1
CONTENIDO 4 10 12 14 18 20 26 28 34 40 42 44 50 52 58
STEOVILLE STAN MAJANO LUCÍA TYPES ARIADNA UEHARA JOSÉ MANUEL SOFIA ALVARADO ALES SANTOS POLLO LOCO FERNANDA BONSERIO SEBATIAN AYALA EDUARDO MORGAN GRUPO BEDROCK MECHU DIAMANTE PAULA RIVERA ANA MORENO
Black Mamba N°13 | Julio 31 2020
BM#13
Para más información infoblckmamba@gmail.com |
2
blackmamba_magazine
3
COLOMBIA | @STEOVILLE | VISUAL ARTIST Artis
a tad
4
en por ta
STEOVILLE:
el artista que da un nuevo significado al autoretrato. El uso del cuerpo humano para comunicar ha sido un recurso utilizado en fotografía desde su invensión, pero es sin duda el autoretrato una capacidad adquirida en donde la visión de fotógrafo se une con la motricidad y expresión de su propio cuerpo. Stephen Ocampo nos muestra un nuevo concepto en el área, ofreciendo retratos con esencia artítica en donde la composición y la edición misma juegan un papel importante.
Hola Stephen ¿Puedes contarnos sobre tus antecedentes y los orígenes de tu interés en la fotografía? Sobre mis antecedentes no sabría que decirte, porque la verdad no vengo de una familia que sea apasionada a algo similar al arte. Mi interés por la fotografía fue algo espontáneo y surge de la necesidad de expresarme. ¿Qué significa la fotografía para ti? Y ¿Por qué autorretratos? La fotografía para mi es contar historias, inmortalizar momentos y sentimientos que solo quedarán en los recuerdos, pero nunca olvidados. La idea de los autorretratos fue algo que llevó un proceso. A medida que me iba encaminado en este hábito, surge de la necesidad de hacer algo diferente, de experimentar algo nuevo y me encantó; fue una forma de auto conocimiento.
Al ver tu trabajo nos quedamos atrapados con la forma de expresarte a través de la fotografía ¿Qué inspira tu narración visual? Mi narración visual ha sido un poco de catarsis, mi trabajo es un auto conocimiento y una terapia personal. Es por ello que mis autorretratos son un poco diferentes a lo que habitualmente se suele denominar como autorretrato: mostrar un rostro. En mi caso no es así y se vuelve una práctica más experimental. En tu trabajo vemos una gama cromática oscura, ¿en qué momento iniciaste a encontrarte dentro de esta estética de colores? La estética en la que me fui guiando ha sido experimental, la mayoría de veces ha sido aprender del error. No suelo tener en mente muchas veces qué es lo que voy hacer y es en el momento de la edición y después de algunos errores donde nace la idea y empiezo a experimentar.
Hay cosas que no solemos decir en voz alta pero como dice aquella frase, “una imagen dice más que mil palabras”.
5
¿Desde tu punto de vista, qué hace buena a una fotografía? La emoción que puede lograr transmitir, creo que eso hace buena una fotografía. Que no necesite explicación, que tenga diferentes puntos de vista pero que transmita un solo sentimiento.
6
7
¿Cómo te preparas para tus proyectos? ¿Te imaginas de antemano las imágenes que tomas? Como lo había comentado antes, la mayoría de mis trabajos nacen la repetición y el error, me encanta experimentar mucho. Es muy poco el trabajo que hago desde una idea, todo es muy espontáneo. De acuerdo a tu opinión, ¿cuál es el factor más importante al hacer un autoretrato? La confianza en sí mismo, el amor propio, la dedicación, eso es lo más importante cuando quiero hacer un autorretrato, no tomas una fotografía, creas una historia en ella. Tus fotografías tienen un gran potencia visual, uso increíble de la forma y lleno de surrealismo, ¿Quiénes fueron tus referentes artísticos? No suelo tener muchos referentes artísticos, pero el trabajo de Silvia Grav, ha sido y será uno de mis favoritos. ¿Qué más te inspira? ¿Cuáles son tus otras pasiones? Me inspira la naturaleza, los lugares, los momentos, lo cotidiano y lo simple. Creeria que si no me hubiera dedicado a la fotografía como concepto artístico, me hubiera gustado ser cantante, no es algo que practique ni nada pero será uno de mis anhelos frustrados. Actualmente soy diseñador gráfico, es algo que tengo de antemano con la fotografía. Para finalizar, cuéntanos en qué estás trabajando actualmente y qué podemos esperar para el futuro fotográfico de Stephen Ocampo Actualmente soy diseñador gráfico, bueno STEPHEN porque STEOVILLE es el artista visual y suelo dividir esas dos facetas. por el momento no tengo nada planeado, suelo dejar que las cosas vayan fluyendo; pero no obstante, hay trabajos que dejé sin terminar que me gustaría experimentar y ver qué podría sacar de ellos.
