INDICE
Introducción...........................................3 Metodología...........................................5 Olafur Eliasson.......................................7 Obras del artista.....................................9 Our Felt Path..........................................9 Su Cuerpo de la Obra..........................11 The Weather Project............................13 Your Shared Planet..............................15 Fotografías............................................17 Concepto del artista.............................27 Referentes.............................................29 James Turrell........................................29 Yayoi Kusama......................................33 Laser Forest..........................................37 The Ring..............................................39 Caitlind rc Brown y Wayne Garrett.....41 Water Light Graffiti..............................43 David Dimichele..................................45 Lights Show, Galleria Hayward...........47
Scattered Crowd..................................49 100 colors.............................................51 Joachim Sauter.....................................53 Arcoíris Hipnótico................................55 Berndnaut Smilde................................57 Tara Donovan......................................59 Soo Sunny Park....................................61 Jim Campbell.......................................63 Zoótropos.............................................65 Proceso de prototipado........................67 Bocetos.................................................68 Primer boceto.......................................69 Segundo boceto....................................71 Tercer boceto.......................................73 Cuarto boceto......................................75 Primer prototipo..................................77 Segundo prototipo...............................79 Tercer prototipo..................................81 Light líf.................................................83 Bibliografía...........................................85
introducci贸n Este manual pretende explicar c贸mo se hizo el an谩lisis conceptual y formal del trabajo del artista Olafur Eliasson. En el presente registro, se encuentran consignados los procesos de pensamiento y todos los referentes que se consideraron relevantes, sean formales, o conceptuales. Explicando brevemente c贸mo estos referentes ayudan a comprender mejor las obras del artista.
Metodología
Comenzamos realizando una investigación sobre el artista, quién es, qué ha hecho, cuál es su contexto, etc, que nos permitió entender mejor su visión del mundo y de su arte.
hasta que comprendimos que su trabajo se basaba en la corriente Minimalista.
Lo que a su vez nos abrió la mente a diferentes posibilidades. A partir de esto, buscamos referentes meramente formales, que nos remitieran visualmente a la estética manejada a lo largo de su carrera.
Lo cuál nos llevo a entender lo esencial de cada obra, pues cada una hace uso de unos elementos efímeros y unas funciones que las vuelven únicas y especiales. A partir de este punto pudimos empezar a investigar diferentes referentes relacionados con la experiencia y lo que se provoca en cada una de las instalaciones.
En un principio no comprendíamos de qué se trataba el concepto y la narrativa de algunas de sus obras,
Luego de la recolección de referentes nuevos los mezclamos y dividimos para poder construir nuestro propio concepto.
Olafur ELIASSON Es un artista danés-islandés conocido por esculturas e instalaciones a gran escala que emplean materiales efímeros y elementales como la luz, el agua y la temperatura del aire para mejorar o potencializar la experiencia del espectador. Olafur es un artista capaz de crear auténticos microcosmos en sus instalaciones, en las que la luz y otros elementos efímeros y relacionados directamente con la naturaleza son componentes definitorios de un trabajo multidisciplinar que tiene mucho de arquitectónico, como se puede ver en
su estudio que de 40 empleados, 12 están vinculados con la arquitectura. "La percepción que tenemos las personas de los fenómenos naturales, ya las relaciones que establecemos con ellos, son estadios relevantes en el aspecto reflexivo que da contenido al trabajo de Eliasson. Así, la luz, la niebla, el viento o el hielo se convierten en elementos artísticos de la mano de este artista, en una combinación de lo tecnológico y lo natural que va más allá de un mero interés ecológico que también tiene"
Un trabajo que Eliasson ha realizado en otras ocasiones, pero esta vez con una variante. Uno entra a un cuarto oscuro y comienza a perder el sentido de orientación. Humo, tinieblas y, a medida que avanzamos, una luz tenue cada vez más presente, inundan el espacio. Miramos al piso como guía, incluso podemos rozar con alguien y sentir una presencia. No estamos solos. Recorremos más y el entorno comienza a aclararse. Nos dirigimos hacia la luz, una luz cegadora compuesta por tubos de neón blanco. De la oscuridad a la luz, de la incertidumbre a la seguridad de lo
conocido, de la soledad a la compañía de otros, Eliasson desafía acá nuestra percepción de la luz y del espacio, y nos hace conscientes de nuestro cuerpo y del de otros. "En este espacio, el tiempo es el principal protagonista, es un componente o vehículo crítico. El espacio tiene diferentes tiempos. Tu tienes sentido del espacio cuando te pierdes en el tiempo. con este trabajo, me interesa despojarte de tus sentidos: tu vista, tu evaluación de distancia… Cuando no puedes ver nada, empiezas a sentir, empiezas a ver con tus oídos. La situación es amenazante, pero desarrollas tu sentido de orientación poco a poco", asegura el artista.
