Exposición "Arenas movedizas / Shifting Sands"

Cubierta / Cover: Seif Kousmate

De la serie Waha / From the series Waha, 2021 © SEIF KOUSMATE

Arenas movedizas

Shifting Sands Rehab Eldalil

Seif Kousmate

Amina Kadous

Nadia Bseiso

Wafaa Samir

Arenas movedizas

Un futuro sostenible para todas las sociedades depende de una relación humana arraigada y respetuosa con el mundo natural. En el mundo árabe, el reto de mantener este equilibrio se ha visto agravado por la inestabilidad política, la agricultura y la construcción excesivamente intensivas, la deforestación, el desvío de los cursos de agua y, más recientemente, la emergencia climática mundial.

Arenas movedizas presenta cinco proyectos interrelacionados de jóvenes fotógrafos galardonados provenientes del Norte de África y de Oriente Medio, cada uno con una sólida visión creativa que aborda poéticamente, por diferentes razones y propósitos, cuestiones similares en sus respectivos territorios y entornos.

Muchas capas de historia y memoria, personales y colectivas, están inscritas en los paisajes que habitamos, tanto en su estado natural como en los que han sido alterados por el hombre. El rápido crecimiento de la población y la urbanización han provocado cambios drásticos en una variedad de entornos y hábitats originarios. Estas transformaciones desplazan a comunidades antiguas y tienen importantes repercusiones sociales, geopolíticas y medioambientales.

Cada uno de los cinco proyectos de la exposición contiene una llamada a la acción: cómo podemos utilizar la tierra de forma sostenible, garantizar la conservación de la biodiversidad y el suministro de agua limpia, y respetar los modos de vida tradicionales al tiempo que hacemos avanzar la modernidad, manteniendo así nuestro vínculo sagrado con la madre naturaleza.

Entrelazando fotografía, poesía, bordado, caligrafía, sonido, objetos encontrados y material de archivo, procesos analógicos y digitales, la obra presentada en Casa Árabe es visualmente rica y contundente, a la par que contiene mensajes ecologistas potentes.

David Drake. Comisario

Shifting Sands

A sustainable future for all societies relies on a deeprooted and respectful human relationship with the natural world. In the Arab World the challenge of maintaining this equilibrium has been compounded by political instability, over-intensive agriculture and construction, deforestation, diversion of water courses and latterly the global climate emergency.

Shifting Sands presents together five interlinked projects by award-winning young photographers from North Africa and the Middle East, each with a strong creative vision poetically addressing, for different reasons and purposes, similar issues in their respective territories and environments.

Many layers of history and memory, personal and collective, are inscribed in the natural and man-altered landscapes we inhabit. Rapid population growth and urbanisation have resulted in dramatic changes to these landscapes and natural habitats. These changes displace longstanding communities and have major social, geopolitical and environmental impacts.

Each of the five projects in the exhibition contains a call to action – how we can use the land in a sustainable manner, ensure that biodiversity and clean water supply are preserved, cherish traditional ways of life whilst moving forward and embracing modernity, and in doing so maintain our sacred bond with Mother Nature.

Weaving together photography, poetry, embroidery, calligraphy, sound, found objects and archival material, analogue and digital processes, the work featured at Casa Árabe is visually rich and compelling, whilst containing powerful ecological messages.

David Drake. Curator

Creciente

infértil / Infertile Crescent

Nadia Bseiso (Jordania / Jordan)

Creciente infértil intenta visualizar lo que le ha ocurrido a la «Tierra Fértil» que antaño fue la cuna de la civilización, el paraíso de la biodiversidad con sus marismas y ríos que forjaron el progreso de la humanidad. Ahora está seca y quemada, sumida en el caos. ¿Acaso rompió el hombre ese vínculo sagrado con la Madre Naturaleza y ahora recoge lo que sembró?

