Catálogo de la exposición Habitar: artistas de Cundinamarca - Itinerante 25 de noviembre al 14 de diciembre de 2021. Curaduría: Alejandro Triana. Fotografías y textos: De cada uno de los artistas y Alejandro Triana. Portada y contraportada Roger Iregui Paisaje cundinamarqués Collage 120 x 50 cm 2018 Diseño, diagramación y edición: Natalia Cardona y Alejandro Triana. Montaje: David Navarro. Agradecimientos: A todos los y las artistas por su apoyo y confianza. A Leidy Castro y Ada Echávez de la Sección de Arte y Cultura de la Universidad Militar Nueva Granada por su apoyo al proyecto. A Bellanith Celis, Adriana Campos, Carlos Osorio y todo el personal administrativo, de seguridad y servicios generales del Centro Cultural y de Convenciones de Cajicá. A Natalia Cardona, Luciano Triana, Luis Triana y Miguel Triana por su incondicional amor y apoyo.
Artistas Catalina López Danilo Rojas Dast Diego Rojas Gloria Herazo Hebert Sánchez Jairo Rueda Jessica Zamora Jorge Rodríguez Juan Díaz Lucía Gómez Mari Menez Mario Siabatto Mauricio Combariza Michelle Rodríguez Omar Bernal Otoniel Borda Ricardo Avendaño Roger Iregui Sebastián Ramírez
Curaduría Alejandro Triana
Habitar: artistas de Cundinamarca Los acontecimientos de salud pública que hemos vivido desde el año 2020 nos han hecho reflexionar en torno a muchos temas de nuestra cotidianidad, siendo quizá los diálogos uno de los aspectos más citados. Estos cambiaron sus dinámicas, al punto que durante más de un año se requirió casi exclusivamente de la tecnología para poder interactuar entre humanos. Si bien estos ámbitos digitales han sido fundamentales para mantenernos conectados, resulta necesario reflexionar acerca de otros aspectos asociados al contacto directo, que en estos nuevos diálogos virtuales terminaron siendo relegados, al punto de limitar una óptima interacción. Habitar: artistas en Cundinamarca se propone per se como una metáfora de la comunicación en la sociedad y su importancia, un espacio que pone en diálogo diferentes obras de artes plásticas y visuales, para funcionar como un laboratorio en donde propicia convergencias, divergencias, análisis e interrogantes que invitan a explorar nuevas alternativas, relecturas, situaciones, sujetos y objetos, a partir de las propuestas plásticas que a su vez reflejan las preocupaciones e inquietudes que los y las artistas han abordado desde su quehacer como investigadores. Es entonces como las obras al igual que los humanos se enriquecen y pueden adquirir nuevas lecturas de sí mismas o generar otras en colectivo, lo que posibilita nuevas forma de ser y entendernos en un contexto. Esta curaduría indaga en las obras de 20 artistas, con trayectoria nacional e internacional, que residen y/o tienen sus talleres en los municipios de Albán, Chía, Cogua, La Calera, Madrid, Mosquera, Simijaca, Soacha, Sopó, Subachoque, Tabio, Tenjo y Zipaquirá, desde donde contribuyen al desarrollo del pensamiento, la creatividad, el turismo, la economía y la cultura del departamento. Habitar: artistas en Cundinamarca es un proyecto que fue ganador del plan de estímulos CORAZONARTE Cultura para reactivarte 2021, y para esta versión itinerante de la convocatoria “Comparte lo que somos” del Ministerio de Cultura. Curaduría Alejandro Triana
JORGE RODRÍGUEZ
Maestro en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, participó en el Programa ArtBo Tutor 2017 con la Cámara de Comercio de Bogotá. Es docente de Artes Plásticas en la Secretaría de Educación del Distrito, exintegrante del Costurero de la Memoria: Kilómetro de Vida y Memoria con mujeres víctimas del conflicto armado. Su trabajo parte del análisis de la violencia como foco para abordar problemáticas sociales, estableciendo nexos con las comunidades afectadas en la construcción de memoria desde el cuerpo, el territorio, el espacio, la identidad, caos/orden, vida/ muerte, realidad/ficción, pasado/presente/futuro, como reflejo del contexto social y dar a conocer historias de vida.
