B-side Magazine Issue #4 by B-side Magazine

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B-SIDE MAGAZINE || N_4 · VERANO 2012

· GOSSIP · DONNA SUMMER · JOHN MAYER · · ENTREVISTA LOVE OF LESBIAN · SCISSOR SISTERS · · THE BAMBOOS · FIONA APPLE · MAROON 5 · · GENERATION UK · MODA VICTORIA BECKHAM · MÚSICA · ARTE · CULTURA · DISEÑO · TENDENCIAS · ESTILO

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JESÚS ROMÁN REDACTOR JEFE

JAVIER DECIMAVILLA REDACCIÓN MÚSICA - CULTURA

OLGA FRANCO FEDE CASTAÑO DAVID MARCO LAURA SERRANO-CONDE TALY ARJONA CARLOS BRANDT SHEILA PÉREZ REDACCIÓN MODA

LUIS A. BERRENDERO DORY ÁLVAREZ ABAD CARLOTA HERNÁNDEZ INTERIORISMO

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JAVIER TOMAS BIOSCA EVA SAN JUAN COMMUNITY MANAGEMENT

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DAVID MOREU MIRA CIRERA ROBERTO CORTÉS DAVID VIDAL SANS URIEL ROIJALS PARDINES B-SIDE MAGAZINE NO SE HACE RESPONSABLE DE LOS COMENTARIOS Y OPINIONES DE SUS COLABORADORES EJEMPLAR GRATUITO. SE PROHIBE SU COMERCIALIZACIÓN, DIFUSIÓN CON FINES COMERCIALES O USO INDEBIDO, ASÍ COMO LA REPRODUCCIÓN TOTAL O PARCIAL

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uando el calor aprieta, comienza el éxodo de una gran mayoría a zonas más húmedas. Remojarse en playas y piscinas sigue siendo cita obligada, aunque este año la realidad ahogue más que la propia temperatura. La cultura no es un lujo, lo reivindicábamos hace unos días, posicionándonos en contra de la subida del I.V.A. al 21% en este ámbito (y por supuesto, de cualquier otro ámbito que suponga una merma de la calidad de vida de la sociedad en general). Cortar y recortar la esperanza de un sector ya de por sí marchito es simplemente, un homicidio en grado de tentativa. Para aquellos que hayan tenido que echar raíces en sus casas estas vacaciones por la maldita crisis (y para todos aquellos que tengan a mano un ordenador y conexión a internet), os ofrecemos con la honestidad de la que siempre hacemos gala nuestro mejor número. El más completo, igual de gratuito y con el mismo amor de siempre por cualquier manifestación artística de calidad. Porque nosotros luchamos contra la escasez con abundancia. Y al que no le guste, que mire para otro lado… JESÚS ROMÁN

LOOK DE PORTADA, NAJWA NIMRI CAMISA COS CINTURÓN NEGRO ARTESANÍA DEL CAREY CINTURÓN BLANCO ASSAAD AWAD FALDA Y BOTINES AMAYA ARZUAGA

SUMARIO 28

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#4 VERANO 2012

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04 · GOSSIP 06 · 50 ANIVERSARIO THE BEATLES 14 · ENTREVISTA LANCE FERGUSON (THE BAMBOOS) 18 · JOHN MAYER 26 · SCISSOR SISTERS 28 · MAROON 5 30 · DONNA SUMMER 36 · CRÓNICA LOW COST FESTIVAL 48 · EN PORTADA: NAWJA 58 · GENERATION UK 70 · CRÓNICA BRUCE SPRINGSTEEN 76 · THE JEZABELS 78 · ENTREVISTA LOVE OF LESBIAN 86 · CURTIS MCNAIR: EL ARTE PSICODÉLICO DE MOTOWN 94 · VERANO AL SOL 102 · VICTORIA BECKHAM 108 · LOOKBOOK VERANO 116 · LA ESQUIVA SUERTE 128 · CARTELERA CINE

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GOSSIP

in embargo, para el nuevo público que los descubra con este álbum, será una buena elección, pues quizás el problema resida en que estemos pecando de comparar las nuevas propuestas del trío, con los anteriores éxitos que todavía siguen siendo una escucha obligada en los mejores festivales y salas. Y es que, deberíamos considerar que superar un temazo como Standing In The Way Of Control (2006) es algo que posiblemente no ocurra. A Joyful Noise está compuesto por 12 temas que suponen una nueva travesía con diferentes matices a los habituales durante una larga carrera que se remonta al año 1999, con cinco discos a sus espaldas. Su música, fusión de estilos como el punk, rock, funk y la electrónica entre otros, hace de ésta, una banda difícil de encasillar. Y aunque siempre se ha definido por su característico sonido oscuro, fuerte y carismático gracias al aspereza de su guitarra, a la contundencia de su batería y a la grandísima voz de Beth Ditto, esta vez, no muy lejos de la costumbre que tienen de sorprender, se han atrevido con una gran dosis de eclecticismo (inspirada ni más ni menos que en Abba) de la mano del productor británico Brian Higgins. Así es, se han salido por la tangente para

DE DIFÍCIL DEFINICIÓN ES EL NUEVO DISCO DE GOSSIP, TENIENDO EN CUENTA LA TRAYECTORIA A LA QUE EL GRUPO NOS TIENE ACOSTUMBRADOS A LOS FIELES DE SU LOGIA, QUIENES TRAS DESCUBRIR SU NUEVA APUESTA MUSICAL, HEMOS QUEDADO UN POCO DECEPCIONADOS... ofrecer un disco atemporal con tintes ochenteros, más bailable y accesible a un público mainstream, con canciones más pegadizas y comerciales, que no dudamos sabrán disfrutar en las pistas de baile, mientras que sus incondicionales nos quedamos con la sensación de que falta algo mucho más… Gossip. A pesar de todo, A Joyful Noise contiene algunos temas interesantes que no debemos pasar por alto, como Perfect World, primer single y uno de los temas que más conserva la esencia de la banda. Get a Job, una descarga de energía de la que se intuye mucha inspiración electrónica berlinesa fusionada con otras tendencias, Involved, con la que nos llegan los mejores versos del disco "I'm not in love with you, I'm just involved", o el

TEXTO SHEILA PÉREZ

clubbanger Move in the Right Direction. Es curioso cómo la dinámica de algunas canciones, con partes prometedoras que a medio camino terminan por disipar el talento, se repite en varias ocasiones a lo largo del disco. Es el caso de Get Lost, una joya de estribillo noventero y aires disco que sólo queda en eso, en un buen estribillo. Y es así, como el álbum tiende a flojear en líneas generales. Gossip se encuentra en estos momentos inmersos en una gran gira europea entre las que se incluyó nuestro país el pasado mes de Mayo, con su actuación en el SOS 4.8 de Murcia. Cruzaremos los dedos para volver a tener la misma suerte por segunda vez, con su disco más meditado. Quizás para entonces, nos haya conquistado un poquito más.

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LIVERPOOL CELEBRA EL

ANIVERSARIO DE

Beatl es TEXTO TALY ARJONA

The

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COMO NO PODÍA SER DE OTRA FORMA, LA CIUDAD NATAL DE LOS BEATLES CELEBRARÁ EL PRÓXIMO MES DE AGOSTO LOS 50 AÑOS DESDE QUE RINGO STARR SE UNIERA A JOHN LENNON, PAUL MCCARTNEY Y GEORGE HARRISON

a agenda es amplia y apetitosa para los amantes de esta mítica banda e incluso se celebrarán actividades a lo largo del resto del año. Pero es en agosto cuando Liverpool se verá ataviada con sus mejores galas, para acoger a fans de todas partes del mundo. La semana grande tendrá lugar del 22 al 28 de agosto. El programa incluirá recitales tributo y espectáculos en el Cavern Club, aunque también habrá más recitales durante el llamado Fin de Semana Love Me Do, en octubre.

BREVE RESEÑA EN EL TIEMPO Corría la década de los 50 en la ciudad de Liverpool, Inglaterra, donde dominaba el skiffle (un estilo musical derivado del jazz, en el cual se tocaba con instrumentos tales como latas, cubos, etc.), cuando un jovencísimo Lennon formó su primera banda llamada The Quarrymen con algunos de sus compañeros de escuela, allá por Septiembre de 1956. Influenciado por la música de Elvis Presley y el rock and roll, John Winston Lennon (1940-1980) persiguió desde sus primeros años de vida el sueño de verse convertido en un cantante y guitarrista de éxito. Con un carácter rebelde y lunático, su infancia y adolescencia fueron claves para forjar ese inconformismo característico en él. Atormentado quizás por la envidia de no tener lo que él llamaba un hogar, esos años de carencia afectiva y soledad emocional se plasmarían más tarde en las letras y la música

de muchas de sus canciones, las cuales llegarían a ser éxito una tras otra. Pero el éxito de The Beatles quizás no habría sido el mismo sin su segunda pieza clave y total complemento de John, Paul McCartney. Se conocieron en julio de 1957 durante un concierto que The Quarrymen daban en el jardín de la iglesia St. Peter de Woolton. Lennon quedó maravillado de la forma en que Paul tocaba la guitarra (además de ser el único de ellos que sabía afinarla a la perfección), sellando así su unión musical. Paul McCartney provenía de una familia de padre y abuelo músicos. Desde el

comienzo Paul y John conectaron por su amor a la música, haciéndose muy buenos e inseparables amigos, aunque su unión se acrecentó por el fallecimientos de ambas madres, la de Paul cuando éste tenía catorce años y la de John cuando cumplía diecisiete. Solían componer canciones juntos a todas horas y la música era su principal modo de vida, a pesar de su juventud. Un año más tarde sería el mismo Paul quien presentaría a John al siguiente componente de The Beatles, George Harrison (1943-2001). Lennon accedió a escucharle tras la insistencia de Paul mientras volvían en un

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autobús nocturno y aunque sorprendido por su destreza para los acordes, no le permitió unirse al grupo hasta pasado un tiempo, debido a que era mucho más joven que él y pensaba que ello podría ocasionarles problemas. De este modo, John Lennon, Paul McCartney y George Harrison, junto con Pete Best (batería) y Stuart Sutcliffe (bajo), formaron la nueva banda (Stuart abandonaría el grupo en 1961 y moriría al año siguiente de un derrame cerebral; posteriormente Paul McCartney pasaría a ser el bajista definitivo). Cambiaron de nombre en numerosas ocasiones: Silver Beetles, Silver Beatles nombre con el cual viajaron a Hamburgo (Alemania) con un contrato muy pobre y en unas condiciones pésimas. Finalmente cambiarían definitivamente su nombre a The Beatles. Cuando volvieron a Liverpool y tras un breve tiempo sin tocar, aparecieron de nuevo en The Carvern, un sucio y pequeño local (actualmente lugar icónico para los amantes de la banda) donde Brian Epstein quedaría impresionado por sus dotes musicales y carisma de sus componentes, proponiéndoles ser su manager. Tras algunos rechazos en varias compañías discográficas, dieron con el productor de EMI, el gran George Martin, quien confió en ellos desde el primer momento, no sin antes proponerles un cambio de batería en el grupo, pues Pete Best no le resultaba de buena calidad para las grabaciones. Pete Best fue echado del grupo y sustituido por el cuarto Beatle, Richard Starkey (Ringo Starr), quien ya había tocado en alguna ocasión con ellos en Hamburgo. De esta forma obtuvieron su primer contrato para grabar el primer sencillo: Love Me Do, en 1962. Después comenzaría una larga historia de éxitos musicales y una extensa gira por todo el mundo, con inagotables conciertos hasta 1966, año en que cesaron su actividad en vivo para dedicarse únicamente a la grabación en estudio hasta su disolución en 1970.

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DE IZQUIERDA A DERECHA RINGO STARR, JOHN LENNON, PAUL MCCARTNEY Y GEORGE HARRISON EN LA SESIÓN DE FOTOS PARA SGT. PEPPER'S LONELY HEARTS CLUB BAND, MÍTICO ÁLBUM DE LA BANDA.

LA MÚSICA DE LOS BEATLES Y SU LEGADO Es indudable que The Beatles es la banda de pop-rock más famosa de todos los tiempos. Con raíces musicales como el skiffle, el rock and roll y el R & B de los años 50, revolucionaron tanto la cultura musical como la popular, creándose incluso el término “Beatlemanía”, concepto que conlleva una forma de vida, incluso más allá de su música. Tras la grabación de su primer single Love Me Do en 1962, su música evolucionó pasando por diferentes géneros musicales, desde la balada pop hasta el rock psicodélico, folk-rock, country o barroco, además de incluir elementos clásicos en algunos de sus álbumes. Su constante innovación inspiró a músicos de todo el mundo. A partir de 1966, los llamados Fab Four (Cuatro Fantásticos) abandonaron los directos para

dedicarse de lleno a la grabación de estudio, donde se aprecia el cambio en sus creaciones, mucho más elaboradas y sofisticadas, tanto en lo musical, como en la composición de sus versos. Es en esta época cuando crearon algunos de sus mejores discos, entre los que se incluye el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), considerado para muchos como una obra maestra. The Beatles hicieron un uso innovador de la tecnología en sus grabaciones, con el propósito de conseguir el mejor sonido musical ofrecido hasta entonces, incorporando efectos tan dispares como el eco de una botella de plástico o acomodar una cinta del lado opuesto para que la voz se reprodujera al revés. Así mismo fueron los primeros en innovar el vídeo musical.

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Son muchos los premios y reconocimientos que se les atribuye, llegando a mantenerse hasta la actualidad como el grupo con más números uno en las listas británicas. Con trece álbumes de estudio entre muchos otros sencillos y recopilatorios, The Beatles han sido certificados con 6 discos de diamante, 24 discos multi-platino, 39 discos de platino y 45 discos de oro en los EE.UU., mientras que en el Reino Unido poseen 4 discos multi-platino, 4 platino, 8 discos de oro y un disco de plata. Además la banda fue

galardonada con siete premios Gramy, entre otros. En la actualidad y desde entonces, es el grupo cuyas canciones han sido más versionadas a lo largo de la historia musical, entre ellas Yesterday con más de 3.000 versiones diferentes, por poner un ejemplo. ¿Quién no ha tarareado en alguna ocasión al menos una de sus canciones?. Sin duda The Beatles traspasaron las barreras de la música, trascendiendo en el tiempo y permaneciendo en la memoria para la historia. God save The Beatles.

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GlenHansard

UNO DE LOS FENÓMENOS MÁS IMPORTANTES DEL CINE INDEPENDIENTE DE LOS ÚLTIMOS AÑOS FUE EL PROTAGONIZADO POR ONCE. GLEN HANSARD Y MARKETA IRGLOVA, DIERON VIDA A UNA PAREJA DE MÚSICOS CALLEJEROS QUE, EN LA CIUDAD DE DUBLÍN, ENCUENTRAN EL UNO EN EL OTRO LA MEJOR MANERA DE EXPRESARSE, SINTIÉNDOSE ALMAS GEMELAS MUSICALMENTE HABLANDO TEXTO JAVIER DECIMAVILLA

eal o no, la película resumía la vida de Hansard y, gracias a su fantástica banda sonora (Falling Slowly ganó el Oscar a la mejor canción en 2007), le catapultó junto a su compañera a la fama y el reconocimiento de medio mundo. Tras esta experiencia, ambos dieron forma a un proyecto común que, bajo el nombre de The Swell Season, respondía perfectamente a las expectativas originadas tras el film y enfatizaba la química surgida entre ambos. El excelente álbum Strict Joy da buena cuenta de ello. Ahora, tres años después de estas experiencias conjuntas y, tras la ruptura sentimental y profesional de Glen y Marketa, el primero de ellos trae su debut como solista. Rhytm and Repose es todo lo que su creador quiere que sea, tal y como se muestra a su público, la reivindicación de su figura como compositor e intérprete.

Siempre tras la estela de contemporáneos suyos como Damien Rice (no obstante ambos son irlandeses y comparten un timbre de voz parecido), Glen Hansard da un paso más en su carrera al decidir volar solo, algo predecible por otro lado, ya que se presuponía la potencia y el peso que él tenía en el dúo. El trabajo que acaba de publicar es un muestrario maravillosamente definido y pulido de lo que significa la canción de autor actual. Su intérprete se presenta como un trovador de nuestro tiempo, sencillo y directo, capaz de escribir canciones emocionantes. Concebidos gracias a su guitarra acústica y su bella forma de cantar, los temas de Rhytm and Repose destilan sensibilidad y plena lucidez. Son historias para ser contadas sin artificios, de manera natural y así, alejado de cualquier pose o efecto, su intérprete logra transmitir humanidad a raudales. No es un disco comercial, ni mucho menos, tampoco estará en las listas de los más vendidos, seguramente no llegue a demasiada gente, pero sentíamos la necesidad de reivindicar la figura de un músico con mayúsculas, de esos que quien logra conocerle se siente orgulloso por haber descubierto un auténtico tesoro. Escucharle no es una recomendación más, es casi una obligación.

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B-CRITIC · MÚSICA

CITIZENS! HERE WE ARE (Kitsuné. 2012)

MODELO DE RESPUESTA POLAR

esde Valencia llega una nueva formación con apenas dos años de existencia. Se llaman Modelo de Respuesta Polar y, tras un EP homónimo que fue muy bien recibido por público y crítica, llegan ahora con un segundo trabajo, Así pasen cinco años, compuesto por siete temas. Este disco demuestra la sorprendente madurez que tiene el cuarteto. Bajo una cuidada producción dan rienda suelta a sus propias credenciales, canciones que no requieren más que una atenta escucha para dejar el poso necesario, para mantener el tipo de la banda. Tras una instrumentación compleja, sugerente y de gran riqueza en matices, se crean diferentes paisajes en los que la voz de Borja Mompó adquiere un espontáneo protagonismo, calando de manera profunda, impulsando sensaciones y manteniendo el rigor de las letras que transmite. Modelo de Respuesta Polar es una de las revelaciones de la temporada y Así pasen cinco años una de las propuestas que

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ASÍ PASEN CINCO AÑOS (Limbo Starr. 2012)

más nos han sorprendido en los últimos meses. Presagiarles un futuro esperanzador no sería algo arriesgado tras varias escuchas de este prometedor álbum. Una firma personal, un más que correcto punto de partida, para una carrera que no ha hecho más que comenzar y que dará mucho que hablar. Tienen una buena raíz donde asentarse y empezar a crecer, algo que a día de hoy es totalmente necesario. JAVIER DECIMAVILLA

etrás de este primer álbum de Citizens! encontramos al líder de Franz Ferdinand, Alex Kapranos, en temas de producción. Es por ello que Here We Are podría interpretarse como un claro manifiesto ante la industria musical de la nueva generación de protegidos por el sello francés de moda Kitsuné Music, quienes llevaron a Two Door Cinema Club a lo que son hoy en día. Se trata de un LP de 11 canciones del que ya se extrajeron los singles True Romance, Reptile y Caroline en una onda acústica, con más guitarras pero aún así interesantes hasta el punto de llamar nuestra atención... ¿quién no lo haría con semejante productor? Directamente desde Londres, alardeando de un término tan grande como ‘ciudadanos’ (con signo de exclamación incluído), nos ofrecen una danza artística y divertida de influencias funky. Un disco que no tiene desperdicio, en el cual destacan canciones como Let’s Go All The Way y (I’m In love With Your) Girlfriend, y con el que queda patente el firme compromiso de esta boyband de cinco componentes con el pop alternativo fuerte y frenético en la línea de Franz Ferdinand. CARLOS BRANDT

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BEST COAST THE ONLY PLACE (Mexican Summer. 2012)

l luminoso pop de los años 50 al que, inevitablemente, remitían las canciones de Crazy For You, el debut de Best Coast, hizo presagiar en su día que el estilo surf tenía unos nuevos estandartes en esta banda californiana. Con The Only Place, el dúo formado por Bethany Cosentino y Bobb Bruno, han conseguido reafirmarse en sí mismos cambiando de manera más o menos natural su sonido. Si en su predecesor las melodías de baja intensidad eran predominantes, aquí se muestra una clara evolución hacia ritmos más veloces, de mayor inmediatez. Canciones menos edulcoradas y más maduras, con una mayor trascendencia

en letras e instrumentación, los 11 cortes que dan forman a este trabajo suponen la certeza de que Cosentino es una de las figuras emergentes más importantes de la actualidad. El recorrido de Best Coast es corto pero seguro y The Only Place no peca de continuista ni de comercial, sino que se presenta como el paso lógico de un sonido a caballo entre lo clásico y el indie-folk más actual. Es un interesante trabajo en el que la banda ofrece un nuevo sonido pero que, a pesar de todo, deja una sensación algo superflua. Un disco veraniego, con repetidas referencias a la Costa Oeste de EEUU, que probablemente, no trascenderá demasiado.

TEXTO

JAVIER DECIMAVILLA

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THE

BAMBOOS ENTREVISTA DAVID MOREU

B-FAMOUS · LANCE FERGUSON

EL SONIDO SOUL Y FUNK INSTRUMENTAL, QUE CAUSÓ UN FUERTE IMPACTO EN LOS AÑOS 60 Y 70, HA RESURGIDO CON FUERZA GRACIAS A BANDAS QUE MEZCLAN CON DESCARO EL LEGADO RETRO DE ESTA MÚSICA CON TODAS LAS INFLUENCIAS IMAGINABLES, OFRECIENDO UN CÓCTEL SONORO EXPLOSIV0... CHARLAMOS CON LANCE FERGUSON, LÍDER DE THE BAMBOOS, SOBRE EL PASADO Y EL FUTURO DE ESTOS GÉNEROS Y SU NUEVO ÁLBUM, MEDICINE MAN

sta es la historia de grupos que siguen grabando en directo y con equipos analógicos, representando así el eslabón perdido entre el “groove” sesentero y el beat del hip-hop actual. Siguiendo con esta paradoja, hace unos años nadie habría imaginado que en las antípodas se pudiera facturar el mejor funk del mundo, pero The Bamboos lo han demostrado con sus álbumes de estudio e interminables giras. En mayo presentaron su quinto álbum, titulado Medicine Man, y ahora hemos hablado con su líder y guitarrista, Lance Ferguson, para conocer su historia, los secretos del funk en Australia y el fenómeno de este sonido retro (que tiene la mirada puesta en el futuro).

Empecemos por el principio de esta aventura musical, ¿cómo recuerdas los inicios de The Bamboos? Ha pasado mucho tiempo… todo empezó en Melbourne en el año 2000 y entonces éramos una banda muy pequeña, con sólo cuatro miembros. Nos gustaba mucho la música de The Meters y el funk de New Orleans, pero también nos atraía el sonido de Prestige Records y de Blue Note de finales de los años 60. El grupo fue creciendo, añadimos una sección de viento y al final se nos unió Kylie Auldist como cantante, aunque ella también tiene su carrera en solitario. La escena de soul y funk instrumental se ha convertido en un fenómeno en Europa, pero no ha tenido tanta repercusión en los Estados Unidos… Hace poco hablé de este tema con Gabriel Roth, productor de The DapKings, que fueron una de las primeras bandas en recuperar este sonido retro, y me contó que el público mayoritario de esta escena en los Estados Unidos son universitarios blancos. Yo creo que los jóvenes afroamericanos se sienten más atraídos por el R&B contemporáneo y por el hip-hop. Pero en Inglaterra y en Europa siempre se ha apreciado mucho la música negra de raíces… de algún modo creo que la gente de aquí estáis más abiertos a este sonido.