El proyecto explora los 180 km del polémico «oleoducto de la salvación» del Mar Rojo-Mar Muerto, una iniciativa conjunta de Jordania, Israel y Palestina, cuyo objetivo era suministrar el agua que tanto se necesita para salvar el menguante Mar Muerto, pero se ha pospuesto debido a obstáculos burocráticos, tensiones políticas y dificultades de financiación. Al seguir el mapa moderno de Jordania sobre la zona, el proyecto documenta los paisajes de varios pueblos supervivientes que descansan sobre fronteras artificiales. Se basa en los recursos hídricos como indicador y en los pueblos fronterizos como testigos de las líneas invisibles en la arena, responsables de que la región haya pasado de ser lo que fue a ser lo que es hoy, y lo que pronto podría llegar a ser.

Nadia Bseiso es una fotógrafa documental jordana afincada en Ammán. Se licenció en fotografía en Florencia 2011 y en 2015 regresó a Italia para realizar una residencia en la Fondazione Fotografia de Módena. Se concentra en proyectos a largo plazo, basados en investigaciones personales sobre geopolítica, historia, antropología y degradación medioambiental. En 2016, fue seleccionada para el Programa de Fotografía Documental Árabe, financiado por el Fondo Árabe para las Artes y la Cultura, la Fundación Magnum y la Fundación Príncipe Claus, por su proyecto Creciente Infértil. Seleccionada en marzo de 2017 como parte de «fotógrafas de todo el mundo a seguir» de Time - Light Box. Colabora con varias ONG locales e internacionales desde 2011. Entre sus clientes figuran The New York Times, The Telegraph, Reuters, la revista Zeit, The Intercept, The Globe and Mail y U.S. News & World Report. https://nadiabseiso.net/

Infertile Crescent seeks to visualize what happened to the “Fertile Land” which once stood as the cradle of civilization, the paradise of biodiversity with its marshlands and rivers that shaped the progress of humanity. Now dry and burnt, in turmoil. Did man break that sacred bond with Mother Nature and is reaping what he sowed?

The project explores the 180 km route of the controversial Red-Dead Sea ‘salvation pipeline’, a joint project between Jordan, Israel and Palestine. This was set to supply much needed water and save the shrinking Dead Sea, but is currently postponed due to bureaucratic hurdles, political tensions and financing difficulties. By following the modern Jordanian map of the area, the project documents the landscapes of several surviving villages resting on man-made borders. Taking water resources as an indicator and border villages as a witness to the invisible lines in the sand, that are responsible for shifting the region from what once was, to what it is today, and what might soon become.

Nadia Bseiso is a Jordanian documentary photographer based in Amman. She completed a degree in photography from Florence, Italy in 2011, returning for a residency in Fondazione Fotografia in Modena, in 2015. She concentrates on long term projects, based on personal research in geopolitics, history, anthropology and environmental degradation. In 2016, she was selected for the Arab Documentary Photography Program, funded by The Arab Fund for Arts and Culture, Magnum Foundation and the Prince Claus Fund, for her project Infertile Crescent. Selected as Time – Light Box “female photographers to follow from around the world”, March 2017. She is working with several local and international NGO’s since 2011. Clients include The New York Times, The Telegraph, Reuters, Zeit magazine, The Intercept, The Globe and Mail y U.S News & World Report.

https://nadiabseiso.net/

Nadia Bseiso

De la serie Creciente Infértil

/ From the series Infertile Crescent, 2017

© NADIA BSEISO

Oro blanco / White Gold

Amina Kadous (Egipto / Egypt)

En este proyecto, Amina Kadous entabla visualmente discursos en torno al origen, la memoria, la historia abandonada, el uso y la conservación de la tierra, los traumas personales, las batallas que libramos en nuestro interior cuando intentamos situarnos en un mundo en constante cambio.