8
9
imstanmajano
DISEÑADOR INVITADO
Stanley Majano “Stan” es un diseñador gráfico salvadoreño que gracias a la exploración constante encontró en el lettering la herrameinta perfecta para mostrar su creatividad. Su viaje por este mundo de letras lo ha llevado a colaborar en FIST 2017 Festival de Ilustración Salvadoreño y Terrícola, Dribbble Meet Up 2018, RAYARTE 2018 (USAC - Universidad de San Carlos de Guatemala) como conferencista y tallerista. Así como tambien en Copa Domestika en Costa Rica. Tomando la desición de emprender este camino y crear su propio legado en el lettering, inició y continuó de manera autodicacta; inspirandose a crear y practicar todos los días, perfeccionando sus técnicas y llegando a colaborar con diferentes artistas. Entre sus referentes principales podemos encontrar a Gemma O’Brien y Luca Barcelona. “En fin, el lettering y la caligrafía son ramas super geniales. Si tienes las ganas o el deseo de comenzar algo nuevo y es esto de las letras, ¡pues adelante! Ten en cuenta que la curiosidad ha hecho que yo esté enamorado de las letras. Sé curioso.” Stan Majano.
10
11
DISEÑADOR INVITADO
luciatypes Rodeada de arte desde pequeña, Lucía types estudió Publicidad y Relaciones Públicas y se especializó en Diseño Gráfico y Preimpresión. Descubrió la tipografía e inmediatamente encontró las herramientas perfectas para lograr encaminar su imaginación con resultados modernos y frescos. Sus obras no solo están llenas de colores, formas y texturas; sino también de exploración combinando diferentes tipos de letra y técnicas: ilustración digital, rotuladores, acrílicos y témperas que dejan un mensaje. Como artista agradece el poder ayudar a las personas con sus piezas a mejorar sus días, quererse un poco más o a sentirse mejor consigo misma y con los demás.
12
13
Ariadna Uehara
DiseĂąo de superficies y estampados con impacto visual. Argentina |
14
ariadna.uehara
Motivos de flora y fauna, geométricos o de inspiración espontánea; los diseños creados por Ariadna Uehara son tan diversos como hermosos, destacando desde la disposición de elementos hasta la escogitación de colores. Las ilustraciones creadas a detalle, resaltan la dedicación en la obra y permiten resultados que no dejan pasar desapercibidos los objetos para los que fueron pensados. Hola Ariadna, háblanos de ti y de cómo te iniciaste en el mundo del diseño textil Algo sobre mí. Estudié Bellas Artes en la Universidad pública, soy hija de japoneses, nací en la ciudad de Rosario. El primer trabajo relacionado con el mundo textil fue en una empresa de producto terminado, ofrecían sus servicios a diferentes marcas de indumentaria. Mi rol principal era realizar las piezas gráficas e ilustraciones para estampería, generalmente estampas centrales, también era fundamental conocer los procesos de pre-impresión, separación de colores en canales, cuatricromía, index, bitmap, etc. Permanecí allí durante dos años, y luego decidí comenzar a trabajar de forma autónoma. ¿Y el diseño de superficies? ¿Cómo llego el diseño de superficie? Gracias a las recomendaciones que recibía por parte de las diseñadoras de indumentaria con las que trabajaba se presentaban nuevos clientes, y con los nuevos clientes surgían nuevos desafíos, lo que me llevó a perfeccionarme en el diseño de superficies. Al cabo de unos años me encontré trabajando para varias empresas al mismo tiempo. Ahora, como diseñadora de superficies ¿Qué es lo que consideras esencial a la hora de diseñar para este mercado específico? Según mi experiencia personal es importante la capacidad de interpretación, saber qué es lo que identifica a la compañía con la que trabajarás, perfeccionarse constantemente, tener versatilidad en el uso de diferentes lenguajes visuales y recursos plásticos, dado que la industria de la moda se nutre de la novedad es imprescindible apostar a la multiplicidad de influencias.
