Catálogo de la exposición Habitar: artistas de Cundinamarca 26 de junio al 14 de octubre de 2021.
Habitar: artistas de Cundinamarca, es un proyecto ganador del plan de estímulos CORAZONARTE Cultura para reactivarte 2021. Que se lleva a cabo gracias al incentivo otorgado por el Instituto Departamental de Cultura y Turismo y la Gobernación de Cundinamarca, con el apoyo de la Sección de Arte y Cultura de la Universidad Militar Nueva Granada. Curaduría: Alejandro Triana. Fotografías y textos: De cada uno de los artistas y Alejandro Triana. Diseño, diagramación y edición: Natalia Cardona y Alejandro Triana. Montaje: David Navarro. Agradecimientos: A todos los y las artistas por su apoyo y confianza. A Leidy Castro, Ada Echávez y Maribel Catro de la Sección de Arte y Cultura de la Universidad Militar Nueva Granada por su apoyo al proyecto; así mismo al personal administrativo, de seguridad y servicios generales. A Natalia Cardona, Luciano Triana, Luis Triana y Miguel Triana por su incondicional amor y apoyo.
Esta es un publicación de:
Con el apoyo de:
Mauricio Combariza Juan Díaz Lucía Gómez Gloria Herazo Catalina López Mari Menez Sebastián Ramírez Jorge Rodríguez Danilo Rojas Hebert Sánchez Mario Siabatto Jairo Rueda Jessica Zamora
Curaduría Alejandro Triana
Los acontecimientos relacionados con salud pública que hemos vivido desde el año 2020 nos han llevado a reflexionar en torno a muchos temas de nuestra cotidianidad, siendo quizá los diálogos uno de los aspectos más afectados. Estos han pasado a ser parte de ámbitos digitales que permiten una transmisión básica de la información; es importante reconocer que la tecnología ha sido una herramienta fundamental para mantenernos conectados, pero también es necesario analizar cómo se relegan aspectos asociados al contacto directo, que en otro momento eran considerados básicos de la comunicación.
divergencias e interrogantes que inviten a explorar nuevas alternativas, relecturas, situaciones, sujetos y objetos.
Es entonces necesario plantear con responsabilidad espacios que permitan diálogos entre diferentes personas, en este caso teniendo como marco las artes plásticas y visuales, en donde se presentan obras que dialogan entre sí, como metáfora de la importancia de la comunicación en nuestra sociedad. Un espacio que propicie acercamientos, análisis, convergencias,
Esta exposición tendrá en el mes de noviembre una itinerancia al Instituto Municipal De Cultura y Turismo Cajicá, en donde se sumarán más artistas de Cundinamarca que contribuirán a ampliar las visiones y diálogos en torno a las temáticas abordadas desde sus obras.
Habitar: artistas en Cundinamarca es una curaduría que indaga en las obras de 13 artistas plásticos y visuales, con trayectoria nacional e internacional, que residen y/o tienen sus talleres en municipios como: Madrid, Mosquera, Soacha, Tabio, Tenjo, Zipaquirá, Chía, Sopó, La Calera y Subachoque; desde donde contribuyen al desarrollo del pensamiento, la creatividad, el turismo, la economía y la cultura del departamento.
DANILO ROJAS
Estudió Arquitectura en la Universidad de los Andes en Bogotá, obtuvo un máster en Historia, Critica y Proyecto en la UPC de Barcelona y posteriormente realizó estudios de caligrafía y filosofía de la China antigua. En Barcelona, transcurrió gran parte de su carrera como pintor, allí obtuvo gran reconocimiento con su proyecto independiente - Galería Sala Noa; además, expuso en el CCCB, el BAC y la Galería Montcada entre muchos otros; igualmente ha expuesto internacionalmente en eventos como HotArt Art Basel en Basilea, Flag Art Festival en Seúl, OPEN en Venecia, Comparaisons en el Grand Palais de Paris, Museo del BID en Washington; y ferias como TIAF en Toronto y Arte Américas en Miami y con galerías como Beatriz Esguerra Art en Bogotá. Participa activamente en subastas como las de Conexión Colombia y Juannio en Guatemala con excelentes resultados. Su obra hace parte de Colecciones privadas al rededor del mundo.
