B-side Magazine Issue #3

B-SIDE MAGAZINE // N_3 · PRIMAVERA 2012

B-SIDEMG.COM

música · THE BLACK KEYS · WHITNEY HOUSTON · BEACH HOUSE · ZAHARA · NORAH JONES · JACK WHITE · RUFUS WAINWRIGHT · LANA DEL REY ENTREVISTAMOS A

· FRANCISCA VALENZUELA · ABSYNTHE MINDED arquitectura y diseño

· ESPACIOS MÍNIMOS PARA DORMIR moda · LOEWE , EL ORO DE LA POLÉMICA · ESTILISMOS DE PRIMAVERA cine · LARS VON TRIER literatura · HARUKI MURAKAMI

MÚSICA · ARTE · CULTURA · DISEÑO · TENDENCIAS · ESTILO

sumario

#3 PRIMAVERA 2012

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04 · RUFUS WAINWRIGHT 06 · ENTREVISTA ABSYNTHE MINDED 11 · SANTIGOLD 12 · BEACH HOUSE 14 · THE BLACK KEYS 20 · WHITNEY HOUSTON 28 · ENTREVISTA FRANCISCA VALENZUELA 40 · LANA DEL REY 46 · EN PORTADA: THE CABRIOLETS 58 · ENTREVISTA SHUARMA 66 · MÚSICOS DE CUERDA TAMBIÉN CANTANTES 72 · ZAHARA 76 · TATTOOARTE: PETER AURISCH 80 · ESPACIOS MÍNIMOS PARA DORMIR 88 · MADINSPAIN 90 · LOOKBOOK PRIMAVERA 116 · LARS VON TRIER 118 · FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA 130 · CARTELERA CINE

editorial

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o hay nada como plantar una semilla y comprobar como germina, desde ese cálido momento en que brotan las primeras hojas… A pesar de este clima tan disperso del que disfrutamos últimamente, la primavera es por antonomasia la estación de la luz y del color, la época perfecta para que lo plantado crezca sin límites. Aquí llega la analogía, querido lector. Hace más de un año que vimos nacer este maravilloso proyecto que casi sin darnos cuenta crece cada día, echando raíces en un público cada vez más amplio. Hoy es momento de recoger los frutos de tanto esfuerzo, como en cada ocasión, con lo mejor del arte, la cultura y el diseño. Y como somos tan nuestros, no podía faltar esa modesta aportación en forma de producción propia. No sabemos hasta dónde llegaremos con esta locura editorial pero oiga… ¡Que nos quiten lo bailado! Disfruten del buen tiempo entre nuestras páginas, que ya iba tocando… JESÚS ROMÁN

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JESÚS ROMÁN

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FOTOGRAFÍA

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REDACCIÓN MÚSICA - CULTURA

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TEXTO

DAVID MARCO

Rufus

B-CURIOUS · MÚSICA

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l mayor de los Wainwright es de esos cantantes tan imprescindibles como etéreos. Todos sabemos de su talento, todos hemos escuchado una canción suya que nos ha enternecido y emocionado. Todos vislumbramos su talento natural, su atemporal y característica voz, su manera de ralentizar el tiempo y hacer que una pieza en 2012 suene como si de los años ochenta se tratase. Sin embargo, nunca ha experimentado un boom comercial que le haya situado en primer plano, algo que por otro lado quizás quitase mística a su carrera.

Una fugaz consulta a youtube nos alarma de su flagrante escasez de hits comerciales propios, si buscamos por Rufus Wainwright las dos primeras entradas nos llevan a Hallelujah y Accross the Universe, ambas magistrales versiones.

Curiosidades aparte, lo cierto es que Out of the game hace el número 11 en su discografía y teniendo en cuenta que su álbum debut salió a la luz en el 98 las cuentas son claras, casi un disco por año.

El álbum llegó no exento de polémica y sorpresa porque el primer single auguraba un acercamiento al pop y esa aparente accesibilidad puso en vilo a sus seguidores más acérrimos, aquellos que le

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confirieron hace tiempo un aura de grandeza por su insultante capacidad de abstracción de la tónica imperante en cada momento. Su elegancia compositiva y su afectada interpretación eran siempre una nota identificativa en los trabajos de Rufus y por primera vez se intuía un giro de timón en su sonido.

Nada más lejos de la realidad. La primera escucha nos retrotrae al clasicismo de anteriores discos, los coros pseudo-góspel y las incursiones y pasajes de viento predominan en la producción ciñéndose a sus cánones y patrones habituales. Los estribillos son de difícil percepción enmarañados entre atípicas estructuras.

Welcome to the ball y Out of the game compensan con su inmediatez la carga ecléctica de temas de lenta asimilación que predominan hacia el final del LP. Apto para escuchar inmersos en una burbuja y aislados del mundanal ruido exterior. Millones de matices por descubrir y un poso a largo plazo que no podemos cuantificar con las primeras escuchas.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

absynthe minded

ENTREVISTA

CARLOS BRANDT

B-FAMOUS · ABSYNTHE MINDED

DIRECTAMENTE DESDE BÉLGICA, ABSYNTHE MINDED PASÓ POR ESPAÑA DENTRO DE UNA PEQUEÑA GIRA EUROPEA CON SU NUEVO DISCO AS IT EVER WAS Y SU FRONTMAN BERT OSTYN NOS CUENTA DETALLES DE LAS NUEVAS CANCIONES Y LA EVOLUCIÓN DE SU ROCK ALTERNATIVO BAJO UNA “MENTE MÁS ABIERTA” JUGANDO CON BEATS UPTEMPO, JAZZ Y FUSIONANDO EL POP CON EL ROCK SÓLIDO

¿Qué os gustaría dejar a la audiencia después de un concierto?

Espero que muchas personas vengan y se vayan a casa con una sonrisa en su rostro. No es fácil para algunos porque no saben todas las canciones, pero con un buen ambiente se puede hacer a todos felices. ¿Qué os llevó a España a presentar As It Ever Was en Barcelona?

Nos gusta la ciudad, y tenemos algunos fans ahí. Tocamos todos los días, así que ¿Por qué no ir hacia el sur? Ya habíamos actuado anteriormente y tuvimos buena respuesta, esperamos poder tocar en todas las grandes ciudades de España.

‘Space’ es sin duda una gran introducción al álbum, pero ¿Cuáles son vuestras canciones favoritas en este nuevo material?

Amo a todos mis hijos (sonrisa) pero si realmente quieres que elija, End of the Line. Fue la última canción escrita y la primero que se grabó.

Un poco de electrónica con arreglos orquestales en You Will Be Mine ¿Qué instrumentos buscaron para obtener el sonido de este nuevo álbum?

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Sergej compró algunos sintetizadores y yo he comprado una guitarra nueva.

Todas esas cosas tienen una influencia, siempre estamos buscando nuevos sonidos... En una banda es importante investigar juntos, no hay una fórmula. Para Little Rascal probé con discos de vinilo y para algunos temas como You Will Be Mine, se utilizó un mellotron.

Habéis desarrollado una fórmula sencilla y eficaz: cada vez que suena vuestra canción en la radio se muestra el video en vuestro sitio web. ¿Cómo surgió esta idea?

Queríamos ser escuchados en la radio.

Sigue siendo un medio muy importante, es el único donde realmente se puede descubrir algo de la nada. Ahora vemos dónde está sonando y ¡La gente puede ver el video, al mismo tiempo! ¿Cuáles son vuestras metas con este nuevo álbum?

Estamos dirigiendo nuestras vidas hacia arriba... Creo que es un álbum que puede llegar a un montón de gente. Música del corazón...

Una canción que no podéis dejar de escuchar en vuestros iPods...

Sure Shot de Beastie Boys

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iano, guitarra, bajo, violín y la batería, es el sonido típico de Absynthe Minded, la banda que tras tres años ofrece nuevas canciones en un LP después de haber tocado por toda Europa y hacer una B.S.O para una peli Turquaze de origen belga-turco, lo que llevó a concebir nuevas estructuras para los temas que componen As It Ever Was, lo más reciente del grupo que saldrá a la venta el próximo mes de Junio.

Sus canciones se han convertido en las más sonadas de Bélgica y su vocalista nos dice “no tener la receta para una canción de éxito salvo una buena melodía”. Esto es lo que acompaña la carta de presentación del álbum, Space, con la producción de Adam Samuels que ha trabajado con Daniel Lanois, grabado en el estudio parisino La Frette.

How Short A Time, End of The Line, Only Skin Deep o la melódica You Will be Mine son las cartas fuertes de un trabajo que promete ser la insignia del grupo con ventas significativas en Holanda y Francia después de Envoi, su tema más popular que tocaron en su más reciente visita a nuestro país en la ciudad de Barcelona, dejando claro que Absynthe Minded tiene un solo objetivo: la conquista de Europa.

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B-CURIOUS · MÚSICA

Adaline NO ES LO HABITUAL, PERO EN OCASIONES OCURRE; UNA BUENA TAZA DE TÉ, UN ASIENTO CÓMODO Y LOS MEJORES AURICULARES QUE ENCUENTRAS EN TU CAMINO. NADA SE INTERPONE ENTRE TU TECLADO Y TU (PARA LOS QUE GUSTEN DE LO VINTAGE, SIEMPRE QUEDA EL RECURSO PLATÓNICO DE LA LIBRETA) A LA HORA DE HACER LLEGAR LO QUE ESCUCHAS AL OSADO LECTOR QUE SOPORTA TUS DESVARÍOS. TEXTO

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JESÚS ROMÁN

ada excepto la propia música. No es lo habitual, pero en ocasiones ocurre, que el mensaje que recibes es tan contundente que simplemente te dejas llevar, no hay nada que puedas transmitir que sea más importante que un puñado de canciones en el momento apropiado.

Modern Romantics me ha devuelto a esa encrucijada de papel en blanco y mente vacía. Esta segunda propuesta de la canadiense Adaline roza la sensibilidad extrema, y sin embargo va un largo paso más allá de su predecesor, Famous For Fire, en cuanto a estructura y contundencia. Cierto es que aquel debut muy por encima de la media que en 2008 publicaba de manera independiente ya dejaba entrever a una vocalista y compositora privilegiada en la línea de Tori Amos o Fiona Apple, que bebía a partes iguales del new wave y el pop barroco con momentos de teatralidad cabaretera. Ese puntito ‘naive’ dolorosamente emotivo sigue presente, haciendo honor en aquello del romanticismo como ente al título de este álbum de consagración, pero se hace evidente el recorrido vital de la cantante, y donde antes encontrábamos pinceladas leves de synthpop, ahora predomina la vertiente más oscura

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

del género – el comienzo con That’s What You Do Best no podría ser más acertado – y donde el folk crecía en la raíz del minimalismo en esta ocasión se adereza con momentos orquestales de esos que te roban la conciencia y el corazón – Cost Is Too High (Not To Love) es una de las piezas más bellas en lo que va de década -.

Llega ese punto en que el manido término “madurez” debería salir a la palestra. Claro que cuatro años después de aquel primer intento y ahora acompañada por Light Organs y Universal Records (con lo que eso conlleva a nivel de medios) Adaline ha madurado. Tanto como nosotros como oyentes. Se da por supuesta una mayor complejidad lírica y sonora. El caso es que lo que se nos ofrece va más allá de una habitual continuación discográfica, es un salto al vacío, un desnudo absoluto de emoción y versatibilidad, de belleza tímbrica y profundidad conceptual. Poco más que añadir, siempre en la frontera entre el rock de estructura pop y la electrónica más elegante, Adaline ha parido una serie de canciones que se deslizan entre tus oídos con la facilidad de lo que tiende a perdurar.

Y si no, prueba con temas como Sparks, The Noise, Wasted Time o Keep Me High y me cuentas…

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B-CRITIC · MÚSICA

AIR LE VOYAGE DANS LA LUNE (Virgin. 2012)

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acer la banda sonora de una película no es tarea fácil, mucho menos lo es si esta es muda y significa un cortometraje clásico del cine basado en la obra de Verne y Wells, bajo la creación del mago cinematográfico George Méliès. De esto se trata el nuevo proyecto de Air. Le Voyage Dans La Lune es un ícono de 35 mm que ha decidido volver a los ‘trendigs’ del mundo remasterizada y acompañada con la música que no fue creada en su momento, un trabajo nada fácil pero logrado. Air no describe este trabajo como el próximo álbum de su discografía, sino como un proyecto paralelo que estará al alcance de todo el que quiera junto al DVD de la película en una edición limitada.

La dualidad está en escuchar estos 11 temas como Air a secas o como la banda sonora del gran hito de Méliès. Cualquiera se complicaría en colocar todo tipo de sonidos modernos, vintages, instrumentales o una combinación de todos ellos, sin embargo, Air no defrauda y rescata lo más característico sin llegar a evolucionar demasiado.

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FATHER JOHN MISTY FEAR FUN (Sub Pop. 2012)

C Sonic Armada, Cosmic Trip o Parade son las primeras en salir a flote y la colaboración con Victoria Legrand en Seven Stars no deja de recordar a alguno de los álbumes anteriores de la banda. No por ello significa que no guste, es un disco seguro, directo, que mantiene la imagen auditiva y aporta ese extra a la película sin llegar a la innovación. Menos mal que aclaran que no es un nuevo LP y así podemos esperar ese punto de novedad sonora a la que nos tienen acostumbrados. CARLOS BRANDT

uando el folk, el indie y el country se dan la mano surgen grupos como Mumford & Sons, Iron & Wine o Fleet Foxes. De esta última formación proviene Josh Tillman quien esta vez emprende carrera en solitario conformando una seria alternativa a lo aportado por los anteriormente citados.

En su albúm debut vislumbramos temas más cercanos a la esencia country (I’m writting a novel) y experimentos de notable factura con mayor densidad instrumental y coral (Hollywood Forever Cemetery Sings). Aunque el sonido predominante en el disco está impregnado de un trabajo de cuerdas clásico y una carga vocal bien dosificada y con giros afectados. A lo largo y ancho del disco demuestra argumentos compositivos suficientes como para justificar su deseo de embaucarse en un nuevo proyecto a expensas de Fleet Foxes. Para los amantes del folk, del trabajo de cuerdas y de la interpretación vocal clásica.

DAVID MARCO

© SEAN THOMAS

SANTIGOLD MASTER OF MY MAKE-BELIEVE (Atlantic. 2012) LA PRIMERA VEZ QUE SANTI WHITE SALIÓ AL MERCADO FUE A INICIOS DE 2008 Y SOLO UNA LETRA LA SEPARABA DE LO QUE ES HOY EN DÍA. CON ELLA, UNA SERIE DE ÉXITOS Y UN HIMNO CONSAGRADO COMO UNO DE LOS MEJORES SINGLES, ACOMPAÑANDO COMERCIALES DE TELEVISIÓN Y ANUNCIOS PUBLICITARIOS QUE HICIERON DE “LES ARTISTES” SU MASTERPIECE

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or aquel entonces Santogold era protegida bajo los beats de productores como Diplo, Switch y Chuck Treece, lo cual hizo que su disco debut fuese uno de los más vendidos, reconociendo un sonido que sólo ella podía interpretar ante multitudes, abriendo conciertos para Bjork, M.I.A y Coldlplay para después unirse a otros grandes como Jay-Z, Kanye West, Beastie Boys y The Streets. Rock, dub y electrónica eran su acompañamiento ante la industria. Luego de un cambio de nombre y el reconocimiento de la crítica, Santigold llega cuatro años después con un nuevo álbum que puede hacernos respirar un poco en tiempos donde el dance se apodera de toda cantante conocida y, aquellas en lo alternativo, terminan a la merced de la industria comercial a la que podemos llamar pop.

Master of My Make-Believe es un disco ecléctico que sigue teniendo esa mezcla de reggae funk inquieto, co-producido por Dave Sitek de TV On The Radio,

que lo hace fascinante e impredecible. Sin embargo, sirve como una nueva introducción ante alguien que se mantuvo calmada por un buen tiempo y debe volver a enganchar a aquellos que hace algunos años se quedaron con ganas de escuchar más… lo que no tendrán tan difícil, la verdad.

GO! Junto a Karen O (YYY’s) es el perfecto comienzo que nos demuestra cuanto la echábamos de menos, pero no es hasta Disperate Youth que confirmamos la carta de presentación de este reciente LP en equilibrio de sonidos del mundo por generalizarlos junto a la electrónica experimental.

Fame, Look At These Hoes o Freak Like Me son muestra de la combinación de sonidos a la cual nos tiene acostumbrados, en donde la sinergia del synth y new wave muestran un excelente resultado. Santigold regresa en uno de los discos más esperados del año y con la excelencia que la caracteriza.

CARLOS BRANDT

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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B-CRITIC · MÚSICA

BEACH HOUSE BLOOM (Sub Pop. 2012)

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yth, primer single de este trabajo, daba pistas bastantes jugosas de lo que Beach House tenia guardado bajo el brazo, pero apuesto a que nadie se había imaginado una producción de tal magnitud.

Bloom da el salto definitivo para convertir (más aún) al dúo de Baltimore en la figura más importante del dreampop y en un gran peso pesado de la industria independiente del momento.

Bloom se mueve entre paisajes de ensueño con una belleza entristecedora y melancólica que contrasta con la luz que irradia la producción del compacto. Canciones para aquellas mentes soñadoras que disfrutarán como nunca con temas como Troublemaker, que se convierte (quizás) en el mejor de este trabajo. Wishes destaca por ser la canción más evocadora del conjunto, de igual forma que On The Sea, donde el piano que suena a lo lejos escondido entre la voz de Vicki, se convierte en

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el clímax de Bloom. Un momento emocionante en el que el dúo casi nos obliga a partir en dos nuestro corazón y depositar nuestros miedos y pasiones en todos y cada unos de los temas que forman este cuarto trabajo. Temas que nos hacen recordar aquel perfecto amor adolescente que ahora se ha convertido en un imposible. Un amor limpio, puro, como la propia música de la banda estadounidense: llena de matices, luces, sentimientos; una música llena de vida.

Como ya dije al comenzar esta reseña, Bloom es la prueba más aplastante e inconmensurable de que Beach House son un milagro para una industria apagada. Han conseguido firmar un disco redondo, coherente y necesario. Y es que, ¿A quién no le gusta soñar mientras escucha estas pequeñas joyas con las que aquel primer amor, aquel amor verdadero, vuelve para quedarse?

TEXTO

GONZA GALLEGO

VICTORIA LEGRAND Y ALEX SCALLY TENÍAN LA DIFÍCIL TAREA DE MANTENER LA CALIDAD DE TEEN DREAM, SU ANTERIOR PROPUESTA Y EL DISCO QUE PARA CIENTOS DE MEDIOS ESPECIALIZADOS EN MÚSICA, FUE EL MEJOR DE 2010. NO HAN MANTENIDO LA CALIDAD SINO QUE LA HAN AUMENTADO HASTA EL INFINITO

VERONICA FALLS VERÓNICA FALLS (Slumberland Records. 2011)

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e las cenizas de varias bandas británicas (The Royal We, Sexy Kids, Your Twenties…) surge hace algo menos de dos años un cuarteto mixto establecido en Londres, Veronica Falls. Desde 2009 han ido racionando la aparición de singles pero ha sido ahora en la recta final de 2011 cuando han lanzado su homónimo álbum de debut.

En él traen de vuelta la esencia de aquel sonido que desde lo más profundo del underground británico sirvió para establecer los principios del Indie pop, el sonido C86. En su ejercicio de revisionismo también se oyen ecos del post-punk, del jangle-pop y del pop psicodélico de los 60 pero es en su propósito de actualizar esa miscelánea donde encuentran su indudable frescura: los coros mixtos, en ocasiones fantasmagóricos, su estructura rítmica galopante pero precisa y, por encima de todo, ese contrapunto

que producen sus dulces melodías a lo Mama’s and The Papa’s con sus grises letras, acordes, punteos, portada… le dan a este proyecto una personalidad propia.

Se trata de un álbum conciso y poco pretencioso que a nadie cambiará la vida pero a muchos les hará pasar un buen rato. Cortes como Found Love In A Graveyard (que fue el primer single) ó Beachy Head explican por sí solos el interés generado, sin embargo, la sombra del hype que planea sobre ellos seguro convertirá su segundo trabajo en una dura y minuciosamente analizada prueba. Con el alto nivel de Right Side Of My Brain, The Fountain, Bad Feeling, o Come On Over demuestran que se trata de un álbum plagado de buenas canciones, intenso y cautivador.

Y no fallan en directo, lo pudimos comprobar el pasado año en la Joy Eslava durante

el Primavera Club. Para los que no pudisteis asistir tenéis otra oportunidad en el Primavera Sound 2012, tanto en la nueva edición portuguesa en Oporto como en la clásica cita barcelonesa.

TEXTO

ADRIÁN CIUTAT

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

the

black

keys LOS ESTADIOS DE TODO EL MUNDO TIENEN NUEVOS INQUILINOS, SE TRATA DE UN DÚO DE AKRON (OHIO) QUE GRACIAS A UNOS CONTAGIOSOS RIFFS DE GUITARRA, A UNA CONTUNDENTE BATERÍA Y A UNA GENUINA VOZ, SE HAN CONVERTIDO EN LA BANDA DEL MOMENTO, CON UN SONIDO ABRASIVO Y ABSOLUTAMENTE VISCERAL. HABLAMOS, CÓMO NO, DE THE BLACK KEYS, EL GRUPO QUE HA DEVUELTO LA ESPERANZA A LOS ESCÉPTICOS QUE PENSABAN QUE EL ROCK ESTABA AGONIZANDO Y QUE, CON SU PROPUESTA DE BLUES-ROCK SUDOROSO, EN OCASIONES SUCIO Y MUY RESPETUOSO CON SUS RAÍCES, HAN CONSEGUIDO PONER DE ACUERDO A CRÍTICA Y PÚBLICO, CONVIRTIÉNDOSE EN EL GRUPO DE MODA, UNÁNIMEMENTE ACLAMADO

TEXTO

jAVIER DECIMAVILLA

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ero Dan Auerbach y Patrick Carney no son unos recién llegados, aunque sea ahora cuando están en boca de todo el mundo, de hecho El Camino es su séptimo trabajo, llevan ya diez años de carrera a sus espaldas.

Cuando en 2002 editaron su debut The big come up, a pesar de las buenas críticas cosechadas, se tendió a compararles con la banda que en ese momento más estaba dando que hablar, The White Stripes. Dichas comparaciones no andan desencaminadas en cuanto a estilo e influencias, pero los Keys no tardarían en intentar desmarcarse de ello y comenzar a dar forma a un universo musical propio.

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Tras su prometedor primer disco, llegarían Thickfreakness en 2003 y Rubber Factory un año después. Dos trabajos eclécticos en el sentido más amplio de la palabra pero siempre dentro de los parámetros marcados por el ideario del dúo y depurando poco a poco su sonido. Su espectro de referencias se fue abriendo y sin traicionarse a sí mismos, empezaron a marcar su propio territorio, gracias al intenso blues-rock que no han abandonado nunca pero que han ido afinando con el paso de los años.

Magic Potion y Attack & Release fueron editados en 2006 y 2008 respectivamente, manteniendo la línea de sus trabajos anteriores. Estos dos álbumes

B-CURIOUS · MÚSICA

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THE BLACK KEYS EL CAMINO (Nonesuch. 2011)

suponen un punto de inflexión en su carrera, una bisagra en torno a la cual giran sus trabajos más ásperos y los que les han dado el éxito masivo.

Manteniendo sus señas de identidad, como la pasión por las grabaciones analógicas y con material clásico, en 2008 estos dos peculiares artistas crearon uno de los discos de la década y, su asociación con el productor Danger Mouse fue más que productiva. Aunque ya habían trabajado con él en su anterior álbum, fue con Brothers con el que, de la noche a la mañana, los Black Keys se convirtieron en un fenómeno de masas, elevando aún más el listón que ellos mismos habían marcado. Canciones como

Next Girl o Tighten Up, supusieron para sus creadores el salto a la primera división del rock. La perfección de este disco no resta un ápice de calidad a sus anteriores propuestas, pero se sitúa a la cabeza de su carrera discográfica.