15
¿Cuáles son las principales influencias en tu enfoque del diseño? ¿Dónde buscas inspiración? Estoy en constantes búsquedas aunque suelo volver a los movimientos artísticos de la historia del arte, también me inspiran los artesanos y diseñadores de diferentes épocas y países. Actualmente me interesa el brut-art, naif, abstracciones geométricas y orgánicas, el imaginario old school, vintage, la psicodelia, la cultura popular, la naturaleza (nunca falta). Pero más allá de los estilos en sí mismos lo que me incentiva a diseñar es el pensar en cómo mezclarlos, mixearlos o fusionarlos. ¿Nos podrías contar el proceso por el que pasan tus ideas para convertirse en productos? Generalmente me guía un moodboard. La función del moodboard es delinear cuál será la dirección que tomará la colección de la temporada de ese modo el equipo de diseñadores trabaja bajo una misma coherencia. Por mi parte necesito tener una ilusión o especie de fantasía para poder comenzar con un diseño. Habitualmente busco imágenes que me estimulen para poder fortalecer una idea. Me agrada hacer pruebas de pinceles y trazos (utilizo tableta digital en Photoshop), bocetar diferentes estructuras compositivas, a veces tiendo a descartar algunas ideas a medida que el diseño avanza y quizás el resultado final es diferente a lo que inicialmente pensaba, pero pienso que si el impacto visual es alcanzado entonces es sumamente válido. Soy algo intuitiva, me gusta incluir contrastes a medida que incorporo nuevos elementos, y lo último que suelo ajustar es el color. ¿Tres características que definen tu trabajo? Lo definiría como ecléctico y contemporáneo, busca el impacto visual, lo distintivo. Objeto, lugar o acontecimiento menos esperado donde has encontrado inspiración: Recuerdo haber visto a través de la ventanilla de un avión las texturas de los campos de cultivos contrastados con algunas zonas de vacíos, me evocaban a los diseños textiles de Otti berger. Creo que en muchas ocasiones nos encontramos con diferentes organizaciones modulares y patrones de diseño incluso en el modo en que nos estructuramos como sociedad, y con un poco de edición todo puede ser convertido en un print.
16
¿Qué es lo que más disfrutas del diseño de superficies y cuáles son los mayores retos en él? Me encanta ver el resultado final, la satisfacción de un trabajo en equipo bien logrado, ver la prenda estampada. En cuanto a lo técnico, disfruto probar el ritmo compositivo de la repetición, y pulir la idea para otorgarle fuerza visual. Uno de los mayores retos es lograr cierta calidad dentro de los tiempos que la industria demanda, es un rubro muy difícil en ese aspecto, ojalá cambie.
¿Tienes algún consejo o recurso para compartir con los diseñadores de superficie que buscan desarrollar su propia línea? Me parece que un buen consejo es saber mirarse y potenciar aquello que te diferencia del resto para entender qué herramientas están a tu favor. Creo que es bueno preguntarse con qué tipo de cliente te ves trabajando, qué podrías ofrecerles y bajo qué condiciones, y ser organizado (a mí me llevó muchos años), ya que al fin y al cabo se trata de un trabajo. Si recién te inicias, no descartes a ningún cliente, trata de llegar a un acuerdo, todos los contactos que hagas y las experiencias que surjan te serán útiles. Armar un buen portfolio visualmente heterogéneo con diversas técnicas plásticas es esencial. El gran desafío de trabajar como autónomo es encontrar un equilibrio sano e intentar sostenerlo en el tiempo.
17
DISEÑADOR INVITADO
jomajoco Sin duda la constancia nos hace llevar nuestros ideales hacia adelante, hoy presentamos a José Manuel Jorge Cordero, un estudiante de la Universidad de Montemorelos, N.L. México. Actualmente cursa el último año de la carrera de comunicación visual. Para él todo inició en una clase de tipografía en la universidad donde conoció la palabra lettering. En sus inicios practicaba todo a lápiz y gracias a esta exploración fue abriendo su experimentación a distintos elementos. Hoy su herramienta favorita es la tableta gráfica y ha pasado del papel a llevar un control total del mundo gráfico. Gracias a su calidad ha impartido talleres y ha llegado a trabajar con personas de México, África y algunas universidades de Estados Unidos. Su inspiración la encuentra en la música, los acontecimientos sociales y siempre busca reflejar el lado positivo y para él. Es ahí donde considera que está el verdadero provecho “ Mi inspiración es la música, acontecimientos sociales del día a día o de simples cosas que me pasan, siempre reflejando lo positivo de nuestra vida, es de ahí donde puedo sacar el mayor provecho. Por último, la calificación más baja que he tenido en una materia de la universidad es la clase de tipografía. Mi moraleja: Tú debilidad puede ser la mayor fortaleza” . José Manuel
