Black Mamba #9 by Black Mamba

ÍNDICE

La Selva Estudio Creativo

María Montes Lettering

Editorial Area 51 César La Rosa

Rafafans Collage

Alexandra Ruíz Sombreros

Black Mamba 9na edición, agosto 2019 Por: Gabriela Serrano y Carlos Sánchez Contacto: infoblckmamba@gmail.com

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Trabajando paralelamente entre México y España; Manu Bañó y David Galvañ, desarrollan La Selva: un estudio creativo especializado en el diseño de productos que acoge inspiración diaria de ambos países. Con una diversidad de piezas que van desde mobiliario hasta luminaria y platería; su portfolio se mantiene siempre variado y brindando un sin fin de posibilidades para la decoración y la convivencia en el hogar.

LASELVA STUDIO

@laselvastudio

“Cuanto más trabajas, mejor te salen las cosas. No hay otra forma. Un diseño de dos días responde a una calidad de dos días, y uno de 6 meses a una calidad de 6 meses. Esto se llama constancia”.

Por Black Mamba

¿Quiénes son Manu y David y cómo deciden crear LaSelva? Somos Manu Bañó y David Galvañ, estudiamos juntos Ingeniería Técnica en Diseño Industrial y un Máster en Ingeniería del diseño en la universidad Cardenal Herrera - CEU. Desde muy temprano nos dimos cuenta de nuestras habilidades y empezamos a trabajar juntos dentro de la propia universidad. Nos complementamos bien, cada uno tenemos una forma diferente de trabajar en diseño, Manu es más inquieto y David es más centrado. Es divertido, somos ambos muy entusiastas y uno siempre intenta convencer al otro de dirigir un proyecto hacia un camino determinado, pero dejamos egos a un lado y si una idea tiene más sentido que otra, los dos nos enfocamos en resolverla. Al terminar nuestros estudios decidimos preparar nuestra primera feria y exponer una colección que diseñamos en conjunto. Tanto nosotros, como varios compañeros de la universidad, expusimos en el salón NUDE de la Feria Hábitat Valencia. Fue el primer

paso en nuestra carrera profesional y desde entonces ambos intentamos hacer de este proyecto una forma de vida. Actualmente los dos tenemos proyectos paralelos a LaSelva, pero esperamos que en un futuro cercano podamos “abarcar menos y apretar más”. ¿A qué hace referencia el nombre del estudio creativo? Llevábamos varios años presentándonos a concursos de diseño y haciendo pequeños proyectos juntos. Cuando llegó el día de presentarnos a nuestra primera feria de diseño con mobiliario y objeto diseñado en conjunto, nos dimos cuenta que necesitábamos un nombre que representara a los dos.

La primera colección de piezas que diseñamos fue toda hecha de madera y algunos detalles en tonos pastel verdosos, en ese momento veíamos el diseño desde un acercamiento natural. Como parte de nuestro proceso creativo, pensamos que hay que buscar inspiración en cosas no creadas por el hombre. Si partes de una silla para diseñar otra silla, probablemente acabes en algo parecido a algo ya existente. Para llegar a una pieza original, aunque suene redundante, hay que volver al origen. Vemos la naturaleza como el origen de todo, por ello decidimos el nombre de LaSelva como el que nos iba a representar. ¿Cómo es el proceso de desarrollo de los proyectos de La Selva? Cada proyecto es diferente dependiendo del cliente y de su localización. Siempre hay un encargado de dirigir el proyecto, que normalmente se decide por ser el contacto más cercano con el cliente, por el volumen de trabajo de cada uno o por atracción al proyecto. Al estar en países diferentes con zonas horarias tan dispares es diferente que si estuviéramos trabajando en la misma mesa. Esto tiene ventajas e inconvenientes, aunque en nuestro caso más de lo primero. La comunicación entre nosotros debe que ser más clara, ya que muchas veces nos mandamos información cuando el otro está durmiendo y debe entenderla perfectamente al abrirla para poder continuar trabajando. Es un ritmo curioso, digamos que David inicia un proyecto en España por la mañana y me lo envía por la tarde, para mi es por la mañana de México y lo puedo trabajar todo el día y enviárselo por la noche y prácticamente repetir el proceso al día siguiente. Es como tener una oficina funcionando 24h sin pausa. Nuestro proceso creativo es bastante mecánico, pero varía según el proyecto. Hacemos estudio de mercado, moodboards, paletas de materiales, bocetos, modelos 3D, maquetas a escala o 1:1, prototipos y volvemos a la mesa de trabajo a depurar lo obtenido hasta conseguir lo que estábamos buscando.