«Esta es una historia del algodón en vías de extinción como encarnación viva de Egipto, ya que explora lo que fue una de las industrias más importantes incrustada en nuestros tejidos colectivos. Bajo estas capas se despliega el linaje de Egipto, desde el pasado hasta el presente. ¿Qué podría haber sido, qué hemos perdido y qué podría seguir siendo? Desarraigado y extraído de su suelo, me vi reflejada en el viaje del algodón; ambos, planta y humano, perdidos, fragmentados intentando tejer nuestros hilos comunes. Soportando el cambio internamante, y externamente tratando de adaptarnos al mundo exterior. Aferrándome a mis raíces en medio del cambiante paisaje sociopolítico, urbano y económico de Egipto, recurro al legado de mis abuelos, sus archivos y objetos encontrados, para representar la belleza, la lucha y la resistencia de mi pueblo, de mí misma y de mi identidad».

Amina Kadous es una artista visual residente en El Cairo, Egipto. Se licenció en Bellas Artes por la Universidad Tufts y la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston. Su obra se ha expuesto en el Reino Unido, Boston, París y Mali, Italia y Países Bajos. Expuso en la Bienal de Fotografía del mundo árabe contemporáneo en la Cité Des Arts de París. Participó en la 12ª edición de la Bienal de Fotografía de Bamako y fue galardonada con el Premio Centre Soleil d’Afrique por su proyecto “Una grieta en la memoria de mi memoria”. Su obra también se expuso en el Museo AfriKa de Países Bajos, en el marco de la exposición colectiva de World Press “Connecting views: Talentos de la APJD”. Recibió una beca de la Fundación Magnum y de la Fundación Príncipe Claus, y fue una de las diez finalistas de la beca Everyday Projects por su actual serie de larga duración “White Gold”. Recientemente ha sido galardonada con el Premio de fotografía africana contemporánea 2022 y el Prix de La Photo Madame Figaro en el festival de fotografía de Arles 2022.

https://aminakadous.com/

In this project, Amina Kadous visually opens up discourses around origin, memory, abandoned history, land use and preservation, personal trauma, the battles we fight within us as we try to locate ourselves in a constantly changing world.

“This is a tale of the fading cotton as a living embodiment of Egypt. Exploring what used to be one the most important industries embedded in our collective fabrics. Beneath these layers unfolds the lineage of Egypt, from past to present. What could have been, what have we lost and what could still be? Uprooted and extracted from its ground, I saw myself reflected in the cotton journey, both of us, plant and human, lost, fragmented trying to weave our common threads. Enduring change internally and externally trying to adapt to the outside world. Holding onto my roots amid the changing socio-political, urban and economic landscape in Egypt, I am drawing on the legacies of my grandparents, their archives and found objects to depict the beauty, the struggle and resilience of my people, myself and my identity”.

Amina Kadous is a visual artist based in Cairo, Egypt. She received her Bachelor in Fine Arts from Tufts University and The School of the Museum of Fine arts in Boston. Her work has been exhibited in the United Kingdom, Boston, Paris and Mali, Italy and The Netherlands. She exhibited as part of the Photography Biennale of the contemporary Arab world at the Cité Des Arts in Paris. She participated in at the 12th edition of the Bamako Biennale of Photography and was awarded the Centre Soleil d’Afrique Prize for her project, “A Crack in the Memory of My Memory”. Her work was also exhibited at the The AfriKa Museum in the Netherlands part of the World Press group exhibition “Connecting views: Talents from the APJD”. She was awarded a grant from Magnum Foundation and Prince Claus foundation and was one of the top ten finalists for the Everyday Projects grant for her current long-term series “White Gold”. Recently she was awarded the Contemporary African photography Prize 2022 and Prix de La Photo Madame Figaro at Arles photography festival 2022.

https://aminakadous.com/

Amina Kadous

De la serie Oro Blanco / From the series White Gold, 2020

© AMINA KADOUS

El anhelo del forastero cuyo camino se ha roto

/ The Longing Of The Stranger Whose Path Has Been Broken

Rehab Eldalil (Egipto / Egypt)

En este proyecto premiado, la artista se reencuentra con sus raíces y explora el proceso de búsqueda del sentido de pertenencia a la comunidad beduina de Saint Catherine, en el sur del Sinaí, Egipto. La comunidad ocupa un lugar central en el proceso creativo. La artista utiliza sus comentarios sobre el bordado, la poesía, el sonido y la narración para vincular su trabajo fotográfico con temas de injusticia social y con la historia de las luchas de la comunidad para proteger su tierra del peligro, y cómo ésta les ha proporcionado bendiciones a cambio de su trabajo.