18
19
Sofía Alvarado Fusión perfecta entre arquitectura y diseño. Panamá |
20
fi_sofialvarado
Debido a su fuerte instinto creativo, la arquitecta Sofía Alvarado también enfoca sus ideas y experiencia profesional en crear mobiliario con personalidad, donde la geometría juega un papel importante pero adjunta la libertad de creación a piezas artísticas y coloridas que sin duda nacieron para destacar. 21
Hola Sofia háblanos de ti ¿cómo surgió el interés por la arquitectura? Siempre me ha gustado dibujar y crear. Así que vi en la arquitectura como una carrera ideal para mi expresión. No lo pensé mucho, al principio uno no piensa mucho las cosas. Y el diseño; ¿cómo llega el diseño a tu vida? Entendí en la universidad una parte del diseño basado en la historia y criterios esenciales e intelectuales y hoy en dia en la práctica veo la otra parte, como fundir mi creatividad a ese conocimiento. Considero que un buen diseño debe ser funcional, pero también debe tener autenticidad y ese algo que lo hace único e interesante. He aprendido a disfrutar del proceso del diseño como un juego entre la creatividad y la sensibilidad para conectar con su función. Pero lo más importante es estar feliz con lo que se hace, nuestro diseño más importante es nuestra propia vida. ¿Cómo fue para ti llegar al diseño de mobiliario? ¿Qué te llevó a tomar este camino? Como la mayoría de las cosas que hago, sucedió por decirle que sí a una posibilidad emocionante. Básicamente tenía la idea de hacer un conjunto de cosas en sincronía de colores y formas. Surgió entonces la idea que esas cosas fueran muebles y realicé Prisma: mi primera colección de mobiliario. Que fuera un proyecto de mobiliario fue algo un poco aleatorio. ¿Cómo nace Fi? ¿Hacia dónde apunta? Fi nace a raíz de mi proyecto de mobiliario, podría decir que es mi nombre artístico por que me representa como persona. Amo hacer diseño y me encanta adquirir el poder para fundirlo con mi capacidad creativa. Uno va adquiriendo conciencia en el camino, lo que más me gusta es enseñar mis ideas más profundas acerca de lo que me interesa en la vida. Por supuesto que aún no lo logro. Pero sé que es un proceso. También sé que hay muchos medios artísticos para lograrlo.
22
23
24
Cuéntanos de tu última colección “BEAUTIFUL CITY” ¿Cuál fue la idea principal de esta colección? Y ¿Cómo desarrollaste la idea hasta su resultado final? Creo que este proyecto en particular ha venido a enseñarme la libertad de ser - siendo. Realmente tenía la intención inicial de crear una colección de mobiliario inspirada en la arquitectura moderna occidental y estuve capturando todo lo que me gustaba de eso. Luego empecé a jugar con esos elementos, y me dije a mi misma que no lo iba a controlar. Creo que mi única determinante era que lo que fuese sería pequeño y transportable. El resultado fueron varias piezas que reflejan lo que más me gusta de esas formas arquitectónicas, objetos que juntos me parecieron una especie de ciudad. Ahí fue donde encontré el nombre. Este proyecto nació en cuarentena y no está ejecutado en “la vida real”, por ahora “está siendo” digital. Sobre tu proceso creativo y tu metodología de trabajo, nos gustaría saber cómo abordas cada nuevo diseño ¿Tienes algún ritual o dejas que las ideas vengan solas? Puedo ver mi trabajo en retrospectiva y me doy cuenta que mi proceso creativo ha sido básicamente tener una idea, explorar las formas, colores, intenciones que veo en ella y trasladarlo a algo material. Hoy en día creo que he aprendido a dejarlo ser y confiar más, en encontrar más que buscar, pero si soy muy disciplinada y eso también es importante. Si hoy se me ocurre una idea me gusta probar de todo alrededor de ella, y ahora me permito cambiar y disfrutar más del proceso que de un resultado final. Y tus referencias ¿Cuales son? Depende. Algunos diseñadores que me gustan mucho son India Mahdavi y Atelier Biagetti, por sus formas divertidas de abordar el diseño. También me gusta ver referencias en la naturaleza, en la realidad ya sea cotidiana o imaginada.
