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Revista de la Casa de la Danza _ NÂş 35_2013

danzaenescena

Josu Gallastegui JosĂŠ Espinosa / Ruth Maroto / Dorian Acosta

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Sumario 4 Editorial armando Marín 5 Primera Jornada de las artes Maite Villanueva 6 Portada: Josu Gallastegui ana isabel Elvira Esteban 10 ENtrEViSta: José Espinosa Mercedes Molini 13 rEPortaJE: Ballet de Cámara Quinana roo Manuel Hidalgo iglesias 14 ENtrEViSta: ruth Maroto Marta Sáenz 16 romeo y Julieta de Goyo Montero Víctor M. Burell 18 X aniversario de la Casa de la danza Perfecto Uriel 20 ENtrEViSta: Granada y yo. Victor M. Burell José luis lópez Enamorado

Marta Sáenz 26 iN MEMoriaM: Fernando alonso Manuel Hidalgo 27 iN MEMoriaM: Graça Barroso Carlos Pinillos 27 iN MEMoriaM: rudi Van dantzig rosa C. Corral 28 XVii convocatoria Nacional de danza. Ciudad de Castellón Jesús Vallinas 30 rEPortaJE: V edición iBStage Javier Bagá 32 amigos de Honor Perfecto Uriel 32 El Ballet Chonchoi Fredy rodríguez 33 Crónicas de un destino Jannick Niort 34 liBroS / actividades de la Casa de la danza

23 ENtrEViSta: dorian acosta

editorial Por Armando Marín

A

ntes que la escritura fue la danza. una expresión distinta a la palabra. Probablemente como respuesta a la música, cualesquiera que fuera su forma. otro lenguaje al final. un relato que implica nuestro cuerpo, la mirada y el movimiento en un lenguaje universal que, a través de milenios no ha perdido su poder de atracción. la asociación con la música es inevitable, pero es realmente la música interior lo que hace posible la danza, como en su más neta expresión en la que se convierte en un trance, no necesariamente religioso.

No es la técnica lo trascendente, salvo en esos casos en los que es una transcripción con un vocabulario ordenado y reconocible. un texto sobre otro texto, unidos...si, pero independientes. Complementarios como dos amantes. tan profundamente imbricada está en el ser humano que incluso podríamos hablar de una memoria genética que a ninguno nos deja impasibles. tal es la fascinación de la danza, no sólo los afortunados que la practican son sus propietarios. Como motivo del arte su representación es tan antigua como su propia existencia y rara ha sido la cultura que no ha reflejado en la pintura o la escultura este hecho como parte de una liturgia o expresión del placer y la belleza. sea cual sea el motivo y el participante o el observador todos participamos en un momento u otro. Encuentro y comunicación, diversión o sobrecogimiento, vibración, fuerza y entrega. una transformación posible por ese resorte mágico que toca.

Muy a menudo aproximarse a la danza, sea cual sea su identidad concurre con los prejuicios o la educación adquirida. la ignorancia en suma, incluso cierta desconfianza.

Es en todo caso un patrimonio intangible y presente que nos define. A veces secuestrado por el poder o las ideas de tal modo que como lenguaje ha habido momentos en los que ha adquirido un carácter diferenciador en el peor sentido de la palabra. opongámonos a esto. Hagamos nuestro un idioma universal que sólo requiere voluntad, una mirada abierta y desinhibida y sobre todo nos ofrece la posibilidad de encontrarnos sin importar nada mas que la emoción compartida.

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editora:

Mila Ruiz

coordinador:

Perfecto uriel

consejo de redacción: Mercedes Albi, Victor M. Burell, Ana isabel Elvira, Nélida Monès, Mila Ruiz y Delfín Colomé (miembro honorífico) colaboradores:

Javier Bagá, Rosa C. Corral, Manuel Hidalgo, José luis lópez, Armando Marín, Mercedes Moliní, Jannick Niort, Carlos Pinillos, Fredy Rodríguez, Marta sáenz, Jesús Vallinas, Maite Villanueva.

fotografía:

Pierluigi Abbondanza, Ana isabel Elvira, Agustín Espinel, Nodoka ishida, Raúl Montes, Pablo Nieto, Javier del Real, Alberto Rodrigálvarez, Jesús Vallinas.

maquetación y publicidad: Rampa Ediciones Culturales. dirección:

Casa de la Danza, Rua Vieja 25, 26001 logroño (la Rioja) telf: 941 246 365 Fax: 941 246 749 mails:

Mila Ruiz: danzaenescena@gmail.com Perfecto uriel: casadeladanza@casadeladanza.com

Dl: lR-249-2005 (las colaboraciones son gratuitas y responsabilidad de sus autores)

*Danza en escena puede obtenerse de forma gratuita en la Casa de la Danza

PoRtADA: Josu GAllAstEGui ©JEsús VAlliNAs

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Primera Jornada de las Artes Por Maite Villanueva Fotos uEM

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l pasado 12 de septiembre, la universidad Europea celebró con gran éxito su Primera Jornada de las Artes Escénicas y la Danza en la Central de Diseño dimad de Matadero Madrid.

El programa comenzó con una breve presentación del Grado en Ciencias de la Danza por parte del decano de la Facultad de Artes y Comunicación de la uEM, luis Calandre.

A ello le siguió un interesante encuentro con José Carlos Martínez, director de la Compañía Nacional de Danza conducido por omar Khan titulado “la Versatilidad de una Compañía”. José Carlos Martínez, es uno de nuestros valores más sólidos en danza a nivel nacional e internacional. su brillante carrera como bailarín en la Ópera de París y estos dos años de gestión al frente de una de nuestras compañías nacionales así lo avalan. José Carlos Martínez además es conocido por su cercanía, su trato amable, su buena disposición con los medios y su capacidad de acercamiento a todos los aficionados de la danza que admiran su figura y su carrera y se dirigen a esta estrella

de la danza con verdadera admiración. José Carlos Martínez además ha desarrollado una carrera como coreógrafo por la que tiene nada más y nada menos que uno de los galardones más prestigiosos del mundo: el “Premio Benois de la Danse” por su coreografía Les Enfants du Paradis.

Para la formación española ha creado sonatas, que ha sido representada en numerosos escenarios con un éxito de crítica y público notable.

Martínez ha demostrado con tesón y dedicación incuestionables, que la CND puede acometer diferentes estilos y que ello le está posibilitando llegar a un tipo más amplio de público. sobre todo esto y más le preguntó omar Khan, y José Carlos también habló en esta Primera Jornada de las Artes Escénicas de la Danza de la uEM sobre la temporada que comienza 2013/2014 y todos su proyectos, dentro y fuera de la CND. Acudieron cerca de 200 personas al acto, entre los que se encontraban medios de prensa, especialistas en danza, profesionales y bailarines.

Durante la charla de Martínez y Khan, se proyectaron vídeos de

danza ilustrativos de la labor de Martínez durante sus dos años de dirección en la Compañía Nacional de Danza.

A continuación, ya sobre las 19h dio comienzo el taller de improvisación coreográfica a cargo de Agnes lópez Río, bailarina de la CND, con una extensa carrera a sus espaldas en prestigiosas compañías de Alemania, Holanda e inglaterra. El taller fue abierto y gratuito y tuvo una duración de una hora. Participaron cerca de 70 personas. la Facultad de Artes y Comunicación de la universidad Europea inaugura el curso 2013/2014 con la primera edición de sus Jornadas de las Artes Escénicas y de la Danza, bajo el lema, “Convierte tu pasión en tu carrera”. El Grado en Ciencias de la Danza es un grado de reciente creación que está cogiendo fuerza entre las opciones de titulaciones superiores universitarias para esta disciplina.

Estas Jornadas y otros eventos de comunicación que preparan nos permitirán seguir la pista de sus actividades, conocer a sus bailarines, profesores y su forma de trabajar.

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PoRtADA

Josu Gallastegui ©Ana Isabel Elvira

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PoRtADA

Josu Gallastegui Por Ana isabel Elvira

un “adiós” que es tan solo un “hasta luego”

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ace algunos años, en el número 21 de esta revista, dimos a conocer gran parte de la vida y la trayectoria artística de un destacado artista español, el pianista Josu Gallastegui. Aquella entrevista nos permitió conocer cómo se inició en el mundo de la música ─no sin el gran empeño de su padre─, dónde se formó profesionalmente en su adolescencia ─en el Conservatorio "Juan Crisóstomo de Arriaga" de Bilbao─ y cómo logró hacer de su aprendizaje una verdadera vocación. también supimos que su inclinación hacia el piano, el instrumento rey de la tecla, no fue tanto una decisión pensada o meditada, sino más bien el fruto de sus propias vivencias personales, sobre todo de su temprano trabajo como organista en la iglesia de Derio, cerca de su ciudad natal, Bilbao.

Por el contrario y a diferencia de su contacto con la música, su llegada al mundo de la danza fue casi por casualidad. No conocía ese mundo y nunca se había formado en este campo. tuvo que documentarse por su cuenta, asistir a muchas clases y componer su propio repertorio de acompañamiento. lo hizo incitado por la necesidad de conocer una disciplina que era nueva para él, aunque muy cercana al ámbito musical, pero también empujado por ese afán autodidacta que a veces se despierta en el ser humano, ya sea en el ámbito personal o en el profesional.

Poco a poco, lo que empezó siendo una primera vía de trabajo ─que compaginaba con recitales por sudamérica, Estados unidos, Europa y Rusia─, se convirtió en una profesión definitiva y en su “modus vivendi”, pero sobre todo se transformó en una verdadera pasión, porque para convertirse en un profesional reconocido de esta disciplina ─tal y como nos indicaba entonces─, es impres-

cindible que el pianista acompañante ame la danza, disfrute del repertorio y tenga deseos de tocar para los bailarines. un compendio de cualidades que Josu demuestra tener cada vez que se sienta frente al piano dentro de un estudio de danza y que al unirse a su depurada técnica pianística y una extremada sensibilidad artística, hacen de él un pianista de nivel superlativo, tanto que muy pocos están a su altura; dentro y fuera de España.

Muchas han sido sus horas de dedicación desde entonces, cuando comenzó sus primeros acompañamientos como pianista en una clase de danza en Venezuela. una experiencia profesional que le ha convertido en uno de los grandes decanos de esta profesión en todo el mundo.

Desde entonces el tiempo ha pasado tan rápido, que apenas sin darse cuenta Josu Gallastegui ha llegado a la edad de jubilación.

Para ciertas personas retirarse no es nada fácil e incluso algunos se resisten a asumirlo, porque significa, cuanto menos, disminuir de forma considerable la práctica de una actividad profesional vocacional a la que se ha consagrado mucho tiempo y esfuerzo. El impacto en su vida es demasiado grande.

Eso fue lo que le sucedió a nuestro entrevistado hace un par de años, cuando recibió la notificación oficial.

Ante la noticia y en un primer momento Josu Gallastegui se sintió incapaz de admitir la exigencia legal de abandonar su puesto. Buscó e indagó distintas posibilidades para retrasar ese momento, aunque fuera tan sólo por algún tiempo, pero la negativa de la administración fue tajante. Finalmente, tras pasar muchos meses y unos cuantos malos ratos ha conseguido digerir la situación y acatar su nuevo estatus, lo

que no implica aceptar una situación sobre la que él no deja de manifestar su descontento. sabemos que tu marcha no fue una decisión personal sino ─digamos─, administrativa. ¿Podrías explicarnos lo que ha significado para ti el hecho de tener que retirarte por imposición oficial?

En su día, me costó hacerme la idea de que en cierta forma, me hubiesen retirado de "circulación".

Psicológicamente y anímicamente te afecta bastante, porque son muchos los años dedicados a esta profesión y que unas leyes absurdas de este país, hagan que no puedas seguir trabajando, es muy deprimente, sobre todo cuando estás en perfectas condiciones de hacerlo. Y aún peor, que teniendo oportunidad de seguir en otros centros tampoco te lo permiten, ni en el sector oficial ni en el privado.

En otros países esto es considerado como una forma de discriminación.

Como tú, muchas personas opinan que es un verdadero desperdicio no aprovechar la experiencia acumulada por todos aquellos profesionales que a pesar de llegar a la edad de jubilación necesitan mantenerse activos, ¿le propondrías algo a las distintas administraciones?

Si, es un poco decepcionante no poder transmitir tus vivencias a gente que sabes que realmente lo necesita, y a mí particularmente me encantaría poder compartir con otros pianistas todos mis conocimientos y experiencia adquirida en tanto tiempo, y con tantísimos profesores y bailarines, además de la necesidad imperiosa de estar en activo. Ya lo he dicho antes, por ciertas regulaciones existentes no puedes hacerlo, pero cuando a la gente realmente le interesa, no hay obstáculos para ello. Todo es querer.

