Premiovidayobra jaime manzur by Jaime Beranyer Sanabria Lara

Jaime Manzur Premio vida y obra 2012

Nació el 31 de julio de 1937, en Bata, antigua Guinea Es-

Jaime Manzur

pañola, hoy Guinea Ecuatorial. Se ha dedicado durante más

Premio vida y obra 2012

Jaime Manzur

de sesenta años a su labor artística como bailarín, marionetista, director artístico y escénico de teatro, ópera y zarzuela, escenógrafo, diseñador de vestuario, historiador del vestido y del mueble, pintor, escultor y pedagogo. Es realizador de numerosos y diversos espectáculos en distintos géneros de las artes escénicas y posee uno de los más importantes patrimonios de América Latina en vestua-

El día 20 de junio de 2012 en la ciudad de Bogotá D.C., el jurado designado para el Concurso Vida y Obra de la Convocatoria Premios

Premio vida y obra 2008 Carlos José Reyes

Premio vida y obra 2010 Nicolás Suescún

Distritales a la Cultura del Programa Distrital de Estímulos de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, compuesto por Santiago Mutis, Miguel Torres y Egberto Bermúdez, otorgó por mayoría el premio al postulado Jaime Manzur por su constante labor en los procesos for-

/ Jaime Manzur PREMIO VIDA Y OBRA 2012

diversas instituciones y grupos, ha rescatado expresiones ar-

Premio vida y obra 2012

rio, escenografía, marionetas y mobiliario. Como creador de

Mayor de Bogotá (1992), condecoración Gran Orden del Mi-

tísticas que han desaparecido de los escenarios nacionales e internacionales como es el caso de la zarzuela y de la ópera y la zarzuela con marionetas. En sus viajes por el mundo ha tenido un sinnúmero de maestros en todas las áreas de su interés y ha recibido varios reconocimientos: primer puesto en el Festival Mundial de las Marionetas en New London en el estado de Connecticut (Estados Unidos) (1977), medalla al Mérito Artístico de la Alcaldía nisterio de Cultura (¿???) y el Premio Vida y Obra 2012 de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte. El Senado de la República le confirió también la Orden del Congreso de Colombia, en el grado de Comendador a su Fundación, la cual fue creada en 1981.

Sandra Camacho López Actriz, docente e investigadora teatral. Obtuvo su maestría y su doctorado (Laureado) en Teatro y Artes del Espectáculo en la Universidad Paris III- Sorbonne Nouvelle con tesis dirigidas por Joseph Danan y Catherine Naugrette, respectiva-

mativos artísticos y, en especial, por su aporte al campo del teatro de

mente. Realizó estudios en el Instituto del Teatro de Barcelona

marionetas, zarzuela y ópera y el alto impacto de estas actividades,

y se graduó como maestra en Artes Escénicas (Actuación) en

como parte de la dinámica cultural de la ciudad, en el público infantil y juvenil.

la ASAB en 1998. En 1995 obtuvo su título de psicóloga en la Universidad Santo Tomás de Aquino. Como actriz ha trabajado con diferentes directores en Colombia y en el extranjero y como docente se ha vinculado a diversas instituciones universitarias tanto en programas de pregrado como de posgrado. Igualmente, ha obtenido reconocimientos por sus investigaciones por parte del Ministerio de Cultura y de Idartes.

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Jaime Manzur

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Premio Vida y Obra 2012

Jaime Manzur Investigaci贸n y textos a cargo de Sandra Camacho L贸pez

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PREMIO VIDA Y OBRA 2012 JAIME MANZUR © Alcaldía Mayor de Bogotá © Secretaría Distrital de Cultura, Recreación y Deporte Dirección de Arte, Cultura y Patrimonio Primera edición, octubre 2013 Gustavo Petro Urrego Alcalde Mayor de Bogotá Clarisa Ruiz Correal Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte Marta Lucía Bustos Gómez Directora de Arte, Cultura y Patrimonio Fernando Escobar Neira Subdirector de Prácticas Artísticas y del Patrimonio Sonia Abaunza Galvis Asesora de Artes Alejandro Flórez Aguirre Jefe Oficina de Comunicaciones María Bárbara Gómez Rincón Coordinación editorial Ángel David Reyes Durán Diseño Jaime Beranyer Sanabria Lara Laura Marcela Parra Carvajal www.crisalida.us Diagramación y armada electrónica Fotografías: Julián Tadeo Velásquez © y archivos personales de Jaime Manzur, Sara Manzur y la Fundación Jaime Manzur Impresión: Subdirección Imprenta Distrital DDDI

Impreso y hecho en Colombia ISBN: 978-958-8321-69-1 Todos los derechos reservados. Ninguna parte de esta publicación puede ser reproducida, almacenada en sistema recuperable o transmitida, en ninguna forma o por ningún medio magnético, electrónico, mecánico, fotocopia, grabación u otros, sin el previo permiso escrito de los editores.

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• Foto: Archivo personal de Jaime Manzur

Jaime Manzur nació el 31 de julio de 1937, en Bata, antigua Guinea Española, hoy Guinea Ecuatorial. Se ha

dedicado durante más de sesenta años a su labor artística como bailarín, marionetista, director artístico y escénico de teatro, ópera y zarzuela, escenógrafo, diseñador de vestuario, historiador del vestido y del mueble, pintor, escultor y pedagogo. Ha sido realizador de numerosos y variados espectáculos en distintos géneros de las artes escénicas y posee uno de los más importantes patrimonios de América Latina en vestuario, escenografía, marionetas y mobiliario. Como creador de diversas instituciones y grupos, ha rescatado expresiones artísticas que casi han desaparecido de los escenarios nacionales e internacionales, como es el caso de la zarzuela y de la ópera y la zarzuela con marionetas.

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En sus viajes por el mundo ha tenido un sinnúmero de maestros en todas las áreas de su interés y ha recibido varios reconocimientos: primer puesto en el Festival Mundial de las Marionetas en New London, en el estado de Connecticut, Estados Unidos (1977); medalla al Mérito Artístico de la Alcaldía Mayor de Bogotá (1992); condecoración Gran Orden del Ministerio de Cultura (2012) y el Premio Vida y Obra 2012 de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte. El Senado de la República le confirió también la Orden del Congreso de Colombia, en el grado de Comendador a su Fundación, la cual fue creada en 1981.

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Agradecimientos Este libro no hubiera sido posible sin la generosidad del Maestro Jaime Manzur al abrir los baúles y los álbumes de sus recuerdos. Gracias por darnos paso e invitarnos a recorrer sus remembranzas. Todo mi agradecimiento a Francisco Piedrahíta, María Eugenia Hoyos, Isabel Sierra y a todo el “grupo de marionetas” de la Fundación: Germán Durán, Blanca Díaz, Germán Acosta, Juan David Tabares, por su continua colaboración. Y también a Sara Manzur, por sus relatos y su álbum. A los amigos y admiradores del Maestro, por sus valiosos testimonios. A Magali Carrillo, Isidro Vanegas, Laura Galeano, por sus hallazgos y aportes. A Julián Tadeo Velásquez, por su valiosa entrega, por sus fotografías, por sus ideas, por todo su aliento. Y a Simón y Michaël por su noble paciencia entre bastidores. S. C. L.

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CONTENIDO

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Presentación, 14 Por Gustavo Petro Urrego, Alcalde Mayor de Bogotá

Homenaje al Maestro Manzur, 16 Por Marina Lamus

Capítulo I Introducción, 23 Premios y reconocimientos, 29 Agrupaciones creadas, 32

Capítulo II Relatos de infancia, 35 Jaime Manzur Londoño, 38

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Capítulo III Itinerarios artísticos, 77 La danza y la coreografía, 81 Los primeros toques del folclor nacional, 88 Los títeres, 97 Las marionetas, 120 Beca a Europa, 152 La Fundación, 155 La ópera y la zarzuela, 161 Jaime actor, 176

Capítulo IV Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro, 181 En palabras del maestro, 185 Testimonios, 193

Cronología, 209

Fuentes, 223 Web-grafía, 230 Archivo personal de Jaime Manzur sin fecha y/o referencia, 230 Videografía, 231

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PRESENTACIÓN

a valoración de la vida y el fortalecimiento de las capacidades huma-

nas, además del trabajo perseverante para ampliar el conjunto de acciones que las personas pueden agenciar para el incremento de las oportunidades legítimas para su vida, es uno de los propósitos principales del Plan de Desarrollo Bogotá Humana. Por ello, la Alcaldía Mayor y la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte (SCRD) resaltan, con el Premio Vida y Obra, de manera bianual el trabajo de quienes han hecho de la creatividad y la libertad artística e intelectual un derecho plenamente ejercido. En la tercera versión del Premio, este galardón recae en un artista bogotano por adopción que, durante más de sesenta años, se ha dedicado a desarrollar su labor como bailarín, marionetista, director artístico y escénico de teatro, ópera y zarzuela, escenógrafo, diseñador de vestuario, historiador del vestido y del mueble, pintor, escultor y pedagogo. Jaime Manzur, a través de la investigación, ha desarrollado una producción artística interdisciplinaria y prolífera, reconocida nacional e internacionalmente por su calidad artística y porque ha explorado diferentes géneros de las artes escénicas así como la pintura, la escultura, la literatura, la poesía y la lírica. Con su dedicación ha puesto en escena 92 zarzuelas y, en su teatro de marionetas, 48 óperas. Igualmente con su labor pedagógica, desempeñada como docente en universidades,

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colegios y escuelas de Bogotá y de Colombia, ha contribuido al desarrollo de las artes del país y a conservar y promover diferentes géneros de las artes escénicas entre los jóvenes. Su trayectoria, sus logros, su vida se han tratado de recoger en este libro a través de la búsqueda de documentos y archivos y de testimonios de colegas, estudiantes, amigos y admiradores quienes constituyen su memoria viva. Maestro Manzur, gracias por una vida dedicada al arte y a la vida, gracias por haber escogido y haberse dejado escoger por Bogotá, nuestra ciudad.

Gustavo Petro Urrego Alcalde Mayor de Bogotá

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Homenaje al

MAESTRO MANZUR

l pensar en el hermoso retablo construido por el maestro Manzur,

con sus telones de boca, elegantes escenografías y el desfile de incontables y hábiles marionetas, vestidas con sus mejores galas para cantar zarzuelas y óperas en las voces de grandes divas como María Callas o Monserrat Caballé, o interpretar como talentosos actores el repertorio infantil y los clásicos españoles, es imposible no caer en la tentación de sentirse parte de ese pequeño mundo suspendido en el vacío y movido por mágicas cuerdas, para viajar en el tiempo, para recordar cómo esos pequeños personajes han hecho soñar a niños y adultos de todas las épocas. Ya desde la época colonial, durante las fiestas populares, arribaban a las villas y poblados estos pequeños y alegres muñecos que, aunque cansados de ir de pueblo en pueblo, de plaza en plaza, no olvidaban que estaban allí para divertir, para unirse al regocijo comunitario. A veces lo hacían con palabras de doble sentido, con diálogos jocosos o socarrones y, claro está, con sátiras mordaces a la sociedad y a las instituciones virreinales, como lo atestiguan importantes documentos de archivo. Poco a poco, ese teatrino de feria, itinerante, sin muchos abolengos, en el siglo XIX fue encontrando un espacio en uno de los lugares más hermosos y atractivos de nuestra tradición nacional: el pesebre navideño. Y es así como “confeccionados en cartón y cera” principalmente, tal como lo anota el viajero Augusto Le Moyne, los muñecos cantaban y bailaban los aires populares y de vez en cuando salían de sus bocas pullas contra los opositores políticos, o cubrían sus

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cabezas con el gorro frigio para recordar, parados frente a un telón rojo, una de las grandes utopías resumida en tres palabras: Libertad, Igualdad, Fraternidad. Así que en los recogidos y conventuales hogares payaneses, medellinenses y santafereños, durante la época navideña se abrían las puertas para recibir a vecinos y desconocidos, gracias al pesebre que desplazaba los muebles de las grandes salas. Se sabe que en Santafé algunos de ellos se convertían en importantes escenarios, abigarrados de figuras, en donde convivían anacrónicamente personajes, objetos, escenas nacionales, con otras de exótico origen bíblico y europeo. Enjambres de bulliciosos niños y niñas iban de pesebre en pesebre, rezaban, comían buñuelos, colaciones y todo lo que les ofrecieran. Y como expertos jueces opinando sobre uno y otro. El de la familia Borda, en el barrio de La Catedral, era animadísimo y tenía el mejor “teatro diminuto”, como se decía entonces. El de los Rueda o el del colegio de San Bartolomé también tenía sus títeres. Pero el de los Ávila, en el Camellón de las Nieves, tenía llanuras, lagos, animales, ríos, cataratas, un océano, naves, ciudades, caballeros, damas, trovadores, arrieros con cargas, camellos, pastores, gladiadores, el circo romano, trapiches, un molino de viento, la gruta con su hermosa estrella de oro y no sabemos cuántos objetos más, por lo cual se requería de todo el novenario para apreciarlo mejor. A pesar de que parecía no poder superarse la belleza de algunos pesebres familiares, una noche de diciembre de 1877, en la tercera calle de Florián, el pesebre de don Antonio Espina quedó registrado en las crónicas bogotanas como un suceso extraordinario. Y lo era porque el manejo de los muñecos era virtuosísimo, algunos cantaban, otros bailaban, mientras los de más allá hacían gracejos y “actuaban a las mil maravillas”, como lo registró la prensa. Una gran marioneta parecía una persona viva y se requería de seis artesanos para su manejo.

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Este pesebre se convirtió en un espectáculo público. Se pagaban unos cuantos reales para acceder a la función, aunque los “niños pobres” de la ciudad entraban gratis. Cada diciembre don Antonio buscaba el mejor sitio de la ciudad para presentarse, no obstante sus mayores éxitos los alcanzó en el Teatro Maldonado y luego en el primer teatro Municipal de la ciudad. Fue en el pesebre Espina donde la soprano italiana Emilia Benic, quien estaba en temporada de ópera en el país, prestó su magnífica voz para que una marioneta cantara un aria. Esta tradición, que después tendría el nombre de pesebre santafereño, continuó su propio recorrido, si bien de manera interrumpida durante algunos años del siglo XX, hasta que finalmente los muñecos se independizaron de ese espacio que los había acogido por más de cien años, para escribir un nuevo capítulo mucho más moderno, acorde con los cambios que se sucederían en el teatro del país. Me detuve más de lo que hubiera querido en esta parte de la historia de nuestros muñecos, pero esta ocasión lo amerita dado el motivo de esta celebración. Ahora bien, compartiendo el escenario de los teatros Maldonado y Municipal y luego el del recién inaugurado Teatro de Colón, las compañías profesionales de ópera y de zarzuela lograron hacer encariñar al público con ambos géneros. Igual hicieron las compañías infantiles de zarzuela que tuvieron un importante protagonismo a finales del siglo XIX. Al mismo tiempo, también los diferentes públicos podían apreciar algunas compañías de títeres que se aventuraban por estas tierras. Aquí llegó la Compañía Italiana de Fantoches, que traía “figuras en movimiento del sistema Holden”, según lo registró en su columna un conocido crítico bogotano en 1891. Se trataba de la familia Dell´Acqua, que llegó al país por la costa atlántica y lo recorrió de norte a sur. Le siguieron otras, entre las más reconocidas estaba la Compañía de Fantoches Líricos Salici, en 1917, especializada en ópera

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y zarzuela; la de Marionetas Navarro en 1933, la Compañía Piccoli de Podrecca, en 1937. Esto por nombrar solamente las compañías más reconocidas, porque por algunos polvorientos caminos seguían circulando y presentándose sus homólogos, tal vez con menos mundo, tal vez menos linajudos pero creados igualmente para hacer soñar. Ya transcurrían las primeras décadas del siglo XX, y la zarzuela y el género chico continuaban ocupando los más importantes escenarios nacionales, colaborando a extender el gusto por el género a través de importantes compañías españolas y, de vez en cuando, se unía al panorama artístico alguna nacional. Pero de pronto, por motivos que todavía no nos alcanzamos a explicar, la famosa zarzuela de antaño cae un poco en el olvido y sólo algunos colombianos recordamos a nuestras abuelas cantar fragmentos de zarzuelas, como la popularísima Ronda de los enamorados, de La del Soto de Parral, esa que dice “¿Dónde estarán nuestros mozos que a la cita no quieren venir, cuando nunca a este sitio faltaron y se desvelaron por estar aquí?”. Es en este momento de la vida nacional que, de manera afortunada, el maestro Jaime Manzur, hijo de esta larga tradición hispánica, vuelve a unir el arte lírico con el teatro de muñecos. Por este motivo no quiero detenerme en otros hitos de la historia como los Títeres Manuelucho, del manizalita Sergio Londoño, o el Teatro Guignol del maestro Antonio Angulo en el Teatro del Parque Nacional de Bogotá. El maestro Manzur, hijo de España y América, que creció bailando y oyendo los alegres tambores africanos, las castañuelas, los pasodobles y bambucos, fabricaba sus títeres con cáscaras de huevo cuando era apenas un niño. A finales de los años cincuenta estableció su primera compañía de marionetas en Medellín, después de llegar de Barcelona y Madrid. Por entonces, uno de sus escenarios fue la recién inaugurada Biblioteca Pública Piloto.

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Después se estableció en Bogotá y en los años ochenta abrió una casa para el arte en el tradicional barrio de Chapinero. Ha sido maestro de varias generaciones de artistas, fundador de la Compañía Arte Lírico y la de Antioquia y de la Fundación que lleva su nombre. En su museo se pueden apreciar todas las marionetas a las que ha dado vida…

Marina Lamus

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La poesía se apoya en la biografía. Es biografía hasta que se hace destino y entra a formar parte de la gran canción del destino del hombre. León Felipe

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Capítulo I

INTRODUCCIÓN

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Jaime Manzur

• Jaime Manzur con una marioneta ensamblada. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

• Jaime Manzur frente a las vitrinas de su Fundación. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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• Marioneta del ballet Cascanueces. Foto: Julián Velásquez Osorio.

Capítulo I. Introducción

• Jaime Manzur en la recepción de su Fundación. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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El Maestro Manzur (…) realiza la conservación de un arte que ya poco se hace en el mundo. (…) Cuando veo su trabajo, tengo la certeza que lo que tiene le ha costado mucho. (…) Además porque lo ha conservado todo. Toda la prestación que él tiene en su museo, para mí es única. (…) Que yo sepa, en América Latina no hay nadie como él. (…) es un legado histórico suyo para el país. Se debe conservar porque es un patrimonio. La valoración es extraordinaria. (…) Es primoroso todo lo que tiene, es auténtico. Cada elemento es de una calidad increíble. Solo en Salzburgo se puede ver algo así. Pero para ir a ver las marionetas allá, se necesita comprar la boleta con seis meses de anticipación, pero es lo mismo que el Maestro hace acá. (…) Es una pena que no se le dé la importancia. Que se prefieran otras cosas más modernas. (…). Concha de la Casa, directora del Centro de Documentación de Títeres de Bilbao1

Su trabajo en el medio artístico y cultural del país es muy importante. Primero, por lo que es él en el medio y en Colombia. Él es un ejemplo. Esto en sí mismo es fundamental. Él es el ejemplo de que vale la pena dedicarse al arte cuando uno lo hace seriamente. Segundo, ha sido el maestro de generaciones de actores, bailarines, marionetistas, cantantes, diseñadores de vestuario, directores de escena, etcétera. Y tercero, muy importante, es que él ha sido un gestor cultural. Es un hombre que no se ha

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Jaime Manzur

dejado vencer por las adversidades, que en el tema de la gestión cultural son muy frecuentes; eso me parece extraordinariamente admirable. Ramiro Osorio, director del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y exministro de Cultura2

Testimonio recogido el 14 de julio de 2013 en Bogotá, antes de su regreso a España.

Testimonio recogido el 21 de junio de 2013 en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.

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Es muy difícil que una persona que tenga un conocimiento tan completo como Jaime Manzur. Hoy todo está estructurado por géneros. Pero Jaime Manzur no pertenece a ninguno en particular, él lo es todo. El arte de Jaime Manzur es todo lo creado. Luz Stella Rey, exdirectora del Teatro Colón3

Todo cuanto identifique el alma colombiana, merece aplauso. Lo merece con admiración y gratitud. Jaime Manzur, alma del alma nacional. Belisario Betancourt y Rosa Helena de Betancourt, ex presidente de Colombia y ex primera dama. Cuaderno de visitas de la Fundación Jaime Manzur, 21 de abril de 1986

Para Jaime Manzur, testimonio de admiración al profesor de la escuela, al compañero de lides escénicas, al artista de tan fina sensibilidad, de honda compresión humana. Y al autor de decorados y figurines inolvidables dentro del teatro colombiano.

Testimonio recogido el 27 de junio de 2013.

Primer director de la Escuela del Teatro Colón. Este manuscrito fue encontrado en un programa de mano de “un exclusivo recital poético” que tuvo lugar el sábado 4 de marzo de 1971 en el Club Los Lagartos de Bogotá.

Capítulo I. Introducción

Víctor Mallarino Botero4

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dentrarse en la vida y obra de un maestro que lleva más de sesenta años de carrera artística es un camino que se construye en filigrana, con suti-

leza y esmero. Es un camino que se recorre con él, para él y para la posteridad. El Maestro Jaime Manzur teje los hilos de su pasado, desata los recuerdos que conserva en su memoria y en sus objetos, en sus fotografías, en sus archivos. Él abre paso a las notas de su infancia, a las narraciones de su juventud, a las vivas risas de sus primeros pasos en el arte, a la pródiga pasión en sus creaciones. Creaciones múltiples, variadas, que se cruzan y se entrecruzan con los diseños y producciones de sus ballets, de sus marionetas, de sus personajes como actor y como director. Con las puestas en escena de sus zarzuelas, de sus óperas. Entre las elaboraciones de sus vestuarios, de sus muebles, de sus decorados, de sus pinturas y de sus esculturas, de sus diseños luminotécnicos, en suma, de todo lo que conforman las artes escénicas. “Yo lo he hecho todo”, dice él y es así. Todo lo ha hecho y todo lo ha guardado. Nada se le ha escapado en la escena.

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Jaime Manzur

Porque el Maestro Jaime Manzur es un artista que navega entre sus sueños y sus realizaciones, entre los océanos y los continentes. Él es una institución viviente que transporta historias fantásticas y sublimes. Él es Historia que enlaza pasado y presente, que conserva un tesoro patrimonial del arte y del hombre que aún no hemos logrado dimensionar. Este libro es una invitación para comenzar a hacerlo.

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Premios y reconocimientos 2012. La Alcaldía Mayor de Bogotá y la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte le entregan el Premio Vida y Obra a Jaime Manzur Londoño por su trayectoria y legado a las artes. 2012. La Asociación de Titiriteros de Colombia, ATICO, rinde un homenaje al Maestro por el Premio Vida y Obra. 2012. El Ministerio de Cultura le otorga la condecoración Gran Orden Ministerio de Cultura. Resolución 2964 del 20 de noviembre. Este premio se otorga al maestro Jaime Manzur porque “(…) sus sesenta años de vida artística confirman la dedicación, compromiso y entrega que (…) ha tenido en su relación con la danza, el teatro, la música y la pintura. Sus obras han estado marcadas por su instinto, calidad y rigurosidad y han servido de ejemplo a numerosas generaciones de todas las áreas artísticas de nuestro país”. 2012. La OFB (Orquesta Filarmónica de Bogotá), en el marco de los 15 años del Festival Ópera al Parque, rinde homenaje al maestro por su aporte al desarrollo de la ópera y la zarzuela en la ciudad de Bogotá. 2011. El XIV Festival de Arte y Cultura Zaque Sazipa en Funza (Cundinamarca) le rinde homenaje al Maestro por su dedica-

2010. El Senado de la República le confiere la Orden del Congreso de Colombia, en el grado de Comendador a la Fundación Jaime Manzur, en nombre del pueblo colombiano porque “Ha

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ción y entrega al arte.

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proyectado una imagen de excelencia creativa y pedagógica, que ha contribuido a fomentar los diferentes géneros del mundo del arte en procura de explorar y desarrollar la imaginación desde la infancia, con una fina sensibilidad, manejada con magia e ingenio”. 2010. El VII Festival de Teatro de Bogotá rinde homenaje a la Fundación por los 30 años de la Fundación Jaime Manzur: “Primero la niñez”. 2007. La Asociación para la Promoción de las Artes, PROARTES, de Cali lo condecora por el reconocimiento a su carrera artística. 2005. La Escuela de Danza Flor Pachón rinde homenaje al Maestro Jaime Manzur porque “Ha sabido engendrar en la Escuela lo mejor de su arte y de su alma” 1970-2005. 2003. El II Festival de teatro de Bogotá, agradece a la Fundación Jaime Manzur su creación artística por Bogotá. 2002. El departamento de Antioquia lo declara Huésped de Honor. 1997. Es condecorado por el Gobierno Nacional en sus 45 años

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Jaime Manzur

de vida artística al servicio de Colombia. 1993. El Instituto Cultural Colombiano le brinda reconocimiento al maestro Jaime Manzur por sus invaluables servicios al arte y la cultura de nuestra patria. 1990. El Coro Fundación Arte Lírico rinde homenaje al Maestro Jaime Manzur “con admiración y profundo aprecio” por los 10 años de la Fundación.

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1992. La Alcaldía Mayor de Bogotá lo condecora con la medalla al Mérito Artístico por su larga trayectoria en bien de la cultura distrital y colombiana. 1993. La segunda edición de las Jornadas Iberoamericanas del Teatro Infantil agradecen la labor constante del Maestro Jaime Manzur con sus marionetas. 1986. Nuevamente la UNESCO le otorga otra beca de cinco meses para ampliar sus conocimientos escénicos entre Yugoslavia y la URSS. Es invitado de honor al Teatro Nacional de Marionetas de Praga con permanencia de dos meses. Ese mismo año también es invitado de honor al festival de marionetas de verano en el Teatro Obrastov de Moscú (en la antigua URSS), así mismo por los teatros de Hungría y Rumania siendo aclamado por su presentación con la Cumbia de Colombia en marionetas. 1985. La Unión Musical Española en Madrid, dirigida por Manuel Passo Andre, le confiere el título ad honórem de “Abanderado de la Zarzuela”. 1984. El gobernador del departamento del Quindío, Rodrigo Gómez Jaramillo, entrega al Maestro Jaime Manzur la Medalla al Mérito Artístico considerando que “El notable artista se ha distinguido en su meritoria vida por su consagración al arte, iniciándose en Armenia el amor por la zarzuela y el cantos artísticos y llevando con su compañía a la embajada cultural, no solo en los tinglados colombianos, sino en el concierto mundial; haciendo que sus obras se conviertan en patrimonio nacional”.

Capítulo I. Introducción

teatro de las marionetas, siendo esta la pionera de sus en-

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1984. La UNESCO de París le otorga una beca de investigación escénica en Londres, Roma, Madrid y París. 1980. El Carnaval de Barranquilla reconoce al Maestro Jaime Manzur su labor en las artes del país. 1977. El Almanaque Mundial dedica a Jaime Manzur tres páginas por su labor artística. 1976. Primer premio en el Festival Mundial de Marionetas en Connecticut (Estados Unidos) entre 132 grupos de 42 países diferentes. 1963. Recibe la Máscara Calima, primer premio en el VI Festival Folclórico, Concurso de Danzas, con la obra “Ecos del Combeima” en Ibagué, ciudad musical de Colombia. 1963. Premio en el Festival Folclórico Nacional denominado “Copa de Plata”.

Agrupaciones creadas En sus 61 años de vida artística, desde 1952, ha creado y di-

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Jaime Manzur

rigido diferentes agrupaciones líricas, folclóricas y teatrales, entre otras: Fundación Jaime Manzur. Compañía de Marionetas Jaime Manzur. Compañía de Ópera y Zarzuela Jaime Manzur. Fundación Arte Lírico. Fundación Amigos del Arte.

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Ballet Jaime Manzur. Ballet Folklórico de Cundinamarca. Agrupación Lírica de Armenia. Ballet Teatro Colón. Ballet Clásico de Medellín. Ballet Clásico de Armenia.

Capítulo I. Introducción

Fundación Prolírica de Antioquia.

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CapĂtulo II

RELATOS de infancia

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• Jaime Manzur, en brazos de David, con Sara y el personal de servicio, en la ciudad de Bata, capital de la Guinea Española. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

• Jaime Manzur en su Primera Comunión en las islas Canarias. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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Jaime Manzur

• David, Jaime y Sara con su madre, Cecilia, en Santa Isabel. Foto: Archivo personal de Sara Manzur.

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Capítulo II. Relatos de infancia

• David, Sara y Jaime en Santa Isabel. Foto: Archivo personal de Sara Manzur.

• A la izquierda, Jaime vestido de príncipe árabe con una compañera del colegio en una festividad popular, recién llegado a Armenia. A la derecha, fotografía de la Primera Comunión de Jaime en Canarias. Fotos: Archivo personal de Sara Manzur.

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Ahora, el Maestro abre la puerta de su casa y de su memoria. Entreteje su historia. Sus dedos deshacen los hilos de sus recuerdos. Recuerdos impregnados de nostalgia, al mismo tiempo que de necesidad de no dejar ningún detalle suelto. Como en sus obras. En ellas todo es importante: la peineta, el encaje, la tacita. Así es al narrar: el nombre, el apellido, el año, el lugar. Cada cosa: una conjugación del tiempo, de ayer, de hoy. Cada recuerdo: un hilo que le construye. Sin él, no podría mover alguna de sus partes…

Jaime Manzur Londoño

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Los orígenes

• Jaime Manzur en la ciudad de Bata. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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aime

Manzur Londoño nació el 31 de julio de 1937 (no el 30 de julio como

figura en su cédula). Es hijo de Salomón Manzur, libanés, y de Cecilia Lon-

doño Botero, nacida en Caldas pero de familia sonsoneña —Sonsón fue por años el segundo municipio de Antioquia—, numerosa y profundamente católica. Dos de las hermanas de Cecilia Londoño fueron religiosas y cuatro de sus hermanos sacerdotes, de quienes el Pbro. José fue monseñor coadjutor de la diócesis del Quindío. Al morir su madre, Cecilia era aún muy niña y María, su hermana mayor, quien después fue monja, asumió al lado de su padre el cuidado de sus hermanos, razón por la cual Cecilia se apegó mucho a ella y la llegó a querer como si fuera su madre. El padre de Jaime, Salomón Manzur, nació en el seno de una familia católica ortodoxa, en Beino-Akkar, en la República Libanesa, en aquella época aún bajo el protectorado de Francia. A comienzos del siglo XX, tres de sus tíos paternos, Jorge, Elías y Sara, vinieron a América Latina a hacer comercio de perfumería y otros productos que importaban de Europa. Tras recorrer casi todo el continente Sara decidió vivir algún tiempo en México mientras Jorge se asentó en Colombia, en la región caldense, donde contrajo matrimonio con Carmen Jaramillo, en la población de Neira. Por esta razón, cuando Salomón terminó sus estudios de agronomía en el Líbano, hacia sus 23 o 24 años, sus padres lo motivaron a que visitara a su tío Jorge en Colombia. Fue en ese viaje, hacia el segundo quinquenio de los años 1920, que se conoció con Cecilia, se enamoraron y decidieron casarse, una vez obtuvieran la dispensa papal, dado que, si bien las dos familias eran católicas y apostólicas, la una Neira y Salomón se dedicó al oficio de comerciante. Después de la muerte del primer hijo, Jalil, todavía muy pequeño, nacieron David, en 1929, y Sara, en 1931. Luego nació Elías, quien también falleció. De aquellos años de la familia en Neira, los recuerdos se evocan a través de narraciones que provienen de entrevistas hechas a David:

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era romana y la otra griega. Se instalaron en el municipio de

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(…) recibía [Neira] compañías teatrales de diferentes procedencias, contaba con notable banda musical y gozaba con las más distinguidas manifestaciones culturales. (…) Por sus recuerdos difusos de esta etapa desfilan la pianola en la casa del abuelo; la tía María, aficionada a la música y a la fotografía y más adelante convertida en monja; la tía Teresa, también de excelente gusto musical (…).1

Todo ese gusto musical de las tías había sido sin duda heredado de la abuela materna de Jaime, Teresa de Jesús Botero. Ella organizó en la adolescencia de sus hijos mayores una estudiantina en la que cada uno tocaba un instrumento y cantaba. La afición por la música se transmitió a través de las generaciones: Sara es soprano, la madre y una tía también eran sopranos, dos tíos eran barítonos. Además una tía religiosa se ganó un concurso como escritora y casi todos los primos saben pintar y cantar. “De ahí viene esa vena artística”, asegura Sara. En ese universo artístico que se vislumbraba ya como legado para la posteridad familiar, aparecían los contrastes. El abuelo materno, Juan Luis de Jesús Londoño, tenía varias facetas: Era un poco farmaceuta y tenía una botica, que a su vez era miscelánea. También vendía café e incluso arepas. La casa de Neira ocupaba tres cuartos de la manzana cerca de la iglesia del pueblo; tenía 18 habitaciones y contaba con una pesebrera. David conserva la imagen de esa casa y en muchas de sus pinturas hace alusión a ella. Muchos años después fue dividida en

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varias casas. Hacia 1935, cuando Sara tenía cuatro años de edad y David seis, Salomón y Cecilia deciden irse de Colombia. Por una parte, porque Salomón quería que su familia en el Líbano conociera

María Cristina Laverde Toscano (1995). “David Manzur, historia de una obra de fantasía y misterio”. Nómadas. Fundación Universidad Central, No. 3, p. 143.