SUBACHOQUE
Vida Acrílico sobre tela 23 x 27 cm 2021
La tierra da vida y la renueva. Su poder regenerador es latente, creador y paciente. Entrar en contacto con ella nos hace tomar conciencia de la floreciente belleza de nuestro planeta, lleno de singularidad, magia y ensueños. Hoy, de la tierra nos llega el llamado a cuidarla bien, es decir, a respetarla. Esta serie es un llamado a profundizar en el conocimiento del mundo natural pues ya está claro que solo cuidamos lo que conocemos. Y cuando recordemos que no poseemos la naturaleza, sino que pertenecemos a un inmenso sistema de vida, entonces podremos abrazar de nuevo al mundo natural, comprendernos a nosotros mismos y comprender lo qué es la verdadera relación con los demás. ¡Todos somos una unidad inseparable, todos somos uno! Estas pinturas nacen desde adentro de la naturaleza… son pinturas que nacen desde adentro del corazón.
CATALINA LÓPEZ
Diseñadora industrial de la Pontificia Universidad Javeriana con posgrado en Arquitectura y Artes Efímeras de la Universidad Politécnica de Cataluña. Ha encontrado en las estaciones de basura la materia prima para el desarrollo de sus trabajos, desde la formulación de su tesis universitaria, como también en su vocación de recicladora con deseo de alquimista.
LA CALERA
Santa Sofía Acrílico sobre mantilla reutilizada 73 x 63 cm 2019
Santa Sofía es una pieza de Quelocuratodo, una serie que la artista ha venido trabajando hace años, y en la que deja ver, a través de cada pieza compuesta a partir de la reutilización de materiales destinados a la basura, instantes de curación en los que ha encontrado señales de un proceso de regeneración de los tejidos vivos y la recuperación o restablecimiento del equilibrio, después de un malestar, enfermedad, herida o daño. Esta imagen es del desierto, el espejo de un duelo: vegetación espinosa, colores opacos y exceso mineral en el que la reserva de agua, que parece inexistente, hace posible la vida.
HEBERT SÁNCHEZ
Estudio platería en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo (2008); Seminario Arte Latinoamericano siglo XX, Universidad Javeriana (2010). Su obra ha transitado entre lo figurativo y lo abstracto, y de lo tradicional a lo contemporáneo, el contenido de esta ha tenido un carácter espiritual que explora la relación del hombre con la creación, tratando diferentes temas con su particular enfoque de eternidad y temporalidad. Constantemente explora los lenguajes contemporáneos siempre con una característica personal debido a su formación empírica; con el tiempo ha ido evolucionando desde sus viajes a New York , que lo han impulsado a rescatar disciplinas como el dibujo, la fotografía, que en su juventud desarrollo, adquiriendo una visión actual de los nuevos procesos.
MADRID
Reino de las alturas Sumie sobre papel de arroz 140 x 70 cm 2021
El trabajo de Hebert Sánchez se sitúa sobre los interrogantes del hombre frente a su naturaleza como creatura y su definición como imagen de “algo más allá”, valiéndose de los cuestionamientos de la misma naturaleza que lo rodea para recuperar su base esencial. En su obra el dibujo es una forma natural de registrar físicamente las especies naturales, y de captar sus cualidades invisibles; el acto de dibujar la naturaleza desde lo contemplativo le da sentido espiritual a la imagen descrita y remite al misterio de lo invisible, logrando percibir la sencillez y la simplificación del dibujo como se capta la belleza de lo esencial.
MARIO SIABATTO
Tras 13 años como creativo publicitario, ha empezado a alternar la labor publicitaria con el hacer artístico. Su exploración se enfocó en un comienzo en pintura figurativa, pero actualmente ha dado un giro al mundo conceptual; basando la temática de su obra hacia inquietudes filosóficas y existenciales, generando preguntas más que respuestas, donde priman las ideas y los materiales; sin encasillarse en un medio en específico, tomando cada obra como una oportunidad de exploración de medios y materiales.
TENJO
Topología de los placeres 1.2 Dibujo con grafito y carbón sobre papel 300g, libre de ácido. 42 x 35 cm 2020
Topología de los placeres 2.1 Dibujo con grafito y piedra de rio sobre papel 300g, libre de ácido. 35 x 28 cm 2020
Topología de los placeres 3.1 Dibujo con grafito y tronco sobre papel 300g, libre de ácido. 42 x 24 cm 2020
"La Naturaleza ama ocultarse" Heráclito. Hemos olvidado nuestra relación de unidad con la naturaleza, la sentimos como algo ajeno; no la asumimos simplemente como algo ‘ante los ojos’ o, como un ‘habitar en’. Vemos el mundo circundante como una fábrica de deseos y placeres, lo cual inhabilita la posibilidad de descubrir la naturaleza como aquello que vive y crea; de la cual estamos hechos y nos posibilita el "Ser".