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PoRtADA

Josu Gallastegui con Stefan Wenta

¿Y a las administraciones?, que se deberían de preocuparse un poco más de las necesidades y de la realidad de lo que sucede en los centros de enseñanza.

como solista con diversas orquestas sinfónicas, y los recitales de danza española estilizada, realizados en varios continentes con la extraordinaria bailarina Mayte Bajo.

Nos imaginamos que una vez asumida una situación como ésta, uno comienza a recordar algunos episodios y momentos de su vida profesional que le han quedado grabados por alguna razón. ¿Podrías comentarnos alguno de ellos?

Son muchos, demasiados como para recordarlos en pocas líneas. Uno de los momentos que mejor recuerdo, es allá en la década de los 80 en Nueva York, solía tener en una misma clase, entre otros a Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, Natalia Makarova, Anthony Dowell, una época difícil de repetir. También fue entonces cuando comencé a grabar mis primeros discos para danza. Luego trabajé con otros grandes bailarines, coreógrafos y profesores de danza, como Jerome Robbins, Merce Cunnighan, A.Danilova, Gelsey Kirkland, Maya Plisetskaya, David Howard, Galina Panova, por nombrar algunos, y aquí con Mariemma. También me dejaron una imborrable impresión, en mi época de concertista, los conciertos

Hasta el momento de tu jubilación, hace aproximadamente un par de años, tu trabajo fue fundamentalmente el de pianista acompañante en varios conservatorios de danza de la Comunidad de Madrid. ¿Qué crees haber aportado a esos centros a lo largo de todo este tiempo?

Creo haber aportado mucho, pero no puedo decir que hayan aprovechado mi experiencia al ciento por ciento en ninguno de los centros de danza en donde yo he trabajado. Por las razones que fueren. Pero sí más en los de música.

¿Qué más te gustaría hacer?

Me gustaría componer más, y no sólo para danza, sino diversos estilos de música, y lo que he hecho hasta ahora: disfrutar de las clases diarias de danza, que para mí son momentos en donde me siento muy a gusto, y donde me consta que la gente aprecia y disfruta con mi música. Son de alguna forma, “mis pequeños conciertos”.

¿Por qué piensas que ha sucedido eso?

Creo que en los conservatorios de música he podido aportar mucho más, ya que además de pianista de danza, daba mis clases de piano, acompañaba a los alumnos canto y de diversos instrumentos. En cambio en los otros conservatorios sólo danza. Clásico, español y contemporáneo. Además que los niveles tam-

sabemos que tu último disco tiene fuertes vinculaciones emocionales para ti. ¿Podrías hablarnos sobre ello?

En efecto. Es un CD para clases de danza, creado con músicas del país vasco, llamado “A Journey Home”. Lo hice con la colaboración de la profesora Marta Ruiz Estrampes, y salió al mercado a finales de 2012.

Simplemente es un pequeño y emoti-

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poco eran para demostrar todo mi bagaje pianístico. ¿Cuál es tu dedicación actual?

Además de disfrutar más de la vida, doy cursillos para pianistas de danza, y por supuesto, sigo con mis clases de ballet, y buscando nuevo repertorio y nuevas músicas para mis próximos CDs.

PoRtADA

vo recuerdo-homenaje hacia mi padre, con quien aprendí mis primeras notas musicales y quien me enseñó todo ese amplísimo repertorio que he llevado siempre muy dentro de mí y que tantas satisfacciones me ha dado a lo largo de mi carrera. ¿tienes en mente alguna grabación nueva?

Quiero hacer una grabación de músicas populares del país vasco, pero no para danza. Y luego espero seguir grabando, para la escuela bolera y contemporáneo. siempre has realizado colaboraciones como pianista acompañante en el extranjero. ¿sigues con esta actividad?

Por supuesto, en otros lugares hay muchas más posibilidades de trabajar y donde tengo muchas más propuestas de trabajo que en mi propio país.

REPERtoRio MusiCAl Josu Gallastegui ha desarrollado una interesante faceta pionera, la de editor de sus propios CDs, que merece la pena conocer y tener en cuenta. tras crear su propio sello en EE.uu., sugal Records, comenzó a publicar discos y desde entonces ha salido al mercado un generoso número de volúmenes con una extensa selección de su repertorio para acompañar clases de danza, tanto clásica como española. ofrecemos a los lectores de esta revista el conjunto de sus publicaciones a través de las portadas de sus discos, que contienen, entre otras músicas, sus propias composiciones, como sucede en el título “Pas de Basque”. todos estos discos se pueden adquirirlos y escuchar en su página web: www.josuonline.com.

Josu Gallastegui con Gelsey Kirklan

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ENtREVistA

José Espinosa el alma de la danza en Huesca Por Mercedes Moliní

José Espinosa ©Agustín Espinel

N

ació en tarragona y al poco tiempo se estableció en Huesca. Aquí formó su familia y aquí creó su proyecto: la Escuela Espacio Danza.

Nos reunimos en su bonita escuela, un espacio vivo. tiene una gran sala de cien metros cuadrados, en la que se puede bailar de todo.

¿Como llegaste a este mundo de la danza?

No lo sé, solo sé que algo en mi interior me llamaba y me dio fuerzas para decidir qué camino tomar. Llevar una vida tradicional o dejarme llevar, como siempre, por mi intuición. Aunque te podría decir que me encanta la fama y que era el camino más corto para ser famoso. No, en serio, lo único que sé es que no me veo haciendo otra cosa.

Y... ¿cómo te arriesgaste a ser artista?

No lo veo como un riesgo, todo lo contrario, es mi medio de vida. Vivo 10 danzaenescena nº35

por y para la Danza. Aunque tal como está todo hoy en día si que creo que es un riesgo dedicarse a este maravilloso mundo nuestro. Es una pena que la Danza en España esté tan denostada con respecto a otras Artes. sé que has trabajado con los más grandes. ¿Nos puedes contar con quién? y ¿alguna anécdota?

Creo que soy afortunado por conocer y tener grandes amigos en el mundo de la Danza. Con algunos he trabajado y con otros el destino los ha puesto en mi vida para quedarse y ser parte de mí. Para mí no es importante si son famosos o no, o si son grandes artistas o no. Solo sé que los quiero y que me siento muy orgulloso de estar a su lado. No sé si debería mencionar a alguien, porque lo mismo, me dejo alguno y se puede incomodar ¿no? Sí puedo decirte que conozco a muchos artistas y que tengo grandes amigos.

Me considero afortunado por ese lado.

Te cuento una anécdota de las

muchas que hay, un viaje muy especial para mí.

Montserrat Caballe, en Mérida con Medea,...Me rio cada vez que lo recuerdo. Éramos Raúl Cárdenes, Antonio Almenara y yo, el trió que somos como hermanos. Bueno ya sabes como yo soy. Haciendo el ganso con la vestimenta de Medea, que era como un vestido largo y nos lo poníamos en la cabeza. Se nos veía el suspensor y el culillo, ajajjajajaj. De repente escuchamos a Montserrat por detrás: “esperar que adivino quien es quien ajjajajaja”.

Claro nos veía desnudos por detrás.

Ese día vino la Reina a ver el espectáculo. Y gracias a Medea hay dos personas que son como mis hermanos: Raúl y Antonio.

Y más tarde, mi viaje a Moscú, invitado por Susana y Marta Larriba para formar parte del jurado en el Festival de España Baila. En esta ocasión fui con unas personas muy especiales

ENtREVistA

peor que las crisis económicas. La superación, el esfuerzo, el sacrificio por algo o por alguien está bastante ausente en nuestros días. Una cantidad de valores que cada día tienen menos peso en esta sociedad. Yo no sé amoldarme a este momento y no entiendo bien lo que hoy en día se quiere conseguir, con respecto a la danza, por parte de algunos futuros bailarines. ¿Qué tiene que hacer un alumno o alumna tuya cuando termina sus estudios en tu escuela?.

Pues si tienen claro que quieren bailar han marcharse a Madrid, Barcelona...., perfeccionarse y formarse aún más a fondo. Nunca se acaba de aprender. Cuando veo que hay alumnos, de los muchos que han pasado por el centro, que van tomando su camino en la danza y van consiguiendo metas, me enorgullece. ¿Algo de tus maestros?

He tenido los mejores, para mi entender. De todos he aprendido y valorado cada enseñanza, cada gesto y cada bronca. No solo me he llevado el aprendizaje si no su amistad. Me viene al recuerdo Mabel Romero ella me dio casi todo y por ella soy quien soy. Yo la llamo mi Madre de la Danza. Y eso es lo que yo también intento transmitir a mis alumnos.

para mí y fueron unos días maravillosos: Ana González, Juan Mata, Antonio Alonso y Ciro. Lo que llegamos a reír gracias a una excursión con Ciro por el metro, ajjajajajajaj, es algo que jamás olvidaré. ¿Qué ha sido más importante en tu vida, ser artista o la docencia?

Yo creo que son dos facetas muy diferentes. Cada una ha sido importante en su momento. Ahora estoy más dedicado a la docencia, pero, como artista aún me queda mucha guerra que dar. Creo que nunca se deja de ser una cosa u otra. Soy un privilegiado por hacer lo que me gusta. tu escuela, Espacio Danza Huesca, como Centro, es una de las mejores

de España. lo mismo ocurre con lo que hay dentro. Hablo de lo que allí vivís, ¿cómo consigues esto?

Yo no diría eso jamás y menos aún cuando hay tan grandes e importantes escuelas en España, y Conservatorios, y maravillosos profesionales que, gracias a Dios, tenemos en España y que ruedan por el mundo. …me refería a las escuelas privadas.

Yo solo intento transmitir lo que en todos estos años he aprendido. Unas veces lo hago bien, y otras no tan bien, pero siempre intento dar lo mejor de mí. Estamos pasando una crisis muy grande, en lo económico y también en la falta de afán de superación, que es algo más importante y que va con la persona. Esto es casi

¿Cómo eres capaz, de de la nada, liar las que lías en Huesca?

Mantienes tu escuela. Estás siempre pendiente de donde hay algo más que aprender. organizas anualmente la Velada Homenaje de Danza Ciudad de Huesca en la que consigues involucrar y traer aquí los más grandes artistas. organizas el Anual Encuentro Artístico solidario. siempre estás dispuesto a tender un cable al que lo necesita.

Uffff, que responsabilidad me das ajajjajajajaj. Lo único que te puedo decir es que hay en mi mucha ilusión, esfuerzo, sacrificio, fuerza de voluntad y tesón. Pero por una razón: amo la danza y pongo amor en todo lo que hago. No puedo olvidar, ya que nunca estoy solo, que tengo grandes amigos que me ayudan en todo lo que organizo y entre los que siempre estás tú. Desde aquí quiero dar las gracias a todas las personas que hacen posible que yo pueda seguir haciendo lo que hago, en mi ciudad,

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ENtREVsitA

y no morir en el intento.

Cuéntanos algo de tu inmersión en el Circo.

Este año me invitaron a coreografiar y bailar para el IV Festival Internacional de Circo de Albacete. Ha sido una experiencia fantástica y, de esa ciudad, me llevo una gran familia en el corazón. Fueron unos días de mucho trabajo, pero el resultado fue genial.

Cuando una persona se reúne con auténticos artistas se hacen grandes amigos. Uno de los artistas de Circo de este encuentro ha aceptado la invitación para venir a la IV Velada de Danza. Tengo ganas de volver a repetir la experiencia.

En más de una ocasión, has reunido a un gran número de personas oscenses y las has puesto a bailar. ¿Cómo haces esto?

Pues transmitir en todo momento lo maravilloso que es la danza. Si además unimos a este acto la solidaridad, vamos sumando. Todo lo que sea disfrutar, pasar y hacer pasar un rato agradable es buenísimo, da energía y ayuda a mejorar la situcaión tan desastrosa como lo está ahora. Ya sabes, donde se pueda bailar, allí estaremos. Ahora trabajamos de lleno en la organización de la IV Velada de Danza Ciudad de Huesca, Homenaje a Ramón Oller. A propósito de Ramón, estoy con él trabajando en Lleida, bailamos una pieza suya “Dalí”.

Aquí hay algo de truco, ¿las instituciones te ayudan?

Pues…si y no… Cuando ven que lo

que hago es importante, empiezan a planteárselo. Lo que pasa es que, las cosas de palacio van despacio, y a veces te desesperas. Hasta ahora no me puedo quejar. De una manera u otra siempre están ahí colaborando.

