B-side Magazine Issue #5

B-SIDE MAGAZINE ISSUE # 5 · INVIERNO 2013

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luis tosar · The Crookes · Michael Jackson · Frank Ocean · · The XX · Calexico · The Killers · Muse · · George Lucas · Pop Up Stores · Tattoo Art · · Fascinating Rhythm Berlin · Trends Nellyrodi · · MÚSICA · ARTE · CULTURA · DISEÑO · TENDENCIAS ·

S TAF F DIRECCIÓN / DIR. CREATIVA

JESÚS ROMÁN REDACTOR JEFE

JAVIER DECIMAVILLA REDACCIÓN MÚSICA - CULTURA

OLGA FRANCO FEDE CASTAÑO NACHO ROCA LAURA SERRANO-CONDE TALY ARJONA CARLOS BRANDT SHEILA PÉREZ MIRA CIRERA DAVID VIDAL SANS REDACCIÓN MODA

DORY ÁLVAREZ ABAD CARLOTA HERNÁNDEZ INTERIORISMO

CRISTINA JOVER FOTOGRAFÍA

JAVIER TOMAS BIOSCA EVA SAN JUAN DANNIEL ROJAS ANTONIO TOMAS ESTILISMO

BARONESA VAN RITZO COMMUNITY MANAGEMENT

CARLOS PUENTE MARÍA GONZÁLEZ PUBLICIDAD Y RR.PP.

SEBASTIÁN SIMÓN HAN COLABORADO

DAVID MOREU CARLOS ROLDÁN AMAYA RIOZ ROBERTO CORTÉS BENJA BENET URIEL ROIJALS PARDINES KAROLINA SHUMILAS CYNTHIA DE LEÓN RICARDO MUÑOZ VERÓNICA ALMENDROS ANDREA SALOMÓN PABLO IENTILE IKO SAVOY BEA OLIVARES PUBLICIDAD PUBLI@B-SIDEMG.COM BUZÓN PRESS@B-SIDEMG.COM

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EDITORIAL: Han pasado muchos meses desde la última vez que nos leímos, pero poco han cambiado las cosas, querido lector. Yo “personalmente” (quizá una gran minoría ha olvidado la importancia del término persona) estoy bastante hastiado de quejas, de política barata, de sociedades dormidas, de ir a peor. Por eso, como cabeza más visible de este proyecto, aunque arropado por un equipo envidiable, tengo la firme convicción de que sólo hay una forma de demostrar el movimiento... Nos hemos tomado mucho tiempo para dar forma a este número. Una edición, la de invierno, tan especial que no hemos sido capaces de ponerle fin hasta ahora. El resultado, casi 200 páginas de lo que nos define como artistas, como profesionales, como amantes de la cultura y el arte, curiosos, cosmopolitas, jóvenes, amigos, personas… B-side sigue siendo ese pequeño proyecto que nació con aspiraciones enormes pero siempre con una base muy humana. Seguimos siendo tu, y tu que lees estas líneas eres también parte de nosotros. Por quinta vez, GRACIAS. ¡Vamos a por la sexta! JESÚS ROMÁN

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S UMAR IO

#5 I NVI E R N O 2 01 3

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04 · DAVID BYRNE & ST. VINCENT 10 · ENTREVISTA THE CROOKES 14 · THE KILLERS 18 · EDITORIAL MODA (DUAL) 40 · ELLIE GOULDING 46 · FASCINATING RHYTHM BERLÍN (JAM SESSIONS) 54 · CRÓNICA BON IVER 58 · THE ROLLING STONES 62 · EN PORTADA: LUIS TOSAR 76 · MUMFORD & SONS 78 · LA RESURRECCIÓN DEL R&B 84 · THE XX 100 · CALEXICO 104 · POP-UP STORES 122 · ENTREVISTA JULIÁN MAESO 134 · MICHAEL JACKSON 138 · TENDENCIAS NELLYRODI 146 · ENTREVISTA COSMOSOUL 164 · LOOKBOOK

178 · TATTOOART

B-CURIOUS · MÚSICA

davi d byr n e & st. vi nce n t ellos un sonido muy homogéneo, se encuentra la solemnidad propia de Annie Clarck plasmada en Ice Age, Lazarus y Optimist con un aire más etéreo. Mientras que corresponden inequívocamente al cantante escocés la irreverente I Should Watch Tv y las raras Dinner For Two y I Am An Ape (siniestra esta última).

David Byrne, conocido líder de la mítica banda Talking Heads, reincide con gusto, y se nota, en la colaboración. A lo largo de aproximadamente tres años y en un ir y venir de correspondencia vía mail con la joven St. Vincent, se gestó su nuevo trabajo Love This Giant, publicado por 4AD. Ella es un notable ejemplo del indie actual y él, uno de los principales impulsores del new wave americano. El proyecto, una conseguida amalgama de ambas personalidades artísticas en la que, pese a encajar de manera fluida, fácilmente se descubre la autoría de melodías y arreglos de ambos miembros del dúo a lo largo de los 45 minutos que dura el conjunto.

Sorprende el papel protagonista que adquiere la positivamente pesada sección de viento, tan característica de este proyecto en sus doce piezas. Empezando por el single Who, un tema que engancha desde su primera escucha con su ritmo y sus potentes y pegadizos metales que, a juzgar por la abstracta historia de su videoclip, no parece querer revelar finalmente quien es el protagonista al que hace referencia el título.

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Un constante contraste entre las voces de ambos y sus melodías, propensas en general a tendencias individuales, con chocantes cajas de ritmos y toques de afrobeat y funk gracias a colaboraciones estelares como The Dap-Kings o la Orquesta Afrobeat Antibalas (The One Who Broke Your Heart).

La cantautora estadounidense quizá destaca aquí más en su expresión vocal, tanto como solista como en sus aderezos corales, ya que en otros proyectos se explaya más en su faceta multinstrumentista. Pero el objetivo cumplido es que Annie le siente bien a David y David a Annie. Por lo demás, es una música divertida y curiosa, que difícilmente gustará a clásicos o puristas con pocas ganas de abrir sus mentes y que de igual modo no decepcionará a sus seguidores. En las composiciones de artistas creativos del estilo de David Byrne y St. Vincent quizá no siempre se sepa qué esperar, pero desde luego sí se espera no saberlo.

TEXTO MIRA CIRERA FOTO ANDREAS LASZLO KONRATH

Habiéndose repartido equitativamente la composición de temas y resultando de

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JAPAN DROI D S El dúo canadiense está de vuelta con su disco Celebration Rock. Un álbum que representa su confirmación en la escena del indie rock, siendo una continuación natural de su debut Post-Nothing, con el que obtuvieron el reconocimiento unánime de crítica y público e incluso fue destacado en la sección "Best New Music" de la prestigiosa revista Pitchfork.

La banda formada por Brian King a la guitarra y David Prowse a la batería (compartiendo labores como vocalistas), intenta buscar un sonido más pulido y contundente en este segundo disco. Sin abandonar el rock más 'garagero', aportan nuevos matices a la guitarra y una batería en la que destaca la presencia de la caja, ofreciendo un aire algo más punk que su predecesor.

El álbum se compone de ocho pistas cargadas de ritmo y explosividad, de sorprendente plenitud para tratarse de una banda formada por dos integrantes.

Sin embargo, a nivel musical no aporta prácticamente novedad alguna a su anterior trabajo: no hay apenas rastros de evolución. Estamos ante un segundo intento y, por tanto, repetir la misma fórmula no es un pecado tan grave, sobre todo al mantener la frescura y la energía por la que destacaron en Post-Nothing.

Pero por otra parte, corren el riesgo de ser tachados de repetitivos, como refrenda el hecho de encontramos temas prácticamente idénticos en ambos discos. Basta con echar un vistazo a la canción Fire’s Highway del nuevo álbum, cuyo parecido a Young Hearts Spark Fire del anterior resulta más que evidente. Además, el sentimiento de déjà vu se hace patente incluso dentro de

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Celebration Rock, en el que quizás se adolece también de una voz principal más potente y menos gritona, característica que comparten los dos miembros del grupo y que resta un poco de contundencia al producto.

Pese a ello, este segundo largo de Japandroids resulta muy agradable de escuchar y es fácil ser contagiado por su ritmo. Los canadienses se guardan las mejores pistas para el final, sus dos singles Younger Us y The House that Heaven Built, probablemente una de sus mejores canciones (sino la mejor) hasta la fecha. Un futuro tercer álbum va a ser clave para ver hasta donde pueden llegar, ya que con él podremos comprobar hasta que punto evolucionan sin perder las virtudes de su característico estilo y así constatar su importancia en el panorama musical actual...

TEXTO NACHO ROCA

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B-CURIOUS · MÚSICA

p!nk Una de las grandes premisas al hablar de P!nk es que es de las pocas artistas de aquella generación del 99 que no solo aún escuchamos, sino que podemos ver en un directo que aumenta de calidad con el tiempo…

El interrogante principal alrededor de The Truth About Love es si P!nk es capaz de seguir construyendo su multimillonaria reputación cantando nuevamente música pop vanguardista con toques rock que bien quedarían en cualquier disco de Kelly Clarkson o, lo que sería bastante peor, si se ha vuelto aburrida cual depresión post-parto.

P!nk nunca podría ser aburrida. El sexto álbum de estudio de la cantante ha sido el primero que ha logrado estar en el número 1 de las listas de Billboard de USA y su Blow Me (One Last Kiss), alcanzó el Top 5 por más de 3 semanas consecutivas, lo que lo convierte en un disco de éxito en ventas mundial... pero ¿Acaso Pink no está jugando a lo seguro?

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Con una lista de invitados bastante jugosa donde encontramos a Eminem o Lily Rose Cooper a.k.a Lily Allen, entre otros, Alecia Moore y sus mechones rosados se adentran en el fantástico mundo del amor, del cual todo el mundo ha sacado su pedazo de tarta, con productores como Max Martin o DJ o DJ Khalil. Bajo la propia lupa de la cantante, logran un disco para ser recordado.

La narración de cuentos en The Truth About Love, primer larga duración desde Funhouse (2008) es, sin desmayos, vibrante, cargada de la ira justa, la irreverencia que le distingue del resto y un ojo claro hacia el 'dark side' (Walk Of Shame y Slut Like You). Pone al descubierto su relación bien documentada con su marido Carey Hart en la genial True Love, y en baladas como Run o Beam Me Up, sus experiencias se sienten más que reales desde la primera escucha.

Sin embargo, después de una parada de cuatro años, lo próximo que P!nk debería plantearse es cambiar los paradigmas auditivos por los cuales es conocida y desarrollar un nuevo concepto, no una continuación de las distintas páginas de su vida, que sin duda y sin perder esencia, la respaldan con una carrera sólida, llena de éxitos y con un esperadísimo World Tour. Porque como P!nk, ninguna... hasta ahora.

POR CARLOS BRANDT

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AL Icia

La reina del R&B contemporáneo regresa al panorama musical regalando a sus oyentes el quinto trabajo de una fructífera carrera, Girl On Fire. Trece temas que muestran la madurez y plenitud alcanzada en su vida personal, asfaltando así una trayectoria de acordes atemporales, sonidos electrónicos, bits de reggae y ruidosas baterías.

La ganadora de 14 grammys se acompaña esta vez por artistas como Pop and Oak, Emeli Sandé y Jamie XX, sintiendo este nuevo trabajo como una forma de "encontrar la voz, ser libre y confiar en los instintos de uno mismo”.

Sin duda, Alicia Keys es capaz de conmover con su música. Así sucede con la intro De Novo Adagio, donde un cálido piano cobra protagonismo absoluto fundiéndose con Brand New Me; voz, teclado y suaves beats aumentan en calidez, fuerza y sentimiento y nos dibujan musicalmente a una Alicia que después de su break, vuelve completamente renovada.

Continúa el disco con When It´s All Over, un sonido diferente más por sus percusiones que por su contenido. La producción de Jamie XX se queda corta, algo similar a lo que ocurre con la psicodélica Listen To Your Heart. Influenciada por la

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K E ys

música house y el reggae, New Day se posiciona como uno de los mejores temas del disco, mientras Girl On Fire (Inferno), inspirada por los acontecimientos que han transformado su vida en estos tres años de retiro, revive esos toques hip-hop tan comunes en su música. El resultado es un tema pegadizo y comercial al máximo, siendo la colaboración con Nicki Minaj simplemente anecdótica. Tanto como la aportación de Frank Ocean a One Thing, que francamente poco entusiasma.

Fire We Make, un downtempo de puro r&b, inspira continua sensualidad gracias en parte al elegante falsete de Maxwell.

Tears Always Win, compuesta junto a Bruno Mars, nos recuerda que la Keys aún puede y sabe hacer buena música.

Y Not Even The King se eleva para proclamar la importancia del amor sobre el dinero, receta obligatoria para los seguidores de Alicia. That´s When I Knew, producida por Babyface, emociona por esos cambios de tonos menores que acompañan su voz rasgada. Con Limitedless, sin embargo, apuesta por la experimentación partiendo de una denominación de orígen pop, nada que ver con la interprete de Songs In A Minor. Cierra con 101, un tema que muestra vocalmente a una Alicia al límite.

Así, Girl On Fire es un álbum donde la energía y el optimismo son clave. Musicalmente se muestra renovada, libre... Y aunque para los más puristas, cojea quizá por ese punto de experimentación, sigue componiendo, en esta ocasión desde la plenitud, la experiencia y el cambio. Y no existe nada más auténtico que trabajar desde estos valores. Aunque suene algo diferente, más comercial si cabe, Alicia siempre conserva su esencia a la hora de presionar sus famosas Keys.

TEXTO ROBERTO CORTÉS

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t h e Cro ok es ENTREVISTA DAVID MOREU

soñadores con gl amour

FOTO TIMM CLEASBY

ALGO MÁGICO SUCEDE EN LA CIUDAD DE SHEFFIELD, PORQUE NUNCA DEJA DE SORPRENDERNOS CON NUEVOS GRUPOS DE ROCK. PRIMERO FUERON DEF LEPPARD, DESPUÉS LLEGÓ PULP Y TODO SE PRECIPITÓ CON LOS ARCTIC MONKEYS. PERO LAS MODAS AVANZAN A UNA VELOCIDAD ASOMBROSA Y LOS ÚLTIMOS EN ENGROSAR ESTA LISTA PRIVILEGIADA SON THE CROOKES, UN CUARTETO QUE ABORDA EL INDIE POP CON UN ESPÍRITU ROMÁNTICO, AUNQUE TAMBIÉN SABE SONAR SALVAJE Y CAÓTICO CUANDO LAS CANCIONES LO REQUIEREN.

B-FAMOUS · MÚSICA

Sheffield se ha convertido en una de las grandes mecas del rock independiente. ¿Cómo es la escena musical actualmente? ¿Creéis que ha cambiado en los últimos años?

Creo que Sheffield siempre será un lugar donde aparecerán grandes bandas, simplemente porque es una ciudad volcada en la música y eso favorece que se formen grupos nuevos. La escena es fantástica y nos ha ayudado mucho ser de allí. Podríamos decir que nuestro primer álbum está muy influido por Sheffield, puesto que estuvimos en la ciudad durante toda la grabación. Pero los dos últimos años hemos estado muchos meses de gira por Europa, así que nuestra relación con la ciudad ha cambiado un poco debido a la distancia. Aunque la música sigue viviéndose con la misma pasión y tenemos que agradecer el apoyo que nos han brindado artistas como Richard Hawley y bandas como Reverend and The Makers. Sin duda, es el lugar perfecto para empezar un grupo de rock.

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Después de colocar un par de hits en las listas británicas, el verano pasado presentaron su segundo álbum y deslumbraron al público en el Festival de Benicàssim. Sin duda, se trata de un grupo glamuroso que se está desmarcando del resto de bandas inglesas gracias a canciones memorables y que puede tocar el cielo con su segunda entrega discográfica. Nos encontramos con The Crookes en su última visita a Barcelona y hablamos sobre las influencias 60’s, la actitud independiente y sus ansias irrefrenables de salir de gira.

Vuestro primer LP se publicó en el 2011, pero ha llovido mucho desde entonces. ¿Qué recuerdos tenéis de aquella época?

Fue una experiencia curiosa porque apenas teníamos presupuesto para la grabación, así que preparamos las demos de las canciones en el dormitorio de nuestro apartamento con un único micrófono y una vieja grabadora de cuatro pistas. Tampoco podíamos utilizar efectos de sonido profesionales, por este motivo recurrimos a cacerolas y sartenes para conseguir el reverb de la voz. Después llevamos ese material al Cottage Road Studios de Leeds, donde Matt Peel lo puso todo en orden en un par de meses. Como hemos comentado, aquel fue un disco hecho en Sheffield y, además, lo grabamos en invierno, por eso las canciones desprenden cierto sentimiento de tristeza.

Este año habéis presentado vuestra segunda entrega discográfica, titulada Hold Fast. ¿Cómo fue el proceso de composición y de grabación?

Este álbum lo escribimos mientras estábamos de gira en verano y, además, hubo dos semanas de buen tiempo en Sheffield el año pasado, por eso las canciones reflejan esa felicidad. Esto es algo extraño en nosotros, puesto que el primer disco fue compuesto cuando estábamos en una etapa muy depresiva, pero ahora Dan no para de sonreír y sus letras son más optimistas. La música también es mucho más animada y la gente puede bailar. El proceso de grabación fue divertido porque registramos la mayoría de las canciones en directo, tocando juntos en el estudio. Teníamos una fecha de entrega, aunque las sesiones se alargaban más de la cuenta porque buscábamos la atmósfera adecuada para cada tema. A veces nos pasábamos un día entero intentando conseguir un ambiente concreto, pero, una vez lo lográbamos, los temas salían muy rápido.

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B-FAMOUS · MÚSICA

Hoy en día no es habitual grabar los discos en directo en el estudio, pero supongo que es la mejor manera de capturar la magia del momento...

Creo que esa es la gran diferencia entre el primer álbum y el segundo. Recuerdo que mucha gente venía a los conciertos y nos decía: “me gustó el primer disco en CD, pero en directo suena mucho mejor”. Así que pensamos que la clave para grabar el siguiente sería recrear el sentimiento del directo en el estudio.

Por esto Hold Fast es bastante mejor. Entrábamos en la cabina, se encendía la luz roja, nos poníamos un poco nerviosos y entonces empezábamos a tocar. Curiosamente, nos dimos cuenta de que conseguíamos las mejores tomas entre la medianoche y las 3 de la mañana, así que decidimos recrear ese ambiente poniendo cortinas negras en las ventanas. Era como si siempre fuera de noche y estuviéramos tocando en un club.

Nuestra manera de interpretar las canciones cambió, como si fuera un concierto real. Podríamos decir que Hold Fast es un disco mucho más simple, puesto que la mayoría de temas cuentan solamente con dos guitarras, bajo y batería grabados al mismo tiempo. Habitualmente, las sesiones de grabación se alargan durante días, pero cuando la banda toca en directo en el estudio y todo sale bien, se consigue un resultado especial... aunque si alguien comete un error, hay que desecharlo todo. Es una manera excitante de trabajar.

Vuestras canciones tienen una conexión muy fuerte con la música pop de los años 60. ¿Cuál creéis que era la magia de aquella década tan idealizada?

Creo que su magia se resume en el alcance universal que tuvo la música de aquella época, puesto que todo el mundo puede sentirse identificado con ella. Además, nosotros somos una banda que nunca se dirigirá a un público adulto, sino que queremos llegar a la gente joven que baila, que se emociona y que canta cada canción. En ese sentido, no creo que haya un referente mejor que Motown o el rock n’ roll de los años 50, que es un estilo que hemos incluido en nuestro último disco. Nos encantan los años 60, pero esta vez hemos ido un poco más atrás en el tiempo. ¿Podríamos decir que Hold Fast es vuestra aproximación personal al rock n’ roll clásico?

Sí, aunque puedes encontrar muchas referencias distintas a lo largo de los diez temas que grabamos. Hay un par de canciones tituladas The Cooler King y Hold Fast en las que se notan mucho las influencias de los años 50, sobre todo al álbum Telstar.

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Este disco lo produjo Joe Meek y lo escuchábamos mucho mientras estábamos en el estudio, así que sus vibraciones se han colado en varios temas.

El espíritu del rock clásico también se refleja en la energía que transmitimos y en la sensación de tocar en directo.

Justo después de editar el disco, empezasteis a presentarlo por Europa. ¿Cómo afrontáis los conciertos?

Pasamos mucho tiempo componiendo y grabando, y eso fue divertido, pero consideramos que nuestro punto fuerte como banda es el directo. El primer concierto que ofrecimos después de terminar el disco fue en Barcelona y lo pasamos en grande, porque pudimos recuperar la energía que tenemos encima del escenario después de estar encerrados en un estudio tantas semanas. Si pasas mucho tiempo de gira, como nosotros, puede que al final todos los conciertos sean parecidos... por este motivo, empezar la gira con varios shows especiales es una motivación para hacer algo distinto.

Por curiosidad, ¿cuál es el sitio más pintoresco donde habéis tocado?

Puede que te parezca sorprendente, pero uno de los mejores conciertos que hemos ofrecido fue en un viejo cuartel militar abandonado en Liubliana, Eslovenia. Era nuestra primera visita a esa ciudad y el público enloqueció porque creo que allí apenas suceden cosas interesantes. No esperábamos que viniera mucha gente y, al aparcar la furgoneta, vimos a cinco indigentes calentándose las manos en un barril de gasolina con fuego. Pensamos que no era la mejor manera de empezar, pero al final tocamos y resultó increíble. Sin duda, fue una de esas noches especiales y las chicas eslovacas son muy divertidas.

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B-FAMOUS · MÚSICA

FOTO INDIA HOBSON

Creo que también habéis viajado a los Estados Unidos…

Fuimos hace un par de años para tocar en el festival SXSW en Austin, Texas, y fue asombroso. El viaje nos costó mucho dinero y nos quedamos arruinados durante los siguientes dos años, pero la experiencia valió la pena y ese es, sin duda, un festival al que nos gustaría volver en el futuro.

Hablando del futuro, ¿podéis avanzarnos cuáles son vuestros planes para el próximo año?

El año pasado visitamos 15 países, así que creo que ahora todos tenemos un listado de lugares a los que nos gustaría

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ir a tocar. Algunos quieren viajar a Suramérica y otros a Australia, así que deberemos tocar en muchos lugares para estar contentos. Sería genial llegar a 20 países durante el 2013.

Para terminar la entrevista, ¿cómo afrontáis la promoción del grupo y de vuestra música en plena era digital?

Más allá de la influencia musical que representan los años 60 y 70, también hemos adoptado la actitud de aquella época a la hora de relacionarnos con nuestros seguidores. Tenemos un club de fans, la gente nos escribe cartas, nos manda cosas y nosotros les respondemos. Además, editamos un fanzine que

imprimimos de manera artesanal y lo mandamos a todas partes. Sé que es una manera un poco antigua de hacer las cosas, pero creemos que es importante porque Facebook es algo que no se puede tocar. Nos gusta mantener la tradición de que las cosas relacionadas con la banda sean reales y prestamos mucha atención a los detalles, al diseño, a las fotos y a los videoclips. No se trata solamente de música, sino que es algo que abarca mucho más. Por ejemplo, nosotros mismos hacemos los videos, puesto que la discográfica apenas tiene presupuesto para eso. Pero nos gusta, porque es la única manera de ser libres y tener el control de todo lo que hacemos.

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the k i l l e rs LAS FRONTERAS ESTILÍSTICAS MUSICALES SON, A DÍA DE HOY, CADA VEZ MÁS DIFUSAS, SOBRE TODO SI ATENDEMOS A LAS CARACTERÍSTICAS DE LOS SEGUIDORES QUE LAS BANDAS O ARTISTAS DE PRIMERA LÍNEA, TIENEN ACTUALMENTE. AUNQUE SIGUEN EXISTIENDO EN MAYOR O MENOR MEDIDA, PARECEN COSA DE OTRO TIEMPO LOS GRUPOS IDENTIFICADOS CON CIERTO SECTOR DE LA POBLACIÓN, CON UNA SOCIEDAD DETERMINADA O UNA TENDENCIA CONCRETA. TEXTO JAVIER DECIMAVILLA

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B-CURIOUS · MÚSICA

El caso que nos ocupa es un claro arquetipo de la música como motor conciliador de las diferencias en gustos musicales. The Killers, son seguidos y admirados por colectivos dispares y su trayectoria les ha situado es una posición global envidiable. Pero, ¿cuál es el secreto de su éxito masivo?, ¿cómo consiguen unir en sus conciertos al consumidor mainstream y al indie vanguardista? Las respuestas no son matemáticamente exactas, pero sí que existen indicadores del porqué a estas preguntas.

El cuarteto de Las Vegas, desde su propia formación, nos son el típico grupo de rock. Para empezar, no eran amigos, ni empezaron tocando en el instituto, ni se conocieron a través de otros compañeros de profesión. The Killers se originó cuando su líder, Brandon Flowers decidió formar una banda y puso un anuncio en el periódico, así conoció a David Keuning (guitarrista) y, tras varias audiciones se incorporaron Ronnie Vannuci (batería) y Mark Stoermer (bajo). Por tanto, “los asesinos” se formaron por deseo expreso de su cabeza pensante. Quizás fuese por su carisma y por su fuerte personalidad, pero Brandon Flowers desde el primer día ejerció como el líder que siempre había querido ser.

para todos los públicos 15

B-CURIOUS · MÚSICA

Fue en 2002 cuando se publicó el debut de los estadounidenses y, automáticamente, Hot Fuss se convirtió en un clásico instantáneo, gracias a bombazos como Somebody Told Me o Mr. Brightside y aún hoy es considerado el mejor disco de The Killers hasta la fecha. Indie-rock de gran pegada, absolutamente adictivo y con un sello muy personal, mirando de lado a las islas británicas y presentando credenciales de lo que finalmente llegarían a ser, una banda de estadio, con un repertorio plagado de himnos coreables. Con Sam´s Town, indagarían de algún modo en sus propias raíces norteamericanas,

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realizando un disco que es un compendio claro del lugar de donde provienen, con un enfoque algo más introspectivo; mientras que Day & Age tiene la clara intención de despegue absoluto, de llegar por fin a todos y cada uno de los oídos de este planeta, algo que consiguieron de verdad con Human.

Hasta la publicación este año de Battle Born, han sido tres los discos facturados por The Killers (sin contar la recopilación de rarezas Sawdust) y cada uno de ellos ha dejado satisfechos a una serie de seguidores de estilos variopintos, uniendo poco a poco a gente dispar y manteniendo lo conseguido anteriormente.

Mundo independiente, rock de raíces y canales comerciales se mezclan al abrigo de una discografía envidiable.

Además de la clara intención de agradar al mayor número de oídos diferentes, la banda de Nevada cuenta con un aval más para conseguir entrar en gran cantidad de equipos reproductores y llenar cada recinto al que se suben. Estamos hablando, cómo no, de Brandon Flowers.

El cantante no es el ejemplo típico de estrella de rock. Alejado de los excesos de alcohol o drogas, es un activo miembro de la religión mormona, de ahí que mantenga a su mujer de siempre y lleve una vida familiar ejemplar. Esta tranquilidad de su rutina diaria, contrasta con su imagen en los escenarios, donde se muestra como un verdadero ídolo de masas, enloqueciendo a la audiencia femenina con su imborrable sonrisa. Quizás todo esto haga que Flowers no parezca tan ajeno a sus propios fans, pues su reposado modo de vida es más cercano a nosotros que el de otros músicos que atraen la mayoría de los focos. Se mantiene al margen de las cámaras, de la prensa sensacionalista y de las redes sociales, ganando en misterio, siendo él mismo un auténtico enigma por descifrar.

Canciones eficaces que atrapan a todo el mundo sin parangón, un líder con fuerte atractivo físico, carismático, ejemplar y poco expuesto, y una carrera con objetivos marcados a cada paso.

Estos son The Killers y hacen música para todos los públicos.

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The Killers BATTLE BORN (The Island Def Jam. 2012) A Coldplay les ocurrió algo similar el año pasado y ahora ha sucedido con The Killers: tras el éxito rotundo de su anterior disco Day & Age, con el que literalmente tocaron la cima a nivel de repercusión mediática y comercial, la banda de Las Vegas ha regresado más deshinchada que nunca, con preocupantes avisos de pérdida de frescura y confusión total de intenciones.

A pesar de lo que podía hacer presagiar el primer single que conocimos del ábum, Battle Born carece de la épica y contundencia que esperábamos. Runaways es de lo poco salvable que contiene el disco (quizás la única que entraría en una futura antología del grupo), aunque hay algunas piezas más que despiertan algo de interés en el oyente, como Deadlines and Commitments y Miss Atomic Bomb.

La última entrega de The Killers peca de pretenciosidad y se presenta como un batiburrillo en el que cabe todo, sintetizadores, detalles AOR, tímido rock de estadio, baladas edulcoradas, barroquismo pseudoQueen... pero todo sin una nitidez que convenza, con tímidos acercamientos a sonidos que no hacen justicia a la trayectoria del grupo y, mucho menos, a su multitudinaria legión de fans y sus grandiosos directos.