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a su esposa y a sus hijos; por otra porque la recesión económica comenzaba a sentirse de manera importante en el país. Era la época de la crisis económica internacional después de la gran depresión de 1929. Aunque el gobierno de la época, bajo la presidencia de Enrique Olaya Herrera, tuvo que tomar medidas económicas para proteger las exportaciones de café, al mismo tiempo la moneda sufrió una fuerte devaluación hasta generar, en 1934, una alta inflación que llegaba casi al 40 por ciento. El comercio se hacía difícil y ante el temor a la inflación acelerada había que tomar decisiones.

La familia viajera

• Documentos personales. Foto: Archivo personal de Sara Manzur

La familia Manzur Londoño zarpa entonces en barco. Primero atravesando el río Magdalena hasta llegar a Barranquilla, luego en un transatlántico que pasaba por Cuba hacia las Islas Canarias, y aunque querían ir hacia España para continuar luego hacia el Líbano, debieron desviar su camino hacia el sur y continuar hacia el África, más exactamente hacia la que se ñola, hoy conocida como Guinea Ecuatorial, en donde vivían familiares de Salomón. Tomaron la decisión de ir al África por cuenta de la grave situación política que se vivía en España, en donde se estaba gestando por entonces la que sería meses después la horripilante Guerra Civil Española.

Capítulo II. Relatos de infancia

le denominó hasta su independencia, en 1968, la Guinea Espa-

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Más de un mes después llegan a la ciudad de Bata, la que había sido uno de los principales puertos para la trata de negros esclavos hasta que se abolió la esclavitud. Luego fue convertida en la capital de la Guinea Española.2 Era una ciudad muy pequeña cuya principal actividad eran los negocios y la comercialización de árboles como el ébano y caoba. De ahí que a la llegada de la familia Manzur esa región fuera “selvática y, por aquellos días, primitiva en toda la extensión de la palabra”.3 Allí los recibió una hermana de Salomón, que junto a su marido e hijos se dedicaban al comercio de telas entre Bata y Santa Isabel (capital de la isla entonces llamada Fernando Poo). Comenzaron a hacer negocios juntos. La población blanca era muy reducida y aunque el idioma oficial era el español, existían varias lenguas aborígenes de las que la madre, Cecilia, tuvo que aprender algunas para desenvolverse con los aborígenes al realizar las actividades cotidianas, como realizar compras en los mercados, por ejemplo. David, que tenía seis años, comenzó a estudiar en un colegio religioso, “al que para llegar debía atravesar bosques espesos, seguido de negritos nativos y de esos chimpancés que por costumbre eran las mascotas de las casas (…)”.4 De hecho, cierto día el padre, Salomón, encontró una chimpancé bebé buscando de comer del pecho de su madre, pero su búsqueda era en vano porque estaba muerta, la habían asesinado. Así que Salomón, conmovido, se la llevó para su casa, la llamaron “Mulata” y entre todos la cuidaron. La chimpancé creció con los niños. Ella los

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acompañaba al colegio y no permitía que nadie se les acercara. Por ese entonces, en Bata, nació el quinto hijo de Cecilia y Salomón, a quien bautizaron Samuel, pero también murió.

Desde la creación de la República Guinea Ecuatorial, la capital del país es la ciudad insular Malabo, antigua Santa Isabel, principal ciudad de la isla Fernando Poo, hoy llamada Bioko. Bata es hoy el primer centro económico del país y sede del parlamento de Guinea Ecuatorial.

Laverde Toscano, op. cit., p. 143.

Ibíd.

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En 1937 nace el sexto hijo, Jaime. Nombre que en hebreo es Ya’akov (Jacob) de donde proviene Yago (Santi Yago - Santiago) y del que después resulta Jaime de una variante francesa junto con Jacques. El día de su santo es el 25 de julio y por ello, durante toda su vida le han celebrado, con menos de una semana de diferencia, su cumpleaños y el día de su santo. Uno de los recuerdos más vivos para sus hermanos de aquellos primeros meses de Jaime en Bata fue el día en que el miedo se apoderó de la familia porque Jaime, con apenas unos ocho meses de nacido, fue sacado por Mulata, la chimpancé, en sus brazos, después de que estaba a su lado observándolo en su cuna. Para sorpresa de todos, ella salió ágilmente de la casa con él y se subió hasta la parte alta de una palmera. Todos muy asustados de que lo dejara caer desde aquella altura, intentaron guardar la calma gracias a los consejos de los bomberos que habían llegado para salvarlo. Todos llamaban con cariño al animal para que bajara pero Mulata hacía caso omiso. Continuaba con él arriba, cubriéndolo con su cuerpo para darle sombra, así por fortuna, los fuertes rayos del sol no le causaron daño al bebé. Cecilia y sus hijos tuvieron que esperar durante un buen tiempo, atentos, guardando la esperanza de que todo saliera bien, hasta que finalmente Mulata decidió bajar y devolverlo en medio de la alegría familiar.

Naciendo y creciendo entre guerras Cuando nació Jaime la Guerra Civil Española llevaba un año blicanas y las nacionales. Aunque la familia se encontraba en Guinea, tan lejana de la Península, por ser una colonia española hasta allí se sentían las repercusiones de los avances del conflicto. Por sus precarias condiciones, vivir en Bata era muy difícil, y como no era posible avanzar en ningún sentido decidieron trasladarse a Santa Isabel, la ciudad más importante de

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de lucha entre las dos fuerzas políticas en contienda, las repu-

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la isla Fernando Poo, a un poco más de 200 km de distancia, en el golfo de Guinea. Santa Isabel era más grande, más moderna y cultural y allí vivían también algunos familiares de Salomón. Fue en ese lugar en donde Cecilia dio a luz a su último hijo, Elías Juan, quien murió también. En abril de 1939, a casi dos años del nacimiento de Jaime, con el comienzo del régimen del general Francisco Franco, los ecos de la sangrienta guerra civil española parecían apagarse en medio de las ruinas. Sin embargo, cinco meses después, las potentes resonancias bélicas se volvieron a escuchar, y con más potencia que antes, pues se daba inicio a la Segunda Guerra Mundial. A pesar de haber participado hacia 1941 de manera oficial en el Eje contra la Unión Soviética, a lo largo de los seis años que duró el conflicto, España se mantuvo como nación neutra, pues devastada como estaba después de los terribles cuatro años de su guerra civil, no estaba en capacidad de aceptar las propuestas de Hitler, a pesar de la simpatía que Franco sentía por este, ni de las promesas de mantener para España sus colonias en el África y de recuperar Gibraltar a cambio de su apoyo a los nazis. Como país neutral, y por su posición geográfica, España fue entonces centro de operaciones de inteligencia para aliados y alemanes. Esto permitió “que las colonias españolas en África fueran también centros de espionaje y refugio de fugitivos, desertores y gentes de mal vivir, quienes de una forma u otra le sacaban partido a la guerra”.5 De ahí que las colonias como

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la Guinea Española, en donde estaba la familia Manzur Londoño, fuera muy importante dentro de los sucesos complejos y estratégicos de las diferentes fuerzas del conflicto, lo cual se sentía de manera directa y fuerte entre la población civil. Sara, la hermana de Jaime, recuerda cómo se vivía la confusión y la

Luis Armando Cordero, (2010). “La participación de España en la Segunda Guerra Mundial”. Disponible en Real Sociedad de Historiadores, http://realsociedaddehistoriadores.blogspot. com/2010/08/la-participacion-de-espana-en-la-ii.html# (consultado el 20 de julio de 2013).

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duda con respecto al lugar en el que debían quedarse, pues en algunos momentos durante el desarrollo de la guerra, parecía que España iba a aliarse con Alemania, situación que dejaba al país ibérico junto con sus colonias ante el inminente peligro de un ataque aéreo por parte de Inglaterra. En esos periodos de incertidumbre su familia estaba obligada a desplazarse varias veces de un lugar a otro, entre Bata y Santa Isabel, o entre Santa Isabel y las Islas Canarias. Los viajes eran largos y azarosos; algunas veces debían regresar al sitio desde donde habían partido porque el padre preveía que la guerra iba a estallar en el lugar a donde se dirigían. Ante esta situación, finalmente Cecilia tuvo que separarse de sus dos hijos mayores y enviarlos a colegios internados y religiosos en Islas Canarias, en donde esperaba pudieran estar más seguros y alimentarse sin problema. Y aunque Sara llegó a un colegio en el que las niñas estaban protegidas por las familias prestantes de la sociedad —recuerda que lo único que escaseaba era el azúcar—, a David le tocó otra suerte, pues su colegio en Canarias, San Antonio de Claret, de padres claretianos, no estaba económicamente tan atendido como el de su hermana y tuvo que sufrir el hambre y el abandono. Sin embargo, la zozobra de la guerra no daba tregua en ninguna parte y los dos hermanos de Jaime tuvieron que correr en varias ocasiones a los refugios de sus colegios para resguardarse de posibles bombardeos.

Isabel, mientras el padre seguía al frente de sus negocios en Bata o en otros lugares. Cecilia, muy pocas veces pudo ir a visitar a sus hijos a Islas Canarias, el viaje era largo (diecisiete días) y en la situación de guerra todo era más difícil, además solamente los podía ver los fines de semana. Jaime, entonces, era la única persona de su familia que le quedaba cerca. Vivían en una bo-

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Entre tanto, la madre se había quedado sola con Jaime en Santa

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nita casa y desde Santa Isabel salían barcos que zarpaban hacia Europa o hacia el sur del África. Al llegar la noche los ritmos africanos se escuchaban en las calles y, a sus tres años, Jaime se levantaba de su cama y salía al balcón de su casa para moverse al son de la percusión: “En mi alma quedó para siempre ese ritmo de los tambores”.

Las Islas Canarias La guerra aún no acababa y para la madre era cada día más difícil estar lejos de sus hijos, así que decidió irse a vivir a Las Palmas, ciudad ubicada al noreste de Gran Canaria, una de las siete islas que conforman la Comunidad Autónoma de Canarias de España. Esto ocurrió cuando Jaime tenía cuatro años y medio, a finales de diciembre de 1941. Salomón se quedó inicialmente en Santa Isabel, pues había creado con sus primos una cadena de almacenes, los Almacenes Manzur, en los que vendían vestidos, telas, perfumes franceses, peinetas, abanicos, mantillas, entre muchas otras cosas traídas de Europa. Luego en Canarias abrió también un almacén, pero en el que comercializaba solamente ropa para hombres. Mientras Jaime y su madre estuvieron en Canarias, si bien no vivían en la opulencia, no les faltó alimento, ni tampoco cuando los hermanos salían de sus internados para reunirse todos en la casa familiar, pues el padre siempre les mandaba a Canarias

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aceite, olivas, entre otros productos, y sus platos variaban entre recetas españolas y árabes. Pero siempre, en medio de la guerra, Jaime recuerda que su madre, consciente de que en cualquier momento su situación podía cambiar, les decía: “Cómanse todo lo que hay hoy porque mañana no sabemos si habrá qué comer”. Pero aun así, en medio de la duda ante los aconteceres políticos y económicos que vivía el mundo de la época, el arte resultaba para Cecilia el único medio, en lo desértico que deja la zozobra

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bélica, que le permitía labrar a esos tres pequeños terrenos llenos de vida que eran David, Sara y Jaime. Ella encontró siempre los medios para cultivarlos y depositarles las semillas que con los años darían los frutos. En su soledad compartida con Jaime, acercaba a su hijo a los mundos de la literatura, la pintura, la música, la danza, las marionetas, este último gracias a que David alguna vez llevó a la casa un teatro de títeres en cartón, de tipo victoriano, que había comprado en el mercado gracias al dinero que le daban sus padres semanalmente para sus gastos: “Desde allí surge mi pasión por todo lo que tiene que ver con el teatro”. En sus primeros años de vida Jaime descubre no solamente su pasión por el teatro sino también por la danza: Cuando tenía siete años acompañó un día a su madre y a algunas de sus amigas a una academia de ballet, en donde sus hijas recibían clases. Mientras la clase terminaba, Jaime se sentó a observar: “Los espejos y la música me fascinaron. Todos mirábamos pero de pronto, en un impulso, salí corriendo hacia las niñas y comencé a bailar con ellas… saltaba y hacía les tours en l’air”. El maestro, llamado Paul Petrov, no lo detuvo, lo dejó continuar sus pasos hasta que terminó la clase y le dijo a la madre: “este niño tiene madera de bailarín, cultívesela”. Y como su pasión por diferentes expresiones del arte comenzaba a mostrarse era entonces necesario corregir cualquier dificultad física que le impidiera desarrollar sus talentos. Debido su madre decidió que haría con él ejercicios de dicción para corregir la pronunciación de esa letra de la lengua española que tanto se le dificultaba; entre otras cosas lo hacía repetir un trabalenguas: “En la calle Carretas había un perrito con su rabito y pasó un carrito, le quitó el rabito, pobre perrito: ¡cómo corría sin su rabito!”.

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a que Jaime tenía un problema con la pronunciación de la “r”,

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Al parecer, con ese divertido trabalenguas la madre no solamente quería ayudarle a su hijo a superar sus dificultades con la “r”, sino también a apaciguar el miedo que había tenido después de que un carro estuvo a punto de atropellarlo. Aún hoy, cuando Jaime dice el trabalenguas de manera rápida y perfecta, recuerda antes lo del suceso del carro y al final, estalla en risas. En sus primeros años de vida se vislumbraban los rasgos de su carácter: Sara nos cuenta algunas anécdotas: En uno de esos tantos viajes que hicimos en barco entre Canarias y Santa Isabel, cuando Jaime apenas tenía unos cinco años, estábamos todos en la capilla del barco. El niño tenía una silla pequeña que mamá le había comprado. Una señora, anciana, estaba de pie, Jaime la observaba, luego se puso de pie y le ofreció su silla pequeñita para que la señora descansara: Jaime ha tenido siempre una galantería innata hacia las mujeres, es un caballero, es un dandi y así morirá (…). Ellas han sido para él algo muy especial. Son para poner sobre un altar. Es un gran admirador de la mujer. Otra cualidad que Jaime tiene es el don de la improvisación. Tenía cinco años, cuando la madre viajó con los dos niños a internarlos en las islas Canarias, Jaime

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se quedó con el padre. Se le murió un compañerito de tétano, porque se había rasgado con un rosal. Esto le impresionó mucho. Con sus cinco años, pronunció un discurso a su compañero mientras bajaban el sarcófago. Esa fue su primera experiencia con la muerte, pues él no vivió la muerte como la habíamos vivido nosotros sus hermanos, sobre todo David, quien sintió más próxima

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la guerra. A Jaime la muerte de su amigo le impactó mucho y lo hizo estallar en una crisis emocional a través de su discurso. (…) Con el que conmovió a los dolientes en el entierro haciéndolos llorar.6

Cecilia Londoño de Manzur

• Cecilia Londoño con su hijo Jaime en Santa Isabel. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur

Entrevista realizada a Sara Manzur el 25 de junio de 2013 en el teatro de la Fundación Jaime Manzur.

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• Cecilia Londoño de Manzur. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur

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• Cecilia rodeada de sus tres hijos y dos de sus sobrinas, Victoria y Elvira, en Santa Isabel. Foto: Archivo personal de Sara Manzur

Dueña de una personalidad encantadora, la vida de doña Cecilia está salpicada de anécdotas rebosantes de calor humano. En la casa de sus padres y en su hogar siempre se ha rendido culto a las disciplinas de la inteligencia.

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Jaime Manzur

Cecilia Santos, El Espectador, 30 de mayo de 1976

No cabe duda de que la madre de Jaime fue quien inició a sus hijos en el camino del arte. Doña Cecilia Londoño Botero, nacida en 1904, fue una mujer polifacética, que se destacó en su época como una mujer brillante; cuando el departamento de Caldas cumplió sus cien años de fundación ella fue nombrada como una de las mujeres ejemplares de la región en la revista

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Impronta de la Academia Caldense de Historia, en un artículo de Dorian Hoyos Parra sobre la mujer en Caldas.7 Ella fue “una mujer de gran intuición artística: amante de la poesía, escribía y, en aquel tiempo, [en su juventud] fundó con Antonio Morales —personaje legendario y caballeresco de los cuadros de [David] Manzur— el primer teatro de aficionados en la región”.8 En efecto, varios espacios de Neira acogieron a Cecilia interpretando al lado de su amigo Morales la historia de San Jorge y el Dragón. Alguna vez, en Guinea, siendo David un niño, Cecilia se lo presentó “con palabras cargadas de nostalgia, de movimiento, de sueños. Palabras cargadas de imágenes…”9 Ella en el África siempre narraba historias de su lejana Neira, evocando historias en las que Morales era un personaje importante. Porque a ella le encantaba narrarles historias a sus hijos, logrando convertir la realidad en un país de ensueño en “donde todo era hermoso y nada malo sucedía”.10 Y aunque se dedicaba a su hogar, “Ella tenía un don: Hablaba de todo”. Era muy ilustrada pues leía mucho y escribía poesía. Compuso muchos versos. Incluso escribió una obra de teatro que tituló Bajo el cielo canario que “se quemará cuando sea su momento”. Sara aún conserva el manuscrito. La madre, que según Sara, consagró a David al Padre, a Jaime al Hijo y a ella, a Sara, al Espíritu Santo, para completar juntos la Santísima Trinidad —de hecho el complemento del nombre de David es “de la Trinidad”—, sin duda también quiso consagrar

Dorian Hoyos Parra (2005). “La mujer en Caldas”. Impronta, No. 3. Disponible en Caballeros andantes. Historia y leyendas: http://www.caballerosandantes.net/index.php?cid=19&page=12

Laverde Toscano, op. cit., p. 4.

Fernando Quiroz (1994, 7 de junio). “David Manzur y un fantasma de apellido Morales”. El Tiempo, Sección cultural.

Laverde Toscano, op. cit., p. 5.

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a sus hijos, desde niños, al arte. Cuando vivían en Fernando

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Poo, ella los sentaba en la gran mesa de planchar y cantaban, recitaban. Sara y David hacían obras de teatro, ellos dirigían y Jaime aprendía. Como los hermanos ya leían, a Jaime lo ponían a mirar cuentos y eso le gustaba mucho. Siempre amorosa, a sus hijos les “abría la mente como un abanico” advirtiéndoles: “ojo con leer y no registrar, porque si no registran es como si no hubieran leído nada”. La madre pintaba, cantaba, también era muñequera, además, le fascinaban la historia, la geografía y la literatura: “Ella me contaba cuentos. Hoy me leía ‘Caperucita roja’, por ejemplo, y al día siguiente me decía: te voy a contar un cuento de una princesa, pero es un cuento triste porque ella murió, y se trataba de María Antonieta, o de María Estuardo. Todos ellos fueron compañeros míos desde los cinco años: Bolívar, Cleopatra, Josefina, Napoleón, Manuelita Sáenz. Todo me lo transmitía a través de los cuentos y yo me quedaba con esas imágenes. Después, cuando crecí, me di cuenta que en realidad, se trataba de la Historia”. Doña Cecilia también intentaba resolver los problemas que aquejaban a su esposo. Anécdotas como la siguiente lo ilustran muy bien: en Las Palmas, hacia el antiguo faro en el Puerto de la Luz, en el almacén de vestidos para hombre que Salomón tenía en Canarias, recibieron dos grandes rollos de tela importada para poner a la venta pero esta se había estropeado durante el largo viaje en barco. La tela, mojada con el agua del mar, estaba

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irremediablemente manchada. En ese estado era imposible de vender y por lo tanto, toda la inversión estaba perdida. Ante la situación, la madre, manteniendo la calma en medio del infortunio, pidió que le llevaran tinturas textiles de diversos colores. Así que, utilizando la técnica del batik, tinturó la tela en múltiples colores. Los colores alegres y el diseño fascinaron a la población africana y al final, la tela, que inicialmente se había dado por perdida, se vendió en su totalidad. “Así era mi madre: creativa”.

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Unos años después de haber regresado a Colombia, a finales de la década de los años cincuenta, doña Cecilia fue una de las fundadoras y también directora de la Biblioteca Pública y de la Casa de la Cultura de Armenia.

Los hermanos

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• Sara y Jaime. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur

• Sara. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur

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• Sara, David y Jaime en Santa Isabel. Foto: Archivo personal de Sara Manzur

Jaime cuenta que David era quien llevaba las iniciativas culturales a la casa. Sabía de teatro, de pintura. Sara era quien descubría las cosas… “Ella ha sido siempre la investigadora”. Cada ocho días el padre les daba un dinero para gastarlo en el colegio o en lo que quisieran. A David le encantaba comprar cosas relacionadas con el teatro y la música. Montaban obras de teatro y películas y jugaban además con un pequeño proyector de láminas móviles.11 A Sara, aunque la madre le regalaba muñecas y las vestían juntas, lo que en verdad la fascinaba eran los libros; fue lectora desde los cinco años. Su escritura era ex-

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celente, muy cuidadosa con su ortografía, con su retórica. Como gran observadora y lectora, siempre corregía lo que encontraba mal en los escritos.

Jaime aún lo conserva en una de las vitrinas ubicadas en el primer piso de su teatro, en las que guarda los “tesoros” adquiridos desde su infancia y en sus diferentes viajes.

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Mientras Jaime hacía sus dibujos, Sara le leía Los tres mosqueteros, por ejemplo. La madre siempre atenta a las actividades de sus hijos, censuraba lo que iban a leer de acuerdo con sus edades. Jaime y Sara oían música, ópera, y cada vez que había algún espectáculo iban a verlo juntos, acompañados por la madre. Con el tiempo, David, por ser el mayor, comenzó a aislarse de sus hermanos para realizar las actividades que le interesaban a su edad, así que Sara y Jaime pasaban más tiempo juntos. Ya en Canarias, a sus siete años, Jaime aprendió a leer. Junto con sus hermanos, fue uno de los niños de habla hispana que comenzó a conocer el mundo a través de la memorable colección El tesoro de la juventud que tenían en su casa. Era una enciclopedia infantil, en veinte tomos y aunque una primera edición apareció en 1915, la versión definitiva y completa salió al mercado en los años 1930. Esta enciclopedia, además de términos y de descubrimientos científicos, tenía también juegos de magia, cuentos, fábulas, acertijos, respuestas a los porqués de los niños, instruía igualmente sobre la realización de diversas actividades manuales y objetos como espadas o vestidos para las muñecas, así como recetas de cocina; contaba además con espectaculares láminas y mapas en color. A Jaime le gustaba mucho pasar sus horas leyendo las secciones de teatro, de ópera, de todo lo que tuviera que ver con el arte y la historia. Así creció Jaime, entre libros y rodeado por la inagotable curiosidad intelectual de sus dos hermanos. “Jugábamos y gozábamos mucho”. Sus hermanos le enseñaron muchas cosas y él ta por ciento que le debo yo a David en mi formación artística: en pintura, escultura, música, canto, poesía, teatro. A Sara le debo más la música y la literatura”.

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siempre quería seguirlos: “En honor a la verdad, hay un cuaren-

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El “teatrito de cartón”

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Jaime Manzur

• Jaime con su teatro de cartón. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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• Programas del teatro de cartón de Jaime. Foto: Julián Velásquez Osorio.

Capítulo II. Relatos de infancia

• Teatro de cartón de Jaime. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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• Jaime con su teatro de cartón. Foto: Julián Velásquez Osorio.

Los teatros de papel fueron en un tiempo protagonistas de (…) utopía: (…) El escenario era un reflejo del mundo real por explorar, los decorados, el paisaje por el qué moverse, las historias y los libretos, los conflictos de la vida y las palabras que aprender, las luces y la música añadidas, los únicos “efectos especiales” posibles, y finalmente los personajes, el cartoncito a través del cual un niño se transformaba en príncipe, bandido, bruja, criatura o bosque y ejercitaba posibles consciencias de un habitar en el mundo real. Lucía Contreras Flores12

Cuando David encontró el teatro de juguete que vendían en

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los mercados de Canarias quedó maravillado y lo compró sin dudarlo. El teatro de estilo victoriano, hecho en cartón, distribuido con el nombre “Teatro de los niños”, les permitía a los

La española Lucía Contreras Flores es una coleccionista de teatros de juguete hechos en papel. Ella ha hecho un estudio de la historia de estos juguetes en los diferentes países europeos y ha creado una página web sobre el tema: http://www.teatritos.com/es/index.html.

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pequeños leer y hacer el guion de la obra. Como Jaime era aún muy pequeño, “Era el espectador, con mamá y papá”. Estos teatros de cartón fueron inventados a comienzos del siglo XVIII por el alemán Martin Engelbrecht y después comercializados en Inglaterra a comienzos del siglo XIX. Los hacían también en Francia, remitiéndose a la famosa “Imagerie Pellerin” de Epinal, luego pasaron a España gracias al editor Esteve Paluzie hacia 1865, y luego, en los comienzos del siglo XX, la editorial formada por Victoriano Seix y los hermanos Luis y Carlos Barral, Seix y Barral Hnos., se apoderó del mercado, comercializándolos con gran éxito, hasta el punto que otros países como Inglaterra, que habían sido ya creadores de estos teatros antes que España, solicitaron a Seix y Barral Hnos. hacer ediciones para ellos porque las innovaciones españolas eran sorprendentes.13 Con estos “Teatros de los niños”, como se les conocía en la época, David y Sara podían realizar verdaderos espectáculos. Tenían el texto de una obra dramática importante, en dos ejemplares; el que ellos tenían era El mercader de Venecia de William Shakespeare, que era el primero de la serie y que había sido publicado por primera vez en 1915. Era una edición que pertenecía a la colección “BB”, la cual —a diferencia de la primera, la “B”, que era recortable—, era una edición de lujo que “venía en una caja con la embocadura [o proscenio] y los telones ya troquelados y listos para montar”.14 En la caja se incluían los personajes, decorados historia que representaban. También se podía hacer cambio de los decorados en las escenas o en los entreactos con el sistema

Estos teatros se comercializaron hasta 1953. La editorial, por esos años ya conocida como Seix Barral, utilizó las iniciales de Carlos Barral y su segundo apellido, C.B. Nualart, como nombre para la colección de estos juguetes de cartón.

Véase Contreras Flores, http://www.teatritos.com/es/index.html.

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de manera cuidadosa y detallada de acuerdo con la época de la

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de láminas, que eran los diferentes telones y que tenían “zonas translúcidas de papel vegetal de colores que, debidamente iluminadas, producían mágicos efectos de ambiente y profundidad espacial”.15 Esto les permitía tener mecanismos complejos de transformación del escenario como en cualquier teatro real de estilo victoriano. Dichas láminas se colgaban en unas ranuras superiores hechas para ello y estaban en diferentes puntos del escenario, lo cual producía profundidad y diversos planos: de lo más cercano a lo más lejano. Así, los personajes podían desplazarse por diferentes lugares mientras eran manipulados por los niños, al ritmo de la música que ellos les ponían y que venía sugerida por el teatrito. Además era posible instalar las luces como los niños quisieran. El sobre, que contenía las obras, también se podía utilizar; “incluía impresas las entradas para asignar los asientos, un tablón para anunciar la representación del día con espacio para escribir incluso el nombre de la compañía, las instrucciones para montar el teatro y disponer las escenografías (…)”.16 La madre le decía a Jaime, que aún era muy pequeño: “el día que aprendas a leer, serás director”. “Eso me abrió los tentáculos”. Jaime pasaba mucho tiempo jugando solo y le pedía a su niñero que le ayudara con el cambio de decorado: “Quitaponga”, le decía. En Islas Canarias estudió su primaria en el colegio San Antonio de Padua. Cuando ya supo leer montó la obra El mercaJaime Manzur

se convirtió en su juguete favorito. Imitaba lo que siempre había

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der de Venecia completa y el teatrito, de apenas 35 cm de frente,

Con el tiempo le instaló luces y como le amplió el proscenio con

visto hacer a su hermano David. Dirigía los movimientos de los muñecos y disponía la música que acompañaba la historia.

15 16

Ibíd.

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madera, le instaló un pequeño reflector especial. Para ese momento ya habían adquirido, además de El mercader de Venecia, La fierecilla domada de William Shakespeare, Violeta de Isabel Cheix Martínez, entre otros. Fue así como Jaime, heredero del teatrito de sus hermanos, se inició en el gusto por el teatro, por los muñecos. Junto con su madre ensayaba nuevas técnicas en la fabricación de los personajes para su teatro de cartón. Ella le comenzó a hacer los títeres con cáscaras de huevo, pero era algo muy laborioso y efímero por lo frágil. Así que empezó luego a trabajarlos con telas. Mientras iba creciendo Jaime se interesaba por otras historias que montaba con su teatrito de juguete, que para él realmente era un lugar en donde podía desarrollar toda su imaginación y poder de creación. Diseñaba y construía los personajes, la decoración, todo lo necesario para el espectáculo, siempre con complicidad de la madre. Recuerda que cuando estaba alrededor de sus 12 años realizó algunos cuentos de Las mil y una noches. Muchos años después, en 1976, en un viaje que Jaime hizo a Barcelona, recorriendo la ciudad con cierta nostalgia, entró en una librería a preguntar sin mucha esperanza por estos teatros. —¿Por qué pregunta por esto? —dijo extrañado el librero.

—No puede ser —le contestó el sorprendido vendedor mientras excitado sacaba una caja de cartón llena de polvo. Jaime apenas lo creía. Cuando la abrió, se emocionó tanto que se arrodilló a mirar y a escudriñar todo su contenido: “Me sentía como cuando tenía cuatro años”.

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—Yo tengo uno —afirmó Jaime.

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Estaba tan conmovido y feliz que el librero se la regaló. De esta manera, encontró otros teatros de la misma colección. El primer teatrito, El mercader de Venecia, lo conserva hasta hoy como un tesoro resguardado en una vitrina del segundo piso de su Fundación.

Fin de la guerra En mayo de 1945, después de seis terribles años, se puso fin a la Segunda Guerra Mundial. Sara recuerda que con la llegada de los Aliados sintió “una alegría inmensa. Todas estábamos felices, las compañeras, las monjas y profesoras del colegio, pues la zozobra permanente de la guerra se había acabado, y eso era un gran alivio”. En medio de la emoción, los colegios decretaron ocho días de descanso para que los estudiantes fueran a reunirse con sus familiares. Pero como siempre, al final de la guerra, solo quedan los recuerdos quebrantados de los sobrevivientes y los destrozos de los cuerpos de los muertos. Así que pronto comenzaron a conocerse los resultados. Una compañera del colegio de Sara, de nacionalidad húngara, había perdido a cuarenta y dos de sus familiares. Y David, que había pasado durante sus años en el colegio terribles dificultades por falta de alimento y toda clase de carencias, le quedó para siempre el recuerdo vívido de la

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opresión de la guerra, más que a sus hermanos. Cecilia, a pesar de la nostalgia que sentía por haber pasado tantos años alejada de su país y de sus familiares en Colombia, ante la negativa de Salomón frente a un posible regreso, e ignorante de lo que sucedía al otro lado del Atlántico a causa del represamiento de los correos por las dificultades de transporte en medio de la guerra, decidió permanecer en Gran Canaria y

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que sus hijos continuaran allí su educación. David, que ya para entonces era un adolescente, había comenzado a estudiar pintura en la Escuela de Artes. Con el fin de la guerra llegaron también las noticias. Mientras Salomón seguía en el África, Cecilia recibió la carta en la que le informaban que hacía algún tiempo que su padre había muerto en Neira. La mala noticia la sumergió en la tristeza, que aumentaba con la soledad y la distancia oceánica que la separaba de su familia. Pero la vida cotidiana proseguía y el duelo por la pérdida también. Sin embargo, un tiempo después, se enteró igualmente de que su hermana mayor, la religiosa, y a la que había querido desde su infancia como si fuera su madre, también había fallecido. “Esto fue un golpe muy fuerte para ella y la destrozó”, recuerda Sara. “Mi madre cayó en una profunda melancolía”. Además de los acontecimientos familiares y emocionales, Cecilia se puso enferma y tuvieron que aplicarle una inyección que resultó adulterada. La salud de la madre se agravó y aunque se fue recuperando gracias a diversos tratamientos, su depresión no menguaba. Ante el estado en el que se encontraba los médicos tuvieron que reconocerle a Salomón que lo único que podía ayudarle a su esposa era salir de las islas. Salomón, convencido, acordó con Cecilia que inicialmente se fuera para Europa con los tres hijos, primero para Madrid (en donde estuuna tía de Salomón. Allí vivieron durante casi año y medio) y luego viajaron a Cádiz, desde donde zarparían para regresar a Colombia. El padre se quedó liquidando sus negocios y se encontrarían en Colombia algunos años después.