También podemos ver que eres una entusiasta de los colores y las formas geométricas¿Que tienen estas formas y las composiciones de colores que te llaman tanto la atención? Amo la geometría básica por que es clara y precisa. También he sido entusiasta de la simetría, pero he aprendido a entender que el balance no es siempre simétrico (a simple vista), sino mucho más dinámico y que la geometría está en todo, incluyendo formas orgánicas no identificadas fácilmente como geométricas. Me gustan todos los colores. El color te permite, por ejemplo, mantener rotundamente una intención haciendo algo monocromático, o generar otra sensación al mezclarlos. Es increíble el poder del color. ¿Qué sigue para Fi? ¿Qué nuevos proyectos podemos esperar? Me gusta la idea de seguir haciendo mobiliario artístico de edición limitada, ya que vivimos tiempos en donde es importante respetar la escala humana para hacer del mundo un lugar sostenible. Tengo proyectos nuevos que oscilan entre el mobiliario y el juego creativo, otro proyecto de re-edición de las piezas icónicas de Fi. El tiempo en cuarentena me ha permitido planear a conciencia. También me gustaría seguir expresándome mediante la escultura y el dibujo.
25
DISEÑADOR INVITADO
ales_santos Ales Santos, ilustrador especializado en letras quien desde pequeño tuvo un especial interés por la caligrafía ha llevado su trabajo a todos los formatos posibles, desde comics hasta grandes escaparates; dando como resultado una amplia gama de formas de expresión para su infinita fuente de inspiración. Su trayectoria en lugares como Molaría y Teta&Teta despertaron más su interés por la tipografía y el lettering. Inspirado en un inicio por ilustradores, diseñadores y calígrafos, ampliando su conocimiento para mantenerse en constante movimiento; actualmente dedica su tiempo a proyectos personales y es profesor de caligrafía en el grado de Diseño Gráfico en IED de Madrid. Un profundo amante de la caligrafía que no deja el lápiz y el papel adonde sea que va, en él podemos encontrar un amplio estudio de la forma y de la tipografía, las líneas, los contornos y las formas expresivas son parte de su repertorio; que como nos cuenta, a la hora de llevar a cabo un proyecto siempre inicia en papel y los pasos finales lo suele retomar en digital.
26
“Antes de cerrar, confesar que además de todo este mundo en torno a las letras, soy un gran aficionado a los bares, sobre todo los más castizos y antiguos. De esos que quedan pocos. A algunos de ellos se les llama cariñosamente “grasa-bares” y suelen ser lugares ajenos al turismo, a veces al paso del tiempo y donde todavía se pueden ver la figura del “parroquiano”. En ellos, se respira el espíritu de esa zona o ciudad a través de las relaciones entre los clientes, los clientes con el camarero, a través de sus platos y bebidas. Sí: me encanta la comida. Allá donde voy me gusta probar los platos típicos y, si es en un lugar con historia y rodeado de elementos tipográficos, mucho mejor.”
27
POLLO LOCO 28
UNA VISIÓN ILUSTRA� TIVA AL STREET ART Y SUS COMPLE� MENTOS ~ DE DISENO La creatividad suele venir acompañada de curiosidad y experimentación; lo que desemboca en un constante aprendizaje y formas de expresión. Para Pollo Loco, un diseñador e ilustrador salvadoreño este camino también ha sido marcado por una constante evolución que proviene de los dibujos e inspiración de la niñez y que ahora se traslada a los muros, canvas e indumentaria con una visión más arraigada al street art y se acopla a ellas de manera excepcional.
polloxloco El Salvador |
ILUSTRACION | STREET ART | STREETWEAR ¿Quien es pollo loco y a que se debe el nombre? Digamos que el pollo loco es un apodo hereditario; ya que inicialmente le decían así a mi hermano y a mi me llamaban pollito. Cuando crecí simplemente comenzaron a decirme pollo; lo de “loco” vino por añadidura debido a mi forma de ser. Siempre he sido una persona que hace y luego piensa. Aunque creo que hoy en día me caracteriza más lo de pollo que de loco. ¿Cómo llegaste al mundo de la ilustración y de street art? El término ilustración lo conocí hasta entrar a la universidad, pero realmente toda mi vida he dibujado. Yo soy el niño que llenó los cuadernos de atrás para adelante, el que pintó las paredes de la casa; somos tres hermanos y ninguno pintó más que yo. Los videojuegos la música, todo eso me fue envolviendo. El street art siempre me llamó la atención y aún más el graffiti. Siempre veía los lienzos en revistas y veía cómo se expresaban, pero lo que me llamaba la atención era lo radical de tomar algo que no es tuyo he intervenirlo; esa adrenalina. Además, siempre estuve ligado con el graffiti y el skate, cuando empecé en todas estas cosas no había internet, mi medio de inspiración eran las revistas de skate, las patinetas que traían sus gráficas o las rampas donde estaban los grafitis.