Tanto el Ayuntamiento de Huesca como la Diputación, ponen su granito de arena en todo lo que hacemos.

Ahora, yo me pregunto, ¿por qué nos hacen sufrir tanto si, al fin y al cabo, lo que estamos haciendo es cultural, de primer orden, y gratis?

Y no puedo olvidarme de las ayudas de las empresas privadas. Cuando planteamos algo desde la escuela o la Asociación Prodanza, se vuelcan.

Entonces ¿cómo lo haces?

No paro de llamar y llamar a todas las puertas para cubrir los gastos necesarios, para poder llevar a término cada proyecto. Es muy duro pero compensa. Afortunadamente la Danza tiene, aquí en Huesca, muchos seguidores. si, José esto que dices es cierto, pero me consta que eso ha sido labor tuya durante muchos años. todos los que hemos estado allí contigo, hemos vivido, que además, te aprecian.(Me dice que le pongo colorado). Yo le contesto y recuerdo que por allí han pasado artistas inmensos, que han participado porque él se lo ha pedido. ¿tienes algún nuevo proyecto?

Sí, claro. ¿Conoces algún Acuario que esté quieto y sin pensar?

Háblanos de ese proyecto, por favor.

Tengo entre manos hacer algo a

beneficio de UNICEF España.

Quiero que entre en el record Guines. Será para fiestas de San Lorenzo, patrón de Huesca. Se trata de bailar el mayor número de veces, y en el mayor número de espacios posibles por la ciudad, con la mayor cantidad de gente posible. Como ves todo grande. Bailar de 10’00 de la mañana a 10’00 de la noche y que culmine en un espectáculo con todos los artistas que vinieron a colaborar con el I Encuentro Artístico Solidario Ciudad de Huesca y con muchos otros para celebrar el II Encuentro. Puede ser algo estupendo. Pediríamos a la gente que donara uno o dos euros para cubrir necesidades de los que no tienen. ¿tienes alguna forma de recargar las pilas? Cuéntanos tu secreto para mantener esa fuerza que tienes.

Disfrutar de todo lo que hago, vivir a tope cada instante y, sobretodo, sentir y dar amor a todas las personas que están a mí alrededor. Me encanta abrazar, lo reconozco, soy muy tocón eso me da mucha energía y fuerza, a la vez que tranquilidad. Pero una parte muy importante es que siempre tengo el apoyo de mi familia, mis hijos, su madre, ahí están para lo bueno y lo malo. Y no me olvido nunca de mi madre, que desde el cielo está siempre cuidándome y protegiéndome, ¡te quiero mama!. ¿Qué es lo que más odias en la vida?

La mentira, la injusticia, la hipocresía y, sobretodo, la falta de generosidad, tan necesaria hoy en día y tan escasa a la vez.

Y ¿lo que más te gusta?

La danza. La vida en si me encanta, y mi familia, mis amigos, mis alumnos, en fin la gente que quiero.

Dinos tres deseos.

Creo que lo de siempre, ¿no? ¡Ójala se termine pronto esta tremenda crisis!, y que las familias puedan tener para vivir y desaparezca el paro.

Que la danza se valore, y que llegue a estar en el estatus que se merece.

Y para que esas personas que quiero y están enfermas salgan adelante.

Pido para que sanen. si fuera bruja o hada, te concedería estos deseos. Gracias por este rato.

Arcadio y Carme, “Pantaloni y Colombina”,1968.

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REPoRtAJE

Ballet de Cámara de Quintana Roo Por Manuel Hidalgo iglesias

E

n su complejo camino profesional el bailarín debe enfrentarse a numerosos retos, a tenaces luchas primero con su propio cuerpo para hacer suyo un vocabulario nada común y una técnica que debe convertirse en su medio de expresión; y una vez vencidos estos obstáculos, el gran reto es encontrar su propia identidad como artista, su lugar en el Planeta Danza, tan lleno de estilos, de proyecciones, de enfoques. De la misma manera, una compañía se va haciendo paso para alcanzar esa identidad propia, ese sello que la distinga de las demás, y que se consigue sólo con conceptos artísticos sólidos, metas muy definidas, y una consistencia total con sus propias raíces, a pesar de las fuertes influencias externas.

Esto es lo primero que ha captado mi atención al ver al Ballet de Cámara de Quintana Roo, México, la clara visión de su dirección sobre lo que quieren lograr, a dónde apuntan al desarrollar el conjunto, la solidez de su misión.

Habiendo iniciado oficialmente sus actividades el 1 de octubre de 2010 con bailarines del Estado y con un estrecho trabajo de equipo de la directora artística Cindia Marrufo Villanueva, el jefe de producción y maestro ensayador Hansell Nadchar y el coreógrafo residente Víctor

Cervantes, el conjunto se ha mantenido fiel al legado clásico y neoclásico incorporando fragmentos de piezas como El Cascanueces, El Corsario, Don Quijote y Carmen, e igualmente ha enriquecido su repertorio con obras contemporáneas como Historias de Ciudad, Renacer de mi tierra y la Noche de los Mayas, siempre bebiendo de la rica herencia cultural de su región, lo cual le da ese carácter distintivo.

Y hay otros motivos que mueven a la admiración. Por un lado, el apoyo que han recibido del Gobierno, de la secretaría de Cultura y de la orquesta sinfónica de su Estado, sin lo cual tantos encomiables esfuerzos tienen que enfrentar la destructora frustración y eventualmente su fin. Por supuesto, esto ha dependido en gran medida de las inteligentes gestiones y negociaciones de los directores, que han conseguido tocar las puertas acertadas y hacer sentir la importancia de su misión. Vienen a la mente casos en los que estos factores no se han conjugado satisfactoriamente, provocando la desaparición incluso de compañías de reconocimiento internacional y de su legado al mundo de la Danza. otro ingrediente de éxito que lo hace a uno voltear la vista al conjunto de Quintana Roo es la constante actividad artística que despliegan, la cantidad de

funciones que han dado en su corta existencia, los escenarios en los que se han presentado, llevando su arte a los diez municipios del Estado así como en giras fuera del mismo. también invariablemente se reflexiona sobre grandes compañías cuya actividad escénica es limitada, privando al público del placer de admirarlas y también a sus bailarines de la posibilidad de ofrecer su arte más frecuentemente, lo cual en esta corta carrera tiene un valor incalculable. toda esa reflexión fue encendida en la mente de muchos de los que tuvimos el privilegio de disfrutar en el teatro de la Danza de la Ciudad de México – a lleno completo - el espectáculo del Ballet de Cámara de Quintana Roo titulado no por gusto “Contemplando al sur”, lleno de sugerencias, de vitalidad, de entrega de cada uno de sus bailarines, entre toques místicos de la ancestral cultura maya y los latidos del presente. la infinita belleza del Estado de Quintana Roo, con sus pradisíacas playas caribeñas, sus intrincadas selvas y sus imponentes ruinas, son indudablemente una fuente inagotable de inspiración para la creación artística de este conjunto que tiene aún mucho por recorrer y mostrar a numerosos públicos ávidos de buen arte tanto en México como fuera de sus fronteras.

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ENtREVistA

Ruth Maroto Por Marta sáenz

"Somos arquitectos e ingenieros del cuerpo, pero además con corazón. Hay que construir el movimiento desde las entrañas"

A

sí expresa con palabras lo que mejor sabe hacer con el cuerpo. Esta madrileña de gran sensibilidad artística, inteligente y de fuerte voluntad, encarna una trayectoria profesional completa. Bailarina, maestra y Asistente de Direccion, comenzó su andadura junto a Víctor ullate y más de 20 años después trabajan codo con codo en el Ballet de la Comunidad de Madrid. Después de casi 10 años reflejándose en los bailarines a los que enseña y en la plenitud de su madurez, ha decidido volver a bailar. todavía tiene muchas cosas que decir y parte de ellas nos las ha contado en esta entrevista.

Bailarina, Maestra y asistente de dirección, ¿con cual de estas tres facetas de tu trayectoria profesional disfrutas más?

Como bailarina la verdad es que ha sido como un sueño porque es la expresión máxima del cuerpo.

Siempre lo he dicho, bailar es como ser un bebe, cada vez que subes al escenario es como un día de vida.

Como asistente de direccion también disfruto, pero abarca un montón de cosas, es un papel artístico y también de oficina. Ser maestra también me aporta mucho porque supone modelar al bailarín. Esto me permite reflejarme en él, no pensando que es una cosa sin sentido sino una persona,un artista con sensibilidad, buscando en él corrección técnica y el movimiento.

Eres de las pocas profesionales que ha desarrollado su trayectoria profesionalmente en España. Me siento muy afortunada por ello. Empecé con Víctor en el Taller del Ballet Nacional de España. Posteriormente, abrió su propia escuela lo que me permitió formarme con el mejor del momento y con algunos de los mejores bailarines de este país como Lucía Lacarra o Tamara Rojo. Le estoy muy agradeci-

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“Stocos” Ruth Maroto ©Pablo Nieto

da de que me diera la oportunidad de aprender de él mismo y de otros grandes maestros como: David Howard, Lynn Seymour y Menia Martinez entre otros. Después, decidí dejar de bailar para retomar mis estudios, pero a los cuatro meses de enteré de la audición de la CND, la Compañía Nacional de Danza, dirigida entonces por Nacho Duato. No me arrepiento en absoluto de aquella decisión que supuso 10 años de mi vida. A pesar de esto también me ofrecieron trabajar en la compañía holandesa NDT, Netherlands Dance Theatre en las manos del coreógrafo Jiri Kylian, una compañía que salía de lo clásico, pero que mantenía las líneas. Su director me ofreció trabajar en el NDT2, la compañía junior pero yo confiaba en que en mi país iba a poder desarrollar mi carrera. ¿Qué porcentaje ocupa la técnica y cuanto la interpretación?

La técnica tiene que estar ahí, si no al 100 al 300 por cien. Por otro lado, la expresividad es como el comer. Hay gente que no tiene mucha técnica, pero que expresa muchísimo y eso es lo que te atrapa como espectador. La técnica es la plasticidad, la elegancia

pero lo primordial es el artista. Somos arquitectos e ingenieros del cuerpo, pero además con corazón, con sentimientos. Hay que construir el movimiento desde las entrañas. ¿Cuando cambiaste los escenarios por la sala de ballet, tuviste que cambiar la forma en la que asumías tu trabajo?

En 2003 sufrí una lesión grave. No era mi primera lesión, pero ese fue un año muy duro. El dolor no me permitía disfrutar del trabajo y me di cuenta de que era el momento de cambiar. Aunque no sabía qué iba a pasar, decidí recuperarme. Fue entonces cuando Víctor Ullate confió en mí para el puesto de asistente de direccion, y tuve que adaptarme al cambio porque cuando bailas únicamente estás pendiente de tí. Ahora debo visualizarlo todo, ser pedagoga, llevar a la gente por donde quiero mediante la objetividad y el diálogo. ¿Ha cambiado la forma en la que se enseña danza en la actualidad con respecto a tu época?

Mi lema es el humor y el diálogo.

Antes había una pedagogía extrema.

Si uno es exigente consigo mismo y

ENtREVistA

además le enseñan a ir por ahí, llegará lejos. Yo lo que intento es que cada uno se de cuenta de lo que tiene, de lo que vale. Intento encaminarlos, pero realmente son los alumnos los que eligen. El mejor maestro es aquel que transmite disciplina pero con un buen ambiente que no bloquea la individualidad. tu trayectoria vital puede parcelarse en ciclos de 10 años, llevas 9 como asistente de dirección con Victor ullate. ¿soplan vientos de cambio?

Quizá la creación sea un paso que me planteo dar. Es algo con lo que nunca me he atrevido y por lo que siento un gran respeto, pero creo que el conocimiento que he ido adquiriendo durante estos años me permitiría hacer algo original. ¿De dónde viene tu inspiración?

En mi época como bailarina, me llegaba de otros bailarines. Recuerdo las horas que he pasado observando a Catherine Allard. Pero la inspiración puede venir de muchas fuentes: un espectáculo, una exposición, una película, las experiencias vividas, las personas que te rodean, una corriente artística. Por ejemplo, la técnica Laban inmersa en el expresionismo alemán ha inspirado a William Forsythe que construye los movimientos siguiendo las líneas del plano arquitectónico. La inspiración le llega de un plano en el que existen diferentes líneas. Estas líneas pueden guiar los movimientos del cuerpo. Hay que estar abierto a toda esta inspiración.

inspiraría en un elemento, pero si he pensado en alguna emoción. No sería algo obvio ni evidente. ¿Qué valores te han transmitido Víctor ullate y Nacho Duato?