Aunque vosotros sois originarios de Australia. ¿Cómo se vive esta escena en las antípodas? Yo veo tres generaciones de bandas que están tocando esta música. Los primeros fueron Party Rhythm, que empezaron en los años 90, se atrevieron a editar singles de 45 rpm y no tuvieron problema en convivir con la música disco. Una década después llegamos nosotros y abrimos las puertas para que bandas extranjeras como Quantic Soul Orchestra y Breakestra vinieran de gira por Australia. Ahora existe una tercera generación de grupos muy jóvenes, como Deep Street Soul que han firmado con el sello Freestyle, Dojo Cuts que han grabado para Record Kicks y un combo muy bueno de Nueva Zelanda que se llama Open Souls. El éxito masivo de Amy Winehouse y de Duffy ha hecho que la gente preste más atención a este tipo de música y ahora nosotros tocamos en grandes festivales. ¿Podrías contarnos cómo es una sesión de grabación habitual con The Bamboos? ¿Seguís tocando todos juntos y en directo? A diferencia de las bandas de rock, no disponemos de un gran presupuesto para pasar muchas horas encerrados en el estudio. Así que tenemos que grabar los temas muy rápido y lo hacemos con toda la banda en directo. La idea es conseguir unas vibraciones muy espontáneas con la batería, el bajo, el teclado y la guitarra. Después añadimos los vientos y la voz. Sería genial poder hacerlo todo en vivo, pero a veces es muy complicado y es mejor repartir de este modo las pistas. La música soul surgió en una época muy convulsa y la gente tenía mucha fe en el mensaje de las canciones. ¿Cuál era la magia de ese sonido en los 60 y 70? Todo eso sucedió en la época del movimiento por los derechos civiles y de la segregación racial, por eso la música tenía más significado. Es por este motivo que nosotros somos incapaces de capturar ese espíritu, puesto que no hemos

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¿Crees que hay un vínculo evidente entre el soul, el funk y el hip-hop? ¡Totalmente! Esa fue una de las grandes motivaciones a la hora de formar The Bamboos, puesto que descubrí la música soul y el jazz a través del hip-hop. En mi caso, yo me aficioné al rap gracias a The Native Tongues, escuchando canciones de A Tribe Called Quest y De La Soul, que sampleaban temas de jazz y de soul poco frecuentes. Ahora ya no lo hacemos, puesto que tenemos muchas canciones originales, pero en los inicios de The Bamboos tocábamos muchos break-beats clásicos que se habían utilizado como samples. Para mi el hip-hop es un elemento clave para descubrir el funk y da sentido a nuestra manera de entender la música.

LANCE FERGUSON EN SU VISITA A BARCELONA EN 2009 | FOTOGRAFÍA © ROGER DEL SOL

vivido aquellas experiencias. Hoy todo el mundo puede escuchar los temas de Motown, porque son canciones pop que nunca pasarán de moda. Se trata de un sonido sincero y genuino. Nosotros solamente podemos acercarnos un poco a ese sentimiento. Si pudiéramos conseguir el 2% de todo aquello sería maravilloso, puesto que esa música es mágica. Las canciones de Motown, de Stax Records y de Atlantic fueron la música pop negra de aquella época y han resistido el paso del tiempo. A diferencia de la música negra actual, que no creo que trascienda de la misma manera. Siempre se dice que la música soul cambió muchas cosas en el pasado. ¿Qué crees que significa actualmente y

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qué aportáis vosotros? Cuando se editó el álbum What’s Going On de Marvin Gaye, se vivía en un contexto social, político y espiritual que daba un significado único a la música. Pero esa no es mi realidad y no puedo identificarme con ella, aunque lo que me fascina por encima de todo es la música. Nunca intentaremos fingir que somos una banda afroamericana, pero la música todavía puede unir a la gente. No queremos que The Bamboos sea un grupo retro, nuestra intención es acercar ese sonido al mundo actual e incorporar elementos de hip-hop, porque esa es la conexión entre las dos épocas. No somos un grupo de los años 60, aunque ese período nos inspira y hacemos una música igual de honesta.

En vuestro primer álbum contasteis con la colaboración de Alice Russell, que ahora se ha convertido en una estrella de culto… Es una historia curiosa. En 2004, Quantic y Alice Russell vinieron a Australia y nos pidieron que fuésemos su banda de acompañamiento. Fue genial, porque estuvimos de gira por Australia y Nueva Zelanda. Entonces nos hicimos amigos de Alice y le pedí que viniera al estudio para cantar una canción que yo había compuesto, titulada Step It Up. La he visto recientemente y me gusta mucho lo que está haciendo. Después de haber grabado cinco álbumes, ¿cuál es el secreto para no repetir fórmulas dentro de este género? He escuchado muchas bandas de la escena deep-funk y me he dado cuenta de que algunas son muy buenas y de que otras no destacan tanto. A medida que hemos ido grabando álbumes, he sentido la necesidad de componer canciones de verdad. Escribir temas que Kylie y yo pudiéramos tocar en acústico y funcionaran, pero que también sonaran muy potentes con toda la banda en un club. Esto nos permite movernos por varios subgéneros, ya sea el pop, el soul, el afrobeat o el latin-funk, y creo que aún nos quedan muchos terrenos por explorar.

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He leído que grabásteis la B.S.O. de un videojuego. ¿Podrías contarnos algún detalle sobre esta colaboración? Se trata de un juego titulado De Blob para la Nintendo Wii. La música la escribió un compositor inglés y nos pidió que la interpretáramos al estilo de The Bamboos. Fue una sola sesión de grabación en la que seguimos sus partituras, tocamos su música y resultó una experiencia muy divertida. Yo no tengo una Wii, pero he jugado. Vas pasando pruebas y escuchando una nota de órgano, un riff de guitarra y de repente todo se va construyendo hasta que escuchas la canción entera. Fue muy divertido y después nos llamaron para grabar la segunda parte.

Tengo entendido que también tocasteis con Syl Johnson, una verdadera leyenda del soul… Australia tiene algunas cosas negativas por el simple hecho de estar tan lejos. Por ejemplo, es muy caro viajar hasta allí y muchos artistas no pueden permitirse llevar a su banda para una gira, así que nosotros hemos tocado con Alice Russell, Quantic, Joe Bataan, Eddie Boo, Betty Harris y Eddie Floyd de Stax Records. Con Syl Johnson actuamos hace tres años, fue muy divertido y me encantó su personalidad. Estar con él en la misma habitación y después subir al escenario para tocar sus canciones fue una de las mejores experiencias que he vivido.

Por curiosidad, ¿te contó alguna anécdota de su época en Memphis o en Chicago? Me contó que había tomado ácido con Jimi Hendrix y le creí. ¡Es una historia muy grande! Hace poco pudo recuperar los derechos de sus grabaciones originales, así que ahora éstas vuelven a ser suyas. Los artistas de hip-hop han sampleado muchos fragmentos de sus temas durante años, pero ahora que vuelven a ser suyos podrá ganar dinero de verdad. Y eso es algo que se merece por todos los años que no ha podido controlarlo. Actualmente tiene una cadena de restaurantes de marisco.

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n h o J

r e y a M TEXTO JAVIER DECIMAVILLA

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n España, su nombre ha empezado a sonar hace relativamente poco y, como ejemplo de esto, sirve decir que aún no ha actuado en directo en nuestro territorio (su actuación programada en 2010 en el marco del Rock in Rio Madrid fue cancelada por problemas de salud) y encontrar sus discos en los espacios de venta más populares sigue siendo una tarea complicada. Al margen de sus marcadas colaboraciones con artistas de renombre como Eric Clapton o B.B. King, John Mayer ha facturado grandes trabajos como solista, teniendo, a día de hoy, una discografía y repertorio nada desdeñable. Sus álbumes han estado siempre en las listas de los más vendidos y premiados desde que en 2001 editara su primer larga duración Room For Squares donde se incluían canciones como Why Georgia o la archiconocida Your Body Is A Wonderland. A partir de ese momento, la evolución del músico no ha cesado. Los álbumes publicados hasta la fecha son ejemplos claros de la variedad estilística que es capaz de abordar, dando siempre un especial protagonismo a la guitarra (instrumento del que Mayer es considerado un virtuoso) y haciendo reconocible su personal manera de tocar y su sonido en cada una de sus canciones. Tras Heavier Things (2003) y que supuso un nuevo éxito y un paso adelante para su creador, en 2005 el artista unió sus fuerzas a las de dos pesos pesados como son el batería Steve Jordan y el bajista Pino Palladino. Así se dio forma al proyecto John Mayer Trio, quizás el momento más interesante de la carrera del joven cantante, pues aquí confluyeron tres talentos musicales bajo un sonido

SI ATENDEMOS A SU POPULARIDAD Y A LA GRAN EXPOSICIÓN EN LOS MEDIOS DE SU PAÍS, HABLAR DE JOHN MAYER Y SU CARRERA PODRÍA LLEVAR A CIERTOS EQUÍVOCOS DIAMETRALMENTE OPUESTOS A LO QUE VERDADERAMENTE SIGNIFICA EL ESTADOUNIDENSE PARA LA MÚSICA ACTUAL. DEJANDO ATRÁS LOS RÍOS DE TINTA QUE SE HAN ESCRITO SOBRE ÉL Y SU VIDA PRIVADA, O SUS COLECCIONES DE RELOJES Y ZAPATILLAS, LO CIERTO ES QUE SU TRAYECTORIA ES ENVIDIABLE Y EJEMPLAR EN MUCHOS ASPECTOS rock muy cercano al blues. Esta unión se plasmó en forma de grabación en directo, con el magnífico Try!, donde se puede saborear lo mejor de su repertorio hasta la fecha bajo este nuevo enfoque, recogiendo el espíritu del trío en todo su esplendor. Alumbrado y empujado por esta concepción más madura, Mayer dio forma en 2006 a Continuum, lo mejor de su cancionero. El sonido mantiene la estela blues en la que se encontraba navegando en ese momento y, gracias a excepcionales canciones como I Don’t Trust Myself (With Loving You), Gravity, Vultures o Slow Dancing In A Burning Room, se ha convertido en un clásico de nuestro tiempo. Es un álbum imprescindible donde su autor, con la ayuda de Steve Jordan en las labores de producción, se muestra como un músico en un momento de inspiración envidiable, capaz de abordar las canciones con una técnica exquisita y un alma ciertamente profunda. Es obligada su escucha y, al cerrar los ojos, sentir que las canciones forman parte de uno mismo, relativizando el exterior, enriqueciendo el espectro musical propio. Totalmente imperecedero.

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B-CURIOUS · MÚSICA

El problema de concebir una obra tan perfecta como Continuum es la dificultad de mantener el listón a la misma altura o intentar superarlo. Es por ello que su siguiente trabajo, dejó un sabor de boca agridulce, pues en ese momento se esperaba con ansia al sucesor de aquel maravilloso trabajo. Es cierto que Battle Studies es un gran LP, plagado de grandes canciones como Heartbreak Warfare o Who Says, pero la sensación de que supuso un pequeño paso atrás para el cantante es patente, como si se ubicara temporalmente entre Heavier Things y Continuum, parece el eje que gira entre ambos, por eso, no se aprecia una evolución lógica en él. Aunque, eso sí, su música se hizo más universal y los tintes pop-rock que lo pueblan ayudaron a que John Mayer fuera una figura reconocida mundialmente. En mayo de este mismo año veía la luz Born And Raised, el quinto álbum de estudio del artista de Connecticut. Acompañados de una imagen del músico con gran conexión con la tradición americana, con sus paisajes y carreteras, los doce cortes que componen este trabajo, tienen una querencia mucho más acústica de lo que nos tenía acostumbrados. El country y el folk, siempre bajo el espectro del rock, son los protagonistas absolutos de Born And Raised y sus canciones remiten de manera directa

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a grandes nombres como el de Neil Young o el de Joni Mitchell entre muchos otros. Temas compuestos a la luz de un fuego encendido en mitad de una llanura cualquiera o de un oscuro salón, suenan ecos de épocas pasadas, de viajes sin retorno y territorios furtivos. El protagonismo de la guitarra sigue patente, si bien en esta ocasión, la acústica adquiere una mayor presencia en detrimento de la eléctrica. Pero básicamente se trata de seis cuerdas y eso siempre es una garantía si es Mayer el que las rasga, haciendo que hablen, que comuniquen. Born And Raised es un disco más que digno, en el que su autor se adentra en otro terreno diferente al que ya había transitado y lo hace con valentía, con aplomo y con un estricto sentido del respeto. Las melodías y los ecos sureños amplían la paleta de John Mayer, indicando que estamos ante un privilegiado, un artista con un talento fuera de discusión y con una carrera cuyo crecimiento no parece tener límites. La gira de presentación que tenía programada para este 2012 ha sido suspendida debido a la recaída de su afección en las cuerdas vocales (la misma que hizo que suspendiera parte de su tour europeo hace dos años). Seguiremos esperando hasta que algún día, esperemos que no muy lejano, tengamos la suerte de poder recibirle en nuestro país.

FIONA APPLE

SIETE AÑOS SIN LANZAR DISCO 'IS TOO MUCH TIME' PARA UNA ARTISTA DE TREINTA Y CUATRO. REGRESO AL MUNDO DISCOGRÁFICO PARA LA NORTEAMERICANA FIONA APPLE CON THE IDLER WHEEL TRAS SU ÚLTIMA ENTREGA ALLÁ POR 2005

o es que la Apple haya estado en standby durante todo este tiempo, hemos tenido colaboraciones varias y el consecuente exprime de su anterior largo Extraordinary Machine (Clean State, 2005). Cuando los lapsos entre disco y disco son tan amplios, las expectativas crecen de manera exponencial y las conclusiones posteriores suelen ser algo como: “¿Tanto tiempo para esto?” o “está claro que necesitaba tanto tiempo para hacer algo tan bueno”. A veces seis meses son suficientes para crear una obra maestra y a veces 6 años no sacan a la luz si no algo mediocre y discreto. Las primeras críticas ensalzan el trabajo y la sinceridad de The Idler Wild, si nos fijamos en las letras y las metáforas, parece haber vaciado su alma en este disco. Instrumental y estructuralmente hablando, no ha inventado la rueda. Bien es cierto que el derroche de capelas,

TEXTO

DAVID MARCO

soliloquios, gruñidos y arreglos de lo más estrambótico campan a sus anchas a lo largo y ancho del disco. La dramatización y teatralización a la que recurre aportarán trascendencia para unos e indiferencia para otros. Como ejemplo, el diseño nos resulta un pelín pretencioso e innecesariamente complejo. Nos quedamos con lo más estándar de su interpretación, ahí donde su voz se vuelve cálida y su cadencia nos retrotrae a cantautoras de elegantes registros y coherentes composiciones. Véanse (u óiganse en este caso) Anything We Want o Werewolf. Cuando se trata de hacer del caos un arte y de recrearnos en las estructuras atípicas e impredecibles no todos los oyentes están/estamos preparados para disfrutar de ello. La saturación de lo barroco es un riesgo que a veces convierte tu obra en imprescindible y otras, que sea denostada por el mercado.

B-FAMOUS · LINDA MIRADA

Lindamirada

ANA NARANJO, MÁS CONOCIDA COMO LINDA MIRADA, VUELVE A LA ACTUALIDAD MUSICAL CON SU NUEVO DISCO CON MI TIEMPO Y EL PROGRESO, EL CUAL PRESENTÓ EN MADRID, EN LA MISMA SALA DONDE ESTRENÓ SU DEBUT CHINA ES OTRA CULTURA, AMBOS ÁLBUMES, DISPONIBLES YA EN EDICIÓN VINILO, SON LA NUEVA JOYA DEL DREAM POP

ras contar de nuevo con Bart Davenport para las labores de producción de su segundo álbum, Linda Mirada nos ofrece una colección de temas de espíritu fresco y escucha fácil, calificado por muchos como el disco perfecto para viajar. Sus canciones, marcadas por texturas místicas ochenteras se mezclan con ráfagas electrónicas actuales, lo que deja intuir la variedad musical en la que se inspira la artista, eso sí, con una gran dosis de debilidad por los 80’s; recreando la época con tanta elegancia, que convierte en atemporal una acertada y amena mezcla de nostalgia y diversión. En definitiva, podríamos decir que darle al play es, con Linda Mirada, un regreso al pasado muy recomendable. A pesar de confesarnos personalmente que definirse a uno mismo, es una tarea difícil, larga es la lista de influencias que inspiran a la cantante, “Mis referentes musicales son muchos porque le doy a todo. Desde Graham Nash a Jan Hammer, pasando por Roxy Music, David Bowie, grupos de sintetizadores como Tangerin Dream, las bandas sonoras de algunas películas como After Hours de

ENTREVISTA SHEILA PÉREZ

Scorsese, grupos de psicodelia de los 60 como los Pretty Things, grupos de pop rusos de los 80, y me encanta mucha música que se hizo en España a finales de los 70 o principios de los 80 (Spanish Boogie)… Puedo no acabar, la lista es interminable y me cuesta decidir qué es lo que más me influye.” Tal y como nos lo define la propia artista, Con mi tiempo y el progreso “Es un disco con tintes veraniegos que refleja la nostalgia de un verano pasado” como “una novelita de ciencia ficción sobre viajes en el tiempo articulada en 10 capítulos” y además lo hace de la forma más clara posible, haciendo de la simplicidad y la sutileza exquisita un rasgo característico de su trabajo. Su primer single, Secundario, deja constancia de ello y será capaz de obsesionarte sin que te des cuenta. En sus planes de futuro a corto plazo, Ana nos adelanta que habrá gira después del verano, además, de sus recién estrenadas remezclas Made in Japan de la mano de artistas como Jesse Ruins, The Beauty, White Wear y Masculin. ¿A qué esperas para disfrutar del verano con su disco en repeat? No te hará falta hielo para refrescarte.

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B-CRITIC · MÚSICA

SCISSOR SISTERS MAGIC HOUR (Polydor. 2012)

agic Hour de Sccisor Sisters está recibiendo fuertes críticas por el cambio de sonido notable comparado con su antecesor Night Work. Y si bien es cierto que no trae un culo de portada ni toques de sexo ligero, esta ‘hora mágica’ podría denominarse como una efervescencia de los 90 con un estandarte digno de himno gay (o drag mejor dicho). Refrescamiento auditivo con la producción y colaboración del muy buscado Calvin Harris, quien en el primer single Only The Horses deja claro su sello. Stuart Price, Pharrell Williams, Diplo, Alex Ridha y la propia Azealia Banks hacen lo suyo en Inevitable, Self Control o Best in Me. Pero si algo nos dejó claro Christina Aguilera con Bionic es que grandes nombres no son sinónimo de éxito. Temas mal escogidos o quizás el orden en el que fueron puestos opacan este nuevo LP de la banda liderada por Jake Shears, quienes abren con la gran Baby Come Home (recordando aquel primer

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trabajo) y que luego saltan de estilo en estilo sin mantener la coherencia precisa a la que nos tienen acostumbrados. Shady Love se convierte en una de las mejores de este trabajo, Let’s Have a Kiki es aclamada como toda una oda al arcoíris con interludios incluidos que rememoran aquella época dorada neoyorkina y Keep Your Shoes cierra este trio de ‘canciones salvadoras’ que reflejan lo entretenido de estos beats. Sin embargo, no hay adicción o tema que busques repetir sin parar a modo 'loop' lo cual ha repercutido negativamente en las ventas y esperamos no les lleve a cancelar de nuevo una gira que los traerá por nuestro país en Octubre. Sea Magic Hour lo que la crítica esperaba o no, es un esfuerzo de este cuarteto nacido en Estados Unidos y adoptado por los británicos cual hijos de Pet Shop Boys, por mantenerse como referente de la música disco y de ese sonido tan característico del cual son fieles. O al menos yo lo soy. CARLOS BRANDT

SI HAY ALGO QUE RECONOCERLE A ESTE GRUPO ESTADOUNIDENSE, Y NO BRITÁNICO COMO MUCHOS PIENSAN, ES QUE POR MÁS QUE HAYA PASADO UNA DÉCADA Y TENGAN CUATRO DISCOS YA EDITADOS, BUSCAN MANTENERSE ACTUALES, DIVERTIDOS Y CON LA MISMA FRESCURA QUE EMPEZARON CON AQUEL GLORIOSO DISCO HOMÓNIMO

B-CRITIC · MÚSICA

BRIGHT LIGHT BRIGHT LIGHT MAKE ME BELIEVE IN HOPE

(The Blue Team. 2012)

n junio salía a la venta Make Me Believe In Hope, primer disco del galés Rod Thomas, más conocido como Bright Light Bright Light (ha tomado su nombre de la película Gremlins en la que Guizmo pronuncia estas palabras). Ha cantado con Nerina Pallot o Sunday Girl y se declara fan de Depeche Mode, Kate Bush, Björk y Pet Shop Boys, a los que considera sus ídolos. Además de cantar y componer, toca la guitarra, el bajo, el piano y la flauta y se ha encargado de gran parte de la producción de su disco. En él encontraremos colaboraciones de The Sound Of Arrows, Del Marquis de Scissor Sisters o The Invisible Men, estos últimos, responsables de algunos éxitos recientes de Jessie J, Noisettes o Sugababes. Arropado por el sello PopJustice HiFi, coquetea con la música disco, el dance noventero y la electrónica indie en una colección de 11 temas capitaneados por el single Waiting For The Feeling cuyo videoclip homoerótico y de mucho colorido representa la línea general del debut del Robyn masculino. DAVID VIDAL SANS

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MARO MAROON 5 PUBLICAN SU CUARTO DISCO DE ESTUDIO OVEREXPOSED, UNA FUSIÓN SONORA LIGERAMENTE MÁS POP QUE EN ANTERIORES OCASIONES. LA BANDA CALIFORNIANA LIDERADA POR ADAM LEVINE ENTREGA A SU PÚBLICO DOCE CANCIONES INÉDITAS PRODUCIDAS POR MAX MARTIN CON LA COLABORACIÓN DE RYAN TEDDER Y BENNY BLANCO TEXTO ROBERTO CORTÉS

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esde el lanzamiento de Songs About Jane en 2002, Maroon 5 no han dejado de cosechar éxitos, en parte debido a su majestuosidad musical (R&B, pop-rock y sonidos electrónicos), en parte a sus pegadizas, atrevidas y en ocasiones descaradas letras. Se hicieron con su primer Grammy como artistas revelación en 2005, despachando 17 millones de discos en todo el mundo y captando la atención de un público fiel que les ha acompañado en posteriores entregas, con It Won't Be Soon Before Long y Hands All Over. Al contrario de lo que pueda parecer a simple vista y para un oído poco preparado, Adam Levine plasma en sus obras un alto contenido sexual y en ocasiones violento. Es raro no verle haciendo “de las suyas” en cada uno de sus videoclips, vease This Love, Misery (censurado en

B- ·

OON 5 algunos países), Goodnight Goodnight o Never gonna leave this bed. El estilo liberal, atrevido, sexy, rozando el toque de canalla, otorgan sin duda a Levine una personalidad única en su género. Tan única como su voz, cuyo registro corresponde al de un contra tenor (fuertes agudos, falsete, voz de cabeza y pecho con gran facilidad), algo difícil de ver. El timbre de Adam Levine sigue siendo uno de los sellos reconocibles de la banda en este trabajo. Destaca la irresistible One More Night con un sonido electro-reggae, Dayligth -quizá uno de los temas más sencillos pero con más sentido, que con unas pocas guitarras y una marcada base recrean un espejismo de su conocido debut-. Doin’ Dirt, un tema disco similar al exitoso Moves Like Jagger, la balada a piano Sad que muestra la calidad vocal de Levine en su registro más íntimo, sin

necesidad de falsete. O Lucky Strike, un subidón de testosterona por parte del desvergonzado Levine. Por supuesto, sin olvidar Payphone, sencillo con el que abrieron esta nueva etapa y que habla de la aceptación al finalizar una relación que parecía perfecta. Overexposed comienza con fuerza aunque muchos temas acaban pasando desapercibidos, carecen de creatividad y dejan la sensación de haberlos escuchado en alguna otra ocasión. Las canciones se hacen largas, repetitivas y la temática está, sin duda, sobreexpuesta... Nunca mejor dicho. No obstante, existe una ligera evolución de la banda y quizá la participación como juez de Adam Levine en el reallity estadounidense The Voice, que ha sido un gran tirón publicitario, les ha llevado a intentar crear un disco diferente y novedoso. La realidad es que Maroon 5 siempre seguirán sonando a Maroon 5...