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FOTOGRAFÍA JAVIER TOMAS BIOSCA ESTILISMO BARONESA VAN RITZO HAIR & MAKE-UP KAROLINA SHUMILAS

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JAVIER (IZQUIERDA): TRAJE NEGRO

GARCÍA MADRID JERSEY CUELLO ALTO

COS JESÚS (DERECHA): TRAJE AZUL Y CAMISA NEGRA

GARCÍA MADRID COLLAR Y PENDIENTES

DE LA ESTILISTA

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MODELOS JAVIER CUDEIRO Y JESÚS ORTEGA AGRADECIMIENTOS VIEW MANAGEMENT TEATRO FERNAN GÓMEZ (CENTRO DE ARTE)

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B-TRENDY 路 DUAL

IZQUIERDA:

PARCHE DE TACHUELAS ASSAAD AWAD

TRAJE NEGRO GARCÍA MADRID

JERSEY CUELLO VUELTO COS

DERECHA:

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JAVIER: ABRIGO COS CALZONCILLO CALVIN KLEIN JESÚS: CAPA RABANEDA

JAVIER: ABRIGO COS COLLAR ASSAAD AWAD PARA MOISÉS NIETO CALZONCILLOS CALVIN KLEIN BOTINES TOD'S JESÚS: CAPA RABANEDA CAMISA CARLOS DÍEZ DÍEZ CALZONCILLOS CALVIN KLEIN SHORTS DE LÁTEX MADRUBB CALCETINES CALZEDONIA MOCASINES GARCÍA MADRID

JESÚS: CAPA RABANEDA CAMISA CARLOS DÍEZ DÍEZ CALZONCILLOS CALVIN KLEIN SHORTS DE LÁTEX MADRUBB JAVIER: ABRIGO COS CALZONCILLOS CALVIN KLEIN

AMERICANA DE CUADROS GARCÍA MADRID

PANTALÓN Y LAZO DE CHIFÓN CARLOS DIEZ DIEZ

B-TRENDY · DUAL

GAFAS DSQUARED2

SHORTS CON TIRANTES CARLOS DIEZ DIEZ CAMISETA DE LÁTEX MADRUBB

CORONA DE ESPINA ASSAAD AWAD

CAMISA Y ZAPATOS COS

PAJARITA Y CINTURÓN GARCÍA MADRID

BERMUDAS PENÉLOPE ALMENDROS

B-TRENDY · DUAL

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VELO JT BORDADORES PANTALÓN CON PINZA CARLOS DIEZ DIEZ

VELO JT BORDADORES

B-CURIOUS · MÚSICA

ellie g o ul di ng

La primera vez que escuché a Ellie Goulding no fue una sino seis veces que sonó en la radio con uno de los sencillos de su primer disco. Desde entonces ha sido inevitable no sentirme eclipsado por su sutil voz.

Con Lights logró ser el objeto de deseo de la BBC, distintos festivales y todo un mercado americano que, con críticas variadas, quedó a la expectativa de lo que estaba por venir.

Ha llegado. Su segundo álbum Halcyon está ya a la venta con un sonido más orgánico y artístico, en el que explota sus característicos bucles vocales. A partir del primer single, Anything Could Happen, florece esta transición de lo comercial a lo alternativo y en él se nota la experimentación de la cantante ante un álbum más maduro auditivamente.

Que Goulding logre resaltar por encima de cantantes femeninas actuales se debe a cómo ella y el productor Jim Eliot a menudo utilizan su voz como instrumentos adicionales, como ocurre en Don’t Say a Word, My Blood u Only You. Su vocalización ofrece la melodía, mientras canta entre cuerdas que crean un muro de sonido. Esa sensación de otro mundo impregna casi

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todas las canciones de Halcyon. Violines que se cruzan con sintetizadores, tambores tribales y palmas, junto a voces vulnerables, ahora características de Goulding, que recordarás mucho después de haber terminado de escucharlo.

Sus colaboraciones son interesantes, aunque Hanging On producido por Billboard (creador de éxitos para Robyn, Ke$ha o Britney) suene mejor sin Tinie Tempah. La esperada asociación con Calvin Harris en I Need Your Love es tan deslumbrantemente efectiva como lo es por los números conseguidos.

La artista preferida del Príncipe Guillermo y Kate Middleton ha dado vida a temas que tratan más sobre atmósferas y emociones que sobre estribillos pegadizos, alejándose quizá de lo comercial aunque con una fórmula que funciona bien. Halcyon habita un mundo etéreo donde la voz de Ellie flota por encima de la electrónica.

TEXTO CARLOS BRANDT

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B-CRITIC · MÚSICA

DIANA KRALL GLAD RAG DOLL (The Verve Music Group. 2012)

GRIZZLY BEAR SHIELDS (Warp Records. 2012) La banda de Brookyln vuelve con su cuarto álbum de estudio Shields, integrado por diez pistas que refrendan su prestigio en la actualidad musical indie tras su consagración definitiva con su anterior trabajo, Veckatimest, con el que llegaron a impresionar hasta los mismísimos Radiohead.

Grizzly Bear consigue en este trabajo un disco más compacto, del que es difícil destacar un tema pero del que resulta muy sencillo admirar el todo, un trabajo completo desde la primera a la última pista. En palabras del cantante y guitarrista

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Daniel Rossen, la banda tenía el objetivo de conseguir un disco más colaborativo y colectivo. El objetivo se ha cumplido con creces en este álbum que destaca por un sonido más profundo y complejo que los anteriores, con temas que van desde el guitarrero y animado Yet Again a canciones más oníricas como la que cierra el disco, Sun in Your Eyes, que se combinan a la perfección para crear una experiencia musical completa y cerrar un álbum muy cohesionado que se descubre como uno de los más interesantes del cuarteto americano. POR NACHO ROCA

Diana Krall es una rara conjunción de ventas espectaculares y poco reconocimiento por parte de la crítica. La canadiense resulta ser una artista interesante con un material excepcional y no se conforma con seguir haciendo lo mismo una y otra vez. Glad Rag Doll es un salto fascinante ya que tiene un sonido mucho más contemporáneo, con una franqueza de expresiones entre guitarras, un disco a medio camino entre lo nuevo y lo viejo, pero fresco y vigorizante. Producidas por T-Bone Burnett, Glad Rag Doll, I’m a Little Mixed Up o Lonely Avenue destacan sin duda como extraordinarias junto a Let It Rain y Prairie Lullaby, que son melodía pura.

Esperamos que, después de haber arrastrado esta rama creativa y más arriesgada, Diana Krall se quede fuera de los límites de su propia zona de confort. Las modas son cíclicas, y en este caso la mujer de antaño conoce a su versión contemporánea en un rejuvenecimiento ganado por la experiencia.

POR CARLOS BRANDT

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AIDEN GRIMSHAW MISTY EYE (Sony Music. 2012)

THE AVETT BROTHERS THE CARPENTER (Universal Republic Records. 2012)

The Avett Brothers llevan una más que interesante carrera, con siete discos bajo el brazo y con pocos baches reseñables entre ellos. La última entrega de la banda de Carolina del Norte, bajo el

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título de The Carpenter, es un ejemplo más del amable folk-rock que es capaz de elaborar este quinteto, la unión perfecta de ese binomio tan repetido en multitud de aspectos de la vida, la tradición y la modernidad, con un sello personal y una calidad notable.

En particular, la discografía del grupo ha ido creciendo en calidad a través de los años, llegando a su punto culmen en las dos últimas entregas Emotionalism y I and love and you. The carpenter se sitúa al nivel de estos álbumes y mantiene a The Avett Brothers en un lugar privilegiado.

Las armonías vocales, el sonido acústico y las agradables melodías se dan cita en este trabajo de corte sencillo, dulce y elegante. Resquicios de una América respetuosa con su pasado, vitalismo y ensoñación, sonidos sugerentes para dar a este precioso trabajo un cariz de clásico. Los hermanos Avett han vuelto a dar en la tecla y, aunque no sorprenden, conquistan y enamoran.

POR JAVIER DECIMAVILLA

Dubstep, drum& bass y triphop es lo que encontraremos en Misty Eye, el disco debut del británico Aiden Grimshaw, que se dio a conocer en 2010 en X Factor UK, en el que compitió con artistas como One Direction, Cher Lloyd o Rebecca Ferguson.

Tras dos años de duro trabajo componiendo sus propios temas, en junio debutó con Is This Love, single con el que obtuvo el puesto 35 de la UK Top 40 y en el que dejaba claro que los sonidos urbanos serían lo suyo. El encargado de ello es el productor australiano Jarrad Rogers, que ha trabajado con Alex Clare y ha creado buenas bases alternativas para Grimshaw. Entre los 10 temas cabe destacar la versión de Breathe Me de Sia, bastante fiel a la original, y What We Gonna Be con el que puede hacer sombra al mismísimo Example. Un segundo single más calmado, Curtain Call, y un tercero que está por llegar, Nothing At All completan este interesante debut alejado de la previsible comercialidad de los artistas que salen de concursos como éste. POR DAVID VIDAL SANS

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B-CURIOUS · MÚSICA

for

bat l a s h e s TEXTO DAVID VIDAL SANS

TRES AÑOS DESPUÉS DE SU ACLAMADO TWO SUNS, NATASHA KHAN, O LO QUE ES LO MISMO, BAT FOR LASHES, REGRESA CON SU TERCER TRABAJO THE HAUNTED MAN, FRÍO Y MISTERIOSO COMO SU PROPIA PORTADA, EN EL QUE DESNUDA NO SÓLO SU CUERPO, SINO TAMBIÉN SU ALMA Y SOBRETODO SU VOZ

La británica de origen paquistaní entrega once cortes de una indiscutible calidad musical y una producción excelente a cargo de su colaborador habitual, David Kosten, que obtuvo el prestigioso premio Ivor Novello por los dos primeros LPs de Khan.

Como si de un Dolby Surround se tratara, The Haunted Man desprende un aura que cautiva, envuelve y atrapa de principio a fin, destilando elegancia y clase.

Sonidos algo fantasmagóricos (recordemos que el álbum se titula “El Hombre Embrujado”), ecos y mucha percusión predominan en este trabajo en el que la británica evoluciona hacia un sonido más electrónico que folk, en la línea de la debutante Jessie Ware o del último trabajo de Fiona Apple.

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Laura es sin duda la mejor canción del álbum, o sino, la que tenía todas las papeletas para convertirse en el single presentación por su intensidad, su optimista letra y porque no nos engañemos, el estilo de Bat For Lashes se asemeja cada día más al de la pelirroja de moda, Florence + The Machine; con una voz mucho más dulce. Laura, además, está escrita junto a Justin Parker, coautor de Video Games y de prácticamente la mitad del Born To Die de Lana Del Rey, algo que se puede apreciar en el estilo de la canción y su suave comienzo liderado por el piano.

All Your Gold, el segundo single, parece una secuela, o incluso me atrevería a decir, copia del popular Somebody That I Used To Know de Gotye. Quizás accidental, quizás intencionado, pero el parecido con el tema del australiano es indudable.

Una producción exquisita, un sonido a veces intimista, a veces intenso, para esta tercera apuesta de Khan que debutó en el #6 en Reino Unido y que el pasado mes de noviembre presentaba en directo en Madrid y Barcelona rozando el lleno absoluto.

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fas ci nat i ng r hy t h m

berlin

DICEN LAS BUENAS Y MALAS LENGUAS, QUE BERLÍN ES LA CAPITAL EUROPEA DEL TECHNO Y DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA, QUE ALGUNAS DE SUS DISCOTECAS SON LAS MEJORES DEL MUNDO Y QUE LAS NOCHES EN LA CIUDAD DEL OSO ALZADO NO ENTIENDEN DE AMANECERES Y DE RETIRADAS “A TIEMPO” ILUSTRACIONES PABLO IENTILE

ARRANCA LA SEMANA JAZZERA CON ENCANTO EN SPEICHES ROCK & BLUES

TEXTO AMAYA RIOZ

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Y es verdad. Otros aseguramos que en Berlín uno podría saltar de un concierto de jazz a otro y de una jam de blues a la siguiente, como si de ardillas peninsulares en tiempos pasados se tratara; sin descanso, sin llegar a tocar el suelo.

Esta pequeña guía semanal no es más que una respuesta pública a la demanda de amigos viajeros que buscaban 'insider tips' para disfrutar de la geografía musical berlinesa imprescindible. Evidentemente, dada la amplitud y variedad cultural/musical de la ciudad y su amor por el underground, hay muchos lugares que quedan fuera de estas líneas. Algunos secretos son efímeros o se transforman y sólo pueden ser disfrutados cuando los descubre uno mismo metiendo la nariz o el oído donde nadie le ha llamado. Salgan, toquen, disfruten y creen su propia aventura.

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VIERNES

SÁBADO

SPEICHES ROCK & BLUES

A – TRANE

Este Kneipe situado en el corazón de Prenzlauerberg pasa bastante desapercibido a la vista y al oído de los menos atentos. Aunque la calidad musical de las bandas (normalmente tríos y dúos de rock, folk y blues) que actúan en su mini escenario varía mucho de una semana a otra, lo que siempre está garantizado son la pasión, el respeto y el amor por la música que se respira entre sus paredes cubiertas de fotos, banjos y guitarras de doble mástil. La clientela habitual supera con frecuencia la cincuentena y arremolinada a pie de barra con una pinta de cerveza de trigo en mano, se muestra dispuesta a una buena charla acerca de los más variopintos temas, sobre todo, musicales. En el Speiches hasta el piano que parece desintegrarse por momentos tiene encanto, engancha; y si uno quiere despistarse un rato, siempre puede ir a una pequeña salita colindante con futbolín incluido. La entrada es gratuita y no cobran suplemento alguno en la bebida. Se trata, sin duda, de un “hogar musical” altamente recomendable: genuino, acogedor y que invita a probar suerte una semana tras otra.

El A-Trane es un imprescindible en la noches de jazz berlinesas. Se trata de un club elegante y con clase entregado a los más variados estilos desde el bebop, al freejazz o el r&b. Está en la parte oeste de la ciudad y en 2012 ha cumplido veinte años desde su apertura al público. El local era una antigua tienda de patatas y cuando el dueño se hizo con él para convertirlo en lo que debía ser un referente en la escena del jazz alemana, su ambición fue hacer del lugar un espacio con la calidad acústica de un estudio. Lo consiguió con una serie de obras laboriosas que se llevaron a cabo durante casi dos años. El resultado: una acústica espectacular en todo el local; allí se han grabado muchos programas de radio y también discos. Los grandes del jazz a nivel internacional tocan en el A-Trane a su paso por Berlín. De ello dan fe las numerosas fotografías con autógrafo que cuelgan de sus paredes.

Todos los días hay conciertos y conviene reservar entrada con antelación porque, sobre todo los fines de semana, suele estar a tope. Los sábados después del concierto, a partir de las doce y media, la entrada a su late night jam session es gratuita y si consigues hacerte un hueco en el espacio, es muy recomendable asistir y dejarte embriagar por el ambiente que se respira.

Eso sí, si eres de los de oído muy sensible, no intentes ocupar ninguna de las bonitas mesas caoba en la primera fila junto al escenario.

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YORKSCHLÖSSCHEN El Yorkschlösschen se ha convertido en toda una institución en la parte oeste de Kreuzberg (SO 61) y es innegable que el esquinazo que ocupa en la calle que lleva el mismo nombre, es imponente.

Lo avalan casi veinte años de música en vivo y una arquitectura interna que sufre de horror vacui con algún que otro detalle decorativo que desconcierta a cualquiera. La clientela es muy variada y, dependiendo de la estación del año, sus dos salas pueden llenarse hasta la bandera (tienen pantallas en las paredes para los que no llegan a ver el escenario) o estar prácticamente vacías porque hay quien prefiere disfrutar del Biergarten en el exterior. Además de los conciertos en horarios habituales, para los amantes de los matinales es ideal el brunch con jam de blues o de jazz.

Se trata de un club en el que la fiesta musical es algo serio y hasta los abuelos más mayores vitorean a los músicos situados en el escenario-cuadrilátero y lanzan llenos de entusiasmo sus ouh yeah. Los días de llenazo total son habituales ciertas escenas entrañables y se genera una gran complicidad entre los presentes que a veces, entre cerveza y cerveza, se rinden inevitablemente al groove y deciden echarse unos bailes tímidamente o no tanto. Hay quien intenta jugar al despiste y no pagar el suplemento en la primera consumición de cuatro/seis euros por la música en vivo.

Recuerda esto: nunca lo conseguirás; los camareros del Yorkschlösschen lo saben y lo ven todo, aún en la confusión de la marabunta.

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DOMINGO El Artliners está en Friedrichshain, pegado a la Boxhagenerplatz. Los domingos, oficialmente a partir de las seis de la tarde (extraoficialmente más bien a las siete), comienzan a reunirse allí todo tipo de personajes propios de la fauna y flora berlinesa, de los que uno nunca sabe qué esperar.

Más que una jam propiamente dicha, se

ARTLINERS trata de un open stage en el que además de temas jazz o blues, cantan cosas parecidas al famoso Smelly cat o temas de Kurt Kobain con voz entrecortada. No te fíes nunca de las apariencias. Hasta el más ebrio y no precisamente de amor, toca el piano o desenfunda una flauta travesera y convierte tu tarde de domingo en una lección que nunca olvidarás.

CASI VEINTE AÑOS DE MÚSICA EN VIVO AVALAN EL IMPONENTE Y CONCURRIDO YORKSCHLÖSSCHEN

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MARTES

LUNES

KUNSTFABRIK SCHLOT Si no lo buscas, no lo encuentras. El Schlot vibra en un sótano de los laberínticos y llenos de oficinas Edisonhöfe (Mitte). Posee una magnífica escuela de música (SchlotMusikschule) y es el lugar perfecto para dejarse caer en lunes y empezar con fuerza la semana.

Tanto lunes como jueves la entrada es gratuita y el espectador paga lo que considera oportuno al final del concierto; siguiendo la máxima 'toma chocolate y paga lo que debas'.

Es común que actúen Big Bands y formaciones estudiantiles de jazz con un nivel técnico más que notable. Además, el club se encarga de organizar ciclos de chanson francesa, tertulias literarias, proyecciones de películas y un teatro de improvisación muy recomendable. No salgas de allí sin llevarte una pequeña caja de cerillas con contrabajista incluido.

Las encontrarás a montones en la barra.

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EDELWEISS

En pleno corazón de Kreuzberg, adentrándose en el Görlitzer Park, compitiendo con las jams callejeras, hoguera y barbacoa incluídas, está este local que tiene también restaurante, un sótano para fiestones y un espacio en la primera planta que nos recuerda al salón de casa con paredes tapizadas y sillas plegables preparadas para recibir al público joven más trendy/cool que puedas encontrar en una jam de jazz berlinesa. En los últimos años se ha puesto de moda y tras subir las escaleras y pagar religiosamente tres euros de entrada, a veces resulta complicado conseguir un pequeño espacio, incluso en el suelo, en el que poder colocar tus huesos.

Lionel Haas, el pianista que dirige la jam es cuanto menos un tipo peculiar y merece la pena verle en acción. Cuenta con sus habituales, pero también es muy común que se toquen un temita músicos llegados de todos los puntos geográficos imaginables. El latin y el afrojazz caldean el ambiente de esta jam donde el virtuosismo del flirteo iguala al musical. Diversión garantizada.

No cargues inútilmente con botellas llenas de cualquier tipo de líquido. Tendrás que abandonarlo todo en la entrada.

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ZOSCH B-FLAT Al pegar la nariz en la ostentosa cristalera del B-Flat desde la Rosenthalerstr.

(Mitte), uno se siente como un voyeur observando tanto la espalda de los músicos como la cara del público más entregado. Esta enorme cristalera es el preámbulo del más que cuidado diseño interior que descubriremos al entrar. El local destaca precisamente, por su estética, por la calidad de su acústica y por un público que se acerca a la cuarentena, generador de un ambiente bastante exclusivo y en ocasiones también un poco hochnäsig.

El club ofrece un programa musical variado y acoge diferentes estilos que van desde el swing al tango, pero la ya mítica jam de los miércoles dirigida por el contrabajista Robin Draganic siempre es de jazz. Sin duda merece la pena pasarse por allí y si tienes suerte en una de tus visitas quizás te encuentres también a algún bailarín de claqué de la talla del americano afincado en Berlín, Bryan Berry. Si eres músico tendrás que armarte de paciencia esperando tu turno porque la afluencia de participantes es enorme. Todo el mundo desea poder decir que ha tocado en el B-Flat.

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MIÉRCOLES

Un plan recomendable para continuar la noche del miércoles, tras la pausa en el B-Flat, es acercarse hasta el Zosch dando un agradable paseo a pie, en bici o en el tranvía M6 si las piernas no dan para más. Este local ha permanecido prácticamente intacto desde que se fundara en el 1989 tras las reformas políticas y económicas que acontecieron en Alemania.

El Zosch cuenta con dos plantas; en la superior se cogen fuerzas cenando platos sencillos como la ensalada Zosch o un par de salchichas Wiener aderezadas con montones de mostaza para después bajar al sótano–catacumba en el que cada miércoles la ya mítica banda La foot creole hace sonar con toda su energía jazz de Nueva Orleans. Hay mesas enormes de madera con bancos corridos y merece la pena disfrutar del animado concierto compartiendo hasta el más mínimo hueco libre.

Si bien este local siempre ha sido lugar de encuentro de lugareños, en los últimos años el Goethe Institut celebra reuniones semanales con sus alumnos allí y también acuden cada vez más turistas, por lo que el ambiente se vuelve más alborotado y chillón que de costumbre.

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B-CURIOUS · JAMMING IN BERLIN

PROGRAMACIÓN PARA EL MARTES PARA EL PÚBLICO MÁS TRENDY: EDELWEISS

JUEVES

QUASIMODO

El Quasimodo es uno de los clubs de música en vivo más antiguos y renombrados de la ciudad. Está en el barrio de Charlottenburg, justo al lado del Teather des Westens (Teatro del Oeste). Situado en un sótano, debajo del café que lleva su mismo nombre, ofrece el aspecto y ambiente que son de esperar de un club de jazz: es oscuro, íntimo y acogedor.

Las martes noche hay sesión de micrófono abierto y todo aquel que desee cantar un tema o dos debe mandar el/ los título/s con al menos una semana de antelación al local para que la banda los prepare. Los miércoles hay jam y el resto de los días de la semana el club ofrece magníficos conciertos no sólo de jazz, sino también de funk, soul, country, blues y rock. Las entradas se pueden reservar y comprar con antelación.

Característico del lugar y motivo de orgullo para su propietario es que los camareros te lleven la bebida a la mesa. Se trata de un detalle poco habitual en los locales de música en vivo en Berlín que los más sibaritas sabrán apreciar.

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dr ag on e t t e

DESPUÉS DEL ÉXITO MUNDIAL DE HELLO, SU COLABORACIÓN CON MARTIN SOLVEIG EN 2010, DRAGONETTE, QUE YA TENÍAN DOS ÁLBUMES EN EL MERCADO, EMPEZARON A TRABAJAR EN BODYPARTS, PUBLICADO EL PASADO MES DE SEPTIEMBRE, PARA EL QUE HAN OPTADO POR UN SONIDO MÁS DANCE Y COMERCIAL, QUIZÁS COMO EVOLUCIÓN NATURAL EN LOS TIEMPOS QUE CORREN, DONDE LA ELECTRÓNICA DOMINA LAS LISTAS DE VENTAS EN TODO EL MUNDO.

Un par de temas promocionales publicados en Soundcloud, daban pistas de la dirección que iban a tomar los canadienses con Bodyparts, una colección de 12 temas de electro-pop y dance con aires ochenteros y algo de glam.

Sorprende que tras varias colaboraciones con Solveig, la banda no haya contado con él para la producción de este disco, pero su influencia es evidente sobre todo en los cortes más dance como los singles Let It Go y Live In This City. Más allá del dance comercial, destacan temas como The Right Woman, con un sonido más escandinavo que americano y que bien podría tratarse de una producción de Röyksopp o una composición de la mismísima Robyn. Otra de las joyas es Giddy Up, con una base sintética que recuerda a las últimas grabaciones de Goldfrapp o a alguno de los temas más atrevidos de Kylie.

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En el álbum también hay lugar para temas más tranquilos como Untouchable, con una potente base synth, o Lay Down, en los que predomina la aguda voz de su vocalista Martina Sorbara.

Para fans puede resultar demasiado facilón; para los demás, la oportunidad de conocer a la banda a fondo por primera vez. El salto al dance era, quizás, el paso inevitable para llegar a la mayor audiencia posible y desde luego se puede decir que Bodyparts puede gustar tanto al sector electro-indie como a los devotos del puro pop más comercial. Con un sonido de club predominante en todo el álbum, sólo podíamos encontrar temas alegres, desenfadados, llenos de energía y letras positivas que dejan en su conjunto una sensación de buen rollo con un suave toque divertido.

TEXTO DAVID VIDAL SANS

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C RY S TAL CAS T L ES

TEXTO NACHO ROCA

El electro más oscuro está de vuelta.

Con su tercer disco, Crystal Castles se convierten en una referencia indiscutible de la electrónica independiente demostrando su carácter y originalidad. Su contundente propuesta basada en los sintentizadores de Ethan Kath y en la personalidad de su cantante Alice Glass -una auténtica apisonadora de desorbitada sensualidad-, han hecho que este dúo canadiense se posicione en un lugar de excepción en el panorama musical actual.

Su característico estilo es oscuro y desafiante, con registros electrónicos que recuerdan al más puro 8-bit de los videojuegos de antaño y con una línea vocal aguda y distorsionada. La banda consigue crear atmósferas incómodas pero de sensual atractivo; los gemidos de Glass son como cantos de sirena de una nueva era, generando una experiencia auditiva que requiere cierta adaptación pero que, una vez dentro, atrapa y sugiere, incluso acaba perturbando.

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En lo referente III, Ethan Kath destacó la intención de crear un álbum con un estilo nuevo y diferente a lo que venían haciendo, sin disponer de ordenadores en el estudio, grabando todo en cinta a una toma y cambiando todos los teclados y pedales que venían utilizando en los anteriores álbumes. El resultado, un disco mucho más crudo a nivel de sonido, un trabajo asfixiante y ambiental, donde las lejanas y agudas voces de Glass son más sugerentes que nunca. Sin embargo pierde un poco de la oscuridad y contundencia del segundo LP y resulta menos pegadizo y accesible que el primer disco.

Cabe destacar Affection, que recupera el sonido más clásico de la banda, la genial y bailable Violent Youth, la profundidad y la angustiosa atmósfera que crea Telepath y el precioso broche final a modo de nana que despide III, Child I Will Hurt You, En definitiva, un fantástico LP que muestra una evolución de la banda que no defraudará a los fans, pero que quizás no sea el más recomendable para los más primerizos que quieran acceder al oscuro mundo electrónico de Crystal Castles.

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CRÓNICA JESUS ROMÁN FOTOGRAFÍA ANTONIO TOMAS

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PALACIO DE VISTALEGRE (MADRID) 28/10/12

Quizá producto del frío, en esta primera noche realmente gélida en la capital que augura un larguísimo invierno, bien de la soledad y la introspección que suelen ser peligrosas compañeras de viaje, o quizá de la conmoción por poder disfrutar a tiro de piedra de una de las bandas más sólidas y aclamadas de nuestra historia reciente, lo cierto es que conceptos como magia, espiritualidad e ingravidez serían bastante acertados para describir las sensaciones que se dieron cita en el Palacio de Vistalegre desde el primer acorde de Perth; una majestuosa apertura para el primer concierto de Justin Vernon y los suyos en Madrid.

Cuatro minutos después, los que dura el corte que abre su segundo trabajo homónimo, habíamos caído rendidos sin remedio ante esa orgía de luces y sonido de tremendo empaque que parecía levitar entre los asistentes, llevándose a su paso cualquier pensamiento ajeno al espectáculo. Una combinación de emociones tremendamente bien calculada que consiguió incluso dilapidar las pocas expectativas generadas por el recinto, a pesar de los momentos de extremo empaste y falta de matices -desde aquí un llamamiento a quien proceda. Madrid no está preparada para dar soporte mediante espacios de aforo medio a músicos de tal calibre, manteniendo una calidad de sonido aceptable-.

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B-ALIVE · BON IVER

Uno a uno se fueron sucediendo los compases de esa fantasía sonora de la que ha hecho su bandera Bon Iver, trasladándonos a esa caseta en medio de las frías y atemporales montañas de Wisconsin donde Vernon se retiró antes de componer su primer largo en busca de estabilidad emocional. Temas como Holocene, Towers o un magnífico Calgary dejaban atónico al respetable, fluctuando entre momentos de extrema contundencia como el que pudo vivirse con Blood Blank (a destacar la grandísima importancia de los metales y la percusión en este espectáculo) o ejercicios minimalistas de altísima sensibilidad como Skinny Love. Silencio sepulcral y atención permanente a los movimientos de una banda completa y compleja que tan pronto bañaban el recinto de compases

B.SIDE · INVIERNO 2013

folk como discurrían por los dificultosos terrenos del free-jazz y el rock psicodélico. Justin Vernon, humilde, sencillo y genio en todo su esplendor creativo, aunque más pródigo en virtuosismo instrumental que en palabras, dejó caer hasta alguna broma, como aquella en la que se refería a Vistalegre como una plaza y anunció una hipotética e inminente salida del toro. Mofas sobre nuestra “cultura” aparte (a ti te lo consentimos todo, Justin), la metáfora fue más que acertada, ya que embistieron con toda la majestuosidad que tenían a mano en la escasa hora y media que duró el evento. Cerraron, después de un extenuante setlist, con ese For Emma que sirvió como punto de partida de su álbum debut. Y por supuesto nos dejaron con ganas de más, de muchísimo más.

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B-ALIVE 路 BON IVER

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TEXTO LAURA SERRANO-CONDE

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ROL L I NG STONES

ILUSTRACIÓN IKO SAVOY

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Nacieron como banda una noche de octubre de 1960, cuando Mick Jagger y Keith Richards, antiguos compañeros de escuela, se reencontraron en un tren con dirección a Londres. Dicen que ambos compartían la admiración por Elvis Presley y por los grandes del Rythm and Blues, y entre ellos surgió una amistad que no moriría nunca. En abril de 1962 se unieron Brian Jones, Ian Stewart y Dick Taylor, y el 12 de julio de ese mismo año dieron su primer concierto en el Marquee Club. Fue cosa de la suerte, pues el grupo contratado para amenizar la noche, los Blues Incorporated, no acudieron a la cita y ellos fueron los elegidos para salir en su lugar. El público descubrió entonces un diamante en bruto, una banda totalmente revolucionaria que llegaría a lo más alto en el mundo de la música.

SE AUTODENOMINARON LA MEJOR BANDA DE ROCK DE TODOS LOS TIEMPOS. Y NO LES FALTABA RAZÓN. ¿QUIÉN NO HA SALTADO ALGUNA VEZ CON SATISFACTION O NO HA SENTIDO GANAS DE ENCENDER UN MECHERO AL ESCUCHAR ANGIE? AHORA CUMPLEN 50 AÑOS SOBRE LOS ESCENARIOS Y PARA CELEBRARLO, HAN PREPARADO LA GIRA 50 AND COUNTING (50 AÑOS Y SEGUIMOS). MEDIO SIGLO SONANDO Y AÚN LES QUEDAN MUCHOS AÑOS MÁS DANDO GUERRA

Tras esa primera toma de contacto, continuaron con sus ensayos, y no fue hasta 1963 cuando saltaron a la fama con el tema I Wanna Be Your Man, una canción compuesta por los Beatles. Amigos en privado, Los Rolling Stones y los de Liverpool mantuvieron desde entonces una muy buena relación, aunque fueron convertidos por las discográficas en eternos enemigos de cara al público para aumentar el morbo e incrementar las ventas de sus publicaciones.

