Folleto de la exposición "Un mundo de retales"

UN MUNDO DE RETALES Desde tiempos inmemoriales, el ser humano ha necesitado aprender y documentar los lugares que atravesaba, construyendo relatos del mundo que le permitían orientarse en él, al mismo tiempo que comprender los fenómenos que modelaban su entorno. El mapa, representación espacial por excelencia, se cuenta entre ellos. Sin embargo, en su versión más canónica, este ha codificado una visión muy concreta del mundo, funcionando como herramienta de control y conocimiento, pero también de anticipación y definición espacial en diversos territorios. Y así, durante siglos y en muchos lugares, las líneas del mapa han determinado las relaciones con la tierra, configurando identidades estáticas delimitadas por fronteras artificiales.

No obstante, y aunque a veces lo olvidemos, el mapa no es el territorio; es tan solo una de las muchas formas de evocarlo y hacerlo inteligible.

A lo largo del siglo XX y hasta nuestros días, se ha venido reclamando la visibilidad de esas otras maneras de contar el mundo. Con ellas, se ha cuestionado la neutralidad y exactitud atribuidas a los mapas, que empiezan a ser

A WORLD OF SNIPPETS Since time immemorial, human beings have felt the need to learn about and document the places they traversed, constructing stories of the world that enabled them to get their bearings and grasp the phenomena that shaped their environment. Maps, spatial representations par excellence, are one way to do so. However, in their most canonical version, they have laid down a very specific vision of the world, operating as a tool for control and knowledge, but also for spatial anticipation and definition in diverse territories. Thus, for many centuries and in many places, the lines on maps have determined relations with the land, configuring static identities demarcated by artificial borders.

Nevertheless, though we sometimes forget, maps are not the territory; they are just one of the many ways to evoke it and make it intelligible.

Throughout the twentieth century and to this day, many have advocated for the visibility of these other forms of conveying the world. They have made it possible to question the neutrality and accuracy attributed to maps, which are beginning to be viewed not as a definitive

concebidos, más que como representaciones definitivas de la tierra, como los procesos selectivos – y por tanto subjetivos – que realmente son. Esta mirada crítica al mapa y la cartografía vendrá acompañada de una reflexión en torno a la relación con los lugares, su narrativa y su capacidad para definirnos. A su vez, estos interrogantes surgen en respuesta a un tiempo – de virtualidad, de movilidad selectiva, de conectividad, de radicales cambios espaciales, de una salvaje globalización – que requiere no solo nuevas maneras de contar el mundo, sino también de habitarlo.

De este modo, la histórica relación entre arte y cartografía es reinventada, erigiéndose la creación artística como un campo fértil para repensar las formas que tenemos de entender, ocupar y narrar la tierra. Desde inicios del siglo XX, diversos artistas producirán obras encaminadas a cuestionar, subvertir y redefinir las representaciones cartográficas familiares, pero también a crear nuevos lenguajes que permitan evocar algunas de las dimensiones del territorio que no figuran en ningún mapa.

Muchas de las propuestas artísticas sobre el espacio vivido se articulan en torno a la experiencia personal, asumiendo una cualidad narrativa y biográfica donde el desplazamiento, el itinerario, la memoria, el cuerpo, la imaginación o el gesto cotidiano se erigen como

representation of the world, but instead, as the selective – and thus, subjective – processes they truly are. This critical look at maps and cartography will be accompanied by a reflection on our relationship with places, their narratives and their ability to define us. These questions arise in response to a time – of virtuality, selective mobility, connectivity, radical spatial changes, savage globalization – that requires not only new ways to describe the world, but also to inhabit it.

Therefore, the historical relationship between art and cartography is reinvented, the artistic creation providing fertile ground for rethinking our ways of understanding, occupying and describing the land. Since the early twentieth century, many artists have produced and continue to make pieces aimed at questioning, subverting and redefining familiar cartographic representations, but also at creating new languages that make it possible to evoke some of the dimensions of the territory that are not included in any map.

Many of the artistic proposals on the lived space revolve around personal experience, assimilating a narrative and biographical quality in which movement, itineraries, memory, body, imagination or daily gestures arise as core elements of a necessarily in-process and fragmentary story. These can therefore be regarded as ‘cartobiographies’, a term used by Antonio Jesús Palacios Ortiz

elementos centrales de un relato necesariamente procesual y fragmentario. Estas pueden ser entendidas por ello como ‘cartobiografías’, un término utilizado por Antonio Jesús Palacios Ortiz que permite aludir simultáneamente a la narrativa del lugar y del ser en el mismo.

Esta concepción entrelazada del individuo, el mundo y sus narrativas, refleja lo que ocurre en la realidad: que siendo el ser humano un ser geográfico – siempre es en algún sitio – modela los lugares tan solo con estar en ellos. Dicho de otro modo, en la interacción con el entorno que habitamos, este es transformado. Las cartobiografías evidencian no solo que los lugares están en permanente definición, sino que el habitar es una práctica central en el proceso. Ello a su vez muestra que el cómo somos en el mundo entraña una inmensa responsabilidad, pues define no solo los paisajes que transitamos, sino también las historias que contamos.

Al mismo tiempo, uno recuerda los lugares y termina por sentirse parte de ellos a través de los gestos cotidianos y de las rutinas aprendidas, pero también en la acción puntual y extraordinaria. Si el mapa canónico establecía una correlación entre territorio e identidad a través de la materialización espacial de fronteras inventadas, estos proyectos muestran que la experiencia permite articular

that enables one to simultaneously refer to the narrative of place and of the being in it.

This intertwined conception of individuals, the world and their narratives echoes what happens in reality: that since humans are geographical beings – they always exist in a certain place – these very same places are modelled with their presence. In other words, in the interaction with the spaces we inhabit, these are transformed.

Cartobiographies highlight that not only places undergo permanent definition, but also that inhabiting them is a central practice in the process. This, in turn, shows that the way we are in the world entails great responsibility, as it defines not only the landscapes we traverse, but also the stories we tell.