29
30
¿Qué fue lo que te llevó a comenzar a intervenir muros? La curiosidad. Recuerdo la primera vez que pinté: hice una calavera con unos huesos afuera de mi casa, tenía 14 años y a partir de ese impulso comencé a pintar de manera individual, no conocía los términos del graffiti, simplemente pitaba. Con el tiempo comencé a encontrarme personas con las misma inquietudes y así fue como empecé a desarrollarme y a indagar más en el medio. ¿Cuál fue el click que te hizo llegar el grafiti a convertirte en un artista del grafiti? Yo realmente no me siento como artista, más bien sería como un “expresionista”. Si tengo una idea un lunes a las 11 de la mañana, ese mismo lunes a las 2 de la tarde la idea debe estar terminada. Es como una necesidad. En estos años trabajando en el mundo del street art, seguramente, llegaste a desarrollar un proceso de trabajo. ¿Cuál es el ritual que sigues para crear, o simplemente te sientas e ilustras? No y es extraño porque me preguntan en qué me inspiro y no sé. Cuando estoy haciendo algo, no divago y siento que a veces perdemos mucho el tiempo en querer impresionar a las personas con lo que hacemos. Por eso me identifico como expresionista; porque hago lo que a mi me gusta y que bueno a la gente le gusta. ¿Hay algún tema o concepto en específico que te guste representar por medio de tus creaciones? ¿Que más busca comunicar tu trabajo? Si, en lo personal me gusta representar ocasionalmente acciones de protesta con un toque satírico, además me gusta representar la vida diaria. Generalmente los personajes que creo siempre están haciendo una acción.
¿Puedes recordar algunas de tus primeras influencias? La primera influencia claramente fueron las tortugas ninja; lo “ninja” en general, el skate, el surf, la pizza, la música, etc. Estas influencias resultan ser elementos que siempre estaban a mi alcance, porque en ese entonces no teníamos internet. Posteriormente, con el tiempo comencé formando el carácter en el medio, en alguna etapas he tenido influencias de artistas, pero hoy por hoy quienes más me inspiran son mis amigos y sus propios avances personales; la idea de crecer juntos.
31
¿Cómo fue la evolucion de hacer al principio todo el papel, luego trasladarlo a murales y ahora a crear en la ropa? Cuando pase del papel al muro fue algo sin pensarlo, simplemente empecé y siempre me mantuve con la inquietud de pintar, no me importaba si pintaba bien o mal; simplemente lo hacía. Con el tiempo me di cuenta que lo que invertía en pintar un muro, lo podía utilizar en algo que llegara a más personas; comencé a ver la evolución de otros artistas y de cómo experimentaban también en productos, así que me enfoqué también en camisas. ¿Y qué sientes al ver a la gente con una de tus camisas? Es la mejor satisfacción por el hecho que la compraron porque esa persona se enamoró de mi idea o sintió algo. Eso siempre se saca una sonrisa.
¿Cuál de tus proyectos ha sido más importante? Más que un trabajo importante, fue mi primera exposición. Presenté alrededor de 8 piezas, una sobre madera, otra sobre canvas y seis con plumón -alto contraste blanco y negro sobre papel couché-. Esas 6 piezas no tenían un tema en común, pero al verlas expuestas juntas fué mi punto de partida para decir que me sentí un poco artista, fue la chispa. A partir de ahí no he parado de hacer cuadros. ¿Nos podrías compartir el mejor consejo que hayan dando en toda tu carrera? Me han dado varios, pero el mejor es la constancia. Para finalizar, ¿qué sigue para ti de aquí en adelante? Siempre he tenido mis prioridades: el merch y un poco de pintura; pero por ahora me interesan las artes manuales, pintura y tatuaje. Este último como profesión. Es muy reconfortante dar un vistazo hacia atrás y ver que lo que antes era un juego, como dibujos en el cuadernos ahora es lo que ha hecho convertirme en un profesional. Si no hubiera sido por esas pequeñas acciones no hubiera estudiado diseño gráfico y no fuese quien soy ahora.
32
FotografĂas de las piezas: Fran Fuentes | @frank_hlldr
33
Argentina ferbonserio fernandabonserio.com
Dedicada especialmente a la fotografía de alimentos, Fernanda Bonserio nos lleva de la mano a una explosión de sabores consumibles con la vista. En esta ocasión nos presenta una sesión fotográfica rica en contrastes en donde los colores juegan un papel muy importante en la representación de elementos y concepto. Retomando la esencia de Oliovita, el proyecto desarrolla una variedad de recetas con distintos ingredientes que toman como punto de partida los colores de cada mezcla y presentación del aceite. Cada receta fue creada minuciosamente por Andy Ruzzante.