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B-CURIOUS · MÚSICA

FUE LA DIVA DE LA MÚSICA DANCE, LA REINA DE LAS DISCOTECAS. LA PODEROSA VOZ, INOLVIDABLE PARA MUCHOS, QUE SACÓ A LA PISTA DE BAILE A MILLONES DE PERSONAS EN TODO EL MUNDO EN LA DÉCADA DE LSO 70 Y 80, Y LES CONTAGIÓ SU ENERGÍA AL RITMO DE CANCIONES COMO ON THE RADIO O I FEEL LOVE TEXTO LAURA SERRANO-CONDE ILUSTRACIÓN IKO SAVOY

ompositora, cantante y pianista, Donna Summer fue, sin duda alguna, una de las grandes estrellas de la historia. Su estilo y su “look” ochenteros sirvieron de inspiración a artistas de la talla de Madonna, Beyoncé, Blondie o Kylie Minogue que no han dudado en versionar algunos de sus temas. A lo largo de sus más de 40 años sobre los escenarios, publicó álbumes como A Love Trilogy o All Systems Go, y recibió numerosos galardones, entre los que destacan los cinco premios Grammy y los once álbumes de Oro por sus ventas en todos los rincones del mundo. Pero además de todo esto, Donna Summer fue una luchadora incansable. Convencida de la necesidad de levantarse cuando uno tropieza, intentó siempre seguir adelante a pesar de sus conocidos problemas con las drogas y sus depresiones. Y así lo demostró una y otra vez hasta el pasado 17 de mayo, cuando perdió la batalla contra el cáncer de pulmón. Tenía 63 años y llevaba largo tiempo combatiendo la enfermedad. No quería que esta se hiciera dueña de su destino. Puede que fuera por eso, por lo que decidió mantener la mala noticia fuera del alcance de los medios de comunicación y ocuparse de grabar un último disco. Donna Summer nació el 31 de diciembre de 1948 en los suburbios de Boston (Massachusetts), como

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LaDonna Adrian Gaines, un nombre que no llamaba demasiado la atención, decía. Por eso, decidió cambiarlo por otro más artístico tras casarse con el actor austriaco Helmuth Sommer en 1972. Su relación no duró mucho, al poco le abandonó por el artista alemán Peter Mühldorfer, del que también se divorció. Dicen que a la tercera va la vencida y, luego de dos fracasos amorosos, la cantante encontró el amor con el productor Bruce Sudano, con el que tuvo tres hijas. En el terreno de la música, dio sus primeros pasos en el musical Hair, en el que conoció al productor Giorgio Moroder, una figura que jugó un gran papel en su carrera al estrellato. Con él dio forma a Lady of The Night, su debut en el mercado discográfico en 1974, un disco que fue una auténtica bomba en las listas estadounidenses y también en Europa. A éste trabajo le siguieron Love To Love You Baby, con el que vendió más de un millón de copias, y I Remember Yesterday, con el que alcanzó su primer número uno en EEUU. A partir de ahí, disfrutó de su época dorada, emprendió más de una decena de giras por todos los continentes y grabó cerca de veinte de discos. Un verdadero icono de la música que, a pesar de su marcha, será siempre recordada por canciones como Last Dance, Hot Stuff, She Works Hard for the Money o This Time I Know It's for Real.

a n n Domer

m u S

SIGUR RÓS VALTARI (Emi Records, 2012)

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ocos son los que han sobrevivido a eso de arriesgarse en cada disco. Hasta Madonna, reina de la reinvención y lo comercial, ha tenido sus malos momentos… Sin embargo, podemos citar un grupo que consiguen sonar distintos en cada entrega y al mismo tiempo seguir siendo ellos mismos. Desde Björk no había existido un referente originario de Islandia hasta que llegó el punto ecléctico y distintivo de Sigur Rós. Ellos han logrado hacer del post-rock nuevos géneros, y los acompañan de esas portadas impregnadas de su propio sello. Repiten con Valtarí, sexto disco que en castellano sería algo así como ‘aplanadora’. Canciones ambientales, minimalistas, introvertidas y flotantes describen este álbum que literalmente no contiene canciones en inglés, en el que Jonsi, vocalista y líder de la banda, junto a su novio Alex Kendall ha llevado la dirección. El primer sencillo es Ekki Múkk, que contiene en su muestra audiovisual la experiencia de Igna Birgisdóttir, hermana de Jonsi… Vamos, que

todo queda en familia. Con la llegada de Valtari, anunciaron también el lanzamiento de una serie de videoclips por cada tema incluido en el álbum, unos Valtari Mistery Film Experiments que nos producen una satisfacción máxima al poder comprobar cómo cobra vida cada acorde. Una de las piezas incluídas en la serie es Fjögur Píanó, un instrumental protagonizado por Shia LaBeouf junto a Denna Thomsen, que sin duda termina siendo una obra visual como muy pocas. Sensibilidad, violencia, amor y delicadeza exploran nuevas vertientes y se mezclan en cada segundo de este video lleno de detalles. Detalles que hacen que otros cortes como Ég Anda, Rembihnútur y Varúo, sobresalgan. Una recomendación: cerrar los ojos y dejarse llevar a través de sutilezas y sonidos que realzan las atmósferas de un LP que no pretende ser comercial, que no persigue ser el más sonado en radio pero que sin querer evitarlo, intenta ser toda una obra maestra de experiencias sensoriales. CARLOS BRANDT

B-CRITIC · MÚSICA

DANIEL BEDINGFIELD STOP THE TRAFFIK SECRET FEAR (UHT Productions. 2012)

amoso mucho antes que su hermana Natasha, Daniel Bedingfield quedó a su sombra poco después. Publicó su primer disco Gotta Get Through This hace ahora diez años, con el que obtuvo dos número 1 de singles en Reino Unido, más de cuatro millones de copias y un Brit Award. Intentó repetir éxito en 2004 con Second First Impression pero no lo consiguió. Tras ello se dedicó a componer para otros artistas y encontrar un nuevo camino para publicar su propia música. Este año, y de forma independiente, publicará tres EP autoproducidos en los que el artista experimenta con distintos sonidos sin salirse de la línea pop/rock. El primero de ellos es Stop The Traffik – Secret Fear, editado en abril y formado por cinco temas contundentes en los que la percusión y la potente voz del neozelandés destacan por encima de todo. Rocks Off, el primer single, de apenas un minuto de duración, rockero, electrónico y ecléctico, es una muestra de lo que está por venir. DAVID VIDAL SANS

esde Canadá y con su quinto LP bajo la manga llegan Metric con Synthetica. Son uno de los mejores grupos de rock alternativo con toques de synth y aunque este trabajo no suponga una excepción en su alta calidad y sirva como refresco, no podemos llegar a considerarlo obra maestra. A pesar de estar grabado con equipos vintage consiguen un sonido futurista. Y con Speed The Collapse, Lost Kitten, Synthetica, Dreams So Real o el primer sencillo Youth Without Youth, explotan en sus letras la diferencia entre realidad y ficción. Además, incluyen una colaboración con Lou Reed en The Wanderlust, que juguetea con ritmos de los ochenta en una intensa combinación vocal con Emily, la guapa vocalista. Tras cuatro años de espera hasta llegar a este nuevo disco, Metric muestra una considerable evolución desde el upbeat al electrorock sin ofrecer un clásico pero dejando claro que han vuelto para ocupar el sitio que les corresponde.

METRIC SYNTHETICA (Metric Productions. 2012)

CARLOS BRANDT

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B-CURIOUS · MÚSICA

ara Gardot, la música es una extensión de lo que piensa y siente y está por encima de cualquier cosa; de este modo asistimos a una obra minuciosamente delicada en la que, de la mano de Heitor Pereira (productor brasileño, guitarrista y compositor), la cantante de Nueva Jersey muestra la esencia de The Absence susurrando con su voz y enriqueciendo de esta manera todo los palos con los que se atreve en este álbum. Bastan unos pocos acordes para contagiarnos del fenómeno Gardot y junto a ella realizar un inquietante recorrido por distintas geografías musicales, desde los desiertos de Marruecos a las iluminadas calles de Lisboa, desde los impresionantes accidentes geográficos de Brasil a los concurridos y pintorescos bares de Buenos Aires. The Absence comienza marcado por el ritmo en Mira, bossa enriquecida por la percusión y los coros que crece en sonidos pintando un incomparable marco paradisíaco. La sensualidad en estado puro llega de la mano de Amalia y So Long acompañados de guitarra acústica e instrumentos de viento. So We Meet Again My Heartache sorprende por la incorporación de guitarra española y percusión de castañuelas, mientras Lisboa es capaz de transportarnos por las mismas calles de la capital de la luz. Los susurros que Melody narra en este sensual francés evocan nostalgia en Impossible Love y nos enamoramos perdidamente de París con If I Tell You I Love You. Good Bye baila al son de tango con el piano y cabe destacar también el impresionante rasgado vocal de Melody que muestra la versatilidad de su instrumento. My Heart Won’t Have It Any Other Way gira hacia un sonido más soulero que podría definir la palabra amor. Y se cierra el repertorio con Iemanjá (diosa de la sanación cuya energía y alegría de vivir curan la opacidad y el decaimiento) y sus toques africanos.

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REGRESA UNA DE LAS VOCALISTAS CON MÁS REFERENTES DENTRO DEL PANORAMA DE LA MÚSICA JAZZ. Y LO HACE CON UN TRABAJO QUE NOS TRANSPORTA A LUGARES MÁGICOS CON SABOR A NOSTALGIA, BELLEZA, EROTISMO, BOHEMIA Y SENSUALIDAD The Absence es un álbum con sede en todo el mundo y muestra de manera sobresaliente cada uno de éstos lugares exóticos, fusionándose y encajando a la perfección en un contexto holístico de sonidos, voz, instrumentación y sentimiento donde la interpretación de la artista no pasa desapercibida. Para entender más si cabe el conglomerado de sensaciones que expresa su música debemos realizar una pequeña extrospección y hacer referencia a una experiencia quizá no del todo conocida para los aficionados del jazz que marcó un antes y un después en su música, un atropello sufrido con 19 años cuando paseaba en bicicleta. Las consecuencias del dramático accidente aún pesan sobre ella, que ha de usar gafas oscuras debido a su fotosensibilidad y ayudarse con un bastón. Animada por su médico para superar éste duro trance, Melody compuso los temas de su debut aún postrada en la cama del hospital. Todo un ejemplo de superación y valentía que aún queda patente en esta última obra.

MELODY GARDOT TEXTO ROBERTO CORTÉS

VETUSTA MORLA EL DOMINGO 29

LOW COST FESTIVAL

BENIDORM, CIUDAD DE DUDOSO GUSTO ESTILÍSTICO, CUNA DE LO MÁS VARIOPINTO DE LA ESPAÑA CAÑÍ, CUYO MÁXIMO ESPLENDOR SE VIVIÓ HACE DÉCADAS. ESE LUGAR AL QUE NUNCA IRÍAS A PASAR TUS VACACIONES FAMILIARES, PERO QUE, DESDE HACE YA CUATRO AÑOS, ALBERGA UNO DE LOS MEJORES FESTIVALES DEL VERANO. EL LOW COST REÚNE A LO MÁS GRANADO DEL PANORAMA MUSICAL INDEPENDIENTE, TANTO A NIVEL NACIONAL COMO INTERNACIONAL Y QUE, POR SI EL CARTEL NO FUERA SUFICIENTE, OFRECE SOBRADAS GARANTÍAS DE ÉXITO

TEXTO JAVIER DECIMAVILLA FOTOS LOWCOST FESTIVAL

B-ALIVE · LOW COST FESTIVAL

l margen del penoso incidente del primer día, donde la masiva llegada de gente se tradujo en colas interminables, con el consiguiente enfado de los asistentes (no es de recibo que en un festival así, con la experiencia que atesora, ocurran fallos de organización de esta índole), este evento es un ejemplo en muchos aspectos. Desde su firme intención de convertirse en un festival sostenible, tanto a nivel sonoro, como de energía o de residuos (gran iniciativa la del vaso personal), hasta su excelente emplazamiento, todo son ventajas. El recinto donde se celebra, la Ciudad Deportiva Guillermo Amor, cuenta con dos escenarios principales separados entre sí por escasos metros, lo que permite evitar grandes desplazamientos y posibilita la opción de ver a todos los grupos y artistas que actúan. La oferta en restauración es tentadora, aunque no así la variedad en bebidas (los patrocinadores monopolizan los productos que se venden). Además, el recinto no cuenta con zona de acampada, por lo que a nivel higiénico es mucho mejor que otros festivales. Por último, añadir que este año se ha acortado el número de actuaciones, algo que a priori podría llevar a rebajar el nivel, pero por el contrario se han evitado los continuos solapes en los horarios, disponiéndose para cada concierto de un tiempo más que generosos. Puede haber festivales con carteles más sugerentes, pero probablemente no haya ninguno tan cómodo como este. A continuación intentaremos relatar lo vivido en las actuaciones a las que asistimos un tiempo suficiente como para valorarlas.

VIERNES, 27 · 07 · 12 WE ARE STANDARD

THE RIGHT ONS

a banda madrileña fue uno de los primeros platos fuertes de esta nueva edición del festival. Con un directo arrollador, recogiendo la esencia pura del Rock, la actuación de The Right Ons fue una buena manera de comenzar estos tres prometedores días. El buen sabor de boca que dejaron, hizo que su concierto se sintiera como algo corto. A base de actitud y, sobre todo, de grandes canciones, el quinteto exige para sí mismos empezar a formar parte de la parte alta de los carteles de los festivales veraniegos, con horarios más nocturnos y tiempos programados mayores. Si bien es cierto, que no es lo mismo actuar temprano en la primera jornada de un evento como este, donde la gente empieza con toda la energía y ganas del mundo, a hacerlo a esta misma hora en jornadas posteriores, donde el cansancio y la resaca hacen que la afluencia de público y la motivación sean algo menores.

IVÁN FERREIRO

e presentaba como uno de los cabezas de cartel nacionales. Iván Ferreiro hacía una parada en Benidorm para presentar las canciones de su último disco, el directo Confesiones de un artista de mierda, repasando toda su carrera en solitario y al frente de Piratas y haciendo sonar canciones míticas como Años 80 o Turnedo, igual que otras más recientes como Mi Munchausen. Una absoluta garantía de disfrute. El artista vigués, bien secundado por su hermano Amaro y el resto de la excelente banda, no defraudó y su público coreó cada uno de los temas. Una auténtica celebración de lo que este veterano significa para el panorama independiente de este país, un referente para todos. Su nueva imagen, adornada con una espesa barba, muy acorde a los looks que últimamente se presencian en este mundillo, es un reflejo más del estado de madurez personal y compositiva por el que atraviesa el bueno de Iván.

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B-ALIVE · LOW COST FESTIVAL

SUEDE

l primero de los tres pesos pesados de este festival era el grupo capitaneado por Brett Anderson. A Suede se les esperaba con expectación, pero sobre todo con ganas de rememorar viejos éxitos y cierto halo de nostalgia al sonar los clásicos de la banda. El concierto de los ingleses fue todo lo que sus seguidores esperaban, entrega absoluta al público, con su líder ejerciendo como tal y sudando la camisa de una energía contagiosa, demostrando que es uno de los frontman con más carisma de la actualidad. Se palpa en actuaciones como esta, que Suede, al margen de modas, han vuelto para seguir ofreciendo lo mejor de sí mismos y, mientras se espera un inminente nuevo disco, en la noche del viernes se centraron en repasar su carrera. No faltaron auténticos himnos como Trash, Beautiful Ones o Animal Nitrate, coreados por la mayoría de los asistentes a ese escenario Budweiser. Son unos clásicos y saben a qué juegan, de ahí que ofrezcan shows tan bien ejecutados como el que dieron en Benidorm. Aunque llegamos con cierto escepticismo, no defraudaron y su directo fue de lo más destacable de la primera jornada.

WE ARE STANDARD

n el escenario Lower se juntó todo aquel que tenía ganas de moverse y, si son We Are Standard los que actúan, eso está garantizado. Tienen un directo divertido, amenizado con temas pegadizos y una predisposición total a la fiesta y el disfrute. La banda de Getxo (¿qué tendrá esa ciudad que tantos y tan buenos grupos han salido de ahí?), es habitual en muchos de los festivales veraniegos y las tablas que tienen hacen que cada uno de sus directos sea un ejemplo más de cómo dinamizar a los asistentes. Su ecléctica propuesta aúna funk, electrónica, rock… y nunca dejan indiferentes. Son una apuesta segura.

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SUPERSUBMARINA

antacruz es el trabajo más reciente de Supersubmarina y alrededor de él giran todos los conciertos que están ofreciendo en la actualidad. Con un directo aderezado con una dosis más de distorsión, con un sonido algo más empastado, pero bien preparado para actuaciones multitudinarias como la del Low Cost, los de Baeza saltaron al escenario principal a una hora agradecida (el año pasado fueron programados a las 3:30 de la madrugada), poniendo de manifiesto que ya son un importante reclamo y un grupo de primera línea. La voz de su cantante José “Chino”, sonó mucho mejor de lo que esperábamos, pues ya en el propio disco queda por momentos en un segundo plano en beneficio de las guitarras. Aún así seguimos echando de menos algo más de empatía con el público, pues aunque sus

seguidores más fieles siguen cada canción al pie de la letra, en un evento como este hay un público muy variado y algunos de los temas que abordaron no llegaron a calar. El cuarteto siempre se ha mostrado agradecido con todo aquel que está formando parte de su carrera, bien sea como público, bien como trabajadores, ayudantes, etc. Ahí es donde ganan, en las distancias cortas, cuando la humildad es un importante credencial y la emoción consigue transmitirse a los demás. Habría que destacar cortes como Ana, Niebla o XXI, todos pertenecientes a su primer álbum Electroviral, que siguen siendo los que mejor acogida tienen, aunque el repertorio de Supersubmarina empieza a ser bastante interesante con la inclusión de canciones más recientes que gozan de gran aceptación como En mis venas o Hermética.

SUEDE, UNA DE LAS APUESTAS FUERTES DE ESTA EDICIÓN

39 SÁBADO, 28 · 07 · 12

ANNI B SWEET ABRÍA LA JORNADA DEL SÁBADO

ANNI B SWEET

a segunda jornada del Low Cost de este año se abrió con la actuación de Anni B Sweet, quien, a pesar del mal horario en el que fue programada, ofreció un formidable directo, gracias a un conjunto de canciones que empiezan a ser imprescindibles y a una solvente banda de acompañamiento formada por Manuel Cabezalí, Juan Diego, Moisés Gómez y Jesús Montes. El público fue acercándose al recinto a medida que sonaban las canciones de la encantadora Ana y sus dulces melodías desperezaban a los asistentes más madrugadores. Fue desgranando con eficacia las canciones de su último LP Oh, Monsters! y recuperó también piezas de su debut Start, Restart, Undo. La timidez de la malagueña se hace más patente cuando los escenarios son de grandes dimensiones y, probablemente, su música

funcione mejor en recintos más recogidos (como hizo después en el escenario Sol Música, en formato acústico), pero aún así cada canción sonó con el equilibrio justo de fuerza y sensibilidad, haciendo las delicias de sus seguidores y dejando un muy buen sabor de boca.

SECOND Vienen de editar recientemente un directo con el que repasan toda su carrera y la gira les está llevando por la mayoría de los festivales de este año. Los murcianos Second se presentaron en el escenario Lower con un ejemplo de lo que han venido haciendo últimamente. Su pop-rock con ciertos tintes épicos funcionó a la perfección y encararon la actuación con un repertorio absolutamente imprescindible, con canciones como Mañana es domingo, Rincón exquisito, Muérdeme o N.A.D.A. Un público

entregado les catapultó a un estado de excitación tal que, todas y cada una de las canciones fueron cantadas como si de un multitudinario karaoke se tratara. Si en su disco 15 contaron con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia para dar un nuevo enfoque a muchos de sus temas, aquí trajeron una pequeña representación, un violinista que dio a las canciones ese plus que a veces se demanda en los conciertos para que no suene todo exactamente igual que en los discos de estudio. Fue un gran acierto llevar a cabo este nuevo giro y las canciones sonaron con mayor empaque. La conjunción de la banda y el carisma de Sean Frutos hacen de Second una banda de primer nivel, básica en cualquier festival y, sin duda alguna, merecen ser cabezas de cartel de cualquier evento de estas características. Cuánta calidad atesoran y qué bien se sienten en el escenario...

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B-ALIVE · LOW COST FESTIVAL

FUEL FANDANGO

a fusión de estilos llegó al Low Cost de la mano de Fuel Fandango, una de las revelaciones de los últimos años. Su ligero solape con Placebo ha sido uno de los más comentados días antes del festival, ya que nadie se quería perder a esta peculiar banda y, competir con un cabeza de cartel de ese peso es algo difícil de llevar. A pesar de no poder disfrutar del concierto completo, sí que pudimos comprobar de primera mano, que estamos ante uno de los directos más interesantes de la actualidad. Sonidos que van desde un flamenco contemporáneo, hasta el funk y la música de baile, pasando por el soul, todo cabe en la batidora musical de Fuel Fandango y Nita es un huracán que conquista al público con todo su encanto y energía.

PLACEBO

las 23:15 horas llegaba uno de los momentos señalados en rojo en nuestro calendario, era el momento de disfrutar con el show de Placebo. A falta de un nuevo disco de estudio, los ingleses se dedicaron a hacer un acertado repaso a su discografía, ofreciendo a sus incondicionales lo mejor de su carrera. El escenario Budweiser contempló el concierto más multitudinario de todo el festival, el

césped estaba a reventar y la banda no defraudó. Hablar de Placebo es hablar de un grupo que pertenece a otra liga, están a la altura de muchas de las grandes formaciones de la actualidad, aunque parece que últimamente no están tan en boca de todo el mundo, debido sobre todo al tiempo transcurrido desde que vio la luz su último disco Battle Of The Sun. Aún así eran uno de los mayores reclamos del fin de semana y sus canciones, esperadas con ansia por los allí presentes, lucieron con un sonido espectacular, muy bien acompañadas de grandes juegos de luces, convirtiendo a Placebo en los grandes triunfadores de una jornada de mucho peso. Brian Molko se mostró especialmente comunicativo, hablando incluso en un más que correcto castellano. El enorme feedback que consiguió con el público fue uno de los puntos a favor de este show, ya que se notaba al cantante entregado, dispuesto a quemar todas las naves y cantando especialmente bien. Sonaron rocosos y contundentes, pero el show tuvo ciertos altibajos en cuanto a intensidad, dejando ciertos momentos ligeramente lineales y algún pequeño problema técnico. Estos mínimos baches no hicieron deslucir un setlist formado por 18 temas y plagado de éxitos como Every You Every Me, Bright Lights o Teenage Angst. Además, por si todo lo que habían ofrecido fuera poco, en el bis estrenaron un

FUEL FANDANGO FUERON CITA OBLIGADA

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nuevo tema, B3, que hace presagiar un prometedor próximo trabajo. Incontestable repertorio y regalo en forma de estreno, ¿qué más se puede pedir? Definitivamente la formación de Londres está de vuelta y vienen con más energía que nunca, viviendo uno de los mejores momentos de su extensa trayectoria.

EL COLUMPIO ASESINO

odo evento independiente que se precie cuenta con esta formación en su cartel, siendo una de las propuestas más originales y vanguardistas del momento. Desde su atípica formación a su notable último disco Diamantes (ganador de diversos premios en el último año), cualquier detalle es suficiente para acercarse a un concierto de los navarros. Pero lo que no podemos dejar de mencionar es el efecto que produce su hit Toro en el público. Sin duda esta canción se ha convertido en todo un himno festivalero, el tema indie por excelencia y solo por escucharla en directo y vibrar entre el público, es obligada la asistencia. Cuando sonaron los primeros acordes, estalló una auténtica locura colectiva, quizá por ser uno de los momentos más esperados por muchos. Una canción que vale un festival.

LA CASA AZUL

uedaba comprobar cómo era recibido el directo de La Casa Azul. Guille Milkyway es un personaje prolífico y contemporáneo, pero además compone excelentes canciones que, si bien a veces se muestran demasiado edulcoradas, son el reclamo perfecto para saciar las ganas de bailar acumuladas. Tras una espectacular puesta en escena, en la que las proyecciones de video y la iluminación adquieren un especial protagonismo, se esconde una propuesta de peso. Los chicos hoy saltarán a la pista, Superguay o, sobre todo, La revolución sexual convirtieron el césped del escenario Budweiser en una improvisada pista de baile, evitando el inmovilismo, reivindicando el carácter festivo de estos eventos y dejando atrás las preferencias estilísticas de cada uno.

B-ALIVE · LOW COST FESTIVAL

DOMINGO, 29 · 07 · 12

EL PÚBLICO VIBRÓ DURANTE EL CONCIERTO DE KASABIAN

THE NEW RAEMON

frontamos la recta final del festival con ganas de vibrar y aprovechar una jornada que se presenta muy prometedora. Todo comienza demostrándonos a nosotros mismos que no hay mejor manera de arrancar que escuchando algo sugerente, con la calidad de alguien que lleva con total honestidad su carrera y por quien se siente un especial cariño y, ¿por qué no?, cierta admiración. The New Raemon congregó, a pesar de la hora, a un público más que respetable, aunque la predisposición de la mayoría fuera seguir la actuación de manera relajada, sentados y escuchando con atención las excelentes canciones de Ramón Rodríguez. El catalán es, probablemente, uno de los mayores talentos que hay en la actualidad en nuestro país, un cantautor del siglo XXI, que aúna con acierto unas letras trabajadas y pequeñas pinceladas de potencia guitarrera. Hablamos de uno

de los letristas más activos e interesantes del momento, cuyos cotidianos textos están poblados con toques de surrealismo y oscuridad, con una trascendencia tal que, cada vez más gente se siente identificada y se declara adepta a ellos; solo hacía falta dar un vistazo alrededor para darse cuenta de esto. Entre álbumes de estudios, trabajos en formato EP o álbumes conjuntos, la discografía de The New Raemon empieza a tener un peso específico de gran importancia. En un setlist de lo más acertado, no faltaron canciones imprescindibles como Sucedáneos o Tú, Garfunkel y, gracias a una banda cohesionada que sonó elegante y a un Ramón que está en permanente estado de gracia, las sensaciones no pudieron ser mejores.

