Hans Hartung

A &R FLEURY

HANS HARTUNG

A & R FLEURY MODERN & CONTEMPORARY ART

HANS HARTUNG

RIGUEUR & FULGURANCE

RIGUEUR & FULGURANCE

HANS HARTUNG RIGUEUR & FULGURANCE

19 OCTOBRE - 18 DÉCEMBRE 2018

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Remerciements : Nous tenons à remercier sincèrement nos amis, nos confrères ainsi que les collectionneurs ayant contribués de manière directe ou indirecte au bon déroulement de cette exposition.

Merci pour votre confiance.

EXPOSITION : 19 . 10 . 2018 / 18 . 12 . 2018 36 AVENUE MATIGNON - 75008 PARIS www.arfleury.com - +33 (0)1 42 89 42 29 info@arfleury.com - Lundi : 14h00 - 19h00 Mardi - samedi : 10h30 - 13h00 & 14h00 - 19h00

A&R FLEURY MODERN & CONTEMPORARY ART

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HANS HARTUNG

1904 - 1989

Index

Rigueur & Fulgurance

Préface de Patrick-Gilles Persin

Œuvres

Historique des œuvres

p.68

Entretien entre André Parinaud et Hans Hartung

p.70

Récompenses

Biographie

p.74

Musées & collections publiques

Expositions personnelles

p.76

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p.07 p.09 p.14

p.75

p.77

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"L’abstraction lyrique est la seule expression picturale qui nous relie directement au spirituel.

Notre attachement au matériel fait que cela nous échappe."

Hans Hartung

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Hans Hartung dans l’atelier d’Antibes. © André Villers, photo prise en octobre 1982

Rigueur et Fulgurance

Alexandre & Richard Fleury

Nous avons choisi ce titre car il nous a semblé décrire en deux mots et de manière concentrée la vie picturale de l’artiste.

A ses débuts, Hans Hartung donne l’impression d’une gestuelle instantanée, lyrique et spontanée, mais en réalité, sa passion pour les mathématiques et le rationnel prend une place importante dans son œuvre.

La spontanéité de ses papiers se transforme en une minutieuse mise au carreau, voici la manière dont Hartung s’exprime sur ses toiles jusqu’à la fin des années 50 : avec une grande rigueur.

Son geste libre devient décisif à partir des années 60, période importante où l’artiste nous dévoile sa capacité de renouvellement et son besoin d’expérimentations.

Les recherches techniques que l’artiste entreprend à travers la fabrication de nouveaux outils/pinceaux, ou encore suite à l’utilisation de nouveaux matériaux, peinture vinylique et acrylique, inscrit Hans Hartung comme le maître de l’innovation.

Les Années 70 représentent « le Champ des Oliviers », la propriété d’Antibes, où l’artiste développera ses dernières recherches artistiques mises en place durant les années 60 : Les pulvérisations et les projections.

Depuis les années 70 et jusqu’à sa mort en 1989, Hans Hartung n’aura cessé de créer un art hautement expérimental. L’audace des années 60 se transforme en un art de «sensation» que le peintre exprime de manière atmosphérique sur de grands formats. Ces immenses toiles sont les témoins d’un combat : Un homme de quatre-vingt-cinq ans dont la force intérieure se manifeste à travers ses fulgurantes pulvérisations qui marqueront ses contemporains.

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Hans 8 Hartung dans l’atelier d’Antibes. © André Villers, photo prise en 1974 CATALOGUE EXPOSITION HANS HARTUNG - A&R FLEURY 2018.indd 8

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Préface de Patrick-Gilles PERSIN

Depuis ses toutes premières expositions parisiennes, chez Lydia Conti, puis, plus tard, à la Galerie de France, le peintre Hans Hartung a bien vite imposé son écriture, tout comme l’ont fait, avec d’autres moyens, ses amis Soulages et Schneider. Sa personnalité picturale est tout autant celle de la rigueur dans la diversité que celle de l’étendue incessante des recherches de cet artiste aujourd’hui universel.

L’œuvre d’avant-guerre de Hans Hartung qui nous est aujourd’hui plus familière, est celle des taches d’encre (1932-38) qui devaient faire de lui le père incontestable du « tachisme » autour des années 1950. Lorsque l’artiste se remet au travail, après la guerre, dès le milieu des années 1940, l’élan de son trait calligraphique est appuyé, solidement ancré dans une matière picturale jugulée et sensible. A la première lecture ce trait peut paraitre, le plus souvent, léger, presque aérien.

Mais attention : Hartung n’est jamais ornemental.

Loin de là, il fait partie de ces artistes qui donnent au trait une puissance exceptionnelle, faisant ressentir une telle force dans ce trait que celui-ci confine à l’incision. Presque une manière de lacération, mais peinte. Très tôt, parallèlement, les fonds unis, en plans limpides (comme transparents), s’opposent à une écriture rythmée, puissante où les lignes quasiment noires s’uniront bientôt comme des gerbes auxquelles s’adjoindront, plus tard encore, des plages horizontales assombries. Puis, les fonds deviennent plus lumineux comme pour soutenir l’arrivée de nouvelles plages qui, à leur tour, prendront vite des couleurs vives.

translated by Jane MacAvock

From his very first exhibitions in Paris with Lydia Conti and then later at the Galerie de France, the painter Hans Hartung very quickly imposed his style, just as his friends Soulages and Schneider did, but using other means. Rigour in diversity are as much part of his artistic personality as the incessant expansion of investigation by this artist who is today recognized as universal.

Hans Hartung’s pre-war work which is now more familiar to us, is that of ink stains(1932-38) which made him the uncontested father of “tachism” around the 1950’s. After the war, when he went back to working from the mid-1940’s, the momentum of his calligraphic line was pressed, solidly anchored in painting that is both kept under control and sensitive. At first sight, this line can often appear light, almost airy. But be warned: Hartung is never decorative. Far from it.

He is one of those artists who imbue the line with exceptional power, making such a force felt in this line that it becomes similar to an incision. Almost material for laceration, but painted. Very early, in parallel, the plain backgrounds, with limpid areas of colour (as if transparent), form a contrast with the strongly rhythmed, powerful handling, where the almost black lines soon came together like sheaves to which even later flat darkened areas would be joined. Then, the backgrounds became more luminous, as if to support the arrival of new areas which in turn quickly took on bright colours.

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Le lyrisme et la dynamique de Hans Hartung mêlent l’inconscient au réfléchi. La technique est pour lui un élément fondamental impérieux, et ce depuis la préparation de la toile jusqu’à sa concrétisation finale. Ses glacis et ses choix de couleurs sont finement étudiés, traités.

