevado a desarrollar una plástica que abarca el paisajismo conceptual, el retrato y lo figurativo. El trabajo textil que presenta, trasciende temas como el paisaje, la feminidad y lo «absurdo». El manejo de sus formas agudizan ciertos momentos donde la geometría y el color son preponderantes dentro de su obra. El textil con el que trabaja, elaborado por artesanos indígenas en Chiapas, logra un sincretismo entre la tradición y su forma de interpretar el objeto a través de nuevos significados, en ocasiones imaginario, soñado, incluso deteriorado. Jun Olman es un artista radicado en la Ciudad de México y realizó sus estudios de Diseño de Arte en la Universidad de Nueva York.
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Arts y en 2016, fue incluida en la Bienal de la Frontera El Paso Museum of Art. Ha recibido numerosos premios, como el de Estímulos de la creación artística PECDA 2013-2014, la Beca Alfaro Siqueiros en 2017, la Beca Legado Grodman de 2018, otorgada por la Fundación UDG; Proyecta traslados en 2019, Contigo a la distancia del FONCA 2020 y Programa HORIZONTES Jalisco en el mismo año; Consejo Estatal para la Cultura y las Artes CECA 20212022, en la categoría de escultura. Ha sido seleccionada como una de las artistas residentes de Fundación Casa Wabi en 2022.
UDG; Proyecta traslados en 2019, Contigo a la distancia del FONCA 2020 y Programa HORIZONTES Jalisco en el mismo año; Consejo Estatal para la Cultura y las Artes CECA 20212022, en la categoría de escultura. Ha sido seleccionada como una de las artistas residentes de Fundación Casa Wabi en 2022.
Vive y trabaja en la ciudad de Guadalajara, Jalisco. La práctica artística de Karian Amaya gira en torno a la noción del encuentro. A través de la escultura y la fotografía, la artista cuestiona los diálogos y las resistencias que se originan entre la materia, el paisaje y sus contextos sociales y territoriales. Con una pro funda influencia de los movimientos del land art y el postminimalismo, su obra se enraíza en el encuentro formal y narrativo de materiales crudos, naturales e industriales. Cuenta con una licenciatura en artes visuales por la Universidad de Guadalajara y cursó estudios en Mixed Media en The Art Students League de Nueva York. Su trabajo ha sido exhibido en México, Estados Unidos y Europa. En 2015 par ticipó en el programa de mentores de artistas migrantes de la New York Foundation for the
KARIAN AMAYA (México, N. 1986)
Desde temprana edad, Jun Olman mostró un gran interés por la pintura y el dibujo, actividades a las que se entregó total y completamente durante su niñez y adolescencia. Su trayectoria profesional centrada en el diseño, le ha llevado a desarrollar una plástica que abarca el paisajismo conceptual, el retrato y lo figurativo. El trabajo textil que presenta, trasciende temas como el paisaje, la feminidad y lo «absurdo». El manejo de sus formas agudizan ciertos momentos donde la geometría y el color son preponderantes dentro de su obra. El textil con el que trabaja, elaborado por artesanos indígenas en Chiapas, logra un sincretismo entre la tradición y su forma de interpretar el objeto a través de nuevos significados, en ocasiones imaginario, soñado, incluso deteriorado. Jun Olman es un artista radicado en la Ciudad de México y realizó sus estudios de Diseño de Arte en la Universidad de Nueva York.
Vive y trabaja en la ciudad de Guadalajara, Jalisco. La práctica artística de Karian Amaya gira en torno a la noción del encuentro. A través de la escultura y la fotografía, la artista cuestiona los diálogos y las resistencias que se originan entre la materia, el paisaje y sus contextos sociales y territoriales. Con una pro funda influencia de los movimientos del land art y el postminimalismo, su obra se enraíza en el encuentro formal y narrativo de materiales crudos, naturales e industriales. Cuenta con una licenciatura en artes visuales por la Universidad de Guadalajara y cursó estudios en Mixed Media en The Art Students League de Nueva York. Su trabajo ha sido exhibido en México, Estados Unidos y Europa. En 2015 par ticipó en el programa de mentores de artistas migrantes de la New York Foundation for the Arts y en 2016, fue incluida en la Bienal de la Frontera El Paso Museum of Art. Ha recibido numerosos premios, como el de Estímulos de la creación artística PECDA 2013-2014, la Beca Alfaro Siqueiros en 2017, la Beca Legado Grodman de 2018, otorgada por la Fundación
LAO GABRIELLI (Argentina, N. 1971) Artista visual y diseñadora gráfica que vive en la Ciudad de México desde el año 2009. Estudió Diseño Gráfico en la Facultad de
KHARA OXIER-MORI (Estados Unidos, N. 1979) Cursó la Licenciatura en Antropología en la Universidad Estatal de Boise, Idaho, Estados Unidos. Ha expuesto de manera individual en diversas ocasiones, entre las que destacan Osmosis, Universidad Estatal de Boise, Galería de Bellas Artes (2019); LaBry Fine Art, Boise, Idaho (2017); Decultivated, Galleri Oxholm, Co penhague, Dinamarca (2015); Khara Oxier Art Exposition, Metro Gallery, Iida, Japón (2015), entre otras. También, ha participado en nu merosas exposiciones colectivas, tales como World Center for Birds of Prey , Nocturne, Boise, Idaho (2018); Christmas Group Exhibition, Galleri Oxholm, Dinamarca (2016); The Filthy Few, Galleri Oxholm, Copenhague, Dinamarca (2015); La Bottega Dell Acquaforte, Laguna Beach, CA (2015), por mencionar algunas. Su obra es parte de colecciones públicas y privadas en Alema nia, Canadá, Dinamarca, Estados Unidos, Fin landia, Francia, Guatemala, Irlanda, Italia, Japón, México, Países Bajos, Puerto Rico y Suiza. Fue parte de la Residencia James Castle House Ar tist-in-Residence, otorgada por el Departamen to de Artes e Historia de Boise, Estados Unidos (2020). También ha participado en Arte Vivo en el MAIA Contemporary, Ciudad de México en 2021 y en Scarlet Women Project, en Atelier de Melusine, Francia en el mismo año.
KARIAN AMAYA (México, N. 1986)
JUN OLMAN (México, N. 1977)
LEO MATIZ (Colombia, N. 1917 - M. 1998)
de campo, el juego del claroscuro, los matices y las siluetas que dibujan mapas grises que se disuelven en la imagen. Fue fotógrafo, dibujante, pintor, caricaturista, publicista, galerista, conocedor de las reglas clásicas de composición y estuvo al tanto de los sucesos por su ejercicio como reportero gráfico en prensa y organismos internacionales. También, fue un trotamundos que con su cámara capturó la diversidad de los momentos decisivos de la historia del siglo XX. Leo Matiz registró sin compasión lo que ante él transcurría. Su ojo escrutador y su infalible velocidad lograron captar momentos irrepetibles llenos de fuerza y una gran verdad. Enfocó su lente en México para registrar eventos históricos y fragmentos de la vida cotidiana de los campesinos, el desencanto de la vida rural y los oficios humildes. Encontró en la historia, el paisaje y la cultura popular mexicana la inspiración necesaria que le dio sentido a su propia búsqueda artística. Después de un desencuentro intelectual con David Alfaro Siqueiros, el fotógrafo colombiano dejó México en 1947. Se vinculó profesionalmente con la revista Selecciones de Reader’s Digest y viajó por varios países de Centro y Sudamérica, realizando fotografías a color para las portadas de dicha publicación en su edición en español.
sición y estuvo al tanto de los sucesos por su ejercicio como reportero gráfico en prensa y organismos internacionales. También, fue un trotamundos que con su cámara capturó la diversidad de los momentos decisivos de la historia del siglo XX. Leo Matiz registró sin compasión lo que ante él transcurría. Su ojo escrutador y su infalible velocidad lograron captar momentos irrepetibles llenos de fuerza y una gran verdad. Enfocó su lente en México para registrar eventos históricos y fragmentos de la vida cotidiana de los campesinos, el desencanto de la vida rural y los oficios humildes. Encontró en la historia, el paisaje y la cultura popular mexicana la inspiración necesaria que le dio sentido a su propia búsqueda artística. Después de un desencuentro intelectual con David Alfaro Siqueiros, el fotógrafo colombiano dejó México en 1947. Se vinculó profesionalmente con la revista Selecciones de Reader’s Digest y viajó por varios países de Centro y Sudamérica, realizando fotografías a color para las portadas de dicha publicación en su edición en español.
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Creó un rico lenguaje estético gracias a los múltiples oficios que desarrolló a lo largo de su trayectoria. En sus obras, conjunta sus propios criterios pictóricos con la percepción, la poética, la sensibilidad y la imaginación del fotógrafo. Le atrajeron los enigmas de las sombras y los secretos que revelan las formas cuando la luz apenas la roza; la profundidad
Es Licenciado en Psicología, con Maestría en Psicología Clínica y diplomado en Tanatología. Además de estudiar 3 años en la carrera de artes plásticas de la Universidad Autónoma de Chihuahua con especialidad en escultura. Fue participante del Taller de Tallado en Madera impartido por el escultor Aron Demetz en la Fábrica San Pedro, Uruapan, Michoacán, México (2017). También, fue alumno de The Rome Workshops con David Simons en Roma, Italia (2019). Colaboró con tres piezas escultóricas para el Paseo de la Reforma en la Ciudad
LEO MATIZ (Colombia, N. 1917 - M. 1998)
LEONARDO MORALES (México, N. 1988 )
Artista visual y diseñadora gráfica que vive en la Ciudad de México desde el año 2009. Estudió Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires y cursó un año en la carrera de arquitectura en la misma Universidad. Ha exhibido sus obras en Argentina, México, España, Francia, Bélgica, Rusia y Estados Unidos. También, ha sido parte de ferias y galerías en Miami y Zona Maco en la Ciudad de México. Ha participado en subastas de Arte Contemporáneo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México en apoyo a la Fundación México Vivo; en subastas de Arte Latinoamericano y Arte Contemporáneo de Morton Auctions; Subasta Máscara de Aliento en apoyo de CONFE (Confederación Mexicana de Organizaciones a favor de la persona con discapacidad intelectual); Subasta Fundación Apoya y Punto para ayudar a diferentes comunidades de Morelos; Subasta en el Museo Soumaya; Piedras con memoria, en apoyo al sismo del 19S, por mencionar algunas. El color vibrante y la abstracción geométrica son un denominador común en su obra. En esencia, un juego visual a través del color y la geometría en el plano, propicia una realidad óptica y acelera una apariencia de líneas móviles a través de secuencias geométricas y variación del color, lo que amplía a dos o más dimensiones sus objetos pictóricos.
LAO GABRIELLI (Argentina, N. 1971)
Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires y cursó un año en la carrera de arquitectura en la misma Universidad. Ha exhibido sus obras en Argentina, México, España, Francia, Bélgica, Rusia y Estados Unidos. También, ha sido parte de ferias y galerías en Miami y Zona Maco en la Ciudad de México. Ha participado en subastas de Arte Contemporáneo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México en apoyo a la Fundación México Vivo; en subastas de Arte Latinoamericano y Arte Contemporáneo de Morton Auctions; Subasta Máscara de Aliento en apoyo de CONFE (Confederación Mexicana de Organizaciones a favor de la persona con discapacidad intelectual); Subasta Fundación Apoya y Punto para ayudar a diferentes comunidades de Morelos; Subasta en el Museo Soumaya; Piedras con memoria, en apoyo al sismo del 19S, por mencionar algunas. El color vibrante y la abstracción geométrica son un denominador común en su obra. En esencia, un juego visual a través del color y la geometría en el plano, propicia una realidad óptica y acelera una apariencia de líneas móviles a través de secuencias geométricas y variación del color, lo que amplía a dos o más dimensiones sus objetos pictóricos.
Creó un rico lenguaje estético gracias a los múltiples oficios que desarrolló a lo largo de su trayectoria. En sus obras, conjunta sus propios criterios pictóricos con la percepción, la poética, la sensibilidad y la imaginación del fotógrafo. Le atrajeron los enigmas de las sombras y los secretos que revelan las formas cuando la luz apenas la roza; la profundidad de campo, el juego del claroscuro, los matices y las siluetas que dibujan mapas grises que se disuelven en la imagen. Fue fotógrafo, dibujante, pintor, caricaturista, publicista, galerista, conocedor de las reglas clásicas de compo-
LEONARDO MORALES (México, N. 1988 )
Es Licenciado en Psicología, con Maestría en Psicología Clínica y diplomado en Tanatología. Además de estudiar 3 años en la carrera de artes plásticas de la Universidad Autónoma de Chihuahua con especialidad en escultura. Fue participante del Taller de Tallado en Madera impartido por el escultor Aron Demetz en la Fábrica San Pedro, Uruapan, Michoacán, México (2017). También, fue alumno de The Rome Workshops con David Simons en Roma, Italia (2019). Colaboró con tres piezas escultóricas para el Paseo de la Reforma en la Ciudad de México (2019/2021), donde reside. En 2019, se llevó a cabo su exposición individual Razón límite en Ciudad de México y de manera co lectiva, participó en Figurativas 2021 dentro del Museu Europeu d’Art Modern en Barcelona,
siciones individuales y colectivas en México, Europa y Asia. Entre ellas destacan: Zona maco 2022 y 2021, LMI Gallery, Formaciones, Galeria L, 2022; Materia viva, Galería L en Ciudad de México, 2022 y 2020; Reflexus, G Oscar Roman, en Ciudad de México, 2021, Bienal de libro de artista, Museo del Mar, Santa Pola Alicante, España, 2021, Con-fin-arte, MA Arte contem poráneo, Palma de Mallorca, 2020. Además, muestras individuales en Madrid, España, 2013 y 2011. Ferias de arte como Art-Madrid 2012, Art Beijing, Art Innsbruck y Arte Expo Nueva York. También ha participado en «Arte vivo» en el MAIA Contemporary Gallery, Museo Jumex y en el Museo de Arte Moderno en las ediciones de 2021 2020, 2019 y 2015. Además, ha sido jurado en el concurso de pintura profesional Royal Talents en 2021 y 2017. Ella forma parte del pro grama artístico internacional Superficie Arte, bajo la curaduría de César Oropeza, llevando a cabo exposiciones en España, Alemania, Suiza y México. Participando en exposiciones como Abstractor, Mulberg, Alemania, 2019; Nekros Opsis, Ciudad de México, 2019, 2018 y 2017; Di mensions en Ateleir Anders Art Ig en Solingen, 2018, Alemania; Otherness en la Universidad Leipzig, Alemania, 2018 y en el Homenaje Hans R. Giger en Suiza, Solinger y Leipzig, Alemania, 2017 y 2016 entre otras.
LEONORA CARRINGTON (Inglaterra, N. 1917 - M. 2011) Leonora Carrington fue una de las artistas más prominentes del movimiento surrealis ta. Produjo pintura, escultura, grabado, textil, joyería y escribió dramaturgia, novela y cuento. Se relacionó con los artistas surrealistas más destacados de su época, entre ellos Max Ernst, Remedios Varo, André Breton y Luis Buñuel. Carrington produjo obras que mezclan la auto biografía y la ficción, lo cotidiano y lo mágico. Sus obras están pobladas por seres fantásti cos, a menudo animales intermediarios que nos refieren a la mitología celta, el hermetis
LEONOR HOCHSCHILD (México, N. 1962)
en Ciudad de México, 2021, Bienal de libro de artista, Museo del Mar, Santa Pola Alicante, España, 2021, Con-fin-arte, MA Arte contem poráneo, Palma de Mallorca, 2020. Además, muestras individuales en Madrid, España, 2013 y 2011. Ferias de arte como Art-Madrid 2012, Art Beijing, Art Innsbruck y Arte Expo Nueva York. También ha participado en «Arte vivo» en el MAIA Contemporary Gallery, Museo Jumex y en el Museo de Arte Moderno en las ediciones de 2021 2020, 2019 y 2015. Además, ha sido jurado en el concurso de pintura profesional Royal Talents en 2021 y 2017. Ella forma parte del pro grama artístico internacional Superficie Arte, bajo la curaduría de César Oropeza, llevando a cabo exposiciones en España, Alemania, Suiza y México. Participando en exposiciones como Abstractor, Mulberg, Alemania, 2019; Nekros Opsis, Ciudad de México, 2019, 2018 y 2017; Di mensions en Ateleir Anders Art Ig en Solingen, 2018, Alemania; Otherness en la Universidad Leipzig, Alemania, 2018 y en el Homenaje Hans R. Giger en Suiza, Solinger y Leipzig, Alemania, 2017 y 2016 entre otras.
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de México (2019/2021), donde reside. En 2019, se llevó a cabo su exposición individual Razón límite en Ciudad de México y de manera co lectiva, participó en Figurativas 2021 dentro del Museu Europeu d’Art Modern en Barcelona, España; Altair Casa Estudio, Ciudad de México en el mismo año; Catálogo de acciones NEUG en 2018, Ciudad de México y Galería Canal Street de Cerámica Chihuahua-Houston, 2013 en Texas. Ha aparecido en la revista de arte The Guide Artist, además de haber sido seleccionado y publicado en digital en Beautiful Bizarre Magazine.
La práctica artística de Leonor Hochschild se basa en el estudio de la materia y sus compor tamientos, ha desarrollado un lenguaje plástico y conceptual donde los materiales adquieren relevancia por ser el puente de significado entre lo etéreo e intangible de lo espiritual y el mundo material. A partir de la exploración e investiga ción del comportamiento físico y químico de los materiales se permite crear desde la insta lación, la escultura y la pintura vías de contacto con lo intangible, con su propia naturaleza y sensibilidad. Leonor cuenta con estudios es pecializados en pintura en la Escuela de Artes Aplicadas Llotja en Barcelona y en técnicas mixtas con el artista Víctor Ceprián Cortés en Madrid. Ha realizado estudios en dibujo con el maestro Aceves Navarro en Ciudad de México y en la Escuela de artes y oficios en Barcelona. Además tiene formación en diseño publicitario y un diplomado en ilustración artística en el Claustro de Sor Juana en Ciudad de México. Su interés por esa coexistencia entre los diferen tes materiales y la oportunidad que tengan de expresarse por si mismos, la ha llevado a tomar recientemente un curso en el Museo Universi tario de Arte Contemporáneo sobre instalación, así como un taller de cerámica raku en Cholula, Puebla. Hochschild ha participado en expo siciones individuales y colectivas en México, Europa y Asia. Entre ellas destacan: Zona maco 2022 y 2021, LMI Gallery, Formaciones, Galeria L, 2022; Materia viva, Galería L en Ciudad de México, 2022 y 2020; Reflexus, G Oscar Roman,
LEONOR HOCHSCHILD (México, N. 1962)
La práctica artística de Leonor Hochschild se basa en el estudio de la materia y sus compor tamientos, ha desarrollado un lenguaje plástico y conceptual donde los materiales adquieren relevancia por ser el puente de significado entre lo etéreo e intangible de lo espiritual y el mundo material. A partir de la exploración e investiga ción del comportamiento físico y químico de los materiales se permite crear desde la insta lación, la escultura y la pintura vías de contacto con lo intangible, con su propia naturaleza y sensibilidad. Leonor cuenta con estudios es pecializados en pintura en la Escuela de Artes Aplicadas Llotja en Barcelona y en técnicas mixtas con el artista Víctor Ceprián Cortés en Madrid. Ha realizado estudios en dibujo con el maestro Aceves Navarro en Ciudad de México y en la Escuela de artes y oficios en Barcelona. Además tiene formación en diseño publicitario y un diplomado en ilustración artística en el Claustro de Sor Juana en Ciudad de México. Su interés por esa coexistencia entre los diferen tes materiales y la oportunidad que tengan de expresarse por si mismos, la ha llevado a tomar recientemente un curso en el Museo Universi tario de Arte Contemporáneo sobre instalación, así como un taller de cerámica raku en Cholula, Puebla. Hochschild ha participado en expo
España; Altair Casa Estudio, Ciudad de México en el mismo año; Catálogo de acciones NEUG en 2018, Ciudad de México y Galería Canal Street de Cerámica Chihuahua-Houston, 2013 en Texas. Ha aparecido en la revista de arte The Guide Artist, además de haber sido seleccionado y publicado en digital en Beautiful Bizarre Magazine.