Por fin, a finales del pasado año, vio la luz el álbum que ha supuesto la globalización total del adrenalítico sonido de los de Ohio. El Camino es un disco corto, contundente, directo a remover las entrañas y la piel, una gloriosa propuesta con la que ascender a las más altas cimas. En algo más de media hora se desgranan las once canciones entre las que se reconocen fácilmente todas las características que han ido acuñando hasta la fecha. La infatigable y descarnada batería de Patrick Carney, los furiosos y ágiles desarrollos de guitarra y la carismática voz de Dan Auerbach, dotan al conjunto del sonido arenoso de siempre, pero con la facilidad de crear hits instantáneos y totalmente atemporales, como Lonely Boy o Gold On The Ceiling. Mención aparte merece Little Black Submarines, un compendio total del sonido Black Keys, en poco más de cuatro minutos. Solo hay que escucharla para saber de lo que estamos hablando.

El Camino es una obra total, altamente adictiva, que ha convertido a estos dos “extraños” tipos en unos absolutos iconos del rock actual. Su disco perdurará en los anales, como ya lo ha hecho Brothers y su evolución y talento no parecen tener fin. En nuestra web consideramos este álbum el mejor de 2011 y seguimos afirmando que la brutalidad de las canciones que contiene no es fruto del azar, sino que estamos ante uno de los mayores fenómenos musicales de calidad de los últimos años.Ahora solo falta comprobar de primera mano que son la banda que debe reinar en los grandes recintos durante mucho tiempo, para ello tendremos la oportunidad de verles en directo el día 28 de noviembre en el Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid.

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SÉBASTIEN TELLIER MY GOD IS BLUE (Record Makers. 2012)

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esde Chile llega una nueva e interesante propuesta musical, muy en la línea de lo que se está facturando a nivel musical en esa zona del mundo. Afortunadamente, en los últimos tiempos están llegando a nuestro país trabajos de solistas del continente americano que se alejan del circuito puramente latino para entrar en terrenos más vanguardistas y propositivos.

La carta de presentación en España de San Sebastián, el cuarto disco de Fernando Milagros, es la exquisita canción Carnaval, cantada a dúo con la musa indie por excelencia, Christina Rosenvinge. A partir ahí, descubrimos un álbum en el que poder sumergirse para ir tomando conciencia de que este artista es un ejemplo claro de cantautor del siglo XXI, profundo conocedor de las raíces tradicionales que le preceden y empapado de influencias anglosajonas actuales.

FERNANDO MILAGROS SAN SEBASTIÁN (Quemasucabeza. 2011)

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Si en sus anteriores trabajos, Fernando Milagros coqueteaba claramente con el pop y el rock, con dinámicos ritmos encajados perfectamente en su faceta propia de canción de autor, en San Sebastián surge una personalidad mucho más reflexiva y profunda. Es un disco menos digerible a priori que sus predecesores, algo más plano quizás, pero con una riqueza de matices y sonoridades que lo dotan de suficiente consistencia y atractivo. JAVIER DECIMAVILLA

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ajo el mismo sello discográfico de Air, Sébastien Tellier presenta su cuarto trabajo My God is Blue, un disco bastante fiel al estilo de este francés que se logra perder en esa búsqueda hedonista con toques y sonidos retro para terminar con canciones que ofrecen mucho y poco al mismo tiempo.

El proceso creativo de escribir este álbum empezó de la misma forma que los anteriores, cambiando su perspectiva del mundo. Sébastien indaga en las herramientas (el plano estético) y reflexiones de anteriores entregas con la política como telón de fondo, en la que resalta un emotivo piano, llegado el momento donde el mismo cantante realmente se anuncia al mundo cual mesías.

Un LP característico como el propio Tellier, que se esconde tras su barba y particular look, con canciones como Manday, Pépito Bleu, Against The Law o el propio My God is Blue, que son un poco más de lo mismo pero que cuentan con la calidad excepcional a la cual nos tiene acostumbrados, bajo una base instrumental que recuerda a sus influencias iniciales. CARLOS BRANDT

B-CRITIC · BREVES MÚSICA

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NOEL GALLAGHER'S HIGH FLYING BIRDS NOEL GALLAGHER'S HIGH FLYING BIRDS (Sour Mash. 2011)

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uando hace casi tres años Oasis anunció su separación, el universo musical se sintió algo huérfano, pues una de las mejores bandas de los últimos años decía adiós y dejaba tras de sí una carrera repleta de éxitos y polémicas. A partir de ahí, las incógnitas sobre el devenir de los hermanos Gallagher adquirieron un gran protagonismo hasta que Liam y Noel presentaron sus carreras al margen de la mítica banda.

Tras la llegada de Beady Eye, proyecto personal de Liam, algo irregular y alejado de los cánones de su anterior formación, le llegó el turno a su hermano mayor, compositor y responsable de la mayoría de los éxitos de Oasis. Con Noel Gallagher’s High Flying Birds, las esperanzas de los seguidores del grupo de Manchester volvieron a resurgir y el espíritu de su creador se mostró intacto al igual que su talento compositivo.

Su primer disco en solitario, que toma el nombre de la banda que le rodea en esta nueva andadura, está formado por

diez cortes de clara inclinación pop, muy en la línea de lo que hacía junto a su hermano, pero demostrando quién era el que se llevó la mayor parte del talento de la familia. Con una tendencia algo más sosegada y acústica de lo que cabría esperar, Noel Gallagher’s High Flying Birds contiene algunas de las mejores canciones compuestas por Noel en los últimos años. Si a esto le sumamos que, el intérprete parece haber encontrado por fin su lugar a la hora de cantar, este

lanzamiento se convierte en una de las mejores noticias de la temporada.

En consecuencia, la separación de Oasis puede que no siente igual de bien a cada una de las partes. Atendiendo a sendos debuts, parece que el mayor de los Gallagher tiene bastantes más cosas interesantes que decir que el menor. Aun así, habrá que esperar al devenir de cada una de las carreras y a la confirmación y reválida que pueden suponer sus próximos trabajos. JAVIER DECIMAVILLA

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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B-CURIOUS · POR SIEMPRE WHITNEY

whitney houston

ANALIZAR UNO DE LOS FENÓMENOS MUSICALES, MEDIÁTICOS Y SOCIALES MÁS GRANDES DE NUESTRA HISTORIA POPULAR, RESUMIR LA CAÍDA EN DESGRACIA DE LA PERSONA Y SOBRE TODO EL NACIMIENTO DEL MITO… TAREA COMPLICADA, AMIGOS. WHITNEY HOUSTON, LA MUJER DE LA SONRISA PERMANENTE, LA VOZ DE TODA UNA GENERACIÓN, SE APAGABA EL PASADO 11 DE FEBRERO. TRAS DE SÍ, UNA HUELLA IMBORRABLE EN EL IMAGINARIO COLECTIVO TEXTO ILUSTRACIÓN

JESÚS ROMÁN

JAVIER TOMAS BIOSCA

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70 millones de discos a sus espaldas, tres bandas sonoras, siete álbumes de estudio, la artista más premiada de la historia… No se equivocaba en nada Clive Davis cuando decidió darle un respetado lugar entre las filas de Arista Records allá por 1983. Hija de Cissy Houston, prima de Dionne Warwick, ahijada de Aretha Franklin, el caldo de cultivo perfecto para que la joven Whitney retorciera los cánones del góspel con su espectacular registro, con esa tímbrica limpia y dulce como pocas, pavimentando el camino de lo espiritual en forma de pop hacia lo más alto de las listas de ventas.

En 1985, con tan sólo 22 años, la bellísima diosa de ébano publicaba su debut homónimo producido en buena parte por Jermaine Jackson y Michael Masser (Roberta Flack, Teddy Pendergrass, Diana Ross). A partir de ese momento, dos palabras definirían el resto de su trayectoria, “La voz”, gracias en gran medida a verse convertida en icono popular por la entonces magnificente cadena televisiva MTV, que hizo de How Will I Know uno de sus videos de cabecera en plena revolución del dance ochentero.

A los que conocemos de cerca la trayectoria de Houston no nos sorprende en absoluto su influencia vocal sobre generaciones posteriores. Whitney era sinónimo de virtuosismo, siempre a la cabeza entre las ‘divas’ del canto, pero por encima de todo, Whitney era pura

alma, una cantante de raíz como pocas conoce y conocerá la industria del disco.

De ahí que la conexión con el público fuera inmediata y se mantuviera intacta a lo largo de los años, bien despachara cortes uptempo como I’m Your Baby Tonight, I Wanna Dance With Somebody o su versión de I’m Every Woman de Chaka Khan, baladas como All The Man That I Need y I Have Nothing, o ejercicios más puristas como la banda sonora de La mujer del predicador, una de sus celebradas incursiones filmográficas, en la que se dejó acompañar por The Georgia Mass Choir para ofrecer al público general su no tan desconocida faceta tradicionalista y religiosa.

No podemos obviar aquel 1992 en que daba el salto a la gran pantalla con El guardaespaldas y la revolución que llevó consigo el por todos conocido I Will Always Love You. Con ese, uno de los temas más vendidos de todos los tiempos y ejemplo permanente de su legado artístico, llegaría el principio del fin.

Recién casada con el también cantante Bobby Brown, aún mantenía su imagen de mujer modelo pero entre bambalinas se cocían episodios múltiples de malos tratos y dependencias de diferentes sustancias estupefacientes que fueron minando una carrera ya imparable mientras Whitney ofrecía cada vez más regularmente al ojo público momentos para olvidar.

Aún con todo, a finales de los 90 supo

B-CURIOUS · POR SIEMPRE WHITNEY

rodearse del equipo adecuado para dar forma a uno de los trabajos más correctos y completos de su trayectoria. My Love Is Your Love llegaba para aportar una dimensión nueva en su sonido, convirtiéndola en una de las reinas del R&B de la década. Junto a Missy Elliot, Wyclef Jean, Rodney Jerkins (Darkchild), David Foster, Babyface y Lauryn Hill definiría un empuje más maduro a su impronta.

Temas como It’s Not Right But It’s Okay, Heartbreak Hotel o I Learned From The Best quedaban instantáneamente grabados en el corazón de los amantes del género y se producía otro de los momentos clave en los anales del pop, su encuentro con Mariah Carey en el multiplatino When You Believe, banda sonora del film de animación El príncipe de Egipto, que ponía fin a años de rumoreada rivalidad con la que posteriormente se convertiría en su amiga.

Desde entonces poco se puede contar de Houston sin que vaya rodeado de

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polémica. Álbumes que pasaron sin pena ni gloria, problemas monetarios y de salud, divorcios y reconciliaciones inentendibles, una reconocida drogadicción… La fama literalmente engullía a Whitney Elizabeth Houston y aunque en 2009, cuando ya nadie esperaba volver a verla encima de un escenario, conseguía remontar en cierto modo su maltrecho recorrido con I Look To You, la voz se había perdido, diluída entre sus propios excesos. Este mismo año verá la luz Sparkle, el musical con el que justo antes de su fallecimiento el pasado 11 de Febrero ante la mirada atónita de medio planeta, Whitney esperaba regresar al cine por la puerta grande, visiblemente recuperada. Si las condiciones de su muerte fueron o no fortuitas es algo que quedará por siempre en un discreto segundo plano ya que a sus 48 años consiguió lo que muy pocos han podido, ser una figura indeleble en la historia de la música.

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UNA VIDA EN IMÁGENES 1.- JUNTO A JORDIN SPARKS EN UNA ESCENA DE SPARKLE, EL FILM QUE SUPONÍA SU REGRESO AL CINE TRAS 15 AÑOS 2.- CLIVE DAVIS FUE SU MENTOR Y HA ACOMPAÑADO A LA CANTANTE EN LOS MOMENTOS MÁS IMPORTANTES DE SU VIDA 3.- ESCENA DE EL GUARDAESPALDAS (1992), CUYA BANDA SONORA ES LA MÁS VENDIDA DE LA HISTORIA. 4.- WHITNEY EN UNA DE LAS ACTUACIONES PROMOCIONALES DE SU ÚLTIMO ÁLBUM EN 2009, I LOOK TO YOU 5.- JUNTO A MICHAEL JACKSON, AMIGO MUY CERCANO DE LA VOCALISTA

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5 B.SIDE | PRIMAVERA 2012

norah jones

B-CURIOUS · MÚSICA

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UNA DÉCADA HA PASADO DESDE AQUELLA PRIMERA ESCUCHA DE UNA JOVEN DE NUEVA YORK CON UNA SINGULAR VOZ Y UN TEMA QUE SIGUE SIENDO UN CLÁSICO Y QUE DERRITE A MÁS DE UNO CON SÓLO DARLE AL PLAY, DON’T KNOW WHY TEXTO

CARLOS BRANDT

N

orah Jones consiguió en la época dorada de la música entrar al nuevo milenio con 20 millones de copias de su Come Away With Me y 8 Grammys del ya citado y épico Don’t Know Why, que la convirtieron en toda una sensación sin pretender serlo.

Sugerente, cálida y sensual, la voz de Norah Jones es como un secreto íntimo que compartes con tus amigos en una reunión o mientras estás caminando por alguna capital del mundo. Esto sólo significa una cosa: versatilidad. Y es lo que siguió haciendo en Feels Like Home y Not Too Late, segundo y tercer disco respectivamente, que alcanzaron más de 10 millones de copias. ¿Cómo es posible que Norah nos enamore tanto con un sonido particular y al mismo tiempo bien cuidado que combina el jazz, soul, pop y hasta el country en algunos acordes? El secreto es no dejar de sorprender. Y hasta lo consiguió con un álbum experimental titulado Featuring que recogía sus colaboraciones con otros artistas a lo largo de diez años y con el que crea armonía y va de la mano de músicos tan dispares a ella como Foo Fighters, Belle and Sebastian, Ryan Adams y Ray Charles.

Ahora nos atrevemos a decir que, tras su anterior propuesta The Fall, llega uno de los LPs más elaborados de la cantante bajo la producción de Danger Mouse en cuyo primer single Happy Pills sale a relucir por sus compases urbanos mostrando una canción efervescente dentro de toda aquella estética acústica y nostálgica que acompaña al resto del disco.

Little Broken Hearts llega con 12 canciones y una portada vintage inspirada en el cartel de la peli Mudhoney del 65, la cual adornaba el estudio donde

se concibieron temas como Take It Back, After The Fall y Out Of The Road que captan la atención del oyente y suponen un progreso de texturas en su voz e instrumentos.

Encargándose del piano, bajo, teclados y guitarra mientras Mouse estaba en percusiones y arreglos, este disco de Norah Jones explora la evolución de una peculiar vocalista que sigue siendo todo un guilty pleasure en cualquier lista de reproducción que acompañe algún momento del día.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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B-CURIOUS · MÚSICA

UNA DE LAS PROPUESTAS MUSICALES MÁS INTERESANTES EN LO QUE VA DE AÑO CORRE A CARGO DE CUATRO CHICOS DE EDIMBURGO QUE RESPONDEN AL NOMBRE DE DJANGO DJANGO. PERO, ¿QUÉ HAY DETRÁS DE ESTE SINGULAR NOMBRE?, ¿QUÉ OFRECE SU DEBUT HOMÓNIMO PARA HABER CREADO TANTA EXPECTACIÓN A SU ALREDEDOR?, ¿POR QUÉ ESTAMOS ANTE UN DISCO NECESARIO? TODAS ESTAS INCÓGNITAS TIENEN FÁCIL SOLUCIÓN SEGÚN VAN SONANDO CADA UNA DE LAS TRECE CANCIONES QUE COMPONEN EL PRIMER LARGA DURACIÓN DE LOS ESCOCESES TEXTO

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

JAVIER DECIMAVILLA

D

jango Django no son una banda más dentro del panorama musical más vanguardista. Aun habiéndose conocido en la Facultad de Arte de Edimburgo, el regusto de cierto toque resabiado y la inclusión dentro del movimiento conocido como Art Rock, no hace justicia a este cuarteto que, probablemente, superará con facilidad el espontáneo magnetismo al que se han visto sometidos con el hype mediático de su primer disco.

Bajo una enigmática y no muy acertada portada, se encierra un trabajo de gran poso artístico, peculiarmente ecléctico y perfectamente encajado. Musicalmente es difícil definir Django Django, pues en él encontramos electrónica, psicodelia, pop, incluso pinceladas de ritmos orientales

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o ciertos toques glam. Parece que todo vale para realizar un buen collage sonoro y, sin duda, la procedencia artística de sus creadores, dota de un equilibrio real a un proyecto que, si bien podría caer en el barroquismo y el exceso, se convierte en algo genuino, potencialmente original y alejado de ataduras.

La rareza o extrañeza que produce escuchar este álbum, choca de manera cualitativa con la sensación de estar ante algo verdaderamente atractivo, capaz de enganchar al menos optimista y llevarle por un sendero que realmente no es tan desconocido, pues en él hay ecos de Talking Heads, Super Furry Animals o The Beach Boys. Todo es conducido a un sonido propio del tiempo en el que vivimos, sonando realmente moderno, cosmopolita

DJANGO DJANGO DJANGO DJANGO (Because Music. 2012)

y sin caer en falsas pretensiones. Del mismo modo que en cualquier obra plástica el proceso de creación es, muchas veces, más importante que el resultado final, Django Django no tiene el objetivo primordial de crear tendencia, aunque por el camino lo consigan. Será cuestión de tiempo comprobar si todo esto es algo pasajero y temporal o estamos ante algo de mayor calado. Como piedra de toque sirve este fantástico debut.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

VESTIDO: COOSY TURBANTE: VINTAGE COLLAR: H&M

franciscA

VALENZUELa QUERER ES PODER, DICEN ALGUNOS, Y ESTA CANTANTE ES SINÓNIMO DE ELLO TRAS INTENTAR POR SUS PROPIOS MEDIOS HACERSE UN NOMBRE EN EL AHORA DIFÍCIL MUNDO DE LA MÚSICA, DONDE SÓLO ALGUNOS LOGRAN SER RELEVANTES. HA CONSEGUIDO NO SOLO SER CONOCIDA SINO LLEVAR EL ESTANDARTE CUAL CORONA DE LA “PRINCESA DEL ROCK CHILENO”…

SU NOMBRE: FRANCISCA VALENZUELA ENTREVISTA

CARLOS BRANDT

FOTOGRAFÍA DANNIEL POSTPRODUCCIÓN JESÚS ESTILISMO EREA

ROJAS ROMÁN

LOURO

MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA DAVID

SESMERO

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B-FAMOUS · FRANCISCA VALENZUELA

S

i hay algo que puede describirla es esa personalidad efervescente que se esconde tras una mirada tímida, llena de ganas de contar historias y confesar a través de sus canciones su pasión por la música lo que la ha llevado a tener dos discos y la consagración de todo un país. Trabajo constante y un crecimiento significativo luego de la publicación de su primer LP Muérdete La Lengua que abrió paso a toda una serie de éxitos como Peces y Dulce, después de esfuerzos independientes y sin el apoyo de ninguna discográfica… Como en los viejos tiempos, de radio en radio y de boca en boca se hizo escuchar y ahora su sonido es tan característico como ella misma.

Sin embargo, cuando sales al mercado como ‘producto nuevo’ las comparaciones siempre son inevitables. Ella lo ha sido, al ser comparada con su amiga y compañera de profesión Julieta Venegas. No hay mejor forma que tomarlo como todo un halago y algo positivo para seguir marcando un contraste distinto.

“Hay mucha buena onda entre nosotras y tal como Ely Guerra o Andrea Echeverri, Julieta abrió las puertas porque hay pocas mujeres latinoamericanas en la música… Creo que igual la gente tiende a comparar mucho porque hay poco donde comparar. Si no soy baladista o no canto como Paulina Rubio quedo en un punto intermedio y ahí está Julieta. Es algo positivo pero también es importante ver la diferencia y mi fuerte está en el directo”.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

El éxito, nos confiesa, no consiste en tener una canción entre las mejores del año por la Rolling Stone (que ya la tiene) “sino está en tener una carrera larga, estable, llena de aprendizajes por hacer un álbum, una gira, tener una banda y un procedimiento orgánico orientado al contenido y a la música”.

Lo que pocos saben de Francisca es que desde los 13 años está componiendo, estudió periodismo y a los 17 ya estaba tocando en un circuito nocturno de jazz sin dejar de preguntar, googlear, leer o como ella misma lo describe, el “Music Business For Dummies” y entre amigos músicos, aprender la asignatura de la fama y la industria musical.

Esto permitió que Valenzuela se formara su propio criterio creativo y eso se plasmara no solo en su música y tan particular sonido, sino en sus contenidos audiovisuales. El video de cada single representa una historia a contar, una estética a cuidar y un proceso de producción en el cual, la misma cantante participa.

“Tengo la suerte que puedo escoger tanta gente con la que trabajar, ya sea en el guión, en el vestuario, siempre me estoy involucrando… En mi memoria me gusta mucho y Quiero verte más porque es el único video donde salgo bailando, Muleta se grabó con handycam y un ojo de pez en Nueva York, andaba con mi iPod y mi bolso para cambiarme… Cómo elegir un video si cada uno es un recuerdo…”

"LA GENTE TIENDE A COMPARAR PORQUE HAY POCO DONDE COMPARAR. JULIETA VENEGAS ABRIÓ LAS PUERTAS PERO ES IMPORTANTE VER LA DIFERENCIA Y MI FUERTE ESTÁ EN EL DIRECTO"

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VESTIDO Y PENDIENTES: H&M PULSERA: ASSAD AWAD ZAPATOS: NINE WEST

VESTIDO: VJSTYLE CORONA: RITA VON ZAPATOS: NINE WEST CHAQUETA: H&M ANILLO: PEDRO DEL HIERRO

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B-FAMOUS · FRANCISCA VALENZUELA

"EL ÉXITO ESTÁ EN TENER UNA CARRERA LARGA, ESTABLE, LLENA DE APRENDIZAJES POR HACER UN ÁLBUM, UNA GIRA, TENER UNA BANDA Y UN PROCEDIMIENTO ORGÁNICO ORIENTADO AL CONTENIDO Y A LA MÚSICA" Los Bunkers se convirtieron en sus padrinos y lograron las melodías perfectas para las ideas e historias de la cantante y compositora chilena en una línea dinámica, ecléctica, dual pero autentica y sin manipulación, palabras que describen su segundo álbum Buen Soldado lo que la lleva al lanzamiento internacional, a participar en bandas sonoras e increíblemente grabar con grandes como U2, abrir conciertos para Shakira o hacerlo en el festival de Lollapalooza.

Sin embargo, el crossover al inglés no es algo desconocido para alguien que nació y creció en California, quien en sus actuaciones hace versiones y que entre sus grupos favoritos se encuentran NIN, Florence and The Machine o los míticos de Air, lo que promete en un futuro no muy lejano un álbum enteramente en este idioma.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

“Siempre he escrito en inglés, es algo que se me viene muy fácil y muy cómodo. No lo he desarrollado más porque es importante ser parte del sitio donde te estás criando y es lógico que me comunique en español, pero en vivo toco mucho en inglés y en el disco nuevo habrán temas.

El mercado americano no es excluyente” Trent Reznor y Outkast son dos de los nombres que le rondan por la mente para hacer algún tipo de colaboración, así como Calle 13, Babasónicos o los Amigos Invisibles en el mundo hispano, lo cual sería bastante interesante de escuchar por la diversidad de estilos y la complejidad que puede resultar hacer un featuring.

Por ahora, esta mujer que combina el norte y el sur, se prepara para seguir promocionando sus canciones entre México y España para después retirarse a uno de sus mayores retos: su tercera entrega, canciones que la llenan de desafío y juntan las fuerzas necesarias para combinar un nuevo nivel musical y seguir evolucionando colores distintos.