Se trata de un laberinto compuesto por paneles de gelatina de color, que van formando combinaciones cromáticas a medida que se recorre. Es un trabajo donde esta en juego el compromiso físico y visual, la percepción de la luz y del espacio. "los colores se funden hasta formar otros nuevos, los pasillos que vamos recorriendo a veces se truncan y no podemos continuar, o son atravesados por un pequeño arroyo que serpentea el espacio y en el cual se reflejan a su vez los haces de colores. Los reflejos en el líquido, las transparencias, las superposiciones cromáticas, la imposibilidad de penetrar un espacio o de perder el control del espacio, la noción del espacio como un todo que se va descubriendo de a poco, son todas experiencias creadas con materiales y una construcción aparentemente muy simple, pero visual y experiencialmente muy poderosa. "
Esta instalación emplea una pantalla semicircular, un techo de espejos, y la niebla artificial para crear la ilusión de un sol. Los marcos de aluminio forradas con papel de espejo fueron suspendidos del techo para crear un espejo gigante que duplicó visualmente el volumen de la sala. Al caminar hacia el otro extremo de la sala, los visitantes pudieron ver cómo se construyó el sol, y el reverso de la estructura del espejo era visible desde la planta superior del museo. En preparación para la exposición, Eliasson ideó un cuestionario para los
empleados en Tate Modern que incluía preguntas como: "Tiene un fenómeno meteorológico nunca cambió el curso de su vida dramáticamente? -¿Crees Que la tolerancia a otros individuos es proporcional a la intemperie? "¿Hasta qué punto está usted consciente de que el tiempo fuera de su lugar de trabajo? Los resultados fueron publicados en el catálogo que acompaña la exposición, que también incluyó una mesa redonda sobre la comunicación de arte, informes meteorológicos de eventos anormales del clima, estadísticas meteorológicas, y una serie de ensayos sobre el clima, el tiempo y el espacio.
Este trabajo de Olafur es capaz de despertar el sentido de la visión y la percepción de la luz, el color y el espacio de forma más completa. Esta se encuentra ubicada en un pequeño balcón con vista a la calle, se trata de un conjunto de cuatro aparatos caleidoscópicos, construidos con espejos, vidrios cubiertos con filtros de colores y acero inoxidable.
A partir de esto nos vemos reflejados en ellos, pero también vemos a la ciudad, los árboles, los autos que pasan, las personas pasar en frente a nosotros, formando una composición mágica y geométrica a través de colores y figuras reflejadas dentro de los mismos. Para Eliasson, “el espejo es como la luz: necesita de lo circundante a fin de existir. Al reflejarse en un espejo, el espectador también se convierte en artista, porque construye el trabajo en su cerebro. En el espejo no hay secretos ni trucos”.
“EXPO 1: New York,” May 12 – Sep 2, MoMA PS1 (Photos: Art Scene Seen/Today and Tomorrow)
'Contact', new show at the Fondation Louis Vuitton
Eliasson’s fabulous disco ball-esq glass piece
Olafur Eliasson at Tanya Bonakdar Gallery, New York 2012
"¿Cómo sé crea otro Espacio público? ¿Qué SIGNIFICA en verdad la Palabra "público" hoy en día? Preguntado de esa manera, pienso Que Evoca Cosas grandiosas sobre las ideas parlamentarias, la democracia, el espacio público estando juntos, individuals Siendo ¿ Cómo lo hacemos ?, ¿Como es que creamos una idea pueda que sea ser Ambas Cosas?. Esta es la razón de que arte y cultura sean tan increíblemente interesantes en los tiempos que estamos viviendo, ha probado que uno puede crear una especie de espacio que sea a la vez sensitivo a la individualidad y a la colectividad. Tiene mucho que ver con la manera en que enlazamos el pensar y el hacer. Pero, ¿Qué es lo que existe entre el pensar y el hacer? Justo en medio del pensar y el hacer, yo diría, se encuentra la EXPERIENCIA, y la experiencia no es únicamente una clase de diversión, hablando seriamente la experiencia se relaciona con la responsabilidad. Tener una experiencia significa participar en el mundo". Olafur Eliasson
Es un artista de la luz. Ha creado sorprendentes obras que juegan con la percepción y la materialidad de la luz dentro de un espacio creado, sus instalaciones celebran los efectos ópticos y emocionales de la luminosidad. Su arte estimula un estado de visión reflexiva que él llama "verse a sí mismo viendo", en el que nos damos cuenta de la función de nuestros propios sentidos y de la luz como una sustancia tangible. Esta fascinación con el fenómeno de la luz se relaciona con su personal e inferior búsqueda del lugar de la humanidad del universo. Influenciado por su formación cuáquera, que él caracteriza como tener una "directa y estricta presentación de lo sublime", el arte de Turrell pide una gran autoconciencia y disciplina en cuanto a contemplación silenciosa, paciencia y meditación.