LEONORA CARRINGTON (Inglaterra, N. 1917 - M. 2011) Leonora Carrington fue una de las artistas más prominentes del movimiento surrealis ta. Produjo pintura, escultura, grabado, textil, joyería y escribió dramaturgia, novela y cuento. Se relacionó con los artistas surrealistas más destacados de su época, entre ellos Max Ernst, Remedios Varo, André Breton y Luis Buñuel. Carrington produjo obras que mezclan la auto biografía y la ficción, lo cotidiano y lo mágico. Sus obras están pobladas por seres fantásti cos, a menudo animales intermediarios que nos refieren a la mitología celta, el hermetis mo, la cábala y la literatura fantástica. Nacida en 1917 en Lancashire, Inglaterra, Carrington creció rodeada de mitos celtas. Se los conta ban su madre Maureen Moorhead, su abuela y su nana, todas ellas irlandesas y proclives
Nació el 24 de mayo de 1986. Es pintora y artista visual, vive y trabaja en la Ciudad de México, graduada de la licenciatura en artes por la Universidad Anáhuac Campus Norte, ha participado en diversas muestras colectivas y
LUIA CORSINI (Italia, N. 1994)
LOLA VILLEGAS (México, N. 1986)
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LOLA VILLEGAS (México, N. 1986)
exposiciones de carácter emergente, así como en la Bienal de La Habana 2019. Los intereses y cuestionamientos plásticos de Lola se con centran principalmente sobre dos variables: la primera, atiene a la teoría que versa desde el minimalismo, el kitsch hasta el arte pop, tomando como punto de partida las conside raciones propuestas por el crítico norteameri cano Clement Greenberg descritas en su texto sobre Vanguardia y Kitsch, en el que estima a la pintura moderna como alta cultura propiamen te dicha pues «al desviar la atención del tema nacido de la experiencia común, el poeta o el artista la fija en el medio de su propio oficio. Lo abstracto o no representacional, si ha de tener una validez estética, no puede ser arbitrario ni accidental, sino que debe brotar de la obe diencia a alguna restricción valiosa o a algún original. La segunda variable en la obra de Lola muestra un particular interés por la materia, aspecto que la ha impulsado a desarrollar una serie de metodologías preocupadas por la manipulación de diferentes materiales entre los que podemos mencionar los polímeros, las resinas, luces neón y distintos tipos de vaciado, para concluir en una serie de piezas únicas que además de poseer distintas jerarquías forma les muestran la preocupación de esta joven y brillante artista por explorar los problemas intrínsecos de los medios bidimensionales tradicionales y su expansión tridimensional. El color, la forma, la escala, y las narrativas sutiles en la obra de Lola Villegas, nos invitan a pensar y reflexionar sobre los lenguajes globalizados y también sobre aquellos locales de una manera sutil, irónica y crítica a partir de la cita, la apro piación característicos de la posmodernidad.
Nació el 24 de mayo de 1986. Es pintora y artista visual, vive y trabaja en la Ciudad de México, graduada de la licenciatura en artes por la Universidad Anáhuac Campus Norte, ha participado en diversas muestras colectivas y exposiciones de carácter emergente, así como en la Bienal de La Habana 2019. Los intereses y cuestionamientos plásticos de Lola se con centran principalmente sobre dos variables: la primera, atiene a la teoría que versa desde
el minimalismo, el kitsch hasta el arte pop, tomando como punto de partida las conside raciones propuestas por el crítico norteameri cano Clement Greenberg descritas en su texto sobre Vanguardia y Kitsch, en el que estima a la pintura moderna como alta cultura propiamen te dicha pues «al desviar la atención del tema nacido de la experiencia común, el poeta o el artista la fija en el medio de su propio oficio. Lo abstracto o no representacional, si ha de tener una validez estética, no puede ser arbitrario ni accidental, sino que debe brotar de la obe diencia a alguna restricción valiosa o a algún original. La segunda variable en la obra de Lola muestra un particular interés por la materia, aspecto que la ha impulsado a desarrollar una serie de metodologías preocupadas por la manipulación de diferentes materiales entre los que podemos mencionar los polímeros, las resinas, luces neón y distintos tipos de vaciado, para concluir en una serie de piezas únicas que además de poseer distintas jerarquías forma les muestran la preocupación de esta joven y brillante artista por explorar los problemas intrínsecos de los medios bidimensionales tradicionales y su expansión tridimensional. El color, la forma, la escala, y las narrativas sutiles en la obra de Lola Villegas, nos invitan a pensar y reflexionar sobre los lenguajes globalizados y también sobre aquellos locales de una manera sutil, irónica y crítica a partir de la cita, la apro piación característicos de la posmodernidad.
Es egresada de la licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Nueva York. Su primera exhibición individual es The Grid , en Lagos, Ciudad de México 2021. Dentro de sus expo-
Es egresada de la licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Nueva York. Su primera exhibición individual es The Grid , en Lagos, Ciudad de México 2021. Dentro de sus exposiciones colectivas, destacan: Qué Rica es la Calle, Galería Furiosa, Ciudad de México (2021); Colors of Lebanon, Nonprofit, Miami, Estados Unidos (2021); Memories Manifest , Palo Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2020); Guidance,
mo, la cábala y la literatura fantástica. Nacida en 1917 en Lancashire, Inglaterra, Carrington creció rodeada de mitos celtas. Se los conta ban su madre Maureen Moorhead, su abuela y su nana, todas ellas irlandesas y proclives a la fabulación, que hablaban de las antiguas razas míticas de Irlanda, con quienes los Moor head decían haber convivido en los campos y caminos. Su padre, Harold Wilde Carrington, era un exitoso hombre de negocios, quien se oponía férreamente a la fantasía y a los intere ses artísticos de su hija. Lo que él esperaba era que, tras debutar con un baile en el lujoso hotel Ritz de Londres y ser presentada en la corte Real de Jorge V, Leonora encontraría un esposo y un futuro cómodo entre las altas clases so ciales. Tras una cena en Londres, Leonora se enamoró de Max Ernst, uno de los artistas más destacados del movimiento surrealista. En el París de los 1930s se integró al grupo surrea lista de Andre Bretón y convivió con artistas como Salvador Dalí, Joan Miró, Man Ray, Pablo Picasso, Lee Miller y Luis Buñuel. Los surrealis tas la recibieron como una de sus principales musas y aclamaron su talento, propiciando así el desarrollo de su obra. En México, Carrington desarrolló plenamente su potencial artístico y formó una familia al lado del fotógrafo húngaro Emir ‘Chiki’ Weisz, con quien tuvo dos hijos, Pablo y Gabriel. Con excepción de algunos años en Nueva York y Chicago, Carrington pasó el resto de su vida en México. En 1970, Carrington se unió al movimiento feminista en México y produjo el poster Mujeres Conciencia. En sus últimos años, se dedicó principalmente a la es cultura y murió a los 94 años de edad en 2011.
LUIA CORSINI (Italia, N. 1994)
a la fabulación, que hablaban de las antiguas razas míticas de Irlanda, con quienes los Moor head decían haber convivido en los campos y caminos. Su padre, Harold Wilde Carrington, era un exitoso hombre de negocios, quien se oponía férreamente a la fantasía y a los intere ses artísticos de su hija. Lo que él esperaba era que, tras debutar con un baile en el lujoso hotel Ritz de Londres y ser presentada en la corte Real de Jorge V, Leonora encontraría un esposo y un futuro cómodo entre las altas clases so ciales. Tras una cena en Londres, Leonora se enamoró de Max Ernst, uno de los artistas más destacados del movimiento surrealista. En el París de los 1930s se integró al grupo surrea lista de Andre Bretón y convivió con artistas como Salvador Dalí, Joan Miró, Man Ray, Pablo Picasso, Lee Miller y Luis Buñuel. Los surrealis tas la recibieron como una de sus principales musas y aclamaron su talento, propiciando así el desarrollo de su obra. En México, Carrington desarrolló plenamente su potencial artístico y formó una familia al lado del fotógrafo húngaro Emir ‘Chiki’ Weisz, con quien tuvo dos hijos, Pablo y Gabriel. Con excepción de algunos años en Nueva York y Chicago, Carrington pasó el resto de su vida en México. En 1970, Carrington se unió al movimiento feminista en México y produjo el poster Mujeres Conciencia. En sus últimos años, se dedicó principalmente a la es cultura y murió a los 94 años de edad en 2011.
MAGALI LARA (México, N. 1956)
de artista en los años ochenta que viajaron a los Estados Unidos. En los años noventa se fue a vivir a Cuernavaca, comenzó a trabajar en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Morelos, actualmente forma parte del Cuerpo Académico de MaPA, Maestría en producción de arte y participa como jurado en varias bienales, fomentos a la producción artística y asesora de planes de estudio en diversas instituciones de educación artística, así como Museos. Miembro del Sistema Nacional de Creadores, FONCA por séptima ocasión 2020-2023, en 2019 recibió la medalla al Mérito en Artes por parte del Congreso de la Ciudad de México. Algunos de los proyectos especiales en los que ha participado reciente mente destacan: durante el 2021 un proyecto curatorial Objetos, libros e ideas ; un homenaje a Armando Sáenz y ofrece una mirada histórica sobre las coincidencias y diferencias que existen en la producción editorial desde la perspectiva de lo que Ulises Carrión llamó El arte nuevo de hacer libros. Artista: Magali Lara, Museo Carrillo Gil, Ciudad de México, MX. y el proyecto de investigación sobre encargo por The Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA), basado en el trabajo de Mónica Mayer Doña Lilia, carta de Mónica Mayer. Exposiciones individuales del 2021 Toda historia de amor es una historia de fantasmas en el Seminario de Cultura Mexicana, Ciudad de México. El agua no me basta para beberme la vida, un acercamiento al archivo personal de Magali Lara a partir de la investigación directa con su acervo. Curada por Roselin Rodríguez y Natalia de la Rosa, Laguna, Ciudad de México, MX. Y Coraza, Walden Gallery, ARCO Madrid, España.
siciones colectivas, destacan: Qué Rica es la Calle, Galería Furiosa, Ciudad de México (2021); Colors of Lebanon, Nonprofit, Miami, Estados Unidos (2021); Memories Manifest , Palo Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2020); Guidance, Private Villa, Malibu, Estados Unidos (2019); entre otras. Ha participado en ferias de arte, tales como Zona MACO (2021).
236iraíndicedeartistas
Artista visual, gestora y maestra, trabaja desde los años setenta con obra relacionada al cuerpo y las emociones a manera de ensayos visuales a través de temas como la identidad, lo femenino, la otredad y la conexión entre el adentro y el afuera. Con más de cuarenta años como artista y veinte como maestra, ha tenido varias exposiciones individuales en museos nacionales y en el extranjero, su obra está en varias colecciones importantes tanto nacionales como en otros países. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y fue parte del Grupo Março hasta 1983. Tuvo a su cargo la curaduría de varias exposiciones de libros
Private Villa, Malibu, Estados Unidos (2019); entre otras. Ha participado en ferias de arte, tales como Zona MACO (2021).
Luis Yerenas es Diseñador Industrial egresado de la Universidad Autónoma de Guadalajara (UAG). Después de varios años involucrado en diferentes Proyectos de Diseño Industrial, decidió seguir su pasión y se convirtió en Artista Visual de tiempo completo. Su formación como pintor es principalmente autodidacta. En 2015, Yerenas tuvo la oportunidad de participar en el Taller del Maestro Alejandro Covarrubias, donde adquirió conocimientos de técnicas para conceptualizar sus obras. En sus pinturas, Luis Antonio Yerenas busca transmitir las emociones más profundas del ser humano. Es una búsqueda continua de sentimientos a través de diferentes texturas y colores, que hablan por sí solos.
MANEL PUJOL BALADAS (España, N. 1947)
Destacado artista plástico catalán que radica en México desde finales de los 90. Investigador del uso de la materia, este artista se expresa en la pintura, gráfica y escultura dentro de la
Artista visual, gestora y maestra, trabaja desde los años setenta con obra relacionada al cuerpo y las emociones a manera de ensayos visuales a través de temas como la identidad, lo femenino, la otredad y la conexión entre el adentro y el afuera. Con más de cuarenta años como artista y veinte como maestra, ha tenido varias exposiciones individuales en museos nacionales y en el extranjero, su obra está en varias colecciones importantes tanto nacionales como en otros países. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y fue parte del Grupo Março hasta 1983. Tuvo a su cargo la curaduría de varias exposiciones de libros de artista en los años ochenta que viajaron a los Estados Unidos. En los años noventa se fue a vivir a Cuernavaca, comenzó a trabajar en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Morelos, actualmente forma parte
del Cuerpo Académico de MaPA, Maestría en producción de arte y participa como jurado en varias bienales, fomentos a la producción artística y asesora de planes de estudio en diversas instituciones de educación artística, así como Museos. Miembro del Sistema Nacional de Creadores, FONCA por séptima ocasión 2020-2023, en 2019 recibió la medalla al Mérito en Artes por parte del Congreso de la Ciudad de México. Algunos de los proyectos especiales en los que ha participado reciente mente destacan: durante el 2021 un proyecto curatorial Objetos, libros e ideas ; un homenaje a Armando Sáenz y ofrece una mirada histórica sobre las coincidencias y diferencias que existen en la producción editorial desde la perspectiva de lo que Ulises Carrión llamó El arte nuevo de hacer libros. Artista: Magali Lara, Museo Carrillo Gil, Ciudad de México, MX. y el proyecto de investigación sobre encargo por The Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA), basado en el trabajo de Mónica Mayer Doña Lilia, carta de Mónica Mayer. Exposiciones individuales del 2021 Toda historia de amor es una historia de fantasmas en el Seminario de Cultura Mexicana, Ciudad de México. El agua no me basta para beberme la vida, un acercamiento al archivo personal de Magali Lara a partir de la investigación directa con su acervo. Curada por Roselin Rodríguez y Natalia de la Rosa, Laguna, Ciudad de México, MX. Y Coraza, Walden Gallery, ARCO Madrid, España.
MAGALI LARA (México, N. 1956)
Destacado artista plástico catalán que radica en México desde finales de los 90. Investigador del uso de la materia, este artista se expresa en la pintura, gráfica y escultura dentro de la abstracción lírica. La convivencia con tres legendarios maestros: Miró, Dalí y Picasso, con quienes convivió activamente, le hicieron parte del contexto político socio-cultural imprescindible en el siglo XX y sus enseñanzas estéticas
Luis Yerenas es Diseñador Industrial egresado de la Universidad Autónoma de Guadalajara (UAG). Después de varios años involucrado en diferentes Proyectos de Diseño Industrial, decidió seguir su pasión y se convirtió en Artista Visual de tiempo completo. Su formación como pintor es principalmente autodidacta. En 2015, Yerenas tuvo la oportunidad de participar en el Taller del Maestro Alejandro Covarrubias, donde adquirió conocimientos de técnicas para conceptualizar sus obras. En sus pinturas, Luis Antonio Yerenas busca transmitir las emociones más profundas del ser humano. Es una búsqueda continua de sentimientos a través de diferentes texturas y colores, que hablan por sí solos.
LUIS ANTONIO YERENAS (México, N. s/f)
MANEL PUJOL BALADAS (España, N. 1947)
LUIS ANTONIO YERENAS (México, N. s/f)
Olímpico de Laussanne (Suiza), Museo de Arte Hispánico (San Francisco, Estados Unidos), Casa de la Moneda (París, Francia) y colecciones privadas de España, Francia, Italia, Alemania, Holanda, Inglaterra, Suiza, Colombia, Argentina, Suecia, Canadá, EE. UU. y México.
MANUEL FELGUÉREZ (México, N. 1928 – M. 2020) Pintor, escultor, muralista, profesor e investiga dor. Estudió en la Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (1948) y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» (1951). Fue becario del Gobierno Francés en la Academia de la Grande Chaumier, París (1944 y 1959) y en la Academia Colarossi, París (1954-1955). Trabajó en los talleres escultóricos de Brancusi y Sadkine. A su regreso de Europa, formó parte de la primera generación de artistas abstractos nacionales, abiertamente confrontados con la tradición de la Escuela Mexicana de Pintura encabezada por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, la llamada Generación de la Ruptura. Su obra ha sido objeto de múltiples exposiciones individuales y colectivas, entre ellas, la retrospectiva de su obra en el homenaje al cumplir 80 años, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México; obra pública de gran formato como: la fuente y escultura frente a la Lotería Nacional; obra mural en el Museo Nacional de Antropología, entre otras. Se ha hecho acreedor a múltiples distinciones, como el Premio Nacional de Ciencias y Artes del Gobierno de México, en el área de Bellas Artes (1988); la Beca de la Fundación Guggenheim (1975); el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de Sao Paulo, Brasil (1975), por las obras producto de El Espacio Múltiple (1973), y el Segundo Premio de Pintura en la Primera Trienal de Nueva Delhi, India (1968). Maestro invitado en la Universidad de Cornell, Estados Unidos; investigador huésped
MANUEL FELGUÉREZ (México, N. 1928 – M. 2020) Pintor, escultor, muralista, profesor e investi gador. Estudió en la Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (1948) y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» (1951). Fue becario del Gobierno Francés en la Academia de la Grande Chaumier, París (1944 y 1959) y en la Academia Colarossi, París (1954-1955). Trabajó en los talleres escultóricos de Brancusi y Sadkine. A su regreso de Europa, formó parte de la primera generación de artistas abstractos nacionales, abiertamente confron tados con la tradición de la Escuela Mexicana de Pintura encabezada por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, la llamada Generación de la Ruptura. Su obra ha sido objeto de múltiples exposiciones individuales y colectivas, entre ellas, la retrospectiva de su obra en el homenaje al cumplir 80 años, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México; obra pública de gran formato como: la fuente y escultura frente a la Lotería Nacional; obra mural en el Museo Nacional de Antropología, entre otras. Se ha hecho acreedor a múl tiples distinciones, como el Premio Nacional de Ciencias y Artes del Gobierno de México, en el área de Bellas Artes (1988); la Beca de la Fundación Guggenheim (1975); el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de Sao Paulo, Brasil
(Zacatecas, México), Museo Sammlung Essl (Viena, Austria), Museo de Arte de Querétaro (México), Museo de Antropología de Santiago de Compostela (España), Casa Real Española, Museo Olímpico de Barcelona (España), Museo Olímpico de Laussanne (Suiza), Museo de Arte Hispánico (San Francisco, Estados Unidos), Casa de la Moneda (París, Francia) y colecciones privadas de España, Francia, Italia, Alemania, Holanda, Inglaterra, Suiza, Colombia, Argentina, Suecia, Canadá, EE. UU. y México.