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vieron viviendo durante un año), luego para Barcelona (a donde

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El regreso a Colombia

• Jaime y Sara con su madre. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

El regreso a Colombia fue en 1948, a la ciudad de Armenia, que

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para entonces todavía hacía parte del departamento de Caldas.17 Allí vivía José, uno de los hermanos de Cecilia que era sacerdote. En la casa cural de su parroquia, José alojó a la madre con sus tres hijos, que ya habían crecido, mientras llegaba Salomón. David para entonces tenía diecinueve años, Sara diecisiete

Armenia se convirtió en la capital del Quindío cuando fue declarado departamento independiente, en 1966.

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y Jaime once años. Toda la familia Londoño, entusiasmada de volverlos a ver después de tantos años, les dio la bienvenida. Pero como si sus vidas estuvieran destinadas a atravesar por todas las guerras a través de sus viajes, poco tiempo después de su llegada al país tuvieron que vivir el desasosiego que produjo el terrible movimiento social llamado “El Bogotazo”, causado por el asesinato del líder político Jorge Eliécer Gaitán el 9 de abril de 1948. El saqueo de por lo menos veintidós almacenes, el centro de la capital incendiado y numerosos muertos, eran las noticias que se escuchaban en Armenia, a donde acababan de llegar. Este trágico acontecimiento marcó el inicio de la llamada época de la Violencia, que tanto sufrimiento causó a los colombianos.

Salomón Manzur En 1949 Salomón les anunció que llegaría a Armenia, lo que en efecto hizo tres meses antes de que David obtuviera su grado de bachiller. Ante la novedad, Cecilia buscó una casa en la que pudieran reconstruir la vida familiar con su esposo. Salomón llegó y permaneció con ellos hasta septiembre de 1951, tres meses antes de que Sara se graduara como bachiller de la Normal en la que estudiaba. Cecilia decidió quedarse en Colombia y Salomón se fue para el capital de la República Dominicana, para encontrarse con un hermano suyo al que no conocía por haber nacido este mientras Salomón vivía en Colombia, a comienzos de la década de 1930, y luego en el África. Jaime fue a visitar a su padre a Santo Domingo y aprovechó su corta estadía allí para tomar clases de danza con la maestra Josefina Miniño. Esto ocurrió antes de que

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Brasil, en donde vivía una tía suya; luego viajó a Santo Domingo,

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en 1961 asesinaran al general Rafael Trujillo, quien había sido dictador durante por lo menos treinta años en ese país. Ante la difícil situación social que desencadenó dicho asesinato, Salomón decidió viajar al Líbano porque, además, su padre estaba muy delicado de salud. A pesar de la enfermedad, el abuelo de Jaime vivió varios años más, hasta 1977. El Líbano sufría en aquella época una compleja guerra civil causada por razones políticas y religiosas. Después de la muerte de su padre, Salomón les anunció a Cecilia y a sus hijos que regresaría de nuevo a Colombia. La embajada le otorgó la visa para junio de 1978, pero el 2 de mayo, para sorpresa de todos, murió de un infarto fulminante.

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• Jaime con su madre y algunos familiares en Armenia, celebrando sus 16 años. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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Primeras experiencias en Colombia Al llegar a Colombia, a Jaime le impresionó la manera como sus familiares caldenses manifestaban su afecto. La familia libanesa de su padre, mientras estuvieron en África y en Canarias, siempre habían sido con él muy expresivos en su cariño, a través de abrazos, de besos, de palabras afables y cálidas. Además, desde niño lo cargaban en los brazos para hacerle piruetas, jugaban y bromeaban mucho con él. Los tíos colombianos, al contrario, eran “muy parcos”. Ante la actitud que Jaime observaba de su familia, Jaime le decía a Cecilia: “Mamá ellos no me quieren”, a lo que la madre contestaba, “Sí te quieren mucho, pero esta es otra cultura”. A sus doce años no podía entender que para saludarlo, sus tíos simplemente le dijeran: “¿Qué hubo?” “Hola”, “¿Qué hay”, “¿Qué has hecho?”. Este “¿Qué has hecho?” era una pregunta que le parecía muy extraña y difícil de contestar, pues no sabía qué se podía responder ante una pregunta como esta. Con el tiempo fue entendiendo lo coloquial del saludo y empezó a utilizarlo también. Igualmente el sonoro acento caldense le agradaba y le parecía curioso, por ello comenzó a imitarlo hasta aprenderlo e incorporarlo. Con ciertos términos lingüísticos tuvo también algunas dificultades que, gracias al tiempo y a los amigos, terminó por asidra”, en España significaba “pesebrera para los caballos” o el término urbano “manzana” era lo que él conocía como “bloque”. Adaptándose así a las formas lingüísticas y a las costumbres comenzó a comprender el país de su madre y de sus hermanos.

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milarlos en su connotación local. Por ejemplo, la palabra “cua-

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En septiembre del año de su llegada viajó a Popayán para matricularse en el internado Nuestra Señora del Pilar, un colegio de padres lazaristas situado al lado de la iglesia San José, en el que otro de sus tíos sacerdotes maternos era el director. Cuando era la hora de dormir Jaime pasaba buena parte de la noche escondido entre sus cobijas con una linterna, sumergido en la lectura de una colección que le habían regalado hasta que fue descubierto y castigado por no respetar los horarios estipulados por la institución. Allí conoció a los niños de las familias que durante generaciones se relacionaron con la familia de su madre y con quienes trabó una profunda amistad. Cuando llegaron las primeras vacaciones de Semana Santa, por ser tan cortas y el viaje tan largo, decidieron que en lugar de viajar hasta Armenia para visitar a su familia mejor se quedara en Popayán viviendo por primera vez la importante celebración religiosa de la ciudad. Las procesiones, las esculturas en madera de los santos que las acompañaban, la ceremonia y todo lo que sucedía en torno a la conmemoración de la pasión, muerte y resurrección de Jesucristo, fascinaron a Jaime. Ello le llevó a pensar que en diciembre, antes de las vacaciones de Navidad y que para la próxima Semana Santa que él pasaría en la región, propondría al colegio y a sus compañeros, realizar algunas puestas en escena con temáticas religiosas alusivas a

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En diciembre, efectivamente, además de realizar magníficos

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dichos periodos.

miento de Jesús. A su regreso a Popayán comenzó a planificar

pesebres con sus compañeros, antes de su viaje de vacaciones en Armenia, realizó una pequeña obra de teatro sobre el nacila obra teatral sobre La Pasión de Cristo. Ante la falta de niñas, asignaba los personajes femeninos y masculinos a cada compañero de acuerdo con sus características físicas. Él mismo se

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designó el personaje de Jesús. En medio de los preparativos, un día sin pedir el consentimiento de los profesores, usó sus sábanas y las de sus compañeros como telones para pintar los decorados de las escenas y lugares en los que transcurrían los diferentes momentos de la historia del Cristo crucificado. El fuerte llamado de atención no se hizo esperar, pues los jóvenes se quedaron sin sábanas para sus camas y los padres de familia hicieron el reclamo. A pesar del inocente desatino, el proyecto continuó. Jaime se encargó de diseñar y construir el vestuario de cada personaje con papel crepé; armó las escenografías utilizando restos de árboles, de plantas, de hierbas y retal de madera, representando con todo ello cada detalle que había aprendido al estudiar las representaciones místicas cristianas en torno a la Pasión de Jesucristo. Diseñó y construyó por ejemplo, los accesorios que representarían “Las tres potencias del alma”: memoria, entendimiento y voluntad, para que estas hicieran parte de su vestuario. Asimismo, ideó estrategias buscando que los diferentes pasos de la Pasión fueran lo más reales posible, pero sin que se le hiciera daño a nadie. Monseñor José María Gómez, el entonces arzobispo de Popayán, fue a ver la representación y muchos años después aún recordaba entusiasmado aquella función. Para el público fue todo un acontecimiento el ver cómo aquellos quince o veinte niños, guiados espontáneamente por ese joventrece años, habían logrado poner en escena la historia completa y lo más fiel posible, en cuanto al texto, vivida por Jesús. Todos los actores conocían muy bien los textos, la secuencia de los hechos, lo que significaba cada símbolo.

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cito tan apasionado y comprometido con el teatro, de apenas

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Pero la obra, además de sorprendente también fue divertidísima porque a causa de la ingenuidad y de la inexperiencia técnica, la representación había estado llena de graciosos accidentes actorales y escénicos. Desde entonces, Jaime entendió que para que la fantasía pudiera ser representada, necesitaba de un estudio sobre el equilibrio, del balance en el espacio, de un entrenamiento con la manipulación de los objetos. En síntesis, entendió que en el arte todo debía estudiarse minuciosamente para así evitar tropiezos. Fue gracias a estas pequeñas experiencias como director y actor que Jaime se hizo conocer por todos sus compañeros y profesores del primer colegio en el que estudió en Colombia. Al año siguiente, aunque sus compañeros no entendieran mucho los textos ni las historias que Jaime les proponía, terminaban por secundarlo. Jaime leía a Moliere, Calderón, Lope de Vega, entre muchos otros autores importantes de la historia de la dramaturgia universal. Al año siguiente les propuso hacer Juana de Arco de Schiller. Acababa de cumplir los trece años. Al año siguiente Jaime regresó a Armenia. Allí estudió en el colegio San José. David, ya graduado del bachillerato, se había instalado en Bogotá. A Sara le faltaban pocos meses para graduarse. En su nuevo colegio Jaime continuó con sus montajes Jaime Manzur

estaban entre los trece y catorce años. Ensayaban en los patios

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y de hecho creó un grupo teatral en el que todos sus miembros

en la tarde. Como su grupo ya no estaba conformado solamente

de las casas de las amigas de su madre y cuando la obra estaba lista, hacían una función en cada casa el sábado o el domingo por niños, logró realizar la historia de la pastorcita Bernadette (niña de catorce años a quien se le apareció la Virgen), también hicieron La cenicienta, entre otras. Estas obras, en general, eran

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presentadas con el objetivo de recaudar fondos para causas sociales: ayudar a “la joven desamparada” o a “la infancia necesitada”, etcétera. Algunas funciones las hacían también para apoyar económicamente las obras de remodelación o de los arreglos necesarios en el edificio del seminario en el que se formaban los futuros sacerdotes. Gracias a estas creaciones, Jaime se dio a conocer en la ciudad como un joven director lleno de ímpetu y comprometido con el arte.

En los albores de sus sueños A comienzos de 1950, dos películas que se proyectaron en Armenia despertaron aún más los anhelos artísticos de Jaime. La primera fue una película en color, realizada en 1947 por Henry Koster: La danza inconclusa (The Unfinished Dance). El personaje principal, Meg, interpretado por Margaret O’Brien, es una jovencita huérfana que estudia ballet e idolatra a una bailarina llamada Ariane Bouchet. Ante la llegada a la escuela de una reconocida bailarina rusa, Karina, la imagen grandiosa de Ariane parece opacarse, por lo que Meg la ve como una amenaza para la carrera de Ariane. En medio de una representación del ballet El lago de los cisnes, por culpa de Meg, le ocurre un accidente a Karina. Meg planea oscurecer la escena durante uno de los solos de Karina para que aquello la perturbe y sea ridiculizada, pero en el momento de ejecutar su plan, maniescenario, abre el foso ubicado en el centro y la bailarina rusa cae, lastimándose gravemente. Meg se arrepiente y al final es perdonada por Karina. Si bien, cuando Jaime ve ahora esta película le encuentra varios defectos causados por lo falso de algunos movimientos de

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pula la palanca equivocada: en lugar de apagar las luces del

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la danza y por la ingenuidad de la historia, recuerda que para los jóvenes ojos de sus trece o catorce años, la película era un portento y que desde ese momento el ballet se convirtió para él en una de sus mayores pasiones. La otra película importante para Jaime fue la argentina Donde mueren las palabras, dirigida por Hugo Fregonesse en 1946, en blanco y negro. Sus protagonistas, Enrique Muiño, Linda Lorena, Darío Garzay e Italo Bertini, recorren una historia en la que el arte, en sus diferentes facetas y a través de un anciano maestro de piano que huye de su pasado, se muestra como un ideal supremo al mismo tiempo que como una sublime experiencia cargada de nostalgias. La memorable escena del maestro extasiado por la interpretación talentosa de un alumno de piano que ensaya con rigor una de las obras de Beethoven, nos transporta, delirante, a lo incognoscible del arte, que sin duda tocó las fibras profundas de Jaime y lo transportó a la imagen soñada de convertirse en artista: Pausado, le dice el maestro al alumno, como si el ritmo lo estuviera pausando tu corazón. Hace años y años que no me hablaban estas voces (…) No soy nadie, vengo de un mundo muy lejano, ya desaparecido. De un mundo

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que a veces no sé bien si es un sueño o un recuerdo. Hasta ese mundo llegaban los ecos de los grandes fantasmas; esas sombras que también se acercarán a ti, cuando tu alma de artista entregándose por entero se aniñen cuando cardas. Mira, le dice mostrándole las esculturas que aparecen como misterios en la penumbra del lugar: Johann Sebastian Bach, Franz Liszt (…) y Beethoven. Eso es lo que tienes que aprender, la forma de invocarlos

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en el milagro del arte… En el piano duermen todos los cantos. Trata de despertarlos, yo te ayudaré…

A lo largo de la película se escucha la música de diferentes compositores clásicos, se observan lecciones y ensayos de piano, aparecen marionetas en madera grandiosamente manipuladas por el famoso titiritero fundador del “Teatro dei Piccoli”, el italiano Vittorio Podrecca, así como un magnífico ballet dirigido por la bailarina y coreógrafa Margarita Wallman. Con todo este viaje artístico el joven Jaime Manzur vislumbra su ideal de vida: ser realizador de las artes integrándolas en un arte total. Para acabar de completar su entusiasmo, poco tiempo después, Jaime tuvo también la posibilidad de asistir a una ópera en el Metropolitano de Nueva York y a la presentación de un grupo de ballet ruso que iba de gira llevando la obra El lago de los cisnes; él lo recuerda muy bien : “¡Yo casi me muero! Con este espectáculo más las películas y la llegada de Podrecca a Armenia (quien además me regaló dos de sus marionetas en madera y que aún conservo), se me cambió el panorama: ¡Pum! Estalló mi mente”. La compañía de Vittorio Podrecca llegó a Armenia como en el año 1950, cuando Jaime tenía trece años de edad. Recuerda que era una caravana de furgones, cada uno destinado a los diversos oficios de mantenimiento y montaje de los espectáculos, uno para la escultura, otro para la costura, etcétera. Después ra contarle de su pasión por las marionetas. Podrecca, al ver aquel jovencito tan entusiasmado, le regaló dos cabezas con sus respectivas manos. Jaime después las ensambló y las vistió. También les cambió el maquillaje.

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del espectáculo Jaime fue a presentarse al señor Podrecca pa-

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En 1959 llegaron también las marionetas de Salzburgo y entabló amistad con algunos actores de la compañía, a quienes años más tarde fue a visitar. “Desde que las vi, yo me desdoblé, yo sentía que yo era parte de esa compañía porque era lo que siempre había tenido en mi mente. Viendo las marionetas de Salzburgo reconocí otra dimensión de los muñecos, las escenografías, las coreografías, las luces… era como si las hubiera conocido siempre, como si me hubiera criado con ellas”.18 Desde entonces, Jaime tuvo claro que su anhelo era ser director de ballet, de ópera y de teatro. Entre los trece y los diecisiete años se dedicó a estudiar música, pintura, escultura, danza, se puso a leer teatro y a aprender dicción, fonética. Todo apoyado por su madre, con quien hacía lecturas para que ella le corrigiera

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la pronunciación.

Jaime Manzur (2011). “Las marionetas de Jaime Manzur”. En Tres maestros, un oficio. Bogotá: Idartes.

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• Marionetas de Jaime Manzur hechas con las cabezas y manos que le regaló Vittorio Podrecca. Fotos: Julián Velásquez Osorio.

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ITINERARIOS artísticos

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• Jaime en el ballet La bella y la bestia, 1959. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

• Detalle de una vitrina de la Fundación. Foto: Julián Velásquez Osorio.

Son muchas las palabras con las que se puede definir el talento de Jaime Manzur, pues no es uno solo sino varios

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Jaime Manzur

talentos juntos: bailarín, cantante, actor, pintor, titiritero, diseñador de vestuarios y es infinita la alegría que ha entregado a miles de personas que han sido partícipes de sus creaciones y montajes. Amparo Sinisterra de Carvajal1 Directora de Proartes de Cali

Testimonio del 29 de julio de 2013.

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• Diseños de Jaime Manzur. Vestuario para los príncipes árabe, ruso, francés y chino, 1975. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

• Jaime Manzur y Francisco Piedrahíta en Nueva York. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

Capítulo III. Itinerarios artísticos

• Montaje de Jaime como director en la Escuela de Arte Dramático del Teatro Colón, 1962. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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• Carnaval en Brasil, 1959. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

• Bambuco, Grupo de Ballet y Folclor Jaime Manzur, 1960. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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Jaime Manzur

• Capricho español, 1959. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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La danza y la coreografía En Armenia

n 1951 Jaime viajó a Barcelona a continuar sus estudios y a tomar una “formación superior de Danza”. Cuando regresó a Armenia, en 1952, con apenas quince años, creó un ballet con las jovencitas del Liceo Montessori.

Allí realizó algunos ballets folclóricos y clásicos entre los que se encuentran: La colombe (La paloma), La muerte del cisne, El espectro de la rosa, Las sílfides, La danza ritual del fuego, algunas escenas de Cascanueces con fondo musical de los clásicos como Beethoven; también creó la coreografía de danzas folclóricas de diferentes partes del mundo como La danza árabe de Salomé. En general sus puestas en escena se caracterizaban por un decorado sencillo y un gran cuidado en los movimientos de las bailarinas, haciendo que sus obras fueran de “una belleza y elegancia supremas”, como lo asegura un periódico local de la época. Entre 1953 y 1954 creó la Compañía de ballet de Armenia con obras clásicas y folclóricas, siempre pletóricas de variedades coreográficas y una evidente seguridad en los movimientos y en las propuestas escénicas. Su compañía produjo ballets completos, con Jaime como primer bailarín. Entre sus primeras bailarinas destacaron las talentosas Dolly Duque en El lago de los cisnes y Ruth Peláez en Giselle. Fue por entonces el ganador de un primer premio como bailarín y, como director, los elogios en los periódicos de su ciudad no se hacían esperar después de cada espectáculo. Las siguientes citas hacen parte de artículos de prensa que ha de fecha ni origen. Jaime Manzur es un muchacho de reservas artísticas preciosas. (…) Por vocación es artista. Su estilo es ágil, emotivo y siempre poseedor de una confianza sobre sí mismo. Allí encontramos una de las principales razones

Capítulo III. Itinerarios artísticos

recogido el Maestro Jaime Manzur pero, por desgracia, sin datos

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de su triunfo. Entre llamas de ilusiones flota el alma de este muchacho armenio. (…) Cuando se habla de arte en el Quindío, hay que hablar sin duda de Jaime Manzur, ya que como bien lo saben los que lo han visto actuar, puede afirmarse que el arte está encarnado en su persona. Y que tampoco nadie puede desconocer la labor tesonera que él ha realizado en pro de la cultura en Armenia y la difusión que a la misma ha dado con sus presentaciones de ballet y danzas españolas, arte en el cual es un maestro insuperable. (…) (…) La escenografía y la iluminación eran temas sobre los que también se mostraba admiración. Sobre La danza ritual del fuego de Manuel de Falla, se decía: “A esta danza presta un encanto especial el efecto de luz de llamarada, de fogata que inunda los semblantes de lo danzarines para obtener el ambiente del sortilegio gitano que encarna la música hechizante de Manuel de Falla”. (…) De Cuarteto: “Sobrio, diáfano de luz y tonos suaves, el decorado hace un todo con las cuatro figuras que se mueven con gracia y donaire entre su vestimenta griega”. (…)

Una parte de su trabajo, además de presentarlo en público en los diferentes teatros de la ciudad, también tenía el objetivo de

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apoyar a las misiones benéficas con familias de Armenia para diferentes programas sociales. Con sus ballets recogían fondos para el Seminario mayor, el hospital, para apoyar asociaciones que hacían labores sociales, para todo lo que fuera necesario… En alguna ocasión preparó un espectáculo para apoyar la realización de un seminario conciliar (en el que se forman a los jóvenes al ministerio sacerdotal) y quería recoger fondos para

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• Charolas, 1959. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

• Dúo de los paraguas. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

ello. En ese entonces David, su hermano, ya vivía en Bogotá, Sara se había internado en un convento para realizar su sueño de ser monja y Jaime se había quedado solo con su madre. Cecilia, en ese entonces, trabajaba en la Biblioteca de Armenia. Cuando Jaime hizo la presentación del espectáculo preparado, asistió la presidenta de la Sociedad de Mejoras Públicas de Armenia, María Correa de Haya. Emocionada de ver su trabajo le dijo: “usted está perdiendo el tiempo acá, váyase para Bogotá” y le ofreció presentarle a su amiga Cecilia Fernández de Soto, a quien acababan de nombrar como directora del Teatro Colón estudiaba su hermano David), Víctor Mallarino. Pero sus planes de irse definitivamente para Bogotá todavía no estaban entre sus proyectos inmediatos. En 1954 fue contratado por el Ballet Nacional de Medellín, dirigido por la yugoslava Lilly de Yankovich. Con ella participó en La danza ritual del fuego y La danza del molinero, zapateada. Comenzó a viajar mucho entre Medellín, Armenia y Bogotá.

Capítulo III. Itinerarios artísticos

de Bogotá y al director de la escuela del mismo teatro (donde

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En Medellín En su debut en Medellín, mientras que sus compañeros usaron pantalones bombachos y zapatos, Jaime salió al escenario a bailar maquillado y vestido con trusa malla para ballet, secundado por su directora Lilly de Yankovich, quien estaba fascinada al verlo así. Al día siguiente, en un periódico de Antioquia, apareció la noticia sobre el espectáculo titulándola: “Bailarín colombiano se presenta desnudo”. Para sus compañeros de escena fue un escándalo y anunciaron a la directora que no querían seguir bailando con él. La noticia llegó hasta la curia, que lo llamó para iniciarle un proceso por excomunión. Jaime se presentó ante los sacerdotes explicándoles que él no estaba desnudo, que llevaba una trusa malla para ballet, pronto entendieron la situación y le aconsejaron ponerse alguna prenda en la pelvis para apaciguar los ánimos de los espectadores. Al año siguiente Jaime fue reconocido como la Primera figura del Ballet Clásico Nacional. La directora Lilly de Yancovich, cuando tuvo que viajar por un tiempo a Europa, lo dejó como director encargado del Ballet Clásico de Medellín, con el cual montó Las sílfides de Chopin, algunos fragmentos de Amor brujo de Manuel de Falla y El lago de los cisnes de Tchaikovski. Aunque entre 1952 y 1955 Jaime estuvo viviendo en Medellín, entre 1952 y 1958 sus viajes a Bogotá con su ballet y el de Lilly

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de Yankovich fueron frecuentes. Hacia 1956, en uno de sus viajes, Yankovich le presentó a la bailarina cubana Alicia Alonso, quien se encontraba en Bogotá haciendo algunas presentaciones con su compañía de ballet. Alonso hacía entrenamientos con sus bailarines en las instalaciones del Teatro Colón, a los que Jaime fue invitado a participar durante el mes de estadía de la célebre bailarina en la capital.

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En 1957 llegó de Argentina el ballet de la reconocida bailarina rusa Nina Verchinina —alumna por muchos años de Rudolf von Laban—, una de las primeras bailarinas clásicas en el mundo que tuvo gran influencia de la danza moderna. Jaime también tomó clases con ella, quien sorprendida de su talento le ofreció incorporarlo a su compañía de ballet (Verchinina ya se había instalado en América del Sur y vivía entre Argentina y Brasil), pero en ese momento su madre Cecilia se encontraba delicada de salud y no podía dejarla sola, así que rechazó la oferta, por lo que Verchinina se disgustó mucho. En 1958 Jaime creó la Fundación del Ballet de Armenia, un colectivo muy activo que llegó a contar con más de 50 estudiantes. Jaime, además de ser una de las primeras figuras como bailarín, también era el director coreográfico y el encargado de diseñar y fabricar el decorado; doña Cecilia se encargaba de hacer el vestuario; el pianista José María (Chepe) Fajardo lo acompañaba en la musicalización de los espectáculos y en la dirección de la orquesta. Con su compañía Jaime montó obras del ballet clásico (La muerte del cisne, Giselle, El lago de los cisnes y El pájaro azul [de “Las bodas de la aurora”] de Tchaikovski, Resurrección con música de Beethoven); del ballet romántico Las sílfides, La colombe…; hizo también un ballet infantil, Pobre ballerina; danzas clásicas como la adaptación de Salomé con música de Strauss y danzas folclóricas como Estampa española, Cuadro italiano y algunas escenas de su magnífica y exitosa Estampa colombiana. Su compañía de Ballet de Armenia se sostuvo durante cuatro años, hasta cuando Jaime y su madre decidieron instalarse deCapítulo III. Itinerarios artísticos

finitivamente en Bogotá por el año de 1961.

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En Bogotá A su llegada a Bogotá, gracias a María Correa de Haya, Jaime conoció a Cecilia Fernández de Soto, directora del Teatro Colón. Allí recibió la propuesta de ser el profesor de danza y de expresión corporal de los estudiantes de la Escuela Nacional de Arte Dramático, dirigida por Víctor Mallarino Botero, en la que se encontraban los profesores Rafael Maya, Andrés Pardo Tovar, Gerardo Valencia, José María Prat, Dina Moscovici, Francisco Gil Tovar y Casimiro Eiger, entre otros. Al tiempo que Jaime trabajaba en la escuela como profesor, tomaba clases particulares con algunos profesores de la misma escuela a fin de profundizar y perfeccionar ciertos aspectos técnicos del actor, así que tuvo maestros como Bernardo Romero, a quien le debe toda la fuerza del carácter que imprimía a sus personajes de acuerdo con las características de la obra. A Víctor Mallarino le debe todo el sentido de la poesía y a sus profesores españoles toda esa “picardía” que años después le serviría para sus montajes de zarzuela. En 1962 logra viajar a Argentina para perfeccionar la danza clásica con Nina Verchinina. Es en esa ocasión que conoce a la bailarina, coreógrafa y diseñadora escénica austriaca Margarita Wallmann, quien trabajaba entre Europa y Argentina. En la primera clase la maestra les pidió a sus estudiantes presentarse

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para hablar sobre su recorrido como bailarines y saber cómo habían decidido dedicarse al ballet. Jaime comenzó su presentación contando su inolvidable experiencia al ver la película Donde mueren las palabras de Hugo Fregonesse. Margarita Wallmann, curiosa, quiso saber por qué le había impresionado tanto a Jaime dicha película, ante lo que él le respondió: “Porque es una metáfora del alma, de la vida y de la belleza de la técnica”. También le contó sobre su emoción al ver las marionetas y la coreografía del ballet con el que la película terminaba. Para

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sorpresa de Jaime, había sido ella misma, la bailarina que tenía ante sus ojos, quien había diseñado dicha coreografía, lo cual por supuesto acrecentó en Jaime su admiración por su maestra y desde ese momento “nació un amor mutuo”, entre ellos. A pesar de que ella era exigente y le “reprochaba” su baja estatura, pues cuando las bailarinas se ponían en puntas él quedaba pequeño a su lado, Margarita Wallmann creó algunas piezas especiales para que no se notara tanto, entre ellas: las “Danzas polovtsianas”, fragmento del segundo acto de la ópera El príncipe Igor de Alexandre Borodine; El espectro de la rosa, obra emblemática del ballet creada por el coreógrafo Michael Fokine en Montecarlo en 1911, con música de Carl Maria von Weber; Invitación al vals, orquestada por Héctor Berlioz a partir de un poema del escritor francés Théophile Gautier a comienzos del siglo XX. Muchos años después, en 1983, Jaime volvió a ver a su maestra en Montecarlo, lugar donde ella pasó los últimos años de su vida. El encuentro, cargado de emoción y de nostalgia, fue también la despedida. Jaime recuerda muy bien las últimas palabras de su maestra: “quizás sea esta la última vez que nos veamos”. ¡Levanta tu párpado cerrado que roza un sueño virginal! Yo soy el espectro de la rosa que llevaste ayer a bailar. Me cogiste perlada aún de lágrimas plateadas del rocío, Este ligero perfume es mi alma y vengo del paraíso. (…)

El espectro de la rosa (fragmento) de Théophile Gautier

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(…)

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• El espectro de la rosa, ballet dirigido por Jaime Manzur. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

Los primeros toques del folclor nacional A sus diecisiete años, Jaime, en unas vacaciones, fue a visitar a uno de sus tíos sacerdotes en el municipio caldense de La Dorada. Un día, mientras almorzaba, escuchó el sonido de unos tambores. Encantado por el ritmo que le transportaba a los recuerdos de su infancia en el África, y mientras su cuerpo dan-

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zaba al ritmo que lo invadía, se fue a buscar el lugar de donde provenía aquella música. Vio entonces un grupo de bailarines que se movía con el ritmo rápido del mapalé. Transportado por los movimientos de esos ágiles cuerpos entregados a su danza, él empezó a bailar con ellos. Feliz de haber podido participar de ese momento, al finalizar, se presentó ante la señora que los dirigía. Fue así como encontró por primera vez a la memorable maestra Delia Zapata Olivella, quien lo invitó a quedarse con ellos durante los tres días de su estadía en el lugar. Jaime se

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quedó encantado aprendiendo sobre el folclor caribeño y del Pacífico colombiano. Desde ese entonces se entabló entre los dos una gran amistad que duró hasta 2001, año en el que muere la gran bailarina, maestra e investigadora. “Delia fue mi gran amiga, la más tierna, ella fue mi hermana, fue como una madre. Y fue mi gran maestra de folclor”. Mientras trabajaba en la Escuela Nacional de Arte Dramático y viajaba entre Buenos Aires y Bogotá para continuar su formación como bailarín, Jaime creó el Grupo de Ballet y Danzas Folclóricas de la Escuela Nacional de Arte Dramático del Teatro Colón, con el que fue condecorado en 1962, con el Premio Máscara Calima, en el marco del IV Festival Folclórico de Ibagué. La obra ganadora fue una creación de Jaime llamada “Ecos del Combeima”, que hace alusión al cañón tolimense. Con este ballet abordaba diferentes piezas de folclor, no solamente de nuestro país, con “El despiste”, por ejemplo, sino también de Europa y Latinoamérica con “Estampas españolas”, “Acuarelas mejicanas”, “El ballet imperial”, este último acompañado por la música del padre de la opereta de Berlín, el músico y director teatral Paul Lincke. El maquillaje, el vestuario, los peinados, los figurines que allí se utilizaban eran todos creados en los talleres de la escuela. El reparto, además, no solamente contaba con bailarines sino también con cantantes y músicos que conformaban la compañía de zarzuela dirigida por el maestro Gonzalo Henao.

Jaime fue contratado por varios colegios y escuelas de arte de la ciudad para enseñar la danza clásica y folclórica, entre ellos el Fray Luis de Granada, Helvetia, Madres Terciarias, Politécnico Femenino, Santa Teresa de Usaquén, San Bartolomé de la Merced, Rosario Santo Domingo. Era profesor de danza, de gimnasia rítmica o gimnasia solamente.

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Paralelamente a sus actividades en la Escuela del Teatro Colón,

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• Cumbiamba. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

Fue una época de mucha actividad creativa y pedagógica, también de mucha movilidad por los continuos desplazamientos diarios por toda Bogotá. En algunos colegios lo contrataban por algunas horas a la semana durante todo el año, en otros, solamente por un periodo determinado con el fin de preparar algún espectáculo, para celebrar alguna fiesta nacional o para

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participar en algún evento. En el colegio Ángel Santo de la Guardia presentó por primera vez uno de sus más grandes espectáculos, “El capricho español”, en el que participaban sesenta niñas, cada una con un rol determinado de acuerdo con sus propias características. Algunas de estas niñas fueron después a conformar el Ballet Manzur que Jaime crearía algunos años más tarde.