SOACHA
Vencimiento de términos Cerámica y archivos de papel Dimensiones variables 2015
Las historias del conflicto y de la guerra en Colombia se han contado a retazos; cada momento, cada década es una serie de etapas por los que pasa un acontecimiento que se repiten una y otra vez en un mismo orden generando relatos e historias que se suman a una larga lista de hechos que hacen parte de las memorias del conflicto, en ese sentido Vencimiento de términos se entiende como un tejido de historias que narra, relata, evidencia y hace memoria en los hechos ocurridos durante el 2008 en el municipio de Soacha Cundinamarca. Los jóvenes de Soacha fueron engañados con falsas promesas de empleo para trasladarse a pueblos lejanos y una vez allí fueron ejecutados por miembros del Ejército para mostrar resultados “positivos”. Esta práctica incrementaría el número de bajas en el conflicto contra las guerrillas, donde se informaba que las víctimas eran insurgentes muertos en combate. Estos casos se conocen en Colombia como falsos positivos y a su vez estos hechos son un fragmento de ese rompecabezas y de ese recorrido por la historia de las ejecuciones extrajudiciales en Colombia (que no son un ejercicio nuevo en la historia del país). Esta obra evoca a la memoria, es un acercamiento a esas historias desde lo local a lo nacional. Sin embargo, a pesar de que la violencia política es un fenómeno que lleva 50 años, es a partir del 2002 bajo la política de defensa y seguridad democrática que se presentan cambios distintivos en las prácticas del conflicto y en el modo como observamos el conflicto armado. A pesar de las bajas ficticias en combate, es cuando esta práctica adquiere una naturaleza masiva y sistemática en 31
departamentos de los 32 que tiene el país afectando a más de 3.500 personas durante los periodos 2002-2009. Los medios de comunicación en su momento como parte del escándalo mediático divulgaron a nivel nacional e internacional las bajas de civiles reportados como muertos en combate. Han pasado varios años desde lo ocurrido en el municipio de Soacha y al día de hoy la gran mayoría de estos casos sigue en impunidad; en este contexto “Vencimiento de términos” se asume como una estrategia para narrar, contar y construir memoria a partir de los hechos recientes de Colombia y de un suceso que partió la historia del municipio de Soacha en dos. No se trata de contar la historia de la guerra, se trata de producir unas memorias que nos permitan comprender un duelo de relatos llenos de impunidad y falencias donde los familiares de las víctimas esperan todavía justicia con la preocupación que sus historias no pases a ser olvidadas por la sociedad. El acercamiento a las víctimas de estos casos fue fundamental para la realización de esta pieza de cerámica, el escuchar sus historias y comprender la necesidad de no invisibilizar este tipo de sucesos, llevó al artista a entablar una relación con la arcilla y la cerámica como material que está estrechamente vinculado a la historia del ser humano. La arcilla le permite contener esa huella y a su vez se convierte en un vehículo que juega un papel importante en la transmisión y conservación de aquellas historias que se erigen como documento social y visual del pasado, el presente y el futuro, donde la pieza cerámica viene a ser un fiel reflejo y un testigo que permite construir memoria como un acto de resistencia al olvido.
Simulacro Objeto intervenido 50 X 50 cm Casquillos de fusil 7.62 mm. 2015
Simulacro reflexiona sobre las dinámicas de la Violencia estructural y las relaciones de poder que se generan en los territorios (Departamentos o ciudades de Colombia) dentro del marco del conflicto armado colombiano. Este acercamiento al territorio, parte de la idea de que el ser humano cartografía el mundo en un intento de captar la realidad en la que vive, a partir de esta reflexión se plantea otro tipo de representaciones del paisaje, con el fin de subvertir dicho concepto, colocando en diálogo las principales características de los territorios a partir de mapeos, puntos, lugares y experiencias propias en el territorio desde el habitar, el recorrido y la recolección de objetos en zonas rurales y urbanas. Donde se plantean otro tipo de preguntas sobre estos lugares en el actual momento de cambio y conflictos sociales del país.
RICARDO AVENDAÑO
Pintor y escultor colombiano. Alcanzó sus estudios de Artes Plásticas en la Universidad Jorge Tadeo Lozano y posteriormente, adelantó el programa de Madera en la Escuela de Artes y Oficios. Ha incursionado en la pintura figurativa, el dibujo y la escultura. Se crió en Soacha y parte de su obra le apunta a reconstruir la memoria y el patrimonio del municipio. Sus intereses se encuentran en terreno del cuerpo y el erotismo. Ricardo ha participado en diferentes exposiciones colectivas en Bogotá, Manizales y Soacha. En 2018 fundó Chuquy: Club de Dibujo, un espacio incluyente para la promoción del dibujo queer y diverso en Bogotá. Desde entonces se ha dedicado a la docencia y actualmente vive y trabaja en su taller en Soacha.
SOACHA
SUACHA Escultura Dimensiones variables 2018
“SUACHA” es una escultura construida a partir de algodón sobre una serie de seis letras de madera. La obra reivindica el nombre del municipio con la raíz lingüística chibcha: “Suacha”, que se divide en dos partes: “Sua” que significa sol y “Cha” que significa varón, Suacha es entonces la ciudad Varón del sol. De esta manera Avendaño reivindica la estigmatizaron generada a lo largo de la historia de Soacha y ofrece a los espectadores una experiencia estética y sensorial cálida con su nombre. El acto de nombrar Suacha convoca su pasado ancestral, mientras el color y los materiales que hacen parte de la escultura hablan de las múltiples fragilidades del municipio, con un producto que se presenta efímero, volátil, delicado y con un color rosado, siendo este uno de sus colores característicos.
DIEGO ROJAS
Maestro en Artes Plásticas y Visuales con énfasis en pintura y dibujo, con un interés por la pintura como horizonte de compromiso estético y como respuesta a las nuevas exigencias creativas en el arte, tratando temas como el paisaje, escenas de la vida cotidiana y el retrato.
ZIPAQUIRÁ
Auto-Retrato de la cotidianidad Óleo sobre lienzo 300 × 165 cm 2020
Desde una reflexión personal se propone desentrañar eso que sucede a diario desde la autorrepresentación, enmarcando la visión del pintor y su cotidianidad, en una escena donde los personajes configuran la obra, cuyas historias sobre lo que les sucede y sienten en su diario vivir, agrupan en la pintura lo que acontece dentro y fuera del estudio del pintor.
MICHELLE RODRÍGUEZ
Su trabajo es un ejercicio plástico que indaga a través del dibujo, elementos como el cuerpo, el gesto y la corporalidad. De esta manera, a través de un ejercicio de observación, encuentra en la imagen, un espacio de diálogo y reconocimiento del cuerpo y la manera en la que es atravesado por las dinámicas propias de la ciudad, como el recorrido urbano, su relación con el espacio y el sentir diario en la experiencia cotidiana del individuo. Así mismo, busca indagar el papel del cuerpo como territorio de reflexión a través del retrato y la observación constante, asumiendo la importancia del dialogo y la memoria que genera un contexto en la experiencia corporal.