LA HABITACIÓN ROJA l último trabajo de estudio de La Habitación Roja lleva por título Fue eléctrico y es uno de los grandes

álbumes de la banda valenciana. Siguiendo la indicación sonora de dicho disco, el concierto que ofrecieron fue una descarga absoluta de electricidad y energía. Las afiladas guitarras son una de las señas de identidad del grupo y, a nivel musical, su concierto sonó impecable, demostrando que la veteranía en estas lides es un importante credencial para afrontar cada show con garantías. No faltaron canciones míticas como Voy a hacerte recordar, Nunca ganaremos el mundial o El eje del mal, junto a recientes éxitos como Ayer o Indestructibles. Si bien La Habitación Roja cuenta con un grupo de fieles seguidores que disfrutan de cada concierto como si fuera el último, no ocurre lo mismo para los que se encuentran alejados del quinteto. La sensación de monotonía y linealidad que se percibe fuera del círculo más cercano a la banda es un claro ejemplo de que la voz de Jorge Martí resulta algo tediosa y que sus conciertos pueden resultar algo aburridos por momentos.

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BIGOTT APORTÓ EL PUNTO DESCARADO

BIGOTT

ara comenzar el día despejando la cabeza y desentumeciendo los músculos definitivamente, nada mejor que acercarse al escenario Lower para presenciar el concierto de Bigott. Se trata de un peculiar personaje, que factura excelentes trabajos y que en directo se muestra como algo parecido a un showman indie, con aspecto de folkie americano. Sus directos se convierten en auténticas fiestas en las que la diversión es constante y el propio artista, con sus estrambóticos y curiosos bailes, da buena cuenta de ello. Es descarado, desvergonzado y descacharrante. Uno de los momentos más divertidos del día.

JERO ROMERO

ala suerte la coincidencia en horarios del concierto de Kasabian con la mitad del de Jero Romero. Algo que ya sabíamos de antemano, pero que sentó definitivamente mal cuando hubo que abandonar el escenario donde actuaba el toledano para ver el concierto estrella del día. A pesar de ello pudimos disfrutar de un buen número de canciones del ex vocalista de The Sunday Drivers, no queríamos perdernos las canciones del formidable Cabeza de león. Tratando de empequeñecer y hacer más recogida la actuación, los músicos se concentraron en el centro del gigantesco escenario, con una disposición que juega absolutamente a favor de los temas compuestos por Jero. Fiel a sí mismo y a un formato en el que tiene plena confianza, abordó las canciones de su debut en castellano con una seguridad apabullante, secundado a la perfección por el soberbio Charlie Bautista y demostrando que esas joyas por las que ha apostado empiezan a tener vida propia y están pasando a formar parte de la de sus fieles seguidores. La música son canciones y no es necesario nada más para disfrutar de algo tan bello como lo que hace Jero Romero.

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B-ALIVE · LOW COST FESTIVAL

THE NEW RAEMON A UN PÚBLICO MÁS QUE RESPETABLE

KASABIAN

lega el último cabeza de cartel internacional y se trata nada más y nada menos que de Kasabian. Los ganadores de algunos de los más prestigiosos premios musicales en los últimos años, traían a Benidorm su reciente álbum Velociraptor!, el que para muchos es el mejor trabajo de su carrera. La banda inglesa ofreció un concierto sublime, dando lo mejor de sí mismos y manteniendo el nivel en lo más alto durante todo el espectáculo. Si sus discos suenan bien, en directo este grupo es sencillamente enorme, con una compenetración total y con Tom Meighan y Sergio Pizzorno ejerciendo de auténticos líderes y explotando al máximo sus virtudes vocales. El show dio sobradas muestras de que ejecutan a la perfección un rock de estadio totalmente coreable.

Sería difícil destacar alguna canción por encima de las demás, ya que la actuación no decayó en ningún momento y supieron otorgarle la suficiente variedad y pegada que pareció pasarse como un suspiro. Un público entregado a unos músicos que actuaron con el corazón y con el alma, visiblemente emocionados ante la respuesta de la gente y el estado de perfección que han conseguido en directo. Los absolutos ganadores de esta edición del Low Cost Festival han sido Kasabian y su incendiario espectáculo, el mejor de todos los que pudimos vivir.

VETUSTA MORLA

oco se puede decir acerca de un concierto de Vetusta Morla que resulte novedoso, del mismo modo que queda poca gente por disfrutar de una actuación de los de Tres Cantos. El

grupo independiente más importante de la actualidad, esos que han pasado a ser multitudinarios y masivos a base de coherencia y magníficas canciones, tienen un directo que siempre es garantía de éxito y calidad, una apisonadora que arrasa allá por donde va. Aún teniendo un repertorio por todos conocidos, es de agradecer siempre que intenten ofrecer algo más en cada uno de sus shows. Así, se presentaron en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor, donde ya triunfaron el año pasado con las mismas canciones y dieron una vuelta de tuerca más a su sonido, con una mayor contundencia y energía. Son grandes y eso les permite funcionar como auténticas estrellas, con una puesta en escena envidiable y abrumadora. Es uno de los mejores grupos que se pueden encontrar actualmente en España y eso, le pese a quien le pese, es una realidad innegable.

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LINKIN

PARK TEXTO CARLOS BRANDT

B-CURIOUS · MÚSICA

iving Things es quizás el mejor LP de la banda, por ofrecer un trabajo completo e increíblemente familiar al rap-n-roll de otros años. Los dos primeros temas se convierten en allegados del pasado, creados para los fans más fieles y críticos. Lost in The Echo empieza lo que serán 12 temas de guitarras, sintetizadores y algo de dubstep que se cuela en algún que otro acorde. Linkin Park, llamados en un principio como su debut Hybrid Theory por ese ímpetu de sinergia entre sonidos, trabajaron para llevar este disco a esa filosofía de exuberancia y poder musical. Meteora, Minutes To Midnight y el criticado pero aceptado A Thousand Suns abren paso a lo que ellos mismos denominan su obra maestra. Su primer single Burnt It Down se convierte en un estandarte de dichos estilos; sin embargo y para aquellos fans que esperan el sonido clásico rock, encontramos temas con Lies Greed Misery, eliquibrados con algunas baladas y obviamente, Shinoda como protagonista de raps que unen y desunen. Sin embargo, también empezamos a encontrar rememoraciones hacía aquel

DESPUÉS DE CONQUISTAR EL MUNDO CON HYBRID THEORY EN EL 2000 Y FUSIONAR LOS BEATS DE CLÁSICOS DE NUMB JUNTO A LAS LÍRICAS DE JAY-Z, LINKIN PARK APRENDIÓ DE SUS ANTERIORES TRABAJOS PARA LOGRAR UN ESPERADO QUINTO DISCO COMBINANDO AQUEL RAP/ROCK CON LOS ACORDES ELECTRÓNICOS DE A THOUSAND SUNS. ESTO LES HA PERMITIDO DEBUTAR EN EL PRIMER PUESTO DEL BILLBOARD Y COMPARTIR HAZAÑAS CON BANDAS COMO METALLICA O DAVE MATTHEWS BAND punk de los noventa con el que nacieron: Victimized es un buen ejemplo, a pesar de que existan algunos tracks sin concordancia que pueden ser catalogados como excesivamente comerciales. Sin duda alguna, estamos ante un disco puramente necesario para reafirmar que la banda de nu-metal no se había perdido en este camino de éxito y que han revivido a la perfección el movimiento con el que empezaron. Demostrando no sólo en ventas sino en la escucha que se pueden adaptar al mercado y aún así ser fieles sin venderse ante sonidos plagados de Guetta y electrónica repetitiva.

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BOBBY

WOMACK

IMPRESCINDIBLE ICONO COEXISTENTE DEL SOUL, EL GRAN BOBBY WOMACK REGRESA A SUS 68 AÑOS TRAS CASI DOS DÉCADAS SIN PUBLICACIONES. DESDE EL 11 DE JUNIO ESTÁ DISPONIBLE THE BRAVEST MAN IN THE UNIVERSE, QUE SURGE COMO PRIMER MATERIAL NUEVO DESDE QUE PASARA POR EL ESTUDIO PARA GRABAR SUS ÚLTIMAS COMPOSICIONES EN 1994 TEXTO MIRA CIRERA

ablamos de un grande, que a lo largo de 40 años de carrera de igual brillantez como compositor, cantante y guitarrista, ha dejado ineludibles referentes que recorren rythm & blues, soul, rock & roll, gospel, country y funk. Composiciones como Across 110th Street, It’s All Over Now, Woman’s Gotta Have It o That’s The Way I Feel About Cha. Inédito el disco e inédito Womack; desde luego el nuevo trabajo no es lo que sus acostumbrados podríamos esperar, con un aire global etéreo que contrasta con la poderosa voz e intención del cantante. Ciertamente se echan en falta su guitarra (que tan solo aparece en Deep river) y naturaleza musical, tan pura, tan personal. Si pudieron ya sorprender las electrónicas colaboraciones con Damon Albarn en Gorillaz con temas como Stylo, Cloud of Unknowing y Bobby in Phoenix, más aún la elección de esta línea de coproducción de samples y sonidos digitales modernos para el lanzamiento del disco, grabado entre Nueva York y Londres. Nos quedamos sin duda con The Bravest Man In The Universe o Please Forgive My Heart, cuya ambientación musical proporciona a la melodía

vocal un redondo cariz de peso melancólico y Deep River, que acerca a los nuevos oyentes de Womack a su esencia para que investiguen en su obra. Como rareza del disco, la pareja que forman la tan de moda y muy mona Lana del Rey con el rudo negrazo de Cleveland en Dayglo Reflection, cosa que no podemos decir de la que forma con Fatoumata Diawara en Nothin’ Can Save Ya. Un guiño al R&B contemporáneo con Stupid, cuyo interludio es la voz del famoso Gil Scott-Heron. Una casi fúnebre If There Wasn’t Something There y una personalmente inexplicable en el conjunto Love Is Gonna Lift You Up, semibailonga. Existen artistas de tal autenticidad que no es que se hayan hecho sino que son. Por ello la carga emotiva de su maravillosa voz sigue inquebrantable, aunque sí probablemente un poco más quebrada por el peso de tantos y tales acontecimientos en su vida. La adicción, la muerte, el rechazo, la valía, la enfermedad, el amor... están presentes en toda su expresión, voz y letra, y ésa es la gloria de su resurgimiento, pese a que a muchos nos chirríe una mezcla musical que creemos dudosamente empasta en unos cuantos temas.

APROVECHANDO LA RECIENTE PUBLICACIÓN DE DONDE RUGEN LOS VOLCANES, EL ÚLTIMO DISCO DE NAJWA, Y EN EL CONTEXTO DE LA SESIÓN DE FOTOS QUE ILUSTRA ESTE NÚMERO, MANTENEMOS UNA CONVERSACIÓN CON LA ARTISTA. DESCUBRIMOS SU FORMA DE ENTENDER LA MÚSICA, SU GUSTO POR LOS SONIDOS ELECTRÓNICOS QUE PROTAGONIZAN ESTE NUEVO TRABAJO, LA MANERA EN QUE SE HA CONCEBIDO EL ÁLBUM. UNA PERSONALIDAD COHERENTE, GRAN CONOCEDORA DE SÍ MISMA Y CON UNA TENDENCIA A LA BÚSQUEDA EN TODA SU CARRERA. ESTA ES UNA APUESTA ARRIESGADA, DONDE LO SENSITIVO GANA PESO A LO EMOCIONAL. ELLA MISMA NOS LO CUENTA

ENTREVISTA JAVIER DECIMAVILLA FOTOGRAFÍA JAVIER TOMAS BIOSCA Y EVA SAN JUAN ESTILISMO BARONESA VAN RITZO MAKE-UP JENNIFER CANO

B-EN PORTADA · NAJWA NIMRI

En Donde rugen los volcanes has vuelto a colaborar con Raúl Santos, ¿se trata de un deseo de volver a los orígenes? Cuando te juntas con alguien para hacer música no es por nada en concreto, únicamente porque ha surgido. En este caso lo que surge es eso, que hemos vuelto a los orígenes, que hemos vuelto a hacer música juntos después de un paréntesis. Volvimos a rencontrarnos en El último primate con esa canción, el resto del álbum lo hice con Alfonso Pérez. La verdad es que está siendo muy guay volverlo a hacer, pero no es por nada en concreto, solo que nos volvemos a encontrar musicalmente hablando. Simplemente ha surgido así... Efectivamente, ha surgido. Él empieza a hacer mucha publicidad y le quita tiempo para hacer otras cosas. Finalmente acabamos volviendo cuando él encuentra ese tiempo. ¿Qué importancia das a la atmósfera electrónica que tanto protagonismo tiene en este disco? Yo a la electrónica le doy toda la importancia. Entiendo que hay muchos cantantes o mucha gente que no le dan tanta trascendencia al sonido, dicen que es más importante la canción. Yo creo que todo es igual de valioso, pero la carcasa, la casa donde estás y que habitas, al final es la sónica. Es el vestido que le pones a las canciones. ¿Qué crees que aporta la electrónica a nivel musical que no hacen los sonidos más acústicos o clásicos? En el caso de El último primate, el sonido era acústico y roto porque lo quise así, era crudo de lo que estaba hablando. Pero dentro de una sónica también. Los pianos, las guitarras, los tempos, no eran 4x4, había sietes, había cincos. Dónde te mueves es muy importante, no tiene tanto que ver con si es electrónica o rock. Lo que buscaba era una especie de look que corriera debajo, sin variar mucho de nota. Empecé con guitarra y acabé con electrónica.

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Incluso parece por momentos que lo has potenciado por encima de tu propia voz.… Siempre lo hago, en todos los discos. A lo largo de tu carrera la variedad ha sido una constante en tus trabajos. ¿Es con éste último traje con el que más cómoda te sientes o piensas que tu camino está en la variedad? Yo no lo llamo variación, lo llamo búsqueda. No se trata de comodidad, sino de todo lo contrario. Cuando estás cómodo en un sitio, te empieza a aburrir y buscas otro. Busco algo que no sé qué es, pero lo hago constantemente. ¿Cómo ha sido el proceso de gestación del álbum a nivel de composición, de grabación? Empezamos a probar una especie de pseudogrupo, algo que yo creía que podía funcionar, con Raúl y Huma. Raúl continúa haciendo publicidad, entonces yo me voy con Huma al monte y hago la gran mayoría del disco con guitarra y voz. Compongo las letras y las melodías de voz con riffs de guitarras continuos. Luego llega Raúl y las producimos. Algunas de las canciones se modifican, otras mantienen íntegras la melodía y la voz, otras salen de nuevo. Somos su nuevo invitado se modificó, pero la estructura de la voz y la melodía son casi iguales, Donde rugen los volcanes se cambió una octava, pero la estructura es casi igual, Nada nos puede pasar directamente está producida tal cual era, Lenguaje verde está exactamente como la hice con Huma, Nunca estuve a salvo era una canción con un riff de guitarra que pasamos a electrónica y Mi cama, En esta noche y Pájaros de mal agüero son las tres que más cambiamos. Te agradezco que detalles tanto cada canción, poca gente lo hace… Porque igual no lo saben. Yo sí lo sé porque me como todo el proceso, el de mezcla, el de producción, el de composición, la letra… todo.

CUERPO DE PIEL AMAYA ARZUAGA COLLAR ARTESANÍA DEL CAREY PANTALONES MOISÉS NIETO ZAPATOS AMAYA ARZUAGA

TOP AMAYA ARZUAGA FALDA MOISÉS NIETO ESTRUCTURA DE HUESOS ASSAAD AWAD ZAPATOS AMAYA ARZUAGA

"VOLVÍ A REENCONTRARME CON RAÚL SANTOS TRAS UN PARÉNTESIS EN EL ÚLTIMO PRIMATE... CUANDO TE JUNTAS CON ALGUIEN PARA HACER MÚSICA NO ES POR NADA EN CONCRETO, ÚNICAMENTE PORQUE SURGE. Y EN ESTE CASO LO QUE SURGE ES ESO, VOLVER A LOS ORÍGENES"

B-EN PORTADA · NAJWA NIMRI

¿Qué has pretendido transmitir con las letras de las canciones de Donde rugen los volcanes? No he pretendido transmitir nada. Simplemente he contado mi experiencia y mi forma de ver el mundo en ese momento. Lo que llegue es ajeno a mí, el público lo tendrá que decir. Ya sabes que todos estamos muy en contra de definir exactamente lo que dicen las canciones. ¿Crees haber encontrado tu manera definitiva de cantar, tu propia voz o sigues también con la búsqueda? Creo que he encontrado bastante mi voz, pero bueno, supongo que iré variando también. Tu música es bastante evocadora en un amplio espectro de la palabra. ¿Es más interesante sugerir que mostrar? No lo hago tanto por resultar sugerente como por hacer algo sensitivo en lugar de emocional... Según la hoja promocional, dices que “hacer música es como volver a casa en un día de nieve y viento”. Explícanos qué es para ti hacer música. Pues eso, como estar en casa el mayor tiempo posible, a salvo. ¿Y actuar? En realidad te olvidas de ti bastante. Conectas con tus emociones pero te olvidas de lo que supuestamente eres. ¿Te consideras más actriz o cantante? No me considero ninguna de las dos cosas. Música es lo que hago casi todo el rato y pelis de vez en cuando. Últimamente tus canciones, videoclips o estética dan una imagen un tanto enigmática de ti, ¿pretendes no mostrarte a pecho descubierto?, ¿hay algo de esconder el propio yo a los demás? Teniendo en cuenta que la personalidad y lo que es cada uno es variable y ni siquiera es importante... supongo que sí.

¿Crees en la música como válvula de escape ante la situación que vivimos o ante la rutina cotidiana? Creo en remedios curativos. No sé si las válvulas de escape consiguen hacer escapar. Esperemos que la música sirva como remedio curativo… en realidad todo el arte podría servir para eso. En el libreto del álbum aparecen distintas imágenes de ordenadores y tecnología. ¿Tienes una especial relación con las nuevas tecnologías?, ¿te sientes cómoda con el progreso tan veloz que hay en este campo? Llevo toda la vida detrás de una pantalla, yo no me arrimo demasiado, siempre hay alguien tocándola por mí. Pero sí, me adapto rápido a los teléfonos móviles como todo el mundo, están hechos para idiotas así que tampoco es difícil (risas). Me parece una sobrevaloración cuando se habla de “adaptarse rápidamente a la tecnología”, no significa que seas un genio. En el año noventa y poco, cuando no había lo que hay ahora, ya estaba detrás de un ordenador con Carlos Jean. Es un medio como otro cualquiera. Tengo la esperanza de que la gente que venga no se deje comer por ellos y les pierda mucho el respeto. Al hilo de esto, ¿qué relación tienes con las redes sociales? Tengo la misma relación que tiene cualquier persona que hace mi trabajo hoy en día. Supuestamente quien no la tiene vende menos entradas, no sé si será cierto o no. Hay cosas que me gustan más que otras, elementos que manejo mejor que otros. Pero bueno, no dejo de saber que la sabiduría está arriba de la pirámide y lo que yo manejo es información y data, que están debajo de la pirámide. ¡Manejar twitter no me parece algo alucinante! (risas). No es para tanto en realidad. Es un acceso rápido y divertido, nada más. ¿En qué se parece actuar a cantar?, ¿qué te aporta más a nivel personal y dónde

encuentras mayores satisfacciones? Lo mismo que hacer una entrevista de trabajo o hablar con un niño pequeño, es diferente. Es un poco eso, en cada situación te reinterpretas. Está claro que actuar te puede ayudar para cantar, y cantar y montar a caballo para interpretar, pero también para tu vida, para tu día a día. En realidad todo sirve para todo. ¿Te planteas volver a colaborar con Carlos Jean en algún momento?, ¿cómo valoras tu carrera junto a él después de unos años en solitario? Ya veremos, el tiempo dirá. Eso no lo tengo que valorar yo. Creo que lo que todo el mundo tiene que hacer, es importante que lo haga. Creo que ahora él está muy bien, está configurando algo a su medida, algo en lo que creía y yo estoy haciendo lo mismo. ¿Qué papel es el que más te ha costado interpretar hasta ahora, el más exigente? El de madre, supongo... Para terminar, ¿podrías contar a nuestros lectores lo que pueden encontrarse en tus directos? El show que estamos llevando, que en realidad tiene que crecer más, tiene que ver con las luces. El mapping, que va a ser RGB, son luces proyectadas en paneles blancos divididos para que se puedan adaptar a cualquier escenario, pequeño o grande. Vamos a tocar la batería electrónica y acústica. Se pretende crear una atmósfera con mi voz para ir metiendo a la gente en una especie de hipnosis, con tramos un poco más duros.