Por aquel entonces Taylor había abandonado la banda y en su lugar tocaba el bajista Bill Wyman, que permanecería en el grupo hasta 1993. Tampoco estaba ya Ian Steward. El manager Andrew Loog Oldham decidió que su aspecto no encajaba, tenía una prominente mandíbula que hacía resaltar en exceso su cara

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"EL NOMBRE DE LOS ROLLING LLEVA SONANDO MEDIO SIGLO, EMOCIONANDO A VARIAS GENERACIONES CON SUS MÁS DE 25 DISCOS Y SU IMAGEN DE TIPOS DUROS. NO HAY NADIE EN TODO EL MUNDO QUE NO HAYA CANTADO ALGUNA VEZ UNO DE SUS TEMAS"

en las fotos, y su ropa siempre bien planchada no era adecuada para la imagen canalla de la banda. Stewart era feo, no daba el perfil, y por eso fue despedido y sustituido en 1963 por el batería Charlie Watts, que aún hoy sigue siendo miembro del grupo.

El cuarto Rolling Stone es Ron Wood.

Su llegada se produjo años más tarde, en 1975, después de que el guitarrista Mick Taylor –que había sustituido a Brian Jones en 1969- decidiera abandonar la banda y emprender un nuevo camino.

Cincuenta años de Rolling Stones. En este tiempo, la banda ha sufrido numerosos cambios y solo Mick Jagger y Keith Richards son los que la fundaron y los que hoy continúan formando parte de ella. Sin embargo, aunque por los Rolling han pasado distintos músicos, la esencia ha permanecido siempre intacta. Temas como Start Me Up, Paint It Black, Like A Rolling Stone o The Last Time son y serán siempre suyos. El nombre de los Rolling lleva sonando medio siglo, emocionando a varias generaciones con sus más de 25 discos y su imagen de tipos duros. No hay nadie en todo el mundo que no haya cantado alguna vez uno de sus temas. Llevan cinco décadas siendo los auténticos Reyes del Rock.

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Rondan los 70 años, pero su espíritu permanece joven. Su aspecto físico ya no es el que era, tienen los rostros llenos de arrugas, pero no tienen miedo de mostrarlas porque son el testimonio de sus experiencias acumuladas, de sus alegrías vividas, de sus años de sexo, drogas y rock and roll.

Sus ganas de tocar siguen intactas y así lo demostraron el pasado 26 de noviembre en el O2 Arena de Londres.

Era el primero de los cinco conciertos programados por el momento dentro de su gira 50 and Counting. Los cuatro integrantes -Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ronnie Wood- hicieron brincar a las más de 20.000 personas que llenaban el recinto y que habían pagado entre 130 y 1.174 euros para ver a sus ídolos. A ellos, se sumaron además el primer bajista del grupo, Bill Wyman, y el exguitarrista, Mick Taylor en una noche mágica e inolvidable para sus fans.

Los que no se perdieron ese histórico directo, aún tienen otra oportunidad.

Los Stones han programado tres conciertos más en Estados Unidos durante el mes de diciembre. Por el momento, no hay fecha fijada para su visita a España, aunque esperemos que pronto la incluyan en su calendario.

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IZQUIERDA BILL WYMAN, CHARLIE WATTS, KEITH RICHARDS, MICK JAGGER, MICK TAYLOR DERECHA MICK JAGGER EN DIRECTO EN EL CONCIERTO GRATUITO DE ALTAMONT (1969), FRENTE A 300.000 PERSONAS. IMAGEN EXTRAÍDA DEL FILM GIMME SHELTER

IZQUIERDA JAGGER, ICONO E HISTORIA VIVA DE LA MÚSICA DERECHA LA IMAGEN DE LA FORMACIÓN ORIGINAL DISTA MUCHO DE LA IDENTIDAD POLÍTICAMENTE INCORRECTA QUE LES CARACTERIZA

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TO SAR

QUÉ MEJOR ESTRENO PARA UN ENTREVISTADOR NOVATO QUE UNO DE LOS GRANDES DEL CINE ESPAÑOL; LUIS TOSAR ESTRENA OPERACIÓN E. ES UN LUJO PODER CONVERSAR CON ÉL Y DESCUBRIR ALGUNAS DE SUS INQUIETUDES. EL LUNES, A LA HORA DEL APERITIVO EMPECÉ COMO NO, DISCULPÁNDOME POR ROBARLE PARTE DE SU TIEMPO...

Tengo entendido que no eres muy fan de esto de la promoción, a ver si lo hacemos breve y no te molestamos más. (carcajada sincera) bueno, no te preocupes...

Quería empezar hablando, cómo no, de Operación E, y preguntarte ¿qué tiene que tener una historia para decir: “esto me gusta” o “esto quiero hacerlo”?

Normalmente no es que busque nada, espero siempre a que aparezca un poco de sorpresa, que como mínimo me emocione la historia o que después de leer el guión haya alguna pequeña transformación, o simplemente que haya pasado un buen rato. En definitiva, que ocurra algo que no me quede igual que cuando empecé a leer. ¿Vas un poco por el lado emocional, que se produzca una catarsis?

Sí, sí, tampoco espero que la historia me transforme absolutamente, pero para elegir un proyecto, tiene que ocurrir alguno de los procesos que normalmente ocurre cuando hay una seducción, es decir, que te guste mucho por alguna razón. ¿No te planteas nunca ningún reto técnico? Pensar en la dificultad que algo tiene como actor... Concretamente en Operación E, el acento colombiano.

ENTREVISTA FEDE CASTAÑO FOTOGRAFÍA DANNIEL ROJAS POSTPRODUCCIÓN EVA SAN JUAN AYUDANTE FOTOGRAFÍA RICARDO MUÑOZ

Sí, lo que pasa que eso solo para mí no tiene demasiada importancia. No me parece suficientemente excitante porque eso entra dentro de la vanidad del actor. Creo que debe haber algo más.

Aquí (Operación E) lo había, había esos ingredientes, una historia que me parecía fascinante, tan rocambolesca y llena de sentido, tan necesaria de contar. Si además tienes un regalito como que te den materiales para trabajar que nunca has tenido, se convierte en una oferta muy potente. Sólo lo otro, digamos que no...

Entrando ya en aspectos técnicos y psicológicos. ¿Cuanto tiempo tardas en dejar de ser el personaje y volver a ser Luis Tosar después de una grabación? ¿Cuánto tiempo tarda en desaparecerte el acento, o la mirada perturbadora de otros proyectos? (risas) No sé como contestar a esta pregunta. Cada personaje se te va influyendo en la medida en la que lo has adaptado. Hay algunos con los que es muy fácil y pocos días después estás a otro. Yo salgo fácilmente, creo que no soy tan obsesivo

ESTILISMO BARONESA VAN RITZO MAKE-UP CYNTHIA DE LEÓN AGRADECIMIENTOS ESPACIOSIX

B-EN PORTADA · LUIS TOSAR

como para que la cosa se quede plantada en mí durante muchísimo tiempo. Sí descubres que igual ha pasado tiempo y tienes algún pequeño tic que pertenece al personaje anterior, incluso empiezas a trabajar en otra cosa y se te escapa algo del otro, hay que estar atento para que la herencia de un personaje no le caiga al siguiente. Ahora por ejemplo, viendo la película otra vez (Operación E), refrescando un poco el trabajo, haciendo la promoción, definitivamente te vuelven cosas. Pero uno intenta siempre hacer el reciclaje lo antes posible.

Como actor, ¿qué objetivos te has planteado para Operación E? ¿Qué esperas lograr? Si esperas algo…

No, yo en realidad sería feliz con que la gente fuese al cine a ver la película. Eso sería maravilloso, y cuanta más gente mejor. Básicamente la hemos hecho por esto, es nuestra profesión, está hecho para el público, para mostrarlo. En este caso hemos hecho una película con una carga política y social muy importante, con la que también, de alguna manera, más allá de lo que es puramente creativo o artístico, me gustaría llegar al corazón de la gente ya que hablamos de un problema universal.

Estuve en la rueda de prensa el viernes pasado y te escuche hablar de que las condiciones fueron duras, aunque tampoco había que mitificarlas. ¿Qué recuerdo positivo tienes del rodaje y cual extirparías totalmente?

A ver, positivo del rodaje, básicamente todo. Los rodajes siempre me parecen, primero, muy divertidos y segundo y sobretodo, lo son porque los compartes con gente muy especial, todo el equipo de la película, que en general se vuelcan por su trabajo. Casi todos tus compañeros son gente súper involucrada en el proyecto. En esta película hemos tenido

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la suerte de poder compartir esto con un 90% de equipo colombiano, fue una oportunidad de intercambiar muchas impresiones, de conocer gente de una cinematografía que no es la mía y que además estabas contando una historia suya, con lo cual tenías la responsabilidad especial. Luego la suerte de rodar en espacios naturales como los hay en Colombia.

Siempre he leído muchas novelas de aventuras y de repente me veo ahí, en una canoa en medio del río...

Fueron momentos especiales.

Y negativo... hubo un día que apareció un chico herido de bala en el hospital que estábamos rodando, una especie de anécdota tragicómica. Los del servicio del hospital lo confundieron con la figuración y no le atendieron hasta que se derrumbó en el suelo. ¿cuál de tus personajes recuerdas con más cariño?

Siempre me lo preguntáis y es muy difícil responder, porque nosotros trabajamos y ponemos mucho cariño a los personajes, son como mi familia. Quizás Pablo, de La Flaqueza del Bolchevique, es un personaje que tengo en un lugar especial, porque la película también lo fue, en el sentido de compartirla con María Valverde, que era su debut, con el director Martín Cuenca... Es una película que se ha convertido en un poquito más de culto, ha tenido un recorrido comercial mucho más pequeño pero tiene un público muy comprometido con ella. Eso supongo que le da otro carácter al recuerdo de ese personaje. ¿Qué te permite explorar el cine que no te permite el teatro? O viceversa.

Bueno, en el teatro eres dueño del trabajo absolutamente, o sea, es el terreno natural del actor en el cual en un momento dado el director desaparece y te quedas tú solo en el escenario, te conviertes en el dueño de todo lo que pasa durante una hora y pico o dos horas. En cine piensas en muchas otras cosas, todas las cuestiones que te rodean, toda la coyuntura que se produce en torno a un rodaje, con las cosas buenas y las malas. Hay muchos factores en contra del actor, un montón de gente alrededor haciendo su trabajo, siempre tienes un poco de presión continua y puedes perder la concentración.

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ABRIGO/CHAQUETA ANA LOCKING CAMISA RELIGION JERSEY GARCÍA MADRID PANTALONES CLOSED GORRO COS (PAG. 55)

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En cuanto a tu faceta como productor de Operación E, ¿Tu objetivo sigue siendo el mismo que como actor, o están presentes otros, como recuperar inversión?

Inevitablemente cuando uno se involucra como productor está pensando en poder recuperar parte de la inversión; sobre todo para poder tener la oportunidad de poder seguir haciéndolo.

Hemos producido ya varias cosas con ZircoZine. Han sido proyectos muy arriesgados, en los que es muy difícil recuperar, y de hecho hasta ahora no lo hemos hecho en ninguno (pequeña risa). Tiene que haber también unos mínimos, porque sino es imposible sostener una empresa. Yo me gano la vida realmente como actor, y no necesito ser productor para hacerlo, con lo cual tengo esa ventaja, ese privilegio de poder participar en la producción para poder levantar proyectos que de otra manera lo tienen un poco más complicado.

Y esta era la filosofía que jugó en Operación E. Llegó un momento en el que la financiación era demasiada, la película se estancaba y ahí es donde estuvimos para darle otro impulso más.

Ya que lo mencionas, ¿te da más libertad en el cine el participar como productor de tus propios proyectos?

Un poco, pero de todas formas cuando trabajas con un director como Courtois, al que respetas, intentas dejar su terreno lo más protegido posible, es decir, tú apuestas por un proyecto, apuestas por una dirección, por una dirección creativa, y se trata de que lo respetes. Nosotros todavía somos productoras pequeñitas y no asumimos el carácter de una major que controlan absolutamente

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todo. En realidad, cuando vas con una apuesta de cine independiente, siempre lo haces respetando el terreno del otro.

Aprovechando que has hablado de las multinacionales y que has participado en proyectos norteamericanos, ¿qué piensas que le falta a la industria española para que pueda alcanzar las cotas que tiene Hollywood? (ríe) Es imposible alcanzarlas, eso es una utopía. Lo que necesitamos en todo caso, es precisamente eso, cota de mercado; lo que no tenemos, cuotas de pantalla. En España estamos muy poco protegidos en ese sentido, al contrario que Francia, donde sí hay una cuota de mercado muy clara para el cine francés.

Y el europeo en general, está muy legislado. De hecho, cada ticket de los que se venden de cine norteamericano, entra aproximadamente un euro para el fondo de cinematografía francés. Eso es, para entendernos, que las licencias de doblaje las venden al precio que tiene que venderse. Aquí en España prácticamente salen gratis las licencias de doblaje. Luego los exhibidores están muy monopolizados, y cuando una peli no funciona todo lo bien que quisieran el primer fin de semana, la retiran. Cuando el boca-oreja de una película empieza a funcionar, ya no está en las salas.

Esto es meterse directamente con una de las superpotencias mundiales, en este caso EE.UU. que tiene una facturación muy importante; tanto, que mueve cualquier cosa para evitar que esto decaiga. Por otro lado hay que ser realistas, es muy difícil que se quiera al cine europeo aunque hiciese fuerza común para hacerle frente a la cinematografía norteamericana.

"ES IMPOSIBLE ALCANZAR LAS COTAS DE HOLLYWOOD. ES UNA UTOPÍA. EN ESPAÑA ESTAMOS MUY POCO PROTEGIDOS EN ESE SENTIDO, AL CONTRARIO QUE EL CINE EUROPEO... TENEMOS UN PROBLEMA DE INMOVILISMO, SOBRE TODO PORQUE DEPENDEMOS MUCHO DE LA DISTRIBUCIÓN Y DE LA EXHIBICIÓN"

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TOTAL LOOK

ERMENEGILDO ZEGNA

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Cambiando de tercio, sabemos que tienes también un grupo de música, Di Elas ¿tienes intención de compaginar música y cine, de desarrollar o apostar fuerte por tu carrera musical?

Bueno, siempre vamos apostando conforme nos van concediendo las muchas cosas que tenemos. Yo soy miembro de una banda, en la banda somos cinco y cada uno tiene además sus líos varios, así que en la medida que podemos, vamos compaginando. Hasta ahora va bastante bien, hemos tocado mucho, hemos sacado un disco, hacemos lo que podemos... ¿Os lo planteáis quizás un poco más como un hobby? ¿Tenéis otras inquietudes culturales, o buscáis realmente sacar pasta?

Hemos intentado tomárnoslo en serio, publicamos el disco con Warner, hicimos las cosas bien en ese sentido.

Trabajamos mucho la grabación, estuvo mucho tiempo de producción después, quiero decir, que todo eso va en serio.

Luego ya no tenemos ninguna aspiración comercial. Sobre todo porque hacemos la música que a nosotros nos gusta. Intentamos ser lo más honestos posibles en ese sentido. Según van funcionando las cosas, tocamos lo que podemos, nos juntamos lo que podemos para ensayar, le dedicamos el tiempo que buenamente necesitamos y que nos pide el proyecto.

BLAZER ERMENEGILDO ZEGNA CAMISETA COS CARDIGAN GARCÍA MADRID JEANS RELIGION ZAPATILLAS TST COLLAR BUDDHA TO BUDDHA

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Las discográficas tampoco están ahora muy bien, ¿cómo ves tu la industria discográfica en comparación con el cine? Culturalmente ¿está España avocada al fracaso? (río) No creo que sea una cuestión de España, creo que es algo general. Las discográficas lo han pasado muy mal en los últimos tiempos. Los formatos sólidos,

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como tal, están en una situación muy precaria desde un tiempo a esta parte. Esto afecta en general a los músicos. Yo creo que hoy día, quizás lo que más está afectando es la subida del IVA, que sí le ha pegado fuerte a la música, porque esto se traduce generalmente en los directos. De hecho, también, como han caído muchas ayudas, los ayuntamientos han dejado de programar conciertos, muchos pequeños festivales que este año no se han podido celebrar. Sin embargo, es un sector que se reinventa con mucha más facilidad que el cine, en el que todavía tenemos un problema de inmovilismo, sobre todo porque dependemos mucho de la distribución y de la exhibición. Tenemos unos estándares que vienen marcados de fuera y el precio de las entradas es difícil de mover. Sin embargo en la música sí, porque tu puedes regular el precio de tu entrada y adaptarlo al target del público que tengas. Si tu sabes que tu público tiene un poder adquisitivo muy bajo, quizá puedas hacer algo en ese sentido. El cine tine que pasar por reinventarse y adaptarse un poco.

Has hablado la subida del IVA y tengo entendido que has hecho algún pinito en política (En 2004 participó en las listas del BNG para las europeas). ¿Cuál sería tu receta política para mejorar la situación de la industria cultural en España? (suspiro). Para mejorar la situación cultural, yo creo que simplemente hay que darle importancia a la cultura. Todo pasa por ahí. Sobre todo porque la industria cultural en España mueve miles y miles de puestos de trabajo. Es una aportación al PIB considerable, un 2% o 3%. Además en ese sentido, la administración tiene que ser coherente, esta es una industria como cualquier otra, y habrá que darle el lugar que le corresponde. Al margen de esto, la cultura es autotrascendente, es decir, un pueblo en el que no haya literatura, teatro, música o cine, será un pueblo pobre de espíritu. Y todo eso pasa antes por la educación.

En nuestro sistema educativo le damos poca importancia a estudiar cosas como cine o comunicación en las partes más primarias de la educación. El lenguaje audiovisual está presente en todo. Ahora con todos los sistemas tablets, teléfonos smarts, etc., todo esto está a la orden del día y no estaría mal que los chavales tuviesen una educación dirigida a ese sector.

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"PARA MEJORAR LA SITUACIÓN CULTURAL, SIMPLEMENTE HAY QUE DARLE IMPORTANCIA A LA CULTURA...

UN PUEBLO EN EL QUE NO HAYA LITERATURA, TEATRO, MÚSICA O CINE, SERÁ UN PUEBLO POBRE DE ESPÍRITU. Y TODO ESO PASA ANTES POR LA EDUCACIÓN"

Para terminar, y así no te robo más tiempo... ¿cuál es tu secreto? (sincera carcajada) Echando un vistazo a tu filmografía, se ve que trabajas como una mala bestia, si se me permite la expresión. Como joven precario me gustaría saber ¿qué tienes para seguir trabajando sin parar a pesar de la crisis? A ver si le sirve algún consejo a nuestros lectores...

Creo que lo único que tengo son muchas ganas de trabajar y procuro crear proyectos. Lo he hecho toda mi vida, también teatro, cosas de cabaret... La música no deja de ser un proyecto autocreado con unos cuantos amigos. En cine también promuevo proyectos, no solo como productor. Es importante estar muy activo, tener capacidad de trabajo y luego esperar, sacrificio y echarle horas. A veces las cosas no compensan demasiado, pero otras sí. Paciencia. La mala suerte siempre va a estar presente, pero en general si pones esfuerzo, siempre sale alguna cosilla. Lo cierto es que no espero mucho a que me llamen.

Tras despedirme de Luis Tosar con las fórmulas que exige el protocolo, no me quedaba más que dar gracias por haber sido puntual. Desde luego, es la única forma de aprovechar cada oportunidad en la vida.

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TRAJE ERMENEGILDO ZEGNA JERSEY Y BOTINES GARCÍA MADRID PULSERA BUDDHA TO BUDDHA

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OPERACIÓN E

Courtois nos trae nuevamente un punto de vista diferente de un conflicto armado. Este director, que parece obsesionado con la guerra y la lucha, tras películas como Lobo, GAL, II M Historia de un atentado, nos retrata la historia real de Crisanto, un agricultor de coca que malsobrevive en la selva bajo el yugo de las FARC. Un buen día le dejan a cargo de un maltrecho bebe del que deberá responder con su vida y la de los suyos, si algo le pasase a la criatura. Presionado por las circunstancias, decide escapar con la familia para poder prestarle asistencia médica al bebe.

Una historia muy humana que presenta el auténtico sufrimiento de las personas que participan de esta clase de conflictos, sin ser responsables de manera alguna

de las luchas armadas. Cabe destacar una realización que busca la proximidad con la historia a través de la simulación de un estilo más cercando al reportaje, con mucha cámara al hombro, que a su vez provoca y estimula al espectador.

Queremos destacar el primer plano con el que comienza el film, que presenta a Crisanto y recuerda mucho al inicio de la mítica película de El Padrino, salvando las honrosas distancias.

Lo mejor de la película, un Luis Tosar que desarrolla un espectacular trabajo de mimetismo. De no ser por la evidente diferencia física con el real Crisanto, bien puede uno creer en un origen colombiano y no gallego del propio Tosar.

Una brillante interpretación, como nos tiene malacostumbrados por otra parte.

2012 DURACIÓN 108 min. PAÍS ESPAÑA Miguel Courtois GUIÓN Antonio Onetti MÚSICA Thierry Westermeyer FOTOGRAFÍA Josu Inchaústegui REPARTO Luis Tosar, Martina García, Gilberto Ramírez AÑO

DIRECTOR

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QUE VIVIMOS EN UN MOMENTO DE EBULLICIÓN PARA EL NUEVO FOLK DEL SIGLO XXI, ES ALGO INNEGABLE SI ATENDEMOS A MUCHOS DE LOS GRUPOS PUNTEROS EN LA ACTUALIDAD. ESTO NO ES FLOR DE UN DÍA, NI UNA SIMPLE MODA, ÚNICAMENTE RESPONDE A UNA ÉPOCA DE GLOBALIZACIÓN DE LA INFORMACIÓN Y ESTE TIPO DE MÚSICA SE HA INTERNACIONALIZADO MUCHO.

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TEXTO JAVIER DECIMAVILLA

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Si hay un grupo que ha supuesto un auténtico fenómeno en los últimos años, por lo peculiar de su propuesta, por la calidad de la misma y por el volumen de ventas cosechado, ese ha sido Mumford & Sons. En 2010 publicaron su aclamado debut Sigh no more, disco que lleva vendidas hasta ahora la friolera de 2 millones y medio de unidades solo en Estados Unidos. Este año han regresado con Babel y, en la primera semana, han logrado superar las 600.000 copias vendidas en dicho país, convirtiéndose así en el mejor estreno del año.

de las cualidades que hemos descrito anteriormente.

Pero Babel recoge también piezas que brillan con luz propia en el conjunto de un disco que podía haber supuesto un salto cualitativo en la trayectoria del grupo, pero que se ha quedado a medio camino, pues no ha respondido a las expectativas creadas. Quizás estas eran demasiado altas, porque aún así, el álbum tiene gran personalidad y es una obra destacable.

El segundo larga duración de los londinenses suena más contundente que su debut, con una mayor pegada y una lícita tendencia a crear canciones pensadas para grandes recintos y estadios. Desde el arranque, con el tema que da título al trabajo, sabemos que las dosis de épica serán mayores y que la intensidad de la propuesta generará, presumiblemente, un incremento en el número de adeptos.

Marcus Mumford y los suyos facturan una sonoridad auténtica, alejada de artificios y prefabricaciones, donde su propia voz y el sonido del banjo adquieren el mayor de los protagonismos. Quizás nunca un instrumento tan “extraño” y especializado fue tan global, tan mainstream.

I Will Wait fue el tema elegido como single de adelanto y es, sin duda, el que mejor recoge el espíritu del disco y cada una

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Entre los momentos que más interés despiertan, podemos destacar Holland Road y los elegantes arreglos de viento que dotan a la canción de cierta perspectiva fronteriza, o Lover’s Eyes y Below my feet, con la calidez y sensibilidad de sus acertados coros.

Al margen de la originalidad o calidad de su propuesta, no debemos restar ni un ápice de mérito a lo que Mumford & Sons han conseguido, pues han sido capaces de aunar ventas millonarias con grandes críticas especializadas. Hasta el mismísimo Bob Dylan declaró en su día su predilección por ellos. Y eso ya es mucho decir...

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LA R ES UR R EC CI ÓN DE L

Si nos remontamos a los orígenes, el Rhythm & Blues no es más que un término radiofónico y discográfico para denominar todo aquello que venían creando artistas de raza negra allá por los lejanos años 40 del pasado siglo. El abanico de géneros que ha abarcado esta etiqueta con el paso de las décadas es amplio: funk, soul, electric blues, góspel, neo-soul… El R&B siempre ha estado ligado, aunque muchos lo vean como un género menor, con lo más vanguardista de cada época, con lo musicalmente de mayor nivel. Incluso llevando tras de sí en muchas ocasiones esa pátina de comercialismo que suele ir ligado a las listas de éxitos.

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TEXTO JESÚS ROMÁN

R&B

Tras una época un tanto turbia para los artistas del género, que han visto un filón en el pop-dance precocinado de última generación, una nueva legión de artistas han cogido el toro por los cuernos, recuperando y reavivando todo aquello por lo que el buen R&B siempre se ha caracterizado: percusiones muy marcadas, patrones melódicos más complejos, un cierto punto de espiritualidad y el gusto por la profundidad emocional… todo ello, desmontando las cánones sonoros que dominan el mercado. Y anteponiendo la innovación y la calidad a requisitos puramente mercantiles. En esta época en la que lo independiente ha terminado por engullir a lo mainstream, The Weeknd, Frank Ocean, Miguel o Dawn Richard, han llegado para reclamar lo que les pertenece por herencia. El mejor R&B ha vuelto para quedarse.

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THE WEEKND Es inevitable nombrarle en primera instancia. Casi de la nada, el canadiense Abel Tesfaye ha puesto sobre la mesa una nueva forma de concebir la música. Con el groove y el descaro del hiphop y el reggae, la magia ambiental de la electrónica y el sustrato anímico del soul como ingredientes, se ha erigido en líder y mesías de toda una generación que definitivamente tiene visos de pasar a la historia. El fondo es importante, tanto como la forma; The Weeknd ha gestado junto a productores hasta ahora relativamente desconocidos (Illangelo, Doc McKinney, Jeremy Rose o Dream Machine) un R&B sintético más cercano a la libertad creativa de los 80 que al insulso new Jack swing que dominó la década posterior. Un total de tres álbumes lanzados de manera gratuita e independiente a lo largo de 2011 (House Of Balloons, Thursday y Echoes Of Silence) en los que hablaba sin cortapisas de su turbulenta vida pasada, le colocaron en la élite internacional, siendo respetado y alabado por la prensa especializada de medio mundo. El pasado mes de Noviembre, tras firmar contrato con la multinacional Universal, se editaba en una completísima edición dicha trilogía, y tal ha sido la repercusión mediática que, tan sólo dos meses después, Trilogy ya es Disco de Oro en Estados Unidos.

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FRANK OCEAN Ha facturado el disco del año para nuestra redacción. Channel Orange se ha convertido en poco tiempo en un álbum de culto, comparable por impacto a aquel The Miseducation Of Lauryn Hill que la líder moral de The Fugees dejaba caer a finales de los 90. Christopher Francis Ocean, Frank Ocean para los que aún no lo sepan, se dio a conocer, como nuestro anterior protagonista, a través de un lanzamiento independiente. La mixtape Nostalgia, Ultra alertaba de la llegada de un nuevo huracán creativo. Pero problemas legales con un sample de Hotel California de The Eagles en el tema American Wedding, promovieron la cancelación de su lanzamiento comercial por parte de Def Jam. Creciéndose ante la adversidad, Ocean decidió pasar página. El exmiembro de

Odd Future, compositor de cierto renombre ya por entonces en el mundillo discográfico, dio forma a los 17 temas que componen Channel Orange. Lo que vino después, es agua pasada y poca importancia tiene más allá del amarillismo que lo rodea. Su salida del armario poco antes de la publicación del álbum no atiende para nada a maniobras de marketing, sino a una forma honesta de acallar rumores infantiloides. Y además es la única forma de poner en perspectiva metáforas tan brillantes como “If it brings me to my knees, is a bad religion” (si me hace arrodillarme, es una mala religión). Su sensilidad y agudo sentido del humor, la sensualidad de su voz y el inabarcable talento de sus 25 años le han llevado a ser el artista más nominado en la actual edición de los Grammy.

Sin duda, 2013 va a ser muy movido para Mr. Ocean.

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Miguel Jontel no es ajeno a las mieles del éxito. Ya con su álbum debut All I Want Is You gozó de cierta notoriedad en 2010. Un ejercicio de R&B contemporáneo a ratos muy inspirado, a ratos falto de sustancia, que le sirvió como interesante punto de partida. Miguel personifica al galán de ébano del siglo XXI. Es, en la práctica, el Marvin Gaye de la época moderna, un intérprete de raza con las dosis justas de dulzura y sexualidad. Con Kaleidoscope Dream, le acompaña además un cancionero sólido. Un total de once temas que revisan la tradición bajo el prisma sónico actual con una apertura de miras propia de Stevie Wonder o Prince en su faceta más libertaria. A través de un amplísimo

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MIGUEL registro vocal, Miguel recorre con soltura y convicción diferentes géneros, pero siempre con ese puntito eléctrico y hasta sucio en ocasiones que le alejan del R&B más edulcorado que tan bien explotan coetáneos como Usher o Chris Brown. Use Me, Arch & Point, Where’s The Fun In Forever o The Thrill hacen de este segundo trabajo de Miguel uno de los mejores del ejercicio.

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DAWN RICHARD Tras su paso por el quinteto femenino Danity Kane y la formación Dirty Money, siempre tutorada y apoyada por P. Diddy, Dawn Richard ha decidido dar un salto cualitativo y abandonar sus aspiraciones a estrella mediática para abrazarse a esta nueva oleada de r&b progresivo que protagoniza este reportaje. Aunque no será hasta dentro de unos días (concretamente el 15 de Enero) cuando

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llegará a las tiendas GoldenHeart, primer álbum de una trilogía conceptual que continuará con BlackHeart y RedemptionHeart, la vocalista norteamericana ya ha dado muestras de solvencia y creatividad gracias al EP Armor On. Es quizá la propuesta más tribal de las cuatro que destacamos, una vuelta de tuerca más que interesante al r&b de nuestra era con fortísimas líneas de bajo, baterías sintéticas y percusión sincopada.

