Historia del arte y del diseño by carolinasalamancarodriguez

TABLA DE CONTENIDO

EL SIGUIENTE MATERIAL SE PREPARÓ CON FINES ESTRICTAMENTE ACADÉMICOS, DE ACUERDO CON EL ARTÍCULO 32 DE LA LEY 23 DE 1982, CUYO TEXTO ES EL SIGUIENTE: ARTÍCULO 32:

HISTORIA DEL ARTE Y SU TRANSCURRIR DENTRO DE DIFERENTES CONTEXTOS

“Es permitido utilizar obras literarias, artísticas o parte de ellas, a título de ilustración en obras destinadas a la enseñanza, por medio de publicaciones, emisiones o radiodifusiones, o grabaciones sonoras o visuales, dentro de los límites justificados por el fin propuesto, o comunicar con propósito de enseñanza la obra radiodifundida para fines escolares, educativos, universitarios y de formación personal sin fines de lucro, con la oblicación de mencionar el nombre del autor y el título de las obras utilizadas”.

UNIDAD UNO

Historia del Arte y Diseño

UNIDAD DOS

Instituto Colombiano de Aprendizaje Incap

1.1. Arte Antiguo y Edad Media 1.2. Edad Moderna 1.3. Arte Contemporáneo

HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO 2.1. Diseño desde sus inicios 2.2. Diseño Moderno

Elaborado por: Juliana Yepes Huertas Actualizado por: Carlos Ardila Instituto Colombiano de Aprendizaje Incap Avenida Caracas N° 63 - 66 Prohibida la reproducción parcial o total bajo cualquier forma (Art. 125 ley 23 de 1982)

Bogotá - Colombia Enero 01 - 2014

DISEÑO GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA UNIDAD TRES

3.1. Diseño Latinoamericano 3.2. Diseño Colombiano

GUÍA METODOLÓGICA

APRECIADO ESTUDIANTE:

La estrategia metodológica del INCAP, para la formación técnica del aprendiz mediante competencias laborales, comprende dos caminos: 1. Las clases presénciales dictadas por el Formador haciendo uso del método inductivo – activo

2. El trabajo práctico de los estudiantes dirigido y evaluado por el Formador, a través de talleres, desarrollo de casos, lecturas y consultas de los temas de clase etc. Con esto, se busca fomentar en el estudiante el análisis, el uso de herramientas tecnológicas y la responsabilidad. Los módulos guía utilizados por el INCAP, para desarrollar cada uno de los cursos, se elaboran teniendo en cuenta ésta metodología. Sus características y recomendaciones de uso son: 1. A cada unidad de aprendizaje le corresponde un logro de competencia laboral el cual viene definido antes de desarrollar su contenido. Seguida mente se definen los indicadores de logro o sea las evidencias de apren dizaje requeridas que evaluará el Formador. 2. Glosario: Definición de términos o palabras utilizadas en la unidad que son propias del tema a tratar.

3. Desarrollo de la unidad dividida en contenidos breves seguidos por ejer cicios, referenciados así:

NN FDH (El Formador dice y hace): Corresponde a la explicación del contenido y el desarrollo de los ejercicios por parte del Formador. NN FDEH (El Formador dice y el estudiante hace): El estudiante desarrolla los ejercicios propuestos y el Formador supervisa. NN EDH (El estudiante dice y hace): Es el trabajo práctico que desarrollan los estudiantes fuera de la clase, a través de talleres, desarrollo de casos, lecturas y consultas de los temas, los cuales deben ser evaluados por el Formador. Al final de cada unidad se puede presentar un resumen de los contenidos más relevantes y ejercicios generales.

Usted escogió al INCAP para que lo oriente en el camino de la formación profesional. La institución le proporcionará un formador, quien le ayudará a descubrir sus propios conocimientos y habilidades.

El INCAP, le ofrece además, recursos para que usted alcance sus metas, es decir, lo que se haya propuesto y para ello dispondrá de módulos guía, audiovisuales de apoyo, sistemas de evaluación, aula y espacios adecuados para trabajos individuales y de grupo. Éste módulo guía que constituye además un portafolio de evidencias de aprendizaje, está distribuido de la siguiente manera: Es la información general sobre los contenidos, la metodología, los alcances la importancia y el propósito del módulo.

EVALUACIÓN DIAGNÓSTICA:

Orienta la práctica pedagógica en el desarrollo del proceso de formación evaluación y se complementa con el documento de la didáctica para la formación por competencias de manejo del formador.

evaluación es concertado con el formador.

PRESENTACIÓN:

GUÍA METODOLÓGICA:

Permite registrar tanto el estilo de aprendizaje como la auto prueba de avance. PLAN DE FORMACIÓN: El plan de formación y RECOLECCIÓN DE EVIDENCIAS DE APRENDIZAJE:

Permite registrar las evidencias de los logros obtenidos en cada una de las unidades.

Que le permitirá utilizar la estrategia más adecuada para construir sus propios aprendizajes.

CONTENIDOS:

Es un cuestionario que tiene como finalidad que usted mismo descubra, qué tanto conoce los contenidos de cada unidad, y le sirve de insumo para la concertación de su formación y el reconocimiento de los aprendizajes previos por parte de su formador (talleres que se encuentran al final de cada unidad).

NN Logro de competencia laboral NN Indicadores de logro: Evidencias NN Didáctica del método inductivo Activo para el desarrollo de las competencias:

DIAGNÓSTICO DE ESTILO DE APRENDIZAJE:

AUTOPRUEBA DE AVANCE:

Son el cuerpo de la unidad y están presentados así: Unidad

FDH: Formador dice y hace, FDEH: Formador dice y estudiante hace, EDH: Estudiante dice y hace.

PRESENTACIÓN Aunque la principal diferencia entre el diseño y el arte es que si bien este último busca expresar ideas, el diseño ha de resolver un problema: Asegurar que esas ideas sean asimiladas por el público de manera efectiva, el diseño hace parte de la gran historia cultural que abarca el arte a travez del gran progreso que ha tenido la humanidad. Todos los cambios, vanguardias y movimientos artísticos que han aparecido con el tiempo son los generadores del diseño gráfico actualmente y el motor para seguir evolucionando en el campo. Aca se encontraran textos significativos de la historia, que ha permitido obtener las nuevas tecnologías con las que trabaja el diseñador gráfico hoy en día.

DIAGNÓSTICO INFORMACIÓN GENERAL

UNIDAD DOS

Regional_____________Programa________________Módulo_____________ Estudiante________________________Formador_______________________ EVALUACIÓN DIAGNÓSTICA Estilo de aprendizaje______________________________________________

HISTORIA DEL ARTE Y SU TRANSCURRIR DENTRO DE DIFERENTES CONTEXTOS

Evidencia de aprendizaje______________________________________________________

Logro de competencia Laboral: Reconoce y diferencia los diferentes estilos artísticos y estéticos de la historia del arte y su contribución dentro de la historia de la cultura.

Indicadores de Logros

Evidencias de

1. Identifica las diferentes etapas de la historia del arte.

Conocimiento

2. Reconoce la historia del arte como gran influencia en el desarrollo de la humanidad.

Conocimiento

3. Desarrolla piezas gráficas, teniendo como referente las técnicas, estilos y métodos vistos de los movimientos artísticos expuestos en clase.

Desempeño

Método Inductivo Activo

FDH: Formador Dice y Hace FDEH: Formador Dice Estudiante Hace EDH: Estudiante Dice y Hace

1.1 ARTE ANTIGUO Y EDAD MEDIA

DEFINICIÓN DE ARTE Es el acto o la facultad mediante el cual, valiéndose de la materia, de l aimagen o del sonido, el hombre imita o expresa lo material o lo inmaterial generando así la obra. El término arte procede del latín ars, que es el equivalente al término griego τέχυη (Téchne, de donde proviene “Técnica”)

PINTURA RUPESTRE dibujo o boceto prehistórico que existe en algunas rocas y cavernas.

HISTORIA DEL ARTE La Historia del Arte, aunque puede concebirse como la historia de todas las manifestaciones artísticas de las denominadas bellas artes, que incluirían a la literatura o la música, suele restringirse a las artes visuales (pintura, escultura y arquitectura), y está estrechamente relacionada con la estética y la teoría de las artes. La historia del arte es un recorrido del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo periodos y observando sus principales características e influencias. El estudio de la historia del arte se desarrolló inicialmente desde el Renacimiento y continúa realizándose hasta nuestros días.

ARTE MESOPOTÁMICO

ona de las primeras civilizaciones humanas, actualmente el Oriente Próximo o Cercano Oriente, ubicada entre los ríos Éufrates y Tigris. En la civilización de Mesopotamia tuvo lugar, el comienzo de la escritura “moderna”, apartándonos de los sistemas de Escritura primitivos que se conocen. Sus obras se caracterizan por simplificar la realidad para comprenderla de la mejor forma posible. Para ello utilizaron figuras geométricas y es muy marcado el uso del cilindro y el cono en la representación de las figuras humanas, siempre con las manos en posición de oración. Es de destacar el colorismo de su cerámica y el uso de conchas de animales marinos para resaltar zonas como los ojos. El suelo de Mesopotamia proporcionaba el barro para los adobes que fueron el material constructivo más importante de esta civilización. Los mesopotámicos también cocieron esta arcilla para obtener terracota, con la que realizaron cerámica, esculturas y tablillas para la escritura. ARQUITECTURA Los mesopotámicos tenían una arquitectura muy particular debido a los recursos

VASIJA TALLADA PROCEDENTE DEL TEMPLO DE EANNA (IV milenio a. C.)

que tenían disponibles. Hicieron uso de los dos sistemas constructivos básicos: el abovedado (techo o cubierta que tiene forma de bóveda) y el adintelado (techo o cubierta plana). Construyeron mosaicos pintados en colores vivos, muy creativos a manera de murales. En las construcciones no había ventanas y la luz se obtenía del techo. Se preocupaban de la vida terrenal y no de la de los muertos, por tanto las edificaciones más representativas eran: el templo y el palacio. El templo era un centro religioso, económico y político. Tenía tierras de cultivo y rebaños, almacenes (donde se guardaban las cosechas) y talleres (donde se hacían utensilios, estatuas de cobre y de cerámica). Los sacerdotes organizaban el comercio y empleaban a campesinos, pastores y artesanos, quienes recibían como pago parcelas de tierra para cultivo de cereales, dátiles o lana. Las obras de ingeniería, destaca la extensísima y antigua red de canales que unían los ríos Tigris, Éufrates y sus afluentes, propiciando la agricultura y la navegación. ESCULTURA La figura humana se ordenaba a partir de figuras geométricas como el cilindro o el cono. Nariz piramidal, boca recta y cabellos simétricos. Punto de vista frontal. Relieves hechos con cilindros-sellos en tablas de barro húmedo. Con esta técnica podían hacer series de figuras exactamente iguales.