SHORT: MAYKA AYONG CAMISETA: AMERICAN APPAREL CHAQUETA: H&M COLGANTE: COOEE

CUELLO NARANJA: MOISÉS NIETO

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JACK WHITE BLUNDERBUSS (Third Man Records. 2012)

T

he White Stripes, The Raconteurs, The Dead Weather…

Bandas sonoras, producciones discográficas, colaboraciones con artistas de diverso pelaje… Jack White se ha pasado media vida cabalgando entre proyectos variados, sin apenas descanso, como terapia personal para satisfacer su implacable de sed de creación.

Pero ahora, cuando su manera de ver la música es una actitud, una forma de vida más que un estilo, es el momento preciso para presentar su primer álbum como solista. La separación de The White Stripes, una de las bandas mejor valoradas de la última década, no solo supuso una ruptura con su compañera Meg, sino que en cierto modo también fue una ruptura con su pasado más reciente, aunque eso sí, sin desdeñar un solo gramo del talento y el

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

oficio que ha ido adquiriendo hasta ahora. Así, con una maleta repleta de experiencias y gustos, el genial músico de Detroit, ha compilado en Blunderbuss todo su ideario sonoro, dando forma a un álbum variado y rico en detalles y propuestas. Se trata de un disco de cierta densidad y complejidad, que requiere diversas escuchas para empezar a valorar y comprender lo que Jack White quiere transmitir. No hablamos de un trabajo de difícil escucha, sino que nos referimos a algo de lenta asimilación, pero que cuando se consigue y cada una de las canciones empieza a filtrarse por nuestros poros, aumenta progresivamente la pasión hacia lo que contiene.

Pianos en primer plano, incluso a veces por encima de los característicos riffs de guitarra de White, sonidos acústicos de raíces norteamericanas, detalles

blues coronados con exquisitos coros femeninos, clasicismo a raudales, todo cabe en este acertado ejercicio de condensación de una carrera larga y provechosa. A pesar de la ausencia de un hit que engrandezca el álbum, Blunderbuss es un punto y seguido perfectamente elaborado. Jack White parece afirmar claramente, “aquí estoy, así soy”.

Incluso dejando atrás algo de espontaneidad y corriendo el riesgo de parecer un poco contenido por momentos, la propuesta en solitario del intérprete suena real, elaborada e impecable. Se pude echar de menos un poco más de desparpajo, pero es clara la renuncia a favor de una mejor ejecución, debido quizás a la experiencia acumulada como productor. A veces, el inherente talento del artista no es suficiente para concebir un disco de categoría y, lo que para la gran mayoría de los artistas sería una de sus mejores obras, para Jack White no es más que un trabajo correcto aunque algo irregular. Parece que podría haber dado más de sí y que su obra cumbre está por llegar. JAVIER DECIMAVILLA

B-CRITIC · BREVES MÚSICA

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THE MACCABEES GIVEN TO THE WILD (Fiction. 2012)

TEXTO

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DAVID MARCO

l tercer largo de los de Brighton viene cargado de texturas que rezuman épica por los cuatro costados. Una producción basada en un trabajo coral digno de reseña y en la conjugación de diversas atmósferas en las que las cuerdas y los vientos se alternan con maestría y naturalidad. Como single de presentación del mismo han escogido Pelican, una apuesta arriesgada aunque atemporal y complaciente. Tras él, Feel to follow, un medio tiempo con unos registros vocales notables y un último minuto arrebatador.

El primer corte introductorio de Given to Wild desemboca en el que probablemente sea el tema más interesante del disco, Child, con hechuras de himno aunque sin inmediatez de single.

Completando los temas mencionados, un buen puñado de canciones con la esencia britpop que tanto nos gusta, recordándonos a bandas como Editors, Doves o Elbow, y a la vez aportando su propia esencia y su pulida autenticidad.

Brillantes y eclécticos, un disco para digerir despacito y descubrir matices en cada escucha.

Q

ue Enrique Bunbury tiene un espíritu inquieto es algo que se ha ido demostrando a lo largo de los años. A esto hay que añadir el gusto que el aragonés le ha tomado últimamente al folclore latinoamericano, a las raíces más canallas y añejas de dicho continente. Parece, por tanto, que fabricar un disco que reivindique géneros como la ranchera, el bolero o el tango y pasarlo por su propio tamiz musical, era algo que tarde o temprano tenía que llegar.

Haciendo suyas canciones de autores como Agustín Lara, Atahualpa Yupanqui o Guadalupe Ramos, Bunbury presenta su particular homenaje al continente sudamericano con Licenciado Cantinas.

Es sencillamente eso, un tributo a la lírica

BUNBURY LICENCIADO CANTINAS

(Blanco y Negro, 2011)

popular y los bajos fondos de donde muchas veces emana la tradición. Un muestrario de vivencias basadas en el amor, la muerte, el alcohol, la venganza.

Con unos impecables arreglos y un sonido avasallador que, en algunos momentos, tapa incluso la carismática voz del cantante, se percibe claramente la intención de dotar del mayor de los protagonismos a la infalible interpretación de “Los Santos Inocentes”, banda de acompañamiento que asimila perfectamente la intención del disco y retoma

instrumentos tradicionales propios de cada uno de los temas que componen este trabajo.

Si bien es cierto que entre todos los cortes no existe ningún single puro que destaque entre los demás y, en ocasiones, esto hace que el conjunto resulte algo lineal, también lo es que musicalmente es un trabajo sobresaliente, de lo mejor de la trayectoria del artista maño. Algo que estábamos esperando y se antojaba necesario para entender la carrera de Bunbury en su conjunto.

TEXTO

JAVIER DECIMAVILLA B.SIDE | PRIMAVERA 2012

B-CURIOUS · MÚSICA

LANA DEL REY QUE EL PRODUCTO “LANA DEL REY” HA IRRUMPIDO DE MANERA APABULLANTE EN LOS MEDIOS DE MEDIO MUNDO ES ALGO INNEGABLE, CUAL PROYECTIL QUE LLEGA DIRECTO E IMPACTA DISECCIONÁNDOSE Y ESPARCIENDO SU CONTENIDO EN MIL DIRECCIONES TEXTO

DAVID MARCO

ILUSTRACIÓN

L

IKO SAVOY

a desproporcionada campaña viral a la cuál han sometido a Elizabeth Woolridge Grant (una simple consulta a Wikipedia nos revela su nombre real) ha catapultado a la artista al desfiladero de los susceptibles de ser criticados, juzgados y escudriñados hasta la extenuación.

De ascendencia hispana, de naturaleza norteamericana y de expansión y madurez universal. De apariencia (quién sabe si premeditada) frágil e inocente.

Su edad, la aquiescencia que los medios de comunicación le han concedido y la repercusión obtenida entre la masa social le avalan para poder desarrollar una carrera artística memorable.

Vamos a remontarnos a los inicios. Niña con posibles (como se diría antaño),

díscola, pretenciosa y con ambición intenta ser una estrella en el ámbito musical, pero no de las que proliferan día sí y día también en los charts mainstream de medio mundo, una estrella con clase y reminiscencias clásicas. Para ello creamos un equipo de trabajo que modelen el producto y que mimen hasta el último detalle: el nombre comercial, el estilo y la producción de las canciones, la forma subversiva y en cierta medida subliminal de promoción, su imagen y estilismo, so comportamiento en las apariciones públicas, todo está guionizado.

Cabría preguntarnos, qué márgen de actuación tiene ella en la dirección de su carrera artística. Muchos dirían que irrisorio, realmente insustancial dentro del montante total de la operación triunfo

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que han vertebrado en torno a ella.

En esta espiral de desconcierto, de incertidumbre y de escepticismo hacia su persona llega Born to Die, el primer disco reseñable tras el experimento que supuso su primera incursión en la música bajo otro pseudónimo en 2010 y cuya repercusión fue inapreciable.

En Born to die se precipitan una tras otra piezas de indudable calidad tanto compositiva como interpretativa. Sin ánimo de etiquetar innecesariamente su estilo, tenemos la dosis exacta de indie para saciar a los críticos y la dosis suficiente de accesibilidad comercial como para agradar a las masas. Eso sí, hemos perdido una baza importante: el anonimato, la exclusividad.

A Lana ya la conoce todo el mundo, ya no es una novedad, adiós al factor sorpresa para el próximo disco. El reto de la primera gira y del segundo disco puede ser demasiado arduo para un “producto” pero no debería serlo para una “artista”.

Este es el momento de la reivindicación, de demostrar que detrás de todo ésto hay una cantante con criterio, con personalidad, con presencia, con aptitudes vocales e interpretativas, con desenvoltura en el escenario y con la capacidad de volver a poner patas arriba el mundo de la música con su siguiente disco. O por el contrario, es el momento de la decepción y la incursión en la cada vez más amplia lista de los que pudieron ser y no fueron.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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sidonie

B-CURIOUS · MÚSICA

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TRAS LA PUBLICACIÓN DE “EL INCENDIO”, DEL QUE SUS CREADORES DIJERON QUE ERA “SU DISCO DE AMOR”, LAS DUDAS E INCERTIDUMBRES SOBRE LA EVOLUCIÓN DE SU CARRERA Y ESTILO SOBREVOLARON POR ENCIMA DE LOS MIEMBROS DE SIDONIE TEXTO

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JAVIER DECIMAVILLA

o quiere esto decir que ellos tuvieran dichas sensaciones, todo lo contrario, siempre se han caracterizado por mirar hacia delante y con paso firme, pero sí que hubo un cierto runrún dentro de su nutrido grupo de seguidores. Parecía que lo conseguido con la que hasta el momento es su obra maestra Costa Azul, poner de acuerdo y de manera unánime a público y crítica, fuese un final y a partir de ahí, la progresión del grupo se vería truncada. Es cierto que El incendio contenía alguna pieza reivindicable, pero también lo es que la sensación de acomodamiento se palpa a lo largo de todo el disco.

Así, el trío catalán, se presentó el año pasado con un nuevo álbum bajo el brazo, el que podía suponer una simple y superficial parodia de sí mismos o el que diera una bofetada a los que ya renegaban de su música y les tachaban de abandonar su propia identidad. Con estos condicionantes previos y bajo el no muy agraciado título de El fluído García, se presentaron once nuevas canciones que probablemente formen el trabajo más visceral del grupo hasta la fecha, no obstante, según sus componentes éste es “el disco más Sidonie” de su carrera.

El álbum se abre con El bosque, elegida también como primer single y que, a pesar de no ser de las mejores canciones de este conjunto, resume a la perfección el espíritu de El fluído García, el retorno a los orígenes psicodélicos del grupo, sin abandonar la pureza pop de Fascinado o Costa Azul. Este tema enlaza, sin

pausa, con A mil años luz, momento en el cual percibimos claramente que Marc, Jesús y Axel se encuentran en uno de sus momentos de mayor lucidez, facturando una composición redonda. Descubrimos más momentos destacables a lo largo de los 47 minutos que dura este trabajo, como las referencias beatle de Alma de goma, los ritmos pop de Carnaval o el interludio instrumental que supone Negroni. Mención aparte merece Bajo un cielo azul (de papel celofán), una de las genialidades del trío catalán, una canción dividida en cuatro partes bien diferenciadas, con un comienzo a capella cuya armonía vocal nos remite a bandas como C.R.A.G. y con una cohesión entre las partes que convierte a esta pieza en una de las joyas de la banda.

Con un sonido que encaja perfectamente lo clásico y lo contemporáneo, El fluído García es una experiencia sensorial realmente gratificante, de esos discos que tendría que ser obligado escucharlos con una calidad óptima, apreciando cada detalle, cada capa. El regreso de Sidonie es una gran noticia para todos, pero sobre todo para los que echaban de menos algo de la autenticidad perdida en los últimos años, si bien es cierto que nunca han dejado de hacer lo que les ha apetecido, aun teniéndose que enfrentar a críticas negativas o injustos encasillamientos.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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B-CRITIC · DESTACADOS MÚSICA

ANTHONY HAMILTON BACK TO LOVE (RCA Records. 2011)

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finales de año se ponía a la venta Back To Love, nuevo trabajo del cantante y compositor Anthony Hamilton (el primero con el sello RCA), que llega cargado del mejor soul, siempre fiel a la esencia y al espíritu del viejo R&B. Se ha hecho esperar, más concretamente desde que en 2008 nos dejara tan buen sabor de boca con su anterior propuesta The Point Of It All, aunque desde luego ha merecido la pena. Con una personalidad modesta y un tanto peculiar, este nativo de Carolina del Norte continúa manteniéndose entre los primeros soulmen capaces de plasmar esa autenticidad y carisma de las grandes leyendas del género (Sam Cooke, Bill Withers, Otis Redding y un larguísimo etc.). Fue descubierto tras cantar los coros del tema Po' Folks de Nappy Roots, aunque ya hacía sus pinitos a la edad de diez años en el coro de la iglesia. Sin embargo fue su álbum Comin´ From Where I´m From el que le daría la fama allá por el 2003.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

Hamilton vuelve a deleitarnos con sus ya conocidas dotes vocales, capaces de evocar al soul añejo; un privilegio para nuestros oídos gracias a sus diversos registros y tesituras. Con Woo como primer single, producido por Babyface, el disco se presta a ser “rayado” para poder saborear su jugo en reiteradas ocasiones, amén de no dejar indiferente con la primera escucha (ya

sucedió lo mismo con The Point Of It All. Melodías coloridas, con una variedad de sonidos que van desde el rockfunk a baladas de corte neo/soul, entre las que destaca Never Let You Go, con la colaboración de Keri Hilson. Back To Love se define con fuerza a la par que elegancia, pero sobre todo, con alma de soul. Esencial entre los imprescindibles del género. TALY ARJONA

45 M. WARD A WASTELAND COMPANION (Merge Records/Bella Union. 2012)

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o engañamos a nadie si afirmamos de manera ferviente que Matt Ward es uno de los músicos más influyentes y con mayor talento de su generación. Toda su carrera está siendo llevada con tal mimo y acierto que, hasta ahora, ninguno de sus trabajos en solitario ha defraudado al que lo escucha. Es uno de esos artistas cuyos lanzamientos son siempre una buena noticia, pues con ellos podemos adentrarnos durante cierto tiempo en un mundo que cada vez nos es más cercano y conocido. Un terreno transitado por diversos artistas de su generación, pero que pocos como él saben categorizar de manera tan sutil, creando un

lenguaje propio dentro del amplio espectro musical que es el género denominado Americana.

Al margen de sus proyectos con Monsters of Folk o She & Him (junto a la polifacética Zooey Deschanel), la carrera en solitario de M. Ward se está construyendo pacientemente, encadenando discos de calidad sin conocer un tropiezo en el camino. De esta manera llega a nosotros A Wasteland Companion, su octavo álbum, el que por fin puede llevarle a subir un escalón más de éxito comercial, algo que desgraciadamente no ha conseguido con sus anteriores entregas, manteniendo siempre la etiqueta de “artista de culto”

mitificado y ligeramente olvidado.

Este nuevo trabajo del cantautor se divide claramente en dos partes bien diferenciadas pero acertadamente conectadas entre sí. La primera mitad del disco se presenta más agitada, relacionada claramente con su propuesta en She & Him, un folk luminoso, atrevido y desprejuiciado, como se puede apreciar claramente en Primitive Girl y su dinámico teclado o en la acertada versión de Sweetheart, originalmente compuesta e interpretada por Daniel Johnston y en la que colabora la propia Deschanel. La segunda parte de del disco nos recuerda quién es y de dónde viene M. Ward, con canciones más pausadas y melodramáticas, deshaciéndose de artificios y mostrando melodías en las que hasta la voz del intérprete suena más áspera y pura. Es la herencia de obras maestras como “Post-war” o “Hold time”, discos en los que lo auténtico gana la partida a lo subyacente.

En definitiva, A Wasteland Companion es un disco recomendado para el disfrute personal, en el que el artista americano parece buscarse a sí mismo y querer conciliar sus dos vertientes lírico-compositivas. M. Ward se hace un poco más universal y añade una piedra más a una carrera sólida, a un estilo propio que va camino de convertirse en un clásico de nuestro tiempo. JAVIER DECIMAVILLA

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

The cabriolets ESTA ES SU TERCERA PROPUESTA EN FORMA DE LARGO. ASIENTAN SU SONIDO Y LO DERIVAN A COTAS MÁS ENÉRGICAS, CON EL ROCK COMO VÍA DE ESCAPE. DIEGO POSTIGO, BIMBA BOSÉ, MANUEL CABEZALÍ Y PABLO SERRANO, O LO QUE ES LO MISMO THE CABRIOLETS, NOS ACOMPAÑAN EN ESTA NUEVA ENTREGA Y APROVECHAN PARA HACER UN REPASO POR SU HISTORIA COMO BANDA, SUS INQUIETUDES Y PREFERENCIAS Y, SOBRE TODO, PARA HABLARNOS DE SU NUEVO ÁLBUM

ENTREVISTA

JESÚS ROMÁN FOTOGRAFÍA

JAVIER TOMAS BIOSCA ESTILISMO

ZOE MIHO AYUDANTE ESTILISMO

MELISSA CRESPO MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

JENNIFER CANO AYUDANTE FOTOGRAFÍA

MERCEDES RODRIGO AGRADECIMIENTO

INSTITUTO EUROPEO DI DESIGN (IED)

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B-FAMOUS · EN PORTADA

Me gustaría empezar por donde se debería siempre, el inicio… ¿Dónde quedaron los Cabriolets de las maquetas de Myspace, con esas referencias a J Dilla, a A Tribe Called Quest, a Roy Hargrove (que de hecho estuvo presente en vuestro primer disco), Erykah Badu, Miles Davis… en definitiva, donde quedaron los Cabriolets más negros?

Bimba: te diré que en principio el que aportaba esas referencias era David (Unisón), el anterior batería, con lo cual han quedado en nuestro recuerdo y también en nuestra discografía en casa, nos gusta mucho ese tipo de música.

Diego: yo sigo escuchando mucho hiphop. Hay cosas de ahora que me encanta como están producidas pero David se fue y si te digo la verdad nos cansamos un poco del soul. Queríamos hacer algo más duro.

Bimba: Además se planteó como algo irónico en su día y quizá no se entendió… Con la entrada de Manu y de Pablo a la banda hemos creado un lenguaje nuevo.

Hablando sobre aquel proyecto, que tuvo una serie colaboradores de nivel como Medeski o Marc Ribot, ¿qué pasó para que aquella primera propuesta no funcionara como debía, o peor aún, que no sonara tan seria como cabía esperar?

Bimba: creo que es más una cuestión del propio público. Si no tiene acogida es difícil…

Me refiero más concretamente al propio sonido, a nivel de producción…

Diego: Fue una decisión que tomamos en su día y con la que fuimos hasta el final. Es cierto que hubo momentos en la producción en los que no estábamos del todo de acuerdo pero Andrés (Levin)

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

estaba convencido y nos convenció de ese camino. Nuestra idea original era llevar lo que estábamos produciendo en casa al estudio en Nueva York e incluso grabar en directo… No teníamos la intención de hacer algo comercial en ningún momento pero Andrés vio ese potencial y nos lo inculcó. También escuchamos muchas cosas comerciales que nos gustan, no teníamos prejuicios en ese sentido.

Bimba: Marc Ribot o Medeski son colegas de Andrés, con lo cual tuvimos fácil acceso a ellos…

Diego: además somos fans de Medeski.

No íbamos a negarnos a que colaborara (risas) Pesó un poco en ese cambio de dirección hacia algo más comercial el éxito por entonces de Como un Lobo, la colaboración con Miguel (Bosé)? ¿Fue una decisión discográfica?

Diego: Yo creo que fue Andrés el que tuvo que ver ahí, él quería tirar por esos derroteros. Hizo parte del disco de Miguel, Papito, pero no es la razón por la que quisimos trabajar con él, a nosotros nos gustaban los trabajos que había producido para otra serie de artistas.

Cosas muy experimentales… Por eso conectamos con él. ¿Qué aporta a la banda el hecho de tener una figura femenina con tanta actitud? Podría existir The Cabriolets sin Bimba o finalmente la formación tiene un ADN tras la incorporación de Manu y Pablo?

Bimba: yo creo que hay un ADN como tu dices… Además me lo he planteado muchas veces y se lo he preguntado a ellos, ¿Sustituto de cantante puede haber? (risas) Diego: la banda surgió así. La personalidad que tiene suma en todo momento

al sonido, a la forma de componer las canciones… Bimba es insustituible, igual que Manu y que Pablo.

Ya en Close se os veía bastante más desenfadados a nivel sonoro, con menos pretensiones quizá… ¿Tener una multi detrás supuso un handicap a la hora de conseguir ese sonido?

Todos: ¡Para nada!

Manu: en ningún momento hemos sentido presión alguna…

Bimba: además, están aquí así que no podemos hablar mal de ellos (risas).

Realmente nos han apoyado.

Manu: la libertad es total, son más indies que muchas discográficas indies…

En España se tiende bastante al prejuicio gratuito. Y prejuicio y etiqueta van un poco de la mano… ¿Con qué os sentís más identificados, con la escena indie o la mainstream?

Manu: creo que con ninguna. No estamos en ninguno de los dos sitios. Nos sentimos muy identificados con la música en general y con la gente que hace música, eso siempre… No creo que sea algo en lo que tu te encuentres, sino que es más la gente la que te pone ahí… Con respeto al prejuicio, parece que tenemos la necesidad de clasificar, de poner un nombre a todas las cosas.

Diego: España siempre ha estado muy dividida, pero desde los siglos de los siglos… véase guerra civil, véase Madrid/ Barça, véase indie-mainstream, pppsoe… Es una constante división. ¿A estas alturas sigue pesando a la banda el apellido Bosé? Ese prejuicio…

Bimba: el prejuicio existe, siempre va a estar ahí, pero pesar no pesa…

Manu: lo único que puedes hacer es vivir con ello…

Bimba: creo que estamos por encima de eso… Se obvia.

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"LOS CONCIERTOS ESTÁN TENIENDO MUCHA INTENSIDAD, HASTA EL PUNTO QUE SON AGOTADORES. ES SUPER DIVERTIDO PERO ACABAMOS AGOTADOS."

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B-FAMOUS · EN PORTADA

Con El Feo habéis retorcido aún más vuestras canciones, los riff de guitarra, las percusiones, bastante cercanas al punk y al rock más sucio, como en Cabalgando, Beaten Dog o Sadist… ¿Este disco ha sido algún tipo de catarsis? ¿Habéis soltado toda la energía que llevabais dentro?

Bimba: quizá es por el hecho de habernos planteado una sola cosa, no intervenir lo que estábamos haciendo en el local de ensayo… no queríamos modificar nada.

Diego: sobre todo no darle muchas vueltas. El primer impulso que surge entre los cuatro es cañero, aunque sean tiempos medios siempre hay actitud.

Manu: Además los conciertos están teniendo mucha intensidad, hasta el punto que son agotadores. Es super divertido pero acabamos agotados. ¿Tenéis previstas varias fechas para moverlo por España?

Bimba: las modestas fechas que van saliendo… Estamos a la espera. Adoramos cada momento que podemos estar juntos y tocar juntos en escena. Es un regalo para nosotros.

Quizá no tenga mucho que ver pero, ¿No creéis que es un momento propicio para una propuesta tan oscura y enérgica, dada la apatía general de la sociedad a todos los niveles?

Bimba: es tan difícil dar con eso… es algo que ocurre y nunca se sabe cuales son las combinaciones adecuadas para que ocurra.

Diego: creo que nuestra posición es hacer algo lo más sincero y honesto posible, sin pensar a qué público va dirigido o si va a gustar.

Manu: ¿Quieres decir que es un momento bueno para el rock?

Exacto, que la gente se sienta identificada con esa energía…

Manu: me gusta pensar que sí…

Diego: no somos un grupo que tenga la presión de tener un excesivo éxito, ni mucho menos, así que quizá sí fue una forma de hacer lo que nos daba la gana.