Los derechos de fotografía pertenecen exclusivamente a LaSelva 7

¿Cómo describirían su estilo de diseño, individualmente y en conjunto? ¿Cómo dividen el trabajo? Nos gusta diseñar desde la lógica, siguiendo un camino limpio sin demasiado ornamento. Buscamos la diferenciación en los pequeños detalles, en gestos y en soluciones constructivas diferentes. Nos interesa la expresión y cualidades propias de cada material, aplicadas siempre a un producto que lo necesite. Intentamos dar un valor añadido a los productos y trabajar en que no se queden en solo una forma bonita, sino que aporten algo al usuario o al entorno. Cada uno aporta su estilo y su conocimiento a cada proyecto, Manu es más creativo y artístico generando ideas y David más técnico y resolutivo aportando soluciones, aunque ambos intervenimos casi por igual en cada etapa del proyecto. Nuestras dos visiones se mezclan y tomamos las decisiones creando un consenso de ideas, dándole forma a cada concepto para conseguir un resultado que nos guste. Ustedes trabajan en conjunto desde México y España, ¿Cómo abona la diferencia cultural, visual y social de cada país a los diseños que producen cada uno? Nos encanta la inspiración diaria que nos aportan ambos países, es lo mejor que nos podría haber pasado. Cada uno con sus peculiaridades, con su forma de hacer las cosas, con su historia y su herencia cultural. Estar entre estos dos mundos es muy enriquecedor. Actualmente diseñamos y producimos piezas en ambos países y cada uno tiene sus pros y sus contras, pero sin duda el resultado es positivo.

tejido, cerámica, metales… Esto hace que el diseño y la producción de objetos o mobiliario artesanal sea accesible y ágil. También hay infinidad de talleres y fábricas de pequeña, media y gran escala. Por otra parte, hay muy pocas “editoras de diseño” y marcas que colaboren con diseñadores para generar líneas de productos, producirlas y comercializarlas. No tengo muy claro por qué es, supongo que no ha sido siempre un país consumidor de diseño. Por lo que, a diferencia de Europa, los diseñadores no están acostumbrados a diseñar un producto para una marca de diseño. Los estudios de diseño están planteados de manera integral. Diseñan, producen y venden, generalmente sin intermediarios. Eso genera cambios de escala y de modelos de negocio. En España sigue vivo el mismo modelo que hace 40 años, los diseñadores trabajan para marcas que producen y comenrcializan mobiliario y objetos de diseño. Vemos cada vez más dificil de sostener esta relación, ya que como estudio “joven” nadie te contrata ni paga por el diseño de una colección a la primera. Normalmente diseñas gratis o muy barato y con suerte, si la empresa es grande, recibes royalties por venta. Este sistema no genera el dinero suficiente para mantener un estudio de diseño.

México y España están en diferentes momentos del diseño, hablando de historia. México está en su mejor momento de crecimiento y España sigue recuperándose de una gran crisis. En este aspecto intentamos mirar más hacia Europa, hablando de editoras de diseño y producción en masa y hacia México, para producción artesanal de ediciones limitadas o piezas únicas. ¿Cómo definirían el estado actual del diseño de producto? Depende de dónde. México es un país en el que la artesanía sigue y seguirá viva durante mucho tiempo y el acceso a los artesanos productores es relativamente fácil. Solo en la Ciudad de México hay maestros artesanos de todas las disciplinas que puedes imaginar: vidrio, mármol, madera, fundición, corcho,