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En 1963 conoció a Perla Hinestroza de McCormick, quien era, desde 1959, la directora del Liceo Femenino de Cundinarmarca, el cual contaba con 4.000 alumnas. A este periodo de Hinestroza se le conoce como la “Época de oro del Liceo”, porque bajo su dirección se insistió en una formación integral de las estudiantes, promoviendo una educación de excelente calidad, que incluyera la creación de los espacios físicos y académicos para desarrollar diferentes actividades deportivas y culturales. De ahí que durante los nueve años en los que estuvo Perla Hinestroza como directora del Liceo se destacaran grupos de teatro, de danza, grupos corales y musicales, así como deportivos. Las estudiantes viajaban continuamente por el país y su nivel era tan alto que les permitía competir en muchas áreas y ganar toda clase de premios. Frente a estos intereses de mantener en alto el nombre de la institución, Jaime fue inicialmente contratado en el Liceo como profesor de danza, para luego conformar, con algunas de sus alumnas, el Ballet Folclórico de Cundinamarca, con el que trabajaría durante casi seis años, hasta 1968. Los espectáculos creados con este ballet, no solamente recorrieron varios municipios y veredas del departamento, sino que también viajaron a numerosas ciudades del país. En una de sus giras, el ballet fue ganador del primer puesto en el Festival Folclórico Nacional, denominado “Copa de plata” con “Las cuatro estampas históricas”. Este espectáculo fue una creación libre sobre cuatro momentos de la historia de Colombia, comenzando por los mitos de Bochica y Bachué hasta la conquista, pasando por las Semblanza de los Héroes) y finalizando con la constitución de la República hasta la actualidad (con cantos y danzas con los trajes típicos de los distintos departamentos del país). El trabajo con el Liceo fue muy importante para el recorrido de Jaime como pedagogo y como coreógrafo, pues contaba con

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épocas de la Colonia, la Independencia (Batalla de Boyacá y

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todo el apoyo de la directora y con un elenco que trabajaba incansablemente en beneficio de la elaboración de diversos espectáculos, creando un repertorio nuevo de más de diez obras y el remontaje de ballets que Jaime había realizado durante sus años de trabajo con el Ballet de Armenia. Entre sus obras nuevas se pueden mencionar: “La ruana” y “El despiste” con libretos de Edgardo Salazar Santacoloma; “Yanuba” y “Calarcá” con música del maestro Heriberto Morán; “El Virrey y la Marichuela” en el que se narra la historia de los amores tormentosos entre el virrey Solís con María Lugarda, a partir del texto “Romance de Santafé” de la poetisa Isabel Lleras de Ospina y con la música del maestro Heriberto Morán. Asimismo creó “Zulima, La princesa del norte” y “El maíz”. En el ballet incluía danza española, moderna, clásica, folclórica. En algunas ocasiones Jaime codirigía con los actores Luis Fernando Orozco o con Carlos Benjumea, quienes eran los encargados de la realización de las actividades teatrales del Liceo. Con el nombramiento, en 1968, de Perla Hinestroza como vice cónsul de la embajada de Colombia en París, Jaime decidió dejar el Liceo Femenino de Cundinamarca y crear su propia compañía, el Ballet Jaime Manzur, en una casa ubicada en la calle 45 con carrera 15. Contaba con más de treinta y cinco artistas, con los que, paralelamente a los procesos de creación, hacía talleres de construcción de todos los decorados y vestuarios. “Canta, toca y se acompaña”, decía Jaime en una entrevista

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para el periódico El Tiempo, el 5 de septiembre de 1975, “pues ellos mismos tienen que confeccionarse su propio vestuario”, el cual era, según el periodista, “fastuoso, (…) fruto de noches de desvelo, de sábados y domingos consagrados a cortar, coser, pegar lentejuelas (…) además de trabajar y ensayar la obra, (…) es el resultado colectivo de un equipo…”. 2

“La bella durmiente para ‘despertar’ a los niños”. El Tiempo, viernes 5 de septiembre de 1975, p. 3B.

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• El cisne, 1957. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

• “Diálogo con Jaime Manzur. Ballet y marionetas”. Diario Occidente de Cali, 1º de febrero de 1973.

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• Charleston. Grupo folclórico en Manizales, 1958. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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Jaime y su compañía tuvieron para sus temporadas las puertas abiertas del Teatro Colón, aún en ese entonces bajo la dirección de Cecilia Fernández de Soto. A comienzos de los años setenta Jaime contó en sus montajes de ballet con el apoyo de dos de sus más grandes amigos, Pedro Nel López, quien se ocupaba de la coordinación general de las temporadas, y Ernesto Aronna, como asistente de dirección. En sus programas de temporada incluían obras como La muerte de la doncella, en la que en cinco partes se narraban distintos momentos sobre uno de los personajes de la historia más admirados por Jaime, Juana de Arco. El ballet sobre este personaje fue construido entre dos fuerzas dramáticas, por una parte desde la fortaleza de la doncella, su misión histórica, y por otra desde la infamia de la vida que tuvo que sufrir para cumplir con lo que le había sido designado. A lo largo de los cinco cuadros que la doncella atravesaba se sumergía al espectador en un ambiente de negros y blancos hasta culminar su tragedia. El primer cuadro se desarrollaba a partir de los siguientes temas: Opresión-Ingenuidad en la aldea-Orden y destino; el segundo, Indiferencia-Burla-Admiración y Reconocimiento; el tercero, Inspiración-Presagio-Sangre y Victoria; el cuarto, El juicio de la doncella, y el quinto cuadro, Cuerpo hecho cenizas-Corazón latente. La doncella era interpretada por la bailarina Cecilia González, y el rey, por Jaime. La música era de Carl Orff con

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coros del año 1300 que inspiraron su cantata “Carmina Burana”. También presentó la trágica historia de Expreso Oriente con música pop del norteamericano Charles Albertine, en la que se narra el drama de un “señalero”, interpretado por Jaime, quien mientras hace su trabajo tiene el terrible presentimiento de que su mujer lo engañará con un extranjero que llega en el emblemático expreso; invadido por los celos abandona su punto de trabajo y mientras da muerte al supuesto amante, los trenes se acercan. Demasiado tarde para reaccionar, ante el “señalero” se

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produce la catastrófica colisión. Los trenes son aquí interpretados por los mismos bailarines y la mujer por Alicia Pardo, la misma bailarina que estaría en el montaje adaptado por Jaime a partir de diferentes técnicas del ballet en seis tiempos, de la tragedia griega de Sófocles, Electra, así como en La primavera con música del célebre compositor francés del siglo XIX, Charles Gounod. El amor brujo de Manuel de Falla, “El capricho español” y otras obras de ballet clásico, neoclásico y expresionista, también se presentaron en el escenario del Teatro Colón. Hacia 1973 comenzó a presentarse asimismo en el Teatro Municipal Jorge Eliécer Gaitán con obras como Cascanueces, en la que los bailarines se mezclaban con muñecos, el “Ballet pantomima”, como se le denomina en los programas de mano de la época, Giselle, a la que se le atribuye la coreografía original a Jean Corally y Jules Perrot, con música de Adolfo Adam (Jaime hizo unos arreglos especiales en la composición escénica). Igualmente, con su ballet, viajó por diversas ciudades de Colombia, entre ellas Armenia, Cali y Medellín. En 1975, representó a Colombia en la “Noche de la Américas” organizada por la OEA en Washington con Las cuatro estampas históricas. Su presentación fue acogida con gran ovación por el público, puesto de pie para aplaudirlo. Durante ese mismo año, y a lo largo de siete meses, Jaime monAlicia Pardo, el ballet de La bella durmiente, dedicado a los niños: “El futuro en el arte está en los niños”, aseguraba Jaime; “ellos son quienes necesitan el espectáculo y a ellos debe ser dirigido, porque en su mundo, donde todo es nuevo, las vivencias culturales que reciban serán su futuro (…) Dirigiéndose a los niños habremos asegurado el público de mañana, el ballet y obras

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tó junto con Pedro Nel López (como el Rey), Jovana Damuro y

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sencillas los despertarán en el arte, les crearán una necesidad de cultura y les abrirán todas esas puertas de un mundo que en Colombia apenas se entreabre para ellos”.3 Los niños fueron y han sido su gran preocupación. Por ellos, en 1975, con su Ballet Jaime Manzur, lleva a diferentes partes de Colombia (Medellín, Manizales, Armenia, Calarcá) La bella durmiente. Jaime culmina así su carrera como bailarín intérprete para dedicarse luego a lo que a lo largo de sus veinte años de estar entregado a la danza, había sido “su hobby”: las marionetas.

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• Grupo folclórico en Manizales, 1958. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

Ibíd.

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• Jaime Manzur con la bruja de La bella durmiente. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

Los títeres En nuestra cultura, los títeres son de alguna manera menospreciados, considerados como un lenguaje que está por debajo de cualquier otro lenguaje escénico como el teatro de actores o como la ópera. Igualmente se les considera como un arte exclusivamente destinado al público infantil. Pero no es así y no siempre ha sido así. De hecho en culturas como la india, la japonesa, la china, incluso en algunos países europeos, el arte del títere es considerado un lenguaje tan importante como cualquier otro y durante miles de años. Esa visión reducida y desfavorable frente al teatro de muñecos en nosotros es muy reciente, pues hasta antes de la mitad del siglo XX los títeres eran para todo tipo de público y se presentaban en distintos lugares a los que asistían, entusiasmados, grandes y pequeños. Al parecer la televisión ha influido mucho en este cambio y ha incidido en hacer perma-

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guarda y conserva viva una larga tradición que se ha mantenido

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nentemente la clasificación de los diversos lenguajes escénicos según lo que a la industria le beneficie. “El teatro con muñecos, como cualquier otra manifestación artística”, nos dicen Pilar Amorós y Paco Paricio, “posee un lenguaje específico que es necesario respetar y usar adecuadamente”.4 La labor del titiritero es muy singular porque en su arte de construcción de los muñecos y de su puesta en escena es necesario que se recojan todos los lenguajes artísticos para que el espectáculo exhiba toda la riqueza que en él se guarda. Es necesario que la escultura, la pintura, el maquillaje, la confección, la música, el texto dramático, la iluminación, la música, además de un entrenamiento de manipulación física y vocal se reúnan para realizar un espectáculo. Por esta razón para entender el trabajo que durante más de sesenta años ha mantenido Jaime Manzur debemos atravesar por todas las artes; encontramos que no solo es escultor, maquillador, diseñador y realizador de escenografía, de vestuario, de utilería sino que además posee conocimientos de la historia del teatro, y de la humanidad. Asimismo tiene todos los conocimientos sobre la puesta en escena, sobre la música y la pintura, todo ello para ponerlo al servicio de sus muñecos. Que los ha construido a lo largo de su vida, en sus talleres, enseñando a sus alumnos, a sus actores y de los que ha logrado reunir más de setecientos, así como cerca de cuatro mil vestidos, impecablemente elaborados con ayuda de su madre Cecilia. Además de muñecos y vestidos conserva un sinnúmero de telones pintados por él mismo y accesorios

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diminutos que reconstruyen habitaciones, bosques, desiertos, ciudades enteras en miniatura y sin perder el más mínimo detalle. Para entender la riqueza del trabajo de Jaime en este arte es necesario hacer un pequeño recorrido, al menos por sus aspectos fundamentales.

Pilar Amorós y Paco Paricio (2000). Títeres y titiriteros: el lenguaje de los títeres. Zaragoza: Mira Editores, p. 23.

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• Hansel y Gretel, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

El títere es… La pregunta frecuente es, ¿cuál es la diferencia entre títere y marioneta? Debemos empezar por entender que todo objeto manipulado es un títere y que las formas como se manipulan y se construyen le dan el tipo o la clase de títere. Al títere manipulado por hilos se le llama marioneta. Así que empecemos por definir qué es un títere desde diferentes te construido para ser un personaje en una acción dramática, manipulado por una actor titiritero que lo dota de voz y movimiento”.5 A partir de esta afirmación se puede decir que hay por lo menos tres estancias fundamentales en el momento de hacer títeres, por una parte está el objeto, es decir la parte 5

Ibíd.

Capítulo III. Itinerarios artísticos

perspectivas: “El títere es un elemento plástico, especialmen-

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plástica, que tiene, como ya lo dijimos, todo un proceso de elaboración. Por otra está lo escénico, que se construye a través de un personaje y de una acción. Y por último encontramos al actor, que debe imprimir “vida” en el objeto que manipula a través de los elementos propios del actor, pero en un “cuerpo” ajeno. El titiritero e investigador colombiano Ciro Gómez, además de la perspectiva anterior, nos conduce también a otra dimensión del carácter del títere: Algunos se refieren a que es una metáfora del hombre, otros se refieren a lo que se denomina “animación”, es decir, es darle ánima, vida a lo que efectivamente no lo tiene. Es tomar cualquier objeto o un muñeco y ponerle en situación dramática o presentarle también en el teatro de presentación. Es un objeto animado o con ánima: Los títeres son el arte del animismo. 6

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• Hamal, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

Entrevista realizada a Ciro Gómez el 26 de junio de 2013.

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El argentino Rafael Curci, complementa esta visión: Al principio había animismo. La gente creía que las piedras, los árboles, los animales, estaban investidos con alguna fuerza espiritual o ánima. Por esta razón las figuras ceremoniales —cuando llegaron a tomar parte en los ritos— también se creían impregnadas de vida. De esta forma estas figuras se convirtieron en ídolos; el siguiente paso fue la animación o manipulación que dio lugar en su transformación a los títeres arcaicos. Hoy sabemos que los antepasados de los títeres actuales formaron parte de celebraciones mágicas en distintas sociedades (…) incluso en algunas de ellas su poder ancestral y mágico vive todavía.7

En ese carácter de la animación podemos establecer, según los estudios hechos desde la antropología, que el títere es un objeto común que ha atravesado todas las culturas: Desde los orígenes de la humanidad, lo seres primitivos tuvieron al títere como un objeto que hacía parte de lo sagrado, que encarnaba ciertos referentes mágico-religiosos que permitían una comunicación con los dioses e incluso ser utilizados como ofrenda. Dicha comunicación podía retomar las influencias positivas o negativas del mundo y son los que manipulan o los que participan de esa manipulación quienes recogen dichas fuerzas y transmiten al más allá el mensaje o la necesidad presente a través de ese muñeco.

humana al muñeco — dice el director teatral Juan Monsalve (2008)—. Recordemos las operaciones mágicas del vudú donde el muñeco es el objeto receptor de la

Rafael Curci (2002). De los objetos y otras manipulaciones titiriteras. Buenos Aires: Tridente Libros, p. 16.

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El títere como objeto de magia, transporta el ánima

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magia negativa, donde se espera una transmutación del alma humana para ser sometida a vejámenes (…). Mas, también el muñeco-títere transporta el ánima humana, animal o natural, a un microcosmos. Lo que está arriba es igual a lo que está abajo —los títeres conforman un pequeño universo, microscópico— para ser observado con la mirada del niño arcano.

Ese niño arcano, ese niño secreto que llevamos todos y que en ocasiones lo dejamos asomarse, es lo que posibilita que disfrutemos, que nos asombremos aún en la adultez, del mundo de los títeres.

Historia en miniatura Aunque establecer la época y el lugar exacto donde nacieron los títeres es muy difícil, se han encontrado huellas de su existencia de hasta dos mil años antes de nuestra era. De los que más se tiene noticia y que se han conservado desde la antigüedad, provienen de países como China, Egipto, Grecia e India. En China existían ya figuras del teatro de sombras que datan del siglo III a.C., entre las cuales hay transparentes, de colores vivos e incluso perforadas. En Egipto existe un mito que tiene como protagonista a un títere del que se origina la humanidad. Gustavo Zamora, en su libro sobre el títere, lo describe así: La diosa Parvati elaboró un ingenioso muñeco, el cual

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nunca mostró a su divino consorte el dios Shiva. Por temor a la potencia maligna que pudiera poseer la figurilla, decidió ocultarla en una montaña; pero la curiosidad de Shiva lo llevó a encontrar el escondite y fue tal su emoción ante la belleza y gracia del muñeco que le concedió la vida y lo envió al mundo de los hombres.8

Gustavo Zamora. (1993). El teatro como recurso didáctico. México: Editorial Esfinge, p. 94.

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• Juanito y los fríjoles mágicos, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

En Grecia las figuras manipuladas parecen remontarse a los rituales dionisiacos, en los que se utilizaban pequeños muñecos modelados en arcilla que se podían halar con cuerdas, llamados “neurópatas”. En la India se han encontrado figuras que provienen del siglo XI a.C. Podemos ver entonces que ha existido una necesidad de creación de esas figuras desde tiempos muy remotos, a través de esa lo que no la tiene y que se percibe cotidianamente con los niños. Ellos le dan vida a sus juguetes, poniéndolos en acción, en relación, creándoles diálogos, situaciones, emociones y todo un universo que se condensa entre sus dos manos manipuladoras para mostrar el mundo en el que viven y del que están aprendiendo y aprehendiendo para poder ser en él.

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necesidad humana del juego, de la imitación, de darle ánima a

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El reconocido psicólogo suizo Jean Piaget, cuando explicaba las etapas de desarrollo del aprendizaje en el niño, determinaba la necesidad de una etapa de animación en él, la cual está directamente relacionada con la imitación y con la función en el niño de posibilitar la apropiación del mundo de los adultos y de las normas sociales establecidas. Además de desarrollar su creatividad y su imaginación, la animación del niño a través del juego induce a una actividad cerebral que le permite su desarrollo psicomotor, sensorio-motor, cognitivo, al igual que del pensamiento lógico y del lenguaje en el niño, es decir, le permite que surja el desarrollo simbólico. Por eso el teatro de títeres es una herramienta útil en los procesos pedagógicos.

Los procesos de creación del títere-personaje Para que un muñeco se convierta en un personaje debe pasar por diversas etapas y tener en cuenta ciertos elementos escénicos y estéticos que Amorós y Paricio9 nos explican muy claramente y que podemos sintetizar así: Papel dramático. Independientemente de todas las experimentaciones técnicas, poéticas o estéticas que se hacen sobre los muñecos en nuestra teatralidad contemporánea, para entender los personajes que aparecen en el teatro de marionetas que hace Jaime Manzur debemos partir de que la creación de los personajes de marionetas proviene de un texto previo, sea un cuento, una ópera, una zarzuela, una fábula, una poesía; los

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textos determinan, dentro de la historia, las características de los personajes. Por ello es necesario establecer cuál es el rol de cada uno de los personajes dentro de la situación dramática que se plantea y cómo se relacionan unos con otros. Por eso es importante sa-

Amorós y Paricio, op. cit., pp. 23-41.

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ber los rasgos propios que vienen del contexto de la historia y de las particularidades de cada personaje que se construyen dentro ella. • Hansel y Gretel, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

Así, a partir del texto se pueden hacer ciertas modificaciones de acuerdo con las circunstancias de las que parte el deseo de montar una obra. En el caso de Jaime, su principal interés es llevar un mensaje a los niños que les haga entender los principios y valores básicos para aprender a vivir en sociedad. El respeto por el otro y por la naturaleza, el saber compartir, solidarizarse cuentos que monta permiten que los niños observen que sus comportamientos traen consecuencias. Arquetipos. Rafael Curci afirma que el títere tiene un carácter “no-mimético”, pues no busca la realidad “ni pretende imitar la condición humana (…) más bien la evoca, la sugiere y hasta

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con el otro, constituyen temas pedagógicos en sus trabajos. Los

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puede darse el gusto de mofarse de ella, del mismísimo hombre y de su inconmensurable universo”.10 Efectivamente, para crear a los personajes-títeres se debe ser directo y sin complicaciones pues ellos son solamente “arquetipos, es decir, tienen desarrollada hasta la exageración una única parcela de su personalidad, un rasgo sicológico que los define: la astucia en la zorra, la maldad del Diablo (…)”.11 En “La caperucita roja” montada por Jaime, por ejemplo, vemos a una Caperucita desobediente, que le gusta llevar la contraria en todo, que daña la naturaleza y que al final su comportamiento es castigado por el lobo feroz. Así reconoce su mal comportamiento y aprende a respetar a su madre y al medio ambiente en el que vive. Podemos ver entonces que, por el carácter mismo de los títeres, no hay lugar para crear personajes de una profunda complejidad sicológica, sino que hacen parte o bien de los que gracias a las lecciones que reciben modifican su comportamiento, como Caperucita, o bien de los que continúan siendo iguales, como el lobo. A pesar de este esquema general de los títeres, es importante señalar que Jaime con sus marionetas abarca niveles que son más profundos que los que nos ofrecen los cuentos infantiles. Es el caso de las óperas, de los ballets, de las adaptaciones hechas a partir de novelas literarias como es el caso de María del escritor colombiano Jorge Isaacs. En estos trabajos los aspectos sicológicos de los personajes son mucho más elaborados y también

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sus características físicas, que son las que permiten adentrarse en esa complejidad interior de los personajes de este tipo. Esas características se dan desde el maquillaje hasta la construcción de cada una de las articulaciones que son capaces de mover.

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Curci, op. cit., p. 7.

Amorós y Paricio, op. cit., p. 25.

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Configuración estética. La imagen. Desde el punto de vista plástico, las posibilidades de un artista titiritero son inmensas. Puede utilizar todas las corrientes artísticas que ha construido la historia del arte; desde la antigüedad, hasta nuestros días. Por esta razón en el repertorio de las obras de Jaime podemos ver formas estéticas con tocados y vestuario inspirados en el antiguo Egipto, como en la ópera para marionetas Aída. O podemos viajar desde allí en el tiempo y llegar al siglo XIX con Tosca. De igual manera, encontramos en Las cuatro estampas históricas colombianas cómo cada personaje, que pertenece a épocas distintas de nuestra historia nacional, encuentra también un vestuario y unas maneras diferentes; por ejemplo, todo el cuadro de la primera parte de esta obra está inspirado del arte precolombino de nuestro país. Cada figura, cada adorno, fue inspirado en las maravillosas figuras de orfebrería que, de diversas culturas precolombinas, se encuentran en el Museo del Oro de Bogotá. Así pues, todo lo que aparece en el teatro de Jaime tiene una búsqueda estética que permite recrear a través de la composición de la imagen un momento histórico, un modo de vida que nos es familiar en la actualidad, pero que al mismo tiempo nos hace viajar en el tiempo. Documentación plástica. Este aspecto está profundamente relacionado con el anterior, pues antes de escribir un texto o de poner uno en escena, es fundamental la documentación en todos los aspectos. Se deben conocer estilos, técnicas y poder mezclar los unos con los otros para indagar, experimentar y luego crear su propia forma. Y en este sentido Jaime ha sido un estudioso rionetas tuvo que pasar por un proceso de investigación. Para las bailarinas del ballet Cascanueces, por ejemplo, tuvo que crear mecanismos de articulación que permitieran realizar en las muñecas los diversos pasos técnicos del ballet, razón por la cual algunas marionetas de esta obra necesitan hasta de tres

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incansable. Para llegar a construir sus más de setecientas ma-

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titiriteros al mismo tiempo para lograr los movimientos precisos y esbeltos de una bailarina. El boceto. Es muy importante que antes de comenzar la construcción del muñeco o del escenario se bosquejen todos los diseños hasta encontrar una versión definitiva. Hacer croquis, planos, bocetos, dibujos, tanto como medir, cortar, pegar… He ahí donde se ejercen todos los recursos creativos. Jaime tiene una colección completa de esos procesos. Especialmente conservados, se encuentran algunos diseños para vestuario y para

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la escenografía.

• Caperucita Roja, montaje de Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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Síntesis y caricatura. Los rasgos de las marionetas de Jaime son elaborados de manera sencilla pero contundente, pues crea los caracteres a través de técnicas del color y del dibujo, con trazos en los rostros y en los peinados, en los accesorios y los ambientes. Con el vestuario, los colores, el maquillaje, las luces que ensombrecen o iluminan, rápidamente consigue que se distingan los gestos del “malo”, por ejemplo. Un rasgo definitorio. Cada personaje debe tener un “rasgo-síntesis” que lo identifique de manera precisa. Bigotes, barbas, ojos pequeños, ojos apagados o grandes y brillantes, color de la cara, narices prominentes, gafas oscuras, collares excéntricos o discretos camafeos, trenzas rubias o negras, sombrero puntiagudo o de copa, calvos o melenudos, se convierten en elementos diferenciadores que al juntarlos dan como resultado la unidad dramática de la historia, un conjunto que permite un orden estético desde lo visual y lo “caracterial”. Vemos así que en montajes como el de “Blancanieves y los siete enanitos” Jaime define el carácter de cada enano a través de elementos estereotipados como uno más gordo, otro más delgado, uno con barba más larga o los cabellos más o menos cortos o definitivamente calvos. Sin embargo, es necesario destacar un elemento desde la perspectiva estética: El títere no tiene una realidad por sí mismo, como evidentemente la tiene el actor; al títere su realidad se le presta a través del manipulador. Esta realidad que se le puede incorporar mientras se le manipula, para ser creíble, necesita de la complicidad del espectador para que este la trasponga. De ahí la necesidad de que los estereotipos sean claros, se fija en el objeto plástico un sentimiento desde la expresión del rostro, la posibilidad de lo simbólico no será posible. En un títere al que le sea dibujada la rabia o la alegría o la tristeza, va a ser muy difícil para el espectador ver otras posibilidades. Por esa razón los rostros de los muñecos de Jaime tienen gestos más o menos neutros, pero con ciertos estilos propios, como el de

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pero dejando un margen a la ilusión del espectador, porque si

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darle una gran importancia a los ojos. El maquillaje, las grandes pestañas, la luminosidad, hacen que sus muñecos tengan una gran expresividad desde la mirada. Configuración técnica. El universo de los títeres permite diversas técnicas de realización. Para Jaime, el manejo de los muñecos con hilos ha sido su prioridad. Sin embargo tiene también otros muñecos que son más grandes y de guante o de guiñol. En “El renacuajo paseador” se pueden observar al inicio de la historia los distintos personajes que penden de los hilos, pero al final, ante el sorpresivo desenlace de la historia del renacuajo, aparecen de los pisos grandes gatos guiñoles y el pato que lo devorará. El actor titiritero. El manipulador del títere debe entrenarse para aprender a llevar sus propias emociones y gestualidad al títere que manipula. El títere de hilos que Jaime utiliza requiere de por lo menos dos o tres años intensos de trabajo con el muñeco para aprender a utilizar de manera básica el conjunto de cuerdas que lo animan. Para que el pulso comience a sentir el peso de la marioneta y el muñeco se pueda manejar con fluidez.

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• Cascanueces, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

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Para encontrar la precisión de cada gesto, de cada movimiento, se requieren muchos años más. El que los hilos no se enreden, el que una parte ya manipulada no impida mover la otra, el que sea medido el gesto a imprimir en el títere, el que se siente, baile, camine o corra, requiere de una gran concentración de la energía del actor en sus dedos, manos, brazos; así como una gran comunicación con los otros actores, para no estrellarse, para acordar uno a uno los movimientos que armonicen toda la escena. Pues todo se maneja desde la altura y el actor no puede observar de frente lo que le ocurre al muñeco; ve solamente su cabeza. Adquirir una visión que permita dimensionar la imagen de lo que no es posible ver desde arriba solo se logra con años de trabajo. Canalizar la gestualidad. Como ya dijimos, toda la energía debe ser canalizada a través de las manos del manipulador. Porque no es solo mover el muñeco “como un sonajero”, como dice Jaime, sino que es crear un movimiento con él que sea detallado y verosímil. Para lograr esto, Jaime siempre hace unos talleres actorales con su grupo en los que crea coreografías y partituras de movimiento para que los actores, primero vivan en sus cuerpos lo que el personaje del títere siente y hace, para luego trasponer todo ello en el muñeco. Estos intensos talleres duran más o menos una semana; primero hacen un trabajo de mesa, con lecturas, analizando e interpretando los textos para comprender a los personajes y sus relaciones. También clarifican el contexto histórico del autor del texto y el de la historia. Los actores luego pasan a la práctica desde sus propios cuerpos. Crean

La presencia del actor. Si bien el titiritero está por detrás del títere, en algunos casos más que en otros, dependiendo de la técnica que se use, el actor debe estar ahí, sobre la escena con toda su presencia. Los muñecos que Jaime maneja, en general, se manipulan desde una estructura en hierro, llamada puente, que

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situaciones y las partituras de las que acabamos de hablar.

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tiene casi dos metros de altura. Los actores se suben a la parte alta y desde allí, colgados por hilos de cáñamo negro, a unas crucetas que son hechas en madera, los actores maniobran sus personajes. Pero para llevar a cabo esta compleja operación es necesario que los cinco sentidos del actor estén en un nivel altamente desarrollado, que sus técnicas de relación, de manejo de emociones, de su control físico y de escucha, de su concentración, estén en acción desde un estado de alerta permanente, al mismo tiempo que en un estado de relajación para poder mantener el control y de conexión continua consigo mismo y con sus compañeros, con el espacio y con el público. Para ello debe conocer, aislar y ser consciente de cada parte de su cuerpo, debe controlar también sus pensamientos y surtirlo todo a la delicadeza y a la sutileza. Jaime es muy exigente con sus actores. Es perfeccionista y pide siempre que los actores estén dispuestos a tener la disciplina y el rigor necesarios para que sus marionetas se acerquen a movimientos realistas. La distancia técnica. Cada tipo de títere requiere de ciertos dispositivos de manipulación. El objetivo no es dificultar los mecanismos sino aprovechar cada uno de ellos para lograr lo que se quiere transmitir con el arte que se realiza: “No hay técnicas mejores ni peores, solo existen técnicas más o menos adecuadas para una u otra puesta en escena, según sea el contenido del espectáculo, el tono general o el ambiente que se desee crear”.12 No cabe duda de que las técnicas que emplea Jaime son el resultado de una búsqueda y experiencia logradas a lo largo de

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su carrera artística. Que se las transmite a sus aprendices y que espera que ellos se apropien de ellas para que luego puedan ser conservadas. Solo así el Maestro puede dejar su legado, que a su vez él ha recogido de legados anteriores y que da paso a la posibilidad de la conservación de la tradición.

Ibíd., pp. 23-41.

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• Blancanieves y los siete enanitos, montaje de Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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• Renacuajo paseador, montaje de Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

Las técnicas: variedades de títeres En este mundo de los objetos animados hay una gran variedad de técnicas que además, dentro del mundo contemporáneo, han

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ido creciendo con la invención de nuevas formas. Por ejemplo la clasificación que hizo el Museo de las Civilizaciones del Canadá,13 parece sintetizar bastante bien el inmenso universo del títere. Una vez tengamos una panorámica en este aspecto,

Véase http://theatre.civilization.ca/narratives/details.php?lvl2=4812&lvl3=4824&language =french (Traducción nuestra).

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podremos centrarnos en la técnica que utiliza Jaime frecuentemente: la de los hilos. La primera familia es la de los títeres de varilla fija, que tienen su cabeza sostenida por una vara y se le manipula desde ella. La varilla es de hierro y se le fija al títere en el centro de la cabeza. Los miembros pueden ser accionados por múltiples varillas pequeñas, o por hilos. También se pueden combinar los dos. Este títere parece ser el ancestro del de hilos y su origen se encuentra en Indonesia. La segunda familia es la de los títeres de guante. Estos títeres tienen una cabeza ahuecada a la que se le pega un vestido en tela. Su manipulación se hace metiendo la mano en el vestido y poniendo uno o dos dedos en el cuello para introducirlos en el hueco de la cabeza. Los otros dedos entran en los brazos, situados a lado y lado del vestido, lo que permite tener un control directo sobre los movimientos. Las manos y la cabeza pueden ser construidos en madera o en papel maché, o también pueden ser flexibles; para ello se utiliza tela o espuma o cualquier otro material que lo permita. En general este tipo de títeres no tiene piernas y si las tiene no son manipuladas; se dejan caídas para prolongar el cuerpo del títere. Existen títeres de guante que son combinados con varilla y para manipularlos se necesitan dos personas. Entre los títeres de guante está el llamado guiñol, comenzado a utilizar en Lyon, Francia, a raíz de los conflictos durante la Revolución francesa, para opinar sobre la actualidad política y burlarse de ella y así caricaturizar a la sociedad

La tercera familia es la de títeres manejados por varillas pero que pueden o no estar fijas al cuerpo. Estas se accionan por la parte de abajo del títere. Sus varillas se pueden construir en madera o en hierro y se accionan introduciéndolas en el vesti-

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representando los vicios del momento.