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CAMISETA COS ZAPATOS ASSAAD AWAD

GENERATION

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LIANNE LA HAVAS IS YOUR LOVE BIG ENOUGH? (Warner Music, 2012)

uizá algunos recuerden, sobre todo aquellos que consuman propuestas negras de raíz, aquel primer trabajo de la cantautora estadounidense India Arie, un Acoustic Soul en el que confluían la herencia africana y el folk de alma soulera con la guitarra acústica como hilo conductor. Once años después y partiendo de la mezcolanza estilística que alberga la capital británica, Lianne La Havas recupera aquel espíritu acústico con Is Your Love Big Enough?. Sálvense las distancias, claro. A sus tiernos 23, (que no han supuesto un hándicap para patearse medio Estados Unidos de gira con Bon Iver), esta bellísima y cándida londinense es el claro ejemplo de la modernidad, desde su vestimenta e imagen en general, hasta las referencias de las que bebe su música; muy a pesar del sabor clásico que

TIENEN VARIOS PUNTOS EN COMÚN: SON JÓVENES, ESTÉTICA, PERSONAL Y MUSICALMENTE ATRACTIVOS… PERO ANTE TODO, COMPARTEN NACIONALIDAD. REINO UNIDO LE PLANTA CARA AL GIGANTE ESTADOUNIDENSE UNA VEZ MÁS DESPUÉS DE CONVERTIR AL HURACÁN ADELE EN LA ARTISTA MÁS VENDEDORA DE 2011, MARCANDO LAS TENDENCIAS DE LA NUEVA TEMPORADA Y EXPORTANDO PRODUCTOS DE CALIDAD CON ESE FACTOR DE VANGUARDIA QUE HACE DE UNA PROPUESTA, ÉXITO rezuman las producciones de Matt Hales. Lianne versa sobre las relaciones personales, rasgando emociones en las cuerdas de su guitarra. Tras ese desnudo y armónico Don’t Wake Me Up que abre el debut de La Havas, todo son dardos directos al corazón, bien en forma de medio tiempo (las dolorosas Lost & Found y Gone, No Room For Doubt acompañada de Willy Mason o los nostálgicos Elusive y Everything Everything), bien como perlas uptempo de gran eclecticismo (Forget, Au Cinéma, o la jazzística They Could Be Wrong). Si hay que ponerle alguna pega, y no es de recibo buscar contras ante tamaño ejercicio de introspección, es la suciedad del sonido, a niveles técnicos. Aunque hasta eso es una muestra más de la honestidad de una propuesta que busca perdurar más que llegar de manera inmediata. JESÚS ROMÁN

JESSIE WARE WILDEST MOMENTS (SINGLE) (Universal Island Records, 2012)

ientras esperamos que se publique su álbum debut el próximo 20 de Agosto, Jessie Ware ha sabido mantener bien altas las expectativas. Ya la conocíamos por colaboraciones de lujo, como aquel Nervous que despachó junto a SBTRKT. Pero es en su material propio donde la británica brilla con especial fuerza. Running acercó su sonido al espectro soulero más elegante y sofisticado, haciendo de ella una Sade del siglo XXI, a la que la electrónica le ha desplegado sus mejores trucos. De ahí a 110% hubo un salto en forma, que no tanto en intención, ofreciendo una visión más ecléctica del pop inglés de nueva hornada. A la tercera, la definitiva. Wildest Moments es la prueba evidente de que algo importante se está cocinando de cara a Devotion. Una de las óperas primas más ansiadas del año. JESÚS ROMÁN

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RUDIMENTAL FEEL THE LOVE (SINGLE) (Asylum/Black Butter. 2012)

GARY GO

e dio a conocer como soporte de Benny Benassi en aquel revientapistas que fue Cinema, a pesar de haber publicado un nada desdeñable debut homónimo en 2009. Aprovechando el tirón mediático ofrecido por la colaboración con el famoso productor (remezclada incluso por el hombre del momento, Skrillex), Gary Go lanza el mini-álbum Now Was Once The Future, compuesto por siete cortes entre los que encontraremos una revisión intimista de dicho tema con la ayuda vocal de la italiana Carina Round. Parte, como la gran mayoría de nombres que destacamos en este reportaje, de un abanico de arreglos sintéticos para hacer de sus creaciones un colchón sonoro digerible pero al mismo tiempo complejo. En A Lie At A Time, Our Love Is On The Line o Heavy florece un amplio ramillete de influencias que van desde el pop melódico con tintes rock hasta el soul más orgánico, pasando por el synthpop ochentero. A pesar de la escasa longitud del cancionero, o en parte gracias a ella, no hay momento a menor nivel que otro, cerrando la escucha con

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NOW WAS ONCE THE FUTURE (The Whipping Clug, 2012)

matrícula de honor gracias al grandilocuente Confetti Death. Parece que Mr. Baker nunca fue el alma de la fiesta... Si alguno gusta de comparar, podríamos decir que estamos ante una versión menos encorsetada e instrumentalmente más completa de Jamie Woon, que bien puede asemejarse vocalmente a Chris Martin, líder de Coldplay, como a Bono de U2. Pendientes quedamos de su próximo largo. JESÚS ROMÁN

eino Unido está rescatando dos de los géneros que más triunfaban en los 90, el dubstep y sobretodo el drum&bass. Poco a poco se está haciendo notar en las listas de éxitos de dicho país. El primero de ellos fue Dj Fresh con Hot Right Now en febrero, luego le siguió la debutante Rita Ora con R.I.P. en mayo y poco después les llegó el turno a Rudimental. El cuarteto londinense formado por los compositores y productores Piers Agget, Kesi Dryden, Amir Amor and DJ Locksmith consiguió hace dos meses ser número 1 directo con Feel The Love en el que colabora John Newman. Hasta la fecha Rudimental se habían mantenido en la escena undreground y si bien habían editado algunos singles como Deep In The Valley o Spoons nunca llegaron a audiencias nacionales. Además de remezclar a otros artistas como Ed Sheeran o Labrinth, los de Hackney preparan su primer disco para finales de este año, veremos si hay vida más allá de este éxito. DAVID VIDAL SANS

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CONOR MAYNARD CONTRAST (EMI Music, 2012)

n el seno de la generación Youtube, con el cargante Justin Bieber liderando cual mesías la base de fans más sólida del planeta (que me perdonen los seguidores de Lady Gaga), nace Conor Maynard, 19 añitos de talento compositivo y derroche vocal. Su aún escueta historia se remonta a aquellas grabaciones caseras subidas a la famosa red de videos. Captar la atención de Ne-yo, fichar por EMI y terminar tras la batuta creativa de Pharrell Williams o The Invisible Men (Jessie J, Nicola Roberts, Sugababes), parecen hazañas inalcanzables para un aún retoño. Lo cierto es que el de Brighton coquetea con el r&b, el dance y la electrónica sin casarse con ningún género, ofreciendo una propuesta mainstream tan bien concebida y curiosamente tan honesta que debería avergonzar a su homólogo americano (sí, volvemos a hablar de Bieber) quien no es más que pura pose y artificialidad. Más acertada sería la comparación con otro Justin, de apellido Timberlake, abanderado de esa vertiente urbana del

pop que se deja caer en temas como Can’t Say No, Lift Off o Glass Girl -estas dos últimas producidas por el líder de The Neptunes-. Contrast es un álbum concebido para un público joven, acorde con las últimas tendencias para la pista de baile, pero nada facilón y ciertamente muy fresco. Un más que interesante arranque. JESÚS ROMÁN

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PALOMA FAITH FALL TO GRACE (Sony Music, 2012)

DELILAH FROM THE ROOTS UP (Warner Music, 2012)

ongámonos en perspectiva. Nacida en París 22 años atrás, criada en el norte de Londres, de ascendencia hispana, nigeriana y francesa. ¿Qué puede surgir de semejante herencia genética y cultural? Como suele ocurrir en aquellos casos que muestran aptitudes para el arte, un conglomerado estilístico cuanto menos interesante. Ha sido uno de los secretos mejor guardados que Atlantic Records tenía bajo la manga y han hecho falta tres años y un gran poso de anonimato para darle forma a From The Roots Up, una colección de canciones que se pasean sin cortapisas por los diferentes parajes que transita la electrónica actual. Un poquito de dubstep, algo de trip-hop, melodías de corte pop embutidas en perfectas vestimentas ambient. Basta con echarle una oída a Love You So y Breathe, que se postulan como dos de los sencillos más interesantes nacidos de la escena británica contemporánea. Y desde luego, hay que tener arrestos para versionar un clásico como Inside My Love de Minie Ripperton (recordemos

M que está escrito por el mítico Leon Ware) y que el resultado resulte épico, o construir a partir de Ain’t Nobody de Chaka Khan un perfecto ejercicio de electrónica oscura y profunda en Go. Aunque también hay que tener en cuenta que su alto registro ayuda sobremanera a crear esa sensación de trascendencia que impregna el conjunto del repertorio. I Can Feel You, So Irate, Never Be Another, Insecure… las composiciones del más alto nivel se suceden una tras otra y solamente en aquellos cortes más positivistas (Shades Of Grey, Only You) el conjunto parece flojear. From The Roots Up, producido por la propia Paloma Ayana –he ahí su nombre real para los más curiosos- con la ayuda de sus compatriotas Balistiq así como el norteamericano Syience, sitúa de nuevo a Reino Unido en la élite de la vanguardia mundial. JESÚS ROMÁN

ientras Duffy se quedaba tranquila siendo una one-hit-wonder y Amy se encontraba seguramente en rehabilitación, Paloma Faith se preparaba para salir a la luz pública. Años después y con su segundo disco, Fall To Grace, editado bajo la producción de Nellee Hopper (Gwen Stefani, No Doubt, Madonna…) promete una reinvención comercial sin dejar a un lado ese retro-soul con el cual se dio a conocer. Dramática, elegante y hermosa como la portada del álbum, los temas When You’re Gone y Just Be son buen ejemplo de ello. Así como su primer single Pickin Up The Pieces que llegó al UK Top10 con una clara independencia de personalidad junto a un video aclamado y que aporta ese ‘algo’ a otros temas como 30 Minutes Love Affair o Black & Blue. Paloma Faith nos malacostumbra con un buen producto, una estética bastante cuidada y una excelente producción en uno de los mejores discos en lo que va de año, dejando en lo alto un legado que hasta la misma Winehouse podría reconocer. CARLOS BRANDT

B.SIDE | VERANO 2012

omo tantos otros, la escocesa Emeli Sandé se dió a conocer en la industria musical gracias a su capacidad como compositora. Alabada en numerosas ocasiones por Simon Cowell (American Idol, X-factor) y con varios de sus temas ocupando un espacio privilegiado en los últimos trabajos de Leona Lewis, Susan Boyle o Cheryl Cole, a sus 24 primaveras es momento de iniciar su camino como intérprete. El pasado año nos llegaba Heaven, una brillante carta de presentación de espíritu gospel y arreglos dubstep que ha despertado cientos de titulares en la prensa internacional y que le ha valido el premio de la crítica británica como la figura más prometedora del momento. ¿Qué toca ahora? No decepcionar; tarea complicada dada la altísima expectación despertada por su álbum debut. Our Version of Events, en su conjunto, no sorprende como sí lo hizo Heaven, pero el material es tan satisfactorio y, en definitiva, tan condenamente bien escrito, que los momentos álgidos del

B.SIDE | VERANO 2012

repertorio resultan demoledores. Next To Me, Daddy, My Kind Of Love y Heaven forman el grueso del uptempo, ofreciendo con las producciones de Emile Haynie (Kanye West, Lana Del Rey), Mike Spencer (Jamiroquai, Kylie Minogue) y Naughty Boy una mezcolanza sonora muy atractiva en un punto intermedio entre el hip-hop, el R&B y el pop inglés. Y más allá de experimentos, lo que nunca falla es el matiz intimista y sentimentaloide que todo compositor sabe explotar en el instante oportuno. Bueno, según se mire… Es cierto que River, Mountains, Where I Sleep o un precioso Hope compuesto y producido por Alicia Keys están por encima del estándar de medio tiempo. Sin embargo, es esa tendencia al excesivo minimalismo la que acaba por reducir el empaque del proyecto. Esto es un sí rotundo, Emeli Sandé se ha ganado nuestro respeto con esta ópera prima, aunque es fácil vislumbrar que no es todo lo que puede y le queda por entregar. Aunque esta es sólo nuestra versión de los hechos. JESÚS ROMÁN

EMELI SANDÉ OUR VERSION OF EVENTS (Virgin, 2012)

B-CURIOUS · GENERATION UK

MARY EPWORTH DREAM LIFE (Hand Of Glory, 2012)

u apellido no nos resulta en modo alguno ajeno. Hermana del capo en labores de producción Paul Epworth (Adele, Florence + The Machine, Kate Nash), la londinense recupera con su álbum debut Dream Life la tradición pop de los 60 (Sweet Boy, Six Kisses), acercando sin prejuicios lo orquestal a la psicodelia (Long Gone, Heal This Dirty Soul) y al rock progresivo (Black Doe). Junto a su banda, The Jubilee Band, se nutre del folklore para ofrecer un repertorio repleto de buenas melodías, de armonías soul, de riffs de guitarra mágicos. Que no engañe su angelical rostro, Miss Epworth tiene visos de rockera vieja, áspera y curtida, una actitud y madurez implícita que en principio podría parecer antagónica con la dulzura de su voz y de ciertos estilos que pretende (y consigue) rememorar. Metales, cuerdas, teclados, guitarras y percusiones visten Dream Life de barroquismo, de misterio y frenética quietud, aún sin llegar a sobreproducirlo. Por el contrario, Mary alumbra de la mano de Will Twyman –copropietario de su sello Hand Of Glory- una serie de canciones con trazas de excelencia, que por momentos nos remontan por complejidad a Prince en su gloria creativa. Come Back To The Bough y Those Nights son sendos ejemplos de las cotas de majestuosidad que la cantante y compositora alcanza en su primera propuesta. Y con ella se encarama a los puestos más altos de los mejores álbumes de este ejercicio. Natural, como la vida misma... JESÚS ROMÁN

MICHAEL KIWANUKA HOME AGAIN (Polydor/Communion R., 2012)

i empiezo esta reseña nombrando a Bill Withers, Ottis Redding o Sam Cooke, muchos pensarán que a continuación voy a hablar de un género en decadencia, al menos en su faceta más espiritual. Nada más alejado de la realidad, pues a la tierna edad de 24 años el londinense Michael Kiwanuka ha conseguido recuperar con su álbum debut Home Again la esencia del soul más purista de los 60 y 70, en el que la fe y la sencillez juegan un papel clave. De ahí que las comparaciones con varios de los soulman que más han calado en la conciencia popular sean tan evidentes. Para Kiwanuka ha de ser todo un halago, pero es que el ganador del BBC Sound of... 2012, con lo que eso conlleva a nivel mediático, no se ha limitado a homenajear al género; lo siente, lo padece y lo transmite a lo largo de diez temas

excelentemente producidos por Paul Butler (alma de The Bees). Kiwanuka tiene algo en común con su compatriota Adele (recordemos que con ella comparte el galardón más distinguido de la BBC), consigue identificar al público generalista por sus letras sinceras y cercanas, sin ningún tipo de trampa. Un ejercicio de simplicidad que para nada se transmite al plano instrumental, en el que encontraremos complejos guiños al jazz orquestal (ojo a los arreglos de viento y de cuerda en temas como Tell Me A Tale o Bones), al soul más sucio y doloroso (Worry Walks Beside Me), y al rhythm & blues positivista con tintes folk (I’ll Get Along, Rest, Any Day Will Be Fine). Es precisamente en ese plano acústico más cercano al folklore donde, guitarra en mano, el cantautor inglés parece expresarse más cómodamente, a juzgar por el grueso del álbum formado por los ya conocidos Home Again, I’m Getting Ready y el resto de canciones incluídas en la edición deluxe – entre las que destacan dos cortes de Ethan Jones –. Pero es con claridad esa coyuntura demasiado intimista la que le resta por momentos energía al conjunto. En definitiva, y a pesar de esto último, estamos ante un collage sonoro exquisito que honra más de un siglo de herencia musical negra. Michael Kiwanuka ha logrado lo que a priori podría parecer imposible. Y esto es sólo el arranque de una prometedora carrera. JESÚS ROMÁN

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B-CURIOUS · MÚSICA

RITA ORA SERÁ POR SU PARECIDO RAZONABLE, SERÁ PORQUE COMPARTEN JEFE O PORQUE ALGUNOS DICEN QUE A RIHANNA LE QUEDAN LOS DÍAS CONTADOS POR EXPLOTACIÓN, PERO LA PRENSA Y EL PÚBLICO TIENE LOS OJOS PUESTOS EN RITA ORA

a cantante británica nacida en Kosovo publica su primer disco en agosto y ya ha conseguido ser número 1 en Reino Unido con su primer single R.I.P. Canta, baila, compone y muchos dicen de ella que puede ser la nueva Rihanna. Como muchos, empezó actuando en locales y bares de Londres mientras componía para otros artistas como Craig David, con el que apareció en el videoclip del tema Where’s Your Love en 2009 además de hacerle los coros en otras canciones como Awkward. Fue en una de sus actuaciones en la noche londinense cuando fue descubierta por un miembro del equipo de Roc Nation, discográfica propiedad de Jay-Z, y fichó para ellos como compositora. Desde entonces viaja entre Nueva York y Londres y hemos podido verla haciendo cameos en los videoclips de Over de Drake o Young Forever del magnate del hip hop. A finales de 2011 se presentaba oficialmente al público inglés colaborando en el single Hot Right Now de

TEXTO

DAVID VIDAL SANS

DJ Fresh, que fue número 1 en la lista de singles de su país en febrero. Tres meses después Rita publicaba como single de presentación el citado R.I.P., un tema dubstep coescrito precisamente por Drake y que samplea el conocido Heartbeat de Nneka. Con él veía conseguía otro número 1 de singles durante dos semanas consecutivas. Esto ocurría a la vez que se presentaba a toda Europa como telonera de la gira Mylo Xyloto de Coldplay, incluyendo Madrid, y lanzaba un single distinto en Estados Unidos mucho más pop llamado How We Do, que no ha cuajado como su homólogo europeo. Actualmente se encuentra finalizando su primer disco titulado como ella, Ora, para el que ha contado con producciones de The-Dream, Kanye West, The Runners o Stargate, estos últimos, responsables de la gran mayoría de éxitos de la de Barbados, de la que se quiere diferenciar evitando comparaciones. ¿Terminará por conseguirlo?

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B-CRITIC · MÚSICA

L.A. -

SLNT FLM (Universal Music Spain. 2012)

res años después de su debut a nivel mediático masivo con Heavenly Hell, tenemos nueva entrega del mallorquín L.A. En este caso, SlntFlm nos llega en un formato de EP de seis canciones que nos dejan con ganas de más. Si Heavenly Hell entregaba razones suficientes para la admiración inminente y perpetua hacia su obra, estos seis temas suponen una genialidad compositiva de dimensiones intangibles. Desgraciadamente y pese al incipiente talento que asoma en nuestro querido país, no estamos acostumbrados a que alguien haga música de tantísima calidad y buen gusto. Pueden parecer elogios infundados y parciales pero una escucha de este EP dejará la misma sensación a la gran mayoría de los auditores. Parece innecesario entrar en detalle en cada canción porque todas son superlativas en su unicidad. Un trabajo impecable, con 6 maravillas para acompañar musicalmente a un anuncio, un vídeo, un momento, un viaje o un lapso de vida.

DAVID MARCO

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B-CRITIC · MÚSICA

l nuevo trabajo de estudio de la cantautora y pianista Regina Spektor, titulado What we saw from the cheap seats y compuesto por once temas (catorce en su edición deluxe), se grabó en Los Ángeles durante ocho semanas partiendo en esta ocasión primero de la grabación en directo de piano y voz simultáneos y posteriormente añadiendo y adaptando el resto de instrumentación y arreglos de acuerdo a la producción de su ya habitual colaborador Mike Elizondo. No podía ser sino un disco cargado de espontaneidad y frescura, predominantes desde el sistema de grabación hasta la elección inesperada y sobre la marcha de cortes, que se completa echando mano tanto de temas recientes como de alguna que otra canción del sinfín que la rusa tiene compuestas y en el armario desde por lo menos una década.

The Party es “el tema precioso”; mientras otros son especiales por algo en concreto, éste lo es por sentimiento, intensidad y originalidad. Small Town Moon es lo más Regina Spektor del repertorio. Si Jessica es simple relleno, no así los alegres y muy curiosos Oh Marcello y Don´t Leave Me (Ne Me Quitte Pas). A destacar la perfecta sintonía con Only Son en Call Them Brothers y ese final de raíces con las tradicionales rusas The Prayer Of François Villon y Old Jacket (estas 3 últimas en la versión completa del álbum). ¿Estilo? No, aquí no existe, a no ser que el eclecticismo se contemple como género musical y aún no estemos enterados. Son muchas las referencias que maneja la Spektor. Y estamos en total acuerdo con su productor en que justo cuando crees detectar el código de su música, te sorprende con algo totalmente inesperado. MIRA CIRERA

REGINA SPEKTOR WHAT WE SAW FROM THE CHEAP SEATS (Sire Records/Warner. 2012)

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Bruce

Springsteen

B-ALIVE · BRUCE SPRINGSTEEN

SANTIAGO BERNABEU 17 · 06 · 12 HISTÓRICO. QUIZÁS ESE SEA EL ADJETIVO QUE MEJOR DEFINA LO QUE SE PUDO VIVIR Y SENTIR EL PASADO 17 DE JUNIO EN EL ESTADIO SANTIAGO BERNABÉU DE MADRID. ESE DÍA, LA CAPITAL SE VISTIÓ DE GALA PARA RECIBIR A BRUCE SPRINGSTEEN EN EL MARCO DE LA GIRA DE PRESENTACIÓN DE SU ÚLTIMO DISCO “WRECKING BALL”, ESE DÍA SE PERCIBÍA EN EL AMBIENTE QUE NO SERÍA UN CONCIERTO MÁS, ESE DÍA PARECÍA QUE TODO IBA A ENCAJAR PARA QUE PUDIÉRAMOS DISFRUTAR DE UN SHOW INOLVIDABLE TEXTO JAVIER DECIMAVILLA FOTOGRAFÍA GUILLERMO MOLINA FUENTES

uando a las 21:35 horas aproximadamente comenzó a sonar la intro y la E-Street Band fue desfilando y posicionándose en el grandioso escenario, la multitud allí congregada recibió a los músicos como si de auténticos héroes se tratara, por no mencionar al Boss, auténtico mesías musical de nuestro tiempo, que con su sola presencia hizo enfervorecer a los casi 60.000 espectadores que no dejaron de aclamarle y ovacionarle hasta que el largo espectáculo hubo terminado. Un sonoro y enérgico “¡Hola Madrid!”, repetido varias veces por el músico de Nueva Jersey fue el pistoletazo de salida a un concierto que comenzó como un

auténtico huracán, enlazando potentes canciones como Badlands y No Surrender, coreadas en letra y música por cada uno de los allí presentes, como si de auténticos himnos se tratara. Esta fue la tónica general que se siguió a lo largo de toda la noche, ya que cada uno de los temas que sonaron, cada acorde que se escuchó en el feudo madridista, estuvieron acompañados sin descanso por las voces de todos los asistentes, como si fueran hinchas de un equipo cualquiera enloquecidos por la algarabía de ver triunfar a sus jugadores. Los calificativos se quedan cortos para describir el cúmulo de sensaciones que planeaban en el ambiente, por tanto no

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B-ALIVE · BRUCE SPRINGSTEEN

podemos más que contar desde nuestro punto de vista lo que allí se pudo presenciar. Tras el explosivo arranque, la banda encadenó algunos de los cortes del último trabajo de estudio del artista, con un acierto tal, que sonaron a clásicos, si bien es cierto que desde la primera escucha del disco, ya percibimos que esas canciones estaban más que pensadas para el directo. A lo largo de las casi cuatro horas de duración del evento, Springsteen y los 15 músicos que le acompañaron tocaron un repertorio compuesto por 32 temas, sin apenas descanso entre ellos, aderezados con los recurrentes y acertados discursos del Jefe, bien en inglés, bien en un esforzado castellano. Sonaron canciones del reciente Wrecking Ball (casi todas), pero también míticas composiciones de toda su carrera anterior, como The River, The Rising o Born To Run, del mismo modo que rescató alguna rareza como Spanish Eyes o versiones como Twist And Shout. La personalidad de Bruce es extremadamente íntegra en forma y contenido.

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Es una verdadera estrella, un auténtico icono de nuestro tiempo, pero también es capaz de hacer que nos sintamos cercanos a él, parece que en cierta manera le conocemos, sus fans más acérrimos sabrán de lo que hablamos. Desde su imborrable sonrisa hasta sus gestos con el público, todo es puro y sincero agradecimiento, entrega sin concesiones a sus incondicionales. Fueron constantes sus acercamientos a las personas de las primeras filas, dejándose tocar, sintiéndose querido. Sus palabras de solidaridad con los más desfavorecidos, el hecho de sacar a un niño a cantar con él Waitin’ On A Sunny Day, los emotivos recuerdos “a los que faltan” (precioso el homenaje a su querido Clarence Clemons) o su impagable gesto al dedicar The River a Nacho (joven que falleció recientemente con la entrada del concierto comprada y que, gracias a una iniciativa a través de las redes sociales, estuvo presente de alguna manera). Todo esto son sólo unos pequeños ejemplos que nos demuestran la humanidad de esta estrella, más terrenal de lo que muchos creen.

En cuanto a la música propiamente dicha, huelga decir que la E-Street Band es, probablemente, la mejor banda de rock del mundo. Suenan perfectamente encajados, con un asombroso equilibrio entre cada una de sus piezas, cada nota está donde debe estar y, además, irradian carisma, desde el mítico Steve Van Zandt hasta los excelentes coristas, pasando por el genial guitarrista Nils Lofgren (espectacular el solo de Youngstown) o el increíble Max Weimberg a la batería. A los instrumentistas más clásicos, se suman una elegante sección de vientos y Jake Clemons (sobrino del Clarence) al saxo, que mantiene el legado con una sobrada dignidad y respeto a la

figura de su tío. Aquel domingo por la noche, Madrid se inundó de rock, de reivindicación de una realidad más justa, de honestidad, de energía, pero también de sonidos diferentes como el folk, el soul o incluso el hip-hop (mejorando la versión de Rocky Ground que aparece en el álbum de estudio), de celebración y respeto. Realmente fue un espectáculo apoteósico, inolvidable, de una entrega y comunión total entre público y artista, donde sonaron sus mejores canciones y hubo decenas de momentos destacables. Springsteen es un líder natural, un auténtico ídolo por el que hay una especial devoción, cualquiera que le haya

visto en directo tendrá la respuesta si se pregunta la razón de tal hecho. Hasta la fecha, el concierto más largo de toda su carrera (exactamente 3 horas y 48 minutos. Superado posteriormente en Helsinki), sin duda una gesta sin parangón a sus 63 años. Una vez leí que para los fans la vida es lo que ocurre entre un concierto y otro del Boss. Si eso es así, esperemos que no tarde mucho en volver, porque aunque ha dejado el listón increíblemente alto, fue terminar la última canción, encenderse los focos del estadio y empezar a pensar en el próximo encuentro. Lo dicho, histórico.