Concebido en su totalidad junto al desconocido Druski, Dawn Richard pretende llevar el género a un terreno poco transitado y de infinitas posibilidades que, en realidad, tiene como precursor a una de las mentes más brillantes de la industria musical del reciente siglo. Ya en 2010 Kanye West, visionario indiscutible, sentaba las bases de este r&b de nueva hornada con su excelso My Beautiful Dark Twisted Fantasy.

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pas s ion pi t LA PRESENTACIÓN DE GOSSAMER, SEGUNDO ÁLBUM DE ESTUDIO –TERCERO, SI CONSIDERAMOS SU EP CHUNK OF CHANGES DE 2007– DE LA BANDA INDIE ELECTRO-POP PASSION PITT EN JULIO DE 2012, HA SUPUESTO UN SOPLO DE ESPERANZA Y OPTIMISMO PARA LA INDUSTRIA MUSICAL. TEXTO CARLOS ROLDÁN MEJÍAS

Michael Angelakos, líder, vocalista y principal compositor de la banda estadounidense ya había anunciado en verano de 2010 que se tomarían un tiempo para componer nuevo material tras concluir la gira de presentación de Manners, su álbum debut. Dos años estuvieron apartados de la escena musical hasta que hace unos meses sorprendieron a todos con Gossamer, un álbum que destila naturalidad, ternura, emoción y esperanza, con una producción exquisita y cuidada por parte de Chris Zane y el propio Michael, lleno de ritmos electrizantes y pegadizos y con el uso de sus habituales sintetizadores, samples y demás instrumentos ya utilizados en trabajos anteriores para generar el mejor sonido electropop. Aunque esta vez, mezclado con arriesgados y acertados coqueteos con el soul y el R&B, como en los temas Constant Conversation o I’ll Be All Right.

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Ese entusiasmo, positivismo y esperanza se perciben desde el primero al último de los doce temas que componen el álbum, lo que no deja de resultar paradójico, dado que Michael, principal artífice del grupo, sufre desde hace años un trastorno bipolar que le ha llevado en numerosas ocasiones a ingresar en centros psiquiátricos con graves episodios maniaco depresivos.

Ya sea por el poder catártico que tiene la música, por la necesidad de Michael de transmitirse mensajes positivos o por el motivo que sea, lo cierto es que no deja de sorprender la esperanza y energía

positiva que transmiten sus bellas melodías, magníficamente interpretadas y con potentes arreglos corales como en Two Veils To Hide My Face o en Love Is Greed.

Aunque, si somos sinceros, detrás de todo este positivísimo musical, Gossamer esconde mensajes mucho más comprometidos como en su primer sencillo, Take A Walk, que relata el drama social provocado por la irresponsabilidad fiscal o en Carried Away que cuenta los problemas de las relaciones casuales de falsa amistad o incluso en It's Not My Fault, I'm Happy, que relata una discusión de pareja. Sea como sea, tenemos ante nosotros un canto a la esperanza que nos hará sonreír siempre que lo escuchemos y eso en estos tiempos, es muy valioso.

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ROB B I E WI L L IAM S El pasado mes de septiembre Robbie Williams estrenaba paternidad y dos meses después veía la luz también su noveno disco de estudio Take The Crown, tres años después de su anterior trabajo y para el que ha contado con la producción de Jacknife Lee, que ha trabajado con U2, REM o más recientemente con los irlandeses Two Door Cinema Club. Take The Crown es un disco de pop/rock comercial sin riesgos, con composiciones de su amigo y compañero Gary Barlow de Take That y de los australianos The Undercolours, que escribieron casi todo el álbum en apenas 8 días, tal y como el propio Williams explica en una entrevista publicada en su canal de YouTube.

Como single presentación, Candy, con un sonido fresco que nos devuelve al Robbie desenfadado y divertido de siempre con un tema que él mismo ha comparado con Rock DJ, uno de sus mayores éxitos.

Tras éste, el responsable de seguir promocionando el álbum como segundo single es Different, mucho más serio y con una sección de cuerda y un coro que aportan al tema fuerza y madurez.

Sea por sus casi 40 años de edad o por los más de 50 de su productor, pero Take The Crown se caracteriza por un general sonido ochentero, a veces rock como en All That I Want y a veces más synthpop como en Gospel o Shit On The Radio, que recuerda al estilo de

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Pet Shop Boys o Duran Duran. Este hecho ha repercutido en la prensa que califica el álbum de “apuesta segura” por la ausencia de innovación o nuevos sonidos en ninguno de sus temas.

Cabe destacar también Losers, la única colaboración vocal, a dúo con la cantautora Lissie, que aporta un toque folk para cerrar el álbum, un dueto provocado por Lee, que actualmente trabaja en el segundo álbum de la norteamericana.

A mitades de noviembre y coincidiendo con la publicación del disco, que consiguió el 1 directo en Reino Unido, Williams ofreció 3 conciertos consecutivos en el O2 de Londres con todas las entradas agotadas y las apariciones de Barlow y de su colaborador habitual Guy Chambers cómo músico de la banda.

TEXTO DAVID VIDAL SANS

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XX the

TEXTO SHEILA PÉREZ

COMO BIEN DIJO UN CONOCIDO GENIO DE LA ARQUITECTURA “MENOS ES MÁS”, Y PARECE SER EL LEMA DE LOS GRANDES PORQUE THE XX VUELVE A HACER DE ÉSTE, SU ESENCIA

La banda británica ya apuntaba maneras desde su debut homónimo en 2009, siendo uno de los mejores discos de ese año, con el que marcaron la diferencia desde el minuto cero logrando captar la atención de los melómanos más exigentes.

Esta vez sacian nuestra ansiada espera con Coexist, un disco minimalista de influencia club y claves sinuosas con gran carga emocional que consigue generar atmósferas de lo más sugerentes, ideales para compartir miradas a media luz o encontrarse con la inspiración. En definitiva, The XX proyecta un universo íntimo y personal trazando silencios y espacios directos al corazón con los que se consolida como una de las mejores bandas del momento.

A pesar de lo que en un principio pueda parecer, Coexist no difiere de la química del anterior, tan sólo es una transmutación más madura del mismo elemento, tanto a nivel vocal como formal, y un excelente álbum que no intenta superar a su predecesor, sino que simplemente es el resultado de sí mismo.

Su escala temática se despliega desde el amor más mágico y el sexo más eléctrico, al oscuro desencanto y el vacío más conciso.

De este modo, la luz se hace con Angels, primer single y perfecta presentación del disco. Una conexión que supera los cinco sentidos y se traduce en catarsis de amor llena de fragilidad y dulzura.

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Ese amor se esfuma en Chained, en el que se retoma el recurso de la conversación entre los amantes para hacer sonar el primer crujido de la relación repleto de miedo y dudas. La sutileza sexual que inspira este tema lo convierte en una canción perfecta para dos.

Missing es un silencio sordo de los que tocan el alma, el silencio previo a la mentira, el eco de un vacío abismal. En este tema, The XX ha creado uno de los silencios más fascinantes que se hayan escuchado. La canción duele, muere y resucita. Maldita genialidad...

En Tides encontramos una gran producción que contrasta su fuerza instrumental de gran contenido sexual, con la fragilidad de una letra que acumula impotencia y decepción. La calidez y la nostalgia, vienen de la mano de Sunset, el apagar de un amanecer, la tristeza de convertirse en un desconocido para alguien que fue luz. Y por último nos quedamos con el tímido comienzo de Reunion, que sin perder su carácter íntimo y pausado, se ve interrumpido por un contundente y morboso crescendo electrónico ideal para compartir susurros.

Pero no todo son halagos para el trío londinense, pues muchas han sido las críticas negativas en cuanto a su directo, así que quizás la banda deba encontrar un equilibrio entre sus fuerzas y no perder de vista este importante aspecto. La atmósfera queda abierta así con Coexist, y cerrada con... (silencio).

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FOTO ALEXANDRA WAESPI

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est r e l l a MOR E N T E

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Es un trabajo grandioso y profundo creado mano a mano por este binomio padre-hija. El nombre del disco define en palabras de la artista el “reflejo de un interior”. Ambos aparecen en la portada del disco como muestra de ese reflejo que descubre el alma de dos de los grandes del flamenco. En su interior, quince canciones que desgranan sentimiento y arte por los cuatro costados.

Creado con las palmas y la voz de referencia del maestro Morente, el disco es un viaje por diversos palos del flamenco, junto con la salsa, el jazz-latino, habanera o son cubano, estilos musicales en perfecta unión, tal y como el genio de Albaicín nos tenía acostumbrados. Se abre con el Pregón de las Moras y el piano de Michael Nyman acompañando a la voz de Estrella, para ir creciendo con seguirillas de la mano del gran maestro de la guitarra flamenca Paco de Lucía, o La habanera imposible de Carlos Cano, acompañada a la guitarra por Vicente Amigo, al igual que En un sueño viniste, canción que Estrella le cantaba a su padre en los últimos momentos de su vida.

TEXTO TALY ARJONA

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TRAS SEIS AÑOS DE SILENCIO DISCOGRÁFICO SE PUBLICA ESTE NUEVO ÁLBUM DE ESTUDIO DE LA CANTAORA GRANADINA, EL CUARTO EN SU CARRERA DISCOGRÁFICA. ENRIQUE MORENTE COMPUSO Y PRODUJO ESTE DISCO PARA SU HIJA PARTICIPANDO EN LA GRABACIÓN DEL MISMO HASTA POCOS DÍAS ANTES DE SU MUERTE, EN DICIEMBRE DE 2010

El viaje musical continúa con joyas en forma de sevillanas homenajeando a Lola Flores con la guitarra de Montoyita, Bulería del Amado con Tomatito, junto con otras tantas canciones sobresalientes en este paseo, arropadas por grandes artistas que a su vez colaboraban con Enrique Morente, como Alain Pérez, Alfredo Lagos, Isidro Muñoz, Pat Metheny o los Carmona. Algunos textos son de San Juan de la Cruz o de la misma Estrella Morente, la cual incluso toca los palillos en las Sevillanas Antiguas, queriendo recuperar las antiguas costumbres de las cantoras, ya en desuso. Se cierra con un tema propio de Enrique Morente: Adagio Final, soleares sanjuanistas y peteneras.

Estrella Morente se hace notar con su voz prodigiosa y mágica, a pesar de estar pasando por un momento difícil emocionalmente. Pero es que sólo ella es capaz de transmitir el respeto y la afición por el flamenco que su padre le enseñó; sólo ella es capaz de mantener vivo el recuerdo de uno de los grandes, el cual quería mostrar ante todo al mundo la libertad de expresión con su cante, con esa humildad que sobresalía por encima de su gran inteligencia y sabiduría. Autorretrato es la herencia de un interminable proceso creativo lleno de sensibilidad, pureza e innovación, marcas "morentianas" inconfundibles que llevan a Estrella a brillar con más intensidad que nunca. Tradición y devoción flamenca compaginadas con el riesgo que la libertad de expresión puede conllevar en el mundo del flamenco más ortodoxo.En definitiva, Autorretrato es todo un regalo para los amantes de este género. Alma y espíritu unidos en ese duende flamenco que se define etéreo y que nunca muere. Un OLÉ en letras mayúsculas.

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B-CRITIC · MÚSICA

MIKA THE ORIGIN OF LOVE (Casablanca Music. 2012)

La transición de Life In A Cartoon Motion a The Origin Of love supone todo un recorrido en la vida de Mika hasta su edad adulta, donde el amor es el sujeto principal entre una experimentación de sonidos que hasta ahora no han llegado hasta el nivel del ya clásico Grace Kelly pero que sí parecen ser un intento de hacer las cosas bien.

Celebrate como primer sencillo oficial (sin olvidar el buzz-single Elle Me Dit) es una excitante pieza junto a Pharrell Williams que muestra la genial voz del cantante. Cuenta con Nick Littlemore de Empire Of The Sun al frente de la producción de todo el disco, del que se extraen temas que no pueden pasar desapercibidos como Origin Of Love, Make You Happy o Popular Song.

Sin embargo, Mika trata de hacer un álbum equilibrado que sin embargo no termina de calar. Temas como Overrated o Heroes, por no citar otros cuantos, son los que hacen que este tercer LP no sea una emoción genuina de ese amor tan utilizado a la hora de componer. No le sentaría mal un poco de color en plan 'lollipop' entre tanta madurez.

POR CARLOS BRANDT

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B-CRITIC · MÚSICA

EDWARD SHARPE & THE MAGNETIC ZEROS HERE (Rough Trade. 2012)

Aunque parezca mentira, una de las noticias más destacables relacionadas con el último disco de Stay, es que ha sido grabado de manera analógica. En plena era digital, lo que antes era normal, ahora es un “rara avis” en la forma de concebir y producir música.

La elección de esta técnica de grabación no ha sido un simple capricho para la joven banda catalana, responde más bien a una búsqueda de una nueva sonoridad y eso, al escuchar el disco como es debido, se nota y se agradece. Las pequeñas imperfecciones dan una mayor credibilidad a las canciones que forman The Fourth Dimension.

Las influencias en este disco son explícitas y el cuarteto no las esconde. A su clara inclinación a los sonidos brit de bandas como Oasis, hay que añadir nuevas referencias y enfoques americanos. The

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Byrds, Gram Parsons y muchos otros se dan cita en este interesante trabajo.

Diez canciones verdaderamente disfrutables, que rememoran viejos vinilos y añaden nuevas experiencias. Un disco fruto del acercamiento de Stay a los sonidos de nuestros padres, a los de la época dorada del rock, aquellos añorados 60 y que evolucionan haciendo un repaso por las intenciones de cada una de las décadas posteriores. Un buen compendio de universos musicales para una banda que debería empezar a despuntar de manera más efervescente.

Siguiendo la estela de su anterior trabajo publicado en 2009, Up from Below, la banda californiana nos presenta su segundo disco Here, de tan solo nueve pistas en las que siguen destacando los valores que les hicieron triunfar: ese aroma a folk positivo portador de buenas vibraciones y la sinceridad de su propuesta musical basada en una indiscutible química entre los once miembros de la banda, transmitida sobre todo por sus dos cantantes principales, Alex Ebert y Jade Castrinos.

El sonido de este álbum es más trabajado y compacto pero, sin perder frescura, adolece de aquella extrema espontaneidad de su debut y de alguna canción memorable como lo fueron Home o Janglin, quizás con la excepción de la genial That’s What’s Up, un pegadizo canto a la alegría, el amor y la amistad. Los temas tratados por el mesiánico grupo siguen centrándose en torno a Dios, la Iglesia y el amor, encontrándonos pistas que en ocasiones recuerdan a oraciones. Su sonido nos muestra a una banda más relajada y relajante, como se percibe en el más que correcto single Man On Fire.

En definitiva, un interesante segundo álbum con el que el grupo supera su estatus de promesa y demuestra una madurez musical mayor sin perder su esencia.

Continuaremos siguiéndoles la pista.

POR JAVIER DECIMAVILLA

POR NACHO ROCA

STAY THE FOURTH DIMESION (Subterfuge Records. 2012)

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B-CURIOUS · MÚSICA

B R A N DY

B.SIDE · INVIERNO 2013

TEXTO JESÚS ROMÁN

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B-CURIOUS · MÚSICA

No cabe duda que el tiempo en el mundo del espectáculo es igualmente un aliado consistente y un enemigo doloroso. Casi dos décadas han transcurrido desde aquel debut homónimo que ponía en el punto de mira a una Brandy Norwood de mayor madurez artística que personal. Aquel ejercicio de R&B de vieja escuela con cierto sabor hip-hop destacaba, lógicamente, por la calidez vocal de la de Mississippi, quien con 14 años trasladaba con maestría la espiritualidad y la pureza del cántico de iglesia -pocos saben que hizo su primer sólo de góspel con tan sólo dos primaveras- a un circuito principalmente urbano. Una Mary J. Blige de mayor envergadura técnica y asombrosa capacidad de armonización en plena adolescencia.

Sin embargo, y a pesar de haber protagonizado ficciones de éxito, cosechado infinidad de premios y buenos resultados de ventas, su nombre no parece haber dejado huella más allá de los amantes del buen sonido negro. Y en muchos casos para estos últimos, más por su siempre impecable impronta vocal que por su propio repertorio. Cierto es que Brandy es una compositora de calibre y que buena parte de su cancionero es la envidia de las grandes divas del R&B de los 90. Y no es menos cierto que la calidez y empaque de sus armonías ha sido no sólo sello de identidad, sino también una garantía de calidad. Conectar con el público y mantener un estatus considerable no es fácil y, cómo bien decía al principio de esta reseña, el tiempo, que puede ser un duro enemigo, ha ido erosionando la trayectoria discográfica de Norwood. Estas cosas pasan.

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El caso que nos atañe es la resurrección de una de las mejores cantantes de esta generación tras un sonado batacazo comercial con su anterior propuesta (Human, 2008) y un aún más sonado encontronazo con la justicia por un accidente de tráfico con consecuencias mortales.

Como la mujer de enorme talento que es, ha sabido reconducir su propio drama hacia el que es quizá su álbum más sólido y coherente. Ha dejado a un lado su costumbre de trabajar con un solo productor para ponerse en manos de un equipo bastante amplio y solvente, que incluye nombres como Bangladesh, Sean Garret, Rico Love, Warryn Campbell, Frank Ocean, Mario Winans o

Chris Brown y junto a ellos ha construido una Brandy más segura, contundente y profunda. En Two Eleven (título que hace referencia al día de su cumpleaños y del fallecimiento de su mayor ídolo, Whitney Houston) encontraremos una interesante fusión de todos los géneros que ha tocado a lo largo de estos últimos 18 años. Así pues, se ven representados los medios tiempos épicos de Never Say Never (No Such Thing As Too Late, Paint This House), el groove hip-hopero de Afrodisiac (What You Need, Slower, Wish Your Love Away), el acercamiento pop de Human (Hardly Breathing), la sincronía electrónica de Full Moon (Scared Of Beautiful, Can You Hear Me Now, Do You Know What You Have?) o ese regusto clásico de su ópera prima (Music), todo ello reconvertido bajo el prisma futurista y ambient que se apodera cada vez más del mercado.

Se trata en definitiva de un álbum denso, con multitud de recovecos y matices que parece cumplir su función como canalizador de esa angustia acumulada.

Un trabajo primario a nivel emocional -nos muestra a una Brandy muy sensual, sexual y sin embargo vulnerable- así como tremendamente complejo en sus bases. Es probable que no haya inventado la pólvora, pero sí ha sabido utilizarla como explosivo melódico. Temas como Wildest Dreams, Wish Your Love Away o Without You terminan de confirmar a la norteamericana como una exquisitez de esas que perduran en el paladar.

De esas que se saborean con calma y quedan en el recuerdo. Y bien es sabido que el recuerdo es el único paraíso inquebrantable, por muy férreo que sea el paso del tiempo.

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TEXTO NACHO ROCA

n e w AG E

folk Ante la gran variedad de tendencias musicales en la actualidad resulta interesante reparar en que hay estilos que nunca mueren, bien sea por una recuperación total de su esencia o de su fusión con otros estilos para generar una evolución del mismo sin perder su aroma original.

Asimismo, impresiona el hecho de que la propensión a recuperar un estilo musical en un momento determinado no se trate de un fenómeno aislado, sino que adquiera un carácter global; por así decirlo, estamos asistiendo a una especie de globalización musical que además suele tener un carácter progresivo: tiene como foco original un área concreta y se va expandiendo al resto del planeta en cuestión de poco tiempo.

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En el caso de subgéneros menos mainstream, esta expansión en cuanto a nivel de creación suele quedar reducida a Estados Unidos y Europa, creándose así un intercambio de tendencias con influencias propias de cada región. En la actualidad, el folk está experimentando un revivir muy interesante. Están surgiendo gran variedad de grupos que recuperan la esencia folk más clásica y otros que la mezclan con otros estilos más modernos, aportando un soplo de aire fresco a la escena musical actual y obteniendo éxitos abrumadores tanto de crítica como de público. Solo hay que fijarse en los casos de bandas ya consagradas como Mumford & Sons (UK) o Fleet Foxes (USA), grupos que podrían servir de referencia, sobre todo a nivel de éxito de masas, en esta nueva ola de música con regusto a folk. Aunque su origen podría datarse en la década de los noventa, con bandas como Neutral Milk Hotel o The Shins, se podría decir que en los últimos años estamos presenciando un auge espectacular de esta corriente musical: el indie folk.

A continuación vamos a destacar ciertos grupos que, proviniendo de lugares dispares, están aportando una dimensión mayor a esta corriente musical y que están cosechando cada vez más éxitos.

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B-CURIOUS · NEW AGE FOLK

EDWARD SHARP & THE MAGNETIC ZEROS

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En California, encontramos a la banda Edward Sharpe & The Magnetic Zeros. Integrada por once músicos y fundada por Alex Ebert al estar sumido en una crisis existencial tras romper con su novia, su estilo esta inicialmente inspirado en la música comunal de los sesenta y setenta que inundaba el sur californiano. Su primer LP, Up From Below (2009), fue un gran éxito sobre todo en su país de origen y encumbró a su single Home como un himno del indie folk. Su espectacular directo, la química indiscutible entre sus dos cantantes principales y las buenas vibraciones que transmiten tocando su música son la base de su merecido éxito, que va in crescendo tras la publicación de su segundo álbum, Here (2012), reseñado pocas páginas atrás.

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B-CURIOUS · NEW AGE FOLK

En el país vecino del norte de Estados Unidos, tenemos a los canadienses The Rural Alberta Advantage. Formada por Nils Edenloff (guitarra y voz), Amy Cole (teclados y coros) y Paul Banwatt (batería) en Toronto, la banda se dio a conocer con la publicación independiente de su primer álbum Hometowns (2008) acompañada de una gira por Canadá.

Su éxito en Internet marcó un hito en la música canadiense y les encumbró en el panorama del indie en general consiguiendo firmar por la discográfica Saddle Creek Records y reeditando su propio primer disco en 2009. Con un estilo mucho más rockero que los anteriores, la energía que transmiten por medio de

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sus potentes baterías combinadas con el desgarro y el sentimentalismo de la voz del cantante principal con reminiscencias a las de Jeff Magnum hacen del grupo uno de los más novedosos e interesantes del panorama del indie folk-rock actual. Su directo es un verdadero escándalo, más aún si tenemos en cuenta que son solo tres integrantes.

La batería de Paul Banwatt se convierte en un instrumento indispensable al que le toca incluso “cantar” en ocasiones, mientras que el pluriempleo recae sobre la integrante femenina del grupo, Amy Cole, tocando desde pedales de bajo hasta percusión adicional, ya sea un tambor o un xilófono.

THE RURAL ALBERTA ADVANTAGE

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B-CURIOUS · NEW AGE FOLK

DRY THE RIVER Desde el Reino Unido nos llega el quinteto Dry The River. Estuvieron hace poco de gira por nuestro país teloneando a Los Campesinos, defendiendo una propuesta de folk más clásica que los grupos anteriores recordando en ocasiones a Fleet Foxes. La solemnidad de su directo unida a la calidad de su primer álbum Shallow Bed (2012) hacen de este grupo una de las grandes promesas del indie folk británico, expandiendo su éxito a los Estados Unidos tras su gira a principios de este año.

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OF MONSTERS AND MEN Cruzando el charco, concretamente en la fría Islandia, encontramos a una de las sensaciones del momento, Of Monsters and Men. Siendo comparados por la revista Rolling Stone con los mismísimos Arcade Fire, su single Little Talks ya está amenazando las listas de éxitos musicales de nuestro país, tras ser número uno en Islandia, Irlanda y hasta en Estados Unidos en su lista indie. Tras firmar con Universal, lanzaron su primer trabajo My Head is an Animal (2012) obteniendo un reconocimiento unánime de crítica y público.

Incorporando instrumentos como el acordeón, glockenspiel o la trompeta, su música resulta un agradable canto que despierta sensaciones de positivismo y alegría.

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Estas cuatro bandas son solo una muestra del impresionante auge de popularidad que está experimentando el folk hoy en día y de la cantidad de nuevos grupos y proyectos musicales inspirados por este estilo. Como factor común, destacar su reciente aparición y el poco material que tienen publicado cada una de estas bandas, lo que da lugar inevitablemente a reflexionar sobre si este estilo tendrá una fecha de caducidad o si va a evolucionar en algo más. Renovarse o morir. Sin embargo, revivir estilos que despiertan tan buenas vibraciones como este es una sana opción y muy bienvenida sobre todo en los tiempos que corren. Así que de momento solo nos queda exclamar: ¡larga vida al indie folk!.

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B-CRITIC · MÚSICA

hol a a todo el mundo Si en la actualidad existe un grupo que actúa con total libertad creativa en cada uno de los trabajos que publica, ese es Hola a Todo el Mundo. Sin ataduras que les unan a sus anteriores entregas, cada nueva colección de canciones supone para esta banda madrileña una reinvención, un claro posicionamiento en sí mismos, no en estilos o lenguajes determinados.

Sus seguidores, a diferencia de los de otras muchas bandas, no pueden permanecer inmóviles a cada nuevo paso que da el cuarteto, ni pueden considerarse puristas, ya que a día de hoy, los tres álbumes que han publicado, tienen valor por sí mismos y las diferencias entre ellos son tan sustanciales que, hasta ahora, no podemos decir que HATEM practiquen un sonido determinado o encajen dentro de un estilo concreto.

de los mejores discos nacionales publicados en 2012, supone para sus creadores una vuelta de tuerca más y el regreso al idioma anglosajón. Envolviendo las canciones con sonidos electrónicos y elegantes sintetizadores, el resultado de este segundo larga duración de Hola a Todo el Mundo, es excepcional. Sugerentes melodías que les alejan un poco más de Fleet Foxes para acercarles a bandas como M83.

Si en 2010 debutaban con un álbum homónimo lleno de referencias hippies, donde el folk-rock más campestre y las armonías vocales inundaban cada uno de los temas. Un año después, dejaban atrás el inglés para entregarnos “Estela castiza”, un EP cantado íntegramente en castellano, con cierto aire experimental y de búsqueda.

Estamos ante un disco de una belleza abrumadora, no exento de cierta oscuridad y misticismo. Con una carta de presentación tan acertada y sublime como They Won’t Let Me Grow, el álbum que nos ocupa emociona desde la primera escucha, mantiene la esencia del grupo sin estancarse, avanzando en registros cada vez más sugerentes, erizando la piel. Ultraviolet Catastrophe nace de los poemas de Roy Tiger Milton y muestra al cuarteto como algo más que una revelación, un valor seguro, un acierto pleno.

TEXTO JAVIER DECIMAVILLA

Ahora, los madrileños han pasado de seis miembros a cuatro y han vuelto a dar un giro sorprendente a su música. Ultraviolet Catastrophe, además de ser uno

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B-CRITIC · MÚSICA

GREEN DAY ¡UNO! ¡DOS! ¡TRÉ!

(Rough Trade. 2012)

THE NEW RAEMON TINIEBLAS, POR FIN (Marxophone. 2012) Cuando Ramón Rodríguez se dispuso a publicar Tinieblas, por fin tenía clara una cosa, había que contar de una vez por todas lo que está sucediendo en nuestro país, sin esconder las cartas, retratando una realidad social que nos consume y a la que debemos poner freno.

Con esta premisa se originan nueve canciones donde la ironía, el humor y la mala leche (marcas de la casa), se dan cita para mostrar crudas certezas, aunque también posibles soluciones y esperanza, sobre todo esperanza, ya que quizás no se puede ir a peor y todo esto sirva para reconstruir las cosas desde los cimientos.

Musicalmente, el cuarto larga duración de The New Raemon, contiene matices que dan una vuelta de tuerca al personal estilo practicado por su autor. A sus excelentes letras y su particular manera

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de componer, se unen en esta ocasión dos ingredientes que dotan de una mayor consistencia al disco. Hablamos de la inclusión de arreglos de viento y de los coros femeninos protagonizados por María Rodés. Nuevos colores, diferentes capas y texturas que potencian cada una de las canciones.

El disco más variado de The New Raemon es también el más contundente, el de un sonido más evolucionado y complejo. Estamos ante el mejor trabajo del catalán hasta la fecha y un nuevo punto de partida para su, ya de por sí, coherente carrera. Solo el tiempo dirá si este es el camino a seguir de aquí en adelante. POR JAVIER DECIMAVILLA

Los arrebatos de rabia por parte de Billie Joe en un concierto, en una forma innecesaria de aclarar que Green Day es un clásico desde 1988, sirvieron de preámbulo para lo que sería una nueva trilogía de discos, ¡Uno!, ¡Dos! y ¡Tré!, con fechas de salida a partir de octubre, así que tenemos tiempo antes de verlos en directo en el próximo BBK Live. ¡Uno! vuelve al sonido más icónico de la banda con Rob Cavallo en la producción, ofreciendo temas como Kill The Dj, Carpe Diem, Stay The Night o Nuclear Family con beats energéticos de punk y rock, y jugueteando con power pop, lo que hace que se convierta en un buen inicio de toda la saga. ¡Dos! por su parte, con Mike Dirnt en portada, invita simplemente a temas divertidos y pocos profundos entre el clásico garage rock y lógicamente el punkpop al que nos tienen acostumbrados, en temas como Nightlife, Fuck Time o See You Tonight. Por último ¡Tré! supone broche de oro para el cierre sin caer en la monotonía. POR CARLOS BRANDT

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KYLIE MINOGUE THE ABBEY ROAD SESSIONS (EMI Records. 2012) Kylie está de celebración. Este año se cumplen 25 años desde que editó su primer single y para conmemorarlo ha regrabado 16 temas en los míticos estudios de Abbey Road de Londres acompañada de una orquesta completa.

Desde los singles más antiguos como Locomotion o I Should Be So Lucky hasta los más recientes como All The Lovers, Kylie Minogue hace un repaso a su carrera en formato orquestal y como siempre, con mucha clase.

Presentado por el tema Flower, inicialmente compuesto para el disco X en 2008, el recopilatorio rescata sus temas más populares y otros no tanto como Never Too Late, con un sonido totalmente distinto supervisado por Steve Anderson y Colin Elliot, sus productores habituales. Uno de los temas más destacados es Where The Wild Roses Grow, a dúo de nuevo con Nick Cave, 17 años después de la grabación original. La crítica se ha rendido a la calidad y el buen gusto que reinan a lo largo del álbum donde la australiana vuelve a demostrar que en elegancia, pocas la superan.