SOACHA
Encuentro Grafito sobre papel 21.5 x 28 cm 2021
Sumergirse Grafito sobre papel 21.5 x 28cm 2021
Pesadez Grafito sobre papel 21.5 x 28 cm 2021
La Serie Pesadez desarrolla un ejercicio de autorretrato como acción continua de observación, en donde la artista a partir de un autorregistro corporal y gestual busca transmutar en la imagen/ cuerpo, sentimientos de cansancio y angustia que le provocan las diversas relaciones con su cotidianidad. Experiencias con un contexto y rutina en constante cambio y transitoriedad, ya definido por el sociólogo Bauman, como modernidad líquida. Rodríguez aborda como eje principal: la meritocracia, elemento que logra generar una constante angustia inmersa en la cotidianidad, al punto de percibirla como su núcleo familiar; desde donde, a partir de la observación y diálogo con el otro, cuestiona la influencia de la meritocracia en su experiencia diaria y cómo esta afecta su corporalidad. Un estado de tensión/contención presente en su ejecicio de dibujo.
Sofocación Monotipo 50 x 40 cm 2019
Nausea Grafito sobre papel 28 x 21.5 cm 2020
GLORIA HERAZO
Realizó estudios de Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, Tecnología en materiales en el Instituto Nacional de Aprendizaje, Costa Rica e Introducción a la función social y terapéutica del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, España.
espectadores nos debemos a la búsqueda del mismo, y bien podemos caer en el engaño de lo sutil y lo bello y no morder el anzuelo para ser atrapados por el veneno que conllevan sus imágenes, pues son un grito lanzado desde los fundamentos de género y la posición de la mujer en la sociedad.
Herazo, parte de la premisa de ubicarse como mujer, madre, y artista, sus pinturas de finales de los 90s y comienzos del 2000 marcan escenarios en los cuales la mujer juega un papel esencial, damas de sociedad, perfectas esposas, amantes refinadas que por sus composiciones ocultan su identidad, sus rasgos reconocibles son cercenados dejando solo la pose, la moda, el estilo...
Ha expuesto sus obras en Francia, Bruselas, Alemania, España, Estados Unidos, Panamá y Colombia. Su obra hace parte de la colección Frédéric de Goldschmidt, la colección de la familia real de Luxemburgo; y recientemente de la Colección del MAMBO Museo de arte moderno de Bogotá.
La anulación de la identidad marca la muerte del retrato, y es remplazada por algo más, el objeto, el símbolo, el poder de lo masculino, de la palabra, de la norma... En sus trabajos más recientes el formato, la escala, el detalle, el material cobra una marcada importancia y se traduce en parte fundamental de la obra, sus dibujos de hilo y tiempo devoran el papel y las telas que los soportan, las figuras que yacen allí atrapadas luchan por entregar un mensaje, que como
TABIO
Virtud bella. Serie de objetos en des-uso Collage y bordado sobre carpeta antigua 35 x 20 cm 2018
Sentencias. Serie de objetos en des-uso Collage y bordado sobre carpeta antigua 23 x 23 cm c/u 2017
Cuando te detienes y miras hacia atrás, encuentras trazos de ese recorrido y sabes que en tu vida han sucedido las mismas cosas que en las de cualquier otro; el amor o la muerte siempre están presentes, has transitado por territorios reconocibles, rastreas en ese mapa interior que has creado dentro de un contexto específico, husmeas en tu existencia. Te desplazas por un plano social delimitado por discursos simbólicos y culturales, es un mapa de memorias personales y colectivas, de experiencias, de circunstancias propias y confluencia de eventos. Las imágenes funcionan como una brújula en ese territorio mental que permite un recorrido por recuerdos, emociones, encuentros, desencuentros, momentos en los que la gente puede reconocerse e identificarse, porque hablan de lo cotidiano e íntimo, funcionan como un método de reconfiguración, conforman un mapa visual de nuestra vida. El collage al igual que la pintura ha permitido a Gloria Herazo visibilizar un mundo interior, que en el collage se compone de esos trozos de realidad con los que intenta reconstruir historias pasadas y solo logra trazar un esbozo confuso del que surge un viaje a un territorio propio. Los recortes o el bordado se convierten en pincel, en pigmento para dibujar, rediseñar, reconocer y matizar una cartografía de lo cotidiano.
JESSICA ZAMORA
Estudiante del programa de Artes Plásticas de la Academia de Artes Guerrero. Aprendió la técnica de pintura al óleo con los maestros Andrés Alarcón y Patricia Vesga. Recientemente participó en el Salón Nacional de Pintura (2021), Arte en Cuarentena (2020), entre otras exposiciones colectivas en Cota, Cajicá, Tenjo y Bogotá.
CHÍA
Tejidos Óleo sobre lienzo 100 x 100 cm 2021 El movimiento está presente en la obra de Jessica Zamora como un medio de expresión constante en sus propias observaciones de la vida. Esta pintura nace de la reflexión del estado actual del desarrollo personal: somos el resultado de las personas que nos rodean, nuestra personalidad y pensamiento se ven indirectamente influenciados por las personas más cercanas; y a su vez ellas son influenciadas por otros. Nuestra individualidad es el resultado de un tejido de tradiciones, acciones, juicios y experiencias de otros. Es parte de la vida la conexión que existe entre todos, llegando a negar aquello que llamamos originalidad o autenticidad y convirtiéndola en la necesidad humana de la cercanía y el sentido de pertenencia.