B.SIDE | VERANO 2012

B- ·

Estamos de suerte! Desde Minneapolis (EE.UU) regresa el rey de las pistas de baile Matthew Thomas Masurka, más conocido como Gigamesh, presentando su nuevo material titulado All My Life. Sí, el mismo que con su excelente gusto musical, todavía consigue hacernos delirar con sus épicas remezclas Don’t Stop Till’ You Get Enough de Michael Jackson, Sunday Drive de Ladyhawke, Pumped Up Kicks de Foster the People o Groove is in The Heart de Deee Lite. Gigamesh describe su música como dance alternativa, sin más matices que los que quiera añadir la improvisación… ¡Divina improvisación la suya! Y es que su energía, elegancia y frescura, empapan las pistas de baile haciendo de su remezclas una auténtica debilidad para cuerpo y mente de la que no podrás escapar. Ahora vuelve con su segundo EP,

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esta vez de la mano de la prestigiosa discográfica francesa Kitsuné Records, que no incluye una, sino 4 pistas de exquisitos beats que llevaran a cada célula de tu cuerpo al más puro éxtasis musical, haciéndote olvidar el tiempo y las agujetas. Dos de los tracks, All my life y Don’t Stop, están cantados por la vocalista Jana Nyberg, el tercer tema es el conocido Your body -el cual apareció en la compilación de Kitsuné America- y el último track de tono instrumental lleva por título Dream On. Gigamesh comenzará su tour europeo a finales de octubre haciendo las delicias del público español el 26 del mismo mes en la Sala Razzmatazz de Barcelona. Hasta entonces, nos conformaremos con disfrutar sus remezclas en las sesiones de los mejores DJs del panorama indie-dance nacional. SHEILA PÉREZ

GIGAMESH ALL MY LIFE (EP) (Kitsuné Music. 2012)

B- ·

THE TEMPER TRAP THE TEMPER TRAP (Liberation/Infectious R. 2012)

ESTELARES EL COSTADO IZQUIERDO (FYN S.A., 2012)

unque en nuestro país son casi unos desconocidos, los argentinos Estelares llevan ya seis discos a sus espaldas, desde que en 1996 debutaran con Extraño lugar. Recientemente han publicado su último trabajo, El costado izquierdo, con el que reivindican su manera de ver y afrontar el tema universal por antonomasia: el amor. Las letras de Manuel Moretti son utilizadas como armas para remover las entrañas, bien sea mostrando la cara amable de las relaciones personales, como la parte más oscura de ellas. Bajo un manto de pop-rock clásico, muy en la línea de la tradición y tendencia de contemporáneos suyos, Estelares dejan atrás los coqueteos tangueros de anteriores trabajos,

enfatizando los sonidos más actuales y directos. El costado izquierdo contiene grandes canciones como Doce chicharras, Rimbaud o Aleluya, una auténtica joya, en la que el dueto con Bunbury pone aún más de manifiesto la ingente melancolía de la canción. Parece diseñada a la medida del zaragozano y así, se convierte en uno de los momentos cumbres de este álbum. JAVIER DECIMAVILLA

l mercado australiano nos sorprende de manera positiva con la irrupción constante de interesantísimas propuestas. The Temper Trap vienen avalados por el éxito alcanzado por sus entregas anteriores sin embargo, el muestrario de elementos desplegados en este disco les sitúan en un nivel de madurez digno de reseña. Pese a sus orígenes y a lo heterogéneo de su formación el sonido que resulta es británico 200%. Lo innovador de su propuesta reside en el espectro tan amplio de géneros musicales abarcados. Cuando la tónica dominante en los discos de hoy en día sería la escasez de arreglos y la producción austera los australianos se desmarcan con un sonido colorista rico en matices y en altibajos de tempo, no cualitativos. Por momentos transgresoramente épicos, brillan de igual manera cuando las revoluciones bajan. Nos resulta difícil destacar alguna canción entre semejante repertorio, pero nos vamos a quedar con el medio tiempo I’m Gonna Wait, irresistible. DAVID MARCO

B.SIDE | VERANO 2012

The

Jezabels

B-CURIOUS · MÚSICA

A VECES LA CASUALIDAD ES LA MEJOR DE LAS ALIADAS A LA HORA DE DESCUBRIR NUEVA MÚSICA. PODEMOS CEÑIRNOS A LAS TENDENCIAS, A LO QUE VIENE PEGANDO FUERTE AQUÍ O ALLÁ O PODEMOS DEJARNOS GUIAR POR LA INTUICIÓN Y “GOOGLEAR” O “YOUTUBEAR” A NUESTRO ANTOJO HASTA DAR CON EL ANSIADO TESORO. ESTO ÚLTIMO FUE LO QUE NOS LLEVÓ A CONOCER A THE JEZABELS HACE UNOS POCOS MESES TEXTO DAVID MARCO

ongámonos en antecedentes, grupo australiano, vocalista femenina, sonido atemporal pero con marcadísimas referencias clásicas. Su apuesta en forma de disco se llama Prisoner y aunque vio la luz en 2011 es ahora cuando está empezando a trascender por nuestros lares. Entre los comentarios de la gente que les descubre no faltan adjetivos como infravalorados, emocionantes o transgresores. Recomendaciones incesantes a su escucha pero ¿a qué suenan? Vamos a hacer un cocktail sonoro, mezclamos la voz de Sharleen Spiteri de Texas (o la de Chrissie Hynde de The Pretenders) con una instrumentación épicamente atronadora (con matices de los primeros Cranberries e innovaciones contemporáneas a lo Lana del Rey). Tachán! Así suenan The Jezabels, bueno, esa sería nuestra interpretación y las habrá tantas como oyentes lo intenten. El disco es profuso en arreglos, ambientes, coros y

momentos álgidos de esos que sacan a la canción del atolladero cuando el tedio asoma remotamente. El registro vocal de su cantante fluctúa adecuándose a los incesantes vaivenes de la instrumentación. De esta forma nos encontramos desgañites agudos pseudolíricos en la apabullante Nobody Nowhere y recursos más convencionales en canciones como el primer single Endless Summer. La casi insultante, por lo extrema, duración de la mayoría de los cortes está justificada porque las estructuras así lo requieren. Claro ejemplo serían temas como Long Highway o Deep Wide Ocean, eminentemente de corte clásico y que acaban desarrollando finales de rotunda intensidad. En el lado opuesto la contemporaneidad viene de la mano de Trycolour y Horsehead con influencias british. Una experiencia más que gratificante de un grupo que mantiene una innegable esencia indie tanto en formas como en fondo.

B.SIDE | VERANO 2012

Love lesbian

CON LA NOCHE ETERNA. LOS DÍAS NO VIVIDOS, HAN REALIZADO SU DISCO MÁS AMBICIOSO HASTA LA FECHA. DESPUÉS DE UNA GIRA INTERMINABLE Y UN ÉXITO MÁS QUE MERECIDO, GRACIAS AL MAGNÍFICO 1999. LA BANDA CATALANA REGRESA CON UN DOBLE LP EN EL QUE TRATAN DE RESUMIR LO QUE HAN SIDO ESTOS ÚLTIMOS AÑOS. CHARLAMOS CON SANTI BALMES, LÍDER DEL GRUPO, CANTANTE Y COMPOSITOR. ÉL MISMO NOS DESCUBRE LOS ENTRESIJOS DE ESTE COMPLEJO TRABAJO, DEL NUEVO ESTATUS QUE HAN ADQUIRIDO… SI SU MÚSICA Y, SOBRE TODO, SUS LETRAS SON TAN INTERESANTES ES PORQUE DETRÁS HAY UNA PERSONALIDAD REALMENTE ATRACTIVA... ENTREVISTA JAVIER DECIMAVILLA

B-FAMOUS · LOVE OF LESBIAN

Al margen de lo que aparece en los medios acerca del concepto o la idea que hay detrás de La noche eterna. Los días no vividos, me gustaría que nos lo explicaras con tus propias palabras. Antes que nada querría puntualizar que no se trata de un disco conceptual, sino que el título lo pusimos como quien titula un álbum de fotos. Es una especie de resumen de nuestro estado mental en el momento en que lo grabamos. El disco sigue un hilo conductor bastante libre, con una serie de personajes nocturnos. No es más que una colección de canciones que hablan de estos dos últimos años. Al concebir este disco, ¿Surgen primero las canciones y luego decidís ubicarlas en un disco o en otro, o surge la idea de la noche y el día y a partir de ahí compones? A medida que íbamos haciendo las canciones, teníamos en mente el título de La noche eterna, pero luego nos fueron comentando al grabar las maquetas que había canciones que no respiraban noche. Fue entonces cuando surgió el segundo concepto de Los días no vividos, para que funcionara un poco como el ying y el yang, como las dos caras de la moneda. Muchas canciones dejan una sensación de soledad, ¿te sientes más solo cuanto más rodeado estás? Absolutamente. Es una sensación de auto-ostracismo, de cerrar el caparazón ante un mundo repleto de frivolidad, de euforia sintética o psíquica. Ahora la noche se ha convertido en tu horario de trabajo, ya no es tu horario lúdico. Sobre todo en estos dos últimos años, hemos tenido que cambiar el chip, o no habríamos aguantado. Es un poco la sensación de que la gente que se acerca a ti no sabes si lo hace con intenciones sinceras o porque el grupo está de subidón. Es ahí cuando más solo te sientes.

B.SIDE | VERANO 2012

Sin caer en lo que para ti significa cada uno de los temas, ¿qué crees que representan para tus seguidores?, ¿por qué crees que tanta gente se siente identificada con tus letras? Creo que se da una curiosa paradoja. Yo escribo para mí, hablando de mis situaciones ficticias exageradas o muy cercanas y extremadamente realistas. Pienso que eso me ha pasado a mí únicamente y resulta que le ha ocurrido a muchísima gente. Hay una extraña conexión con la gente que yo no pretendía a priori. Cuando escribes lo haces para ti, pensando en lo que te gustaría que sonara en una radio imaginaria, sin ninguna pretensión. Creo que, precisamente, esa falta de pretensión es lo que, paradójicamente, ha hecho que haya tanta gente identificada. Cada vez es más unánime la opinión de que eres uno de los grandes contadores de historias de la música actual. ¿te sientes más cantante, escritor, compositor, poeta, músico…? Es complicado definirme. Creo que soy un compositor que, a lo largo del camino, ha encontrado un pequeño éxito. Desde luego lo primero que fui es compositor y sigo pensando que soy eso, lo que pasa es que poco a poco ha crecido un hermano gemelo. Tus canciones aparentemente parten de historias y personajes ficticios, asumiéndolos como algo personal, ¿cuánto hay de realidad social en las canciones que escribes?, ¿te ves afectado por la actualidad a la hora de componer o eres capaz de abstraerte de ella? Me abstraigo bastante. Es mi realidad, la extraña realidad de la que hablo. Pienso que cada uno va en su particular pecera y tiene que ser una historia muy gorda como para que te pueda llegar a traspasar. Vivimos en nuestro particular micromundo y microclima. Aunque si por ejemplo mi vecino se quemara a lo bonzo, seguramente tendría que escribir algo, está claro (risas).

Claro, hay cosas de las que uno no se puede alejar… Si no me veo afectado por eso, es que soy un psicópata (risas). Caeremos un poco en el tópico, ¿por qué un disco doble?, ¿no sentíais el miedo de resultar algo pretenciosos? Sí, o pesadísimos… Sabíamos todo esto, pero gracias a Dios sabemos también que el tiempo coloca a cada disco en su lugar. He leído cosas de gente que había criticado el anterior disco y luego, al cabo de tres meses, se han retractado de lo dicho. Por tanto, hacer demasiado caso de las opiniones inmediatas, creo que es una mala opción. No sabemos si hemos acertado, a estas horas es muy difícil saberlo, pero no queríamos ser rácanos. Había mucho material compuesto, pensábamos que la mayoría podía tener el nivel suficiente como para entrar en el disco. La verdad es que dejar cosas para un futuro no me parece honrado, porque no sabes si el grupo seguirá o a ti te va a caer un piano mañana. O no te vas a sentir identificado con lo que escribes ahora... Ahí está. Dentro de dos años, esa canción que te parecía que estaba narrando tu situación actual, no es tal, tú has mutado y ya no la sientes así. No creo que sea una buena idea, independientemente de que eso pueda llevar a que la gente piense que es muy largo, muy pensado, que somos pretenciosos… ppffff. ¡Agradar a todo el mundo ya sabemos que no puede ser! Por otro lado, todo esto demuestra honestidad. Al fin y al cabo es lo que queríais hacer. Sí, sí, exacto. No es una marcianada tan bestial. Simplemente ocurre que los hábitos de consumo han cambiado tanto que parece una barbaridad pedirle a alguien que se tome una hora y media para escucharte. Pero ya lo sabemos, si quieres escuchar el disco a pequeños picoteos, en plan canapés, no hay ningún problema. Haz con él lo que te dé la gana, a partir de ahora ya es tuyo.

B-FAMOUS · LOVE OF LESBIAN

¿Habéis dejado temas fuera o todo el material que teníais lo habéis incluido? Unos siete u ocho temas han ido fuera. Pero no por el mero hecho de dejarlos fuera, si hubieran estado preparados los habríamos incluido sin ningún problema. Eran plantas que veíamos que tenían algo pero aún no les habíamos sacado todo el jugo. Esos temas sí que tienen una justificación para que se posterguen, ya que aún no están maduros. Parece que, aunque este disco sea más serio y complejo en apariencia que los anteriores, habéis querido mantener vuestro lado “cómico”. Mira que lo hemos intentado, pero no ha sido posible. La parte cómica sí que la queríamos eliminar, pero el disco estaba llevando un rollo monolítico y nos hemos dado cuenta de que es imposible construirlo. Hay pocos discos que abordan un estilo y no lo dejan hasta el final que me lleguen a gustar y, casualmente, todos tienen 10-11 temas. Bloom de Beach House o Diamantes de El Columpio Asesino tienen una duración muy determinada. Más de 10-11 temas es muy difícil no llegar a aburrir. El día que consigamos mantener un estado de ánimo desde la primera canción hasta la última, tendrá que ser un disco de diez temas y ahí sí que nos podremos permitir no usar el humor. Aun pretendiendo alejaros de esa faceta, ¿os seguís sintiendo cómodos con ella? En su justa medida sí. Lo que pasa es que no queríamos llenarnos de un repertorio autoparódico que ocupara más de la mitad de nuestro cancionero. Sabemos que este disco ha quedado un poco más serio, pero es lo que pretendíamos, apostar por las canciones que dentro de diez años te va a seguir gustando tocar. Las de humor a veces son más difíciles, funcionan en según qué contexto, pero un chiste contado 15 veces, al final deja de tener gracia. Son canciones que tienen más posibilidades de que se quemen a la larga. ¿La gira que acompaña este álbum la habéis planteado igual que hasta ahora?

B.SIDE | VERANO 2012

Tenemos la oportunidad de variar el repertorio de concierto a concierto, se nos multiplican por infinito las posibilidades. Por tanto vamos a recuperar temas de Maniobras de escapismo que no tocábamos, por ejemplo. Va a generar mucho trabajo porque supone tener una cincuentena de canciones preparadas para cuando nos dé la gana. Cambiar el repertorio para cada concierto e incluso anunciarlo, e incluir canciones que habitualmente no tocamos y que el fan diga “coño, merece la pena ir". Es muy interesante eso, anunciar lo que se va a tocar y que haya gente que vaya exclusivamente a escuchar ciertas canciones… Sí, creo que es algo que no se ha hecho hasta ahora y vamos a empezar a hacerlo. También mola el debate que puede haber, “¿por qué no tocáis esta canción o esta otra?”... En las canciones hay referencias a personajes como Edgar Allan Poe, Schopenhauer, Bowie o Murakami, ¿son personajes que tú personalmente admiras o simplemente un recurso más? Hombre, sobre Schopenhauer tampoco es que haya profundizado mucho, es más que nada el icono, la relevancia que tiene dentro del mundo de la filosofía lo que me atrae de él. En Murakami sí que tengo bastante interés, a Bowie por supuesto que le admiro. Es mezclar la cultura pop con lo más excelso o elevado. Es donde vivimos. Habéis incluido una especie de interludio en cada uno de los discos, ¿qué importancia dais a estos cortes? Ojalá hubiera habido más porque son temas que yo agradezco, aunque solo sean 20 segundos. Me gustan como bisagras para relajarte en un momento dado. Yo sí que le doy importancia. Entiendo que la gente si no escucha una letra quizás se pueda aburrir, pero yo dentro de un disco agradezco descansar, como quien escucha la música de un anuncio corto dentro del canal de la Paramount, por ejemplo. La presencia de sintetizadores se está

B-FAMOUS · LOVE OF LESBIAN

convirtiendo en una tónica general en vuestro sonido, ¿es el camino que pretendéis seguir de aquí en adelante? (Duda) Pues no te sé decir, no estaría seguro. Mi asignatura pendiente es hacer un disco que se aguante con guitarras, como se aguantaba el Document de R.E.M. La verdad es que no estoy seguro porque me encantan los sintetizadores, pero te aseguro que si pudiéramos conseguir un disco entero sin ningún tipo de sintetizador y que se aguantara de una manera muy primaria, sería el primero en firmar. Te apetece hacer un disco más clásico... A mí particularmente sí, pero esas guitarras tienen que hablar en algún sentido, no tienen que ser una base, un sonido de colchón. Te pongo el ejemplo de Peter Buck, en R.E.M., que hace tonterías pero son fundamentales para la canción. No hace ningún ejercicio de virtuosismo, pero dices “¿cómo es posible que se aguante esto con cuatro elementos?” Eso es una asignatura pendiente que tenemos nosotros como banda. ¿Qué importancia tiene Ricky Falkner, vuestro productor, en este sonido? Él estaba de acuerdo con nosotros en que teníamos que extremar más aún el sonido. Para nosotros en un miembro de la banda volátil, que va y viene, tiene esa libertad. De repente nos encontramos después de un tiempo, con ideas frescas… Es muy guay trabajar así. Si él perteneciera al grupo, acabaría bebiendo de lo mismo que nosotros y su aportación serían menos interesante. Hace poco publicaste tu primer libro Yo mataré monstruos por ti, ¿de dónde viene el interés por la literatura infantil? Me gusta este tipo de literatura, pero en realidad me aburre. Tengo dos hijas y veo libros de este tipo que no me aportan y tampoco al niño, también hay otros que son un ejercicio de imaginación importante. Lo que ocurre es que un libro infantil tiene que luchar contra Bob Esponja, Phineas y Ferb, contra historias de 35 minutos que son muy intensas. Por tanto es muy complicado encontrar el punto mágico que haga que el niño se interese por el cuento.

¿Qué aceptación ha tenido el libro? Muy buena, vamos ya por la séptima edición. Me ha sorprendido muchísimo porque a cualquier lado que voy del país hay gente con el cuento, ahora se va a traducir al italiano… Estoy muy contento porque a los niños les ha gustado mucho la historia, por lo que tengo entendido piden a sus padres que se la vuelvan a contar cada noche, como una rutina. ¡Eso es fantástico! Aporta una relativización al miedo y eso está bien. ¿Qué otras fuentes creativas o tendencias artísticas te interesan? Me interesa… (duda). Me interesa lo que me pueda explicar un desconocido a las tres de la mañana en la barra de un bar (risas). En cuanto al cine, ¿qué géneros o directores te atraen más? Yo soy de fantástico y ciencia ficción. Me doy cuenta que mis películas favoritas circulan en el mundo del realismo mágico o la ciencia ficción pura y dura. ¿Qué bandas o artistas te interesan más en la actualidad? Españoles: Nudozurdo, El Columpio Asesino, Pony Bravo. Tres puntos interesantes de los que vienen empujando fuerte. En el ámbito internacional, desde Broken Social Scene, a lo último que están haciendo Beach House, Midlake, My Morning Jacket… Eso es lo que últimamente estamos escuchando bastante, aunque olvido alguno seguro. ¿Cuáles son tus 5 discos de cabecera? Siamese Dream de The Smashing Pumpkins, Wish You Were Here de Pink Floyd, Led Zeppelin IV, Pornography de The Cure y voy a decir uno español… Como la cabeza al sombrero de El Último de la Fila. Para terminar, darte la enhorabuena. Este es un trabajo de los que gustan a la gente que compramos discos, de largo recorrido, que deja poso… Muchas gracias, de verdad. Es lo que queríamos. Es un trabajo de artesano, nosotros no hacemos churros, hacemos cosas que se venden en tiendecitas.

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B-CRITIC · MÚSICA

RICHARD HAWLEY STANDING AT THE SKY'S EDGE (Mute Records. 2012)

uizá por el nombre no te suene, más teniendo en cuenta lo corrientemente británicos que son tanto nombre como apellido. Si te decimos que formó parte de Pulp seguro que centramos un poquito más al personaje. Tras su paso como guitarrista por la citada banda se ha granjeado una dilatada carrera discográfica, siendo éste su sexto disco en solitario. Standing In The Sky’s Edge es un trabajo muy denso, quizá demasiado para un primer acercamiento a su obra. Los incondicionales se sentirán perfectamente integrados entre tamaña demostración de intensidad. No necesariamente vamos a encontrar ritmos acelerados ni guitarras demasiado punzantes pero sí percibiremos un muro de sonido constante. Con estas premisas, o nos lanzamos a la escucha sin pretensiones ni dilaciones o directamente nos sentiremos arrollados. Para colmo (de males o gracias, según prefiramos verlo) las canciones son eternas, superando los siete minutos de duración en la mayoría de casos. Esta estrategia, que en España ha venido utilizando con

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grandes resultados Extremoduro en sus dos últimas obras, requiere de una gran confianza en la accesibilidad a medio plazo de cada canción. La calidad de los argumentos expuestos en este disco es innegable, destilando un aura de elegancia y buen gusto. Si escudriñamos un poquito cada canción, rápidamente podemos discernir dos grupos bien diferenciados. Aquel en el que el tempo es calmado y las atmósferas más bien laxas y otro en el que las guitarras toman mayor protagonismo enmarañando deliberadamente el sonido. Del primer grupo podemos destacar Seek It, romántica e inmediata a partes iguales y Don’t Stare At The Sun con una parte final realmente memorable. Poniendo el contrapunto y en el segundo grupo, reseñamos la contundencia de Time Will Bring You Winter entre constantes distorsiones o She Brings The Sunlight abriendo y definiendo el sonido característico del álbum. No va a llegarte a la primera, pero date una oportunidad y descubrirás a uno de los mayores talentos que perduran en UK. DAVID MARCO

B-CRITIC · MÚSICA

PATTI SMITH BANGA (Columbia Records, 2012)

a llamada ‘madrina del punk’ regresa después de ocho años de silencio discográfico con nuevos tracks de ‘poesía beat’ en donde reina la armonía con diferentes sonidos. Con once LPs de estudio a sus espaldas, Patti Smith estrena Banga, una combinación fundamental entre lo artístico y el clásico rock que le caracteriza con temas como April Fool, Nine, Maria o Amerigo en el cual recitar y cantar se convierten en una sola nota para esta cantautora que acumula más años en décadas que sus contemporáneas. A pesar de haber sido grabado en el mismo estudio de Jimi Hendrix o tener de productores desde la propia Smith hasta sus hijos, lo que en principio debería nutrir el álbum de muy diferentes historias, Patti ha creado una colección de canciones inspiradas en una sola persona.

Con un tema dedicado a Amy Winehouse (This Is The Girl) y la versión de Neil Young After The Gold Rush como aliciente, este es un álbum para explorar la introspección más pura, reinventándose dentro de la misma base, lo que lo convierte en un torbellino de sensaciones... Todo un discazo. CARLOS BRANDT

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Curtis McNair EL ARTE PSICODÉLICO DE MOTOWN ALGUNAS PERSONAS SE CONVIERTEN EN LEYENDA POR AZAR. ESTE ES EL CASO DE CURTIS MCNAIR, QUE FUE EL DIRECTOR DE ARTE DE MOTOWN ENTRE 1968 Y 1972 (LOS AÑOS DE APOGEO PSICODÉLICO DEL FAMOSO SELLO DISCOGRÁFICO) Y CONTRIBUYÓ A DEFINIR SU ESTÉTICA INCONFUNDIBLE CON SUS PORTADAS DE ÁLBUMES. ESTAS PEQUEÑAS OBRAS DE 12”X12”, REPLETAS DE ILUSTRACIONES, DE FOTOMONTAJES Y CON SUGERENTES TIPOGRAFÍAS, CREARON TENDENCIA... ENTREVISTA DAVID MOREU FOTO T. ORTEGA GAINES PORTADAS KEVIN COOKE COLECTION

88 ...ALGUNAS SE HAN CONVERTIDO EN CLÁSICOS INDISCUTIBLES DE LA HISTORIA DE LA MÚSICA, COMO LA DEL WHAT’S GOING ON DE MARVIN GAYE (1971). MÁS QUE UN SIMPLE DISEÑADOR, CURTIS MCNAIR HA DEDICADO TODA SU VIDA AL ARTE, A LA MÚSICA Y A LA LUCHA POR LOS DERECHOS CIVILES, PERO NO HA SIDO HASTA AHORA QUE HA RECIBIDO EL RECONOCIMIENTO QUE SE MERECÍA. ESTA ENTREVISTA ES NUESTRO PEQUEÑO HOMENAJE A UN ICONO DEL ARTE La 1ª pregunta es obligada. ¿Cómo se introdujo en el mundo del arte? Cuando era pequeño acostumbraba a dibujar las cosas que veía en los periódicos y en los cómics, así fue como mi profesora del colegio se dio cuenta de que tenía talento y me encargó trabajos relacionados con el arte. Ella habló con mi madre sobre mi talento y entonces mi madre me compró un curso de dibujo por correspondencia. Así que se puede decir que siempre he estado vinculado al mundo del arte. Cuando era muy joven se mudó a Detroit y se involucró en el Movimiento por los Derechos Civiles, en una época en la que los Estados Unidos aún estaban divididos por la segregación racial. ¿Cómo fue aquella experiencia? Formé parte del primer contingente de soldados negros que se integraron en el ejercito norteamericano y eso tuvo una gran repercusión en la sociedad y en el propio estamento militar, porque convivíamos y trabajábamos junto a los soldados blancos. Después de la lI Segunda Guerra Mundial regresé a Detroit y fue un impacto enorme ver que el país seguía dividido por la segregación racial. La gente negra no teníamos acceso a ciertas zonas de la ciudad, estábamos en guetos, así que me uní a las protestas y a las sentadas que se hacían en espacios públicos, boleras, restaurantes y piscinas para reclamar la igualdad de derechos. El momento más tenso fue en los años 60, cuando arrestaron a muchos manifestantes y había una gran brutalidad policial en las calles.