Y eso precisamente, es rock…

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Qué más creéis que tiene que pasar para que la gente se movilice? Como veis el futuro del país y, más concretamente, vuestro futuro como músicos y artistas?

Bimba: el futuro del país es muy distinto al que podemos ver como futuro de nuestra banda (risas).

Manu: hemos llegado a un punto en el que somos un poco todoterreno en cuanto a que estamos haciendo esto por gusto, nos lo pasamos bien, no tenemos prisa por conseguir cosas… Al margen de que nos vaya mejor o peor, estamos en una situación cómoda puesto que la satisfacción es grande y el esfuerzo no tanto…

Diego: La situación en España es jodida, y va a peor… Somos un país que se moviliza por hitos, pero creo que tenemos razones más que suficientes para estar en las calles a diario. No voy a entrar en política porque me caliento (risas) Habéis titulado así el álbum por el estudio donde se ha grabado (El Molino del feo) pero, ¿Qué otras connotaciones tiene este nombre?

Manu: te diría que el propio sitio dónde hemos grabado tiene muchas connotaciones porque el hecho de irnos diez días a un molino habilitado como casa en Segovia y poder pasar ese tiempo en un entorno natural, sin nada más que preocuparte que de hacer música es lo que ha fomentado que el disco sea así… Cuando pensamos nombres y alguien propuso eso, nos pareció la elección más natural. El propio lugar define mucho el espíritu del álbum.

Diego: y desde luego, no tiene nada que ver con la realidad, que fue maravillosa, bonita…

Manu: si se hubiera llamado El feo Sessions hubiera sido más realista, porque además como sabes está grabado en directo. Éramos los cuatro tocando en el salón de una casa en el campo…

A nivel de composición, ¿tenéis algún tipo de preferencia? Se puede decir que estos nueve temas son de los cuatro a partes iguales o alguno tiende a ser el líder en este sentido?

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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B-FAMOUS 路 EN PORTADA

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BIMBA TOP Y PANTALÓN:

DAVIDELFÍN BOTINES:

CHRISTIAN LOUBOUTIN

DIEGO AMERICANA Y PANTALÓN:

DAVIDELFIN (COLECCIÓN WILL) CAMISA:

H&M ZAPATOS:

DR. MARTENS

MANU PERFECTO:

DAVIDELFIN (COLECCIÓN WILL)

PABLO AMERICANA:

DAVIDELFÍN (COLECCIÓN WILL) CAMISA:

H&M PANTALÓN DENIM:

BLUE BELL DE WRANGLER ZAPATOS:

DR. MARTENS

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B-FAMOUS · EN PORTADA

Manu: en este disco la mayoría de los temas surgen a partir de improvisaciones en el local de ensayo. Creamos algo instrumental, después Bimba se lo lleva a casa, hace sus letras; un trabajo de ida y vuelta. Pero la mayor parte es algo de los cuatro y muchas veces, casi espontáneo. ¿Tenéis pensado volver en algún momento a componer temas en español?

Bimba: cero patatero. Lo siento pero no por mi parte. El inglés es un idioma mucho más práctico para escribir y para expresarme. El castellano es maravilloso pero el rock suena mejor en inglés.

Además, la escucha que hacemos nosotros en casa de otros grupos es, en un 70%, anglosajona. Sería una contradicción también… A lo mejor si cambiamos de género y encaja el idioma, nos lo plantearemos. ¿Qué os gustaría hacer y no habéis podido con El feo y con vuestros anteriores trabajos?

Manu: me hubiera gustado hacer algún tema en castellano de puta madre (risas).

Algo que está muy de moda, ¿Haríais un disco de versiones? De ser así, ¿qué temas incluiríais?

Manu: en nuestra historia hemos hecho varias… Una de Julio Iglesias, una de The Cure, una de Blur… Creo que se nos podría dar bien.

Diego: Normalmente las versiones las sacamos en cinco minutos. No estaría mal un disco de versiones...

Manu: lo que hacemos es que las ‘cabrioletizamos’…

Sobre todo con temas en la onda de lo que estáis haciendo ahora, algo más metalero, más influenciado por los ochenta, que es lo que se escucha en El feo… al contrario de los discos de versiones que se suelen hacer, que son propuestas más comerciales.

Diego: Creo que hay un poco de todo en El feo. Decir que no estamos influenciados por esa generación sería mentir.

Yo creo que lo que más te marca en tu formación musical es lo que escuchas

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

cuando tienes 15 o 16 años, cuando empiezas a entender el sentido de la música. Eso se te graba a fuego.

Manu: yo por ejemplo cuando era muy niño escuchaba mucho a The Cure, y ese tipo de sonido me marcó. Creo que tengo un poco de culpa en esa influencia en El feo.

En el videoclip de Now and Here de Close, veíamos a Bimba con un sapo en las manos… Ya que este primer single de El feo se titula Allegory (alegoría), os sentís en cierta manera los sapos de la industria española, esperando a que llegue el beso que os convierta en príncipes?

Todos: (risas) Manu: yo diría que sapo sí, pero esperando el beso no… Aunque está bien, uno puede ser un sapo muy feliz en su charca.

Diego: está claro que te gusta que te reconozcan y que te vengan a ver a los conciertos. Cuanta más gente, mejor…

Manu: Sí, pero no tengo la sensación de que sea un beso, sino de que alguien vea tu charca y diga, ¡Eh, tu charca mola!

También creo que cuanto más lo persigas, menos llega…

Y con esa evolución que habéis tenido a lo largo de estos años, siempre tendiendo a sonar más oscuros. ¿Qué os planteáis para siguientes propuestas?

Manu: yo tengo una idea… Pablo hace poco se compró un pedal de bombo, que es algo muy característico del metal. Sería divertido hacer algún pequeño guiño a ese género…

Diego: También me gustaría algo con una base rítmica para bailar. Quizá con algún componente electrónico. Por ejemplo en Close teníamos Shining… pues llevar ese concepto a algo más determinado.

También noto referencias al rock sureño, en la línea de lo que hacen The Black Keys, ahora que están en lo alto.

Diego: es difícil que no te influencien The Black Keys porque su propuesta aúna muchos sonidos desde el soul

hasta el rock más añejo.

Bimba: pero no son influencia directa.

Diego: quizá es por las referencias de las que maman ellos, Otis Redding, el rhythm & blues más clásico o el rock desde Black Sabbath a cosas más actuales… Realmente lo que han hecho es fusionar todo eso de una forma muy digerible, en el mejor de los sentidos.

Pregunta para Bimba: hablando de tus otras actividades, ¿Qué te aporta más, estar encima de un escenario, delante de una cámara o encima de una pasarela?

Bimba: sin duda estar encima de un escenario. Sobre todo por compartir experiencia con otras personas. Es verdad que en moda también compartes pero es mucho más efímero y superficial que en una gira. Tienes otros olores y otras cosas más intensas que en moda…

Y si hablamos de cámaras, Steven Meisel o Mario Testino? ¿Quién ha sido el personaje más pintoresco del mundo de la moda con el que te has cruzado?

Bimba: Steven Meisel sin duda (risas) Aunque he trabajado y volveré a hacerlo con Mario… El personaje más pintoresco, uno muy concreto, Kabuki, que es un maquillador maravilloso. Es un personaje de Walt Disney.

Almodovar o Lars Von Trier? Recomendadnos alguna película que hayáis visto últimamente…

Bimba: ni uno ni otro. Me quedo con el director de Canino (Giorgos Lanthimos).

Os recomiendo su nueva película, Alps.

Después de la experiencia con El cónsul de Sodoma cabe la posibilidad de volver a verte en pantalla grande?

Bimba: jamás, tiene que ser una peli de mucho presupuesto y de acción, si no, no me interesa (risas) Para terminar, os doy vía libre para decir lo que queráis… ¿Alguna confesión?

Bimba: me gusta, a la parilla (risas) Pablo: ¡Nuestros haters son de cuarta!

ROBERT GLASPER EXPERIMENT TEATRO LARA (Madrid, 19/04/2012)

B-ALIVE · ROBERT GLASPER EXPERIMENT

M

ás que acostumbrados estamos ya en la capital a recibir a la élite del cancionero negro. El pianista texano Robert Glasper llegaba el pasado mes de Abril a nuestro país para presentar su último trabajo, Black Radio, en compañía de sus Experiment y con parada en el mítico (y precioso) Teatro Lara. Con apenas 15 minutos de retraso, Casey Benjamin (saxo y vocoder), Derrick Hodge (bajo eléctrico) y Mark Colenburg (sustituyendo en la batería a Chris Dave) seguidos del carismático líder aterrizaban en el escenario.

Abría el repertorio el propio Glasper con un solo de piano, demostrando nada más empezar por qué es una de las figuras más aclamadas del jazz contemporáneo. Una vez terminada la lección de maestría, arranca ese particular homenaje del cuarteto a los sonidos urbanos tan bien fusionados con la herencia clásica jazzística en Black Radio, aportando continuas e inesperadas referencias al hip-hop como You Got Me de The Roots o The Light de Common (producidas

TEXTO

JESÚS ROMÁN

por J Dilla), e incluso guiños más íntimos como Butterfly de Gretchen Parlato.

Con esta última y con Casey Benjamin haciendo uso del vocoder, la formación dio muestras sobradas de improvisación, pasando como sólo músicos de esta categoría podrían hacerlo, de momentos álgidos de energía a interpretaciones sosegadas repletas de matices.

Destaca precisamente la presencia escénica de Benjamin, a quien Glasper cede un lugar privilegiado encima del escenario –mucho nos llamó la atención el discretísimo segundo plano que ocupaba el pianista- y que se apoderó desde el primer momento del público.

A pesar de la solvencia de todos y cada uno de los miembros de la banda – en nada tiene que envidiar Mark Colenburg al ausente Chris Dave, ya que brindó

FOTOGRAFÍA BEATRIZ

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OLIVARES

momentos sobresalientes a la percusión- y el amplio registro que este “experimento” abarca (desde el free-jazz hasta interesantísimas licencias ‘latin’ pasando por un buen puñado de cortes con el groove en lo más alto) pesa en cierto modo la omisión de toda esa lista de colaboradores que pueblan la última incursión discográfica de la banda – Erykah Badu, Lalah Hathaway, Musiq, Mos Def…- ya que incluso Bilal, que sí estuvo días antes en Galicia- no se dejó caer por la cita madrileña. Más que “experimento”, la cosa se quedó en un homenaje a los géneros negros desde una mirada virtuosa. Cerraron, sin pretensión alguna de hacer un bis, con su increíble versión de Smells Like Teen Spirit de Nirvana. Estuvieran acompañados o no, resultó ser una noche inolvidable.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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B-FAMOUS · ENTREVISTA SHUARMA

HACE POCO QUE SALIÓ A LA VENTA EL TERCER TRABAJO DE SHUARMA EN SOLITARIO. EL QUE FUERA LÍDER DE ELEFANTES SE HA DEMOSTRADO DE QUÉ ES CAPAZ SI SE TRABAJA CON EL CORAZÓN. GRIETAS ES SU APUESTA MÁS PERSONAL, DONDE LA REALIDAD DEL SONIDO Y LAS LETRAS DAN AL OYENTE UN PUNTO DE VISTA AUTÉNTICO, DE VERDADERA ACTITUD. MANTENEMOS UNA INTERESANTE CONVERSACIÓN CON EL ARTISTA CATALÁN PARA QUE NOS CUENTE DE PRIMERA MANO CÓMO HA SIDO LA GESTACIÓN, CUÁLES SON SUS INQUIETUDES Y MOTIVACIONES ACTUALES, CÓMO VALORA SU CARRERA... MOSTRAMOS A UN SHUARMA SINCERO Y DIRECTO. UNA PERSONALIDAD REALMENTE INTERESANTE.

ENTREVISTA

JAVIER DECIMAVILLA

Antes que nada quería felicitarte por este nuevo disco. Estoy de acuerdo con la hoja promocional, ya que creo que has encontrado tu lenguaje y tu mejor manera de expresarte.

Muchas gracias. La verdad es que no sé qué he encontrado. Básicamente he ido soltando lastre, sobre todo en cosas relacionadas con Elefantes. Yo he tardado tres discos en ubicarme, porque ahora es cuando realmente siento que he encontrado mi voz propia. Este disco marca una diferencia con mis dos anteriores, que me gustan mucho y no los descatalogo para nada, pero sí que siento que con este he dado un paso adelante, que he encontrado mi voz. ¿Podríamos decir que es tu disco más personal?

Creo que sí, aunque no sé si el más personal, quizás es mi disco más acertado.

Los otros también lo son porque están hechos con todo mi cariño, toda mi alma y todo lo que yo era en ese momento.

Pero a veces lo que eres no es lo más acertado. Con mis discos anteriores estaba intentando ser algo, aunque no sabía ni lo que quería ser. Ahora estoy más relajado, soy lo que soy.

Siempre que se mira para atrás parece que cuesta reconocerse…

Sí, pero a mí me gusta mirar hacia atrás y verme ahí buscando o queriendo ser algo. Creo que en la búsqueda está el camino. Sin esos discos tampoco habría llegado a este. Todos los pasos son muy importantes. ¿Por qué Grietas?, ¿cuáles son las grietas que has dejado abiertas en estos años o en estos dos últimos trabajos que han supuesto una búsqueda?

Grietas para mí tiene que ver con valorar cosas que a lo mejor no valoramos. Este disco es fruto de haberme equivocado, pero también de darme cuenta que la equivocación a veces es necesaria. Al ver la grieta de una pared siempre tendemos a querer taparla,

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pero esa grieta es importante porque indica que la pared ha soportado peso y que lleva tiempo ahí. El tiempo es muy importante. En mi vida también tengo mis manchas, mis grietas, pero es una pared que cuenta algo.

Muchas veces en la imperfección está la belleza, ¿verdad?

Absolutamente. En este disco hemos trbajado a ese nivel. Cuando se graba utilizando Pro Tools, puedes arreglarlo todo hasta dejar un disco perfecto, aun sin saber cantar o tocar se pueden hacer discos perfectos a nivel de ejecución y de sonido. Pero ahí perdemos la parte emocional, que para mí es la verdaderamente importante. En este disco se valora la parte más humana, más artística, dejando errores y fallos que dan textura y actitud al disco. Eso es lo que yo estoy buscando.

Cierto es que a lo largo de la historia los discos más imperfectos son los que a la larga han tenido más vida para el público.

Totalmente de acuerdo. Si ahora escuchas algo de Led Zeppelin y pones la oreja de verdad, ¡Hay fallos por todas partes! (risas). Pero son fallos humanos, bonitos, que forman parte de la música. Yo no pretendo hacer un disco perfecto, sino hacer el disco más humano posible.

Hablando de hacer un álbum humano, en Grietas te muestras más directo, incluso haciendo algo de crítica social, como ocurre con el primer single Llueven piedras y su video.

En efecto, el video de Llueven piedras pretende mostrar mi visión de cómo están las cosas, pretende ser crudo y directo. Estoy un poco cansado de los músicos y artistas que siempre sonríen y aparentan que todo está bien. Pero no es así, las cosas están jodidas, están pasando cosas tremendamente duras y tenemos que quejarnos. Me apetece poner encima de la mesa mi punto de vista, estoy mosqueadísimo con la situación, es un momento de rabia, de indignación,

Shuarma

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B-FAMOUS · ENTREVISTA SHUARMA

de preguntarse qué está pasando, por qué hay tanta gente en el paro, por qué da igual qué político nos represente. Ya no hay izquierda ni derecha, solo una pandilla de mentirosos que nos están tomando el pelo. Yo no puedo sonreír ante todo esto y mi respuesta es sacar pecho y no tener miedo a contar lo que uno siente. ¿Sientes que los artistas tienen la responsabilidad de narrar la actualidad, de concienciar y estar más cerca de la gente?

Creo que nadie debe hacer nada por obligación. Cada uno debe hacer lo que quiera… pero es importante saber lo que quieres. Hay que ser muy honesto contigo mismo y tomar la actitud que necesites en ese momento, no la que te impongan o esperen de ti.

Volviendo a la temática del disco. Hay letras con las que la gente se puede sentir muy identificada, por ejemplo con la de Solo, que me parece que contiene uno de tus textos más sinceros, ¿Es tan personal como parece ese sentimiento de soledad que transmites?

Probablemente. Creo que cada vez estoy acertando más en contar lo que siento. Es como cuando aprendes un idioma y no lo controlas, para decir algo das un rodeo de la hostia para que la otra persona pueda entenderte. A mí con la música me ha pasado esto. Creo que cada vez, como artesano de la música, voy aprendiendo mejor mi oficio.

Parece que traduzco mejor lo que siento, al rock, los tres minutos y medio, las guitarras, las frases. Es una cuestión de oficio y experiencia.

Como en Rompe el espejo, que habla precisamente de la importancia de equivocarse y de cómo afrontar la inseguridad en la vida.

Claro. Desde niños nos enseñan lo que está mal y lo que está bien, que no debemos equivocarnos. Yo creo que no es así, equivocarse es imprescindible. Si no

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te equivocas no aprendes absolutamente nada. Equivocarse significa que has hecho, que estás en la acción. Estoy en una época en la que me encuentro muy a favor del error, de la equivocación, eso significa no estancarse.

Siempre me ha llamado la atención que en las letras de tus canciones recurres en ocasiones a elementos naturales como el fuego, la luz, la lluvia, etc. para definir estados de ánimo, sentimientos… ¿A qué se debe esta tendencia?

Es curioso, no me había dado cuenta de eso… (risas). Pero ahora que lo dices es cierto, es así. La verdad es que soy muy urbanita, pero sí que tengo presente que somos muy animales, que por encima de nosotros está la naturaleza, el sol, la tierra… y que nosotros somos sombras de todo eso. En efecto, con los elementos naturales se puede definir perfectamente el estado de ánimo de una persona.

A lo largo de tu carrera hemos conocido todos tus trabajos de manera eléctrica y acústica. Esto dice mucho de la calidad de tus canciones, ya que funcionan igual de bien en cualquiera de los formatos.

Es que son canciones que están compuestas con mi guitarra acústica, a las que luego se le han ido añadiendo capas y más capas que las enriquecen. Pero yo siempre que acabo este proceso, la gira, me gusta volver a recuperar el inicio de la canción, cómo empezó. Disfruto grabándolas de nuevo y parece que la gente también, por lo que probablemente siga haciéndolo.

Cualquier aficionado a la música agradece siempre conocer las pequeñas “rarezas” de los músicos.

Sí, claro, porque las canciones cambian, incluso el enfoque de las letras. No sé ahora mismo con qué artistas ocurre, pero por ejemplo es bonito escuchar a un David Bowie en una sesión especial a guitarra y voz de aquella canción…

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Siempre recurres a David Bowie como una referencia fundamental...

Para mí es un camino a seguir. Me encanta su forma de escribir, su forma de pasearse por el mundo de la música, su evolución. Le admiro muchísimo.

La separación de Elefantes supuso una ruptura total cuando el grupo gozaba de mayor éxito y prestigio. ¿Te ha beneficiado el riesgo que asumiste al emprender tu carrera en solitario?

Depende de como se mire. A nivel de “éxito” no me ha beneficiado en nada.

Elefantes era una banda que consiguió una popularidad en otro tiempo diferente, trabajamos mucho y funcionamos muy bien. Pero yo no me metí en la música por el éxito. Está claro que me gusta tener éxito, dormir en hoteles de cinco estrellas, viajar con comodidades, gustar al público. Pero mi camino no era ese, sino llegar a la gente, vivir de la música, aprender a hacer discos y canciones, aprender a transmitir lo que siento.

Llegó un momento que con Elefantes mi aprendizaje personal se había acabado y si hubiera seguido habría sido solo por el éxito, por seguir la corriente a la compañía de discos. A día de hoy volvería a hacer el mismo movimiento. Claro que no tengo el mismo éxito que antes, pero mi éxito personal sigue creciendo.

Creo más en esto. Prefiero dormir en una pensión sencilla y sentirme agusto conmigo mismo...

La edición especial de Grietas es en vinilo ¿Te consideras un nostálgico en este sentido?

No es una cuestión de nostalgia únicamente, aunque mis primeros discos de Bowie, Dylan o Led Zeppelin eran en vinilo obviamente. Pero en realidad viene porque estamos en la época del mp3 de mierda que es un desastre. Los que hacemos música y nos preocupamos por el sonido de la guitarra, del compresor, del pedal, por todo un trabajo en el que intervienen técnicos y músicos que se preocupan porque cada detalle esté

en su sitio, vemos que al pasar todo eso a un mp3 no se aprecia nada. Por eso quiero dar la opción de que si alguien que compra mi música valora todo eso, además del ritual de sacar el vinilo, poner la aguja, etc., pueda tenerlo. Yo me compro todo en vinilo. Por ejemplo, el último de My Morning Jacket, Circuital, ¡Tiene un sonido de la hostia!

Aparte de otras colaboraciones, es muy importante tu aportación al proyecto de Susu, La Media Luna. ¿Tienes algún proyecto paralelo al tuyo actualmente en marcha o en mente?

El año pasado, produje el nuevo disco de Susu que saldrá dentro de poco y se va a llamar Bosque vacío y es precioso. También acabo de montar un grupo en catalán que se llama Els Mestres de l’error (Los Maestros del Error) que precisamente tiene que ver con todo lo que hablábamos antes y tenemos un disco grabado que, probablemente, cuando acabe toda la gira de Grietas y me apetezca, lo sacaremos. ¿Qué nos podemos encontrar en los conciertos de esta gira?, ¿Qué sonido?, ¿Qué repertorio?

Básicamente vamos a tocar sobre todo Grietas, que es un disco muy enérgico, muy de directo. Lógicamente también tocaremos canciones de Universo y El poder de lo frágil, alguna cosa de Elefantes y también algo de Antonio Vega, porque siempre que me subo al escenario me gusta recordar a Antonio. El formato es muy guitarrero, muy crudo, de cuatro músicos.

El estándar rock, cuatro músicos…

Efectivamente, la típica banda de rock.

Muy eléctrico, con mala leche. Creo que es una banda curiosa, cada músico tiene un sonido muy característico. La banda suena de puta madre y lo estamos pasando muy bien. Creo que va a gustar. ¿Quieres añadir algo sobre el disco?

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B-FAMOUS · ENTREVISTA SHUARMA

Bueno, a mí hay una canción que me gusta especialmente que se llama Lo que queramos creernos. Es una canción de esas con las que te quedas muy ancho al terminar de escribirlas. He contado algo que quería contar, que quizás hablando no sé hacerlo, pero cantando sí. ¿Qué sensaciones te están llegando con este disco en cuanto al recibimiento y acogida?

Las sensaciones son muy buenas. Estoy muy contento porque parece que ser que a la gente le llegan las canciones de una forma muy bonita. Noto que se está valorando mi carrera y me siento muy agradecido.

Aunque nuestro eje principal como medio gira alrededor de la música, no tratamos únicamente sobre ella, sino que también tocamos otras corrientes artísticas como el cine, el diseño, etc. Las referencias cinematográficas son evidentes al ver el video de Llueven piedras. ¿Qué preferencias tienes tú con respecto a esta corriente artística, al cine?

Soy muy fan de Lars Von Trier. La última que he visto es Melancolía. A mí me gusta el arte cuando te remueve y te da un bofetón, cuando te hace pensar.

Para mí Lars Von Trier es un maestro en eso y me hace disfrutar mucho. Me hace sufrir, pero disfruto, porque me lleva siempre a reflexionar. De alguna manera mantiene mi mente activa.

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Para terminar siempre solemos lanzar estas preguntas para conocer mejor al entrevistado.

En primer lugar me gustaría saber qué artistas o grupo te interesan actualmente a nivel nacional e internacional.