"Mi trabajo es sobre el espacio y la luz que habite en 茅l. Se trata de c贸mo se puede hacer frente a ese espacio y materializarlo. Se trata de tu visi贸n, como el pensamiento sin palabras que proviene de mirar hacia el fuego".
A new Turrell work at the Shops at Crystals in Las Vegas. The piece, tucked away on the third floor of Louis Vuitton, was commissioned by the French design house and is open to only four people at a time. (Photo by Florian Holzherr Š James Turrell)
Turrell’s Skyspace at the Live Oak Friends Meetinghouse in Houston augmented by colored electric light. (Photo by Joe Aker)
Creó la célebre serie Infinity Net a fines de los 50 y comienzos de los 60. Estas obras se caracterizan por la repetición obsesiva de pequeños arcos de pintura y puntos que se acumulan en grandes superficies siguiendo patrones rítmicos y orgánicos. Trabaja con muchos medios: dibujo, pintura, escultura, instalaciones y ambientes, videos, intervenciones en el espacio público. Su producción literaria, que va de la mano con su arte, es enorme: trece novelas, una autobiografía, que fue best-seller en su país natal, y un extenso catálogo de poesía.
Más allá de sus innovaciones formales, Kusama fusiona la psicología del artistaoutsider con el vocabulario y los métodos pop, como la producción en serie y el uso de objetos cotidianos. Ella encarna el mito del poeta enfermo y desde niña ha sufrido diferentes enfermedades psicológicas: un fuerte sentido de despersonalización, alucinaciones, depresión, tendencias obsesivo-compulsivas. Al mismo tiempo, sus happenings , orgías y performances de la década de 1960 comunican el mensaje emancipatorio de la época.
Proyecto realizado por el estudio creativo Marshmallow Laser Fiesta ( Memo Akten, Robin McNicholas y Barney Acero creadores de experiencias interactivas en tiempo real) Es una instalaci贸n de bosques musicales hechos con l谩ser, un instrumento musical interactivo que fue encargado por la Bienal GECT en Eindhoven. Cuenta con mas de 150 varas que se pueden aprovechar moviendo para cambiar la vibraci贸n del sonido.
Los usuarios pueden desencadenar los sonidos y los rayos láser, convirtiendo la inhalación en un instrumento de colaboración. La idea era aprovechar la sensación de asombro y la alegría de la gente y hacerles explorar esto en un ambiente mágico. "Todo el mundo tiene esos recuerdos de caminar por un bosque como un chico joven y se siente tan mágico. Tratamos de recrear la sensación de una experiencia mágica, para los adultos." dice Akten.
Es una instalación realizada por Arnaud Lapierre en Place Vendome en París, la pieza fue creada para el FIAC 2011 Conferencia y patrocinado por Audi. Es una agregación de bloques de espejos de compensación apilados para formar un cilindro. La simple repetición de los espejos crea un espacio interior y exterior en el contexto urbano de la plaza a través de reflexiones, la luz y la interacción de los transeúntes. En esencia, deconstruye y transforma los edificios circundantes y el cielo y
produce una experiencia desconcertante, pero de acoplamiento de la plaza. Los edificios aparecen y reaparecen entre las superficies de espejo y vacíos, cambiando la percepción del espacio y del recinto para cada usuario. Altera el estado de la plaza mediante la creación de espacios que son a veces transparentes y en otros momentos reflexiones de los visitantes, el cielo y los edificios más allá.