SEBASTIÁN RAMÍREZ
Arquitecto de la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá y especialista en arquitectura hospitalaria de la U.P.C en Barcelona. A lo largo de su vida ha tenido diferentes estudios puntuales en dibujo y técnicas de representación como ´taller de dibujo arquitectónico a mano alzada, CUJAE La Habana. Como arquitecto ha explorado el alto impacto del color en el comportamiento humano y lo ha llevado al arte por medio la pintura y la ilustración digital, jugando con la escala y la yuxtaposición de elementos para redignificar el imaginario de la vivienda autoconstruida. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en galerías como el Garaje y Crispeta. Su trabajo fue publicado en la proforma virtual El Cauce, Arte Latinoamericano.
MOSQUERA
Anapoima reminiscente Pintura acrílica sobre papel 35 x 65 cm 2021
Mosquera sorprendente Pintura acrílica sobre papel 35 x 65 cm 2021
Tenjo enraizado Pintura acrílica sobre papel 35 x 65 cm 2021
El color como reflejo del alma dibuja la arquitectura vernácula y la exuberancia de la fauna. Se desborda y desvanece los límites entre lo real y lo que se plasma, no discrimina fronteras. La obra está conformada por tres piezas. Con la intención de enaltecer las diferencias entre las similitudes del territorio de Cundinamarca. Anapoima reminiscente: El ecosistema tropical, representado por el colibrí cola de raqueta convive con los balcones de la casa donde vivió mi abuelo sus últimos años. Mosquera sorprendente: La sabana de Cundinamarca se convirtió en mi hogar, me sorprendí al darme cuenta que hábito el espacio de las Ranas sabaneras. Tenjo enraizado: En medio de un páramo hábitat de la danta, un pequeño pueblo, donde encontré un tesoro, una casa como se construyó originalmente, con techo de paja.
MARI MENEZ
La artista venezolana Mari Menez, de ancestros wayúu y afrodescendientes, es licenciada en artes, mención investigación y museología, también magíster en ciencias de la educación, mención gerencia educativa, diversos estudios en salud mental, se dedicó a la dirección de museo y a la docencia universitaria durante 8 años en las áreas de dibujo, técnicas de expresión, historia del arte, historia del diseño de modas y patrimonio de bienes culturales. Partió de su país de origen hace 11 años, dedicándose al arte terapia a través del retrato y autorretrato, vivió en Estados Unidos de Norteamérica. Su mayor influencia plástica se encuentra en la investigación de Henri Rousseau, a nivel pedagógico sus bases teóricas remiten las enseñanzas de Jean Jacques Rousseau sobre el estado natural del hombre. Su linaje indígena la hacen tener un sentido de pertenencia entre Colombia y Venezuela, no evidenciando
fronteras entre estos dos territorios, así nace la marca WAYA by Preciado –Menez (diseño y elaboración de mantas wayúu como soporte para obras de arte). Su trayectoria supera los 20 años, en diversas exposiciones internacionales, investigaciones, participaciones poéticas impresas y digitales.
ZIPAQUIRÁ
La espera Óleo sobre lienzo 90 x 90 cm 2021
Esta serie se inicia a razón de la patología neurodegenerativa denominada Alzhéimer enfermedad que padeció el padre de la artista durante 14 años, y cuyas imágenes sirvieron de detonante para recuperar recuerdos en el transcurso de un año, En esta primera iniciativa surgió la necesidad de seguir ejecutando estas aves, también referidas a una ordenanza nostálgica de la artista, ya que en su niñez constituyó un concepto importante, que hoy personifica en un símbolo que trasmite recuerdos, no solo al paciente sino también a su ejecutante. Parece algo ilógico conectar una investigación relacionada con el Alzhéimer al tema de la sexualidad, pues así lo es en este caso, el comportamiento de los gallos se rige por su sexualidad, la transexualidad en estos animales es un hecho evidente, el plumaje de hembra sobre los machos, o las gallinas que empiezan a cantar por una necesidad de que sus compañeras
puedan ovular en la ausencia de un macho, es un hecho normalmente aceptado entre estos animales, también un macho puede cambiar su sexo y pluma para garantizar la continuación de la especie. Es necesario señalar que naturalmente algunos machos nacen con plumaje de hembra, pero tienen su papel y desempeño masculino en su núcleo, siendo respetado sin diferencias. En este punto se hace la comparativa con los humanos a quienes les es difícil aceptar estas conductas que son naturales; un hombre puede vestirse de mujer y sexualmente tener su desempeño con el género opuesto o una mujer binaria que decide lucir diferente a la mal llamada norma. Ese proyecto propone generar empatía para olvidar algunas doctrinas que no nos dejan evolucionar como especie. Buscando sensibilizar a los públicos sobre aquellos que, siendo normales, son considerados diferentes.