son parte de su formación, además de la académica y la autodidacta. Pujol Baladas posee una firma personalizada que usa medios y materiales diversos. Implementa técnicas mixtas en donde conviven acrílicos, collage, óleo y texturas que le permiten crear diferentes planos y puntos de luz. Su trabajo artístico propone una abstracción atmosférica que como sucede a lo largo de la historia del arte, es reflejo de nuestra actualidad, de nuestro acontecer. Es una filosofía experiencial donde existe una reafirmación del sujeto a partir del abordaje a lo esencial que puede tener diversas lecturas, haciendo de éstas siempre un análisis emocional e intuitivo. Su personalidad se refleja en su obra: apasionada, con colores vibrantes, moderna, de estilo abstracto y en continua exploración sobre materiales y texturas. Hasta hoy, participó en múltiples exposiciones colectivas con artistas como Appel, Argimon, Barceló, Bartolozzi, Ràfols-Casamanda, Clavé, Robert Llimós, Rogelio Cuéllar, Cuixart, Farreras, Elvira Gascón, Joan Genovés, Guinovart, Sergio Hernández, Joan Miró, Pelayo, Pablo Picasso, Saura, Nunik Sauret, Subirachs y Tàpies, en distintas galerías y ferias de arte como ARCO (Madrid, España), Expo Ginebra (Suiza), Arte Sur (Granada, España), Art Miami (Miami, EUA), Corinne Timsit (Paris, Francia, y cuenta con más de 80 exposiciones individuales en México, El Salvador, Puerto Rico, España, Suecia, Francia y EE.UU. Ha formado parte de galerías como la mítica GASPAR (Barcelona, España), Corinne Timsit (Paris, Francia) Pecanins (Ciudad de México), Pablo Goebel (Ciudad de México), entre otras y su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Contem poráneo (Denver, Colorado, Estados Unidos) Museo de Arte Abstracto «Manuel Felguérez» (Zacatecas, México), Museo Sammlung Essl (Viena, Austria), Museo de Arte de Querétaro (México), Museo de Antropología de Santiago de Compostela (España), Casa Real Española, Museo Olímpico de Barcelona (España), Museo
artistasdeíndiceair237abstracción lírica. La convivencia con tres legendarios maestros: Miró, Dalí y Picasso, con quienes convivió activamente, le hicieron parte del contexto político socio-cultural imprescindible en el siglo XX y sus enseñanzas estéticas son parte de su formación, además de la académica y la autodidacta. Pujol Baladas posee una firma personalizada que usa medios y materiales diversos. Implementa técnicas mixtas en donde conviven acrílicos, collage, óleo y texturas que le permiten crear diferentes planos y puntos de luz. Su trabajo artístico propone una abstracción atmosférica que como sucede a lo largo de la historia del arte, es reflejo de nuestra actualidad, de nuestro acontecer. Es una filosofía experiencial donde existe una reafirmación del sujeto a partir del abordaje a lo esencial que puede tener diversas lecturas, haciendo de éstas siempre un análisis emocional e intuitivo. Su personalidad se refleja en su obra: apasionada, con colores vibrantes, moderna, de estilo abstracto y en continua exploración sobre materiales y texturas. Hasta hoy, participó en múltiples exposiciones colectivas con artistas como Appel, Argimon, Barceló, Bartolozzi, Ràfols-Casamanda, Clavé, Robert Llimós, Rogelio Cuéllar, Cuixart, Farreras, Elvira Gascón, Joan Genovés, Guinovart, Sergio Hernández, Joan Miró, Pelayo, Pablo Picasso, Saura, Nunik Sauret, Subirachs y Tàpies, en distintas galerías y ferias de arte como ARCO (Madrid, España), Expo Ginebra (Suiza), Arte Sur (Granada, España), Art Miami (Miami, EUA), Corinne Timsit (Paris, Francia, y cuenta con más de 80 exposiciones individuales en México, El Salvador, Puerto Rico, España, Suecia, Francia y EE.UU. Ha formado parte de galerías como la mítica GASPAR (Barcelona, España), Corinne Timsit (Paris, Francia) Pecanins (Ciudad de México), Pablo Goebel (Ciudad de México), entre otras y su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Contem poráneo (Denver, Colorado, Estados Unidos) Museo de Arte Abstracto «Manuel Felguérez»
MAURA FALFÁN (México, N. 1973)
nacional. Sus obras se han exhibido en exposiciones individuales y colectivas en galerías e instituciones de Bogotá, Ciudad de México, Sao Paulo, Miami, Dallas, Nueva York, Singapur y Tokio, por mencionar algunos. Incorporar conceptos de la física y la informática a la creación de piezas desarrolladas a partir de la exploración de la relación entre el cuerpo y el espacio, así como las interacciones humanas que se suceden en el tiempo; patrones sociales y arquetípicos que reflejan la inexistencia de la individualidad en lugares donde podemos percibir a la humanidad como un todo, se evidencian a través de una lente angular que retrata nuestro ser desde una perspectiva elevada. En lugar de explorar el yo como un macrosistema, Arroyave emprende un diálogo íntimo que produce piezas inmersivas que conducen a la introspección. Así, propone un juego dialéctico entre lo macro y lo micro que busca desentrañar lo binario y exponer el eterno ir y venir que habitamos.
Cuenta con una Maestría en el Pratt Institute, Brooklyn, Nueva York (2008-2010). Cursó la Li cenciatura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» (19962001). Fue becaria del Programa de Jóvenes Creadores del FONCA, CONACULTA (2004); artista en residencia del Artist In Residency de Governors Island, Nueva York (2014) y del New York Foundation for the Arts (2013-2014). De sus exposiciones individuales, destacan: Paradise Lost, 210 Gallery, Nueva York (2012); La huella de lo ausente, Tecnológico de Monterrey, Campus Santa Fe, México (2005); Configuraciones, Casa del Mago, México (1998); entre otras. Ha expuesto de manera colectiva en la II Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán (2004) y en el Taller-Exposición de Pintura Iberoamericana, Parque Ferial Juan Carlos, Madrid, España (2001). Ha sido acreedora al premio de la VII
Su acercamiento a la fotografía comienza empíricamente a los 13 años, labor que cultivó en paralelo mientras estudiaba ingeniería en sistemas y publicidad. En 2010 inicia su carrera como artista plástico, participando en la inauguración de The Warehouse Art Gallery (actualmente SGR Gallery). Desde entonces su carrera ha ido en ascenso, consolidándose como uno de los artistas jóvenes, cuyo trabajo gira en torno a los lenguajes fotográficos, con mayor reconocimiento en el panorama
Su acercamiento a la fotografía comienza empíricamente a los 13 años, labor que cultivó en paralelo mientras estudiaba ingeniería en sistemas y publicidad. En 2010 inicia su carrera como artista plástico, participando en la inauguración de The Warehouse Art Gallery (actualmente SGR Gallery). Desde entonces su carrera ha ido en ascenso, consolidándose como uno de los artistas jóvenes, cuyo trabajo gira en torno a los lenguajes fotográficos, con mayor reconocimiento en el panorama nacional. Sus obras se han exhibido en exposiciones individuales y colectivas en galerías e instituciones de Bogotá, Ciudad de México, Sao Paulo, Miami, Dallas, Nueva York, Singapur y Tokio, por mencionar algunos. Incorporar conceptos de la física y la informática a la creación de piezas desarrolladas a partir de la exploración de la relación entre el cuerpo y el espacio, así como las interacciones humanas que se suceden en el tiempo; patrones sociales y arquetípicos que reflejan la inexistencia de la individualidad en lugares donde podemos percibir a la humanidad como un todo, se evidencian a través de una lente angular que retrata nuestro ser desde una perspectiva elevada. En lugar de explorar el yo como un macrosistema, Arroyave emprende un diálogo íntimo que produce piezas inmersivas que conducen a la introspección. Así, propone un juego dialéctico entre lo macro y lo micro que busca desentrañar lo binario y exponer el eterno ir y venir que habitamos.
Cuenta con una Maestría en el Pratt Institute, Brooklyn, Nueva York (2008-2010). Cursó la Li cenciatura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» (19962001). Fue becaria del Programa de Jóvenes Creadores del FONCA, CONACULTA (2004); artista en residencia del Artist In Residency de Governors Island, Nueva York (2014) y del New York Foundation for the Arts (2013-2014). De sus exposiciones individuales, destacan: Paradise Lost, 210 Gallery, Nueva York (2012); La huella de lo ausente, Tecnológico de Monterrey, Campus Santa Fe, México (2005); Configuraciones, Casa del Mago, México (1998); entre otras. Ha en la Universidad de Harvard (1975); impartió la clase de Composición de la Estructura del Cuadro en la Escuela Nacional de Artes Plásti cas. A partir de 1977 colaboró como investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.
238iraíndicedeartistas (1975), por las obras producto de El Espacio Múltiple (1973), y el Segundo Premio de Pintura en la Primera Trienal de Nueva Delhi, India (1968). Maestro invitado en la Universidad de Cornell, Estados Unidos; investigador huésped en la Universidad de Harvard (1975); impartió la clase de Composición de la Estructura del Cuadro en la Escuela Nacional de Artes Plásti cas. A partir de 1977 colaboró como investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.
Es egresado de la Licenciatura en Artes Visuales por la Facultad de Arte y Diseño de la UNAM. Ha cursado el Taller sobre Pintura Contemporánea impartido por el Maestro Francisco Castro Leñero. De manera individual, ha realizado varias exposiciones, entre las que destacan Todas las cosas deben nombrarse, Estudio Marte, Ciudad de México (2020); Cosmos , Sin Falda, Ciudad de México (2019); RRA RRA RRA , Librería Bodet, Ciudad de México (2019); entre otras. De su participación en exposiciones colectivas destacan Panorama , Lanao Galería, Zona MACO, México (2021); Aquí no es Rusia , USSR Roma, México (2020); Nueva piel para una vieja ceremonia , Galería Karen Huber, México (2019); entre otras. Su trabajo ha sido seleccionado en el XXXIX Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes (2019). Fue miembro del Programa de Jóvenes Creadores del FONCA en las emisiones 2017-2018 y 2019-2020.
MARCOS GONZÁLEZ FOREMAN (México, N. 1991)
Es egresado de la Licenciatura en Artes Visuales por la Facultad de Arte y Diseño de la UNAM. Ha cursado el Taller sobre Pintura Contemporánea impartido por el Maestro Francisco Castro Leñero. De manera individual, ha realizado varias exposiciones, entre las que destacan Todas las cosas deben nombrarse, Estudio Marte, Ciudad de México (2020); Cosmos , Sin Falda, Ciudad de México (2019); RRA RRA RRA , Librería Bodet, Ciudad de México (2019); entre otras. De su participación en exposiciones colectivas destacan Panorama , Lanao Galería, Zona MACO, México (2021); Aquí no es Rusia , USSR Roma, México (2020); Nueva piel para una vieja ceremonia , Galería Karen Huber, México (2019); entre otras. Su trabajo ha sido seleccionado en el XXXIX Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes (2019). Fue miembro del Programa de Jóvenes Creadores del FONCA en las emisiones 2017-2018 y 2019-2020.
MARIO ARROYAVE (Colombia, N. 1983)
MARIO ARROYAVE
(Colombia, N. 1983)
MARCOS GONZÁLEZ FOREMAN (México, N. 1991)
MAURA FALFÁN (México, N. 1973)
expuesto de manera colectiva en la II Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán (2004) y en el Taller-Exposición de Pintura Iberoamericana, Parque Ferial Juan Carlos, Madrid, España (2001). Ha sido acreedora al premio de la VII Bienal de Pintura Rufino Tamayo (2016).
Bienal de Pintura Rufino Tamayo (2016). MICHAEL CONRADS (N. 1977)
MIGUEL CASTRO LEÑERO
MIGUEL ÁNGEL CORDERA (México, N. 1971)
(México, N. 1956)
OLIVIA STEELE (Estados Unidos, N. 1985)
MICHAEL CONRADS (N. 1977)
Michael Conrads vive y trabaja en Berlín y Ciudad de México. Es graduado de la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo. Su trabajo se ha mostrado en Hamburg Kunsthalle y Produzentengalerie Hamburg, Galerie Michael Haas Berlin y Zurich, Museum Weserburg Bremen, entre muchas otras instituciones y galerías de Europa. Con un enfoque en la pintura, está constantemente investigando sus límites, creando estructuras semi comple jas a ultra densas que abarcan la arquitectura, el modernismo, el minimalismo, el constructi vismo y la utopía fallida.
Mantiene una investigación alrededor de la pintura actual a través de su trabajo personal y otros proyectos expositivos. En un constante vaivén entre la mancha y los planos, hace una contraposición entre lo aleatorio-gestual con la estructura, que surge a partir del juego de líneas, formas geométricas y transparencias. Aprovecha el encuentro entre los materiales y los residuos, dando forma a piezas que logran un punto de equilibrio entre la saturación y el vacío. «La obra de Cordera habita dentro de un lenguaje muy específico y difícilmente sostenible en la pintura: la abstracción. Su proceso de práctica nos confronta —y se confronta a sí mismo— con un espacio casi laberíntico de búsquedas y resistencias que se desbordan de posibilidad, de riesgo. Composiciones explosivas de líneas y color que parecen no buscar resolución, se traducen en momentos
Mantiene una investigación alrededor de la pintura actual a través de su trabajo personal y otros proyectos expositivos. En un constante vaivén entre la mancha y los planos, hace una contraposición entre lo aleatorio-gestual con la estructura, que surge a partir del juego de líneas, formas geométricas y transparencias. Aprovecha el encuentro entre los materiales y los residuos, dando forma a piezas que logran un punto de equilibrio entre la saturación y el vacío. «La obra de Cordera habita dentro de un lenguaje muy específico y difícilmente sostenible en la pintura: la abstracción. Su proceso de práctica nos confronta —y se confronta a sí mismo— con un espacio casi laberíntico de búsquedas y resistencias que se desbordan de posibilidad, de riesgo. Composiciones explosivas de líneas y color que parecen no buscar resolución, se traducen en momentos aparentemente líricos sugiriendo la conectividad del cuerpo a la materia. Más allá de esto, la investigación de la obra tiene que ver con la agitación mental que vibra en el vértigo del encuentro tangible, tratando de resolverse
Michael Conrads vive y trabaja en Berlín y Ciudad de México. Es graduado de la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo. Su trabajo se ha mostrado en Hamburg Kunsthalle y Produzentengalerie Hamburg, Galerie Michael Haas Berlin y Zurich, Museum Weserburg Bremen, entre muchas otras instituciones y galerías de Europa. Con un enfoque en la pintura, está constantemente investigando sus límites, creando estructuras semi comple jas a ultra densas que abarcan la arquitectura, el modernismo, el minimalismo, el constructi vismo y la utopía fallida.
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MIGUEL CASTRO LEÑERO (México, N. 1956) Es un pintor mexicano y uno de los principales exponentes del arte contemporáneo mexicano en el mundo. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura «La Esmeralda» del INBA y posteriormente ingresó al taller de grabado del Centro de Investigación y Experimentación Plástica del INBA. A lo largo de su trayectoria artística ha realizado diversas exposiciones individuales Hombre cruzando la calle, Galería Pi, México (2011); Miguel Castro Leñero, Recent Work , Diaz Contemporary, Toronto, Canadá (2009); Sin salir de casa, Galería Arróniz Arte Con temporáneo, México (2007); Estar en el mundo, Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Oaxaca (2006); Modificaciones al plano general de una casa, Galería López Quiroga, México; Casa in tervenida, Galería Bodega Quetzalli, Oaxaca (2005); Gráfica de taller, Museo José G. Posada, Aguascalientes, México (2004); Obra reciente, Galería Art Project, Gerona, España (2003); Formas Esenciales, Galería López Quiroga, México (2001); Calle México, Galerie Verien fur original-Radierung, Munich, Alemania y La Flor de Papel, Galería López Quiroga, México (2000).
La artista de luz, se ha ganado una reputación internacional por sus instalaciones en neón.
aparentemente líricos sugiriendo la conectividad del cuerpo a la materia. Más allá de esto, la investigación de la obra tiene que ver con la agitación mental que vibra en el vértigo del encuentro tangible, tratando de resolverse a partir de un lenguaje puramente pictórico. Hay una lucha por controlar el movimiento y el color, pero al mismo tiempo por dejar que la pintura controle dicha agitación o ritmo en la consciencia. Las decisiones in situ –o el desprendimiento de ellas– en la representación pictórica, se transforman en un registro de acción corporal y mental, abandonando por instantes la imposición de la abstracción para intentar liberar, fragmentar o detonar momen tos disonantes de subjetividad. Cordera se enfrenta, de lleno, al peligro plástico».
a partir de un lenguaje puramente pictórico. Hay una lucha por controlar el movimiento y el color, pero al mismo tiempo por dejar que la pintura controle dicha agitación o ritmo en la consciencia. Las decisiones in situ –o el desprendimiento de ellas– en la representación pictórica, se transforman en un registro de acción corporal y mental, abandonando por instantes la imposición de la abstracción para intentar liberar, fragmentar o detonar momen tos disonantes de subjetividad. Cordera se enfrenta, de lleno, al peligro plástico».
Es un pintor mexicano y uno de los principales exponentes del arte contemporáneo mexicano en el mundo. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura «La Esmeralda» del INBA y posteriormente ingresó al taller de grabado del Centro de Investigación y Experimentación Plástica del INBA. A lo largo de su trayectoria artística ha realizado diversas exposiciones individuales Hombre cruzando la calle, Galería Pi, México (2011); Miguel Castro Leñero, Recent Work , Diaz Contemporary, Toronto, Canadá (2009); Sin salir de casa, Galería Arróniz Arte Con temporáneo, México (2007); Estar en el mundo, Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Oaxaca (2006); Modificaciones al plano general de una casa, Galería López Quiroga, México; Casa in tervenida, Galería Bodega Quetzalli, Oaxaca (2005); Gráfica de taller, Museo José G. Posada, Aguascalientes, México (2004); Obra reciente, Galería Art Project, Gerona, España (2003); Formas Esenciales, Galería López Quiroga, México (2001); Calle México, Galerie Verien fur original-Radierung, Munich, Alemania y La Flor de Papel, Galería López Quiroga, México (2000).
MIGUEL ÁNGEL CORDERA (México, N. 1971)
UNAM, Bienal del Pacífico y actualmente en la Trienal de Tijuana I Internacional Pictórica. Fue seleccionado para participar en las residencias de arte Taller de Gráfica El Chanate en Torreón, Coahuila; Kankabal, Mérida, Yucatán; Semilla Gráfica , Pachuca, Hidalgo, entre otras. Su obra es parte de distintas colecciones privadas como son Betsabeé Romero, Jan Héndrix, James Oles, Michael Kritchman, por mencionar algunas.
Sus frases iluminadas se suspenden en tiempo y movimiento en paisajes de Berlín, Bombay, Roma, Miami, Tulúm, Nueva York y Los Ángeles, utilizando el poder de la luz para crear enun ciados simbólicos que impactan y provocan. Sus piezas cargan emociones ocultas y fuerzas invisibles, formando parte de su marco de ex ploración temas como la conciencia, lo feme nino y lo divino. Las frases contenidas en su obra habitan espacios de significados a veces contradictorios, confrontativos o conciliatorios. Ha expuesto de manera individual y colectiva en diferentes partes del mundo, entre las que destacan Deliciosa Monstera, MAIA Contempo rary, Ciudad de México (2018); Looking Forward, Galleria Torbandena Projects, Trieste (2017); Urban Intervention, Zona MACO, Ciudad de México (2017); Faux Real, Circle Culture, Berlín (2016); Hello Darkness and Viva La Muerte, Día de muertos, Oaxaca (2015); Nothing is what it seems, Circle Culture Gallery, Hamburgo (2014); Exhibition of Neon Artworks, Circle Culture Gallery at Corner Store, Berlín (2012); Welcome to Cashville, Private Collection, Nashville (2011); entre muchas otras.
ÓSCAR RATTO (México, N. 1953) Nació en la Ciudad de México en noviembre de 1953. Tomó la decisión de dedicarse a la pintura en 1974, en Inglaterra. A su regreso, ingresó en 1984 a la ENAP y al taller de Gilber to Aceves Navarro. Ganó el primer lugar en la Tercera Bienal Rufino Tamayo en 1986, otor gado por el propio maestro Tamayo, dándose a conocer como pintor abstracto. Pero cierta inquietud de encontrar su propio lenguaje lo llevó a seguir buscando otros modos de pintar y a trabajar con diferentes materiales. En 1990, trabajó en paráfrasis del Caravaggio, que fueron exhibidas en el Museo de Arte Moderno. Posteriormente, trabajó una serie de yutes con piroxilina titulada “Las Vacacio nes del Verdugo”, la cual fue presentada en la Galería Óscar Román en 1993. Al período com prendido entre 1993-1997 lo llamó Tenebrismo Tropical y de la Zona Árida, su obra pictórica se inspiró en los áridos paisajes del desierto de Sonora como en el libro Dutch Brazil of the 17th Century . En 1994 presentó una exposición de temples en formato grande en el Museo Carri llo Gil. También abordó el tema del paisaje del desierto con figuras humanas, en la serie ti tulada “Los Sodomitas del Desierto”, la cual se exhibió en la Galería del Sur, UAM Xochimilco,
OLIVIA STEELE (Estados Unidos, N. 1985)
entre otros. También ha participado en distintas Bienales de Arte en México entre las que destacan Bienal de Pintura José Atanasio Monroy, Bienal de los Ángeles Puebla, Bienal UNAM, Bienal del Pacífico y actualmente en la Trienal de Tijuana I Internacional Pictórica. Fue seleccionado para participar en las residencias de arte Taller de Gráfica El Chanate en Torreón, Coahuila; Kankabal, Mérida, Yucatán; Semilla Gráfica , Pachuca, Hidalgo, entre otras. Su obra es parte de distintas colecciones privadas como son Betsabeé Romero, Jan Héndrix, James Oles, Michael Kritchman, por mencionar algunas.