De là, il découle naturellement que l’élaboration d’une peinture est lente. Il lui faut parfois plusieurs semaines pour achever un tableau. Il peint par couches superposées jusqu’à obtenir le ton souhaité, désiré qui s’accordera de l’ensemble de la composition. Il est à noter que, comme Gérard Schneider, c’est en 1960 qu’il passe définitivement de la peinture à l’huile à l’acrylique. Cela dit, jamais la rigueur de ses recherches savantes et minutieuses ne peut être ressentie par le spectateur.

Notons qu’il n’y a là ni éclaboussures, ni coulures comme chez tant d’autres de ses collègues d’alors.

Pendant des décennies son œuvre s’imposera comme impeccablement « propre ».

Bien plus tard, des violences seront faites à l’œuvre : grattages, griffures et arrachages.

Elles s’organisent dans l’espace peint, souvent soutenues ou soulignées par le geste volontaire de zébrures qui envahissent la toile ou le papier. C’est là, à nouveau, un jeu subtil entre le déferlement des sentiments de Hans Hartung confrontés à l’espace créatif. Ici, le lyrisme soutenu par l’émotion prend une dimension totalement inédite. L’artiste, alors installé dans sa maison d’Antibes, au soir de sa vie et n’ayant plus rien à prouver depuis longtemps, s’autorise toutes les audaces. C’est là l’honnêteté de celui qui a su comprendre qu’aller au-delà de ses acquis est le privilège d‘un homme à la disponibilité absolue.

«Le lyrisme et la dynamique de Hans Hartung mêlent l’inconscient au réfléchi»

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«Hartung’s lyricism and dynamism combine the unconscious and the considered»

Hartung’s lyricism and dynamism combine the unconscious and the considered. Technique was for him a fundamental imperious element, from the preparation of the canvas up to its final completion.

His glazes and choices of colours are studied and treated with finesse. From this, it follows naturally that the development of a painting is a slow process.

Sometimes it took him several weeks to finish a painting. He painted in superimposed layers until he achieved the desired shade, which went with the overall composition. It should be noted that, like Gérard Schneider, it was in 1960 that he passed definitively from oil painting to acrylic. That said, the rigour of his skilful and detailed investigations could never be perceived by the viewer. We should note that there are no splashes, nor any drips like in the art by many of his colleagues of that time. For decades his work stood out as impeccably “clean”.

Much later, violence would be perpetrated against the work: scrapes, scratches, and tears.

They are organised in the painted space, often supported or emphasized by the voluntary gesture of stripes that invade the canvas or the paper. Here, again, a subtle play between the wave of emotions of Hans Hartung confronting the creative space.

Here, the lyricism supported by emotion takes on a completely new dimension. The artist, who had by then settled in his house at Antibes, towards the end of his life and no longer having had to prove anything for a long time, allowed himself the full scope of his audacity. Here is the honesty of someone who understands that to go beyond what he knows is the privilege of a man who is completely open.

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Le critique Michel Ragon, qui a si bien connu Hans Hartung, observant son œuvre au travers du temps, a rappelé que les trois mots qui viennent à l’esprit devant l’œuvre de Hartung sont : hasard, chaos et dynamique. De fait, il compose des dessins, des pastels et des peintures dans un langage plastique aux traits verticaux ou tourbillonnants, épais ou fins. Tout au long de sa vie Hans Hartung restera attaché à multiplier les variations de ses thèmes qu’il épuise sans pour autant s’enfermer, s’interdire de nouvelles voies encore totalement inédites.

L’œuvre de Hans Hartung, aisément reconnaissable par tous, est celle de la sensibilité, du volontaire et d’une extraordinaire souplesse gestuelle, mais aussi et surtout celle d’impulsions et de réflexions. Chaque œuvre est conçue dans l’esprit d’un renouvellement perpétuel.

Évoquons rapidement le fameux questionnement à son propos et qui lui a pesé longtemps: est-ce le geste ou l’esthétisme qui domine dans l’œuvre de Hartung ? Les tenants du gestuel s’opposaient ainsi aux plasticiens.

La question faisait rage et avait une grande importance à l’époque, mais voilà : est-elle encore d’actualité aujourd’hui ? Enfin la voici rappelée.

Chacun se fera sa propre idée. Faisons donc foin de toutes ces polémiques devenues quelque peu stériles et saluons un grand peintre dont la forme de langage et les différentes approches plastiques nous convainquent indéniablement plus que jamais.

Pour l’ouverture de son nouveau lieu, la Galerie A&R FLEURY a réuni ici un très bel ensemble rétrospectif d’œuvres, principalement de peintures et aussi d’importantes œuvres sur papier ou carton. Et ce, depuis le somptueux pastel de 1947 qui confine au chef-d’œuvre, jusqu’aux toutes dernières toiles, toutes aussi emblématiques, celles des années 1988 et 1989. Ce panorama dont l’efficacité est assurée, nous propose un regard intelligent sur l’effusion lyrique et les impulsions les plus secrètes du peintre.

The art critic, Michel Ragon, who knew Hans Hartung so well, having observed his work over time, recalled that the three words which come to mind in the presence of Hartung’s work are: chance, chaos and dynamic. In fact, he composed drawings, pastels and paintings in an artistic language made up of vertical or swirling, wide or narrow, lines. Throughout his life, Hans Hartung remained attached to multiplying the variations of his themes, which he exhausted without shutting himself in or avoiding new paths that were completely innovative.

The art of Hans Hartung, easily recognizable by anyone, is that of sensitivity, of voluntary and extraordinary flexibility in the gesture, but also and above all that of impulses and reflections. Each work is conceived in the spirit of perpetual renewal.

We should evoke rapidly the famous question concerning him and which burdened him for a long time: is it the gesture or the aesthetic that dominates in the work of Hartung? Those supporting the gesture in this way opposed visual artists. This issue raged and was very important at that time, but there: is it still relevant today? At last, it is recalled here.

Everyone will have their own idea. So let us not make a fuss about all these controversies that have now become quite sterile and we shall salute a great painter whose form of language and different artistic approaches undeniably convince us even more than ever.

For the inauguration of its new space, the Galerie A & R FLEURY has brought together a beautiful retrospective group of works, so many paintings and works on paper or card.

Starting with the splendid pastel of 1947 which borders on the masterpiece, up to the very last canvases, which are just as emblematic, those of the years 1988 and 1989 . This panorama, the effectiveness of which is assured, offers us an intelligent view of the artist’s lyrical effusion and most secret impulses.

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« Où donc réside l'intérêt des œuvres de Hartung ?

Pour moi c'est de l'audace associée à la maîtrise absolue; Hartung ose et réussit. Jugez-en !»