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do del muñeco o pegándolas en alguna parte del cuerpo, en las manos, por ejemplo. A este modelo se le prefiere llamar marotte. La cuarta familia es el títere de sombras, el cual se manipula detrás de una pantalla que es iluminada por una fuente de luz. Por lo general se trata de figuras bidimensionales que se pasan por delante de la luz y crean así la sombra que es visible al otro lado de la pantalla, donde está el espectador. Las figuras pueden o no ser articuladas, pueden o no tener varillas pegadas para ser manipuladas. Algunas de ellas son sostenidas por las manos. Estos títeres pueden ser traslúcidos y tener diversos colores, o ser solamente siluetas lisas, rugosas o troqueladas. Se construyen en diversos materiales como cuero, metal o cartón. La quinta familia es el títere inspirado en el teatro de títeres japonés bunraku que es manipulado ante los ojos del espectador por dos o más actores. Estos pueden hacerse evidentes o mantenerse “invisibles” vestidos de negro. La sexta familia es la de títeres de hilos, llamados marionetas. La marioneta es manipulada desde arriba con la ayuda de hilos. Este tipo de títere puede estar completamente articulado, con lo cual es posible mover diferentes puntos de su cuerpo a través de los hilos que son sostenidos por una cruceta o comando construida, por lo general, en madera. Las marionetas se construyen en papel maché, tela, espuma, madera, entre otros materiales.

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La cruceta se convierte para el actor en una prolongación de su mano, por lo que debe ser ergonómica y adaptada a todos los movimientos posibles de la marioneta. Los hilos deben estar bien repartidos en la cruceta y esta debe tener un tamaño proporcional al del muñeco, teniendo en cuenta que en la postura de los hilos, estos no se pueden contradecir en los movimientos que se impriman. Además debe ser práctica y adaptable.

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Ciro Gómez explica el manejo de las crucetas de la siguiente manera: Hay diferente manipulación de crucetas, hay una que es como una raqueta que es la que usan los chinos, quienes pegan todos los hilos a una lámina de madera a través de bolitas que van moviendo las figuras… Hay otra que es la de los hindúes que manejan tres hilos y se los ponen directamente con anillos en los dedos de la mano, hay otra que es la de tipo alemán… que tiene la cruceta normal, pero que tiene los peines (que son los elementos móviles de la cruceta), pegados a esta. Entonces mueve todo con los dedos desde el mismo comando. El otro estilo de cruceta es la italiana, que es de las más antiguas. Esta se utiliza aún en varios grupos del mundo entero, a pesar de las renovaciones técnicas a finales del siglo XX. La cruceta italiana tiene el control en el lado en que se sostiene el muñeco, este es como “el cabo de los cabos” de todos los hilos. También tiene un peine, que se saca desde la cruceta para mover con ese peine los pies y las manos. Al tener esa inclinación de los hilos, esto hala hacia adelante los pies y permite que el muñeco tenga un movimiento más naturalista. Dentro de este orden perfeccionista del naturalismo y que se encamina a lo humanizado, es donde está Jaime Manzur. Sus muñecos son actores en miniatura.

ñamo que ya muchos grupos no los usan. Para Manzur el cáñamo negro es el hilo profesional. Pues se hacen visibles y las marionetas deben dejarse ver sus hilos, mostrar que son manipuladas y no crear la ilusión que el muñeco se mueve solo, como lo hacen algunos grupos con el nylon. Esto es parte de su estética.

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Con respecto a los hilos, Manzur adora los hilos de cá-

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En cuanto al encordado, que es otra de las tres partes de la marioneta (cruceta, encordado y figura), en Manzur la mayoría de los hilos son fijos, no pasantes, los cuales van con una armella que permite que pase el hilo para mover las dos manos. El tener los hilos pegados al peine hace que con un dedo pulgar se manipulen, eso quiere decir que o se levanta una mano o se levanta la otra. Esta manipulación es mucho más complicada, pero hace parte de los mecanismos de manipulación tradicional. Y él en eso es muy claro: en conservar la tradición. Esto es lo que le ha permitido mantener un teatro a la usanza europea. En ningún otro país de América se manejan marionetas de este corte. Su trabajo tiene una calidad que no tiene que envidiarle a las marionetas de Salzburgo o a otros teatros. Poder contar con Jaime Manzur y con su grupo como proyecto artístico, que además tiene un acento muy fuerte en lo artesanal, es un valor importante para nuestro país.14

Para terminar con los tipos de títeres que hay, falta mencionar que además de las seis familias mencionadas, encontramos también que hay títeres de dedal, que son muy utilizados en ambientes pedagógicos y terapéuticos con los niños. Hay títeres grandes, que pueden ir encima de los hombros del titiritero, o los gigantes y cabezudos que se utilizan mucho en el teatro de calle. Existe el títere del Teatro Negro de Praga, con el que se

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hace un trabajo de luz en medio de “la caja negra” del escenario, utilizando telas o pinturas fosforescentes. Hay títeres manipulados en el agua, los hay ahora mecánicos, electrónicos e incluso robóticos.

Entrevista realizada a Ciro Gómez el 26 de junio de 2013.

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• Hansel y Gretel, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

El “titi” En la Edad Media, durante las representaciones religiosas, aparecieron grupos de titiriteros que utilizaban un lenguaje insolente y vulgar, así que se les prohibió hablar. Comenzaron entonces a utilizar hojas de plantas con las que armaban una especie de pitos para comunicarse a través de ellos. Los sonidos eran, asegura Ciro Gómez,15 cercanos al sonido “ti ti”, naciendo así el vocablo “titiritero”. Etimológicamente viene de la palabra

El concilio de Trento en el siglo XVII, prohibió la representación de marionetas en las iglesias. Como el títere fue expulsado de las iglesias, entonces se unieron los titiriteros con los truhanes en las calles, limpiándoles los bolsillos a los espectadores. Fue 15

Ibíd.

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griega “titupos” que quiere decir monito.

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así como el oficio del titiritero cayó en tan mala reputación que de hecho el 1º de julio, que se conmemora el día de San Simeón, protector de los ladrones, también se celebra la fiesta de los títeres.

• Pinocho, montaje de Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

Las marionetas Esos pequeños personajes que recorren el escenario rodeados por mundos en los que todo es minúsculo parecen provenir de

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unos pequeños objetos que en la Edad Media se llamaban mariettes (en francés), personajes bíblicos que los fieles se llevaban a las iglesias. La palabra mariettes proviene de María (Marie) y por lo minúsculo de las figuras se le agregaba el sufijo “ettes”. Con ellos en Francia se hacían representaciones de paisajes bíblicos o del pesebre en la Navidad o de la crucifixión en la Semana Santa.

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Hacia el siglo XVI llegó a Francia un italiano que se hacía llamar Jean Brioché pero que en realidad se trataba del actor Paolo Cinelli, padre del famoso personaje de la comedia del arte, Polichinela. Su personaje se popularizó mucho en el país galo y de él se hicieron marionetas de las que en el siglo XVIII Voltaire fue un gran aficionado. En aquella época las marionetas tenían tanta acogida que lograron fundar teatros propios para sus representaciones. Sin embargo, con la llegada del guiñol, las marionetas fueron poco a poco desplazadas.

“Puntadas” sobre las marionetas en Colombia De algunas culturas precolombinas, como las peruanas y las mejicanas, se han encontrado restos de muñecos articulados en cerámica y en tela. Aun cuando no se haya establecido su función como marionetas, sino más bien como objetos rituales, esto de nuevo puede dar cuenta de la utilización de muñecos manipulados en los cultos religiosos. En el Museo del Oro de Bogotá podemos encontrar bastones con pájaros y aros a los que seguramente hacían bailar durante los actos ceremoniales, quedando así estas figuras relacionadas con la mitología y la comunicación con los dioses. Sin embargo, como lo confirma Fernando González Cajiao,16 hasta hoy, no se puede hablar de títeres en el continente americano antes de la conquista española. Al parecer Hernán Cortés traía en su barco a un titiritero y no es de extrañarse, pues las marionetas eran muy populares en la Europa de la época. Desde el siglo XVI ya se conocía la commedia dell’arte, que tenía personajes bien caracterizados marionetas. Según González Cajiao, si bien la primera noticia que se tiene en Colombia sobre el títere proviene de 1877, de ese lugar llamado el Pesebre Espina, es en 1881 cuando se conforma una compañía y crean un repertorio gracias a Antonio Espina 16

Fernando González Cajiao (1985). “Noticias sobre los títeres y las marionetas en Colombia”. En Encuentro colombo-francés de títeres, Bogotá: Asociación Francesa de Acción Artística, p. 5.

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y que podían transformarse perfectamente en muñecos para

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y Félix Merizalde. La primera obra fue Don Pedro Taquillas de Tirso de Molina y luego la creación de obras inspiradas de la vida cotidiana y creadas a partir del estilo costumbrista que caracterizaba la época.17 El Pesebre Espina pasó a funcionar en la carrera octava con calle novena, Escuela Santa Clara; allí se hacían marionetas y según parece se presentaron con ellas escenas de la ópera Esther de Rafael Pombo con música del maestro José María Ponce de León. Luego se acabó el Pesebre y solamente se vuelve a tener noticias sobre los títeres en 1914, con Sergio Londoño Orozco, quien es considerado el primer titiritero de guante o guiñol en el país. Con sus títeres hacía espectáculos folclóricos en Caldas, en los que aparecían personajes pueblerinos y próximos a la commedia dell’arte, creando además al personaje “Manuelucho” que atravesó durante cuarenta años la vida caldense y se hizo muy popular e inolvidable por varias generaciones de niños de la región.18 En 1936, Jorge Zalamea inauguró el Teatro Cultural del Parque Nacional, el cual fue dedicado al teatro de marionetas. Allí se instaló un puente desde el cual los actores podían manipular las marionetas a dos metros y medio de altura. En 1959, el maestro Antonio Angulo Gutiérrez comenzó a dirigir esas marionetas y creó la primera escuela de títeres, en donde se formó el reconocido marionetista y gran amigo de Jaime Manzur, Ernesto Aronna. Luego llegó Gabriela Samper y posteriormente José Antonio Muñoz, el Muñocito, como se le llamaba, quien era el padre del reconocido actor de televisión Carlos Muñoz. Ac-

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tuaron allí compañías mundialmente reconocidas, como la de Vittorio Podrecca y también titiriteros nacionales como Cecilia Muñoz de Ortiz, Álvaro Ruiz, Juliana de Ruiz, quienes trabaja-

Ibíd., p. 5.

Jairo Hernán Uribe, Los títeres de Manuelucho. Patrimonio de las artes escénicas caldenses y tradición del títere en Colombia. Texto sin publicar, pero referenciado en el Catálogo de Títeres de la Biblioteca Nacional de Bogotá 791.53/T47t.

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• Blancanieves y los siete enanitos, montaje de Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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ban juntos y crearon una corriente de marionetas en la que se formaron importantes titiriteros del país como Ciro Gómez. Luego llegó Luis Álvaro Moya, quien además de ser un experto en marionetas fue también profesor de teatro. A comienzos de los años sesenta, “Julia Rodríguez, pionera del teatro moderno de muñecos en Colombia por introducir las técnicas del muñeco de varillas”, lo dirigió durante un periodo de dos años. Pero infortunadamente después fue abandonado. En 1968, Yolanda Pulecio, esposa del entonces ministro de Educación, Gabriel Betancourt, jefe de la institución responsable del parque por esos años, recogió a los niños habitantes de la calle y los llevó al Teatro El Parque, en donde les ofreció leche y pan mientras duraba la visita del papa Paulo VI. Para ese momento el teatro estaba en condiciones lamentables por su abandono. Entretanto, los atesorados muñecos de marionetas —más de tres mil muñecos elaborados con diferentes materiales— sufrieron los embates del tiempo y de la incuria, siendo incinerados paradójicamente en la Plaza de Mercado de Paloquemao, otros enviados a depósitos y otros desechados como basura. Posterior a este desatino social, asumió la dirección el titiritero santandereano Príncipe Espinosa, quien entre 1968 y 1970 lo recuperó nuevamente.19 Ernesto Aronna, hijo de marionetistas italianos, fundó en 1960 la Compañía de marionetas y títeres de Santa Fe, presentándo-

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se en parques, localidades y con frecuencia en teatros como El Odeón (posteriormente llamado TPB), en el teatro Don Eloy y en el Teatro del Parque Nacional.20 Después de años de esfuerzo logró conseguir una casa para crear su Fundación y junto con su esposa Myriam Restrepo montaron la compañía en la que 19

Teatros de Bogotá. Escenarios de un patrimonio efímero (2010). Bogotá: Sector teatral y Banda Sinfónica de Bogotá de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, p. 112.

Ibíd., p. 56-57.

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los espectáculos eran dirigidos, adaptados o escritos por el mismo Ernesto Aronna. Además él mismo “musicalizaba la obra y diseñaba el escenario”.21 Después de su muerte, en 2003, su hijo Ernesto Alejandro es quien se ocupa de mantener el legado dejado por su padre. Jaime lo recuerda con un afecto entrañable: “Con Aronna era como si fuéramos mellizos. Nuestra vida era muy similar en todo”. A partir de los años sesenta, gracias a todo el movimiento teatral colombiano, surgen numerosas compañías titiriteras, de las cuales muchas se mantienen todavía; entre ellas Hilos mágicos, La libélula dorada, La paciencia de guayaba, entre otras. Hacia 1970 se creó otra escuela con el apoyo de Colcultura y el escritor Jairo Aníbal Niño dirigió la Escuela de títeres que estaba anexa a la Escuela Nacional de Arte Dramático.

Las marionetas de Jaime Manzur (…) Por eso, cuando las marionetas hacen su aparición en escena, el público encantado asiste al espectáculo lujoso de unos personajes magníficamente manipulados por manos expertas parecen de carne y hueso. Y los espectadores comparten las penas por el amor frustrado de Vidal en Luisa Fernanda; rechiflan a la reina bruja celosa de la belleza de “Blancanieves”; “detran íntimamente con las aventuras de Pinocho; asisten a la procesión de Chiquinquirá: siguen el compás de las danzas y la música del folclor andino nacional y

Ibíd., p. 57.

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voran” las páginas de Cien años de soledad; se reencuen-

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enardecen el ánimo a las primeras notas del ritmo de la cumbia colombiana. Mientras unos inician la incursión en los ámbitos de la ópera, otros saborean con deleite la representación de fragmentos de los más famosos poemas dramáticos musicales. Arlequín, el rey de la barra; Colombina, la diosa del trapecio; el payaso, Miss Susan y la elefanta del cerebro humano; los monitos africanos Pirula y Pirulín: Chispitas, el mago del rodante, y Bombín, el malabarista de la pelota encantada, hacen las delicias de los aficionados al circo. Delicadamente, en una lección de ensueño, la cultura llega a las masas y se cumple el cometido de Jaime Manzur.

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Cecilia Santos, El Espectador, 30 de mayo de 1976

• Marionetas de Estampas colombianas, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

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La compañía de marionetas de Jaime posee, por lo menos, trescientos telones para los distintos montajes; ochenta accesorios escenográficos como columnas, vitrales, árboles; cuatro mil vestidos; setecientos muñecos; cientos de accesorios en miniatura; decenas de juegos de muebles de diversas épocas, que junto con los vestidos han creado un museo de la historia del traje y el mueble. Jaime, aun siendo bailarín y coreógrafo, se dedicaba también a sus marionetas. Él no las ha abandonado nunca, ni su pasión por ellas se ha extinguido. Todo lo contrario, para él, con el paso del tiempo, esas compañeras de infancia, a las que había dedicado su tiempo para hacerlas y ponerlas en la escena, se hacían cada día más importantes en su vida. En ellas recogía todo lo aprendido y experimentado en sus recorridos por las artes. “Las marionetas nacieron en Medellín en 1954. (…) La primera presentación incluyó dos óperas de Giuseppe Verdi, una de Puccini y dos zarzuelas: Luisa Fernanda y Los gavilanes”.22 En 1964 nació la primera compañía en Medellín. “No había mucha televisión y por eso había una gran recepción”. En la Biblioteca Pública Piloto de Medellín, para ensayar, se hicieron tres zarzuelas en marionetas: La del Soto del Parral, La dolorosa y Los gavilanes. La demanda fue enorme y el director de la biblioteca contrató después a Jaime para hacer diferentes obras durante un mes. En esa época se fundó la Compañía de Mario-

Dos años después, hacia 1966, con motivo de la inauguración de la nueva sede de la biblioteca, sus directivas le propusieron a Jaime presentar un espectáculo con las marionetas como un

Oscar Betancourt, “Un versátil afrocolombiano que reúne todas las artes del espectáculo”. El País, domingo 28 de septiembre de 1980, p. 5.

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netas Jaime Manzur.

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bello reconocimiento a su labor. Desde entonces la Compañía de Marionetas Jaime Manzur comenzó sus giras por toda Colombia de manera profesional. Hacia 1967, aun siendo bailarín y coreógrafo, Jaime fue invitado al programa “Caracolito mágico”, dirigido por Silvia Moscovitz de Vasco y producido por Caracol TV. Al programa, que se emitía en vivo y en directo desde las instalaciones de la Televisora Nacional, llegaba Jaime con sus marionetas cada quince días para enseñarles a los niños a construirlas y para hacer pequeñas escenas de cuentos. A las emisiones iban niños de diferentes establecimientos escolares, quienes participaban espontáneamente. Los artistas invitados provenían de diferentes disciplinas (escritores, bailarines, músicos, actores) y antes de cada emisión Jaime se encontraba con Delia Zapata, quien hacía un programa sobre el folclor justo antes de “Caracolito mágico”; el programa de Delia duró apenas un año al aire. Con motivo de la invitación que le cursaron los organizadores del VII Festival de Arte de Cali, en 1968, preparó El mercader de Venecia de William Shakespeare y La María de Jorge Isaacs. A las tres de la tarde encontraron que frente a la sala Antonio María Valencia había una cola que le daba la vuelta al conservatorio, que las boletas para la vespertina estaban agotadas y que el público estaba adquiriendo localidades para la nocturna (…) el éxito fue avasallante;

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realizaron once presentaciones… 23

A raíz del éxito obtenido en Cali, el Teatro de Los Cristales, de la misma ciudad, lo invitó a representar sus óperas en marionetas a distintos barrios, en las casas de acción comunal. El grupo de Jaime, compuesto por Francisco Piedrahíta, Marta

Ibíd.

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Ulloa, Camilo Murillo, Teresa Piedrahíta, Javier Bustamante, Eugenia Piedrahíta y Jairo Guevara, llevaba a niños y adultos de barrios populares de Cali la alegre música de la zarzuela con los movimientos de cientos de sus muñecos. En ese recorrido presentó Los gavilanes, La dolorosa, Agua azucarilla y el aguardiente, Katiuska-Opereta española, La canción del olvido, El amigo Melquiades, La del Soto del Parral, El dúo de la africana, Los claveles, La linda tapada, La leyenda del beso, La revoltosa, El barbero de Sevilla (zarzuela que por primera vez se presentaba en Colombia) y La bruja. A finales de 1968 fue cuando abrió su propia escuela en una casa ubicada en la calle 45 con carrera 15, a la que lleva, además de su ballet, también sus marionetas. Allí presenta entre semana sus espectáculos de danza y dedica los fines de semana a sus marionetas. Con Fundarte, Fundación Amigos del Arte, creada por Jaime junto con Jaime Enrique Oviedo, director ejecutivo, producen entre 1970 y 1979, grandes montajes de ópera y zarzuela. Durante estos años Jaime presentó cuarenta y cinco obras, noventa y dos zarzuelas y casi cien cuentos. La programación era muy variada. En 1970 fue invitado por el Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura, que hacía parte del Ministerio de Educación, a dar una temporada de ópera en marionetas en el Museo Nacional de Bogotá. Esta temporada fue muy importante para la com-

Lucía de Lammermoor, escrita en 1835 por el italiano Gaetano Donizetti. La traviata, con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piav. Esta ópera está inspirada en la novela de Alejandro Dumas, La dama de las camelias.

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pañía pues pudo presentar diecisiete de sus obras, entre ellas:

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Tosca, con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Estrenada en Roma en 1900. Carmen, creada en 1875, es una ópera cómica francesa en cuatro actos con música de Georges Bizet y libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, basado en la novela Carmen de Prosper Mérimée. Aída, de Giuseppe Verdi, estrenada en 1871. En esta obra, aunque no se precisa el lugar en el que se desarrolla, se sabe que Aída es una princesa etíope, capturada y llevada a Egipto como esclava. Norma, una tragedia lírica en dos actos con música de Vincenzo Bellini y libreto en italiano de Felice Romani, estrenada en La Scala de Milán el 26 de diciembre de 1831. Se considera un ejemplo de la mayor altura de la tradición del bel canto.

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• Marionetas de Estampas colombianas, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

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Como en todas sus obras, la compañía de Jaime era impecable. Los comentarios periodísticos exaltaban cada detalle: Cuando se tiene la oportunidad de admirar la gran calidad del trabajo realizado por Jaime Manzur y su grupo, se da uno cuenta el montaje para marionetas, pleno de colorido, luz y lujo, donde los pequeños intérpretes impecablemente manejados nos trasladan desde los lujosos salones de baile hasta la recámara finamente decorada. La exquisita escenografía y la belleza del vestuario que está a cargo de Cecilia Manzur, quien con armonía y un gusto muy exquisito no descuida el más insignificante detalle para así dar un toque más sofisticado y elegante a estas diminutas figuras.24

Hacia 1972, Jaime Enrique Oviedo le propone hacer una gira por los Estados Unidos en pro del proyecto “Operación niños de América”. Era para Navidad, en pleno invierno; la gira comenzaba en Miami, luego Boston, Washington y New York. Aunque no les pagaban por su trabajo, los alojaban y les cubrían el desplazamiento dentro de los Estados Unidos. En este viaje conoció al marionetista Bill Baird (conocido por su trabajo en la película La novicia rebelde), cuando fue a ver una de sus presentaciones. Bill Baird lo felicitó por su trabajo pero le ofreció algunas clases para mejorar su técnica, así que Jaime empezó a tomar clases con él y se creó una amistad entre ellos. Fue gracias a su maestro que en 1976 Jaime fue invitado a representar a Colombia en el Festival Mundial de Marionetas en Connecticut, estado de

Por la misma época de su primer viaje a los Estados Unidos, Jaime participaba en el programa de televisión “Club Piñón:

Marlén Ángel Vargas, “Ópera de títeres. Con La traviata inicia temporada de títeres”. La República, 26 de junio de 1978.

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Nueva Inglaterra, ubicado al norte de Nueva York.

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con las Marionetas de Jaime Manzur” presentado por la actriz Rebeca López. Fue un programa infantil que duró más o menos dos años al aire en el que Jaime comenzó a investigar sobre la articulación de la boca y de los ojos en sus marionetas. Por esta época incorporó esta clase de artilugios y comenzaron a producir gran sensación por cuenta de la mayor expresividad y de la cercanía con la realidad que ahora tenían sus muñecos. Allí presentó obras como El guiñol de don Julito, Un bosque nevado, “Aladino y la lámpara maravillosa”, Violeta, María, “Blancanieves y los siete enanitos”, “El pájaro azul”, “Barba Azul”, “La rosa de plata”, “La bella y la bestia”, “Hansel y Grettel”, El mercader de Venecia, “Juanito y los fríjoles mágicos”, Pinocho, “La cenicienta”, “El gato con botas”, “El renacuajo paseador” (con adaptación de Jaime Manzur), “La estatua de Gertrudis Basile”, “La rata gris”, “Los tres limones”, “El pájaro que habla”, El diamante azul, esta última de autoría de Jaime. La acogida del público fue extraordinaria y se presentaban lunes y miércoles a las seis de la tarde por la Segunda Cadena de televisión. La aparición de espacios culturales infantiles ha llamado la atención a los colombianitos que con solo la primera presentación del programa de televisión “Club Piñón” cientos de pequeñitos escribieron a los productores del programa expresando su alegría por la aparición del nuevo espacio cultural.25

Sus obras eran muy pedagógicas. Por ejemplo en la adaptación

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del “El renacuajo paseador” de Rafael Pombo, hay primero una escena que nos lleva un poco por la historia de Pombo, escudriñando en la imaginación del personaje ese universo que le inspiraba escribir sus cuentos. Esto permite que el niño tenga otros referentes de cuentos que Pombo escribió, de acercar al niño un poco hacia el contexto de la época del autor y de mos-

Clara Helena (s.f.). Títeres, entretención cultural para niños. Archivo personal de Jaime Manzur.

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trarle la importancia de su literatura para nuestro país, además de presentar elementos que hacen parte de nuestro país: desde la naturaleza (orquídeas, por ejemplo), hasta la música folclórica (“La Mariquiteña”). Veamos una parte del primer cuadro de su adaptación.26 En la escena Don Rafael Pombo mirando hacia afuera por la ventana. Luego Tomasa, ama de llaves. Suben las luces e inicia el diálogo. Tomasa: Don Rafael… la cena está servida, se le va a enfriar… Don Rafael… ¿no me escucha? Don Rafael: Sí, sí mi buena Tomasa. Me decía… Tomasa: ¡Que la cena está servida! Don Rafael: ¡Ah… ya! … ¡Pero… es que no te figuras lo que estoy mirando! (…) es un sapito en compañía de un ratón… (…) Tomasa: ¡Qué imaginación la suya, Don Rafael!... El otro día no más cuando se murió misiá Carmelita usted inventó un cuento sobre que no tenía nada qué comer, y que nadie la cuidaba a la pobrecita, y que no tenía en qué vivir, con semejante casona que tenía la difunta.

Tomasa: ¡Ah… eso sí! (…) Bueno y lo del gatico pequeño que parió la gata en la última camada.

Jaime Manzur (1985). “El renacuajo paseador”. En Teatro de títeres para niños. Bogotá: Tres Culturas Editores, pp. 36-38.

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Don Rafael: ¿Te gustó, verdad?

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Don Rafael: ¿No te has dado cuenta que de todos los gaticos que ha tenido la gata Mechitas, este último es el más travieso?... ¿Y qué mejor forma de convertirlo en un gato bandido? Además Tomasa, yo soy escritor y he trabajado mucho por mi país y por la gente adulta… Ahora yo quiero escribir un libro para niños. Tomasa: ¿Los niños? ¿Cree sumercé que a los niños les interesarán los cuentos? Don Rafael: ¡Desde que el mundo es mundo, mi querida Tomasa, a todos los seres humanos les gustan los cuentos, pues de ellos se sacan las moralejas que sirven a la humanidad…! (…) Tomasa: Gracias Don Rafael: Yo sé que usted es un hombre muy valioso, y que inventa cuentos, versos y muchas otras cosas literarias, para el bien de la cultura colombiana... ¡Pero vamos al comedor que ya la comida se enfrió! (…) Música “La Mariquiteña”, con arreglos de Jorge Ariza. La escenografía desaparece. Sube la música y se aumentan

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los efectos fantásticos, dejando ver un jardín en el que se destacan las orquídeas y dos hongos. El de la derecha del actor es la casa de Doña Ratona y el de la izquierda la casa del Renacuajo. (…)

Las marionetas de Jaime comenzaron a ser aún más reconocidas por sus programas de televisión, que funcionaban muy bien porque los niños eran fieles televidentes. Hacia 1975, a

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través de Logos TV (una agencia de producción conformada por cuatro muchachos que se acababan de graduar en comunicación y dirigida por José Ignacio García Duque) se creó el programa “Las increíbles marionetas de Jaime Manzur”, en el cual el objetivo pedagógico de Jaime continuaba siendo de gran importancia. En 1976 fueron ellos, los de Logos TV, los que lo apoyaron con los pasajes para hacer su segundo viaje a los Estados Unidos para participar en el Festival al que había sido invitado en Connecticut. Otra experiencia continua de Jaime Manzur en televisión se llevó a cabo entre 1985 y 1986, con el director de teatro Jorge Alí Triana. Esta vez el programa se llamaba “Las marionetas de Jaime Manzur” y Jaime afirma: “En aquella época se lograron lindas producciones con estas marionetas”. Eran los inicios de algunos camarógrafos, como Mauricio Navas Talero, quien acababa de llegar de los Estados Unidos y luego se convertiría en célebre guionista de cine y televisión. Se la pasaban trabajando todo el día. Buscaban la perfección.

El premio mundial Con su grupo, conformado en ese entonces por Enrique Plested, Orlando Portilla, Francisco Piedrahíta, Alicia Pardo, Ester Giraldo, Blanca Díaz, Saúl Nova, Pedro Nel López y Diego Miranda, Jaime llegó a Connecticut. A pesar del poco dinero que tenían (ninguna otra entidad aparte de Logos TV los apoyó), disfrutaban del ambiente que se vivía allí. Era muy emocionanver espectáculos brillantes, con historias y puestas en escenas magníficas llevadas de diferentes rincones del planeta. Sin embargo, el único que llevaba marionetas de un país de América Latina era Jaime. Fue por ello que un grupo de latinoamericanos que asistían como espectadores le pidieron que dijera ante el

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te pues asistían artistas de diferentes partes del mundo. Podían

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público que, aun cuando venían de Colombia, representaban a toda Latinoamérica, y así lo hizo. El Festival en ese año se unía a las celebraciones del bicentenario de la Independencia estadounidense, el 4 de julio. Jaime fue con su Cuadro colombiano, en el que toda la primera parte está dedicada, como ya se ha dicho, a las culturas precolombinas y sus motivos dorados que se imprimen en la escena y en el vestuario con ciertos toques de cobre. Sus planes eran regresar a Colombia inmediatamente después de la presentación de la obra, que tuvo gran acogida. Felices comenzaron a alistarse para el regreso, pero Bill Baird, al ver la situación de la compañía habló con los organizadores del Festival y decidieron ofrecerle hospedaje a todo el grupo durante los días que quedaban de Festival: “el Festival los declara huéspedes de honor”. Y llegó el día de la premiación. El tercer premio fue para Hungría que había presentado la obra El aprendiz de brujo, con un montaje que se acercaba a la cámara negra. El segundo premio fue para un grupo de Moscú y el primer premio fue para las “Marionetas de Colombia de Jaime Manzur”. Jaime recuerda con inmensa emoción que empezó a sonar el himno de Colombia. Todo el público conmovido sacó pañuelos blancos. De la emoción Jaime no pudo contener las lágrimas. Cuando le entregaron el premio elogiaron los valores de su trabajo. No solamente por su nivel técnico, que era excelente, sino también

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por los mensajes de su historia. El premio del Festival consistía en una suma de dinero, pero prefirieron no recibirla y pedir a cambio elementos necesarios para el teatro. Así que les dieron un equipo de luces, con reflectores y dímer. Periodistas de la agencia de noticias AP enviaron comunicados a Colombia para informar del acontecimiento. El grupo se imaginó que cuando llegaran al aeropuerto de Bogotá habría gente para recibirlos y elogiarlos por el triunfo, pero no había

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nadie. Excepto los hombres de la aduana, que querían quitarles los equipos de luz que habían recibido por el premio, argumentando que para nacionalizarlos debían pagar impuestos por ellos. Finalmente pudieron arreglar la situación pero no el desconcierto ante la indiferencia por los trabajos y logros de nuestros artistas fuera del país. Jaime, sin embargo, asistió a la Radiodifusora Nacional a contar lo que había sucedido en Connecticut. Ante lo que indiferentes respondieron que efectivamente habían recibido un cable, pero sin darle ninguna importancia, ni siquiera lo comunicaron.

El Almanaque Mundial El Almanaque Mundial es una revista de más de 500 páginas que se edita desde hace más de cincuenta años en versión castellana. Su primera edición en Latinoamérica apareció en

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• Marionetas de Estampas colombianas, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

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1955. Originalmente es una publicación estadounidense que data de 1868, llamada The World Almanac and Book of Facts. Es anualizada y es una de las revistas más vendidas en el mundo. Su objetivo es cubrir la información sobre los acontecimientos más importantes ocurridos en el mundo cada año, en los ámbitos social, político, económico, cultural, científico, entre otros. Los editores señalan que este almanaque “es una especie de enciclopedia de datos y acontecimientos útiles, donde además se hace un balance de aquellos sucesos y personalidades que dejaron huella en el mundo contemporáneo: en resumen, la publicación es una memoria de toda la sociedad”.27 En 1976, después de obtener el premio en Connecticut, el Almanaque Mundial quiso hacer un artículo sobre las marionetas de Jaime porque el Mental Health Clinic y la Health International Agency, ante la caracterización tan humanizada de sus marionetas, decidieron proponerle a Jaime construir diversos muñecos con el fin de crear programas de prevención sobre el alcoholismo, la drogadicción, las enfermedades sexualmente transmisibles, etcétera, argumentando que a través del arte se puede crear una comunicación más cercana con la comunidad y permite abordar de una manera más dinámica y divertida temas difícilmente abordables a través de las metodologías acostumbradas por el cuerpo médico con los pacientes y las comunidades.