Artista visual egresado de la Escuela Nacional de Pintura y Escultura «La Esmeralda». Ha mostrado su trabajo en espacios como Feria de arte BADA México, Balcón Espacio, Coleccionismo Contemporáneo, Galería Pedro Ávila, A6.Gallery, CECUT Tijuana, NAWWA Galería, Fifties Art Gallery, Artífice Galería, Cachorro Galería, Aguafuerte Galería, Morton Subastas, Escuela Nacional de Pintura y Escultura «La Esmeralda», Biblioteca Vasconcelos, Galería 66 - 5, The St Regis México, Corredor Cultural Condesa Roma, Design Week México 2015
La artista de luz, se ha ganado una reputación internacional por sus instalaciones en neón. Sus frases iluminadas se suspenden en tiempo y movimiento en paisajes de Berlín, Bombay, Roma, Miami, Tulúm, Nueva York y Los Ángeles, utilizando el poder de la luz para crear enun ciados simbólicos que impactan y provocan. Sus piezas cargan emociones ocultas y fuerzas invisibles, formando parte de su marco de ex ploración temas como la conciencia, lo feme nino y lo divino. Las frases contenidas en su obra habitan espacios de significados a veces contradictorios, confrontativos o conciliatorios. Ha expuesto de manera individual y colectiva en diferentes partes del mundo, entre las que destacan Deliciosa Monstera, MAIA Contempo rary, Ciudad de México (2018); Looking Forward, Galleria Torbandena Projects, Trieste (2017); Urban Intervention, Zona MACO, Ciudad de México (2017); Faux Real, Circle Culture, Berlín (2016); Hello Darkness and Viva La Muerte, Día de muertos, Oaxaca (2015); Nothing is what it seems, Circle Culture Gallery, Hamburgo (2014); Exhibition of Neon Artworks, Circle Culture Gallery at Corner Store, Berlín (2012); Welcome to Cashville, Private Collection, Nashville (2011); entre muchas otras.
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Artista visual egresado de la Escuela Nacional de Pintura y Escultura «La Esmeralda». Ha mostrado su trabajo en espacios como Feria de arte BADA México, Balcón Espacio, Coleccionismo Contemporáneo, Galería Pedro Ávila, A6.Gallery, CECUT Tijuana, NAWWA Galería, Fifties Art Gallery, Artífice Galería, Cachorro Galería, Aguafuerte Galería, Morton Subastas, Escuela Nacional de Pintura y Escultura «La Esmeralda», Biblioteca Vasconcelos, Galería 66 - 5, The St Regis México, Corredor Cultural Condesa Roma, Design Week México 2015 entre otros. También ha participado en distintas Bienales de Arte en México entre las que destacan Bienal de Pintura José Atanasio Monroy, Bienal de los Ángeles Puebla, Bienal
ÓSCAR RATTO (México, N. 1953) Nació en la Ciudad de México en noviembre de 1953. Tomó la decisión de dedicarse a la pintura en 1974, en Inglaterra. A su regreso, ingresó en 1984 a la ENAP y al taller de Gilber to Aceves Navarro. Ganó el primer lugar en la Tercera Bienal Rufino Tamayo en 1986, otor gado por el propio maestro Tamayo, dándose a conocer como pintor abstracto. Pero cierta inquietud de encontrar su propio lenguaje lo llevó a seguir buscando otros modos de pintar y a trabajar con diferentes materiales. En 1990, trabajó en paráfrasis del Caravaggio, que fueron exhibidas en el Museo de Arte Moderno. Posteriormente, trabajó una serie de yutes con piroxilina titulada “Las Vacacio nes del Verdugo”, la cual fue presentada en la Galería Óscar Román en 1993. Al período com prendido entre 1993-1997 lo llamó Tenebrismo Tropical y de la Zona Árida, su obra pictórica se inspiró en los áridos paisajes del desierto de Sonora como en el libro Dutch Brazil of the 17th Century . En 1994 presentó una exposición de temples en formato grande en el Museo Carri llo Gil. También abordó el tema del paisaje del desierto con figuras humanas, en la serie ti tulada “Los Sodomitas del Desierto”, la cual se exhibió en la Galería del Sur, UAM Xochimilco, en 1997. De 1998 a 2002, siguió trabajando con telas y papeles bajo el postulado estético del Realismo Capitalista, también llamado Pop Art. A partir de entonces comenzó una etapa
OMAR CASTILLO TORRES (México, N. 1987)
OMAR CASTILLO TORRES (México, N. 1987)
Artista emergente que tiene una gran pasión por el arte y la arquitectura. Estudió arte en la escuela de Lumen durante un año, para después desarrollar sus ideas en la escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC). Al terminar estos cursos, se dedicó a crear esculturas de forma didáctica, lo que lo ha llevado a obtener reconocimientos y participar en exposiciones en diferentes galerías. Entre sus proyectos recientes se encuentran Exposición Estudio actual (2017); Subasta XCU, donación para los damnificados del temblor del 19 de septiembre (2017). Arte musical, diseño y colaboración de un un cover art para producción discográfica con BEZESIE.
Paul Spencer es un artista escultórico con sede en Devon en el Reino Unido. Es bastante nuevo en la escena del arte y antes de hacer la transición para convertirse en artista de tiempo completo en 2020, tuvo una carrera larga y variada en diseño comercial. Siempre le ha apasionado crear formas tridimensionales y en sus años en Art Foundation, jugó con convertirse en escultor. También era un
en 1997. De 1998 a 2002, siguió trabajando con telas y papeles bajo el postulado estético del Realismo Capitalista, también llamado Pop Art. A partir de entonces comenzó una etapa de investigación y aprendizaje de la minucio sa técnica del fresco, que lo llevó a ejecutarlo en soportes transportables o móviles, tanto en cajas de madera como en estructuras de metal. Su investigación culminó en la serie “Muros Flotantes”, que consiste en retratos de personas trabajando en computadoras. Más tarde, trabajó en una serie de óleos sobre tela llamada “Cyber Vudú y la Razón de Estado”. A partir de 2016, inició una nueva serie en óleo llamada “El Teatro de la Obscenidad”. En 2022 expuso en el Palacio de Medicina de la UNAM (CDMX) un ciclo de óleos de gran formato ti tulado "La fábrica de cosas reales".
Artista emergente que tiene una gran pasión por el arte y la arquitectura. Estudió arte en la escuela de Lumen durante un año, para después desarrollar sus ideas en la escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC). Al terminar estos cursos, se dedicó a crear esculturas de forma didáctica, lo que lo ha llevado a obtener reconocimientos y participar en exposiciones en diferentes galerías. Entre sus proyectos recientes se encuentran Exposición Estudio actual (2017); Subasta XCU, donación para los damnificados del temblor del 19 de septiembre (2017). Arte musical, diseño y colaboración de un un cover art para producción discográfica con BEZESIE.
PAUL WEINER (Estados Unidos, N. 1993)
larga y variada en diseño comercial. Siempre le ha apasionado crear formas tridimensionales y en sus años en Art Foundation, jugó con convertirse en escultor. También era un poco inventor y tenía un sueño loco de traer escultura asequible y útil a las masas. Con esto en mente, decidió combinar las 2 disciplinas y en 1996 se graduó de la Universidad de Sheffield Hallam con un título en Diseño de Producto 3D. Obtuvo su primer trabajo de diseño de productos en Estambul, Turquía, en 1996, diseñando radiadores de calefacción de lujo y paneles solares, entre otras cosas. Desafortunadamente, su carrera de diseño de productos duró poco y rápidamente se encontró dando un paso al costado en el mundo del diseño gráfico y la creación de marcas, donde trabajó en varios roles hasta 2011. En 2012, cofundó un negocio de diseño creativo llamado Creative Sweet , donde creó marcas, sitios web y materiales de marketing para otras empresas. En muchos sentidos, disfrutó de su papel como director pero faltaba algo y se encontró cada vez más insatisfecho creativamente. En 2016 enfermó gravemente con el Síndrome de Fatiga Crónica y se dio cuenta de que tenía que dejar de trabajar por un tiempo y concentrarse en su salud. Desde entonces se ha recuperado por completo. Mientras estaba convaleciente, tuvo mucho tiempo para reflexionar sobre su carrera y se dio cuenta de que había perdido totalmente el contacto con su pasión por las formas tridimensionales y fue entonces cuando decidió ser artista. Sus obras se caracterizan por las formas escultóricas fluidas y esféricas, así como por las sombras que éstas crean. También, trabaja con el desafío de transformar planos 2D en objetos 3D, lo cual logra construyendo capas de papeles espaciados para crear volúmenes que cambian a medida que el espectador se mueve alrededor de ellos. Sus trabajos son minimalistas y de corte limpio.
poco inventor y tenía un sueño loco de traer escultura asequible y útil a las masas. Con esto en mente, decidió combinar las 2 disciplinas y en 1996 se graduó de la Universidad de Sheffield Hallam con un título en Diseño de Producto 3D. Obtuvo su primer trabajo de diseño de productos en Estambul, Turquía, en 1996, diseñando radiadores de calefacción de lujo y paneles solares, entre otras cosas. Desafortunadamente, su carrera de diseño de productos duró poco y rápidamente se encontró dando un paso al costado en el mundo del diseño gráfico y la creación de marcas, donde trabajó en varios roles hasta 2011. En 2012, cofundó un negocio de diseño creativo llamado Creative Sweet , donde creó marcas, sitios web y materiales de marketing para otras empresas. En muchos sentidos, disfrutó de su papel como director pero faltaba algo y se encontró cada vez más insatisfecho creativamente. En 2016 enfermó gravemente con el Síndrome de Fatiga Crónica y se dio cuenta de que tenía que dejar de trabajar por un tiempo y concentrarse en su salud. Desde entonces se ha recuperado por completo. Mientras estaba convaleciente, tuvo mucho tiempo para reflexionar sobre su carrera y se dio cuenta de que había perdido totalmente el contacto con su pasión por las formas tridimensionales y fue entonces cuando decidió ser artista. Sus obras se caracterizan por las formas escultóricas fluidas y esféricas, así como por las sombras que éstas crean. También, trabaja con el desafío de transformar planos 2D en objetos 3D, lo cual logra construyendo capas de papeles espaciados para crear volúmenes que cambian a medida que el espectador se mueve alrededor de ellos. Sus trabajos son minimalistas y de corte limpio.
PAUL SPENCER (s/f)
OTTO (México, N. 2000)
Cursó la Licenciatura en Pintura en la Universi dad de Syracuse en Nueva York. Ha expuesto
de investigación y aprendizaje de la minucio sa técnica del fresco, que lo llevó a ejecutarlo en soportes transportables o móviles, tanto en cajas de madera como en estructuras de metal. Su investigación culminó en la serie “Muros Flotantes”, que consiste en retratos de personas trabajando en computadoras. Más tarde, trabajó en una serie de óleos sobre tela llamada “Cyber Vudú y la Razón de Estado”. A partir de 2016, inició una nueva serie en óleo llamada “El Teatro de la Obscenidad”. En 2022 expuso en el Palacio de Medicina de la UNAM (CDMX) un ciclo de óleos de gran formato ti tulado "La fábrica de cosas reales".
Paul Spencer es un artista escultórico con sede en Devon en el Reino Unido. Es bastante nuevo en la escena del arte y antes de hacer la transición para convertirse en artista de tiempo completo en 2020, tuvo una carrera
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OTTO (México, N. 2000)
PAUL SPENCER (s/f)
PIERRE FUDARYLÍ (México, N. s/f) Artista mexicano nacido en Quintana Roo con formación en Arquitectura en Chihuahua. Su acercamiento a la fotografía fue de forma au todidacta, esto le permitió jugar con las reglas establecidas y proponer una realidad alterna. Su obra ha tenido presencia en diversas
Cursó la Licenciatura en Pintura en la Universi dad de Syracuse en Nueva York. Ha expuesto de manera individual y colectiva en numerosas ocasiones, entre la que se encuentran Social ly Distanced Art Exhibition, TZ Projects, Los Ángeles, California (2020); American Amnesia, Krupic Kersting Gallery, Colonia, Alemania (2018); Old Glory , Long Road Projects, Jack sonville, Florida curada por Aaron Levi Garvey (2018); Paul Weiner Alto Gallery, Denver, Colora do (2018); Correspondence / Correspondencia, CTRL+SHFT Oakland, Estados Unidos curada por Á.R. Vázquez-Concepción (2016); Common Language, St. John University, York, Reino Unido (2013); New York to London, HOUSE Gallery curada por Berik Kulmamirov, Londres, Reino Unido (2013). Su trabajo ha sido reconocido con el Premio Augusta Hazard de la Universidad de Syracuse (2015) y con el Premio Roswell Hill de la Universidad de Syracuse (2014).
Artista mexicano nacido en Quintana Roo con formación en Arquitectura en Chihuahua. Su acercamiento a la fotografía fue de forma au todidacta, esto le permitió jugar con las reglas establecidas y proponer una realidad alterna. Su obra ha tenido presencia en diversas exposiciones nacionales e internacionales, como START art fair en solo show con Baga 06 en Saatchi Gallery, Londres 2019; EPA expo por aquí en NSDM Amsterdam 2019, Manifies
PIERRE FUDARYLÍ
PAULO JACOBO ALONSO (México, N. 1984)
en la 10° Bienal de Lucca en Italia, entre otros recintos. Su obra es parte de la Colección Internazionale Bugatti-Segantini, Italia, Colección LUMEN, México, Colección Banco de México y Colección Homeira Goldstein, Estados Unidos.
de manera individual y colectiva en numerosas ocasiones, entre la que se encuentran Social ly Distanced Art Exhibition, TZ Projects, Los Ángeles, California (2020); American Amnesia, Krupic Kersting Gallery, Colonia, Alemania (2018); Old Glory , Long Road Projects, Jack sonville, Florida curada por Aaron Levi Garvey (2018); Paul Weiner Alto Gallery, Denver, Colora do (2018); Correspondence / Correspondencia, CTRL+SHFT Oakland, Estados Unidos curada por Á.R. Vázquez-Concepción (2016); Common Language, St. John University, York, Reino Unido (2013); New York to London, HOUSE Gallery curada por Berik Kulmamirov, Londres, Reino Unido (2013). Su trabajo ha sido reconocido con el Premio Augusta Hazard de la Universidad de Syracuse (2015) y con el Premio Roswell Hill de la Universidad de Syracuse (2014).
Licenciado en Sistemas Computacionales por la UPAEP, Puebla y Licenciado en Artes Plásticas por la UABC, Baja California y de 2014 al 2015 estudió en la Universidad de Rennes 2 Francia. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores FONCA emisión 2020-2023 en la disciplina de Escultura. Fue beneficiario del programa Jóvenes Creadores FONCA 2016-201, profesor de la Licenciatura en Artes y Diseño en la Escuela Nacional de Estudios Superiores de la UNAM, Unidad Morelia. Ha participado en diferentes exposiciones en México, Finlandia, Estados Unidos, Inglaterra, Hungría, Italia, Francia, Portugal, Polonia, España, Eslovaquia, República Checa y Alemania. Su trabajo se ha mostrado en LA Art Show Contemporary Art Fair en Los Ángeles California, en la Bienal de Arte Textil Contemporáneo en Portugal, en la 16° Trienal Internacional de Tapices en Polonia,
PEDRO FRIEDEBERG (Italia, N. 1936)
Colección Homeira Goldstein, Estados Unidos.
(México, N. s/f)
PEDRO FRIEDEBERG (Italia, N. 1936) Artista visual, dibujante, pintor, escultor, diseñador de mobiliario, textil e industrial. Nacido en Florencia, Italia, llegó a México a los tres años de edad y se desenvolvió en la sociedad de migrantes europeos, artistas, científicos y eruditos de la Ciudad de México. Estudió Arquitectura en la Universidad Ibe roamericana, estudios que dejó inconclusos para dedicarse plenamente a su producción artística por el consejo de su maestro Mat thias Goeritz. Su primera exposición fue en 1959, en la Galería Diana gracias al apoyo de la artista Remedios Varo. Desde entonces, el éxito del maestro fue en aumento, aún más con la creación de la Mano de Akhenatón , conocida mejor como Mano-silla , que le dio fama internacional. El maestro Friedeberg ha tenido más de 80 exposiciones individuales y ha participado en cientos de proyectos y exposiciones colectivas. Ha sido reconocido con la medalla de Bellas Artes en 2012 y ha colaborado en el diseño de ediciones espe ciales de botellas, etiquetas, relojes, textiles, entre otros. Recientemente intervino el Hotel Presidente Intercontinental de la Ciudad de México. Actualmente está preparando una exposición en Nueva York.
Artista visual, dibujante, pintor, escultor, diseñador de mobiliario, textil e industrial. Nacido en Florencia, Italia, llegó a México a los tres años de edad y se desenvolvió en la sociedad de migrantes europeos, artistas, científicos y eruditos de la Ciudad de México. Estudió Arquitectura en la Universidad Ibe roamericana, estudios que dejó inconclusos para dedicarse plenamente a su producción artística por el consejo de su maestro Mat thias Goeritz. Su primera exposición fue en 1959, en la Galería Diana gracias al apoyo de la artista Remedios Varo. Desde entonces, el éxito del maestro fue en aumento, aún más con la creación de la Mano de Akhenatón , conocida mejor como Mano-silla , que le dio fama internacional. El maestro Friedeberg ha tenido más de 80 exposiciones individuales y ha participado en cientos de proyectos y exposiciones colectivas. Ha sido reconocido con la medalla de Bellas Artes en 2012 y ha colaborado en el diseño de ediciones espe ciales de botellas, etiquetas, relojes, textiles, entre otros. Recientemente intervino el Hotel Presidente Intercontinental de la Ciudad de México. Actualmente está preparando una exposición en Nueva York.
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PAUL WEINER (Estados Unidos, N. 1993)
PAULO JACOBO ALONSO (México, N. 1984) Licenciado en Sistemas Computacionales por la UPAEP, Puebla y Licenciado en Artes Plásticas por la UABC, Baja California y de 2014 al 2015 estudió en la Universidad de Rennes 2 Francia. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores FONCA emisión 2020-2023 en la disciplina de Escultura. Fue beneficiario del programa Jóvenes Creadores FONCA 2016-201, profesor de la Licenciatura en Artes y Diseño en la Escuela Nacional de Estudios Superiores de la UNAM, Unidad Morelia. Ha participado en diferentes exposiciones en México, Finlandia, Estados Unidos, Inglaterra, Hungría, Italia, Francia, Portugal, Polonia, España, Eslovaquia, República Checa y Alemania. Su trabajo se ha mostrado en LA Art Show Contemporary Art Fair en Los Ángeles California, en la Bienal de Arte Textil Contemporáneo en Portugal, en la 16° Trienal Internacional de Tapices en Polonia, en la 10° Bienal de Lucca en Italia, entre otros recintos. Su obra es parte de la Colección Inter nazionale Bugatti-Segantini, Italia, Colección LUMEN, México, Colección Banco de México y
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roamericana y Diseño de Modas en el Insti tuto Marangoni en Milano, Italia. Es pintora, fotógrafa y diseñadora gráfica. También es productora de cine y proyectos culturales. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en México y otros países. El Suns hine international Museum de Beijing China cuenta con 3 de sus piezas en su acervo y la representa la galería Baahng en Nueva York. Algunas exposiciones en las que ha parti cipado son Liliths de Mayo (2022) y Cultura en Bicicleta (2022) en Galería La Mercantil; Mural efímero Homenaje a Nolberto Aceves Navarro , en Amartt, Ciudad de México (2022); Foto Noir, Photo Place Gallery Middlebury Vermont (2021), Modern Love Vol. V, Ciudad de México (2020), Identidades , Museo Archivo de la Fotografía Ciudad de México (2019), Subasta Arte Vivo en Museo Arte Moderno y Museo Jumex en diversas ediciones de la Ciudad de México desde 2004; Rembrandt 350 Años serie Trata , Galería Traeger & Pinto Ciudad de México 2019; Colectivo artistas Galería Traeger & Pinto Ciudad de México 2019, Tabla Periódica de los Elementos «Radio», Museo Universum Ciudad de México 2019; «Par teaguas» exposición individual en Baahnhg Galery, Nueva York, 2019, Instituto Italiano de Cultura en Ciudad de México 2018; Centro Cultural El Olimpo, Subasta Mérida Yucatán, 2018 y Explanada Angel Independencia; Pon a rodar mis sueños , Palacio Autonomía Ciudad de México 2016; Exposición bicicletas , Plaza Loreto, Ciudad de México 2016, Manos por México , Pinacoteca Nuevo León, México 2014; Limbo en Demiurg studio by Kai Hilgerman Gallery (2011). Su exposición individual Ojos Rojos, estuvo en Sunshine International Art Museum, Beijing China 2009; Open Art 798, Art District; Centro Alemán de Diseño; Galería Fine Arts Pablo Goebel, Ciudad de México 2008; Zone Chelsea Center of the Arts Collections Zonema, Nueva York 2007 y 2006; en Atrio Centro Histó rico, Ciudad de México en
exposiciones nacionales e internacionales, como START art fair en solo show con Baga 06 en Saatchi Gallery, Londres 2019; EPA expo por aquí en NSDM Amsterdam 2019, Manifies to Emergente Divergente en Baga 06, Ciudad de México, Resiliencia en Noesunagaleria, Ciudad de México 2019, MAF Micro Art Fair por #noesunagaleria y Art House Holland en los Países Bajos 2018, MACO foto 2016 y 2017 con Terreno Baldío Arte, LOOT por Mo mentum Fine Art Miami 2016, Subasta Arte Vivo en el Museo de Arte Moderno, Ciudad de México 2015 y 2016, Endangered Visions , MANILART 2014, en Manila, Filipinas, La Cave #3 , Atelier Cross Art en Berlín, 2014, Sexto Continente , Palacio de la Merced, Córdoba, España; Cuarta Feria Internacional de Arte FIARTE en Granada, España, La Mostra en Polyforum Cultural Siqueiros, #noesunagale ria en Troquel, Motor de Impulso en Terreno Baldío Arte, entre otros. Es socio fundador junto con Ricardo Santos de Noesunagaleria, empresa cultural autogestiva en la Ciudad de México. Su trabajo se ha publicado en revis tas impresas y digitales como Juxtapoz en los Estados Unidos, Normal Magazine en Francia, la revista PAC en España, Inside Artzine en Alemania, Vision Magazine en China, Dark Beauty Magazine en los Estados Unidos, por nombrar algunas. Fudarylí también ha sido galardonado con premios internacionales, como la medalla de plata en el PX3 Prix de la Photographie en París, Francia y la beca David Alfaro Siqueiros para la creación artística en 2011 en la categoría de jóvenes creado res otorgados por el Instituto de Cultura de Chihuahua -«Soy el Trickster, un agente del caos, un agente del cambio, mi trabajo es una proyección entrópica de realidades alteradas, cada obra una semilla distinta en infinitos te rrenos fértiles. El arte como herramienta de transformación me permite reconfigurar a placer la realidad, el entorno en el que vivo y las mentes de los espectadores».