Como ya he dicho antes me encanta el último disco de My Morning Jacket, The Black Keys me parecen increíbles, me gustan Arcade Fire aunque últimamente me están cansando un poco, Keane es una banda que también me gusta muchísimo. Creo que se está haciendo una música increíble, también aquí en España. Vetusta Morla me parece un grupazo, me encantan Love of Lesbian, Iván Ferreiro, Fon Román, The New Raemon… Estamos en un momento musical muy bueno y no das abasto para conocer todo lo que se hace.

Recomiéndanos tres discos de cualquier época...

El primero es de una chica francesa que está viviendo en Barcelona, se llama Edith Crash y el disco es De l’autre côté que significa “Del otro lado” y es precioso. Por supuesto recomiendo Circuital de My Morning Jacket, disco al que estoy enganchadísimo. Otro disco que estoy escuchando mucho ahora es el de Gene, Olympian, que es una maravilla.

B-CURIOUS · MÚSICA

¿

Quién le iba a decir a Los Campesinos! que al encontrarse hace seis años en la universidad de Cardiff les esperaba una frenética carrera discográfica y una expansión por Europa, Norteamérica y Sudamérica? De momento han dado con la fórmula para haber enganchado a su propio público Un ritmo de un lanzamiento discográfico por año de media, apelando al común del comportamiento en la industria musical actual, que afecta al del músico y su “producto”, de primeras lo más fácil es que te lleve a pensar que el que mucho abarca poco aprieta, por lo menos en los tiempos que corren. Quizá no sea tan absoluta como creemos la aplicación de esa asociación de ideas general que solemos tener de relacionar el "mucho" con lo deficiente y el "poco" con lo cuidado.

A Los Campesinos! parece haberles sentado bien la producción de tanta música. Puede que no tanto entre un trabajo publicado y su consecutivo o de un año al siguiente haya una diferencia abismal y también es cierto que la esencia de la banda galesa ha estado bastante definida desde sus inicios, pero hay que hablar

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de una por lo menos bastante considerable mejora en la calidad musical desde su aparición con Hold on now youngster en 2007 y su nuevo LP Hello Sadness.

La madurez personal de los integrantes de la banda también se ve reflejada en las composiciones, pues aunque mantienen ese aire desvergonzado y un tanto descarado que les hace ser ellos, hay que tener en cuenta que ya no son tan LOS CAMPESINOS! chavales como en 2006, cuando emHELLO SADNESS pezaba un proyec(Wichita. 2011) to directamente salido del campus.

Mientras que en su primer trabajo casi black bird, the dark slope, videoclips de no se salía tema tras tema de una rebeluniversitarios prematuros y gamberros día juvenil que encasillaba al tipo de fan, (Hello Sadness o By your hand), pero en este último CD esa actitud aparece también encontramos contraste con mucho más moderada y rica en otros otras atmósferas de melancolía y añosentimientos. Abundan coros por todas ranza en To Tundra y Hate for the ispartes de voces masculinas y femeninas land. Hello Sadness, un hola a la tristeza y distorsión de guitarras, como ya es riéndose de ella y sintiéndola a la vez, es costumbre en ellos. con eso con lo que nos quedamos.

Entre los 10 temas, reaparecen sus TEXTO MIRA CIRERA habituales rítmicas y estructuras nada complicadas y pegadizas en canciones como Songs about your girlfriend y The

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FLORENCE + the MACHINE

B-CURIOUS · MÚSICA

S

i su primer trabajo en 2009 Lungs fue el primer paso, un dejar una puerta abierta a una nueva identidad dentro del pop, con este segundo disco se superan y confirman definitivamente que no “florecen” y despuntan porque hayan compuesto un par de hits esporádicos, sino que tenemos ante nosotros un ejemplo de una banda que ha triunfado y prevemos va a mantenerse.

El esqueleto que sostiene el peso de los temas NOMINADOS MERECIDÍSIMAMENTE AL se encuentra en la comMEJOR ARTISTA REVELACIÓN EN LOS posición misma de meloGRAMMY DE 2011, FLORENCE + THE días y armonías. El resto MACHINE AFIANZA SU CREATIVIDAD de arreglos y detalles Y ESENCIA, TREMENDAMENTE juegan un papel sin duda PERSONAL, CON CEREMONIALS importante: aderezan, completan, matizan, pero TEXTO MIRA CIRERA no es una producción de estudio lo que le da grandeza ni define a Ceremonials; prueba de ello son las grabaciones en versión acústica que ofrecen, igualmente etéreas, y directos que cada vez se desarrollan de una manera diferente (destacamos aquí un impresionante The Royal Albert Hall en abril de 2012).

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A pesar de que prácticamente son tema bueno tras tema bueno, sobresalen What The Water Gave Me y Only If For A Night por los subidones y la intensidad/ tensión emocional que tanto caracteriza al grupo. Encontramos harpas, violines, pianos, una importante carga coral reverberada y una voz principal muy limpia, afinada y potente que guía cada cambio de intención que se va dando en las canciones. Como tema más pegadizo está el ya muy conocido Shake It Out y cierran con la oscuridad de los tres electrónicos Remain Nameless, Strangeness And Charm y Bedroom Hyms.

Merece la pena reparar en Florence Welch, alma de la banda, vocalista y compositora. Sorprende por la sensibilidad que su voz barroca imprime en sus canciones y su especial personalidad de contrastes, fuerte y dulce, guerrera y sentimental a la vez. Al igual que la protagonista explica que se emociona con todo tipo de música que nazca de la emotividad, la suya propia ha sido capaz de llegar a más tipos de público de lo que un “indie épico”, por ponerle etiqueta, cabría esperar.

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© CARLOS PERICÁS

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tres cUERDAS TERESA BERNABÉ, ESPERANZA SPALDING Y MARQUES TOLIVER. SON LOS NUEVOS ARTISTAS REVELACIÓN EN EL MUNDO DE LA MÚSICA, TRES JÓVENES CON UN TALENTO ÚNICO, CAPACES DE TOCAR Y CANTAR AL MISMO TIEMPO, Y QUE PUEDEN PRESUMIR ADEMÁS DE TENER UNA VOZ PRODIGIOSA QUE ESTREMECE A QUIEN LES ESCUCHA. SUS ESTILOS MUSICALES VAN DESDE EL FOLK HASTA EL JAZZ PASANDO POR EL RHYTHM AND BLUES, PERO COMPARTEN UN ELEMENTO COMÚN: NO SE SEPARAN NI UN MOMENTO DE SU INSTRUMENTO, YA SEA EL CHELO, EL BAJO O EL VIOLÍN. SE HAN SUBIDO A LOS ESCENARIOS DE MEDIO MUNDO Y HAN EMOCIONADO A MILES DE PERSONAS CON SUS LETRAS. Y ESO QUE SU CARRERA NO HA HECHO MÁS QUE EMPEZAR POR LAURA

SERRANO-CONDE

ESPERANZA spalding

S

i al leer el nombre de Esperanza Spalding no tiene la más remota idea de quién es esta chica, acuda a revistas musicales, navegue en Internet y embriáguese de su voz angelical con canciones como Black Gold o Grooves. ¿Ya lo ha hecho? Acaba de conocer a la nueva estrella del universo del jazz. Tiene sólo 26 años y llega dispuesta a comerse el mundo. Bajista, vocalista y compositora, Spalding es autora de cuatro discos y se convirtió el pasado año en la primera figura del jazz galardonada con el Grammy a la Artista Revelación, un premio que por cierto arrebató de las manos al ídolo adolescente Justin Bieber.

Nacida en Portland, en 1984, durante su infancia estudió violín durante once años, hasta que descubrió en clase de música el bajo, instrumento del que confiesa se enamoró locamente. Fue entonces cuando comprendió que el bajo se convertiría en su más fiel aliado. Aprendió los secretos de este instrumento con el legendario Ron Carter, se convirtió a los 20 años en profesora de música en Berklee y se dedicó a componer diversos temas que recopiló en su primer álbum Junjo,

que salió al mercado en 2005. Desde entonces ha llevado su música a todos los rincones del mundo y ha sido invitada por Barack Obama para tocar en la Casa Blanca en varias ocasiones.

Ahora acaba de publicar Radio Music Society, un disco ambicioso y magistral, tal y como ella lo describe, con ciertos toques de pop, funk y mucho jazz, y en el que reflexiona sobre temas universales como el dolor y la felicidad, el amor y el desamor. Canciones como Cinnamon Tree, Hold On Me, Vague Suspicions o Black gold, auténticas delicias para los oídos más selectos, componen este álbum que podría ser la continuación natural de Chamber music society, de 2010. En esta última entrega Spalding ha querido también rendir homenaje al genio musical Stevie Wonder al incluir una versión de su éxito I Can’t Help It. Un sonido fresco y único, lleno de color y de texturas, capaz de estremecer a cualquiera y que deja al descubierto el lado más íntimo y humano de Spalding. Una de las grandes promesas del jazz contemporáneo, cuya aún discreta trayectoria tiene mucho recorrido por delante.

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Tibi and her cello SENCILLA, HUMILDE Y CON UNA VOZ PRODIGIOSA, CAPAZ DE EMOCIONAR A CUALQUIERA CON SU BELLEZA Y SENSIBILIDAD. ASÍ ES TERESA BERNABÉ, UNA APASIONADA DE LA MÚSICA Y EL ALMA DE TIBI & HER CELLO. CHELISTA DESDE BIEN PEQUEÑA Y CANTANTE DESDE HACE ALGUNOS AÑOS, PUBLICA AHORA PARA DELEITE DE MELÓMANOS SU PRIMER EP LOST IN THE SOUNDS, UN TRABAJO SOBRESALIENTE QUE NO DEJA DUDAS: TERESA BERNABÉ ES YA UNA AUTÉNTICA REVOLUCIÓN EN EL MUNDO DE LA MÚSICA FOLK

Tal y como dijera Paul McCartney, ella es “una de las pocas chelistas en el mundo capaz cantar mientras toca”.

Nacida en Madrid en 1983, Bernabé tuvo muy claro desde pequeña que su sueño era dedicarse a la música. Hija de padre guitarrista, se matriculó a los nueve años en clases de chelo en el Conservatorio de Madrid. Por sus venas corre sangre de artista y reconoce que siempre ha sabido cuál era su destino. Tal vez por ello decidió hace algunos años dejar atrás su tierra y marchar a Liverpool para formarse en la escuela LIPA, dirigida por el propio McCartney. Allí, tuvo la oportunidad de conocer al ex Beatle en persona y tocar para él. Una experiencia única que, asegura, jamás olvidará.

Tener la oportunidad de tocar para uno de los grandes iconos musicales de la historia es algo de lo que muy pocos pueden presumir. ¿Cómo recuerdas aquel momento?

Es la experiencia más bonita y gratificante de mi vida sin lugar a dudas, ¡simplemente un sueño hecho realidad!

McCartney ha sido tu maestro, ¿Qué has aprendido de él?

Muchas cosas, me enseñó a no encasillar la música en un solo idioma y sin darme cuenta empecé a escribir en español... a nivel personal y como artista me sorprendió su cercanía y simpatía, gracias a ello he aprendido de su humildad como músico y persona... ¡Todo un ejemplo a seguir!

El chelo es tu fiel compañero, te acompaña allá donde vas desde que tenías nueve años. ¿Por qué te decantaste por este instrumento?

En su momento fue una casualidad del destino. Cuando tenía nueve años,

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escuché el sonido de un violonchelo en directo y me enamoré... ¡Fue todo un flechazo!

Ahora acabas de publicar tu primer EP, Lost in the sounds, un disco muy íntimo, que ha enamorado a la crítica.

Es un trabajo sincero con canciones que nacen del corazón y de las ganas de experimentar con los sonidos. Es una manera de mostrar que se pueden hacer cosas diferentes con instrumentos clásicos. ¿Qué tiene el disco de ti? ¡Supongo que todo! Hay canciones soñadoras como Far Away, otras más descaradas, en las que te la juegas todo a una sola carta en directo con chelo y voz como You Will Come For More, y también canciones divertidas y que te hacen sonreír como I'll Be Alright. Pero todas juntas forman el coctel perfecto para definir a Tibi. ¿Es “Tibi & Her Cello” tu mayor logro como artista?

A día de hoy sí, es sin duda alguna mi proyecto más personal y con el que me siento más identificada y por el que lucho día a día. ¿Cuáles dirías que son tus referentes musicales?

The Beatles, Bobby McFerrin, David Bowie, Feist, Sfjan Stevens, Esperanza Spalding, John Lennon, Paul Simon, Bon Iver y Joanna Newsom. ¿Para cuándo un LP? Espero que para dentro de poco... ¡Tenemos muchísimas ganas! Después de un largo y trabajoso proceso el disco ya está grabado y masterizado, pero aun estamos buscando la compañía adecuada para sacarlo, y eso lleva su tiempo...

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MARQUES TOLIVER

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legante, delicado, cuidadoso. Así es su música y así es él. Vocalista y violinista prodigio, Marques Toliver es actualmente una de las estrellas más jóvenes y prometedoras del mundo del Rhythm and Blues.

Nacido en Florida en el seno de una familia humilde y profundamente religiosa, Toliver comenzó a estudiar música a los once años en su escuela, una formación que continuó posteriormente en la Universidad. El violín es su instrumento, su bien más preciado, una joya que cuida celosamente y que toca con suma delicadeza. Con él, emite una a una las notas que dan forma a un sonido único e hipnótico, que enriquece con su extraordinaria y melodiosa voz.

Autor de canciones como Charter Magic, Step Back & Remember o Deep In My Heart, esta última es posiblemente la más conocida, Toliver es uno de los pocos músicos que puede presumir de haber emocionado al veterano guitarrista Kyp

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Malone, de Tv On The Radio, quien le propuso hace algunos años, cuando Toliver sólo contaba con la edad de 24, exportar sus canciones de las calles de Brooklyn y presentarlas al resto del mundo. Desde entonces, ha viajado por países como Reino Unido y ha contado con el aplauso del público y la simpatía de músicos como Adele, que le llegó a recomendar en su blog.

Sus letras, sensibles a las inquietudes humanas, reflexionan sobre temas como el paso del tiempo o el día a día de la gente de la calle. Y ha sido precisamente este carácter emocional de sus canciones el que ha hecho que haya quien ya le compare con artistas de la talla de John Legend o Lauryn Hill. Admirador de genios como Diana Ross o Marvin Gaye, Toliver pide un único deseo: poder dedicarse durante muchos años más a su música y emocionar a miles de personas en todas partes del mundo. De momento, su primer EP Butterflies Are Not Free está siendo todo un éxito.

© STERLING PIERCE TAYLOR

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ZAHARA

LA CARRERA DE ZAHARA ES DE ESAS QUE, AUNQUE SE INICIÓ HACE RELATIVAMENTE POCO TIEMPO, MERECEN TODO EL RESPETO DEL MUNDO POR LA COHERENTE MANERA DE DIRIGIRLA EN TODO MOMENTO Y POR LA CERCANÍA Y RESPETO CON LOS QUE HA TRATADO A SUS SEGUIDORES DESDE EL PRIMER DÍA

TEXTO

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JAVIER DECIMAVILLA

n 2005, cuando contaba con solo 22 años, ella misma se autoeditó Día 913, disco que le sirvió para situarse en el complejo mapa musical español. Canciones repletas de personalidad, muy cercanas a la canción de autor clásica, sin más pretensiones que contar historias propias. En este momento, comenzó el particular idilio que mantiene con sus fans, pues ella misma enviaba el cd al domicilio del comprador, agradeciendo de su puño y letra el interés por su música.

Estamos también en la época en que empieza a moverse de manera entusiasta por la red, enviando ella misma correos electrónicos con las fechas de sus conciertos y manteniendo informada de su andadura a toda la gente que lo deseara.

Tras cuatro años de componer, tocar en multitud de pequeñas salas, presentar videos virales por internet, colaborar con distintos artistas y demás

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movimientos que supusieron que Zahara tuviera ya un nombre en el panorama musical patrio, llegó en 2009 la confirmación de lo que su carrera podía dar de sí. Por fin se publicó su segundo álbum, La fabulosa historia de... Producido por Carlos Jean y Ricky Falkner y editado bajo un sello multinacional, el disco supuso un auténtico boom para la artista de Úbeda, pues además de la inclusión de uno de sus temas en una sintonía televisiva, la colección de canciones que contenía este trabajo le permitió sonar en cada rincón de nuestra geografía y sus seguidores se empezaron a multiplicar gracias también a los inteligentes movimientos que ella misma hacía a través de sus redes sociales. Muchas veces se ha definido a sí misma como una adicta a tales redes, pero lo cierto es que gracias a ellas y, por supuesto, al indiscutible talento que atesora, Zahara está donde merece estar.

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ZAHARA LA PAREJA TÓXICA (Music Bus. 2012)

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l tercer paso, ejecutado con la misma seguridad y acierto que los dos anteriores, llegó el año pasado, cuando la cantante jiennense editó La pareja tóxica. Hablamos de un álbum en el que la fragilidad y dulzura que demostró en La fabulosa historia de…, quedan atrás, para así mostrar a una Zahara mucho más combativa y oscura, sin abandonar la delicadeza propia de la artista. Valga como ejemplo de esta nueva personalidad una frase tan directa como “Quisiera reventarte bajo mis pies, quisiera volarte la tapa de los sesos, bañarme con tu sangre, beberme tus excesos…”, extraída de la magnífica y singular Camino a L.A..

La pareja tóxica es un álbum complejo, casi conceptual, donde la dualidad y la idea de pareja reinan a lo largo de las trece canciones que contiene. La madurez compositiva es patente, ya que si dejamos a un lado La mujer mayúscula y el mar o Mariposas que son las canciones más alegres del disco, las más cercanas a la Zahara del azúcar y las gominolas, el resto de piezas que encontramos en este trabajo son mucho más introspectivas, escritas a corazón abierto, sin tapujos, gritando la verdad aunque duela, demostrando que no todo es tan bonito como parece, sino todo lo contrario.

Encontramos sonidos distorsionados propios del panorama indie, canciones

FOTOGRAMA DEL FILM LEÑADOR Y LA MUJER AMÉRICA DE NYSUFILMS QUE PROTAGONIZA ZAHARA

hirientes como El lugar donde viene a morir el amor, el fantástico dúo con Ricky Falkner en General Sherman y cómo Sam Bell volvió a la Luna o la energía e inmediatez de la concisa Leñador y la Mujer América. La melancolía y sinceridad llegan a su punto más álgido cuando escuchamos a Zahara interpretar Del invierno, que inevitablemente nos remite a la maravillosa Con las ganas, incluida en sus dos anteriores álbumes. La manera de interpretar esta canción y la emoción que transmite en cada frase, hace sentir a quien la escucha el susurro de su intérprete y la necesidad de abrazar el momento y consolar su llanto.

La sensación general que recorre el último disco de la cantautora es que ella misma ha expulsado todos sus demonios,

haciendo frente a su propio dolor y plantando cara a la realidad. Sin duda, la vuelta a la independencia discográfica le ha sentado realmente bien a Zahara, pudiendo disfrutar de una libertad creativa y promocional total. Una muestra de ello, es la serie de videos a modo de tráiler cinematográfico o “making of” que ha ido presentando de manera puntual como imágenes de una película que forma una parte más de La pareja tóxica y que la propia artista protagoniza. Otro ejemplo más de la intuición y original mentalidad que ha mostrado siempre para dar a conocer y expandir sus proyectos. Del mismo modo que seguimos con fidelidad cada paso que va dando, esperamos con avidez su próximo movimiento de ficha.

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PETER AURISCH SI HASTA HOY EL INTERÉS POR VIAJAR SE LIMITABA A VISITAR OTROS LUGARES, CONOCER OTRAS CULTURAS O DISFRUTAR DE NUEVAS GASTRONOMÍAS, AHORA PODRÁS AÑADIR OTRO MOTIVO A TU LARGA LISTA, QUE QUIZÁS NO TE HABÍAS PLANTEADO HASTA EL MOMENTO: EL TATUAJE. SÍ, VIAJAR PARA TATUARTE POR UN ARTISTA MUY ESPECIAL… ¿SU NOMBRE? PETER AURISCH TEXTO

SHEILA PÉREZ

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SUS DISEÑOS FUSIONAN Y REINTERPRETAN ESTILOS COMO EL SURREALISMO Y EL EXPRESIONISMO

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s posible que su nombre no te resulte muy familiar pero probablemente por tus ojos ya hayan pasado varios de esos trabajos que dejan huella en la retina, pues la fuerte personalidad que desprende su arte, hipnotiza y atrapa sin dejar indiferente a nadie.

La implacable destreza con el uso de la tinta de Aurisch es muy diferente al tatuaje de serie que solemos ver en la calle y al que estamos acostumbrados, lo que fácilmente incrementa las ganas de estrenarse en este arte, que quién ya ha probado califica de adictivo. Tanto si eres un fanático de los tatuajes como si no, el deseo de que este rey del tattoo haga de tu cuerpo el lienzo para la obra perfecta, hará su aparición en cuanto lo conozcas.

En Nevada Johnny, estudio de tatuaje en Berlín (Alemania), el tatuador Peter

Aurisch nos sorprende con su impresionante talento dominado por un gusto exquisito en la combinación de pigmentos y estilos. Fuertes contrastes de colores y formas de diferente naturaleza se entremezclan para dar lugar a composiciones llenas de fuerza y con una gran personalidad que hacen imposible encasillar a este artista en cualquier estilo existente, pues el suyo tan sólo podría llevar su nombre propio.

En cuanto a la forma, en sus diseños la sensación de libertad se hace presente en la ligereza y espontaneidad de sus trazados, cual croquis a mano alzada hecho con lápiz sobre papel, consigue delinear un recorrido fluido y natural con las agujas, dándole un carácter espontáneo que lo aleja de lo común y otorgándole una textura visual más expresiva

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B-CREATIVE · TATTOOARTE

CONTROL TOTAL SOBRE EL COLOR, TRAZOS INCONCLUSOS, FIGURAS GEOMÉTRICAS Y DISCURSO ONÍRICO SON LAS LÍNEAS PRINCIPALES DE SU MARCADO ESTILO

a esta manera de ornamentar la piel. En cuanto al color, fuertes pigmentos adquieren gran protagonismo en sus composiciones a través de magnificas pinceladas a brocha de aguja, combinadas con la cuidada calibración de líneas.

Sus diseños fusionan y reinterpretan estilos como el surrealismo y el expresionismo, a menudo salpicados con dibujo técnico y una geometría descriptiva cuidadosamente seleccionada para obtener composiciones de exquisita armonía.

Quizás el secreto del éxito de Aurisch, sea su capacidad para impregnar de carácter y estilo propio su obra, tanto a través de la forma como del color, y conocer

exactamente la dosificación adecuada de ambos. Colores que contrastan a la perfección, trazos que parecen inconclusos y se mezclan a su vez con dibujos geométricos y extraños discursos oníricos forman parte de su sello personal.

Peter Aurisch es sin duda el artista ideal para los que buscan tatuar su piel con exclusivas ilustraciones dignas de admirar, o para los que siempre se han mantenido remisos a pigmentar su piel por tratarse de una decisión para toda la vida. Para ellos, Peter podría ser la excepción que confirma la regla, pues un tatuaje suyo es lo más parecido a imprimir un sueño en tu piel.

EL DIBUJO NO TIENE SECRETOS PARA MÍ Y ADEMÁS, SI TE DEJAS, PUEDO HACER UNA PEQUEÑA OBRA DE ARTE EN TU PIEL

"

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DESDE HACE MUCHOS AÑOS SE HA ESTADO ESTUDIANDO LAS MEDIDAS MÍNIMAS PARA VIVIR CON EL FIN DE DELIMITAR UN ESPACIO MÍNIMAMENTE CÓMODO. HOY EN DÍA, EN UNA CASA O UN ESPACIO CON POCOS METROS CUADRADOS PUEDEN INGENIARSE AUTÉNTICAS OBRAS DE ARTE QUE AYUDEN A CUBRIR TODAS LAS NECESIDADES DE UN HOGAR, ESPECIALMENTE CONSEGUIDAS GRACIAS AL MOBILIARIO TEXTO

CRISTINA JOVER

'

espacios

minimos para

dormir H

ay empresas que se dedican únicamente en convertir un espacio en dos o tres, fácilmente transformables y cómodos a la vez. Un escritorio que es al mismo tiempo una cama y sirve también de armario. Son soluciones muy prácticas para espacios que lo requieren, especialmente entre los más jóvenes.