POR DAVID VIDAL

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RUMER BOYS DON'T CRY (Warner Music UK. 2012) Después del éxito de su primer disco Seasons Of My Soul, publicado en 2010 con composiciones propias, para su segundo trabajo, Rumer ha optado por ofrecernos una colección de versiones de los años 70 de artistas como Isaac Hayes, Jimmy Webb o Todd Rundgreen con un toque de modernidad. El primer single, P.F, Sloan, podría recordar a la música de los neoyorkinos Fun. y We Will, puede llevarnos a pensar en el debut de Lana Del Rey de manera que el álbum se mantiene clásico y a la vez actual.

Publicar como segundo disco uno de versiones es algo que a priori, puede resultar poco alabador, pero que sin embargo la cantautora británica ha sabido manejar al elegir, por suerte, temas no demasiado conocidos, de forma que consigue convencer y seducir a modernos y nostálgicos por igual.

Melodías suaves, mucho piano y toques de blues de la mano de harmónicas y banjos se entrelazan en Boy’s Don’t Cry con elegancia pero sin demasiada relevancia ofreciéndonos un álbum correcto y digerible, sin más. POR DAVID VIDAL

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cal e x ic o

TEXTO JAVIER DECIMAVILLA

B-CURIOUS · MÚSICA

FUE EN 1990 CUANDO JOHN COVERTINO Y JOEY BURNS EMPEZARON A SENTAR LAS BASES DE LO QUE, SEIS AÑOS DESPUÉS, DARÍA ORIGEN A CALEXICO. EL GUSTO POR EL FOLK DEL SUR DE ESTADOS UNIDOS Y DEL NORTE DE MÉXICO, UNIÓ A ESTOS MÚSICOS DE TUCSON Y, CON LA APORTACIÓN DE OTROS SONIDOS DE ROCK CONTEMPORÁNEO, COMENZÓ UNA HETEROGÉNEA CARRERA REPLETA DE OBRAS DE GRAN CALIDAD

Spoke fue el primer trabajo que publicaron en edición limitada, sirviendo de carta de presentación de esa variedad sonora que, con el transcurso de los años, iría ganando en personalidad. Tras The Black Light y Hot Rail, Calexico ya tenían en su repertorio todos los ingredientes necesarios para ser considerados una banda de referencia y su núcleo de seguidores se iba incrementando paulatinamente. Estaban donde querían, únicamente debían asentarse y continuar su evolución de manera coherente y honesta.

Fue entonces, en ese punto de inflexión, cuando publicaron Feast Of Wire. Era el año 2003 y, automáticamente, se convirtieron en una de las bandas más reputadas del panorama musical estadounidense. Canciones como Güero Canelo (que fue incluida en la banda sonora de Collateral) dieron forma a uno de los mejores trabajos de la banda hasta la fecha.

La carrera de Burns y Covertino ha ido alternando, continuamente y de manera acertada, sus grabaciones de estudio con otras publicaciones paralelas, bien sean discos en directo, rarezas, B-sides, etc. Esto es un ejemplo más de que no estamos ante un grupo de rock cualquiera, sino que a su permanente ebullición creativa, se une una clara intención de mantenerse en primera línea y satisfacer los deseos de sus seguidores.

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Después de Garden Ruin, en 2008 salió a la venta Carried To Dust y comenzó una fructífera relación musical entre el dúo y Jairo Zavala. La aportación de este en dicho álbum (fantástica la manera de cantar en Victor Jara’s Hands) y la de Joey Burns como productor en el proyecto de Jairo, Depedro, han dado origen a multitud de colaboraciones, como por ejemplo la inclusión del músico español en la gira que recientemente ha traído a Calexico a recorrer algunas ciudades de nuestro país.

La última entrega de los de Arizona ha sido Algiers, que salió a la luz hace tres meses. Grabado en Nueva Orleans, vuelve a la senda más elegante del grupo, donde la riqueza sonora se mantiene vistiendo de multitud de capas cada una de las canciones. Quizás haya algo menos del enfoque mariachi que despuntaba en anteriores trabajos, pero a cambio (otra vez más aparece la figura de Jairo Zavala) encontramos incluso letras en castellano (No te vayas).

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Es incontestable la efectividad de los dos adelantos que se dieron a conocer antes de la publicación del disco. Para y Splitter son dos caras de una misma moneda, dos enfoques diferentes donde se alimenta la sensación de que en la variedad está la auténtica esencia de Calexico. Los ecos nostálgicos de la primera se contraponen a los ritmos más alegres de la segunda. Splitter se ha convertido ya en una pieza indispensable en su repertorio y quizás sea la mejor canción que contiene Algiers.

No está de más afirmar, con total convicción, que Burns y Covertino no han facturado ni un solo álbum prescindible, que las canciones son prácticamente inexistentes y que, a pesar de tener trabajos que brillan por encima del resto, todos mantienen una alta calidad y, sobre todo y más importante, todos tienen sentido dentro de una de las carreras más prolíficas y destacables de la música norteamericana actual.

Pequeños toques latinos, incluso étnicos, aderezados con los metales propios del sonido Calexico, dan una nueva vuelta de tuerca a ese estilo que les ha llevado al lugar que actualmente ocupan. Una banda respetada y admirada, una influencia constante y un ejemplo de cómo aunar en una misma paleta diferentes colores sin perder la tonalidad de ninguno de ellos y manteniendo la pigmentación propia de cada uno.

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Pop UP

s t o r e s

"SON ESPACIOS EFÍMEROS Y EXCLUSIVOS QUE APARECEN Y DESAPARECEN CON LA INTENCIÓN DE SORPRENDER E IMPACTAR AL CLIENTE, YA NO SÓLO CON LOS PRODUCTOS QUE VENDEN, SINO TAMBIÉN PORQUE CREAN EXPERIENCIAS Y MOMENTOS ÚNICOS"

TEXTO CRISTINA JOVER

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B-CREATIVE · POP UP STORES

MADRID IN LOVE El método es muy efectivo y casi siempre consigue muy buenos resultados en cuanto a publicidad y marketing. Podríamos definirlas de manera muy simple como tiendas temporales que buscan darse a conocer, o marcas ya conocidas que pretenden generar una imagen de exclusividad vendiendo productos de edición limitada.

Son espacios efímeros y exclusivos que aparecen y desaparecen con la intención de sorprender e impactar al cliente, ya no sólo con los productos que venden, sino también porque crean experiencias y momentos únicos. Yendo más allá, os contamos que surgieron inspirándose en los happenings de los años 50, eventos en los cuales los espectadores se veían involucrados en la propia función.

Cualquier lugar puede servirnos para implantar una pop-up store, ya sea un barco, una caravana, un contenedor marítimo… todos ellos pueden convertirse en escaparates de promoción para una marca. Cuanto más original e impactante sea, mejor. Y muchos de ellos han sido diseñados por conocidos arquitectos o diseñadores, dando rienda suelta a la creatividad, uno de los principales ingredientes de este tipo de espacio.

A continuación, os mostramos una selección de las tiendas pop-up más originales y atrevidas que hemos encontrado. Y si queréis disfrutar de una de ellas en directo, apuntad: Madrid in love estará del 1 al 31 de Diciembre (C/ Nuñez de Balboa, 21) con una temática navideña contando con la participación de marcas y diseñadores muy especiales.

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VINTAGE INDUSTRIAL LIFE

FOTOS MADRID IN LOVE CORTESÍA DE MUGUTU

En esta ocasión, Madrid in love fue ubicada en la antigua fábrica de carruajes Lamarca con la temática vintage industrial. Inspirados por esa tendencia neoyorquina, ofrecieron artículos de edición limitada, otros de producción en serie y piezas anónimas de autor, pero siempre con la identidad propia que les caracteriza.

Organizan el espacio de forma muy atractiva, con el mobiliario vintage como único protagonista, y aunque sus precios resultan algo elevados, nunca está de más ir y dejarse llevar por ese ambiente que consiguen crear y del que es difícil no enamorarse.

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B-CREATIVE · POP UP STORES

NIKE

POP UP STORE BARCELONA

Con motivo del 20 aniversario de aquellas Olimpiadas que acogió la ciudad de Barcelona en el año 1992, Nike quiso inaugurar una tienda pop-up como homenaje a ello. Durante 30 días estuvieron expuestas las míticas zapatillas del famoso "Dream Team" que hicieron historia hace 20 años: las Air firmadas por Michael Jordan, unas Air Force 180 Low firmadas por Charles Barkley y unas Air Ballistic Force de David Robinson y John Stockton.

Además, la marca ofreció sus últimas novedades dedicando una sala a los lanzamientos vinculados con los Juegos Olímpicos de Londres 2012, otra sala enorme al Lunar y, junto a la exposición, podía encontrarse la última colección Nike Sportwear.

Sin duda, una ocasión única para ver la evolución que ha tenido la marca en sus diseños a lo largo de estos 20 años.

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B-CREATIVE · POP UP STORES

H&M

BEACH STORE

H&M sorprendió con esta tienda en la playa de Scheveningen (Holanda) para presentar su nueva colección en colaboración con WaterAid, donando parte de sus beneficios para ayudar a proveer de agua potable y saneamiento a personas en los países más pobres.

Diseñada con la forma de un contenedor marítimo de madera, pretende reforzar la idea por la que se hizo esta tienda: concienciar de la necesidad que tiene cada persona al acceso de agua potable y a unas condiciones mínimas de saneamiento.

La tienda estuvo abierta 2 días ofreciendo una colección especial de sombreros, bikinis, pantalones cortos, sandalias, etc. con la intención de poder ser usados inmediatamente.

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B-CREATIVE 路 POP UP STORES

ZALANDO

B.SIDE 路 INVIERNO 2013

POP UP STORE BY SIGUR LARSEN

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B-CREATIVE · POP UP STORES

Para la presentación de la su nueva colección, Zalando decidió encargar al arquitecto Sigur Larsen el diseño de su nueva pop-up store.

Inspirada en los contenedores marítimos, el diseño de la tienda consta de tres cajas exentas que muestran los diferentes productos de la colección.

Han sido dispuestas en el espacio con la intención de ir guiando al cliente animándole a seguir descubriendo los diferentes diseños que prepararon para esta colección.

B-CREATIVE · POP UP STORES

AESOP

Uno de lo requisitos para la construcción de la pop up store de la firma de cosmética ecológica Aesop en París era que no fuera excesivamente cara. Por ello, para llevar a cabo su diseño, se usaron materiales orgánicos mientras que en la pared se utilizó una gran trampa de 40 metros cuadrados que se extiende hasta el techo sujetando 4500 cajas de producto. Delante de esta pared está situado el producto dividido por familias expuesto en bloques simétricos. Ha sido concebida por March Studio's, encargados también de dar vida a varias de las tiendas de la marca, y como en las demás, ésta también sigue su línea de repeticiones con objetos regulares.

CONCEPT STORE

B-CREATIVE · POP UP STORES

LOUIS VUITTON & COMME DES GARÇONS

TOKYO

Era una de las colaboraciones más esperadas y por fin se llevó a cabo. La ubicación elegida fue Dover Street Market (Aoyama, Tokyo), el distrito de moda por excelencia. Durante aproximadamente 3 meses, estuvieron a la venta, entre otras cosas, los 6 bolsos diseñados por Rei Kawakubo con las siglas LV estampadas.

Su funcionamiento se basaba en el encargo del producto demandado, que se enviaba en el plazo de unos meses a una de las tiendas de LV escogidas en Japón con certificado original de ambas marcas, a modo de 'guerrilla store'; concepto que tan bien le ha ido funcionado a Rei Kawakubo con Comme des Garçons.

Estos exclusivos diseños han estado expuestos en cajas de acero cubiertas casi en su totalidad con el logo de LV en oro. En cada caja destaca un pequeño compartimento diseñado para sostener cada modelo específico de la colección.

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B-CURIOUS · MÚSICA

B OB dyl an L AS RAZONES del MITO TEXTO JAVIER DECIMAVILLA

Robert Allen Zimmerman no necesita presentación. Su dilatadísima trayectoria, su influencia en la música contemporánea a nivel mundial, su repercusión en los aconteceres de nuestro tiempo y, sobre todo, su vasto y extraordinario cancionero (quizás uno de los más importantes de toda la historia), avalan a Bob Dylan como un mito, una leyenda viva que traspasa los límites de los estrictamente musical, siendo un icono social, una figura artística y cultural de incuestionable valor.

Su exposición mediática no es excesiva en los últimos años, aunque no ha dejado de editar discos y actuar en directo, por eso ahora, con la reciente publicación de “Tempest”, creemos conveniente e interesante, reivindicar su figura y demostrar con razones concretas que, al margen de los gustos y preferencias de cada uno, todos los adjetivos anteriores se quedan cortos cuando se trata de hablar del genio de Minnesota. Ahí van algunos ejemplos, por orden cronológico, del porqué de su elevación a los altares de la música popular, 12 pasos con los que entender mejor la figura de Dylan y sus dimensiones:

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Duluth, Minnesota. 24 de mayo de 1941. En el seno de una familia trabajadora nace Robert Allen Zimmerman que, más tarde adoptaría el apellido de Dylan, según se dice, debido a la admiración que sentía por el poeta Dylan Thomas. Ya en la niñez y adolescencia empezó su acercamiento al folk, blues, rock & roll o country, así como su gran interés por la literatura y, más concretamente, por la poesía.

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Los años 60 marcan su compromiso social y político. Encabeza una hornada de músicos y artistas con claros objetivos pacifistas, dentro de un momento convulso marcado por las reivindicaciones a favor de los derechos de los trabajadores, las protestas en contra de la Guerra de Vietnam, etc. Ese carácter comprometido marcaría el resto de su vida y, aún hoy, se le puede ver en actos solidarios o de apoyo a determinadas figuras políticas.

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En 1965, en el festival de folk de Newport, aparece sobre el escenario con una guitarra eléctrica. Sus propios seguidores, los más puristas, sintiéndose traicionados, le rechazan y abuchean.

Un ejemplo como este demuestra la honestidad y personalidad para, a pesar de las críticas, seguir por el camino que le marca su instinto. El fundamentalismo folk quedaba atrás y se abría una nueva senda eléctrica con mayores influencias y posibilidades. Se abrazaba a sonidos como el rock y el blues, que suponen el salto definitivo. Dylan es ya un fenómeno de masas.

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Sus inquietudes artísticas y vitales toman una nueva dimensión con su acercamiento a la religión. Proveniente de una familia judía, en 1978 comienza un giro hacia el cristianismo, tanto a nivel musical como de fe. Ese año publica Street Legal que, junto a Slow Train Coming (1979), Saved (1980) y Shot Of Love (1981), da forma a esta mística etapa, en la que la música góspel adereza sus composiciones. Una vez más el inconformismo del artista da mucho que hablar y él sigue sus propios designios, dejando a un lado lo que se espera de él.

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A pesar de todo, es humano, también tiene discos menores, algo que hace su figura más creíble y cercana. Los baches siempre son importantes para conseguir aciertos y las curvas, a veces, conducen a un destino más satisfactorio.

En la década de los 80 probablemente se sitúen los trabajos más irregulares del cantautor, como Down In The Groove (1988), pero sin ellos sería imposible entender el porqué de su carrera desde ese momento hasta el día de hoy.

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DE IZQUIERDA A DERECHA, DE ARRIBA A ABAJO JUNTO A MICK JAGGER Y KEITH RICHARDS EN UNO DE LOS MÍTICOS CUMPLEAÑOS CELEBRADOS POR EL LÍDER DE THE ROLLING STONES · JUNTO A LA CANTANTE JOAN BAEZ, TAMBIÉN SU EX-PAREJA · DYLAN EN DIRECTO · JUNTO AL LÍDER DE SIR DOUGLAS QUINTET, DOUG SHAN, CON QUIEN COLABORÓ EN SU PRIMER ÁLBUM EN SOLITARIO PARA ATLANTIC, DOUG SAHM AND BAND

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Año 1988: Comienza la gira Neverending Tour, con la que lleva en la carretera, de manera continua, desde entonces. Sus conciertos están centrados absolutamente en las canciones, sin más artificios. Últimamente suele verse a Dylan escondido tras su teclado y con escasa interactuación con el público, aunque regalando momentos gloriosos, todo depende del día y del momento de forma. Las canciones suenan diferentes, los setlist varían cada noche, nada es previsible. Cuando se cuenta con un repertorio como el suyo, no es necesario más que sentarse y escuchar. Solo eso es ya un motivo de alegría, la sensación de estar ante una parte fundamental de la historia.

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Su resurrección de la mano de Daniel Lanois (con el disco de 1989 Oh, Mercy) marcó un punto de inflexión en su carrera. Después de algunos fracasos comerciales, este álbum supondría un nuevo espaldarazo a su reputación, volviéndole a llevar a la primera línea y garantizándose el respeto perdido anteriormente. La figura del productor fue fundamental para la consecución de este éxito y el regreso del mejor Dylan.

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El fenomenal disco Time Out Of Mind, publicado en 1997 nos devolvió a un músico en plenitud de facultades creativas y supuso un nuevo punto de inflexión en su carrera, pues a partir de ahí no ha dejado de sacar trabajos meritorios y de gran calado. Sus discos de madurez son obras grandiosas, que muestran a un artista experimentado, culto y actualizado. Love And Theft (2001), Modern Times (2006) y Together Trough Life (2009) forman esta colección de excepcionales álbumes, plagados de geniales metáforas y relatos sorprendentes.

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En 2007, el jurado del Premio Príncipe de Asturias de las Artes eligió a Robert Allen Zimmerman como vencedor de ese año, destacando el carácter "austero en las formas y profundo en los mensajes", que conjuga "la canción y la poesía en una obra que crea escuela y determina la educación sentimental de muchos millones de personas".

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Su influencia traspasa las barreras musicales y las letras que ha escrito a lo largo de su carrera son algo más que simples canciones. Muestra de ello es que, año tras año, el nombre de Bob Dylan suena con fuerza para alzarse con el prestigioso Premio Nobel de Literatura. Aunque no ha llegado a ganarlo nunca, el mero hecho de postularse como posible vencedor es un hecho admirable. Sus versos son ya clásicos de nuestro tiempo y a nadie le sorprendería que ganara dicho galardón.

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DYLAN CON SOMBRERO DE COPA, PHILADELPHIA, 1964 - FOTO DANIEL KRAMER

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Este año, con 71 primaveras a su espalda, ha publicado una obra tan sublime como Tempest, situado ya como uno de sus mejores discos de las etapas más recientes. Un disco sabio y analítico. Una manera absolutamente brillante de escribir marca cada una de las canciones de este complejo y rico trabajo. Un retrato del viejo Bob apelando al recuerdo de su vida, recrudeciendo el mensaje, indagando en los albores de su pasado, recordando a Lennon.

Una posible metáfora de la despedida, de la retirada, eso es Tempest, uno de los mejores discos que ha facturado (a pesar de su horrible portada).

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Para terminar, la razón de mayor peso en su consideración como mito, sus creaciones. Ha escrito algunas de las canciones más importantes de la historia de la música popular, temas inmortales como Like a Rolling Stone, Knockin’ On Heaven’s Door, Blowin’ In The Wind. En su currículum, además, constan discos imprescindibles para entender la cultura contemporánea, auténticas obras maestras como Highway 61 Revisited (1965), Blonde On Blonde (1966) o Blood On The Tracks (1975).

Así es Bob Dylan, músico, escritor, agitador social, icono. La historia de la música no puede entenderse sin él y el legado que dejará el día de mañana será absolutamente excepcional. No es necesario deshacerse en elogios para comprender la magnitud de su figura, pues los adjetivos se quedan cortos para valorar una carrera de más de 50 años.

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Noissettes lanzan al mercado una nueva propuesta llamada Contact de la mano del sello Mono-ra-rama. Con la participación de numerosos compositores (Jean Baptiste entre ellos), en este tercer álbum desarrollado y grabado a caballo entre Estados Unidos y Reino Unido, dejan de ser tres los componentes del grupo; el guitarrista Dan Smith junto con la cantante y bajista Shingai Shoniwa se convierten en un dúo imparable y con todas las ganas de hacer ruido.

Si algo hay que decir sobre esta banda es que están haciendo algo de lo más simpático del momento. A lo largo del popurrí de guiños a un sinfín de estilos, hay cabida para todo tipo de momentos; el adictivo encanto de la voz expresivísima de Shingai nos salpica de pizcas de Adele, Jessie J, Selah Sue o Imelda May a su antojo, demostrando sentirse como pez en el agua en un alarde de versatilidad, sin dejar que olvides que su pop indie electrónico no es etiquetable.

Toques de retro-soul, bossa, techno, disco... Como esta banda gasta de todo, su público y propuesta también han de ser eclécticos, ya que tanta mezcla a veces puede llegar a resultar rimbombante. Así, nos sorprenden con doble single para dejar con buen sabor de boca a los amantes de lo retro con la graciosa, aunque un tanto cursi That Girl y el estándar hit Winner, pegadizo, optimista y fórmula techno que la banda dedica a la celebración en Londres de los Juegos Olímpicos 2012.

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TEXTO MIRA CIRERA

Tan complejo que te guste todo como que no te enganche nada, abren con una intro instrumental (Transmission Will Start) y cierran con la preciosa balada de piano que da título al disco, ambas con el mismo tipo de orquestación de cuerdas, tan mágica y emotiva que parece sacada de la banda sonora de alguna película -se grabó en los famosísimos estudios Abbey Road-.

En el resto de temas encontramos una euforia traviesa en las melodías pegajosas de Let the Music Play, Never Enough, Love Power o Final Call, con excepciones probablemente más convincentes como la dulce y original Travelling Light y la prominente mandolina de Ragtop Car. Mezcolanza de baterías y cajas de ritmo, efectos, lluvias hechas ritmo... de todo ello resulta un cóctel explosivo para los estómagos más resistentes. Un disco más para bailar que los anteriores y para cambiar estados de ánimo. ¿gustas?

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MART HA WAI NWR IG H T

TEXTO CARLOS ROLDÁN MEJÍAS

MADRE NO HAY MÁS QUE UNA

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POR MUCHO QUE NOS CUESTE ACEPTARLO, SOBRE TODO EN ETAPAS TEMPRANAS, SOMOS LO QUE SOMOS, EN GRAN MEDIDA, POR LA INFLUENCIA DE TODOS AQUELLOS QUE HAN ESTADO CON NOSOTROS EN NUESTROS PRIMEROS AÑOS. MARTHA WAINWRIGHT, HERMANA DEL CANTANTE Y COMPOSITOR NORTEAMERICANO RUFUS WAINWRIGHT E HIJA DE LOS CANTANTES DE FOLK LOUDON WAINWRIGHT III Y KATE MCGARRIGLE LO SABE BIEN.

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Después de pasar varios años sin lanzar ningún material propio, desde I Know You're Married But I've Got Feelings Too en 2008, o el homenaje que hizo a Edith Piaf en 2009 con Sans Fusils, Ni Souliers, à Paris: Martha Wainwright's Piaf Record, Martha se presenta ahora ante nosotros con su tercer álbum de estudio, Come Home to Mama, producido exquisitamente por Yuka Honda y grabado en el estudio neoyorkino de Sean Lennon; un álbum delicado, mimado, con ciertos toques electrónicos, aunque sin perder la esencia pop-rock con tintes folk que la suelen caracterizar, extraordinariamente interpretado y cargado de emociones en el que se entremezcla el amor con la tristeza, la desesperación, el enfado, la esperanza o la añoranza. Y no es para menos. En estos últimos tiempos la cantante y compositora se ha casado, ha tenido un hijo de forma prematura y ha experimentado la muerte de su madre. Es lógico que, con todas estas circunstancias, haya surgido una obra tan personal, íntima y especial, considerada por muchos como su mejor trabajo hasta la fecha.

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Solo hace falta cerrar los ojos y dejar que el álbum fluya por sí mismo para comprender lo que Martha siente y expresa con sumo control vocal y extraordinaria versatilidad en esta nueva etapa de transición emocional, desde su entusiasmo e ilusión por la vida de casada en Can You Believe It? a pesar de los problemas que puedan surgir en Some People o su sinceridad ante las dificultades de ser madre en Everything Wrong, hasta su tristeza, añoranza y amor por una madre recientemente fallecida en All Your Clothes.

Mención especial merece el primer sencillo que se extrae del álbum, su versión íntima a piano, cuerda y voz de Proserpina, la última canción que compuso Kate McGarrigle antes de fallecer en 2010.

Este tema, que da título al álbum con una de sus frases, narra la desesperación de las relaciones turbulentas que se dan con frecuencia entre madres e hijas a través del mito griego del nacimiento de la primavera.

Martha sabe bien que madre no hay más que una, y lo deja claro en el exquisito Come Home to Mama, un álbum que, como indica John Freeman (The Quietus, Octubre 2012) habla sobre el amor de una madre, escrito por una madre y dedicado a una madre.

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JULIAN ENTREVISTA JAVIER DECIMAVILLA FOTOGRAFÍA EVA SAN JUAN ESTILISMO BARONESA VAN RITZO MAKE-UP & HAIR VERÓNICA ALMENDROS ASISTENTE MUAH ANDREA SALOMÓN

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Rock, Country, Blues… diversos géneros revisados por el músico y pasados por el tamiz de su propia manera de entender el oficio.

Precisamente de eso, del oficio de ser músico y de por qué merece la pena hacer un disco tan valiente, hablamos con Julián el día que pasamos junto a él para realizar la sesión fotográfica que ilustra este reportaje. Honestidad y sencillez, el músico de verdad se retrata a sí mismo en esta entrevista.

Dreams are gone es un disco ambicioso, en formato doble. ¿Sentías la necesidad de no dejarte nada en el tintero, de sacar todo lo que tenías dentro?

Sí. Esta música pertenece a una etapa de mi vida y quería saber dónde estaba, hasta dónde había llegado. Es también un resumen de lo que he aprendido durante estos años con The Sunday Drivers, con Speaklow, The Sweet Vandals, M Clan... Tenía las canciones en la cabeza y la necesidad de tocarlas con la guitarra, por descansar un poco del hammond. Tenía un caldo de cultivo suficiente como para tirar para adelante y dejar atrás mi etapa con los Sunday.

A pesar de esa complejidad que tiene y del difícil mercado, el disco se ha editado por una multinacional.

He tenido la suerte de que Sony lo edite. Ya tenía un encargo de obra firmado con Sony Editorial. La cuestión es que vinieron a verme a un concierto, cuando actuaba con el trío (tirando a acid jazz), y les gustó. Les dije que tenía unos temas colgados en el bandcamp, los escucharon, les gustaron y para adelante.

Para mí es una suerte que Sony se fije en mi música, saquen un doble y encima con temas de cinco minutos, que no es música comercial. Para mí es un éxito.

Además lo he grabado en casa, partiendo de cero, con pocos medios...

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JULIÁN MAESO (THE SUNDAY DRIVERS, THE SWEET VANDALS, M CLAN, QUIQUE GONZÁLEZ) HA FACTURADO EL QUE PROBABLEMENTE SEA EL MEJOR DISCO NACIONAL DE ESTE AÑO. DREAMS ARE GONE ES UN GRANDIOSO TRABAJO DOBLE, DONDE CONFLUYEN TODOS LOS GUSTOS MUSICALES, INFLUENCIAS Y APRENDIZAJES QUE ESTE TOLEDANO HA TENIDO A LO LARGO DE SU VIDA

El título es algo pesimista, ¿cuál es la temática general el álbum?

Bueno, es un título realista. Yo creo que la gente no es feliz hoy en día. Tenemos todo lo que nos han hecho creer que necesitamos para vivir, pero realmente se han perdido valores, el respeto por la gente. Hoy en día el hombre es un lobo para el hombre. Estamos en contra de nuestra propia estabilidad, por intentar vender hay veces que uno vende hasta a su madre. Se han perdido los valores que, a mi por lo menos, me han inculcado de pequeño. No sirve ser honesto, no sirve ser sincero... lo que importa es tener dinero. Así que el disco es una mezcla del momento en que vivimos y mi momento personal. Tengo 36 años y llega un punto en que ves la

realidad tal y como es. Además ha sido una renovación, después de una caída en picado ocasionada por diferentes desengaños a nivel personal y profesional.

Para mí el título no es negativo, sino que indica que hay que despertar y luchar más que nunca. ¿cómo estás viviendo la acogida que está teniendo el álbum?, ¿qué sensaciones te llegan?

La verdad es que a todo el mundo le ha gustado y ha habido bastante movimiento tanto en prensa escrita como en diferentes webs. En general todas las opiniones son muy positivas, lo cual me alegra enormemente porque, al menos, todo el esfuerzo que he hecho a nivel de tiempo y económico, ha merecido la pena.

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PÁGINAS 46-51: VAQUERO GRIS COS CAMISA NEGRA ARROW AMERICANA REPLAY

ABRIGO JASPEADO CALVIN KLEIN BOTINES HISPANITAS

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Además en el disco hay muchos amigos míos tocando. Eso también indica que la música no es solo una canción, tiene que haber un sonido, una complicidad entre los músicos.

Las canciones son bastante variadas, tocas muchos y muy interesantes palos, aunque siempre bajo el prisma del sonido americano, ¿cómo definirías tú mismo tu música?

Creo que hago una música apta para la gente abierta, en cuanto a estilos musicales y a sonido. En el disco hay country, blues, folk, rock, algo de pop y de soul.

No me gusta encasillarme en ningún género y esto es un resumen de lo que me gusta, de esa raíz americana. Yo toco de oído y al final me vienen melodías, gracias a toda la música que he ido escuchando. He hecho un disco pensando en que a mí me gustase.

Todo se envuelve en un sonido bastante clásico ¿Está en esa revisión tu camino?

Yo cuando hago un tema no pienso en un single pegadizo de tres minutos, sencillo, para que la gente lo entienda. Ya que con esto no ganamos mucho, por lo menos hago lo que quiero hacer.

El orden de los temas también parece muy meditado, igual que la división en dos discos. Supongo que esa no ha saido una tarea demasiado fácil...