MARI MENEZ
La artista venezolana Mari Menez (1977), de ancestros wayúu y afrodescendientes, es licenciada en artes, mención investigación y museología, también magíster en ciencias de la educación, mención gerencia educativa, diversos estudios en salud mental, se dedicó a la dirección de museo y a la docencia universitaria durante 8 años en las áreas de dibujo, técnicas de expresión, historia del arte, historia del diseño de modas y patrimonio de bienes culturales. Partió de su país de origen hace 11 años, dedicándose al arte terapia a través del retrato y autorretrato, vivió en Estados Unidos de Norteamérica. Hoy radica en Colombia, su mayor influencia plástica se encuentra en la investigación de Henri Rousseau, a nivel pedagógico sus bases teóricas remiten las enseñanzas de Jean Jacques Rousseau sobre el estado natural del hombre. Su trayectoria supera los 20 años, en diversas exposiciones internacionales, investigaciones, participaciones poéticas impresas y digitales. Actualmente se encuentra desarrollando una propuesta artística en el enfoque arte y memoria, que se inicia con la temática del Alzhéimer, ella posee el gen de riesgo de esta enfermedad. Su trabajo se representa con imágenes de
gallos y otros elementos referidos a una ordenanza nostálgica que la vincula con su padre. Para ella los gallos son melancolía de la infancia, todo lo que no quiere olvidar, pero sobre todo es el reflejo de las enseñanzas, la educación familiar, hacer siempre lo correcto, haciéndole ver la masculinidad con admiración y respeto, tal cual como fue expuesto por Freud y Lacan.
ZIPAQUIRÁ
Gallus Memories” está compuesta por imágenes de gallos de diferentes líneas, se inicia a razón de la patología neurodegenerativa denominada Alzhéimer enfermedad que padeció el padre de la artista durante 14 años, y cuyas imágenes sirvieron de detonante para recuperar recuerdos en el transcurso de un año y que posteriormente se desarrolla en la temática de la sexualidad. En esta primera iniciativa surgió la necesidad de seguir ejecutando estas aves, también referidas a una ordenanza nostálgica de la artista, ya que en su niñez constituyó un concepto importante, que hoy personifica en un símbolo que trasmite recuerdos, no solo a su ejecutante sino también a muchos espectadores.
El proyecto propone generar empatía, buscando sensibilizar al ciudadano de todas las edades sobre lo que es considerados diferentes. En la obra actual se aprecia el imaginario de la niñez de la artista, cuando creía que los gallos tenían sus órganos sexuales en la cabeza, sin embargo, esa inocencia no estaba lejos de la realidad, sexualmente los gallos y las gallinas se atraen por el tamaño y color de sus crestas, plasmando en sus pinturas esas particularidades que ejemplifican los impulsos humanos, donde los atributos femeninos o masculinos son asociados consciente o inconscientemente a la fertilidad y satisfacción sexual.
El comportamiento de los gallos se rige por su sexualidad, la transexualidad en estos animales es un hecho evidente, las gallinas que empiezan a cantar por una necesidad de que sus compañeras puedan ovular en la ausencia de un macho, es normal entre estos animales, también puede cambiar su sexo y pluma para garantizar la continuación de la especie. Es necesario señalar que naturalmente algunos machos nacen con plumaje de hembra, pero tienen su papel y desempeño masculino en su núcleo, siendo respetado sin diferencias, en este punto se hace la comparativa con los humanos que les es tan difícil aceptar estos modos de conductas que son naturales.
Mari posó Óleo sobre lienzo 90 x 90 cm 2021
El Gran Simón Óleo sobre lienzo 120 x 160 cm 2021
LUCÍA GÓMEZ
Estudió arte con su padre, el maestro colombiano Ricardo Gómez Campuzano, y en la Escuela de Arte Sienna de Madrid. Continuó su educación artística en Colombia con los Maestros Freda Sargent, Nelly Rojas y otros Maestros, mientras participaba en múltiples talleres durante muchos años en el Atena Art Studio del Maestro Hernando Gonzáles en Bogotá. Sus pinturas han hecho parte de numerosas exposiciones individuales y colectivas, en ferias de arte, museos y galerías en los Estados Unidos, Canadá, América del Sur y Central, y en Europa, incluyendo; Feria de Arte de Palm Beach y Feria de Arte de Boca Ratón en Florida, Museo Palacio de Bellas Artes de Santo Domingo, República Dominicana; El Museo Monmouth en Nueva Jersey; Museo de Arte McMaster en Toronto; Gremio del Museo de Arte de Boca Raton; El Museo de Arte de Coral Springs; El Museo de Arte de Cornell en Delray Beach Florida; Galatea Fine Art en Boston Massachusetts; Race Street Gallery del Instituto de Arte UICA en Grand Rapids Minessota; El Centro de Arte de Essex en Lawrence Massachusetts; The Center Gallery of FIU en Miami, la Galería de Arte de Hamilton en Ontario; Galería de Arte Lessedra en Sofía, Bulgaria; McMaster Museum of Art en Toronto y la Concertina Gallery en Londres, Reino Unido.
TABIO
La obra de Lucía Gómez hace parte de una rica y continua tendencia de la pintura no-objetiva interesada en expresar una dimensión espiritual en el arte. Esta manifiesta una concepción del mundo donde están presentes aspectos contemporáneos de espiritualidad que reflejan multiplicidad de búsquedas y respuestas que se han nutrido de corrientes filosóficas y espirituales heterogéneas, entre ellas el contacto con tradiciones orientales y prácticas como el yoga que han penetrado la cultura global. En este caso se considera la práctica de la pintura como un proceso de introspección meditativo y revelatorio; un viaje de búsqueda análogo al de la vida. Confrontada con el caos de un mundo material en flujo constante y cargado de incidentes, la artista explora su mundo interior y procura reconstruir unidad y trascendencia. La resolución de este proceso resulta en un ámbito donde lo artístico y lo espiritual convergen, donde se visibiliza lo invisible, y se manifiesta una realidad profunda más allá de las apariencias.