Con ambos he aprendido el respeto máximo hacia esta profesión. Víctor es disciplina pura. Con él interioricé la colocación y la elegancia a la hora de bailar. Tiene un carácter muy hacia afuera. Sin embargo, Nacho es más insinuación, con una palabra consigue el mismo efecto. Con él he adquirido el movimiento, la expresión física y la confianza. Me ha dado la oportunidad de bailarlo todo: Forsythe, Hans Van Manen, Jiri Kilyán, Mats Ek, Ohad Naharin...y en todos ellos me permitió hacer los mejores papeles hasta el último año. Yo ahora tengo mi personalidad, pero busco la misma finalidad que ellos…TRANSMITIR. ¿Has colaborado con proyectos externos a tu trabajo en la compañía?

Gracias a Víctor Ullate trabajé con María Adánez para la obra de teatro "Salomé". Víctor montó una pequeña pieza y yo me encargué de trabajar el movimiento con la actriz. Al final, el resultado fue excelente. Muchas veces

¿Y han sido estas colaboraciones las que te han llevado a volver a bailar?

Precisamente fue mi participación en el proyecto "Stocos", un proyecto al margen de mi trabajo como Asistente de Dirección. Este regreso ha sido muy emocionante a pesar de los dolores que he sufrido. Me gusta estar en forma para que mis bailarines puedan ver la forma del paso que quiero, pero cuando retomé la ejecución física pensé que no sabía donde me estaba metiendo. Fue muy interesante porque me permitió conocer mejor mi cuerpo. Volver a bailar no es una decisión que tomé porque lo hubiera echado de menos, durante 9 años he podido reflejarme en mis bailarines, sino porque para dejar huella hay que seguir haciendo cosas. En cualquier caso soy muy respetuosa y no quiero quitarle el sitio a nadie, no quiero robarle a nadie su oportunidad. ¿Qué le falta a este país para que haya más danza y menos fútbol?

Pienso que, por un lado, nos falta más información en los medios generalistas y que, por otro, debemos ir más al teatro, incluídos los propios artistas. Si el público es sensible buscará llenar su tiempo de ocio con las artes escénicas. Quizá una posible solución podría venir de la unión entre artistas, actores y bailarines por ejemplo, para crear obras atractivas para el público actual.

¿Crees que el contemporáneo es un estilo más adecuado para expresar aspectos íntimos del hombre?

Creo que sí. El clasico ya tiene una historia: El príncipe, la doncella, el malo y la corte. Tiene unos cuadros muy definidos aunque el bailarín siempre expresa, no es mecánica pura. Pero pienso que una danza que no tiene historia puede transmitir nuevas sensaciones. La técnica se trabaja en la sala de ballet, pero es en el escenario donde se producen las sensaciones. ¿Qué temática elegirías para un montaje coreográfico?

Si empezara un proceso creativo, más que una idea elegiría un sentimiento. No me he puesto a pensar si elegiría un tema de actualidad o me

la gente no es consciente de la influencia que la danza tiene sobre otras artes escénicas, incluso sobre el cine. Quiero seguir haciendo cosas al margen de mi trabajo en la compañía porque todavía tengo mucho que decir. Cada día nacen nuevos proyectos artísiticos en los que quiero participar, no quiero ser una mera espectadora. Estas colaboraciones me aportan para dar, me hacen sentirme bien.

Ruth Maroto ©Raúl Montes

si no hubieras sido bailarina, ¿concibes haberte dedicado a otra cosa?

Siempre he sido una persona muy activa y muy enérgica, me encanta hacer muchas cosas. En el colegio empecé haciendo gimnasia deportiva y cross, llegué a ser campeona de Madrid en la categoría benjamín. Mi familia guarda con mucho cariño la página del Marca. Por lo tanto, sino hubiera sido danza, hubiera sido algo relacionado con el movimiento. danzaenescena nº35 15

REPoRtAJE

“Los estígmas del amor” Romeo y Julieta / Goyo Montero Por Víctor M. Burell Fotos: Javier del Real

¿Quién se atreve hoy a hablar del amor sin citar su contrapunto? romeo y julieta es un drama de amor, pero también un drama de muerte.

Ahora, el mundo reclama un “happy end”, cuando somos precisamente el mundo quien introducimos la tragedia para devorar la alegría. Cada una de las miles de veces que la escena, la pantalla o el libro introducen la Verona no superada por los siglos, el acento del amor quiere trascender sin conseguirlo. sin embargo nos visita la muerte con la perseverancia que la creación le ha dado. la danza, con su símbolo mudo, también ha presentado el amor sin nece16 danzaenescena nº35

sidad de la palabra. los cuerpos poseen un lenguaje en el que la abstracción da paso al sentimiento. El amor se siente y aún trasciende y la muerte también, aunque para el que muere suele parecer un sueño invertebrado.

Dios o destino, que son lo mismo, se aferran a la constitución de su inmateria y dictan su sentencia aún antes de que nazcamos.

Romeo y Julieta son el símbolo del que también la juventud se ve acosada por la Parka. El suicidio no aporta soluciones. Es efectivamente la eutanasia la que da, en este caso, el valor supremo al ser amado, aunque por débiles segundos de permanencia.

Nunca se ha planteado antes de shakespeare un modo de pregunta cultural que explique científicamente morir con voluntad. El juego de “lo negro” ya rodea el mausoleo de los Capuleto todavía cárcel de la vida, donde enseguida se sucede el triunfo de la Vieja Dama, tan vieja como el tiempo, sobre la soberbia estructura de los cuerpos. sí, la belleza del cuerpo es una trampa, porque a un cuerpo mal configurado se le sospecha muerte desde siempre.

Verona, provocadora de la enemistad de los dos poderosos -como siemprejuega a morir para imponer criterios, por lo mismo, Julieta y Romeo,

REPoRtAJE

Romeo y Julieta, son los hijos inocentes de la fiera. shakespeare supo que tenían que morir para no languidecer en un largo matrimonio con miles de peligros y, sobre todo, con miles de nostalgias.

Ahora, la sin razón del odio impera a lo ancho de las geografías.

Montescos y Capuletos, derecha e izquierda, o comunistas y neoliberales, pobreza y riqueza, negros y blancos, jefes y súbditos (todo será lo mismo en el siglo XVi que en el XXi) vencen e imponen; el vencido sufre y en todo caso afila sus gillotinas en la sombra.

El que presenta el drama del que hablo no se ciñe a los decorados de cuento de hadas en tres dimensiones, ni a los personajes de cartón piedra; eso se nota desde el principio del relato.

Goyo Montero hijo -desde Alemania con amor- a pesar de que eso es difícil, ha abordado en danza el “drama de los suicidios” con la juventud de los cuerpos que, pareciéndo jugar, van clasificando sus espinas mortales en un cuadro en que El Bosco incita a una plurihumanidad sarcástica y cruel, surrealista como el relato en el que todo se presenta negativo entre plumas, espadas brillantes y terciopelos sembrados de dibujos.

Romeo y Julieta afectaron al encofrado de El Real convirtiéndolo en un campo de batalla. la Compañía Nacional de Danza vivió su primer auténtico después de aquellos desgraciados cambios inventados, en este caso con un perfume supérstite del West side story de Bernstein. la modernidad se armó sin la contemporaneidad de aquella versión

cantada de principio a final.

Hoy, shakespeare otra vez, Prokófiev, remodelado en su fulgurante partitura y Montero coreografiando y dirigiendo esta obra de arte, que quedará en la memoria de la danza española. sutileza para destacar la especulación con esta tragedia que se estrenó en Nurenberg en 2009 para reaparecer en Madrid (en una nueva producción) en abril del 2013.

Marina Jiménez (Julieta), Alex Mañé (Romeo), Javier Monzón (Mercucio) y toda la Compañía me ayudaron a reanudar mi vida artística de la manera más eficaz conducido por Mab: narrador, hacedor y testigo del drama. ¿Mab es el destino? ¿Mab es la muerte?. Mab es el oscuro que al final cierra la lápida del mausoleo de los Capuleto, o ¿Mab es mi silla de ruedas? danzaenescena nº35 17

X Aniversario de la Casa de la Danza Por Perfecto uriel

E

l pasado dos de febrero, del año en curso, logroño se vestía de gala por y para la Danza. la celebración del décimo aniversario de la apertura de la Casa de la Danza requería de un acto especial, algo que nunca se hubiera dado en la ciudad, algo que dejará huella y buen recuerdo del momento.

Para ello, el Gobierno de la Rioja, la orquesta Collegium Musicum, el Estudio de Danza Mª Victoria Romanos, y un sin fín de colaboradores solidarios, aunaban esfuerzos y se unían a la propuesta nacida desde la propia Casa de la Danza: recaudar fondos económicos para la Fundación para la Danza Víctor ullate de Madrid.

El resultado: óptimo. se recaudaron más de seis mil euros (6.000€), limpios de impuestos, que fueron remitidos directamente del Auditorio Riojaforum a la Fundación para la Danza Víctor ullate. un dinero que, con los tiempos que estamos viviendo de recortes, habrá

llegado como el maná llovido del cielo en un momento muy adecuado. la Casa de la Danza, por su parte, muy satisfecha de ser colaboradora y poder ayudar a niños con aptitudes artísticas pero sin recursos económicos.

Ademas de este solidario gesto, la Casa de la Danza rendía homenaje a dos estrellas españolas del universo internacional de la Danza: laura Hormigón y Óscar torrado (Bailarines Principales del Ballet Nacional de Cuba por más de diez años). se les concedía el “Galardón Biloba” en reconocimiento a esos años de trabajo tan fecundos que han proporcionado a la historia del Ballet Nacional de Cuba innumerables noches de esplendor a lo largo y ancho del planeta.

El “Galardón Biloba”, que se entrega por primera vez, está destinado a distingir a aquellos profesionales de relevancia internacional. tiene forma de hoja y, como su propio nombre indica,

hace referencia a los ancestrales árboles que van poblando el “Bosque de la Danza” de logroño.

Esta pieza ha sido especialmente diseñado por Marina García para la ocasión y puede verse en www.manuelferrerjoyero.com (sección diseños). ligado a este evento de homenaje, también se presentó la beca “Danza para todos”. una beca que lleva los apellidos de los galardonados esa misma noches “Hormigón-torrado” y que permitirá estudiar en una escuela profesional, de cualquier parte del mundo, al alumno o alumna que resulte seleccionado. una beca dotada con 4.000€ que se destinarán a costear los gastos de alojamiento y manutención del seleccionado durante los nueve meses que dura un curso.

Esta beca tiene especial relevancia pues contempla dos aportaciones importantes que vienen desde la

Patinadoras

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Suite de “El Cascanueces”

Casa de la Danza una, y la otra desde AisGE (Artistas intérpretes sociedad de Gestión) y que son la base fundamental de ella. A este empujón determinante hay que sumarle las aportaciones solidarias de particulares y de empresas que, por primera vez, han contemplado la danza como un destino cultural donde poder ejercer de mecenas.

El programa de la noche fue atractivo y muy acorde a las fechas invernales

Orquesta Colleguim Musicum

de febrero. En la primera parte pudimos disfrutar de una suite de Cascanueces a cargo de los alumnos de la Fundación para la Danza Víctor ullate.

Ya en la segunda parte, y tras los protocolos de rigor, el Auditorio Riojaforum vivió un momento especial. “los componentes de la orquesta Collegium Musicum, en su mayoría jóvenes intérpretes, Bajo la batuta de Alfredo Rodríguez inundaron el espacio de los acordes de la

obra Patinadores de J. Meyerbeer.” los alumnos del Estudio de Danza Mª Victoria Romanos fueron los encargados de hacernos revivir esos momentos juveniles de juegos y diversión en los estanques helados de cualquier ciudad de una época indeterminada.

Dispuestos, como no puede ser de otra manera, a comenzar los preparativos de la segunda gala que, en esta ocasión, será dedicada a otro fin, pero siempre directamente relacionado con la danza.

Oscar Torrado y Laura Hormigón

danzaenescena nº35 19

ENtREVistA

Granada y yo

(Primera parte)

Víctor Burell. La conceptualización del Arte Por José luis lópez Enamorado

E

stoy en Madrid disfrutando de la luz y los colores que me llegan desde el parque de El Retiro.