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He leído que en la época que usted sirvió en el ejército le destinaron a Europa y aprovechó para visitar los grandes museos. Sin duda, una buena manera de oponerse a la guerra… Me destinaron a Alemania en una zona que se conocía como The Eagle’s Nest, donde Hitler acostumbraba a ir de vacaciones. Tuve la oportunidad de conocer esa zona, que realmente es preciosa. También visité el campo de concentración de Dachau, que es la prueba más lamentable de la crueldad humana. Después fui a Roma y pude ver la Capilla Sixtina, que es espectacular. Luego me trasladé a París, donde visité la Torre Eiffel, la Basílica del Sagrado Corazón en Montmartre y Notre Dame, donde nos dejaron subir al campanario. Y también fui al Louvre, donde vi las obras de da Vinci, entre ellas La Mona Lisa. En teoría estaba prohibido, pero le hice una foto y aún la conservo. Apenas tenía 20 años cuando viaje por Europa y después, cuando me matriculé en la escuela de arte, nos hablaban de muchas obras que yo había visto en persona. La gran pregunta es ¿cómo se convirtió en el director de arte de Motown? Por aquellas fechas trabajaba en el departamento gráfico de Chrysler y, un día, un amigó me dijo que le habían propuesto trabajar como director de arte en Motown. Pero resulta que él rechazó el puesto y les dijo que contactaran conmigo, puesto que yo tenía experiencia en el mundo del diseño. Me entrevistaron, dejé Chrysler y, en 1968, empecé a hacer las portadas de sus álbumes.

¿Conocía la música y la historia de Motown antes de trabajar en el sello? Por supuesto que conocía Motown, porque revolucionó la vida de Detroit. Conducías por la ciudad y veías la casa de dos plantas que utilizaban como estudio. Yo era mayor que los artistas y que la gente que trabajaba allí y, principalmente, me gustaba el jazz. Se puede decir que yo era de otra generación. Motown ha pasado a la historia por ser una cadena de producción musical. ¿Cómo era trabajar en aquel ambiente tan creativo y estricto? Yo hacía las tareas de director de arte y de diseñador. Berry Gordy, el presidente, ya se había trasladado a California y todo el contacto que teníamos era por teléfono. Realmente gozaba de mucha libertad, aunque los productores proponían ideas y yo tomaba notas, hacía bocetos y les presentaba una primera versión de la portada. Me gustaba escuchar las canciones y dejarme llevar por las sensaciones que me transmitían, pero no acostumbraba a hablar con los artistas. Sólo los veía en las sesiones de fotos. Cuando los cantantes estaban de gira era un gran problema para hacer las portadas. Entonces tenía que contactar con fotógrafos de las ciudades donde fueran a tocar, pedirles que hicieran las fotos rápido y que me las mandaran a Detroit para poder trabajar en el diseño. Supongo que fue un reto diseñar las portadas de los álbumes, puesto que tienen un formato específico y unas normas establecidas… Fue un contraste enorme con el tipo de trabajo que hacía en Chrysler. Conocía el proceso de producción y la manera de imprimir, pero era un ambiente completamente distinto. Las portadas siempre dependían de las ideas de los productores y no debemos olvidar que si un disco quería promocionarse porque tenía una canción de éxito, todo se basaba en ese tema. Yo tomaba notas de todas las ideas, hacía mis bocetos y proponía hacer una sesión de fotos, usar ilustraciones, hacer collages o recurrir a otras técnicas.

B-FAMOUS · CURTIS MCNAIR

MCNAIR HA DISEÑADO BUENA PARTE DE LOS GRANDES ÉXITOS DE MOTOWN, ENTRE ELLOS PORTADAS PARA SUPERESTRELLAS COMO MARVIN GAYE, STEVIE WONDER, THE SUPREMES, THE TEMPTATIONS, FOUR TOPS O MARTHA & THE VANDELLAS

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B-FAMOUS · CURTIR MCNAIR

Una de las cosas que más llama la atención de las portadas son los títulos. ¿Cómo conseguía aquellas tipografías tan especiales? Una parte esencial de las portadas era la creación de los títulos, pero en Detroit era imposible conseguir tipografías psicodélicas. Y necesitábamos muchos títulos distintos para todos los álbumes que se editaban. Entonces decidí contactar con una empresa de California que tenía un catálogo muy extenso, trabajaban de noche y me mandaban los títulos al día siguiente. ¿Cómo describiría el concepto de "arte psicodélico” que surgió en aquella época? En aquellos días hubo una gran explosión de creatividad y algunos productores, como Norman Whitfield, Smokey Robinson y Barrett Strong, grabaron singles muy transgresores con The Temptations, Marvin Gaye y Gladys Knight & The Pips. Era muy excitante formar parte de aquel movimiento, estar en la vanguardia artística y poder experimentar con las portadas de los discos. A continuación le preguntaré sobre algunas de sus portadas más emblemáticas. La primera de ellas es War de Edwin Starr... Para esta portadas me llegaron las fotos del artista, pero aún no teníamos ningún concepto. Cuando las puse encima de la mesa empecé a pensar en lo que decía la música y me pregunté “¿qué significa la guerra?” y la única respuesta que encontré fue la palabra “paz”. La idea totalmente opuesta. Así que diseñé un signo de la paz enorme e inserté dos fotos del cantante, una vestido de soldado y otra de hippie.

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Otra bastante conocida es “My Cherie Amour” de Stevie Wonder… Utilizamos una foto que hicieron del exterior de una cafetería y le inserté una imagen de Stevie Wonder encima. No le presté demasiada atención al diseño y el resultado se resintió al ver la prueba de impresión. En definitiva, a algunos les gusta y a otros no. A mi, personalmente, no me convence demasiado. Aunque su portada más famosa es la de What’s Going On de Marvin Gaye… Es mi portada favorita. Un día Marvin me pidió que fuera al estudio donde estaba grabando para que pudiera hacerme una idea de lo que quería transmitir con sus nuevos temas. Cuando lo vi con el resto de músicos y la Orquestra Sinfónica de Detroit, había un ambiente muy espiritual y me di cuenta de que ponía toda su alma en aquellas composiciones. Estaba sentado al piano y los dirigía a todos, aunque no sabía leer ni escribir música. Entonces, Marvin estaba pasando una época muy difícil por la muerte de Tammi Terrell y no quería ir a un estudio para hacerse las fotos de la portada, así que mandé a un fotógrafo llamado Jim Hendin a su casa para que lo retratara en su propio ambiente. Era un día lluvioso y lo inmortalizó en el jardín, entre los juguetes de sus hijos. Cuando me llegaron las imágenes, seleccioné las que mejor representaban la esencia del disco, pero mi supervisor eligió otras que no me gustaban. Discutimos un buen rato y le propuse ir a ver a Marvin para saber su opinión. Subimos a la segunda planta de Motown, le mostramos las fotos y él señaló la misma que yo había elegido. Un primer plano en el que aparece mirando al horizonte. Hice la portada y el resto es historia.

¿Cuál cree que es la magia de ese LP? Aún lo escucho de vez en cuando y descubro cosas nuevas. Creo que la magia de ese disco tiene que ver con el hecho de vivir en este mundo y la búsqueda de soluciones que Marvin nos planteaba. La pregunta que nos lanzaba en What’s Going On sigue vigente porque aún no hemos encontrado la respuesta. Tomando como referencia su experiencia en el sello, ¿cree que la música de Motown contribuyó a romper las barreras raciales de aquella época? Creo que la música de Motown ayudó a rebajar las tensiones que había en el país. Aquellas canciones transmitían alegría, eran emocionantes y te daban ganas de bailar. Hoy vivo en Carolina del Norte y aquella música sigue siendo muy popular. Motown cambió muchas cosas. Cambiando de tema, ¿qué opinión le merece el mundo del street art? No se ven demasiadas muestras en el sur, pero lo que he podido ver en N. York en los dos últimos años me ha impresionado. El arte urbano refleja los males y los anhelos de la comunidad. Cuenta historias y aprovecha todos los espacios para conseguir que la gente lo vea. Creo que es muy necesario para que la gente se exprese. Reflejar las cosas que suceden es otra manera de revelarse contra el sistema. ¿Me preguntas si lo aprecio y si lo apoyo? ¡Totalmente! Para terminar, ¿cree que el arte o la música aún pueden contribuir a cambiar la sociedad? ¡Sin duda! El arte es una herramienta esencial para ayudarnos a recordar quienes somos. Nos permite evolucionar y ser mejores con el paso del tiempo.

FOTO DE LA SESIÓN PARA LA EMBLEMÁTICA PORTADA DE WHAT'S GOING ON, UNO DE LOS ÁLBUMES INSIGNIA DE MOTOWN

B-CURIOUS · MÚSICA

Hives The

ENÉRGICO, CAPAZ DE LEVANTAR DEL ASIENTO A LA PERSONALIDAD MÁS AUSTERA Y SOSEGADA. COME ON!, ASÍ COMIENZA EL ÚLTIMO DISCO DE THE HIVES, SIRVIENDO DE CLARA INVITACIÓN AL OYENTE PARA QUE SE UNA A LA CAUSA Y DESPLIEGUE SUS SENTIDOS EN POS DEL MÁXIMO DISFRUTE DE SU PRIMER TRABAJO EN CINCO AÑOS, DESDE QUE PUBLICARAN AQUEL THE BLACK & WHITE ALBUM TEXTO JAVIER DECIMAVILLA

ex Hives es todo lo que la banda sueca había ofrecido hasta ahora: vertiginosas guitarras, contundentes baterías, ritmos frenéticos… Garaje-rock, punk, todo cabe en este disco, desde la potente 1000 Answers hasta la oscura balada Whitout The Money, pasando por la bailable Wait A Minute. En ocasiones la voz de Pelle Almqvist suena algo sucia, con algún acercamiento a la manera de cantar más grunge, pero indudablemente es la seña de identidad de The Hives, conjugando a la perfección con su acelerada e incendiaria instrumentación. La urgencia de las canciones, veloces en sí mismas y de corta duración (únicamente Patrolling Days llega a los escasos 4 minutos de duración), inundan este álbum de fuerza y movimiento, evitando caer en el tedio. El quinteto ha sabido dar respuesta a cada una de las cuestiones que se les han presentado en los últimos años y así nos presentan sus propias leyes, aglutinadas en 12 cortes que juegan con elementos ya conocidos

y puestos en valor por distintas bandas a lo largo de la historia. Pero no por estar carente de originalidad o intención experimental, Lex Hives deja de ser un disco a tener en cuenta. Al fin y al cabo eso es el rock en esencia, entretenimiento alejado de la intelectualidad de otras tendencias. Con la certeza de que la banda retoma el pulso a su propia carrera, el quinto disco de la formación mantiene un carácter sintomático de que quizás en el cambio no siempre está el acierto y que ser fieles a sí mismos a veces es el mayor de los logros, un riesgo quizás. Tomando como referencia a bandas como Foo Fighters que no han abandonado su propia identidad, manteniendo e incluso acrecentando su calidad, o The Strokes cuyo afán por evolucionar y mostrar algo diferente, les ha convertido en una vulgar copia de sí mismos, nos preguntamos si es necesaria siempre la evolución sin más propósito ni fin que ella en sí misma.

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EL CALOR APRIETA Y LA GRAN MAYORÍA, HASTA LOS AFORTUNADOS QUE SE ENCUENTRAN DE VACACIONES ESTOS DÍAS, SABEN LO QUE CUESTA SOPORTARLO. NADA MEJOR PARA COMBATIR EL EXCESO DE TEMPERATURA QUE UN REFRESCANTE CHAPUZÓN.  NOS HEMOS TOPADO CON MILES DE PISCINAS ESPECTACULARES EN LAS QUE NO NOS MOLESTARÍA GASTAR NUESTRO OCIO ESTIVAL. HE AQUÍ UNA SELECCIÓN DE LAS MEJORES

VERANO

SOL TEXTO

CRISTINA JOVER

B-CREATIVE · VERANOS AL SOL

stá instalada en un volumen de una planta, rectangular, en hormigón a la vista, y corresponde a la zona del spa. La elección de materiales que envuelve esta zona, ayuda a crear un equilibrio perfecto que transmite serenidad en todo el espacio. Lo mejor de ésta piscina son las vistas tan increíbles que se pueden ver de todo el terreno que abarca este complejo.

HOTEL FASANO LAS PIEDRAS

(PUNTA DEL ESTE, URUGUAY)

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B-CREATIVE · VERANOS AL SOL

FOTO

stá situada en una terraza natural y a muy pocos pasos de la playa. Su diseño aporta una unión visual con el mar sin dejar dificultad para ser comparado con un pequeño paraíso privado en el que no faltan elementos en el paisaje que ayuden a ello.

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HOTEL IL PORTO (MATTINATA, ITALIA)

B-CREATIVE · VERANOS AL SOL

COMPLEJO HOTELERO SAN ALFONSO DEL MAR (ALGARROBO, CHILE)

s la piscina más grande del mundo según El libro guiness de los récords. Mide más de un kilometro de largo y equivale a unas 6.000 piscinas "normales". Está instalada en un complejo hotelero donde hay cientos de apartamentos de lujo y en ella se permite practicar cualquier deporte acuático de forma segura y limpia.

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B-CREATIVE · VERANOS AL SOL

FOTOS

CASA A MORCHIUSO (ITALIA)

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sta casa se encuentra en las colinas que rodean Como, en Italia, y ha sido diseñada por Marco Castelletti. La piscina se encuentra en el nivel superior y está protegida de las miradas de los vecinos mediante unas grandes paredes de color negro consiguiendo un contraste evidente con los muros blancos del exterior. Lo mejor de ello, es que se puede convertir en piscina interior también gracias a un vidrio móvil que la cubre.

B-CREATIVE 路 VERANOS AL SOL

e encuentra a 24 plantas del edificio y mide unos 30 metros de largo. Una parte de ella sobresale del edificio con un fondo de vidrio templado que permite ser vista desde la calle.

THE HOLIDAY INN (SHANGAI, CHINA)

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100

B-CREATIVE 路 VERANOS AL SOL

SEAGULL HOUSE

(ELKINGTON FOREST, CANADA)

a sutileza del acabado de la piscina y la calidez de la iluminaci贸n hacen que este espacio sea tan acogedor. Por ello, se ha convertido en uno de nuestras favoritos. La construcci贸n corre a cargo de la empresa Macdonald & Lawrence, especialistas en el trabajo con madera.

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B-CREATIVE · VERANOS AL SOL

iseñada por Gabriel Orozco y Tatiana Bilbao y está situada en la azotea de la "Casa Observatorio" en Roca Blanca (Mexico). Está inspirada en el observatorio de Jantar Mantar,, por lo que dispone de unas increíbles y privilegiadas vistas rodeadas de mar.

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CASA OBSERVATORIO

(ROCA BLANCA, MÉXICO)

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VICTORIA BECKHAM AUTUMN/WINTER 12

VICTORIA BECKHAM DESPUÉS DE AÑOS DORADOS REPLETOS DE ÉXITO COMO INTEGRANTE DEL ARCHI-CONOCIDO GRUPO MUSICAL SPICE GIRLS, VICTORIA BECKHAM VUELVE CON MUESTRAS DE ÉXITO MÁS FUERTES Y ARROLLADORAS QUE NUNCA. DESDE PRINCIPIOS DE 2009 LA EX POSH-SPICE SE EMBARCA EN UN NUEVO PROYECTO DE MODA MÁS CERTERO O QUIZÁ MÁS COMPLETO QUE LOS PRIMEROS INTENTOS AÑOS ATRÁS CON SUS FAMOSOS COUTURE JEANS, PARA SU FIRMA ROCK AND REPUBLIC TEXTO

LUIS ALBERTO BERRENDERO

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B-TRENDY · VICTORIA BECKHAM

VICTORIA BECKHAM AMPLÍA SUS COLECCIONES CON GAFAS DE SOL, LÍNEAS DENIM, READY-TO-WEAR Y ACCESORIOS, COMO YA HICIERA EN COLABORACIÓN CON OTRAS FIRMAS COMO SAMANTHA TAVASHA

ictoria Beckham, la actual firma de moda de la británica, ha revolucionado el panorama actual del Fashion Business convirtiéndose en una de las citas de culto en la actual Mercedes Benz New York Fashion Week. Contra todo pronóstico y siendo algo más que el capricho de la típica niña rica inglesa, su producto ha conseguido posicionarse en el más alto de los lujos, compartiendo escaparate en tiendas multimarca por todo el mundo o en los más importantes portales de venta por Internet, junto a diseñadores de renombre internacional. Tal es el éxito de su aventura textil, que el pasado 2011 Victoria Beckham se alzó con el galardón a la mejor firma del año en los British Fashion Awards, compartiendo nominación junto a diseñadores de la talla de Tom Ford o Stella Mc Cartney. Victoria Beckham Fashion Brand comenzó con una estética sastre asombrosamente madura y depurada.Una paleta de color segura, que se debatía entre colores tierra, marrones caldero, grises ejecutivo o negros absolutos. Siluetas ceñidas, largos cuidados por debajo de la rodilla y mucho palabra de honor. La British Lady por excelencia.

B.SIDE | VERANO 2012

VICTORIA POSA CON EL GALARDÓN A MEJOR FIRMA EN LA PASADA EDICIÓN DE LOS BRITISH FASHION AWARDS

ABAJO: LOOKBOOK AUTUMN/WINTER 11 | ARRIBA: LOOKBOOK AUTUMN/WINTER 12, AMBAS COLECCIONES PRESENTADAS EN LA NEW YORK FASHION WEEK

B-TRENDY · VICTORIA BECKHAM

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VICTORIA BECKHAM DENIM AUTUMN/WINTER 11

A medida que ha ido presentando sus colecciones en diversos circuitos de moda, hemos podido observar una cierta intención de cambio en cuanto a la forma pero manteniendo un fondo fijo. Un estilo mucho menos encorsetado, más sportwear de colores vivos, dirigido hacia una mujer mucho más urbana, de rápida manera de vivir, pero siempre elegante y extremadamente femenina. Y es que Victoria ha sabido pensar en su público objetivo y explotar esa imagen a la que ya desde hace mucho tiempo nos tiente acostumbrados. A mitad de camino entre el más puro clásico chic 50´s y el vértigo platafórmico actual Picante, rebelde y a veces hasta frívolo. Muy “Vicky”. Es poco tiempo de vida de la firma para hablar de un sello identificativo, reconocible entre los grandes. Pero estos son sólo los ingredientes de un menú que tiempo al tiempo irá perfeccionando para crear cada vez mejores platos gracias a la experiencia y el saber hacer de quien alguna vez soñó, como ella dice, con ser alguien.

B.SIDE | VERANO 2012

Lookbook VERANO 2012

MEZCLA DE TEJIDOS Y TEXTURAS, ESTAMPADOS DE COLORES CÁLIDOS QUE CONVIVEN EN ARMONÍA CON MONOCROMOS... LA TENDENCIA ESTE VERANO ES LA COMODIDAD, EL DESGASTADO Y EL AIRE VINTAGE. TE OFRECEMOS CUATRO TOTAL LOOKS PARA ESTAR A LA ÚLTIMA EN LA ÉPOCA ESTIVAL ESTILISMOS

DORY ÁLVAREZ ABAD

ILUSTRACIONES

CARLOTA HERNÁNDEZ

109

TROPICAL GORRA

TOPMAN - 20 €

SANDALIAS

ZARA - 39,95 € MONEDERO DE CORCHO ZARA MEN - 12,95 €

BAÑADOR ESTAMPADO RIVER ISLAND - 32 €

BIKINI DE CORTE RETRO H&M - 24,95 €

NÁUTICOS DEPORTIVOS VANS - 64 €

BRAZALETE

RIVER ISLAND - 13 €

MICRO SHORT

ROMWE - 27 €

BLUSA DE GASA ELLA BLANCO - 22,95 €

POLO ESTAMPADO MASCULINO RIVER ISLAND - 28 €

B.SIDE | VERANO 2012

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B-TRENDY · TENDENCIAS VERANO

LAZO

RIVER ISLAND - 7,5 €

MONO-SHORT

CUELLO DE PLUMAS Y CUENTAS RIVER ISLAND - 57,5 €

TOPSHOP - 26 €

CHALECO DE PIEL CON FLECOS RIVER ISLAND - 51 €

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RIVER ISLAND - 45 €

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TOPMAN - 18 €

MOCHILA CON PRINT AZTECA ZARA - 69,95 €

CHALECO VAQUERO

RIVER ISLAND - 51 €

PULSERA

RIVER ISLAND - 9 €

BERMUDAS ROMANAS DE PIEL

KG DE KURT GEIGER - 95 €

TOPMAN - 23 € SHORT MASCULINO

RIVER ISLAND - 38 €

B.SIDE | VERANO 2012

FESTIVAL

TIE-DYE | DESTROYED

B-TRENDY · TENDENCIAS VERANO

BOLSO DE

ZARA - 29,95 €

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CUERPO DE

TOPSHOP - 33,50 €

CAMISA VAQUERA DE ROMWE - 26 €

BERMUDAS DE H&M - 29,95 €

VESTIDO DE

ROMWE - 31 €

SANDALIAS DE PIEL CON TACÓN DE METACRILATO DE UTERQÜE - 95 €

MOCHILA DE ALGODÓN DE

AMERICAN APPAREL - 46 € CAMISETA DE

RIVER ISLAND - 23 €

CAMISETA DE COS - 29 €

ZAPATILLAS DE TOMS - 83 €

PITILLOS DE

RIVER ISLAND - 45 €

BOLSA DE

BERMUDAS DE

RIVER ISLAND - 45 €

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B.SIDE | VERANO 2012

FUTURISTA

B-TRENDY · TENDENCIAS VERANO

PETATE TRANSPARENTE DE ASOS - 38 €

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TOPSHOP - 25,50 €

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PRIMARK

CLUTCH DE CAREY DE

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B-CULTURED · REYES DEL CINE

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esquiva suerte

¿QUÉ HACE A UNA PERSONA TRIUNFAR EN LA VIDA? ¿QUÉ HACE A UN CIENTÍFICO CHILLAR EUREKA? ¿A UN EMPRENDEDOR CREAR UNA EMPRESA MULTIMILLONARIA? ¿QUÉ HACE A UN ACTOR CONVERTIRSE EN EL MEJOR DE SU GENERACIÓN? ANALICEMOS A DOS DE LOS ACTORES MÁS RELEVANTES DEL PANORAMA ACTUAL, CHLOË GRACE MORETZ Y RYAN GOSLING, PARA INTENTAR VISLUMBRAR CÓMO ALCANZAR EL ÉXITO TEXTO

FEDE CASTAÑO

rimero debemos reseñar que ambos se han convertido ya en estrellas internacionales por méritos propios, dos fuertes transatlánticos que incansables parecen dirigirse a buen puerto. Ambos llaman la atención por la edad a la que les ha llegado el éxito. Sin duda la juventud no suele ser un factor determinante para alcanzar el éxito, todo lo contrario, pero la sociedad mercantil y superficial que nos ha tocado vivir nos hace pensar que todo aquello que no consigas antes de los treinta, será inalcanzable. Dejando por el momento a un lado las arrugas, y haciendo una breve comparativa de la biografía de ambos actores, llama más la atención que ambos provienen de familias profundamente religiosas. De hecho los Gosling son mormones, a pesar de su divorcio. Es un dato a tener en cuenta, porque es sabido que en esta vida, para triunfar no cuenta tanto lo que sabes, como a quién conoces, y si hay lobbies fuertes en EE.UU. capaces de apadrinar una carrera para conseguir sus metas, esos son los grupos religiosos. Es cierto que sería muy injusto intentar comprender las claves del éxito de estos dos actores, sin reconocer su extraordinario talento. Ambos pertenecientes a la maquinaria Hollywoodiense desde temprana edad, han participado en toda clase de proyectos. Desde concursos

infantiles, a prestar su voz en animación (Bolt – Chloë Grace), a participar en grandes producciones cinematográficas en muy diferentes roles ( Titanes: Hicieron Historia - Ryan Gosling). Si la carrera de Gosling parece haber sido algo más errática que la de la Srta. Grace, quizás provocado por su déficit de atención, parece que los dos, como muchos otros actores antes que ellos, se metieron en el mundo de la interpretación por azar. Este factor sí que puede ser el auténtico punto diferenciador de una u otra carrera profesional. Es verdad que ambos actores son muy atractivos, no simplemente guapos, sino que poseen un físico particularmente apropiado para encajar en cualquier época. Por ejemplo Chloë Grace con esos pícaros ojos, nos regala interpretaciones tanto de muñequita del siglo pasado, La Invención de Hugo, como de niña patea culos, Kick Ass, y todo esto antes de cumplir los 15 años. Su provocativa mirada parece estar convirtiéndose en un fetiche para productores y directores, solo comparable a la imberbe cara del señor Gosling, que aunque no salto a las plumas de los críticos hasta realizar El Diario de Noa, parece tener la misma capacidad camaleónica para hacer tanto de bueno como de malo, a veces ambas cosas a lo largo de la misma película, Los Idus de Marzo.