Serie Puertas y Umbrales No. 1014 Óleo sobre lienzo y técnica mixta 60 x 60 cm 2020 – 2021
Las pinturas de Lucia Gómez se expresan articulando Arquetipossímbolos ancestrales comunes a todas las culturas, presentes en la naturaleza y arraigados en los subconscientes individuales. Con ellos construye alegorías de su viaje personal y búsqueda de unidad. Priman las dualidades de luz y oscuridad, las composiciones basadas en la progresión del espiral en búsqueda de un centro de claridad y las geometrías primarias. Ellas constituyen umbrales, pasajes de transformación donde en un juego de equilibrio se reconcilian opuestos conjugando el orden de la geometría con la fluidez de la pintura, línea y textura, y en ocasiones lo figurativo y abstracto. Su proceso no se basa en una estructura rígida preestablecida; en él está presente la espontaneidad de trazos automatistas que obedecen a la necesidad de expresión interna e impulso de catarsis con los que no intenta controlar sino acceder a la fluidez vital, logrando sincronía en la expresión estética y emocional. Estas pinturas resisten un significado rígido y permiten pluralidad de acercamientos; para el espectador se constituyen también en umbrales de contemplación, canales que conectan con un universo más allá de lo mundano y de lo temporal. Ellas disponen un campo para interacción con la propia vida, el propio camino y la conciencia de sí mismo, por lo tanto, su narrativa tiene la capacidad de desplegar no una sola historia y un deseo sino el de cada uno. *Natalia Vega -Historiadora y crítica de arte.
Serie Puertas y Umbrales No. 0086 Óleo sobre lienzo y técnica mixta 56 x 54 cm 2020 – 2021
JUAN DÍAZ
Desde el 2017 ha venido desarrollando labores como muralista y pintor, desde entonces ha participado en diferentes proyectos artísticos de murales en el municipio de Sopó, donde ha podido ejecutar la mayoría de sus piezas. En el año 2020 participó en el II Encuentro de Muralismo Internacional Calchaquí en Argentina.
SOPÓ
Atmósferas cromáticas Vinilo sobre lienzo Dimensiones variables 2021
Los rostros humanos son utilizados por Juan Díaz como sujetos de estudio, en los que se abordan de forma plástica diferentes atmósferas cromáticas que generan diversos diálogos estéticos y psicologicos con los públicos.
DAST
El trabajo de DAST nace desde el relacionamiento que ocurre entre espacio público y cada uno de sus elementos; las construcciones, calles, fachadas, peatones, entre otros; desde allí ve el paisaje urbano como un collage vivo, un panorama múltiple compuesto por un sin fin de posibilidades arquitectónicas convertidas en geometrías sólidas y definidas que se encuentran en constante diálogo con los peatones, quienes se transforman en texturas y formas orgánicas que terminan formando infinitas interacciones y se convierten en esas composiciones geométricas abstractas que hacen parte de su obra. Ha participado en diferentes festivales de arte público y muestras colectivas en ciudades como: Miami, Vancouver, Boston, Lima, Buenos Aires, Quito, Sao Paulo, Curitiba, Santiago de Chile, Tokio, Ciudad de México, Clarksdale. También ha participado en exposiciones colectivas como el primer salón de jóvenes de Tokio, Proyecto Z de Galería Beta, La conecta de Alianza Francesa, Subway Maps de Math Goth Galerie Paris, Grata sorpresa, Vancouver-Bogotá, Street Artista (South Shore
Art Center) MA. Denial de Gama crea MX, y muestras individuales como Pop Up en Espacio Van Staseghem, Satélite 481 en Visaje Graffiti, Voyager 16 en la chatica, entre otras. Su obra hace parte de la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.
CHÍA
Navecedario Serigrafía a 2 tintas 74 x 55 cm 2018 Proyecto de exploración tipográfica donde cada letra del abecedario se convierte en un equipo espacial, dando inicio a un juego visual donde cada equipo obedece a la arquitectura de cada letra.
Satélite 481 Serigrafía a 2 tintas 26 x 36 cm 2020
Pieza que nace del interés del artista por la exploración espacial, al sin fin de preguntas y curiosidades que rodean los viajes fuera de la tierra, en todos los detalles técnicos que pueden hacer parte de uno de estos objetos colosales que salen en búsqueda de información.
Maglia rosa Risografía a 3 tintas 42 x 28 cm 2021
La bicicleta como objeto, medio de transporte y estilo de vida cada vez es más fuerte en nuestra cultura y esto hace que la pasión por el deporte aumente celebrando así los triunfos de los ciclistas colombianos. Maglia rosa es la celebración del triunfo del ciclista colombiano Egan Bernal en el Giro d´IItalia 2021.
JAIRO RUEDA
Foto: Carlos Zárrate.
Estudió biología y diseño industrial. Trabaja en caricatura y arte. Como artista su proyecto es el aprendizaje a partir de las lecciones del hábitat andino; la simbiosis y armonía entre fauna y flora inspiran música, dibujos, instalaciones, fotografía, ensamblajes y esculturas. Utiliza los recursos que brinda la montaña y los combina con otros medios que sirven de base para expresar ese Perennis transitum, que como si fuera el nombre científico de un ejemplar vivo, en realidad se refiere a un estado de belleza que los humanos hemos olvidado o perdido en medio de la inmediatez que nos rodea. Esa belleza que no se refiere a lo estético simplemente, sino a ser y coexistir utilizando la impronta heredada y las habilidades adquiridas para sobrevivir en el entorno y encontrarle a la vida ese sentido de gozo que no necesita explicación y que está a la vista y al sentir frente a lo cotidiano que ofrece el bosque; maravilloso y misterioso, poético y doloroso, en que la muerte y la vida son puntos de la misma línea sin interrupción alguna en el tiempo y el espacio.