He viajado para encontrarme con un hombre culto, con un historial envidiable, a quien respeto y quiero como amigo desde hace algo más de cinco lustros. Víctor me recibe en su acogedor ático de la calle de Alcalá para hablar de música y de danza. se trata de un emisario del arte, un especialista de las verdades creativas, interpretativas y conceptuales que rodean cualquier espectáculo. Hemos trabajado juntos en programas de danza para televisión Española y hemos compartido tertulias y estrenos, lo que me ha permitido descubrir su cultura, su capacidad de análisis y su facilidad para la crítica a través del desarrollo de los pormenores. En este mundo, él

20 danzaenescena nº35

es un referente al que todos escuchamos, todos atendemos y algunos temen porque sus criterios, a veces, podrían ser sentencias.

Buenos días Víctor, gracias por tu cariñosa acogida de siempre. ¿Cuántas verdades conoces y cuántas de ellas deberán permanecer siempre ocultas?

Nunca he creído en la verdad, verdades yo creo que conozco muy pocas, si es que conozco alguna. Date cuenta que la más escatológica es la idea de Dios y estoy más convencido de que no existe que de que existe. A partir de ahí me he descolocado de tal manera frente a la verdad que creo que si hay alguna suele ser negativa.

Nunca va a saberse el manejo, por ejemplo, de los fondos de una institu-

ción ya que casi siempre hay factores “non sanctos” que hacen permanecer ocultas las realidades. ¿Porqué a un autor o un creador le preocupa enfrentarse a la crítica? teóricamente parece convencido de sus valores cuando decide darlos a conocer.

No, no siempre está convencido, pero publicar significa tener trabajo. La crítica le preocupa ya que cuando empieza a hacer algo una ingerencia importante puede ayudar al triunfo o el fracaso. El autor no siempre funciona con la lógica. Te puedo hablar de nombres de gran importancia, como por ejemplo Gala, que a mi como crítico me producen alergia.

A veces en la creación todo puede ser mentira, incluso el creador. Esa

ENtREVistA

mero de sus defectos, la falta de análisis el segundo y la pobreza de vocabulario -cada vez más terrible- el tercero de los defectos que La Real Academia no atiende debidamente.

En la de Bellas Artes, que es la que más conozco, yo te aseguro que muchos académicos no debieran serlo, faltando la mayoría que deberían tener un sillón en ella, como ocurrió con Enrique Franco por ejemplo.

Víctor M. Burell

percepción me sucede con frecuencia. Las repetidas novelas de PérezReverte (fuera ya de sus acertados artículos) son siempre a la medida de la popularidad, o lo que es lo mismo, tendencia a lo comercial. ¿Es bueno dejarse conducir por la crítica o al menos escucharla?

Yo desearía que sin llegarse a conducir por la misma se la escuchara, para después de un análisis poder realizar con más facilidad nuestra crítica personal.

No olvidemos que la incidencia debe depender de la formación y capacidad del crítico. Hoy está desapareciendo por muchas razones. De una parte los periódicos, que viven de la publicidad, permiten que ésta devore el propio

texto. En cuanto a la música la realidad se complica, no todos los que la critican saben ni siquiera leer la clave de sol. Personajes como Enrique Franco, Carlos Gómez Amat o Leopoldo Hontañón han desaparecido por una u otra razón, y los que les han sucedido no están en condiciones de hacer conjeturas sobre esta materia. ¿Crees que están al servicio de algunas intenciones?

No exactamente, aunque el medio de vida del crítico sea muy escaso. Se implica, como es lógico, en otras actividades, como escribir programas, contenido literario de los discos o estudios especializados de la materia.

La pedantería es posiblemente el pri-

Este mes de junio, mi bella ciudad de Granada celebra su sexagésima edición del Festival internacional de Música y Danza, y tu has sido testigo de su trayectoria casi desde su inicio.

Llevo acudiendo a Granada desde 1953, a partir del 56 como crítico.

Tras mi estancia en Suiza debuté en pleno franquismo en esta España invertebrada donde Madrid me pareció, frente a Lausanne, como mucho Tarancón después de haber vivido en París.

Vuestra ciudad pronto me fascinó. Era un momento en que había inquietudes y en centros como los cafés Teide y Gijón se gestaba una motivación revolucionaria a la que pertenecí desde el principio.

En 1957 estalla la revolución estudiantil, cerrándose la Facultad de Derecho del actual Paraninfo.

Como persona activa me buscaban la derecha y la izquierda, por lo que naturalmente tenía que decantarme.

La situación me parecía injusta y me decidí por una izquierda entonces todavía en alza. La Liga Comunista Revolucionaria ayudó en cierto modo, aunque tenías que hacer milagros para aproximarte a decir lo que pensabas. ¿Fuiste vetado por algún medio de comunicación?

No exactamente por un medio. El Diario Informaciones se cerró tres veces. Haro Tecglen y yo visitamos París obligatoriamente en esas oca-

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ENtREVistA

siones. Como comprenderás el día que murió Paco fue para mi un inmenso placer. Yo tenía 40 años y la ilusión de que la democracia empezara a funcionar cuando en realidad no funcionaba en ningún sitio. La creación de las 17 Comunidades Autónomas ha dado lugar a 80.000 cargos políticos que naturalmente mantenemos tú y yo. La diferencia en las retribuciones da vergüenza, y, finalmente, la globalización que ha venido con el cambio de moneda ha encarecido la vida de manera espantosa, ha traído lentamente como consecuencia este momento donde el 15M se ha puesto en movimiento porque, si bien parece ser que no hay dinero para nada (no digamos para danza), lo hay incluso para apropiárselo algunos sin ningún problema incluso con el nombre de sueldos y lo que hoy se afirma en los medios públicos mañana se desmiente.

Volvamos a los Festivales de Música y Danza. ¿Cuál es el origen y como han evolucionado?

Si bien la Quincena Donostiarra proviene de la República, Santander y Granada nacieron el mismo año patrocinados por el gobierno como anzuelo para el turismo y la instauración o bien de valores españoles, o bien de personajes internacionales relacionados estrechamente con España, como es el caso de Rubinstein.

Teresa Berganza, Victoria de los

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Ángeles, Kraus, Argenta y la Orquesta Nacional y luego la aparición de la de RTVE con Markevitch, enriquecieron un panorama tan magro, que en tiempos de los Festivales franquistas de La Granja se llegó a creer que la resina para las cuerdas eran bombas, por lo que la Guardia Civil nos mantenía contra la pared hasta comprobar su inocuidad.

Hoy, quiero recordar que de las dos orquestas que existían entonces (ONE y Liceo) se han convertido en unas 30 y otros tantos auditorios.

Incluso muchos pueblos los tienen y considerables a pesar de su frecuente inactividad. ¿Eran muy rentables los Festivales?

Creo que si. De ahí han nacido algunas instituciones (en algún caso privadas como Ibermúsica) que han visto el interés de dignificar la programación con las mejores orquestas, directores y solistas del mundo. Copiando por desgracia esta política, instituciones como Juventudes Musicales han seguido el sistema sin ayudar en nada ni a lo español ni a la juventud.

Isabel Falabella, que dirige esas Juventudes me ha llegado a preguntar que concierto de Dvorak daba Micha Maisky un buen día, viéndome obligado a contestarle que el único que tenía Dvorak. Naturalmente no somos amigos, no cabe duda que la cultura e incluso la educación no se consiguen con liftings y recomendaciones.

En la actualidad los Festivales, seguramente por falta de medios, han ido en decadencia. ¿se ha atendido mejor el tejido de la música que el de la danza?

Si, aunque Granada ha tenido siempre un escenario extraordinario que es el Generalife para mostrarnos baile.

La música ha estado siempre mejor defendida seguramente por lo abstracto de su materia en la que los inquisidores no podían ver mal alguno. Enrique Franco daría un envite a esta materia inventando la generación de los 50 con Barce, Prieto, Bernaola, Halffter… que llevaron el velero español a través de las aguas del mundo.

En cuanto a la danza, tomó incremento con la venida del Ballet de Bèjart. Víctor Ullate heredaría la idea de una escuela que es la que realmente ha formado a nuestros grandes bailarines estrella, que han recorrido todas las geografías.

María de Ávila ha sido también una base muy fuerte del ballet en España.

Creo que si María hubiera seguido en nuestra historia de la danza con nuestros dos Ballets unidos otro gallo nos hubiese cantado. Teníamos casi setenta bailarines con veinte de ellos realmente excepcionales; pero como de costumbre manos perversas defenestraron a María literalmente.

La heredaron diferentes direcciones del Ballet Nacional, no excesivamente oportunas. Nacho Duato (un genio) fue director, durante 20 años, de la Compañía Nacional de Danza; un conjunto neoclásico con los valores de Ek, Kylián o van Manen …

Esta es la única institución cultural española que ha ganado dinero con sus dos compañías (la joven dirigida por Fabre). Nacho, por un contrato mal oficiado por el Ministerio, se ha marchado con todos los derechos de sus creaciones. Vendrá en sustitución suya el bailarín clásico de la Ópera Garnier de París, José Carlos Martínez, extraordinario personaje al que sin embargo no encuentro razón para ocupar este puesto en la compañía extinta.

ENtREVistA

Dorian Acosta Primer Bailarín del Ballet de la Comunidad de Madrid Por Marta sáenz

H

ace 15 años, Dorian Acosta salió de tazacorte, en tenerife, con una meta clara: bailar.

Desde entonces, este bailarín que acaba de entrar en la treintena, ha recorrido casi todos los teatros de España. De una elasticidad y dramaturgia soberbia, Acosta atraviesa la cima de su carrera. No ve cercano el regreso a su isla, pero compartir con

los suyos su arte es fundamental para continuar con su prioridad.

En vuestro último montaje, “El arte de la danza”, resaltáis la importancia del elemento sin el cual no sería posible la danza, el bailarín. inspirar a un coreógrafo debe ser una gran responsabilidad, ¿cómo afrontas este reto?

La responsabilidad la llevo bien. Es

muy gratificante cuando un coreógrafo crea algo especial y específico para ti.

Es más fácil y más satisfactorio a la hora de bailarlo. Lo sientes mejor porque tus movimientos encajan bien. Él ha visto en ti algo y a partir de ahí crea una pieza. Para mí es mucho más fácil que cuando tienes que aprenderte una pieza ya montada para otro bailarín. Te identificas más y todo bailarín prefiere este tipo de creaciones. ¿Cómo fue el comienzo de tu formación como bailarín?

En Canarias no recibí ninguna formación específica. Vine al Conservatorio con 15 años sin saber hacer un tendu. Fueron mis condiciones físicas las que me lanzaron a estudiar danza más en serio. En Canarias no había ni una escuela de ballet así que, al recibir la beca del Cabildo, me mandaron directamente a Madrid. El Tribunal del Conservatorio me concedió la plaza por mis cualidades, no por mi formación. Ha sido una trayectoria totalmente atípica. Venir a Madrid fue la mejor decisión que he tomado nunca, supuso un redescubrimiento de mi profesión. Para mi familia, especialmente para mi madre, fue muy duro. Yo lo llevé mal los tres primeros meses, puede decirse que aquel fue un momento de debilidad en mi carrera, pero ha sido el único. ser bailarín implica ser muy constante en tus rutinas, ser muy disciplinado y hacer muchos sacrificios, ¿cómo lo llevas?

Lo llevo cada vez peor. Cuando vas evolucionando y creciendo como persona sientes que te faltan algunas cosas como poder asistir a todos los planes que organizan tus amigos, ver todo lo que quisieras a tu familia, ver crecer a tu sobrino…pero la danza es mi prioridad. Intento exprimir al máximo los pocos momentos que tengo para mí y los míos. Tengo muy buenos amigos dentro del ballet, pero la mayoría están fuera y se dedican a otras cosas. Intento enriquecerme de otro tipo de ambientes. Es precisadanzaenescena nº35 23

ENtREVistA

mente esta desconexión la que mejor me sienta. Es duro, pero ante todo me compensa.

“la danza es mi prioridad ahora mismo, pero intento exprimir al máximo los pocos momentos que tengo para mí y los míos” En algunas entrevistas te has definido como un bailarín neoclásico, pero tu relación con la danza empezó con la disciplina más academicista, ¿cómo viviste la evolución hacia este nuevo estilo?

Me defino como un bailarín neoclásico porque tengo unas buenas aptitudes para ello. Tengo unas condiciones físicas que en algún momento he llegado a percibir como extremas: muchísima elasticidad, facilidad para los giros…Para el clásico puro no queda bien porque tengo que controlarme demasiado. El neoclásico lo disfruto mucho más porque me permite llegar al límite. Soy muy libre bailando y por eso me encanta. Si bailo una pieza clásica tengo que controlarme más porque no puede ocurrir, por ejemplo, que levante la pierna más que mi compañera en un paso a dos, no quedaría visualmente bien. ¿Hasta qué punto llega la obsesión del bailarín con su trabajo? ¿te pare-

ce muy extrema la visión de la danza que aparece en Cisne Negro?