Caitlind rc Brown y Wayne Garrett
Trabajan con diversos medios y materiales, que van desde la luz artificial hasta restos arquitectónicos. El dúo realiza cada proyecto como un intento de crear momentos experienciales compartidos entre las personas. Sus proyectos diseccionan la interactividad del público, los efectos sociales de la luz, re-contextualización de materiales nacionales, la colaboración de la comunidad, y el juego Cloud, es una literalmente realizada con mas de 6.000 luces, los visitantes de esta instalación pueden acercarse a la nube y pararse debajo para encender diferentes partes de la misma, haciendo de este experimento lumínico algo verdaderamente interactivo. Los efectos producidos por las luces recuerdan a una tormenta eléctrica..
Es un proyecto realizado por Antonin Fourneau, creado en el Digitalarti Artlab, el cual es un muro de LED que se ilumina cuando es tocado por el agua, situado en Poitiers, Francia, la instalación pública puede ser manipulado con un pincel, pistola de agua, los dedos ni nada húmedo para incrustar un mensaje digital viva. la pieza se forma un espacio urbano comunal interactiva que comunica visualmente mensajes efímeros sin deterioro. El agua produce un puente eléctrico que permite que la corriente fluya entre los LEDs montados en un panel de pared. La cantidad de agua también determina la intensidad con la que los LED se encienden, entre mas líquido entra en juego, más brillante será la pintada en el muro.
Es un artista el cual realiza una serie de fotografías de gran formato que muestran instalaciones grandiosas en espacios expositivos fantasía, ademas realiza instalaciones a gran escala. DiMichele crea esta obra de maquetas primera construcción de espacios de exposición, y la producción de obras de arte originales en dibujo, pintura y escultura medios, que están situados en los espacios y después fotografiado para crear los trabajos finales. Las fotografías Pseudo Documentación se inspiran en los antecedentes de DiMichele como un artista de la instalación, el amor de formas abstractas y pasión por monumental museo y galería de arquitectura.
lights show, gallery Hayward
Espectáculo de luz explora los aspectos experienciales y fenomenales de luz reuniendo esculturas e instalaciones que utilizan la luz para esculpir y moldear el espacio de diferentes maneras. La exposición muestra obras de arte creadas a partir de la década de 1960 hasta la actualidad, incluyendo entornos inmersivos, esculturas de luz exentas y proyecciones. Los visitantes pueden experimentar la luz en todas sus formas espaciales y sensoriales. Obras de arte individuales exploran diferentes aspectos de la luz como el color, duración, intensidad y proyección, así como los fenómenos de percepción. También utilizan la luz para hacer frente a la arquitectura, la ciencia y el cine, y lo hacen utilizando una variedad de tecnologías de iluminación.
Instalación realizada por el artista William Forsythes donde miles de globos blancos que se encuentran suspendidos en un lavado ondulante de sonido; un paisaje transmitida por el aire de la relación, de la distancia, de los seres humanos y la vacuidad, de coalescencia y decisión. En el magnífico espacio, sin aliento que es coreógrafo William Forsythes «Dispersos Multitud», los habita espectador y altera, a través de su quietud o la velocidad, su sentido de la proporción y la hora, las configuraciones que componen esta en constante cambio, mundo extático.
100 colors
Instalación concebida por Emmanuelle Moureaux para los creadores Shinuki festa 2013, cuyo titulo indica el número de tonos que el diseñadores ha integrado en el trabajo, sin embargo son más de 840 hojas de papel que se encuentran suspendidas desde el techo, creando un arco iris de colores que flota en el aire. La instalación anima a los visitantes a participar con él desde varios ángulos. bolsas de frijol se colocan en Neath el espectro del color que invita a sentarse y verlo desde una perspectiva diferente, mientras que 100 círculos-cada ronda que representa los colores utilizados en el opus-colocados en la pared convocar al público para colocar una pegatina en torno su favorito, la transformación de la parte posterior del espacio en una obra completamente separado del arte, que también actúa como un indicador de tendencia de lo que prefieren los huéspedes.