La historia intenta comprender las capas de una identidad y la interconexión entre la gente y la tierra. “Al hacerlo, planteo preguntas sobre el significado de la identidad y la pertenencia. Con este diálogo espero tender un puente entre las voces de la comunidad beduina y el público occidental, que durante mucho tiempo ha visto a los beduinos y a muchas otras comunidades indígenas a través de una mirada romantizada”.

Rehab Eldalil es una fotógrafa documental galardonada y narradora visual, nacida y afincada en El Cairo, Egipto. Se licenció en fotografía por la Universidad Helwan de El Cairo en 2011, poco después de participar en la revuelta egipcia para la que fue coautora de un fotolibro titulado The Road To Tahir en el que se documentaban las primeras semanas de la revolución. Completó un máster en fotografía de la Universidad de Falmouth en el Reino Unido en 2020 y obtuvo un certificado del International Center of Photography, Nueva York, en 2021. Ha sido galardonada con el Programa de Fotografía Documental Árabe 2020 de AFAC y la Fundación Magnum, la Beca de Emergencia para Periodistas 2020 de la National Geographic Society y el Premio al Activismo Creativo 2021. Más recientemente, ha recibido el premio Foto Evidence W Award 2022 para convertir su proyecto en un libro, ha ganado el premio regional World Press Photo 2022 y el premio Premi Mediterrani Albert Camus 2022.

http://www.rehabeldalil.com/

In this award-winning project, the artist reconnects to her roots and explores the process of finding and seeking the meaning of belonging for the Bedouin community of St. Catherine in South Sinai, Egypt. The community is central to the creative process. The artist uses their commentary of embroidery, poetry, sound and storytelling to link her photographic work with topics of social injustice and the history of the community’s struggles to protect its land from harm, and how it has provided them with blessings in return for their labours.

The story attempts to understand the layers of an identity and the interconnectedness between people and land. “In doing so, I’m raising questions on the meaning of identity and belonging. With this dialogue I hope to build a bridge between the voices of the Bedouin community and western audiences who have long seen the Bedouins and many other indigenous communities through a romanticized gaze”.

Rehab Eldalil is an award winning documentary photographer and visual storyteller born and based in Cairo, Egypt.. She received her photography BA from Helwan University in Cairo in 2011, shortly after participating in the Egyptian uprising for which she co-authored a photobook called The Road To Tahir documenting the revolution’s early weeks. She received her photography MA from Falmouth University in the UK in 2020 and a certificate from The International Center of Photography, New York, in 2021.

She was awarded AFAC & Magnum Foundation’s Arab Documentary Photograph Program 2020, National Geographic Society’s Emergency grant for Journalists 2020 and Creative Activism award 2021. Most recently, she received the Foto Evidence W Award 2022 to turn her project into a book form, won the World Press Photo regional award 2022 and the Premi Mediterrani Albert Camus award 2022.

http://www.rehabeldalil.com/

Rehab Eldalil

De la serie El anhelo del forastero cuyo camino se ha roto

/ From the series The Longing of the Stranger whose Path has been Broken, 2018 © REHAB ELDALIL

Lo que queda / What Remains

Wafaa Samir (Egipto / Egypt)

Lo que queda de Wafaa Samir, formada como arquitecta, analiza la ciudad sostenible de New Gourna, construida por el pionero de la arquitectura sostenible Hassan Fathy. La aldea diseñada por Fathy se construyó en 1946 para albergar a los habitantes de la localidad de Gourna, en la ciudad de Luxor, quienes fueron evacuados para reducir los daños causados a la tumba del Antiguo Egipto descubierta debajo del poblado.