Y llevado al extremo, hay hoteles que se han encargado de realizar sus habitaciones o espacios con medidas mínimas para dormir. Sin duda una experiencia única, ya que podemos encontrar habitaciones en tuberías de drenaje, en cápsulas enormes adaptadas al ser humano o incluso en barriles de vino reciclados.

También encontramos las mejores soluciones que sirven como albergue transportable y muy fácil de montar si has decidido irte de excursión y de sorpresa te has encontrado con una gran nevada.

B-CREATIVE · SOLUCIONES DE ESPACIO

YOTEL LONDON HEATHROW T4

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ste hotel se encuentra dentro de la propia Terminal 4 en el aeropuerto Heathrow (Londres), antes de pasar la zona de seguridad, por lo que es fácilmente accesible. Las habitaciones se denominan “cabinas” y son ofertados diferentes tipos, aunque la que más nos ha llamado la atención es la “standard”, una habitación de 7 metros cuadrados de superficie con una cama estilo litera para una o dos personas (que dormirán bien pegaditas), una pequeña mesa plegable y baño propio. Dispone también de un televisor de pantalla plana y WiFi gratis. Por su diseño y su gran aprovechamiento de la superficie, podemos equipararlo a los hoteles cápsula de Japón (aunque ligeramente más espaciosos) que se detallarán al final de este artículo.

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FOTOGRAFÍA © ANDREAS STRAUSS flickr.com/photos/andreasstrauss

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ituado en Ottensheim (Austria), este hotel de tan sólo 3 habitaciones prima por su máxima sencillez y creatividad. Acopladas en tubos de drenaje de hormigón, se bastan de una plataforma de madera sobre la cual descansa la cama y una repisa lateral con una lámpara. Además disponen de un espacio debajo de la cama para guardar bicicletas y dos pequeñas ventanas perforadas.

Están situados en una zona pública del centro a orillas del río Danubio. Y si os preguntáis qué pasa con los baños

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públicos y las demás comodidades que puede ofrecer un hotel cualquiera, os informamos que se sirven de los baños públicos del parque y las demás instalaciones (bares, cafeterías, restaurantes) que se encuentran alrededor.

Y aunque su diseño sea así de innovador y creas que alojarte allí es medianamente caro por los “pocos” servicios que ofrecen, te equivocas, ya que no disponen de tarifas, es decir, tienen el concepto de que pagas lo que crees más adecuado por hospedarte allí.

HOTEL DASPARK OTTENSHEIM (AUSTRIA)

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MINI HOTEL CAPSULE (TRANSPORTABLE)

FOTOGRAFÍA © JAMES HARRIS

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olviendo al concepto de dormir en una especie de cápsula, han aparecido diversas variantes de estos hoteles en Japón y en Nueva York, pero especialmente nos ha llamado la atención este diseño de Atelier van Shout en colaboración con Natalie Kovacs. Es una especie de dormitorio de 6 camas perfectamente adaptado para estar al aire libre. A diferencia de los hoteles cápsula, en estas habitaciones las camas son de matrimonio y pueden caber hasta dos personas.

Como curiosidad, Brad Pitt se enamoró de su diseño hasta tal punto de comprarlo para instalarlo en su isla privada para sus hijos.

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FOTOGRAFÍA ©RINI

VAN BEEK, MICK COUWENBERGH

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os arquitectos del estudio belga dmvA son los creadores de esta casa huevo, una unidad móvil que puede ser convertida en oficina, habitación o casa del jardín. A pesar de su reducido espacio dispone de cuarto de baño, cocina, una cama y varios espacios de almacenamiento. Una de sus ventajas es su fácil transporte y que una de sus partes puede abrirse en forma de porche, ofreciendo tanto la luz natural necesaria como la ventilación. La cama está ubicada en uno de los espacios de las estanterías y por lo que vemos, no tiene pinta de ser demasiado cómoda.

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BLOB VB3

(LA CASA HUEVO PORTÁTIL)

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HOTEL DE VROUWE VAN STAVOREN (HOLANDA)

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tra de las ideas más creativas es este hotel de Stavoren (Holanda). Su creador recicló viejos barriles de vino suizo y los convirtió en habitaciones de hotel. Aunque su espacio interior es mínimo, su capacidad es para dos personas (con camas individuales) y su techo es lo suficientemente alto como para que una persona pueda ponerse de pie. Su diseño es muy acogedor, nos da la sensación de estar dentro de un barco por esas paredes de madera redondeadas y el diseño de las camas.

En la parte posterior de cada barril hay una puerta que lleva a la sala de estar y al baño, totalmente separados de la propia habitación. Uno de sus puntos más fuertes son las magníficas vistas a los Lagos de Frisia de las que dispone, desde las que se puede ver el puerto viejo con la entrada y salida de tráfico marítimo.

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DYNAMO

(TRANSPORTABLE)

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iseñado también por la artista Atelier van Shout, esta especie de habitáculo funciona como habitación de hotel móvil. Su interior no es mucho más grande que una cama de matrimonio y viene equipado con lo básico: un colchón, sábanas, mantas, una lamparilla y una salida de electricidad.

La única pega que vemos es que no puede ser transportado fácilmente con regularidad, aunque si que es una buena opción para convertirse en la perfecta habitación de invitados en el jardín.

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FOTOGRAFÍA

© NACASA & PARTNERS (AKIHIKO YOSHIDA)

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ste hotel de Kioto ofrece a sus clientes un máximo de 9 horas de estancia. Todo perfectamente calculado para tener una hora de ducha, una hora de descanso y 7 horas para dormir. Bajo el concepto de fast-hotel, va dirigido especialmente a personas que viajan constantemente por temas de negocios y que tienen el tiempo justo para su descanso.

Sus 125 habitaciones son una especie de cápsulas con un panel interior que controla las luces y el sonido. Además, para que no se queden dormidos, tienen un sistema de alarma programada que no permitirá que te relajes en exceso. Están divididas en 9 plantas separando las zonas para hombres y para mujeres. También disponen de un salón común, una zona de vestuarios, de ducha y taquillas, equipadas con todos los elementos básicos de higiene con el packaging acorde con el propio hotel. Su precio oscila sobre los 40 euros por noche.

HOTEL 9H (KIOTO)

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B-CREATIVE · MADINSPAIN

PARA LOS QUE NOS DEDICAMOS A ESTO DEL DISEÑO Y LA CREATIVIDAD, ESE CAMPO TAN DEJADO POR ORGANISMOS, ESA DISCIPLINA TAN INFRAVALORADA POR LA SOCIEDAD, EL ARRANQUE DE LA ÚLTIMA EDICIÓN DE MADINSPAIN, EL MAYOR CONGRESO NACIONAL EN ESTA MATERIA, HA SIDO, CUANTO MENOS, INSPIRADORA.

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esde la organización se nos recordaba la necesidad de crear una identidad común como colectivo, y se congratulaban (no es para menos) por conseguir reunir en un mismo espacio a 2000 personas, profesionales en su mayor parte… Tal y como está el patio en este bendito país es algo, al menos, digno de mención.

Y digo inspiradora también por analogía con este propio proyecto. Explicaba el director creativo brasileño Nando Costa, primer ponente de esta temporada, con respecto a los títulos de crédito que han nacido de su colorida mente (“soy brasileño, vivo en la jungla, es normal que mi trabajo sea colorido”), que la idea consistía en aglutinar en un mismo ecosistema distintos organismos que lo conforman, organismos en este caso representados por los ponentes.

La metáfora es enteramente aplicable a cualquier propuesta que nazca con el mismo espíritu que la nuestra. Aglutina talento, trátalo no sólo como mano de obra, y probablemente acabes creando un hábitat con entidad propia.

De eso han hablado mucho los que han pisado el escenario del Palacio de Congresos de la Comunidad de Madrid este año, de la necesidad de crear (qué interesante es siempre ese término) un camino único, evitando seguir tendencias imperantes o basarse en el trabajo de algún compañero de profesión. Y desde luego, como bien decía Costa, no olvidar que nuestro camino toca en muchos puntos el arte. Al fin y al cabo, en lo que difieren es en el tipo de producción.

Como bien reza nuestro lema, “para hablar de arte, hay que hacerlo con arte".

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ARRIBA, TÍTULOS DE CRÉDITO DE LA EDICIÓN 2012 POR NANDO COSTA. ABAJO, COSTA DURANTE SU PONENCIA EN LA QUE HIZO UN REPASO POR SU AMPLIA TRAYECTORIA PROFESIONAL

Se trata precisamente de comunicar.

Nos recordaban también desde el estudio Hanzo que el diseño es la búsqueda de una solución para un problema específico. Y nosotros añadimos que aprovechando la coyuntura funesta, tenemos la obligación de ofrecer soluciones a problemas concretos además de otros que no lo sean tanto. Un momento… ¿Hablábamos de creatividad? Sí, por supuesto, pero también podemos extrapolarlo a cualquier otro ámbito. Al fin y al cabo ser creativo, acompañar un buen punto de partida con una estrategia sana, ética y responsable para hacerlo llegar en masa, es la clave del éxito. Sin la creatividad, amigos, no somos nadie…

POR

JESÚS ROMÁN

B-CREATIVE · MADINSPAIN

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DIARIO DE UN CREATIVO. ¿SÁBADO DESCANSO? NO, MAD

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ábado 14 de abril, llego tarde al Mad. Fue una semana dura de trabajo, tanto como tener que madrugar también en fin de semana, pero el evento bien lo merece.

10.15. Muchos sitios libres. Perderse a Aaron McBrite era un error. Si te gustan películas como Pirates of the Caribbean, Iron Man, Star Wars: Episode III o Minority Report y quieres saber como se graban y producen sus efectos especiales, este era tu sitio, una charla que iba más alla de los típicos extras del DVD, porque además de explicar como se postproducen y combinan personajes reales con las increíbles imágenes 3D, explicó como se buscaban las estéticas de los personajes y como colaboran con el director para poder sacar mucho más partido a la historia de éste.

12.15. Por fin uno de mis platos fuertes dada mi debilidad por el diseño de identidad, y aquí tenemos a uno de esas referencias que hacen de la identidad de las empresas, algo directo y simple, realmente bello. Llegaba el turno de Mario Ezkenazi, un genio que puede simplificar al máximo la comunicación a través de identidades con gran potencia visual. Resaltamos, de entre los trabajos que pudimos contemplar, la identidad del restaurante MORDISCO; sus letras stencil, a las que elimina algunas de sus partes según el soporte, da la posibilidad de combinar el logo de miles de maneras diferentes, y la magnífica fachada con refranes relacionados con el buen comer e información acerca del establecimiento, provocan en el viandante una sorpresa visual, al mismo tiempo que comunica a la perfección el mensaje principal de la marca. De eso precisamente trata esto del diseño. Del gran Mario nos quedamos con una de sus maravillosas frases, "La solución o resultado del proceso de diseño debe ser: fácil de comprender, de producir y de reproducir."

13.05. Entra en escena No-Domain directamente desde Barcelona con su

director creativo Joaquín Urbina, gran referencia en el mundo audiovisual tanto comercial como para proyecciones artísticas, con un nivel de experimentación que alcanza grandes cotas. No convence el resultado final de su trabajo para la exposición de Bruguera: el juego con los acetatos y sus enfoques es muy visual, pero poco representativo de la exposición. Sin embargo la imagen para Canal 3XL, atrapa y sorprende a partes iguales. Utilizar los típicos errores de sintonización de TV para crear la imagen, y todo lo que ello conlleva, cabeceras, cortinillas, etc. es brillante a la vez que produce resultados muy atractivos. Uno de sus trabajos más interesantes son las proyecciones para el Sónar que puedes ver en su página web. No olvides agregarlo a tus favoritos.

Toca descanso, que dado el ambiente de colegueo una de las cosas que más gusta del MAD es comer con compañeros de profesión a los que hace tiempo que no ves para ponerse al día. La comida es lo de menos, así que ‘bon profit’.

16.30. Bendita Gloria, el estudio español del momento, provocaron la gran polémica del fin de semana con su identidad

para la bodega Casa Mariol. Fue el gran tema de debate, por su atrevimiento y por servirse de las estéticas de unos recursos del programa Word para articular un discurso en el que las palabras "casero" y "real" eran su elemento diferenciador. Así que esa grafíca que para unos era vergonzosa y para otros (me incluyo), atrevida y directa, le da al proyecto un aire "casero dadá", que produce una gran sorpresa para el consumidor en los lineales de las tiendas, lo que lleva a que el vino destaque dentro de una oferta interminable de vinos españoles en el mercado. Olé. Resaltaremos dos de sus frases: la primera que proyectaron escrita en Comic Sans "Fuck the rules", porque a veces construimos un marco en los proyectos que nos oprime, y no nos deja ver más allá de lo que ya pensamos, así que nuestras conclusiones terminan siendo las mismas una y otra vez. Y la segunda: "Las ideas no envejecen" hay que articular las identidades con una firme base en las ideas, porque una buena idea nunca pasa de moda.

Bendita gloria haberlos visto.

19.00. Para terminar, Stefan Sagmeister y su gran fogonazo de felicidad que iluminó a toda la sala. Si eres un amante de los TED, ya has visto parte de esta conferencia, (http://www.ted.com/talks/ stefan_sagmeister_shares_happy_design.html), que es un proyecto aún en construcción y que verá la luz en forma de película en otoño de 2013, pero en las que se nos introducía en pequeños actos con los que afrontar nuestro trabajo y nuestra vida cada día, para llegar a ser más felices. Por ejemplo: pensar sin presión, viajar a sitios nuevos, no pasar el día detrás de la pantalla del ordenador, diseñar con el corazón, intentan conseguir resultados, hacer cosas nuevas… toda una serie de razones para afrontar hasta el próximo año la espera para MADinSpain, una actitud positiva ante la vida y ante la profesión que como decíamos al abrir este artículo, con la que está cayendo falta nos hace.

POR

JAVIER GARANTO SATUÉ

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

PRIMAVERA 2012 LA PRIMAVERA SE RESISTE A SALIR DE NUESTROS ARMARIOS ESTA TEMPORADA. COMBATE AL FRÍO CON LA MEJOR DE LAS SONRISAS Y, MIENTRAS TANTO, VE PREPARANDO LOS LOOKS DE TEMPORADA QUE TE PLANTEAMOS EN B-SIDE. DESDE LA INFLUENCIA CINCUENTERA DE LA AMÉRICA DE PAN AM HASTA EL MÁS COLORIDO NEÓN ESTILISMOS

DORY ÁLVAREZ ABAD

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CINTURÓN TRENZADO DE

MASSIMO DUTTI

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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B-TRENDY · TENDENCIAS PRIMAVERA

NATURAL EL

CAMISETA DE

TOPMAN - 20 €

JERSEY DE PUNTO ABIERTO DE COS - 79 €

CINTURÓN DE PIEL ENGRASADA DE ZARA - 19,95 €

GAFAS DE SOL RETRO DE PERSOL - 149 €

PITILLOS DE APRIL PETATE DE LONA DE CALABRESE - 150 €

NAÚTICOS DE PIEL ENGRASADA DE MANGO - 79,95 €

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B-TRENDY · TENDENCIAS PRIMAVERA

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PAN AM ELLA PAÑUELO DE

UTERQÜE - 49,95 €

MEDIAS FANTASÍA DE

FALDA LÁPIZ DE

ACCESORIZE - 12,90 €

DOROTHY PERKINS - 31 €

NAVY BLAZER DE TOPSHOP - 68 €

VESTIDO CRUZADO DE OASIS - 56 €

PUMPS DE NOBUCK DE TOPSHOP - 77 € SATCHEL DE PIEL - 168 €

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B-TRENDY · TENDENCIAS PRIMAVERA

PAN AM EL CALCETINES BICOLORES DE

AMERICAN APPAREL - 10 €

RELOJ ESTILO DEPORTIVO DE AMERICAN APPAREL - 40 €

CORBATA DE

AMERICAN APPAREL - 28 €

BOLSO 24H DE

FRED PERRY - 83,95 €

PANTALONES SASTRE DE H&M - 49,95 €

CAMISA BÁSICA DE H&M - 9,95 € CAZADORA DE COS - 175 €

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B-TRENDY · TENDENCIAS PRIMAVERA

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CANDY ELLA

BOLSO TRANSPARENTE DE ASOS - 41,95 €

BLUSA SATINADA DE TOPSHOP - 68 €

BODY DE

MIU MIU - 170 €

CUELLO METÁLICO DE

ACCESORIZE - 13,90 €

ZAPATOS TROQUELADOS DE ASOS - 41,95 € LIBRO INSPIRACIÓN

BLUSA DE ENCAJE DE BLANCO - 22,99 €

"EVERYTHING IS GOING TO BE OK" - 12 €

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B-TRENDY · TENDENCIAS PRIMAVERA

CANDY EL

LIBRO INSPIRACIÓN

"ICONS OF FASHION" - 10 €

CHINOS DE ALGODÓN DE MANGO - 49,95 €

SUDADERA ESTAMPADA DE TOPMAN - 35 €

CAMISA DE MANGA CORTA DE TOPMAN - 32 €

ZAPATILLAS DE PIEL DE

MUNICH

BERMUDAS DE

TOPMAN - 40 € CALCETINES

AMERICAN APPAREL - 10 €

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B-TRENDY · TENDENCIAS PRIMAVERA

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NEON ELLA

SUJETADOR DE COS - 19 € JERSEY DE PUNTO DE TOPSHOP - 59 €

PAÑUELO DE

ICUIN PARÍS - 165 € BOLSITO SACO DE PIEL DE UTERQÜE - 89,95 €

MOCASIONES BICOLOR DE RIVER ISLAND - 30,95 €

JERSEY DE PUNTO DE WEEKDAY - 50 €

VESTIDO DE COS - 89 €

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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B-TRENDY · TENDENCIAS PRIMAVERA

NEON EL

LIBRO "KATE BY MARIO TESTINO" - 59 € CAMISETA CON ESTAMPADO DE TOPMAN - 27 €

CAMISETA DE

TOPMAN - 37 €

SUDADERA DE

TOPMAN - 40 €

ZAPATILLAS RUNNING DE NEW BALANCE - 65 €

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

GORRA EFECTO LAVADO DE ZARA - 9,95 €

PANTALONES EFECTO LAVADO DE H&M - 24,95 €

B-CREATIVE · RETAZOS LITERARIOS

M

i cuerpo reposaba suspendido en un revoltijo de hojas secas que marcaban mi piel sutilmente, pero no me importaba. Sentía el hormigueo de volar, una extraña paciencia que solía perder tras darme cuenta que mi entorno desaparecía al cerrar los ojos. Miedo extraño, pero los cerré. Húmedo, sentía humedad tras mis poros y un trazo de empapado sentimiento recorría los pilares de mi consciencia. Era difícil describir aquello. Ese olor no era habitual. Era demasiado fresco para ubicarlo en mi entorno rutinario. Una serenidad sin música que al mismo tiempo creaba una hueca melodía de fondo. ¿Eran hormigas travesando mis pequeños minutos de placer sobre aquel lugar o realmente estaba volando?.

Sentía vida alrededor sin tan siguiera una pizca de movimiento. La vida que desaprovechamos por atribuirla al tiempo y no saber redireccionar hacia nuestro destino que creamos.

TEXTO

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URIEL ROIJAL PARDINÉS

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B-TRENDY · EL ORO DE LA POLÉMICA

HACE 156 AÑOS...

E

n 1905, el rey Alfonso XIII entrega a Loewe el título de proveedor de la casa real. Expansión, trabajo, tradición. Ya en los años 70 se diseña el anagrama actual; pret-a-porter, expansión por Asia, trabajo, afianzamiento de la firma como marca de lujo, raza, piel… Llega 1974 y con él la colección "ante-oro" por Dario Rossi. Los modelos cambian, los acabados de las pieles cambian, la marca sigue fiel a su estilo. El estilo, permanece. En 1987 llega a un acuerdo con LVMH y sólo un año después se crea la fundación Loewe.

En 1996 llegaría el 150 aniversario y la compra total por el grupo LVMH. Trabajo, calidad, tradición, fondo de armario, amor por el detalle, piel…

14 de marzo del 2012 se lanza la polémica colección Oro, de la mano de Luis Venegas como director creativo. Punto de inflexión, revienta twitter, se aprovecha la publicidad viral y el "que hablen de ti aunque sea mal". Se abre la veda...

Mal, por insinuar que estos jóvenes representan a un amplio sector de la juventud española, o que es una campaña acorde con los tiempos en los que nos encontramos.

Bien, al plantear salidas a lo que está ocurriendo, por no dejarse invadir por la depresión, refiriéndonos a la crisis económica que nos afecta a todos los españoles.

Lo que no podemos hacer es intentar ver en una campaña de una firma de artículos de lujo el reflejo de todos nosotros.

Loewe, aún denotando trabajo, clasicismo, piel, tradición, raza (todo adjetivos con los que identificamos las raíces más españolas) no es una firma de productos de necesidad. Es moda. Muy 'nuestra', sí. Pero moda. Y de alta alcurnia.

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LA CAMPAÑA QUE HA LEVANTADO AMPOLLAS ENTRE LOS INTERNAUTAS: http://youtu.be/Dtgs7Zw0oG4

Frívolo. Pero, y ¿Cuándo no? La moda no es más que un juego, una herramienta con la que poder expresar nuestros gustos, estados de ánimo y personalidades sin necesidad de hablar. A través de colores, tejidos, diseños y patrones... Es por esto que no es justo juzgar la campaña como si hablásemos de política.

Desde el punto de vista estético es lo que en nuestros tiempos se demanda, sólo hay que echar un vistazo al resto de firmas con las que compite y sus respectivas campañas. Todos quieren ganar clientela nueva, jóven, y de entre los jóvenes, el boca a boca, la proliferación de blogs, la publicidad viral…

Analizando el vídeo, la idea es buena. Y coherente. Eso si, con el "mute" puesto.

Han escogido a 12 "hijos" de los protagonistas de la escena cultural de los 70 y 80, de nuestra movida madrileña, de lo que en su día fue la colección Oro de Loewe. A esos bolsos, clásicos, de ayer, les han dado un aire nuevo con toques de neón, colocándolos sobre las cabezas de estas nuevas generaciones, con una banda sonora irónica y unos estilismos muy cuidados dignos de cualquier lookbook, en un bucólico Retiro como escenario. Insisto, estéticamente es una reinterpretación muy Loewe.

Ahora la moda, como he dicho, es comunicación no hablada. Y es aquí donde se encuentra el error, bajar a los protagonistas del video al mundo terrenal.

Moda es sinónimo de ilusión, motivos para soñar, ironizar... Nosotros, los españoles lo hacemos bien. 'Spain is different' decía uno de ellos. Frivolizar tiene su punto siempre que no hiera ninguna sensibilidad. Sentimientos que tenemos a flor de piel en momentos de crisis...

El tiempo dirá si todo este revuelo ha sido para bien o para mal, si afectará a clientes potenciales, si la publicidad puede tener efectos secundarios o si como todo lo que sube, baja, y en unos días, o para la próxima campaña, todo vuelva a su cauce. Y Loewe, como desde hace 156 años, nos dé piel, raza, trabajo y tradición.