Joachim Sauter Instalación concebida por Emmanuelle Moureaux para los creadores Shinuki festa 2013, cuyo titulo indica el número de tonos que el diseñadores ha integrado en el trabajo, sin embargo son más de 840 hojas de papel que se encuentran suspendidas desde el techo, creando un arco iris de colores que flota en el aire. La instalación anima a los visitantes a participar con él desde varios ángulos. bolsas de frijol se colocan en Neath el espectro del color que invita a sentarse y verlo desde una perspectiva diferente, mientras que 100 círculos-cada ronda que representa los colores utilizados en el opus-colocados en la pared convocar al público para colocar una pegatina en torno su favorito, la transformación de la parte posterior del espacio en una obra completamente separado del arte, que también actúa como un indicador de tendencia de lo que prefieren los huéspedes.
Arcoíris Hipnótico Gabriel Daew crea instalaciones site-specific coloridas a base de hilo posicionado de tal manera que explora diversas perspectivas y profundidades. Su trabajo se centra en la exploración de los textiles, con el objetivo de examinar la construcción complicada de género e identidad en su natal México y el intento de subvertir las nociones de masculinidad y machismo prevaleciente en la actualidad. Comenzó a trabajar con hilo de una manera repetitiva y obsesiva, ademas explica que el sitio donde crea la instalación dialoga con el hilo para que untos provoquen una reflexión específica. A través de sus enormes y casi vertiginosas obras, Dawe nos hipnotiza hasta olvidar las normas sociales y expectativas que tenemos sobre masculinidad y feminidad.
Berndnaut Smilde
Es un artista holandés que se interesa por las cosas efímeras y utiliza el humo, el agua, el aire y l luz para crear sus obras efímeras. Usó una máquina de humo, combinado con la humedad y la iluminación espectacular para crear una nube de interior que asoma en el entorno vacío de una capilla del siglo XVI en Hoorn, un pequeño pueblo en Holanda. "Me imaginé caminando en una sala de museo con paredes vacías. El lugar aún parecía desierto. Por un lado quería crear una situación ominosa. Se podía ver la nube como un signo de la desgracia. También puede leer como un elemento de las pinturas holandesas del paisaje en una forma física en una sala del museo clásico. "
Tara Donovan
Es una artista que hace uso de materiales sencillos, producidos en masa y objetos para explorar el efecto transformador de la acumulación y adición. Creando instalaciones y esculturas realizadas con objetos cotidianos a gran escala. El resultado ha sido un amplio trabajo conocido por sus ambiente de otro mundo, topografías brumosas y las estructuras orgánicas. Conocida por su compromiso con el proceso, se ha ganado elogios por su capacidad de descubrir las características físicas inherentes de un objeto y transformarlo en arte. Con estas obras, la artista continúa explorando el efecto fenomenológico de trabajo creado a través de la acumulación de objetos idénticos.
Soo Sunny Park
Nació en Seúl, Corea del Sur pero creció en Estados Unidos y realizó sus estudios en la universidad de Columbus College of Art and Design. Ha sido profesora en diferentes universidades y se ha destacado por sus esculturas e instalaciones artísticas, también ha ganado varios premios y reconocimientos artísticos. Su trabajo es característico por la manipulación de materiales reflexivos como el vidrio o los espejos, creando formas completamente orgánicas a partir de figuras geométricas, trabajando directamente con la percepción y la luz.
Jim Campbell
Ingeniero eléctrico y artista, nacido en Estados Unidos, fue uno de los pioneros en cuanto al manejo de luces LED para instalaciones artísticas e interactivas. Su trabajo está encaminado hacia la experimentación lumínica, tomando diferentes formas y colores para crear una composición visual única. Con la ayuda de la tecnología Campbell ha llevado el arte a otra dimensión, en la que usa técnicas de video arte y apropiaciones de la luz tomando una forma interactiva e innovadora de presentar el arte a los espectadores. Sus obras han estado expuestas en múltiples museos y ha tenido varios reconocimientos.
ZOÓTROPOS
Es un dispositivo mecánico óptico inventado en 1834 por William George Horner. Utiliza el principio de persistencia de la visión para crear la ilusión de movimiento. Las imágenes ligeramente cambiantes dentro del zoótropo engañan al ojo para que piense que los cambios mínimos son de hecho el objeto moviéndose. El dispositivo parece un barril con un extremo abierto en un eje centrado. Una tira de imágenes dibujadas a mano está unida a la parte inferior de la parte inferior. Cuando el barril es girado sobre su eje, los espectadores ven a través de ranuras en un lado. Ver las imágenes a través de las ranuras permite que estas no se hagan borrosas con el movimiento. Entre más rápido es girado el barril, más uniforme parece la película.