Todo en el diseño de esta aldea se hizo teniendo en cuenta el entorno y el clima, incluido el uso de cúpulas en lugar de techos planos, la integración de captadores de viento y las técnicas tradicionales de control del calor. Hassan Fathy quería asegurarse de que los métodos de construcción reflejaran lo que había disponible en la zona; por ello utilizó ladrillos de barro hechos con la tierra circundante en lugar de materiales de construcción occidentales. Así, la conexión con la naturaleza quedó integrada en el diseño y los materiales del edificio. Con el paso de los años, el nivel de las aguas subterráneas aumentó y el adobe empezó a deteriorarse, lo que llevó a muchos residentes a sustituir las casas de Fathy por casas de caja de cerillas, hechas con ladrillos cocidos. Hoy, casi el 50% de los edificios originales se han derrumbado.

Wafaa Samir es una fotógrafa y artista visual que vive y trabaja en El Cairo. Su obra explora nuestras relaciones con el urbanismo y los espacios físicos, así como la representación figurativa de emociones y estados de ánimo. Alterna su atención entre estos mundos exterior e interior, abordando cada uno de ellos de forma muy diferente.

Wafaa se licenció en arquitectura en la Facultad de Bellas Artes de El Cairo en 2013. Paralelamente, cultivó su interés por la fotografía y participó activamente en numerosas exposiciones colectivas en El Cairo, Alemania, Bélgica, Francia y Dubái. Su participación en la 26ª edición del Salón de la Juventud de El Cairo le valió el Premio de Fotografía. Una de sus fotografías fue seleccionada como imagen del cartel oficial de la 1ª Bienal de Fotógrafos del Mundo Árabe y para el cartel oficial del Festival de Cine MOOOV en 2015. Sus exposiciones más recientes incluyen Diffusion en el Festival Internacional de Fotografía de Gales en Cardiff, Reino Unido (2021), la Feria de Arte de El Cairo (2020) y Gulf PhotoPlus, Dubái (2019).

https://www.wafaasamir.com/

With a background in architecture, Wafaa Samir’s What Remains looks at the sustainable city New Gourna, built by a pioneer of sustainable architecture Hassan Fathy. In 1946 Fathy’s village was built to shelter the people of Gourna town in the city of Luxor, who were evacuated to reduce damage to the Ancient Egyptian tomb discovered underneath it.

Everything in the design of this village was made with the environment and weather in mind, including using domes instead of flat ceilings, integrating wind catchers and traditional heat control techniques. Wanting to ensure that construction methods reflected what was locally available, Hassan Fathy used mud bricks made from the surrounding land rather than Western building materials. The connection with nature was therefore embedded in the building design and materials. Over the years the underground water levels increased and the mud brick began to deteriorate, leading many residents to replace Fathy’s homes with matchbox houses made of fired bricks. Today, nearly 50% of the original buildings have crumbled.

Wafaa Samir is a photographer and visual artist who lives and works in Cairo. Her work explores our relationships with urbanism and physical spaces, and a figurative representation of emotions and states of mind. She alternates her attention between these outer and inner worlds, approaching each very differently.

Wafaa earned her bachelor’s degree in architecture from the Faculty of Fine Arts in Cairo in 2013. In parallel she nurtured her interest in photography and actively showcased in many group exhibitions In Cairo, Germany, Belgium, France and Dubai. Her participation at the 26th edition of the Youth Salon in Cairo earned her the Photography Award. One of her photographs was selected as the official poster image for the 1st Biennale des Photographes du Monde Arabe, and for the official poster of MOOOV Film Festival in 2015. Her most recent exhibitions include Diffusion at Wales International Festival of Photography in Cardiff, United Kingdom (2021), Cairo Art Fair (2020) and Gulf PhotoPlus, Dubai (2019).

https://www.wafaasamir.com/

Wafaa Samir

De la serie Lo que queda / From the series What Remains, 2017

Waha

Seif Kousmate (Marruecos / Morocco)

En Waha (“oasis” en árabe), Seif Kousmate, exingeniero y fotógrafo autodidacta, reflexiona sobre su país natal, Marruecos, y pone en tela de juicio su propia práctica para explorar el lado artístico de la fotografía. Los oasis, antaño semilleros agrícolas, centros de comercio y reservas de la biosfera, sufren la sobreexplotación de sus materias primas y se ven devastados por ciclos de sequía.