34
35
36
37
38
39
DISEÑADOR INVITADO
sebasayala18 Con estudios en diseño publicitario, Sebastián Ayala es un joven muralista costarricense que desde hace 4 años lleva su arte y el lettering a gran escala teniendo la oportunidad de exponer en países como Guatemala, China, Estados Unidos, Indonesia, etc. Sebastián ha aprendido a usar diferentes técnicas para realizar sus trabajos, ya sea digital o manual, siendo la pintura acrílica su principal herramienta. Entre sus nuevas metas está aprender a usar el spray para poder crear mejores efectos en sus letras e ilustraciones. Aprender a tatuar también figura en la lista de sus nuevos retos, teniendo como principal objetivo ser reconocido en tatuajes de lettering. Por último, tener una marca en la que pueda desarrollar diferentes productos con sus diseños es algo que siempre ha estado en su mente. Esta última ya es una realidad que ha empezado con camisetas. La marca se llama Snap! y la pueden encontrar en instagram como @snap_cr. “ Lo que me ha hecho seguir a flote es entender lo importante que es evolucionar como artista, tratar de alcanzar siempre el siguiente nivel sin perder de vista el estilo que uno ha ido creando. Ser artista es una mezcla entre libertad y compromiso. Libertad de poder trabajar en lo que uno quiere y compromiso de trabajar fuerte para que la meta se convierta en realidad y no se quede en sueño” Sebastián Ayala.
40
41
DISEÑADOR INVITADO
@hey.morgan Eduardo Morgan Gaytán, es un diseñador gráfico especializado en lettering, originario de México. Quien creció fascinado por la cultura del graffiti, los tatuajes y la cultura del skate. Todo esto lo llevó a estudiar diseño gráfico a combinar esta cultura en su base para formarse en la tipografía y el lettering. LLeva 4 años dedicándose al lettering de manera independiente, trabajando principalmente para marcas de ropa, agencias de publicidad y la industria musical. Sus trazos dinámicos retoman toda la cultura que lleva consigo, texturas y paletas de color vibrantes que ayudan a crear un mensaje más claro y poderoso.
42
43
GRUPO BEDROcK Un equipo multidisciplinario que transforma espacios. México | grupobedrock.com
44
grupobredrock
La importancia de obtener distintos tipos de conocimiento y puntos de vista en la arquitectura siempre ha sido una tarea primordial para su buena ejecución; es bajo esta línea de pensamiento que Grupo Bedrock se especializa en el desarrollo de proyectos de construcción trabajando remotamente con empresas al rededor del mundo. Primero que nada nos gustaría que nos hablaran sobre las personas que están detrás de Grupo Bedrock, ¿quienes son y cómo nace la idea de crear su propio estudio creativo? Somos un equipo de profesionales que en conjunto adaptamos nuestros conocimientos a la necesidad de cada proyecto. Es por esta necesidad de afrontar cualquier reto de diseño y construcción buscando la perfección, que decidimos crear este equipo multidisciplinario. ¿Qué aspectos particulares de sus antecedentes y educación han moldeado sus principios y filosofías de diseño? La gran mayoría del equipo de trabajo somos creativos que nacimos en los 90’s, nos tocó vivir toda esta transformación digital y revolución del internet, creo que al final eso nos ha hecho enfocarnos al desarrollo de los proyectos con herramientas digitales de manera remota. Por otro lado, nos encantan los productos/diseños que son útiles y estéticos por eso siempre diseñamos enfocándonos en dejar bien resueltas estas dos características.
45
¿A qué elementos le toman especial cuidado al tomar un nuevo proyecto? En cuanto al diseño de espacios tratamos de que todos los espacios cuenten con una buena ventilación, iluminación y vistas agradables de acuerdo a los estándares de belleza de cada cliente. En cuanto al desarrollo de imágenes siempre tratamos de contar una historia a través de ellas, que la imagen vaya más allá de objetos, espacios, decoraciones, sino que deje algo a la imaginación. ¿Qué arquitectos, diseñadores o artistas admiran más?
“Siempre tratamos de contar una historia, que la imagen vaya más allá de objetos, espacios, decoraciones; sino que deje algo a la imaginación”.
Sinceramente siempre estamos en constante cambio y en busca de nuevas fuentes de inspiración que aporten algo a nuestros proyectos y/o por mero ocio. Actualmente nos inspiran demasiado el trabajo que hacen arquitectos como Alberto Kalach, Tadao Ando, Toyo Ito y Matía Di Frenna; fotografos como Ekaterina Busygina, Jan Erik Waider, Viktor Szabo y Gabor Nagy; artistas 3D como Vlasov Roman, Carlos Neda y Santiago Vilaseca. Además de la arquitectura y diseño de interiores; ¿Qué otros campos les interesan más y cómo influyen en su trabajo?