Teniendo en cuenta el concepto, donde las formas geométricas y la percepción toman un papel fundamental en el desarrollo de un elemento lumínico que genere una nueva sensación al espectador, de forma que la luz y la sombra sean las protagonistas de la pequeña muestra, se empezó el proceso de prototipado experimentando con diferentes formas y materiales para llegar a una composición inspirada en el trabajo del artista Olafur Eliasson, jugando con la diversidad de formas y colores que representan al artista y con sus terminados impecables que siempre generan nuevas experiencias y sensaciones a los espectadores, experimentamos con estos elementos en busca del resultado deseado.
Primer boceto
Cuando pensamos en experiencias agradables es difícil no recordar la niñez, tiempo en el que no dudábamos de nada y existía una fascinación innata por las cosas. Donde los objetos nos entraban mayormente por los ojos, pero le dabamos un gran significado a los detalles más pequeños. Tiempo en el cual existían los lugares y amigos imaginarios y sin lugar a dudas creíamos en la magia y en la fantasía, mundos a los que podíamos transportarnos mediante pequeñas cosas como las burbujas. Estas pequeñas, medianas o grandes bombas de jabón nos fascinaban por su marca efímera y los colores pasteles que en ella se refugian, donde se esconde un mundo nuevo que a través de su paso nos deja una sensación llena de alegría y diversión. La ilustración intenta remitirnos a esa infancia mágica e inocente, la cual era más vulnerable a la hora de afectar los sentidos y la persepción de la realidad, por lo que las experiencias eran mayormente satifactorias y se creaba un sentimiento memorial.
Segundo boceto
Teniendo en cuenta el factor principal de las obras de Eliasson, lo que se buscó en el boceto fue transmitir la variedad de sensaciones y experiencias que afectan directamente nuestra percepción para remitirnos directamente a un nuevo espacio en el que nuestros sentidos son los principales actores. Desde colores y efectos visuales hasta las texturas que invaden cada espacio de nuestro ser, así son las obras interactivas que los espectadores viven al entrar al mundo de color y percepción propuesto por Eliasson, donde cada uno interpreta según las sensaciones que experimenta pero en donde es indiscutible la marca imborrable que queda en nuestra memoria. Por esto, el boceto intenta recrear las sensaciones que nos afectan a nivel sensorial pero que son principalmente percibidas por los ojos, como la luz, las formas, las dimensiones de los objetos y su valor estético.
Tercer boceto
Al entender que el sentido más escéptico pero a la vez curioso es el de la vista, se pensó en materializar la fascinación por las formas y los colores mediante una figura conformada por partes geométricas que inmediatamente referenciaran al espectador con las obras de Eliasson, ya que su trabajo con las figuras racionales y el juego de la transportación a otra dimensión fuera de la realidad pero sin salir de esta, fue la inspiración para pensar en un objeto que afectara directamente el ojo mediante efectos visuales creados a partir de sombra y luz, creando una figura algo orgánica que relacionara al espectador con un sentido más natural y amable que creara una experiencia tranquilizadora y memorable.
Cuarto boceto
De una forma un poco más realista y luego de prototipar el tercer boceto, se pensó de manera en cómo potencializar y materializar el objeto para que jugara con los elementos que afectan el sentido de la vista, explicados anteriormente como luz, color, forma y sombra. En este sentido se cambió la idea de crear una forma orgánica y se decidió trabajar con una figura simple compuesta por pequeñas figuras más complejas, de forma que la luz que el anterior boceto al ser prototipado no logró reflejar lo esperado, esta vez tuviera más campo de iluminación para evidenciar las figuras deseadas y que cambiara completamente la percepción de un lugar de forma visual. Debido a esto se dibujó un cubo compuesto por patrones triangulares y de líneas rectas que permitieran el paso de la luz y que resultaran agradables para una experiencia más dinámica relacionada al tema de la luz.
primer prototipo
En busca de crear una forma orgánica, se utilizaron colas de botellas para crear una estructura esférica, que al ser iluminada reflejara una serie de patrones en los que se observan figuras tanto geométricas como abstractas, también se pensó en jugar con el tema de la percepción visual, por lo que un espejo bajo la composición hace que el cerebro complete la imagen de la esfera. A pesar de que lumínicamente la estructura cumplía los requisitos deseados de luz y sombra, la forma que tiene la esfera no tiene la característica geométrica que caracteriza a Olafur Eliasson y la limpieza de sus acabados. Sin embargo nos funcionó como primer acercamiento al tema de percepción y forma orgánica.
