Mixtura Magazine

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EN PORTADA

La arquitectura interminable de Alvar Aalto ESTILO DE VIDA

HIPSTERS ECODISEÑO

Manifiesto Slow Design 1

2

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M-44282-2010

Pedro Artís, José Barcia Pala, Xavier Cester, Íñigo Txabarria,

ISSN edición impresa: 1810/2980

Narcíso Comante, Jaime Comellas, Mercedes Conde Pons,

ISSN edición internet: 1810/9110

Ana María Dávila, Jordi Maluquer, Mónica Paz Santacana, José Pascual, Eduard V. Patsi, Albert Suñé, Francisco Tavernas.

3

4

SUMARIO EDITORIAL

6

Médio Ambiente

ECODISEÑO

8

12

28

REPORTAJE

30

La arquitectura interminable de Alvar Aalto

18

“Un buen diseñador coloniza su entorno”

ESTILO

PERSONAJE Carteles con una historia detrás

Moda sustenible, moda que cuestiona

ENCUENTROS

24

Victor Papanek: algunas ideas sobre ecología desde el diseño

Elogio de la lentitud Manifesto Slow Design

ECODISEÑO

LETRAS

TEMAS

36

Diseñar para el cambio social

20

¿Es usted un Hipster?

5

EDITORIAL

Medio Ambiente RAQUEL PELTA

ARQUITECTURA BIOLOGICA, El poder de la arquitectura y la naturaleza.

Fotografía : ovacen.com/© Iwan Baan

E

n los últimos veinte años, los diseñadores se han planteado numerosas

universal y cuyo pensmiento puede aplicarse a otros ámbitos de la

cuestiones sobre la naturaleza del Diseño y sobre cuáles son los

experiencia humana. Dicho pensamiento se hace cada vez más necesario

modos de conocimiento que les son propios. Se ha producido un

en una “sociedad de la información y el conocimiento” en la que la

cambio significativo en cuál es su papel en el mundo contemporáneo

innovación pasa por crear una cultura de comunidad y conectividad.

y hoy se entiende que, además de los aspectos funcionales, incluye la

En plena globalización, la difusión de la información es instantánea

interpretación de las relaciones físicas, psicológicas, sociales y culturales

e Internet nos brinda nuevas formas de organización y de relación.

entre los productos y los seres humanos. Ampliar las competencias

La gente se manifiesta espontáneamente gracias a las redes

supone ensanchar las maneras de pensar sobre los problemas y

sociales, sin que las autoridades sepan cómo afrontar estas

obliga a los diseñadores a atravesar los límites disciplinares.

nuevas situaciones. La propiedad intelectual basada en materiales

Vivimos en una cultura material en la que el Diseño siempre está

tangibles es hoy absurda y la distribución cultural requiere un

presente. Eso lo convierte, como han señalado Richard Buchanan

replanteamiento completo. Todo aquello que para nuestros abuelos

y Victor Margolin, en una materia con un alcance potencialmente

era inamovible ha dejado de serlo en este nuevo escenario.

6

EDITORIAL

7

ECODISEÑO

Elogio de la lentitud El slow design se presenta como una alternativa al consumo rápido y vacío..

RAQUEL PELTA

U

na de las vías propuestas para lograr

Y así como ha surgido todo un activismo en

De acuerdo con Fuad-Luke, un

un futuro más sostenible es cambiar

pro de la lentitud como una fuerza social

diseñador slow ha de trabajar para:

nuestros estilos de vida actuales basados

positiva con manifestaciones muy diversas

Satisfacer las necesidades reales,

en la velocidad y la inmediatez.

(slow food, slow cities, slow knowledge),

trascendiendo las creadas por el mercado.

también ha aparecido un movimiento a

Reducir la contaminación medioambiental

John Thackara ha señalado que, durante

favor del slow design, concepto promovido

minimizando el impacto ecológico

siglo y medio, la velocidad y la aceleración

precisamente por Fuad-Luke, para quien es

de los servicios y productos.

constantes junto a la compresión del tiempo

necesario cambiar nuestra visión del tiempo.

Aprovechar los recursos que proporcionan

han sido las características de la manera en que nos comunicamos, comemos, viajamos,

las energías renovables.

El slow design como alternativa

innovamos y ocupamos el espacio doméstico.

Permitir la separación de los componentes de los productos o servicios al final de

En su opinión: “el mundo que hemos diseñado

Alastair Fuad-Luke concibe el slow design

su vida útil con el objetivo de fomentar

refuerza el valor que asignamos a la velocidad

como una forma de centrar al diseño en el

el reciclaje y la reutilización

y la aceleración. Producimos y consumimos

bienestar de las personas y el medio ambiente.

Excluir el uso de sustancias tóxicas o peligrosas

a una velocidad creciente. Otorgamos

Es, también, un modo de establecer un

para la salud humana y otras formas de vida en

un valor mayor al tiempo incluso aunque

contrapeso al paradigma actual del “fast

todas las etapas del ciclo de vida del producto.

nos parezca que hay cada vez menos”.

design” y una vía para transformar nuestra

Generar el máximo de bienestar.

percepción materialista y consumista del

Educar al cliente y al usuario fomentando

En el pasado vivíamos el tiempo pero no

mundo, pues los diseñadores necesitan

su “alfabetización” en sostenibilidad.

estábamos regulados por él. Como dijo en

encontrar una nueva manera de vivir y

Revisar las asunciones que hay detrás

los años 1930 Lewis Mumford, el reloj es

para ello deben revisar las necesidades

de los productos existentes.

la máquina clave en la era industrial. Sin

reales de la gente y del medio ambiente.

Desmaterializar los productos en

embargo, existen otros muchos modos

Así, el slow design pretende ofrecer una

servicios siempre que se haya probado

más plurales y menos economicistas de

alternativa a un consumo vacío y rápido e

el beneficio en términos de bienestar

concebir ese tiempo que vivimos.

impulsar un diseño que vaya más allá de la

individual, social o medioambiental.

Algunos autores, entre los que puede

mera producción para el mercado. Esto supone

Garantizar que los productos sean física, cultural,

citarse a Alastair Fuad-Luke, han

no tener que ajustarse al tiempo de vida que

emocional, mental y espiritualmente duraderos.

propuesto «apretar el botón de pausa»,

éste asigna actualmente a los objetos, más

Maximizar los beneficios de los productos

para reflexionar y tomar conciencia de

basado en la rapidez que en otras cualidades

para las comunidades socioculturales.

que nuestra prisa está precipitando la

como la calidad o el respeto al entorno.

Impulsar la modularidad para permitir la

destrucción del medio ambiente.

compra progresiva, de acuerdo a las

“El slow design pretende impulsar un diseño que vaya más allá de la mera producción para el mercado.”

8

ECODISEÑO

“Funciona como un antídoto contra el paradigma del fast design, del diseño rápido.”

Fuad-Luke Fotografía : ovacen.com/© Iwan Baan

necesidades y recursos, para facilitar la reparación/reutilización y para mejorar la funcionalidad.

Fomentar el debate y la puesta en cuestión del status quo de los productos que nos rodean.

Hacer de dominio público los diseños sostenibles para beneficio de todos, especialmente aquellos que por intereses comerciales no se producirán.

Promocionar el diseño para la sostenibilidad como una oportunidad y no como una amenaza para el status quo. Todo esto, de acuerdo a los promotores del slow design, significa diseñar con una perspectiva temporal a largo plazo, ralentizar el proceso de producción y consumo, estimular un renovado disfrute del diseño, ofrecer nuevos escenarios para el desarrollo físico, emocional, mental y espiritual, celebrar la diversidad y el pluralismo, considerar la lentitud como un valor sociocultural positivo y centrarse en el presente en lugar de tratar de diseñar mirando hacia el futuro. Supone, pues, otra manera de percibir el tiempo.

9

ECODISEÑO

Un equilibrio entre lo físico y lo espiritual

los seres humanos. Sin embargo, se esfuerza por lograr el desarrollo de los individuos y sus comunidades socioculturales. Trata, por

Según sus partidarios, el slow design es

tanto, de unir el desarrollo humano con el del mundo natural.

comprehensivo, holístico, inclusivo, reflexivo y

Si quiere ser un nuevo paradigma para el diseño, el slow design debe

considerado. Permite, además, la evolución y

distanciarse de las ideas que orientan el pensamiento económico,

el desarrollo de unos resultados de diseño que

tecnológico y político actual. En ese sentido, hay que recordar que el slow

quieren atender a las necesidades humanas

design se centra en las necesidades reales y no en las del libre mercado.

básicas y, por tanto, que tiene por objetivo poner en primer lugar a las personas encontrando, al

El slow design funciona como un antídoto contra el paradigma

mismo tiempo, un equilibrio entre lo local y lo

del fast design, del diseño rápido que es parte de actividades

global y entre el medio ambiente y la sociedad.

antropocéntricas perjudiciales tanto para las personas como para

el medio ambiente. Su propósito es ralentizar los mecanismos de

Entre las premisas clave, Fuad-

producción y consumo propios de la economía capitalista moderna.