El caso de Nina, la protagonista, es un caso concreto y aislado de una persona enferma. Reconozco que en el mundo del ballet hay gente muy obsesiva que incluso llega a padecer trastornos alimenticios y paranoias con su trabajo…pero creo que esto no es algo exclusivo del ballet, pasa en cualquier otro trabajo. En nuestro mundo, el círculo es más cerrado y entre nosotros puede que las relaciones se enturbien un poco por esto, pero como en cualquier otro ámbito.

Todo el mundo me ha formulado esta pregunta a raíz de la película, pero claramente es ficción con un protagonista con un problema mental.

Nosotros trabajamos físicamente y con una imagen y, quizá por eso, se empecinan más con nosotros. la temática de “Wonderland” es la mente humana y sus recovecos menos conocidos, te sometiste a alguna preparación especial para interpretar a tu personaje más allá de la ejecución de los pasos de baile?

La gente me pregunta muchas veces si recibí clases de teatro para preparar este montaje, pero realmente no fue así. Víctor fue sacando de cada uno un personaje y todos los días en los ensayos lo preparábamos. La base, la danza, estaba pero él insistía

mucho en el roll interpretativo del bailarín. La prioridad de Wonderland fue la interpretación. Víctor nos animaba a que viéramos películas o leyéramos libros en los que se reflejaba este problema. Me enseñó un vídeo de un paciente, el personaje que yo interpreto, y así supe cual era la idea que él tenía. “to you maestro” es el gran homenaje a Víctor ullate en el 20 aniversario de su compañía. ¿Cómo vives la relación bailarín-coreógrafo?

Es una relación muy cercana porque yo lo considero mi único maestro. Él ha sido el que me lo ha dado todo porque, después de tres años en el conservatorio, fue quien me concedió una beca para entrar en su escuela.

Por aquel entonces yo seguía siendo “Bambi”, me soltaban de la barra y directamente me caía. Víctor, sin embargo, me ha formado de una manera completa. Me ha inculcado una disciplina que no todos los bailarines creo que tengan. Antes de formar parte de su compañía, nunca había pensado que terminaría dedicándome a esto profesionalmente. No tenía un objetivo directo sino que me dejaba llevar, hasta que él no empezó a meterme caña no me creía que podría ser un auténtico bailarín. ¿Aplicas los valores que te ha aportado la danza a tu vida personal?

Intento separar mi vida profesional y mi vida personal al máximo. A lo mejor, no soy tan estricto, en mi vida personal soy super relajado. Con mis amigos y el resto de la gente que me rodea soy bastante pasota (risas) En el ballet soy obsesivo, pero eso es algo que agradeceré eternamente a Víctor. Si no desconectara, mi vida sería como una jaula. Preparo los personajes en el trabajo, incluso a veces en mi casa, pero intento separarlo y relajarme. ¿tienes vocación de maestro?

Me encantaría enseñar. Muchas veces me doy cuenta de que presto mucha atención a la ejecución de los demás, estoy como preparando el ojo. Sé que, cuando me retire, no me voy a dedicar a otra cosa, voy a continuar en el mundo de la danza. Soy consciente de que, cuando llegue ese momento, voy a tener que cambiar el chip y me estoy preparando para ello. Sin embargo, hasta que mi cuerpo aguate

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ENtREVistA

voy a seguir bailando. He sufrido algunas lesiones, pero tengo un cuerpo muy fácil y creo que voy a aguantar bastantes años. Son muchos los casos de bailarines que siguen bailando más allá de los cuarenta. Todos ellos me inspiran un gran respeto porque hay gente mucho más joven que no ejecuta ni siente de la misma manera. “samsara” está inspirado en el medio y lejano oriente, en la problemática de países que tu maestro conoció cuando era joven. ¿si tuvieras que interpretar una coreografía relacionada con los males de la sociedad actual, ¿elegirías un conflicto o te decantarías más por una emoción?

Si yo fuera coreógrafo, lo he pensado más de una vez, me basaría básicamente en emociones, o mías o de gente cercana. Creo que me decantaría por una emoción dramática.

Siempre que escucho una música sentimental o profunda me encanta.

Podría decirse que me gusta el sufrimiento cuando bailo, las emociones fuertes. Sé que no elegiría algo alegre, sino algo pasional y que me saliera de dentro.

tienen que colaborar con varias compañías para poder llegar a fin de mes o, incluso, bailan por amor al arte y subsisten gracias a otros trabajos.

Recientemente habéis realizado una colaboración con el Museo tysen, crees que el uso de los espacios públicos puede ser una forma de llegar a la gente y a las instituciones?

Totalmente, las intervenciones de la danza en la calle ayudan a acercar la danza al gran público. No sé desde donde se organizan o como se pueden fomentar, pero tanto a mi como al resto de mis compañeros nos encantan este tipo de colaboraciones. Realmente, la danza tiene muy poca publicidad y no se qué es lo

que falla para, por ejemplo, tener más presencia en televisión. ¿Dónde encuentras la satisfacción personal y profesional? ¿En el aplauso del público o en detalles más pequeños del día a día?

Lo que más me satisface es el público. No tanto su aplauso porque cada aplauso es diferente. Un aplauso es genial, graficante, pero lo que más me llena es cuando, después del ballet, la gente se te acerca y te dice que le has emocionado, te da las gracias…eso es lo que me ayuda a seguir esforzándome día a día.

También me encanta cuando viene mi familia, eso es lo que más me ha ayudado a seguir con mi carrera.

“Mi mayor satisfacción es el público, pero no por su aplauso sino por su agradecimiento cuando consigues emocionarles” tu carrera se ha desarrollado principalmente en España a diferencia de una gran parte de los bailarines que se dedican profesionalmente a ello, ¿te sientes afortunado de no formar parte de esta fuga de cerebros?

Lo que me planteas es una cuestión a la que le doy muchas vueltas. Hay gente que se extraña de que todavía no me haya ido fuera, pero ahora no es el momento. Me siento afortunado de que me haya ido tan bien en España. Lo que peor llevo de esta profesión es no poder ver a mi familia todo lo que me gustaría, así que si trabajara todavía más lejos de mi isla no sé si podría soportarlo. Una de las cosas que más me llena es que la gente a la que quiero vea mi arte, si no lo vieran porque yo estuviera muy lejos, no podría, lo llevaría fatal.

Además, me siento muy afortunado porque en España somos muchos bailarines y no todos podemos decir que vivimos de la danza. La mayoría © Alberto Rodrígálvarez

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iN MEMoRiAM

Fernando Alonso Por Manuel Hidalgo

C

uando un ser humano extraordinario crea una gran obra que trasciende las fronteras de su contexto, aquella emprende su propio camino, y se hace difícil ya separar obra y autor. la creación de Fernando Alonso, fallecido recientemente en la Habana a los noventa y ocho años, es nada menos lo que los especialistas de ballet han denominado “el milagro cubano”, y sobre esta labor portentosa vienen a la mente dos palabras fundamentales: trascendencia y transmisión.

Que una isla del Caribe, demasiado lejana de los añejos centros de la danza clásica, se convirtiera en una verdadera potencia balletística, con una de las mejores compañías del mundo. Que se solidificara una Escuela Cubana de Ballet con características muy distintivas, como las que tienen más de un siglo de tradición. Que tantos bailarines cubanos brillen como estrellas internacionales en los más prestigiosos escenarios. Que se haya desarrollado en la isla un público conocedor con un inmenso entusiasmo por este arte. Esto es una construcción monumentantal.

Por supuesto, si bien a veces el papel fundamental de Fernando Alonso en este milagro no se ha reconocido con la justicia que merece, tampoco fue el único responsable ni ese gran edificio surgió de la nada. Maravillosas circuntancias históricas unieron en esta empresa a una de las más grandes ballerinas de todos los tiempo, Alicia Alonso, aún Directora del Ballet Nacional de Cuba a sus noventa y dos años, y a uno de los coreógafos más destacados del siglo XX, autor de la Carmen más interpretada en ballet y hermano de Fernando, Alberto Alonso, fallecido en 2008 en Estados unidos. una perfecta simFernando y Alicia Alonso biosis, que además recibió el apoyo indiscutible del gobierno de Fidel Castro, sin el cual hubiera sido casi imposible materialzar aquella misión. danza, de una vasta cultura y especialista de una serie los tres Alonsos fueron herederos directos de la gran tra- de disciplinas relacionadas con la Danza. dición balletística y, después de recibir su primera formaA los Alonsos nunca les bastó el reconocimiento y la ción en la Esuela de la sociedad Pro-Arte Musical, funfama que lograron en el extranjero sino que siempre dada en la Habana ya en 1918, bebieron en el extranjeregresaron a Cuba para fomentar el arte del ballet y ro de las invaluables enseñanzas y ejemplos de figuras eventualmente fundar en 1948 el Ballet Alicia Alonso, como Mijail Mordkin, George Balanchine, Alexandra posteriormente Ballet de Cuba, y después Ballet Nacional Feodorova, leon Fokine, léonide Massine, Antony tudor de Cuba, del que Fernando fue Director General hasta su y Anton Dolin. separación de Alicia. A partir de ese punto, experimentó Ya siendo miembro del Ballet theater de Nueva York, y un nuevo comienzo, y su camino continuó dando frutos observando que la manera de bailar de Alicia, entonces en el Ballet de Camagüey, segunda compañía danzaria su esposa y su primera musa, era diferente a la de las de Cuba; la Compañía Nacional de Danza de México y el otras bailarines, Fernando comenzó a gestar lo que sería Ballet de Monterrey, de las que fue Director. Aún poco poteriormente el estilo cubano de proyectar el ballet. Esto tiempo antes de su fallecimiento continuaba desplegando fue seguido de un análisis minucioso de las grandes esa labor pedagógica, que tiene felizmente su réplica en escuelas del mundo, una decantación de lo mejor de maestros extraordinarios, como su hija laura Alonso, que cada una en su interpretación y la construcción de una transmiten ese caudal tanto en Cuba como alrededor del metodología propia, igualmente basada en un conocimundo. la monumental obra de Fernando Alonso se miento profundo de la anatomía del bailarín, la kinestesia mantendrá viva en cada salón de ballet y en cada escey de los elementos característicos de la danza del cubanario donde se apliquen sus principios y sus enseñanzas no. Fernando Alonso fue un artista y un científico de la imperecederas.

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iN MEMoRiAM

E

Graça Barroso

Rudi Van Dantzig

Por Carlos Pinillos

Por Rosa C. Corral

n la mañana del pasado día 11 de Junio, a la edad de 62 años, nos dejaba para siempre una de las mayores artistas de danza de siempre en Portugal. Para algunos, junto a isabel santa-Rosa, una de las bailarinas más relevantes del siglo XX en este país; para mí, sin lugar a dudas, la mejor de su generación.

Graça Barroso se formó en la escuela del teatro Nacional de san Carlos bajo la tutela de Ana ivanova, y a la edad de 16 años inició su etapa como bailarina profesional.

En 1974 y después de sus inicios entre el Ballet Gulbenkian de Walter Gore y les Ballets Du Rhin de Jean Babille, sus pasos la llevaron a instalarse en Portugal de forma definitiva, donde permaneció el resto de su carrera como intérprete, hasta que en 1994 su lesión de rodilla la obligó a retirarse de los escenarios.

En el Ballet Gulbenkian se convirtió en aquella eterna referencia, donde haciendo un uso magistral de sus cualidades interpretativas, destacó tanto en papeles del repertorio tradicional como contemporáneo, haciendo de ella una artista adelantada a su tiempo y dejando un sello imborrable a toda una legión de nuevas generaciones de artistas.

Aquellas cualidades raras que la definían, hicieron de ella un fenómeno irrepetible que transformó los parámetros de lo que hasta entonces se suponía que una bailarina debía ser en el escenario. se puede casi decir, que como intérprete, “amadrinó” la transformación que la danza experimentó en Portugal a lo largo de casi tres décadas, y de la que hoy somos herederos.

En su repertorio se encuentran piezas de John Butler, Hans van Manen, Jiri Kilián, Carlos trincheiras u olga Roriz entre otros, aunque aquí siempre la recordaremos como la “musa de Vasco (Wellenkamp)”, compañero de Graça con quien también fundó en 1997 la “Compañía Portuguesa de Bailado Contemporáneo.

Con ella, el coreógrafo encontró la inspiración que más tarde se consolidaría como un estilo inconfundible del que tantos bailarines aun hoy nos alimentamos, haciendo de ella no solo una musa para el creador, sino para toda una familia que en este día llora su pérdida.