¿Cuáles consideran que son los mayores desafíos para el diseño de producto actualmente? Quizás el mayor desafío a corto plazo de cualquier diseñador es conseguir que las “editoras de diseño” lo conozcan y lo inviten a diseñar algún producto. Es difícil que estas empresas se fijen en ti cuando son constantemente bombardeadas con propuestas de diseñadores de todo el mundo. En nuestro caso, esta situación nos llevó a pensar en crear algo por nuestra cuenta y convertirnos en productores de nuestros propios diseños. De esta reflexión nació nuestro primer producto auto-producido y financiado en Kickstarter, el perchero Loop. Esto, además de aportarnos algo de dinero, nos ayudó a visibilizar nuestro trabajo a través de publicaciones en blogs y revistas de diseño. Cuando ya has diseñado y publicado varias colecciones de muebles y objetos, el siguiente gran desafío quizás es el de hacer una pausa para pensar y revisar lo que has hecho. Sentarse y decidir hacia donde quieres ir, a qué público quieres llegar y lo que quieres trasmitir. Nos sentimos exactamente así en este momento, ya que constantemente vamos actualizando nuestro imaginario y tenemos más y mejores referencias, es difícil sentirse relacionado con algo que hicimos hace 5 años. Para finalizar ¿Cuáles son los ingredientes, que consideran más importantes, para lograr un diseño excepcional? Cuando diseñar te resulta fácil porque lo llevas varios años haciendo, crees que tienes cierta ventaja y que no necesitas dedicarle tanto tiempo. Esto no es correcto, siempre hay que rechazar las primeras ideas, las primeras 5, las primeras 10, las primeras 50 y a partir de exigirte más a ti mismo, empezarás a generar ideas interesantes. Cuanto más trabajas, mejor te salen las cosas. No hay otra forma. Un diseño de dos días responde a una calidad de dos días, y uno de 6 meses a una calidad de 6 meses. Esto se llama constancia. Otro factor importante es saber cuándo parar. Saltarse uno o el otro puede hacer que nunca termines de darle vueltas al mismo concepto o que te des por vencido antes de llegar al objetivo. Normalmente los proyectos que realizamos por encargo van ligados a una línea de tiempo acordada con el cliente, esto suele ser más fácil a la hora de concretar que cuando estás diseñando una pieza o colección para ti mismo.

María Mon Inmersa en el mundo del lettering y la caligrafía, Maria Montes reconoce las letras y la ilustración como una verdadera pasión en la que se desenvuelve con mucha versatilidad, cuya experticia le ha llevado a aportar de personalidad a un sin número de objetos y productos; ofrecer talleres, charlas e inspirar a aquellos que aspiran a aprender más sobre el mundo de la tipografía.

Primero que nada, cuéntanos ¿quién es María Montes? Maria Montes es una diseñadora gráfica que viene de Barcelona, donde obtengo la educación en diseño gráfico en el año 2000. Al graduarme, trabajé en varios estudios creativos hasta 2006 y a partir de ahí nace un momento de necesidad de querer aprender más. Entonces decido irme a Australia, donde al cabo de unos años salto al diseño téxtil y desde el 2014 empiezo mi carrera en solitario como freelance hasta el día de hoy. Hablando un poco de tus orígenes ¿Cómo te iniciaste en este mundo del lettering? ¿Cuándo te enamoraste de las letras y la tipografía? Cuando estudiaba mi carrera en diseño, tuve la posibilidad de cursar caligrafía por primera vez y durante esos nueve meses recuerdo tener una experiencia muy bonita, como un descubrimiento mágico. Pero en ese momento era imposible pensar que alguien podía ganarse la vida como calígrafa/o, ya que se comenzaba a trabajar con las herramientas digitales como Illustrator y Freehand; así que a pesar de ser algo que disfrutaba mucho hacer, no era algo realista profesionalmente en aquel momento.

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@iamariamontes Entonces me olvidé de la caligrafía y empecé a trabajar como diseñadora gráfica, hasta que llegó un momento después de 11 años que tuve una crisis profesional bastante fuerte, en donde el trabajo que hacía de diseño gráfico me parecía repetitivo, así que comencé a buscar soluciones. Volví a Barcelona a estudiar un postgrado de tipografía avanzada y ha sido desde ese momento un shock el darme cuenta que me había olvidado de algo que realmente me gustaba durante tanto tiempo. Ahí me di cuenta que las letras han sido una pasión desde siempre. Luego, gracias a la oportunidad de trabajar en diseño téxtil, también vino la ilustración, y creo que la unión de ambas cosas se ha convertido en una pasión por dibujar letras. De aquí viene el lettering, por el agrado a la escritura y el dibujo. Me encuentro muy a gusto con estos proyectos porque sale mucho mi voz y además es un proceso más rápido que diseñar una fuente.