Estudió Diseño Gráfico en la Universidad Ibe roamericana y Diseño de Modas en el Insti tuto Marangoni en Milano, Italia. Es pintora, fotógrafa y diseñadora gráfica. También es productora de cine y proyectos culturales. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en México y otros países. El Suns hine international Museum de Beijing China cuenta con 3 de sus piezas en su acervo y la representa la galería Baahng en Nueva York. Algunas exposiciones en las que ha parti cipado son Liliths de Mayo (2022) y Cultura en Bicicleta (2022) en Galería La Mercantil; Mural efímero Homenaje a Nolberto Aceves Navarro , en Amartt, Ciudad de México (2022); Foto Noir, Photo Place Gallery Middlebury Vermont (2021), Modern Love Vol. V, Ciudad de México (2020), Identidades , Museo Archivo de la Fotografía Ciudad de México (2019), Subasta Arte Vivo en Museo Arte Moderno y Museo Jumex en diversas ediciones de la Ciudad de México desde 2004; Rembrandt 350 Años serie Trata , Galería Traeger & Pinto Ciudad de México 2019; Colectivo artistas Galería Traeger & Pinto Ciudad de México 2019, Tabla Periódica de los Elementos «Radio», Museo Universum Ciudad de México 2019; «Parteaguas» exposición individual en Baahnhg Galery, Nueva York, 2019, Instituto Italiano de Cultura en Ciudad de México 2018; Centro Cultural El Olimpo, Subasta Mérida Yucatán, 2018 y Explanada Angel Indepen dencia; Pon a rodar mis sueños , Palacio Au tonomía Ciudad de México 2016; Exposición bicicletas , Plaza Loreto, Ciudad de México 2016, Manos por México , Pinacoteca Nuevo León, México 2014; Limbo en Demiurg studio by Kai Hilgerman Gallery (2011). Su exposición individual Ojos Rojos, estuvo en Sunshine Inter national Art Museum, Beijing China 2009; Open Art 798, Art District; Centro Alemán de Diseño; Galería Fine Arts Pablo Goebel, Ciudad de
to Emergente Divergente en Baga 06, Ciudad de México, Resiliencia en Noesunagaleria, Ciudad de México 2019, MAF Micro Art Fair por #noesunagaleria y Art House Holland en los Países Bajos 2018, MACO foto 2016 y 2017 con Terreno Baldío Arte, LOOT por Mo mentum Fine Art Miami 2016, Subasta Arte Vivo en el Museo de Arte Moderno, Ciudad de México 2015 y 2016, Endangered Visions , MANILART 2014, en Manila, Filipinas, La Cave #3 , Atelier Cross Art en Berlín, 2014, Sexto Continente , Palacio de la Merced, Córdoba, España; Cuarta Feria Internacional de Arte FIARTE en Granada, España, La Mostra en Polyforum Cultural Siqueiros, #noesunagale ria en Troquel, Motor de Impulso en Terreno Baldío Arte, entre otros. Es socio fundador junto con Ricardo Santos de Noesunagaleria, empresa cultural autogestiva en la Ciudad de México. Su trabajo se ha publicado en revis tas impresas y digitales como Juxtapoz en los Estados Unidos, Normal Magazine en Francia, la revista PAC en España, Inside Artzine en Alemania, Vision Magazine en China, Dark Beauty Magazine en los Estados Unidos, por nombrar algunas. Fudarylí también ha sido galardonado con premios internacionales, como la medalla de plata en el PX3 Prix de la Photographie en París, Francia y la beca David Alfaro Siqueiros para la creación artística en 2011 en la categoría de jóvenes creado res otorgados por el Instituto de Cultura de Chihuahua -«Soy el Trickster, un agente del caos, un agente del cambio, mi trabajo es una proyección entrópica de realidades alteradas, cada obra una semilla distinta en infinitos te rrenos fértiles. El arte como herramienta de transformación me permite reconfigurar a placer la realidad, el entorno en el que vivo y las mentes de los espectadores».
PILAR GOUTAS (México, N. 1963)
Estudió Diseño Gráfico en la Universidad Ibe
PILAR GOUTAS (México, N. 1963)
PRINCE LÁUDER (México, N. 1992)
PROYECTO 6X4 (s/f)
(Colombia, N. 1982)
PRINCE LÁUDER (México, N. 1992)
PROYECTO 6X4 (s/f)
6 x 4 es un proyecto que ofrece, a través de una plataforma digital y un Comité Curato rial, obras de arte originales, certificadas y enmarcadas dentro un capelo- marco de acrílico listas para ser colgadas al muro. Toda la obra está estandarizada tanto en formato como en precio, es decir, cada pieza mide 6x4 pulgadas y tiene un costo de 5 mil pesos sin importar el autor o la técnica. La obra se envía a cualquier punto de la República Mexi cana a través de mensajería sin cargo alguno. 6x4 intenta promover el arte cumpliendo con 3 objetivos principales: 1) Romper con la barrera precio para que obra de calidad llegue a nuevos muros ; 2) Volver el arte accesible a
Desde muy temprana edad, el trabajo de Prince Láuder comenzó a desarrollarse a través de su gran gusto por las artes. A los 15 años de una manera muy autodidacta, Prince comienza a experimentar con dife rentes técnicas como la pintura, la fotografía y el collage, siempre buscando la relación
Pipe Yanguas nació con una intensa vena artística que lo mantiene creando en todo momento. Como artista visual, se ha dedica do a fotografiar las pasiones de personas de todo tipo de culturas con su compañía The Photo Biographer, que empezó en Miami en el 2010. En el 2018 se publicó un libro de mesa, Haiti Rediscovered, The Quintessential Potomi tan, del cual fue co-autor como fotógrafo. En el 2020 decidió mostrarle al mundo otras de sus pasiones en la vida, el dibujo y la pintura, a través de su nuevo lenguaje artístico que se destaca por el uso exclusivo de puntos y líneas. Su trabajo como fotógrafo lo ha llevado regularmente a viajar entre el Medio Oriente, Europa y las Américas pero durante la pandemia COVID-19 se sumergió de lleno en el dibujo y la pintura. Este camino artístico ha llevado a Pipe a usar varias técnicas para expresar su visión, como la pintura, el video art, arte digital y el muralismo. Su trabajo nos invita a envolvernos en la singularidad y atemporalidad de sus obras.
Pipe Yanguas nació con una intensa vena artística que lo mantiene creando en todo momento. Como artista visual, se ha dedica do a fotografiar las pasiones de personas de todo tipo de culturas con su compañía The Photo Biographer, que empezó en Miami en el 2010. En el 2018 se publicó un libro de mesa, Haiti Rediscovered, The Quintessential Potomi tan, del cual fue co-autor como fotógrafo. En el 2020 decidió mostrarle al mundo otras de sus pasiones en la vida, el dibujo y la pintura, a través de su nuevo lenguaje artístico que se destaca por el uso exclusivo de puntos y líneas. Su trabajo como fotógrafo lo ha llevado regularmente a viajar entre el Medio Oriente, Europa y las Américas pero durante la pandemia COVID-19 se sumergió de lleno en el dibujo y la pintura. Este camino artístico ha llevado a Pipe a usar varias técnicas para expresar su visión, como la pintura, el video art, arte digital y el muralismo. Su trabajo nos invita a envolvernos en la singularidad y atemporalidad de sus obras.
México 2008; Zone Chelsea Center of the Arts Collections Zonema, Nueva York 2007 y 2006; en Atrio Centro Histórico, Ciudad de México en 2005 y Open en Venecia Italia, en el mismo año. Mientras que Proyecto Mural, se presentó en el Palacio Postal, en la Ciudad de México en 2004; Del Lado de Acá en Galería Sans Filtre. Ciudad de México 2004 en donde también presentó Del lado de Allá en la misma Galería y en la Uni versidad Iberoamericana, Campus Ciudad de México 2003 así como en Casa Lamm, 1995.
Prince comienza a experimentar con dife rentes técnicas como la pintura, la fotografía y el collage, siempre buscando la relación que hay entre ellas. Con estudios en filo sofía y estética por la facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, logra establecer un diálogo entre la belleza y el arte, indagando en el retrato como máximo exponente de la belleza. Tras numerosas series de collages y retratos inspirados en la moda, la música y el cine, logra posicionar su obra en todo el mundo con su estilo tan característico. Lo figurativo, las formas y el color, han sido una constante en su obra, llevando su trabajo a explorar el concepto acumulativo del collage y convertirlo en una imagen ordenada. Su inspiración proviene de los recursos coti dianos y naturales, que a su vez, reinterpreta para otorgarles un nuevo lenguaje y formar una nueva relación entre ellos. La capacidad de unir y combinar, es esencial en su prácti ca, pues invita al espectador a no contemplar una obra completa, sino elementos aislados y combinaciones posibles, en donde cons tantemente se crean nuevas lecturas de su trabajo. Actualmente,ha sido galardonado como uno de los 100 mejores artistas del collage en el mundo, publicado en el libro Making a Splash en Hong Kong.
PIPE YANGUAS
PIPE YANGUAS (Colombia, N. 1982)
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que hay entre ellas. Con estudios en filo sofía y estética por la facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, logra establecer un diálogo entre la belleza y el arte, indagando en el retrato como máximo exponente de la belleza. Tras numerosas series de collages y retratos inspirados en la moda, la música y el cine, logra posicionar su obra en todo el mundo con su estilo tan característico. Lo figurativo, las formas y el color, han sido una constante en su obra, llevando su trabajo a explorar el concepto acumulativo del collage y convertirlo en una imagen ordenada. Su inspiración proviene de los recursos coti dianos y naturales, que a su vez, reinterpreta para otorgarles un nuevo lenguaje y formar una nueva relación entre ellos. La capacidad de unir y combinar, es esencial en su prácti ca, pues invita al espectador a no contemplar una obra completa, sino elementos aislados y combinaciones posibles, en donde cons tantemente se crean nuevas lecturas de su trabajo. Actualmente,ha sido galardonado como uno de los 100 mejores artistas del collage en el mundo, publicado en el libro Making a Splash en Hong Kong.
2005 y Open en Venecia Italia, en el mismo año. Mientras que Proyecto Mural, se presentó en el Palacio Postal, en la Ciudad de México en 2004; Del Lado de Acá en Galería Sans Filtre. Ciudad de México 2004 en donde también presentó Del lado de Allá en la misma Galería y en la Uni versidad Iberoamericana, Campus Ciudad de México 2003 así como en Casa Lamm, 1995.
Desde muy temprana edad, el trabajo de Prince Láuder comenzó a desarrollarse a través de su gran gusto por las artes. A los 15 años de una manera muy autodidacta,
6 x 4 es un proyecto que ofrece, a través de una plataforma digital y un Comité Curato rial, obras de arte originales, certificadas y enmarcadas dentro un capelo- marco de acrílico listas para ser colgadas al muro. Toda la obra está estandarizada tanto en formato como en precio, es decir, cada pieza mide 6x4 pulgadas y tiene un costo de 5 mil pesos sin importar el autor o la técnica. La obra se envía a cualquier punto de la República Mexi cana a través de mensajería sin cargo alguno. 6x4 intenta promover el arte cumpliendo
RAÚL ANGUIANO (México, N. 1915 - M. 2006) Pintor, muralista y grabador. A los 12 años se incorporó a la Escuela Libre de Pintura en Guadalajara y a los 19 llegó a Ciudad de México, donde estudió en la Escuela Na cional de Escultura, Pintura y Grabado «La Esmeralda» del INBA. Fue fundador del Taller de la Gráfica Popular (1938), donde principalmente realizó grabados y litografías con la idea básica de solidaridad con los trabajadores y campesinos. El mismo año, presentó su primera exhibición individual en el Palacio de Bellas Artes. En 1941 fue a Estados Unidos donde estudió y enseñó pintura. Ejerció, junto con José Guadalupe Posada, Leopoldo Méndez y los artistas del Taller de Gráfica Popular, una gran influencia sobre otros movimientos artísticos. Además también fundó el Salón de la Plástica Mexi cana. Perteneció a la segunda generación de muralistas, integrada por Jorge Gonzá lez Camarena, Federico Cantú Garza, Juan O’Gorman, entre otros. A lo largo de su vida pintó cerca de 50 murales, entre los que destacan los de la Ciudad de México en el Museo de Antropología y el de la Secretaría de Educación Pública y en Estados Unidos el del Museo Bowers en Santa Ana, California. Su obra como ilustrador incluye libros de la Expedición a Bonampak (1959) y Mtawarira. Un viaje al mundo mágico de los huicholes (1972). Enfocó su obra en el México rural e indígena. Por su continuo viajar, también pintó varios países y le gustaba dibujar des nudos. Fue merecedor del Premio Nacional
California; Colegio Comunitario Ann Arundel en Arnold, Maryland; Ball State University, Muncie de Indiana y la Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence.
RACHEL HELLMANN (s/f)
artistasdeíndiceair245
Rachel Hellmann recibió un BFA de la Uni versidad de Dayton y un MFA en Pintura de la Universidad de Boston. Su obra incluye escultura, pintura e instalación. Ha realiza do exposiciones individuales en Elizabeth Houston Gallery en Nueva York, Galeria Urbana en Dallas, Texas; Miller Yezerski Gallery en Boston, Massachusetts; Univer sity of Maine Museum of Art en Bangor en Maine y Addison Gallery of American Art, Andover, Massachusetts. Otros lugares en los que ha exhibido su trabajo son el Museo de Arte Danforth, Framingham, Massachuse tts, la Galería Philip Slein en San Luis Misuri; Samson Projects en Boston, el Centro de Bellas Artes Christel DeHaan, la Universidad de Indianápolis, y el Museo de Arte Elmhurst, en Illinois. Hellmann recibió el Premio Blanche E. Colman de Pintura y el Premio Consta tin Alajalov de la Universidad de Boston. También se hizo acreedora a residencias en la Fundación Ragdale en Forest Park, Platte Clove Preserve, Catskills, Nueva York y Playa en el este de Oregón. Fue publicada en New American Paintings vol 113 y recientemente realizó la Edward E. Elson Artist-in-Residence en la Addison Gallery of American Art. Fue profesora asistente de Pintura y Dibujo en Northern Essex Community College desde 2008 hasta mayo de 2013, cuando se mudó a Terre Haute para trabajar a tiempo completo como artista. Antes de unirse a la facultad en NECC, enseñó en Mount Ida College, School of the Museum of Fine Arts y Bunker Hill Community College. Ha sido artista visitante
con 3 objetivos principales: 1) Romper con la barrera precio para que obra de calidad llegue a nuevos muros ; 2) Volver el arte accesible a través del precio y la forma de adquirirlo, y 3) Sembrar la semilla del coleccionismo en jóvenes y adultos.
en muchas universidades, incluidas MassArt, de Boston; Universidad de Dartmouth en Hannover; Universidad de Whittier, Whittier, California; Colegio Comunitario Ann Arundel en Arnold, Maryland; Ball State University, Muncie de Indiana y la Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence.
RACHEL HELLMANN (s/f)
través del precio y la forma de adquirirlo, y 3) Sembrar la semilla del coleccionismo en jóvenes y adultos.
Rachel Hellmann recibió un BFA de la Uni versidad de Dayton y un MFA en Pintura de la Universidad de Boston. Su obra incluye escultura, pintura e instalación. Ha realiza do exposiciones individuales en Elizabeth Houston Gallery en Nueva York, Galeria Urbana en Dallas, Texas; Miller Yezerski Gallery en Boston, Massachusetts; Univer sity of Maine Museum of Art en Bangor en Maine y Addison Gallery of American Art, Andover, Massachusetts. Otros lugares en los que ha exhibido su trabajo son el Museo de Arte Danforth, Framingham, Massachuse tts, la Galería Philip Slein en San Luis Misuri; Samson Projects en Boston, el Centro de Bellas Artes Christel DeHaan, la Universidad de Indianápolis, y el Museo de Arte Elmhurst, en Illinois. Hellmann recibió el Premio Blanche E. Colman de Pintura y el Premio Consta tin Alajalov de la Universidad de Boston. También se hizo acreedora a residencias en la Fundación Ragdale en Forest Park, Platte Clove Preserve, Catskills, Nueva York y Playa en el este de Oregón. Fue publicada en New American Paintings vol 113 y recientemente realizó la Edward E. Elson Artist-in-Residence en la Addison Gallery of American Art. Fue profesora asistente de Pintura y Dibujo en Northern Essex Community College desde 2008 hasta mayo de 2013, cuando se mudó a Terre Haute para trabajar a tiempo completo como artista. Antes de unirse a la facultad en NECC, enseñó en Mount Ida College, School of the Museum of Fine Arts y Bunker Hill Community College. Ha sido artista visitante en muchas universidades, incluidas MassArt, de Boston; Universidad de Dartmouth en Hannover; Universidad de Whittier, Whittier,
RAÚL ANGUIANO (México, N. 1915 - M. 2006) Pintor, muralista y grabador. A los 12 años se incorporó a la Escuela Libre de Pintura en Guadalajara y a los 19 llegó a Ciudad de México, donde estudió en la Escuela Na cional de Escultura, Pintura y Grabado «La Esmeralda» del INBA. Fue fundador del Taller de la Gráfica Popular (1938), donde principalmente realizó grabados y litografías con la idea básica de solidaridad con los trabajadores y campesinos. El mismo año, presentó su primera exhibición individual en el Palacio de Bellas Artes. En 1941 fue a Estados Unidos donde estudió y enseñó pintura. Ejerció, junto con José Guadalupe Posada, Leopoldo Méndez y los artistas del Taller de Gráfica Popular, una gran influencia sobre otros movimientos artísticos. Además también fundó el Salón de la Plástica Mexi cana. Perteneció a la segunda generación de muralistas, integrada por Jorge Gonzá lez Camarena, Federico Cantú Garza, Juan O’Gorman, entre otros. A lo largo de su vida pintó cerca de 50 murales, entre los que destacan los de la Ciudad de México en el Museo de Antropología y el de la Secretaría de Educación Pública y en Estados Unidos el del Museo Bowers en Santa Ana, California. Su obra como ilustrador incluye libros de la Expedición a Bonampak (1959) y Mtawarira. Un viaje al mundo mágico de los huicholes (1972). Enfocó su obra en el México rural e in dígena. Por su continuo viajar, también pintó varios países y le gustaba dibujar desnudos. Fue merecedor del Premio Nacional de Cien cias y Artes en el área de Bellas Artes (2000); la primera distinción de Invierno del Salón de la Plástica Mexicana (1954) y la Con
Por su taller han pasado más de 100 jóvenes quienes han sido formados por él y su equipo de trabajo y ha acompañado a muchos crea tivos del país. Desde el 2020, Raúl creó un nuevo taller de trabajo en Bogotá y para el 2021 abrió puertas en la ciudad de Madrid. Su labor no solo ha sido como artista visual, él también ha participado como diseñador de empaques para marcas como E Class, una casa de vinos argentina producido ex clusivamente para Estados Unidos y Helados Macao para Venezuela y permanentemente junto a su equipo hace el ejercicio de llevar los conceptos artes plásticas a diseño de nuevos empaques. Asimismo, Cardozo parti cipa como conferencista en distintos esce narios con su ponencia Resignificación: Los grandes secretos de la élite creativa y como profesor de arte y diseño en cátedras como Modelado de la Figura Humana, Moldes y matrices, vaciados y acabados, Desarrollo Conceptual de Productos, Diseño de pro ductos y Diseño y experiencia de empaques. Hasta la fecha, Cardozo ha trabajado más de 40 series, ha realizado 5 exposiciones indivi duales y 40 exposiciones colectivas, lo que ha llevado su obra a ciudades como Caracas, Bogotá, Miami, Nueva York, Los Ángeles, Madrid, Barcelona, Valencia, París, Roma y Milán. Sus últimas exposiciones fueron Uni verso Flotante , 1a Exposición del Mueble de Venezuela en la Facultad y Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela. Reciente mente participó con el videoarte Umbrales , que es una extensión de Universo Flotante en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia y su última exposición individual OR by Raúl Cardozo en la plataforma británica VORTIC. ART, invitado por la Fundación Govea Meoz.