ARTE EGIPCIO

na de las características del Antiguo Egipto es su singular arte, con obras monumentales que generalmente tenían carácter simbólico funerario o religioso. Los temas de la pintura egipcia eran normalmente narraciones de la vida cotidiana y batallas, además de leyendas religiosas. Las típicas figuras de perfil con los brazos y el cuerpo de frente de los murales egipcios, son producto de la utilización de la perspectiva aspectiva (figura tiene como característica principal un solo punto de vista). Los egipcios no representaron las partes del cuerpo humano según su ubicación real sino teniendo en cuenta la posición desde la que mejor se observara cada una de las partes: la nariz y el perfil, que es como más resaltan; y ojos, brazos y tronco, de frente. Esta práctica se mantuvo por mucho tiempo y luego se prefirió la representación frontal. La escultura egipcia fue ante todo, animista (todos los seres de la naturaleza tienen están animados o tienen espíritu). Encontró su razón de ser en la eternización del hombre después de

la muerte. Fue una escultura muy religiosa. Por tal razón utilizaban el proceso de momificación (embalsamar un cuerpo), que solo se realizaba en faraones, sus familias, sacerdotes y personas muy ricas del antiguo Egipto. Las estatuillas de barro eran piezas concebidas como complementarias del ajuar en el ritual funerario. En cuanto a las estatuas de templos y palacios, surgieron como parte de la nueva arquitectura imperial. Las obras de orfebrería, tenían mucha elegancia, belleza y lujo. Los materiales más utilizados eran el oro, la plata y las piedras. Las joyas siempre tenían alguna función específica (talismanes), lo mismo que los objetos elaborados para templos y tumbas. Los orfebres también colaboraron en la decoración de templos y palacios revistiendo muros con láminas de oro y plata labrados con inscripciones, de los que apenas quedaron testimonio. ARQUITECTURA La esencia de la arquitectura egipcia la constituyen las pirámides, cuyas técnicas de construcción siguen siendo objeto de estudio de ingenieros y historiadores. El creador de las mismas fue el arquitecto Imhotep, durante la tercera dinastía, y

PIRÁMIDES DE EGIPTO Y LA GRAN ESFINGE DE GUIZA

su obra le valió la divinización. En un principio las tumbas egipcias tenían la forma de pequeñas cajas y eran de barro, recibiendo el nombre de mástabas (banco). Fue este arquitecto el que superpuso las mástabas dando forma a la pirámide. Otro tipo de construcción fueron los hipogeos, templos excavados en las rocas dedicados a varias divinidades o a una en particular. Normalmente se hallaban divididos en tres cámaras de las cuales la primera era para los profanos, la segunda para el faraón y los nobles, y la tercera, para el sumo sacerdote.

ARTE GRIEGO

EL PARTENÓN Templo de la diosa Atenea.

l Arte Griego esta marcado dentro de la humanidad como modelos clásicos, los cánones escultóricos (figura humana) y los estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la historia de Occidente. A partir de la cerámica, fue donde pudo desarrollarse el arte griego. El Arte griego antiguo ha ejercido una gran influencia en la cultura de muchos países a partir de épocas antiguas hasta la actualidad, especialmente en el área de la escultura y la arquitectura. Después del renacimiento en Europa, el humanismo estético y los altos estándares técnicos del arte griego inspiraron las generaciones de artistas europeos. En el siglo XIX, la tradición clásica derivada desde Grecia dominó el arte del mundo occidental. la antigua Grecia se divide estilísticamente en cuatro períodos: 18 El• Arte deGeométrico.

• • •

Arcaico. Clásico. Helenístico.

El arte Geométrico por lo general es datada de aproximadamente el 1000 a. C., aunque en realidad se conoce muy poco sobre el arte en Grecia durante los 2000 años precedentes (tradicionalmente conocido como edad oscura Griega), el período del siglo 19 d. C. atestiguó el lento desarrollo del estilo Arcaico según lo ejemplificado por el estilo de pintura de figura-negra, roja y marrón. El Arte clásico y la Cultura clásica, o la Civilización clásica, son los nombres con que se designan las producciones intelectuales de la Antigüedad clásica o greco-romana (Antigua Grecia, Antigua Roma, aunque diversas, fuertemente identificadas entre sí). Sus artes y cultura en el Renacimiento fueron consideradas clásicas, es decir, dignas de imitación, como todo lo que es classicus (en latín: perteneciente a una clase, particularmente a una clase superior respecto de otra inferior), o sea, lo que debe tomarse como modelo por ser de calidad superior. Tales fueron el Arte griego y el Arte romano, o bien la cultura grecorromana, concepto que engloba a la cultura griega o helénica y a la cultura romana (mientras que los conceptos de cultura helenística y cultura latina tienen un significado propio).

El arte del período helenístico ha sido víctima durante mucho tiempo del relativo desprecio con que se ha considerado este período. Muchas de las más conocidas obras de arte griego pertenecen a este periodo: el Laoconte y sus hijos del Vaticano, la Venus de Milo o incluso la Victoria de Samotracia. PINTURA La pintura griega se trabajó generalmente con paneles de madera, que se deterioraban rápidamente, cuando no eran bien protegidas. Hoy en día no queda casi ninguna pieza de pintura griega, excepto algunos restos de pinturas en terracota y de algunas pinturas en las paredes de tumbas, sobre todo en Macedonia e Italia. De las obras maestras de la pintura griega se tienen solamente algunas copias realizadas en las épocas romanas, la mayoría de ellas son de poca calidad. Las pinturas en cerámica, de las que han sobrevivido muchas piezas, sobre todo del período arcaico, dan un cierto sentido de estética a la pintura griega. ESCULTURA Estaba representada por muchas esculturas de dioses paganos, que fueron destruidas durante la era cristiana. Desgraciadamente, cuando se calcina el mármol se produce la cal, y ése era el destino de muchas obras de mármol griegas durante la Edad Media. Durante ese mismo período,

debido a la escasez de metales, la mayoría de las estatuas de bronce eran fundidas. ARQUITECTURA Su principal característica son los estilos de sus columnas. Estos estilos fueron creados para construir templos a los dioses. Los tres estilos son: Estilo dórico, es el más antiguo y el más simple, con columnas firmes y frentes cubiertos con esculturas que, al mismo tiempo, podían pintarse de rojo o azul para generar impacto. El mejor ejemplo superviviente de un templo dórico es el Partenón (438 a. C.) en la Acrópolis de Atenas. El estilo jónico, produce la sensación de más ligereza y es más decorativo, con columnas esbeltas destacando volutas ensortijadas en cada esquina del capitel. El estilo alcanzó su apogeo en el desaparecido Templo de Artemis en Efeso, una de las Siete Maravillas del Mundo. Se puede admirar la arquitectura Jónica en el Templo de Atenea Nike en la Acrópolis. El estilo corintio, se caracterizaba por intrincadas hojas espinosas de acanto esculpidas en los capiteles de las columnas, que puede reflejar la influencia del Medio Oriente. La prestancia del estilo Corintio lo convirtió en el estilo arquitectónico favorito de la Roma Imperial. CERAMICA De éste período destacan la elaboración de cerámicas para uso cotidiano, o de carácter fúnebre, donde se emplearon grandes jarrones muy bien provistos.

DISCÓBOLO Mirón de Eleuteras en torno al 455 a. C.

Estos jarrones estaban ornamentados con representaciones lineales, y motivos relacionados con la muerte, como batallas marítimas o terrestres. La mayor parte de la alfarería está compuesta por piezas domesticas, de las que perduraron recipientes tales como las ánforas, pequeñas cráteras e hidrias.

ARTE ROMANO

as primeras manifestaciones del arte romano nacen bajo el influjo del Arte etrusco, enseguida contagiado del arte griego, que conocieron en las colonias de la Magna Grecia del sur de Italia, que Roma conquistó en el proceso de unificación territorial de la península, durante los siglos IV y III a. C.

PINTURA También surgió por inspiración griega. Se divide generalmente en tres períodos o estilos:

La influencia griega se acrecienta cuando, en el siglo II a. C., Roma ocupa Macedonia y Grecia.

Primer estilo o de incrustaciones: Se destaca por sus incrustaciones y paredes de mármol.

ARQUITECTURA La arquitectura romana es un testimonio significativo de la civilización romana. Se caracteriza por lo grandioso de las edificaciones, y su solidez que ha permitido que muchas de ellas perduren hasta nuestros días. ESCULTURA La escultura en la Antigua Roma, lo mismo que la arquitectura, es original en el espíritu de su finalidad, pero en ella pesan mucho las inspiraciones etruscas y griegas, siendo buena parte de la producción escultórica romana copia de originales griegos. Se conservan muchas esculturas romanas, fabricadas principalmente en mármol y en menor medida en bronce. Es muy frecuente encontrar el retrato y el relieve histórico narrativo, en los que los romanos fueron grandes creadores, como la Columna de Trajano. Hay también mucha variedad de esculturas sobre emperadores romanos.

Segundo estilo o arquitectónico: Se comienza a utilizar la idea de perspectiva, para dar sensación de profundidad. Tercer estilo u ornamental: Se comienzan a manejar las obras solo en un carácter decorativo. Cuarto estilo o del ilusionismo arquitectónico: Se manejan los estilos anteriores.

ARQUITECTURA ROMANA Coliseo Romano

ESCULTURA ROMANA Augusto de Prima Porta,

EVIDENCIA DE APRENDIZAJE FDEH: Formador Dice el .estudiante hace Responder a lo siguiente: 1. El término arte procede del

2. En Mesopotamia, tuvo comienzo el inicio de 3. Perspectiva Aspectiva significa:

4. El estilo dórico, estilo jónico y estilo corintio, son característicos de la arquitectura del arte

Valoración de la evidencia

EDH: Estudiante Dice y hace NN

Dibujar las características principales del estilo dórico, estilo jónico, estilo corintio y escribir la diferencia entre un estilo y otro.

Valoración de la evidencia

NOTAS

ARTE PRECOLOMBINO

trenzados, esteras de fibra o paja, y otros materiales perecederos. Las estructuras permanentes monumentales construidas en piedra o ladrillos, se de sarrollaron principalmente en Mesoamérica y en la zona central andina.

l arte precolombino es la manera como se designa al conjunto de realizaciones artísticas e intelectuales como escultura, arquitectura, arte rupestre, cerámica, textil, metalistería y pintura realizadas en el continente americano durante el periodo precolombino en América.

Las técnicas de construcción precolombinas eran rudimentarias.

Este es el elemento principal que permite el conocimiento y reconocimiento de las civilizaciones precolombinas, la prueba de su nivel de desarrollo y la capacidad de transformación de su medio ambiente. Las culturas precolombinas geográficamente se dividen en dos zonas:

CALENDARIO AZTECA

ESCULTURA La mayor parte de las esculturas precolombinas que se conservan son figurillas de barro o arcilla y efigies con forma de vasija.