Fue un poco locura, en total son 22 temas los que he compuesto. Realmente quería hacer un disco triple de vinilo con descarga digital aunque al final nos decidimos por un CD doble con 19 canciones, un vinilo con 8 (más una inédita) y dos temas más en iTunes. Lo cierto es que no sabía cómo plantearlo. Valoré la opción de disco rápido-disco lento, la opción de más pop - más folk blues. Al final tomé una decisión como me salió, porque si no a veces no se llega nunca al final; hay que saber parar.

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En cuanto a las letras y tu manera de componer, ¿cómo y cuando se originan las canciones?

Cuando tengo problemas, me evado en la música. Realmente me vienen melodías y las grabo en el móvil, esté donde esté. Luego cuando llego a casa, me siento, lo reviso con tiempo y veo si tienen sentido esos acordes. En cuanto a las letras, ocurre lo mismo. Estás por ahí y te llama la atención algo que ves, lo anotas y así van saliendo las canciones.

Después de colaborar con multitud de artistas y formar parte de otras bandas, ¿cómo es ese salto a la primera línea de fuego?

La palabra es responsabilidad. Te toca asumir muchas de las responsabilidades que no tienes cuando eres miembro de un grupo. Ahora todo depende de ti, te enfrentas al día de otra manera. Tienes que levantarte, defender tu nombre e intentar hacerlo lo mejor posible, tanto a nivel musical, como de infraestructura o de relación externa. ¿Te ha costado mucho dar ese paso?

Lo cierto es que me ha venido muy bien.

Para todos los músicos es bueno saber estar en los dos sitios. Cuando trabajas de mercenario para alguien, conoces un lado que, a la hora de sacar tu proyecto adelante, hace que cuides los detalles de infraestructura, hoteles, furgoneta, que los demás estén a gusto... Me ha venido muy bien este cambio para conocer las dos caras de la moneda. ¿Te sientes tan cómodo cantando como tocando tus instrumentos?

Es que yo antes no cantaba, esta es la primera vez que lo hago realmente. Uno se escucha a sí mismo y son tan directas las sensaciones... Cuando metes la voz a tu música, adquiere aún más personalidad, ya no hay retorno, te va a acompañar para siempre. De momento me siento muy cómodo cantando, además

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JEANS REPLY CAMISA DE CUADROS CALVIN KLEIN JEANS CHAQUETA DE LANA FAY CAMISA DE BOTONES LA CARRÉS COSTA BOTINES HISPANITAS

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la voz transmite mejor el mensaje, la tristeza, la alegría, la mala hostia... ¿Te apetecía quitarte esa imagen de músico de hammond?

En realidad no me apetecía quitarme nada. Es simplemente cambiar, ser capaz de llegar a la gente con una guitarra acústica y una voz y no tener que estar continuamente cargando con el hammond, desarrollando solos, etc. El siguiente paso supongo que será hacerlo en mi idioma, cuando me sienta capacitado para ello.

Precisamente quería preguntarte la razón por la que escribes en inglés.

La razón principal es que de pequeño la música que se escuchaba en mi casa era casi toda en inglés. Me gustaba el Rock & Roll y cantado en ese idioma. Pero ahora que van pasando los años, que has tocado en muchos grupos, también te das cuenta de que no todo lo bueno es en inglés. A mí por ejemplo me gusta mucho el bolero y cuando escucho uno bien cantado me llega mucho.

Es algo natural que los grupos o artistas que cantan en inglés se pasen tarde o temprano al castellano...

Al fin y al cabo es nuestro idioma, el inglés es algo aprendido. También me gusta ese idioma porque me permite viajar al extranjero. Yo quiero salir de España, al menos en otros países hay más cultura que aquí. Aquí manda la pachanga.

Supongo que habrás aprendido algo de todos los proyectos de los que has formado parte, ¿destacarías alguno en concreto?

Sí, por ejemplo he aprendido mucho de Antonio Pax. Es un batería que ha estado toda la vida haciendo garitos. A pesar de las subidas y bajadas, la realidad es esa. Finalmente te das cuenta de que los egos, las falsas ascensiones rápidas, ocurren por la falta de experiencia en

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carretera y humildad. Yo he aprendido mucho de estar pateándome garitos por 50 euros, cargando el hammond y el equipo de voz. Pero también he vivido la oportunidad de estar en grupos que, de repente, suben, tocan por toda Europa, hacen giras, entrevistas, revistas...

Pseudofama. Sobre todo he aprendido que la realidad del músico, salvo casos contados, es la falta de constancia, la falta de derechos en tu trabajo y que te la den discográficas y editoriales. Aquí en Madrid hay una jauría de sinvergüenzas. Ponlo bien claro, en el mundo de la música hay una jauría de sinvergüenzas y espabilados que se aprovechan de las ilusiones de la gente.

"EN EL MUNDO DE LA MÚSICA HAY UNA JAURÍA DE SINVERGÜENZAS Y ESPABILADOS QUE SE APROVECHAN DE LAS ILUSIONES DE LA GENTE"

¿Con quién te gustaría tocar? ¿Algún sueño por cumplir en este aspecto?

Steve Winwood y Eric Clapton me gustan mucho. También me hubiera gustado tocar con Salomon Burke antes de que muriese. Hay mil, pero al final lo que quisiera es tener una banda estable, que disfrutemos tocando, de manera constante... Yo creo que a los músicos hoy en día, con pagar las facturas y estar tranquilos en ese aspecto, nos vale. Un músico vive al día.

En cuanto a las influencias de este álbum, son muy variadas y eso enriquece el trabajo, parece que cada canción nos remite a algo conocido. ¿Puedes contarnos cuáles son esas referencias que has tenido en la cabeza a la hora de concebir Dreams Are Gone?

Empecé con el Rock & Roll por mi padre, luego empecé a tocar blues al piano,

soul, acid Jazz, funk... He mamado de todos los grupos en los que he estado. Al final tienes toda esa música en la cabeza.

Bob Dylan está muy presente y también ha influido mucho la época en la que he estado con Quique González y M Clan, sobre todo por ser amigos de ellos, estar ensayando en sus casas... muy Americana todo. Quería huir un poco del hammond. También está el sonido albornoz, que es más de andar por casa, o la guayabera, es que la americana me pilla más lejos... (risas) Me da la impresión de que si fueras de algún lugar como Nashville, tu disco tendría una repercusión mayor. ¿Crees que aquí no se valora suficiente lo que tenemos?

No hay que negar que soy un toledano cateto... A lo mejor si fuese de allí no habría aprendido lo que he aprendido con todos esos amigos músicos con los que he trabajado. He llegado hasta aquí por la gente con la que me he relacionado. A lo mejor mi realidad en Inglaterra sería estar haciendo R&B. Pero lo que es cierto es que lo de fuera se valora más, en todos los sitios se tiende a encumbrar más a los de fuera. Les pasó a los músicos de jazz de Estados Unidos, que allí no se comían un colín y era en Europa donde se les reconocía, donde se les pagaba cachés. Aquí, de todas formas se tiende a valorar más lo de fuera, hasta americanizamos nuestro idioma, porque hace que las cosas parezcan más importantes.

La lista de músicos que han participado en la grabación de estas canciones es interminable, ¿Por qué han participado tantos?, ¿para cada tema pensaste en uno en concreto?

Participó una banda base, formada por Alfonso Ferrer, Amable Rodríguez, Juli “El Lento”, Lyndon Parish, Sergi Fecé y Angie que entró más tarde. Eran muchos temas y conozco a muchos músicos de todos los grupos en los que he estado.

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Cada uno aportaba algo diferente, así que dependiendo de para qué, llamaba a uno u otro. Quería tener a mis amigos, compartirlo y tener otros puntos de vista. Lo bonito es cuando un músico toca por primera vez una canción que no conoce, pone todo su esfuerzo, todo lo que tiene en ese momento. Miles Davis y otros muchos no enseñaban los temas a sus músicos hasta el momento de grabar. Cuando tocas una canción varias veces, ya sabes lo que viene, no existe esa magia de la primera vez.

Además de los arreglos, otro punto a favor de este trabajo son los coros femeninos, un contrapunto interesante a tu voz. Háblanos de las coristas y de su papel en este proyecto.

Todo empezó porque Lyndon Parish tiene una voz muy bonita, es galés y viene de la cultura de los coros. Además, yo venía un poco asqueado de tocar temas, de los solos, etc. Escuchando a Crosby, Stills & Nash ves que tres voces bien hechas pueden tener la misma fuerza que una banda tocando Thrash Metal. Luego conocí a Angie y era ya amigo de Maika y Susana. Como no había cantado nunca, decidí centrarme en las voces. ¿Crees que Dreams Are Gone puede tener proyección internacional?

De hecho ya la tiene, va a salir en Alemania y Suecia. Es un álbum que aglutina música de los años 60-70 y a toda la gente que ha vivido esa época le va a recordar eso. Allí hay más cultura que aquí, van a entenderlo más y quizá tenga más proyección. ¿Te está resultando fácil presentarlo en directo o tienes menos bolos de los que te gustaría?

El panorama es totalmente adverso, pero no queda otra que liarse la manta a la cabeza y poner mi tiempo y dinero hasta que no pueda más. O me sale bien o tendré que dejarlo porque económicamente no podré seguir.

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A la hora de dar conciertos, ¿en qué formato te sientes más cómodo?

Yo estoy acostumbrado a la banda y me gusta la caña, aun habiendo poco volumen. Además el hammond es un instrumento con muchísimas posibilidades.

Cuando toco con una guitarra acústica disfruto, pero me falta esa avalancha de sonido. Ahora estamos combinando las dos cosas y disfruto y aprendo mucho.

Al margen de tu proyecto en solitario, ¿tienes en mente seguir colaborando con alguien actualmente o estás centrado en esto únicamente?

Voy a colaborar con cosas que me gustan. Ahora estoy con Pájaro, que hace música de verdad. Trabajando de mercenario también se aprende, pero disfruto más tocando con amigos. No me cierro a nada. Igual en el próximo disco hago otro tipo de música, de hecho ya tengo un disco de jazz que estoy mezclando. Quiero tocar, aprender y disfrutar, sin cerrarme a ningún estilo, esto es

una carrera de largo recorrido. ¿Qué otras corrientes o tendencias artísticas te interesan?, ¿te sirven algunas de ellas como inspiración a la hora de crear tu música?

Cualquier cosa que no sea música.

Cuando estás todo el día hablando de instrumentos, de grabaciones, necesitas salir de ello de vez en cuando. Por ejemplo, me interesa más que un pintor me hable de su trabajo, entendido como oficio, que de su estilo o sus movidas conceptuales. Me interesa más el proceso que el resultado. Yo he sido guía turístico en Sevilla y aprendí mucho de historia, de arte... Luego estuve trabajando restaurando pianos y es el curro más bonito que he hecho en mi vida.

Era un trabajo de artesano. Coger un piano de principios de siglo, abandonado y destrozado y trabajar con otros dos especialistas hasta dejarlo como nuevo. Eso me ha llenado muchas veces más que la música.

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IZQUIERDA: JEANS WRANGLER CAMISA VAQUERA REPLAY JERSEY CUELLO CISNE H&M CAZADORA DE PIEL REPLAY BOTINES HISPANITAS

JEANS WRANGLER

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CAMISA GRIS ARROW JERSEY DE CREMALLERA WRANGLER

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JAC K S O N CHAQUETA DE CUERO NEGRA Y PANTALONES AJUSTADOS, TACHUELAS POR TODO EL CUERPO, PELO RIZADO DEL COLOR DEL AZABACHE, LA FAMOSA PASADA POR LA ENTREPIERNA Y UNA FRASE QUE HA PASADO A LA HISTORIA: “WHO’S BAD?” TEXTO LAURA SERRANO-CONDE

Han pasado tres años desde la muerte de Michael Jackson y, a pesar de eso, sigue vivo en los corazones de millones de personas en todo el mundo. Sus fans no le olvidan, las emisoras de radios siguen poniendo sus éxitos y sus discos se siguen vendiendo igual o incluso más que en los últimos años de su vida.

Temas como Billie Jean, Black Or White, Beat It o Thriller siguen en la mente de todos. La gente adora al Rey del Pop y hay quien incluso es capaz de pagar 23.800 euros por uno de sus sombreros. Ahora, para el deleite de sus seguidores más acérrimos, la discográfica Epic/Legacy Recordings lanza al mercado Bad25, una reedición del álbum con el que Michael Jackson superó la escalofriante cifra de las 45 millones de copias vendidas y ganó dos premios Grammy.

Estrenado el 31 de agosto de 1987, fue el sexto álbum de estudio en solitario grabado por la estrella nacida en Indiana y su publicación fue un auténtico bombazo; la gira promocional entró en el Libro Guinness de los Récords por reunir a más de 4,5 millones de personas en las 123 actuaciones que realizó en sólo 16 meses.

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Se trata de la segunda reedición de uno de los discos de este icono de la música pop. La primera fue en 2008, cuando Michael Jackson decidió regalar a sus fieles una nueva edición de Thriller, un disco imprescindible que aún hoy ostenta el título de ser el más vendido de la historia, con más de 66 millones de copias repartidas en ambos lados del Atlántico.

Thriller fue el álbum que le catapultó a la fama, pero Bad fue el primero en conseguir cinco números uno consecutivos en las listas musicales de EEUU. La reedición de este álbum permite disfrutar de canciones remasterizadas como I Just Can't Stop Loving You, The Way You Make Me Feel o Man in the Mirror, además de otros seis títulos inéditos como el dueto junto a Stevie Wonder, Just Good Friends. Un tesoro de coleccionista que incluye también fotografías que no han visto nunca la luz, algunas de las más de 60 demos que Jackson ensayó para este disco y la grabación del concierto que ofreció delante de 72.000 personas en el estadio de Wembley de Londres en 1988.

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Además del DVD, el polifacético director Spike Lee también ha querido rendir homenaje a la estrella con la publicación de un documental con el que el público podrá conocer cómo fue el proceso de grabación del disco y cómo era el verdadero artista entre bastidores. A través del testimonio de personas que le conocieron como Stevie Wonder, Quincy Jones, Mariah Carey o Sheryl Crowe, el espectador llega a conocer al verdadero Michael Jackson, sus miedos, sus ansias por batir récords de ventas, su afán de superación, su desconfianza hacia casi todo aquel que no formara parte de su círculo más íntimo o la vergüenza que sentía al tener que besar a una chica en cualquiera de sus videoclips. También su timidez y su obsesión por ocultar siempre su verdadera identidad, hasta tal punto que se convirtió en un maestro del disimulo y llegó a tener un espacio reservado en su casa para guardar los distintos disfraces con los que salía a la calle sin ser reconocido.

Una joya musical imprescindible para todos sus incondicionales, pues con él, Jacko revive y vuelve a brillar con más fuerza que nunca.

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tendencias

N e l ly ro d i TEXTO BENJA BENET

"YES FUTURE" DEL ARTISTA VISUAL SEAN HART

WEB, WORD, WE, WORK, WORLD, WEATHER, WOMAN Y WAOUH, INPUTS CLAVES PARA DEFINIR LOS VALORES DE 4 MACROTENDENCIAS, QUE VINCENT GREGOIRE, DE LA AGENCIA NELLY RODI, PRESENTÓ EN LA JORNADA DEL PASADO 30 DE NOVIEMBRE, OFRECIDA POR EL CDD IMPIVA DISSENY VALENCIANO

B-CREATIVE · TENDENCIAS

DE IZQUIERDA A DERECHA Y DE ARRIBA A ABAJO · SILLA BACHAG JOONGHO CHOI STUDIO · JUEGO FUMURAI HITOHA · AURICULARES LIQUID 2011 JOONGHO CHOI STUDIO · MESA-ENCIMERA JOONGHO CHOI STUDIO · LÁMPARA DE SUELO/ MESA LABWARE CONE BENJAMIN HUBERT

La mezcla y convivencia de lo racional e irracional, valores como la intuición sensible ejercida de forma pragmática y sencilla. El rigor científico resaltado con la pasión propia del talento de unos pocos. La difusión de los límites entre lo físico y lo virtual ampliando las fronteras que ahora conocemos.

Jugar y disfrutar, fundamental como actitud para la vida. 4 claves bajo las que se define la propuesta.

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IMAGINEERS (RENAISCIENCIE) Sensibles a todo lo vivo y biológico, entienden la naturaleza como un laboratorio experimental dinámico, reinterpretando las novedades con un aire onírico tecnológico. Buscan las mezclas extrañas tanto de materias como inmateriales (luz, temperatura, sonidos...)

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B-CREATIVE · TENDENCIAS

DANDYSSIDENTS (TECHNEWLOGY)

La evolución y las nuevas tecnologías tratadas como un juego. Una óptica que admira y se fascina de un modo increíble con las novedades tecnológicas, enfatizando los elementos industriales y de la ingeniería con cierto aire retro.

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B-CREATIVE · TENDENCIAS

DE IZQUIERDA A DERECHA Y DE ARRIBA A ABAJO · LÁMPARA MAGNIFYING GLASS TASK DANNY DUQUEMIN-SHEIL · AURICULARES MEZE · LÁMPARA DE SUELO GROSSMAN GRÄSHOPPA GUBI · LÁMPARA THE FOSSIL LIGHT NEIL CONLEY

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B-CREATIVE · TENDENCIAS

GYPSTERS (ETHNOMAD)

Tendencia nómada asociada al saber hacer, quieren aprender las cosas y hacerlas ellos mismos a pequeña escala. Fusionando valores Norte-Sur con ética responsable, evocando elementos que juegan entre lo militar y lo bohemio.

IZQUIERDA · TABURETE SURROUNDED STOOLS ELS WOLDHEK DERECHA · LUMINARIA NEMO PROJECTEUR 365 CASSINA ABAJO · RELOJ K309001 WELDER

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B-CREATIVE · TENDENCIAS

HURLUBERLUS (HYPSTORIC) DE IZQUIERDA A DERECHA Y DE ARRIBA A ABAJO · PUF SOFT CANEVAS ABSTRACT Y DETALLE DEL MISMO · INFUSOR SUBMARINO MONKEY BUSINESS · ABRIDOR DE NUECES DE ALUMINIO CRACKY AUTHENTICS · MESA CHEAP ASS ELITES SARAN YEN PANYA

La generación LOL, viejos que son muy jóvenes o jóvenes que son muy viejos, con un aire distinguido y elegante, que rompen los esquemas establecidos mediante cromatismos y manchas de colores ácidos sobre blancos clásicos. Sin perder la elegancia, aumentan su valor llamando la atención. Así despega este planteamiento de tendencias, desde una aceptación de la situación de crisis actual, con una visión crítica del futuro para ponerse en acción. Resaltando sobre todo la actitud proactiva, positiva, dinámica y desenfadada, que apreciando lo que ya tenemos, se encamina hacia un imaginario más social y experiencial.

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muse EL TRÍO DE DEVON SE REINVENTA THE 2ND LAW, UN ÁLBUM QUE SIGUE CON LA ESTELA DE CAMBIO EXPUESTA EN SU ANTERIOR TRABAJO, THE RESISTANCE Y QUE, SOBRE TODO TRAS LA PRIMERA ESCUCHA, ES MÁS QUE PROBABLE QUE DEFRAUDE A SUS FANS MÁS ACÉRRIMOS. TEXTO NACHO ROCA

La vuelta de tuerca que Muse está dando a su estilo resulta interesante al destacar la capacidad de evolución y el amplio abanico de estilos que es capaz de abarcar la banda. Una muestra del potencial y, en cierta manera, del ego de su líder Matt Bellamy, quien es sin duda, uno de los mayores talentos de la música (casi a nivel general) en la actualidad. El multiinstrumentista británico, además de un excepcional pianista, es sin duda uno de los mejores guitarristas de la historia y posee un registro vocal amplísimo, particular y emocionante. Todo esto como intérprete, porque como creador es un genio de los de antaño. No hace falta decir que el alma de Muse es Matt Bellamy, que una vez más intenta demostrar (o quizás demostrarse) su genialidad y versatilidad. Pero ahora es cuando hemos de preguntarnos: ¿adónde quieren llegar con esta evolución? ¿es necesario este cambio?

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Con The 2nd Law prueban ser capaces de innovar radicalmente y seguir siendo una gran banda, pero la verdadera realidad es que, aún sin ser un mal disco, firman el trabajo más flojo de su trayectoria. Lejos queda la potencia de canciones como Hysteria o Time is Running Out. De himnos como Knights of Cydonia o Butterflies and Hurricanes. De todas las pistas del Origin of Symmetry: Plug in Baby, New Born, Citizen Erased… cualquiera vale como ejemplo. Han intentado cambiar buscando un estilo más actual y accesible, flirteando con géneros como el dubstep y lanzando como single Madness, su canción más popera hasta la fecha que sorprendió a algunos y decepcionó a muchos más.

Tras comenzar The 2nd Law, uno se encuentra con una grata sorpresa: Supremacy. El primer corte es épico, la guitarra recuerda al Muse pre-Resistance, la voz es potente y desgarradora. Pero hasta ahí dura la emoción. Madness destruye las ilusiones del fan de Muse que pedía otro Absolution y demuestra con una repetitiva y aburrida base la nueva obsesión de Bellamy: ser el nuevo Freddy

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Mercury, como ya venía anunciando con la preciosa United States of Eurasia del anterior LP. Gustaba más cuando intentaba ser Rachmaninoff, por el que siempre ha mostrado un respeto y admiración enormes, de manera mucho menos directa que ahora por el inigualable líder de Queen. Para nuestra sorpresa, ese tributo a Mercury y a su banda alcanza su cima en la refrescante y funky Panic Station, uno de las pistas más originales del álbum. Survival de nuevo recurre a muchos aspectos ‘queenescos’, llegando a ser épica únicamente por ese espectacular coro de fondo, ya que es lacrada por una letra ridícula y por momentos cursi. A partir de aquí, solo destacar la minimalista y delicada Animals (con una preciosa línea de bajo) que es una de las canciones más interesantes del disco. El resto de los temas con voz, muy prescindibles. Como apunte, las dos últimas canciones están compuestas y cantadas por el bajista, Chris Wolstenholme. La primera, Save Me, es posiblemente la más floja a nivel musical y la segunda, Liquid State, podría ser más que decente si la cantara Matt Bellamy.

Tras este compendio de pistas irregulares, viene lo mejor: las dos instrumentales. Lejos del “clasicisimo” de la sinfonía Exogenesis, claramente influenciada por Philip Glass, Chopin y Rachmaninoff, Bellamy busca inspiración en tendencias más actuales. Unsustainable es brutal. La parte de dubstep que tanto sorprendió (y asustó) en el vídeo promocional del álbum, resulta estimulante y muy bien cuadrada aquí. Y para concluir, la finísima y minimalista Isolated System culmina un muy buen esfuerzo final que poco tiene que ver con el resto.

En definitiva, Muse evoluciona nuevamente y el resultado no es tan prometedor como algunos desearían.

Si no fuera porque no tienen rival en directo, podrían incluso llegar a asustar a más de un seguidor acérrimo.

Esperamos que en un futuro álbum hagan algo más que un guiño al estilo con el que llegaron a la cima del rock actual, encumbrados por esa legión de seguidores que tanto merece esas nuevas canciones, las de los Muse de siempre.

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COSMOSOUL

ENTREVISTA MIRA CIRERA

TAN REDONDO COMO 5 MÚSICOS Y 5 NACIONALIDADES QUE SE JUNTAN HACE 2 AÑOS PARA FUNDIR SUS PERSONALES RAÍCES EN UN COLORIDO Y ACTUAL SOUL. ALANA SINKËY (GUINEA BISSAU), SERGIO SALVI (ITALIA), MANU SANZ (ESPAÑA), ABEL CALZETTA (ARGENTINA) Y AKINSOLA ELEGBEDE (NIGERIA) COMPONEN UNA DE LAS BANDAS DE MÚSICA NEGRA DE MÁS CALIDAD DEL PAÍS. NOS HABLAN DE SU PRIMER TRABAJO SUNRISE Y SU CONSTANTE Y PRODUCTIVA PRESENCIA EN LA ESCENA DE MÚSICA EN VIVO DE MADRID, DONDE PODRÁS DISFRUTARLES SEMANALMENTE.

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FOTOGRAFÍA ANTONIO TOMAS

¿Cuál es el punto de encuentro inicial de los cinco? ¿Cómo es el proceso de conoceros musical y personalmente?

Abel: Estamos justamente en el lugar donde nació Cosmosoul.

Tres Peces es una asociación cultural y el proceso fue como un puzzle. Con Manu tocaba ya en otro proyecto y siempre veníamos hablando de hacer uno con una cantante; estuvimos como dos años hasta que un día me dijo: “He ido a un concierto y he escuchado a una cantante que te vas a morir...”, yo ya no creía nada después de dos años. También había coincidido tocando con Akin, él conocía a Sergio y así se armó, a poquitos. Lo loco de todo esto y el porqué de que sea Cosmosoul es la casualidad de que todos seamos de diferentes países, algo que no se ha buscado.

Manu: En realidad, aunque siempre que formas un proyecto tienes algo preconcebido, todo se fue dando de una manera muy natural y luego fuimos cayendo en que habíamos coincidido más de lo que creíamos por Madrid. Sergio es mi vecino, de hecho (risas).

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¿Qué es lo que ocurre entonces exactamente aquí, en Tres Peces, que decíais que es una asociación cultural? ¿Qué actividades se hacen en “El Local”?

Manu: Es un gran entorno de músicos diversos y en ese sentido sí es verdad que se crean cosas. Y en cuanto a Cosmosoul, una plataforma donde nosotros desarrollamos. Se hacen muchas actividades y, sobre todo, la jam session del martes, una jam en un entorno fluído, de amistad y bastante abierta en cuanto a géneros y estilos. ¿Qué habéis querido decir con el título, Sunrise?

Alana: Sunrise, que significa amanecer, creíamos que podría caracterizar bien un primer trabajo nuestro. Además, es el nombre de uno de los temas del disco, un tema que habla precisamente de una unión entre personas, así que un amanecer de algo nuevo que habíamos creado nosotros y que queríamos ofrecer, nos pareció que estaba bien para un primer disco. ¿Os declináis por lo analógico o lo digital?

Sergio: Nos gustaría declinarnos por lo analógico, solo que es más caro. Aunque el calor del sonido se pierde un poco, para un primer trabajo que está totalmente autoproducido, tanto desde el punto de vista artístico como desde el económico, era más fácil y cómodo hacerlo con los recursos digitales.

Habéis comentado que parte del remate del disco (alguna letra, arreglo) se hizo a contrarreloj. Imagino que habrá sido una mezcla entonces entre improvisación y algo muy pensado... ¿Cómo ha sido el proceso de creación?

Sergio: Yo no hablaría tanto de improvisado porque los temas estaban totalmente compuestos y estructurados a la hora de grabar. Lo que pasa es que nos dimos un plazo, decidimos ponernos el reto de tener los diez temas en un mes y justo acabamos con ellos la semana de antes de ir a grabar. Hay un tema, efectivamente, en el que lo que faltaba era la parte de Alana y ella estaba un poco con esa presión encima. Al final justo lo terminó de componer la noche anterior a grabarlo. ¿Puede saberse el tema?

Todos: Heartbeat.

Alana: Algo que es muy bonito entre nosotros es precisamente la espontaneidad. A la hora de componer cada uno tiene su ritmo, sus maneras, sus tiempos. Como todo lo he hecho de una manera tan espontánea, la verdad es que en ese caso no sabía muy bien cómo sacar ese último tema, lo dejé para el último momento pero en el último momento ha fluido. Es así como creo que funcionamos todos.

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Después de haber estado en la presentación del disco en la sala Galileo, creo que esa espontaneidad se daba en el escenario, sois una banda que deja un espacio abierto a la improvisación, es de agradecer porque no ocurre con demasiados directos en los grupos españoles.

Sergio: creo que es casi una necesidad.

Ten en cuenta que tocamos todos los domingos en la sala Barco, mínimo un concierto a la semana y a veces hasta tres.

Akin: Se trata de tocar lo mismo pero con otro color. Tocamos diferentes estilos, y cuando estamos con temas propios de la banda tratamos de hacerlo con otro estilo de manera natural.

Manu: Cada uno tenemos unas raíces y unos orígenes musicales. Ese proceso de adaptarnos se está dando y cada vez va evolucionando más; aún nos queda avanzar como grupo. Nos gusta la música improvisada y en la banda hay ese código.

Pregunta para Alana. Con 2 temas en portugués y el resto en inglés, ¿No os encaja algún tema en castellano, hay planes?

Los primeros temas surgen aquí, gracias a esa actitud de improvisar y jammear en ensayos. En castellano la verdad es algo que no he explorado mucho, las veces que lo he intentado no me ha gustado mucho. Sería algo totalmente nuevo. Yo no lo he escuchado, no tengo ídolos del soul que canten en español, no lo he mamado, pero no es algo que descarto. Cuando vea que puedo desarrollar mi estilo en castellano quizá lo haga, no cierro esa puerta.

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¿Existe mucha música de este estilo en portugués?

Alana: En Portugal hay muchos músicos con mucha calidad que hacen cosas que pueden asemejarse al soul o a lo que podemos hacer nosotros, pero al final esto es un grupo de 5 personas totalmente distintas, es totalmente diferente.

Abel: Pero bueno, en Brasil hay mucha gente haciendo R&B, soul y funk... ¿Qué importancia le dais al CD como formato y qué importancia al directo como un momento in situ con el público? Se han visto puestas en escena vuestras llenos de dinamismo, ocurriendo muchas cosas dentro del escenario.

Manu: Cada cosa tiene su lugar y su momento. De alguna manera el disco es un sentimiento un poco más frío y el escenario aporta calor porque es algo muy visual. A nosotros nos encantaría poder explotar más el directo, tener más posibilidades, cosa que es cuestión de inversión. Con respecto al disco, esperamos la próxima vez tener más tiempo que el plazo que nos dimos en éste y aportarle más mimo y detalle.

Abel: Lo ideal sería llegar al punto en el que las dos cosas fueran de la mano. A mi parecer, creo que lo podemos lograr en un próximo disco porque la banda se está rodando, estamos componiendo temas nuevos y estamos tocándolos en vivo. Osea que vamos a llegar a grabar un segundo disco habiendo tenido ese bagaje.

Sergio: Eso tiene un lado bueno y un lado malo. El bueno, enorme, es que a la hora de grabar tienes otra energía. El malo es viciar la forma en la que tocas los temas en directo y yo creo que en un disco hay que pensar un poco más en la producción aparte de la ejecución y llegar más allá.