Dos tercios del hábitat de los oasis marroquíes han desaparecido en el último siglo, un proceso acelerado por los cambios medioambientales de las últimas décadas. El cambio climático pasa factura económica a los habitantes de los oasis y pone en peligro sus medios de vida y su propia subsistencia. A pesar de sus mejores esfuerzos, comunidades enteras acaban abandonando sus tierras y emigrando hacia las ciudades con la esperanza de una vida mejor. Para expresar de forma sutil la degradación de estas zonas antaño fértiles, el artista tiñe sus imágenes con ácido y las corrompe utilizando restos de la flora local. Así, contenido y forma, sujeto y materialidad se funden para cuestionar los asuntos de representación. Tanto en el arte del fotógrafo como en la superficie de la imagen, la poesía y la política centellean para contar la realidad ecológica, económica y social de los oasis actuales.

Seif Kousmate reside en Marruecos. Cofundador de Koz Collective, Seif es un fotógrafo autodidacta que ha desarrollado un vocabulario visual, a caballo entre la fotografía documental y la poesía de la fotografía artística. Tras una carrera como gestor de proyectos en el sector de la ingeniería civil, Seif se dedica profesionalmente a la fotografía a partir 2016. Desde entonces, ha estado trabajando en diferentes proyectos visuales en África, incluyendo la migración y la juventud. Becario de la fundación Magnum /Prince Claus, participó en el Programa de Fotografía Documental Árabe. Desde 2020 trabaja en Waha, un ensayo multidimensional que capta las consecuencias del cambio climático y la globalización en el ecosistema de los oasis de Marruecos. La obra se ha expuesto en el último año en Francia, Túnez, Alemania, Países Bajos, Canadá, Uruguay, Noruega y Estados Unidos.

https://www.seifkousmate.com/

In Waha (“oasis” in Arabic), former engineer and self-taught photographer Seif Kousmate considers his home country, Morocco, and puts his own practice into question to explore the artistic side of photography. Once agricultural hotbeds, trade hubs, and biosphere reserves, oases suffer from the overexploitation of their raw materials and are devastated by cycles of drought. Two-thirds of Morocco’s oasis habitat has vanished over the last century — a process accelerated by environmental changes in the recent decades. Climate change has an economic toll on the oases’ inhabitants and endangers their livelihoods and very subsistence. Despite their best efforts, entire communities end up abandoning their lands and migrating towards cities with the hopes of a better life. To express in a subtle way the degradation of these once fertile areas, the artist stains his images with acid and corrupts them using remnants of the local flora. Thus, content and form, subject and materiality merge to question issues of representation. Both in the photographer’s art and on the surface of the image, poetry and politics flicker, to tell the story of the ecological, economic and social reality of today’s oases.

Seif Kousmate is based in Morocco. Co-founder of Koz Collective, Seif is a self-taught photographer who has developed a visual vocabulary that stands between documentary photography and the poetry of fine art photography. After a career as a Project Manager in the civil engineering sector, he dedicated himself professionally to photography in 2016. Since then, he has been working on different visual projects in Africa including migration and youth. A Magnum /Prince Claus Foundation grantee, he participated in the Arab Documentary Photography Program. Since 2020 he has been working on Waha, a multi-dimensional essay that captures the consequences of climate change and globalization on the oases ecosystem in Morocco. The work has been shown over the last year in France, Tunisia, Germany, the Netherlands, Canada, Uruguay, Norway and the United States.