• Área Mesoaméricana, donde destacan las culturas Olmeca, Zapoteca, Huaxteca, de Teotihuacán, Maya, Mixteca, Tolteca y Azteca.

PINTURA Se trabajó la pintura mural. En las paredes exteriores de los edificios, se pintaban diseños decorativos y escenas narrativas. En las paredes de los templos se pintaban hechos históricos, además de pinturas en donde se describía las jerarquías divinas, sacerdotales y guerreras. Hay algunas representaciones de pintura en la cerámica precolombina.

• Área Andina, donde destacan las culturas Chibcha, de San Agustín, Colima, Sinu, de Chavin, Nazca e Inca. ARQUITECTURA Los edificios precolombinos más antiguos estaban construidos en madera, juncos

La mayor parte de las estructuras se construían con el sistema de pilastra y dintel o de vigas horizontales sin arcos, aunque la cultura chavín del Perú y la maya de Mesoamérica emplearon el arco falso o bóveda de piedra salediza, que consiste en colocar una piedra sobre otra para conseguir una forma de arco.

MACHU PICCHU

la pobreza de los materiales usados, sino también como un medio para expresar la religiosidad y el carácter semidivino del poder imperial.

ARTE BIZANTINO

La pintura de iconos ha seguido manteniéndose durante toda la Edad Moderna, tomando como referencia estética los caracteres de la pintura bizantina clásica, que se impone a las influencias italianas. La escultura bizantina se basa en el culto a las imágenes religiosas.

a Edad Media (periodo histórico que comprende el siglo V hasta el siglo XV) fue la era de la fe. La Iglesia durante siglos, dio trabajo a artistas y artesanos casi con exclusividad. Solo algunos reyes y señores, como Carlomagno, patrocinaron la construcción de grandes edificios u obras de arte. El arte bizantino fue una expresión artística que comenzó a partir del siglo VI fuertemente enraizada en el mundo helenístico como continuador del arte paleocristiano oriental. En sus primeros momentos se consideró como el conservador natural en los países del Mediterráneo oriental del Imperio Romano, siendo transmisor de formas artísticas que influyen poderosamente en la cultura occidental medieval. El arte bizantino se caracterizó por el uso del dorado, la falta de profundidad y naturalismo en las pinturas. ARQUITECTURA BIZANTINA La arquitectura bizantina mantuvo varios elementos de la arquitectura romana y de la paleocristiana oriental, como los materiales (ladrillo y piedra para revestimientos exteriores e interiores de mosaico), ar-

querías de medio punto, columna clásica como soporte, etc. Pero también aportaron nuevos rasgos entre los que destaca la nueva concepción dinámica de los elementos y un novedoso sentido espacial y, sobre todo, su aportación más importante, el empleo sistemático de la cubierta abovedada, especialmente la cúpula sobre pechinas, es decir, triángulos esféricos en los ángulos que facilitan el paso de la planta cuadrada a la circular de la cúpula. Fue de carácter muy religioso.

PINTURA BIZANTINA La pintura y los mosaicos bizantinos, de carácter muy religioso, han sido la fuente principal en la fijación de la iconografía occidental. El gusto por la riqueza y la suntuosidad ornamental del arte bizantino, eminentemente áulico, exigía el revestimiento de los muros de sus templos con mosaicos, no sólo para ocultar

VIRGEN MARIA QUE DETIENE AL NIÑO DE CRISTO. Mosaico

EVIDENCIA DE APRENDIZAJE FDEH: Formador Dice el .estudiante hace Responder a lo siguiente: 1. ¿ A qué se le denomina arte Precolombino?

2. Las culturas precolombinas se dividen en dos zonas

3. La Edad Media es el periodo histórico que se comprende entre los siglos 4. Iconografía es

Valoración de la evidencia

EDH: Estudiante Dice y hace NN NN

Realizar un collage con imágenes del Arte Precolombino. Realizar un collage con imágenes del Arte Bizantino.

Valoración de la evidencia

33 30

NOTAS

1.2 EDAD MODERNA ARTE BARROCO EDAD MODERNA El comienzo de la edad moderna comienza con el surgimiento de valores para la humanidad, como la razón, la comunicación y el progreso del ser humano, todo lo contrario a la Edad Media en donde, el centro de todo era Dios. Dentro de esta época esta el descubrimiento de América.

l Barroco ó Arte Elaborado fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Es una época en donde la iglesia Católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma protestante. Como estilo artístico el barroco surgió a principios del siglo XVII en Italia, extendiéndose posteriormente por la mayor parte de Europa.

EL DESCUBRIMIENTO DE AMÉRICA. En el siglo XV Cristóbal Colón inició la conquista de América llegando por primera vez al continente americano en el año 1492.

FACHADA BARROCO, COLEGIO JESUITA, Tepotzotlán - México

La arquitectura barroca se desarrolla desde el principio del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. En esta última etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes. El ba-

rroco se da también en otras artes, como Música, Literatura, Pintura y Escultura.

quece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

El interés de la arquitectura es urbanizar. Los materiales para la construcción de esta arquitectura, son los materiales pobres, sin ningún valor aun así viendo la sensación de monumentalidad y majestuosidad sinuosa de la arquitectura barroca. Se juega un poco con la falsedad, aunque eso no quiere decir que no se emplearan materiales ricos. ( plaza de Madrid y plaza de san pedro).

REPRESENTANTES DEL BARROCO VELÁZQUEZ

La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que esperaba despertar la fe del pueblo. La pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

LAS MENINAS / Velázquez

Dentro de sus obras más importantes están: • La adoración de los magos. • El aguador de Sevilla. • El triunfo de Baco (Los Borrachos) • Las Meninas. • Las Hilanderas, entre otras.

PORTADA BARROCA DEL HOSPICIO DE SAN FERNANDO actual Museo de Historia de Madrid obra barroca de Pedro Ribera.

CARAVAGGIO Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 - 1610), pintor, considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca.

Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enri-

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599 – 1660) conocido como Diego Velázquez, pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura de la pintura universal. Mantuvo un estilo naturalista de iluminación. Trabajo bodegones, retratos e instancias religiosas.

MADONNA DE LORETO Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1604

Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes.

• Plaza de San Pedro. • Fuente de los Cuatro Ríos. • Fuente del Tritón. • Apolo y Dafne. • Éxtasis de Santa Teresa, entre otras. RUBENS

Dos de los reproches más habituales en Caravaggio eran el realismo de sus figuras religiosas y la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición (prostitutas, mendigos). LA FUENTE DE TREVI es la más ambiciosa y más famosa de las fuentes monumentales del Barroco en Roma (Italia).

Dentro de sus obras más importantes están:

Su estilo se enfatizaba en el movimiento, el color y la sensualidad. Trabajo con toda clase de temas pictóricos, religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, Ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Tuvo una amplia producción de sus obras; se calcula que llegó a pintar unos 3.000 cuadros gracias, en parte, a los miembros de su taller que, al parecer, trabajaban en cadena.

• Juan Bautista. • La crucifixión de San Pedro. • La Muerte de La Virgen. • Madonna con el Niño y Santa Ana. • La Anunciación, entre otras. BERNINI Gian Lorenzo Bernini (1598 - 1680) escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco. A lo largo de su vida realizó numerosos retratos de papas, reyes y nobles, que le dieron fama y riqueza. Máximo exponente de la escultura y arquitectura de su época. Dentro de sus obras más importantes están:

Peter Paul Rubens (1577 - 1640), diplomático, y el pintor barroco más popular de la escuela flamenca.

LA PLAZA DE SAN PEDRO, se encuentra situada en la Ciudad del Vaticano, dentro de la ciudad y capital italiana de Roma, Fue enteramente proyectada por Gian Lorenzo Bernini entre 1656 y 1667.

Dentro de sus obras más importantes están: • El Jardín del amor. • La Virgen con el niño. • Las consecuencias de la guerra. • La sagrada familia de la Cesta. • La resurrección de Cristo. • Danza de aldeanos.

ARTE GÓTICO

stilo artístico que se desarrollo en Europa Occidental desde mediados del siglo XII. Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos miniados y las diversas artes decorativas. El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte

EL DUOMO DI MILANO es una catedral gótica emplazada en la ciudad italiana de Milán. Tiene 157 metros de largo y puede albergar 40.000 personas en su interior.

clásico. En el siglo XIX se produjo una revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y románticos. El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad media, y hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa. El arte gótico coincide con el máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la burguesía, las universidades y el florecimiento de las órdenes religiosas (monásticas como el Cister y mendicantes como franciscanos y dominicos), así como la acentuación de los conflictos y la disidencia

(revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma de Occidente) y finalmente los pavorosos espectáculos de la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años en un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse en términos de una mutación fundamental (para la historiografía materialista, la transición del feudalismo al capitalismo). Hay un predominio por la inspiración religiosa en el arte. ARQUITECTURA La arquitectura del arte gótico, se ha caracterizado por la utilización exclusiva del arco apuntado o arco ojival (figura formada por dos arcos de círculo iguales que cortándose en un extremo presentan concavidad enfrentada), Estos arcos permitieron la construcción de edificios mucho más amplios y elevados, y el predominio de los vanos sobre los muros. Los elementos sustentantes (pilares de complicado diseño) quedan mucho más estilizados. Los nuevos edificios religiosos se caracterizaron por la definición de un espacio que quiere acercar a los fieles, de una manera vivencial y casi palpable, los valores religiosos y simbólicos de la época. El humanismo incipiente liberaba al hombre de las oscuras tinieblas y le invitaba a la

GÁRGOLAS DE LA CATEDRAL DE NOTRE DAME / París

luz. Este hecho está relacionado con la divulgación de las corrientes filosóficas neoplatónicas, que establecen una vinculación entre el concepto de Dios y el ámbito de la luz. Por esta razón, el interior de las iglesias, prevalecía la luz y esto sería uno de los nuevos espacios góticos, superficies donde había mucha luz. Era luz natural, no figurada en pinturas y mosaicos, pero si era una luz coloreada por los vitrales que hacían parte de las cúpulas. La luz estaba entendida como la sublimación de la divinidad. ESCULTURA La escultura gótica nace en los muros de las iglesias, a mediados del siglo XII en Francia, cuando el abad Suger hizo construir la

abadía de Saint-Denis (h. 1140), considerada el primer edificio gótico.

en cuanto al tratamiento de los soportes (que permiten la mayor difusión de un arte mobiliar), los pigmentos y los aglutinantes.

En la escultura gótica las tallas en piedra continúan usándose para la decoración de la arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora (el catecismo de los analfabetos, la inmensa mayoría de la población) pero cada vez se emancipa más (paso del relieve al bulto redondo). La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporó al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose.

La pintura, se practicaba en cuatro técnicas principales: Frescos: pintura mural, que se usaba como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores. Vidrieras: el arte del vitral, el arte preferido hasta el siglo XV.