sus creaciones y combina su labor como instructor de nuevos artistas de la ciudad. Por su taller han pasado más de 100 jóvenes quienes han sido formados por él y su equipo de trabajo y ha acompañado a muchos crea tivos del país. Desde el 2020, Raúl creó un nuevo taller de trabajo en Bogotá y para el 2021 abrió puertas en la ciudad de Madrid. Su labor no solo ha sido como artista visual, él también ha participado como diseñador de empaques para marcas como E Class, una casa de vinos argentina producido ex clusivamente para Estados Unidos y Helados Macao para Venezuela y permanentemente junto a su equipo hace el ejercicio de llevar los conceptos artes plásticas a diseño de nuevos empaques. Asimismo, Cardozo parti cipa como conferencista en distintos esce narios con su ponencia Resignificación: Los grandes secretos de la élite creativa y como profesor de arte y diseño en cátedras como Modelado de la Figura Humana, Moldes y matrices, vaciados y acabados, Desarrollo Conceptual de Productos, Diseño de pro ductos y Diseño y experiencia de empaques. Hasta la fecha, Cardozo ha trabajado más de 40 series, ha realizado 5 exposiciones indivi duales y 40 exposiciones colectivas, lo que ha llevado su obra a ciudades como Caracas, Bogotá, Miami, Nueva York, Los Ángeles, Madrid, Barcelona, Valencia, París, Roma y Milán. Sus últimas exposiciones fueron Uni verso Flotante , 1a Exposición del Mueble de Venezuela en la Facultad y Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela. Reciente mente participó con el videoarte Umbrales , que es una extensión de Universo Flotante en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia y su última exposición individual OR by Raúl Cardozo en la plataforma británica VORTIC. ART, invitado por la Fundación Govea Meoz.
Es artista plástico y diseñador industrial. Su trabajo creativo ha estado basado en inves tigar y explorar el inconsciente colectivo y el cómo la humanidad se ha relacionado e interpretado con el concepto de la Divinidad, llevando a sus obras a la reflexión de la ex periencia personal en un mundo totalmente unificado por las energías, los pensamientos y los actos. Cardozo, comenzó su carrera ar tística a los 5 años de edad de la mano de su padre, quien es pintor y miniaturista recono cido en la comunidad de El Hatillo en Vene zuela. A partir de entonces inició sus estudios de dibujo, pintura y cerámica con Natalia Santamaría con su primera exposición de pinturas en El Centro Cultural El Hatillo. A los 11 años de edad ganó su primer premio de pintura en el 29th International Children Art Exhibition del Gobierno de Japón, entregado en el Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber en la ciudad de Caracas. Sus estudios universitarios comenzaron en la escuela de arte más importante del país, el Instituto Uni versitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón donde estudió Artes Plásticas y luego ingresó al Instituto de Diseño Caracas donde se graduó como dise ñador industrial y años más tardes participó
de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes (2000); la primera distinción de Invierno del Salón de la Plástica Mexicana (1954) y la Con decoración José Clemente Orozco, otorgada por el Congreso de Jalisco (1956). Otros re conocimientos a los que fue acreedor son la Medalla de Oro del Salón Panamericana de Porto Alegre, Brasil (1958) y el Premio Jalisco (1988). Desde 1993 fue parte del Sistema Na cional de Creadores. Algunas de las obras del reconocido artista integran colecciones en Argentina, Bélgica, China, Estados Unidos, Francia, Italia, México, Polonia y Suecia.
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RAÚL CARDOZO (N. 1986)
decoración José Clemente Orozco, otorgada por el Congreso de Jalisco (1956). Otros re conocimientos a los que fue acreedor son la Medalla de Oro del Salón Panamericana de Porto Alegre, Brasil (1958) y el Premio Jalisco (1988). Desde 1993 fue parte del Sistema Na cional de Creadores. Algunas de las obras del reconocido artista integran colecciones en Argentina, Bélgica, China, Estados Unidos, Francia, Italia, México, Polonia y Suecia.
como profesor. Raúl fundó su primer taller de arte individual en el 2015 en la ciudad de Caracas, donde hasta entonces desarrolla sus creaciones y combina su labor como instructor de nuevos artistas de la ciudad.
RAÚL CARDOZO (N. 1986)
Es artista plástico y diseñador industrial. Su trabajo creativo ha estado basado en inves tigar y explorar el inconsciente colectivo y el cómo la humanidad se ha relacionado e interpretado con el concepto de la Divinidad, llevando a sus obras a la reflexión de la ex periencia personal en un mundo totalmente unificado por las energías, los pensamientos y los actos. Cardozo, comenzó su carrera ar tística a los 5 años de edad de la mano de su padre, quien es pintor y miniaturista recono cido en la comunidad de El Hatillo en Vene zuela. A partir de entonces inició sus estudios de dibujo, pintura y cerámica con Natalia Santamaría con su primera exposición de pinturas en El Centro Cultural El Hatillo. A los 11 años de edad ganó su primer premio de pintura en el 29th International Children Art Exhibition del Gobierno de Japón, entregado en el Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber en la ciudad de Caracas. Sus estudios universitarios comenzaron en la escuela de arte más importante del país, el Instituto Uni versitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón donde estudió Artes Plásticas y luego ingresó al Instituto de Diseño Caracas donde se graduó como dise ñador industrial y años más tardes participó como profesor. Raúl fundó su primer taller de arte individual en el 2015 en la ciudad de Caracas, donde hasta entonces desarrolla
brillante propenso a la oxidación que exalta la belleza del paso del tiempo. Sus obras tientan al tiempo a pasar sobre ellas, el es pectador se vuelve consciente de que todo alrededor, la materia, aún tiene vida y mo vimiento. Así, su obra resalta por la sutileza de sus formas y colores como andamiajes a una nueva narrativa.
Artista mexicano, egresado de Arquitectura de la UNAM. En 2009, presentó su primera exposición colectiva titulada 14 individuales en GB Gallery y en ese mismo año, realizó su primera exposición individual en una casona sobre la calle de Reforma, en la cual se expusieron más de 40 de sus obras, inspiradas en las distintas personalidades del gremio artístico. Dentro de sus exposi ciones más importantes resaltan Gigantes , que constó de siete retratos arrugados presentados en Barcelona (2012); Agua y emociones , en el espacio galería de El Dorado on the Beach, Puerto Vallarta (2012) y posteriormente en el Centro Libanés (2013), así como un trabajo colaborativo con Pedro Friedeberg en la obra Silla-mano para una subasta en la exposición Manos por México en el museo Franz Mayer para la Fundación V. Ferrara. En 2015, presentó para MaxMara la nueva colección de pri mavera con el diseño de un aparador en la boutique Masaryk en Polanco, además de la realización de obras hiperrealistas y un piano invertido con la textura de dicha temporada. Ese mismo año participó como conferencista para TEDx, presentado por la UNAM y realizó una obra inspirada en la Whitney Bag , misma que fue subastada para la Fundación Rebeca de Alba. En 2016 trabajó para Calvin Klein con la interven ción de un piano, una instalación y el arte musical de la temporada de la marca.
RENATA ALARCÓN (México, N. 1994)
RICARDO GARDUÑO (México, N. 1988)
brillante propenso a la oxidación que exalta la belleza del paso del tiempo. Sus obras tientan al tiempo a pasar sobre ellas, el es pectador se vuelve consciente de que todo alrededor, la materia, aún tiene vida y mo vimiento. Así, su obra resalta por la sutileza de sus formas y colores como andamiajes a una nueva narrativa.
El descubrimiento por las artes comenzó de una manera empírica en la vida de Renata Alarcón, dentro de los talleres de sus bis abuelos que fabricaban candiles y ornamen tos decorativos en latón y plata. Es ahí donde la artista, con el paso de los años y por medio de exploraciones, descubrió cómo otorgarle un contexto y diálogo a los materiales inte ractuando con ellos para darles un nuevo sentido. Motivada por esta narrativa, Renata Alarcón cursó un programa educativo en la Academia de San Carlos, donde descubrió distintas técnicas e ideas para la interven ción artística de los objetos. Recientemente su práctica con metales la impulsó a partir de cursos y talleres en la escuela de Arte sanías de la Ciudad de México, especializán dose en joyería; experiencia que facilitó la introducción al conocimiento de los metales. Considerando el nuevo aprendizaje de los elementos y las técnicas artísticas adquiri das, logró interactuar de forma constructiva dentro del marco artístico. Como extensión de su práctica ha colaborado con diversos artistas en proyectos comerciales y cultu rales. En su trabajo también es recurrente la literatura como medio de expresión. Las publicaciones más recientes han sido para la revista GLISE en dos ediciones consecu tivas, así como colaboraciones y textos cu ratoriales y semblanzas para otros artistas. Actualmente, la caracterización de su obra aspira a deconstruir formas básicas encon tradas en la naturaleza y la geometría por medio de exploraciones con diversos mate riales. La narración de la figura resultante cuestiona el pensamiento del Ser sobre la distorsión que le ha atribuido a cada objeto en la naturaleza y al contrario, como el ambiente y lo que rodea al Ser, modifica e influye el pensamiento del mismo. Las obras resaltan con el brillo del latón, un dorado
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Considerando el nuevo aprendizaje de los elementos y las técnicas artísticas adquiri das, logró interactuar de forma constructiva dentro del marco artístico. Como extensión de su práctica ha colaborado con diversos artistas en proyectos comerciales y cultu rales. En su trabajo también es recurrente la literatura como medio de expresión. Las publicaciones más recientes han sido para la revista GLISE en dos ediciones consecu tivas, así como colaboraciones y textos cu ratoriales y semblanzas para otros artistas. Actualmente, la caracterización de su obra aspira a deconstruir formas básicas encon tradas en la naturaleza y la geometría por medio de exploraciones con diversos mate riales. La narración de la figura resultante cuestiona el pensamiento del Ser sobre la distorsión que le ha atribuido a cada objeto en la naturaleza y al contrario, como el ambiente y lo que rodea al Ser, modifica e influye el pensamiento del mismo. Las obras resaltan con el brillo del latón, un dorado
El descubrimiento por las artes comenzó de una manera empírica en la vida de Renata Alarcón, dentro de los talleres de sus bis abuelos que fabricaban candiles y ornamen tos decorativos en latón y plata. Es ahí donde la artista, con el paso de los años y por medio de exploraciones, descubrió cómo otorgarle un contexto y diálogo a los materiales inte ractuando con ellos para darles un nuevo sentido. Motivada por esta narrativa, Renata Alarcón cursó un programa educativo en la Academia de San Carlos, donde descubrió distintas técnicas e ideas para la interven ción artística de los objetos. Recientemente su práctica con metales la impulsó a partir de cursos y talleres en la escuela de Arte sanías de la Ciudad de México, especializán dose en joyería; experiencia que facilitó la introducción al conocimiento de los metales.
Artista mexicano, egresado de Arquitectura de la UNAM. En 2009, presentó su primera exposición colectiva titulada 14 individuales en GB Gallery y en ese mismo año, realizó su primera exposición individual en una casona sobre la calle de Reforma, en la cual se expusieron más de 40 de sus obras, inspiradas en las distintas personalidades del gremio artístico. Dentro de sus exposi ciones más importantes resaltan Gigantes , que constó de siete retratos arrugados presentados en Barcelona (2012); Agua y emociones , en el espacio galería de El Dorado on the Beach, Puerto Vallarta (2012) y posteriormente en el Centro Libanés (2013), así como un trabajo colaborativo con Pedro Friedeberg en la obra Silla-mano para una subasta en la exposición Manos por México en el museo Franz Mayer para la Fundación V. Ferrara. En 2015, presentó para MaxMara la nueva colección de pri mavera con el diseño de un aparador en la boutique Masaryk en Polanco, además de la realización de obras hiperrealistas y un piano invertido con la textura de dicha temporada. Ese mismo año participó como conferencista para TEDx, presentado por la UNAM y realizó una obra inspirada en la Whitney Bag , misma que fue subastada para la Fundación Rebeca de Alba. En 2016 trabajó para Calvin Klein con la interven ción de un piano, una instalación y el arte musical de la temporada de la marca.
RENATA ALARCÓN (México, N. 1994)
RICARDO GARDUÑO (México, N. 1988)
rentes espacios especializados en grabado para impartir talleres y exponer su obra. En la actualidad, se encuentra al frente del taller de gráfica Rinoceronte Magenta, espacio orienta do a producción, experimentación y difusión de la gráfica contemporánea.
RICARDO SANABRIA (México, N. 1983)
Es egresado de la Facultad de Artes de la Uni versidad Autónoma de Chihuahua. Su obra ha sido expuesta en espacios de divulgación tales como el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, Museo Franz Mayer, Museo Casa Redonda, Museo del Desierto; en Países Bajos: COBRA Museo, Art House Holland, NDSM Fuse Amsterdam, Museum de Lakenhal, Old School Gallery y NoEsUnaGalería de Países Bajos, por mencionar algunos. Hasta el momento ha realizado dos residencias en Art House Holland, Países Bajos. Es cofundador de NoE sUnaGalería, plataforma autogestora de difu sión, colaboración y residencias para artistas emergentes a nivel nacional e internacional, la cual cuenta con dos sedes, una en Ciudad de México y recientemente otra en Utrecht, Países Bajos. De esta manera, NEUG cuenta con más de 20 ediciones de las cuales, varias de ellas, se llevaron a cabo en diversas ciudades a lo largo de los Países Bajos como Ámsterdam, Utrech y Leiden. Actualmente trabaja en estrecha cola boración con la embajada de México para llevar a cabo más proyectos que involucren el inter cambio cultural entre ambos países.
Nació en Toluca en 1983. Su formación acadé mica inició en la Escuela de Bellas Artes de la capital mexiquense y lleva más de seis años de experimentación en la gráfica. Su obra se ha exhibido en Taiwán, Colombia, Cuba, Brasil, China y Estados Unidos, en más de treinta exposiciones colectivas y cuatro muestras individuales de obra inédita. La producción plástica de Sanabria se encuentra en colecciones públicas y privadas y ha sido seleccionada en los más importantes certámenes de gráficas nacionales como 6ta Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinzaburo Takeda, Oaxaca, en 2019; XI Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, Michoacán 2018, XXII Concurso Nacional de Artes Visuales, Guanajuato, en el misma año y la Tercera Bienal Internacional José Guadalupe Posada, Aguascalientes en 2017. Como parte de su labor docente, ha desarrollado de manera independiente una investigación sobre la técnica litografía sin agua; gracias a ello, ha sido invitado a dife-
RICARDO SANTOS (México, N. 1983) Es egresado de la Facultad de Artes de la Uni versidad Autónoma de Chihuahua. Su obra ha sido expuesta en espacios de divulgación tales como el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, Museo Franz Mayer, Museo Casa Redonda, Museo del Desierto; en Países Bajos: COBRA Museo, Art House Holland, NDSM Fuse Amsterdam, Museum de Lakenhal, Old School Gallery y NoEsUnaGalería de Países Bajos, por mencionar algunos. Hasta el momento ha realizado dos residencias en Art House Holland, Países Bajos. Es cofundador de NoE sUnaGalería, plataforma autogestora de difu sión, colaboración y residencias para artistas emergentes a nivel nacional e internacional, la cual cuenta con dos sedes, una en Ciudad de México y recientemente otra en Utrecht, Países Bajos. De esta manera, NEUG cuenta con más de 20 ediciones de las cuales, varias de ellas, se llevaron a cabo en diversas ciudades a lo largo de los Países Bajos como Ámsterdam, Utrech y Leiden. Actualmente trabaja en estrecha cola boración con la embajada de México para llevar a cabo más proyectos que involucren el inter cambio cultural entre ambos países.
ROB WOODCOX
248iraíndicedeartistas
Vive y trabaja en Guadalajara, México. En su obra explora inquietudes y anhelos que coinciden con el espectador tomando aspectos emocionales como punto de partida. La saturación maximalista y las referencias de flora y fauna son claves en su obra, que aparecen en ella a través de diversas técnicas como el collage, ilustración y digitalización de dibujo y fotografía. Los últimos años ha trabajado metáforas de distintas especies de aves con el ser humano. Hace fusiones de lo análogo, lo digital y piezas que capturan distintos periodos y procesos, además de especializarse en la producción de estampados textiles. Su trabajo puede encontrarse en galerías, revistas, portadas de discos y líneas de ropa nacionales e internacionales.
RICARDO LUÉVANOS
Nació en Toluca en 1983. Su formación acadé mica inició en la Escuela de Bellas Artes de la capital mexiquense y lleva más de seis años de experimentación en la gráfica. Su obra se ha exhibido en Taiwán, Colombia, Cuba, Brasil, China y Estados Unidos, en más de treinta exposiciones colectivas y cuatro muestras individuales de obra inédita. La producción plástica de Sanabria se encuentra en colecciones públicas y privadas y ha sido seleccionada en los más importantes certámenes de gráficas nacionales como 6ta Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinzaburo Takeda, Oaxaca, en 2019; XI Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, Michoacán 2018, XXII Concurso Nacional de Artes Visuales, Guanajuato, en el misma año y la Tercera Bienal Internacional José Guadalupe Posada, Aguascalientes en 2017. Como parte de su labor docente, ha desarrollado de manera independiente una investigación sobre la técnica litografía sin agua; gracias a ello, ha sido invitado a dife-
RICARDO LUÉVANOS (México, N. 1985)
ROB WOODCOX (Estados Unidos, N. s/f)
Vive y trabaja en Guadalajara, México. En su obra explora inquietudes y anhelos que coinciden con el espectador tomando aspectos emocionales como punto de partida. La saturación maximalista y las referencias de flora y fauna son claves en su obra, que aparecen en ella a través de diversas técnicas como el collage, ilustración y digitalización de dibujo y fotografía. Los últimos años ha trabajado metáforas de distintas especies de aves con el ser humano. Hace fusiones de lo análogo, lo digital y piezas que capturan distintos periodos y procesos, además de especializarse en la producción de estampados textiles. Su trabajo puede encontrarse en galerías, revistas, portadas de discos y líneas de ropa nacionales e internacionales.
(Estados Unidos, N. s/f)
(México, N. 1985)
RICARDO SANABRIA (México, N. 1983)
Es un fotógrafo de bellas artes y director de cine que actualmente vive entre México y Estados Unidos. A medida que crea cada obra de arte, Rob se esfuerza por capturar fragmentos de una vida vívida cosidos por los hilos de la realidad, la memoria y el sueño. Cada concepto es una de claración de su experiencia y busca contar una
rentes espacios especializados en grabado para impartir talleres y exponer su obra. En la actualidad, se encuentra al frente del taller de gráfica Rinoceronte Magenta, espacio orienta do a producción, experimentación y difusión de la gráfica contemporánea.