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"CON NUESTRA MÚSICA INTENTAMOS CREAR UNA DINÁMICA, QUE LA GENTE LO PUEDA PASAR BIEN, QUE ESCUCHEN MÚSICA DIFERENTE Y QUE LO SIENTAN ESTANDO EN CONEXIÓN. DAMOS MUCHA IMPORTANCIA AL MENSAJE."

Akin: Al grabar en estudio los diferentes temas, lo hacemos de manera muy limpia, hay que pulir todo para el que escucha el disco desde su casa. En el directo tenemos diferente público cada vez y también en función de él cambiamos la actitud, depende del contexto. ¿Qué temas creéis que funcionan mejor? ¿La gente está más dispuesta a bailar y a divertirse con canciones como Sunday´s Groovy Nights o a emocionarse con Sunrise o É Você? En el disco hay de todo como para que puedan ocurrir ambas cosas.

Manu: A veces en España es difícil que esta música enganche a mucha gente a nivel de interactuar con el cantante.

Alana tiene ahí un papel que hace muy bien y lo consigue pero no es fácil al cantar en inglés, etc.

Alana: Creo que É Você es uno de los temas que más nos caracteriza y a la gente le gusta escuchar algo diferente, eso es lo que tiene esta canción. Abarca un montón de nuestras influencias y expresa muy bien lo que queremos aportar musicalmente. En España es más común un público que quiere bailar, que quiere fiesta y a veces no se plantea tanto los conciertos o el ocio como algo también para observar y sentir. Con nuestra música intentamos crear una dinámica en el concierto y que sea bastante equilibrado, que se lo puedan pasar bien, que escuchen música diferente y que lo sientan estando en conexión. Damos también mucha importancia al mensaje.

Cosmosoul ha tenido mucho éxito en cuanto a la crítica dentro del género que hacéis, ¿qué opinión os merece,el tratamiento que se le da a la música negra en España y en comparación a vuestros países, aprovechando que cada uno tiene una nacionalidad? Aunque a esta última parte no me puedas contestar tú, Manu.

Manu: Bueno, entonces te contesto sobre mi país y así me quito la espinita.

Políticamente hablando, es complicado cómo se están dando las cosas en la actualidad. El público está acostumbrado a lo que le dan y esa derivación hacia lo fiestero que decía Alana nos lleva muchas veces a sobrevivir haciendo trabajos por esa línea. Mis experiencias fuera me han llevado a comprobar que la gente investiga a los grupos que no conoce y aquí manda el cabeza de cartel y lo demás parece que da más igual. Ese pequeño detalle es muy importante.

Esta es tu visión de cómo se lo toma el público, pero en cuanto a cómo se lo toma la industria y su engranaje, imagino que la reacción del público vendrá en parte mediatizada por la importancia que el sistema musical dé a la apertura de estilos no propios del país, que no tienen raíces aquí.

Sergio: La industria musical de este país se mueve básicamente dentro de lo que es el pop y el indie. Lo hecho fuera de estas etiquetas se intenta encajar en una o en otra y sino, tiene que ser autoproducida y autogestionada. Lo que hacemos

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nosotros se queda bastante fuera. Los festivales de música negra suelen ser de funk o de los años 70, no tanto un estilo actual, pero además son mucho más pequeños que otros como por ejemplo el Primavera Sound, etc.

Manu: Es un circuito alternativo de gente independiente. Y cada vez se está dando más, ojo, hay cada vez más un movimiento en diferentes capitales que crece. Hace 5 años o 10 años aquí no se hacía mucho.

Akin: En Madrid hay música negra desde hace mucho tiempo, pero la gente aquí cree que la música negra es el reggae, nada más, nada de soul o de funk, porque se han hecho muchos conciertos y discos. Ahora que llevamos dos años y pico en la industria sabemos que está difícil tocar en festivales de jazz, porque no los hay de gran variedad de estilos de música negra como R&B, soul, jazz... como ocurre en otros sitios. Nosotros en Cosmosoul hacemos soul con sabor de diferentes países. ¿Creéis que tendríais más aceptación fuera?

Sergio: yo creo que sí, porque tiene mucha más proyección el estilo. También porque, aunque tenemos muchas influencias, pero la mayoría son de fuera. ¿Y en Argentina, por ejemplo?

Abel: En Argentina hay música negra. Pero bueno, como decía Manu, es algo que tiene que ver con la política, a nivel social y cultural. Y con lo que decías del idioma, en Argentina en el año 66 ya había rock en español y desde entonces nunca se paró hasta ahora, así que imagínate, hay veinte millones de estilos en el idioma. En la época en la que estaba Cream, una banda mítica de los 70 con Eric Clapton, estaba Manal (Argentina) o Led Zeppelin. Y la música negra está desde siempre. En Buenos Aires hay unas cuantas bandas de R&B en español que yo conozco y amigos que están tocando esta música, pero sí que es cierto que está esa cosa de que es complicado escuchar esto en español. En Argentina no se canta en inglés...

Manu: ¿Y en Nigeria? Estoy intrigado...

Abel: Tenemos diferentes edades y gustos. Lo bueno y lo rico que tiene Cosmosoul es que nos respetamos para llegar a algún punto, cada uno tiene su color como decía Akin, pero la idea es pintar un cuadro, hacer una canción juntos y respetarse. Me parece que yo soy el que menos metido está en la música de ahora. Aunque me gusta, la escucho y la toco, pero escucho más música de los 60 y 70. Eso es lo bueno y lo que le da dinamismo, que nos mezclemos; y es lo que estamos buscando, un sonido Cosmosoul, no pensar en qué estilo hacer.

Cuando escucháis vuestra música ¿os recuerda u os suena a algo?

Sergio: a veces mientras compongo, tengo una referencia, pero a lo mejor Abel tiene otra y Akin otra. Entonces, cuando todas se mezclan, sale algo que no recuerda de cerca a ninguna en concreto.

Alana: Es como un hijo de los cinco. Les miras un poco y dices: "se parece a Akin, pero no, también tiene los ojos de Alana... las orejas son argentinas..."

En cuanto a influencias, ¿Quién es de The Meters y quién de Erykah Badu? Es decir, ¿de aquí quién es el clásico y quién el moderno?

Alana: Hombre, yo soy del 90 y no puedo evitar escuchar la música que se hace ahora y la música con la que he crecido, que es música moderna. Aunque me gusta mucho también lo clásico e intento equilibrarlo e ir empapándome de varias cosas. Pero las influencias que utilizo en este grupo podrían ser por ejemplo Jill Scott, Djavan, que tampoco es de ahora, etc.

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"TENEMOS DIFERENTES EDADES Y GUSTOS. LO BUENO Y LO RICO QUE TIENE COSMOSOUL ES QUE NOS RESPETAMOS PARA LLEGAR A ALGÚN PUNTO, CADA UNO TIENE SU COLOR. LA IDEA ES PINTAR UN CUADRO...

ESTAMOS BUSCANDO UN SONIDO COSMOSOUL, NO PENSAR EN QUÉ ESTILO HACER."

¿Qué nos contáis acerca de los premios Guille? ¿Qué supone ese reconocimiento?

Alana: hemos tenido la oportunidad de constar en el circuito madrileño de forma muy asidua y con lo de la sala Bar&co, tocando todos los domingos, nos ha abierto muchas puertas para conseguir público que nos anime y apoye en otras salas de Madrid. Nos hemos sentido muy bien desarrollando y ha sido un gustazo que se nos reconozca por todos los conciertos que hemos dado, que han sido bastantes.

La que teníais que pensaros... ¿Cuál ha sido vuestro último descubrimiento musical y por qué?

Manu: A mí, un guitarrista brasileño que se llama Chico Pinheiro que ha sacado un disco ahora con un nombre muy largo... Lo recomiendo por lo que decía Alana de Brasil, me llama mucho la atención al sabor y el swing que tienen allí y el disco tiene también una fusión de jazz y groove, para mí es una joya y ha sido un descubrimiento maravilloso.

Sergio: Un artista llamado Bon Iver, que no tiene mucho que ver con lo que nosotros hacemos, es más new folk con un sonido muy personal y porque los directos son muy potentes y a la vez emocionantes, un tipo de música que puede ser a la vez ñoña y enérgica.

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Alana: Hace como un año que llevo escuchando bastante a una artista que se llama Georgia Anne Muldrow, es algo nuevo , fresco y desinhibido a la hora de hacer lo que le apetece, es muy libre y me encanta su flow. El resto, hay artistas que llevo escuchando desde pequeña pero que cada día vuelvo a descubrir algo nuevo. Estoy siguiendo el recorrido de varios que ya quiero desde hace muchos años como Björk, Djavan y R. Kelly.

Abel: En realidad yo estoy redescubriendo, empezando a ir más para atrás, cada vez más en los años 50 y 60.

Hace poco me pasaron a un guitarrista que me gustó mucho y me hizo volver a tocar la guitarra, que eso es algo importante, que se llama Chris Cain. Pero uno de los últimos discos que he estado escuchando últimamente es el último de Dr. John. Es un personaje que ahora tiene 74 años y armó una banda con gente joven, sacó un discazo, con un audio tipo de los años 60 y principios de los 70; es uno de los que más escucho en las últimas semanas.

Akin: Como percusionista me gusta la música antigua. Hablando de ritmos, diferentes músicas tradicionales de cada país. Pero hay un disco que me gusta mucho que es de Ayinla Omowura, un nigeriano cantante que no tiene batería pero sí percusión. Me encantan los diferentes estilos como R&B, jazz, de todo...

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B-CURIOUS · MÚSICA

NO DOUBT TEXTO CARLOS BRANDT

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B-CURIOUS · MÚSICA

LA TIERRA PUEDE HABER ORBITADO EL SOL 11 VECES DESDE EL ÚLTIMO ÁLBUM DE NO DOUBT, PERO ES DIFÍCIL DECIR CUANTO TIEMPO HA PASADO EN EL MUNDO DE LA BANDA DEL SUR DE CALIFORNIA A JUZGAR POR SU NUEVO ÁLBUM, ‘PUSH AND SHOVE’

Con Rock Steady facturaron un maravilloso (y tremendamente) LP de rock fusión, pop y ska, mientras que Gwen Stefani perfeccionaba aquello que la hacía tan atractiva y actual. El paso del tiempo ha dado a la banda más confianza. No Doubt ha tenido siempre una musculatura reforzada principalmente por los bajos de Tony Kanal y la robusta percusión de Adrian Young, pero ahora anclan sus melodías en letras de una agradable certeza, lo que viene a sustituir al descaro de antes. A lo largo de la producción de Mark Stent, Diplo, y Major Lazer, el cuarteto salta a través de diferentes ritmos y tempos con mano firme. El primer single con tintes reggae, Settle Down, con la colaboración de Major Lazer, se descompone en un paso dubstep en una de las pocas concesiones a las actuales tendencias musicales.

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B-CURIOUS · MÚSICA

Con Rock Steady facturaron un maravilloso (y tremendamente) LP de rock fusión, pop y ska, mientras que Gwen Stefani perfeccionaba aquello que la hacía tan atractiva y actual. El paso del tiempo ha dado a la banda más confianza. No Doubt ha tenido siempre una musculatura reforzada principalmente por los bajos de Tony Kanal y la robusta percusión de Adrian Young, pero ahora anclan sus melodías en letras de una agradable certeza, lo que viene a sustituir al descaro de antes. A lo largo de la producción de Mark Stent, Diplo, y Major Lazer, el cuarteto salta a través de diferentes ritmos y tempos con mano firme. El primer single con tintes reggae, Settle Down, con la colaboración de Major Lazer, se descompone en un paso dubstep en una de las pocas concesiones a las actuales tendencias musicales.

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Gwen Stefani, por su parte, viene de publicar dos discos super pop y descarados de mucho éxito y poco reconocimiento (Love Angel Music Baby y The Sweet Scape), su propia línea de ropa, haber sido madre y haberse casado.

Vuelve a mostrar esa faceta cínica, de la cual solamente ella puede presumir, en temas como Looking Hot, single lleno de controversia por su videoclip con referencias a ese tándem indios-vaqueros que tanto juego ha dado a nivel visual en la historia, que han tenido que retirar.

También encontramos las blandas One More Summer, Undone y Gravity, que no están para nada fuera de contexto pero que tampoco arriesgan. Push and Shove es un álbum sólido y consistente que no tiene miedo de abrazar la multitud de estilos que No Doubt ha construido

durante 20 años de carrera. Es el sonido de una banda que está cómoda en su propia piel, pero que todavía quiere desafiarse a sí misma. Un disco que, al mismo tiempo, en nada se ajusta a aquellos momentos que definieron su trayectoria como Just A Girl, Spiderwebs o Hey Baby. Aunque no sea el merecido regreso que esperábamos, definitivamente sí es una excelente continuación.

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B-CURIOUS · MÚSICA

COSAS QUE QUIZÁ NO CONOZCAS SOBRE NO DOUBT 1. La idea de No Doubt no surgió por parte de Gwen Stefani sino por su hermano Eric Stefani, quien en un principio fuera el líder y vocalista del grupo con una alineación diferente en la banda que hoy día vemos.

2. Gwen participó en la formación pero como corista, hasta que un día su hermano se diera cuenta de su talento y se convirtiera ella en la líder del grupo a causa de la muerte de uno de los antiguos integrantes.

3. La canción BND del álbum homónimo, el primero que publicaron, tiene las iniciales de Brand New Day y es un fragmento instrumental de la pista 14: Brand New Day. 4. La canción Paulina del álbum No Doubt, ha sido la única canción en la que Gwen no participó como vocalista principal, sino su hermano Eric.

Gwen solo cantó los coros.

5. El vídeo de la canción Hey You de Tragic Kingdom se lanzó solo en Holanda, este video es recopilatorio de la gira Live in the Tragic Kingdom.

6. Después de grabar los dos primeros álbumes; Eric decide dejar el grupo y convertirse en caricaturista para la serie Los Simpsons, durante la década de los 90's.

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B-FAMOUS · BOMBA ESTÉREO

La primera pregunta es obligatoria, el álbum conmigo, además de grabar ¿cómo se inicia el proyecto musical de algunas guitarras. Luego de un tiempo, la Bomba?

Diego (el percusionista) salió y quedaFormé el grupo en 2005, junto a DJ mos los cuatro: Li a la voz, Julián a la guiFresh, Diego Cadavid a la percusión y Sitarra, Kike a la batería y yo, tocando el món Hernández en la parte visual. Aunbajo y con los samples. Ésta es la actual que nació más como un proyecto de formación de Bomba. sound system y de visuales, que no como banda. Así estuvimos un Por curiosidad, ¿en qué consiste el buen tiempo tocando e concepto de “cumbia sicodélica”?

LA FELICIDAD ES LO MÁS IMPORTANTE Y MERECE invitando MC’s a los diEs sacar de su contexto natural todas LA PENA LUCHAR POR ELLA. SIN DUDA, ÉSTA ES rectos; nos llamábamos esas manifestaciones folclóricas y perLA IDEA QUE SE DESPRENDE AL ESCUCHAR EL A.M. 770. Luego quedé vertirlas con un poco de ciudad y ruido yo sólo con Diego, que electrónico. Pervertir no en el sentido NUEVO ÁLBUM DE BOMBA ESTÉREO, TITULADO me ayudó a grabar perpeyorativo, sino en el sentido sexy de DE MANERA ACERTADA “ELEGANCIA TROPICAL”. cusiones en el primer la palabra.

UNA COLECCIÓN DE CANCIONES COMPUESTAS disco y cambié el nomCERCA DE LA PLAYA, EN LAS QUE ESTE bre a Bomba Estéreo.

En alguna entrevista comentáis que COMBO NACIDO EN LAS CALLES DE BOGOTÁ Hice ese álbum, titulado érais habituales de la escena indepenDA RIENDA SUELTA A SU MEZCLA DE RITMOS Volumen 1, y mientras diente electrónica de Bogotá. ¿Cómo TRADICIONALES COLOMBIANOS Y MÚSICA buscaba cantantes para era aquel movimiento musical?

ELECTRÓNICA, ROCK O HIP-HOP participar en algunos de Era una escena naciente de productolos tracks, porque sobre res que hacían cosas muy interesantes todo era un disco instrumental, invité a y allí surgió la fusión entre electrónica y Una combinación explosiva que los Liliana a cantar sobre “Huepajé”. música folclórica en el año 2003, más o ha llevado a encabezar las listas de Nos gustó mucho el resultado y contimenos. Esa tendencia era una entre mil, éxitos y a hacer bailar a la gente en nuamos juntos hasta hoy. Entonces hicipero asumo que por su carácter tan aulos festivales más populares del munmos Estalla y entró Kike a la batería y Juténtico o por su exotismo fue la que más do (desde el Coachella en California lián a la guitarra. A Julián lo conocí en el salió a flote. Por mi lado hacíamos fieshasta el Roskilde en Dinamarca). No estudio en Bogotá, que se llama El Muelle tas donde poníamos música tropical y en vano, el nombre de la banda hace y es de Polen Records, nuestro sello diselectrónica latinoamericana, tocábamos referencia a los “sound systems” imcográfico. Él era ingeniero allí y produjo en lugares poco comunes de la ciudad y provisados que animan las fiestas más desmadradas de su barrio. Aprovechando este lanzamiento tan esperado, hemos hablado con Simón Mejía (bajista y fundador del grupo) sobre el fenómeno del mestizaje musical, ENTREVISTA DAVID MOREU sus extensas giras y los secretos que se esconden detrás del nuevo disco.

FOTOGRAFÍA RAFAEL PIÑEROS (MULATO FILMS) Bienvenidos a esta fiesta de aires caribeños y alma reivindicativa.

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organizábamos exposiciones de arte. A mi manera de ver, fue una de las épocas más creativas e interesantes de Bogotá.

Vuestra propuesta musical es muy innovadora, ¿creéis que tiene que ver el hecho de que siempre hayáis trabajado de forma independiente? ¿Consideraríais firmar con una multinacional?

Sí, el hecho de ser independientes nos ha dado la libertad de hacer música como queramos. El caso de Elegancia Tropical se sale un poco del esquema que la gente quizá esperaba de la banda, pero nos gusta tocar los límites y arriesgar. De todas maneras, el sonido de Bomba siempre será el de Bomba, y no podemos alejarnos drásticamente de él, por lo menos bajo ese nombre. Estuvimos a punto de firmar con una multi, pero preferimos no hacerlo. La verdad, estamos a gusto con lo que tenemos y no nos gusta demasiado la idea de que nos respiren sobre la nuca.

La fusión de ritmos folclóricos colombianos, como la cumbia y la champeta, con el hip-hop y la electrónica hace que vuestras canciones sean muy refrescantes. ¿Qué peso tiene la tradición musical de vuestra tierra en las canciones que grabáis? ¿Qué opináis de que os consideren embajadores de la cultura colombiana por el mundo?

Es fundamental. Nosotros, básicamente, ponemos esos ritmos y esas influencias en un contexto y en un lenguaje más común a nosotros mismos. Es decir, nossomos parte de esa tradición pues es música colombiana, pero no somos sólo eso, somos eso más rock, más electrónica, más salsa, más reggae, más ranchera, más vallenato... en fin, mil corrientes.

Pero, sin duda, el punto de partida son

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todos esos ritmos folclóricos. Colombia está constituido por mil influencias culturales, como un inmenso híbrido, como una gran puta llena de colores y sabores. Pero es eso, precisamente, lo que nos hace auténticos. Podernos expresarnos con cierta originalidad a partir de las mil influencias que nos hemos cargado a través de la historia o que nos han impuesto. Más que embajadores, nos gustaría ser como transmisores de la 'colombianidad' por el mundo, y es bueno ver como cada día en Colombia se acepta más la identidad, sin avergonzarse de esa raza híbrida que somos.

Habéis tocado en muchos países, en muchos festivales y llenado estadios, como el Azteca de México. ¿Qué habéis aprendido a nivel personal y profesional con todos estos viajes?

Hemos aprendido inmensamente de todo esto, como músicos y como personas que están conviviendo constantemente como una familia alrededor de la música. Se aprende que uno nunca deja de aprender y que la música es un canal de comunicación que genera cosas muy

fuertes sobre la gente. Ser consciente de eso te hace entender que esto va más allá del ego, es una cuestión energética de intercambio de frecuencias.

Como banda hemos crecido mucho durante todos estos años y eso creo que se nota en la tarima.

Acabáis de publicar vuestro tercer álbum, titulado Elegancia Tropical, que tiene una estética mucho más colorida que los anteriores. Hay muchas flores y Liliana aparece en varias fotos con faldas largas (polleras) que son un guiño a la cumbia colombiana. ¿Qué connotaciones tiene el título y qué queréis transmitir con las nuevas canciones?

Es un disco que resume todo el tiempo que hubo de transición entre Estalla, que fue un trabajo pesado, y éste. Un tiempo que básicamente pasamos girando, por eso tardó tanto en salir el disco. En esa medida es un álbum que musicalmente muestra diversas influencias que fuimos adquiriendo en esos tiempos de estar expuestos a miles de bandas y músicas en festivales, de aprender de nuevos géneros y ritmos.

Entonces es un disco ecléctico, que tiene de esto un poco y de lo otro, todo bajo un sonido característico de Bomba.

Creo que hoy ya podríamos hablar del sonido Bomba, que lo hemos aprendido tocando mucho y desarrollando un estilo que siempre parte de nuestras raíces musicales colombianas. Por otro lado, temáticamente habla de esa misma condición de estar viajando mucho y de estar desconectado de cosas reales, como una casa. Esto hace que busquemos fortalecer más la parte interna, el alma, el espíritu. De esta manera el disco se presenta más íntimo que el pasado, hablando más de los sentimientos y de lo que está adentro de cada uno, más que de lo que

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semanas en Londres (están locos con ese ritmo que llevan) llamada UK Funky, que me influyó bastante para el disco.

está fuera. Es una manera de mantenerse fuerte cuando se está en permanente estado de mirar hacia fuera, como lo es una gira. Elegancia Tropical es nuestra manera de ver hoy el trópico, luego de andar por todo el mundo.

Siendo una banda que fusiona rock, electrónica y hip-hop, ¿nos podríais contar cómo son vuestras sesiones de grabación en el estudio? ¿Os gusta improvisar y hacer jam sessions?

Sí, para este disco en particular lo hicimos. El álbum pasó por todas las posibilidades que puede pasar un disco: algunas partes se grabaron en bloque, o sea, todos tocando en vivo, en otras hicimos jam sessions sólo los músicos y de allí salieron varias ideas. Otras partes las programé yo en mi casa, otras en una van, en aviones... es un disco y un proceso de hacerlo totalmente ecléctico.

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También rotamos por muchos estudios, como gitanos, pero la verdad es que todo siempre parte de algún loop o programación electrónica que sale de mi estudio. ¿Qué artistas han influido más vuestra carrera musical? ¿Creéis que Sidestepper ayudó a popularizar la fusión de lo electrónico con lo folclórico en Colombia?

Sidestepper fue fundamental, así como el colectivo Nortec de Tijuana. Todo el trip hop de los años 90, con el que aprendimos a escuchar música electrónica: Massive Attack, Tricky, Chemical, Orbital o Daft Punk. Hoy en día, con la música electrónica tan depurada, podría decir que me gusta el house, el minimal techno, el ambient y algo de dubstep.

Recientemente apareció una de esas nuevas vertientes que surgen cada dos

Siempre habéis concedido mucha importancia a la vertiente audiovisual, tanto en los discos como en los directos. ¿De dónde surge está motivación tan grande?

Mi formación es de artista visual y esta vertiente viene de aquí. Siempre he trabajado toda la estética visual junto a Simón Hernández, que es como el quinto miembro de Bomba. Él dirigió el video de Alma y Cuerpo, el cual me parece una pieza muy sencilla y especial. A mi lo visual siempre me ha inspirado para la música y viceversa. Éste es el caso de cómo nació Bomba, que era una propuesta de música y video en vivo, partiendo de la estética de la cultura popular colombiana.

Cuando miráis hacia atrás en el tiempo, ¿qué recuerdos tenéis de vuestros inicios? ¿Qué permanece y qué ha cambiado del grupo que grabó Volumen 1 en 2006?

Parece que haya pasado una eternidad, aunque son sólo seis años. Pero seis años intensos de viajar por todo el mundo y tocar en todas partes. La banda mantiene su esencia... quizá asumimos las cosas de una manera más profesional, pero esa esencia de gitanos que nos llevó a dejarlo todo y apostar por la banda sigue ahí y se mantiene. Somos los gitanos de la cumbia, ahora un poco más canosos y ojerosos, ¡pero gitanos aún!

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lo ok b o ok CUANDO YA ESTÁ TODO INVENTADO, SÓLO PODEMOS MIRAR AL FUTURO, AHÍ DONDE SE ENCUENTRAN LOS VERDADEROS ALQUIMISTAS. LOS QUE COMBINAN PRINTS ENTRE SÍ Y LES SALE BIEN. LOS QUE PONEN TOQUES DE NEÓN EN SU DÍA A DÍA, Y LES SALE BIEN. LOS QUE SACAN EL BLANCO MÁS PROPIO DEL VERANO A LAS CALLES MÁS FRÍAS, Y LES SALE BIEN. LOS QUE DECIDEN QUE EL OXBLOOD VA A SER EL NUEVO NEGRO, Y UN ABRIGO VERDE VA A SER LA NUEVA PERFECTO. Y LES SALE BIEN. LOS QUE DECIDEN QUE LAS SUDADERAS SON DELUXE, Y LES SALE BIEN... TODO ESTÁ INVENTADO. EL JUEGO DE LA MODA ESTÁ PARA JUGÁRSELA. Y QUIEN NO ARRIESGA NO GANA. TEXTO, INSPIRACIÓN Y ESTILISMOS DORY ÁLVAREZ ABAD ILUSTRACIONES CARLOTA HERNÁNDEZ

B-TRENDY · LOOKBOOK

HIGHLIGHT Días cómodos, desestructurados, lánguidos... de los que pasarían desapercibidos si no fuera por ese punto de luz. Deja que la matería prima más rústica se torne de neón. Combinándolo con el clásico combo de denim+camisa blanca siempre será un acierto.

GORRO ASOS MEN _ 6,95€ ABRIGO OVERSIZE COS _ 150 € BLUSA TRANSPARENTOSA H&M _ 19,95€ SHORTS DENIM MANGO _ 22,95€

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B-TRENDY · LOOKBOOK

OXBLOOD Como un vino tinto subido con regusto del más gótico de los negros. Elegante, en grandes dosis y sin mezclar. El color Oxblood se convierte en la tendencia de la temporada. Atrévete al total-look, sin miedos y apostando al todo o nada.

PD: como un uniforme con los largos imposibles.

SOMBRERO ETRO _ 220 €

AMERICANA TOPMAN _ 122 €

REBECA PUNTO CON TACHUELAS TOPSHOP _ 59 €

PANTALÓN CHINO TOPMAN _ 44 €

CAMISA BLANCA COMPNOIR _ 89 €

CAMISA CON PRINT LUNARES H&M _ 19,95 €

PANTALÓN DE PINZA ISABEL MARANT _ 340 €

CORBATÍN TED BAKER _ 76,40 €

BOTÍN DE PIEL TOPSHOP _ 92 €

MOCASINES BEN SHERMAN _ 119 €

BOLSO BIMBA & LOLA _ 188 €

CALCETINES PAUL SMITH _ 23,61 €

PULSERA BIMBA & LOLA _ 28 €

GAFAS AVIADOR RAYBAN _ 76,40 €

CALCETINES OYSHO _ 4,99 €

RELOJ ROJO ASOS _ 28 € PULSERAS RIVER ISLAND _ 13,90€

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B-TRENDY · LOOKBOOK

BLANCO SNOW Que el color de la nieve volviera a salir a la calle en invierno, sólo era cuestion de tiempo. En los 60 adoptó dejes futuristas; ahora más bien es un 'dejarse llevar'. Líneas cómodas, amplias, de texturas gruesas y sensaciones acogedoras.

Y confortables. Como mil capas en una casa de paredes de piedra junto a una chimenea. Un ensueño solamente roto por los zapatos de trabajo, para andar por la ciudad.

AMERICANA COMBINADA COS _ 190€

CHAQUETA DE CANALÉ OYSHO _ 39,95€

CAMISA DE POPELÍN COS _ 59 €

CAMISETA DE ALGODÓN OYSHO _ 9,95 €

PANTALONES DE LANA COS _ 79€

FALDA PLISADA RIVER ISLAND _ 48 €

CHAQUETA DE LANA TOPMAN _ 55 € CARTERA PIEL Y TARTÁN

BOLÓN DE SERRAJE ZARA _ 59,95 €

THE CAMBRIDGE SATCHEL _ 183,50 € BROGUELS PIEL Y LANA BEN SHERMAN _ 98 €

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CALCETINES DE CANALÉ H&M _ 7,95 € BOTINES DE PIEL CON TACÓN DE GOMA COS _ 175 € PENDIENTES DOBLES TOPSHOP _ 5 €

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ABRIGO VERDE,

MIXPRINT

EL NUEVO UNIFORME Los Teddy boys han vuelto, pero esta vez las que mandan son ellas.

Con el color verde como bandera para todo, con todo, en todo momento.

ABRIGO MASCULINO COS _ 175 € CAMISA DE SEDA H&M _ 39,95 € JEANS SUPER-SLIM MANGO _ 29,95€ BOTINES ZARA _ 59,95€ PAMELA DE FIELTRO MASSIMO DUTTI _ 39,95 € BOLSITO SACO DE PIEL MANGO _ 49,95€ CINTURÓN DE PIEL UTERQÜE _ 29,95€

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En una temporada en la que el minimalismo campa a sus anchas, aparecen los prints más psicodélicos para romper las reglas. De momento, parece que pretenden quedarse.

Y pisando fuerte. Ya sea combinádolos entre sí o apostando por el totallook, la regla es romper las reglas.

ABRIGO OVERSIZE TOPSHOP _ 91 € BLUSA DE SEDA H&M _ 49,95 € FALDA LÁPIZ H&M _ 49,95 € SANDALIAS DE ANTE BIMBA & LOLA _ 69 € GAFAS GEOMÉTRICAS MIU MIU _ 260 € FUNDA DE PIEL PARA IPAD UTERQÜE _ 39,95 €

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B-TRENDY · LOOKBOOK

SPORT DELUXE En busca de la comodidad, la reinterpretación del 'arreglá-pero-informal' de nuestra Martirio, pero con la irreverencia de quien sabe lo que se pone y cómo se lo pone. Ser canalla está de moda. No hay más que pensar en el gentleman por excelencia, Lapo Elkman, y cómo hace uso de sus prendas como le viene en gana. Tan en auge está, que las más prestigiosas firmas se han apuntado a esta tendencia creando sudaderas, gorras y deportivas para todos los gustos. No reniegues del más creativo de los mixes y atrévete a juntar capuchas, encajes y canalés como si no hubiera un mañana.