At the same time, one remembers places and ends up feeling part of them through everyday gestures and learned routines, as well as through occasional and extraordinary actions. Whereas canonical maps established a correlation between territory and identity through the spatial materialization of invented borders, these projects prove that experience enables one to articulate other spatial imageries and belongings that may transcend and redraw some of the lines that maps have been laying down for centuries.

otros imaginarios y pertenencias espaciales con el potencial para transcender y redibujar algunas de las líneas que, durante siglos, los mapas han trazado.

Las obras de Filwa Nazer, asmaa al-issa, Amina Agueznay y Christine Gedeon reunidas en esta exposición se encuentran atravesadas por algunas de estas reflexiones. De manera diversa, las cuatro artistas exploran sus vínculos con una serie de lugares físicos y simbólicos.

Las historias individuales y colectivas, la vivencia corporeizada e interactiva, pero también la distancia, y con ella, la memoria o los imaginarios espaciales, cobran particular relevancia en sus proyectos, emergiendo como factores esenciales tanto en la relación con los lugares, como en su definición y relato. La naturaleza somática y relacional de las experiencias del territorio se hace eco en las técnicas y materiales empleados. Y es que, con un carácter artesanal y textil, estas piezas navegan el lugar y sus posibles representaciones a través del retal y el bordado, evidenciando que las siempre cambiantes relaciones con el mundo quizás requieran, más que una imagen definitiva y panorámica, un relato hecho de fragmentos e hilos entrelazados.

Some of these reflections permeate the works by Filwa Nazer, asmaa al-issa, Amina Agueznay and Christine Gedeon presented in this exhibition. In diverse ways, the four artists explore their ties to a series of physical and symbolic places. Individual and collective stories, corporeal and interactive experience, but also distance, and with it, memory or spatial imageries, become particularly relevant in their projects, arising as essential elements both in the relationship with places and in their definition and account. The somatic and relational quality of territorial experiences is echoed in the techniques and materials employed. And this is so because, assuming an artisan and textile nature, the artworks navigate place and its possible representations through snippets and embroidery, making it evident that the ever-changing relationships with the world might require, rather than a definitive and panoramic depiction, a narrative made from fragments and interwoven threads.

MARÍA GÓMEZ LÓPEZ

Amina Agueznay A su regreso a Marruecos de Estados Unidos tras formarse y trabajar como arquitecta, Amina Agueznay empieza a producir piezas de joyería en diversos materiales y a colaborar con talleres de artesanos en iniciativas encaminadas a preservar y reinventar modos de trabajo tradicional. Esto la llevaría a establecer una relación particular con algunas de estas cooperativas y artesanos, cristalizando en una práctica colaborativa que marca gran parte de su propia obra. En sus experimentaciones con el diseño de joyas irá calando un interés por el uso de materiales textiles, que Amina convierte en formas orgánicas e inverosímiles que revisten la piel. Pronto la actividad creativa de la artista oscilará entre la macro y micro escala, de modo que las formas que antes cubrían el cuerpo, se transforman en grandes instalaciones que reptan por las paredes y el suelo del espacio expositivo. Estas obras, afirma Agueznay, no solo evocan paisajes reales a través del material, sino que constituyen, en sí mismas, cuerpos y territorios simbólicos que refieren diversas maneras de hacer y ser en el mundo.

En A Garden Inside, Amina Agueznay explora la proyección de un paisaje interior en el exterior, creando una suerte de ecosistema propio donde la vegetación de

After returning to Morocco from the United States, where she was trained and worked as an architect, Amina Agueznay began to produce jewelry in different materials. In the meantime, she collaborated on various initiatives aimed at preserving and revitalizing traditional Moroccan craftsmanship. This led her to establish particular ties to different cooperatives and artisans that at some point, crystallized in a collaborative practice that has marked most of her production. Her jewelry experimentations would soon be permeated by an interest in using textile, a material that Amina transforms into organic and implausible shapes that coat the skin. Shortly after, the artist’s creative practice would fluctuate between macro and micro scales, and consequently, the shapes that once dressed the body, turned into large installations that crawl along the walls and floor of the exhibition spaces. These pieces, states Amina, not only evoke real landscapes through the employed materials, but also constitute symbolic bodies and territories in themselves that refer to different ways of doing and being in the world.

In A Garden Inside, Amina explores the projection of an interior landscape onto the exterior one

A Garden Inside. Installation (2020). Cortesía de Loft Art Gallery y la artista

lana y alambre se transforma en tres piezas. La primera es un inmenso collar-talismán que refiere la importancia central y liminal del cuerpo en la relación con el espacio habitado y el íntimo, pero que también opera como guardián de ese universo interior. La segunda pieza es un conjunto de cajas de madera – inicialmente concebidas como instalaciones táctiles – que enmarcan visiones fragmentarias de ese paisaje íntimo que la artista entreteje. Por último, la tercera pieza es un laberinto que invade – y casi desborda – el espacio expositivo, en el que, como escribe Kristi Ann Jones, “las líneas permanecen erguidas, flexibles pero indoblegables, y se transforman en un plano, el plano es modelado en volúmenes, y los volúmenes se convierten en estructuras, constelaciones de distintos tonos verdosos.

Y entre estas constelaciones-estructuras, hay espacio”. A través de esta triple instalación con claras evocaciones al universo arquitectónico, corporal y natural que atraviesa toda su obra, Agueznay despliega una reflexión material en torno a la existencia convergente y dialéctica del mundo interior y exterior, explorando los efectos de la interacción con los espacios que habitamos y los diversos modos que tenemos de navegarlos e investirlos.

through a green ecosystem in which the vegetation made of wool and wire is materialized in three pieces. The first is an immense necklace-talisman that not only refers to the central and liminal importance of the body in the relationship with the inhabited and intimate space, but also operates as a guardian of that inner universe. The second piece consists of a group of wooden boxes – initially devised as tactile installations – that offer fragmentary visions of the intimate landscape the artist embroiders. Finally, the third piece is a labyrinth that invades – and almost overgrows – the exhibition space in which, as Kristi Ann Jones puts it, “the lines stand erect, flexible but unbending, and then become a plane, the plane is shaped into volumes, and the volumes become structures, constellations of varying shades of green. And between these constellation-structures, there is space”. Through this three-part installation with clear evocations of the architectural, corporeal and natural universe found throughout Amina’s production, she unfolds a material reflection upon the convergent and dialectical existence of inner and outer worlds, exploring the effects of our interactions with the spaces we inhabit and the diverse ways we have of investing and navigating them.