Ha participado en muestras colectivas e individuales en CCCB Barcelona; Curator´s Voice Art Projects Miami; MAC, Espacio Van Staseghem, Espacio Alterno, Maleza Proyectos Bogotá; convocatorias como Salón de Arte Soacha y el Salón Regional de Artistas.
SOPÓ
Pupa de fuego Malla de alambre Dimensiones variables 2018
En la naturaleza las pupas son estructuras que brindan protección a algunas especies durante procesos de maduración o transformación, momentos fundamentales en los que la adecuada transmisión del material genético y el desarrollo de sus estructuras físicas potencializan su capacidad de supervivencia como individuo, así mismo la de su especie. Estos dos objetos convergen como metáfora del ser humano durante periodos de cambio, en busca de una mejor adaptabilidad al mundo. Sin embargo surgen variables como el tiempo y el conocimiento; si bien para un insecto la información de muchos comportamientos, procesos y tiempos se encuentran en su ADN, en el caso del humano es diferente, al menos en lo que intelectual y socialmente refiere. Por ello el humano debe regresar a sus pupas, en procesos introspectivos que deben durar el tiempo necesario para consolidar, madurar o transformar aspectos que hacen de cada persona un ser único.
Moth Alambre y pintura fotoluminiscente Dimensiones variables 2018
OTONIEL BORDA
Artista Plástico y Visual de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas con mención meritoria por el proyecto de grado “RESERVA”. En su proceso artístico vincula a las distintas técnicas plásticas elementos del diario vivir, en una búsqueda personal para revalorar los diversos significados de los elementos y espacios cotidianos, su trabajo proyecta la necesidad de hacer visibles aspectos elementales que pasan desapercibidos en el frecuente afán de la vida. Su obra ha sido exhibida en Italia, Perú, Cuba, México, Venezuela, entre otros. Y ha sido Reseñada en Flashes From Colombia (Imago Mundi), Espacio Blanco, Arch20, Beautiful/Decay, Catálogo ArtBo 2012, catálogo 14 Salones Regionales de Artistas y Revista Bacánika.
SIMIJACA
De la serie entre lo oculto y lo evidente Diccionario enciclopédico Portada papel lijado 50 x 30 cm 2020
Estas series están basadas en imágenes de elementos que presentan diferentes niveles de iconicidad, el papel utilizado para su construcción contiene información que está sujeta a los cambios continuos de la sociedad, el territorio y la naturaleza, promoviendo en el artista un interés investigativo sobre los hechos históricos y sociales que rodean dichos cambios. En la disposición de los elementos, la inclusión de estructuras y de juegos ópticos, se generan relaciones aleatorias entre la semiología y la semántica de la imagen con la información que posee el material.
MAURICIO COMBARIZA
Estudio Artes Plásticas en la Academia de Artes Guerrero y diferentes programas relacionados con arquitectura, construcción y acabados en el SENA. Fue galardonado con la mención de honor otorgada por Phillippa Adams directora de la Galería Aaatchi de Londres en Spotlights Barcú (2017), así mismo en el VI Salón de Artistas Funzanos. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en diversos espacios culturales, entre las más recientes: Animal_ social.temp (2021) en la Galería LGM, Con Intención (2020) en la Fundación Estudio 74, Iconografías del Barrio (2020) en el Centro Colombo Americano de Bogotá.
MOSQUERA
Bultos Viga de madera, concreto y pigmento Dimensiones variables 2019
En la definición de bulto nos encontramos: "volumen o tamaño de cualquier cosa" "elevación o saliente en la superficie de una cosa o porción de masa endurecida en el interior de algo", "cuerpo que se percibe confusamente", "hinchazón". Los bultos que salen naturalmente de las construcciones obedecen normalmente al sobrante de la jornada, al contenido de los materiales de esa construcción. En su obra, Combariza busca hacer una interpretación del bulto encontrado en los escombros de obras en construcción, el cuerpo en concreto que se suspende sugiriendo levedad en una acción de docilidad en donde la materia dura y pesada del concreto se hace frágil y liviana. Estas piezas proponen una relación entre los materiales y la presencia del obrero, bolsas que al vaciarlas con cemento, mortero o concreto sugieren formas orgánicas, quizá vísceras, pliegues que sugieren piel, tensiones, volúmenes etcétera; una metáfora al cuerpo como una masa que muta y se moldea de acuerdo a las circunstancias.”
MARIO SIABATTO
Tras 13 años como creativo publicitario, ha empezado a alternar la labor publicitaria con el hacer artístico. Su exploración se enfocó en un comienzo en pintura figurativa, pero actualmente ha dado un giro al mundo conceptual; basando la temática de su obra hacia inquietudes filosóficas y existenciales, generando preguntas más que respuestas, donde priman las ideas y los materiales; sin encasillarse en un medio en específico, tomando cada obra como una oportunidad de exploración de medios y materiales.