GIOTTO Giotto di Bondone (1266 1337) pintor, escultor y arquitecto italiano. Es considerado el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en sacudirse las limitaciones del arte y los conceptos me-

Se elaboro pinturas en representación a los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones (placer, dolor, ternura, enojo).

Miniaturas: Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica, documentando la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han sobrevivido otras obras monumentales. La pintura al óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte renacentista. REPRESENTANTES DEL ARTE GÓTICO

PINTURA El estilo de la pintura gótica se tiende a basar en el realismo y naturalismo, aproximándose a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de paisajes, que, no obstante, sigue siendo poco usual.

También hay lentos avances en el uso de la perspectiva y de otras cuestiones técnicas en pintura

Pintura sobre tabla: comenzó en Italia en el siglo XIII y se extendió por toda Europa, de manera que para el siglo XV se había convertido en la forma predominante, suplantando incluso a las vidrieras.

Escultura Arte Gótico

La Adoración de Los Reyes Magos. Pintura de Giotto

RENACIMIENTO

dievales. Si bien se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos, fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de sangre y fuerza vital.

Dentro de sus obras más importantes están: • La adoración de los reyes magos. • La vida de San Francisco. • La Virgen entronizada, entre otras. FOUQUET Jean Fouquet (1420 - 1481) pintor frances, de la época del arte gótico e inicios del renacimiento. Trabajo con las características góticas, las fuertes tonalidades cromáticas, la perspectiva y los volúmenes italianos, así como la innovación naturalista de los flamencos. Muy reconocido en su tiempo, después su obra quedó olvidada hasta su rehabilitación en el siglo XIX por los románticos franceses y alemanes, interesados en el arte medieval. Dentro de sus obras más importantes están: • El Díptico de Melun. • Retrato del bufón Jester Gonella. • Las miniaturas del Libro de Horas de Étienne, entre otras.

Retrato del bufón Jester Gonella / Pintura de Fouquet

enacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas. El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica. El término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, revisando el teocentrismo medieval y sustituyéndolo por un cierto antropocentrismo. Históricamente, el Renacimiento fue contemporáneo de la Era de los Descubrimientos y las conquistas ultramarinas. Esta «Era» marca el comienzo de la expansión mundial de la cultura europea, con los

viajes portugueses y el descubrimiento de América por parte de los españoles, lo cual rompe la concepción medieval del mundo, fundamentalmente teocéntrica. El fenómeno renacentista comienza en el siglo XIV y no antes, aunque al tratarse de un proceso histórico, se elige un momento arbitrariamente para determinar cronológicamente su comienzo, pero lo cierto es que se trata de un proceso que hunde sus raíces en la alta Edad Media y va tomando forma gradualmente. El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído por el saber y comenzó a estudiar los modelos de la antigüedad clásica a la vez que investigaba nuevas técnicas (claroscuro en pintura,

dos ellos habían sido usados en la Antigüedad, especialmente por el arte romano, y se recuperan ahora, modificándolos. Decae la construcción Gótica. Predomina la simetría, la sencillez, y sobre todo, la adaptación del espacio a la medida del hombre. Decorativos: Pilastras, frontones, pórticos, motivos heráldicos, almohadillados, volutas, grutescos, guirnaldas, motivos de candelieri (candelabros o pebeteros) y tondos o medallones. Algunos de éstos ya se habían utilizado en el gótico, otros son creaciones originales y la mayoría se inspiran en modelos romanos y griegos. La Última Cena. Pintura de Leonardo Da Vinci.

por ejemplo). Se desarrollan enormemente las formas de representar la perspectiva y el mundo natural con fidelidad; interesan especialmente la anatomía humana y las técnicas de construcción arquitectónica. ARQUITECTURA La arquitectura renacentista tuvo un carácter marcadamente profano en comparación con la época anterior y, lógicamente, surgirá en una ciudad en donde el Gótico apenas había penetrado, Florencia. A pesar de ello, muchas de las obras más destacadas serán edificios religiosos.

Con el nuevo gusto, se busca ordenar y renovar los viejos burgos medievales e incluso se proyectan ciudades de nueva planta. La búsqueda de la ciudad ideal, opuesta al modelo

caótico y desordenado del Medioevo, será una constante preocupación de artistas y mecenas. Se utilizan muchos elementos de la arquitectura clásica griega y romana. Los elementos constructivos más característicos de la época del renacimiento fueron: Estructurales: Arco de medio punto, columnas, cúpula semiesférica, bóveda de cañón y cubierta plana con casetones. To-

En cuanto a la decoración en el Renacimiento predomina el despojamiento, la austeridad y el orden. Sólo a finales del siglo XVI esta tendencia se romperá en favor de la fantasía y la riqueza decorativa con el Manierismo. PINTURA En pintura, las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV.

donde cada artista buscaba su propio estilo. Se desarrollan los temas artísticos a partir de conceptos como composición, perspectiva, anatomía y naturaleza, basándose en las obras clásicas de la antigua Grecia y Roma. Se abandona definitivamente los dorados extravagancias del Barroco y se comienza a trabajar fuertemente en la pintura al óleo. Se le da mucha entrada al tema mitológico, la religiosidad (sin ser tan marcada como en épocas anteriores, trabajando mucho las Vírgenes o Madonnas) y los paisajes,

A partir de este momento comienzan a surgir talleres y escuelas de pintura. ESCULTURA Como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de vuelta a la Antigüedad, inspiración en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que caracterizaron la escultura de este período. Aunque se seguirán haciendo obras religiosas, en las mismas se advierte un claro aire profano; se reintroduce el desnudo y el

interés por la anatomía con fuerza, y aparecen nuevas tipologías técnicas y formales, como el relieve en stiacmúsico, ingeniero y el ciato (altorrelieve con muy hombre del Renacipoco resalte, casi plano) y miento por excelencia el tondo, o composición en y uno de los grandes forma de disco; también la genios de todos los iconografía se renueva con tiempos. temas mitológicos, alegóriFue el ejemplo más cos y heroicos. acabado de artista Aparece un inusitado intemultidisciplinar, interés por la perspectiva, derilectual y obsesionado vado de las investigaciones con la perfección, que arquitectónicas coetáneas, le llevó a dejar muchas y el mismo se plasma en reobras inconclusas o en lieves, retablos, sepulcros y proyecto. grupos escultóricos. Aportó sin embargo Durante el Renacimiento muchas innovaciones decae en cierta manera la que condujeron a la tradicional talla en madera historia de la pintura policromada en favor de la El David / Escultura de Miguel Ángel hacia nuevos rumbos. escultura en piedra (mármol preferentemente) y se recupera la escultura monumental en bronce, caída en Su principal aportación fue el sfumato o claroscuro, gradación de la luz que otordesuso durante la Edad Media. Los talleres de Florencia serán los más re- ga a sus pinturas una gran naturalidad, a putados de Europa en esta técnica, y sur- la vez que ayuda a crear espacio. Estudiatirán a toda Europa de estatuas de este ba cuidadosamente la composición de sus obras, como en la muy difundida Última material. Cena, donde las figuras se ajustan a un esquema geométrico. REPERESENTASTES DEL RENACIMIENTO LEONARDO DA VINCI

El Nacimiento de Venus / Pintura de Sandro Botticelli

Leonardo di Ser Piero da Vinci (1452 – 1519) arquitecto, escultor, pintor, inventor,

Leonardo no fue un hombre culto al estilo

• La Dama del Armiño, entre otras.

de su época; llamándose a sí mismo “hombre sin letras”, por lo que era ignorado por los estudiosos contemporáneos. Tampoco dominaba el álgebra, por lo que resulta excesivo considerarlo un matemático. Sin embargo, hoy en día aún sorprenden sus trabajos sobre ingeniería, los pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable curiosidad. Combinaba el arte con la ciencia para representar de la mejor manera posible la materialización de sus ideas. Con cierto afán críptico, como si no quisiera desvelar del todo sus descubrimientos, Leonardo escribía de derecha a izquierda todos sus diarios, utilizando la llamada escritura especular, por ser zurdo, de manera que de no tener costumbre, para poder leer sus escritos, había que utilizar un espejo. Realizó un estudio detallado de la anatomía humana. Como artista, rápidamente se hizo maestro de anatomía topográfica, dibujando muchos estudios de músculos, tendones y otros rasgos anatómicos visibles; igualmente, dibujó el corazón y el sistema vascular, los órganos sexuales, y otros órganos internos. Hizo uno de los primeros dibujos científicos de un feto in utero. Como artista de éxito, obtuvo permiso para diseccionar cadáveres humanos en el Hospital de Santa Maria Nuova en Floren-

MIGUEL ÁNGEL

totalidad de la misma fue hecha para decorar iglesias. Miguel Ángel fue, como tantos otros en esta época, un artista multidisciplinar. Sin embargo, él se consideraba escultor.

cia y en hospitales de Milán y Roma. Produjo muchos dibujos anatómicos extremadamente detallados.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475 – 1564), conocido como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

El ejemplo más destacado es el Hombre de Vitruvio, es un estudio de las proporciones humanas basado en el tratado recién descubierto del arquitecto romano Marco Vitruvio.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

Raffaello Sanzio, también conocido como Rafael de Urbino ó Rafael (1483 – 1520), pintor y arquitecto italiano del Renacimiento. Es célebre por la perfección y gracia de sus pinturas y dibujos.

Dentro de sus obras más importantes están:

Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. Su trabajo predilecto y al primero que se dedicó, era la escultura, luego la pintura, con la que comenzó a trabajar cuando concreto la obra de La Capilla Sixtina siguió trabajando en ella a petición de sus clientes y admiradores. En su obra cobra mucha importancia el desnudo, aun cuando la casi

Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.

• La Gioconda o Mona Lisa. • La Última Cena. • La Virgen de Las Rocas. • La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana. • San Juan Bautista. • Retrato de un Músico.

Dentro de sus obras más importantes están: • La Piedad (Escultura). • La Madonna de Brujas (Escultura). • El Esclavo Moribundo (Escultura). • El Baco (Escultura). • El David (Escultura). • Santo Entierro (Pintura). • Pintura Mural de La Capilla Sixtina. RAFAEL

Su estilo tuvo un enorme éxito y se puso de moda entre los poderosos. La pintura

de Rafael buscaba ante todo la grazia, o belleza equilibrada y serena. Sus Madonnas recogen las novedades de Leonardo en lo que se refiere a composición y claroscuro, añadiendo una característica dulzura.

EVIDENCIA DE APRENDIZAJE FDEH: Formador Dice el .estudiante hace Responder a lo siguiente: 1. Mencione 3 carcaterísticas del arte Barroco

Dentro de sus obras más importantes están:

2. ¿ A qué se le denomina arco apuntado o arco ojival?

• Liberación de San Pedro. • La Galatea. • La resurrección de Jesucristo. • Virgen de Loreto. • La Fornarina. • La Virgen y el Niño, entre otras.

3. ¿ Cuáles son las 4 técnicas que se utilizaban en la pintura del arte gótico?