Henry Geldzahler

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*Extrait de l’entretien entre André Parinaud et Hans Hartung, Paru dans Galerie des Arts – 1977

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Sans titre 1947 Pastel et encre sur papier Pastel and ink on paper 44 x 57,5 cm - 173/8 x 225â „8 in.

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Sans titre 1955 Encre de chine sur papier India ink on paper 27,4 x 20,5 cm - 103/4 x 81/8 in.

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P1958 - 50 1958 Pastel et mine de plomb sur papier Pastel and graphite on paper 50 x 65 cm - 195/8 x 255/8 in.

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T1960 - 10 1960 Technique mixte sur toile marouflée sur panneau Mixed media on canvas mounted on panel 105 x 40,5 cm - 413/8 x 16 in.

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T1960 - 89 1960 Pastel et grattage sur papier Pastel and scratching on paper 48,5 x 72 cm - 191/8 x 283/8 in.

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T1961 - 40 1961 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 81 x 60 cm - 317/8 x 235/8 in.

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T1961 - H5 1961 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 61 x 162 cm - 24 x 633/4 in.

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T1963 - K13 1963 Vinylique sur toile Vinylic on canvas 92 x 73 cm - 361/4 x 283/4 in.

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T1963 - K29 1963 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 81 x 60 cm - 317/8 x 235/8 in.

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" Griffonner, gratter, agir sur la toile, peindre enfin, me semblent des activités humaines aussi immédiates, spontanées et simples que peuvent l'être le chant, la danse ou le jeu d'un animal, qui court, piaffe ou s'ébroue ."

Hans Hartung

(Hans Hartung, Autoportrait, récit recueilli par Monique Lefebvre, Paris, 1976)

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T1964 - E21 1964 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 90 x 150 cm - 353/8 x 59 in.

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KP1967 - 8 1967 Pastel, crayon et mine de plomb sur papier Pastel, pencil and graphite on paper 31 x 31 cm - 121/4 x 121/4 in.

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«Que l’œuvre de Hans Hartung soit devenue l’un des phares de l’art contemporain, il est inutile de le souligner.

C’est désormais un lien commun que de louer une œuvre aussi exemplaire et dont l’importance capitale n’échappe plus à personne. Qu’il exerce une influence est trop peu dire.

Son importance tient en fait en ce qu’il a ouvert un nouveau chemin à la peinture. Ses disciples sont légion. Mieux que des imitateurs, il a suscité des peintres authentiques qui sont partis de son exemple pour aboutir ailleurs...»* Michel Ragon

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* Extrait de : Michel Ragon, «Hans Hartung», Cimaise, octobre-novembre-décembre *1960, n°50, p.12-26. *Hans Hartung dans son atelier d’Antibes, vers 1975. © photo André Villers.

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T1971 - E29 1971 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 102,5 x 130 cm - 403/8 x 511/8 in.

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T1971 - R7 1971 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 54 x 81 cm - 211/4 x 317/8 in.

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T1971- 38 1971 Encre, pastel et grattages sur carton baryté Ink, pastel and scraping on baryta cardboard 50 x 73 cm - 195/8 x 283/4 in.

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KP1971 - 75 1971 Acrylique et pastel sur papier Acrylic and pastel on paper 30 x 30 cm - 113/4 x 113/4 in.

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T1973 - Z29 1973 Acrylique et encre sur carton baryté Acrylic and ink on baryta cardboard 73 x 50 cm - 283/4 x 195/8 in.

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P1973-C30 1973 Acrylique sur carton marouflé sur toile Acrylic on cardboard mounted on canvas 74,5 x 104,3 cm - 293/8 x 411/8 in.

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T1974-H4 1974 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 60 x 81 cm - 235/8 x 317/8 in.

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T1979-H9 1979 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 92 x 150 cm - 361/4 x 59 in.

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« J’éprouvais devant les orages une terreur ensorcelante, je vibrais sous leur force, sous leur puissance. Mes cahiers d’écolier se remplirent de pages et de pages d’éclairs.

Mon père les appelait les «Blitzbücher» de Hans, les livres des éclairs. Mes éclairs enfantins ont eu, j’en suis sûr, une influence sur mon développement artistique, sur ma manière de peindre. Ils m’ont donné le sens de la vitesse du trait, l’envie de saisir par le crayon ou le pinceau l’instantané, ils m’ont fait connaître l’urgence de la spontanéité. » * Hans Hartung

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* Hans Hartung, Autoportrait, récit recueilli par Monique Lefebvre, Paris, 1976.

Hans Hartung dans l’atelier d’Antibes. © André Villers, photo prise le 11 septembre 1989.

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TITRE Pastel et grattage sur papier 1960 48,5 x 72 cmcm

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T1988-E41 1988 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 180 x 142 cm - 707/8 x 557/8 in.

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T1989-K8 1989 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 100 x 100 cm - 393/8 x 393/8 in.

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T1989-R31 1989 Acrylique sur toile Acrylic on canvas 142 x 180 cm - 557/8 x 707/8 in.

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HISTORIQUE DES ŒUVRES P.14-15 Pastel et encre sur papier, 1947, 44 x 57.5 cm, signé daté en bas à droite

Bibliographie :

Viktor et Marianne Langen : Art du XXe siècle, Ascona, 1986, tome II, couleur ill., p. 278

P.16-17 Encre de chine sur papier, 1955, 27,4 x 20,5 cm P.18-19

Pastel et crayon sur papier, 50 x 65 cm signé et daté en bas droite Exposition : Hans Hartung Pastels 1958, Kleemann Galleries, New York, 1959 Bibliographie : Hans Hartung pastels 1958, Kleemann Galleries, New York, 1959

P.20-21 Technique mixte sur toile marouflée sur panneau,1960, signée et datée en bas à droite,

100,5 x 40,5 cm P.22-23 Pastel grattage sur papier, 48.5 x 72 cm signé et daté en bas à gauche P.24-25 Acrylique sur toile, 1961, 81 x 60 cm,signé et daté en bas à droite P.26-27

Acrylique sur toile, 1961, 62 x 162 cm,signé et daté en bas à droite Exposition : Galerie Daniel Gervis, Paris, 1987 Bibliographie : Pierre Daix, Hartung, Editions de Grenelle, Daniel Gervis, Paris, 1991

P.28-29

Vinylique sur toile, 1963, 92 x 73 cm Exposition : L’exposition du peintre Hans Hartung, Taiwan Museum of Art, Taichung, 1997 Bibliographie : Huang Geoffrey, Fleck Robert, Cheng-Hsiung Chen - L’Exposition du peintre Hans Hartung, Taiwan Museum of Art, Taichung, Taiwan, 1997 Cerritelli Claudio - Hartung, Arte 92, Milan, 2002