TEXTO

DORY ÁLVAREZ ABAD

TRAS SU PASO POR FACTOR X Y SU PAPEL PROTAGONISTA EN UNA DE LAS FICCIONES NACIONALES DE MAYOR ÉXITO, FÍSICA O QUÍMICA, ANGY FERNÁNDEZ DEJA ATRÁS SU ROL DE ESTRELLA ADOLESCENTE Y PREPARA SU SEGUNDO TRABAJO BAJO LA DIRECCIÓN MUSICAL DE MÓNICA NARANJO, AL MISMO TIEMPO QUE EXTIENDE SU PARTICIPACIÓN TELEVISIVA EN EL SHOW DE CARLOS SOBERA 'AVANTI' O APARECE EN LA PANTALLA GRANDE A LAS ÓRDENES DEL DEBUTANTE FRANCISCO R. BAÑOS EN ALI. LA JOVEN CANTANTE Y ACTRIZ NOS ACOMPAÑA EN ESTE COLORIDO Y DIVERTIDO EDITORIAL DE MODA

Y G N A

FOTOGRAFÍA

DANNIEL ROJAS ASISTENTE FOTOGRAFÍA

MIGUEL SANGÓ | JOSHUA PEINADO POSTPRODUCCIÓN

HECTOR BARROS | JAVIER RAMÍREZ ESTILISMO

LUCÍA PARDAVILA MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

CARMELO ALONSO DÍAZ DIRECCIÓN ARTÍSTICA SESIÓN

JUAN DAVID VALENCIA AGRADECIMIENTO

HOTEL M. SANTO DOMINGO

PAÑUELO VERSACE BY H&M CHAQUETA DENNY ROSE SHORT AMERICAN RETRO COLGANTE FRIIS & COMPANY

BRAZALETES DANIEL ESPINOSA

CALZADO DR. MARTENS

TOP Y FALDA SODA POP COLGANTES FRIIS COMPANY CALZADO JEFFREY CAMPBELL

- MARÍA ESCOTÉ

TORERA MAYA HANSEN VESTIDO SODA POP CALZADO FRISS & COMPANY

PAG. IZQUIERDA: CAMISETA MAYA HANSEN

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PÁG. DERECHA: CHAQUETA SODA POP BRA H&M COLGANTE DANIEL ESPINOSA CALZADO ASOS

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TOP Y SODA POP PANTALÓN DENNY ROSE JOYERÍA DANIEL ESPINOSA

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EL OTOÑO DE 2007 TRAJO CONSIGO PARA MI EL DESCRUBRIMIENTO DEL DÚO CREATIVO NIHIL OBSTAT, FIRMA QUE TRAS EL PASO DE LOS AÑOS PUEDE PRESUMIR DE ESTAR EN EL LUGAR QUE MERECE POR ESFUERZO Y CONSTANCIA. TRAS UN ESPECTACULAR BAGAJE PROFESIONAL, LAS VIDAS DE JAVIER MARTÍN Y ARMICHE RODRÍGUEZ SE CRUZAN EN LA PRIMAVERA DE 2004 ARRANCANDO FORMALMENTE TAN SÓLO DOS AÑOS DESPUÉS. NIHIL OBSTAT ES UNA VUELTA A LA TÉCNICA Y SABER HACER DE ÉPOCAS PASADAS, UN ANHELO DE BELLEZA QUE A TRAVÉS DE SUS CREACIONES, REVIVE PARA HACERNOS SABER MÁS QUE NUNCA QUE TENDENCIA Y ARTESANÍA SON DOS TÉRMINOS QUE VAN DE LA MANO

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nihil

obstat ENTREVISTA

LUIS ALBERTO BERRENDERO

B-TRENDY · ENTREVISTA NIHIL OBSTAT

Contadme acerca de vuestra historia desde cómo empezásteis hasta ahora.

Armiche viene de una familia canaria muy relacionada con la moda, su abuelo fue un sastre muy conocido en Gran Canaria y su madre heredó el oficio. Él mismo se formo en dineño industrial pero llevaba dentro el gusto por la moda y sobre todo por el trabajo bien hecho, así que tras su paso por la universidad de Valencia decidió formarse en moda en el IED de madrid.

Javier llega a madrid para estudiar diseño en el Centro Superior de Diseño de Moda aunque de manera autodidacta había experimentado ya con el patronaje desde los 14 años. Allí coincide con Carmen y Emilia Carriches, primeras manos de la casa Eisa de Madrid (Balenciaga) de quienes absorbe todo el saber hacer que le es posible del método Balenciaga. Después de algún tiempo como freelance entra en el equipo de la diseñadora Sybilla donde se encarga del modelaje de colecciones de noche, Prét à Porter y novias durante diez años.

En 2006 decidimos fundar Nihil Obstat. Bajo este nombre que significa literalmente 'nada lo impide' en latín, nos propusimos dar una atención individual y personalizada a toda mujer (y algún que otro hombre) que quisiera vestirse a medida, poniendo a su servicio nuestro conocimiento técnico -algo muchas veces menospreciado en el mundo de la moda- para construir juntos prendas que cumpliesen a la perfección su cometido. ¿Cuándo sentísteis la necesidad de darle un empujón a la firma e ir más lejos?

Al poco tiempo de fundar nuestra marca, realizábamos tanto nuestra producción como la parte técnica de otras firmas: Sybilla, colaboraciones con Jesús del Pozo, Carmen March o Joaquín Trias... Precisamente durante un desfile de Carmen March conocimos al periodista de moda Vicente Gallart quien se interesó por nuestro trabajo y decidió apoyarnos para darlo a conocer a la prensa. Junto a él creamos una primera minicolección, 'Moda Estival', que era

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nuestro primer Prét à Porter con muchos toques de costura, inspirado en unas ociosas vacaciones en Biarritz y la Côte d'Azur, con un decidido aire marinero... Fue un rotundo éxito. Desde la primera colección, lo más aclamado por la gente que toca nuestras prendas son los acabados y los toques artesanales, amén del cuidado trabajo de volumen y patrón que hay detrás de cada pieza. ¿Cuál es vuestro público objetivo? Y aunque a la vista esté contadme qué le ofrecéis de diferente.

Realmente nuestro público es muy variopinto. Va desde la mujer de nivel economico alto que quiere añadir piezas de calidad a su guardarropa hasta clientas de economías mas modestas que ahorran para hacerse su vestido de novia ideal. Lo que siempre suelen tener en común es un gusto por lo bien hecho y aprecio por el trabajo artesanal. Ellas saben que en Nihil Obstat encuentran sobre todo una atención cercana, materiales de lujo y precios muy discretos.

Nosotros siempre les aconsejamos que se hagan prendas que puedan amortizar a largo plazo. Nos parece más lógico hoy en día invertir en un abrigo impecable que puedes lucir muchas temporadas que un vestido para un solo día, aunque haya ocasiones que lo requieran...

Ponemos a su disposicion tejidos de lujo que importamos de Italia, Francia o Reino Unido. Y nuestras manos dándoles forma, claro... Con semejante materia prima hay que tener un cuidado exquisito para que el resultado sea impecable. ¿Qué concepto tenéis de la elegancia?

Tratamos de anteponer la lógica a todo lo demás: el concepto de elegancia es muy diferente según la persona, por eso creemos que alguien realmente elegante es quien sabe elegir lo que debe ponerse en cada ocasión, no con la intención de destacar sino de estar favorecida/o. Para nosotros un corte sencillo e impecable en un color favorecedor es un acierto seguro.

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B-TRENDY · ENTREVISTA NIHIL OBSTAT

En un sector tan competitivo como la moda, ¿Qué creéis que es indispensable para poder desmarcarse hoy en día?

Vivimos tiempos muy turbulentos no sólo para la moda y no es fácil hacerse ver entre la gran oferta de hoy en día.

Nosotros siempre hemos apostado por la calidad y por un gran conocimiento de nuestro oficio. Quizá no son valores muy en alza hoy en día, pero sí que son perdurables. El público tiene una gran confusión actualmente debido a la gran cantidad de información que se recibe y piensan que un nombre conocido lo es todo. No podemos hacer nada por evitar que actrices, presentadoras o celebrities presten sus nombre a colecciones más o menos afortunadas, sólo seguir aprendiendo para ofrecer lo mejor en nuestro trabajo ¿Cuál es vuestro verdadero objetivo como dúo creativo?

Nuestro objetivo en principio es poder seguir viviendo de nuestro trabajo.

Como empresa estamos en una etapa de expansión (aunque muy lenta debido a las dificultades del mercado) pero hemos conseguido nuevos puntos de venta en las últimas temporadas. Y sobre todo lo que pretendemos es seguir disfrutando de trabajar en algo que nos apasiona, una gran suerte que tenemos.

Se dice que todo creador tiene su musa. ¿Cuál es la vuestra?.

No tenemos una musa en concreto. Es cierto que nos gustan las mujeres con una personalidad fuerte pero a la vez muy, muy femeninas. Cuando pensamos nuestras colecciones imaginamos e idealizamos mujeres: desde divas de ópera hasta campesinas o veraneantes indolentes. Después nos gusta que las mujeres reinterpreten nuestra idea y se pongan por ejemplo nuestro abrigo de mohair con su vaquero favorito.

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LAS PRENDAS DE JAVIER MARTÍN Y ARMICHE RODRÍGUEZ COMO NIHIL OBSTAT DESTACAN POR EL CUIDADO DE LOS DETALLES Y LOS ACABADOS, LA CALIDAD DE SUS TEJIDOS Y EL TOQUE ARTESANAL

¿A qué personaje de la moda haríais renacer y con el cual os gustaría compartir horas de trabajo?

Creemos que la respuesta es sencilla en este caso: Cristobal Balenciaga. Sería emocionante poder trabajar con él. De hecho hemos tenido la suerte de conocer a gente que ha trabajado con él y lo increíble es el respeto con el que todo el mundo lo recuerda. El pasado mes de junio tuvimos la suerte de asistir a la inauguración del museo que lleva su nombre en Getaria y allí había gente que le había conocido en persona. Hubert de Givenchy, que fue gran amigo suyo, nos animó a seguir con el oficio. Fue un momento muy especial para nosotros. ¿Cómo ha sido vuestro paso por el off de Cibeles? ¿De qué manera os ha

B-TRENDY · ENTREVISTA NIHIL OBSTAT

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abierto a la prensa y qué proyectos, si se pueden contar, tenéis en ciernes?

Nuestro salto a la pasarela creemos que ha sido algo lógico y que había que hacer en este momento. Este mundo no nos era desconocido, hemos trabajado mucho en backstage ajeno, pero era la hora de hacerlo como protagonistas y el balance ha sido definitivamente positivo. Presentamos nuestra propuesta a la organización de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid y la aceptaron de inmediato. A partir de ahí fueron unas semanas de trabajo muy intenso, el hecho de desfilar en el "Off" te da la oportunidad de desmarcarte y hacer tu desfile con personalidad propia, pero eso incluye buscar el emplazamiento, ocuparte del casting y estar pendiente de mil detalles. Al final el resultado compensó el esfuerzo.

Respecto a la atencion de la prensa ya llevábamos bastante camino hecho así que esto ha sido también una progresion natural. No ha habido un bombazo pero tampoco pensamos que sea la vía a seguir; preferimos ir lentos pero seguros. Hemos de decir que desde nuestras primeras presentaciones estamos encantados por la acogida de estilistas y periodistas.

Actualmente seguimos colaborando en diferentes proyectos aunque no podemos contar mucho aún de ellos. Tambien estamos preparando nuestra siguiente colección y otro de los aspectos que estamos potenciando es el educativo. Ambos colaboramos con centros de enseñanza de moda ya que pensamos que la enseñanza que hemos recibido debemos transmitirla a nuevas generaciones. Hay una gran parte de trabajo artesanal en nuestras colecciones que hemos heredado de una cultura de Alta Costura que fue muy importante en España hasta los años setenta y que no podemos permitir que se pierda.

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LARS von

TRIER TEXTO

FEDE CASTAﾃ前

B-CULTURED · CINE

A

pesar de su dilatada carrera en el mundo cinematográfico, fueron tres palabras las que le hicieron saltar a la palestra, o mejor dicho patíbulo, del panorama internacional: "Vale, soy nazi".

Lejos de ser un Nazi, Lars Trier nace en Copenhague (Dinamarca) en 1956.

Reduciremos la biografía de su vida, a aquellos puntos en los que podemos encontrar razones por las que este cineasta dijo comprender a Adolf Hitler.

Llama la atención que hasta la década de los 80, Trier no añadiera a su apellido la preposición alemana Von, indicativo tradicional de que el sujeto pertenece a una casa aristocrática. Nada más lejos de la verdad, podemos observar que comparte quizás algo de arrogancia, y sin duda cierto complejo de inferioridad con el “Führer”. Tras un vistazo a su infancia y a su obra, se puede corroborar que ambos son almas atribuladas.

Apreciando la obra pictórica del director danés podemos apreciar cierta melancolía en sus paisajes, producida sobre todo por una tendencia monocromática de sus cuadros. Es sin embargo en su punto fuerte, la producción cinematográfica, donde podemos apreciar la profundidad del entendimiento que tiene el director sobre la naturaleza, en especial la humana. La influencia de las obras cinematográficas propias de su país son más que evidentes, se ha convertido en un autor muy alegórico y crítico con la raza

humana, siempre supeditada a un “fin” superior al que no es capaz de alcanzar o siempre decepciona. Sí es cierto que maneja con una mayor capacidad estética los postulados religiosos, que en otro tiempo dotaban de una densidad catedrática al cine danés.

Es un autor muy experimental que huye del gigante mercado cinematográfico y baila sobre una fina línea que divide lo comercial del videoarte. Es por esta razón que junto con Dane Thomas Vinterberg, crea el movimiento artístico Dogma 95.

La pretensión de este movimiento es dotar de mayor realismo y credibilidad a las historias, renegando de los efectos técnicos que las puedan alterar. Pretende presentar una realidad casi documental. Este objetivo, aunque interesante, está muy lejos de ser alcanzado. Y esto es debido al uso de cámara al hombro que utiliza, así como de la edición, elementos técnicos a los que da una relevancia tal que priman sobre otros aspectos de las producciones, y marcan bien hondo su sello personal y por lo tanto sesgan ese intento de mostrar la naturaleza en su estado más puro.

Por otro lado, su capacidad estética, así como su valor a la hora de experimentar, es lo que produce que sea un director capaz de provocar filias y fobias, y nunca de encontrarse en puntos intermedios. La finalidad última de esta técnica es mostrar lo humano totalmente desnudo, sin artificios. Obsesión que le lleva a diluir

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DOGVILLE ES UNA DE SUS PELÍCULAS MÁS ACLAMADAS, PROTAGONIZADA POR NICOLE KIDMAN

o confundir escenas de sexo explícito, de la misma manera que han hecho muchos autores antes que él, con lo bestial del ser y la muerte del mismo. Entendiendo ser como la parte tocada por la providencia donde se esconden la razón y la lógica.

Comparte entonces con el genocida más famoso de la historia una visión melancólica y atormentada de la realidad, muy probablemente por los sufrimientos percibidos durante la infancia. Quizás, la principal diferencia es que Lars Von Trier sí fue aceptado por las escuelas y demás círculos artísticos, ofreciéndole una vía de escape a los tormentos de su espíritu. Quien sabe que hubiera podido pasar de no ser así.

KIRSTEN DUNST EN UNO DE LOS FOTOGRAMAS DEL ÚLTIMO FILM DE VON TRIER, MELANCHOLIA

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CARTEL DE LA 15 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA, UNO DE LOS MÁS IMPORTANTES DEL TERRITORIO NACIONAL

B-CULTURED · FESTIVAL DE MÁLAGA

TEXTO

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LOLI CEREZO VILCHEZ

CARMINA VINO, VIÓ Y REVENTÓ)

L

a ópera prima de Paco León, un falso documental en el que se mezclan anécdotas reales con la ficción, ha sido sin duda alguna la gran triunfadora del 15 Festival de Málaga de Cine Español. Premio especial del Jurado, Premio del Público, y Biznaga a la mejor actriz para Carmina Barrios, su madre. Y se veía venir. Era una de las cintas más esperadas del concurso. Le bastó un pase de prensa para abarrotar el patio de butacas del Teatro Cervantes de personas que reían a carcajada limpia. Tras el visionado, los comentarios de los asistentes fueron unánimes: “ya tenemos premio del público”. Tan solo era martes y aún quedaba por delante la mitad del festival, pero estaba claro, no hacía falta ver más.

Carmina es una superviviente de extrarradio. Regenta un bar que ha sido asaltado en varias ocasiones, provocando fuertes pérdidas. Ingeniará un plan para salvar su negocio y poder seguir adelante con su vida y con la de su pintoresca familia, que ayuda en poco o nada. Carmina encarna en sí misma el género de la picaresca.

Paco León llegó a Málaga con la humildad de quien se atreve a ponerse tras una cámara. Tan humilde, que Carmina o revienta se presentó al festival sin fecha de estreno, sin distribuidora, rodada en 5D, y con la honradez de no haber dependido de subvenciones. Aunque hay que reconocer, que también venía con ventaja. Pocos pueden contar con un dominio del humor como el suyo, y menos aún pueden contar con una familia como la León-Barrios, destacando no solo a la estrella de la película, sino también a María León, recientemente galardonada con el Goya a la actriz revelación por su maravillosa interpretación en La voz dormida.

Pero no todo son laureles. Carmina o revienta peca ni más ni menos de

PACO LEÓN, DIRECTOR DEL PREMIADO FALSO DOCUMENTAL CARMINA O REVIENTA, JUNTO A SU HERMANA MARÍA LEÓN Y SU MADRE CARMINA BARRIOS, ABSOLUTA PROTAGONISTA DEL FILM

aquello en lo que no quería caer su director. El estereotipo andaluz de extrarradio hace saltar las alarmas, hasta un extremo en el que es muy probable acabe causando rechazo.

Sea como fuere, lo mejor que puede ocurrirle a una comedia es que la gente se ría. Y esto lo consigue, con creces. Es innegable que el humorista ha logrado crear un producto fresco, natural, y que sabe lo que se hace. Lo sabe tan bien, que prefiere ser prudente y no volver a ponerse detrás de la cámara hasta que vuelva a tener entre sus manos una idea que pueda convertir en acierto, como lo ha sido su ópera prima. Si las campanadas son ciertas, González Macho se hará cargo de distribuirla con Alta Films, para que el público español pueda disfrutar de este incalificable trabajo, que ha logrado ensombrecer incluso a la ganadora de la Biznaga de oro a la mejor película, Els nens salvatges (Los niños salvajes), de Patricia Ferreira.

El resto del palmarés de esta edición ha estado muy repartido. La mejor dirección recae sobre Imanol Uribe, por Miel de naranjas, película de la que

cabe destacar su producción artística y su gran trabajo de fotografía para bien, y la poca credibilidad del trabajo de sus protagonistas, Iban Garate y Blanca Suárez, para mal. No existe ningún tipo de conexión entre ambos, y da la sensación de que cada cual se encuentre en un espacio diferente.

El premio a mejor actor ha sido para Antonio Dechent por su trabajo en A puerta fría, película que aunque lenta, resulta apasionante. Una manera distinta de abordar la crisis laboral, muy lejos de la tendencia lacrimógena, y mucho más cercana a despuntar a Xavi Puebla como uno de los directores más prometedores del cine español.

El sexo de los Ángeles (a la que algunos perfilaban como ganadora) tuvo que conformarse con el premio a la mejor fotografía “premio deluxe” y para Álvaro Cervantes como mejor actor de reparto (compartido además con Álex Monner, por Els nens salvatges).

El jurado, presidido por Gonzalo Suárez, contó con reconocidas personalidades del cine entre sus miembros, como Raúl Arévalo, Inma Cuesta o Goya Toledo.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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B-CULTURED · FESTIVAL DE MÁLAGA

LA REINA, ELENA ANAYA

M

álaga galardona con el Premio SUR las trayectorias artísticas de las personalidades más relevantes del mundo del celuloide. Este año ha sido el turno de Elena Anaya. Con motivo de este homenaje a sus 18 años de carrera (“la mitad de su vida”, como ella misma reconoce), además de una gala en la que se le otorga el susodicho premio, se han proyectado las películas más importantes de su filmografía, y la propia Elena ha protagonizado un interesantísimo encuentro con el público, en el que se ha dejado preguntar por cualquier individuo interesado en conocer detalles de tan sorprendente carrera.

En dicho encuentro, Elena recuerda entre risas y de manera entrañable su traslado a Madrid desde su Palencia natal, su primer casting, que le unió de por vida profesionalmente a su representante Katrina Bayonas; quien por cierto, fue la encargada de entregarle el premio por el que se la homenajea. Contesta amablemente y relata sus experiencias de trabajo con Justin Timberlake y en la superproducción Van Helsing. Del primero confiesa no saber quién era cuando la llamaron para rodar el videoclip, y de su experiencia hollywoodiense dice que se quedó una de las orejas de vampiresa como recuerdo. Hace balance y se muestra, a pesar de encontrarse ya consagrada, dispuesta a trabajar en cualquier proyecto sea cual sea su envergadura, mientras la historia le llene. Fue una charla exquisita, que cualquier rueda de prensa o entrevista podría envidiar.

Días más tarde, serían José Mota y Alex de la Iglesia quienes se sometieran a la misma “prueba de fuego” ante un público anónimo. De la Iglesia nunca decepciona, siempre hace gala de los comentarios más mordaces y críticas más ácidas a la no-industria del cine español, aunque por desgracia, la mayoría de ellas caen en demagogia.

LA ACTRIZ PALENTINA ELENA ANAYA RECOGIÓ EL PREMIO SUR A TODA SU TRAYECTORIA ARTÍSTICA Y SE SOMETIÓ A LAS PREGUNTAS DEL PÚBLICO CON LA MEJOR DE SUS SONRISAS.

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ARRIBA: BLANCA SUÁREZ EN LA PRESENTACIÓN DE MIEL DE NARANJAS DERECHA: LAS ACTRICES VERÓNICA SANCHEZ Y NORMA RUIZ EN LA ALFOMBRA ROJA HACIÉNDOSE FOTOS CON SUS SEGUIDORES ABAJO: MASTERCLASS DE FERNANDO COLOMO

MÁLAGA, CUNA DEL CINE ESPAÑOL

D

esgraciadamente, no hay publicación lo suficientemente extensa como para cubrir un festival tan amplio en días y en contenido. Es frecuente dedicarle todo el protagonismo a la sección oficial de largometrajes a concurso, olvidándose de que el festival es algo más que eso.

Durante 8 días, Málaga se abre también a cortometrajes, videocreación, territorio latinoamericano, documentales, animación (sección de estreno en esta edición) y un sinfín de actividades paralelas que son todo un regalo para los amantes del cine español, como han sido las masterclass gratuitas impartidas por el director Fernando Colomo y por Raúl García, reconocido animador español que ha trabajado en Disney y desde 2002 forma parte de Kandor Graphics, desempeñando la labor de director creativo.

Así pues, desde la frivolidad de centenares de fans haciendo horas de cola en una valla para ver a los actores de sus series preferidas, de periodistas “dedicados” al cine que preguntan a otros compañeros el nombre de la personalidad que acaba de pisar la alfombra roja, y de las sonadas fiestas nocturnas; el Festival de Málaga es sin duda, una oportunidad para reclamar que el cine español existe, que no debe reducirse a tres o cuatro nombres internacionales, y que sea con o sin subvenciones, hay gente que aún se atreve a intentar vivir de ello.

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B-CULTURED · BREVES CINE

ANIMACIÓN ESPAÑOLA CON ANTONIO BANDERAS

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e la mano de Green Moon, productora de Antonio Banderas, nos llega Justin y la espada del valor, la nueva película de animación que revolucionará la cartelera española durante el verano de 2013. Tiene un presupuesto de 22 millones de euros y ya se ha vendido a 123 países.

Situada en la Edad Media, Justin sueña con ser un auténtico caballero aunque su padre, alto consejero de la corte, se oponga a ello, su abuela será la única que le apoyará para conseguir su sueño.