Creo que aquí todos coincidimos en que nuestro principal interés en común es el cine y la fotografía. Sin duda nos sirven mucho de inspiración, son campos creativos muy completos que aportan mucho material inspirador para cualquier persona. Desde su punto de vista ¿Es posible diseñar sin seguir las tendencias del momento? ¡Claro que es posible! No es una tarea nada fácil ya que siempre nos están bombardeando con imágenes de estas tendencias y de ideales de belleza; pero la gran realidad es que siempre ha sido así sin embargo los mejores artistas y más reconocidos han sabido proponer ideas y estilos diferentes anteponiendose a estas circunstancias.
46
47
Para ustedes ¿Qué nuevos enfoques se deberían tomar para cambiar del diseño de interiores y la arquitectura al día de hoy? Creemos que todo diseño debería estar orientado a cumplir un objetivo preciso, claro y bien definido desde antes de comenzar a trabajar. Un buen diseño no sólo debe verse “bonito” sino que debe cumplir el objetivo para el que fue creado, incluso superando sus expectativas. ¿Cuál es el mejor consejo que han recibido y qué consejo le darían a los arquitectos y diseñadores jóvenes? ¡Que gran pregunta! Creo que un buen consejo que también nos ha cambiado la forma de ver el mundo es “Hacer todo como te gustaría que te lo hicieran a tí”, si todo el mundo aplicamos esta filosofía todo sería completamente diferente. ¿Qué sigue para Bedrock? ¿Tienen nuevos proyectos en camino? Justamente estamos pasando por un proceso de transformación donde en el corto plazo nos estaremos enfocando más en aportar al diseño a través de artículos, tips, tutoriales y más… Yendo más allá de sólo hacer diseño para consumidores finales.
48
49
DISEÑADOR INVITADO
mechudiamante
María Mercedes Galcerán, a.k.a. Mechu Diamante. Una diseñadora gráfica argentina lleva el arte en vena. En sus inicios formaba parte de una banda musical de chicas que le dio el espacio para dar a conocer su trabajo, diseñaba y creaba sus propios flyers y stickers para los shows, posteriormente descubrió que podía llevar esta expresión a algo más y tomó en el 2014 su primer curso de lettering para luego profesionalizarse como artista del lettering y rotulista. “En las letras encontré una pasión que desconocía y hasta el día de hoy me llena de satisfacción, es por eso que busco fomentarla constantemente a través del aprendizaje de nuevas técnicas o herramientas para mantener ese fuego encendido. Cada vez que surge un proyecto con un desafío nuevo siento una mezcla inexplicable de placer y miedo, que creo es la combinación que me llena de gratitud al finalizar. “ Mechu Diamante.
50
51
LUCIANA Editorial por Paula Rivera
El Salvador| behance.net/lapaurivera
52
paurivera1
53
54
55
56
57
DISEÑADOR INVITADO
lettering.iam Ana Moreno es una diseñadora industrial colombiana que trabajó la mayor parte de su carrera en diseño gráfico. Cuatro años atrás descubrió el lettering y el diseño tipográfico y se enamoró perdidamente de ellos. Desde muy pequeña tuvo una gran fascinación por las letras. Descubrió el lettering en una publicación de Instagram y desde entonces se dedicó a aprender este arte que le abrió los ojos a un sin número de posibilidades a nivel laboral. Se ha dedicado a recolectar fotos de letreros y avisos en sus viajes por el mundo y esto le ha servido para ir construyendo una gran biblioteca mental con lo que explora y experimenta en cada una de sus piezas. Su estilo está en continua evolución ya que experimenta y aprende nuevas técnicas; en su trabajo los colores intensos, la ilustración y las letras orgánicas siempre son una constante. Le gusta inspirarse en el pop art, los comics y el arte psicodélico ya que encuentra aquí colores y sobretodo texturas que le dan vida a sus obras. Su experiencia la ha llevado a trabajar con marcas como Universal Music y Pandora, marcas internacionales en Estados Unidos, Costa Rica y marcas colombianas como Delirio-Hecho en Cali, Calzatodo, y Carvajal Espacios. Además, dicta talleres de lettering como una manera de transmitir lo que ha aprendido, pero sobre todo para aportar al crecimiento de la comunidad de letristas y que el gremio tenga más visibilidad. Su tiempo libre siempre lo dedica a hacer proyectos personales para sus redes sociales y portafolio y a devorarse cursos online sobre lettering, ilustración, redes sociales, marketing y edición de fotos y video.
58
59
60