P.30-31 Acrylique sur toile, 1963, 81 x 60 cm P.34-35

Acrylique sur toile,1964, 92 x 150 cm, signé daté en bas à droite Expositions : 6 Pariser Maler, Fränkische Galerie, Nuremberg, 1965 Hans Hartung Œuvres de 1960 à 1989, Musée du Pilori, Niort, 1991 Hans Hartung Œuvres de 1960 à 1989, Palais des Festivals, Biaritz, 1991 Bibliographie : Persin Patrick-Gilles - Hans Hartung œuvres de 1960 à 1989, Editions Expressions contemporaines, Angers, 1991 Briot Marie-Odile - Nécessité de la peinture de la liberté de l’art moderne, Editions Cercle d’art, Paris, 1994

P.36-37 Pastel mine plomb sur papier, 1967, 31 x 31 cm, signé daté en bas à droite P.42-43

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Acrylique sur toile, 1971, 102 x 130 cm Exposition : Hans Hartung Painting 1971-1975, Metropolitan Museum of Art, New York, 1975 Bibliographie : Hans Hartung 1971-1974, Arts et Métiers, Paris, 1974 Geldzahler Henry - Hans Hartung Paintings 1971-1975, The Metropolitan Museum of Art, New York, 1975 Cerritelli Claudio - Hartung, Arte 92, Milan, 2002

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P.44-45

Acrylique sur toile, 1971, 54 x 81 cm Exposition : Hans Hartung opere 1971-1976, Limen Otto9cinque Arte contemporanea, Rome, 2011 Bibliographie : Riposati Massimo - Hans Hartung opere 1971-1976, Edizioni Carte Segrete, Rome, 2011

P.46-47

Pastel et encre sur carton baryté, 1971, 50 x 73 cm, dédicacé, signé et daté en bas; Collection du docteur Méry (docteur de Hans Hartung et Anna-Eva Bergmann)

P.48-49

Pastel et encre sur carton baryté, 1971, 50 x 73 cm, dédicacé, signé et daté en bas; Collection du docteur Méry (docteur de Hans Hartung et Anna-Eva Bergmann)

P.50-51

Acrylique et encre sur carton baryté, 1973, 73 x 50 cm, signé et daté en bas à droite

P.52-53

Acrylique sur carton baryté marouflé sur toile, 1973, 74.6 x 104.3 cm, signé daté en bas à gauche Expositions : Hans Hartung «Le champ des oliviers», Salle d’exposition du quai Antoine 1er, Monte Carlo, 1999 Hans Hartung, Galleria Cafiso d’Arte, Milan, 2005 Bibliographie : Fresia Martine - Hartung le champ des oliviers, Fondation Hartung-Bergman, Antibes, 1999 Calvesi Maurizio Hans Hartung, Skira, Milan, 2005

P.54-55

Acrylique sur toile, 1974, 60 x 81 cm, signé et daté en bas à gauche Exposition : Hans Hartung opere 1971-1976, Limen Otto9cinque Arte contemporanea, Rome, 2011 Bibliographie : Riposati Massimo - Hans Hartung opere 1971-1976, Edizioni Carte Segrete, Rome, 2011

P.56-57

Acrylique sur toile, 1979, 92 x 150 cm

P.62-63

Acrylique sur toile, 1988, 180 x 142 cm Exposition : Hartung : Peintures 1988, Galerie Sapone, Nice, 1989

P.64-65

Acrylique sur toile, 1989, 100 x 100 cm Expositions : Hans Hartung l’œuvre ultime, Arte Fiera 2007 - Galerie Sapone, Bologne, 2007 Hans Hartung n°2, Setareh Gallery, Düsseldorf, 2016 Bibliographie : Mundy Jennifer - Hans Hartung l’œuvre ultime, Galerie Sapone, Nice, 2007 Hans Hartung n°2, Setareh Gallery, Düsseldorf, 2016

P.66-67

Acrylique sur toile, 1989, 142 x 180 cm Exposition : Hans Hartung n°2, Setareh Gallery, Düsseldorf, 2016 Bibliographie : Hans Hartung n°2, Setareh Gallery, Düsseldorf, 2016

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1977 - Entretien entre André Parinaud et Hans Hartung (extrait) D’après le récit de l’artiste recueilli par Monique Lefebvre édité par les Editions Grasset, Paris en 1976.

Plusieurs citations issues de cet ouvrage sont présentes dans ce catalogue d’exposition.

André Parinaud (A.P.) : Dans votre « Autoportrait » (Grasset), vous signalez que l’éclair et le tonnerre, le bruit et la lumière sont peut-être les premières grandes émotions que vous ayez ressenties. Est-ce qu’on peut essayer d’analyser la façon dont cette émotion a peut-être impressionné certaines formes de votre création ?

Hans Hartung (H.H.) : Il y a des angoisses dont on hérite. Ma mère, ma grand-mère, avaient toutes les deux une peur panique des chats. Il fallait que mon père, avant le départ en vacances, écrive aux hôtels pour savoir s’ils s’engageaient à enfermer leurs chats durant notre séjour. Ainsi, on m’a communiqué la peur des chats, […]

A.P. : L’éclair est une crainte du même ordre ?

H.H. : Un effroi, une réaction physique et mentale, instantanée.[…]

A.P. : Parlons maintenant du rôle de la sensibilité, je veux dire telle qu’elle s’exprime dans votre goût de la tache. Vous avez écrit : « Je faisais des taches... Le censeur - qui était aussi notre professeur de grec - ne supportait pas mes taches. Il s’écriait : « Hartung, sortez ! Vous faites encore vos taches, vos horribles taches d’encre ! Vous verrez où cela vous mènera dans la vie de faire des taches et des gribouillages ! » J’aimais mes taches. J’aimais qu’elles suffisent à créer un visage, un corps, un paysage. Ces taches, qui, peu de temps après, devaient demander leur autonomie et leur liberté entières. Les premiers temps, je m’en servais pour cerner le sujet qui, lui, peu à peu devenait négatif, blanc, vide et enfin prétexte au jeu des taches.

Quelle joie ensuite de les laisser libres de jouer entre elles, d’acquérir leur propre expressivité, leurs propres relations, leur dynamisme sans être asservies à la réalité ! » Quelle est, selon vous, l’origine de ce goût pour la tache, pour cet informulé qui devient formulable ?

H.H. : J’ai deux amours : - le trait qui ne sert plus à fixer que les limites – mais j’ai très vite refusé les formes enfermées, délimitées et la tache qui, dans la liberté, par l’expressivité, par le rayonnement, va vers l’extérieur, qui pousse là où elle a le plus de force, là où elle a le plus de puissance : la tache qui exprime l’énergie.