TENJO
Topología de los placeres 1.2 Dibujo con grafito y carbón sobre papel 300g, libre de ácido. 42 x 35 cm 2020
Topología de los placeres 2.1 Dibujo con grafito y piedra de rio sobre papel 300g, libre de ácido. 35 x 28 cm 2020
Topología de los placeres 3.1 Dibujo con grafito y tronco sobre papel 300g, libre de ácido. 42 x 24 cm 2020
"La Naturaleza ama ocultarse" Heráclito. Hemos olvidado nuestra relación de unidad con la naturaleza, la sentimos como algo ajeno; no la asumimos simplemente como algo ‘ante los ojos’ o, como un ‘habitar en’. Vemos el mundo circundante como una fábrica de deseos y placeres, lo cual inhabilita la posibilidad de descubrir la naturaleza como aquello que vive y crea; de la cual estamos hechos y nos posibilita el "Ser".
OMAR BERNAL
Licenciado en artes visuales de la Universidad Pedagógica Nacional. Dibujante científico y naturalista freelance y para el Jardín Botánico de Bogotá. Educador y artista.
SOACHA
Necrología: Nueva flora de Bogotá Tinta hecha a base de humo de diésel sobre papel durex Dimensiones variables 2018 - 2021
Este proyecto de creación desde el dibujo aborda las nuevas realidades de la flora bogotana, con una crítica que el artista realiza al transporte urbano de esta ciudad, desde el dibujo botánico. La serie está conformada por dibujos hechos a mano, con tinta a base de humo, producto de la combustión de diésel del transporte público de Bogotá. Estos dibujos representan la flora exótica que se encuentra en las principales vías de la ciudad: LIquidambar Sysyzium paniculatum, entre otras especies.
HEBERT SÁNCHEZ
Estudio platería en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo (2008); Seminario Arte Latinoamericano siglo XX, Universidad Javeriana (2010). Su obra ha transitado entre lo figurativo y lo abstracto, y de lo tradicional a lo contemporáneo, el contenido de esta ha tenido un carácter espiritual que explora la relación del hombre con la creación, tratando diferentes temas con su particular enfoque de eternidad y temporalidad. Constantemente explora los lenguajes contemporáneos siempre con una característica personal debido a su formación empírica; con el tiempo ha ido evolucionando desde sus viajes a New York, que lo han impulsado a rescatar disciplinas como el dibujo, la fotografía, que en su juventud desarrollo, adquiriendo una visión actual de los nuevos procesos.
MADRID
Reino de las alturas Sumie sobre papel de arroz 140 x 70 cm 2021
El trabajo de Hebert Sánchez se sitúa sobre los interrogantes del hombre frente a su naturaleza como creatura y su definición como imagen de “algo más allá”, valiéndose de los cuestionamientos de la misma naturaleza que lo rodea para recuperar su base esencial. En su obra el dibujo es una forma natural de registrar físicamente las especies naturales, y de captar sus cualidades invisibles; el acto de dibujar la naturaleza desde lo contemplativo le da sentido espiritual a la imagen descrita y remite al misterio de lo invisible, logrando percibir la sencillez y la simplificación del dibujo como se capta la belleza de lo esencial.
DANILO ROJAS
Estudió Arquitectura en la Universidad de los Andes en Bogotá, obtuvo un máster en Historia, Critica y Proyecto en la UPC de Barcelona y posteriormente realizó estudios de caligrafía y filosofía de la China antigua. En Barcelona, transcurrió gran parte de su carrera como pintor, allí obtuvo gran reconocimiento con su proyecto independiente - Galería Sala Noa; además, expuso en el CCCB, el BAC y la Galería Montcada entre muchos otros; igualmente ha expuesto internacionalmente en eventos como HotArt - Art Basel en Basilea, Flag Art Festival en Seúl, OPEN en Venecia, Comparaisons en el Grand Palais de Paris, Museo del BID en Washington; y ferias como TIAF en Toronto y Arte Américas en Miami y con galerías como Beatriz Esguerra Art en Bogotá. Participa activamente en subastas como las de Conexión Colombia y Juannio en Guatemala con excelentes resultados. Su obra hace parte de Colecciones privadas al rededor del mundo.
SUBACHOQUE
Vida Acrílico sobre tela 23 x 27 cm 2021
La tierra da vida y la renueva. Su poder regenerador es latente, creador y paciente. Entrar en contacto con ella nos hace tomar conciencia de la floreciente belleza de nuestro planeta, lleno de singularidad, magia y ensueños. Hoy, de la tierra nos llega el llamado a cuidarla bien, es decir, a respetarla. Esta serie es un llamado a profundizar en el conocimiento del mundo natural pues ya está claro que solo cuidamos lo que conocemos. Y cuando recordemos que no poseemos la naturaleza, sino que pertenecemos a un inmenso sistema de vida, entonces podremos abrazar de nuevo al mundo natural, comprendernos a nosotros mismos y comprender lo qué es la verdadera relación con los demás. ¡Todos somos una unidad inseparable, todos somos uno! Estas pinturas nacen desde adentro de la naturaleza… son pinturas que nacen desde adentro del corazón.
CATALINA LÓPEZ
Diseñadora industrial de la Pontificia Universidad Javeriana con posgrado en Arquitectura y Artes Efímeras de la Universidad Politécnica de Cataluña. Ha encontrado en las estaciones de basura la materia prima para el desarrollo de sus trabajos, desde la formulación de su tesis universitaria, como también en su vocación de recicladora con deseo de alquimista.
LA CALERA
Chingaza Acrílico sobre mantilla reutilizada 54.5 x 44.5 cms 2019
Santa Sofía Acrílico sobre mantilla reutilizada 73 x 63 cm 2019
Santa Sofía y Chingaza son piezas de Quelocuratodo, una serie que la artista ha venido trabajando hace años, y en la que deja ver, a través de cada pieza compuesta a partir de la reutilización de materiales destinados a la basura, instantes de curación en los que ha encontrado señales de un proceso de regeneración de los tejidos vivos y la recuperación o restablecimiento del equilibrio, después de un malestar, enfermedad, herida o daño. Santa sofía es la imagen del desierto, el espejo de un duelo: vegetación espinosa, colores opacos y exceso mineral en el que la reserva de agua, que parece inexistente, hace posible la vida. Chingaza, nuestra fábrica de agua en la sabana de Bogotá, un nacimiento constante del oro que recuerda el que mantiene circulando y variando de estado el 70% propio.