“El Jardín Interior: ¿paisaje exterior (landscape) o interior (inscape)? Inscape es una palabra utilizada para describir la concepción distintiva que es la identidad

“The Garden Inside: landscape or inscape?

Inscape is a word used to describe the distinctive design that is individual identity. This identity is dynamic, and,

individual. Esta identidad es dinámica y, como una huella dactilar, única en cada ser. El paisaje (landscape), por otro lado, es el mundo natural que nos rodea. Percibimos el mundo natural como ambiente nutritivo y vital, pero bajo esta energía maternal se encuentran las poderosas fuerzas de la naturaleza. Siendo testigos de las fuerzas del mundo, frecuentemente nos volvemos a la naturaleza para comprender nuestro paisaje interior, y las fuerzas que nos mueven”. Kristi Ann Jones.

like a fingerprint, unique to every being. Landscape, on the other hand, is the natural world around us. We perceive the natural world as a nurturing and life-giving environment, but underneath this maternal energy are the powerful forces of nature. Bearing witness to the forces of the world, we often turn to nature to understand our inscape, and the forces that drive us”.

Kristi Ann Jones.

A Garden Inside - Constructions (2020). Cortesía de Loft Art Gallery y la artista

A Garden Inside - Construction (2020). Cortesía de Loft Art Gallery y la artista

Mi planteamiento consiste en abordar el proceso de creación prestando atención al significado que le otorgo al primer contacto con el material.

My approach consists of addressing the process of creation through the meaning I bestow upon the gesture of approaching the material.

Mi proceso creativo está estrechamente ligado a la forma en que concibo el acercamiento a la materia y la idea que puedo hacerme del gesto creativo.

My process of creation depends largely upon the way in which I conceive the approach to the material and the idea I have of the creative act.

El contacto con el material es primordial, entendiendo por contacto el cuerpo a cuerpo con el mismo, el tacto, la torsión, el cuerpo como vehículos de la creación.

Contact with the material is fundamental, and by contact I mean bodily communion with the material, touching it, twisting it, the body as a medium for creation.

Comienzo siempre por un momento de profunda inmersión en un espacio-tiempo en el que es fundamental sentar las bases de una organización rigurosa y precisa.

I always begin with a moment of deep immersion in a space and time in which I attempt to lay the foundations for a rigorous and precise organization.

Esta organización debe estar compuesta por la suma de diversas escenografías concebidas a distintas escalas que evolucionan del micro al macro acercamiento.

This organization must be the sum of different mise-en-scènes conceived at varying scales which evolve from a micro- to a macro-approach.

Este largo proceso de inmersión es la base de mi trabajo.

This lengthy process of immersion is the basis of my work.

Necesito movilizar mi rigor de arquitecta, para enfrentarme a la resistencia de los materiales, y así, alejarme tan pronto como haya llevado al máximo los límites técnicos de la materia.

I need to mobilize my rigor as an architect, to confront the resistance of the materials in order to create distance once I have pushed to the maximum extent possible the material’s technical limits.

En cuanto obtengo de la materia esta libertad infinita que busco, comienzo el trabajo de acercamiento manual, es la mano la que doma la materia y es la mano la que la inmoviliza.

As soon as the material has given me the boundless freedom I seek, I begin the manual approach work: it is then the hand that tames the material, and it is the hand that immobilizes it.

Mi proceso de trabajo se define a partir de una organización metódica de secuencias: en primer lugar, libero la materia; en segundo lugar, la domo; por último, esta se vuelve estructura.

My work process has been defined on the basis of a methodical organization of sequences: first, I release the material; secondly, I tame it; finally, the material becomes structure.

Amina Agueznay

Amina Agueznay

asmaa al-issa Prescindiendo de la imagen del lugar para apostar por su representación metonímica, asmaa al-issa desarrollará una particular relación con los imaginarios del paisaje iraquí a través del bordado. En gran medida, su obra es una reflexión en torno al poder regenerativo de los vínculos con la tierra de las comunidades en diáspora. En diversas piezas, asmaa regresa al motivo de la palmera como elemento emblemático del paisaje en Iraq, donde su padre poseía terrenos de cultivo que fueron ocupados tras su partida. La palmera datilera, perteneciente al grupo fénix, es una especie que crece con relativa facilidad en suelos que no le son propios dadas ciertas condiciones climáticas, emergiendo para la artista como una suerte de símbolo de la migración y la adaptabilidad a terrenos foráneos. Esta adaptación física se ve enfatizada por la intangible, al ser la palmera un elemento con gran presencia en la cultura árabe (cocina, cuentos, poemas), donde es posible identificar un frecuente paralelismo entre el cuerpo del árbol y el humano.

Siguiendo estos encuentros entre el mundo vegetal y el humano, asmaa profundiza en la presencia ancestral de la palmera, por un lado, como árbol genealógico y herramienta mnemotécnica que le permite trazar un

Foregoing the image of place to focus on its metonymic representation, asmaa al-issa has developed a particular relationship with the imagery of Iraqi landscape through embroidery. To a great extent, her work is a reflection on the regenerative power of ties to the land for diaspora communities. In different pieces, asmaa returns to the motif of the palm tree as an emblematic feature of the landscape in Iraq, where her father owned cropland that was occupied after he left. The palm tree, member of the phoenix genus, is a species that grows with relative ease in foreign soil under specific climate conditions, thus becoming a symbol of migration and adaptability to unfamiliar territories for the artist. This physical adaptation is complemented by a more intangible one, the palm tree being an element present in Arab culture (cuisine, tales, poems), which often draws parallels between this tree and the human body.