A.P. : C’est donc cela la clé de votre goût pour la tache, l’énergie !

H.H. : Le dynamique. Et la tache pour elle-même, qui va de la douceur des nuages à la puissance cosmique, énorme. Mais, au commencement, j’avais l’amour de la tache, de la petite tache, de la grande tache, qui était là pour elle-même.

A.P. : Un concentré d’énergie, si je comprends ?

H.H. : Oui ! On ne sait pas où finira cette force, à quel moment elle va entrer dans le néant. En général, tout se passe par un affaiblissant du bord, les énergies qui tombent en éclaboussant : de l’énergie pure, dense...

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A.P. : D’où vous vient cette aversion - disons cette réaction - contre la forme précise, contre l’objet limité ?

H.H. : J’ai toujours eu le besoin de me sentir « en solitude ». Il peut y avoir autour de moi des gens amis ; tout le monde festoie ; moi je suis seul sans contact au milieu. J’avais dixhuit ans, j’étais dans un milieu très rigide, qui ne me permettait pas d’aller danser, ni de voir les filles. Un milieu protestant. Regardez ce portrait d’un de mes professeurs, il porte la mention : 1922. Je l’ai incarné en dragon ; une horrible bête, je réagissais ! Il y a eu une période impressionniste. Beaucoup de choses ont perdu leur figuration insensiblement et sont devenues allusives. Regardez voilà un homme... et puis là, deux lignes qui sont libres... C’est daté 1922-1923. La forme a perdu son sens au profit de la puissance : trouvant son expression propre, claire et nette. Elle n’a pas d’autre référence qu’ellemême. On rejoint un peu aussi le mythe de l’éclair, la transcendance - quelque chose qui n’a besoin d’aucune justification. En vérité, je ne supporte pas la soumission à la figuration qui gêne le libre jeu des chocs que j’éprouve.

L’abstraction chez moi, ne passe pas par l’intellect. Je n’ai pas besoin de doctrines. Je n’y suis pas arrivé à force de simplifications, mais d’emblée. je me suis vu justifié dès que j’ai vu Rembrandt.

A.P. : Vous avez raconté vos impressions d’alors : « Mon admiration grandissante pour Rembrandt ne se satisfaisait plus de la Gamaeldegalerie. Je fis un voyage à Brunswick dont le musée possède l’un des plus beaux Rembrandt. Et Je découvris « La Famille ». J’en restai cloué sur place. Devant ce tableau, j’eus soudain la révélation de ce que je ferais plus tard. Dans les plis, dans les drapés de la robe de la mère, Je découvris que Rembrandt aussi faisait des taches.

Des taches qui existent par elles-mêmes, par leur rythme, par leurs couleurs, par leur caractère, par leur expressivité. Devant cette découverte mon émotion fut si forte que je faillis m’évanouir. Je dus m’asseoir sur un banc, en attendant que mon vertige disparaisse.

Ma sensibilité m’a souvent joué de ces tours. Lorsque j’aime quelque chose, je me laisse envahir, conquérir et plus rien d’autre ne compte sauf l’absolu de ce sentiment, de ces sensations. Mon admiration pour Rembrandt avait pris cette forme absolue. Après avoir vu « La Famille », je sus que je serais peintre. « J’y découvrais des choses extraordinaires. Comme dans le dessin de ce lion dont la nervosité, cette nervosité tranquille, latente, cette fausse immobilité, est traduite tout entière dans le trait qui dessine la queue. A lui seul, ce trait exprime l’énergie, la vigueur, la puissance de l’animal. Quelquefois aussi dans ses dessins, lorsque Rembrandt arrive aux détails moins importants - ceux des vêtements, par exemple - soudain, il se laisse aller, il libère les formes. Si vous isolez un détail du vêtement, si vous l’agrandissez à la dimension d’un tableau, cela donne une peinture pure - dans sa profondeur - par ses lignes, ses taches, ses rythmes abstraits. On sent ce que cet homme aurait fait actuellement. Cette abstraction que j’avais déjà découverte par moi-même, je me mis à la traquer chez Rembrandt. Elle justifiait mes propres taches, et tout ce qui m’avait fait abandonner la figuration. » H.H. : C’était comme un choc devant l’énergie du ciel, un choc devant la tache qui incarne l’énergie. Et il me semblait que je dusse libérer la peinture de son alibi, la rendre à sa vérité de rapport de forces. En l’arrachant au sujet, je voulais transposer l’expression de l’énergie. Vingt ans plus tard on photographiait les cellules du sang, les espaces intersidéraux. Et les deux infinis me rendaient figuratif ! paradoxe ou prémonition !

Ces œuvres sont de 1922 ! [...]

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A.P. : Et à votre avis, il est nécessaire d’avoir la connaissance profonde d’un métier pour pouvoir être totalement libre ?

H.H. : Non pas du métier exactement, mais une connaissance intime de la beauté ; de savoir ce que l’homme a eu à dire, ce qu’il a trouvé comme réponses de beauté, de profondeur, de désespoir, de joie, de défi - j’adore les défis, il y en a de merveilleux.

Il faut bien connaître les racines.

A.P. : Quelles sont vos propres racines ?

H.H. : Mon grand-père était peintre, enfin il peignait. Il était médecin en vérité, mais aussi musicien, franc-maçon... Ma mère avait appris à peindre grâce à lui, et aimait la musique.

Notre maison était riche de cette ambiance. Cela m’a poussé vers l’art. La musique m’intéressait beaucoup, mais j’avais de très mauvais yeux, et je ne pouvais pas lire les notes juxtaposées les unes au-dessus des autres - elles formaient un trait pour moi - je ne pouvais pas les déchiffrer. J’ai vu un ophtalmologiste - que mon père croyait excellent, et qui était très mauvais - et qui m’a dit : il faut que vous vous fassiez opérer des yeux, vous avez un astigmatisme tel ! J’avais très peur. Heureusement il est mort une semaine après !... C’est la première fois que je me réjouis de la mort de quelqu’un ! Un autre ophtalmologiste m’a dit : Quel est l’imbécile qui vous a traité jusqu’à maintenant ? C’est le contraire qu’il fallait faire !

A.P. : Est-ce que d’une certaine manière, votre réaction vis-à-vis des objets ne tient pas à cet astigmatisme, parce que les yeux, en fait, sont des instruments de votre corps ?

H.H. : On a déjà dit semblable chose du Gréco, dont le succès en son temps serait dû à une coïncidence entre son astigmatisme et l’esprit maniériste qui se développait. Il était évidemment le plus grand, mais aidé par cette particularité, tout est possible.