“En el diseño, me gustaría ver que se vuelve menos compe colaborativo, más abierto y democratizado. A pesar de que tecnología mucha gente tiene acceso a la información y e a la democratización de la profesión; esta profesión aún su debería ser más inclusiva”. ¿Tienes algún artista dentro del mundo del lettering que te inspira? Dentro del mundo del lettering hay muchísima gente que me inspira; sobre todo, sigo a mujeres que sean representación de donde yo estoy porque durante muchos años he visto muy poca representación del sector femenino. Ahora conscientemente siempre intento buscar gente que está dando voz a muchas otras personas. En Australia desde el principio y la primera persona que me inspiró para empezar en el 2013 fue Gemma O’brien que en ese momento estaba empezando a ser conocida y para mi fue como una inspiración para poder expresarme y romper el hielo con mis miedos. Alguien con la que he aprendido muchísimo no sólo a nivel creativo, pero por inspiración de contenido es Jessica Hische. Para mi es una persona muy importante, no sólo por su trabajo, sino por su labor educativa en temas de trabajo freelance; ella para mi es una profesora que nunca he conocido en persona, pero una de mis favoritas.

¿De dónde viene tu inspiración? ¿Cómo haces para mantenerte al día y aprender cosas nuevas? Mi inspiración normalmente viene del día a día, sobre todo de la gente que me rodea y de la gente con la que trabajo, cualquier cosa por pequeña que sea o aunque parezca que no tenga importancia, es relevante para mí. Cualquier cosa que pasa a mi alrededor y está en mi cabeza durante más de una semana, es algo que me va a dar una idea para hacer algún proyecto en el futuro. En cuanto a aprender; el aprendizaje viene de todos lados: Google, YouTube, charlas, conferencias de libros que leo, de mis amigos, de la gente a mi alrededor. El problema ahora es que hay demasiada información y la dificultad viene de cómo controlar el tiempo de inspiración y el tiempo de creación.

Estas son personas que desde el principio han estado conmigo. Pero ahora hay millones de artistas, tengo muchas colegas en Melbourne que hacen trabajos fantásticos y la colaboración me parece una fuente de inspiración muy grande, porque no las considero como competición, sino como inspiración y como gente que está a mi lado y que nos apoyamos mutuamente.

¿Si tuvieras que elegir una tipografía para utilizarla por siempre cuál sería? Las tipografías muchas veces las relaciono con la moda, ya que eliges prendas diferentes para una boda que cuando vas a algún sitio más casual. Personalmente, tengo afinidad con muchas tipografías, pero podría mencionar condensed y uppercase. Puede ser con mucho o poco contraste pero algo de este estilo seguro.

etitivo y más e gracias a la esto ha ayudado mucho uena muy exclusiva y

¿Con qué proceso disfrutas más trabajar? ¿Lettering hecho a mano o en ordenador? Lo que más disfruto es la versatilidad de poder hacerlo utilizando diferentes procesos, ya que en mi trabajo hago muchas cosas y por mi personalidad me aburro muy rápido; así que hoy puedo elegir trabajar con un lápiz, pero mañana estoy vectorizando. Si llevo mucho tiempo trabajando en algo, siempre llega el momento de hacer algo diferente para respirar un poco de aire fresco. Al día de hoy ¿Te imaginas haciendo algo distinto que Lettering e ilustración? A veces, cuando veo el diseño de estampado pienso que estaría bien volver atrás e integrar más diseño textil en mi trabajo actual o en todo caso volver a hacer diseño gráfico también. Pero si significara irme muy lejos del área de diseño, me gustaría escribir un libro; porque para mi es muy terapéutico, como un acto de meditación y auto descubrimiento. Pero nunca me lo he planteado tan seriamente. ¿Cuál es tu visión sobre el mundo del arte y la creatividad en general? ¿Qué falta por hacer y qué obstáculos hay que superar? Bueno lo que falta por hacer en general es más grande que el diseño, creo que es desarrollar un nivel de empatía muy grande y dar voz a mucha gente que no la tiene. En el diseño, me gustaría ver que se vuelve menos competitivo y más colaborativo, más abierto y democratizado. A pesar de que gracias a la tecnología mucha gente tiene acceso a la información y esto ha ayudado mucho a la democratización de la profesión; esta profesión aún suena muy exclusiva y debería ser más inclusiva. Hay mucha gente viviendo en países con realidades, economías y crisis diferentes; en donde el diseño podría volverse más social y dar plataforma a voces que vienen de otros lugares, con otras experiencias para darnos cuenta que si no abrimos los ojos, al final, sólo estamos diseñando para nosotros mismos. Los derechos de fotografía pertenecen exclusivamente a María Montes