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Este artículo, además, aborda temas sobre las marionetas y comentarios de Jaime respecto al concepto que tiene de ellas y de la relación que por su conducto se puede crear con los niños y de los diversos lenguajes artísticos que pueden abordar: “La cultura musical” —explica Manzur— “se da lentamente y con diplomacia. Un niño apreciará difícilmente una ópera si,

Véase página web del Almanaque Mundial. Disponible en almanaquemundial.com (consultado 4 de agosto de 2013).

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repentinamente, se le coloca frente a una dramática soprano, en medio de un gran teatro donde reina un ambiente solemne. En cambio, si escucha la misma ópera, interpretada y ‘cantada’ por sus amigos, los muñecos, a quienes sí acepta, pronto aceptará también esta música que ellos le ofrecen”.28

Detalles sobre las marionetas Con Jaime Manzur trabaja un entusiasta grupo de jóvenes que se ha sometido a riguroso entrenamiento antes de entablar amistad con los muñecos (…) [ellos] son los responsables de hacer volar la imaginación de los espectadores mientras mueven sus manos para darles vida a los personajes. “Saben coser, saben planchar, saben bordar; mueven muñecos, mueven hierros, aprietan tuercas, clavan madera. (…) Todos están capacitados para armarlos. “Es un equipo humano extraordinario”, comenta Manzur cuando, después de hacer un cálido elogio de los 60 integrantes de su ballet, se refirió a los marionetistas, quienes le han acompañado en momentos de angustia y brindan con él en épocas de triunfo.

En 1971 Jaime Manzur estrenó Cascanueces en ballet y luego la adaptó a las marionetas con todos los detalles, escenográficamente y con un inmenso cuidado en la creación del vestuario. El muñeco, aunque sigue el ritmo y tiene varias articulaciones que permiten hacer movimientos propios del ballet, tiene obvias limitaciones en el movimiento comparado con el bailarín. Se necesitan tres personas para manejarlo. Se debe tener en cuenta que para que el tutú no se enrede al elevarse el muñeco, se deben tensar las cuerdas y cuando está sobre el piso deben

Almanaque Mundial, 1976, p. C37.

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quedar flojas. A veces levantan la pierna articulación por articulación. Tienen también articulaciones en la boca y en los ojos. Las marionetas están divididas en bailarines y actores. Los actores cantan o hablan. Los bailarines tienen más “técnica” en los cuerpos. El maquillaje y el color de la piel son muy importantes, junto con el diseño de la iluminación. Deben tener definidos cada detalle de sus rostros. Una bailarina de ballet no se consigue con ponerle el tutú. Dentro de ellas hay patinadoras sobre el hielo, primeras bailarinas con un complejo diseño para lograr todos los pasos clásicos y característicos del ballet. También hay personajes secundarios y coros.

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Todo lo que constituye el montaje de Cascanueces se construyó en la fundación. Primero hubo toda la documentación sobre la obra y todo el entrenamiento corporal necesario de los actores para poder entender a los personajes que iban a manipular. Luego se hicieron talleres de muñecos, de caras, el estudio del movimiento de las bailarinas y la creación de los “trucos” para lograr el detalle de los movimientos. La cruceta para estos muñecos es diferente. Las zapatillas son distintas. Estos títeres se manejan entre dos o tres personas cada uno. Porque mientras uno le está moviendo la mano, el otro le mueve las piernas. Tardaron casi cinco años para construir todo: el árbol de Navidad, los ratones, los copos de nieve, los distintos telones para el decorado, la escenografía. El montaje fue muy riguroso. Los talleres duraban entre cinco y seis horas sin parar durante aquellos años. Hemos mencionado ya El cuadro colombiano, otro de los montajes más grandes del grupo en el que aparecen, por ejemplo, seis parejitas bailando y todo debe ser coordinado. A veces el movimiento es repetitivo, porque el espacio en el que están los manipuladores es muy reducido. Igual que con Cascanueces, los

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actores para el montaje colombiano primero se entrenaron con las diferentes danzas folclóricas para así utilizar sus propias capacidades corporales en el muñeco. En cada montaje es muy importante la música y el ritmo. Cuando Jaime monta el baile con los marionetistas, ellos deben pensar que son los mismos muñecos. Deben pensar en cómo van a moverse, cómo lo va a manejar para que no se abandone nada al azar. Una vez los actores están preparados pasan al escenario y comienzan a trabajar con sus muñecos. Para Jaime Manzur el movimiento de los muñecos no se debe hacer pensando solamente en hacer reír al niño y nada más… “Mis marionetas hacen teatro. Yo pienso mucho en los niños, en que lo que vean sea de calidad. Por eso a las marionetas se les ve manejando el texto con su movimiento, cada acción es medida. Son actores en miniatura. Cuando se sientan, cuando caminan, todo es de verdad. En el baile de la mazurca ¡las muñequitas abren todas las sombrillas y las cierran! Eso le fascina al público. Y

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los pequeños gozan mucho”.

• Vestuario de Las bodas de Fígaro, ópera en marionetas. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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“Para unos soy retrógrado, para otros soy demasiado purista. Yo moriré así. Desde muy niño tuve la ambición por hacer muchas cosas. En la filosofía árabe existe el proverbio: ‘¡Amigo despiértate, tienes toda una eternidad para dormir!’. Con esto nos alimentaban mis padres cada mañana al despertar. ‘Si vas a hacer algo: ¡Hazlo! Pero entrégate todo’ ”.

El mundo en miniatura Animándolos en los momentos difíciles, cuando las cosas no resultaban como era de esperar y gozando como la que más en la época de triunfo, al lado de Jaime Manzur ha estado siempre su señora madre. Doña Cecilia Londoño de Manzur, una mujer extraordinaria que ha contribuido en buena medida a los éxitos de su hijo (…) La señora de Manzur es quien ha producido todo el guardarropa del elenco, verdaderas obras de arte. A su dominio de la historia de la moda une su ingenio y la destreza de sus manos prodigiosas que tienen la virtud de volar cuando las emergencias obligan a renovar el vestuario de los muñecos. (…).

Cecilia Santos, El Espectador, 30 de mayo de 1976

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El vestuario De la presentación del vestuario de ópera para sus marionetas Jaime hace un ritual. Cada gesto, cada movimiento, cada puesta sobre el escenario por parte de él y de su equipo de trabajo, son una ceremonia. Sus compañeros de escena, que han sido sus discípulos, sus cómplices, traen y llevan los maniquíes con gran delicadeza, suavemente, como si fueran un frágil tesoro antiguo que se debe cuidar (y lo son). Y también se camina y se habla con respeto hacia el maestro. Hay silencio, organización, concentración. Cada paso dado se hace con cuidado extremo,

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vigilante, evitando tropezarse porque cada cosa es preciada y no puede haber accidentes. Como si se tratara de la coreografía de un acto sacro. Todo el vestuario y los muebles están organizados por épocas. Desde Egipto hasta el año 1900. Durante los primeros 40 años de la creación del vestuario fue la madre de Jaime, doña Cecilia, quien lo hizo, guiada por su hijo, a partir de los diseños que él creaba y para los que se inspiraba con los libros de historia que investigaba. Con la muerte de su madre, en 1993, sus alumnos se convirtieron en su principal apoyo, aprendiendo y estudiando también sobre la historia del traje, mientras que él se consagra a la confección de los tocados.

Hace su aparición, entre las manos de su manipulador, la princesa egipcia de la ópera Aída, toda en dorado, con su propio tocado. Y a su lado el príncipe egipcio. Estos vestidos son testimo-

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• Vestuario para óperas en marionetas. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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โ ข Jaime con su vestuario para las รณperas en marionetas. Foto: Juliรกn Velรกsquez Osorio.

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nio de la entrega, de la dedicación del maestro secundado por su madre. Cuando la marioneta está de frente vemos en el príncipe su imponente traje en gamas de azules y amarillos, brilla ante nuestros ojos, pero cuando se voltea, extiende sus brazos que se transforman en alas, y ya no solamente brilla, también vuela; en la marcha triunfal abre los brazos y se ve el ave. Para la ópera Lucía todo está inspirado en la época de María Estuardo y Felipe II. Llegan más trajes. El minúsculo y perfecto frac utilizado en El barbero de Sevilla. El precioso vestido de Tosca, inspirado en Josefina en la época del imperio napoleónico. Este vestido es bordado en cristales. Llegan los de la ópera Don Pascual. Allí están los encajes de chantilly blanco, terminando luego con un bordado por encima con lentejuelas y con todo tipo de pedrería y con perlas. Hay otros vestidos que tienen plumas, el de La traviata, por ejemplo. Y por último los vestidos que muestran cómo cambió la moda en 1868. Los vestidos para los personajes femeninos con un gran polisón por detrás, no es con miriñaque como se logra el efecto voluptuoso. Tiene, además, un camafeo. El vestido de hombre es más de dandi. Ningún vestido está “solamente cosido”, pegado por los extremos de las telas. No. Cada vestido está forrado por dentro. Cada botón está puesto como debe ser. Todo está hecho con lo que se debe hacer. Es alta costura. Para cada traje están también los muebles, diseñados en los talleres de creación de acuerdo con cada obra, con los vestidos pero las hay también de la casa, como los muebles de La traviata, para la que el repujado del juego de sillas se hizo con harina, almidón y pintura. “Se va haciendo el dibujo para forrarlos luego en tela en terciopelo”, explica Jaime. Entre ellos está el trovador del siglo XII. Al que le acompaña una silla y también su trono, imponente, pero austero y acorde con su época. Luego

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y su época. Hay algunas sillas “importadas” de China o Corea

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traen los muebles Luis XV, en gobelino o con medallón, tapizados por ellos mismos. En armonía con los vestidos que pertenecen al siglo XVII. Son de la ópera Las bodas de Fígaro, y también utilizados en “La bella durmiente”. Los muebles los diseñaba en madera y luego los cortaba. En algunas ocasiones Jaime los compraba en sus viajes y luego los tapizaban en sus talleres. Y también están los accesorios. Los vestidos están acompañados por guantes, sombreros, el ajuar completo. Hay pelucas y una fantástica colección de abanicos y peinetas; están los mantones de Manila, bordados por la madre. También hay un sinnúmero de zapatos, incluso zuecos. Hay algunos a los que se les pueden cambiar los pies adaptados de las marionetas a los estilos de cada zapato.

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• Vestuario de Don Pascual, ópera en marionetas. Foto: Julián Velásquez Osorio.

• Vestuario de La Traviata, ópera en marionetas. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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Hay alrededor de 700 trajes para las óperas de marionetas. Trajes típicos de todas las partes del mundo y por supuesto de Colombia. El jefe del vestuario, el santandereano Germán Durán, está aprendiendo con Jaime desde que era un niño. Lleva más de treinta años trabajando con él. Recuerda Jaime, orgulloso de su alumno, que alguna vez en el Teatro Colón necesitaba un vestido de la ópera Lucía que él mismo había diseñado y que había montado con actores de verdad. Allí había más de dos mil vestidos de épocas distintas. Se lo preguntó a la señora encargada del vestuario en el Teatro Colón. Ella, imaginando la inmensidad almacenada de vestidos que allí hay, le pareció muy difícil encontrarlo. Pero Germán, con seguridad, le dijo: “Si quiere yo le ayudo a buscarlo”. Ella sin mucha esperanza lo dejó pasar y un rato después llegó Germán con el vestido en la mano. La señora, admirada y emocionada, exclamó: “En mi vida había visto ese vestido”. Germán ahora domina todo. Conoce todos los vestidos, los accesorios, los muebles. Cuenta las historias de las marionetas, de sus vestidos y se emociona al narrar todo lo que ha aprendido. Por ejemplo en la zarzuela con marionetas La viuda alegre, salen las cancaneras “como en el Moulin Rouge de París” y bailan el can-can. “La gente goza mucho”. Germán cuenta que hasta hace pocos años atrás se hacían exposiciones de los vestidos y accesorios a los espectadores, para que las vieran antes de las funciones, como en un museo. Pero eso ahora es imposible de menzado a tener muy mala reputación pues se ha convertido en zona de moteles y de prostitución; a la gente le da miedo llegar. En el día no hay mucho problema, por eso siguen haciendo funciones de marionetas los sábados y domingos, pero programar espectáculos en la noche es mucho más complicado. El sueño que comparte con Jaime es, algún día, tener una casa en un lugar adecuado para convertirla en un museo.

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hacer pues la calle en donde está ubicada la Fundación ha co-

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• Vestuario para ópera y zarzuela en marionetas. Foto: Julián Velásquez Osorio.

Los accesorios Tienen una magnífica colección de lámparas, en hierro y en bronce. En cuanto a la vajilla, tienen diseños desde 1910. También hay candelabros, organizados de lo antiguo a lo moderno. Hay una cámara minúscula, una linterna, cigarrillos pequeños, disco en acetato Víctor, máquina de escribir, una colección de floreros de estilo, portarretratos, bolsitas para hacer el shopping de las más “modernas”. También la “mechita” que se pone Jaime Manzur

exclama riéndose Jaime. Y la colección de copas de whisky,

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sobre la mesa, para la taberna del pueblo, “¡hasta un celular!”

También hay tesoros preciados como la cuna de “La bella dur-

brandy, champaña…

miente”. “Está hecha en filigrana. Es hindú. Todo lo que hay allí funciona. Ellas tienen todo lo que necesitan y a su talla: en miniatura”.

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Astucias de fabricación Para las cabezas de las marionetas Jaime utiliza papel maché; para sus cuerpos también puede utilizar madera pero maneja el papel maché desde hace mucho tiempo. Al principio lo preparaba con papel periódico pero se dio cuenta de que dejaba las superficies un poco ásperas. “No me complacían, así que decidí luego hacerlas con papier toilette porque es mucho más dócil”. El papel se hierve en agua, se le echa bicarbonato y luego se escurre hasta que queda como “una pulpa”, negruzco. El papel periódico lo molía en piedra y lo trabajaba luego con almidón de yuca, pero cuando empezó a trabajar con el papel higiénico, comenzó a utilizar un pegante blanco para madera (colbón). Al escurrir el papel este debe quedar húmedo. Por cada dos rollos se debe utilizar un pocillo grande de pegante y media libra de harina de trigo, hasta que quede “una pasta bellísima”. A esa pasta se le echa polvo de piedra-lumbre o cualquier veneno para que las cucarachas no se la coman. A pesar de haber encontrado esa buena técnica Jaime aún no estaba contento puesto que para pulir había que lijar mucho, hasta que un día, cuando estaban haciendo trabajos en el techo de la casa de la Fundación, vio al obrero utilizar un pegante sintético en polvo que petrifica. Así que decidió revolver ese polvo industrial con el “colbón”. Una vez hizo todo el procedimiento comenzó a lijarle la carita a su muñeco y “quedó muy linda, muy tersa”. Desde entonces utiliza ese procedimiento, extendiéndolo tura sobre las telas queda firme, “sin descascararse”. Todo lo que Jaime ha hecho es a través de la observación y de la experimentación en la práctica. Cuando fue la primera vez a los Estados Unidos se dio cuenta de que ya tenían todo más o menos hecho de manera industrial: los pétalos de las flores,

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también a los telones, porque utilizando aquel material la pin-

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por ejemplo, que se utilizan para adornar vestidos o accesorios, y que Jaime fabrica pacientemente uno a uno con mucho tiempo, allá los ofrecían en los almacenes. Pero él quiere continuar haciéndolos con sus propias manos: “Lo prefiero así”. Jaime siempre está observando, creando, pensando en todo lo que le puede servir para hacer sus obras y los detalles que llevan para hacer sus montajes. De ello recuerda múltiples anécdotas: Un día, cuando aún vivía en Armenia, muy joven, se le ocurrió hacer unas faldas típicas colombianas para uno de sus montajes. Consiguió un satín negro para confeccionarlas y se fue a visitar a su madre en la biblioteca que ella dirigía. Allí tenían para clasificar los libros una serie de perforadoras que iban recolectando en su dispensador circulitos de color verde y azul dorado por un lado y por el otro papel. Les pidió que le regalaran los papelitos que sobraban de la perforación y comenzó a pegarlos como decoración sobre las faldas. Cuando las exhibió la gente pensó que se trataba de un bordado. Esa fue la primera vez que utilizó un pegante especial que acababa de salir. Para hacer los árboles de Navidad con bolitas picaba finamente papel de seda amarillo o rosado hasta que tuviera una torre alta; luego lo mezclaba con zarza muy delgada, larga y seca que encontraba en las fincas de los amigos. Después agregaba “colbón” e icopor (que acababa de salir al comercio), hacía los decorados, entre ellos, recuerda que hizo un jardín tipo japonés que pare-

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cía real, pero en miniatura: “todo el mundo quedó encantado”. En Armenia, en un ballet que montó llamado La perla del pescador, la trama transcurría en el mar. Un pescador entra en el escenario y para lograr el efecto de nadar sobre las olas les pidió ayuda a los bomberos. Con ellos hizo una estructura que permitía que el actor se quedara colgado y se desplazara en el aire, dando la ilusión de nadar sobre el mar. “Yo me arriesgo a hacer las cosas, pero con mucha fe. No quiero engañar al públi-

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co, aunque seguramente no a todos les gusta lo que hago, pero siempre mi intención es que la gente salga contenta”. En la actualidad ya no construye más marionetas… pero las pule, les hace mantenimiento para conservarlas en buen estado. Cada año las restaura. Hace poco tiempo hubo una inundación en la Fundación a causa de una canal de desagüe de lluvias que se había averiado en el techo. “¡Fue catastrófico!”. Las pastas de muchos muñecos se dañaron y tuvieron que repararlos todos

• Vestuario de Lucía de Lammermoor, ópera en marionetas. Foto: Julián Velásquez Osorio

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con un cuidado extremo para recuperarlos.

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Beca a Europa En 1979, los historiadores Abelardo Forero Benavides y Ramón de Zubiría, quienes tuvieron un programa de televisión dedicado a la historia, crearon en el ICETEX una beca para investigadores y artistas. En ese año le fue otorgada a Jaime la beca por dos años con el propósito de que hiciera una observación profunda de los países de Europa, para que continuara investigando sobre la historia de la arquitectura, del vestido, del mueble, de las marionetas, de todo lo que él considerara importante para ahondar en sus creaciones. Francisco Piedrahíta lo acompañó en el trayecto. Francisco fue primero su alumno y luego se convirtió en su gran amigo y compañero inseparable de labores desde los años 70 hasta hoy. En 1979 tenía 18 o 19 años y se graduaba como bachiller, así que su familia le ofreció el viaje a Europa. Jaime y Francisco viajaron juntos. Para Jaime, que desde niño no había vuelto a Europa, fue un viaje de remembranzas: “era como llegar a una casa que no veía desde niño, pero en la que todo seguía igual. Quería volver a los lugares de mi infancia”. El viaje lo realizaron desde Portugal hasta Moscú y desde Egipto hasta Irlanda. En donde más se demoraron fue en España, como tres meses, y en Francia, un mes y medio. Quince días en el Líbano, en donde aprovechó para visitar a su familia paterna,

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aunque su padre para entonces ya había muerto. Con sus ojos atentos y en continua observación, estuvo en Francia recorriendo París (en donde Perla Hinestroza era cónsul), la Provence (lugar en donde sucede la historia de la zarzuela Los Gavilanes), los castillos del Loira, Saint Michel, Bretaña, Marsella. Luego Mónaco, Luxemburgo, Holanda, Bélgica, yendo de un lugar a otro siempre en tren. Fue en barco a Inglaterra. Un año después, con todo lo que había visto, comenzaron a crearse

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las confusiones. Así que se retrataban con Francisco, “no para que la foto quedara bonita”, sino para que quedara el registro del lugar. El material fotográfico es inmenso, cada álbum es prácticamente un país. Al viaje llevaron algunas marionetas, entre ellas la de un personaje femenino muy negro que baila muy divertida al son de la cumbia y que hace parte de las Estampas colombianas. Era todo un éxito. Mostraron sus marionetas en Moscú, en Salz-

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burgo, en Francia.

• Marionetas de Estampas colombianas, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

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Como después de la Segunda Guerra Mundial, con el surgimiento de la Guerra Fría, una gran parte de Europa había quedado detrás de la Cortina de Hierro, cuando Jaime se enteró de la beca pidió en Colombia permiso, con su credencial del ICETEX, a todos los países que le interesaba conocer en relación con las marionetas, la música y las otras artes, entre ellos Rumania, Bulgaria, Yugoslavia, Checoslovaquia (en la época), Hungría, Polonia (en donde la actriz Rebeca López trabajaba como agregada cultural). Después estuvo en Finlandia, San Petersburgo (entonces Leningrado) y al final, Moscú (en la por aquel entonces URSS). Se devolvieron pasando por Dinamarca, Suecia, Noruega, Holanda, Bélgica, Inglaterra y luego España. Recuerda todas las experiencias, unas difíciles, otras divertidas, con el cambio de moneda, de idioma. Como estaban en plan de trabajo la consigna era levantarse temprano, tipo siete de la mañana, desayunar y luego caminar y caminar a lo largo de las ciudades, de los pueblos. Visitaban mucho las iglesias, pues “Los tesoros de Europa están en las iglesias… en la arquitectura…”. Cada vez que podían, dependiendo de los precios, asistían a espectáculos de teatro, de óperas, de marionetas. Siempre que iban por las calles intentaban imaginarse los lugares dos siglos atrás. Imaginar su atmósfera, sus gentes, los vestidos que llevaban, los objetos que había. Jaime recuerda que estuvieron recorriendo con Francisco el Palacio de Versalles,

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que queda en las afueras de París, durante quince días. Revisaron cada rincón del palacio y sus regios jardines. En los museos no solamente miraban las piezas, los objetos que guardaban y exponían, sino también la casa que los contenía, su historia. Para Jaime cada país tiene su encanto pero reconoce que su inclinación por España es muy fuerte, también por Italia.

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La experiencia de Jaime por todos aquellos lugares, que duró un año y medio, fue fundamental. A su regreso a Colombia todo estaba más claro. Quería dedicarse a las marionetas y crear su propia Fundación.

• Jaime con su vestuario para óperas en marionetas en la Fundación. Foto: Julián Velásquez Osorio.

La Fundación Cuando Jaime se fue para Europa, Jaime Enrique Oviedo, con 15. En ella había separado un cuarto para que Jaime pudiera guardar sus cosas y había arrendado el teatro para que Ernesto Aronna presentara allí sus marionetas. A su llegada de Europa, en 1980, Jaime llega con la certeza de hacer marionetas, así que se retira de Fundarte y decide crear su propia sede consolidando una Fundación “para el desarrollo de las artes escénicas”, como lo indica su nombre completo.

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quien había creado Fundarte, compró la casa de la calle 45 con

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• Teatro de la Fundación Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

• Jaime frente a los muebles que guardan los accesorios para las marionetas en la Fundación. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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Encontró la casa ubicada en la calle 61A con carrera 14, habló con la dueña y tomando café con ella, en medio de la conversación, se imaginó el teatro tal y como lo construyó luego. Pidió un préstamo al banco y luego duró quince años pagando el crédito. El 13 de mayo de 1980 le entregaron la casa. Inicialmente le sirvió también para vivir pero cuando comenzó a hacer zarzuela fue necesario abrirle espacio al vestuario, a los accesorios. El médico le había aconsejado, además, no vivir en el mismo lugar de trabajo porque se estaba encerrando mucho. Así que se fue a vivir en otro lugar y comenzó a planificar la casa parte por parte para que todo su arte pudiese alojarse allí. La Fundación se inauguró el 7 de abril de 1981. Había invitado a cuatrocientas personas pensando que llegarían cuarenta, pero llegaron casi todos. La madre hizo una torta inmensa, le regalaron ochenta botellas de vino y muchas personas tuvieron que instalarse en la calle porque la casa estaba llena. Hubo una gran ofrenda floral que llegó hasta la esquina de la avenida Caracas. Los miembros fundadores fueron Cecilia Londoño de Manzur, Hernán J. Serna y Jaime Manzur. Los padrinos Belisario Betancur, Mario Calderón y Gloria Zea. Tuvo más de noventa donantes entre personas naturales e instituciones. En la sede de la Fundación hay un pequeño teatro de 16 metros de largo por 5 de ancho. La casa y el teatro están adornados y decorados con esculturas y relieves del arte barroco que también ta. El hacer esta decoración tenía como propósito “que el niño, un ser bastante observador, se fuera haciendo a la idea de que el recinto teatral posee características propias y un ambiente cultural particular”.

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fueron hechos a cuatro manos, por Jaime y Francisco Piedrahí-

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• La Fundación Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

• Programa de la Fundación para el Desarrollo de las Artes Escénicas. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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• Marionetas de Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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Al entrar a la casa se pueden observar también unas vitrinas dedicadas a las técnicas del títere a través de muñecos y marionetas de colección, así como datos sobre las giras, encuentros y reconocimientos que le han hecho a Jaime en sus diferentes viajes.

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En 1981 empieza a dedicar los fines de semana para las temporadas de cuento con marionetas y durante la semana teatro, ópera y zarzuela. Incluía obras de Moliere como El avaro y El enfermo imaginario. También La boda y El oso de Antón Chejov, Pedro y el lobo de Prokofiev, El retablo de Maese Pedro de Manuel de Falla. Hizo una búsqueda de cuentos provenientes del mundo entero. Tenía unos sesenta cuentos dentro de su repertorio e incluso dos obras suyas: El secreto de la tumba egipcia y El diamante azul. Pero con los años, ante la demanda del público, que siempre pide las mismas cosas: “Caperucita”, “Blancanieves”, “Cenicienta”, etcétera, tuvo que eliminar algunas obras de la cartelera y realzar aún más el sonido, la imagen y la elaboración plástica de la escena. Lo mismo ha sucedido con sus montajes en vivo de las zarzuelas. Jaime se ha tenido que someter a la demanda del público y de algunas instituciones que siempre tienen miedo ante lo novedoso. Así que en las temporadas se presentan títulos a los que están acostumbrados los espectadores. A pesar de querer incluir nuevas piezas, es difícil en las condiciones actuales por el bajo presupuesto que hay para crear montajes nuevos, y para lo cual se necesitan mínimo 120 millones de pesos por obra: “Nosotros tratamos de meter un título nuevo para ampliar el repertorio pero debido a la demanda de los espectadores, siempre es indispensable incluir producciones como Antología de la zarzuela, que es un recuento de más de veinte títulos”29, declara Jaime. Aun así, en su incansable trabajo de más de sesenta años, ha podido reunir al menos 40 óperas, 92 zarzuelas, 100 cuentos

“La zarzuela apuesta por la tradición” (2012, 25 de abril). El Tiempo.

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para marionetas. Y para cada temporada de zarzuela congrega alrededor de 200 artistas en escena. Desde la creación de la Fundación ha tenido “las gloriosas, y las dolorosas no vale la pena recordarlas. Lo importante es que he hecho todas las ramas del arte”.

La ópera y la zarzuela La ópera no es solamente un espectáculo para escuchar unas buenas voces y una bella música: también es la recreación histórica de una época en cuyo desarrollo escénico se muestran los consabidos sentimientos y preocupaciones del hombre: amor y odio, poder y miseria, generosidad y egoísmo, sinceridad e hipocresía, alegría y dolor, realidad y quimera. Óscar Betancourt30

Ópera, viene de la palabra “obra”. Es una representación cantada a partir de un texto o libreto en la que hay una orquesta, coros, solistas y coreografías. La ópera pertenece al género de las artes del espectáculo. Los cantantes solistas tienen cada uno un personaje que está acompañado por la orquesta o por el coro. La ópera nació con el objetivo de hacer fusionar artes diversas: la música, el teatro, la pintura a través de los decorados, la literatura, etcétera. Es necesario entender que antes que cualquier cosa, la ópera es una historia y hay un texto escrito para ella como en una obra teatral, en la que, tradicionalmente, hay actos y escenas. Generalmente los que escriben el texto son poetas o literatos y casi nunca recordamos su nombre, pues el creador más importante en la ópera es el compositor musical. 30

Óscar Betancourt (1980, 27 de septiembre). “En la ópera del 80. El traje a través de los tiempos”. El País.

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Parentesco y origen

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โ ข Zarzuela Los gavilanes, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundaciรณn.

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Sin embargo, en la historia de la ópera han existido compositores como el alemán Wagner, que también escribía sus textos. Entre los nombres de compositores más reconocidos están: En Italia, Claudio Monteverdi (1567-1643) con su obra más importante y que es considerada como la primera en la historia, Orfeo. Giacchino Rossini (1792-1868) con El barbero de Sevilla; Giuseppe Verdi (1813-1901) con La traviata; Giacomo Puccini (1858-1924) con Madame Butterfly y Tosca. En Francia encontramos a Jean-Baptiste Lully (1632-1687) con El burgués gentilhombre, del que Moliere hizo el texto. También son muy reconocidos Georges Bizet (1838-1875) con Carmen, el alemán nacionalizado en Francia Jacques Offenbach (1819-1880) con Los cuentos de Hoffman; Claude Debussy (1862-1918) con Pelleas y Melisande. En Alemania, W. A. Mozart (1756-1791) con Don Giovanni y Las bodas de Fígaro, basada en la obra teatral de Beaumarchais; Richard Wagner (1813-1883), la trilogía Der ring des Nibelung; Alban Berg (1885-1935) con Wozzeck, inspirada en la obra teatral inconclusa Woyzeck de G. Büchner. En Rusia, un nombre destacado es Modeste Moussorgsky (1839-1881) con su ópera Boris Godoun.

Antecedentes Si hiciéramos un viaje en la historia31, quizás podríamos encontrar que desde la antigua Grecia se vislumbraban obras con rasgos característicos de la ópera. En la tragedia griega, por ejemplo, se acostumbraba a cantar; de hecho existía en las más dramáticos y que acompañaban a los héroes en sus textos, contradiciéndolos, animándolos o anunciándoles la catástrofe.

�� Véase Centro Nacional de Documentación Pedagógica de Francia: Ópera: www.cndp.fr (consultado el 10 de agosto).

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tragedias el coro y el corifeo que intervenía en los momentos

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En la Edad Media, la liturgia cristiana estaba llena de cantos y era bastante extensa; se creaba en ella un coro con personajes para remembrar la pasión y muerte de Jesucristo. También se crearon los misterios, que a partir de la puesta en escena de historias de la Biblia, se musicalizaban. Esto llegó a ser muy popular en la época. En el Renacimiento apareció el madrigal italiano, una composición lírica corta de tema amoroso. Luego, en Florencia, Italia, nace la camerata florentina, en la que el texto es muy importante y el acompañamiento musical es leve. Es aquí donde nace el arte del texto recitado. Pero el nacimiento de la ópera en el sentido estricto del término se produce en 1607 con El Orfeo del italiano Claudio Monteverdi; inspirado de las ideas de la camerata, aunque para la época aún el texto era mucho más importante que la música. Monteverdi fue el primero en comenzar a darle una gran importancia a la música y aunque el texto era importante, no era lo primordial ni tenía la grandeza que había conservado hasta ese momento. El realce de la música fue fundamental y también la grandiosidad de la escena. Los decorados eran enormes y se buscaba sorprender al público con trucos de elevación de los actores por los aires, por ejemplo. A comienzos del siglo XVIII este género escénico se extendió hacia Francia, Alemania, Rusia y otros países europeos, en donde se construyeron enormes y majestuosos teatros, exclusivamente para representar este género. Muchos

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han perdurando hasta nuestros días. También es importante saber que existen diferentes tipos de ópera. La ópera seria (temas dramáticos de amores frustrados y conflictos familiares); la gran ópera (en general su tema era histórico y su puesta en escena espectacular); la ópera bufa (su objetivo es divertir al público, con música y personajes populares); la opereta, nacida en Francia (pequeña obra lírica en donde se mezclan diálogos hablados y arias); la ópera cómica (las acciones son cómicas).

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• Zarzuela La leyenda del beso, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación.

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• Antología de la zarzuela, montaje de Jaime Manzur. Foto: Archivo de la Fundación.