A.P. : En tout cas, si vous n’aviez pas été astigmate, vous n’auriez peut-être pas quitté si vite la figuration !

H.H. : J’aurais peut-être fini musicien ! Cela m’a toujours tenté. Quand j’étais seul à la maison, encore plus tard, je m’accaparais le piano, ou n’importe quel autre instrument, je jouais pour moi-même. Je me suis acheté deux vioIons sans pouvoir lire les notes - c’était idiot, mais c’était l’amour du son et de l’instrument qui était beau, ma sœur est devenue violoniste, elle a joué dans le plus grand orchestre d’Allemagne.

A.P. : Ne pensez-vous pas que d’une certaine façon votre amour de la musique est présent dans votre œuvre. Je ne veux pas dire que votre œuvre est musicale, mais il y a une façon de traiter les formes, de traiter les lignes, comme un musicien développe ses périodes pour réaliser une plénitude sonore ?

H.H. : Oui, je le crois. Je pense à certaines toiles avec un trait - un seul trait - presque parfait, parce qu’il est réussi.

A.P. : Je crois que chaque trait de l’artiste est une sorte de miracle qui rassemble plusieurs démarches de l’être profond : l’angoisse et l’amour, le plaisir des couleurs.

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H.H. : Et n’oubliez pas la curiosité de l’existence. Dans ce sens-là, cela signifie : qu’est-ce que la matière ? Pourquoi est-elle là ? D’où vient-elle ? D’où viennent toutes les lois ?

A.P. : Je crois que chaque trait de l’artiste est une sorte de miracle qui rassemble plusieurs démarches de l’être profond : l’angoisse et l’amour, le plaisir des couleurs.

H.H. : Et n’oubliez pas la curiosité de l’existence. Dans ce sens-là, cela signifie : qu’est-ce que la matière ? Pourquoi est-elle là ? D’où vient-elle ? D’où viennent toutes les lois ?

A.P. : Parlez-moi de votre plaisir né de la couleur ?

H.H. : J’aime le noir. C’est sans doute ma couleur préférée. Un noir absolu, froid, profond, intense. Je l’ai très souvent employé associé à un fond très clair. J’aime ces couleurs qui permettent des contrastes forts : le trait, la ligne, les formes s’y détachent sans faiblesse.

Je ne crois pas avoir un tempérament de glace, mais j’ai toujours préféré les couleurs froides : le bleu, le vert turquoise très clair, le jaune citron, le brun foncé presque noir, ou tirant sur le vert. Je trouve que plus les couleurs froides sont pures mieux on y respire.

Le jaune a quelque chose de claironnant, de vibrant, de sonore. Le vert est plus retenu, plus atmosphérique, plus aquatique. Je n’aime pas beaucoup, pour la peinture, le vert gazon, et pas du tout le rouge taureau. Je trouve cette couleur brutale, impertinente, provocante. À la longue d’ailleurs, entre les couleurs et vous, se créent des complicités, des connivences, des résonances, des habitudes. Certaines vous deviennent comme une seconde nature.

C’est pour cela que, récemment, je me suis mis à changer, à utiliser des teintes plus vives, du rouge minium, de l’orange, du jaune pur, et surtout du mauve froid très clair.

Une merveilleuse couleur si douce, si fraîche. Ces nouveaux accords entre la couleur et moi correspondent à une sorte de renouveau, à cette période des grandes toiles auxquelles je travaille depuis 1971. [...]

A.P. : Vous croyez que l’art est une façon de vaincre la mort ?

H.H. : J’ai écrit que : Heureusement rien ne prouve que la mort soit la fin de la conscience du noyau humain.

L’essence de Dieu nous est absolument inconnue. Il nous est donc permis de croire que rien ne se perd totalement, mais que tout reste inscrit dans le centre de cette énergie mystérieuse qui régit le monde. Je crois que tous nos actes, nos pensées, nos désirs restent dans la conscience universelle. D’ailleurs il ne s’agit pas uniquement de nous, car nous n’avons aucune preuve que la Terre soit la seule Planète habitée. Si notre pensée, notre conscience étaient détruites, alors disparaîtrait en même temps une parcelle - si minuscule soit-elle - de l’énergie de l’univers, dont la masse parait rester toujours la même, et cela en troublerait les lois et les règles immuables.

D’Einstein jusqu’à ceux des hommes de sciences actuels qui sont arrivés aux résultats les plus poussés, la plupart reconnaissent qu’ils rencontrent à la fin, l’insondable. Quant à ma peinture, je crois justement qu’elle entretient un rapport, des rapports constants, mais très complexes, avec ce que l’on est convenu d’appeler la réalité extérieure.

C’est d’abord le Temps, le Temps senti par le spectateur. Le Temps d’exécution d’un trait, les ralentissements, les accélérations ; le Temps lent, spécialement pour les grandes taches, le Temps « intempestif» d’action.[...]

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Hans Hartung dans l’atelier d’Antibes, 1986. © Aurelio Amendola

RECOMPENSES (sélection)

1989 - Grand Officier de la Légion d‘Honneur, FR 1981 - 1er Prix Oskar Kokoschka Prize, Gouvernement Autrichien, AT 1976 - Citoyen d’honneur de la ville d’Antibes, FR 1970 - Grand-Prix des Beaux-Arts de la Ville de Paris, FR 1968 - Commandeur de la Légion d’honneur, FR 1967 - Prix d’honneur de la septième Biennale internationale de gravure à Ljubljana, SVN - Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres, FR 1960 - Grand Prix de Peinture à la Biennale de Venise, IT 1958 - Prix Rubens de la ville de Siegen, DE 1956 - Prix Guggenheim pour l’Europe-Afrique, USA

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BIOGRAPHIE

Hartung est communément présenté comme porte-drapeau de l’ « Ecole de Paris » et de « l’abstraction lyrique » et considéré avant tout comme un peintre d’après-guerre. Pourtant, dès la fin des années 30, l’artiste, né à Leipzig en 1904, a déjà participé à de nombreuses expositions dans toute l’Europe.

Son parcours commence véritablement en 1922 quand, âgé d’à peine 18 ans, il produit une série d’aquarelles frappantes par leur pure expressivité, alors même qu’il ignore les théories de Kandinsky. C’est le début d’une carrière qui durera près de soixante-dix ans et sera rythmée par d’incessantes innovations techniques.

Artiste à l’œuvre paradoxale, Hartung s’avèrera souvent à contre-courant de l’image que la critique construit de lui, avec pour résultat une « réception faussée » (Annie Claustres). Présenté comme le chantre d’une peinture gestuelle, lyrique et émotionnelle, il se passionne pourtant aussi pour les mathématiques, et sa peinture ne se comprend pleinement qu’en tenant compte de sa part rationnelle : des années 30 à la fin des années 50, il produit ses peintures en reportant point par point, selon la technique de mise au carreau, ses petits formats exécutés spontanément sur papier. Les années 60 marqueront par ailleurs un tournant.