PD: Para muestra, Kenzo. ¿Hay alguien que no haya visto a estas alturas alguna de sus sudaderas?

CAMISA DENIM TOPMAN _ 37 €

CAZADORA SPORT DE PIEL ACNE _ 600 €

BEISBOLERA H&M _ 49,95 €

SUDADERA KENZO _ 177 €

CHINOS TOPMAN _ 61 €

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GORRA VANS _ 35 €

COLLAR TRIPLE TOPSHOP _ 15 €

CALCETINES PARA BOTAS PRINGLE _ 13,90 €

BANDOLERA DE PIEL MASSIMO DUTTI _ 69,95 € CALCETINES DE ALGODÓN H&M _ 6,95 €

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IZQUIERDA MIMI DERECHA LA DOLORES

la d olores ENTREVISTA Y FOTO SHEILA PÉREZ

mimi SIEMPRE ES MUY GRATO VER COMO PERSONAS CON UN GRAN POTENCIAL CREATIVO Y EXQUISITAS HABILIDADES PARA ELLO, SE PLANTEAN NUEVOS RETOS CON LOS QUE PODER OFRECER LO MEJOR DE SÍ MISMAS PARA QUE OTROS LO DISFRUTEN. ESTE ES EL CASO DE MIMI Y LA DOLORES, DOS JÓVENES ARTISTAS DEL TATTOO RESIDENTES EN MADRID, DISPUESTAS A INTIMAR CON NOSOTROS Y COMO HEMOS SIDO BUENOS, TRAERNOS UN REGALO POR NAVIDAD… ¿QUIERES CONOCERLAS?

B-FAMOUS · TATTOO ART

MIMI Tras finalizar sus estudios de Bellas Artes y trabajar en el mundo del diseño editorial, fue una inocente sugerencia lanzada al aire lo que dio un giro al futuro profesional de Mimi: “¿Por qué no pruebas a hacer tatuajes?”. Y el eco de esta pregunta se repitió en su cabeza hasta hacerse realidad...

Cuéntanos, ¿Cuál es tu filosofía acerca de este arte?

Es una manera de crear, de conocer e interactuar con la gente y otros artistas que te ayudan a crecer. Cada cliente y su tatuaje son únicos, considero vital una conexión con sus ideas para plasmarlas, pues soy consciente de la importancia que tiene mi trabajo para esa persona y la responsabilidad por mi parte que conlleva. Es muy bonito que alguien te elija para llevar algo que va a ser parte de él durante toda su vida. ¿Cómo definirías tu estilo? ¿Tienes algún referente?

Me decanto por el realismo y el tatuaje neo tradicional. El primero por su dificultad, y el segundo porque combina motivos tradicionales modernizándolos, introduciendo volúmenes, más colores, nuevas perspectivas además de ser una herencia del arte europeo.

Son muchos los referentes, de todos se puede aprender… pero me paso horas mirando los trabajos de Nikko Hurtado, Edek y Shige entre otros.

B.SIDE · INVIERNO 2013

"SIEMPRE HABÍA VISTO EL MUNDO DEL TATTOO CON ADMIRACIÓN, PARA MI ERA UN RETO ENORME PASAR DEL PAPEL A LA PIEL Y ME ENCANTA PONÉRMELO DIFÍCIL"

¿Cómo ha sido tu trayectoria en el tattoo desde el inicio hasta hoy?

En mis comienzos tuve el apoyo de La Mano Zurda que me dieron mi primera oportunidad y en el camino tropecé con La Dolores y me animó a experimentar con ella. Para mí es un lujo trabajar en lo que más me gusta y despertarme cada día con nuevos retos que afrontar para no estancarme.

¿Cuáles son tus próximos objetivos profesionales?

El proyecto que hemos empezado La Dolores y yo. Tenemos una filosofía muy parecida y nos complementamos bastante, además de ser una gran amiga. Queremos crear un ambiente de trabajo donde podamos aprender mutuamente y de otros artistas invitados.

El trece es un numero muy querido dentro de nuestro gremio así que seguramente nos traiga suerte este año, ese es mi objetivo, ¡ser feliz dando lo mejor de uno mismo!

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B-FAMOUS 路 TATTOO ART

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B-CREATIVE · TATTOO ART

LA DOLORES Hace 6 años que tatúa de forma profesional, desde que decidió cambiar los dibujos animados por este arte, “el mundo de la animación estaba siendo engullido por la informática y no era algo que me atrajese especialmente” comenta. Sin embargo, la técnica centenaria del tatuaje sí que le atrapó desde el primer momento, pues le encantaba la idea de trabajar del papel a la piel y para siempre.

afinadas entre otros, pero siempre aportándoles mi toque personal con lo que me gusta, colores intensos y oscuros que les dan un aspecto más antiguo, pero manteniendo su esencia.

¿Cuál es tu filosofía sobre este arte?

El tatuaje es una forma de expresarse y personalizarse. Siempre recomiendo que tenga un significado porque si detrás de un tatuaje hay una historia, una persona o un momento de tu vida, siempre será algo que quieras llevar contigo.

¿Cómo ha sido tu trayectoria en el tattoo desde el inicio hasta hoy?

Cada día se aprende algo más y se evoluciona, en estos años he aprendido que estamos en constante movimiento y eso es algo muy importante para no quedarse estancado.

¿Cómo definirías tu estilo? ¿Tienes algún referente?

Mi estilo está basado en el tradicional americano, en sus elementos que se repiten y que cada persona reinterpreta y compone como quiere para darle un sentido al resultado final que, además de estático, sea emotivo.

Dentro de este estilo, me inclino por los elementos clásicos, como los marineros o las figuras femeninas un poco

¿Cuáles son tus próximos objetivos profesionales?

Para el 2013 empiezo nuevo proyecto con Mimi, nos conocimos hace unos años, ella se interesó por lo que hacía yo y desde que vi sus dibujos, supe que quería trabajar con ella algún día. Es una gozada que hayamos coincidido en este momento profesional con los mismos objetivos y necesidades y que hayamos podido empezar a trabajar juntas, a mí no se me ocurre compañera mejor. Lo que más deseo es que mis clientes sigan confiando en mí como hasta ahora, conocer más gente nueva, más artistas y viajar, que todo vaya saliendo adelante gracias a nuestro trabajo.

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"ESE PUNTO ROMÁNTICO DE IR PLAGÁNDOME PARA SIEMPRE EN LOS DEMÁS ME ENGANCHÓ"

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B-CREATIVE · TATTOO ART

Tras desvelarnos sus intenciones, es innegable el atractivo que tiene este nuevo proyecto común, que no sólo será un espacio para trazar tinta en la piel, sino un espacio creativo y de intercambio con otros artistas invitados, un lugar en el que poder compartir, aprender e impregnarse más allá de la piel de todo lo que implica la cultura del tattoo.

Y éste es el momento, aquí y ahora, cuando la unión hará la fuerza y podremos disfrutar de las aptitudes de ambas muy pronto. Será el próximo 11 de enero, cuando se prevé la inauguración del nuevo estudio, ubicado en la Calle Martín de los Heros, 18 – Madrid (muy próximo a Plaza de España). Hasta entonces, puedes solicitar cita previa a través del correo electrónico: hola@mimimadriz.com o ladolores@ladolores.es e ir descontando los días mientras las ganas van en aumento.

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B-CULTURED · CINE

G EORG E TEXTO FEDE CASTAÑO

LU CAS

HACE POCO SALTABA LA NOTICIA: GEORGE LUCAS, UNA DE LAS PERSONAS MÁS CONOCIDAS Y NOTABLES DEL MUNDO CINEMATOGRÁFICO SE PREJUBILABA. COMO NO PODÍA SER MENOS, NO QUERÍAMOS DEJAR ESCAPAR LA OCASIÓN SIN ECHAR UN VISTAZO A LOS LOGROS DE UN GRAN EMPRENDEDOR.

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B-CULTURED · CINE

IZQUIERDA: LUCAS CON UNO DE SUS PERSONAJES MÁS FAMOSOS: C3PO, DE STAR WARS DERECHA: EL DIRECTOR OBSERVA EL PROTOTIPO DE LA ESTRELLA DE LA MUERTE.

Nacido el 14 de Mayo de 1944 en California, George Lucas sufrió un accidente de coche durante su adolescencia, que sin duda le abrió los ojos de una manera inimaginable, permitiéndole entender la vida de manera diferente. Por ello y tras pasar por la escuela de cine University Southern California, pudo comprender o inventar un nuevo modelo de producción, distribución y comercialización del cine, diferenciándole como emprendedor del resto de empresarios.

Así pues, cuando todos consideraban la ciencia ficción un género menor, él apostó por un target de mercado infravalorado, y lo hizo tan fuerte que le costó la salud. Por suerte para él, todos conocemos el resultado final: la Twentieth Century Fox. Al no creer del todo en su proyecto, aceptaron darle un 40% de las ganancias de taquilla y todos los derechos del merchandising, a cambio de su salario como director, que no como guionista, de la mayor saga de ciencia ficción que se ha hecho hasta la fecha, Stars Wars.

Se puede apreciar que George Lucas tuvo siempre un camino claro y definido, porque no fue tras el abrumador éxito de los Jedi, cuando se decidió a comenzar su aventura empresarial.

Todo lo contrario, Lucasfilm Ltd. fue creada en 1972, unos cinco años antes del estreno de La Guerra de las Galaxias, e ILM (Industrial Light and Magic) fue fundada en 1975, con el firme propósito de desarrollar la tecnología necesaria para realizar los efectos especiales de la saga Stars Wars. Esto no fueron más que los primeros pasos de un hombre que más adelante sería responsable directo de la creación de compañías como LucasArts, Lucas Digital Ltd., Lucas Licensing, Lucas Books, Lucas Learning Ltd., Skywalker Sound, etc. Algunas de estas firmas, derivarían más tarde en gigantes como Pixar, poniendo de manifiesto la visión con la que emprendía todo el señor Lucas.

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George Lucas fue el primero en implementar cambios tan poco apreciados ahora como que los títulos de crédito salieran al final de la película, en vez de al principio, o fue el artífice de la marca THX, la cual se ocupa de vigilar y establecer unos límites de calidad mínimos de sonido alrededor de los cines del mundo, para que disfrutemos de una experiencia envolvente.

Si hemos querido diferenciar la figura de Lucas como emprendedor, es porque ha quedado claro que no se limitó a explotar el modelo de negocio cinematográfico, sino que ha contribuido a su cambio y mejora. Encontró también un hueco sin explotar en el que nadie creía y al que solo él fue capaz de apreciar su potencial comercial. George Lucas y sus diferentes firmas, han sido expertos a la hora de explotar las capacidades que ofrecía la tecnología para la producción y distribución cinematográfica, lo que le ha llevado a convertirse en uno de los hombres más poderosos de la industria del entretenimiento.

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B-CURIOUS 路 CAMBIO DE ERA

el

pr i nci pio del

FIN TEXTO TALY ARJONA

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B-CURIOUS · CAMBIO DE ERA

PERO, ¿QUÉ TIENEN DE COMÚN ESTOS HECHOS?

¿ESTÁS EXPERIMENTANDO DESDE HACE ALGÚN TIEMPO ALGUNO DE LOS SIGUIENTES SÍNTOMAS: DOLORES Y MALESTARES FÍSICOS SIN CAUSA APARENTE, SENTIMIENTOS DE PROFUNDA TRISTEZA, ALTERACIONES DE SUEÑO O SUEÑOS PROFUNDOS, AGOTAMIENTO FÍSICO, DESORIENTACIÓN Y DESUBICACIÓN, O QUIZÁS FALTA DE ENTUSIASMO? SI PERCIBES ALGUNO DE ESTOS SÍNTOMAS SIN ORIGEN O CAUSA APARENTE, ENTONCES PUEDE QUE TE ESTÉS PREPARANDO PARA LOS CAMBIOS DE ADAPTACIÓN DE LA DENOMINADA NUEVA ERA EN LA QUE YA NOS ENCONTRAMOS SUMERGIDOS

LA HUMANIDAD COMO TESTIGO Mucho se está hablando últimamente sobre el Nuevo Despertar, la Nueva Era, la Conciencia Cósmica o el Cambio Planetario. Astrólogos, científicos y estudiosos del tema que nos concierne nos ponen sobreaviso ante estos cambios que se están sucediendo, aunque no sin existir entre ellos cierta discordancia. Por un lado, científicos de todo el mundo han predicho un colapso planetario inminente que han calculado mediante diferentes teorías. Los cambios climáticos que sufren los ecosistemas, el cambio radical de las fuentes de energía,

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el deshielo glaciar o la falta de recursos debido a la alta tasa de crecimiento de la población mundial, podrían estar provocando un nuevo estado planetario con el consiguiente impacto humano.

Y si hablamos de cambios extremos en el planeta Tierra, hablamos sin duda de crisis a todos los niveles: económico, social, político y medioambiental. Quizás no estemos prestando demasiada atención al hecho de no tratarse de un proceso aislado, sino de un colapso de sistema en todas sus vertientes y necesitado de dicho cambio.

Lo que desde luego no se puede negar es que cada vez se suceden con más frecuencia catástrofes nucleares y naturales tales como seismos, erupciones volcánicas, huracanes, tornados, inundaciones tras sequías devastadoras, aludes, además de tormentas solares y otros muchos fenómenos meteorológicos y climáticos. A su vez, podemos notar cómo el tiempo se acelera cada día más con la sensación de que transcurre más rápido. Parece ser que todos estos cambios también tienen que ver, en opinión de otras fuentes de investigación, con las ondas o resonancia Schumann (ondas de resonancia electromagnética de la Tierra), cuya constante ha permanecido estática durante siglos en 7.8 hertzios hasta que en 1980 comenzó a subir a 12Hz; predicen que seguirá subiendo. Y lo más curioso es que el cerebro humano vibra en la misma frecuencia a 7.8 Hz; si se modifica esta frecuencia, el cuerpo lo nota, lo que implica cambios en nuestro ADN, evolución y sistema nervioso central.

El fenómeno además supone una posible inversión de los polos magnéticos de la Tierra (se sospecha que la última inversión de los polos fue alrededor del año 13.200 A.C.) que algunos ya han relacionado con la reciente fecha del 21 de diciembre de 2012, aunque parece que esta hipótesis no está esclarecida del todo y como es lógico no hemos detectado nada ese mismo día, sino que se irá haciendo notable progresivamente mediante una sucesión de cambios constantes en el ser humano.

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B-CURIOUS · CAMBIO DE ERA

LA NUEVA ERA DE ACUARIO propiamente servidores; poseeremos un profundo manejo de nuestras emociones, lo que creará una armonía entre lo psíquico y lo espiritual.

Lejos de las opiniones científicas se nos presenta una diferente visión sobre este nuevo cambio: según la astrología, cada aproximadamente algo más de 2.000 años se producen grandes cambios que afectan a la humanidad en su conjunto y en cuyos ciclos dominan las características del signo que gobierna en cada era.

Estaríamos pues asistiendo al choque entre la Era de Piscis y la Era de Acuario. La Era de Piscis, se ha caracterizado por la búsqueda del conocimiento a través de la espiritualidad de las grandes religiones y de la ciencia, aunque también por la intolerancia del ser humano, lo que causó un deterioro del medio ambiente y diversas guerras, haciendo que el sentimiento del individuo haya derivado en altruísmo, egoísmo y formas capitalistas que se hacen cada vez más evidentes. Se nos otorgaron grandes conocimientos pero no supimos manejarlos.

Sin embargo, en la Era de Acuario (cuya fecha de comienzo no está muy clara, puesto que algunos piensan que ya comenzó en 1954 y otros que comenzará aproximadamente hacia el 2030) buscaremos nuevas formas de pensamiento que nos llevarán a mirar hacia nuestro interior, dando más valor a lo humanitario que a lo material. Además esta nueva era se caracteriza en sí por la interconexión planetaria, que puede apreciarse ya en los avances tecnológicos y las comunicaciones. En este nuevo período, que recordemos se valdrá de otros 2.000 años mínimo, no permitiremos que los demás nos sirvan, sino que seremos

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No obstante y por encima de todas estas teorías merecedoras de al menos ser planteadas, nos encontramos inmersos en pleno proceso de cambio y ya sabemos que para que exista un orden, primero ha de haber un caos. Y dentro de este orden caótico, nos vemos obligados a alinearnos con las nuevas frecuencias vibratorias que llegan a la Tierra. Da igual si se habla de una nueva dimensión o de un salto cuántico, pero seguro será un largo proceso de adaptación para el ser humano.

Y si bien ya es claro que a pesar del calendario Maya, el mundo no se acababa el día 21 de Diciembre, quizás podamos intuir que se atisba el inicio una nueva era de luz para la humanidad; será mejor por tanto que vayamos permitiéndonos al menos digerir estos conceptos y ponernos en marcha para lo que se nos avecina.

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B-CREATIVE · RETAZOS LITERARIOS

TEXTO E ILUSTRACIÓN URIEL ROIJALS PARDINES

Tenía todos los sueños planeados, mi vida encaminada, incluso había puesto banda sonora a aquella procesión de cadáveres del pasado. Caminaba, ¿verdad? ¿Era eso lo que hacía? Movía un pie y el otro mientras nadie se molestaba ni siquiera a ayudarme.

Claro, tan tímida sonrisa aún recordaba aquella hermana que nunca tuve. La que se tiraba pedos, la que eructaba sin necesidad de comer, ni beber. Cerré mi maleta y oí como hablaban de mí, bajo las escaleras. Lo tenían todo preparado: un lugar para mí, un futuro, un destino, me prometieron el cielo, las nubes y tantos pedos pudiese tirarme, eso sí, antes de llegar al internado. Allí todo sería distinto y todos los cielos pintados por mis padres acabarían encerrados en esa maleta que jamás volvería a abrir. Una paleta de colores grisáceos que se diluían entre gritos y manchas forzadas.

No sé si fue buena idea inventarme esa hermana que no existe, ahora rodeado de niños de mi edad con caras perplejas, desconectadas, alineadas en cada habitación, me sentía atrapado en una pesadilla a la cual no pertenecía. ¿Verdad? ¿Dónde estarán mis padres? ¿se acordarán de mi? ¿de mi maleta? se olvidaron

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de darme un beso. quizás mañana vendrán a verme.

Mis ojos se disparaban misteriosamente hacia los lados, creí perder la cabeza como todos aquellos niños sin hogar. Pero, yo tenia hogar... Me volvía uno de ellos tan deprisa como mis padres nunca volvieron a verme. Solo me dejaron un recuerdo en esas oscuras correas que ataban mi maleta, esa maleta que contenía mi ropa, mi vida, mis sueños. Esa maleta que nunca más volví a abrir.

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NOTICIAS TEXTO

OLGA FRANCO

IZQUIERDA: FOTOGRAMA DE LA PELÍCULA EL TOPO DERECHA: EL COMPOSITOR ALBERTO IGLESIAS, GALARDONADO POR LA ACADEMIA DE CINE EUROPEO

ALBERTO IGLESIAS MEJOR MÚSICO EUROPEO El pasado mes de noviembre, la Academia de Cine europeo entregó al compositor Alberto Iglesias el Premio al Mejor Músico Europeo por la banda sonora de El topo, la última película del director Tomas Alfredson y protagonizada por Colin Firth y Gary Oldman.

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Por motivos de trabajo, el donostiarra no pudo asistir a la gala que se celebró en La Valetta (Malta) y fue el productor español Antonio Pérez, el que agradeció el Premio en su nombre. Recordemos que Alberto Iglesias se encuentra trabajando en la última película de Pedro Almodóvar que se estrenará el año que viene y que llevará como título Los amantes pasajeros.

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JOHNNY DEPP A PUNTO DE CUMPLIR UN SUEÑO

El actor y su productora, Infinitum Nihil, han llegado a un acuerdo con los estudios Disney para rodar una versión actualizada del clásico de Miguel de Cervantes y que llevará el nombre de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha.

Declarada está la atracción que siente Johnny Depp hacia esta obra maestra de

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la literatura porque ya en el año 2000, y de la mano del director Terry Gilliam, intentaron sacar adelante la película The Man Who Killed Don Quixote, desgraciadamente, esta nunca llegó a realizarse por problemas de presupuesto.

Pocos datos se conocen sobre este nuevo proyecto, ni siquiera su título, lo que sí se sabe es que Steve Pink y Jeff Morris serán los encargados de escribir el guión, ambos ya trabajaron juntos en True Memoirs Of An International Assassin, un largometraje que nunca llegó a estrenarse.

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CAR T E L E R A TEXTO

LAURA SERRANO-CONDE

EL HOBBIT: UN VIAJE INESPERADO Es una de las cintas más esperadas de este año y llega a la gran pantalla también en 3D. El oscarizado director Peter Jackson presenta, por fin, a los amantes del cine fantástico la precuela de la taquillera saga de Tolkien, El Señor de los Anillos. Es la primera entrega de esta trilogía que, como novedad, ha sido grabada a 48 fotogramas por segundo, el doble de lo habitual, lo que hace que el ojo humano capte las imágenes como si se sucedieran a cámara lenta y aporta una sensación de serenidad y quietud.

Una elección vanguardista que hace de esta película una auténtica experiencia para los cinco sentidos.

Nueva Zelanda se ha convertido de nuevo en la Tierra Media. Sus impresionantes paisajes que dejan sin aliento a cualquiera son otra vez el escenario principal donde conviven los habitantes de la Comarca y Hobbiton. Aquí, en esta pequeña aldea, vive Bilbo Bolsón, un mediano, valiente y con sed de aventuras, que iniciará un peligroso viaje por tierras oscuras, llenas de gigantes, orcos, trasgos y arañas de tamaño indescriptible, y que culminará con el encuentro de una criatura que cambiará para siempre su vida: Gollum, un ermitaño que esconde un preciado tesoro.

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14/12/2012 Fantástico

ESTRENO: GÉNERO: PAÍS USA

Peter Jackson Boyens, Peter Jackson, J. R.R. Tolkien FOTOGRAFÍA Andrew Lesnie MÚSICA Howard Shore REPARTO Martin Freeman, Cate Blanchett, Elijah Wood, Orlando Bloom.

DIRECTOR

GUIÓN Philippa

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LINCOLN 18/01/2013 GÉNERO: Drama PAÍS USA Kushner Y Doris Kearns Goodwin MÚSICA John Williams FOTOGRAFÍA Janusz Kaminski REPARTO Daniel Day-Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones, David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt, James Spader, Lee Pace, Gulliver McGrath, Hal Holbrook ESTRENO:

DIRECTOR

Steven Spielberg

"Si la esclavitud no es injusta, entonces no hay nada injusto". Abraham Lincoln, 1865. Después de la versión del siglo XXI en la que Lincoln se convertía en un cazador de vampiros, la vida de este decimosexto Presidente de los Estados Unidos vuelve a saltar de nuevo al cine, ahora de la mano del siempre comprometido Daniel Day-Lewis, del ganador del Pulitzer Tony Kushner y del reputado cineasta Steven Spielberg. Juntos se alían para presentar una de las historias más impresionantes del 2013, una joya cinematográfica con la que están dispuestos

GUIÓN Tony

a arrasar en los próximos Oscar.

La cinta se centra en los últimos cuatro meses de la vida de Lincoln y en sus esfuerzos para poner fin a la devastadora Guerra Civil que está dejando en ruinas a todo el país. Además, también mostrará su lucha por abolir la esclavitud y aprobar la Decimotercera Enmienda, sus ansias por construir un mundo mejor para las futuras generaciones y el odio que despertó en ciertos sectores de la sociedad defensores del sistema imperante en ese momento

LOS MISERABLES 25/12/2012 GÉNERO: Musical PAÍS USA DIRECTOR Tom Hooper Nicholson MÚSICA Claude-Michel Schönberg FOTOGRAFÍA Danny Cohen REPARTO Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Eddie Redmayne, Samantha Barks, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen.

ESTRENO:

GUIÓN William

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Las estrellas de Hollywood Hugh Jackman, Russell Crowe y Anne Hathaway se ponen bajo las órdenes del ganador del Oscar al Mejor Director 2012 por El discurso del Rey, Tom Hooper, para presentar a los amantes del musical y de la buena literatura la adaptación del clásico de Víctor Hugo, Los Miserables.

Publicada en 1862, es considerada una de las grandes novelas del siglo XIX, ha sido traducida a prácticamente todos los idiomas y llevada a las tablas del teatro en distintas ocasiones. Además, el musical ha sido visto por más de 60 millones de espectadores en 42 países y en 21 idiomas.

Amor, pasión, sacrificio y perdón son los ingredientes fundamentales de Los Miserables, un drama realista que muestra al público cómo era la sociedad francesa del siglo XIX a través de los ojos de Jean Valjean, un exconvicto condenado por robar un trozo de pan, que es perseguido por el incansable policía Javert.

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IMPRESCINDIBLES TEXTO

OLGA FRANCO

las historias escritas por y para las mujeres, regresa a La Mancha, a Campo de Calatrava y con ello, revive su niñez y la relación con su querida madre.

VOLVER 2006 122 min.

PAÍS ESPAÑA DIRECTOR Pedro Almodóvar GUIÓN Pedro Almodóvar MÚSICA Alberto Iglesias FOTOGRAFÍA José Luis Alcaine REPARTO Penélope Cruz, Carmen Maura, Chus Lampreave, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Antonio de la Torre AÑO

DURACIÓN

Raimunda y Sole son dos hermanas huérfanas. La primera está casada con un hombre en paro y sin perspectivas de futuro. Ambos tienen a una hija en plena adolescencia, por lo que, Raimunda lucha fuertemente por sacar a su familia adelante. Sole, en cambio, es soltera y retraída, se gana la vida trabajando en una peluquería que ha montado ilegalmente en su casa. Ella es la que viaja hasta el pueblo para acudir al funeral de su tía Paula donde, sin saber cómo, se le aparece el fantasma de su madre, muerta en un incendio. La abuela Irene ha venido del más allá para solucionar asuntos pendientes que le quedaron en vida.

En el año 2006, se presenta Volver, una película firmada por Pedro Almodóvar con la que, tal y como reza su título, el director quiere “volver” a un cine que le abrió las puertas y le consagró como uno de los mejores de nuestro país. Retoma la comedia, pero sin olvidar el drama,

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Ataviada con faldas de tubo estrechas, con grandes escotes y con la raya en el ojo bien marcada, Almodóvar cuenta con su actriz fetiche Penélope Cruz. Tal y como él declara, el papel de Raimunda solo podía protagonizarla ella. Tras 17 años sin trabajar juntos, Carmen Maura ofrece, una vez más, una majestuosa y creíble interpretación. Ellas son las que aguantan el mayor peso de la película, pero no están solas. Blanca Portillo, Lola Dueñas y Yohana Cobo cierran un reparto donde no hay cabida para ningún hombre de relevancia.

La fotografía inunda de color y llena de luz cualquier escena siguiendo la estética que caracteriza al director manchego, el color rojo que simboliza la fuerza y la pasión predomina en este film a veces surrealista. Alberto Iglesias ha sido el encargado, una vez más, de poner la música, pero es necesario resaltar el tango de Gardel titulado, casualmente o no, Volver, interpretado por Estrella Morente.

Este largometraje obtuvo más de 40 premios internacionales, fue galardonada con cinco Premios Goya, seis Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos, ganó cinco premios del Cine Europeo, tres reconocimientos en el Festival de Cannes y, además, Penélope Cruz fue candidata al Oscar como mejor actriz.

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B-CULTURED · IMPRESCINDIBLES

REVOLUTIONARY ROAD 20068 DURACIÓN 119 min.

PAÍS USA DIRECTOR Sam Mendes GUIÓN Justin Haythe (Novela: Richard Yates) MÚSICA Thomas Newman FOTOGRAFÍA Roger Deakins REPARTO Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates, Michael Shannon, Kathryn Hahn, David Harbour, Dylan Baker, Richard Easton, Zoe Kazan AÑO

Frank y April forman un matrimonio norteamericano que se muda a su nueva casa situada en Revolutionary Road para así aislarse del mundo rutinario que les rodea. Esto parece no ser suficiente para la familia Wheler, ya que sienten el deseo de dar un gran paso en su relación: abandonar su vida de antes e irse a París para empezar desde cero.

Siempre se han considerado únicos y especiales, pero cuando empiezan a llevar a cabo su plan, la pareja comienza a tener grandes discrepancias y descubren que, al fin y al cabo, son un matrimonio como los demás.

Sam Mendes se atreve a llevar al cine esta novela de Richard Yates siguiéndola casi en su totalidad al pie de la letra.

Revolutionary Road critica duramente el conformismo y el consumismo en las familias de clase media americana. Ambientada en los años 50, esta historia es capaz de exprimir la relación de un matrimonio con todo lo que esto implica (celos, discusiones, deseo, etc.).

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Para el reparto, el director unió a su ya exmujer Kate Winslet con el actor Leonardo DiCaprio. Este fue el primer encuentro de ambos desde que protagonizaran Titanic, la película con la que saltaron a la fama en 1997. Y una vez más, ambos no defraudan, son perfectamente creíbles en cualquier ámbito y son capaces de transmitir los sentimientos que encierran una pareja.

Con un presupuesto de unos 35 millones de euros, la puesta en escena es impecable. La ambientación, el vestuario y la peluquería, entre otros, nos trasladan a esa época rápidamente y todos los elementos característicos de esos años nos resultan fácilmente identificables.

La fotografía es fría en su mayoría, pero también se llena de oscuridad acentuándose, sobre todo, en las escenas donde la pareja discute. Se podría decir que la fotografía y el guión van de la mano y juntos nos muestran la personalidad y la actitud de los protagonistas.

Revolutionary Road optó a varios premios, pero solo Kate Winslet pudo alzarse con un Globo de Oro a la mejor actriz dramática. La cinta tuvo buenas críticas y alabanzas, pero también es cierto que la aceptación entre el público no fue la esperada ni mucho menos, a pesar del reclamo publicitario que encabezaron la pareja protagonista.

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