El Presidente Óleo sobre lienzo 60 x 40 cm 2020
JAIRO RUEDA
Foto: Carlos Zárrate.
Estudió biología y diseño industrial. Trabaja en caricatura y arte. Como artista su proyecto es el aprendizaje a partir de las lecciones del hábitat andino; la simbiosis y armonía entre fauna y flora inspiran música, dibujos, instalaciones, fotografía, ensamblajes y esculturas. Utiliza los recursos que brinda la montaña y los combina con otros medios que sirven de base para expresar ese Perennis transitum, que como si fuera el nombre científico de un ejemplar vivo, en realidad se refiere a un estado de belleza que los humanos hemos olvidado o perdido en medio de la inmediatez que nos rodea. Esa belleza que no se refiere a lo estético simplemente, sino a ser y coexistir utilizando la impronta heredada y las habilidades adquiridas para sobrevivir en el entorno y encontrarle a la vida ese sentido de gozo que no necesita explicación y que está a la vista y al sentir frente a lo cotidiano que ofrece
el bosque; maravilloso y misterioso, poético y doloroso, en que la muerte y la vida son puntos de la misma línea sin interrupción alguna en el tiempo y el espacio. Ha participado en muestras colectivas e individuales en CCCB Barcelona; Curator´s Voice Art Projects Miami; MAC, Espacio Van Staseghem, Espacio Alterno, Maleza Proyectos Bogotá; convocatorias como Salón de Arte Soacha y el Salón Regional de Artistas.
SOPÓ
Pupa de fuego Malla de alambre Dimensiones variables 2018
En la naturaleza las pupas son estructuras que brindan protección a algunas especies durante procesos de maduración o transformación, momentos fundamentales en los que la adecuada transmisión del material genético y el desarrollo de sus estructuras físicas potencializan su capacidad de supervivencia como individuo, así mismo la de su especie. Estos dos objetos convergen como metáfora del ser humano durante periodos de cambio, en busca de una mejor adaptabilidad al mundo. Sin embargo surgen variables como el tiempo y el conocimiento; si bien para un insecto la información de muchos comportamientos, procesos y tiempos se encuentran en su ADN, en el caso del humano es diferente, al menos en lo que intelectual y socialmente refiere. Por ello el humano debe regresar a sus pupas, en procesos introspectivos que deben durar el tiempo necesario para consolidar, madurar o transformar aspectos que hacen de cada persona un ser único.
Moth Alambre y pintura fotoluminiscente Dimensiones variables 2018
LUCÍA GÓMEZ
Estudió arte con su padre, el maestro colombiano Ricardo Gómez Campuzano, y en la Escuela de Arte Sienna de Madrid. Continuó su educación artística en Colombia con los Maestros Freda Sargent, Nelly Rojas y otros Maestros, mientras participaba en múltiples talleres durante muchos años en el Atena Art Studio del Maestro Hernando Gonzáles en Bogotá. Sus pinturas han hecho parte de numerosas exposiciones individuales y colectivas, en ferias de arte, museos y galerías en los Estados Unidos, Canadá, América del Sur y Central, y en Europa, incluyendo; Feria de Arte de Palm Beach y Feria de Arte de Boca Ratón en Florida, Museo Palacio de Bellas Artes de Santo Domingo, República Dominicana; El Museo Monmouth en Nueva Jersey; Museo de Arte McMaster en Toronto; Gremio del Museo de Arte de Boca Raton; El Museo de Arte de Coral Springs; El Museo de Arte de Cornell en Delray Beach Florida; Galatea
Fine Art en Boston Massachusetts; Race Street Gallery del Instituto de Arte UICA en Grand Rapids Minessota; El Centro de Arte de Essex en Lawrence Massachusetts; The Center Gallery of FIU en Miami, la Galería de Arte de Hamilton en Ontario; Galería de Arte Lessedra en Sofía, Bulgaria; McMaster Museum of Art en Toronto y la Concertina Gallery en Londres, Reino Unido.