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En cuanto a la zarzuela, es un género típicamente español, que tendría relación con la opereta francesa y que nace en el siglo XVII. La palabra se deriva del nombre del teatro en el que fueron presentadas las primeras zarzuelas. Fue un teatro hecho durante el reinado de Felipe IV (hacia 1650) para su hermano Don Fernando, que lo utilizaba como pabellón de caza. Cuando Don Fernando marchó como gobernador a Flandes (en la actual Bélgica) el rey comenzó a utilizar el lugar para hacer conciertos y otras actividades artísticas. Al parecer se le dio el nombre de zarzuela al lugar porque “alrededor estaba lleno de espinos y zarzamoras”.32 Incluso existió un personaje de nombre “Zarzuela” que se hizo muy famoso; este personaje apareció por primera vez en 1658 en la zarzuela de Calderón de la Barca El laurel de Apolo. En la zarzuela hay musicalización y existen textos que se mezclan entre cantos y diálogos. En ella se exaltan las costumbres de las diferentes regiones, mostrando sus particularidades. Aunque existen zarzuelas catalanas y vascas, son las madrileñas las que más se conocen. Hay cerca de diez mil títulos de zarzuela, aunque en el siglo XX no se compusieron muchas. En la zarzuela existen los preludios y los intermedios. En los preludios, se avanza sobre ciertos temas de la obra. En los intermedios, el compositor muestra todas sus dotes y también adelanta algunos temas de la segunda parte. Algunos preludios importantes son “La verbena de la paloma” de podemos señalar “La leyenda del beso” de Reveriano Soutullo y Juan Vert, “La boda” de Luis Alonso de Gerónimo Giménez.

Véase http://www.slideshare.net/Aavmvazquez/historia-de-la-zarzuela

Capítulo III. Itinerarios artísticos

Tomás Bretón, “El niño judío” de Pablo Luna. Como intermedios

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Pedro Calderón de la Barca es considerado como el primer compositor de zarzuelas con El jardín de Falerina de 1648. Sus zarzuelas eran de tono sublime, inspiradas de temas mitológicos, pero luego se comenzaron a transformar en obras de carácter más popular. Si bien hay un tema costumbrista durante el siglo XVIII, para los siglos XIX y XX el tema central es el del amor. La época gloriosa del género fue en la segunda mitad del siglo XIX, cuando en España comenzaron a construir nuevos teatros y a restaurar los que ya existían. En los teatros del Instituto y de la Cruz fue donde se dio forma al género tal como se conoce hasta hoy. Con Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894), quien fue un importante musicólogo y compositor, se sentaron las bases para que la zarzuela quedara con la imprenta definitiva de un género escénico típicamente español, en el que se podía reflejar la variada riqueza cultural y folclórica de las distintas regiones de España. En los albores del siglo XX la zarzuela seguía siendo muy acogida y los compositores numerosos. Allí nacieron varias de las obras que Jaime ha puesto en escena. Desde la segunda mitad del siglo XX hasta ahora poco nuevo se compuso, como ya se dijo, pero se siguen poniendo en escena y siguen siendo muy populares en varios países, si bien el único que ha mantenido la continuidad de la puesta en escena de las zarzuelas en nuestro país ha sido Jaime Manzur.

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Jaime Manzur

Diversas controversias se han desatado porque muchos amantes de la ópera han considerado a la zarzuela como un “género menor”. Pero “este género, aunque se le considere menor, puede tener las mismas dificultades que la ópera”.33 Algunos cantantes operáticos famosos, como el español Francisco Ortiz (que trabajó con Jaime en algunas ocasiones como invitado), reconoce, por ejemplo, que el haber cantado en zarzuelas le dio la seguridad suficiente como para luego pasar a la ópera. 33

Ana Mercedes Vivas, (1981, 6 de agosto). “La zarzuela ‘me dio seguridad para la ópera’: Francisco Ortiz”. El Tiempo, p. Última B.

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Ópera La música es una sola, no hay diferencia, lo que cambia es el formato. La ópera tiene un formato que es un refugio para el conservatorio, mientras que la zarzuela es un género que se basa en el baile, o mejor en la danza artística y lo cómico y el canto, todas estas cualidades basadas en un simple arte como lo es la entretención y el conocimiento, dirigido al público. Jaime Manzur34

Todo lo que se observaba sobre el escenario una vez abierto el telón, fue elaborado minuciosamente por Jaime; rigiéndose por la época en que fue creada y siguiendo el libreto de Salvatore Cammanaro, quien lo había escrito en 1835 a partir de The Bride of Lammermoor de Sir Walter Scott. El vestuario fue diseñado por Jaime y apoyado en la confección por su gran amigo, y quien había sido su alumno, Pedro Nel López, reconocido diseñador de moda, acreedor en 1990 de “La Aguja de Oro” del espectáculo. “Todo lo que soy se lo debo a Jaime Manzur porque con él aprendí la historia del vestuario. (…) El amor que le tengo a la ópera y a la zarzuela, indiscutiblemente es gracias a las influencias que el maestro Manzur ejerció en mí”.35

34 35

Jeisson Rodríguez (2009, 8 de mayo). “Entrevista con Jaime Manzur”. El Colombiano.

Entrevista realizada el 28 de junio de 2013.

Capítulo III. Itinerarios artísticos

En 1980, la reconocida gestora cultural colombiana Gloria Zea Uribe, siendo la directora de la Ópera de Colombia, invitó a Jaime a dirigir Lucía de Lammermoor de Gaetano Donizetti. Gloria Zea ya había visto varias óperas en marionetas montadas por Jaime, así que segura de sus capacidades, le confió la misión de hacer la dirección escénica, la escenografía y el vestuario de aquella ópera en vivo.

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• Elenco de la ópera Lucía de Lammermoor dirigida por Jaime Manzur, Teatro Colón. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

Todo el ingenio que reposaba en la creación de esta ópera fue elogiado por la prensa, como lo que se escribió sobre el vestuario: “Los vestidos de Lucía de Lammermoor, cuatro trajes dibujados por Jaime Manzur, inspirados en las pinturas de Rubens son impactantes por su corte y colorido”.36 Jaime continuó trabajando con la Ópera de Colombia entre 1981 y 1983, como escenógrafo en la ópera Don Pascuale (en 1980), una ópera bufa en tres actos y con música de Gaetano Donizetti, y como director escénico en 1981 de la ópera La forza del destino de Giuseppe Verdi, la cual está compuesta por cuatro

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Jaime Manzur

actos. Durante 1982 realizó el diseño de la escenografía de los programas “Noches de Colombia” y del debut de la Compañía Nacional de Ballet. En 1984 fue invitado con sus marionetas a Puerto Rico y también hizo otro viaje por Europa, esta vez de cuatro años, gracias

Óscar Betancourt, op. cit., 1980, p. 9.

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a una beca que la Unesco le ofrece para ampliar sus conocimientos de dirección teatral en París y en Praga, en donde estudió y obtuvo sus diplomas de diseñador e historiador del traje. A su regreso, la ópera ya se había acabado. Aunque Gloria Zea la vuelve a recuperar en el Teatro Camarín del Carmen en 1988, Jaime para entonces ya estaba entregado por completo a sus marionetas y sus zarzuelas. Después con su Fundación presenta dentro de su repertorio la ópera española Marina de Emilio Arrieta.

La zarzuela Cuando Jaime aún era un niño y vivía en Las Palmas, islas Canarias, no se perdía de ver las agrupaciones de zarzuela que allí llegaban. Recuerda que en el colegio interpretaban también algunos cantos famosos que provenían de ese género como “Los marineritos” de la zarzuela La Gran Vía de Federico Chueca (1886): “Tras la borrasca se aspira blanda brisa y al fin se ve de España el cielo encantador; y allá en la playa que lejos se divisa, pañuelos que se agitan sin cesar ¡nos llaman con amor!”. “Todo eso se quedaba en mi mente”. Junto con su madre y sus hermanos, Jaime iba al Teatro Pérez Galdós. Recuerda que la madre lo hacía dormir durante el día y le contaba la historia de lo que iban a ver para que él después la entendiera. Tenía como siete u ocho años. A veces los guarla madre los convencía asegurándoles que ella se hacía responsable de su hijo. Como David era un melómano, en la casa escuchaban a menudo la ópera, también la opereta, la zarzuela, esto era habitual para él desde sus cuatro años. Recuerda que David llegó un día con El trovador. “Eso se convirtió en sagrado”.

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dias del teatro no querían dejarlo entrar por lo pequeño, pero

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• Diseños para vestuario de Jaime Manzur.

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• Diseños para vestuario de Jaime Manzur.

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Entre 1989 y 1990, ya con su Fundación, Jaime sobresalió dentro del medio lírico del país con dos grandes temporadas en el Teatro Colón. También fueron importantes algunos conciertos líricos que se hicieron en diferentes casas de la cultura de diferentes zonas de Bogotá. En 1986, Estrella Barbero de Malagón, actual directora de Arte Lírico, lo invitó a ver un espectáculo de teatro musical en el Teatro La Comedia. Jaime vio en ese espectáculo algo interesante. En diciembre de ese mismo año, ella volvía a presentar otra función en el Teatro Patria. Cuando vio este último espectáculo, a Jaime le pareció muy buen trabajo y en su imaginación aparecieron nuevos proyectos. Por esos mismos días Jaime viajaba a los Estados Unidos por tres meses. Al terminar la función se acercó a Estrella Barbero y le dijo: “Cuando vuelva, hablamos”. En 1987 regresó, habló con ella y crearon juntos la Fundación Arte Lírico junto con tres personas: el cantante Rodrigo Jiménez, la abogada Fanny de Bedoya y el maestro argentino Juanco Ruda. Hicieron todo el proceso para la personería y se legalizó esta nueva institución. En ese momento se dedicó de lleno al arte lírico. Mientras estuvo trabajando con ellos montó diez obras y continuó allí hasta 1992, cuando se retiró para seguir con su Fundación.

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Con la Fundación Arte Lírico, Jaime Manzur presentó en el Teatro Colón Luisa Fernanda de Federico Moreno Torroba (1932), seguida por Los gavilanes de Jacinto Guerrero (1923), La leyenda del beso de Reveriano Soutollo y Juan Vert (1924), La rosa de azafrán de Jacinto Guerrero (adaptación de El perro del hortelano de Lope de Vega, 1930) y Las Leandras de Francisco Alonso (1931). Al siguiente año presentó también su Antología de la zarzuela, en la que se pueden observar escenas de diferentes zarzuelas.

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• Diseño para escenografía de Jaime Manzur.

Según el libro que se editó por los cien años del Teatro Colón, estas temporadas de zarzuela permitieron constatar en la historia del tradicional teatro, que Jaime había llevado “al escenario del Teatro Colón la zarzuela colombiana Revelatorum. Durante esta temporada en el Teatro Colón se revivieron épocas en las cuales era costumbre deleitar al público con este género de espectáculo vistoso, alegre y de buen gusto”.37 En 1993, Jaime creó con Elisa Brecht, su esposo Carlos Rico y otras personas en Medellín, la Fundación Prolírica de Antiomontando obras para el departamento de Antioquia. En Cali también trabajó con la directora de orquesta Marta Lucía Calderón. Finalmente, en 1997, por iniciativa de Francisco

Jaime Villa Esguerra (1993). 100 años del Teatro de Cristóbal Colón. Bogotá: Colcultura.

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quia. Durante dos años, aunque Jaime vivía en Bogotá, estuvo

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Piedrahíta, creó la Fundación Lírica Jaime Manzur. Para ello fue apoyado por Jorge Guzmán, actual director del Teatro de Bellas Artes de Bogotá. Con este teatro, desde 2009, se estableció una alianza para hacer allí las temporadas de zarzuela. Temporadas que siguen siendo un éxito rotundo. También tiene invitaciones por fuera de la ciudad. Para sus temporadas, Jaime trabaja con su Compañía lírica, de la que hacen parte más de cincuenta personas, sin contar a los miembros de la orquesta. Para la parte coral tiene un convenio con el coro Clásicas del amor. Hace sus ensayos de la parte actoral y la puesta en escena en la Corporación Carmiña Gallo. Jaime hace los montajes de las obras en la academia de Fernando Urbina, Tierra colombiana. Para Jaime Manzur es muy importante impartir clases en las que se practique con los cantantes las bases de ritmo-danza, haciendo calentamiento para que los cantantes dispongan sus cuerpos y sean expresivos cuando canten. Jaime considera que en general los músicos y los cantantes olvidan sus cuerpos, así que él busca generar movimientos y una mayor expresividad para lograr una mejor comunicación con el público. También hace un trabajo con la mirada, para evitar que los cantantes cierren sus ojos mientras hacen sus interpretaciones. Jaime considera que es a través de los ojos que se logra transmitir

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Jaime Manzur

desde el interior del artista toda su maestría hacia el público.

Jaime actor Jaime Manzur no solamente es el director escénico en las zarzuelas; también es actor, al igual que su hermana Sara, quien durante veinticinco años ha actuado en diferentes zarzuelas y en piezas de teatro dirigidas por Jaime, como Doña Rosita la soltera de Federico García Lorca. Esta obra, coproducida con el

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teatro de La Baranda, alcanzó más de 200 funciones. Sara interpretaba al personaje El Ama. La historia de esta obra comienza en 1868 y termina en 1905. Por esta razón todo el cambio de maquillaje y de vestuario era muy impresionante y complicado. El personaje de Sara pasaba entre un acto y otro de una mujer joven, de 40 años, a una anciana. Jaime hacía el maquillaje y “era perfecto”, recuerda Sara porque también había estudiado desde muy joven en Medellín y en Armenia con un amigo que se había formado en los Estados Unidos en cosmetología y maquillaje. Asimismo estudió con una maquilladora alemana, que además le enseñó las técnicas sobre la porcelana. Sara, además, ha sido la actriz de carácter de El huésped sevillano, Francisquita, entre otras zarzuelas. También es cantante lírica (soprano) y ha formado parte de diferentes coros de la

• Caracterizaciones de Jaime Manzur. Fotos: Archivo de la Fundación.

Jaime, por su parte, ha hecho varios personajes de las zarzuelas. Entre otros los siguientes:

Capítulo III. Itinerarios artísticos

ciudad de Bogotá.

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Don Florito, un antiguo escribiente del palacio, fiel a su rey y que es alojado en la posada madrileña de Doña Marina, uno de los lugares en donde se desarrolla la historia de Luisa Fernanda. Esta zarzuela está musicalizada por Federico Moreno Torroba y escrita por Federico Romero Sarachaga. Jaime la estrenó en el Teatro Colón, en 1987, y por su éxito fue invitado también al Teatro Roberto Arias Pérez y luego al Centro de Convenciones de Cartagena. Tío Francisco, en Las Leandras, es el padre de Fermina, quien se está preparando para casarse. Tío Francisco es el marido de Florida y también es criador de canarios. N’jegus o Niegus, en La viuda alegre, opereta en tres actos con música del austríaco Frankz Lehar y textos de Leo Stein y Víctor León. En La leyenda del beso Jaime personifica a Cristóbal, que es un bruto muy refinado. Es el esposo de Salomé. Jaime hace de Clariván en Los gavilanes y del huésped Miguel de Cervantes Saavedra en El huésped sevillano, las dos de Jacinto Guerrero. Uno de los espectáculos que ha tenido más éxito en este género

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Jaime Manzur

ha sido la ya mencionada Antología de la zarzuela. Está dividida en dos actos y es presentada a través de la Fundación Jaime Manzur y de una orquesta contratada para cada año, que incluso puede ser la Sinfónica de Colombia. En la primera parte aparecen los siguientes títulos: La verbena de la paloma de Tomás Bretón, La Gran Vía de Federico Chueca, Ben amor de Pablo Luna, La del Soto del Parral de Severiano Soutulio y Juan Vert, El niño judío de Pablo Luna, La bruja de Ruperto Chapí, Don Gil de Alcalá de Manuel Penella y La linda tapada de Francisco Alonso.

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El segundo acto está compuesto por escenas de las obras El barberillo de Lavapies de Francisco Barbieri, El barbero de Sevilla de Gerónimo Giménez, La boda de Luis Alonso y Luisa Fernanda de Federico Moreno Torroba, Agua azucarillo y aguardiente de Federico Chueca y Gigantes y cabezudos de Manuel Fernández Caballero. Todas estas obras que conforman la antología han

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sido montadas completamente por la Fundación.

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CapĂtulo IV

LO QUE EL MAESTRO DICE

y lo que dicen del maestro

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• Jaime Manzur y Francisco Piedrahíta. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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Jaime Manzur

• Ernesto Aronna. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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• Jaime Manzur y su grupo marcando los movimientos para las marionetas.Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

• Jaime Manzur en un set de televisión. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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Jaime Manzur PREMIO VIDA Y OBRA 2012.

โ ข Jaime Manzur. Foto: Juliรกn Velรกsquez Osorio

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En palabras del Maestro El arte “Para mí el arte se ha convertido en un estilo de vida. El arte es un escape del alma, del interior de cada ser, de su pensamiento. Se nace con cualidades para explotarlo y por eso la persona o busca su camino y lo encuentra o no. El arte no debe ser impuesto, eso es inútil. El arte debe nacer de la persona, de ese ‘don’ que se puede tener en cualquier rama artística y luego alimentarlo. Como maestro de todas las temáticas del arte, lo primero que hago es una especie de ‘test’ para ver qué cualidades tiene ese joven o esa joven. A algunos les parece muy fácil comenzar con el abstraccionismo, en la pintura, por ejemplo, pero para mí, siempre se debe comenzar por lo figurativo. Primero se debe aprender a dominar el arte, para luego romperlo si se quiere. Las técnicas son difíciles pero para adquirirlas se debe empezar por lo fundamental: En pintura, por ejemplo, es necesario comenzar

En las generaciones actuales en una buena parte de la población se quieren resolver los problemas rápidamente y lo hacen gracias a la tecnología. Pero no queda registro de esos procesos, no hay investigación, la memoria se va perdiendo, ella ya no es importante. Veo a menudo gente que ya no utiliza su memoria. Eso lo encuentro a menudo en los montajes. Hay jóvenes que no recuerdan lo que se hizo hace un momento. Se marcan los movimientos, los desplazamientos, pero no registran… se les olvida al instante. En el arte ante todo debe haber una gran sensibilidad con respecto al registro, una gran entrega a este. Yo admiro la tecnología, pero ella va anulando la memoria. Ella

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

por los conceptos de la sombra y de la luz, de la teoría del color…

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todo lo guarda, pero el cerebro del hombre no lo registra… Nada podrá igualar al propio cerebro del ser humano, ni su rapidez”.

El artista “Está muy bien que el artista saque todo de sí para crear, pero hay algunos que se lo toman a mal cuando se les corrige. En el trabajo con el artista se le debe sacar todo lo que el artista tiene dentro. Yo soy de una generación de la disciplina en el que ‘el sí era sí y el no, era no’. Ahora el sí es un ‘si se puede’, y el no un ‘quién sabe’ ”. “En mi generación la palabra también era importante: Si te doy mi palabra es porque lo voy a hacer. En mi época la palabra estaba por encima de todo, ahora ¡ni con documentos se puede confiar!”.

Sobre la falta de proyección “En Colombia hay un problema: Cuando se intenta hacer cosas diferentes, por ejemplo llevar al público a la ópera, si a los ocho días no se tiene el llamado rating, entonces el espectáculo debe desaparecer. Aquí no se entiende que todo ello es un proceso lento, de aprendizaje. Con la danza sucede igual. Con dolor de colombiano y como folclorista, me duele en el alma que ni siquiera una vez al mes todos los colegios tuvieran un encuentro con el folclor. Eso crea un principio étnico. Las nuevas geneJaime Manzur

según mis largas investigaciones, encuentro que el folclor de

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raciones no saben qué es una guabina, un bambuco… Para mí,

en la televisión es muy poco lo que se ve al respecto. Debería

nuestro país ocupa el tercer lugar en el mundo por su riqueza gracias a sus influencias negra, india, blanca y demás… Hoy haber programas entregados al folclor. Hay agrupaciones maravillosas de danza, de música, orquestas dedicadas al folclor que se deben incentivar”.

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El público “En nuestro país, a diferencia de muchos países del mundo, en Asia, en India, el público de todas las edades va a ver marionetas, ¡pero aquí se cree que los espectáculos de marionetas son solamente para niños hasta los 8 años! A nosotros los titiriteros nos toca muy duro. A pesar de los apoyos que recibimos de las entidades culturales de nuestro país como el Ministerio de Cultura, Idartes, la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, todos trabajamos con las uñas. Tenemos que combatir contra muchas cosas: A causa de la televisión, de los videos, de la inseguridad en ciertas zonas de Bogotá, como es nuestro caso, el público viene menos al teatro”.

Los artistas nacionales Jaime recuerda que cuando tenía 16 años conoció a una cantante brillante, de nombre Alba del Castillo. Era antioqueña. Después la dejó de ver hasta que un día, en 1962, participó en una colecta que se estaba haciendo para enterrar a Alba porque nadie respondía por ella. “Desde ese momento me juré que, mientras pudiera, por el resto de mi vida defendería al artista colombiano. Ante todo. Yo me quito el sombrero ante los artistas extranjeros, pero si un colombiano me puede responder al igual que ellos, primero está el colombiano”. Durante sus primeras décadas de trabajo, algunas personas de su medio artístico no comprendían su posición, ahora le hayan la razón. “Los artistas que trabajan conmigo se me convierten en mis hijos, en mis hermanos espirituales, aunque sean mayores que yo. Todos somos una familia”.

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

había muerto. Su cuerpo estaba en el hospital de La Hortúa y

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“Mi historia termina diciendo que mientras tenga aliento, para mí el colombiano debe estar por encima de todo siempre y cuando cumpla. Mientras que un colombiano sea capaz de hacer las cosas debe estar por encima de cualquier extranjero”.

La imagen escénica “Por malicia en el mundo latino, en Colombia, en donde gusta la belleza, el espectáculo, sé que la esencia del arte es el arte mismo, pero como digo yo: un diamante es un diamante, si está en tu bolsillo puede que sea un vidrio. Pero si está engarzado en platino y además lo compra en Bauer, la gente dice ¡Ah… eso sí es un diamante! En el arte sucede lo mismo: En un espectáculo debemos encontrar que el cantante sea un buen cantante, que cante divino, porque eso es lo más valioso. Pero qué lindo también que esté bien vestido, porque esto enriquece la figura del hombre o de la mujer. En un ballet, la técnica es la técnica, pero al ballet también hay que vestirlo —de manera sutil—. Si la historia sucede en un bosque, pues se debe trabajar hasta donde se pueda para que el escenario sea un bosque. El escenario en ‘cámara negra’, sí, es interesante, pero, aunque la danza no necesita de decorado, sí ayuda visualmente. Hay gente que dice que eso del decorado ya no se usa. La pregunta es: ¿No se usa o no se sabe hacer? Yo respeto a la persona que no lo use, pero para mi trabajo, yo me quedé en otra época. La Jaime Manzur

prefiero la pintura para hacer mis telones.

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gente me dice: “Pero puedes poner proyecciones”, sin embargo

más telones para marionetas’, y mi madre me dijo: ‘pero mijito,

Un amigo una vez me dijo delante de mi madre: ‘Ya no pintes si los puedes pintar, ¿por qué no los pintas?’ Hacer las cosas por uno mismo sirve para avanzar en las capacidades propias, además es un registro que queda.

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Alicia Alonso me decía: ‘Si haces las cosas bien hechas, el público las entiende’. Eso me marcó. De ahí la necesidad de llevarle al público algo claro y bien hecho. Muchos me critican por retrógrado, por mis decorados pintados, por tanta atención en el vestuario, etc. Pero yo no pienso en una masa, sino en los cuarenta melómanos que van a una sala, pienso en atraer una juventud”.

Las metas del artista “Lo que se siente ante el recibimiento del público que aclama tu trabajo… la emoción es inmensa, se siente en un solo ser humano todo un país. Este es el artista que habla. A los artistas hay que decirles que deben luchar, que no desmayen, que si tienen ese don del arte que lo cultiven, que lo conserven, trabajando mucho, porque las cosas no se logran por sí mismas. Y que si pueden viajar fuera del país, que se vayan para nutrirse y hacerse grandes y que regresen. Hay que luchar

Hay que ponerse metas. A los 35 años ya se debe deben tener claro el camino. Ya después es muy difícil y para ello deben haber trabajado durante todos los años anteriores”.

Colombia “Le pido ante todo a Dios que ojalá llegue la paz algún día y que yo la pueda ver antes de irme. Y que los colombianos pensemos más en Colombia, que los hijos de Colombia pensemos más en Colombia. Y que nos llenemos de orgullo de lo que somos, de nuestra gente, de nuestra fauna, de nuestra flora, de todo lo

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

para lograr lo que se quiere.

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que yo le he cantado a través del ballet y de las marionetas, con Cuatro estampas históricas, por ejemplo. En el que hay cuatro momentos históricos de nuestro país: Primero, la mitología india con el génesis de nuestra tierra. ‘En el principio era la madre, la tierra…’ y luego vemos diferentes partes de nuestra historia que es importante conocer. Todo lo he hecho por amor a Colombia, amor a mi gente y cuando he podido representar a Colombia lo he hecho lo mejor que he podido y con dignidad. Tratamos siempre de dar la mejor imagen en Colombia, representando a Bogotá y si es por fuera damos la mejor imagen de Colombia”.

Los alumnos “Mis alumnos son mis hijos espirituales toda la vida. Trato de inculcarles el arte con seriedad. Me encuentro con tropiezos muy fuertes: Uno, la disciplina. Veo un cansancio en general en la juventud mundial. Todo es muy fácil y desechable, hasta el amor es desechable. Entonces todo es desechable. Y no veo ambición. El arte es un camino aparentemente de rosas, lleno de espinas gigantes, sin futuro nunca, más que la ambición, y uno si quiere estar en eso, aunque a veces lo quiera hacer, no hay que tirar la toalla, debe seguir adelante con lluvia o con sol, de lo contrario

Jaime Manzur

Las marionetas

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es un fracaso”.

los títeres tienen un efecto sicológico en los menores. Al ver que

“Mi experiencia como maestro me ha permitido descubrir que el muñeco es más pequeño, sienten la necesidad de protegerlo. Además, por su tamaño, es más fácil captar su atención. Soy un convencido de que es más fácil educar un hijo a través de

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los títeres, pues atrás queda la figura del papá que habla desde lo alto. Con una marioneta logramos ponernos a su altura”1.

Influencia “Franco Zeffirelli ha sido mi ‘maestro de la imagen’, él es como el patrón de lo que hago. Recuerdo que en 1969 monté La traviata en marionetas. Más de diez años después hizo su película basada en esta ópera. Cuando la vi, encontré similitudes en mis miniaturas. Ahí encontré toda la influencia que ha tenido en mi vida el cine de Zeffirelli”.

Su personaje “Pinocho es una fábula de la vida humana, del bien y del mal, de los errores y la enmienda, del ceder a la tentación… y de resistirla (Festival de Marionetas en Puerto Rico 1983). Pinocho fue creado por mí en 1968. De los muñecos, es el más antiguo que conservo. Para mí es un muñeco muy querido porque Pinocho es la metáfora de la vida. Cuando era un muñeco de madera no tenía conciencia, como los pequeños que aún no saben elegir consciente, como cuando se llega a adulto y uno es capaz de controlar su vida”.

Los muñecos “Uno sufre, no creas que no, la entrega es tanta que cuando se revienta una cuerda uno queda como loco y si es la pita de la espalda… Igual que para el ser humano: es la columna vertebral. Sin ella se pierde todo el control”. 1

Disponible en http://www.elcolombiano.com/BancoConocimiento/R/r_nueva_marioneta_ag6/r_nueva_marioneta_ag6.asp

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

el camino correcto. Y cuando se vuelve niño de verdad, ya es

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Aprender “Yo aprendo todos los días de alguien, hasta de la muchacha de servicio, del cocinero o la cocinera, no sé, tengo eso. Eso me lo inculcaron desde niño, mi madre en especial: ‘¡Abre tu mente como un abanico: registra!’, me decía, ‘si no registras no estás haciendo nada en la vida!’ ”.

Los amigos Recuerda la muerte de sus grandes amigos: Jaime Urbina, Ernesto Aronna, Delia Zapata… y tantos otros. “No me gusta verlos muertos, me gusta conservar la imagen viva, aunque en mi interior los vaya matando a mi manera. Todos los amigos y familiares muertos los llevo vivos y presentes en mi corazón”. “A todos: mis agradecimientos”.

El Premio Vida y Obra “Es como un regalo al alma especialmente. Nunca pensé en hacer mi trabajo para obtener un premio. Yo he hecho mi trabajo para las juventudes y en general para toda Colombia. He puesto

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mi grano en estos sesenta años”.

El libro “Con la escritura de este libro, he regresado a muchos momentos de mi vida. Son muchos los recuerdos que vuelven a aparecer: Este libro ha dado un ‘revolcón’ a mi vida...”

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Testimonios Su impronta Francisco Piedrahíta Actor y director ejecutivo de la Fundación Jaime Manzur 8 de agosto de 2013 Su mejor legado: Son sus alumnos ya multiplicadores y a quienes les ha dedicado su experiencia y pasión por el arte. Su mejor orgullo: el triunfo de un alumno y cuando le expresan “gracias maestro”. Su mejor indicador: el público que ha disfrutado su arte durante varias generaciones, para que le sigan manifestando la expresión “gracias maestro, yo venía cuando pequeño, asistí con mis hijos y hoy traigo a mis nietos”. Este premio para Jaime me llena orgullo ante él como artista: es rinda un reconocimiento en vida por su labor en las diferentes facetas que se mencionan en este libro. Maestro: disfrute su vida, gracias por su obra.

La mirada familiar Sara Manzur (hermana de Jaime) Actriz y cantante lírica (soprano) 25 de junio de 2013

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

cumplir como amigo, ante el público y el Estado, para que se le

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Jaime como director es muy estricto porque es muy perfeccionista. Sin embargo, es muy paternalista con los jóvenes, con sus aprendices. Por él han pasado muchos alumnos que han estado haciendo carrera en el país y por fuera de él. El cantante tenor César Augusto Gutiérrez, por ejemplo, que ganó el premio Andrés Segovia fue alumno de él, igualmente Juan Carlos Villarraga, que canta en diferentes partes del mundo, o el barítono Sidney Jiménez. Él a sus alumnos les ayuda, les estimula a que salgan, a que viajen y por eso hay muchos que están por diferentes partes del mundo. Una cosa importante de Jaime es que su elenco es netamente colombiano. Los cantantes que han pasado por sus obras están muy agradecidos con él.

Carácter de Jaime Se pone bravo cuando los artistas no logran alcanzar el nivel que él pide porque el tiempo es apremiante. Siempre se tensiona como una semana antes del estreno: Toma aún más café y aumenta su consumo de cigarrillos. Él se tensiona porque es muy centralista, no es federalista, sino que es un centralista ¡a morir! Todo lo quiere hacer él. Cuando renunció a la Fundación Arte Lírico, trece personas lo remplazaron: un luminotécnico, un vestuarista, etc.

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Los incumplimientos para él son como puntazos que le entran entre la piel. Les exige mucho a todos y a mí como a los otros, incluso es más exigente conmigo. Pues siempre ha hecho una clara separación entre la vida familiar y profesional. Jaime, en una palabra se puede definir como una persona muy leal, muy auténtica y muy perfeccionista.

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Técnicas de trabajo Primero se hace una lectura del texto. Pone una fecha para tenerlo memorizado para así poder imprimir luego en él toda la emoción y poderlo interiorizar. David es una persona que ha influido enormemente en él; es metódico, con una disciplina militar consigo mismo. Es estricto en todo y esa disciplina se la inculcó a Jaime. Fue su profesor de pintura. David formó a Jaime en esa disciplina y con disciplina.

Su trabajo Es muy importante porque se ha hecho un trabajo enorme con muchas obras de ópera y zarzuela en Colombia. Antes venían las compañías internacionales, pero con su ojo clínico logró promover a los artistas colombianos que salieron adelante con el arte lírico. Ha trabajado con y sin ayuda. La compañía tiene todo el personal colombiano. En algunas ocasiones hace llamado a actores o cantantes internacionales, o que están afuera, pero la compañía de planta es toda nacional.

Myriam Restrepo de Aronna Fundación Ernesto Aronna 26 de agosto de 2013 Jaime era el amigo del alma de Ernesto [Aronna]. A pesar de que los dos hacían marionetas nunca hubo malentendidos entre ellos. Sabían manejar muy bien su vida profesional y su amistad. Jaime es un hombre excepcional, es un hombre lleno de cualidades. Como artista es excepcional, él es “maestro de maestros”. Como amigo es muy especial. Para mis hijos, él es el tío que no tuvieron.