EDITORIAL

A R E A 51 Fotografía y Dirección Creativa César La Rosa @caesarslate Modelos Andrea Villasmil @andrea villasmilr Barbara García @_barbicute Natasha Ali @natashaali23 Anyeli Arenas @anyeliarenas MUA Barbara García Andrea Villasmil Stylist César La Rosa Andrea Villasmil

Los derechos de fotografĂa pertenecen exclusivamente a CĂŠsar La Rosa 21

Por Black Mamba

RAFAFANS @rafafans

El collage una visión sin fín.

Hola Rafa para quienes no te conozcan ¿Podrías contarnos un poco sobre tus orígenes y experiencia en el diseño? Soy Rafafans, viviendo en Madrid (España) media vida. Estudié algo completamente alejado de mi realidad actual (Derecho)…, pero me fui a Madrid interesándome por la edición de libros y revistas, lo que me acercó mucho al mundo del diseño, la autoedición y la creatividad. Era un entorno con el que convivía de forma cercana y personal pero que tardó algo más en llegar profesionalmente… al principio con el pudor de sentirme casi un intruso, pero que se consolidó rápido en una forma de vida y de entender el mundo.

Interesado por la imagen y la construcción de escenarios nuevos por medio de piezas preexistentes; Rafafans trabaja la técnica del collage desde la escena digital para crear composiciones en las que la anatomía se transforma y es intervenida por contrastes de color y textura.

¿Cuál fue el primer elemento que te llevó a interesarte por el collage, y qué te mantiene explorando ese medio actualmente? Siempre ha sido algo que me ha interesado, desde niño curioseaba la composición de imágenes, la fotografía costumbrista, las revoluciones políticas y artísticas del siglo XX y en especial todo el mundo del papel y el collage, su plasticidad y la capacidad de poder crear escenarios nuevos partiendo de otros pre-existentes. Me interesa mucho la fotografía y el video, pero también lo objetual, lo físico y real…. voy buscando dónde colocarme día a día, supongo que es algo que termina surgiendo de forma natural. ¿Cuáles consideras que son los principios claves detrás de tus diseños? Supongo que soy bastante orgánico (odio un poco esta palabra…, pero al final ayuda a definir), aunque sinceramente creo que es un estilo bastante personal y que se ha ido forjando con el paso del tiempo. Me gusta mucho trabajar con los cuerpos, la anatomía, los rostros, los ojos, las bocas…. el ser humano, con la sensación final de lo volátil, a veces de lo delicado, del detalle sutil; aunque a veces me quiero situar en el extremo opuesto para romper la imagen que tengo de mi propio trabajo… o eso intento. ¿A la hora de seleccionar una imagen, qué suele llamar tu atención para crear una composición alrededor de esta? Me interesa mucho lo humano, el retrato, pero normalmente dentro de un contexto de color, texturas y elementos que normalmente aportan cierto surrealismo a la pieza final.

Has colaborado con marcas como Inditex, Meliá y DelPozo en distintas publicaciones. ¿Cómo enfocas tu trabajo a la hora de trabajar con grandes campañas? Normalmente, cuando una marca contacta conmigo para hacer alguna colaboración o campaña, suele ser porque buscan un estilo en concreto que está vinculado con mi trabajo. Por eso, el proceso de conexión creativa al principio suele ser algo rápido, con la búsqueda de los lugares comunes entre las partes, y sobre todo con una relación de confianza que permite que el trabajo sea siempre mucho más fluido y satisfactorio. Y en cuanto a dirección de arte para ti ¿Qué es lo más importante para una campaña creativa? La relación de confianza con el cliente es fundamental, y por supuesto la libertad creativa. Muchas veces nos autocensuramos demasiado a la hora de plantear ideas o proyectos por miedo a una reacción negativa. Creo que lo primero es ir a más, para luego poder ir a menos si fuera necesario. Y por otro lado tener una visión global del proyecto, como si fuera una esfera que nos permite resolver los inconvenientes o las limitaciones que se puedan presentar. Personalmente para ti ¿Cuál es tu visión sobre el rubro del arte y la creatividad en general? ¿Qué falta por hacer y qué obstáculos hay que superar? Bueno, sinceramente como cualquier trabajo en pleno S.XXI está en continua evolución, sobre todo porque creo que seguimos incorporando nuevas expresiones creativas y dándole un nuevo valor artístico, como podría ser el mundo 3D y realidades digitales paralelas… Todo está cambiando muy rápido y con una sensación de infinito que a veces lo cubre todo con una capa de ritmo frenético que se vuelve insoportable. Por eso intento moverme entre los dos mundos, el del pasado y el del futuro para construir mi presente. Señalaría como algunos de los problemas que más me preocupan son precisamente, lo extraordinariamente efímero de todo y la tendencia a la censura en internet que conlleva a la autocensura, con toda la pérdida de frescura que eso acarrea.