RICARDO SANTOS (México, N. 1983)
Es un fotógrafo de bellas artes y director de cine que actualmente vive entre México y Estados Unidos. A medida que crea cada obra de arte, Rob se esfuerza por capturar fragmentos de una vida vívida cosidos por los hilos de la realidad, la memoria y el sueño. Cada concepto es una de claración de su experiencia y busca contar una
(México, N. 1925 - M. 2001)
RODOLFO MORALES
RODOLFO MORALES (México, N. 1925 - M. 2001) Nació el 8 de mayo de 1925 en Ocotlán de Morelos, Oaxaca y falleció el 30 de enero de 2001, en Oaxaca de Juárez, México. Fue un pintor surrealista mexicano que incorporó elementos de realismo mágico en su obra, como el lienzo titulado El sueño . Fue notable por su restauración de edificios históricos en Ocotlán. Creó en Ocotlán de Morelos, Oaxaca un centro de arte para fomentar la educación, la cultura y las artes.
historia significativa para cada individuo que lo contempla. La pasión de Rob por la fotografía se ha convertido en una dedicación a la defensa por lo que ha producido proyectos que elevan la conciencia y la conversación sobre el sistema de crianza y adopción de Estados Unidos, la identidad queer, la neutralidad corporal, la igual dad racial y la justicia ambiental. Habiendo sido adoptado cuando era niño e interactuando a menudo con el sistema de acogida, Rob crea desde una perspectiva única, encontrando es peranza en la conexión humana y la voluntad de superar las construcciones negativas dentro de nuestras sociedades complejas. En 2013, Rob pasó por su propia experiencia de «salir del closet», un paso que realizó sólo y de forma ne cesaria debido a la falta de educación y acepta ción dentro de la población en general. Aunque fue una experiencia desafiante y exigente, usó esta energía para perseguir sus objetivos foto gráficos a tiempo completo y comenzó a viajar por el mundo impartiendo talleres y creando contenido patrocinado. Rob ha enseñado a miles de estudiantes en 6 continentes, 15 países y 34 ciudades en todo el mundo. Ha aparecido en varias publicaciones importantes, exhibi ciones y ha producido trabajos comerciales para clientes como Universal Pictures y Capitol Records. En 2020, lanzó su primer libro de arte fotográfico Bodies Of Light. En 2021, asumió su primer papel como director de cine en We Are Molecular en asociación con la Dra. Barbara Sturm y el Royal Ballet de Londres. Su trabajo fue visto en museos y festivales de Europa, Asia y América del Norte. Continúa embarcándose en nuevos proyectos creativos personales y de clientes, tanto en dirección fotográfica como cinematográfica.
En 1976 comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Iniciación Artística no. 2 del INBA-SEP; en 1977 ingresó a la Escuela Na
En 1976 comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Iniciación Artística no. 2 del IN BA-SEP; en 1977 ingresó a la Escuela Nacio nal de Pintura, Escultura y Grabado
historia significativa para cada individuo que lo contempla. La pasión de Rob por la fotografía se ha convertido en una dedicación a la defensa por lo que ha producido proyectos que elevan la conciencia y la conversación sobre el sistema de crianza y adopción de Estados Unidos, la identidad queer, la neutralidad corporal, la igual dad racial y la justicia ambiental. Habiendo sido adoptado cuando era niño e interactuando a menudo con el sistema de acogida, Rob crea desde una perspectiva única, encontrando es peranza en la conexión humana y la voluntad de superar las construcciones negativas dentro de nuestras sociedades complejas. En 2013, Rob pasó por su propia experiencia de «salir del closet», un paso que realizó sólo y de forma ne cesaria debido a la falta de educación y acepta ción dentro de la población en general. Aunque fue una experiencia desafiante y exigente, usó esta energía para perseguir sus objetivos foto gráficos a tiempo completo y comenzó a viajar por el mundo impartiendo talleres y creando contenido patrocinado. Rob ha enseñado a miles de estudiantes en 6 continentes, 15 países y 34 ciudades en todo el mundo. Ha aparecido en varias publicaciones importantes, exhibi ciones y ha producido trabajos comerciales para clientes como Universal Pictures y Capitol Records. En 2020, lanzó su primer libro de arte fotográfico Bodies Of Light. En 2021, asumió su primer papel como director de cine en We Are Molecular en asociación con la Dra. Barbara Sturm y el Royal Ballet de Londres. Su trabajo fue visto en museos y festivales de Europa, Asia y América del Norte. Continúa embarcándose en nuevos proyectos creativos personales y de clientes, tanto en dirección fotográfica como cinematográfica.
«La Esmeralda» del INBA y en 1980 obtuvo su primera beca en producción, participan do en diversos concursos, subrayando su presencia en el Segundo Salón Anual de Artes Plásticas del Museo del Palacio Na cional de Bellas Artes (1980), como finalista la sección de Nueva Figuración y Neoex presionismo. Posteriormente, se presentó en el Segundo Encuentro Nacional de Arte Joven (1981) y obtuvo el premio especial en la Primera Bienal de Dibujo del Salón Nacional de Arte Plásticas del INBA (1982), llamando la atención de la crítica especia lizada, particularmente la de la Maestra Raquel Tibol y el legendario museógrafo mexicano, Fernando Gamboa. Realizó en tonces su primera exposición individual en la Galería Sloane Racotta, en la Ciudad México (1983); presentó una exhibición individual en la Galería Reynold Kerr Soho, Nueva York (1984) y en la Galería Misrachi, México, así como en un sinfín de exposi ciones colectivas en diversos museos y galerías, principalmente de México, Centro américa y Estados Unidos. En 1988 expusó individualmente Anatomías en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, misma que se presentó posteriormente en otros recintos como el Museo de Monterrey y en el Museo Regional de Guadalajara.
Nació el 8 de mayo de 1925 en Ocotlán de Morelos, Oaxaca y falleció el 30 de enero de 2001, en Oaxaca de Juárez, México. Fue un pintor surrealista mexicano que incorporó elementos de realismo mágico en su obra, como el lienzo titulado El sueño . Fue notable por su restauración de edificios históricos en Ocotlán. Creó en Ocotlán de Morelos, Oaxaca un centro de arte para fomentar la educación, la cultura y las artes.
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cional de Pintura, Escultura y Grabado «La Esmeralda» del INBA y en 1980 obtuvo su primera beca en producción, participando en diversos concursos, subrayando su pre sencia en el Segundo Salón Anual de Artes Plásticas del Museo del Palacio Nacional de Bellas Artes (1980), como finalista en la sección de Nueva Figuración y Neoexpre sionismo. Posteriormente, se presentó en el Segundo Encuentro Nacional de Arte Joven (1981) y obtuvo el premio especial en la Primera Bienal de Dibujo del Salón Nacional de Arte Plásticas del INBA (1982), llamando la atención de la crítica especia lizada, particularmente la de la Maestra Raquel Tibol y el legendario museógrafo mexicano, Fernando Gamboa. Realizó en tonces su primera exposición individual en la Galería Sloane Racotta, en la Ciudad de México (1983); presentó una exhibición individual en la Galería Reynold Kerr Soho, Nueva York (1984) y en la Galería Misrachi, México, así como en un sinfín de exposi ciones colectivas en diversos museos y galerías, principalmente de México, Centro américa y Estados Unidos. En 1988 expusó individualmente Anatomías en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, misma que se presentó posteriormente en otros recintos como el Museo de Monterrey y en el Museo Regional de Guadalajara.
ROBERTO CORTÁZAR (México, N. 1962)
(México, N. 1962)
RODRIGO DE LA SIERRA (México, N. 1971)
Rodrigo De la Sierra vive y trabaja en la Ciudad de México, donde nació en 1971. Al finalizar la licenciatura en Arquitectura, un diplomado de Creatividad en la Universidad del Valle de México y desarrollarse durante 12 años como arquitecto, De la Sierra estudió artes plásticas durante 4 años en talleres de Técnica de mate riales y pátinas y Taller de Escultura en Círculo de Arte y Escultura Pippal. Realizó cursos de modelado, talla en madera, moldes y vaciado, así como escultura figurativa en la Universidad Iberoamericana, continuando su formación de modo autodidacta. En 2016, recibió el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Autónoma del Estado de México y en su honor la Facultad de Arquitectura y Diseño de la UAEM nombró la Plaza del Arte Rodrigo de la Sierra Timoteo . En el 2018, en homenaje a su trayectoria profesional y al trabajo de asistencia social, la Lotería Nacional dedicó su sorteo al personaje Timoteo . Ese mismo año, Timoteo apareció en el Timbre Postal conmemorando El día Mundial del Correo . En 2012 fue posicionado por la revista Forbes dentro del Top 10 de los 100 Mexicanos Más Creativos en el Mundo. Hoy en día, se muestra su trabajo en la Ciudad de México, San Miguel de Allende, Puebla, Xalapa, Chicago y ciudades en Corea del Sur y Malasia. De la Sierra ha participado con fundaciones que colaboran con la Organización de las Naciones Unidas, mantiene de manera paralela una actividad filantrópica, apoyando a cerca de 20 fundaciones nacionales e internacionales cada año. Ha colaborado con organizaciones de donación de órganos, a favor del medio ambiente y otras fundaciones como son Aid for Aids en Nueva York, Fundación México Vivo, Unidos Somos Iguales Cuernavaca A.C, Fundación Todo por el Cine y Fundación Alma, entre otras. Con más de 13 años de trayectoria como escultor, De la Sierra ha logrado exponer su obra en las ciudades
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más importantes de países como Italia, China, Corea del Sur, Estados Unidos y México. Ha sido seleccionado para participar en algunas de las más prestigiadas bienales en España, Japón e Italia. También, ha participado en ferias nacionales e internacionales tales como Zona Maco Ciudad de México, SCOPE Miami y SCOPE Nueva York, Art Market San Francis co, Art Palm Springs, LA Art Show, Art Busan, Asia Contemporary Art Show, Expo Chicago y Affordable Art Fair Singapur. Entre sus ex posiciones más importantes, se encuentran Timo and His World en Zhou B Art Center en Chicago, Illinois (2017), Timo Mirando al Sureste en Mérida, Yucatán (2019). En 2022, su obra monumental Horizonte es seleccionada para presentar en Venecia, en el marco de la Bienal, en la exposición Personal Structures , organizada por el European Cultural Centre. Ha tenido exposiciones importantes en el Museo de la Ciudad Santiago de Querétaro, el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, el Centro Cultural Isidro Fabela-Mu seo Casa del Risco en la Ciudad de México, el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México, el Centro Médico Nacional Siglo XXI, el Centro Cultural Mexiquense, el Museo de Arte Moderno del Estado de México, el Museo Jumex, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y el Museo Soumaya. Además, ha expuesto en recintos importan tes del país como la Secretaría de Goberna ción, la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM), la Cámara de Diputados, el Senado de la República, el Centro Adminis trativo Pemex, el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México (AICM) y el MACAY en Mérida Yucatán. Participó en el Premio Nobel de la Paz en Mérida, Yucatán y ha presentado su obra espacios públicos relevantes tales como La Alameda Central Ciudad de México, la Plaza de Armas de Chihuahua, Metepec, en pueblos mágicos como Valle de Bravo, El Oro, Tepotzotlán y Malinalco, entre otros.
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trabajo del campo y de los obreros y es socio fundador de Galería Chica. En el 2013 fue seleccionado para revisión de su trabajo en la Convocatoria de Crítica de Portafolios del Museo Universitario Arte Contemporáneo de la UNAM, en la Ciudad de México. Su obra ha estado bajo la crítica de Cuauhtémoc Medina, Curador en Jefe del el Museo Universitario de Arte Contemporáneo y Daniel Montero, Doctor en Historia del Arte por la UNAM, con quien tomó el Taller de Producción para Artis tas dentro del mismo museo en 2016. Ha ex puesto individualmente en el Museo de Arte Raúl Anguiano de la ciudad de Guadalajara y en el Museo Regional de Tepatitlán. Ha parti cipado en exposiciones colectivas en museos y galerías de la ciudad de Guadalajara, Ciudad de México y Miami, Estados Unidos. En el 2017, Rodrigo González Castellanos partici pó junto con Jose Dávila, Gonzalo Lebrija, Jorge Méndez Blake y entre otros artistas en la exposición colectiva DIY Fiction, curada por Paulina Ascencio y Geovana Ibarra en la Fundación Careyes en Jalisco, México. Fue becario del Programa de Estímulo a la Crea ción y al Desarrollo Artístico de Jalisco PECDA 2016-2017. A finales del 2017, recibió una mención honorífica en la X Bienal de Arqui tectura Jalisciense por el trabajo museográ fico de su exposición Lana Amarilla . También sus obras de arte se han exhibido en museos como el Instituto Cultural Cabaña, Museo de la Ciudad de Guadalajara y ha participado en subastas como la de Arte Vivo, celebrada en el Museo de Arte Moderno, en ferias de arte como JustMad en Madrid, Salón ACME en Ciudad de México, Feria de Arte de Mexicano Accesible en Monterrey –bajo la representa ción de Galería Chica–. También realizó una residencia en el Hotel el Ganzo durante una semana en mayo 2019. Sus obras se encuen tran en colecciones como La nueva colección Pilar Citole r en Zaragoza, España, Colección Font-Irwin en Londres, Inglaterra, Colección
Originario de Tepatitlán, Jalisco, nació el 8 de mayo de 1987, creció en el ambiente agrope cuario y del campo. En el 2005 se mudó a la ciudad de Guadalajara en el mismo Estado para estudiar Arquitectura, posteriormente comenzó a interesarse en el arte realizando piezas que mostraran el trabajo físico y el des gaste vivido en el campo y la construcción. Actualmente, realiza trabajos e investigacio nes sobre materiales rurales y constructivos, siguiendo su misma línea del desgaste, el
Nació en la Ciudad de México en 1971. Estudió arquitectura en la Universidad Iberoameri cana, posteriormente trabajó tres años en el Museo Nacional de San Carlos diseñando la museografía para exposiciones temporales.
Estudió cursos de arte en Francia, Italia y Re pública Checa. Encontró un lenguaje durante el proceso de construcción de los edificios, así como en las estructuras de soporte de las escenografías y en la museografía misma: la geometría y la posibilidad de formas jugando con fuerzas naturales como la gravedad o el viento, su posible soporte a un muro o habitando el suelo como si fuera agua (en elementos como Boyas ), han sido parte de las búsquedas que se refleja en su trabajo de escultura. Objetos y juguetes populares como las pinzas de ropa, los trompos o las matate nas, se han vuelto parte de sus piezas impor tantes como escultor. En México ha exhibido su trabajo en exposiciones individuales en lugares como el Museo de Arte de Querétaro, Museo de Arte Contemporáneo Querétaro, Museo de Antropología de Xalapa y el Palacio de Minería de la Ciudad de México. Sus escul turas forman parte de colecciones particu lares en varios países como Estados Unidos, Canadá, y México.
RODRIGO GONZÁLEZ CASTELLANOS (México, N. 1987)
RODRIGO GARAGARZA (México, N. 1971)
grafía, la pintura y el uso de técnicas mixtas como herramienta de creación. Sus fotogra fías intervenidas son piezas únicas que se crean en el instante que se comisiona la obra, otorgando a sus coleccionistas un pedazo de sí en cada una.
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ROXANA ALBANESE (Argentina, N. s/f) Nació en Argentina, pintó y dibujó desde pequeña. Es publicista de profesión. Vivió en varias ciudades y ha tenido la suerte de experimentar diferentes culturas, lo que le inspira a pintar todo el tiempo y a expresar sus senti mientos a través de los colores y la pintura. El amor por el arte, independientemente la forma que adopte, siempre ha formado parte de su vida. Su enfoque actual es el arte contemporáneo, combinando texturas, collage y espátula. Colecciona telas, cintas, sogas, cordones, papeles y explora con distintos materiales y técnicas. En su obra hay un hilo conductor y un concepto con el que intenta comunicarse, que le permite incorporar ideas para cohesionarse entre sí y crear un marco de referencia. Prefiere colores y patrones neutros que recrean la naturaleza en su esplendor. También le fas-
RODRIGO PALMA (México, N. 1983)
personal de Eric Gleason, director de Kasmin Gallery, Colección Andrés Lebrija, Colección Jorge Méndez Blake y Geovana Ibarra, así como de la Colección privada de Erik Siersen, CEO de Grupo Diageo, entre otras.
Nació el 27 de enero de 1983 en la Ciudad de México. Nieto de una gran pintora y apa sionado de la fotografía creció en el seno de una familia de artistas, por lo que desde muy pequeño estuvo expuesto al arte. Egresado de la carrera de Ingeniería Industrial en la Univer sidad Iberoamericana, Rodrigo decide perse guir su pasión por la fotografía y se muda a Santa Bárbara California para estudiar en el prestigioso Brooks Institute of Photography. Durante sus estudios en Estados Unidos, par ticipó en varios concursos como el PDN Best of College Photography y los World Photogra phy Awards, en los cuales obtuvo más de 8 reconocimientos por su trabajo y publicacio nes en varios libros. Durante su estancia en Santa Bárbara, participó en exposiciones en la Galería 27 así como en Los Ángeles. Acudió a cursos en París y Los Ángeles donde tuvo la oportunidad de trabajar y aprender bajo la tutela de distintos fotógrafos profesionales. Al terminar sus estudios, se mudó a la ciudad de Nueva York donde trabajó por dos años con el reconocido fotógrafo Mark Seliger y fue parte del equipo que realizó su último libro, Listen . Después de dos años trabajando con Mark Seliger, Rodrigo empezó a colaborar con el fotógrafo mexicano Enrique Badulescu, con el que trabajó otros dos años bajo su tutela. Después de 5 años en la ciudad de Nueva York, Rodrigo regresó a México para concen trarse en su obra, la cual tiene una voz única y lleva al espectador a apreciar imágenes que muestran el mundo de manera distinta. Le gusta experimentar con nuevas técnicas y formas de crear imágenes, utiliza la foto
ROMEO MÉNDEZ (México, N. s/f)
Ha consolidado un estilo propio que se carac teriza principalmente por el uso de contrastes entre colores con una técnica basada en el figurativismo, lo que en ocasiones remite al expresionismo y al arte pop, con lo cual crea un mezcla que podría denominarse expre sionismo contemporáneo . Su trabajo puede ser interpretado como un ejercicio de ex ploración de los sentimientos humanos y de la imaginación. En su mayoría hay historia, realidad y mensaje de trasfondo. A pesar de carecer de localismo, todo lo retratado en su obra sucede en espacios y tiempos específi cos de este mundo.
Es un artista originario de Juchitán de Zaragoza, cerca de la costa del Pacífico de Oaxaca. En su juventud estudió y trabajó en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), inspirándose en el trabajo de los artistas consagrados y de la colección en su biblioteca. Recibió la mentoría del maestro Francisco Toledo, con el que realizó exhibiciones y colaboró en numerosas ocasiones. Desde sus primeros retratos y cráneos creados con humo, hasta sus trabajos más recientes - textiles de lana en relieve y esculturas en madera al horno-, Sabino mantiene el uso de materiales orgánicos en su trabajo. Descendiente de una familia ligada a la tradición del arte y la alfarería, Guisu - que en Zapoteco significa Alfarero-, es conocido por el uso de humo en su obra. El artista utiliza la humareda que desprende el fuego para plasmar imágenes que resultan en capas que se traslucen y vislumbran retratos, escenas y paisajes. Además, experimenta con numerosos materiales como miel, abejas, hongos, lana, madera, plata, piedra e incluso neón. Su obra es un camino que recorre la historia del hombre, desde los primeros vestigios impresos con cenizas sobre las cavernas,
SABINO GUISU (México, N. 1986)
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SAKAL (Lituania, N. 1988)
Nació en 1988 en Lituania. Vive y trabaja entre Londres y la Ciudad de México. Mazvyde Sakal, tiene una sólida formación en diseño y arte gracias a sus estudios en la Academia de las Artes de Vilnius, el Instituto de Arte de Sotheby’s y otros programas de posgrado. Ha realizado exhibiciones en espacios de Lituania, Finlandia y Milán. Su obra pertenece a coleccionistas en Miami, Los Ángeles, Londres y Ciudad de México. Orden y caos, donde la realidad física y metafísica se unen contraponiendo lo predecible e impredecible, la felicidad y el sufrimiento, lo bueno y la maldad. La vida es un equilibrio continuo entre los reinos: conciencia e inconsciencia. La conciencia fundamentalmente da la orden. La superficie rugosa de los cuadros representa el caos inte rior, la sombra del ego y el dorado representa el orden y la iluminación del espíritu. Se funde la escultura con la pintura incrustando la superficie del lienzo con arena volcánica pesada y fragmentos de telas. Las obras no contienen una ilusión dentro de la dimensión del lienzo, sino un concepto más dinámico que combina diversos lenguajes visuales. «La obra de arte eres tú, tu reflejo, el vacío que buscas llenar, trascender. Yo busco lo sublime, donde no estemos conectados nada más a la razón, sino que encontremos un sentimiento de trascendencia» -Sakal.
cinan las grandes ciudades, sus rascacielos y elementos urbanos. Busca plasmar nuestro mundo en todas sus dimensiones apelando a la vulnerabilidad del espectador que conlleva ser un ser humano inmerso en grandes entor nos. Trabaja con elementos que involucran el azar e intenta que el espectador interprete la propuesta a su manera. Le apasiona ver como ven la obra y le dan otro concepto. Le gusta crear arte abierto a distintos tipos de interpretación. México, su cultura, mercados, aromas, tradiciones, la amabilidad de su gente, ha sido una gran fuente de inspiración para ella. Las tradiciones, culturas, creencias, valores y estilos de vida brillan a través de su arte.
hasta el uso de los materiales antiguos en la exploración actual de nuevas técnicas para la producción de un objeto artístico. El trabajo de Sabino Guisu, ofrece una visión de transculturación y ruptura espiritual que existe entre el individuo y su entorno, logrando una profunda reflexión personal. Los patrones geométricos encontrados en las ruinas de pirámides mexicanas, aparecen con regularidad en su trabajo así como la muerte y el azar, que son temas a los que siempre regresa.