SANDRO BOTTICELLI Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (1445 – 1510), conocido como Sandro Botticelli, fue un pintor renacentista. Pintó numerosas obras religiosas, composiciones profanas y mitológicas. También pintó retratos. Dentro de sus obras más importantes están: • La primavera. • El Nacimiento de Venus. • La Tentación de Cristo.

4. ¿Cuál es la definición de Sfumato?

Valoración de la evidencia

LA GIOCONDA /MONA LISA, Leonardo Da Vinci.

EDH: Estudiante Dice y hace NN Hacer grupos de a tres compañeros, escojer una obra que pertenezca al Arte Gótico y una al Renacimiento, hacer un paralelo en donde se muestren las principales diferencias y el autor de cada una de las obras.

Valoración de la evidencia

NOTAS

ARTE CONTEMPORÁNEO El arte contemporáneo o arte actual, es el arte que se denomina que aparece a finales del siglo XVIII, hasta nuestros días. Es el principio de las nuevas artes como: Fotografía En los tiempos actuales, la nuevas tecnologías permitieron el desarrollo de nuevas formas de arte, una de ellas es la fotografía: La fotografía es la técnica de grabar imágenes fijas sobre una superficie de material sensible a la luz, en la cual se consigue proyectar una imagen captada por una lente o un conjunto de lentes sobre una superficie. Arte conceptual El arte conceptual en la actualidad ha llegado a ser una conclusión en la que se prescinde del objeto artístico en función de la idea. Cine La Cinematografía, es la técnica consistente en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo. La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se difunden las películas. La palabra “cine” proviene del griego; etimológicamente, significa “movimiento”. Arquitectura Moderna La arquitectura moderna es una representación de una conjunción de ideales icónicos divergentes, basadas en diversos estilos de líneas arquitectónicas.

1.3 ARTE CONTEMPORÁNEO

SIGLO XIX

n general, las artes del siglo XIX tuvieron una primera fase de búsqueda en el pasado, gigantismo y sentimentalismo; y una segunda fase de crítica a la estética anterior, vuelta a la racionalidad. ARQUITECTURA El historicismo marca a la nueva arquitectura, que se deja influir por la añoranza al pasado, que encuentra su originalidad en el estudio del pasado origen. Concentraba todos sus esfuerzos en recuperar la arquitectura de tiempos pasados. Volviendo al periodo gótico. PINTURA Estuvo influenciada por fenómenos políticos, se promueve el romanticismo, el corazón, la pasión, lo irracional, lo imaginario, el desorden, la exaltación, el color, la pincelada y el culto a la Edad Media y a las mitologías de la Europa del Norte.

Hacia mediados de siglo hay una vuelta, en cierta forma, al racionalismo como fuente de inspiración. El notorio desarrollo industrial provocado por la Revolución industrial, sus “efectos secundarios” y la frustración con los estímulos revolucionarios de 1848 llevan al artista a olvidarse del tema político y a centrarse en el tema social. El manifiesto realista comprende que la única fuente de inspiración en el arte es la realidad, no existe ningún tipo de belleza preconcebida más allá de la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta

¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? Pintura de Paul Gauguin

realidad sin embellecerla. Hacia finales de siglo y comienzo del siglo XX se podía ver una gran variedad de vanguardias. El punto máximo del individualismo implicaba que cada artista debía promover su propia vanguardia, que afirmaba, de carácter universal y verdadero.

pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente.

IMPRESIONISMO

REPRESENTANTES DEL IMPRESIONISMO

Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa — principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores

MONET Claude-Oscar Monet (1840 - 1926) fue un pintor francés, considerado como el máximo representante del Impresionismo. A lo largo de su carrera, llegó a realizar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación era plasmar la vibración de color y

luz en sus lienzos. En sus temas la luz engendra el color y la forma. Se mantuvo fiel al Impresionismo hasta su muerte, sus temas preferidos eran las marinas, escenas fluviales y paisajes. En su infatigable investigación de la incidencia de la luz, observa que ésta varía con el paso del tiempo, y así se producen múltiples efectos que intenta rescatar con su ágil y rápida pincelada.

vir, sus personajes siempre son personajes que se divierten. Trabajo temas de flores, escenas de niños y mujeres divirtiéndose y desnudos femeninos. Dentro de sus obras más importantes están: • El Puente nuevo. • Bañista. • El Palco. • Almuerzo de Los remeros. • Los Paraguas.

REPRESENTANTES TOULOUSE LAUTREC

MANET

Édouard Manet (1832 – 1883) pintor franDentro de sus obras más importantes están: cés, uno de los iniciadores del Impresionismo. Tuvo que esperar a su muerte para • Impresión Atardecer. conseguir el éxito que su talento merecía. • Las Amapolas. Sus obras suscitaron escándalos de los • Paseo con Sombrilla ó La Señora Monet más conocidos en la Historia del Arte, pero con su hijo. nuestro pintor nunca se propuso ser un • La Grenouillère. pintor radical, simplemente el mundo no • La Catedral de Rouen. estaba preparado para asumir un arte lleno de verdad como el suyo, una pintura en RENOIR que la vida se presentaba tal cual, sin adorno ni metáfora. Pierre Auguste Renoir (1841 – 1919) pintor francés que perteneció a la escuela impre- Dentro de sus obras más importantes están: sionista. • Música en Las Tullerías. Renoir, ofreció una interpretación más • Olympia. sensual del impresionismo, más inclinada a • Desayuno sobre la hierba. lo ornamental y a la belleza. • El balcón. • El Pífano. En sus creaciones muestra la alegría de vi

tra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Impresión Atardecer / Pintura de Monet

POSTIMPRESIONISMO Posimpresionismo o postimpresionismo, es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron con-

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa Tapié de Celeyran, conde de Toulouse-Lautrec-Monfa, conocido como Toulouse Lautrec (1864 - 1901) fue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo muy característico. A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres influencia del arte japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes.

• La Lavandera. • Autorretrato ante el espejo. • Baile en el Moulin Rouge • La Pasajera de la cabina. • La bañera. • La Inspección Médica.

idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color.

PAUL CÉZANNE

Dentro de sus obras más importantes están:

Paul Cézanne (1839 – 1906), pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística del siglo XIX, hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional.

• El Rapto. • Los Jugadores de Naipes. • Las Grandes Bañistas. • Mujer con cafetera. • Bodegón con manzanas y naranjas.

Dentro de sus obras más importantes están:

Intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de

PAUL GAUGUIN Eugène Henri Paul Gauguin (1848 - 1903) pintor francés posimpresionista. Su obra está considerada entre las más importantes de entre los pintores franceses del Siglo XIX. Sus experimentos sobre el color y el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, en especial sobre el fauvismo. Las características esenciales de su pintura (en la que sigue usando grandes superLE CHAT NOIR (EL GATO NEGRO) Rodolphe Salis 1896

vamos?”, que él mismo considera su testamento pictórico. Dentro de sus obras más importantes están: • ¿De dónde Venimos? ¿Quiénes Somos? ¿Adónde vamos? • El baile de las cuatro Bretonas. • Campesinas Bretonas. • El Cristo Amarillo. • Jinete en la Playa. • El escultor Aube y su hijo. VINCENT VAN GOGH Vincent Willem van Gogh (1853 – 1890) fue uno de los principales pintores del Postimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien desinteresadamente le prestó apoyo financiero toda su vida.

Los Paraguas / Renoir.

ficies de colores vivos) no experimentan demasiados cambios. Cuida especialmente la expresividad de los colores, la búsqueda de la perspectiva y el uso de formas plenas y voluminosas.

Anticipa al arte abstracto: simplifica aún más las composiciones dando preponderancia al color y a la idea que el color puede sugerir, su obra adquiere fuerza, lleva a cabo esculturas en madera y pinta sus cuadros más bellos, en especial su obra más importante, que hoy se encuentra en el Museum of Fine Arts de Boston: “¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde

La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron 650 de sus 800 cartas conservadas. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose una de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas. Por medio de numerosas reproducciones

muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo. Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Van Gogh, entendía la pintura como vía de modificar la sociedad y como vehículo de salvación personal. Fue un personaje difícil en su relación con los demás y consigo mismo. Dentro de sus obras más importantes están: • Los Comedores de Patatas. • Mujer en el Café de Tambourin. • El Sembrador. • Jarro con doce Girasoles. • Autorretrato con oreja vendada. • Campo de trigo con cuervos.

EVIDENCIA DE APRENDIZAJE

NOTAS

FDEH: Formador Dice el .estudiante hace Responder a lo siguiente: 1. ¿ A qué se le denomina Impresionismo?

2. ¿ Quién fue el máximo representante del Impresionismo? 3. Nombrar 3 representantes del Postimpresionismo

Valoración de la evidencia

EDH: Estudiante Dice y hace NN

Escojer un representante del Impresionismo o del Postimpresionismo y realizar con los materiales que el formador diga en clase, una pieza gráfica con las caraterísticas del autor seleccionado.

Valoración de la evidencia

SIGLO XX

l Arte del siglo XX comienza a inicios de este período, destacándose la vanguardia artística, que avanza hacia la ciencia, la tecnología y otras ramas como la literatura. El arte del Siglo XX se ve fuertemente influenciado por la situación mundial política y social. Es un arte que no escapa a la realidad, sino todo lo contrario, brota de ella, como una forma de catarsis. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable, lleno de horror y destrucción. La crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930 impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta. Época de profundos y acelerados cambios, donde el progreso científico y tecnológico deja avances impensados como el automóvil, el avión, la televisión, la llegada del hombre a la luna, etc. Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad y surgen movimientos artísticos

como el futurismo. El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella en el arte, por ejemplo en el arte pop. Se pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX: Las vanguardias y luego el arte postmoderno. VANGUARDISMO Vanguardia, significa, idea de lucha, de combate. Una vanguardia artística, se puede definir como un grupo reducido, que se enfrentaba, incluso con violencia, a unas situaciones y pensamientos más o menos establecidos y aceptados por una mayoría de personas. Por esta razón acostumbraba ser rechazado socialmente, aunque con el tiempo alcanzó reconocimiento y se asimilaron sus ideas. En el siglo XX, no se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino, que el arte se presentaba en general como una avanzadilla de la sociedad, como la vanguardia de los dos sectores fundamentales, que trataban de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. Esto introduce otro aspecto en el concepto de vanguardia: la vinculación con actitudes sociales progresistas que, en ocasiones, llevó a la consideración de que la vanguardia más auténtica, era aquella que junto a las innovaciones formales, implicaba una ansia transformadora de la sociedad. Más adelante, sobre todo a fines del siglo XX, el término vanguardia se utilizó en el

vocabulario político, y poco antes de la primera guerra mundial, pasó a ser frecuente en la crítica artística. Entonces se aplicó ya a una tendencia concreta: Cubismo, Futurismo. “La vanguardia artística es una búsqueda de renovar, experimentar y/o distosionar un sistema de representación artístico. Implica innovación, ruptura de preconceptos”. Características de los movimientos de vanguardia • Ruptura con el pasado: Hay un quiebre con el pasado y la tradición. Comienza un proceso de experimentación y se reemplaza el producto por el proceso como fin de la intención artística. • Militancia artística: La ruptura no se da solo en el plano estético, sino también en el político. Estos grupos tenían claras ideologías y muchos de ellos eran activos militantes políticos. Con el tiempo vanguardia y política se fueron distanciando, aunque hoy en día podemos ver todavía algunos grupos que buscan expresar ideas o valores mediante su arte. • Revolución y extremismo: Podemos considerar a estos movimientos como una revolución del arte porque produjeron cambios profundos en el lenguaje de las artes. La constante búsqueda de lo nuevo y de ruptura con el pasado dieron como resultado la renovación total del concepto de arte y sus límites.