ROGER IREGUI
Artista plástico, grabador, pintor y dibujante, estudiante de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Desde temprana edad se interesó por el dibujo como medio de expresión y forma de comunicar ideas a los demás. Comenzó una carrera de diseño gráfico en el año 2006, lo que le permitió tener un acercamiento a las diferentes técnicas análogas y digitales, que ha seguido usando a través de los años y que en la actualidad se ven reflejadas en su trabajo de grabado y pintura. Como habitante de un municipio cercano a Bogotá ha tenido la posibilidad de moverme entre lo rural y lo urbano, siendo testigo de la progresiva absorción de Soacha por la Capital, al punto de una paulatina desaparición de fronteras que se van desdibujando entre los barrios; adoptando el carácter citadino del sur, con sus problemáticas sociales y ambientales. Ha tenido diferentes reconocimientos en la Universidad, como ser ganador del Premio Lorenzo Jaramillo en el año 2018, y recientemente ganador del primer premio en la exposición “La Internacional 2021” de la Galería Verona Studio. Ha sido invitado a participar en diversas exposiciones colectivas y bienales del ámbito nacional.
SOACHA
Sin título 1 Óleo sobre tela 32 x 62 cm 2014
Paisaje cundinam Collage 120 x 50 cm 2018
Paisaje cundinam Collage 120 x 50 cm 2018
marqués
marqués
Guatavita Óleo sobre tela 50 x 65 cm 2016
Lago Óleo sobre tela 35 x 50 cm 2014
Piedra gris Óleo sobre tela 35 x 45 cm 2015
Peñón desde Ciudad Verde Óleo sobre tela 33 x 45 cm 2017
Paisaje cundinamarqués Collage 120 x 50 cm 2018 El trabajo de Iregui está centrado en el tema de la naturaleza, empezando en el 2014 como una búsqueda general de las posibilidades de expresión de una paleta de color limitada en el paisaje de Cundinamarca, esto requirió algunos viajes acompañado de una cámara digital que le permitieron ir creando un banco de imágenes, de las que pudiera seleccionar las composiciones que considerará más acertadas, estas posteriormente se materializaron en pintura con el objetivo de perfeccionar en el manejo del color, composición y técnica. Su obra Paisaje Cundinamarqués es una experiencia de viajero y archivo fotográfico propio, en la que fragmenta imágenes de diferentes lugares y momentos, para recomponerla como una sola experiencia, un paisaje multitemporal y multiespacial. Estos ejercicios le llevaron a reflexionar acerca del valor documental y reflexivo que tiene el arte, especialmente al ver los
rápidos cambios que se dan en el paisaje por factores antrópicos; entre los que están la expansión de las ciudades, que generan gran cantidad de residuos y contaminación, la fragmentación del espacio con carreteras, el drenaje de humedales y el empobrecimiento de la variedad de especies arbóreas, al ser estas sustituidas por exóticas, dando como resultado el declive de la riqueza ambiental y la desaparición de especies animales. Con su pintura pretende dejar un rastro de espacios que eventualmente decaerán o desaparecerán del todo, buscando con esto generar reflexión en el observador al tiempo que le invita a tener una experiencia de reconocimiento de su entorno, de los recuerdos de estos espacios o algunos similares en el departamento de Cundinamarca.
Tarde soleada Óleo sobre tela 35 x 50 cm 2014
Sin título 4 Óleo sobre tela 35 x 50 cm 2015
SEBASTIÁN RAMÍREZ
Arquitecto de la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá y especialista en arquitectura hospitalaria de la U.P.C en Barcelona. A lo largo de su vida ha tenido diferentes estudios puntuales en dibujo y técnicas de representación como taller de dibujo arquitectónico a mano alzada, CUJAE La Habana. Como arquitecto ha explorado el alto impacto del color en el comportamiento humano y lo ha llevado al arte por medio la pintura y la ilustración digital, jugando con la escala y la yuxtaposición de elementos para redignificar el imaginario de la vivienda autoconstruida. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en galerías como el Garaje y Crispeta. Su trabajo fue publicado en la proforma virtual El Cauce, Arte Latinoamericano.
MOSQUERA
Tenjo enraizado Pintura acrílica sobre papel 35 x 65 cm 2021
El color como reflejo del alma dibuja la arquitectura vernácula y la exuberancia de la fauna. Se desborda y desvanece los límites entre lo real y lo que se plasma, no discrimina fronteras. La obra está conformada por tres piezas. Con la intención de enaltecer las diferencias entre las similitudes del territorio de Cundinamarca. Anapoima reminiscente: El ecosistema tropical, representado por el colibrí cola de raqueta convive con los balcones de la casa donde vivió mi abuelo sus últimos años. Mosquera sorprendente: La sabana de Cundinamarca se convirtió en mi hogar, me sorprendí al darme cuenta que hábito el espacio de las Ranas sabaneras. Tenjo enraizado: En medio de un páramo hábitat de la danta, un pequeño pueblo, donde encontré un tesoro, una casa como se construyó originalmente, con techo de paja.
Anapoima reminiscente Pintura acrílica sobre papel 35 x 65 cm 2021
Mosquera sorprendente Pintura acrílica sobre papel 35 x 65 cm 2021