¿Estás en algún proyecto interesante ahora? !Si! ¡Estoy tramando nuevos proyectos que me están permitiendo conocer nuevas técnicas y estoy encantado! Espero que salga pronto a la luz. Para finalizar nos puedes recomendar una serie, una película y un libro. Me parece complicadísimo…. ¡Mucho! No soy muy de series, me suele dar pereza engancharme, pero he visto algunas últimamente que si lo han hecho (Euphoria, Years & Years y Paquita Salas) ¿Una película? Posiblemente las dos que más veces he visto en mi vida son Annie Hall y Singing in the rain…. Me imagino que las recomendaría siempre…. En cuanto a un libro; últimamente estoy más centrado en imágenes. De hecho me compré hace poco dos grandes tomos sobre imágenes de botánica clásica pintadas en láminas que son un delirio! Pero para leer y releer me encanta “Nada”, de Carmen Laforet, por la historia y también por el contexto de la escritora.

Los derechos de fotografía pertenecen exclusivamente a Rafafans 27

Elegantes y plenas de estilo son parte de las características más representativas del trabajo de Alexandra Ruíz, una mexicana que atesora y da validación a los procesos artesanales que dan vida al sombrero: pieza que ha estado presente históricamente en diversidad de formas y aspectos de acuerdo a su uso, pero aún así permite un sin fin de posibilidades para explorar. Cuéntanos un poco sobre la persona detrás de la marca ¿Quién es Alexandra Ruiz? Nací en los 90’s y soy Capricornio. Siempre he tenido una atracción por crear, soy totalmente manual. Mis humores favoritos son cuando veo filmes antiguos, leo uno que otro libro, dibujo, investigo y me lleno de inspiración para comenzar una idea de algo que quiero producir. No puedo estar quieta, mis mejores momentos son al crear algo nuevo, colecciones, proyectos, etc. Workaholic. Vengo de una familia de “artistas”, un padre escritor, madre trabajadora. Viví sola desde muy temprana edad y eso me motivó a impulsar la vida que quería tener. Creo que fue a los 17 o 18 años cuando me regalaron mi primer máquina de costura y comencé a realizar piezas de indumentaria. Al cumplir los 20 años tenía otro proyecto enfocado únicamente en ropa contemporánea. Entre errores y aciertos he trabajado por cumplir las metas que me he impuesto, nunca será perfecto pero mi enfoque no se ha “acalambrado”. Sé lo que quiero mostrar o el camino que quiero llevar para la marca, diría “llegar”, pero no creo que exista un punto de aterrizaje ya que el conocimiento es eterno y nunca terminas de aprender o querer aprenderlo, en mi caso. ¿Cómo comienza tu interés y que te motivó a crear sombreros? Hubo un momento a los 25 años en el que sabía que quería realizar más cosas, estudiar y comprender otros materiales, así como fabricarlos. Fue cuando inicié una búsqueda más profunda de técnicas que desconocía y decidí alimentarme de más aprendizaje. En el año 2015 cursé un diplomado intensivo con el maestro Shingo Sato en la Ciudad de México, en el que aprendí técnicas como “Transformational Reconstruction” y “Origami” en tela, desde ese momento quise experimentar más.