Imagen Movimiento Futurismo

El éxito de las vanguardias, fue su final, ya que al ser aceptado por el público y la sociedad de consumo, se perdieron los ideales de ruptura y crítica a la sociedad. MOVIMIENTOS VANGUARDISTAS PUNTILLISMO Estilo de pintura que aparece por primera vez en 1884, encabezado por el pintor Neo-Impresionista Georges Seurat.

El procedimiento empleado por este movimiento, consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas, fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (18591891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas.

la mitología, expresan misterio y magia. El simbolismo alcanza sólo esporádicamente la arquitectura, en la figura de Gaudi y la escultura. Se manifiesta más bien en la pintura donde combina aspectos ideológicos y metodológicos. Luego se fusionó con el Art Nouveau.

en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias ”. Fue un movimiento que nació como reac-

Este movimiento, parte de la imagen de la naturaleza, con el mismo objetivo de los impresionistas.

Se da la sensación de que la luz emana de los cuerpos, procedimiento contrario en el Impresionismo, en este último, la luz incidía sobre los cuerpos.

Movimiento artístico surgido hacia 1888. Se ha definido como un estilo ideista, sintético, decorativo y subjetivo. Muchas de sus obras están inspiradas en la Biblia y en

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania de esa época. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en las que se creó este movimiento, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegando a su lado más emotivo e interior.

A diferencia del Impresionismo, en el puntillismo se vuelve a recuperar la idea de obra definitiva y boceto. Hay una marcada tendencia a la esquematización de formas y a los volúmenes simplificados.

SIMBOLISMO

de la realidad, la impresión.

CUBISMO JÚPITER Y SÉMELE (1894-1895). París, Museo Moreau.

EL GRITO Edvard Munch (1863-1944).

EXPRESIONISMO Movimiento cultural, que nació en Alemania a principios del siglo XX, tuvo su desarrollo en varios campos; artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue

ción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista la expresión, frente a la plasmación

Movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

del Fauvismo fue Henri Matisse. El Guernica / Pintura de Picasso. Representante del Cubismo.

Los artistas que pertenecían a este estilo consideraban que debía ser expresión, no composición y orden. SURREALISMO

El cubismo es considerado la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada perspectiva múltiple (donde se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano). No había sensación de profundidad. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bo-

degones, paisajes y retratos. Se utilizan colores verdes, grises y marrones. FAUVISMO El Fauvismo o Fovismo, proviene del francés fauve, que significa “fiera” y este es el término que denomina el estilo pictórico de características expresionistas tales como el uso de colores intensos, principalmente el verde. Esta vanguardia se destaca sobre todo por el cromatismo antinatural. Buscan la fuerza expresiva del color aplicando colores distintos a los que pueden verse en la realidad, por ejemplo, árboles amarillo limón o rostros de color verde esmeralda. El padre

El Surrealismo fue un movimiento artístico en donde se pretendía plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. Este sector recóndito del ser humano se considera apto para el análisis artístico. Dentro de las obras del surrealismo se encontraba: • Animación de lo inanimado. • Metamorfosis. • Aislamiento de fragmentos anatómicos. • Máquinas fantásticas. • Elementos incongruentes. • Perspectivas vacías. • Evocación del caos. • Espasmos. • Relaciones entre desnudos y maquinaria. La palabra Surrealismo proviene del francés: surréalisme (sobre, por encima) más réalisme (realismo). El precursor de este movimiento fue André Breton (Escritor, poeta y ensayista), que

comenzó con la actividad de esta vanguardia en 1916. En la parte de pintura y escultura, el máximo representante de este movimiento fue Salvador Dalí. FUTURISMO El Futurismo surgió en (Milán) Italia, fundado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. Se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música,

precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. CONSTRUCTIVISMO Movimiento artístico y arquitectónico, surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte “puro” del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. El término Construction Art (arte de construcción). Los artistas del constructivismo desarrollaban trabajos de diseño industrial, publicidad para festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución Bolchevique (Rusia). REPRESENTANTES VANGUARDISTAS GOYA Francisco de Goya y Lucientes (1746 – 1828) pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. Con el arte de Goya, se le da comienzo a la Pintura contemporánea, y se considera

Dentro de sus obras más importantes están: • La Triple Generación. • El Quitasol. • Asalto de Ladrones. • Retrato de la Duquesa de Alba. • El Coloso. PICASSO Pablo Ruiz Picasso (1881 -1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras.

JUAN GRIS José Victoriano González Pérez, más conocido como Juan Gris (1887 - 1927), fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo.

• Violín y guitarra. MATISSE

Sus primeras obras cubistas datan de 1912, año en el que expuso en el Salón de los Independientes de París su Homenaje a Picasso. Dentro de sus obras más importantes están:

Henri Émile Benoît Matisse (1869 - 1954) pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX.

• La mujer del cesto. • La Cantante. • Retrato de Picasso. • Tres Lámparas.

“Para él el color es el que da entidad a la pintura, el color puede desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva, de sombra de volumen”. La Persistencia de La Memoria ó los famosos “Relojes Blandos”. Pintura de Salvador Dalí. Representante del surrealismo.

Dentro de sus obras más importantes están: • El Guernica. • Primera Comunión. • El Pintor y la Modelo. • Naturaleza Muerta. • La flauta de pan. • Los pájaros muertos.

“En sus obras vuelca la alegría de la meditación, exenta de inquietudes. Su obra es un resultado de orden, imaginación, disciplina y libertad”. Dentro de sus obras más importantes están: • La Raya Verde. • Autorretrato. • Peces rojos. • La Danza. • Argelina. SALVADOR DALÍ Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí (1904 1989), pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Conocido por sus impactantes imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. Los trabajos artísticos de Salvador Dalí, estuvieron presentes en el cine, la escultura y la fotografía. Dentro de sus obras más importantes están:

• La Persistencia de la memoria. • El Gran Masturbador. • Los relojes blandos. • Muchacha en la ventana. •La Última Cena. DUCHAMP Marcel Duchamp (1887 - 1968). Artista y ajedrecista francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el arte cinético (el trabajo artístico tiene movimiento o parece tenerlo) y el arte ready-made (consiste en la combinación o disposición de objetos de uso cotidiano, que podían convertirse en arte por deseo del artista). El ready-made introducía una fuerte crítica a la obras de arte de la época. Su trabajo artístico fue muy corto, pero la influencia de su obra, fue muy importante para el desarrollo y creación de otras vanguardias como el surrealismo y el dadaísmo. Dentro de sus obras más importantes están: • La Fuente. • La Novia. • Rueda de bicicleta. • Desnudo bajando una escalera. • El Gran Vidrio.

La Fuente / Obra de Marcel Duchamp

ARTE MODERNO

SIGLO XX Y NUEVAS ARTES

El avance tecnológico posibilitó el surgimiento de nuevas formas de expresión además de revolucionar las ya existentes. Silla diseñada por CHARLES RENNIE MACKINTOSH. El Arts and Crafts fue un movimiento que se opuso a la más temprana producción industrial de muebles por considerarla de mala calidad y con desequilibro entre forma, función y decoración

DISEÑO INDUSTRIAL El diseño industrial (considerado como el desarrollo de objetos funcionales para el uso humano) existe desde que el hombre creó sus primeros utensilios. Pero el verdadero avance en este campo se dio con la Revolución industrial a fines del siglo XIX que originó la producción en serie. Aunque no sea considerado un arte, con la creación la primera escuela de diseño industrial en 1919, la Bauhaus, esta disciplina adquirió un verdadero campo de conocimiento y grandes capacidades expresivas y estéticas. Esta escuela tuvo una función importantísima al incentivar la interrelación de las artes, el diseño y la arquitectura. El siglo XX aportó al diseño industrial nuevos materiales, procesos, técnicas e incluso fuentes de inspiración estéticas y vanguardistas.

La Mujer del Cesto / Pintura de Juan Gris Representante del Cubismo

rte moderno, término que hace referencia a la mayor parte de la producción artística desde finales del siglo XIX hasta aproximadamente los años 1970, por oposición al denominado arte académico, que representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación. El arte moderno representa como innovación frente a la tradición artística del arte occidental una nueva forma de entender la estética, la teoría y la función del arte, en que el valor dominante (en pintura o escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografía había hecho esta función artística obsoleta. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en formas abstractas. El rechazo al arte moderno fue muy fuerte desde que comenzó a utilizarse el concepto, no sólo en los ambientes sociales conservadores que los artistas modernos buscaban sorprender, sino entre intelectuales que se ocuparon muy seriamente de su análisis.

El comunismo soviético y el fascismo italiano, que desde su origen y durante los años 1920 estuvieron estrechamente vinculados a las vanguardias (constructivismo, futurismo), comprobaron a partir de los años 1930 la necesidad de encauzar su manipulación propagandística en el terreno de la estética a través de un arte mucho más fácilmente digerible por las masas. Encontraron soluciones casi idénticas en lo que se conoció como realismo socialista o arte fascista. Simultáneamente, el capitalismo estadounidense, en cambio, asumió con gran dinamismo el arte moderno, implicándolo en el proceso productivo y aprovechando sus grandes posibilidades para el mercado. ARTE MODERNO EN AMÉRICA El arte moderno fue introducido en América durante la Primera Guerra Mundial cuando un número de artistas en los barrios de Montmartre y Montparnasse en París huyeron de la guerra. Francis Picabia (1879-1953), fue el responsable de la llegada del arte moderno a la ciudad de Nueva York. Sin embargo, fue solamente tras la Segunda Guerra Mundial cuando los Estados Unidos se convirtieron en el centro

de atención de los nuevos movimientos artísticos. Los años 1950 y 1960 vieron la aparición del expresionismo abstracto, EL op art, pop art y minimalismo; a finales de los años 1960 y los años 1970, habían aparecido el Happening, Fluxus, land art, performance art, arte conceptual y fotorrealismo.

Comenzando desde la era de posguerra, menos artistas usaban pintura como medio principal. En su lugar, se generalizaron las grandes instalaciones. Desde los años 1970, el media art se ha convertido en una categoría por sí mismo, con un emergente número de artistas experimentando con las nuevas tecnologías. El videoarte es el ejemplo mejor conocido.