Hartung cessera de travailler par report, mais inscrira encore sa peinture dans une patiente recherche d’innovation technique, notamment par la fabrication de multiples outils.

1960, c’est également la date à laquelle il remporte le grand prix de peinture de la Biennale de Venise, atteignant le sommet d’une reconnaissance internationale. Hartung ne cessera jamais de créer, peignant avec toujours plus d’ardeur jusqu’à ses derniers jours, dans sa propriété antiboise qu’il s’est conçue pour pouvoir travailler dans des conditions optimales.

Outre une existence dédiée à la peinture et à la création, la vie de Hans Hartung est un parcours dans l’Histoire, à laquelle il se confronte en interrompant sa carrière durant la seconde guerre mondiale. Par deux fois, il s’engagera dans la Légion Etrangère pour combattre aux côtés de la France contre son pays d’origine, l’Allemagne, et perdra une jambe au combat. Il obtiendra en 1946 la nationalité française.

Sa vie et son parcours sont également indissociables de ceux d’Anna-Eva Bergman, femme artiste qu’il rencontre en 1929 à Paris. Mariés en 1929, quelques mois à peine après leur rencontre, ils divorceront toutefois en 1938. Dès 1939, Hartung se remarie avec l’artiste Roberta Gonzalez, fille du sculpteur Julio Gonzalez.

Après l’épisode de la guerre et son retour à Paris, Hartung recroise le chemin d’Anna-Eva Bergman en 1952. Ils reprennent le cours de leur relation ; Hartung divorce de Roberta Gonzalez et épouse à nouveau Bergman en 1957. Peu de temps après, alors installés dans leur atelier de la Rue Gauguet à Paris, ils font le projet de concevoir sur la Côte d’Azur une villa-atelier où chacun pourrait travailler dans un espace parfaitement adapté à ses besoins. Ils achètent une oliveraie en 1960 à Antibes et Hartung conçoit les plans de la propriété.

En 1973, après cinq ans de construction, le couple s’installe au « Champ des Oliviers », avec déjà en tête l’idée de faire de ce lieu, après leur mort, un endroit dédié au rayonnement de leurs œuvres.

Fondation Hartung Bergman (extrait)

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MUSÉES & COLLECTIONS PUBLIQUES (sélection)

ALLEMAGNE Staatliche Museen zu Berlin, Berlin Hamburger Junsthalle, Hamburg Ludwig Museum, Cologne Neue Nationalgalerie, Berlin AUSTRALIE National Gallery of Australia, Canberra

FRANCE Centre Georges Pompidou, Paris Fondation Maeght, Saint-Paul-de-Vence Fonds Regional d’Art Contemporain, PACA, Marseille Fonds Départemental d’Art Contemporain, Val-de-Marne Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris Musée Fabre, Montpellier Musée Picasso, Antibes Musée d’Art Contemporain, Dunkerque

AUTRICHE MUMOK, Museum Moderner Kunst, Vienne

ISLANDE Listasafn Íslands (National Gallery of Iceland), Reykjavík

BELGIQUE Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles BRÉSIL Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro ESPAGNE Reina Sofia, Madrid ÉTATS-UNIS The Art Institute of Chicago, Chicago Museum of Modern Art, New York Metropolitan Museum of Art, New York Solomon R. Guggenheim Museum, New York De Young, San Francisco Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington Canton Museum of Art, Ohio Cleveland Museum of Art, Ohio Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts Busch-Reisinger Museum, Cambridge, Massachusetts Arthur M. Sackler Museum, Cambridge, Massachusetts Philadelphia Museum of Art, Philadelphie

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JAPON The Museum of Modern Art, Kamakura The Museum of Modern Art, Toyama ITALIE Gallerie Civica di Arte Moderna e Contemporanea (GAM), Turin Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome MEXIQUE Museo Tamayo Arte Contemporaneo, Mexico City ROYAUME-UNI Tate Collection, Londres The Courtauld Institute, Londres SUISSE Kunstmuseum, Bâle Kunsthaus, Zurich

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ISRAEL Haifa Museum, Haifa

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EXPOSITIONS PERSONNELLES (sélection)

2018 - France - Paris - Hans Hartung, rigueur et fulgurance, A&R Fleury - Etats-Unis - New York - A Constant Storm, works from 1922 to 1989, Perrotin - Etats-Unis - New York - Nahmad Contemporary - Royaume-Uni - Londres - Simon Lee - Allemagne - Bonn - Hans Hartung: Malerei als Experiment –Werke von 1962-1989 Kunstmuseum 2017 - Italie - Perugia - Hans Hartung. Polittici, Galleria Nazionale dell’Umbria - Hong Kong - De Sarthe Gallery: Hans Hartung: Abstraction: A human language - Allemagne - Dusseldorf - Setareh Gallery - In an Alternate reality - Italie - Milan - Hans Hartung, the 60’s, Galleria Dellupi - Allemagne - Berlin - Hans Hartung, Galerie Fahnemann 2016 - France - Landerneau - Hartung et les peintres lyriques, Fondation Leclerc - France - Aubagne - Beau Geste: Hans Hartung, Painter and Legionnaire, Musée de la Légion Etrangère - et Centre d’Art les Pénitents Noirs.

- Allemagne - Siegen - Hans Hartung and Photography, Museum of Contemporary Art 2015 - France - Cannes - Hans Hartung, Hommage à Daniel Cordier / Collection Fondation Hartung-Bergman, - Espace Miramar - France - Paris - Galerie Pascal Lansberg 2014 - Bresil - Sao Paulo - Hans Hartung: L’Atelier du Geste, Centro Cultural Banco do Brasil 2013 - Italie - Rome - The Roots of Signs: Graphic Works, Roma, Istituto nazionale per la grafica, Palazzo Polo 2012 - Allemagne - Berlin - Hans Hartung: Fait le 29.7.89 – Bilder eines Tages, Galerie Fahnemann - Hong Kong - De Sarthe Gallery: Hans Hartung: Paintings 1960’s - 1970’s 2011 - France - Vannes - Hartung: Estampes, Musée des Beaux-Arts de Vannes - Italie - Verbania - Boeing 70, Villa Giulia - Suisse - Geneve - Hartung: Estampes, Musée d’Art et d’Histoire.