https://www.seifkousmate.com/

Seif Kousmate

De la serie Waha / From the series Waha, 2021 © SEIF KOUSMATE

Resolución Convocatoria

NUR 2023

El proyecto “Arenas movedizas” fue seleccionado en la tercera edición de la convocatoria NUR (Luz), una iniciativa conjunta de Casa Árabe y el Festival PHotoESPAÑA surgida con el objetivo de dar visibilidad y difusión a un proyecto que ofrezca una mirada sobre uno o diversos aspectos de las sociedades árabes. Asimismo, a través de esta convocatoria se pretende premiar el esfuerzo de innovación y transmitir contenidos actuales que tengan que ver con las realidades del mundo árabe contemporáneo. En su edición 2023, la convocatoria ha querido enfatizar la relación de estas sociedades con la conservación del medioambiente, el futuro sostenible y la relación del ser humano con la naturaleza.

De entre las 22 propuestas procedentes de la región de Oriente Medio y África del Norte, así como del continente europeo, el jurado eligió la del británico David Drake y que presenta la obra de Rehab Eldalil, Seif Kousmate, Amina Kadous, Nadia Bseiso y Wafaa Samir. El jurado ha valorado con gran interés la selección de artistas y sus contundentes visiones a la hora de abordar, de forma distinta y poética, desafíos ambientales similares en sus respectivos territorios y entornos.

Del mismo modo, desde una perspectiva conceptual de la fotografía, la propuesta también aborda una reflexión interesante acerca de la historia y la memoria colectiva, inscritos en paisajes naturales y alterados por el hombre, al tiempo que hace un llamado a la acción ante la enorme crisis ecológica que enfrenta nuestro planeta. Por último, el jurado valora muy positivamente el hecho de que esta propuesta surja de un colectivo de fotógrafos y fotógrafas provenientes en su mayoría del Arab Documentary Photography Program (ADPP), una iniciativa que proporciona apoyo y tutoría a fotógrafos de todo el mundo árabe.

El jurado de esta edición ha estado formado por Maíra Villela, responsable de exposiciones de PhotoESPAÑA, Karim Hauser, coordinador de Cultura de Casa Árabe, Betty Ketchedjian y Tarek Haddad, comisarios de la propuesta “Luces o sombras de lo que fue y sigue siendo”, ganadora de NUR-PHE 2022.

NUR 2023 Call for Entries Resolution

The project “Shifting Sands” has been selected in the third edition of the NUR (Light) call for entries, a joint initiative of Casa Árabe and PHotoESPAÑA Festival created with the aim of giving visibility and dissemination to a project that offers a look at one or several aspects of Arab societies. Likewise, this call is intended to reward the effort of innovation and transmit current content that tackles the realities of the contemporary Arab world. In its 2023 edition, the Open Call has sought to emphasize the relationship of these societies with the conservation of the environment, the sustainable future and the relationship between human beings and nature.

Among the 22 entries from the Middle East and North Africa region, as well as from the European continent, the jury chose that of British curator David Drake, featuring works by Rehab Eldalil, Seif Kousmate, Amina Kadous, Nadia Bseiso and Wafaa Samir. The jury has valued with great interest the selection of artists and their forceful visions when addressing, in a different and poetic way, similar environmental challenges in their respective territories and territories.

Furthermore, from a conceptual perspective of photography, the proposal also addresses an interesting reflection on history and collective memory, inscribed in natural landscapes and those altered by man, while at the same time making a call to action in the face of the enormous ecological crisis facing our planet. Finally, the jury highly appreciates the fact that this proposal comes from a collective of photographers, most of them from the Arab Documentary Photography Program (ADPP), an initiative that provides support and mentoring to photographers from all over the Arab world.

This year’s jury was made up of Maíra Villela, head of exhibitions at PhotoESPAÑA, Karim Hauser, Casa Árabe’s Culture Coordinator, Betty Ketchedjian and Tarek Haddad, curators of the proposal «In Light or ‘Shadow’ of what was and still is», winner of NUR-PHE 2022.