El término “postmoderno”, se define a los procesos artísticos, culturales, literarios, etc. que se han desarrollado a partir de los años 70. Se promueve la teoría, en donde se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.

FDEH: Formador Dice el .estudiante hace Responder a lo siguiente: 1. ¿ Qué significa Vanguardia?

2. Nombre dos vanguardias y sus pricipales carcterísticas

LO POST MODERNO

En esta época, un número de artistas y arquitectos habían comenzado a rechazar la idea de “moderno” y comenzaron a crear obras típicamente posmodernistas. De allí la relevancia de la Crisis de las vanguardias artísticas y el debate modernidad-postmodernidad.

EVIDENCIA DE APRENDIZAJE

Valoración de la evidencia

EDH: Estudiante Dice y hace NN

Seleccionar una Vanguardia y a partir de sus pricipales características realizar una pieza gráfica.

IMAGEN OP ART (ARTE ÓPTICO). Victor Vasarely, húngaro (1908 - 1997) Título: Gestalt 4 Año: 1970 -

Valoración de la evidencia

UNIDAD DOS NOTAS

HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO

Logro de competencia Laboral: Conoce acerca del origen del diseño gráfico, entendiendo su influencia en procesos actuales de diseño y materias relacionadas al mismo.

Indicadores de Logros

Evidencias de

1. Identificar las diferentes etapas de la historia del Diseño.

Conocimiento

2. Establecer la diferencia entre la historia del arte y el Diseño.

Conocimiento

3. Desarrollar piezas gráficas, teniendo como referente las técnicas, estilos y métodos vistos de los movimientos que gestaron el Diseño Gráfico.

Desempeño

Método Inductivo Activo FDH: Formador Dice y Hace FDEH: Formador Dice Estudiante Hace EDH: Estudiante Dice y Hace

2.1 DISEÑO DESDE SUS INICIOS

A Definición de Diseño Muchos piensan en el diseño como en algún tipo de esfuerzo dedicado a embellecer la apariencia externa de las cosas. Ciertamente es una pequeña parte pero el diseño es mucho más que eso. El diseño es un proceso de creación visual con un propósito. A diferencia de la pintura y de la escultura, que son la realización de las visiones personales y los sueños de un artista, el diseño cubre exigencias prácticas. Una unidad de diseño gráfico debe ser colocada frente a los ojos del público y transportar un mensaje. En pocas palabras, un buen diseño es la mejor expresión visual de la esencia de “algo”, ya sea esto un mensaje o un producto. Para hacerlo fiel y eficazmente, el diseñador debe buscar la mejor forma posible para que ese “algo” sea conformado, fabricado, distribuido, usado y relacionado con su ambiente. Su creación no debe ser sólo estética sino también funcional, mientras refleja o guía el gusto de su época.

unque no hay una fecha específica para el nacimiento del diseño gráfico, se puede hablar que las primeras experimentaciones gráficas surgen en el siglo XVI con la energía creadora con que se dieron origen a innovadores diseños de tipos, normas de composición, ilustraciones y encuadernaciones, conjuntamente con representantes de gran prestigio. LA IMPRENTA

Es uno de los antecedentes más importantes de la historia del diseño, inventada por Johannes Gutenberg, se creó alrededor del año 1440. La imprenta es un método industrial de reproducción de textos e imágenes sobre papel o materiales similares, que consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre unas piezas metálicas, llamadas tipos, para transferirla al papel por presión. Aunque comenzó como un método artesanal, era un proceso muy veloz para sus tiempos. A partir de este gran invento nace la creación de tipos y nuevas clases de tipografías.

SIGLO XVI - XVIII

n el siglo XVI, hay un avance muy importante dentro, el renacimiento de la caligrafía, así por muchos años se diseñaron armoniosas y legibles caligrafías que fueron enriqueciendo nuestro diseño tipográfico. Debido a las condiciones políticas y económicas de la época, en el campo tipográfico el diseño de tipos se considera sólo por su función como elemento del proceso de impresión y su mayor exponente fue el francés Claude Garamond, quien tuvo que vivir entre la subversión y el favoritismo, siendo cauteloso al realizar sus estudios, ya que en la época los que practicaban esta labor eran perseguidos por motivos políticos o religiosos. “La calidad de los diseños del tipo, armonía entre mayúsculas, minúsculas y cursivas, y el preciso y contenido sentido ornamental presente en algunos trazos hacen de la célebre fuente Garamond, fundida en 1545, el más perfeccionado de toda la tipografía romana”. Por la gran producción de libros en este si-

SIGLO XVIII glo, la decadencia del impulso creativo se acentúa, se degrada el grabado xilográfico al extremo que los artistas rehuyen sus colaboraciones con este procedimiento y entonces se introduce un procedimiento nuevo: el grabado calcográfico (sobre plancha de metal) que permite grabar el trazo directamente. En el siglo XVII, la caligrafía comenzó a decaer y terminó convirtiéndose en un estilo ornamental, sin embargo es importante resaltar que esta desviación de la caligrafía logró aportar un conjunto visual que constituyó un recurso gráfico que la futura imagen publicitaria incorporó a su repertorio lingüístico. “En la evolución de las etiquetas de productos comerciales el texto, el ornamento y la ilustración son componentes que van apareciendo sucesivamente por orden, en un momento histórico en el que la imagen empieza a valorarse como complemento del texto y no, como hasta entonces, como único elemento susceptible de ser leído por el público.” A pesar de que todavía el mensaje publicitario era reducido a sectores sociales privilegiados, este propone algo más que el reconocimiento del producto añadiendo un nuevo valor: la imagen de identidad.

La lectura se hace una necesidad para las clases superiores y por esta razón crece la demanda en el negocio de la venta de libros. Sin embargo, la gran invención de esta época fueron los Periódicos, los cuales se difundieron desde principios del siglo. Debido al auge económico, en 1730 aparece en Londres el primer diario comercial dedicado a la publicación de anuncios de ofertas y demandas. Además, los comerciantes londinenses se encargaron de introducir un tipo de tarjeta comercial, que por su gran formato, parece fueron utilizadas como cartas comerciales y facturas. En este siglo se implantan las Escuelas Técnicas o de artes Aplicadas para la formación de especialistas, fundamentalmente en diseño textil y artes gráficas, así mismo se sitúa a la imagen en un contexto más preciso y menos trivial, utilizándola como complemento del texto y completar con ella el concepto utilitario y didáctico, se crea de esta manera la Enciclopedia. En el aspecto tipográfico se crean diversidad de tipos, destacándose el llamado Bodoni, un tipo de la familia de las romanas diseñada por Giambaptista Bodoni en 1768, igualmente es interesante la creación del alfabeto arquitectónico de Steingrüber, la cual es una extraña serie de letras ornamentadas en las que se conserva la forma

exterior de la letra y representa en cada una de ellas la planta de un edificio. El hecho histórico de mayor importancia del siglo XVIII fue la Revolución Francesa de 1789, la cual establece una sociedad igualitaria que proclama libertad de prensa, la cual convierte a los diarios y periódicos en productos de consumo masivo de la sociedad.

SIGLO XIX - XX

l diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo peLa práctica de la propaganda política in- riodo, fue una reacción contra la decadentrodujo a su vez a la caricatura y la sátira cia de la tipografía y el diseño de finales del como nuevo elemento gráfico desde 1789, siglo XIX. esta se utilizó como una forma de lucha contra las ideas y formas despóticas de po- El interés por la ornamentación y la prolider, disminuyendo su fuerza a través de la feración de cambios de medida y estilo tiridiculización, de esta manera la caricatura pográfico en una misma pieza de diseño, suaviza o acusa el perfil crítico sin perder como sinónimo de buen diseño, fue una su contenido original, sea este de orden idea que se mantuvo hasta fines del siglo político, social o religioso. XIX. ART NOUVEAU Ó MODERNISMO

GIAMBATTISTA BODONI Saluzzo, Italia, 1740 – Parma, 1813 fue un impresor y tipógrafo italiano, autor de varios tipos de letra célebres que todavía se utilizan en la actualidad. Llegando a ser Tipógrafo Real.

Es un movimiento artístico que tuvo una gran influencia por la escuela de artes y oficios (Atrs adn Crafts). Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo. Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, y la impresión, la joyería, la arquitectura y la publicidad.

Dadá crea una especie de anti-arte, es una provocación abierta al orden establecido que se tiene sobre el mismo. Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y lo universal. Sus formas de expresión son el gesto, el escándalo, la provocación.

Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial.

EL SUPREMATISMO Movimiento artístico creado a principios del siglo XX, que se centró en las formas geométricas fundamentales. “El suprematismo o el mundo de la no representación, y consiste en una tendencia artística, derivada del cubismo, en la que los elementos formales se reducen al triángulo, el cuadrado, la cruz y el círculo; los elementos cromáticos se circunscriben al rojo, negro, azul, blanco y verde. (Ensayo del Manifiesto Suprematista)” Se caracteriza por su forma de abstracción total, trabajado con figuras geométricas, sin utilizar la apariencia de los objetos. MALÉVICH Kazimir Severínovich Malévich(1878 - 1935) pintor ruso, fundador del Suprematismo.

EL DADAÍSMO Movimiento artístico creado en 1916. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo.

Malevich deseaba instaurar la supremacía de la sensibilidad pura de las formas sencillas en las artes figurativas, con tal objetivo fundó el suprematismo. Dentro de sus obras más importantes están:

Su principal característica fue rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.

• Cuadrado Negro. • Autorretrato. • Suprematismo. • Muchacha con Flor. “RUEDA DE BICICLETA” “CADEAU” (Marcel Duchamp) (Man Ray)

LA INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO XX El desarrollo de la nueva tecnología de composición y prensa en las últimas décadas del siglo XIX, luego de muchos años de impresión manual, produjo muchos cambios importantes en los esquemas de trabajo dentro de las artes gráficas. Aparecieron especialistas en cada fase del proceso, reduciendo las funciones de los tipógrafos, así comenzaron a surgir diseñadores de tipos, fundidores, compositores, fabricantes de papel, encuadernadores, editores, impresores, diseñadores, etc. La tecnología pasó de lo manual a lo mecánico y lo automático, y de un mercado limitado a uno masivo. Creció la demanda del material impreso y el desarrollo de la publicidad fomentó el crecimiento de las ventas de diarios y revistas, recuperando a su vez el uso del Cartel Publicitario. Una nueva generación de diseñadores surge en el siglo XX rechazando el gusto por los estilos históricos ( neoclasicismo, neogótico, etc.) dando como resultado un nuevo arte: Art Nouveau o Modernismo, el cual incluía ideas procedentes de todas las disciplinas del diseño y el arte (arquitectu-

BAUHAUS

ra, pintura, diseño de muebles, cerámicas, joyería, diseño industrial, ingeniería de la construcción, cine, fotografía, etc.), acelerando la evolución en el arte de vanguardia y en el diseño, el Art Nouveau creó al diseño gráfico como oposición al puramente tipográfico, no solo como un medio de comunicación de ideas nuevas, sino también para su expresión.

a Bauhaus o Casa de construcción Estatal, fue una escuela de diseño, arte y arquitectura, fundada en 1919 por Walter Gropius en Alemania y cerrada por las autoridades de partido nazi en 1933.