Segundo Prototipado
Como segunda prueba, se cortaron en laser pequeñas figuras triangulares de cartón corrugado, se pegaron de forma de prisma y se formó una pequeña estructura en 3D. Se logró el concepto geométrico, sin embargo la poca luz que logra entrar por la estructura no refleja las figuras deseadas, por lo que fue necesario replantear la forma que se quería lograr para que, al intervenir con la expresión lumínica, la luz y la sombra generaran los patrones geométricos a los que deseamos llegar.
tercer prototipo
Cambiando la idea de generar una estructura a partir de pequeñas piezas o formas geométricas, se llegó a generar una figura tridimensional cúbica, compuesta por paredes que tienen cortados patrones geométricos , de tal forma que se sigue manejando el concepto formas y se logra reflejar a partir de luz y sombras dichas figuras, cambiando el concepto covencional de lámpara y dándole una perspectiva más artística y sensorial.
Light líf luz de vida
Existen dos estados esenciales naturales, a pesar de aislados e inherentes, indispensables el uno del otro: percepción-creación. La luz habita el umbría limítrofe de estas esencias, crea dando vida a la naturaleza, al mismo tiempo se hace evidente mediante las percepciones visuales que genera. Los objetos lumínicos rompen con esta relación, la lámpara al ser un objeto creado por el hombre transgrede la esencia de la luz como generador de vida, esta luz artificial a pesar de generar un cambio visible en el ambiente, termina siendo una ironía desapercibida, pues su característica primordial de dar "luz" se encarga de volverla invisible. Segundos después de encender el interruptor nos olvidamos de su existencia. La exploración de la lámpara, no solo como un objeto inerte sino como un objeto que da vida a la luz y al espacio, es capaz de llevar al espectador a un espacio extra sensorial, donde se crea una atmósfera surrealista permitiendo que la luz y la sombra tomen protagonismo en el espacio. A través de la textura que posee la lampara, pasa la luz y se transforma en un volumen, deja de ser algo plano e uniforme como la luz de un objeto de iluminación común y crea un espacio dentro de la habitación mientras juega con los sentidos.
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lights show, galleria Hayward: http://www.southbankcentre.co.uk/wha tson/light-show-69759 Scattered Crowd: http://www.williamforsythe.de/installati ons.html?no_cache=1&detail=1&uid=2 2 100 colors: http://www.designboom.com/design/e mmanuelle-moureaux-creates-a-floatingvolume-of-100-colors/ Joachim Sauter: http://www.elmokte.me/2013/07/joach im-sauter-la-fusion-entre-arte-y.html Arcoíris Hipnótico: http://culturacolectiva.com/gabriel-daw e-arcoiris-hipnotico/ Berndnaut Smilde: http://www.saatchigallery.com/artists/b erndnaut_smilde.htm?section_name=ph otography Tara Donovan: http://www.pacegallery.com/newyork/e xhibitions/12668/tara-donovan
Soo Sunny Park: http://www.artdiscover.com/es/artistas/ soo-sunny-park-id2945 Jim Campbell: http://jimcampbell.tv/ ZOÓTROPOS: http://www.ehowenespanol.com/histori a-zootropos-sobre_73415/ http://4.bp.blogspot.com/_ZUqw1b_lrF A/R1As8ZXERAI/AAAAAAAAACk/g Bm34PtPOwo/s1600-R/thepoints3.jpg http://b.vimeocdn.com/ts/236/440/23 6440454_640.jpg http://museografo.com/wp-content/upl oads/2014/04/jim-campbell-arte.jpg http://a2.format-assets.com/image/priv ate/s--6BvCZbAB--/c_limit,g_center,h_ 1200,w_65535/a_auto,fl_keep_iptc.prog ressive,q_95/1130-5770341-03_Park_U nwoven_Light.jpg http://where-you-are.com/img/olafur-e liasson/blue_and_orange_and_grey_to_ purple.jpg
trabajo realizado por: Camila Barrera y Daniela Espitia