- Royaume-Uni - Londres - Hans Hartung: The Final Years 1980-1989, Timothy Taylor Gallery 2010 - Allemagne - France - Suisse - Hans Hartung Prints, Museum of Prints and Drawings, National Museum - of Berlin; Bibliothèque Nationale de France, Paris; Musée d’Art et d’Histoire de Genève, - Etats-Unis - New York - Hans Hartung: The last paintings, Cheim & Read 2008 - France - Saint-Paul-de-Vence - Hans Hartung: le geste et la méthode, Fondation Maeght - Espagne - Madrid - Hans Hartung: Esencial, Circulo de Bellas Artes 2007 - Allemagne - Leipzig - Hans Hartung: Spontaneous Calculus, Pictures, Photographs, Film 1922-1989, - - Musée des Beaux-Arts ; Kunsthalle Kiel

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2005 - Chine - Nankin - Hartung in China, Palace of Fine Arts, Beijing, China; National Museum, Nankin 2004 - Pays Bas - La Haye - Hans Hartung: Conceptualism Before the Letter, Gemeentemuseum - Allemagne - Cologne - Hans Hartung: Works on Paper, 1922-1938, Museum Ludwig 2003 - France - Montbéliard - Hans Hartung, Musée d’Art et d’Histoire, Belfort, France; Musée du Château - des Ducs de Würtemberg 2000 - Italie - Turin - Hans Hartung, Galleria d’Arte Moderna 1999 - Allemagne - Berlin - Hans Hartung, Works on Paper 1922-1985, Kunstforum in der Grundkreditbank 1996 - Royaume-Uni - Londres - Hans Hartung: Works on Paper, 1922-1956, Tate Britain, - France - Fréjus - Hartung, Peintre moderne, Le Capitou - Centre d’Art Contemporain 1992 - Allemagne - France - Ludwigsburg - Villa Franck - Musée de Montbéliard - Hans Hartung: Extreme - Artworks 1922 – 1989 1989 - France - Colmar - Hans Hartung: First Abstract Research, 1922-1938, Musée d’Unterlinden 1988 - France - Carcassonne - Hans Hartung: Recent Works, 1986-1987-1988, Musée des Beaux-Arts - Italie - Ferrara - Hans Hartung, Galleria Civica d’Arte Moderna 1987 - France - Antibes - Hans Hartung: First Paintings, 1922-1949, Musée Picasso 1983 - France - Nice - Hartung: Paintingss 1980-1983, Galerie Sapone 1981 - Allemagne - Dusseldorf & Munich - Hans Hartung: Paintings, Drawings, Photography, Steddtische - Kunsthalle, Dusseldorf, Germany; Staatsgalerie Moderner Kunst, Munich 1980 - France - Paris - Hartung : Œuvres de 1922-1939, Musée d’Art moderne de la Ville de Paris 1979 - France - Paris - Hans Hartung : Peintures et œuvres sur papier 1976-1977, Galerie de France - France - Antibes - Hans Hartung, Musée Picasso 1978 - France - Les Sables-d’Olonne - Hans Hartung: Œuvres sur papier. Retrospective 1922-1978, - Musée -de l’Abbaye Sainte-Croix.

- France - Nice - Hans Hartung:Peintures, Galerie Sapone 1977 - France - Paris - Hartung, Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou 1975 - Etats Unis - New York - Hans Hartung: Paintings 1971-1975, The Metropolitan Museum of Art 1974 - Allemagne - Cologne, Berlin - Munich - Hans Hartung: Works from Five Decades, Wallraf-Richortz-- Museum, Cologne; Nationalgalerie Berlin; Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich - France - Paris - Hans Hartung: 1971-1974, Galerie de France

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1972 - Allemagne - Siegen - Hans Hartung, Städtische Galerie im Haus Seel 1971 - France - Paris - Hans Hartung: 1971, Galerie de France - France - Saint-Paul-de-Vence - Hartung: Large Formats 1961-1971, Fondation Maeght 1969 - Allemagne - Brunswick - Hans Hartung: Pictures, Pastels, Graphics, Kunstverein Braunschweig - Canada - Montreal - Hans Hartung, Museum of Fine Arts, Houston, USA; Musée du Québec, Quebec - city, Canada; Musée d'Art Contemporain 1968 - Royaume-Uni - Birmingham - Hans Hartung: A Retrospective Exhibition of Paintings and Drawings, - City of Birmingham Museum and Art Gallery - France - Paris - Hartung, Musée National d'Art Moderne 1967 - Italie - Turin - Hartung, Galleria d’Arte Narciso 1966 - Italie - Turin - Hans Hartung, Galleria Civica d'Arte Moderna 1963 - Pays Bas - Amsterdam - Hartung, Stedelijk Museum, Amsterdam - Autriche - Vienne - Hans Hartung, Museum des 20, Jahrhunderts - Suisse - Zürich - Hans Hartung, Kunsthaus - Allemagne - Dusseldorf - Hans Hartung, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen 1962 - France - Paris - Fifty New Works by Hans Hartung, Galerie de France 1961 - France - Paris - Hans Hartung, Œuvres de 1920 -1939, Galerie de France 1960 - France - Paris - Hans Hartung, Galerie de France 1958 - 1959 - Etats-Unis - New York - Hans Hartung: Pastels 1958, Kleemann Galleries - Allemagne - Siegen - Hans Hartung: Rubens Prize of Siegen 1956 - France - Paris - Hans Hartung. Dessins 1921-1938 1957 - Allemagne - Hans Hartung, Kestner-Gesellschaft, Hanover ; Württembergische Staatsgalerie, Stuttgart ; - Haus am Waldsee, Berlin ; Kunsthalle, Hamburg ; KoInischer Kunstverein, Cologne ; Germanisches - - - Nationalmuseum, Nuremberg - Etats-Unis - New York - Hans Hartung: Paintings, Kleemann Galeries 1954 - Belgique - Bruxelles - Hartung, Palais des Beaux-Arts 1949 - Royaume-Uni - Londres - Hans Hartung, Abstractions, The Hanover Gallery 1947 - France - Paris - Hans Hartung, Galerie Lydia Conti 1931 - Allemagne - Dresden - Hans Hartung, Kunstausstellung Kühl

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Crédits Conception du catalogue Alexandre & Richard Fleury Photographes - œuvres : Thomas Hennocque - portraits de l’artiste : ©André Villers et ©Aurélio Amendola Traduction Jane MacAvock Impression Bruno Cigoi Encadrements Galerie Montanari

©2018 A&R Fleury ©2018 Adagp

36 AVENUE MATIGNON - 75008 PARIS www.arfleury.com - +33 (0)1 42 89 42 29 info@arfleury.com - lundi : 14h00 - 19h00 mardi - samedi : 10h30 - 13h00 & 14h00 - 19h00

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RIGUEUR & FULGURANCE

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