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

El amigo

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El artista excepcional Ernesto Alejandro Aronna Restrepo Director de la Fundación Ernesto Aronna 26 de agosto de 2013 Su paciencia es infinita, a la hora de realizar los montajes de zarzuela, él está al frente de todo: del coro, de la coreografía, de la utilería, de los telones, de la orquesta, de esto… de aquello… Él es un maestro en todo el sentido de la palabra. Lo que le caracteriza es su entrega total hacia el espectáculo, todo está hecho con amor, con profesionalismo. El aporte que él ha hecho al arte en nuestro país es un incentivo para las artes escénicas y sobre todo para el talento joven: en la zarzuela, por ejemplo, la mayoría de cantantes y todo el personal que trabaja con él son colombianos. También es un gran amigo. Cuando mi padre murió, Jaime fue, todavía lo es, un gran apoyo para mí, tanto sentimental como artísticamente. Ramiro Osorio Director del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Primer ministro de Cultura de Colombia 21 de junio de 2013

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Jaime Manzur

El maestro Jaime Manzur es un artista notable, con una formación en varios sentidos: él es bailarín, marionetista, director, director de zarzuela, decorador, diseñador de iluminación, de escenografía, de vestuario, es actor... Es muy difícil que uno se encuentre en la vida a un ser como Jaime Manzur, con toda esa cantidad de conocimiento y con todo ese deseo tan impresionante de conocer más. Porque Jaime es un muchacho, siempre está abierto con el interés y la ilusión de un muchacho a descubrir todo.

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Aparte de eso es un hombre muy bello como ser humano, es un hombre muy generoso, muy bondadoso, yo creo que es uno de los mejores seres humanos que yo he tenido la fortuna de conocer en la vida. Jaime Manzur es un artista total. Es un personaje del Renacimiento. Tiene la ilusión de aprender, es muy actual, siempre atento a lo que pasa en el mundo (…). Es una persona que significa mucho para muchas generaciones… Ciro Gómez Investigador y director de Hilos Mágicos 26 de junio de 2013 Jaime Manzur se puede localizar dentro del teatro naturalista y miniaturista. Es un gran conocedor de la historia del mueble y del vestuario. Cecilia (la madre) fue su cómplice toda la vida. Su casa era como una casa de muñecas, jugando a los muñecos, investigando la época y todo al estilo de cada obra. Hacían la historia, los títeres y todo lo necesario para la puesta en escena. Jaime Manzur tiene la colección de vestuario más grande en Carolina Trujillo en el Teatro Libre. Lo conserva todo. Ha sido director de zarzuela durante muchos años. Viajaba mucho a Europa y traía los discos directamente desde España. Es un teatro de animación de figuras con base en obras musicales. Es un espectáculo más de relojería, de tendencia europea, del Teatro de Marionetas de Salzburgo, en el que, por ejemplo, presentan óperas de Mozart con muñecos… La obra es como una representación más mecánica, muy bien cuidado todo lo que se hace allí, con mucha precisión.

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

Colombia, más grande que la colección de vestido que hizo

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Las marionetas de Manzur no se emparentan mucho con el teatro de títeres colombiano, que es más participativo, más tropical. El de Manzur es más europeo, más francés. Aunque ha hecho piezas con figuras nacionales, su línea principal está en el viejo continente. Si lo vemos dentro del panorama latinoamericano es una compañía de las pocas que hace este tipo de teatro en el continente. Lo hace con todo el detalle, con toda la elaboración. Los miembros de la Compañía Manzur son muy laboriosos en la fabricación de sus figuras, de la escenografía, de la pulcritud del montaje, de las luces y de todo lo demás. Es un teatro de museo, de una época que ya no existe más en ningún otro país de nuestro continente. En Argentina existió Rosete de Aranda, que tenía más de tres mil figuras de marionetas, pero la única que existe aún, trabajando y presentando su repertorio en América es la de Manzur. Este es un valor importante. Esto quiere decir que en Colombia tenemos un grupo de marionetas que se conserva vivo y que representa esas historias que ya otros no hacen. Por esto es muy importante desde el punto de vista de la tradición. Ana Consuelo Gómez Caballero Bailarina clásica y directora de la Academia de Ballet Anna Pavlova

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Jaime Manzur

27 de junio de 2013 El maestro Jaime Manzur es una institución que va más allá de su persona. Es un legado que él ha dejado, que él ha construido. Es muy importante para el arte en el país, aunque Colombia a veces sea indiferente ante estas expresiones. Con él hemos tenido, a través de los años, la posibilidad de compartir vivencias. Todas sus facetas artísticas me parecen

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admirables, aunque lo que más he apreciado son las marionetas… Lo conozco más en esta faceta, así como escenógrafo y vestuarista, todo es bellísimo. Se evidencia un extremo cuidado en las puestas en escenas que realiza, en ellas se puede ver su “artistismo” personal. Es además, una persona bondadosa. Que tiende su mano y su generosidad en medio de las dificultades. Es un artista integral y una persona íntegra. Consistente con lo que hace y con lo que piensa. Gloria Zea Gestora cultural y directora del Museo de Arte de Bogotá 12 de agosto de 2013 Con Jaime hemos sido amigos desde hace mucho tiempo. Ya no me acuerdo desde cuándo, pero para mí es toda la vida. Somos muy cercanos. Lo admiro infinitamente. Creo que es un lucero de persona, un gran trabajador, un gran profesional y colaborador. Cuando empecé a hacer las temporadas de ópera en el Teatro conmigo porque ya sabía quién era y conocía su reputación, su prestigio. Él es muy talentoso. No tengo sino palabras elogiosas para él porque además es un ser humano divino. Es una persona generosa, sin ninguna envidia, que reconoce el talento de los demás y de lo que la gente hace. Él es una persona excepcional como lo es David, su hermano. Hay determinados campos como la zarzuela que son de Jaime. Nadie lo ha hecho tan bien como él en Colombia, con las uñas, además. Porque hacer un espectáculo de zarzuela o de ópera es igualmente costoso; no es más barato una cosa que la otra. Se necesitan buenos cantantes, buenos escenógrafos, buenos

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

Colón, fue uno de los directores escénicos que invité a trabajar

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luminotécnicos, buenos diseñadores de vestuario y todo eso tiene un costo altísimo. En el campo de la zarzuela, él es el maestro. Luz Stella Rey Exdirectora del Teatro Colón 27 de junio de 2013 El movimiento que tienen los muñecos de Jaime es hermoso. Él ha hecho una verdadera escuela formando los marionetistas, con un trabajo lindo en poses, en movimiento: La escenografía, el vestuario, todo es bello. Jaime tiene una cosa que no tiene cualquier artista, Jaime es una persona con conocimientos múltiples del arte, que se conjugan. Él sabe música de ballet, de danza de folclor, de ópera, de zarzuela. Él sabe de pintura, y lo hace todo: las voces, las coreografías, no solamente para las marionetas, también para la zarzuela. Con cuentos muy lindos, con sus voces y su movimiento. ¡Es de un preciosismo! Y es exigente con todas sus cosas, por eso sabe exigir, porque sabe hacerlo todo. No delega nada. Tiene buen gusto, tiene no solamente una visión escénica, sino también una visión plástica del escenario. Es un hombre muy completo en el campo del arte, con expeJaime Manzur

en todas sus temporadas.

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riencia, con conocimiento y con una dinámica que desarrolla

hacia lo clásico. Aunque hay cosas muy buenas contemporá-

En la actualidad, las nuevas generaciones tienen una resistencia neas, no podemos negar nuestra historia y por tanto lo clásico. Lo que hay se debe continuar, hacerle mantenimiento. El artista se moldea, aprende técnicas y aprende a expresarse. El lenguaje

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bien sea hablado, escrito, con la danza, (…) se debe aprender. No se puede destruir lo que viene del pasado, porque sin este no podría existir lo que tenemos hoy. Belisario Betancur Presidente de Colombia 1982-1986 27 de junio de 2013 Soy muy admirador del maestro Jaime Manzur, aplaudo su obra, he asistido en varias ocasiones a su teatro de títeres. Todo creador y todo innovador deja su impronta, deja una huella que permanece en la memoria histórica de la comunidad. El maestro Jaime Manzur es un cultor de las artes y las letras, es un creador de espectáculos que dejan una huella muy profunda en los asistentes. He tenido la oportunidad en varias ocasiones, de asistir a los desarrollos de su teatralidad y he asistido incluso con mis hijos y mis nietos. Y todos hemos quedado maravillados de la calidad, de la profundidad, del rigor profesional del maestro Manzur. Él es una figura muy relevante en el desarrollo de las artes y las letras en Colombia. Él es un creador.

Pedro Nel López Diseñador de modas y de vestuario para ópera, zarzuela y televisión 28 de junio de 2013 Conocí a Jaime cuando fui a pasar unas vacaciones a Armenia. Él tenía como 18 años y yo como 12. Cuando hacíamos las óperas con marionetas, Jaime nos narraba a los manipuladores de los muñecos las historias de cada obra, para poder transmitir a través del movimiento de las mario-

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

Su legado

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netas las situaciones, las emociones de lo que les pasaba a los personajes… desde nosotros, desde nuestros cuerpos (…) Son tantas las anécdotas y las cosas vividas. Él tenía una manera muy especial de irnos involucrando en sus montajes. Nos enseñaba todo lo que sabía en las distintas ramas del arte y terminábamos bailando, cantando poco a poco. Yo fui el rey, el padre, en el ballet de “La bella durmiente”. Todos colaborábamos mucho con él, era una mística y un amor al arte inmensos. Todo eso era gracias a Manzur. Ninguno de sus alumnos nos atrevíamos a decirle que no a lo que nos propusiera para hacer en sus espectáculos. Así aprendimos que si nos comprometemos con algo se hace hasta el final… Tal vez no se le ha sabido dar el reconocimiento que merece, pero lo que él hace con las marionetas y con los niños es muy importante: Él les enseña a los niños y a la juventud a degustar de las artes escénicas a través de las marionetas, de la zarzuela y del ballet. Ha habido grandes hombres en el país que cuando eran niños estuvieron sentados viendo las marionetas de Jaime Manzur. Muchos están o han pasado por el gobierno. Las marionetas han ido incluso al Palacio de Nariño. (…) Jaime Manzur es una de las personas que más ha luchado por el arte, por las artes, en Colombia. Es un tipo suprema-

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mente recursivo… Gracias a sus viajes, a su vida en Europa hay un diálogo continuo entre lo colombiano y lo europeo. Jaime Arturo Gómez Director del Teatro La Carrera 11 de julio de 2013

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Siendo yo muy joven fui a uno de sus espectáculos de ballet en el Teatro Colón de Bogotá. Era la primera vez que visitaba el Colón. Quedé tan impactado de su espectáculo y el entorno del sitio, que impulsado por la sorpresa, esperé muy tímido a conocerlo en el callejón de salida del teatro de la calle diez. Desde ese entonces mi admiración y el aprovechamiento de sus enseñanzas no han parado, conservando siempre un cariño mutuo. Quien no conozca a Jaime Manzur como una de las figuras más importantes del teatro de nuestro país, lo conocerá por las otras múltiples facetas de su incesante actividad a lo largo de más de cincuenta años en el mundo del espectáculo, como bailarín, pintor, escenógrafo, vestuarista, marionetista y director de escena. Una faceta esta última que se me antoja la más conocida y admirada, fuera de otros trabajos en los que ha dejado escapar su arrolladora personalidad creativa, que sería prolijo enumerarlas. Un hombre comprometido con el arte y la sociedad, capaz de meterse en la cultura de muchas generaciones que han aprendido el amor por lo estético y lo perfeccionista. Su labor como director, creador e intérprete, siempre ha tenido que ver con la renovación de la escena colombiana al cultivar la zarzuela y el teatro clásico cuya música y textos siempre suenan con poseedor de un prestigioso talento, sensibilidad, experiencia y olfato para atraer la niñez y juventud hacia su característica brillantez del arte. Todas las personas que lo conocemos o lo hemos visto en alguna de sus creaciones podemos presumir. Me uno con emoción al reconocimiento de su trayectoria humana y artística, profunda, inequívoca y coherente. Enhorabuena. Él es un genio de las artes.

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

esplendor y en todos los tiempos merecen serio respeto. Hombre

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Juan Carlos Villarraga Cantante lírico 11 de julio de 2013 El maestro nos ha apoyado a todos. Nosotros llegamos aquí para aprender con él parte de su gran arte, de su sapiencia, de su desenvolvimiento teatral, de su cultura. Uno se empapa de todos esos ingredientes y eso hace que se pueda ir a un nivel competitivo en el exterior, que es ahí donde deja en parte lo que es la carrera artística, digamos en el mundo altamente competitivo, de alto rendimiento, como se llama. Lo que más he aprendido del maestro es que antes de ser un gran artista hay que ser una gran persona. Que en la vida uno debe primero construirse por dentro para sobresalir y brillar por fuera (…) y esa construcción se realiza, aparte de construir cultura, no solamente en el campo específico de cada uno, como es mi caso, el musical y vocal, sino también debemos empaparnos de las otras artes que conforman la esfera: la danza, el teatro, la pintura, la historia y aparte de eso, envolverlo con sentimientos de nobleza, y sobre todo, con vivencias personales para que todo sea orgánico y fluya. (…) La humildad, el respeto, la obediencia, son cosas que él recalca mucho y que sirven absolutamente para hacer una carrera. Concha de la Casa

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Directora del Centro de Documentación de Títeres de Bilbao 14 de julio de 2013 El maestro Manzur (…) realiza la conservación de un arte que ya poco se hace en el mundo. Cuando veo su trabajo, tengo la certeza de que lo que tiene de este, le ha costado mucho. Esto no es de alguien que un día se ha enamorado y lo ha hecho porque ha tenido la posibilidad de hacerlo. No, no, no, esto que él hace se le debe porque le tiene mucho cariño a lo que hace. Además

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porque lo ha conservado todo. Toda la prestación que él tiene en ese museo, para mí es única. Hay que darle un valor tremendo a todo eso. Un valor muy grande, porque ha costado manipular esas marionetas, desde un puente a dos o tres metros de altura, el trabajo es enorme, es algo muy difícil y exigente. (…) Y después, el seguimiento que ha tenido, la conservación. Y la preciosidad que ha tenido en todas sus puestas, a mí me parece realmente única. Que yo sepa, en América Latina no hay nadie como él. (…) Ojalá se conserve, pues es un legado histórico suyo para el país. Se debe conservar como patrimonio. (…) La valoración es extraordinaria. (…) Es primoroso todo, es auténtico. Cada elemento es de una calidad increíble. Solo en Salzburgo se puede ver algo así. Pero para ir a verlas allá, se necesita comprar la boleta seis meses antes si se quiere entrar y es lo mismo que el Maestro hace aquí. (…) Aquí es una pena que no se le dé la importancia. Que se prefieran otras cosas más modernas. (…) ¡Es exquisito! Fabián Cárdenas Cantante, músico, bailarín y pintor

He actuado como solista en la zarzuela. En la zarzuela hay doble elenco: el actor principal y la coestrella, que es el que lleva la parte cómica. Yo me encargo de esta. Trabajo desde hace seis años con el Maestro. En Las Leandras yo era el sobrino del personaje de Manzur, así que compartimos el camerino y desde entonces entablamos amistad. Cuando está de mal genio cruza las manos, levanta una ceja y pone actitud de llamado de atención… Levanta la voz, grita, hala, arranca, se transforma. Con el tiempo uno lo conoce y entiende que lo que uno está haciendo no es lo que él está buscando y que uno no está atento.

Capítulo IV. Lo que el maestro dice y lo que dicen del maestro

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Pero la contraparte es que es una linda persona. Con sus clases uno aprende y cuando exige con esa presión, nos ayuda a sacar más potencial y estoy seguro que lo hace con esa intención. Amparo Sinisterra de Carvajal Directora de Proartes de Cali 29 de julio de 2013 Su Fundación (…) es un espacio mágico en donde se encuentra la fantasía hecha realidad en sus muñecos, en sus vestuarios, en las fotos y reconocimientos que dan cuenta de las historias que han sido cantadas en la zarzuela y la ópera. Creador de más de seiscientos muñecos a los que sabe darles vida, conociendo al detalle sus hilos. Jaime divierte tanto a chicos y grandes con cada uno de sus montajes. Hablar de zarzuela en Colombia es remitirnos de inmediato a Jaime Manzur, quien en su incansable oficio ha permitido que cada año Colombia se alegre con la llegada de la Temporada de Zarzuela que a la fecha suman más de treinta títulos puestos en escena en nuestro país. Cali ha tenido la oportunidad de participar de diversos montajes de zarzuela con nuestra Orquesta Filarmónica; en donde Manzur para quien no quedan sino palabras de agradecimiento por tanta vida entregada a este país.

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hemos compartido los talentos y la dedicación del maestro

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• Jaime Manzur. Fotos: Julián Velásquez Osorio.

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CRONOLOGĂ?A

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â&#x20AC;˘ Jaime Manzur. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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â&#x20AC;˘ Jaime Manzur en Nueva York. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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• Marioneta de Jaime Manzur. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

Cronología

• Vestuario para ópera de marionetas de Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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1937: Nace el 31 de julio de 1937 en Bata, Guinea Española (hoy Guinea Ecuatorial), África. Hijo de Cecilia Londoño Botero, nacida en Neira, Caldas, y de Salomón Manzur Salem, nacido en el Líbano. 1942-1946: Se traslada con su familia a Las Palmas, Gran Canaria. 1946-1948: Se traslada con su familia a España y Jaime toma clases de danza y de otras artes. 1948(marzo): Regresa a Colombia con su familia instalándose en Armenia, en ese entonces departamento de Caldas. 1952: Hace sus primeros montajes de ópera y zarzuela en marionetas en Armenia. 1953: Estudia danza clásica con Lilian Slejanovich. 1954: Hace parte del ballet de Lily de Yancovich en Medellín como primera figura. 1955: Director del Ballet clásico de Medellín de Lily de Yancovich. 1956-1958: Funda y dirige el ballet clásico de Armenia hasta 1957. Estudia danzas folklóricas con Delia Zapata, mientras toma clases de pintura en la escuela de su hermano David Manzur. Monta en el Teatro Colón de Bogotá la pieza Luisa Fernanda, de Federico Moreno Torroba. 1957: Profesor de danzas de la Escuela Nacional de Arte Dramático, ENAD; en Bogotá. Director de la Escuela de Danzas Folklóricas del Liceo Femenino en Bogotá. Toma cursos de actuación en la Escuela Nacional de Teatro de Víctor Mallarino. 1958: Presenta en la Biblioteca Piloto de Medellín las óperas La

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traviata de Guiseppe Verdi y La bohemia de Giacomo Puccini, y las zarzuelas Los gavilanes y La del Soto del Parral. 1963: Crea el ballet de Cundinamarca siendo su director hasta 1969. 1963: Gana el premio copa de plata en el Festival de Ibagué. 1967: Crea y dirige el Ballet de Jaime Manzur de 1967 a 1975. 1967: Presenta en el Instituto de Bellas Artes de Medellín las obras Madame Butterfly, La traviata, Cenicienta y la

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zarzuela Luisa Fernanda con su Compañía Nacional de Marionetas. 1967: Su Compañía de Marionetas presenta en el Teatro Colón las obras Caperucita roja y el lobo y La bella durmiente. 1968: En diciembre de ese año presenta danzas y ballet en el Teatro Colón. 1969 El Ballet Jaime Manzur presenta en el Teatro Colón las obras Expreso Oriente, La primavera, El amor brujo y El juicio de la doncella en el mes de agosto. 1970: Se oficializa la temporada de ópera patrocinada por Colcultura, presentándose once óperas del repertorio de las marionetas de Jaime Manzur. 1971: El Ballet Jaime Manzur presenta en el Teatro Colón las obras Giselle, Elektra, Ballet imperial, Capricho español, Amor brujo, El juicio de la doncella entre los meses de agosto y diciembre. Manzur no solo dirige, sino también trabaja como coreógrafo, actor, guionista y escenógrafo. 1972: En la temporada Pro Música 72 de Medellín, el Ballet Jaime Manzur presenta en el Teatro Tobón Uribe las obras Giselle y El burlador de la muerte en función de gala. 1972: Su Compañía de Marionetas presenta en el Teatro Colón en el mes de agosto, las obras Cascanueces y Estampas históricas. 1975: Su Compañía de Marionetas se presenta el 23 de diciembre en Nueva York en la noche de gala que se realiza allí todos los años, y luego parte a una gira por varias ciudades en Estados Unidos. 1975: Toma una semana de clases con el maestro Bill Baird a quien conoce en Nueva York (diciembre de 1975). 1976: A mediados de mayo se presenta en el Teatro Municipal Jorge Eliecer Gaitán durante seis días. 1976: Hace presentaciones en el mes de mayo en las ciudades 1976: Entre el 13 y 18 de junio participa en el IV Festival Internacional de Títeres en la ciudad de New London (Estado

Cronología

de Manizales, Pereira y Armenia.

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de Connecticut, Estados Unidos), obteniendo el primer premio entre 132 agrupaciones de 35 países participantes. En este concurso presenta El cuadro colombiano, obra de música y danzas folklóricas nacionales. 1976: Después de no recibir ningún apoyo para viajar a Estados Unidos por parte del gobierno y de no haber sido reconocido su premio al llegar al país, se desilusiona y piensa en abandonar Colombia, pero finalmente es convencido de quedarse. El Espectador dice que “un distinguido grupo de publicistas rescató para Colombia al artista decepcionado y lo hizo desistir de su viaje definitivo a países que reclamaban su arte”. 1976: Gana el premio APE en Cali. 1976: Gana la Bandeja de plata al mejor pesebre animado de marionetas otorgado por la Presidencia de la República. 1977: Este año Jaime Manzur se presenta con sus marionetas en varias ciudades de Estados Unidos, terminando la gira en Naples, Florida. En esa ciudad, los directivos de la Mental Health Clinic y la Health Intenational Agency le encargan a Manzur la realización de varias marionetas para ser utilizadas en programas de medicina preventiva en Estados Unidos. El Almanaque Mundial reseña esta noticia y resalta la labor artística de Manzur. 1977: Junto a Enrique Oviedo, crea la Fundación Amigos del Arte, Fundarte. 1978: Fundarte presenta el Teatro de Marionetas de Jaime

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Jaime Manzur

Manzur con las zarzuelas La leyenda del beso, El barbero de Sevilla, La rosa del azafrán, La del Soto del Parral, entre otras. 1979: El Icetex le otorga una beca honorífica y de carácter investigativo para viajar por 27 países de Europa por dos años. 1979: El alcalde de Miami le otorga un diploma de reconocimiento por la labor desarrollada en pro de la cultura y la comunidad americanas.

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1980: Crea la Fundación Jaime Manzur para el Desarrollo de las Artes Escénicas. 1980: En el mes de marzo Fundarte presenta el Teatro de Marionetas Jaime Manzur con las obras Pinocho, La rosa de plata y Moisés, dirigidas a niños, y para adultos las óperas, operetas y zarzuelas, La duquesa del Bal Tabarin, Luisa Fernanda, Aida, La traviata y La canción del olvido. 1980: Colaboró con la Ópera de Colombia como escenógrafo en la obra Don Pasquale. 1981: Colabora con la Ópera de Colombia como escenógrafo en la obra Lucía de Lammermoor y como director escénico en La forza del destino. 1981: En mayo comienza la programación permanente de marionetas. 1982: Realiza el diseño de escenografía del programa Noches de Colombia del Instituto Colombiano de Cultura dirigido por Gloria Zea. 1982: El 1, 2 y 3 de octubre se presenta la zarzuela Luisa Fernanda en el Teatro Colón, y del 7 al 11 del mismo mes, en el Teatro Jorge Eliecer Gaitán. Manzur participa como director escénico. 1982: En el mes de agosto sus marionetas se presentan en el Teatro Colsubsidio con las óperas, Rigoletto, Mme. Butterfly, La traviata y Aida. 1983: Dentro de la temporada de ópera de este año participa como director escénico y diseñador de escenografía y vestuario de la zarzuela Luisa Fernanda. 1984: La Unesco de París le otorga una beca de investigación escénica en Londres, Roma, Madrid y París. 1985: La Unión Musical Española en Madrid, dirigida por Manuel Passo Andre, le confiere el título ad-honórem: de “Abanderado de la Zarzuela”. meses para ampliar sus conocimientos escénicos desde Yugoslavia hasta Moscú, siendo invitado de honor al

Cronología

1986: Nuevamente la Unesco le otorga otra beca de cinco

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Teatro Nacional de Marionetas de Praga con permanencia de dos meses. Ese mismo año es invitado de honor al festival de marionetas de verano en el Teatro Obrastov de Moscú (URSS), así mismo por los teatros de Hungría y Rumania, siendo aclamado por su presentación con la Cumbia de Colombia en Marionetas. 1987: Establece la Fundación Arte Lírico. 1987: Con el apoyo de Colcultura, La Fundación Arte Lírico lleva a escena entre el 15 y el 27 de septiembre en el Teatro Colón la zarzuela Luisa Fernanda. Manzur es el director escénico. 1987: En el mes de noviembre la Fundación Arte Lírico presenta la zarzuela Los gavilanes en el Teatro de Colsubsidio. 1987: En diciembre se presentan las zarzuelas Luisa Fernanda y Los gavilanes en el Teatro de Getsemaní del Centro de Convenciones de Cartagena. 1988: Dentro de la temporada de zarzuela de ese año, la Fundación Arte Lírico y Colcultura presentan las zarzuelas Luisa Fernanda, Los gavilanes y La del Soto del Parral en agosto y septiembre en el Teatro Colón. Manzur es el director artístico y escénico, el diseñador de escenografía y vestuario, además de actor. 1988: En el mes de mayo participa como director escénico de la zarzuela colombiana Revelatorum de Guillermo Quevedo, y de una selección de arias y fragmentos de ópera y zarzuela que se presentan en el Teatro Colón con motivo de los 450 años de la fundación de Bogotá.

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Jaime Manzur

1989: En una entrevista, Camilo Ruiz, director de Los Matachos, dice que ni Manzur ni Arona hacen títeres para niños. “Manzur nunca ha hecho títeres para niños, Arona tampoco y llevan más de 25 años. Ellos han hecho óperas, cuentos clásicos y cómo va a objetar uno que no tienen contenidos interesantes”.1

“De títeres y actores”, Textos, Manizales, septiembre 9 de 1989, p. 7.

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1989: Dentro de la Temporada Lírica de 1989 que se realiza entre marzo y mayo, la Fundación Arte Lírico y Colcultura presentan en el Teatro Colón las zarzuelas La leyenda del beso, Los gavilanes y La del Soto del Parral, y la ópera Don Pasquale, bajo la dirección artística y escénica de Jaime Manzur. Debido al éxito se presentan nuevamente entre octubre y noviembre las zarzuelas Luisa Fernanda, Los gavilanes y La leyenda del beso. En todas las obras Manzur participa como actor y director artístico y escénico. 1990: Dentro de la temporada lírica de ese año la Fundación Arte Lírico y Colcultura presentan entre agosto y octubre las zarzuelas La leyenda del beso, La del manojo de rosas, La rosa del azafrán y Las Leandras bajo la dirección artística y escénica de Jaime Manzur. Igualmente participa como actor en todas las obras. 1992: La Fundación Arte Lírico presenta en el Teatro Colsubsidio las zarzuelas La del Soto del Parral, La leyenda del beso, Los gavilanes, La del manojo de rosas, La rosa del azafrán, Las Leandras y Luisa Fernanda, además de la opereta La viuda alegre y la ópera Don Pasquale, en el marco de la Temporada Lírica Internacional 1992. Jaime Manzur interviene como actor, y como director artístico y escénico, y diseñador de vestuario y escenografía de la zarzuela Luisa Fernanda 1992: La Alcaldía Mayor de Bogotá lo condecora con la medalla al mérito artístico por su larga trayectoria en bien de la cultura distrital y colombiana. 1993: Presenta la obra “La bella durmiente” en el II Festival colombiano de Teatro infantil realizado en Medellín. 1993: Conforma su propia compañía lírica. 1997: Es condecorado por el Gobierno Nacional en sus 45 años 1997: Dentro de la temporada internacional de zarzuela la Fundación Arte Lírico presenta en el Teatro de Colsub-

Cronología

de vida artística al servicio de Colombia.

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sidio las zarzuelas Luisa Fernanda, Los gavilanes, La leyenda del beso, La del Soto del Parral y La rosa del azafrán, trabajando Manzur como encargado del vestuario en las cuatro primeras y como escenógrafo en la última. 1997: En abril y mayo la Fundación Jaime Manzur presenta la ópera Marina y las zarzuelas La leyenda del beso y Gigantes y cabezudos dentro de la temporada lírica de ópera y zarzuela en el Teatro Colón. Jaime Manzur es director y productor. La portada del programa de mano es diseñada por su hermano David. 1998: En la temporada de zarzuela 1998, la Fundación Jaime Manzur presenta en el Teatro Colón las obras La leyenda del beso, Gigantes y cabezudos, Las Leandras y Antología de la zarzuela. Jaime Manzur es el director y productor general. La portada del programa de mano es diseñada por su hermano David. 1999: La Fundación Jaime Manzur presenta en la temporada de zarzuela las obras Agua, Azucarillos y aguardiente, La verbena de la paloma, El huésped del sevillano, Las Leandras y Antología de la zarzuela. Jaime Manzur es el director y productor general. La portada del programa de mano es diseñada por su hermano David. 1999: La embajada de España y la Fundación Arte Lírico presentan la zarzuela Luisa Fernanda en el mes de marzo en el Teatro Colón. Jaime Manzur participa como el encargado del vestuario. 2000: La Fundación Jaime Manzur presenta en la temporada

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Jaime Manzur

de ópera y zarzuela las óperas Grandes momentos de la Ópera y El huésped del sevillano y las zarzuelas La leyenda del beso y Antología de la zarzuela en el Teatro Colón. Manzur es el director y productor de las obras. 2001: El 18 de marzo se presentan en el Teatro Colón las marionetas de Jaime Manzur.

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2002: La Fundación Jaime Manzur y la Orquesta Sinfónica de Colombia presentan el 11 y 12 de octubre la obra Antología de la zarzuela en el Teatro Colón. 2003: La Fundación Jaime Manzur presenta en el Teatro Colón las zarzuelas Las Leandras y Antología de la zarzuela en el mes de agosto. 2004: En agosto, la Fundación Jaime Manzur presenta en el Teatro Colón La viuda alegre. 2005: La Fundación Jaime Manzur presenta en los meses de julio y agosto, dentro de la Temporada de Zarzuela, las obras El huésped del sevillano, La viuda alegre y Antología de la zarzuela en el Teatro Colón. 2006: La Fundación Jaime Manzur presenta en el Teatro Colón las zarzuelas Luisa Fernanda y Antología de la zarzuela en julio. 2007: La Fundación Jaime Manzur presenta en el Teatro Colón las zarzuelas Luisa Fernanda, Los gavilanes y Antología de la zarzuela en los meses de julio y agosto. 2010: Según la periodista de televisión y radio la Negra Candela, Jaime Manzur y la Fundación Arte Lírico pierden $140.000.000 de pesos con la temporada de zarzuela y ópera en el Teatro de Bellas Artes. 2011: El 16 de agosto, el Senado de la República de Colombia lo condecora con la la Orden del Congreso en grado de Comendador en las artes escénicas. 2011: La compañía lírica de Jaime Manzur se presenta en el Teatro Municipal de Cali con la obra La del Soto del Parral, en la cual participan 120 cantantes y actores, y son acompañados por la Orquesta Filarmónica de Cali, dirigida por el maestro Ricardo Jaramillo. 2012: La Fundación Jaime Manzur presenta las obras Antología de la zarzuela, Los gavilanes, El huésped del sevillano el Teatro de Bellas Artes de Bogotá.

Cronología

y La del Soto del Parral, en la temporada de zarzuela en

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2012: La Alcaldía Mayor de Bogotá, a través de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, le otorga el premio “Vida y Obra”. 2013: Gran temporada de zarzuela bajo la dirección de Jaime Manzur con Los gavilanes, Luisa Fernanda, La leyenda del beso y Antología de la zarzuela. Continuación de temporada de marionetas sábados y domingos en la Fundación, con un espectáculo cada mes.

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• Jaime Manzur y su grupo en la República Dominicana. Foto: Archivo de la Fundación Jaime Manzur.

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Cronología

• Jaime Manzur. Fotos: Julián Velásquez Osorio.

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FUENTES

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• Marioneta de Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

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Jaime Manzur

• Marioneta de Jaime Manzur. Foto: Archivo personal de Jaime Manzur.

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• Marionetas de Jaime Manzur. Foto: Julián Velásquez Osorio.

Fuentes

• Programas de mano para temporadas de zarzuela. Portadas de David Manzur. Archivos de la Fundación Jaime Manzur.

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Jaime Manzur

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Fuentes

http://www.eltiempo.com/archivo/documento/MAM-10256

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