Following these encounters between the vegetal and human worlds, asmaa delves into the ancestral presence of the palm tree, on the one hand, as a genealogical tree and mnemonic tool that enables her to trace a way back to an Iraq she never revisited; and on the other hand, as a symbol of the journey taken by her family from

land of many rivers (burlap) (2019). Cortesía de la artista

land of many rivers (tulle) (2019). Cortesía de la artista

camino de regreso a un Iraq que nunca revisitó; por otro, como símbolo del viaje emprendido por su familia desde Iraq hasta Canadá, pasando por Jordania. Todo ello se condensa en la serie fotográfica qatari date palms, en la que al-issa superpone las imágenes de palmeras tomadas por el país durante su estancia entre 2018 y 2019 como docente en la Universidad de Virginia Commonwealth de Doha, y las de las formas de los ríos que, recortados sobre una malla, proyecta en un juego de luces y sombras sobre el papel fotográfico durante el proceso de revelado.

Al solapar la geografía hídrica con la vegetal, la artista establece un paralelismo visual con el proceso de regado, siendo aquí la práctica artística y el relato los que parecen dar vida al simbólico imaginario topográfico. Estos Tigris y Éufrates reformulados se materializan en las dos piezas que componen land of many rivers, una en tul blanco con cuentas doradas que cuelga de la pared, y otra en arpillera que se extiende, transitable, por el espacio expositivo. En monkhol [sieve], palmeras y ríos se multiplican sobre una malla negra, perpetuando en otro medio los motivos de esta geografía personal.

Iraq to Canada, passing through Jordan. All of this is materialized in her photographic series qatari date palms, in which al-issa superimposes the photographs of Qatari palm trees taken in the country during her stay between 2018 and 2019 as an instructor at Virginia Commonwealth University in Doha, and the shapes of rivers, which, cut out from a net, she projects in an interplay of lights and shadows during the photo development. By overlapping the arboreal and fluvial landscapes, the artist creates visual parallels with irrigation, in an artistic and narrative practice that seems to breathe life into the symbolic topographic imagery. The reformulated Tigris and Euphrates are materialized in the golden beams that traverse the two pieces that make up land of many rivers, one in white tulle on a hoop that hangs on the wall, and the other over a walkable stretch of burlap on the floor of the exhibition space. In monkhol [sieve], palms and rivers multiply over a black grid, perpetuating the motifs of this intimate geography in yet another medium.

qatari date palms (2019). Cortesía de la artista

Desde que abandoné la tierra que sustentó a mis ancestros, lo más cerca que he estado de regresar ha sido verla desde la ventana de un avión. Tras veinte años y seis meses, todavía sufro jet-lag. Mis actividades cotidianas están entretejidas con referencias a una tierra que mis costumbres no me permitirán olvidar. La hablo en el acento de mi madre. La saboreo en ingredientes y recetas. La veo en mi casa a través de objetos decorativos inservibles. Siempre señalando a un lugar que solo existe en recuerdos e historias.

Las piezas presentadas en esta exposición imaginan topografías imposibles; tierras sin fronteras e infinitos sistemas fluviales.

Durante siglos, la región alrededor de Shatt al-Arab fue el terreno más fértil para el crecimiento y cultivo de la palmera datilera. En los últimos 40 años, el continuo daño a la tierra y el agua han devastado bosques y plantaciones. ¿Cómo se recupera una tierra tras años de destrucción intencionada e involuntaria? ¿Cómo se recupera una cultura? ¿Quién es responsable de su regeneración?

Los motivos de ríos y palmeras datileras entretejen el trabajo en procesos repetitivos que analizan una tierra en un estado irreal, desenterrando el potencial de la imaginación – una red fluvial que se extiende de forma indefinida,

Since leaving the land that sustained my ancestors, the closest I have been to returning is a view from an airplane window. After twenty years and six months, I still feel jet-lagged. My daily activities are woven with references to a homeland my habits will not allow me to forget. I speak it in my mother’s accent. I taste it in ingredients and recipes. I see it around my house in useless decorative objects. Always pointing to a place that only exists in memories and stories.

The artworks in this exhibition imagine impossible topographies; lands without borders and infinite river systems.

For centuries, the area around Shatt al-Arab was the most fertile land for date palm growth and cultivation. Over the past 40 years, consistent damage to the land and water has devastated the forests and farms. How does a land recover after years of intentional and unintentional destruction?

How does a culture recover? Who is responsible for their regeneration?

Motifs of rivers and date palms thread the work together in repetitive processes that examine a land in an unrealistic state, unearthing the potentials of imagination – a river system that extends indefinitely, bringing fertile soil, nutrients, food, and fresh water wherever it flows, reviving dry lands and sprouting extinct date varieties.

brindando suelo fértil, nutrientes, comida, y agua fresca allá donde fluye, reviviendo tierras resecas y haciendo germinar especies de dátiles extinguidas.

El trabajo se aproxima a esta tierra abstracta a través de diversos materiales: arpillera, tul, fibra de vidrio, tamices, papel. Cada material revela una nueva cualidad de la tierra, articulando reflexiones en torno a su durabilidad, permeabilidad, resistencia, adaptabilidad.

Actualmente, múltiples ramificaciones de palmeras datileras iraquíes crecen y se reproducen en suelos foráneos.

En Qatar, estas se alinean en las carreteras y llenan los parques públicos. Buscando la sombra bajo las hojas de la palmera, me siento conectada a ella. Siento que somos parientes lejanos. Comprendo: el mismo suelo nutrió a nuestros ancestros.

Este proyecto y mi producción en curso son procesos de navegación de los patrones plegados en mi cuerpo, y de los de la tierra, con la esperanza de mapear un camino más allá del pasado, a través del presente, y hacia un futuro revivido. asmaa al-issa

The work addresses this abstract land through different materials: burlap, tulle, fiberglass screen, paper. Each material reveals a new characteristic of the land, inspiring contemplations on its durability, permeability, resistance, adaptability.