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B-CULTURED · REYES DEL CINE

IZQUIERDA: UN SERIO RYAN GOSLING EN DRIVE DERECHA: CHLÖE MORETZ INTERPRETANDO A UNA SUPERHEROÍNA EN LA IRREVERENTE KICK-ASS

El físico por tanto, en una industria que vive de él, es fundamental, tanto para bien como para mal, sino que se lo digan a Eduardo Gómez (portero de La que se Avecina), el cual reconoce que su cara le ha valido muchos papeles. Pero la belleza no es excluyente, ya que Los Ángeles debe ser la ciudad con más guapos por metros cuadrados del mundo. Quizás sea un error buscar una sola circunstancia, cualidad o característica para intentar averiguar por dónde pasa el camino hacia la cima. Apostaría mi contrato a que es una combinación de talento, preparación y suerte la que logra alcanzar los objetivos. ¡Ah! sí, la suerte otra vez. Ese intangible ente del que solo nos acordamos cuando es malo. Esa meiga que hace que la pequeña de cuatro hermanos, como la Srta. Grace, se interese por la interpretación, al ver, copiar o admirar a uno de ellos

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Esa musa que no te abandona a pesar de los problemas de adaptación que te marcan en la juventud como a Mr. Gosling. La suerte acompaña a los preparados, pero ¡ay de ti como sea la mala! Lo cierto es que la trayectoria profesional de estos dos actores va viento en popa y grande tiene que ser el iceberg que hunda cualquiera de estos dos buques, aunque desde luego no sería la primera vez, ¿verdad?, ya que como se dice en mi casa, más vale llegar a tiempo que rondar un año.

"QUIZÁS SEA UN ERROR BUSCAR UNA SOLA CIRCUNSTANCIA, CUALIDAD O CARACTERÍSTICA PARA INTENTAR AVERIGUAR POR DÓNDE PASA EL CAMINO HACIA LA CIMA"

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B-CULTURED · NOTICIAS CINE

LOS MISERABLES LLEGAN DANDO EL CANTE

HUGH JACKMAN CARACTERIZADO COMO JEAN VALJEAN EN LA VERSIÓN CINEMATOGRÁFICA DE LOS MISERABLES DIRIGIDA POR EL OSCARIZADO TOM HOOPER

A finales de este año, se estrenará en la gran pantalla la adaptación del musical Los Miserables, una obra de teatro que ha cautivado a más de 56 millones espectadores en todo el mundo y que el pasado año 2010 celebró su 25 aniversario. Basado en una novela de Víctor Hugo, Tom Hooper, director de la oscarizada película El discurso del rey es el encargado de llevarla al cine. Hugh Jackman interpretará al héroe Jean Valjean mientras que Russell Crowe será el inspector Javert. Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen y Eddie Redmayne afinan sus gargantas para dar vida a unos personajes situados en la Francia revolucionaria del siglo XIX.

ARRANCA EL 69º FESTIVAL DE VENECIA

el 29 de agosto al 8 de septiembre tendrá lugar uno de los más importantes festivales de cine del mundo. Hace apenas unos días, en Roma, y de la mano del italiano Alberto Barbera, se ha publicado la lista de las películas que optarán al “León de Oro” donde, lamentablemente, no figura ninguna producción española ni latinoamericana en la sección oficial. A pesar de todo, sí tendremos representación española gracias a Javier Bardem ya que forma parte del elenco de To the wonder junto con Rachel Weisz, Rachel McAdams y Ben Affleck. Terrence Malick dirige esta historia de amor que aborda la infidelidad en un matrimonio cansado y anclado en la rutina. Michael Mann, director, guionista y productor estadounidense, será el presidente del jurado junto con el director italiano Matteo Garrone, el director argentino Pablo Trapero y la actriz francesa Laetitia Casta, entre otros.

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BEN AFFLECK Y RACHEL MCADAMS PROTAGONIZAN TO THE WONDER, DIRIGIDA POR TERRENCE MALLICK, QUE COMPITE EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL DE VENECIA

The reluctante fundamentalist, dirigida por la india Mira Nair, abrirá el certamen, cinta que no ha tenido gran recibimiento en otros festivales como en el de Berlín y el de Cannes. Algunas otras películas que competirán en la sección oficial son: Something in the air de Olivier Assayas, Passion de Brian de Palma, Outrage Beyond de Takeshi Kitano, Sinapupunan de Brillante Mendoza y É stato il fliglio de Daniele Ciprí.

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UNA ANIMADA APLICACIÓN PARA MÓVILES

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illiam Joyce, el dibujante americano conocido por ilustrar películas como Toy Story o Robots, ha creado una app para los teléfonos móviles cuyo contenido recuerda mucho a las creaciones animadas de la compañía Pixar. Moonbot Studios es el nombre elegido para la empresa que ya ha creado tres app en apenas dos años de vida. El primero lleva el título de Los fantásticos libros voladores del Señor Morris Lessmore, un cuento interactivo que narra la historia de un apasionado de los libros y que ya por fin se puede leer y escuchar en castellano. Después vino Numberlys, donde unos seres oscuros, cansados de ser números, deciden inventar el alfabeto. Esta aplicación invita al lector a interactuar con los personajes a través de pequeños juegos en la pantalla del móvil. Y por último, llega Bullseye que combina a la perfección música, colores y dibujos. Esta app no está dirigida solo a los niños, ya que tanto la madurez de sus historias, como la gran posibilidad que ofrece este dispositivo para interactuar con él, la hace cercana a un público adulto que queda fascinado ante tal invento.

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MauriceSendak

B-CULTURED · LITERATURA

aurice Sendak nació en Nueva York en 1928. Se crió en una familia judía muy conservadora y pasó la mayor parte de su infancia resguardado en su hogar debido a su frágil salud. Nunca reveló a sus padres su homosexualidad (su pareja, el reconocido psiquiatra Eugene Glynn falleció en 2007) y su extraordinaria imaginación le llevaba a pasarse horas y horas dibujando. Encontró en la pintura la capacidad de desarrollar su lado más artístico y profundo, plasmando en sus dibujos las obsesiones y recuerdos de los hechos históricos que le resultaron difíciles de procesar, tales como la Gran Depresión, el Holocausto o la II Guerra Mundial. Pero lo que mayor impacto causó en él fue la desaparición en 1932 del hijo del aviador Charles Lindbergh, secuestrado cuando aún no había cumplido dos años de vida; este hecho dejó una huella profunda en su mente infantil, quedando reflejado sobre todo en Outside Over There (1981), historia basada en este hecho traumático para el escritor. Sendak rompió con el convencionalismo y las tradiciones de la literatura infantil estadounidenses, mostrando en sus libros un lado diferente de la psique humana. El ilustrador dibujaba inspirado a través de la música de Mozart, de quién llegó a mencionar que era su guía para inspirarse. En sus dibujos se puede apreciar la influencia de pintores como Henri Mattisse o William Blake, con trazos al más puro estilo expresionista y tramas revolucionarias, con personajes que pueden llegar incluso a ser desagradables, tercos o nada educados. Esto llegó a causar controversia recibiendo algunas críticas nada favorables. La imaginación de Maurice desbordó en ocasiones las fronteras del libro infantil. Así en Dónde Viven los Monstruos se refleja esto a la perfección: el autor cuenta, en apenas 10 frases, la historia de Max, un niño que se embarca en una aventura por su propia imaginación, una extensa jungla poblada por monstruos. El libro llegó a recibir críticas terribles. El hecho es que fue una obra innovadora en su

EL PASADO MES DE MAYO FALLECÍA A LOS 83 AÑOS MAURICE SENDAK, EL CÉLEBRE ARTISTA ESTADOUNIDENSE, A CAUSA DE UNA COMPLICACIÓN POR UN EDEMA CEREBRAL. ILUSTRÓ MÁS DE 100 LIBROS DE AUTORES COMO LEON TOLSTOY O HANS CHRISTIAN ANDERSEN, ADEMÁS DE 12 LIBROS PROPIOS. SIN EMBARGO, EL MÁS DECISIVO EN SU CARRERA FUE DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS, SU OBRA MÁS CONOCIDA Y EMBLEMÁTICA CUYAS VENTAS SUPERARON LOS 19 MILLONES DE EJEMPLARES EN 2009, ADAPTADA AL TEATRO Y AL CINE POR EL DIRECTOR INDEPENDIENTE SPIKE JONZE ESE MISMO AÑO TEXTO

TALY ARJONA

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tiempo dentro del género de la literatura infantil y algunos padres presuponían que la historia atemorizaba demasiado a los niños por la potente imaginación del protagonista. Sendak pensaba que los adultos cuestionan las restricciones sobre lo que les está permitido a los niños sentir, pensar y significar, sobreprotegiéndolos a veces en exceso. En sus obras realza esa capacidad imaginativa de los niños para explorar otros mundos fuera de su hogar, lugares incluso llenos de peligros y sucesos extraños y desconocidos. Otro ejemplo de su capacidad imaginativa resulta evidente en La Cocina de Noche (1988) donde el autor dibuja sobre la memoria emocional: el libro es un guiño a algunos recuerdos sobre su infancia, pues en las frases que aparecen en los edificios hechos con latas, botellas y frascos, Sendak hace referencia a productos que solían estar en la alacena de su casa cuando era niño. Este libro también escandalizó a algunos conservadores por algunas imágenes en las que el pequeño protagonista aparece desnudo. Lo que a algunos padres les parecía escandaloso , a él le resultaba lo más natural del mundo. Además de sus ilustraciones y textos, Sendak diseñó en 1980 los decorados de una versión de La Flauta Mágica para la ópera de Houston, entre otros muchos trabajos. Le fueron otorgados premios como el Hans Christian Andersen, el llamado Premio Nobel de la literatura infantil y en 1997 el presidente Bill Clinton le concedió la medalla de las Artes y las Humanidades de EE. UU., donde es considerado hoy en día una pieza del tesoro nacional. Próximamente se publicará como libro póstumo My Brother´s Book, cuyo poema ilustrado está inspirado en el profundo amor por su hermano Jack (1924-1995), quien fue su mejor amigo, mentor y modelo. Maurice Sendak causó sin lugar a dudas toda una revolución en la literatura infantil, dejando en su obra el recuerdo imborrable de un artista con un talento admirable, lleno de profundidad e imaginación sin límites. Descanse en paz.

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B-CULTURED · IMPRESCINDIBLES | CINE

My Blueberry Nights 90 min. Wong Kar-wai GUIÓN Wong Kar-wai, Lawrence Block MÚSICA Ry Cooder FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Jude Law, Norah Jones, Rachel Weisz, David Strathaim, Natalie Portman AÑO

2007

DURACIÓN

PAÍS CHINA DIRECTOR

TEXTOS

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OLGA FRANCO

Wong Kar Wai dirige las películas como si fuera un músico de jazz”, y quizá por esto, Norah Jones pega un tímido pero firme salto al mundo del celuloide aparcando durante un tiempo sus composiciones musicales. La cantante estadounidense debuta como protagonista en My Blueberry Nights, el director parecía pensar en ella mientras hacía girar la acción en torno a su personaje, una chica dulce e insegura pero que gracias a los personajes que va encontrando en su camino, se hará mucho más fuerte para conseguir lo que se proponga o a quien se proponga. La trama inicia y acaba en el mismo punto, en el café de Jeremy (Jude Law), es allí donde Elizabeth acude para confirmar que su novio le ha abandonado por otra. Tras esta decepción, Elizabeth decide marcharse de la ciudad e inicia un viaje por América para encauzar su vida y sobre todo, para encontrarse a ella misma. En este viaje, conocerá a varias personas que le influirán de maneras diferentes. My blueberry nights cuenta tres historias casi independientes. En ellas, identificamos a actores de la talla de Rachel Weisz, David Strathairn y Natalie Portman encarnando a personajes

solitarios, infelices y sin ninguna motivación ni sentimientos. Esta frialdad que abunda en todos ellos, es captada por el director en forma de luz, casi todas las escenas del largometraje tienen lugar de noche. Historias tristes sólo con la luna de fondo, las luces de neón y las gotas de lluvia. El silencio es cortado por el ruido insoportable de los trenes a su paso por la estación de la ciudad. Este es el primer largometraje en inglés del cineasta chino Wong Kar Wai. La fotografía y la dirección cobran un gran protagonismo debido a su originalidad: encuadres atípicos con objetos desenfocados puestos delante de la cámara en primer término, colores llamativos en extremo e imágenes ralentizadas. La banda sonora merece una mención especial, las canciones lentas son capaces de desgarrarte por dentro, las emociones que sientes al escuchar los primeros acordes de The greatest compuesta por la maravillosa Cat Power, que por cierto, actúa con un breve papel, son indescriptibles, capaz de hacerte derramar alguna lagrimita. Además, Otis Redding, Amos Lee, Cassandra Wilson y Ry Cooder, entre otros, cierran un disco perfecto para una película sobresaliente.

B-CULTURED · IMPRESCINDIBLES | CINE

aye y su grupo de amigas se reúnen de vez en cuando en la peluquería que regenta una de ellas, allí charlan de sus cosas pero también observan con recelo a las chicas inmigrantes que ejercen la prostitución, que acaban de aterrizar en su barrio y que les están quitando el trabajo. Tras un hecho monstruoso, Caye conoce a la dominicana Zulema y tras cuidarla, se hacen amigas y la integrará en su entorno. Tras Familia, Barrio y Los lunes al sol, Fernando León de Aranoa dirige Princesas, una película nada reivindicativa que aborda, sobre todo, el valor de la amistad, de cómo dos personajes encarnados en Candela Peña y Micaela Nevárez, encajan a la perfección y pronto se hacen inseparables a pesar de ser rivales, ya que trabajan en el mismo sector “profesional”. Cada una abre el corazón a la otra y con plena confianza se cuentan sus miedos, sus problemas, sus sueños y alegrías, no tardarán en descubrir que tienen demasiadas cosas en común. Simplemente son mujeres que aspiran a algo más en la vida.

Es una película basada en el respeto y muy fiel a la realidad; de hecho las actrices protagonistas pasaron algunos días con prostitutas y charlaron con ellas para conocer, por ejemplo, qué hacen para captar clientes o cómo es la relación que tienen entre ellas. Además, se muestra la dificultad que tienen estas mujeres para encontrar una pareja que realmente las quiera por como son y no por el trabajo que desempeñan. Gracias a una realización con cámara en mano, casi huyendo de los planos fijos, el espectador se mete fácilmente en la historia de estas dos princesas. Caye nos va mostrando poco a poco su personalidad a través de los monólogos que cuenta a Zulema, una persona fuerte, realista, sincera, que desea encontrar el amor verdadero, su mayor sueño es que alguien la vaya a buscar al trabajo. Todos los personajes, donde hay casi una totalidad de mujeres, evolucionan según los acontecimientos, algo que enriquece el largometraje. Desgraciadamente, no se profundiza en las tramas de los secundarios, lo que les hace ser

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Princesas AÑO

2005

DURACIÓN

113 min.

PAÍS ESPAÑA

Fernando León de Aranoa León de Aranoa MÚSICA Manu Chao FOTOGRAFÍA Ramiro Civita REPARTO Candela Peña, Micaela Nevárez, Mariana Cordero, Luis Callejo, Antonio Durán, Violeta Pérez, Llum Barrera... DIRECTOR

GUIÓN Fernando

bastante prescindibles. Como punto y final, Manu Chao pone banda sonora a esta película llena de sensibilidad, y compone Me llaman Calle utilizado como tema principal encajando perfectamente con la filosofía del

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B-CREATIVE · RETAZOS LITERARIOS

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a todo era pasado. Había incluso perdido la musicalidad con la que mis células solian recrearse. Un estímulo que me permitía estar viva. Lo fui, lo tuve, lo retuve, hasta que deje de ser. Mis labios estaban ya secos de mis reiterados besos al fracaso. Sentía esa singular rotura de encanto tras el olvido. Diva de un imperio, rosa del desierto, motivo de búsqueda y sensación de alívio. Lo fui He vivido tanto como he podido y aunque siento desintegrarme día a día aún me siento aquí. Curiosa desintegración que me desfigura el rostro, las manos, las venas, el odio, el sabor, el destino, tu mirada, el pasado. Pero aún y así, me siento mujer. Mujer de nadie pero mía. Marcas de lo vivido en mi piel como si de un lienzo ya acabado se tratase. ¿Sientes miedo, vacío y olvido? porque en mi más interno yo, aún sé que puedo dar mucho. Me siento vacía por vivir en un cuerpo de hombre, un cuerpo irreal, aunque real, pero llena por dar. Te olvidas cómo fingías el libido de mis latidos por compensar esa asquerosa verdad que te renombraba una y otra vez como el dueño de mis pecados. Te olvidas de tantas cosas... Me lamiste tanto como te deseé pero aún y así, te olvidas de un perqueño detalle. Nunca fui realmente tuya. Por tanto y cuanto deseaste, morí. Por tanto y cuanto reteniste, me desvanecí, por tanto y cuanto lloraste, lo acabé todo sin ti. Ahora me siento llena, llena de todo lo que no te pude dar, llena de pasión, de ternura, de paciencia, de todo lo que me autoconvencía de poder darte aunque sentía el maltrato constante de tu respiro en mi tez. Tez que ya no responde. Tez de papel. Tez. Pequé tanto que ni te recuerdo...

TEXTO

URIEL ROIJALS PARDINES

ILUSTRACIÓN

JAVIER G. PACHECO

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B-CULTURED · CARTELERA CINE

Pollo con ciruelas

a en 2007, la ilustradora iraní Marjane Satrapi sorprendió a los fanáticos del cómic con Persépolis, una auténtica joya literaria sobre la historia de una niña inmersa en plena revolución islamista. Ahora, deja a un lado el lápiz y el papel para asumir el rol de la dirección y llevar a la gran pantalla Pollo con ciruelas, una novela gráfica en blanco y negro que se publicó en 2004, y que será un verdadero deleite para el público más exigente. La obra, ganadora en 2005 del premio a Mejor Obra en el Festival de Angulema (Francia), cuenta la historia de Nasser Ali Khan, un músico experto en el manejo del tar (laúd iraní) que, después de que su mujer le rompa el instrumento en una riña conyugal, pierde las ganas de vivir.

ESTRENO:

03/08/2012

GÉNERO:

Drama

PAÍS FRANCIA

Marjane Satrapi y Vicent Paronnaud MÚSICA Olivier Bernet FOTOGRAFÍA Christophe Beaucarne REPARTO: Mathieu Amalric, Edouard Baer, María de Madeiros, Isabella Rossellini...

ACCIÓN, DRAMA Y MUCHO HUMOR REFRESCAN LAS SALAS DE CINE ESPAÑOLAS EN LOS CALUROSOS MESES DE VERANO CON PROPUESTAS TAN VARIADAS COMO LO NUEVO DE RICARDO DARÍN, UN ELEFANTE BLANCO, O A ROMA CON AMOR, LA ÚLTIMA COMEDIA DE WODDY ALLEN. CINE PARA TODAS LAS EDADES Y TODOS LOS GUSTOS QUE INVITA A LOS AMANTES DEL CELULOIDE A DIVERTIRSE Y, AL MISMO TIEMPO, REFLEXIONAR SOBRE TEMAS TAN COMPLEJOS COMO LA SOLEDAD, EL AMOR O LA LIBERTAD

DIRECCIÓN Y GUIÓN

TEXTO

LAURA SERRANO-CONDE

Elefante blanco

ras su paso por el festival de Cannes y su éxito en Argentina, llega a los cines españoles Elefante blanco, la última película del director de Carancho, el argentino Pablo Trapero. En esta ocasión, se pone tras las cámaras para dirigir al siempre brillante Ricardo Darín en este drama con el que invita al espectador a reflexionar sobre temas como la fe, el amor, la soledad o el deber. El filme cuenta la historia de Julián y Nicolás, dos curas que deciden ayudan a las gentes que viven en un barrio marginal en Buenos Aires, después de sobrevivir a un intento de asesinato por parte del Ejército en Centroamérica. En su labor social, también les acompañará Luciana, una asistente social, comprometida con los problemas de su tiempo, que abandonó su vida para luchar contra las injusticias y la pobreza del mundo moderno.

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13/07/2012 GÉNERO: Drama PAÍS ARGENTINA Pablo Trapero GUIÓN Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre, P. Trapero FOTOGRAFÍA Guillermo Nieto MÚSICA Michael Nyman REPARTO Ricardo Darín, Jérémie Renier y Martina Gusman ESTRENO:

DIRECTOR

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ESTRENO: 07/09/2012 GÉNERO: Comedia PAÍS USA Woody Allen GUIÓN Woody Allen MÚSICA Varios FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Woody Allen, Alec Baldwin, Roberto Benigni, Penélope Cruz, Judy Davis, Jesse Eisenberg,Greta Gerwig, Ellen Page, Alison Pill, Ornella Muti, Riccardo Scamarcio DIRECTOR

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A Roma con amor

ras su papel en Vicky Cristina Barcelona, la actriz española Penélope Cruz se reencuentra con el maestro del celuloide Woody Allen en A Roma con Amor, una propuesta romántica que viaja al corazón de Roma para mostrar la luz tan especial que tiene la capital italiana. En la película Cruz compartirá papel con otros actores como Alec Baldwin, Judy Davis o el mismísimo Allen. Con muchos toques de humor y cierta ironía, Allen tomará como hilo argumental la historia de cuatro personajes, que en un principio no tienen nada en común, para desarrollar una compleja pero brillante trama, inspirada en el Decamerón de Giovanni Boccaccio, de 1351.

El legado de Bourne

os hermanos Gilroy invitan a los amantes del cine de acción a descargar adrenalina con El legado de Bourne, la cuarta entrega de la exitosa saga que comenzó con El caso Bourne. en 2002, aunque esta vez sin Matt Damon. El estadounidense Jeremy Renner (El fin de la inocencia) será el encargado de sustituirle. Basada en la novela El Mosaico de Parsifal, escrita Robert Ludlum (autor también de la trilogía Bourne), la película contará esta vez la historia de Aaron Cross, un nuevo agente secreto, que es entrenado y sometido a un avanzado tratamiento para convertirse en una máquina de matar. 17/08/2012 GÉNERO: Acción PAÍS USA DIRECTOR Tony Gilroy Gilroy, Dan Gilroy MÚSICA James Newton Howard FOTOGRAFÍA Robert Elswit REPARTO Jeremy Renner, Rachel Weisz, Edward Norton, Joan Allen, Albert Finney, Oscar Isaac, Scott Glenn, Stacy Keach, Corey Stoll. ESTRENO:

GUIÓN Tony

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