Comisario

David Drake es un comisario, escritor y productor independiente afincado en el Reino Unido, con más de tres décadas de experiencia trabajando en un contexto internacional. Sus proyectos actuales incluyen el comisariado de una retrospectiva de toda la carrera del fotógrafo de Magnum Philip Jones Griffiths en The Photographer’s Gallery, Londres, y escritor/editor del libro correspondiente en la editorial Thames and Hudson; Arenas movedizas para Casa Árabe y PHotoESPAÑA y comisario del Muttrah Art and Culture Project en Omán 2024. Entre sus proyectos más recientes se incluye The Place I Call Home (2018 - 2021), una gran exposición que recorrió siete países explorando la idea de hogar en relación con las experiencias de las personas que viven en los estados árabes del Golfo en un momento de rápidos cambios y movilidad social. Fue director y comisario de cinco ediciones bienales de Diffusion – Wales International Festival of Photography entre 2013 y 2021. Como director de Ffotogallery en Gales (2009 – 2022) comisarió más de 200 exposiciones y 30 publicaciones de artistas fotográficos como Marcelo Brodsky, Katrien de Blauwer, Helen Sear, Sunil Gupta, Martin Parr, Indre Serpytyte, Maryam Wahid, Trine Sondergaard, Jana Romanova, Todd Hido, Peter Fraser, Vanley Burke, Michel Campeau, Jo Longhurst, Mike Perry, Anna Fox, Daniel Blaufuks y Edgar Martins. Ha sido director de dos proyectos de Europa Creativa: A Woman’s Work, 2018-20, y European Prospects: Visual Explorations of an Undiscovered Continent 2012 - 2015.

Curator

David Drake is a UK-based independent curator, writer and producer with over three decades’ experience working in an international context. Current projects include curator of a career-spanning retrospective of the Magnum photographer Philip Jones Griffiths at The Photographer’s Gallery, London, and writer/ editor of the accompanying Thames and Hudson book, Shifting Sands for Casa Árabe and PHotoESPAÑA and curator of the Muttrah Art and Culture Project in Oman 2024. Recent projects include The Place I Call Home (2018 – 2021), a major exhibition which toured to seven countries exploring the idea of home as relates to the experiences of people living in the Arab Gulf states at a time of rapid change and social mobility. He was Festival Director and Curator for five biennial editions of Diffusion – Wales International Festival of Photography between 2013 and 2021. As Director of Ffotogallery in Wales (2009 – 2022) he curated 200+ exhibitions and 30 publications featuring photographic artists such as Marcelo Brodsky, Katrien de Blauwer, Helen Sear, Sunil Gupta, Martin Parr, Indre Serpytyte, Maryam Wahid, Trine Sondergaard, Jana Romanova, Todd Hido, Peter Fraser, Vanley Burke, Michel Campeau, Jo Longhurst, Mike Perry, Anna Fox, Daniel Blaufuks and Edgar Martins. He was project Director for two Creative Europe projects: A Woman’s Work, 2018 -20, and European Prospects: Visual Explorations of an Undiscovered Continent 2012 – 2015.

Comisariado / Curated by David

Drake

Artistas / Artists

Rehab Eldalil, Seif Kousmate, Amina Kadous, Nadia Bseiso, Wafaa Samir

Coordinación / Coordinated by Karim Hauser

Silvia De Amo Romera

Montaje / Exhibition Setup

José Luis Tovar

Lorena López de Benito

Laboratorio fotográfico / Photography Lab

Movolcolor

PHotoESPAÑA 2023

XXVI Festival internacional de fotografía y artes visuales

3 mayo – 3 septiembre 2023

www.phe.es

Arenas movedizas

Shifting Sands

02.06 – 24.09.2023

Casa Árabe

Alcalá, 62. 28009 Madrid

Todos los días de 10 a 20:00 h (cerrado tres primeras semanas de agosto)

Every day from 10:00 a.m. to 8 p.m. (closed for the first three weeks of August)

Velázquez / Príncipe de Vergara

97

+34 915 633 066

info@casaarabe.es www.casaarabe.es

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@casarabe / twitter.com/casaarabe

@Casaarabe / www.facebook.com/casarabe

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