La tecnología proporcionó nuevos medios gráficos a ilustradores y diseñadores, ayudando a la propagación de las comunicaciones visuales y a inspirar a los diseñadores, algunos de ellos fueron: la máquina de escribir, la impresión a color, la fotografía a color, los rayos x y la película de animación.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna.

Art Nouveau Ilustracion: Alphonse Mucha

hasta ese momento era quien los subsidiaba. Se formó cuando Gropius une la escuela de artes con la escuela de artes aplicadas, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.

La palabra Bauhaus proviene de las palabras alemanas Bau, “de la construcción”, y Haus, “casa”.

En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por su fundador fueron: “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público” ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado que

Cartel Bauhaus

VASILI KANDINSKI Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuillysur-Seine, 13 de diciembre de 1944, fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.

EVIDENCIA DE APRENDIZAJE FDEH: Formador Dice el .estudiante hace Responder a lo siguiente: 1. ¿Qué se entiende por diseño?

2. ¿A qué se le denomina Bauhaus?

3. ¿Qué se entiende por Art Nouveau?

4. ¿Quién fue Kazimir Malévich?

Valoración de la evidencia EDH: Estudiante Dice y hace NN

A partir de recortes de papel de colores, realizar una pieza gráfica con las características del suprematismo.

Valoración de la evidencia

NOTAS

2.2 DISEÑO MODERNO

utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. En estados Unidos e Inglaterra se utiliza el tema con ironía y parodía haciendo este trabajo con un enfoque más popular y cultural. En Estados unidos, tuvo su origen, finalizando los años 50, pero su mayor furor fue en los años 60.

NUEVAS TECNOLOGÍAS

os avances tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran evolución del diseño gráfico, facilitando herramientas para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad. Entre ellos están los programas de diseño como, CorelDraw, Photoshop, Illustrator, Flash, Dreamweaver, entre otros, que falicitan en tiempo, trabajo y creatividad la labor del diseñador.

POP ART POP ART Ó ARTE POP / POPULAR

l Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos.

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. El arte pop, como la música pop, buscaba

En los años 90 además de los programas computarizados, aparece, el sistema World Wide Web (www – páginas web), aplicaciones que abrieron campos laborales, creativos y de conocimiento a los diseñadores gráficos. La fotografía digital, una gran ventaja para los diseñadores, es también una herramienta que nos ofrece estas nuevas tecnologías, que permite disponer de las imágenes en el mismo instante de su captura.

ANTONI GAUDÍ

REPRESENTANTES DEL DISEÑO

WARHOL

ALFONS MUCHA Pintor y artista decorativo checo (1860 -1939), ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau. Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales (litografías) en lo que llegó a conocerse como el estilo Art Nouveau.

La obra de Gaudí es de sentido ornamental aplicado a su obra y el carácter multidisciplinar otorgado a sus realizaciones, donde tienen un papel fundamental los trabajos artesanales. A estas premisas Gaudí añade ciertas dosis de barroco, la inclusión de los adelantos tecnológicos y el mantenimiento de lenguajes arquitectónicos tradicionales.

Obra de Alfons Mucha

Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que más que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiración. Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial.

Arquitecto español, máximo representante del modernismo o Art Nouveau catalán.

Su obra, es un sello personal y único en la historia de la arquitectura y el diseño.

Andrew Warhola, conocido como Andy Warhol ( 1928 - 1987), artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Fue un personaje muy polémico toda su vida, calificaban su estilo trabajo como exagerado, pretencioso ó como bromas muy pesadas. Su trabajo estuvo representado en la pintura, la escultura, el teatro, el cine y la publicidad. Dentro de sus obras más importantes están: • Lata de sopa Campbell. • Las cuatro Marilyn. • Mitos (Tío Sam). • Botellas verdes de Coca Cola. • Cruz. • Mao.

UNIDAD DOS

MILTON GLASER (1929)

EVIDENCIA DE APRENDIZAJE FDEH: Formador Dice el .estudiante hace

MAN RAY

Responder a lo siguiente: 1. ¿ Cuál es la definición de Pop Art?

2. ¿ Quíen Fue Alfons Mucha?

Diseñador e Ilustrador estadounidense, creador de afiches, diseños para discos y libros. Man Ray, nacido Emmanuel Rudzitsky, (1890 - 1976) artista y fotógrafo estadounidense impulsor de los movimientos dadaísta y surrealista en Estados Unidos. Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas. Dentro de sus obras más importantes están: • Lágrimas. • Regalo. • El violín de Ingres.

3. ¿ Quín fue Andy Warhol?

Es una figura influyente en el pensamiento del diseño y la educación actuales. Milton Glaser es tal vez el representante más famoso de la escuela norteamericana de diseño gráfico. Es el creador del logo de DC Comics, el conocido símbolo para I love New York. Dentro de sus obras más importantes están:

Valoración de la evidencia

EDH: Estudiante Dice y hace NN Escoger algún representante del diseño, expuesto en este modulo y reproducir una de sus piezas con tinta china.

• Cartel de Bob Dylan. • Logo de la ciudad de New York. Valoración de la evidencia

UNIDAD TRES NOTAS

DISEÑO GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA

Logro de competencia Laboral: Conoce la evolución histórica y tecnológica del diseño en Latinoamérica a parte de su función social.

Indicadores de Logros

Evidencias de

1. Reconocer los temas sociales como compromiso del diseño latinoamericano.

Conocimiento

2. Identificar el diseño gráfico colombiano como lo que somos y establecer que queremos ser.

Conocimiento

3. Desarrollar mensajes visuales con responsabilidad y compromiso social.

Desempeño

Método Inductivo Activo FDH: Formador Dice y Hace FDEH: Formador Dice Estudiante Hace EDH: Estudiante Dice y Hace

3.1 Diseño Latinoamericano

3.2 Diseño Colombiano

Marca Pais Colombia Grupo de publicidad Omnicon Solutions. 2011.

l diseño colombiano, comienza su auge con la producción tipográfica, litográfica y diagramación de periódicos y revistas siendo este el campo más amplio para los diseñadores del país.

Diseño Latinoamericano

Desde 1900 se fundaron editoriales com Félix de Bedout y Carvajal, encargadas de la producción de revistas, periódicos y libros. Para 1911 y 1912 se fundaron periódicos como El Tiempo, El colombiano y la revista Cromos en 1916.

n Latinoamérica, a excepción de Brasil, se mantiene el mismo idioma y por ende expresiones culturales similares y por tal motivo, el diseño gráfico es producto de este fenómeno cultural.

Para el año 1924, se crea el primer departamento de publicidad en el país, en la empresa Coltabaco y se comienzan a fundar las primeras agencias de publicidad.

El desarrollo del diseño está completamente influenciado por las vanguardias, europeas y estadounidenses del siglo XIX y el siglo XX.

Se utiliza la caricatura, como una técnica recurrente en la publicidad. Y se comienza a implementar el color en los periódicos.

En 1963 Llega a Colombia el primer diseñador gráfico formado académicamente, David Consuegra, quien con Dicken Castro, son los precursores del diseño gráfico colombiano contemporáneo. A partir de este momento, llegan numerosos diseñadores que hacen de la historia del diseño gráfico en Colombia, una producción de imagen corporativa, creación de logotipos y marcas, ilustraciones, carteles y edición y diagramación de libros, muy importante y reconocida mundialmente.

Los medios interactivos y el Internet generan un reto y un amplio campo de trabajo para los diseñadores en nuestro país.

REPRESENTANTES DEL DISEÑO

BERNARDO RINCON (1959)

DICKEN CASTRO (1922)

DAVID CONSUEGRA David Consuegra (1939 – 2004) diseñador gráfico e ilustrador colombiano. Primer diseñador gráfico colombiano graduado por academia, estudios que realizó en estados Unidos. David Consuegra, es conocido nacional e internacionalmente por los logotipos, mascar y símbolos que a lo largo de su carrera creó, algunos como:

Arquitecto y diseñador gráfico colombiano. Arquitecto graduado de la Universidad Nacional de Colombia, incursionando luego, en el Diseño Gráfico. Algunos de sus diseños más representativos son: • Logotipo de Colsubsidio. • Logotipo de Proexpo. • Logotipo Banco Tequendama. • Logotipo Cámara de comercio de Bogotá, entre otros.

• Logotipo de Inravisión. • Logotipo de Artesanías de Colombia. • Logotipo del Museo de arte Moderno de Bogotá. RICARDO RENDÓN BRAVO • Logotipo de Croydon, entre otros. Rionegro, 11 de junio de 1894 - Bogotá, 28 de octubre de 1931, fue un caricaturista colombiano, considerado por muchos como el más importante del siglo XX en su país.

100

MARTA GRANADOS Diseñadora Gráfica e Ilustradora colombiana. Ha realizado ilustraciones de libros de poemas, novelas y cuentos, y catálogos de exposiciones. Algunos de los trabajos de Marta Granados son:

Bernardo Rincón Martínez docente, diseñador gráfico e historietista colombiano. Fundador en 1992 de la revista Acme Comics, en la cual varios dibujantes nacionales e internacionales publicarón sus historietas. Esta publicación, trimestral, además de ganarse dos veces la beca de colcultura, llegó hasta el número 13. En 2000, funda el Museo Virtual de la Historieta Colombiana, página web dedicada a la historieta de su país.

• Diseño del libro del amor y el fuego. • Diseño de afiches para el Fondo de Cultu ra Económica. • Diseño de afiches para EL FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO, entre otros. CARLOS DUQUE Diseñador gráfico vallecaucano (Palmira, 1946). Graduado en dibujo y pintura en la Escuela de Bellas Artes de Cali, ingresó a estudiar diseño y fotografía en el Art College of Design, en Los Angeles, California.

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NOTAS FDEH: Formador Dice el .estudiante hace Responder a lo siguiente: 1. ¿ En qué año se crea el primer departamento de publicidad del país? 2. ¿ Quién es David Consuegra?

Valoración de la evidencia EDH: Estudiante Dice y hace NN

Buscar 5 logos o marcas creadas por un diseñador colombiano y en compañía del formador, escoger una y realizar una reproducción.

Valoración de la evidencia

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Bibliografía • Arte Griego. TASCHEN • Arte Egipcio. TASCHEN • Historia del Arte (Tomo 2, 3 y 4). Elie Faure. Alianza Editorial • Las Vanguardias artísticas del siglo XX. Mario De Micheli. Alianza Editorial. • Revista Proyecto Diseño. www.proyectod.com

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