Today, offshoots from Iraqi date palms thrive and reproduce in foreign soils. In Qatar, date palms line the highways and fill public parks. Finding shade under the palm leaves, I feel connected to the palm. I can sense we are distant relatives. I realize: our ancestors were nurtured by the same soil.

This work and my ongoing body of work are processes of navigation – through the enfolded patterns within my body, and the patterns of the land, in hopes of mapping a route beyond the past, through the present, and toward a revived future. asmaa al-issa

Christine Gedeon Habiendo crecido rodeada de las historias que su familia contaba sobre Siria – país que abandonó de niña y visitó en 2006 – Christine Gedeon comienza a producir una serie de piezas durante el conflicto que giran en torno al imaginario de un lugar que hoy se desvanece. En Aleppo: Deconstruction | Reconstruction, la artista elabora un archivo fragmentario de los rincones de la ciudad tomando como punto de partida los recuerdos e historias personales y familiares. La serie se compone de un conjunto de imágenes cartográficas sobre papel de archivo intervenidas digital y manualmente. Combinando las vistas aéreas con cinta adhesiva, lápiz e hilo, Christine mapea algunos de los rincones de Alepo que forman parte de la historia familiar, buscando en el proceso no solo documentar las historias del lugar, sino también solidificar la memoria un paisaje en destrucción. La obra en papel va acompañada de cartelas de aluminio con breves textos que recogen los recuerdos que su tío Nabil, su madre y otros familiares tienen de las localizaciones mapeadas, evidenciando que la narrativa del espacio está en gran medida supeditada a la práctica y reminiscencia del mismo.

Having grown up surrounded with family stories about Syria – a country she left as a child and only revisited in 2006 – Christine Gedeon began a series of works during the civil war that revolve around the imagery of a place now fading. In Aleppo: Deconstruction | Reconstruction, the artist develops a fragmentary urban archive using personal and familiar memories and stories as a starting point. This series is made up of a set of cartographic images on digitally and manually mediated archive paper. Combining aerial view images with tape, pencil, and thread, Christine maps some of the areas in Aleppo which form part of her family history, aspiring in the process not only to document stories of place, but also to solidify a landscape under destruction. The works on paper are accompanied by aluminum panels with brief texts that collect the memories her Uncle Nabil, her mother and some other family members, have of the mapped territories, revealing that the narrative of space is, to a great extent, contingent upon its practice and reminiscence.

In her Stitched Works, Christine definitely transcends the familiar cartographic language to delve into

At the Citadel (2018). Cortesía de la artista

En los Stitched Works, Christine transciende definitivamente el lenguaje familiar del mapa para adentrarse en un relato experimental del lugar. Las cuatro piezas textiles que conforman la serie articulan una suerte de atlas íntimo y experiencial de algunos rincones de Siria donde se solapan el espacio real, el referido, el transitado y recordado, y finalmente, el imaginado. “Los trabajos se inspiran en la Ciudadela de Alepo, reflejando la dañada escalera de acceso; la Villa Rose, una preciosa villa construida por los franceses durante el mandato que se encontraba frente a nuestra casa, al otro lado de la calle; la Fuente de Il Mashtal, situada en un parque cerca de nuestra vieja casa que constituye mi único recuerdo de Alepo antes de nuestra partida en 1976; y la Vista desde Qasioun, una zona popular de Damasco situada en lo alto de la montaña que recuerdo visitar de noche y desde la que se veían las luces verdes de los alminares de las mezquitas zigzagueando en el paisaje”.

En un momento en que muchas de las ciudades sirias se desdibujan con los estragos de la guerra, Christine propone una forma particular de regreso a y preservación de las mismas a través del mapa, el remiendo y el retal.

an experimental story of place. The four textile pieces that form the series articulate a sort of intimate experiential atlas of some sites in Syria, in which the real, related, traversed and remembered, but also the imagined space, converge.

“Included here are works based on the Citadel in Aleppo, reflecting on the damaged staircase leading up to it; the Villa Rose, a beautiful villa built by the French during the mandate, which was across the street from our house; the Fountain at Il Mashtal, a fountain in the park nearby our old house, and my only memory of Aleppo from before we left in 1976; and The View from Qasioun, an area in Damascus up on a mountain, where I remember visiting this popular area at night and looking down seeing all the green lights lit up from the minarets of the mosques below, which zig-zagged in the landscape”. At a time when many Syrian cities are fading due to the havoc of war, Christine proposes a particular way of returning to and preserving them through mapping, mending and patching.

Aleppo: Deconstruction | Reconstruction (2017-2018). Cortesía de la artista

Alepo ha sido una presencia persistente en mi vida. Es la ciudad de donde viene mi familia y donde yo nací. Sin embargo, como cuando marchamos yo tenía tres años y solo he podido visitarla una vez de adulta, es también una ciudad que nunca llegué a conocer. Construida menos desde la experiencia que a través de las historias de familia, fotografías y los pocos recuerdos que todavía preservo de mi infancia, Alepo ha crecido en mi imaginación, quizás como resultado de esta misma distancia. Ahora cuando imagino Alepo, es un sitio de destrucción y reconstrucción. Me embarqué en este proyecto personal de mapear la ciudad como una manera de solidificar este paisaje destrozado, de diseccionar las narrativas y recuerdos personales de mi familia, al mismo tiempo que cuestiono la supervivencia y longevidad de estos lugares. Sin conocer el estado de las localizaciones, he creado un Alepo que solo es accesible y recreado a través de la memoria. Pensando en estos emplazamientos que conozco a partir de historias familiares, comienzo a preguntarme si alguna vez existieron.

Christine Gedeon

The view from Qasioun (2018). Cortesía de la artista.