Además de Antonio Banderas, Julie Walters, Rupert Everett, Mark Strong y Saoirse Ronan pondrás las voces a los diferentes personajes. Freddie Highmore, doblará al protagonista Justin.

EL CINE PISA FUERTE EN LA PARRILLA TELEVISIVA

L

a TDT ha regalado dos canales temáticos para aquellos que disfrutan el cine. Primero fue LaSexta3 la que apostó por un canal en abierto donde solo se emiten películas, y visto el éxito, Paramount Channel se convierte en su principal competidor.

Ambos canales apuestan con valentía por los ciclos, esto significa que en un período determinado se emiten largometrajes con aspectos en común, como por ejemplo, el género (terror, español…) o películas de distintos directores, (como lo hará LaSexta3 con su ciclo de Luis Buñuel y de Charles Chaplin).

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B-CULTURED · BREVES CINE

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ANTHONY HOPKINS SE METE EN LA PIEL DE HITCHCOK

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l pasado mes de abril, comenzó a rodarse en Los Ángeles, Making of Psycho, la historia que cuenta la relación que el director Alfred Hitchcock tiene con su mujer. Está ambientada en el rodaje de Psicosis, una de las obras más valoradas en el mundo del cine. Anthony Hopkins se pondrá en la piel del maestro del suspense y ya se ha hecho pública la primera imagen del actor caracterizado. Pero Hopkins no será el único rostro conocido de la película, le acompañarán Helen Mirren, que dará vida a Alma Reville, la mujer de Hitchcock, Jessica Biel interpretará a la actriz Vera Miles y Scarlett Johansson será Janet Leigh, protagonista de Psicosis. La cinta será dirigida por Sacha Gervasi que ya ganó en el año 2010 el premio al Mejor Documental en los Independent Spirit Awards.

P

edro Almodóvar ya está preparado para dirigir su nueva película, que llevará el título de Los amantes pasajeros. El rodaje comenzará este verano y la fecha prevista para su estreno es la primavera del año 2013.

Algo a destacar de la cinta es su amplísimo reparto, el director manchego se ha rodeado de grandes caras conocidas del mundo de la televisión y del cine.

Raúl Arévalo, Carlos Areces, Pilar López de Ayala, Hugo Silva y Miguel Ángel Silvestre se pondrán por primera vez en sus manos, mientras que Javier Cámara, Lola Dueñas y Cecilia Roth repetirán como chico y chicas Almodóvar.

Desconocemos por completo su argumento, lo que sí sabemos es que será una regresión a su cine de los años 80 envuelto con un tono fresco y desenfadado, puro género de comedia.

LOS AMANTES PASAJEROS, LO NUEVO DE ALMODÓVAR

LA ACTRIZ CECILIA ROTH ES UNA DE LAS ÚLTIMAS INCORPORACIONES AL MÁS QUE INTERESANTE REPARTO DE LOS AMANTES PASAJEROS, TÍTULO PROVISIONAL DEL NUEVO FILM DEL DIRECTOR MANCHEGO

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

Haruki Murakami

B-CULTURED · LITERATURA

CONVERTIDO EN ESCRITOR DE FAMA MUNDIAL EN POCO TIEMPO, HARUKI MURAKAMI NOS TRANSPORTA AL MUNDO DE SU ÚLTIMA NOVELA, “1Q84”, LA CUAL ALGUNOS YA LA CITAN COMO SU OBRA MAESTRA HASTA EL MOMENTO TEXTO

TALY ARJONA

H

aruki Murakami nació en Kioto en 1949. Alentado quizás por sus padres, ambos profesores de literatura japonesa, estudió literatura y teatro griegos en la Universidad de Waseda. Trabajó por vez primera en una tienda de discos y antes de terminar sus estudios abrió un bar de jazz en Tokio durante 1974-1982. Tras el éxito de su novela Tokio Blues (título original Norwegian Wood, canción de los Beatles ligada a la novela y llevada a la gran pantalla en 2011) y desmotivado por los grupos y sectas de moda en su país, se marchó a vivir a Europa y América en 1986 para regresar de nuevo a Japón en 1995.

Autor de más de diez novelas y algunas otras publicaciones de cuentos y relatos, la narrativa surrealista con toque humorístico del escritor seduce al lector desde el momento en que comienza a leer su obra. Amante de la cultura pop, las películas de terror, las series de televisión (compró la casa donde se filmó la primera temporada de Lost en Hawai), las novelas de detectives, el jazz y la música clásica (estos últimos temas recurrentes en sus novelas), Murakami nos envuelve con su escritura en un realismo mágico capaz de adentrar al lector en otro mundo, el mundo Murakami. En sus novelas nos habla de temas como la soledad, el amor, la sexualidad, la pasión y el misterio, con un estilo único que

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atrapa desde las primeras líneas. Minucioso y detallista en sus descripciones hasta el punto que uno casi puede adentrarse en los lugares que describe o recrear y percibir por los sentidos los sabores, olores o colores descritos en cada situación y cada ambiente. Murakami insiste en sus novelas en la figura del individuo solitario y débil, haciendo a cada personaje especial e irrepetible. Suelen ser personajes ordenados, gustosos por la cocina, pulcros, con una tendencia al caos aunque asimismo equilibrados.

Esto puede parecer una paradoja; sin embargo, su ficción crea un mundo entre lo real y lo onírico, entre la alegría y la tristeza, entre la luz y la oscuridad, o lo que es lo mismo, lo que en la cultura oriental se definiría como la armonía y el equilibrio perfecto del yin y el yang.

Tachada de literatura pop en su país, la narrativa de Murakami conmueve a los lectores. El escritor nipón maneja la escritura ordenadamente con la sensación de no haber nada que sobre o que falte en ella. Como curiosidad, podríamos mencionar el afán del escritor por los gatos y las orejas de las mujeres, las cuales describe en cada personaje femenino con una delicadeza especial, como si de una obra de arte se tratara. En definitiva, la magia de Murakami puede llegar a atrapar al lector y a seducirle de tal forma que cree en él una adicción difícil de reemplazar.

En japonés la letra “q” y el número “9” son homófonos, los dos se pronuncian “kyu”. En un mundo en apariencia normal e identificable habitan Aomame, instructora en un gimnasio y Tengo, profesor de matemáticas. Ambos, con sus treinta años, viven vidas solitarias y perciben a su manera los leves desajustes en su entorno, que los llevarán inexorablemente a un destino común. Y ambos son más de lo que parecen. Como telón de fondo, el universo de las sectas religiosas, el maltrato y la corrupción, un universo enrarecido que el escritor transmite con una precisión que nada tiene que envidiarle a 1984, de Orwell.

Original y ambiciosa se torna esta historia (publicada en dos libros: 1 y 2 como primera novela y libro 3 como segunda) creada por el escritor al más puro estilo murakamiano. En un mundo donde existen dos lunas, una novela titulada La crisálida del aire y La little people, se entrelazan dos historias desarrolladas en dos planos narrativos alternados. Impecable manejo del thriller, la ficción y del ritmo narrativo donde se muestra de nuevo el talento y la sublime imaginación del autor. Una vez que te adentres en el mundo Murakami, ya no podrás evadirte de él.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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B-CULTURED · CINE

154 min.

Guillaume Canet GUIÓN Guillaume Canet MÚSICA Varios FOTOGRAFÍA Christophe Offenstein REPARTO François Cluzet, Marion Cotillard, Benoît Magimel, Gilles Lellouche, Jean Dujardin...

AÑO

2010

DURACIÓN

PAÍS FRANCIA DIRECTOR

E

l matrimonio formado por Max y Véro invita cada año a su grupo de amigos a veranear en la bonita casa que tienen en la playa, pero esta vez faltará Ludo, un joven que, tras una noche de fiesta, sufre un accidente de tráfico debido al cual no le quedará más remedio que quedarse apoltronado en la cama de un hospital. Aún así, los amigos acudirán a casa de Max y vivirán juntos dos meses enteros, es allí donde surgirán los desencuentros y aflorarán esas pequeñas mentiras que cada uno esconde.

El actor y director francés Guillaume Canet, que ya puede presumir de haber ganado un Premio César como director por la película No se lo digas a nadie, dirige esta cinta. Pequeñas mentiras sin importancia aborda, principalmente, el valor de la amistad y todo lo que ello engloba: la traición, el egoísmo, los

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

egoísmos, el amor y el desamor. Es una película donde se habla de sentimientos, o más bien, de aquellos sentimientos que no nos atrevemos a contar en nuestro grupo de amigos y que tanto nos cuesta sacar al exterior. El laborioso plano secuencia con el que empieza la historia, ya nos da una pista de lo que nos podremos encontrar a lo largo de la misma. El magnífico guión, la preciosa fotografía y su bien elegida banda sonora no deben caer en el olvido. Esta película merece ser vista.

Aparecen personajes bien formados y constituidos, todos desean evolucionar pero ninguno se esfuerza por conseguirlo. Cabe destacar la actuación de la bella Marion Cotillard y del descarado Gilles Lellouche, pero incluso ellos, quedan eclipsados por la brillante interpretación de François Cluzet, sin duda, el personaje con más carácter de todos.

Pequeñas mentiras sin importancia fue producida en Francia en el año 2010 y fue vista por más de cinco millones de espectadores. En España pasó desaperciba en la cartelera, pero aún así, se alzó con el Premio del Público de la Sección Panorama Mediterráneo en la XXXII Mostra de Valencia.

Pequeñas mentiras sin importancia

B-CULTURED · CINE

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LOS IMPRESCINDIBLES POR

OLGA FRANCO

Te doy mis ojos

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1 mujeres víctimas de malos tratos, fueron asesinadas durante el año 2003 a manos de sus parejas o exparejas. Este espantoso dato es el que dio el suficiente aliento a una Icíar Bollaín llena de fuerza y atrevimiento para contar una historia tan profunda y valiente como Te doy mis ojos.

Durante una noche cerrada, Pilar, acompañada por su hijo Juan, abandona su casa para buscar cobijo en la de su hermana ya que no puede aguantar más las palizas de su marido Antonio, pero pronto, este la encontrará y tratará de hacer todo lo posible por seducirla y volver a enamorarla. Pilar intentará rehacer su vida mientras que Antonio acudirá a un psicólogo para resolver su problema.

La situación tan sobrecogedora que sufre Pilar hace que el espectador se ponga en su piel, planteándose qué haría si la persona con la que convive actúa, de repente, de una forma violenta. Desde fuera, todos sabemos lo que deberíamos hacer, pero desde dentro, quizá la perspectiva cambia. Pilar sabe que tiene que separarse de su marido, pero el amor que siente por él es tan fuerte que

se resiste a abandonarle. Y este es, precisamente, el gran logro del guión, Te doy mis ojos expone las dos caras de esta cruda, pero al fin y al cabo, historia de amor: la del maltratador y la de la maltratada.

Laia Marull y Luis Tosar encabezan el grandioso reparto dando vida a Antonio y Pilar, ambos actores están soberbios y son capaces de transmitir sin diálogo lo que piensan y sienten en cada momento. Pero la acción no solo gira en torno a ellos, también de los que están a su alrededor, abarcando su entorno familiar y laboral. La acción se desarrolla en Toledo, la ciudad es testigo de cada escena que allí sucede y trata de remover conciencias a través de la intensidad emocional con la que se cuenta la historia. Es una película de denuncia social y de visionado obligatorio.

En 2003, Te doy mis ojos logró siete Premios Goya, entre ellos el de Mejor película junto con el Premio Ondas y el Fotogramas de Plata. Además, Laia Marull y Luis Tosar ganaron la Concha de Plata como mejores actores (incluyendo los dos Premios Goya).

67 mujeres víctimas de malos tratos, fueron asesinadas durante el año 2011 a manos de sus parejas o exparejas. ¿De verdad es necesario que sigan aumentándose estas cifras para erradicar, de una vez por todas, la violencia machista?

106 min.

Iciar Bollaín GUIÓN Iciar Bollaín, Alicia Luna MÚSICA Alberto Iglesias FOTOGRAFÍA Carles Gusi REPARTO Laia Marull, Luis Tosar, Candela Peña, Rosa María Sardá, Kiti Manver, Elisabet Gelabert, Sergi Calleja...

AÑO

2003

DURACIÓN

PAÍS ESPAÑA DIRECTOR

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

EL GENIO DEL HUMOR GRﾃ：ICO ESPAﾃ前L

B-CREATIVE · HOMENAJE A MINGOTE

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antoniomingote M

odesto, exquisito en sus expresiones y siempre irónico, Antonio Mingote fue el humorista más innovador de su generación. Excelente observador y cronista social, consiguió retratar de una forma envidiable a los españoles de a pie, sus manías y sus costumbres, y convertir una simple anécdoESCRITOR, GUIONISTA, MIEMBRO DE ta en un cuento que LA REAL ACADEMIA DE LA LENGUA arrancaba la sonrisa al DESDE 1987 Y DIBUJANTE ESTRELLA más serio.

DEL DIARIO NACIONAL ABC, PERO Nació el 17 de enero SOBRE TODO, EL GRAN GENIO DEL de 1919 en Sitges, en HUMOR GRÁFICO ESPAÑOL DE LOS el seno de una familia ÚLTIMOS CINCUENTA AÑOS. ilustrada, bajo el nombre de Ángel Antonio Julián Orson Dulce Nombre de María Mingote Barrachina. Ingresó en la universidad para estudiar Filosofía y Letras, pero dejó la carrera para formar parte del Ejército y luchar en la Guerra Civil. Fue precisamente durante esos años cuando

empezó a publicar sus primeros dibujos, aunque su trayectoria como humorista profesional no arrancaría hasta 1953, después de ser contratado por ABC. Comenzó entonces a publicar sus viñetas, siempre rebosantes de elegante ingenio, con un cierto punto socarrón y con una estética inspirada en el cubismo de Picasso. Respetuoso aunque también un crítico feroz con las injusticias sociales, Mingote se dedicó durante más de cinco décadas a hacer reír a su público.

La calidad de su trazo, su humor acertado y su sobresaliente capacidad de análisis fueron reconocidos en diversas ocasiones, con galardones como el Premio Nacional de Periodismo (1980), la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo (1996), el Premio Iberoamericano de Humor Gráfico "Quevedos" (1998) 0 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2002).

IZQUIERDA: MÍTICA PORTADA DE ABC, DIARIO CON EL QUE COLABORÓ CINCO DÉCADAS. ABAJO, UN EJEMPLO EN FORMA DE VIÑETA DE SU ÁCIDA MIRADA A LA REALIDAD ESPAÑOLA

TEXTO

LAURA SERRANO-CONDE

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

Marley CARTELERA POR

Documental Kevin Macdonald GUIÓN Kevin Macdonald FOTOGRAFÍA Mike Eley, Alwin H. Kuchler, Wally Pfister ESTRENO:

29/06/2012

GÉNERO:

PAÍS USA DIRECTOR

LAURA SERRANO-CONDE

L

legan las altas temperaturas y con ellas, los estrenos más amables del año. Películas ligeras y con muchas dosis de acción, como la última de la saga de Batman, El caballero oscuro: La leyenda renace, se convierten en las reinas de la cartelera, trono que compartirán con otras como la tan esperada película de Ridley Scott, Prometheus, que resolverá los enigmas de Alien el octavo pasajero, más de tres décadas después de su estreno. En la programación, también habrá un espacio reservado al género documental para que los amantes del séptimo arte puedan disfrutar de dos auténticas joyas: Marley, que propone al espectador un cine íntimo y de reflexión, y la ópera prima de Álvaro Longoria, Hijos de las nubes. La última colonia, una cinta que aborda sin pudor el conflicto saharaui.

U

n viaje al corazón de África, en concreto, a un campo de refugiados saharauis es el tema central del primer largometraje dirigido por el cineasta Álvaro Longoria, Hijos de las nubes, la última colonia. Es un documental íntimo y personal, producido por Javier Bardem, que critica de forma muy didáctica aunque con extrema dureza los intereses políticos y económicos por los que se mueven potencias occidentales, y que son la principal razón que las obliga a mantener vivo el drama saharaui. Una mirada feroz que pretende llamar la atención a la audiencia de los países acomodados y denunciar las terribles condiciones en las que vive este pueblo olvidado, que se encuentra al borde de la guerra.

18/05/2012 Documental PAÍS ESPAÑA DIRECTOR Álvaro Longoria GUIÓN Álvaro Longoria MÚSICA Fernando Velázquez FOTOGRAFÍA Yosu Inchaustegui REPARTO Javier Bardem, Elena Anaya ESTRENO: GÉNERO:

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

Hijos de las nubes, la última colonia

B

ob Marley, el rey del reggae, el máximo exponente del movimiento rastafari, una auténtica leyenda que aún hoy, 31 años después de su muerte, sigue más viva que nunca.

Procedente de una familia muy humilde, su música siempre fue el canal con el que dio voz a los más desfavorecidos, para condenar fervientemente la violencia, la pobreza, las desigualdades y las injusticias que imperaban en las sociedades modernas. Ahora, su vida regresa a la gran pantalla con Marley, un documental que tratará de mostrar al público el lado más humano de este icono universal.

En poco más de 140 minutos, el cineasta Kevin Macdonald (El último rey de Escocia o La Sombra del poder) propone a los melómanos un viaje a la Jamaica de los años cincuenta para disfrutar de grandes éxitos como One Love, Redemption Song o No Woman, No Cry, pero también de otros inéditos, y conocer al mismo tiempo cómo era realmente Robert Nesta Marley Booker, su nombre real, de la mano de los testimonios de artistas como Junior Marvin, Jimmy Cliff, Allan “Skill” Cole, Lee Jaffe o Neville Garrick.

B-CULTURED · CARTELERA CINE

"

Prometheus

Si no lo detenemos no habrá ningún hogar al que regresar". Elizabeth Shaw, el personaje al que da vida la actriz Noomi Rapace, lanza esta advertencia al resto de sus compañeros a bordo del Prometheus, la nave que ha salido al espacio dispuesta a descubrir cuál es el origen de la humanidad en la Tierra. Tres décadas después del estreno de Alien, el octavo pasajero (1979), su creador Ridley Scott regresa al género de la cienciaficción para resolver todas las preguntas que quedaron entonces en el aire con Prometheus, la que se convertirá en la precuela de una de las sagas más famosas de la historia del cine. Un esperadísimo estreno, rebosante de emoción y terror, que trasladará al espectador a los rincones más tenebrosos del Universo y que, al igual que ocurre con el desenlace de Batman, guarda celosamente los detalles de su trama para no arruinar la sorpresa.

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10/08/2012 Terror/Ciencia Ficción PAÍS USA DIRECTOR Ridley Scott GUIÓN Jon Spaihts MÚSICA Marc Streitenfeld FOTOGRAFÍA Dariusz Wolski REPARTO Noomi Rapace, Charlize Theron, Michael Fassbender, Guy Pearce, Idris Elba, Logan Marshall-Green, Rafe Spall, Sean Harris y Emun Elliott ESTRENO: GÉNERO:

El caballero oscuro. La leyenda renace

E Thriller, acción Christopher Nolan GUIÓN Jonathan Nolan y Christopher Nolan MÚSICA Hans Zimmer FOTOGRAFÍA Wally Pfister REPARTO Christian Bale, Tom Hardy, Gary Oldman, Morgan Freeman, Michael Caine, Marion Cotillard, Joseph GordonLevitt, Daniel Sunjata, Josh Pence, Anne Hathaway ESTRENO:

20/07/2012

GÉNERO:

PAÍS USA DIRECTOR

l genio del celuloide Christopher Nolan vuelve a ponerse tras las cámaras para llevar a la gran pantalla El Caballero Oscuro. La leyenda renace, la última parte de su taquillera trilogía de Batman. Después de Batman Begins y El Caballero Oscuro, Nolan vuelve a llamar a los amantes de los superhéroes a ocupar sus butacas y combatir, junto a este personaje de DC Cómics, la delincuencia en Gotham City. Aunque han trascendido pocos detalles de la película, El caballero oscuro. La leyenda renace promete emocionar al público con grandes dosis de acción, peleas de infarto e impresionantes efectos especiales.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

reiki

B-HEALTHY · BENEFICIOS DEL REIKI

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TALY ARJONA

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PARECE SENCILLO COMPRENDER QUE, EN LOS TIEMPOS QUE CORREN Y NOS ESTÁ TOCANDO VIVIR, CADA VEZ SEAN MÁS LAS PERSONAS QUE SIENTAN LA NECESIDAD DE BUSCAR EL SENTIDO DE LA VIDA. EL TIEMPO VA PASANDO Y EL CAMINO POR RECORRER SE TORNA A VECES COMPLICADO

LA ENERGÍA UNIVERSAL AL ALCANCE DE TODOS

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o es de extrañar que el estrés de vida que llevamos no facilite nuestra salud, tanto física, como emocional o mental, aumentando así las dolencias y enfermedades. Cansados pues de estas dolencias, buscamos otras alternativas y recurrimos a terapias complementarias, tales como el Reiki.

¿QUÉ ES REIKI? La palabra Reiki se divide en dos vocablos japoneses, Rei y Ki, o lo que es lo mismo, Energía Vital Universal. Se sabe que Reiki es una antigua técnica milenaria que permaneció oculta por mucho tiempo en los monasterios del Tibet. El sistema Usui de Reiki (actualmente no sólo existe la escuela Usui, sino varias escuelas que enseñan diferentes métodos de Reiki) lleva su nombre por su descubridor, el Dr. Mikao Usui, quién creó este método en 1922, tras una revelación que obtuviera en el Monte Kurama, en Kyoto, Japón, después de 21 días en ayuno y meditación. Tras este suceso, se fue transmitiendo la técnica de Maestro a Maestro y fue Takata quien terminaría por difundir y enseñar el método en occidente.

Reiki es una disciplina de muy fácil aplicación, que permite canalizar la Energía Universal a través de las manos, tanto para uno mismo como para otros, al igual que a animales, plantas, lugares, etc. No hay que creer en nada para poder recibir o aprender a utilizar Reiki, pues no está vinculado a ninguna religión, sino que se trata de la energía que todo lo contiene.

DOGVILLE ES UNA DE SUS PELÍCULAS MÁS ACLAMADAS, PROTAGONIZADA POR NICOLE KIDMAN

REIKI ACTÚA NO SÓLO A NIVEL FÍSICO, SINO TAMBIÉN A NIVEL EMOCIONAL, ESPIRITUAL Y MENTAL

¿CÓMO ACTÚA? Cuando la energía no fluye correctamente, nuestro cuerpo sufre alteraciones y bloqueos, estando propensos a sufrir o desarrollar alguna enfermedad. Reiki trata estas alteraciones desbloqueando así nuestros centros energéticos, permitiendo que la energía fluya de nuevo y llevándonos a nuestro mejor estado de salud, recuperando así nuestro equilibrio natural y fuerza vital. Actúa no sólo a nivel físico, sino también a nivel emocional, espiritual y mental. Son muchos los beneficios del Reiki, desde disminuir o eliminar el estrés y la ansiedad, logrando una relajación profunda y paz interior en aquel que lo recibe. Aquel que ha recibido una terapia con Reiki habla de sus múltiples beneficios, incluso hay personas que afirman haberles cambiado

la vida gracias a Reiki. Existen tres niveles para aquellos que quieran iniciarse en el aprendizaje de esta técnica milenaria: Primero, Segundo, Tercero y Maestría. La calidad de Reiki depende de su práctica. En algunas ciudades europeas tales como Londres, Alemania y Reino Unido, ya se está utilizando Reiki desde hace tiempo, habiendo sido más tardía su introducción en España; sin embargo, ya se aplica en hospitales españoles a enfermos de oncología y alguna otra especialidad médica.

Habrá que dejar paso por tanto a estos tipos de terapias aún algo desconocidas para muchos, siempre que nos ayuden a alcanzar nuestro equilibrio y salud. Y como diría aquel clásico: “Que la fuerza te acompañe”.

B.SIDE | PRIMAVERA 2012

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