Luke distingue las siguientes: El bienestar humano se basa en el bienestar

La disociación de los modelos actuales de producción y consumo

de los ecosistemas de la Tierra. El slow design

presenta una oportunidad para explorar la perdurabilidad y diseñar

reconoce y abarca conceptos como el Diseño

objetos, espacios e imágenes duraderos y con relevancia sociocultural.

para la Sostenibilidad, la biodiversidad, el

El slow design pretende equilibrar lo físico con lo espiritual.

desarrollo sostenible, la huella ecológica, el control de la contaminación y la gestión

Estas cuatro proposiciones, según Alastair Fuad-Luke, se

de los recursos. No es antropocéntrico y

orientan hacia la politización del debate sobre el diseño como

reconoce que la humanidad forma parte

una oportunidad única para que los diseñadores puedan entrar

de los grandes sistemas bióticos cuyo

en un terreno –el del desarrollo sostenible- que actualmente

desarrollo no siempre coincide con el de

está en manos de activistas, gobiernos y empresas.

slow design como un antídoto contra el paradigma del fast design, “good design”

10

ECODISEÑO

Manifiesto Slow Design Inspirado por Anne Cline y su libro Hut of One’s Own, por Ezio Manzini y por los movimientos italianos slow food y slow cities, Alastair Fuad-Luke lanzó en 2003 el siguiente manifiesto.

Filosofía y principios

Resultados

•

•

Diseñar para ralentizar los metabolismos de uso humano, económico y de recursos.

•

El slow design se manifiesta en cualquier objeto, espacio o imagen que impulsen una reducción de los metabolismos de circulación

Reposicionar el centro del diseño en el bienestar

de los recursos humanos, económicos, industriales y urbanos al:

individual, sociocultural y medioambiental.

•

diseñar para otorgar espacio a pensar, reaccionar, soñar y meditar.

•

Diseñar para celebrar la lentitud, diversidad y pluralismo.

•

Diseñar primero para la gente, segundo para la comercialización.

•

Diseñar para fomentar una visión a largo plazo.

•

Diseñar primero para lo local, segundo para lo global.

•

Diseñar tratando con el “presente continuo” (término acuñado

•

Diseñar para los beneficios socioculturales y el bienestar.

en los años 1950 por Bruce Goff, arquitecto americano que

•

Diseñar para regenerar los beneficios

señaló que la historia es pasado y el futuro no ha llegado pero •

medioambientales y el bienestar.

que el “presente continuo” está siempre con nosotros).

•

Democratizar el diseño estimulando el diseño por iniciativa propia.

Diseñar como contrapeso a la rapidez (velocidad) del actual

•

Catalizar el cambio de comportamiento y

paradigma del diseño (industrial y del consumidor).

la transformación sociocultural.

•

Crear una nueva economía así como nuevos modelos y oportunidades de negocio.

Proceso El proceso del slow design es comprehensivo, holístico, inclusivo, reflexivo y respetuoso. Permite la evolución y el desarrollo de los resultados del diseño. Pertenece al campo público y profesional y pone énfasis en la importancia de democratizar el proceso del diseño al incluir a una amplia gama de interesados.

Los resultados pueden representarse a través de ocho ideas que se superponen: tradición, ritual, experiencial, evolucionado, lentitud, ecoeficiencia, de código abierto, tecnología.

11

ECODISEÑO

Moda sostenible, moda que cuestiona La moda se ha convertido en una industria problemática por su impacto en el medio ambiente y por la explotación de millones de trabajadores de todo el mundo.

RAQUEL PELTA

“L

a moda se está devorando a sí misma”,

Una industria problemática

opina Kate Fletcher, diseñadora y

consultora británica, especializada en moda

La industria de la moda es, a día de hoy,

sostenible. Desde su punto de vista, este

altamente problemática, en la medida en que

campo del diseño se ha desconectado de los

se ha convertido en una de las más nocivas

temas clave de nuestro tiempo: el cambio

para el medio ambiente. Pero no sólo para éste

climático, el consumo y la pobreza.

sino, también, para las condiciones de vida

de muchos trabajadores de todo el mundo

Preocupada por triunfar en la calle y en las

que se encuentran sometidos a un régimen

pasarelas, crea productos que “refuerzan las

de precariedad y explotación laboral.

desigualdades, explotan a los trabajadores,

Investigaciones llevadas a cabo por SETEM

estimulan el uso de los recursos naturales,

(Campaña Ropa Limpia) ponen de relieve que

incrementan el impacto medioambiental

las empleadas –porque en su mayoría son

y generan residuos”, asegura Fletcher, para

mujeres– de muchas de las grandes empresas

quien este comportamiento responde, sin

de moda en lugares como Marruecos cumplen

duda, a las presiones de un consumo cada

jornadas de hasta 14 horas diarias por salarios

vez más rápido y barato, a la búsqueda de

que pueden ser inferiores a los 100 euros

novedad y a una constante reformulación

mensuales y que rara vez superan los 200. La

de la identidad, que nos dañan tanto a nivel

situación en otros países como Bangladesh es

individual como colectivo. “Estamos alienados,

aún peor, pues los sueldos se sitúan entre los 20

insatisfechos, deprimidos, anoréxicos y más

y los 35 euros mensuales y los hundimientos e

cínicos que nunca”, afirma contundente.

incendios de fábricas han matado a cientos de

“La moda sostenible se plantea llegar a la raíz y provocar transformaciones realmente significativas.”

12

ECODISEÑO

“Preocupada por triunfar en la calle y en las pasarelas, la moda crea productos que refuerzan las desigualdades.”

campaña publicidad de Setem

13

ECODISEÑO

personas en los últimos cinco años. Existe, además, una desigualdad de

proveedores y se han deslocalizado casi por

género y los hombres ganan más dinero que las mujeres por el mismo

completo (hay que recordar, sin embargo,

trabajo. Es evidente, por tanto, que nos vestimos con precios bajos pero

que ya entre 2004 y 2008, se perdieron

a un coste muy alto, aún más elevado si tenemos en cuenta que se está

en España 61.000 puestos de trabajo por

consumiendo más moda que nunca antes en la historia de la humanidad.

la competencia de las importaciones y la

El informe Well Dressed?, publicado por el Institute of Manufacturing

entrada masiva de productos asiáticos).

de la Universidad de Cambridge en 2006, indicaba que en Gran Bretaña,

la compra de ropa se había incrementado en más de un tercio y que,

En un artículo de Fernando Barciela, publicado

de los 35 kg. de textiles consumidos por persona y año, tan sólo el 13

por El País, se indica que en España las grandes

por ciento se reutilizaba o reciclaba, entre otras razones porque el

empresas le han ganado terreno al pequeño

precio de la ropa se ha reducido notablemente. Eso es lo mismo que

comercio (se han cerrado centenares de

ha sucedido en otros lugares como España pues, aunque no existen

tiendas en los últimos tres años) y que: “Se

informes como el de la Universidad de Cambridge, basta con echar

ha producido una revolución comercial en el

un vistazo a lo que sucede en la calle para llegar a esta conclusión.

sector. Las empresas han tratado de superar

Quizá en los últimos tres años puede observarse una disminución en ese

la timidez compradora, forzando casi a que

consumo pero hay que señalar que se ha debido más al efecto de la crisis

los consumidores entren y compren.”.

económica que a un cambio de actitudes. De hecho, para contrarrestar

su impacto las grandes cadenas han reaccionado endureciendo las

Entre las estrategias para conseguirlo, tanto

condiciones de producción. Así lo manifiesta, por ejemplo, la conducta

en España como en el exterior, se emplea

de muchas marcas que han puesto en marcha políticas comerciales

una cada vez más rápida rotación de stocks

muy agresivas y que para abaratar aún más han trasladado costes a los

y un lanzamiento casi constante de nuevas

“Algo está cambiando en el sector y están surgiendo otros modelos que cuestionan el sistema moda.”

Pelicula “The Devil Wears Prada”

14

ECODISEÑO

Campaña de H&M “Counscious Actions”

colecciones. Una temporada puede, por ejemplo, constar de tres colecciones (o incluso más), que apenas duran tres semanas en tienda lo fomenta y alimenta constantemente, como ya se ha comentado.

y suponen nuevas tentaciones para unos consumidores que no tienen

tiempo de disfrutar de la ropa en su tradicional sentido estacional.

Reemplazar cantidad por calidad

Pequeños pasos hacia una moda más sostenible Para quienes puedan sentir una mínima sensación de mala conciencia, no faltan las opciones de eso que se ha denominado “eco-chic”, –más una tendencia estilística superficial que una alternativa real– pues se basa, sobre todo, en una apariencia de naturalidad de las fibras que no siempre es así. Muchas de ellas proceden de cultivos tratados con productos químicos o se han sometido a procesos de fabricación menos respetuosos con la Naturaleza de lo que prometen a primera vista.

Ahora bien, pese a este panorama tan poco halagüeño, algo está cambiando en el sector –la mencionada Kate Fletcher es un ejemplo de ello– porque, poco a poco, están surgiendo otros modelos que van desde el “hazlo tú mismo”(DIY-Do It Yourself-), pasando por la clásica –y en las últimas décadas prácticamente en desuso– “reforma” de nuestro vestuario y la creación de grupos de costura y tricotado (Stitch & Bitch), hasta proyectos de hacktivismo y actos micro-políticos basados en el cortar, coser y hacer –como los desarrollados por Otto Busch con su “Reform Project”–, que cuestionan el sistema moda.

Incluso las grandes empresas han dando algunos tímidos pasos en esa dirección (incorporando a su producción algodón de comercio justo y poliéster reciclado, por ejemplo), para responder a una demanda, pequeña pero significativa, de unos consumidores que poseen cierta conciencia medioambiental. Este es, por ejemplo, el caso de H & M que en abril de 2011 lanzó su “Conscious collection” o el de C & A que, desde 2007, vende algunas prendas de algodón orgánico. Ésta y otras marcas han repartido en diversas ocasiones folletos con consejos sobre cómo cuidar la ropa para alargar su vida. Por su parte, Kenzo lanzó, en la primavera de 2011 y dentro de su línea “Kenzo Doll”, una colección “vintage” –a un precio más bajo de lo habitual en esta firma pero en edición limitada– realizada a partir de telas sobrantes, es decir, del reciclaje, una propuesta que ya había realizado anteriormente Yves Saint Laurent.