Aleppo has been a persistent presence in my life. It is the city that my family came from and where I was born. But because I left when I was three and have been able to visit it only once as an adult, it is also a city that I never got to fully know on my own. Constructed less through experience than through family stories, photographs, and the one or two memories I still have from childhood, Aleppo has grown in my imagination, perhaps as a result of this very distance. Now when I imagine Aleppo, it is as a site of destruction and reconstruction. I embarked on this personal mapping project of the city as a way of solidifying this destroyed landscape, of dissecting my family’s personal narratives and memories, while also questioning the survival and longevity of these places. While not knowing the state of these locations, I formed an Aleppo that was only accessible and recreated through memory. Reflecting on these sites that were familiar to me from family stories, I began to wonder if they even still existed at all.

Christine Gedeon

Filwa Nazer Formada como diseñadora de moda y con una obra artística inicial en distintos medios centrada en explorar el impacto emocional del entorno espacial y social, Filwa Nazer pronto emprenderá sus primeras experimentaciones con instalaciones en tela y bordado. A través de estas piezas, consolidará un particular lenguaje artístico marcado por la convergencia de patrones técnicos de diseño textil y planos arquitectónicos. Desde ese momento, su producción artística se convierte en una plataforma desde la que explorar la relación entre cuerpo y espacio, analizando las formas de habitar ambos y prestando particular atención a la vestimenta en tanto que elemento espacial que el cuerpo ocupa. Para ello, empleará materiales tan diversos como el tul negro, la muselina blanca, las telas que cubren los edificios en obras, el látex o el papel. En esta exposición se muestran tres de sus piezas, producidas para proyectos distintos, pero atravesadas por inquietudes similares.

Trained as a fashion designer with an early artistic practice in various media that focused on exploring the emotional impact of spatial and social environment, Filwa Nazer would soon undertake her first experiments with installations using fabric and embroidery. Through these pieces, she developed a particular artistic language marked by the convergence of technical garment patterns and architectural layouts. From that moment on, her artistic production became a platform from which to explore the relationship between body and space, examining how we inhabit both while paying particular attention to clothing as a spatial element that the body occupies. To this end, she uses wide-ranging materials that include black tulle, white muslin, plastic fabrics that cover buildings under construction, latex or paper. This exhibition displays three of her works, produced for different projects but permeated by similar concerns.

Missing a Rib es una instalación escultórica hecha en tul negro bordado. Concebida en Londres, pero realizada tras su regreso a Jeda, la pieza constituye un relato de ese tiempo de transición en el que la artista vuelve a un espacio familiar pero transformado. Filwa emplea el

Missing a Rib is a sculptural installation made of embroidered black tulle. Conceived in London but produced after her return to Jeddah, the piece is an account of that transitional time during which the artist travels back to a familiar yet transformed space. Filwa uses the black

color negro como referencia a la vestimenta tradicional femenina del país – la abaya –, sobre la que borda distintos motivos. Por un lado, incluye unos patrones decorativos en rojo y blanco realizados a máquina que simbolizan la sexualidad y la espiritualidad transferidas del cuerpo al espacio a través del atuendo. Por otro lado, traza el plano de su casa familiar en Jeda mediante unas bandas bordadas en hilo tirado de algodón blanco, una técnica que evoca los detalles ornamentales de las prendas interiores que llevan los hombres bajo el thobe, vestimenta tradicional masculina saudí. Estas bandas blancas refieren la dimensión patriarcal que controla los espacios que la artista habita hoy y en los que negocia su lugar, física y metafóricamente. En el interior del tul negro se vislumbra una caja torácica, metáfora visual de su propio cuerpo que, en ese momento, no solo se adaptaba a habitar el cambio en una navegación liminal de fronteras textiles y arquitectónicas, sino que se recuperaba de una fractura de costilla que la mantuvo convaleciente durante semanas.

En la serie Tactile Mapping, producida originalmente para el March Project 2019 de Sharjah Art Foundation, Filwa imagina la vida cotidiana de la última habitante de Beit Al Hurma, una de las casas históricas de piedra coralina que compone el centro de arte emiratí.

En una extrapolación de sus propias inquietudes en torno

color as a reference to traditional Saudi female clothing – the abaya – on which she embroiders different motifs. On the one hand, she includes decorative machine-stitched embroidery patterns in red and white that refer to sexuality and spirituality transferred from body to space through garment. On the other, she outlines the layout of her family home in Jeddah with white cotton strips in pulled thread embroidery, a technique that also evokes the details that decorate the undergarments worn beneath the thobe, Saudi’s traditional male clothing. These white strips allude to the patriarchal dimension that controls the spaces which the artist inhabits today and where she negotiates her place physically and metaphorically. Through the black tulle, a rib cage can be glimpsed, in a visual metaphor for her own body, which, at the time, was not only adapting to inhabit change in a liminal navigation of textile and architectural boundaries, but was also recovering from a rib fracture that kept her convalescing for weeks.

In the Tactile Mapping series, originally produced for the Sharjah Art Foundation’s March Project 2019, Filwa imagines the daily life of the last resident of Beit Al Hurma, one of the historical coral stone houses of the Emirati art center. By extrapolating her own concerns on body, space and clothing, Filwa sets out to trace the energy of that woman who resisted leaving her home. Alongside a

al cuerpo, el espacio y la vestimenta, Filwa se propone explorar las huellas de la energía de la mujer que se resistió a abandonar su hogar. Junto a una pareja de piezas escultóricas instaladas en el patio de la casa, la artista creó seis mapas-patrones bordados sobre látex – una referencia material a la piel y al cuerpo como contenedor – que recrean una serie de espacios inspirados en Bait Al Hurma y las imaginarias vestiduras que llevaba la dueña cuando se movía en el interior de la casa. La artista traza así desde la memoria, la invención y el diálogo intertemporal, las huellas invisibles de las trayectorias corporales en el lugar.

Four Attempts to Dance se compone de cuatro piezas de dibujo y bordado sobre papel de croquis amarillo.