TABIO
Serie Puertas y Umbrales No. 1014 Óleo sobre lienzo y técnica mixta 60 x 60 cm 2020 – 2021
Serie Puertas y Umbrales No. 0086 Óleo sobre lienzo y técnica mixta 56 x 54 cm 2020 – 2021
GLORIA HERAZO
Realizó estudios de Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, Tecnología en materiales en el Instituto Nacional de Aprendizaje, Costa Rica e Introducción a la función social y terapéutica del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, España. Herazo, parte de la premisa de ubicarse como mujer, madre, y artista, sus pinturas de finales de los 90s y comienzos del 2000 marcan escenarios en los cuales la mujer juega un papel esencial, damas de sociedad, perfectas esposas, amantes refinadas que por sus composiciones ocultan su identidad, sus rasgos reconocibles son cercenados dejando solo la pose, la moda, el estilo... La anulación de la identidad marca la muerte del retrato, y es remplazada por algo más, el objeto, el símbolo, el poder de lo masculino, de la palabra, de la norma...
En sus trabajos más recientes el formato, la escala, el detalle, el material cobra una marcada importancia y se traduce en parte fundamental de la obra, sus dibujos de hilo y tiempo devoran el papel y las telas que los soportan, las figuras que yacen allí atrapadas luchan por entregar un mensaje, que como espectadores nos debemos a la búsqueda del mismo, y bien podemos caer en el engaño de lo sutil y lo bello y no morder el anzuelo para ser atrapados por el veneno que conllevan sus imágenes, pues son un grito lanzado desde los fundamentos de género y la posición de la mujer en la sociedad. Ha expuesto sus obras en Francia, Bruselas, Alemania, España, Estados Unidos, Panamá y Colombia. Su obra hace parte de la colección Frédéric de Goldschmidt, la colección de la familia real de Luxemburgo; y recientemente de la Colección del MAMBO - Museo de arte moderno de Bogotá.
TABIO
Sentencias. Serie de objetos en des-uso Collage y bordado sobre carpeta antigua 23 x 23 cm c/u 2017
Virtud bella. Serie de objetos en des-uso Collage y bordado sobre carpeta antigua 35 x 20 cm 2018
Cuando te detienes y miras hacia atrás, encuentras trazos de ese recorrido y sabes que en tu vida han sucedido las mismas cosas que en las de cualquier otro; el amor o la muerte siempre están presentes, has transitado por territorios reconocibles, rastreas en ese mapa interior que has creado dentro de un contexto específico, husmeas en tu existencia. Te desplazas por un plano social delimitado por discursos simbólicos y culturales, es un mapa de memorias personales y colectivas, de experiencias, de circunstancias propias y confluencia de eventos.
puede reconocerse e identificarse, porque hablan de lo cotidiano e íntimo, funcionan como un método de reconfiguración, conforman un mapa visual de nuestra vida.
Las imágenes funcionan como una brújula en ese territorio mental que permite un recorrido por recuerdos, emociones, encuentros, desencuentros, momentos en los que la gente
Los recortes o el bordado se convierten en pincel, en pigmento para dibujar, rediseñar, reconocer y matizar una cartografía de lo cotidiano.
El collage al igual que la pintura ha permitido a Gloria Herazo visibilizar un mundo interior, que en el collage se compone de esos trozos de realidad con los que intenta reconstruir historias pasadas y solo logra trazar un esbozo confuso del que surge un viaje a un territorio propio.
JESSICA ZAMORA
Estudiante del programa de Artes Plásticas de la Academia de Artes Guerrero. Aprendió la técnica de pintura al óleo con los maestros Andrés Alarcón y Patricia Vesga. Recientemente participó en el Salón Nacional de Pintura (2021), Arte en Cuarentena (2020), entre otras exposiciones colectivas en Cota, Cajicá, Tenjo y Bogotá.
CHÍA
Tejidos Óleo sobre lienzo 100 x 100 cm 2021
El movimiento está presente en la obra de Jessica Zamora como un medio de expresión constante en sus propias observaciones de la vida. Esta pintura nace de la reflexión del estado actual del desarrollo personal: somos el resultado de las personas que nos rodean, nuestra personalidad y pensamiento se ven indirectamente influenciados por las personas más cercanas; y a su vez ellas son influenciadas por otros. Nuestra individualidad es el resultado de un tejido de tradiciones, acciones, juicios y experiencias de otros. Es parte de la vida la conexión que existe entre todos, llegando a negar aquello que llamamos originalidad o autenticidad y convirtiéndola en la necesidad humana de la cercanía y el sentido de pertenencia.