Siempre tuve una fascinación por la cultura del Sombrero y decidí investigar dónde aprender la manera en que se fabrican y conocer del tema más a profundidad. En el Centro de la ciudad de Monterrey, en la calle Madero, desde hace muchos años atrás ha sido uno de los puntos emblemáticos de reunión para los conocedores de este accesorio, y es notoria por sus establecimientos de fabricación, venta y mantenimiento de sombreros. Durante mi búsqueda, vi una sombrerería en la que impartían los cursos que tanto esperaba y, ahí, conocí la tienda y taller de sombreros de un gran amigo y mentor, Matthieu Tardán, en donde tomé un curso de elaboración de sombreros de Fieltro y Yute. Al quedar fascinada decidí tomarlo nuevamente y empaparme de más conocimiento. Tuve la oportunidad de trabajar un año, no sólo en la elaboración de las piezas, sino también en la limpieza, atención a clientes, llevar a cabo un inventario, entre más. Todo esto fue lo que me enamoró más de la sombrerería, las técnicas artesanales y la belleza de llevar un taller así. Definitivamente creo que para comprender bien la cultura y los métodos de una pieza artesanal, debes llenarte de todo el conocimiento posible y entenderlo desde fondo para así, sabiendo ya las bases, proceder a tus propios diseños. Te gusta experimentar con las formas, ¿qué tipo de elementos te inspiran para crear estos diseños? Recientemente estoy inspirada (fascinada) con el desierto. Su movimiento y estructura es la base de lo que ha inspirado muchas de mis piezas, así como la escultura. Al realizar los sombreros 100 % a mano y ver el resultado de tener una pieza como colección es lo que me llena de más alegría.

¿Qué es aquello que disfrutas más durante el proceso creativo? El resultado. Iniciar cada sombrero y con las manos dar una forma, hasta su decoración final es lo que más disfruto. Ver al cliente usarlo es algo muy especial ya que cada uno de los sombreros nace y se va formando poco a poco. Lo especial es que al entregar el producto, la persona que lo recibe le da un nuevo significado e incluso toma otra forma y lo estilizan conforme a su creatividad personal. ¿Cómo describes el estilo de la marca? y ¿Qué mensaje reflejas a través de tus creaciones? “Cada cabeza es un mundo y cada sombrero hace del mundo universos”. Más allá de los sombreros, la marca está enfocada en la creación de accesorios y prendas artesanales. Las ondulaciones y los pliegues son la base de nuestro aspecto estético que recrea la sensación de movimiento. La visión de la marca es validar el uso de técnicas de fabricación tradicional atesorando lo hecho a mano. ¿Cuánto tiempo toma regularmente diseñar y crear un sombrero; desde la idea hasta el resultado final? ¿Hay alguna pieza en particular que te haya tomado más tiempo realizar? El tiempo regular para un sombrero de los diseños existentes es de 3 a 4 días (dependiendo del humor del clima). Ya que primero se inicia con el entallado, para continuar con su engomado, dejar secar, planchar, coser y ahora sí, comenzar a darle forma. Después sigue la decoración y empaque.

Personalmente, ¿por qué crees que es importante la valoración del mercado hacia los productos creados artesanalmente? Para mí es importante mantenerlos vigentes. Que se continúe con el aprendizaje de las técnicas ya que representan la cultura de cada país, pero es responsabilidad de cada diseñador la representación que proyectan. Creo que debería existir más apoyo a los artesanos y sus productos que únicamente la “inspiración de ideas. Es importante que exista una educación hacia el consumo, que cada pieza que tengas en tu armario sea especial y no solo un capricho por ser la tendencia del año. Estamos justo en un era de muchos cambios; desde la manera en que se visualiza lo material, hasta cómo se consume. Para Finalizar, ¿Dónde podemos encontrar tus productos? Pueden encontrarlos en las redes y tienda online: alexandraruiz.me Instagram: @alexandraruizoficial facebook: alexandraruizoficial twitter.com: alexandraruizmx También en Amazon Handmade: amazon.com. mx/handmade/Alexandra-Ruiz y de encontrarse en CDMX o San Miguel de Allende en la boutique “Muhna by Sami”.

Para crear uno desde su idea depende de varios aspectos, ya sea que nazca en un día mientras experimento ó que me encuentre preparando colección. Como es el caso de este año, que estoy cocinando una colección que lleva varios años en el horno: “Méler”. ¿Con qué material te gustaría experimentar? Justo, como comentaba en la pregunta anterior, me encuentro trabajando en una colección más completa de lo que se proyectará en la marca y utilizando distintos materiales. Próximamente daré a conocer más en las redes de A.R.

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