Me queda la satisfacción de saber, que con el pretexto de su 25º aniversario de carrera, fue reconocida y homenajeada en vida. Algo que estoy seguro se continuará practicando con el arduo trabajo del día a día de esta “nuestra” comunidad de la danza portuguesa que no para.

R

udi van Dantzig, una figura elemental en la historia de la danza holandesa, fallecía el 19 de enero pasado en Amsterdam, a los 78 años de edad.

Director del Het Nationale Ballet holandés durante las décadas de los setenta y los ochenta es un holandés universal.

No solamente por el carácter de los temas dramáticamente humanos de sus obras, sino también por la expansión mundial de éstas: Muchas compañías del mundo las tomaron en su repertorio con el sello "Made in Holland".

Más de cincuenta coreografías creó, la gran mayoría para "su" compañía, de la que formó parte oficialmente desde su fundación en 1961 hasta 1991, pero en la práctica hasta nuestros días.

Comenzó a bailar a los 16 años. Quizás por esta razón (en aquellos tiempos ésta era una edad muy avanzada) nunca llegó a ser un buen bailarín pero sí un brillante coreógrafo. su primera coreografía data de 1952. En 1961 sonia Gaskell le nombra "Coreógrafo de la Casa".

Entre sus ballets, el muy revolucionario para la época " Monumento a un niño muerto", trata el tema de la homosexualidad, el papel protágonico siendo entre otros interpretado por Rudolf Nureyev en los años 60 cuando éste formaba parte del conjunto holandés.

En estrecha colaboración con el que durante años fuera su compañero, toer van schayk, creó obras de carácter social al igual que montaron versiones de los grandes clásicos.

En Holanda es Rudi van Dantzig igualmente conocido como escritor y político de Groenlinks ( "los Verdes" ).

Entre sus libros "la huella del Cometa" sobre los años en los que Rudolf Nureyev formó parte del Het Nationale Ballet. tanto sus ballets como sus obras literarias se han visto premiadas en diversas ocasiones.

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REPoRtAJE

XVII Convocatoria Nacional de Danza “Ciudad de Castellón”“Premios Fundación Dávalos Fletcher” Texto y fotos Jesús Vallinas

E

l pasado 26 de Abril, trabajando para el Ballet de Nuremberg, pregunté a unos bailarines lo que iba a suceder el domingo, 29, Día internacional de la Danza, en aquella ciudad. Pusieron cara de póker y me respondieron que nada, era su día de descanso, ya que antes estrenaban "Zweitheit" (Dualidad), con coreografías de la prestigiosa coreógrafa canadiense Crystal Pite, y del renombrado Mauro Bigonzetti. En Nuremberg, una ciudad del tamaño de Zaragoza, no parece que les importe mucho el día de la danza. la razón es que no lo necesitan, tienen un teatro de Ópera con una compañía de Ballet estable, que da trabajo a 20 bailarines, 9 de ellos españoles. Con ballet cada semana, producciones propias al menos dos o tres veces al año y piezas de coreógrafos invitados de la talla de los mencionados, o los anteriores Kilyan, Mats Ek o Nacho Duato.

Y dirigida por Goyo Montero, otro español.

Hagamos odiosa la comparación: En Barcelona, una ciudad de casi 2 millones de habitantes, ya no existe ninguna compañía de Ballet estable.

Podría decirse que la Compañía de David Campos ha cerrado definitivamente, junto con la esperanza que muchos depositamos en el "seny" de la vanguardia catalana, perdida en

Cristina Reolid

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Axe Peña

reinvenciones de la rueda mientras un teatro como el liceu sigue sin Compañía. El Barsa es uno de los equipos de fútbol más caros del mundo, pero allí no hay dinero para 20 puestos de trabajo que en tantas ciudades europeas consideran de alta calidad y bajo precio. tan alta que se establecen durísimas audiciones y sólo los mejores llegan a obtenerlos.

Muchos de ellos, españoles. tan españoles como esos catalanes que no tienen opción alguna en su ciudad.

Y entonces, llega el Día internacional de la Danza. los "Días internacionales" son una anomalía. una llamada de atención a la conciencia de los ciudadanos de los países civilizados sobre un problema sin resolver. Al mes siguiente, se celebra con ese motivo la Convocatoria Nacional de Danza Ciudad de Castellón. En esa bonita ciudad, por no haber, no hay ni conservatorio de danza, pero sí un imponente aeropuerto -vacío- a 65 klm. de Valencia.

Podría no pasar absolutamente nada, como el resto del año. Pero el destino hizo que una italiana, hace 17 años, consiguiera lo imposible: crear un concurso donde se premiara y ayudara a los talentos de jóvenes bailarines, fuese cual fuese su disciplina (Clásico, Contemporáneo, Danza española o Flamenco). De ese primer concurso hasta la fecha, han surgido grandísi-

María Martín

mos profesionales. Muchos de ellos vuelven y bailan en esta Gala del Día de la Danza, agradecidos a esa Dama sin la cual todo esto seguiría durmiendo el sueño de los justos, Gabriella Foschi, directora artística del evento.

Dicha convocatoria, financiada gentilmente por la Fundación Dávalos Fletcher, cuenta con un respaldo incondicional del mundo de la danza en España y de tantos bailarines que trabajan fuera de nuestro país, debido al enorme esfuerzo y dedicación que ha puesto desde su origen, ganándose el respeto de cuantos profesionales han pasado por el escenario del teatro Principal de Castellón.

Ahora padecemos una crisis extraordinaria. tan extraordinaria que sería injusto decir que es puramente económica. sin embargo, la Gala puso de manifiesto que, aún sin dinero y con apenas medios, la entrega, ilusión y generosidad de todos sus participantes puede conseguir un espectáculo digno de elogio. Contó con brillantes ejemplos, como la CND, el Ballet Nacional de España, it Dansa, lARREAl (Real Conservatorio Profesional de Danza), Ballet Carmen Roche o el Conservatorio Profesional de Danza de Valencia. Por ello el teatro estaba lleno, como es habitual todos los años, y rindió un merecido homenaje a la mencionada Compañía de David Campos, que tantas otras

David Acero

REPoRtAJE

veces bailó en esas tablas. sin embargo, y esto es lo paradógico y tan normal en nuestro país, no estaba lleno con la gente de Castellón, sino con aficionados y artistas de todas las procedencias. un raro fenómeno que refleja lo alejada que aún está "la calle" de nuestro mejor producto cultural (nuestros bailarines).

Poca gente conoce a los protagonistas de esta edición, y por eso se los presentamos: irene Correa, María Maestre, María Martín, Pol Jiménez, Julia Cáceres, Víctor Martín o Axe Peña. son sus ganadores, todos con un indiscutible talento y gran presencia escénica. sus imágenes ilustran este artículo. Ellos son el futuro de esta bellísima profesión. maría maestre, preparada por Rodolfo Castellanos, del institut del teatre de Barcelona, ganadora del Premio de Danza Clásica con su variación de "El Quijote" con un sólido trabajo de puntas y esmerada actitud. axe peña, preparado por el instituto universitario Alicia Alonso, ganó el premio de Danza Contemporánea con dos originales piezas de Manuel Garzón.

Irene Correa

maría martín, del Real Conservatorio Profesional de Danza, ganadora del premio Danza Española, deliciosamente vestida por Carmen Granell en su "sonata a tiempo de bolero". irene correa, con dos piezas creadas para ella por Alejandro García Molinero, ganadora del Premio de Danza Flamenca, ex-aequo con pol jiménez y julia cáceres.

Por último, Víctor martín, Premio Especial de interpretación, dotado con 4.000€, estudiante del Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid. con su "3 de plata", una preciosa pieza de E. ochando.

Volvimos de Castellón con el recuerdo de una grata experiencia. un encuentro con artistas de diversas procedencias y disciplinas que convergen año tras año a su quimérica cita. En mi caso, doy las gracias a Gabriella Foschi por todo lo que ha conseguido para los amantes de la danza, esos extraños seres entre los que todavía habito. Y a los que procuro hacer las mejores imágenes posibles de ese instante efímero que brilla en la oscuridad. la danza, olvidada esencia de nuestra cultura.

Julia Cáceres

'la cultura es la expresión de lo mejor que hay en la sociedad'

María Maestre

Víctor Martín

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REPoRtAJE

V edición IBStage Por Javier Bagá Fotos: Pierluigi Abbondanza

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el 15 al 31 de agosto, el curso internacional de danza iBstage, juntó en Barcelona estrellas de American Ballet theatre, el Mariinski, el Royal Ballet y el Enghis National Ballet para transmitir sus conocimientos a 160 jóvenes bailarines de 15 nacionalidades.

Kevin McKenzie, director del American Ballet theatre, estuvo presente en el stage, ofreciendo su apoyo a la iniciativa de los organizadores. iBstage se clausuró con una Gala en la que participaron Julie Kent y Cory stearns, Daria Klimentova y Vadim Muntagirov y Xiomara Reyes que bailó junto a Angelo Greco.

Esta edición se desarrolló en las modernas instalaciones del Auditori de Barcelona, complejo cultural con destino a la música dotado con cuatro salas de concierto, que cubre un total de 42.000 m2. El recinto fue ocupado en su práctica totalidad por iBstage. se utilizaron las cuatro salas y el muelle de carga habilitado para la danza, cambiando la imagen de los escenarios, habitualmente vestidos de atriles, partituras e instrumentos musicales, por bailarines, barras de ballet y suelos de linóleo.

A pie de calle, el edificio consiste en un enorme vestíbulo que da acceso a

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las distintas salas de concierto (la principal, sala Pau Casals para 2.200 espectadores) En el sótano, rodeado por un enorme pasillo que recorre el perímetro y comunica las distintas salas mediante escaleras que suben hasta los escenarios, se ubican los camerinos, vestuarios y otras dependencias.

Este fue el decorado donde se representó durante la segunda quincena del pasado agosto este “ballet” titulado iBstage 2013. los protagonistas 160 alumnos, procedentes de 15 distintos países (Japón, italia, EEuu, Alemania, España, Bélgica…etc), dirigidos por 16 maestros: Elías García, Xiomara Reyes, Rinat imaex, irina Kolpakova, Bladilen semionov, Cynthia Harvey, Patric Armand, Martine van Hamel, Julie Kent, Debora Ferrato, lolita Vilalta, Ander Zabala, luc luis de lairesse, Paco Bodí, leo sorribes e iratxe Ansa.

Diariamente se impartieron 38 clases de distintas materias a seis grupos divididos por niveles. los momentos de cambio de clases fueron de lo más intenso, los 160 bailarines al unísono cambiaban de espacio creando un río de mallas, moños y maillots enfundados en erguidas espaldas, que se desparramaba por

las escaleras que desembocaban en el pasillo y de ahí hasta las escalinatas que les conducía al siguiente espacio de clase. Por supuesto todos iban comentando en diversos idiomas las correcciones de los maestros y las proezas de sus compañeros: piernas altísimas, pies perfectos, piruetas a montones, grandes saltos imposibles, fuetes triples… y más.

Fue un placer presenciar cualquiera de las clases impartidas por los mencionados profesionales acompañadas por los pianistas: Barbara Cocconi de la Academia la scala, Massimiliano Greco de la Prince Grace Kelly Academy y Ayumi Hirusaki del Ballet de tokio, aunque las clases de paso a dos y de repertorio para hombres deslumbraron a cuantos se pasaron por el Auditori. A título personal afirmo que realmente impresiona ver a más de veinte parejas haciendo el paso a dos de El corsario en la inmensidad de una sala de conciertos para orquesta sinfónica.

Quienes quisieron asistir a iBstage como espectadores, tras la adquisición del ticket correspondiente, pudieron contemplar cualquiera de las actividades. Cada cual escogió a su gusto y tras estudiar el tablón de horarios se oía “yo quiero ver una clase de

REPoRtAJE Xiomara Reyes, la de repertorio de irina Kolpakova, la de contemporáneo con iratxe y la de paso a dos con Rinat imaev” y otro “yo iré a la de repertorio para chicos con Patric Armand, luego a la de ballet de Julie Kent…, pero esta es a la misma hora de la de Cynthia Harvey para chicas.

No sé qué hacer!”