Este proyecto toma como punto de partida un recuerdo infantil en el que Filwa es reprendida por bailar delante de sus primos durante el visionado de una película. Este incidente marca una extrema toma de conciencia corporal que desembocará en una inhibición instintiva en situaciones que impliquen bailar. Superponiendo los patrones de la vestimenta que llevaba y los planos de las estancias donde se encontraba, la artista reúne cuatro momentos donde logró liberar el cuerpo de los límites impuestos y entregarse al baile. De este modo, las cuatro piezas simbolizan una suerte de emancipadora notación coreográfica.

Tactile Mapping. Untitled 3 (2019). Cortesía de la artista.

couple of sculptural textile pieces installed in the house’s courtyard, the artist created six map-patterns embroidered on latex – a material reference to the skin and the body as container – that recreate spaces inspired by Bait Al Hurma and by the imagined garments its owner wore as she moved around the house. By doing so, the artist outlines through research, invention and inter-temporal dialogue, the invisible traces of this woman’s corporeal trajectories throughout the house.

Four Attempts to Dance consists of four pieces of drawing and embroidery on yellow tracing paper. This project arises from a childhood memory in which Filwa was reprimanded for dancing in front of her cousins while watching a movie. The incident led to an extreme body awareness that would later develop into an instinctive inhibition when asked or expected to dance.

By superimposing the patterns of the clothing she was wearing and the layouts of the rooms where she was in, the artist brings together four moments when she succeeded in setting her body free from imposed constraints and surrendered to dance. As a result, the four pieces symbolize a sort of emancipating choreographic notation.

En mi trabajo, analizo las relaciones entre nuestros cuerpos y los espacios que habitamos, buscando dar forma física a la experiencia subjetiva de las dimensiones energéticas y psicológicas de estos espacios.

I examine the relationships between our bodies and the spaces we occupy, seeking to give physical form to the subjective experience of the energetic and psychological dimensions of these spaces.

Entendiendo la vestimenta como un elemento espacial y explorando sus patrones técnicos como una herramienta cartográfica que refleja los planos arquitectónicos de espacios personales, he creado mi propio lenguaje visual.

Este lenguaje se caracteriza por el uso de la costura y el bordado como forma de abstracción y el empleo de diversos textiles en una variedad de materiales que van desde el algodón y el tul de poliéster, al látex y la malla industrial de plástico polietileno.

Thinking of clothing as a spatial element and exploring its technical patterns as a mapping tool that mirrors the architectural plans of personal spaces, I created my own visual language. This language is characterized by the use of sewing and embroidery as a form of abstraction, and of contrasted textiles in a variety of materials that range from cotton and polyester tulle to latex and plastic polyethylene industrial netting.

Mi proceso es íntimo y experimental, buscando reflejar la dificultad que experimentamos a veces cuando habitamos cuerpo y espacio y las tensiones inherentes a ambos.

Filwa Nazer

My process is intimate and experimental, attempting to reflect the difficulty we experience sometimes in inhabiting body and space and the tensions inherent in both.

Filwa Nazer

Four Attempts to Dance, Untitled 1 y Four Attempts to Dance, Untitled 2. (2020). Cortesía de Hafez Gallery, la artista y colección privada Missing a Rib (2019). Cortesía de Hafez Gallery, la artista y Faye Bahbehani

Amina Agueznay, artista, arquitecta y diseñadora nacida en Casablanca en 1963 y formada en Estados Unidos, crea joyas y piezas contemporáneas meticulosamente estructuradas. Atraída por el diseño de joyas desde su regreso a Marruecos en 1997, en ese momento comienza a investigar y producir piezas empleando formas tradicionales y materiales locales. Actualmente colabora con diversos maestros artesanos de Marruecos para producir instalaciones de gran y pequeña escala que muestran cómo la relación entre arte y artesanía puede perpetuarse y reinventarse en el mundo actual. Amina ha dinamizado diversos talleres en Marruecos con el Ministerio de Artesanía y la Asssociation pour la Sauvegarde et la Valorisation du Patrimoine du Maroc, como parte de Gardiens de la Mémoire en Domaine de Boisbuchet, Francia o en di_mad, España.

Amina Agueznay, artist, architect and designer born in Casablanca in 1963 and educated in the United States, designs jewelry and meticulously structured contemporary pieces. Drawn to jewelry since returning to Morocco in 1997, she began researching and creating jewels using traditional forms and materials sourced locally. She now collaborates with master artisans in Morocco to produce small and large scale installations that demonstrate how the relationship between art and crafts can still be maintained and revived in our modern world. She has run several workshops in Morocco with the Ministry of Handicraft and the Asssociation pour la Sauvegarde et la Valorisation du Patrimoine du Maroc, as part of Gardiens de la Mémoire, at Domaine de Boisbuchet, in France, and in di_mad, Spain.

BIO asmaa al-issa, nacida en 1991 en Bagdad, Iraq, emigró a Mohkínstsis/Calgari, Alberta, Canadá, con su familia en 2001 y obtuvo su pasaporte canadiense en 2005. Su práctica interdisciplinar explora sus vivencias de la tierra, los materiales y los individuos que la rodean. Mantiene un aprendizaje continuado de recetas, tradiciones, filosofías, teorías e historias de Oriente Medio al mismo tiempo que desarrolla su práctica como artista y educadora. asmaa es graduada en Bellas Artes y Artes Visuales por la Universidad de Calgary (2013) y tiene un Máster de Bellas Artes en Estudios Interdisciplinares de la Universidad Simon Fraser (2017).

Su práctica artística ha sido financiada por su familia, Canada Council for the Arts, Alberta Foundation for the Arts, y Calgary Arts Development, por lo cual se siente agradecida.

asmaa al-issa, born in 1991 in Baghdad, Iraq, immigrated to Mohkínstsis/Calgary, Alberta, Canada with her family in 2001 and was given a Canadian passport in 2005. Her interdisciplinary practice engages her lived experiences with the land, materials, and people around her. She is continually building knowledge of recipes, traditions, philosophies, theories, and histories of the Middle East while developing her practice as an artist and educator. asmaa holds a Bachelor of Fine Arts in Visual Arts from the University of Calgary (2013) and a Master of Fine Arts in Interdisciplinary Studies from Simon Fraser University (2017). asmaa’s artistic practice has been supported by her family, Canada Council for the Arts, Alberta Foundation for the Arts and Calgary Arts Development, for which she is grateful.