15

ECODISEÑO

Sin embargo, para quienes apuestan por un diseño sostenible, éstas no

cooperación, simbiosis y eficiencia. Pero,

son verdaderas soluciones sino simples parches en un sistema moda

también, trabajar sobre aspectos presentes

que tiene que transformarse casi por completo, empezando por llegar

en ella tales como la ligereza, la flexibilidad

a la raíz del problema: un consumo inconsciente y desaforado que se

y la diversidad como modo de contrarrestar

desenvuelve de espaldas a cualquiera de las consecuencias sociales y

el poder de una industria dominada por la

medio ambientales negativas que provoca. Y el propio sistema moda

estandarización y las tendencias que hace que

lo fomenta y alimenta constantemente, como ya se ha comentado.

todos, en cualquier parte del mundo, invirtamos

en el último modelo para ser distintos y,

Reemplazar cantidad por calidad

paradójicamente, vayamos vestidos iguales.

Frente a la homogeneización, diferencia.

16

La moda sostenible, como alternativa de diseño, se plantea llegar,

precisamente, a la raíz y provocar transformaciones que sean

La sostenibilidad en moda pasa, además, por

realmente significativas. Demanda un reemplazo de la cantidad

un cambio en los materiales empleados, de

por la calidad, un giro de lo global a lo local, del consumir al hacer

las fibras artificiales a las naturales como el

o, en palabras de Kate Fletcher, “de la ilusión a la imaginación, del

algodón orgánico, la lana, el lino o el bambú

consumo de los recursos naturales al aprecio del mundo natural”.

pero, además, por una transformación en

los modos de fabricación, con productores

Hay que desmitificar el mundo de la moda, alejándola tanto del elitismo

más pequeños pero más flexibles.

de las pasarelas como del patrón de consumo actual, opinan los

defensores del diseño sostenible pero, también, hay que tomar conciencia

Como dice Fletcher, hablando de lo que

de que ésta ocupa un lugar crucial en nuestra cultura porque es parte del

supone la moda sostenible: «se trata de una

comportamiento humano y un valioso ámbito creativo. No es cuestión,

relación fuerte y atenta entre el consumidor

por tanto, de que desaparezca, como sugieren los más extremos, sino

y el productor. Se trata de producir prendas

de que el sistema en el que se haya inserta sea capaz de encontrar un

de vestir que inicien un debate, apelen a

equilibrio con el medio ambiente y de incorporar valores sociales positivos.

una significación profunda o necesiten

del usuario para terminarlas con pericia,

No se trata, pues, únicamente de adquirir menos ropa –una opción válida

imaginación o estilo. Se trata de diseñar

pero algo simplista en un sistema tan complejo como el actual– sino

piezas de confianza y capacidad de inducir

de cambiar nuestra percepción de ella, las ideas sobre su diseño, los

que alienten a la versatilidad, la inventiva, la

materiales y los modos de producción, con el objetivo de que vayamos

personalización y la participación individual.

abandonando un tipo de relación (con la moda en general) que, a día

Sólo entonces la gente se transformará

de hoy, resulta destructiva para el medio ambiente y las personas.

de consumidores ciegos que eligen entre

productos preparados y cerrados a ciudadanos

Una de las principales propuestas de la moda sostenible es observar

que realizan elecciones conscientes de cómo

cómo actúa la Naturaleza y seguir algunos de los principios que la rigen:

compran, usan y se deshacen de su ropa.»

17

ENCUENTROS

“Un buen diseñador coloniza su entorno” Entrevista a Manuel Estrada ALBERTO PEÑALVER MENÉNDEZ

H

ablar con Manuel Estrada (1953) es siempre

El jurado ha premiado las portadas de la Ilíada y la Odisea

una invitación a la reflexión sobre la

que diseñaste el año pasado para Alianza Editorial. Los

cultura del proyecto. El diseñador madrileño

libros son paradigmas narrativos que expresan dos ideas

lleva casi tres décadas dedicándose en cuerpo

universales: el viaje eterno y la guerra. ¿Cuánto crees

y alma a la construcción de algunos de los

que tiene el diseño de viaje y cuánto de batalla?

logotipos, identidades visuales y proyectos editoriales más importantes de nuestro país.

Sin duda tiene más de viaje que de batalla. Milton Glaser, al que admiro y respeto muchísimo, dice que diseñar es como avanzar en la niebla. Nunca

Las colecciones de libros de El País o las

sabes cuál va a ser el resultado final, sólo puedes intuir a dónde vas a

portadas para Alianza Editorialno solo han

llegar. Algo parecido comenta John Berger, que asegura que el dibujo es

dejado una marca indeleble en la memoria

una manera de descubrir lo que pensamos. Es la mano la que nos guía

de millones de lectores, sino que sirven de

en una aventura de la cual tenemos pocas certezas. La única batalla es

modelo a otros tantos estudiantes de diseño y

la que entablamos con nosotros mismos para cuadrar todo el proyecto.

aprendices visuales. Toda esta veteranía y buen hacer han sido recientemente recompensados

Tus portadas para Alianza Editorial se están convirtiendo en

con el premio Good Design Award, que entrega

un capítulo irrenunciable del diseño en nuestro país. ¿Cómo se

el Museo Athenaeum de Chicago. Experimenta

consigue ese equilibrio —frágil y peligroso, pero equilibrio —

entrevista al madrileño con ocasión de este

entre el concepto, la expresión gráfica, el cliente y el lector?

nuevo reconocimiento y le pregunta sobre el galardón, pero también sobre su metodología

No todas las portadas que he diseñado son buenas. Como mucho, una

de trabajo o el Premio Nacional de Diseño.

de cada dos es acertada. En todo caso, este trabajo requiere mucho tiempo y esfuerzo. Tenemos el alto listón que dejó el trabajo de Daniel

Acabas de recibir el premio Good Design

Gil que siempre es un estímulo para esforzarse. Siempre que diseño

Award, que concede todos los años el

una portada procuro leerme el libro. Todo ello me aporta un bagaje

Museo Athenaeum de Arquitectura y

enriquecedor que me ayuda a afrontar el proyecto, leer a Kafka,

Diseño de Chicago. Se trata de una de las

Ortega y Gasset o Bierce es siempre enriquecedor, pero lleva tiempo.

distinciones más prestigiosas del continente

Y este resultado es imposible medirlo bajo un contexto económico.

americano, pero sobre todo del galardón de diseño más antiguo del mundo. ¿Qué

¿A qué te refieres exactamente?

significa este premio en tu carrera?

Algunos proyectos no pueden trasladarse al criterio de rentabilidad Los premios siempre caen bien, pero no

empresarial. El diseño tiene algo de intangible. Y si medimos algunos

cambian absolutamente nada. Está bien que

procesos por las horas invertidas en desarrollarlos pueden salir cosas

se comuniquen porque suben la moral del

paradójicas. Pero aun sabiéndolo, no podemos dejar de emplear ese

equipo y animan a los clientes, pero realmente

tiempo. Es necesario reivindicar esta parte de aportación del diseño, que a

no modifican nuestra manera de ver las cosas.

veces no se ve rentable de forma inmediata. Es necesario tener un poco de

En cierta manera, los recibimos más como

perspectiva, y algunas empresas no la tienen. Y a veces nosotros también

una constatación de un nivel, de una calidad.

la perdemos. Sobre todo en tiempos de crisis donde todo se hace más

También nos sirven para situar al diseño

cuesta arriba y los resultados se requieren de forma demasiado inmediata.

español dentro del ranking mundial y a difundir

18

nuestro trabajo. Si Descartes decía “Pienso,

Resulta paradójico que, mientras en Chicago premien a los

luego existo”, a nosotros nos ocurre un poco lo

grandes talentos del diseño nacional, en España sucedan

mismo. Nos dan un premio, luego existimos.

hechos tan esperpénticos como la última convocatoria

ENCUENTROS

Manuel Estrada Premio Nacional de Diseño 2017

del Premio Nacional de Diseño. ¿Se trata de una cuestión

Quizás no sea solo culpa de las instituciones o de

coyuntural que se debe a la crisis o hay causas más profundas?

la crisis. ¿Qué crees que podemos hacer los propios

En definitiva, ¿se trata bien al diseño en España?

diseñadores para remediar esta situación?

La política de diseño no existe. Así lo confirman las decisiones tomadas

Hay que trabajar en común. Cosas como DIMAD son positivas.

por gobiernos distintos en momentos diferentes que indican que el

España es un país de individuos en el que la sociedad civil está poco

diseño no se percibe desgraciadamente ni como un factor clave en

desarrollada, y por eso nos cuesta tanto tejer instituciones que nos

nuestra economía ni como una vía incluso para salir de la crisis. Y es

amparen. Y nos queda mucho por luchar: en nuestro país la profesión

una pena, porque en España tenemos un buen nivel, somos creativos

de diseñador no tiene un estatus legal, es un oficio de puertas

y tenemos buenos profesionales. El diseño necesita estímulos, necesita

abiertas. Si conseguimos actuar juntos poco a poco conseguiremos

apoyos institucionales. Pero este apoyo aún es escaso. A todo esto

avances. Y lo que es más importante, acabaremos por convencer de la

hay que sumar otros factores, como el hecho de que el diseño aún no

eficiencia del diseño a los clientes y a la sociedad. Alguien que resuelve

se adscriba a ningún ministerio o no haya entidades de promoción

los problemas de las empresas acaba colonizando su entorno.

a nivel nacional. Y sobre todo, el hecho de que el diseño se entienda todavía como un gasto suntuario, y no en relación intrínseca con el

A la concesión del Good Design Award se suma la exposición “Estrada

producto, con el valor y la proyección de toda nuestra actividad.

Design Odyssey: 49 + 1”, una muestra del Harrington College of Art & Design de Chicago donde se revisan tus mejores portadas. ¿Puedes

¿Qué ha cambiado en España respecto a los años ochenta?

contarnos con tus propias palabras en qué consiste la exhibición?

En los ochenta todo era optimismo. Salíamos de una época oscura y

“Estrada Design Odyssey: 49 + 1” es una muestra similar a la presentada el

teníamos muchas ganas de hacer cosas nuevas. Vivíamos en la España de

año pasado en Nueva York (“Sailing through design”, American Institute

la movida. Además, nuestra economía era potente, y las administraciones

of Graphic Art). La exposición revisa el trabajo del estudio a través de un

apoyaban al diseño, lo que fue determinante para la aparición de estudios

compendio de bocetos y dibujos enfrentados con los trabajos terminados.

de diseño gráfico en todo el territorio. Pero lo cierto es que ahora estamos

En este caso, contraponemos el diseño de 49 portadas de libros y de un

mucho mejor preparados que en los ochenta. Si conseguimos que la

logo. Invitando a la reflexión abierta del proceso de diseño, el proceso

crisis amaine superaremos con creces el optimismo de hace treinta

de comprender la complejidad de las cosas para luego simplificarlas.

años. Ahora hay más masa muscular y más talento formado. Tenemos que trabajar para que la oferta y la demanda se concierten, y el rol de las administraciones en esta cuestión es vital. Estos años de ajustes y desajustes han supuesto un frenazo y un retroceso en muchas cosas.

19

ESTILO

¿Es usted un Hipster?

Nadie se reconoce hipster. Obvio: lo que los define es que son diferentes y no siguen tendencias. Es la moda de no estar a la moda.

El hipster es un consumidor de cultura alternativa, sofisticado y culto, altamente tecnologizado, que usa camisetas con mensajes irónicos, pantalones pitillo, pañuelo LEYLA HAUVA

B

uscan ser alternativos; escapan de la moda, reniegan de

y vanguardistas. Ellos disfrutan de las exploraciones urbanas que

su tribu, pero se reproducen por doquier. Si bien tratan

combinan sus gustos pop con sus inquietudes alternativas.

de estar fuera de lo in, es esa misma obsesión por escapar de lo establecido lo que los hace caer en esta subcultura.

Para Gabriela Bravo, publicista y redactora creativa, “son personas

El hipster es un consumidor de cultura alternativa, sofisticado y

con intereses «alternativos» en cuanto a moda, música, cine, y estilo

culto, conocedor de las últimas tendencias independientes y de

de vida a nivel general. (...) A diferencia de otras tribus urbanas, ellos

vanguardia. Este personaje es una suerte de yuppie intelectual que, a

no se clasifican como hipsters porque encasillarse dentro de un

diferencia de otros bohemios, no reniega de la cultura popular y sus

grupo con gustos afines sería reconocer ser igual a otro, y eso es

expresiones mundanas. Al contrario, el hipster es hijo de la tolerancia

absolutamente lo opuesto a lo que buscan”. Porque, según ella explica,

y la convivencia de gustos diversos presentes en el mundo de hoy.

el origen de los hipsters está en la necesidad de diferenciación.

Zarzuri señala que “dado el carácter de moda, es difícil que (los

La subcultura hipster es ante todo una tendencia intelectual y

hipsters) puedan asumirse como lo hacían otras expresiones

artística. Es un movimiento postmodernista, que tiende a rescatar

identitarias juveniles, donde el “orgullo de pertenencia”, que

ideas y modas pasadas para descontextualizarlas, reinterpretarlas y

originaba la adscripción identitaria, les permitía a los jóvenes decir

aplicarlas a las tendencias actuales. Los hipsters se precian de tener

orgullosamente: “soy punk”, “soy hiphopero” o “graffitero”, ...”

gustos, actitudes y opiniones que se califican como sofisticadas

20

ESTILO

“Como ser un Hispster” por Pop Culture

Siguiendo el rastro

Zarzuri sostiene que “la cultura moderna es altamente tecnológica y visual.

La visualidad juega un papel importante hoy en día en las construcciones

Los hipsters originales surgieron en la década de los ‘40. El

de la identidad en los jóvenes. Lo significativo es que me puedan ver, o sea,

estilo de vestir, el humor negro, la jerga, la actitud relajada, la

existo mientras me ven. Esto es precisamente lo que ocurre en internet.

pobreza autoimpuesta y la libertad sexual los identificaba.

Mientras más aparezco, mientras más me ven, más ‘soy’ como sujeto”.

Cuando esta tribu urbana envejeció, inventaron el entonces peyorativo término “hippie” para referirse a los jóvenes que los siguieron. De

Y en este punto es donde está la paradoja de los hipsters,

los hippies se pasó a los yuppies (jóvenes profesionales, de posición

porque quieren ser vistos, pero de manera alternativa.

social y económica elevada) para volver nuevamente a los hipsters.

Dicha necesidad obviamente se traslada a la moda.

Blogs, FB, Twister, iPod...

Quiénes son

Los hipsters de hoy siguen siendo alternativos, pero alternativos

Muchos de ellos pertenecen al ámbito de las artes, la tecnología y las

tecnológicos. Hoy tienen blogs, bajan música por internet, participan

letras. De acuerdo con estas preferencias, buscan profesiones que les

de YouTube, se suman a Facebook, Twitter, Tumblr o My Space,

permitan canalizar creativamente sus inquietudes intelectuales: artes

están conectados a su iPod y con un celular último modelo.

visuales, fotografía, música, comunicaciones y carreras humanistas de

21

ESTILO

diversos tipos. Generalmente tienen un blog,

Ropa vintage, pantalones pitillos, cotelé café

aunque ello no significa que todos tengan una ideología con un marco teórico o postura social

La moda hipster es un elemento ecléctico. Su fetiche es la ropa usada

crítica, como ocurre con otras tribus urbanas.

o reciclada vintage, pantalones pitillos, camisas leñadoras a cuadros,

Y precisamente esa falta de consistencia es

zapatillas de colores como Nike, Reebok , Vans o Converse de caña alta en

la que les ha valido un sinfín de críticas.

todas sus presentaciones, poleras con mensajes irónicos o totalmente lisas y con apariencia deslavada. Les encanta el cotelé café; utilizan en el cuello

Por lo mismo, no es posible catalogarlos

la kufiyya o pañuelo palestino; las mujeres usan abrigos de piel y leggings.

como neo hippies, como se les han llamado en diversos artículos, ya que los hipsters

Casi elemental de su sello son los lentes con marco grueso de carey

carecen de la ideología que poseía el sesentero

aunque no los necesiten. Circulan a pie, con su infaltable bolso cruzado

movimiento. “En términos más académicos, los

de tela o de cuero viejo. Utilizan anteojos Wayfarer, los necesiten o no.

hippies han sido vistos por las estudiosos de los jóvenes y sus culturas como un “contracultura”,

Pero por sobre todo, “lo fundamental en la vestimenta son los accesorios,

o sea, constructores de un “proyecto de vida

porque unos jeans son unos jeans en cualquier parte del mundo, entonces

societal” con una estructura de normas y valores

los accesorios permiten personalizar el look. Sombreros, anteojos grandes

y también de cultura que entraba en conflicto

o con diseños, bufandas, prendedores, etc.” opina Gabriela Bravo.

con la cultura parental y hegemónica”, dice Zarzuri, de la misma manera que el movimiento

El corte de cabello es también básico. El estilo debe ser limpio

tenía una consistencia entre su ideología y

pero casual, con cortes convencionales casi sin peinar para indicar

su propuesta, a diferencia del grupo actual.

el rechazo a los convencionalismos del resto de la sociedad.

Estilo de un Hipster y la banda Mumford & Sons, un grupo británico de folk rock

22

ESTILO

Música indie y café Escuchan música indie y ven cine alternativo. Si bien la mayoría de ellos odian el pop y a todos sus exponentes como Lady Gaga y Britney Spears, hay algunos que haciendo uso de su tolerancia pueden escuchar música de cualquier tipo. Pero bandas como Pulp y Oasis son referentes dentro de esta subcultura. ¿Una banda más contemporánea? La estadounidense Foster the people. ¿Series? “Mad men”. ¿Directores de cine? Quentin Tarantino y Wes Anderson.

“El estilo los agrupa a través de una cierta estética que se puede visualizar como “a la moda”, “ser onderos”, pero como señalada con un cierto tipo de ‘onda’: no tan consumista (de marca); algo ecológica”, sostiene Raúl Zarzuri Los hipsters más comprometidos tienen hábitos vegetarianos, ya sea por convicciones de salud o por apoyo a los derechos de los animales. El café es la bebida hipster por excelencia porque, al contrario del alcohol, no es relajante, sino estimulante y además fomenta el arte de la conversación.

Pero aunque tienen costumbres saludables, los hipsters no van al gimnasio ni hacen ejercicio obsesivamente porque rechazan la superficialidad derivada de los cuerpos perfectos en la publicidad y los medios.

23

LETRAS

Victor Papanek: algunas ideas sobre ecología desde el diseño Autor de uno de los libros sobre diseño más leídos de la historia, abrió el camino hacia el pensamiento ecológico contemporáneo.

RAQUEL PELTA

D

iseñador, antropólogo, escritor y profesor,

Papanek ha pasado a la historia, entre otras razones, por su polémico

Victor Papanek (1923-1998) nació en Viena

libro Design for the Real World. Human Ecology and Social Change,

(Austria) y emigró a Estados Unidos en 1939,

una obra en la que criticó a sus colegas diseñadores, acusándoles de

donde se graduó en arquitectura y diseño

realizar un trabajo de mala calidad, de estar demasiado preocupados por

en la Cooper Union de Nueva York y cursó

cuestiones estilísticas, de malgastar los recursos naturales y de olvidar

estudios de postgrado en el Massachusetts

sus responsabilidades sociales y morales. O, como dijo él mismo: “Hoy, el

Institute of Technology (MIT).

diseño industrial ha colocado el asesinato en las bases de la producción en serie. Al diseñar automóviles criminalmente inseguros que matan

Durante treinta años trabajó para la

o mutilan a casi un millón de personas de todo el mundo cada año, al

Organización Mundial de la Salud y para

crear nuevas especies completas de basura permanente que abarrotan

la UNESCO en países de África, Asia y

el paisaje y al elegir materiales y procesos que contaminan el aire que

Sudamérica. Quizá por ello, fue especialmente

respiramos, los diseñadores se han convertido en una raza peligrosa”.

sensible a las cuestiones relacionadas con la sosteniblidad, en un momento en que esta palabra no era de uso corriente.

24

LETRAS

Design for the Real World, imagen de Victor J. Fundacion Papanek, 1971

Nada más ver la luz, el libro fue ridiculizado y despreciado por los diseñadores

Desde su punto de vista, todos estábamos

mientras Papanek recibía duros ataques y sufría la exclusión de los foros de Diseño.

implicados en los asuntos de la

Sin embargo, hacia 1985, Design for the Real World se había traducido a más de

ecología y podíamos contribuir a la mejora

veinte idiomas y era la obra sobre diseño más leída en todo el mundo.

medioambiental desde el papel que cada uno desempeñara en la sociedad: «La cuestión

Design for the Real World abrió una línea de pensamiento ecológico entre los diseñadores

es: ‘¿Qué puedo hacer como profesor, obrero

y se convirtió en una referencia en materia de ecodiseño y sostenibilidad.

de la construcción, taxista, maestro, prostituta, abogado, pianista, ama de casa, estudiante,

En la segunda edición (1984), Papanek planteó cuestiones que hoy en día nos siguen

gerente, político o granjero? ¿Cuál es el impacto

preocupando: las desastrosas consecuencias del exceso de embalaje, la creciente

de mi trabajo en el medio ambiente?’ Esta es

obsolescencia tecnológica y el papel que podían desempeñar los diseñadores gracias a

una dimensión de la intervención que no ha sido

que, por su capacitación, a menudo asumían posiciones clave pues hablaban los lenguajes

suficientemente explorada hasta ahora», dijo.

de diversas disciplinas y podían ayudar tanto a nivel local como internacional.

En 1995, publicó The Green Imperative. Ecology Dedicó un capítulo completo a diseño y medio ambiente, en el que señaló que los diseñadores

and Ethics in Design and Architecture. En

industriales,la industria y los gobiernos debían determinar el daño ecológico y social que se estaba

él distinguió entre las competencias de los

causando a nuestras comunidades e indicó que la intervención de los profesionales del diseño tenía

diseñadores, la de anticipar las consecuencias

que ser modesta, mínima y dotada de sensibilidad, así como respetuosa con el contexto social.

medioambientales, ecológicas, económicas y políticas de la intervención de diseño

La preocupación del autor por el tema fue, desde entonces, en aumento. Así, a comienzos de la

y destacó que los diseñadores debían

década de 1990, en un congreso celebrado en Australia en el Centre for Design at RMIT, comentó

ser extremadamente cuidadosos con lo

que ya no cabía ninguna duda de que el equilibrio ecológico del planeta no era sostenible y

que diseñaban y por qué lo hacían.

que, por tanto, se hacía necesario preservar los recursos y bienes de la Tierra y cambiar nuestros

Asimismo afirmó de modo rotundo:

patrones más básicos de consumo, uso, producción, reutilización y reciclado porque, de lo contrario,

“Es vital que todos –profesionales y

ninguno de los futuros utópicos o distópicos previstos por la humanidad llegaría a existir.

usuarios finales- reconozcamos

25

LETRAS

“Papanek ha pasado a la historia por su polémico libro Design for the Real World.”

“Fue un pensador clarividente y planteó cuestiones sobre diseño y medio ambiente que hoy en día nos siguen preocupando.”

nuestras responsabilidades ecológicas. Nuestra supervivencia

aspectos objetivos del clima y el uso ecológico de los materiales con los

depende de una atención urgente a los temas medioambientales,

procesos intuitivos subjetivos y con los factores culturales y bioregionales.

pero incluso ahora todavía parece haber una falta de motivación, una parálisis de voluntad, para hacer los cambios radicales necesarios.”

En The Green Imperative, Papanek trató temas como la influencia de los materiales, el transporte, el proceso de producción, el gasto, el

Por otra parte, alertó de los peligros de convertir la cuestión en un tema

montaje de los productos y el «diseño para el desmontaje» y habló

de moda como, en su opinión, había sucedido a principios de los años

de que en el siglo XXI se necesitarían diseñadores especializados

1980. Es más, no se trataba de actuar bajo el efecto del pánico sino de

en temas medioambientales y de que toda educación de diseño se

llevar a cabo un “renacimiento espiritual o re-concienciarse, un deseo

debía basar en métodos e ideas ecológicos. Esto incluía llevar a cabo

de restablecer uniones más firmes entre la naturaleza y la humanidad.”

estudios de biología, antropología, geografía cultural y otros campos

Creyó, además, que no debería haber una categoría especial de diseño

entre varias disciplinas de matriz socioeconómica y política y, sobre

denominada «sostenible» sino que tendría que asumirse que todos

todo, servir de apoyo a la sostenibilidad de la vida del planeta.

afines. El futuro del diseño era el de convertirse en una síntesis

los diseñadores debían tratar de reformar sus valores y su trabajo, para crear un diseño basado en la humildad y capacidad de combinar los

26

Aunque Papanek no fue el primer diseñador que abogó por un enfoque

LETRAS

Tin Can Radio. Diseñado por Victor Papanek y George Seeger. Publicado en Design For The Real World de Victor Papanek, Papanek Foundation, imagen de Parsons The New School.

sostenible - Buckminster Fuller ya lo había hecho en la década de 1920-, hay que destacar la valentía de sus textos y la clarividencia de sus ideas que hace que frases como la que sigue continúen teniendo sentido, a día de hoy: “La cuestión de la ecología como una prioridad de base social pide que el diseño y la planificación consideren la sostenibilidad y la justicia social como condiciones recíprocas, que salvar el planeta y salvar la comunidad se conviertan en uno, sean inseparables.”

27

PERSONAJE

Carteles con una historia detrás Isidro Ferrer pone la ilustración al servicio de la literatura y el teatro MARÍA JOSÉ DÍAZ DE TUESTA

28

PERSONAJE

E

ligió premeditadamente Huesca para vivir, por ser un lugar

Tal es el caso del esqueleto de una mano, uno de los sorprendentes

alejado de la vorágine. No tiene móvil porque prefiere ser

y originales carteles de la programación de 2007-2008 del Centro

dueño de sus silencios. Y trabaja solo en su casa. A pesar de este

Dramático Nacional (CDN), que hizo con Nicolás Sánchez. Al igual que

“recogimiento”, las obras de Isidro Ferrer (Madrid, 1963) gozan de

él, vive en Huesca. Sánchez, que proviene de la pintura, posee una visión

cierta difusión. Hasta viajan pegadas a los autobuses de Madrid.

periférica y una riqueza visual impresionante, según Ferrer. Sánchez, por su parte, dice de su colega, “que es quien tiene la última palabra”.

Esa mano negra anuncia la tragedia Rey Lear, de William Shakespeare (que se representa en el teatro Valle-Inclán) en la que el viejo Lear se vuelve loco por una decisión injusta. Cómo se llega a esa abstracción lo explica así Ferrer: “La mano tiene que ver con la

“Los diseñadores me ven como un ilustrador y los ilustradores como un diseñador”

carnalidad, la esencia del hombre, con sus miserias, son huesos, estructura básica del hombre. Luego está el azar, el juego que se representa en el rey del ajedrez. La falange se convierte en el dedo que señala, que es el propio rey, la figura que abre y cierra el juego”.

Luego está el cartel con la pistola roja cuya empuñadura acaba en forma de grifo, que anunció en 2007 Un enemigo del pueblo, de Ibsen. Cuenta cómo en un pueblo que vive de las aguas de un balneario dromedario, que acaban contaminadas, no queda títere con cabeza. Y al final aparecen las pistolas. “La idea es que el agua es la riqueza y también la provocadora de la tragedia”. Sus carteles remiten a las portadas que Daniel Gil diseñó para la innovadora colección de bolsillo Alianza Editorial. En ellas, la ilustración se pone al servicio del texto y multiplica sus significados. Ferrer dice que hasta mucho más tarde no fue consciente de su influencia.

Antes empezó con quien es su gran maestro, Peret, de quien aprecia “un discurso muy ligado a la semántica, a la filosofía. Sus imágenes están muy bien construidas y conceptualmente bien argumentadas”.

En la lista de sus filias están también los carteles de cine hechos en Polonia en los años sesenta y setenta, “se trabajaba con la mezcla de intenciones distintas, es el juego de los contrarios, crear algo nuevo a partir de dos mojones diferentes, a veces antagónicas”, explica este diseñador que ha recibido dos premios nacionales de disciplinas que para algunos son también contrarias: el de Diseño Gráfico en 2002 y el de Ilustración en 2006. Así pues se considera ¿ilustrador o diseñador gráfico? “Ninguno de los dos gremios me consideran de los suyos. Los diseñadores me ven como un ilustrador que hace dibujicos y los ilustradores como un diseñador que hace ilustraciones. Yo no lo separo. Es algo que va más allá de la ortodoxia”. Como en sus diseños. ¿O en sus ilustraciones?

A la izquierda Isidro Ferrer para la ArtStudio Magazine, Febrero 2014.En cima Un

Enemigo del Pueblo, de Ibsen para el Centro Dramático Nacional de 2007. En colaboración con Nicolás Sánchez

29

La arquitectura interminable de Alvar Aalto El arquitecto finlandés quiso humanizar la modernidad.

Escapó de la frialdad, las aristas y el orden cartesiano ANATXU ZABALBEASCOA

30

Aino Marsio‐Aalto and

REPORTAJE

Alvar Aalto en la Artek‐ Pascoe exhibición, Nova York, 1940. Fotografía de Herbert Matter.

L

a arquitectura de Alvar Aalto (1898-1976) es a la vez inagotable y cotidiana: edificios para usar a diario. El finlandés escapó de la frialdad, las aristas y el orden cartesiano

que imponía la modernidad para inaugurar otra vanguardia que tenía como referencia las formas de los lagos, los troncos de los árboles y la perfecta imperfección de lo natural: lo real. Por eso, 40 años después de su muerte, sigue siendo un arquitecto por redescubrir. Sus obras son un pozo sin fondo que demuestra que la mejor arquitectura habla siempre en presente y comparte el idioma universal de todas las tradiciones.

31

REPORTAJE

Se opuso a la idea de que la arquitectura era solo para la gente rica y solo unos pocos especialistas podían comprenderla Cuando Aalto ya se había convertido en el

la temprana desaparición de la arquitecta en 1949. Y si bien es cierto

arquitecto que pasaría a la historia, cuando ya

que ella tenía una mentalidad más práctica (sus cristalerías encajan

había construido la Villa Mairea y la Biblioteca

unas dentro de otras para ahorrar espacio en los armarios; las de Aalto

de Viipuri, regresó a la escuela de Jyväskylä

tendían a expandirse evocando la forma de los lagos), ambos trabajaron

donde había estudiado de niño. Lo hizo para

mano a mano en diseños que todavía vende la empresa Artek (hoy

hablarles a los alumnos de la importancia de

propiedad de la alemana Vitra). En su casa de Munkkiniemi, a las

una educación humanista, de la necesidad de

afueras de Helsinki, uno puede abrir la pequeña alacena y comprobar

ir más allá de uno mismo y de la posibilidad de

que el orden no es ajeno a las formas redondeadas. Los arquitectos que

mirar hacia atrás para rescatar nuevas ideas.

peregrinan hasta esa vivienda construida en 1935 también pueden ver cómo Aino trabajaba en la mesa principal, con las mejores vistas, al lado

Eso había hecho él. Había fundado su primer

del salón, mientras que Alvar dibujaba en un rincón de la buhardilla.

despacho en esa ciudad al norte de Helsinki después de una infancia complicada en la que

Con todo, la igualdad en la vida de Aalto no estaba solo presente en el

perdió a su madre con ocho años y ganó otra

trato hacia su mujer o hacia los arquitectos del estudio. El portugués

madre cuando su tía Flora se casó con su padre.

Álvaro Siza considera que esa fue, precisamente, su mayor contribución:

De adolescente también vio cómo su país se

“Oponerse a la idea de que la arquitectura es solo para la gente rica o que

independizaba de Rusia tras la revolución.

está tan especializada que no la puede entender todo el mundo”. Hoy

No tenía 20 años cuando luchó en la guerra

parece pura lógica. En los años veinte resultaba excepcional no solo que

civil finlandesa, en el bando de los blancos,

un arquitecto diera explicaciones, sino también que obtuviera sus ideas

el ganador. El 1% de la población murió en

de escuchar a la gente y atender al paisaje además de a las tradiciones.

esa contienda. De esos 30.000 muertos, solo una cuarta parte perecieron en el campo de

Así, hoy la arquitectura de Aalto se comprende al momento, pero no

batalla; el resto, tras juicios sumarísimos.

se termina de mirar nunca. No está hecha para los ojos, escapa a las fotografías. Hay que visitarla, caminarla, tocarla, entrar en ella. Más allá

Con 25 años, cuando corría el año 1923, inau­

de la igualdad, también la modernidad estaba presente en el espíritu

guró un despacho de Arquitectura y Arte

con el que los Aalto se relacionaron con el mundo. Para su luna de

Monumental. Entre sus primeros trabajos

miel volaron hasta Estocolmo, para luego continuar hasta Italia, el

firmó el dormitorio de un tal señor Steinbäck y

país que más les fascinó y, curiosamente, con el que más afinidades

algunas lápidas para tumbas. Luego llegarían

desarrollaron. Puede parecer extraño que un nórdico aprenda a construir

las viviendas, las reparaciones de iglesias y

en su país a partir de lo que ha visto junto al Mediterráneo. ¿Cómo

hasta un hospital en Alajärvi. Fue entonces

es posible que una casa en un bosque de pinos finlandeses remita a

cuando otra arquitecta, Aino Marsio, llegó a la

Italia? ¿Cómo responder a los lugares y, a la vez, acercarse al mundo?

ciudad para trabajar en el estudio de Gunnar Achilles Wahlroos. Solo un año más tarde

Aalto creía que la arquitectura era un ave migratoria. Estaba convencido

se casaría con Aalto. Convertida en su socia,

de que las soluciones constructivas podían viajar de una cultura a

esposa y madre de sus dos hijos, tuvo siempre

otra. Y lo demostró edificando un patio mediterráneo en la isla de

con su pareja una relación de igual a igual.

Muuratsalo, donde levantó la casa experimental en la que puso a prueba

Esta afirmación puede parecer una obviedad,

los materiales que usaba. La línea orgánica de Aalto es, aún hoy, un

pero no lo es. Fue más bien una excepción.

modelo para generaciones. La mezcla de lo local y lo global, el uso de

Presten atención de nuevo a la fecha. Aino

materiales autóctonos, el reconocimiento a las ideas de otras culturas y

y Alvar Aalto firmaron juntos todos y cada

el cuestionamiento de una vanguardia desarraigada definen su obra: un

uno de los proyectos que realizaron hasta

mundo de referencias regionales e influencias internacionales. En 50 años,

32

REPORTAJE

Alvar Aalto: Villa Mairea, Noormarkku, Finlandia. 1937-1939

más de 300 arquitectos de 20 países diferentes trabajaron en su estudio. Él mismo lo hizo, además de en Finlandia y los países nórdicos, en Alemania, Estados Unidos, Francia, Suiza, Líbano, Irán, Arabia Saudí e Italia, donde una iglesia póstuma le rinde homenaje en Riola di Vergato.

Esa trayectoria puede seguirse en la exposición Alvar Aalto, arquitectura orgánica, arte y diseño –organizada por el Vitra Design Museum–, que, tras pasar por Caixaforum Barcelona, se

“El respeto por la gente corriente”, así resume la impronta de su compatriota el estudio JKMM, uno de los más prolíficos de Finlandia

inaugurará en la sucursal madrileña el 30 de septiembre. Además, la muestra relaciona

de tuberculosos en Paimio, al este de Helsinki. El camino fue de ida

por primera vez el legado del arquitecto

y vuelta: cuatro años después, Artek organizó la primera exposición

que cuestionó el movimiento moderno por

de arte moderno en Finlandia. Braque, Chagall, Matisse y Picasso

inhumano con el arte de su tiempo. Hoy, cuando

pudieron verse por primera vez en Helsinki. Y un año más tarde eran

sus lámparas y butacas todavía se fabrican y sus

los muebles de los Aalto los que llegaban al MOMA de Nueva York.

edificios están en los cimientos del hacer de los mejores arquitectos actuales, el comisario

Así, Eisenbrand sostiene que los artistas coetáneos de Aalto –Jean Arp,

Jochen Eisenbrand sostiene que el arte fue

Fernand Léger o incluso Max Ernst– ya habían dado con las formas

clave para que Aalto tradujera las formas de la

a las que recurriría el arquitecto. Puede que Aalto las tradujera, pero,

naturaleza en diseños y arquitectura. Un retrato

a diferencia del escultor Alexander Calder, las formas en él tenían

de un Aalto de 14 años frente a sus lienzos

siempre una intención pragmática. Tanto es así que Eisenbrand habla

de paisajes lleva a la historiadora Eeva-Liisa

del “apretón de manos de sus edificios” por el esmerado diseño que

Pelkonen a afirmar que el arquitecto finlandés

le llevó no solo a cuidar el aspecto de los manubrios, sino, sobre todo,

siempre pensó en sí mismo como en un artista.

a pensar en quienes los iban a manejar. Es el caso del sanatorio para tuberculosos en Paimio. Allí las puertas se dejan abrir sin apenas

Pero esta exposición explica que fue en

esfuerzo. Lo mismo sucede con los escalones, que son bajos, para que

Atenas en 1933, durante el congreso de

los enfermos puedan afrontar el ejercicio sin agotarse con el esfuerzo.

arquitectos defensores de una arquitectura

Visitar el sanatorio es una lección magistral. Cuesta comprender por

moderna (CIAM), cuando Aalto escuchó al

qué la azotea tiene un barandilla tan baja que no cumple su función

pintor Fernand Léger reclamar más color

protectora (no alcanza a la rodilla) hasta que, pese a la modernidad del

en la arquitectura. Y no lo olvidó. Ese mismo

edificio, uno retrocede hasta el tiempo sin penicilina y repara en que

año mostró en la Triennale de Milán y en los

en un país frío, la única posibilidad de curarse se confiaba al descanso

almacenes Fortnum & Mason de Londres las

y al escaso sol. En esa barandilla, los pacientes podían tumbarse a

sillas que había diseñado para el sanatorio

tomar el sol sin que el murete protector les impidiera ver el paisaje.

33

REPORTAJE

Para el finlandés, la arquitectura era un ave migratoria.

Las soluciones constructivas podían viajar de una cultura a otra

Arquitectura orgánica, arte y diseño organizada por el Vitra Design Museum

Por eso, sería un error que, al trazar las

Aino, en cada dibujo”. La huella en el trabajo

para todos”, explican admirados. Aunque ese

referencias artísticas en la obra de Alvar Aalto,

es una de las claves de la arquitectura de este

mérito tal vez habría que atribuírselo a Elissa, la

alguien pudiera pensar que la suya fue una

matrimonio. Tiene que ver con los materiales

segunda mujer del arquitecto, que continuó al

arquitectura de inspiración artística, alejada

y con el diseño. “Una columna clásica lleva

mando del estudio hasta su muerte en 1994.

de la realidad, ofuscada por la teoría. Nada

en el fuste la huella de sus orígenes de

más lejos de la verdad. En sus edificios hablan

madera. Aunque se construya con piedra, las

Con cada una de sus mujeres Aalto construyó

los usuarios, se retratan sus preocupaciones,

cualidades humanas convierten lo material

una casa. La levantada con Aino es, todavía hoy,

aparece el lugar y queda plasmada la mirada

en símbolos culturales”, escribió Aalto.

un lugar cargado de su presencia. No es el piano

del arquitecto, cuando pintaba estancias de

que ocupa el centro de la sala o el retrato de

amarillo para llevarles a los tuberculosos un

Algo parecido opina el historiador Kenneth

la tía Flora que preside el rellano lo que habla

simulacro de sol o cuando prolongaba una

Frampton cuando recuerda que para Aalto la

de ellos. La presencia de la pareja está en la

lama de madera para convertirla en trampolín

arquitectura era artesanía. Por eso, los obreros

manera en que las ventanas están preparadas

frente a la piscina de la Villa Mairea.

tenían una importancia clave en el resultado

para acercar las plantas a la luz; en cómo la

final del edificio. “No es que se opusiera a la

cocina está junto al comedor, conectada por

Fue la dueña de esa famosa vivienda, la

producción de soluciones estandarizadas, Aalto

una ventana, para facilitar la vida de la familia.

millonaria Maire Gullichsen, la que, fascinada

se oponía a la burocratización de los estándares,

La segunda casa, en la isla de Muuratsalo, fue

por su arquitectura, convirtió el talento de Aalto

a la práctica que lleva a buscar únicamente

directamente un experimento. Tras enviudar

en un negocio. Con una altísima cultura de lo

el máximo provecho económico para decidir

y casarse con la arquitecta Elissa Mäkiniemi, la

diario extendida por Finlandia, los matrimonios

el tipo de elementos que se fabrican”.

construyó para poner a prueba la resistencia

Gullichsen y Aalto comenzaron a producir un

de más de cien tipos de ladrillos y cerámicas.

mobiliario moderno de lamas curvadas que

Ahora que se critica, y se asume, el gran fallo

También levantó un muro blanco para encerrar

combinaba arte y técnica (Artek). Aino estaba

que supuso la distancia entre la arquitectura y

aquel patio colorista, tal como había visto en

detrás de la gestión, y Maire, de la exportación

el usuario, es importante anotar que, también

el Mediterráneo. Aalto creía, y lo demostró

de la empresa que se convertiría en un puente

en ese campo, Aalto fue una excepción. “Supo

con sus edificios, que la mejor arquitectura

entre Finlandia y la modernidad internacional.

encontrar respuestas para la gente corriente

es, efectivamente, un ave migratoria.

y la vida cotidiana”, opinan los arquitectos Cuando en 1933 los Aalto enviaron a Atenas

del estudio finlandés JKMM, hoy uno de los

los dibujos y las maquetas de su sanatorio a

más prolíficos de su país. Ellos resumen la

la exposición que se debía celebrar durante

impronta de su compatriota en “el respeto por

el Congreso Internacional de Arquitectura

la gente corriente”. Y como prueba recurren

Moderna (CIAM), el historiador suizo Sigfried

a una cuestión no arquitectónica. “El estudio

Giedion les escribió: “Ha llegado vuestro

tenía una cocinera que 20 años después de

sanatorio. Uno puede sentir tu mano, o la de

la muerte de Aalto seguía allí, cocinando

34

35

TEMAS

Diseñar para el cambio social El diseño se ha politizado y con su politización ha aparecido un activismo de amplio espectro que oscila entre un “trabajo político valiente” y uno “socialmente útil”.

RAQUEL PELTA

C

omo se comenta en el artículo “Diseño

Quienes lo consideran así, lo entienden más

y activismo. Un poco de historia” desde

que como un acto individual, como un modo

finales de la década de los 1990, se ha ido

de producción social y, como tal, sujeto a las

construyendo un discurso en torno al diseño

mismas fuerzas que informan otras actividades

como herramienta poderosa, capaz de mejorar

humanas, algo que causa extrañeza en aquellos

las condiciones de vida de las personas, frenar

que no están acostumbrados a concebir y

el deterioro medioambiental –si hablamos

analizar el contenido de su trabajo en relación

especialmente de diseño industrial, de

con la política, la teoría, la economía o la ética.

moda y de interiores–, informar, divulgar y propagar mensajes sociales, políticos y comerciales –si nos referimos al gráfico– y, por ello, con fuertes implicaciones éticas.

36

TEMAS

Clare Cousins Architects crearon la primera casa “carbon-positive” en Victoria, Australia.

“El diseñador es un agente fundamental en la nueva Sociedad de la información y el conocimiento.” “Los diseñadores ocupan una posición privilegiada a la hora de participar en un proceso de cambio social positivo.” “¿Es posible ejercer una práctica alternativa que sea algo más que una resistencia trivial?”

37

TEMAS

En la sociedad de la información Los años 1990 se cerraron con el First Things First Manifesto 2000,

Esta camiseta fue

que dio lugar a un interesante debate sobre la factibilidad de

criada para mostrar el

las propuestas contenidas en él. Fueran o no viables, lo cierto

efecto del cambio de

es que dicho manifiesto entrañó una postura de compromiso

las temperaturas en

que subrayaba el poder y la responsabilidad de la profesión: «Los

la acidez del océano.

diseñadores gráficos tienen una posición privilegiada dentro de la cultura contemporánea, al tratar con el arte, el comercio y la ciencia e el medio impreso, en la pantalla o en la esfera pública. Es un papel que requiere responsabilidad», afirmaron sus firmantes.

Desde entonces, el diseño se ha politizado aunque no en el sentido de adscribirse a una ideología establecida e institucionalizada. Con esa politización ha aparecido un activismo de amplio espectro que tuvo uno de sus puntos culminantes en el año 2003, durante la movilización contra la Guerra de Irak, y que hoy pervive en torno a los movimientos de indignación y protesta surgidos en numerosos países a lo largo de 2011 o en la lucha contra el cambio climático, por mencionar dos de las grandes causas que acaparan la atención de los diseñadores en estos momentos.

El diseñador es, para muchos, un agente fundamental en la nueva Sociedad de la información y el conocimiento. Así lo pone de relieve Manuel Castells cuando afirma que: “la arquitectura y el diseño podrían convertirse en mecanismos esenciales de innovación cultural y autonomía intelectual en la sociedad informacional a través de dos importantes vías. La nueva arquitectura construye los palacios de los nuevos amos, con lo que expone su deformidad oculta tras la abstracción del espacio de los flujos; o se arraiga en los lugares y, de este modo, en la cultura y en la gente. En ambos casos, bajo formas diferentes, la arquitectura y

el diseño pueden estar cavando las trincheras de la resistencia para la conservación del significado en la generación del conocimiento. O, lo que es lo mismo, para la reconciliación de la cultura y la tecnología.”

El reconocimiento del papel significativo del diseño en la era de la información ha supuesto, también, para algunos miembros de la comunidad del diseño, la necesidad de asumir las responsabilidades que de ello se derivan y la búsqueda de nuevas perspectiva en las que el compromiso social esté presente.

Este es el caso, por ejemplo, de John Thackara para quien muchas de las situaciones problemáticas que se plantean en nuestro mundo son el resultado de malas soluciones de diseño: “El ochenta por ciento del impacto medioambiental de los productos, servicios e infraestructuras que nos rodean se determina en la etapa de diseño. Las decisiones de diseño forman los procesos que hay tras los productos que usamos, los materiales y la energía requeridos para hacerlos, los modos en los que los manejamos diariamente, y lo que les sucede cuando no los necesitamos más.”

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Unidos a la cultura industrial

a cuestiones medioambientales de enorme trascendencia.

Todo esto está, indudablemente, transformando al diseño.

Como opinaba Rick Poynor a comienzos de la década de 2000, “vivimos y respiramos diseño”. Nada está libre de su toque alquímico.

Sin embargo y siendo críticos, podemos decir que, por su estrecha

Es omnipresente. O dicho en palabras de Richard Buchanan: “no hay

vinculación con la cultura industrial, el diseño ha provocado profundos

ningún área de la vida contemporánea donde el diseño no sea un

cambios en nuestro entorno y que éstos no siempre han sido

factor significativo a la hora de dar forma a la experiencia humana.”

positivos. Por ejemplo, buena parte de la crisis medio ambiental

Pero, de acuerdo con Tony Fry, esa omnipresencia y su importancia

actual se la debemos a esa cultura industrial de producción y

pasada, presente y futura, todavía no están suficientemente reconocidas

mercado, de la que ha sido uno de sus principales aliados.

ni siquiera por parte de los profesionales del diseño como tampoco lo están dentro de la cultura política e intelectual. Así lo demuestra,

Ahora bien, precisamente por ese vínculo con la cultura industrial, los

por ejemplo, el que los profesionales se muestren bastante remisos a

diseñadores están en una ventajosa situación a la hora de participar en

aceptarla –y no olvidemos que hacerlo supondría tanto como asumir

un proceso de cambio social positivo, en la medida en que se encuentran

la responsabilidad social que conlleva–. Así lo indica, también, el que

cerca de quienes toman decisiones que afectan directa o indirectamente

apenas exista una modesta cantidad de bibliografía crítica sobre

a los ciudadanos. Por eso, y a pesar de lo que pueda parecer a simple vista

el impacto del diseño en el pensamiento, la práctica económica

(dada la dependencia de la voluntad de un cliente), pueden tener más

y, en definitiva, en la vida de las personas y en el planeta.

posibilidades que otros profesionales de encontrar soluciones a ciertos problemas –entre ellos los medioambientales– y de proponer prácticas

A lo largo del tiempo, el papel del diseño ha ido transformándose

alternativas que contribuyan a mejorar el sistema en el que vivimos.

en la medida en que también cambiaba la sociedad de la que es producto y para la que trabaja. Ahora nos encontramos en

No obstante, y aunque privilegiada, la actitud no es fácil de mantener

una etapa de globalización en la que las nuevas tecnologías han

en un mundo de exagerado consumismo en el que el diseño se

acelerado las comunicaciones y en la que, además, nos enfrentamos

entiende como una herramienta clave para despertar el deseo de

Con la pulsera desarrollada por el estudio de Benjamin Hubert las personas pueden se enterar de la polución que hacen

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compra. En ese sentido Nigel Whiteley comenta que las estructuras del mercado, junto con las ideologías consumistas del diseño son particularmente problemáticas cuando refuerzan el individualismo (no la individualidad) y trabajan contra la posibilidad de una visión social del diseño. Este autor ha indicado, que en el Norte (se refiere a las áreas “ricas”), el mercado incentiva de manera abrumadora a los diseñadores que se dedican a la práctica orientada hacia el consumo.

Mientras tanto, en el Sur (las áreas “pobres”) existe una demanda de un diseño consciente y no orientado al mercado que, la mayoría de las veces no se cubre porque los diseñadores de las zonas pobres atraídos por los salarios de las áreas ricas, las abandonan –cosa humanamente comprensible–. Un ejemplo de esto puede ser la emigración de diseñadores argentinos en la década de 2000 a causa de la crisis económica que asoló su país, justo en un momento en que lo que más falta le hacía a su país eran soluciones alternativas e innovadoras.

¿Es posible una práctica alternativa?

Dada la omnipresencia del consumo, la pregunta es si, razonablemente, ¿es posible ejercer una práctica alternativa que sea algo más que una resistencia trivial? Victor Papanek ya abordó esta cuestión hace más de veinte años y concluyó que: «El diseñador tiene a menudo más control sobre su trabajo de lo que cree». Para él, la calidad, los nuevos conceptos y una comprensión de los límites de la producción podrían significar diseñar para la mayor parte de la población del mundo en lugar de para unos pocos. Papanek hizo una llamada a la responsabilidad de los diseñadores para que fueran más allá de las estrechas consideraciones del mercado y diseñaran productos genuinamente necesarios para los seres humanos.

De esta manera, siguiendo a Papanek, el diseñador ha de tener un posicionamiento social y moral desde el momento en que se le pide que diseñe o rediseñe algo o, dicho en otros términos más actuales y siguiendo al diseñador británico Jonathan Barnbrook, la época de los diseñadores que no tienen una posición moral y que sólo se dedican a mostrar el mensaje del cliente, ya ha pasado.

Por su parte, Nigel Whiteley ha reflexionado sobre las diversas facetas de un diseño alternativo y de las muchas contradicciones que existen en su práctica. Así, y respecto a la acción de los diseñadores, indica que ésta siempre se mueve dentro de la tensión que se da entre un sistema corrupto de mercado, por un lado y un “trabajo político valiente” para cambiar ese sistema, por otro.

Entremedias podríamos situar aquello que este autor denomina diseño “socialmente útil” realizado dentro del sistema.

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Jonathan Barnbrook at Typo Berlin 2008

Las opiniones de Barnbrook y las de Whiteley son tan sólo dos ejemplos

trabajadores sociales, de la salud, educadores,

de cómo buena parte de las críticas al diseño, acusado de cómplice de

etc…, en proyectos socialmente relevantes

las fuerzas del mercado, proceden del propio mundo del diseño. Esto

y, por tanto, moviéndose dentro de marcos

puede parecer paradójico si miramos a nuestro alrededor y tenemos

institucionales establecidos pero que no están

en cuenta cuál es la mayor parte de la producción de diseño que se

dentro de las prioridades del mercado.

encuentra a nuestro alcance, pero no lo es, si pensamos en que esta disciplina, al menos desde el siglo XIX, ha generado su propia teoría

Hay también quienes, como Bill Drenttel

social y que, a lo largo de buena parte de la centuria pasada y aún en

de Nueva York, han cuestionado las

nuestros días, muchos fueron y son los diseñadores que creyeron y

prácticas benéficas de muchos de sus

creen en que la misión del diseño era y es la de mejorar la sociedad.

colegas porque las perciben simplemente como una manera de ganar premios o

Precisamente, y para contrarrestar el papel de cómplice del consumismo

de quedar bien ante la profesión, cuando

al que me he referido anteriormente, no han faltado quienes –y

muchos de los comportamientos habituales

vuelvo a insistir– desde dentro del propio mundo del diseño, han

de los diseñadores dejan bastante que

propuesto que los diseñadores dejen de centrarse en lo superfluo

desear, desde una perspectiva ética.

y exclusivo, dirigido a grupos sociales con alto poder adquisitivo, para atender a las verdaderas necesidades de las personas.

Victor y Sylvia Margolin consideran, por ejemplo, que el trabajo social puede ser un buen marco alternativo y una salida para los diseñadores que quieren hacer algo significativo, ya que uno de los principios rectores de ese trabajo social es ocuparse de las necesidades de las poblaciones en riesgo de exclusión o directamente marginadas. Ambos autores sugieren que el reparto entre el “modelo de mercado” y el “modelo social” es una oposición binaria que «limita las opciones para un diseñador social». En lugar de ello, abogan por que los diseñadores consideren la posibilidad de colaborar con otros profesionales como, por ejemplo,

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Diseño consciente La discusión sobre cuáles podrían ser las vías para hacer del diseño algo más que una herramienta impulsora del consumismo permanece abierta y necesita una mayor profundidad, pero lo cierto es que, al menos en mi opinión, cada vez hay más diseñadores conscientes de sus responsabilidades como lo demuestra el hecho de que se hable más de ese diseño “socialmente útil”, al que se refería Whiteley o de un “diseño consciente”, en terminología de John Thackara, quien lo ha definido como un modo de trabajar apoyado en la idea de que la ética y la responsabilidad pueden informar las decisiones de diseño sin constreñir la innovación social y el desarrollo tecnológico que necesitamos llevar a cabo.

Practicar un “diseño consciente” supone ser sensible al contexto y a las relaciones e implica: •

Pensar en las consecuencias de las acciones de diseño antes de ponerlas en marcha prestando especial atención a los sistemas naturales, industriales y culturales que se encuentran en el contexto donde dichas acciones tienen lugar.

•

Tomar en consideración qué material y energía están presentes en los sistemas que diseñamos.

•

Dar prioridad a la entidad humana y no tratar a la gente como un simple “factor” dentro de algo mayor.

•

Proporcionar valor a las personas y no personas al sistema (como en la mayoría de los casos hace el marketing actual).

•

Tratar el “contenido” como algo que hacemos, no como algo que vendemos.

•

Concebir el lugar, el tiempo y la diferencia cultural como valores positivos, no como obstáculos.

•

Centrarse en los servicios y no en las cosas y abstenerse de inundar el mundo con artefactos carentes de sentido.

Aunque todavía nos encontramos lejos de que ese «diseño consciente» sea una práctica generalizada, desde mi punto de vista, estamos en un momento de toma de conciencia, como demuestran iniciativas recientes como la del AIGA que ha puesto en marcha Design for Good, cuya finalidad es animar y reconocer los proyectos de diseño socialmente comprometidos. Como ellos mismos señalan en su página web, se trata de “un movimiento para encender, acelerar y amplificar el diseño impulsado por el cambio social.”

Design for Good ejemplifica que, si bien existe una orientación activista con un claro posicionamiento de denuncia y protesta (ese “trabajo político valiente” al que se ha referido Whiteley), también se están dando otros planteamientos, quizá no tan visibles e impactantes pero no menos significativos pues se encuentran en la dirección de un trabajo socialmente útil, que pueden adscribirse, también, al concepto de “activismo”, si entendemos por tal y según el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española: “Dedicación intensa a una determinada línea de acción en la vida pública.”

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