Esta fue la magnificencia del evento, iBstage reunió en el Auditori más figuras de la danza que las que pasarán por Barcelona a lo largo de todo el año. Y esta es la intención de los organizadores, brindar la oportunidad a los alumnos de recibir el magisterio de tantos maestros exclusivos. Estos, de acuerdo a los propósitos de la organización, dictaron clases y dirigieron ensayos corrigiendo la técnica y el estilo, personalizaron consejos a unos y otros, descubrieron secretos para mejorar la forma de transmitir al público, mostraron los detalles de una perfecta interpretación…, y quién mejor que ellos, estrellas del ABt, el Marinski, el Royal Ballet…, para hacerlo. los alumnos día a día perfeccionaron sus habilidades, atendiendo los consejos con esa veneración que los bailarines mostramos ante las grandes figuras. lA oRGANiZACiÓN iBstage es un curso internacional de danza de verano creado por Elías García y leo sorribes en italia en 2010. Desde la fecha, cada verano en Castelfranco junto a Venecia, los promotores de iBstage han organizado este curso con la finalidad de facilitar a jóvenes bailarines la posibilidad de tra-

bajar a las órdenes de figuras de la danza y el objetivo de ofrecer una formación que destaque por la calidad en la elección de maestros, alumnos, instalaciones y todo tipo de condiciones.

En 2010 se organizaron dos cursos(julio y agosto) y uno en los años posteriores, acogiendo como maestros a irina Kolpakova, Vladilen semionov, Antonio Castilla, Kira Gimeno, lolita Vilalta, larissa lezhnina, Daria Klimentova, Angeles lacalle, Guillaume Graffin, irek Mukhamedov, Cynthia Harvey, Françoise legree, Xiomara Reyes y Rinat imaev entre otros, procedentes la mayoría de ellos de compañías y escuelas como el American Ballet theatre, el Ballet de la Ópera de París, el Mariinski , el Bolshoi, el Royal Ballet y el English National Ballet.

En 2013 el curso se ha trasladado a Barcelona y en su equipo directivo han tomado parte además de sus fundadores, Xiomara Reyes formada en Cuba y Principal del ABt como Directora Artística Adjunta y Rinat imaev procedente del Mariinski y Company theacher del ABt como coordinador de maestros.

Elías García, Director Artístico y Pedagógico, hizo su carrera internacional como miembro de diversas compañías europeas, entre las que destacan el Ballet du Nord y les Ballets de Montecarlo. tras su retirada como bailarín inició una fructífera etapa docente, primero como ballet master del Ballet de lion, Egribianco Danza y Balletto del sud, ejerciendo posteriormente en italia en centros de formación de profesionales.

su origen español, catalán para más señas (Barberá del Ballés / Barcelona), ha sido el detonante para elegir Barcelona como nueva sede de iBstage, que de tener continuidad en su ubicación, podremos leer international Ballet Barcelona stage. lA GAlA DE ClAusuRA iBstage 2013 clausuró con una Gala de Danza en el teatro Atrium de Viladecans. Dirigida por Elías García y Xiomara Reyes, la Gala se inició con una Polonaise coreografiada por Elías García, en la que participaron los 160 alumnos. El cierre, de la mano de Debora Ferrato con la pieza Aleluya, juntó nuevamente a todos en el escenario y rodeó al público de platea.

El programa incluyó parte del trabajo contemporáneo realizado en el curso y diversas suites de ballets de repertorio: Paquita interpretada por alumnos del stage. Julie Kent y Cory stearns, principales del ABt, bailaron el paso a dos de Romeo y Julieta y acompañados por alumnos del stage que asumieron variaciones solistas, el paso a dos de El corsario. De Giselle se vio el “pas de paisants” bailado por alumnos del stage y el paso a dos del segundo acto que interpretaron Daria Klimentova y Vadim Muntagirov, principales del English National Ballet.

Para finalizar, y antes de recibir a Kevin Mckenzie en el escenario para dirigir unas palabras al público y a todos los participante, Xiomara Reyes principal del ABt y Angelo Greco de la Academia la scala, bailaron el famoso paso a dos del último acto de Don Quijote.

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Amigos de honor Por Perfecto uriel

l

os directores de nuestras Compañías Nacionales de Danza han aceptado el “Galardón de Amigos de honor” de la Casa de la Danza.

José Carlos Martínez, Director de la Compañía Nacional de Danza (CND) y Antonio Najarro, Director del Ballet Nacional de España (BNE) han aceptado el ofrecimiento realizado desde la Casa de la Danza para ser los próximos galardonados como “Amigos de Honor de la Casa de la Danza” Este galardón, a diferencia de otras distinciones nacionales, no está dotado con cantidad económica alguna.

Es un reconocimiento, una muestra

de cariño y respeto que, desde la Casa de la Danza, se rinde a los protagonistas de nuestra danza.

En ocasiones anteriores los distinguidos han sido grandes profesionales de reconocido prestigio dentro del ámbito nacional así como jóvenes figuras que están comenzando a dejar su impromta personal en los tratados de la historia de la danza internacional. Cabe destacar entre ellos a: Aurora Pons (Primera Bailarina del Ballet del teatro liceo de Barcelona), Pirmin treku (Primer Bailarín del saddler´s Wells-Royal Ballet), Gerardo Viana (Bailarín y Coreografo en Bolshoi Y Maryinsky), Aleix Martínez

Por Fredy Rodríguez

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(Bailarín Revelación del Hamburgo Ballet) o Ray Barra (Primer Bailarín del Ballet de stuttgart).

En esta ocasión, la Casa de la Danza quiere dar la bienvenida a estos dos nuevos directores artísticos de nuestras formaciones nacionales (CND) y (BNE)- deseando que su labor al frente de ambas sea lo más fructífera para la consolidación definitiva de la danza como Arte Escénica, en igualdad de condiciones y tratamiento que el resto de las Artes, en nuestro país.

Ambos asistieron a la cerremonia de entrega del galardón que tuvo lugar en logroño.

Crónicas de un destino Por Yanick Niort

P

sico-Art ha reemprendido su andadura creadora, docente, didáctica y investigadora.

Hemos carecido casi siempre de medios económicos, pero nunca de ganas de trabajar y de seguir adelante. Psico-Art reemprende el vuelo con la creación de un nuevo espectáculo y estoy segura que encontraremos apoyos para poder seguir trabajando, investigando, dando formación y alargar la lista de actividades en diversos ámbitos. llevamos nueve años en las instalaciones de iNEFC (instituto Nacional de Educación Física de Cataluña) en Barcelona. la metodología Pisco-Art fue asignatura optativa en Actividad Física Adaptada hasta el plan Boloña, con las correspondientes prácticas para los estudiantes de licenciatura.

Ahora hemos creado un curso monográfico con el título de Psico-Art: una metodología integradora de la danza y del movimiento.

En estos nueve años hemos actuado muchísimo en grandes acontecimientos normalizados, como festivales de danza y música, inauguraciones, certámenes y actos diversos. Hemos colaborado con diferentes colegios ordinarios para dar a conocer nuestro trabajo y sensibilizar al alumnado de

las capacidades de las personas con discapacidad intelectual. sólo la aceptación de la diferencia hará una sociedad más homogénea, cívica y feliz.

Hemos participado en varios seminarios y congresos nacionales e internacionales con las obligadas comunicaciones, los vídeos y los póster sobre la metodología de Psico-Art. Aun nos quedan muchos proyectos por realizar para llegar a más personas con y sin discapacidad. Y por supuesto, también algún día me tocará dar el relevo para que Psico-Art siga adelante.

Este año, Psico-Art cumple 23 años.

Ahora, en nombre propio, he de agradecer la ayuda, la implicación y la profesionalidad de las personas que han colaborado y colaboran conmigo. un buen equipo comprometido es imprescindible para llevar a cabo un proyecto de estas características. A pesar de las múltiples dificultades, sobre todo económicas, la valoración de todos estos años es muy positiva. todo lo que se hace, se crea, se mueve, todo lo que nace, anda, cae y se levanta, todo lo que se sueña, se llora y se anhela, es positivo. sólo miro atrás para ver el camino recorrido, nunca para lamentarme de lo que no he hecho; miro hacia delante para seguir haciendo lo que me queda, lo que he

dejado, y nunca abandonado, aquello en lo que creo, lo que siento y necesito expresar, lo que habita en lo más profundo de mi ser y que me cuesta callar, lo que grito en silencio y a menudo se dibuja en mis coreografías, lo que todo ser humano puede percibir en un mirar, un tocar, un sentir, un oír, un saborear, lo a que todo ser humano aspira: vibrar. Vibrar es sentirse vivo. Vibrar y hacer vibrar. todos los chicos y todas las chicas que han pasado por Pisco-Art han vibrado y todos los que hemos trabajado con ellos, también. Hemos vibrado de alegría, de frío, de ira y de cariño. Hemos vibrado en clase, en el escenario, delante de una cámara, en el vestuario y detrás del telón.

El público también ha vibrado con la música, las luces, el baile y los aplausos, y los aplausos nos hicieron vibrar a su vez. ¡Y queremos seguir vibrando!

Gracias por compartir estas Crónicas de un destino. la vida es siempre un camino de sorpresas y nunca sabemos lo que nos puede deparar el destino. Cuando los caminos de la vida se cruzan con los caminos de la danza se abren sorprendentes vías de investigación, vías de realización, vías de ilusión.

Neus Durán y Daniel Gómez © Nodoka Ishida.

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Libros Carmen Amaya, De leyenda Autor: David Zaafra (Pintura y dibujos) y Natalia Ramos (Poesía y prosa)

¿qué es la casa de la danza?

Es un proyecto activo cuyo objetivo es acoger, estudiar y difundir el arte de la Danza en cualquiera de sus expresiones. un espacio abierto y versátil, que alberga: una biblioteca, una videoteca, un amplio fondo sonoro y una sala de exposiciones-museo (colecciones permanentes y temporales) donde los profesionales, los aficionados, los estudiantes o los simples paseantes pueden descubrir aspectos nuevos así como el profundizar en las variadas técnicas y dimensiones de la propia Danza.

Esta iniciativa, nacida al amparo de una Asociación sin ánimo de lucro En Escena- y con el firme apoyo del Excmo. Ayuntamiento de logroño, también tiene que encontrar su verdadero motor de funcionamiento en el decidido apoyo social.

Haciéndote ''AMiGo DE lA CAsA DE lA DANZA'' participarás en este proyecto cultural colaborando en el mantenimiento de su estructura. la aportación que tu elijas se canalizará hacia campos puramente divulgativos de la Danza.

En el 50 aniversario de la muerte de la genial bailaora, CARMEN AMAYA, este libro nos conduce a algo más que una biografía: un recorrido emocional y al borde del surrealismo, nos espera entre las pinturas y dibujos del maestro Zaafra, los que, dotados de un realismo y movimiento asombrosos, se amalgaman a la perfección con la poesía y la prosa literaria de Natalia Ramos, para recordar y homenajear con amor, dolor y compás, al más grande fenómeno del baile flamenco.

Eupalinos o el arquitecto

Música en danza

Autor: Paul Valéry Edita: A. Machado libros s.A.

Autor: Carmelo Pueyo Benedicto

Eupalinos o el arquitecto y El alma y la danza son dos de los más conocidos diálogos de Paul Valéry. la arquitectura, la música y la danza son los temas explícitos que el poeta aborda con el máximo rigor y la más intensa belleza.

Ahora bien, tal como en él es habitual, las relaciones entre el arte y la naturaleza, entre la creación y el desarrollo natural, la articulación entre el pensamiento y la acción..., “interrumpen” en su reflexión para configurar una verdadera imagen estética del mundo.

En este manual se dibuja, de forma amena y multidisciplinar, una cartografía musical de la danza, recapitulando y categorizando aquellos elementos que intervienen en el espacio coreográfico, regulando las interacciones que ambas disciplinas ejercen entre sí, tanto en su componente creativo como educativo.

Da a conocer algunas nociones básicas del mundo de la danza y del ballet, su historia, terminología y dinámica interna.

Veintiún capítulos ordenados en tres apartados: Notas para una clase de danza; teoría y práctica; y Apuntes históricos. la publicación contiene partituras y grabación para una clase de danza.

Para hacerte amigo de la Casa de la Danza, envía tu nombre, dirección , teléfono, y mail a la Casa de la Danza c/Rua Vieja 25, 26001 logroño (la Rioja) *Todos los datos de esta solicitud serán tratados de forma estrictamente confidencial. Y en cualquier momento tienen derecho a acceder, rectificar o cancelar sus propios datos (Ley Orgánica 15/1999 de 13 de Diciembre) escribiendo a: C/Ruavieja, 25. 26001 Logroño.

La Rioja.

Visitas: los escolares de primero, segundo, tercero y cuarto de primaria pueden disfrutar de los fondos del museo.

Concertar en el teléfono: 941 246 365.

Días: martes y jueves de 10 a 12.

*Estos libros y discos se pueden consultar en la biblioteca de la Casa de la Danza