JUAN DÍAZ
Desde el 2017 ha venido desarrollando labores como muralista y pintor, desde entonces ha participado en diferentes proyectos artísticos de murales en el municipio de Sopó, donde ha podido ejecutar la mayoría de sus piezas. En el año 2020 participó en el II Encuentro de Muralismo Internacional Calchaquí en Argentina.
SOPÓ
Biin Piig Vinilo sobre lienzo 35 x 45 cm 2021
Sin título Vinilo sobre lienzo 13 x 17 cm 2021
Refracción Vinilo sobre lienzo 12 x 12 cm 2021
Los rostros humanos son utilizados por el Juan Díaz como sujetos de estudio, en los que se abordan de forma plástica diferentes atmósferas cromáticas que generan diversos diálogos estéticos y psicologicos con los públicos.
JORGE RODRÍGUEZ
Maestro en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, participó en el Programa ArtBo Tutor 2017 con la Cámara de Comercio de Bogotá. Es docente de Artes Plásticas en la Secretaría de Educación del Distrito, exintegrante del Costurero de la Memoria: Kilómetro de Vida y Memoria con mujeres víctimas del conflicto armado. Su trabajo parte del análisis de la violencia como foco para abordar problemáticas sociales, estableciendo nexos con las comunidades afectadas en la construcción de memoria desde el cuerpo, el territorio, el espacio, la identidad, caos/orden, vida/muerte, realidad/ficción, pasado/presente/futuro, como reflejo del contexto social y dar a conocer historias de vida.
SOACHA
Recorrido Dibujo sobre cartón encontrado 50 x 50 cm 2017 Recorrido es un acercamiento a la localidad 19 Ciudad Bolívar de Bogotá, a partir de la realización de una propuesta de dibujo cuya temática es el paisaje, colocando en diálogo las principales características de los territorios de esta localidad a partir de experiencias propias en el territorio desde el habitar, el recorrido y la recolección de objetos de las zonas rurales y urbanas. Donde se plantean otro tipo de preguntas sobre estos lugares, en los cuales se han asentado grandes poblaciones a causa del conflicto armado. Esta obra propone una mirada crítica frente a las situaciones de desigualdad en los territorios periféricos de la ciudad, territorios que muestran y nos recuerdan como un acto de memoria colectiva, la lucha por la tierra y la violencia del país. La realización de la pieza se da por la unión de las líneas que genera Google Maps a través del celular, en los recorridos que realizo el artista en el territorio, estas líneas generadas son ubicadas en repetición unas sobre otras para generar otra forma de representación del paisaje.
MAURICIO COMBARIZA
Estudio Artes Plásticas en la Academia de Artes Guerrero y diferentes programas relacionados con arquitectura, construcción y acabados en el SENA. Fue galardonado con la mención de honor otorgada por Phillippa Adams directora de la Galería Aaatchi de Londres en Spotlights Barcú (2017), así mismo en el VI Salón de Artistas Funzanos. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en diversos espacios culturales, entre las más recientes: Animal_social.temp (2021) en la Galería LGM, Con Intención (2020) en la Fundación Estudio 74, Iconografías del Barrio (2020) en el Centro Colombo Americano de Bogotá.
MOSQUERA
Bultos Viga de madera, concreto y pigmento Dimensiones variables 2019
Bultos Viga de madera, mortero y concreto Dimensiones variables 2020
Bultos Madera, concreto y pigmento Dimensiones variables 2020
En la definición de bulto nos encontramos: "volumen o tamaño de cualquier cosa" "elevación o saliente en la superficie de una cosa o porción de masa endurecida en el interior de algo", "cuerpo que se percibe confusamente", "hinchazón". Los bultos que salen naturalmente de las construcciones obedecen normalmente al sobrante de la jornada, al contenido de los materiales de esa construcción. En su obra, Combariza busca hacer una interpretación del bulto encontrado en los escombros de obras en construcción, el cuerpo en concreto que se suspende sugiriendo levedad en una acción de docilidad en donde la materia dura y pesada del concreto se hace frágil y liviana. Estas piezas proponen una relación entre los materiales y la presencia del obrero, bolsas que al vaciarlas con cemento, mortero o concreto sugieren formas orgánicas, quizá vísceras, pliegues que sugieren piel, tensiones, volúmenes etcétera; una metáfora al cuerpo como una masa que muta y se moldea de acuerdo a las circunstancias.”