Nació el 16 de noviembre de 1947 en Ciudad Camargo, Chihuahua. Comenzó sus estudios profesionales en 1965 cuando ingresó a la Academia de San Carlos. A lo largo de su trayectoria profesional ha realizado un promedio de cuatro exposiciones individuales anuales, lo que significa una producción de casi una centena de esculturas de caballete. Con más de trescientas exposiciones colectivas y alrededor de cincuenta esculturas monumen tales, la producción artística de Sebastián se complementa con su trabajo como escultor, produce con regularidad obra gráfica, además de diseñar joyería, muebles y objetos diversos. En 1978 su obra Trono de Netzahualcóyotl fue donada a la ciudad de Vancouver, Canadá por el gobierno de México. En 1983 la UNAM le otorgó una medalla por su participación en la creación del Centro del Espacio Escultórico en Ciudad Universitaria en la Ciudad de México. También es parte de la Academia de las Artes de Holanda desde 1983 y de 1979 a 1985 fungió como Presidente de la Asociación Nacional de Artistas Plásticos. En 1988 la Dirección General de Desarrollo Social del Gobierno del Estado y el H. Ayuntamiento de Camargo, lo reconocieron y nombraron Hijo Predilecto de Camargo . A lo largo de su carrera ha recibido una multiplicidad de premios y distinciones y es profesor e investigador de tiempo completo en la UNAM.
SEBASTIÁN (México, N. 1947)
mientras crea hermosas obras que transmiten positividad por la vida y la naturaleza. Un tema común y recurrente en su obra es el de la cuchara, representada en esculturas como Spoon (2019, así como las figuras antropomór ficas usadas en pinturas y grabados famosos como Spoows Cover (2020), una parodia que reemplaza a la nadadora en el icónico cartel de Tiburón con una cuchara. D’Auria ha colabora do con una variedad de empresas y marcas, incluidas Adidas, Leica, Ferragamo y Bally. Su trabajo ha sido exhibido en Art Basel, Art Basel Miami, Milan Triennale y Art Karlsruhe.
El repertorio de Simone D’Auria abarca el diseño industrial, el arte, la arquitectura y el diseño gráfico, ya que crea pinturas, esculturas, diseña salas de exposición, hoteles y casas particulares. Distinguido por su atractivo integrador, las obras de D’Auria reflejan una visión única e idiosincrásica que lo insta a buscar nuevas ideas y materiales para su arte,
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SIMONE D’AURIA (s/f)
TAEKO NOMIYA (México, N. 1990) Nacida en México de padres japoneses, Taeko aprendió a entender el mundo en japonés y a explicarlo en español. Antes incluso de que ella cobrara conciencia de sí misma y de que conceptos como «mexicana» y «japonesa» ad quieren algún significado, Taeko ya había de sarrollado una percepción dual del mundo que la rodea. Ella tiene muy claro que en cada cosa con la que nos encontramos, en cada lugar que visitamos, en cada persona que conocemos, hay siempre un subtexto que no es evidente a los ojos, pero que resulta indispensable para poder descifrar lo que tenemos enfrente. Esa es la razón por la que hace fotos en doble expo sición. Al ser la japonesa que creció en México, mientras que su familia extendida estaba en Japón o la mexicana que visitó la insólita Tokio de la que todos sus amigos habían oído hablar, pero ninguno había visitado, se encontraba siempre poseída por el impulso de compartir su mundo a alguien que estaba del otro lado del mundo. Luego, al tomar la fotografía invariable mente descubre que, aunque la cámara había captado fielmente todo lo que ella tenía enfren te, había una capa de realidad que no estaba en las fotos. Curiosamente, es una mujer de pocas palabras, sin ninguna explicación. Tal vez sea porque esa misma naturaleza insular que le ha
dado el que siempre la consideren extranjera, la libera de la necesidad de pertenecer que da el saber comprendido. O tal vez sea que el proverbio tenía razón y, si una imagen vale más que mil palabras, cada una de sus fotografías ya contiene explicaciones más que suficientes.
en la Conferencia Anual SPE en Dallas, Texas. En 1997 participó en la bienal de la Habana, Cuba e invitada a la Semana Latinoamerica na de Cultura en la ciudad de Nueva York. Ha sido titular de fotografía en Jóvenes Creado res (FONCA) y miembro de la Comisión Con sultiva en Fotografía, además de profesora en el Programa Integral del Centro de la Imagen, México. También ha sido parte del jurado ca lificador en diversos concursos fotográficos y bienales además de haber sido parte de la mesa directiva del Consejo Mexicano de Fotografía. Mantiene una actividad constan te dentro de conferencias, presentaciones y talleres sobre su trabajo y visión. Una de las características que distinguen la obra de Vida Yovanovich es la manera en que vincula foto grafía e instalación. Este binomio lo ha logrado en muestras como De Frente (1997), Gastado el Tiempo (1998), Soledades Sonoras (2004), Abismo de Ausencia (2005), 27 años, 8 meses, 14 días (2008) y Grita en Silencio/memoria que se borra (2014) . En el 2007 fue reconocida por la Universidad del Tecnológico de Monterrey, «por su valiosa obra fotográfica que contribuye notablemente al quehacer y pensar de la fotografía en México» y en el 2016 el Gobierno del Estado de Coahuila la reconoció «por su excepcional trayectoria como creadora de imágenes que nos aportan una reflexión sobre temas profundamente humanos». «Yovanovich no es una fotógrafa que toma su trabajo a la ligera. Sus proyectos van más allá de un producto para exponer o publicar: son compromisos vitales, experiencias que cambian la vida del retratado y de quien retrata. De ahí su fuerza» -Monica Mayer.
VIVIANA MARTÍNEZ (México, N. 1984)
Artista visual, curadora y gestora cultural. Es maestra en Estudios Visuales por la Universi dad Autónoma del Estado de México y licen ciada en Artes Visuales por la Universidad de
Originaria de la Habana, reside en México desde 1956. Es mexicana por adopción. Vida Yovanovich ha dedicado gran parte de su obra a explorar la vida e identidad de la mujer. Su trabajo es reflexivo e íntimo. Temas como la soledad, el abandono y el rechazo son una constante en su obra. Su tenacidad y pacien cia le han permitido acercarse a entornos difíciles y su forma de abordar los temas es intensa y profunda. De 1983 a la fecha, ha participado en más de cien exposiciones co lectivas alrededor del mundo y ha expuesto individualmente en una variedad de países. En el año 2000, recibió la beca de la funda ción Guggenheim y en el 2001 fue nombrada miembro del Sistema Nacional de Creadores, mismo mérito que se ha reconocido en los períodos 2011 y 2015. Gracias a su trayectoria, ha recibido diversos reconocimientos, de los que destaca: Mención Honorífica en el Premio Casa de Las Américas, Cuba; Becas de Inter cambio de Residencias Artísticas México-Es tados Unidos y una segunda, México-Land Salzburg, Austria; Primer Premio Fotografía Antropológica, INAH, México; Beca-Ensayo del INBA; Beca a Proyectos Especiales del FONCA; Segundo Lugar Salón Internacional Caja de Ahorros, Asturias, España; Primer Lugar Mujeres Creadoras de Imágenes, Guadalajara, Jalisco, México. Ha sido selec cionada para salones internacionales en Milán y Osaka, recibió mención honorífica en las bienales de fotografía V y VI de México. Fue artista invitada al Atlanta College of Art. También, fue seleccionada para presentación
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VIDA YOVANOVICH (Cuba, N. s/f)
Quintana Roo; Galería Délfica en Toluca, Estado de México y Museo Casa Diego Rivera, en Gua najuato. Ha realizado acciones performáticas colectivas en el Museo Universitario del Chopo, Memorial Circular de Morelia, Centro Cultural El Rule, Instituto Mexicano para la Justicia, Galería Unión y Biquini Wax.
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Estudió diseño de moda y una maestría en el Instituto Marangoni de Milán. A su regreso a México se interesa en la escultura y las artes plásticas. En 2002 abre su primer taller en París, incursionando en el Diseño de Joyería a
VIRGIL ABLOH (Estados Unidos, n. 1980) Virgil Abloh fue un reconocido diseñador de moda, DJ, productor de música y fue también, desde marzo del 2018, director creativo de la colección para hombres de Louis Vuitton, más en específico de la línea de ropa ready to wear para hombres menswear, siendo la primera persona afrodescendiente en dirigir la línea de hombre y también uno de los pocos diseñadores de color en tener una posición en una casa de moda francesa importante. Se introdujo en el mundo de la moda a través de una pasantía en Fendi en 2009 junto al rapero Kanye West. En el año 2018, la revista Time lo nombró una de las 100 personas más influyentes en el mundo. Para Virgil Abloh la inspiración llegó de lo cotidiano, de su experiencia y de la tradición de una marca a la que siempre ha admirado. La referencia que hace con la infancia y las diferentes etapas de la juventud muestra la naturalidad de ese encuentro de los jóvenes con la moda, con una menor influencia de la convención social. A ello suma que la saturación de datos propia de estos tiempos hace que el momento de detenerse a oler unas rosas se convierta en un espacio vital de libertad que se plasma en los diseños de las prendas.
XIMENA ALARCÓN (México, N. 1968)
Guadalajara. Cursó los diplomados en Fotogra fía en el Gimnasio de Arte y Motion Graphics en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Además, cuenta con estudios en Historia del arte en la Universidad Autónoma de Madrid y Arte y Nuevos Medios en la Universidad Dis trital Francisco José de Caldas, en Bogotá, Colombia. Se desempeñó como coordinadora de comunicación y curadora en el Museo de la Ciudad de México de 2014 a 2019. Actual mente, cursa el Doctorado en Artes y Diseño en la UNAM, en el que realiza una investiga ción plástica, performática y teórica desde la que propone el desarrollo de una estética insurrecta . Tanto en la teoría como en la prác tica su obra reflexiona sobre la influencia del anarquismo en el feminismo contemporáneo a partir de la representación simbólica, estética e ideológica como una forma de insurrección que sucede en las diversas protestas sociales en distintos espacios de México y Latinoaméri ca. Ha participado en certámenes como Trienal de Tijuana: I. Internacional pictórica en 2021, V Bienal Internacional de arte desde aquí 2020, en Bucaramanga, Colombia y Salón de octubre 2007 y 2008 en Guadalajara, Jalisco. Ha reali zado 11 exposiciones individuales en espacios como Ex Convento del Carmen, Galería Apolli naire, Galería Ajolote y el Museo López Portillo en Guadalajara, Jalisco y Museo del Barro en Metepec, Estado de México. Ha participado en más de 50 exhibiciones colectivas en espacios nacionales e internacionales Galería Bango, Oviedo, España; Museo La Ene, Buenos Aires, Argentina; Fashion & Textile Museum, Londres, Inglaterra; Museo de la Ciudad de México, Museo Memoria y Tolerancia, Museo de Arte Carrillo Gil, Galería Pablo Goebel, así como en los espacios Biquini Wax, Los 14, La Quiñone ra, Galería Ladrón y Galería Unión en la Ciudad de México; Ex Convento del Carmen, Galería Apollinaire, Laboratorio de Arte Jorge Martí nez en Guadalajara; Centro Cultural Tijuana; Residencia Art Project en Playa del Carmen,
YVONNE DOMENGE (México N. 1946 – M. 2019)
través de un planteamiento escultórico-espa cial con el proyecto XAC. Su obra escultórica ahonda en la noción de espacio y volumen in material a través de recursos formales geométricos y orgánicos. Sus instalaciones, objetos y obras sobre papel plantean reflexiones res pecto a la desigualdad social, la condición de género, el racismo y la empatía. Ha expuesto su obra en México dentro de Fundación Sebastián, Galería Pablo Goebel, INCMNSZ, Casa Mérida, Chic by Accident, Instituto de Nutrición, PRPGMX, Subasta y exhibición Arte Vivo 2021 de la Ciudad de México; Centro Cultural Santo Domingo, Galería Quetzalli y Galería NN en Oaxaca. En Perú en la Alianza Francesa de Miraflores y Galería del Británico de San Juan de Lurigancho, Lima y Asociación Casuarinas de Monterrico. En Estados Unidos: Centro Cultural Cinematográfico México del Consulado de México en Los Ángeles, como curadora y artista en el ciclo de vídeos INVERSA. Su obra forma parte del acervo de la Fundación Sebastián y colecciones particulares en México, España, Suecia, Francia, Estados Unidos y Perú. Es fundadora y curadora de CASA MÉRIDA CONTEMPORARY y es representada por la galería Quetzalli en México.
Primer lugar de Acuarela Contemporánea 2017 en el Museo Nacional de Acuarela Alfredo Guati Rojo, Ciudad de México. Fue seleccionada en el programa artistas Sinaloenses MASIN, Secre taria de Cultura, Tercera edición 2017. Invitada especial en la antología LIA libros de artista 2015. Mención honorífica en el 6to. Concurso Premio a Tláloc Sociedad de Acuarelistas del Museo de la Acuarela del Estado de México (2012). Mención honorífica en el XII salón de la Acuarela del Museo de Cuernavaca (2010). Publicada en El Alebrije de la revista Artes de México (2015), Archivo Monolito Arte Actual (2020). Paris Collage Collective’s Yearbook 2019, (París, Francia 2020) entre otras. Fue seleccio nada en dos ocasiones en la muestra de Libro de Artista Feria del Libro y la Rosa en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM (2014-2015), Feria Internacional del Libro de Artista en Guadalajara, Jalisco, en el Museo Cabañas (2015) y LARVA, Guadalajara, 2014; In tención, Palabra y Forma en la Galería Arte de México (2014), en Changarrito en Acción en el Centro Cultural de España en México (2013), Blank Wall Gallery, Grecia (2020) y en Barcelona Deep Collage, España (2021), entre otras.
Es artista multidisciplinaria que vive y trabaja entre Mazatlán y la Ciudad de México y egresa da de la universidad iberoamericana de la licen ciatura en Diseño Gráfico con especialización en Historia del Arte. De forma individual ha exhi bido su trabajo en siete ocasiones entre las que destacan el Museo de Arte de Sinaloa (MASIN), OMA, Galería Aeropuerto Int. De Sinaloa. Y Museo de Arte de Mazatlán (MAM), además de más de 45 muestras colectivas en México. Entre sus premios y distinciones destacan el primer lugar en gráfica en el Encuentro de Imagen MMXXI: Tierra y Territorio CECRITICC de la Uni versidad Autónoma de Querétaro (México, 2021).
Realizó estudios de artes plásticas en la Corcoran School of Art , en Washington D.C., Estados Unidos y México. Participó en talleres de pintura, escultura y técnicas de materiales e impartió cursos de apreciación estética y terapia de arte. Fue miembro de la Comisión Consultiva en Escultura en el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes así como de la Comisión de Artes y Letras de París, Francia; miembro de la Academia de Ciencias y Artes de Bélgica y miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Desarrolló el proyecto Esculturas Realizadas por la Comunidad de la Col. Buenos Aires (1999 a 2002), con el apoyo de esta institución. Obtuvo la Beca de
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(Estados Unidos, N. 1942)
YOLANDA LÓPEZ
Residencia Discovery en el programa de intercambio México-Canadá FONCA, Centro Banff paras las Artes en Alberta, Canadá. Participó en más de 50 exposiciones individuales y 165 colectivas en México, Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia, incluyendo el Museo de Louvre en París y una retrospectiva de su trayectoria en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Realizó la exposición Interconnected que exhibió seis piezas monumentales en las galerías Boeing de Millennium Park, Chicago, Estados Unidos. Dichas piezas monumentales están en diversos puntos de Estados Unidos, como el McNichols Building, Denver, Colorado; Nathan Manilow Sculpture Park, Chicago, Illinois, Freedom Park, Atlanta y Georgia. Obtuvo reconocimientos en México y en el extranjero, como el Premio Phoenix en Freedom Park de Atlanta (2013) y el premio Sorel Etrog por su
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trayectoria en escultura y arte público en Van couver, Canadá (2012). También fue galardonada por la Academia de Medicina en México, por la pieza VIRUS AH1N1, en la Facultad de Ciencias Biomédicas de la UNAM, Ciudad de México, México (2010). Fue miembro honorario y medalla dorada de las Academias de Ciencias, Letras y Artes de Francia y de Bélgica así como miembro de la Academia de Artes de México. Recibió la medalla de oro por el Concurso de Escultura para Paisaje Olímpico, Beijing, China (2008); seleccionada en la Segunda Bienal de Arte de Beijing, China (2006) y ganadora de la Bienal de Escultura Toyomura, Hokkaido, Japón (1997); Primer lugar de Artes Plásticas de CNN, Nueva York, Estados Unidos (1994); Premio de adquisición en Euro Escultura en Bardonecchia, Italia (1993); y Premio de Adqui sición Camille, La Bresse, Francia (1991).
Propiciamos el diálogo positivo a través de nuestra plataforma en línea para que la juventud asuma de forma responsable la sexualidad con salud y placer a través de información clara, libre y sin rodeos. www.hablemosdesexo.com
Trabajamos para que existan entornos laborales más saludables, incluyentes, igualitarios y equitativos a través de capacitaciones y conferencias, para que las personas tengan un desarrollo integral dentro de sus espacios de trabajo y que se refleje en su vida cotidiana.
Iniciativa en conjunto con el Fondo de Población de las Naciones Unidas (UNFPA), RB y México Vivo desarrollada para contribuir a los Objetivos de Desarrollo Sostenible 2030, proporcionando a comunidades vulnerables herramientas que les permitan tener acceso a educación sexual, reproductiva, materno y neonatal así como información de salud mental y nutricional para construir futuros más saludables.
Nuestros programas y servicios
Plataforma educativa para el autocuidado creada por el UNFPA, México Vivo, Reckitt y FEMESS con los principios de la agenda 2030, con el objetivo de proveer Educación Integral en Sexualidad a través de un sitio gratuito y de libre acceso con cursos, videos, infografías, servicios de salud y otros recursos pedagógicos, donde se fortalecen habilidades para la vida y competencias, desde un enfoque de Derechos Humanos, con perspectiva de género, intercultural y de juventudes, basada en evidencia científica, apegada a los criterios y necesidades nacionales y regionales, amigable y para distintas poblaciones: 12 a 15 años, 16 a 19 años, 19 a 25 años, madres, padres, tutores, docentes, profesionales de la salud. www.paress2030.org
Acompañamos con atención médica y psicológica integral para que vivamos con salud, bienestar, placer y plenitud la sexualidad.
Trabajamos por el derecho a que la juventud tenga acceso a información sobre sexualidad y salud sexual a través de intervenciones en el espacio escolar con la participación de docentes, madres y padres de familia.
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Esta edición consta de 500 ejemplares.
Se terminó de imprimir en agosto de 2022 en los talleres de Offset Rebosán S.A de C.V., Av. Acueducto 115, Col. Huipulco, CP, 14370, CDMX.