Christine Gedeon nació en Alepo, Siria, fue educada en Estados Unidos y actualmente reside entre Berlín y Nueva York. La relación entre mapas y memoria ha jugado un papel central en su producción artística. Desde los trabajos en lienzo a las extensivas instalaciones y dibujos murales, Gedeon explora el proceso de mapeo en diversos formatos, en los que frecuentemente utiliza diversas técnicas de costura y bordado. El trabajo de Gedeon ha sido expuesto en galerías e instituciones internacionales, e incluido en publicaciones en diversos medios (Hyperallergic o The Dallas Morning News). Asimismo, su práctica artística se ha desarrollado en el marco de varias residencias de artista y ha sido financiado por becas y ayudas procedentes de instituciones como Harpo Foundation, el Bronx Museum (AIM 30), o A.I.R. Gallery de Nueva York y el Berlin Cultural Senate.

Christine Gedeon was born in Aleppo, Syria, raised in the U.S., and now divides her time between Berlin and New York. The relationship between maps and memory has played a central role in her artwork.

From works on canvas to sprawling, site-specific installations and wall drawings, Gedeon explores mapping in various media, including a frequent use of diverse embroidery and sewing techniques.

Gedeon’s work has been displayed in solo and group exhibitions at international galleries and institutions, and included in a wide range of publications in varied media (including Hyperallergic or The Dallas Morning News). In addition to participating in several artist residencies, she has also received grants and fellowships from such institutions as the Harpo Foundation, the Bronx Museum (AIM 30), and A.I.R. Gallery, New York, and the Berlin Cultural Senate.

BIO Filwa Nazer, nacida en Swansea, Reino Unido, es una artista multimedia de Arabia Saudí. Nazer comenzó su viaje creativo como diseñadora de moda y se graduó en el Instituto Marangoni de Moda y Diseño de Milán. Su práctica se mueve de la impresión digital y el collage, al trabajo textil y la apropiación fotográfica. Sus obras se centran en el cuestionamiento de la identidad emocional y psicológica en relación a contextos espaciales y sociales. En su práctica reciente, la artista utiliza telas y técnicas de bordado como vía para explorar las relaciones entre el cuerpo y el espacio habitado, revelando un íntimo proceso experimental que refleja las tensiones inherentes a ambos. Entre sus exposiciones más recientes se incluyen: I Love you Urgently en 2139 Saudi Art Council, Intimate Dimensions en Hafez Gallery o In Between en Sharjah Art Foundation.

Filwa Nazer, born in Swansea, United Kingdom, is a Saudi multimedia artist. Nazer began her creative journey as a fashion designer and graduated from Milan´s Istituto Marangoni of Fashion and Design. Her practice ranges from digital print and collage to textile and appropriation of photography. Her projects revolve around questioning the emotional and psychological identity in relation to spatial and social contexts. In her recent practice, the artist employed textiles and sewing techniques as a medium to explore relations between the body and the inhabited space, thus unveiling an intimate experimental process that reflects the tensions inherent in both. Recent exhibitions include: I Love you Urgently for 2139 Saudi Art Council, Intimate Dimensions at Hafez Gallery and In Between at Sharjah Art Foundation.

María Gómez López se graduó en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid y obtuvo un Máster en Historia del Arte y Arquitectura del Oriente Medio Islámico en School of Oriental and African Studies (SOAS) University of London. Actualmente combina su actividad investigadora, profesional y docente como contratada pre-doctoral FPU por el Ministerio de Universidades de España y el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En su tesis doctoral, María explora la convergencia de arte y cartografía en la producción contemporánea del mundo árabe, prestando particular atención a las historias del territorio nacidas de la experiencia personal.

BIO

María Gómez López graduated in History of Art from Universidad Complutense de Madrid and holds a MA in History of Art and Architecture of the Islamic Middle East from the School of Oriental and African Studies (SOAS) University of London. She currently combines her research, professional and teaching practice as part of the History of Art Department at Universidad Complutense de Madrid with a FPU Pre-doctoral Fellowship of the Spanish Ministry of Universities. In her dissertation, María explores the convergence of art and cartography in contemporary production from the Arab world, paying particular attention to the stories of the territory stemmed from personal experience.

Esta exposición ha contado con la colaboración de la Universidad Complutense de Madrid en la línea de apoyo a la transferencia de conocimiento del personal docente investigador.

This exhibition has counted on the collaboration of the Complutense University of Madrid in the line of support for the transfer of knowledge of research teaching staff.

Casa Árabe agradece el generoso apoyo de Hafez Gallery, Wejdan Reda, Faye Bahbehani, Loft Art Gallery y colección privada.

Casa Árabe appreciates the generous support of Hafez Gallery, Wejdan Reda, Faye Bahbehani, Loft Art Gallery and private collection. © de los textos: sus autores / Casa Árabe © de las imágenes: sus autores / Hafez Gallery / Loft Art Gallery

www.casaarabe.es

Comisaria / Curator: María Gómez López Coordinación / Coordination: Nuria Medina Diseño gráfico / Graphic Design: Lorena López de Benito Montaje / Setup: Jose Luis Tovar y Lorena López Interpretación de textos en audios de la exposición / Interpretation of texts in audios in the exhbition: Laura Casielles

Hasta el 30 de enero / Until January, 30, 2022 Dirección / Address: Alcalá 62 Entrada libre / Free entry Horario / Hours: lunes a domingo de 10 a 19:30h / Monday to Sunday from 10 am to 7:30 pm

Colabora/ In collaboration with:

Casa Árabe es un consorcio formado por / Casa Árabe is a consortium formed by:

DL: M-30302-2021 ISBN: 978-84-09-35222-7

Organiza/ Organized by: