Nº37 Ramón Oller

Revista de la Casa de la Danza _ Nº 37_2014

danzaenescena

Ramón Oller

Marta Carrasco Elías García Eneko Amorós Ibérica de Danza

Sumario 4 Editorial Perfecto Uriel 5 Mensaje del día internacional de la danza 2014 Mourad Merzouki 6 Portada: ramón oller rosly ayuso 11 rEPortaJE: Marta Carrasco rosa M. isart 13 rEPortaJE: +danza El Salvador Wojciech lewandowski

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14 ENtrEViSta: Elías García Javier Bagá 16 rEPortaJE: iberica de danza María José ruiz Mayordomo 22 ENtrEViSta: Eneko amorós Zaragoza Gonzalo Preciado azanza 25 rEPortaJE: i Encuentro de danza Española María José ruiz Mayordomo 26 CErtaMEN: iV Certamen internacional de danza Cristina duarte

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28 Escuelas de arte de Jalisco. Escuela de danza Clásica Javier Zavala 29 Escuela Bolera Sevillana. Familia Pericet Marta Carrasco 30 CoNCUrSo: Castellón quiere Bailar Pilar Martí 32 Miquel roig Nadal Merce Mor

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33 El Ballet Chonchoi Fredy rodríguez 34 iN MEMoriaM: lin durán danza en escena 35 Premio ojo Crítico: antonio ruiz danza en escena 35 la danza de aldán danza en escena

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35 actividades de la Casa de la danza ©Jack Devant

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editorial

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Por Perfecto Uriel

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os acontecimientos se agolpan sin remedio y, me temo, que se van enquistando sin tener mucha seguridad de cura. aunque se estén utilizando antídotos para detener las continuas sangrías que, la danza y sus profesionales, llevamos padeciendo desde hace décadas y décadas en este nuestro patio particular de la Península ibérica, la danza se desangra sin remedio.

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Hasta hace algunos años a nadie le sorprendía saber que los bailarines españoles poblaban las diferentes compañías de danza en el mundo entero. Hoy, además de ellos, también los coreógrafos salen espantados de nuestro país en busca de horizontes menos ostiles y más por la labor de hacer de la danza un referente cultural de sus pueblos. la situación ha empeorado considerablemente.

Contemplar el panorama que la danza presenta en nuestro país da auténtica pena. Uno se siente con la moral por los pies teniendo que afrontar, cada minuto que pasa, el agónico tiempo con el que nos están premiando profesionalmente. la pendiente de caida libre es cada día mucho más pronunciada y el destino, lejos de ser incierto, no existe para la danza en españa.

Por eso mismo pienso que hay que bailar aunque nos queden dos días. bailar porque nos gusta, faltaría más! bailar porque en el baile encontramos la fuerza y la energía. bailar porque las generaciones que llegan tienen derecho a seguir su camino, aunque se vean obligados a emigrar para evolucionar. bailar y bailar es quizás lo que nos hace resistir contra viento y marea estas inclemencias gubernamentales para las que nadie está preparado.

editora:

mila Ruiz

coordinador:

Perfecto Uriel

consejo de redacción: victor m. burell, ana isabel elvira, Nélida monès, mila Ruiz y Delfín Colomé (miembro honorífico) colaboradores:

Rosly ayuso, Javier bagá, marta Carrasco, Cristina Duarte, Rosa m. isart, Wojciech lewandowski, Pilar martí, Dolores mayán, mourad merzouki, merce mor, Gonzalo Preciado azanza, Fredy Rodriguez, maría José Ruiz, Javier Zavala.

fotografía:

Pierluigi abbonanza, Jack Devant, Crsitina Duarte, David Garsaball John Ross, David Ruano, Jesús vallinas, maquetación y publicidad: Rampa ediciones Culturales. dirección:

Casa de la Danza, Rua vieja 25, 26001 logroño (la Rioja) telf: 941 241 059

mails:

Retrocedemos como el cangrejo cuando se le quiere capturar. el decápodo en cuestión retrocede para librarse del pescador y para no terminar en una cazuela con tomate, animando una merendola de amigos. a los profesionales de la danza nos hacen retroceder privándonos de cualquier reconocimiento académico universitario que, con gran esfuerzo, se había conseguido tras años de lucha. Ni tan siquiera los Consejos de enseñanzas artísticas tienen la gallardía de seguir adelante apoyando la danza, sus estudiantes y profesionales. esta es la maldita cazuela a la que nos están conduciendo sin remisión.

mila Ruiz: danzaenescena@gmail.com Perfecto Uriel: casadanza@casadeladanza.com

Dl: lR-249-2005 (las colaboraciones son gratuitas y responsabilidad de sus autores)

*Danza en escena puede obtenerse de forma gratuita en la Casa de la Danza

¡a bailar, amigos, que son dos días!

PoRtaDa: RamóN olleR ©DaviD GaRsaball

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Mensaje del Día Internacional de la Danza 2014 Mourad Merzouki Traducido por Dolores Mayán

©Miquel Roig Nadal

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ada artista tiene el orgullo de su arte.

Cada artista defenderá siempre el arte cuyo contacto le ha estremecido. Por lo que ha buscado y perdido es por lo que tiene el intenso deseo de compartir. es el eco de una voz, la escritura encontrada, la interpretación de un texto que ofrece a la humanidad, la música sin la cual el universo deja de hablarnos, el movimiento que abre las puertas a la gracia. Yo tengo por la danza el orgullo del bailarín y del coreógrafo, pero también un profundo agradecimiento.

Ha sido mi oportunidad. se ha convertido en mi ética por la nobleza de su disciplina. ella es por lo que cada día descubro el mundo.

Profunda dentro de mí como ninguna otra, me anima cada día con la energía y la generosidad que le son propias. su poesía me tranquiliza. ¿Puedo decir que yo existiría

sin la danza? ¿sin la capacidad para expresarme que me dio? ¿sin la confianza que he encontrado para superar los temores, escaparme de los malos caminos? sumergido gracias a ella en la belleza y en la complejidad del mundo, me hice ciudadano, ciudadano singular reinventando los códigos en el transcurso de los encuentros, fiel a los valores de la cultura hip hop que transforma la energía negativa en fuerza positiva. la danza es a diario una cuestión de dignidad. Pero yo vivo esta dignidad preocupado. Constato la pérdida de puntos de referencia, la incapacidad para imaginar su futuro por parte de los jóvenes procedentes de barrios pobres que crecieron en la frustación y la tensión. soy uno de ellos, todos somos ellos. estoy animado, quizás más que otros, a dar ejemplo, para ayudarles a enfrentarse a la vida. ¿la sociedad no se hace más rica

con la riqueza de cada uno de nosotros? la Cultura más que otro discurso, une. ten valor, asume riesgos, a pesar de los obstáculos y el odio a los que sin duda te enfrentarás, la belleza del mundo siempre estará a tu lado. Como la danza lo ha sido para mí. Con su fuerza singular que hace desaparecer las distinciones sociales, las ligadas a nuestros orígenes, dejando el movimiento de los cuerpos en su más simple humanidad, seres humanos vueltos a su expresión más simple, singular y común.

Finalizo citando las palabras de René Char, que me recuerdan cada día que no debemos dejar que nadie nos encierre en un rol ya escrito: “impón tu suerte, encierra tu felicidad y ve hacia tu riesgo. al mirarte, se acostumbrarán". ¡inténtalo, equivócate y comienza de nuevo, pero sobre todo baila, jamás dejes de bailar!".

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PoRtaDa

Ramón Oller La madurez de un creador Por Rosly ayuso

©David Garsaball

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PoRtaDa

me llama Perfecto Uriel. Hay que hacerle una entrevista a Ramón oller. trato de conectarlo. sin resultado. Facebook me lo soluciona. Hay un ensayo abierto en vilanova del vallès. me voy para allí. Nos encontramos y nos intercambiamos los teléfonos.

Repaso su trayectoria.

Profesor, intérprete, coreógrafo, director escénico con una larga lista de premios: Premio Nacional de Danza de la asociación de Directores de escena de españa, Premio Nacional de Catalunya, Premio de las artes escénicas de la Generalitat valenciana, Premio del ministerio de Cultura, Premi arts escèniques, por “Romy and July”, Premio “Ciutat de barcelona” de las artes escénicas. más de 30 espectáculos con su compañía “metros”, coreógrafo residente en tours; producciones para la “Compañía Nacional de Danza”, el “ballet Nacional de españa”, “it Dansa”, el “ballet Nacional de Paraguay”, la “lindsay Kemp Dance Company”, el “ballet de la ópera de essen”, además de innumerables coreografías para el ballet Hispánico de Nueva York del que ha sido coreógrafo residente. su labor pedagógica abarca desde sus primeras clases en “la Fàbrica”, pasando por innumerables clases talleres y workshops por todo el mundo. Ha sido profesor de composición del instituto del teatro de barcelona dentro de los estudios de Grado superior de danza contemporánea y Director del Conservatorio de Grado medio y superior de Danza de barcelona del institut del teatre de la diputación de barcelona. asesor de danza contemporánea de la Junta de andalucía, como coreógrafo ha hecho teatro, zarzuela, musical y galas.

Nos llamamos. llega a la cita puntualmente. Nos relajamos, nos tomamos un vaso de agua fresquita y nos ponemos al día.

Ramón está contento, animado y lleno de proyectos. Como siempre su teléfono no para. esta vez le llama Juan manel serrat para el tema de “la tieta” que sonará en la Gala de Huesca. Pone el móbil en silencio y empezamos. empecemos por el principio del principio, recuerdas cómo nació tu vocación?

En Esparraguera, donde yo nací, existe una gran tradición teatral que pone en pié cada año “La Passiò”. En mi familia todos participábamos en ese evento. Y ahí empecé a bailar clásico con Laura Tapia. Era una época en que no se hablaba de ballet, entonces lo llamábamos danza. Y empecé a estudiar con las alumnas más avanzadas. Creo que ahí ya tuve que superarme por primera vez. Luego ya entré en el “Institut del Teatre “ de Barcelona, todavía siendo menor de edad. He tenido la suerte de tener una familia que siempre me ha apoyado y que además nunca me ha negado nada. ¿así que tú no estudiaste danza en l’institut del teatre?.

Yo hice Arte Dramático, en el Insitut del Teatre y allí tomé clases con Gilberto Ruiz Lang. Luego llegó “La Fàbrica”, que dirigían Toni Gelabert y Norma Axenfeld y estudié Graham con Lydia Azzopardi, una buenísima maestra. En Barcelona también tomé clases con Anne Mittelholzer y Aaron Osborne. A éste último lo fuí siguiendo a sus clases y cursos en Londres y París. Ya más tarde estuve en los cursos de verano del prestigioso Festival Jacob’s Pillow, en Massachussets.

Yo he estado, y sigo estándolo, en formación continua, no he dejado de estudiar nunca. La última vez, en Nueva York, tras un tiempo de parón y antes de volver a bailar en “El Corregidor y la Molinera”, tomé clases con una de mis alumnas: yo le daba clases a ella y viceversa. Incluso al finalizar el curso, como soy de la vieja escuela, le hice el típico regalo que se le hace al maestro.

Hablando del institut, has sido director y profesor de este centro oficial, pero saliste de ahí por tus discrepancias con su filosofía. ¿Cómo crees que debería ser la enseñanza de la danza hoy en día?.

Por un lado pienso que una escuela pública no puede permitirse el lujo de no tener amplitud de miras, pero menos de no estar abierta a la innova-

ción. Por otra parte, los estudiantes que tienen buenas aptitudes no deberían seguir un plan de estudios encorsetado de horarios y disciplinas. La enseñanza ha de exponer, no imponer. El alumno debería poder escoger su propio itinerario y éste debería ser muy dinámico, flexible y heterogéneo.

Los estudiantes han de probar muchas cosas, para después reflexionar, escuchar bien su propia intuición y finalmente escoger correctamente su itinerario. ¿Que parte le otorgas a la disciplina, no es eso lo más importante?

No, yo únicamente digo que hay que desterrar la noción de que para llegar arriba hay que sufrir; los alumnos son jóvenes, tienen grandes inquietudes y mucha curiosidad. Naturalmente que hay que inculcarles la cultura del esfuerzo y de la voluntad, pero esto no tiene nada que ver con el dolor. ¿la formación del bailarín tiende demasiado a la copia?

Los estudiantes no tienen que ser una réplica de nadie. La danza es algo vivo que va cambiando a través del tiempo. Por lo tanto no hay que organizar un estructura pedagógica que tenga que funcionar para las siguientes generaciones de bailarines. Hay que ser más flexible. ¿tú eres muy buen maestro, te entregas en las clases, nunca has pensado en poner una escuela privada?

Nooo!!!. Esto es una cosa muy seria, si no se hace muy bien puede ser un proyecto fallido. Para formar buenos bailarines, como decía mi amiga Tina Ramírez, directora de Ballet Hispánico de Nueva York, si no hay buena aula, el resultado nunca funcionará en el escenario. Por otro lado, ya hay suficientes escuelas prestigiosas por el mundo. el sábado 29 de junio se te tributó, en la iv velada de la Danza “Ciudad de Huesca”, un homenaje. ¿Qué significado tiene para ti?.

Yo no pienso nunca en los premios ni

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PoRtaDa

mayoría de mis trabajos son coreografías, que ahí quedan. De todas formas quiero decir aquí que para mi lo más importante es que he enseñado a bailar a muchísima gente. Y a veces pienso que con bailar para mis bailarines ya hubiera tenido más que suficiente. Es lo que más satisfacción me ha dado. ¿De dónde has sacado tanta energía para ir de aquí para allá, viajando constantemente, cambiando de registro continuamente. Cómo recargas tus pilas?.

Puede sonar pretencioso, pero a mí lo que me carga más la pilas es irme a Nueva York, donde he estado afincado algunas temporadas: ver musicales, tomar clases de jazz, probar nuevas técnicas. Incluso de mayor empecé a estudiar Limón. Siempre lo he hecho así. Y cuando tengo que hacer cambios importantes, me voy a mis orígenes, me encierro en Esparraguera.

Poder ver las montañas de Montserrat, bajar al río… Yo nunca he perdido mis referentes.

en los reconocimientos, no es una cosa vital para mi, ni los espero. Otra cosa es que no me gusten. En este caso, que una persona como José Espinosa, con todo el cariño del mundo organice esta gala para homenajearme a mí como persona y como artista, pues sí, me emociona mucho.

También hay que señalar que es una iniciativa privada con ayuda pública, así que no se trata de cubrir un expediente. Quiero añadir, y así lo anuncié en el escenario del Palacio de Congresos de Huesca, que esto no significa que vaya a retirarme.

La vida es un cambio constante. Hubo un época que viéndome en you tube interpretando mis piezas me producía algo de rabia. Ahora, al contrario, me hace muchísima ilusión. Está claro que ya no puedo bailar como antes, pero no tengo nostalgia. Busco otros recursos. Empecé muy pronto a hacer muchas cosas y tuve la suerte de tener mucho trabajo. Ahora es tiempo de hacer otro camino. Tengo algún proyecto por delante para poder, como siempre, seguir aprendiendo. Si tienes paciencia y sabes comprender, todo llega en el momento preciso.

¿Pero el cuerpo no es lo mismo con el paso de los años. Cómo lo llevas?.

Es cierto, pero como cualquiera, voy adaptándome a la edad y a las circunstancias. Si ahora bailara mis propias coreografías, no sería fiel a lo que quería expresar en ese momento.

He tecleado tu nombre en Google y me han salido 674.000 entradas en 0,24 segundos. ¿eres consciente de tu enorme trayectoria?

Sería absurdo decir que no. Es cierto, llevo mucho trabajo a mis espaldas y hecho mil cosas diferentes; la gran

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tú eres un “multitarea” y has simultaneado los géneros más dispares: ópera, musical, danza contemporánea, jazz, zarzuela…

Soy consciente que he tocado muchos de los géneros de las artes escénicas y de todos tengo muy buenos recuerdos. Eso me ha permitido conocer a gente muy interesante e importante de la escena española, como Adolfo Marsillach, Carmelo Bernaola, Pilar Bardem y tantos otros que me han hecho enriquecer como persona y como profesional. Además yo soy de los que pienso que siempre hay que correr riesgos, como los que tomé con los musicales en Broadway, pero esto es la vida, si no te la juegas, no ocurre nada. entre la profesión en barcelona y al principio de la movida contemporánea, te tildaron de “comercial”. a estas alturas, ¿qué opinas?.

Al principio lo veía como algo negativo y me preocupó bastante. Luego reflexioné y me dije a mí mismo que haría exclusivamente aquello que quisiera hacer, sin pensar en nada más.

También decidí que si hacía un producto, tenía que venderlo. Yo tengo claro que estoy en el show business.

Recuerdo que cuando estudiaba con Castells, en Esparraguera, siempre

PoRtaDa

me decía: “Si no tienes nada que decir, para casa!”. Y esto me quedó grabado. Ser comercial significa que tienes algo que decir, pero sobretodo, que sabes conectar con el público. Yo solo me pongo a crear y coreografiar cuando tengo algo muy claro que explicar. Cada cual tiene su camino y si es honesto, ya es suficiente.Y así sigo haciéndolo, sin despreciar a nadie. tu estilo siempre ha sido muy personal y ecléctico.

Si, sí, yo no quiero para nada ser belga, ni francés; tampoco soy americano, ni voy a hacer Pina Bausch… eso seguro que no. Pero como soy una esponja, quiero decir que soy muy dúctil y receptivo a todo, no tengo ningún problema en absorber todo lo que me interesa y mezclarlo, eso siempre, a través de mis propios filtros.

Hablando de la profesión, siempre has trabajado con mujeres poderosas de la escena de nuestro país: anna lizarán, Cristina Hoyos, marina Rosell…

Me gusta mucho la fuerza de las mujeres, de su lucha personal; los personajes femeninos siempre me han acompañado, porque destilan senti-

mientos, que ese es el ámbito de la danza. Las mujeres siempre se han sentido muy reflejadas con mis proyectos. Y ademá las mujeres que han bailado y colaborado conmigo siempre se han entregado con pasión, atraídas por el riesgo y la creatividad, y no únicamente por el trabajo en sí.

Hablemos de la crítica y las críticas.

Cuando empecé, me dijeron que no tenía estilo. Eso entonces me dejó bastante preocupado. Pero supe reaccionar y me dije a mí mismo que únicamente haría lo que quería hacer y absolutamente ¡nada más!. Cada uno tiene su camino y si lo llena con honestidad, no hay nada que decir.

Por otro lado, la crítica realmente no puede ser objetiva, pero el que escribe debe tener una gran conocimiento y además debe ponerle mucho interés. La crítica debe ser siempre constructiva y en ningún caso debe ser personal. Ataques personales o de conveniencia, esto no lo acepto. ¿Qué piezas de tu extenso repertorio son las que tienen un valor especial para ti?.

“Nofres”, porque fué la primera pieza larga y que me hizo rabiar mucho, pero también me hizo cambiar mucho

mis conceptos y planteamientos. Todo lo que vino después fue a partir de ese trabajo. Era muy íntima. Pero “Carmen” es la más emblemática, ha hecho temporada en Nueva York, en Broadway y ha pasado por Londres y París; en Barcelona ha estado en el Teatro Victoria y el Condal. Es muy taquillera, ha viajado mucho y también la han bailado otras compañías.

Cuando la empecé, la compañía estaba muy en contra y tuve una gran crisis. Me decían que era una españolada. Recuerdo con especial cariño “Merci, Madame”, una pieza que monté expresamente para Sandrine Rouet y que se bailó únicamente una vez. Lo teníamos pendiente: yo se la debía a ella, en reconocimiento a su entrega y su labor conmigo y ella también sentía que me la debía bailar para mi exclusivamente. Fue una función llena de honestidad y respeto.

Como creador has tenido la suerte de poner en pié muchos de tus sueños.

Sí. Estoy muy agradecido con todo lo que me ha sucedido, incluso con los errores. También estoy satisfecho porque he sabido ir adaptándome a las diferentes situaciones y etapas de la vida. Creo que me salgo bastante bien de las todas las cosas, porque tengo

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PoRtaDa recursos para todo y trabajo apasionadamente.

Pero aún así , no todo el mundo consigue lo que se propone.

Desde hace ya mucho tiempo, mi vida no ha sido ningún juego. He trabajado muy duro, día tras día. Hay que irse a dormir cuando terminas el trabajo y levantarte muy temprano al día siguiente. Esto es lo que me enseñaron en mi familia. Y esta es la única forma de conseguir lo que te propones. ¿Qué sigue siendo la danza para ti?.

La danza es mi vida, este es mi oficio.

El teatro es mi hábitat natural, ahí empecé con siete años, en la Passiò d’ Esparraguera, incluso ya dirigí de bien pequeño unos “Pastorets”. En mi casa se vivía el teatro plenamente, después del colegio íbamos todos a ensayar…

Y ahí sigo, siempre entregado a esta profesión. Nunca he dejado de estudiar y aprender cosas nuevas, por mi curiosidad natural, pero además porque esa es mi obligación como profesional. ¿Has tenido alguna crisis de fé con la danza?

No, nunca he tenido ninguna duda con la danza, aunque sí con la profesión.

En los inicios de la danza contemporánea en Barcelona, mi danza-teatro estaba alejada de la corriente general, que era más conceptual y abstracta.

Todo lo contrario, crear espectáculos e impartir clases siempre me ha dado y

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sigue dándome grandes satisfacciones.

Gracias a la Gala de Huesca te ha caído un apodo, “Ramón oller, el travieso”, ¿estás conforme?.

Jájájá… sí, me cuentan en casa que en los ensayos de “La Passiò” no paraba ni un segundo quieto y además siempre tenía que hacer de malo: el papel de Judas, “El ball del dimoni” (El baile del demonio). Así que algo de cierto habrá. También puede ser porque yo soy muy anárquico.

Durante la Gala se ha oído la primicia de que se instauran unos premios que se llamarán “Ramonet” y cuyo símbolo es un simpático muñeco vestido de demoniete rojo con alas . ¿Qué te parece la iniciativa?

Los premios son un buen estímulo a la creatividad pero hay que hacerlo muy bien, pues de lo contrario puede desincentivar el talento. Cuando se emprende un proyecto nunca se sabe cuál va a ser el futuro. Así que hay que dar los primeros pasos muy bien dados, pero siempre es una buena noticia. ¿Cómo ves la danza con esta crisis: qué prevees que sucederá?.

Yo veo la crisis, pero no veo la danza.

La danza, si siguieran las cosas así durante mucho tiempo, podría llegar a ser únicamente un recuerdo. Pero la gente sobrevive y sigue haciendo muy bien su trabajo, aunque sin los

medios necesarios. Por lo tanto volveremos a los inicios: trabajar únicamente con muchas ganas, mucha pasión y sin tanto presupuesto. En el fondo puede ser una oportunidad para su renovación. Porque la danza siempre sobrevivirá. ¿Qué le dirías a los jóvenes que ahora empiezan?

Pues en primer lugar que no pierdan la ilusión por bailar, porque siempre habrá un político dispuesto a hacérsela perder. Los jóvenes han de seguir luchando, como yo y tantos otros hicimos cuando empezamos. tú que has sido ciudadano del mundo, siendo catalán ¿qué opinas de lo que esta sucediendo en Cataluña, de la consulta por el derecho a decidir?.

Yo no creo que ahora sea el momento oportuno de hacer una consulta de este tipo; no es realista y no creo que se pueda llevar a buen término. ¿Con qué te pondrás las pilas nuevamente?. Cuál es tu nuevo proyecto?.

Ahora mismo estoy trabajando en Barcelona con gente de la escuela de “La Tani” en un proyecto muy bonito.

Siguen saliendo propuestas, pero de momento no puedo adelantar nada más. estaremos atentos a la cartelera.

Gracias, Ramón.

RePoRtaJe

Marta Carrasco, el décimo contraataque Por Rosa m. isart Fotografías: David Ruano

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ste año 2014 constituye el primer año de gira del nuevo espectáculo de marta Carrasco. tal y como lleva a cabo Jep Gambardella (toni servillo) en el film —que ella, por cierto, adora— la grande bellezza (Paolo sorrentino; italia, 2013), cuando desprecia la egolatría y el narcisismo de orietta (isabella Ferrari), la rubia que desea mostrar las réplicas fotográficas de su bello cuerpo, Carrasco ha optado igualmente por despreciar los tiempos actuales —que exhiben e instigan al desánimo, a la inanición y a la sequedad imaginativa— y adentrarse en el riesgo y la tensión financiera y personal que supone la creación de una obra teatral destinada a llegar a los escenarios. en efecto, esta creadora —referencia en el ámbito de la danza-teatro español, catalán, y europeo— alunizó el año pasado en el nordeste catalán, en Girona (marco: el Fta), para estrenar oficialmente —una previa, que culminaba la residencia técnica, había tenido lugar dos días antes en la localidad de sabadell, en el

espacio escénico l’estruch— el sábado 5 de octubre de 2013, en la sala la Planeta, un recinto referencial y dinámico con un aforo de 162 localidades, su nueva obra, b.FloWeRs. Décima creación. Décima pócima. Décimo contraataque rebosante de pasión. en una ingrata simplificación, flores y reivindicación de la mujer.

Para encauzar y recubrir de pan de oro su torrencial creativo y plástico, Carrasco se rodeó de sus colaboradores artísticos habituales. en el diseño de iluminación, Quico Gutiérrez, en el montaje musical, José antonio Gutiérrez “Guti”. en el ámbito del vestuario, junto a ella, dos cómplices: Pau Fernández y alba viader. más magos: Darío aguilar, realizaciones escenográficas. Un arquitrabe importante: el dramaturgo, cineasta y poeta gaditano antonio Castaño, firmante de la ayudantía de dirección. Dos grandes y fieles técnicos conocedores de sus deseos al más mínimo chasquido de dedos: el consolidado jefe técnico y

operador de luces antoni vilicic, y el encargado en cabina del sonido, el egarense Joan valldeperas. Últimas armonías: sobre escena, junto a ella — que volvía a interpretar—, dos actrices que ya habían participado en anteriores montajes carrasquianos. Por un lado, la frescura y la santa semiinocencia de anna Coll (igualada, barcelona, 1978). Por el otro lado, triangulando, la argentinocatalana majo Cordonet (lomas de Zamora, buenos aires, 1982), ser multipétalos lleno de desparpajo pero al mismo tiempo de calculada ejecución escénica.

Carrasco sirve un plato para el paladar adulto. imposible la presencia infantil en la platea o los palcos. Como siempre, la reivindicación de la no marginación, a que no aparezca ni se afianze el maltrato al ser humano, el alto voltaje de sus contrastes (temáticos o plásticos o musicales), su defensa acérrima de la supervivencia y de la transformación positiva (…o negativa?), su detonación e incitación a la polémica,

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RePoRtaJe

sus gritos (físicos, psíquicos, existenciales) desgarradores, sus aullidos a favor de la no ridiculización. todo ello conllevan los dos rombos antiguos a sus obras de arte (efímero), bellísimas zarzas de danza-teatro que mentalmente podríanse relacionar con el disgusto, el dolor, o la estética de Francis bacon, egon schiele, lucian Freud, tadeusz Kantor, Cosmè tura, basquiat, Rossetti, Jenny saville o Frida Kahlo. en b.FloWeRs el público halla grandes momentos escénicos. Una marta que renace espléndida de un cuerpo roto —que se nos enganchó al corazón para siempre—mientras suena Joni mitchell. Una anna que se debate entre mundo y muerte con aderezo musical de la ópera il Giustino de vivaldi. Una majo Cordonet que embiste —tallo decidido, estambres bien extendidos—contra el mundo cruel y el aprovechado masculino, o que causa el renacer de la esperanza a un ritmo lento intimísimo musical. b.FloWeRs se recuerda y se repite. se sintió en el 2013 —por este orden, en: teatro tantarantana de barcelona, sala maria Plans de terrassa, leidor antzokia de tolosa, manuel lekuona Kultur etxea de lasarte-oria— y se 12 danzaenescena nº37

está viviendo en este año de Dios (mío) —también por orden, hasta la fecha, en: teatro Piemonte europa de turín, teatre l’escorxador de lleida, amaia Kultura Zentroa de irun, teatro bartrina de Reus, sala Ca n’Humet de masnou, teatro Jofre de Ferrol, la sala de argentona, l’ateneu de igualada, teatr Rozrywki de Polonia).

Pero… Dios, exista o no, tenga o no la forma que deseamos, sea uno o múltiple, debe ayudar a que la creación no muera. tal y como hace marta. así de simple. Y así de difícil. Y así de tan a

contracorriente. en octubre el espectáculo vive su mes de máximo gran ajetreo multidicotiledóneo: se podrá ver en Getafe (3 oct), málaga (11 oct), orihuela (18 oct), Fit de Cádiz (20 oct), Festival internacional de teatro de vitoria-Gasteiz (23 oct). en definitiva, flores (ellas) y fertilizantes (el auditorio humano y los programadores) que se agradecen, en estos tiempos tan agrestes. marta ofrece (quiere), cada vez más, proximidad con el público; convendría pues no perderse este trozo crisalidante de (insana) naturaleza.

RePoRtaJe

+Danza El Salvador Por Wojciech lewandowski

+Danza el salvador es como lleva por nombre el nuevo festival de danza que se estrena este 28 de Julio y que surge de la iniciativa de Carlos bonilla, cuya idea es crear un Festival de danza con la participación de docentes del extranjero quienes impartirán clases de ballet, danza contemporánea, repertorio clásico y contemporáneo para el desarrollo de la danza salvadoreña como una manera de apoyar la capacitación y actualización continua de los profesionales y estudiantes de la danza.

“Nacer en el pequeño el salvador y nacer con el deseo de conocer algo más, creo que es la motivación más importante para crear este proyecto”, menciona bonilla. “estuve 2 años en la compañía nacional de danza.

Hacer giras y conocer el mundo fue impactante. sé que en europa puedes comprar un boleto a Roma o londres y ver el Royal ballet o a sidi larbi, pero en el salvador eso es casi algo impensable. aún más impensable es hacer algún tipo de intensivo de danza con estrellas, que últimamente se ve por todas partes incluso en las pequeñas escuelas de danza de europa”.

al recordar la cantidad de alumnos que hay en el salvador, la mayoría con condiciones excepcionales y mucho talento, que sólo en la escuela nacional se cuentan por cientos, sin mencionar las escuelas privadas, bonilla pensó que el ámbito de la danza necesitaba activarse un poco más. además, según comenta, puesto que el salvador es un país muy difícil de viajar, lo más práctico y lógico sería traer a los docentes para que compartan con ellos un poco más de su arte, pues es fundamental, por un lado, que el bailarín profesional pueda obtener una capacitación extra y de calidad en el país y, por el otro, que el alumno pueda crecer con una visión de la danza más amplia e implementar nuevos recursos en el aprendizaje.

Dicho lo anterior, tanto los bailarines profesionales como los alumnos podrán beneficiarse incrementando sus conocimientos a través de técnicas y experiencias de bailarines extranjeros. el público también estará siendo beneficiado por las puestas en escenas, ya que habrá dos galas al final de este primer intensivo. la “semana internacional de la Danza” será una oportunidad para

poder unir el gremio de los bailarines salvadoreños, sumando la convivencia y el intercambio de conocimientos extra aportados por cada uno de ellos.

Por el momento, irán tres maestros, entre los cuales se encuentran Cecilia segovia, primera bailarina del ballet de Paraguay e invitada en otras compañías europeas, que tuvo su formación en la ópera de París y reside en españa desde hace ya 10 años y Catherine stuyt, maestra de vaganova, ex bailarina del ballet nacional de venezuela, que también reside en españa desde hace varios años.

Como actividades extra habrá, en primer lugar, conversatorios en los que se tocarán temas tales como el trabajo en compañías, las tendencias, las audiciones o el nivel de vida que pueden tener los bailarines en europa. en segundo lugar, como ya se ha mencionado anteriormente, se celebrará una gala final con talentos de el salvador formados en el extranjero, durante la cual se presentarán los pas de deux de Romeo & Julieta y el adagio del Cisne negro, Paquita. Y, finalmente, se hará una muestra final de algunos talleres. este primer proyecto ha sido ya muy bien recibido de tal manera que el próximo año está confirmada una maestra que estuvo como bailarina estrella del bolshoi, y otra del Nederlands dans theater “iratxe ansa”. así pues, este proyecto sin duda irá creciendo año con año porque en este pequeño país hay mucho talento por trabajar. “simplemente agradecer a todas las personas que están trabajando en el salvador y en barcelona para este proyecto, la producción, la organización, las escuelas y demás involucrados”, concluye Carlos bonilla.

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eNtRevista

Elias García

Maestro internacional Por Javier bagá / Fotografías: Pierluigi abbonanza

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mpezó en un pequeño municipio de la provincia de barcelona, creció en el institut del teatre y la escuela Rosella Hightower, se hizo bailarín con maría y lola de Ávila, bailó en varias compañías europeas, se afincó en italia donde es un maestro del que todos quieren recibir enseñanzas. ahora, todos los veranos regresa a barcelona con su curso internacional de Danza ibstage. ¿Cómo descubriste la danza?

Fue gracias a un problema de espalda.

Me mandaron a natación para mejorar mi espalda y allí, en la piscina, también había clases de ballet.

¿Y realmente cómo descubres que quieres dedicarte a ello?

Fui estudiando cada vez más en serio.

Los maestros me animaban a conseguirlo y de repente me encontré en un remolino… y acabé bailando. En la piscina me animaron a ir a una escuela más seria en Sabadell, ahí me insistieron para que fuera al Instituto del Teatro, un año más tarde conseguí una beca para ir al centro de Rosella Hightower en Cannes, de ahí pasé a la escuela del Ballet Nacional de España donde estudié con María y Lola de Ávila….

Y de repente ya eras profesional.

Con el Joven Ballet de María de Ávila 14 danzaenescena nº37

hicimos espectáculos en el Teatro Español de Madrid y allí me vio Mauro Galindo, que era el director del recién creado Ballet de Zaragoza…. en Zaragoza estuviste unos tres años ¿no? Hacíais clásicos como Raymonda y también obras de Cranko, Ramón oller…

Sí, hacíamos todo esto, pero necesitaba más y marché al Ballet de Montecarlo donde tomé contacto con Balanchine, con los ballets rusos: Petrushka, Pájaro de fuego, Danzas del Príncipe Igor; obras de Tudor…

Pasé a Francia donde estuve nueve años en el Ballet du Nord. Allí me relacioné con la danza contemporánea francesa interpretando roles principales que fueron creados para mí. Trabajé con Prejlocaj, Magui Marin, Maryse Delente…

Y fue a los finales de tu etapa como intérprete que empezaste a formarte como docente.

Adquirí mayor información sobre pedagogía en Lion, allí obtuve el Diplôme d’Etat que te permite ejercer como maestro. En el sistema francés está estipulado así: si has formado parte de compañías profesionales durante ciertos años, accedes gratuitamente a ese centro donde superando exámenes obtienes la licencia para ser enseñante.

¿Y dónde has depositado tus conocimientos?

Empecé en la escuela del Ballet du Nord, pero el gran salto lo di cuando pasé a formar bailarines en la escuela de Susanna Egri en Torino, que es como la María de Ávila italiana; es decir me he formado con las más importantes maestras de España e Italia. Con Egri daba clases en la escuela y a la compañía que dirige junto a Raphael Bianco.

También fui invitado en diversas ocasiones por el Ballet de Lion, donde tuve la oportunidad de conocer a grandes de la danza: Mats Ek, Forsythe …y a extraordinarios bailarines.

También en el Balletto del Sud, que es otra institución en Italia y una larga etapa en la escuela Il Balletto en Castelfranco, junto a Venecia. ¿Cuál es el perfil de alumno que te gusta tener?

Que tengan ganas de trabajar y aprender. Con estos siempre obtienes resultados; eso no implica que sean los mejores. Por el contrario, cuando el alumno no está del todo dispuesto o hay otras cosas en su cabeza… Todo esto se ve ya en los primeros días.

Yo me refería a si te gusta más el alumno que lo hace por afición, el que quiere ser profesional…

Es lo mismo, que quieran aprender.

eNtRevista Luego el futuro…, ya es su decisión. A mí me gusta que tengan curiosidad. Mi objetivo no es lograr que sean bailarines sino ayudarles a tomar una decisión que marcará su vida.

Pero ellos llegan a tus clases con ambiciones profesionales ¿no?

No todos. Fíjate, me ha pasado con alumnos que estaban preparados para bailar incluso con propuestas de contrato en la mano y antes de dar el gran salto han dicho “no”. Es decir, que al final yo no decido, lo hace cada uno. ¿Y esos alumnos que decidieron bailar, en qué compañías están?

Hay un buen número, la mayoría de la escuela de Castelfranco: Piergiorgio Regazo está en Helsinky con papeles de solista; Emilia Cadorin. en el Capitol de Toulouse; Daniele Silingardi en el English National Ballet, Denise Gazzo en La Scala de Milan; tengo cuatro bailarines en el Balletto di Milano, tres en el Balletto del Sud; Ruben de Monte y Andrea Bena en Cia. Nacional de Lisboa, Andrea Martini con Naharin.

Otros finalizando en grandes academias: la Accademia La Scala como Angelo Greco que es un talentazo.., Racchele y Lorenzo Royal Ballet School, Arianna Marchiori y Matteo Manzoni San Francisco, …Todo esto lo he conseguido gracias a la unión de pasión, paciencia y a un montón de horas durante el año y asistiendo a cursillos internacionales.

Parece que tu experiencia de años la depositas en ibstage, ese curso de verano que organizas. Y me pregunto ¿es tu relación internacional con escuelas, maestros, coreógrafos… que te lleva a crear ibstage? ¿Cuáles son los objetivos de ese proyecto?

Estamos en un momento en que los chicos tienen un montón de informa-

ción a través de Internet , en esa pantalla encuentran, se lo pasan, lo reenvían.., y vuelven a ver tantas veces como quieren, cosas que en mis tiempos y los anteriores, solo conocíamos de palabra gracias a alguien que había tenido la fortuna de verlo en directo.

En Internet también está la danza y puedes ver en una tarde las proezas que realizan y actuaciones en las que participan, todos los grandes bailarines del momento. Debido a esa facilidad que tienen ahora, creen que en la pantalla encontrarán todo lo que necesitan y quieren saber. De ese fenómeno es de donde nace IBStage. Lo que se encuentra en Internet es fantástico, ahí está todo, pero falta la parte viva y humana. La idea de IBStage es hacer que los grandes nombres de la danza estén directamente con los chicos y transmitiendo conocimientos. Ya que es complicado que los alumnos puedan acercarse a esos grandes nombres, yo los reúno en un mismo espacio y los pongo al alcance de los alumnos. Esa no es una idea únicamente mía, en este proyecto está también al cien por cien Leo Sorribes. ¿Cuáles son esos “grandes nombres” para vosotros?

Lo son por su valor artístico y/o por su procedencia. En los cinco años de IBStage hemos tenido Estrellas de la Ópera de París, maestros de la Vaganova, Irna Kolpakova mítica bailarina del Mariinsky y hoy repetidora de primeros bailarines del ABT; maestros y primeros del Royal Ballet, del Bolshoi; Daria Klimentova, Larissa Lezhnina, Cynthia Harvey; Xiomara Reyes que es codirectora de IBStage; Julie Kent, Rinat Imaev… el verano pasado, tras cuatro ediciones en italia ibstage se trasladó a barcelona. ¿en qué aspectos cambió?

El contenido del curso en cuanto al tipo de maestros y alumnos fue el mismo, lo que creció fue la internacionalidad. En Italia muchos alumnos eran italianos más algún extranjero, en Barcelona participaron más de 15 nacionalidades. Ya no fueron alumnos que me conocen o me siguen, sino que acudieron por el atractivo del curso.

También nos trasladamos a unas instalaciones que multiplicaron por 100 las que teníamos. En resumen no cambió el objetivo, pero Barcelona hizo crecer todo: instalaciones, hoteles, alumnos, maestros…

La prensa y medios de difusión se volcaron hacia nosotros: estuvimos en televisiones, periódicos, radios… medios virtuales. Por otra parte recibimos montones de mensajes por Internet dando gracias y elogiando el cursillo: para los alumnos fueron quince días de gran riqueza y donde descubrieron muchas cosas. ¿Qué presencia en ibstage destacarías?

La de Irina Kolpakova. Destaco a ella por que hizo un trabajo de repertorio sobre Vaganova y Petipá que no tiene palabras. Además es una maravilla cómo plasma en los bailarines lo que para ella es importante. ¿sería posible recibir enseñanzas similares de no existir ibstage?

Yo creo que no. Irina solo trabaja con el American Ballet, pero con nosotros se siente muy bien, viene y repite.

Pero además los alumnos trabajan al mismo tiempo con otros profesionales: Xiomara Reyes, Julie Kent, Irek Mukhamedov, Cinthya Harvey….

Durante quince días conviven con este tipo de profesionales que proceden de grandes compañías que distan las unas de las otras miles de kilómetros.

Trabajar con todos ellos durante 15 días no sería posible a no ser que alguien como nosotros los reúna. ¿2014 nuevamente en barcelona?

Sí. La pasada edición se hizo, como decir, “a soto voce”, no porque tuviera miedo del resultado, sino porque queríamos llegar ofreciendo y no pidiendo.

Cara al futuro esperamos que a Barcelona le interese y entienda el proyecto y lo acoja.

Ensayo de Paquita

* Esta entrevista se realizó en enero, cuando IBStage ya había iniciado su organización. En ese momento no había noticias sobre la subvención que a día de hoy la Generalitat de Catalunya ha otorgado para la edición 2014.

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RePoRtaJe

Ibérica de Danza 20 años bailando en el bosque de nuestra memoria Por maría José Ruiz mayordomo Fotografías: Jesús vallinas

Asturias

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RePoRtaJe

¿

Quién dijo que veinte años no es nada? en el caso de ibérica de Danza son mucho. mucho porque mantener una compañía única en su género significa llevar a cabo una auténtica proeza. Pero esta proeza está muy lejos del milagro: es el resultado de la concatenación armónica y equilibrada de elementos tanto artísticos como de producción. en la inteligencia de que, después de cuatro lustros, justicia es que un coreólogo se aventure en la tarea de analizar con la perspectiva que otorgan los años y la distancia, unidas al privilegio de haber conocido el proceso en primera persona, en el conjunto de la obra de manuel segovia y violeta Ruiz. la proposición de Perfecto Uriel llegó en el momento oportuno: escribir un artículo sobre ibérica de Danza con motivo de su XX aniversario, con presupuesto de espacio abierto, sin otros límites que los que propia la prudencia y la continencia en el entusiasmo propongan. tengo fortuna por este encargo, ya que he de agradecer al universo el privilegio de haber podido disfrutar de esta compañía mucho más que un espectador al uso, mucho más que un profesional de la Danza española, debido -por una parte- a mis profundos y antiguos vínculos con la tradición de raíz, con el trabajo de campo, con el disfrute de este Patrimonio Cultural intangible al que en la actualidad continuo fuertemente unida, y -por otra- al hecho de compartir este otro privilegio que es la de ejercer dentro de mis actividades la creación artística. me dispongo así, amable lector, a sumergirte en una aventura a la que estás poco acostumbrado: No esperes panegíricos ni sucedáneos de la guía telefónica, porque lo que viene a continuación es un ensayo coreológico sobre la obra de una pareja absolutamente cómplice. a modo de arianna iré tejiendo con hilo de oro para irte atrapando línea a línea, párrafo a párrafo, en el desgranar y aventar de palabras que hablarán de los materiales de que está construido el arte de la Danza Neofolk. en el terreno artístico, el gran acierto de manuel segovia es haber creado un nuevo modo de hacer en la estili-

zación del Folclore. manuel es consciente de no haber bebido de las fuentes directas de la tradición, y lo pone de manifiesto con las mismas honestidad y sencillez del movimiento natural, esas que encierran dosis acertadas de sofisticación, con las que propone el nuevo tratamiento de los códigos coréuticos folclóricos. también es consciente de que se encuentra muy lejos de la investigación, porque su actividad es contraria a la académica, distante de la recopilación de material en archivos y bibliotecas, lejana al trabajo de campo, ajena a la publicación en revistas de alto impacto científico o a la presentación de comunicaciones en congresos científicos. sus creaciones provienen de la experimentación cinética. su labor, por tanto, es la contraria a la de un etnocoreólogo, a la de un investigador: Parte de la experimentación performativa, de la búsqueda de resultados estéticos desde la deconstrucción del hecho folclórico para construir una nueva realidad coreográfica, un nuevo arcoíris de lenguajes. seguramente, en un futuro próximo, sus creaciones sean objeto de investigación en alguna universidad. Por lo menos desde aquí lanzo el reto, ya que la obra de manuel segovia merece ese estudio en profundidad. en constante homenaje a su maestro Juanjo linares, cada obra ha sido perla cultivada a partir de una idea distinta de la anterior, haciendo gala en el conocimiento del amplio repertorio que ha servido de base para esta nueva aproximación al lenguaje autóctono popular. la gran aportación de manuel segovia a la Danza española –y esto es de subrayar- es el novedosísimo hecho de que, sin perder la impronta del hecho primigenio, pasa el léxico heredado por el tamiz de la danza escénica actual, sumergiendo el vocabulario ancestral en la sintaxis y la prosodia de la Danza Neoclásica de béjart y de Kylian. su propuesta ahonda en las propias raíces europeas, se aleja voluntariamente de la fácil y manida fusión con ritmos afro-americanos tan de moda, o con la acrítica amalgama de elementos tomados del Jazz o de Graham y tendencias afi-

nes, totalmente ajenas a la cultura autóctona peninsular. manuel –como ya he indicado– renuncia voluntariamente a la fusión fácil, y opta por la construcción caleidoscópica en la que es reconocible e inteligible cada código, cada vocablo, cada tratamiento del espacio, cada relación entre intérpretes y la de de éstos con el público. otra de las virtudes de éste creador es su poética de composición, en la que aporta una nueva ordenación en el flujo coreográfico que se aleja de la recurrencia y repetición en la utilización de vocablos coréuticos, propias de la danza tradicional y de la folclórica, en favor del discurso continuo que va del microcosmos al macrocosmos, para la articulación de la pareja como unidad, en la que el hombre es hombre y la mujer es mujer, potenciando cada peculiaridad diferenciadora para encontrar la unidad en la diversidad que unas veces multiplica y otras ensambla bajo la forma de contrapunto dinámico. bailando en pareja, metáfora de la vida en la naturaleza, del respeto a la dualidad diversa, manuel vuelve a remar a contracorriente: la simbiosis de los géneros otorga a su obra la autoridad de la sabiduría ancestral, en la que el baile se inscribe en el universo de los ritos sagrados de dionisíaca fecundidad.

Como complemento al baile, las danzas de género, la resurrección del reino apolíneo en el arte coreográfico. los ritos solares y lunares, las metáforas sobre los cuatro elementos y los arquetipos de la mitología impregnan su producción. subido a hombros de gigantes mira y ve más allá del horizonte cercano, para fabricar incesantemente la mágica argamasa que cubrirá la estructura interior una y otra vez hasta conseguir coronar la construcción de la obra. analizando los elementos propios de la danza española que manuel recupera, quizás su más sutil aportación es la poesía viva en las manos, la gestualidad del otro texto coréutico ahora resucitada tras lustros en el olvido. manos sin castañuelas, muñecas y dedos que hablan, castañeteo suave unas veces y enérgico otras, manos que transmiten, que se relacionan, que proyectan, que coronan la obra de arte.

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RePoRtaJe

el dominio del espacio geométrico es fiel reflejo de la impronta de Juanjo linares. la aparente facilidad en las transiciones de una figura a otra, y del ordenado caos al cosmos desordenado, sin embargo, es cosecha propia de manuel; producto de la sofisticación que caracteriza a su trabajo de síntesis y abstracción, impregnando toda obra que sale de su creatividad omniscente. ilUmiNaCióN. el esPaCio visUal. al igual que Gasparo angiolini o salvatore viganó en las anteriores grandes reformas de la Danza compusieran el espacio sonoro para sus creaciones, manuel aborda la composición del espacio lumínico y luminoso en el que transcurre la obra cinética: las figuras se mueven, creando arquitecturas efímeras de luz, sombra, y color que transforman la realidad física en una nueva realidad que llega a los espectadores a través de los sentidos. la estética visual cómplice de violeta Ruiz: el traje como signo de repre-

sentación. violeta Ruiz, consciente de la importancia del vestuario como representación del cuerpo, del género y de la pertenencia a un entorno socio-cultural, ha creado un estilo propio y reconocible, paralelo al de manuel segovia, en el camino de deconstrucción de los elementos propios de cada comunidad cultural, en la simbiosis perfecta entre elementos de la cultura clásica que utiliza como referente lejano y próximo a un tiempo, y los arquetipos reconocibles para propiciar el contexto pictórico y escultórico a un tiempo, que potencian el aspecto cinético de la obra.

Desde las referencias al vestuario clásico propio del mediterráneo (túnicas griegas), hasta las suaves y sinuosas síntesis metafóricas, con el camino de la utilización de elementos distintivos (rasgos concretos), y la síntesis minimalista del vestuario masculino, la indumentaria de ibérica de Danza convierte cada elemento en signo de signo para la representación de la realidad primigenia muchas veces ya

extinta por el peso de la modernidad. violeta cuida al máximo la adecuación del vestuario al movimiento, al concepto coreográfico de cada pieza. sus diseños significan la representación de lugares y culturas en las que transcurre idealmente el movimiento que crea manuel. la elección de los materiales tiene como consecuencia la naturalidad y fluidez en el resultado final.

Conocedora de este importante aspecto, siempre utiliza materiales naturales como el algodón, el lino o la seda, que, además de proporcionar texturas regalan la inercia propia del movimiento natural. la indumentaria se convierte así en prolongación del cuerpo al tiempo que signo de representación suyo.

ColoRes. Colores representativos, colores metafóricos, colores significativos: Colores. la presencia de las tierras mediterráneas, la gama de colores utilizada es una de las más amplias en el momento actual por lo que se refiere a las

Eliseo y Raquel 18 danzaenescena nº37

Por el Azul

compañías españolas de danza. sabiamente combinados, con la consciencia de contribuir a la creación de la obra integral en la que las partes enriquecen al todo. la creación de volúmenes es otra de las características diferenciadoras, y como reina indiscutible, la presencia del elemento femenino por antonomasia: la falda. el cuidado y mimo de la figura femenina, de la personalidad femenina en diálogo permanente con la esencia masculina enriquece el universo significativo y metafórico de la dualidad que conforma la vida tradicional. el PaisaJe soNoRo. otro de los aciertos de manuel es la sabia elección del soporte sonoro. obras, compositores e intérpretes.

Casi todos ellos ligados de una manera u otra a la cultura autóctona, bien desde la tradición en sus distintas tendencias, o a la contemporaneidad creativa. las tradiciones castellana y leonesa tienen quizá a sus más prestigiosos representantes en eliseo Parra y la musgaña. eliseo Parra, compositor e intérprete, poseedor de una formación integral como músico instrumentista y vocal

que va desde el Jazz hasta el trabajo de campo en la recopilación del patrimonio tradicional, y que ha encontrado en manuel la perfecta traducción al movimiento de las músicas por él recopiladas y renovadas. en el caso de Carlos beceiro, Quique almendros y Jaime muños, conocidos como “la musgaña”, el sonido tradicional que aportan Quique y Jaime queda completado y complementado con las eclécticas adaptaciones a través del sonido inconfundible de la cuerda de Carlos beceiro. todos ellos músicos polifacéticos, multidisciplinares, que aportan variedad de colores, multiplicidad de dimensiones a las primigenias obras que utilizan como base para sus composiciones e interpretaciones. la querencia gallega de manuel –berruezo y Chaves-, que le impele a dirigir una vigorosa mirada hacia sus orígenes galaicos, ha dado como resultado la colaboración con músicos del calibre de Hevia o Carlos Núñez, que recrean –desde la composición hasta la interpretación- la sonoridad del paisaje de sus ancestros orientando las cualidades de la tierra y del mar, suavemente modelados como basamento para asentar las creaciones coréuticas. en el universo de la creación contem-

poránea y la estilización compositiva la terna de compositores que han colaborado con ibérica de Danza tiene tres nombres de élite: Juan alberto arteche, eduardo laguillo y Javier Paxariño. la adaptación de obras míticas del repertorio musical español tiene nombre propio en el arreglista Fernando egozcue, que ha traducido a un lenguaje actual e iconoclasta dos de las piezas más paradigmáticas de la literatura pianística española: “Castilla” y “sevilla” de la suite iberia de isaac albéniz. la música antigua llegó de la mano de Felipe sánchez mascuñano y axivil, con el gusto exquisito que caracteriza toda la trayectoria de éste veterano músico. la pléyade de instrumentistas que han aportado sonoridades singulares, desde la percusión del grupo catalán Coetus, hasta los ensembles de plectro como es el caso de Citaradeus, o los sonidos telúricos de luétiga. las nuevas sonoridades flamencas han llegado de la mano de Pablo martín y Josete ordóñez. los aromas del Jazz de la mano de luis lozano y Pedro esparza, entre otros. la enumeración de cada uno de ellos excedería el espacio disponible (y también el no danzaenescena nº37 19

RePoRtaJe disponible). Con la calidad como denominador común.

Dar vida a la obra: los intérpretes y Raquel Ruiz, transmisora artística de la compañía. ibérica de Danza se caracteriza por la homogeneidad en la formación de sus artistas intérpretes: todos provienen de la Danza española, y por lo tanto dominan diversos lenguajes coreográficos que van desde el academicismo hasta materias que se contemplan con poca frecuencia, como es el caso del baile bolero –el auténtico baile Clásico español- y la Danza Histórica. el trabajo de los creadores vuelve a tomar vida una y otra vez bajo la atenta mirada de Raquel Ruiz, maestra repetidora, transmisora artística que conoce en profundidad cada uno de los movimientos, cada una de las intenciones que constituyó su principio y su causa. intérprete en activo, posee la rara visión de lo individual y lo colectivo en simultaneidad. sabe cómo conseguir de cada intérprete el registro exacto, preciso y justo. Calibra los segmentos, episodios y gestos que componen las obras del repertorio. es el guardián artístico perfecto para el aspecto vertebrador de la obra en su dimensión cinética, garante de la pervivencia de las obras inmateriales en la memoria corporal de la compañía.

Panderito

la Casa De toDos: CoReóGRaFos iNvitaDos. Hace ya muchos años que manuel definió a iberica de Danza como “la casa de todos”, y ése ha constituido el concepto cuya continuidad ha proporcionado la colaboración de uno de los abanicos más completos de creadores que han dejado su contribución en la historia de esta formación. Cada uno de ellos merece una extensa y apasionada parrafada, que ha quedado convertida en pequeño y apasionado párrafo, porque la pasión es el elemento aglutinador de todos ellos.

Daniel Doña. Posiblemente uno de los intérpretes y creadores más completos en el panorama actual de la Danza española, que domina magistralmente códigos y lenguajes opuestos, creador representativo del oximorón artístico que significa articular orgánicamente los aspectos clásico y contemporáneo de la Danza escénica culta y autóctona.

Raquel alarcón. Creadora con sello “bolero”. Utiliza este lenguaje con la elegancia y el saber hacer heredado 20 danzaenescena nº37

de sus formadores, al que aporta justeza y elementos estilísticos muy adecuados a la música que soporta sus composiciones. antonio Najarro. Coreógrafo con un registro muy específico, al que los bailarines de ibérica de Danza –mostrando gran flexibilidad y amplitud camaleónica de adaptación- han dotado de nuevas perspectivas, muy diferentes de aquellas a las que el público está acostumbrado.

Gemma morado. el femenino en superlativo. sensibilidad que explora caminos que traspasan el de lo cotidiano, de lo material, para adentrarse en otros ámbitos trascendentales para el ser humano, como son la reflexión, casi antropocoréutica, sobre los procesos de evolución humana y cultural.

Carlos Chamorro. las coreografías compuestas se caracterizan por la voluntaria disociación entre las intenciones y propósito del creador de la primigenia obra musical, y la obra coreográfica sobre ella construida,

cuya consecuencia es la dialéctica deconstructiva sonoro-cinética y visual que dista mucho de dejar frío al espectador.

Joaquín Ruiz. Una de las figuras emblemáticas del flamenco en el panorama internacional. Quizá el más sólido pilar de la tradición interpretativa actual, que ha sabido utilizar sabiamente en sus creaciones y composiciones para los intérpretes de ésta singular formación.

Juanjo linares. maestro de maestros en el folklore y su traducción a espacios ajenos a la tradición. es el punto indiscutible de referencia para prácticamente todos los docentes en el ámbito académico peninsular. Dejó su impronta en el ballet Nacional de españa y en la Compañía de antonio Gades con la composición de todas las escenas en las que el folklore estaba presente (a excepción de la jota aragonesa, que revivió Pedro azorín). en el ballet Nacional doblemente, ya que lo ha sido a través de

RePoRtaJe nes al tiempo que el espacio cinéticosonoro adquiría nuevas dimensiones con la incorporación de elementos hasta ese momento desconocidos para ellos.

sus propias composiciones y, recientemente, a través de las composiciones de miguel Fuente para el espectáculo “sorolla”. ibérica de Danza, y muy especialmente manuel segovia, han constituido un hogar muy especial en lo que se refiere a lazos indisolubles tanto en el aspecto de maestro-alumno, como en el de artistas con una esencia común y entrañable complicidad en los mensajes que los espectadores recibimos. michel Guevara. la danza social burguesa e internacional elevada al escenario como parte integrante de la obra de arte, la introducción de lenguajes próximos al espectador como contrapunto al lenguaje autóctono. ana Yepes. Una visión del barroco españolizante a través del los lenguajes coréuticos barroco francés y renacentista italiano heredados de Francine lancelot, andrea Francalanci y barbara sparti. ana Yepes, hija del legendario guitarrista Narciso Yepes,

aporta a ibérica de Danza la efectividad en las fantasías creadas sobre músicas de época, junto con una bellísima y sensible musicalidad, que dotan de originales cadencias a las interpretaciones de los bailarines.

Carmen angulo. bailarina y bailaora conceptual desde el enfoque dramático, que mezcla lo eterno y lo pasajero a través del movimiento que tamiza con elementos extemporáneos.

Diana san andrés o la feminidad y la delicadeza en el gesto y la composición, que ha sabido traducir al movimiento y a la expresión todas y cada una de las piezas creadas e interpretadas. maría José Ruiz mayordomo. Fue un reto apasionante crear con lenguaje original del siglo de oro sobre la base de composiciones musicales tanto contemporáneas al presente como contemporáneas a lope de vega, velázquez o sanz, así como ir presenciando cómo el movimiento se iba modelando en el cuerpo de los bailari-

el eNtoRNo PlÁstiCo esCÉNiCo. si antes abordábamos el aspecto lumínico como elemento íntimamente ligado a la expresividad del movimiento y del vestuario, ahora nos sumergimos en la perfecta simbiosis del envoltorio escénico de sus creaciones cinéticas. manuel segovia es un artista poliédrico, y sus creaciones poseen la magia de la unidad estética y conceptual como afortunada consecuencia de esta virtud. aunque la mayoría de las propuestas escenográficas son del propio manuel segovia, el público ha podido disfrutar de un refinado y selecto grupo de artistas plásticos que han dejado su impronta en la memoria de los espectadores. ibérica de Danza fue una de las compañías pioneras en incorporar las nuevas tecnologías a sus puestas en escena. “la memoria del olvido” abrió la brecha con la escenografía proyectada en una experiencia pionera de la mano de ana Casal, que incorporó el expresionismo abstracto y gestual a la estética de las creaciones de manuel segorvia. a partir de aquel momento, los artistas plásticos contemporáneos tienen su representación en el historial de la Compañía: la pintora catalana elisabet (bet) Calderer en “las estaciones”, y para el espectáculo conmemorativo del XX aniversario, miguel ángel Ramos Castillo, habitual colaborador de Uno teatro. el hilo de arianna que guía : de la dramaturgia a la dirección de escena. la faceta dramática de los espectáculos también tiene el sello segovia como principal protagonista, en alternancia con figuras de la talla de José luis lópez enamorado, del actor y director Carlos moreno, y más recientemente José antonio ortiz Ponferrada, director de la compañíateatral “Ñaque”. el telón se levanta, el espectáculo comienza. sentémonos a disfrutar. el arte de ibérica de Danza elevará nuestros corazones. en algún lugar del universo, a comienzos de los nuevos y próximos 20 años de ibérica de Danza, maría José Ruiz mayordomo fecit. danzaenescena nº37 21

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Eneko Amorós Zaragoza Jóvenes promesas del S.XXI Por Gonzalo Preciado azanza

eneko amorós Zaragoza (alicante, 1993). Graduado del english National ballet school, desde 2012 forma parte del estonian National ballet, además de haber sido finalista del Prix de lausanne en 2012. Pese a su todavía corta trayectoria profesional ya ha bailado gran cantidad de producciones tales como: “Cascanueces”, “lago de los Cisnes”, “manon”, “la bayadère” o más recientemente symbiont(s) de Wayne mcGregor. ser bailarín requiere un esfuerzo y sacrificio que muy pocos pueden hacer. ¿Por qué elegiste ser bailarín? ¿Has sentido alguna vez la tentación 22 danzaenescena nº37

de dejarlo?

Fue mas que nada coincidencia y casualidad el que hoy en día sea bailarín profesional. Siempre me gustó bailar desde pequeño. Mi familia fue la que me introdujo al mundo de la danza y todos me apoyaron desde el primer momento.

Mis hermanas hacían ballet cuando eran adolescentes y sabían que tenía potencial. Desde entonces el ballet se convirtió en mi rutina y supe que era muy feliz con ello.

Creo que una profesión como esta requiere un gran sacrificio y paciencia, desde lesiones y dolor hasta agotamiento. Pero al final del día, sabes si amas o no lo que haces cuando encuentras la energía y motivación de superar todos los obstáculos. ¿Qué les recomendarías a los chicos que están estudiando danza en

españa para que continuaran con su sueño de ser bailarines profesionales?

Mucha paciencia, valor y carácter. Y hagas lo que hagas, o bailes lo que bailes, hazlo con pasión. tras tu formación en españa, ¿Qué es lo que te decidió para continuar tu formación internacionalmente?

Mis hermanas. Ellas fueron las que supieron guiarme. Ellas sabían que si quería seguir seriamente con ello tendría que salir de España. Ellas se documentaron y un verano mis hermanas enviaron videos al English National Ballet School. Directamente me ofrecieron una beca de tres años, y así graduarme como bailarín profesional en Inglaterra.

Tenia 15 años pero no tuve ninguna duda en dejar el hogar para luchar por mi sueño.

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¿Qué es lo que más te gusta de ser bailarín profesional?

A diferencia de cuando era estudiante, lo mejor de ser bailarín profesional es el transmitir mi arte y expresarme al público en cada actuación, la sensación de libertad cada vez que bailo y la satisfacción de ser independiente y responsable al mismo tiempo. ¿Y lo que menos?

Como he dicho antes la independencia es una de las ventajas de ser profesional, pero ya que el ballet requiere mucho sacrificio y responsabilidad, la dura rutina puede ser una cuesta muy cansada haciendo difícil mantener el ritmo cada día. si no fueras bailarín ¿Qué te hubiera gustado ser?

Actor o periodista. ¿Cómo es tu día a día en tallin?

Llego al teatro sobre las 9:00 y hago una hora de gimnasio. A las 10 ya estoy en el estudio estirando.

Empezamos clase toda la compañía desde las 10:30 hasta las 11.45. A partir de las 12:00 empiezan los ensayos de las producciones que tenemos a lo largo de la semana.

Normalmente hasta las 17:30 con descansos de 15 minutos o 30 a la hora de comer.

Solemos tener dos actuaciones cada semana, a veces doble actuación al día y suelen ser a las 19:00, o 12:00 y 17:00 cuando tenemos doble actuación. En ese caso terminamos los ensayos a las 14:00 para descansar antes de la actuación.

Libramos los Lunes en vez de los Domingos, con lo cual empezamos la semana los Martes. ¿Cómo consigues estar activo un

lunes a las 8 de la mañana?

En verdad siempre intento ir al gimnasio en mi día libre para no perder el ritmo, pero para mi lo más importante es dormir adecuadamente, ni mucho, ni poco, y despertarme temprano (al rededor de las 7 de la mañana) para despejarme antes de empezar el trabajo. Yendo al gimnasio para “calentar motores”. tallin es una de las ciudades mas frías del mundo, ¿cómo llevas el frio?, ¿Cómo un alicantino acaba viviendo en esa ciudad?

En verdad me acostumbré al frío en Londres, pero el invierno en Tallin es duro, ya que podemos llegar a los menos 24C. Remedio, buena ropa de invierno, caminar distancias cortas o con transporte. Aun así el estilo de vida es muy casero en esas temporadas.

Comidas de cuchara (recetas de mamá) y bebidas calientes.

En mi último año como estudiante, audicioné para esta compañía junto a otras, pero para lo que buscaba esta era la mejor opción, ya que la compañía es mayormente de ballet clásico y los directores son grandes figuras de la danza. (Thomas Edur y Agnes Oaks, ex estrellas del English National Ballet) los cuales me están dando muchas oportunidades como solista en tan solo mi segundo año. ¿Qué es lo que haces para prepararte antes de una actuación?

Siempre suelo llegar al teatro una

hora antes de la actuación, me pongo el maquillaje y caliento durante 15-20 minutos. Después del calentamiento me pongo el traje/vestuario y retomo el calentamiento en el escenario. todos tenemos ídolos que nos inspiran cada día, para hacernos mejores personas, en tu caso ¿Quiénes son los tuyos?

No tengo ningún ídolo en particular.

Depende en lo que estoy trabajando, o intentando mejorar, ya que cada bailarín me puede aportar diferente motivación y puedo aprender diferentes cosas de cada uno de ellos.

Algunos de mis bailarines favoritos, José Carlos Martínez, Marianela Núñez, Tamara Rojo, Friedemann Vogel...

De todos los roles que has bailado, ¿Con cuál te has sentido más cómodo?

Symbiont(s) de Wayne McGregor, (rol principal) El sentir que no soy una persona o cosa pero una sensación o sentimiento es lo que me hace sentir completamente libre en esta pieza contemporánea. ¿Cómo te describirías a ti mismo en una sola frase?

Soy muy honesto y seguro de mi mismo lo que me hace a veces ser tozudo y cabezón, muy positivo, amigo de mis amigos y siempre dispuesto a ayudar, pero antes que nada mi prioridad es el trabajo. danzaenescena nº37 23

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¿Cuál es el rol que más te gustaría bailar?, ¿Y con quién?

El ballet de Manon, bailando el rol de Des Grieux con Alina Cojocaru haciendo de Manon ¿Qué proyectos tienes en un futuro inmediato?

Bueno, mi plan es quedarme en esta compañía un año más y conseguir más experiencia y explotar mi potencial, y con el tiempo audicionar para otra compañía más grade y más profesional. Si hay suerte en Inglaterra. ¡O al menos a un país más caluroso! la carrera profesional de un bailarín no suele durar más allá de los 40 años, ¿te has planteado hacia donde vas a enfocar tu carrera después?

Pffff... Siempre intento concentrarme en el presento y aprovecharlo al máximo sin desorientarme pensando en un lejano futuro, ya que solo hace dos años que empecé a trabajar como profesional. Pero quien sabe, director, coreógrafo...

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RePoRtaJe

I Encuentro de Danza Española Por maría José Ruiz mayordomo

e

l pasado 28 de abril pudimos asistir a un hito en el entorno de la Danza en españa: la celebración del i encuentro de Danza española.

Promovido por el Real Conservatorio Profesional de Danza “mariemma”, y coordinado por Cristina marinero, es la primera ocasión en que distintos sectores de entre los que conforman las realidades artística, formativa práctica y gestora fueron capaces de reunirse para buscar soluciones, ante la progresiva desaparición en nuestros escenarios de las obras y lenguaje coreográfico teatral autóctono. acostumbrados como estamos a la eterna rivalidad, animadversión y desunión del sector, lograr que el colectivo de artífices en campos tan dispares como creación, programación y gestión artística tuvieran como principal actividad el pensamiento común superando la individualidad generalmente imperante en la profesión, ha constituido el punto de inflexión cuyos resultados podremos apreciar a medio y largo plazo.

la disposición y apertura al diálogo de los representantes de organismos oficiales tan importantes como el iNaem en la persona de antonio Garde o la Comunidad de madrid con ana victoria Cabo (asesora de Danza y directora del festival “madrid en Danza”),o gestores de teatros públicos como es el caso de

marcial Rodriguez (componente del equipo de Gestión de los teatros del Canal) Gracias a sus acertadas intervenciones pudimos conocer de primera mano el sistema de funcionamiento, con sus capacidades y limitaciones, así como las políticas generales que son de aplicación para subvenciones, y también,por primera vez, tener consciencia sobre lo importantísimo que significa la carencia de un interlocutor representativo y representador de la Danza española ante el iNaem o las autoridades políticas autonómicas. la presencia de Raúl Cárdenes, Presidente de la asociación de Profesionales de la Danza en la Comunidad de madrid, proporcionó la aproximación desde la vertiente del sector sindical específico. la asistencia desde prácticamente todos los puntos del territorio y de un abanico tan amplio de edades y situaciones ha significado también un cambio en los paradigmas de relación entre quienes tienen la responsabilidad del presente y futuro inmediato ya sea desde las vertientes sindical, educadora, docente, discente, política o artística. lejos quedan ya aquellas discusiones y enfrentamientos que hace 22 años dieran al traste con el primer intento de aglutinamiento de la profesión en las i Jornadas de escuela bolera. No hay vuelta atrás: o trabajamos todos por la preservación,

difusión y desarrollo de la Danza española, o ésta se encontrará en un futuro muy próximo al borde de la extinción en su lugar de origen, y para poder contemplarla el público habrá de desplazarse al otro lado de los mares y hacia otros continentes, como ya pasara durante el siglo XiX, cuando, al borde de la extinción en españa, hubieran de exclamar los intelectuales que “para poder ver baile bolero había que desplazarse a París o a londres”.

Quizás la primera voz de alarma, con un estudio sistemático de las alertas de Danza española en internet a cargo de luisa algar con su comunicación “imagen proyectada de la Danza española por los medios de comunicación a través del soporte mediático de internet” en el Congreso la investigación en Danza en españa, celebrado en 2013 ha comenzado a dar sus frutos a modo de silenciosa semilla que va fructificando en un terreno poco abonado pero fértil: Desde distintas Universidades se han efectuado estudios al respecto, pero dado que la Danza todavía permanece en el terreno parauniversitario -educativa y académicamente hablando- éstos se encuentran en los correspondientes repositorios, esperando ser algún día plasmados en papel u otro soporte y debidamente colocados en las estanterías de Conservatorios, bibliotecas y centros de Danza para poder ser consultados y pasar, citando a lope,”de las musas al teatro”.

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CeRtameN

IV Edición del Certamen Internacional de la Danza Texto y fotografías: Crisitina Duarte

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l Certamen fue creado en 2008 por la bailarina y coreógrafa Georgina Rigola con el objetivo de proporcionar oportunidades educativas y profesionales a bailarines no profesionales, nacionales e internacionales, de entre 12 y 22 años, que participaron en las especialidades de danza clásica, danza contemporánea y danza española. los participantes tienen la oportunidad de conseguir el reconocimiento artístico y unos premios en forma de becas y residencias que les permitirán acceder a las más prestigiosas escuelas o compañías nacionales e internacionales. el programa actua como una plataforma para ayudar a los estudiantes a iniciarse en su carrera profesional.

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Después del éxito obtenido en anteriores ediciones, el Certamen internacional de Danza Ciudad de barcelona ofrece más oportunidades para los jóvenes estudiantes, creciendo en becas y proyectos paralelos, como es el de la “Gira de Dansa” premio instaurado este año. además de todas las actividades paralelas como exposiciones de escultura y fotografías de danza, presentación del video en primicia en europa de “la voz del cuerpo” de Christine Dakin. el Certamen internacional de Dansa Ciutat de barcelona (CiDCb) llegó a su cuarta edición congregando en su jurado a las primeras figuras mundia-

les y con la participación de más de 250 jóvenes procedentes de diversos países del mundo como Rusia, brasil,venezuela, Usa, Polonia, Francia, italia, andorra, Japón... De ellos, 98 pasaron a la semifinal que se celebraró en el teatre Nacional de Catalunya del 1 al 4 de mayo. los ganadores y los premios que se otorgarón en esta ocasión fueron: marcel Casablanca (residencia en Carmen senra, madrid), Rina murakami (curso de verano official school alvin ailey), lisard tranis (beca en Peridance Capezio Dance Cente, Nueva York), albert Hernandez (beca en Peridance Capezio Dance Cente, Nueva York),

CeRtameN michelle Garcia (beca en CUltURaRts. teatre i Dansa), Rina murakami (beca en labat loano Danza Festival), meritxell Jurado(labat loano Danza Festival), alexandre barranco (un año en Peridance Capezio Dance Cente, Nueva York), enrique lopez Flores (un año en Peridance Capezio Dance Cente, Nueva York), anna Ciriano (curso de verano en manhattan movement arts, Nueva York), José Guillermo Picó (curso de verano en the Harid Conservatory, Florida), mariona Puente (curso de verano en madrid Dance Center), mariasole meggi (curso de verano en madrid Dance Center), Celia Davila (curso de verano en escole supériore de Danse Rossella Hightower, Cannes), Paula Rodriguez (beca en labat loano Danza Festival), maria del mar bonet (curso de verano en international ballet summer school Dresden), marina sanchez sorroche (beca en international ballet summer school Dresden), alessandro Frola (beca en Peridance Capezio Dance Cente, Nueva York), maria maestre (beca en Peridance Capezio Dance Cente, Nueva York), maria alexandra Urcia (curso de verano en international ballet of Houston summer school), alejandro Zwartendijk (título superior en Coreografía e interpretación en el instituo de la danza alicia alonso), inés Garcia (curso de verano en más que Danza), alba Pavía (curso de verano en Chiqui de Jérez), elena moreno (curso de verano en Chiqui

de Jérez), albert Hernandez (beca enCentro de baile de Jérez) y sergio Rodriguez (residencia en ballet Nacional de españa).

Premio especial: Gira de Danza el premio especial de este año es “la gira de dansa”, los ganadores tendrán la oportunidad de participar en un montaje especial, con coreografías de diversos coreógrafos, trabajando conjuntamente , participantes de diferentes países, brasil, texas, Japón, españa….con lo enriquecedor

que puede suponer esta experiencia a nivel profesional y personal. empezaremos los ensayos en agosto y tendremos actuaciones durante septiembre y octubre. el estreno de la Gira de Danza será el 19 de septiembre, coincidiendo con las fiestas de la mercè de barcelona.

Jurado de lujo en esta ocasión, el Presidente de Honor es el maestro Héctor Zaraspe, que fue profesor privado de Rudolf Nureyev y margot Fonteyn. el jurado estaba formado por personajes del mundo de la cultura y de la danza internacional como Julio bocca, igal Perry, Javier latorre, Nya bowman , Gino labate, Christine Dakin y con la colaboración especial de Richard macDonald.

Richard macDonald premio CiDCb 2014 este año, el CiDCb premió a Richard macDonald por su gran contribución al mundo de la danza. macDonald es uno de los escultores figurativos más destacados en el mundo de la danza, escultor oficial del Royal ballet londres y el Cirque du soleil.

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ESCUELAS DE ARTE DE JALISCO Escuela de danza clásica Por Javier Zavala

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23 años fundamentales las escuelas de arte de la secretaria de Cultura, la escuela de Danza Clásica se han mantenido como una de las escuelas más reconocidas a nivel estatal, Nacional e internacional.

Un sin número de producciones de repertorio clásico y neoclásico, han caracterizado la escuela como una institución que fomenta la enseñanza y el arte, siempre con el objetivo de formar alumnos, maestros y públicos enfocados al arte. su diseño pretende proteger, incrementar, difundir y estimular los esfuerzos de promoción cultural surgidos en la sociedad.

Desde 1992 la escuela de Danza Clásica se encuentra dentro de las instalaciones del majestuoso Hospicio Cabañas edificio declarado patrimonio de la humanidad. el Hospicio Cabañas es un símbolo para todos los jaliscienses y representa un espacio lleno de tradición emblemática y lleno de cultura; sus patios y salones son únicos y el llegar todos los días a nuestro sitio de trabajo es una experiencia sumamente maravillosa, principalmente todo por

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la labor social que se promueve aquí. la infraestructura que desde sus cimientos fue construida para una labor social, siendo orfanato católico, fue rescatada como espacio público, donde hoy en día se promueven y ofertan diversas disciplinas del arte.

Desde su formación la escuela de Danza ha tenido diferentes etapas, 7 coordinaciones han pasado a través de su historia en donde el objetivo principal es fomentar la Danza, dirigido a una población cierto perfil, de clase económicamente baja, es una satisfacción ver como los alumnos asisten a sus clases por su pasión y su sueño de convertirse en una gran figura dentro del ballet clásico. actualmente contamos con 100 alumnos desde los 7 a los 17 años de edad. en donde a lo largo de la semana asisten a tomar clase de ballet así como diferentes asignaturas que son necesarias dentro de su formación académica. estamos por hacer una nueva restructuración dentro de toda la escuela tanto folklórica como clásica en donde el giro será Complementar el sistema de trabajo y hacer la formación de los alumnos en danza más enriquecedora para prepa-

rar futuros profesionales de la danza. muchos han formado parte de las listas de esta institución bailarines jaliscienses que han puesto en alto el nombre de méxico a lo largo del mundo, y grandes maestros han sido titulares brindándonos su conocimiento y su pasión.

Por muchos años los ojos de la danza se han puesto en Jalisco, grandes bailarines de compañías nacionales como internacionales son de nuestra ciudad y eso nos alienta a seguir trabajando por la danza en nuestra ciudad para llevar día a día esa pasión y transmitirla a todos nuestros alumnos. actualmente contamos con un cuerpo docente en donde su peculiaridad es que la mayoría son bailarines que han tenido una formación y una carrera profesional, jóvenes y una amplia trayectoria.

Para la escuela de Danza Clásica es un privilegio seguir adelante siempre con el compromiso de llevar a nuestros alumnos a realizar su pasión, siempre estamos buscando la manera de perfeccionar nuestro conocimiento y reforzando nuestros planes de estudio teniendo como objetivo la pasión, la entrega y el compromiso al arte.

ESCUELA BOLERA SEVILLANA Familia Pericet o vivir para bailar Por marta Carrasco

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finales del siglo XiX, en el año 1882, un jovencísimo Ángel Pericet Carmona llegaba desde su pueblo cordobés de aguilar de la Frontera, hasta sevilla en compañía de su abuela. el extraño motivo no era otro que estudiar danza en esta ciudad junto a una de las más afamadas maestras: amparo Álvarez “la Campanera”, llamada así por ser hija de un campanero de la Giralda y vivir en una de las habitaciones de la torre. este es uno de los pocos enigmas que no han podido ser desvelados a lo largo de las páginas del libro “la escuela bolera sevillana. Familia Pericet” que, bajo la colección escénica, ha editado la Consejería de educación Cultura y Deportes, y que firma quien suscribe estas líneas. el porqué de este hecho insólito y más en aquella época, “ir a sevilla para aprender a bailar”, es algo que ni siquiera el último Ángel Pericet (blanco), pudo averiguar de la boca de su abuelo y su padre. aún más cuando el niño Ángel Pericet Carmona no volvió nunca a su pueblo cordobés y sí inició una larga vida famliar en sevilla y luego en madrid. así, de esta forma tan sencilla arranca una saga dancística insólita en andalucía. la saga de los Pericet se inicia con dos hermanos: Ángel Pericet Carmona a quien luego se une su hermano Rafael. Del primero, surge una dinastía dancística que llega hasta nuestros días, con hermanas, hijos y nietos. es decir, desde Ángel Pericet Carmona, pasa a su hijo, Ángel Pericet Jiménez y termina en su nieto, Ángel Pericet blanco. Junto a ellos, las hermanas y tías que sucesivamente también se dedican a la danza. otra ala de la familia es la de Rafael Pericet, a quien continúa en la ense-

ñanza de la danza su hijo Juan y culmina en su nieta Conchita. es precisamente esta rama familiar la que tuvo abierta en sevilla la última academia de bailes Pericet en la conocida Casa de los artistas de san Juan de la Palma, un lugar donde se hacían las famosas Cruces de mayo, y que ha sido retratado por numerosos pintores de principios del siglo XX como bacarisas o Garcia Ramos.

Windsor”, “el baile inglés”. el libro recoge igualmente las peripecias de la familia cuando estalla la Guerra Civil, su mudanza a madrid y luego la posterior mudanza a argentina.

el libro “la escuela bolera sevillana.

Familia Pericet” se centra principalmente en la descendencia de Ángel. en sus páginas se habla sobre los alumnos que pasaron por la academia de la plaza Zurbarán, como Rosario y antonio, conocidos entonces como “los Chavalillos sevillanos” o el que fuera luego uno de los grandes maestros flamencos, enrique el Cojo. el libro recorre las actuaciones de los cuadros llamados “bailes boleros” que Ángel y Rafael Pericet realizaban en lugares como el Café Novedades o el Kursal, presentando coreografías tan curiosas como perdidas, tituladas “las playas de

Con la memoria prodigiosa del último Ángel Pericet (blanco), este libro es un relato de familia, de artistas y de vida. Por sus páginas transcurren casi dos siglos donde aparecen todo tipo de personajes: anita Delgado, luego majaranhí de Kapurtala; los Chavalillos sevillanos, Rosario y antonio; bailaores como vicente escudero, Pilar lópez, elvira lucena, maría de avila…; artistas como miguel de molina, estrellita Castro e imperio argentina…; grandes teatros del mundo como el Colón de buenos aires o el bolshoi de moscú…, en un recorrido que revela cómo una familia por completo está volcada en hacer tan sólo una cosa en su vida: conservar el patrimonio dancístico de andalucía contra viento, marea y modas…, hasta el día de hoy.

Y todo ello ocurre alrededor de una fijación familiar que el abuelo Ángel Pericet Carmona inocula a toda su prole: la tutela, difusión y enseñanza de la escuela bolera del siglo Xviii.

Ángel Pericet blanco falleció en febrero de 2011, pero hoy día sus hermanos eloy, amparo, Carmelita y luisa siguen enseñando la escuela bolera en ciudades como madrid y buenos aires. Poco podía pensar aquel niño que desde aguilar de la Frontera llegó un día a sevilla que iba a iniciar una peculiar historia, insólita en el mundo de la danza, que hoy reconoce el valor y el mérito de una familia conservadora de uno de los patrimonios culturales más importantes de la danza española, la escuela bolera, una disciplina que sin la ayuda institucional y el empeño de los bailarines, no puede verse actualmente en los escenarios de nuestro país.

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CoNCURso

Castellón quiere Danza Por Pilar martí

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onvocatoria Nacional de Danza “Ciudad de Castellón”.

Decimoctava edición. Han pasado ya 18 años desde la primera edición en 1997 de este certámen de danza, que por aquel entonces se llamaba “temps de Primavera. Dia mundial de la danza”, y en el que participé como concursante de danza clásica. se inauguraba en aquel entonces un espacio de encuentro de alumnos de escuelas y conservatorios, profesores, artistas y amantes de la Danza. Castellón se convertía a partir de entonces en sede de la danza durante unos dias cada año. todo esto gracias al empeño y dedicación de Gabriella Foschi, alma mater de la Convocatoria y de tantas (por no decir casi todas) otras iniciativas de danza en Castellón. a través de la asociación Cultural terpsícore organizaba y sigue organizando este evento, siempre con el apoyo de la Fundación Dávalos-Fletcher. todavia recuerdo a Gabriella esperándome en la estación de trenes de Castellón para recoger casi al vuelo el video de selección ( por aquel entonces se enviaba un vHs), porque apuré hasta el último dia de plazo… todo aquel que conozca a Gabriella tendrá una sonrisa en su semblante porque es uno de los atributos que la caracterizan: hará lo que sea por ayudar a los jovenes estudiantes de danza que quieren abrirse paso en el mundo profesional. lo hizo conmigo y con tantos otros..y lo sigue haciendo.

Han pasado los años y he vuelto a involucrarme en la convocatoria de Danza Ciudad de Castellón ya como maestra de Danza, acompañando a alumnos bien como participantes en la competición o bien como invitados en la Gala de Danza. Cambia la perspectiva, mi participación y disfrute del evento, pero la esencia sigue siendo la misma: Castellón por la Danza, e indiscutiblemente ligado a este lema, otro más: Gabriella por los jóvenes talentos. Después de 18 ediciones el Concurso de Castellón, como lo llamamos los docentes, se ha convertido en una cita anual de escuelas y Conservatorios de danza,

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y se crean unos lazos entre maestros, bailarines invitados y alumnos participantes como en ningún otro evento de este género. Y todo esto en una ciudad en la que todavía, y a pesar de la insistencia y reivindicaciones del sector, no se ha creado un Conservatorio Profesional de Danza. es la danza un medio de integración social, que potencia no solo las capacidades motoras, sensoriales, creativas y emocionales de los más jóvenes, pero que además es un canal de inclusión social para muchos pequeños que quieren for-

mar parte de un grupo y disfrutar del placer del movimiento. Y por tanto los poderes públicos deben facilitar el acceso a los estudios de danza , en proporción igual en todo el territorio español. Pero sorprendentemente, en una ciudad con la población de Castellón, todavía no se puede disfrutar de un Conservatorio, y los niños que quieren estudiar danza deben acudir a escuelas privadas o trasladarse una hora todos los dias hasta valencia, el Conservatorio más cercano. tristemente cierto. Pero en todas y cada una de las

Alba Expósito

CoNCURso

Convocatorias, se reivindica la creación de este anhelado Conservatorio, que ya ha sido prometido pero todavía no creado. Gabriella no cesa en su empeño, y no solo con la Convocatoria, sino con otra iniciativa más. esta vez es en benicassim y en este caso formativa, pero que de nuevo congrega a escuelas y centros de renombre en lo que a danza se refiere. se trata del taller “obras maestras del siglo XX” , en el que cada año se trabaja con un grupo de alumnos seleccionados una obra de un coreógrafo de renombre.

De nuevo me he cruzado en el camino de otra propuesta de Gabriella, puesto que en el 2008 impartí junto con Diego brichese un taller sobre una pieza del coreógrafo Nils Christie, y tuve el privilegio de bailar en la Gala “Cita con la danza”,

Carlos Romero

espectáculo que clausuró el taller, en un marco inmejorable, puesto que el escenario se integra en la playa y tienes la sensación de que bailas y casi puedes tocar el mar con las manos. inolvidable.

Puedo corroborar que Gabriella es el alma del taller y el espectáculo, puesto que lo controla, por no decir hace, absolutamente todo. tanto amor por la danza no se ve todos los dias, y muchos bailarines profesionales pueden afirmar que Gabriella ha contribuido en mayor o menor medida a su inserción en el mundo profesional, paso tan dificil de dar en este país, donde para empezar la proporción entre las compañías profesionales de danza y los jóvenes bailarines en busca de empleo ( un empleo que te permita vivir sin trabajar en otra cosa) en comparación con otros pai-

ses europeos es abismal.

Pero la Convocatoria y la labor de Gabriella no cesan y año tras año, durante unos dias, justamente conmemorando el dia internacional de la danza, en Castellón se habla en códigos de danza, ya sea española, clásica o contemporánea, porque el Concurso de Castellón busca y premia a artistas, que bailen e interpreten, puesto que una cosa va indiscutiblemente ligada a la otra. Y el público que asiste para apoyar a estas jóvenes promesas de la danza es la prueba de que Castellón quiere Danza. la Convocatoria Nacional de danza “Ciudad de Castellón. Premios fundación Dávalos-Fletcher” es una cita en mi calendario y en el de otros muchos bailarines y docentes que no puedo ni quiero eludir, y ¡que dure muchos años más!

Itxasai Mediavilla

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Miquel Roig Nadal Por merce mor

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i una simple línea puede tener movimiento, si un simple trazo puede inspirar emoción, ésa es en definitiva la finalidad de toda la obra de miquel Roig Nadal.

Nace en lleida el año 1923. empieza a dibujar a los 10 años. en 1940 descubre las técnicas de la acuarela en el estudio del decorador y acuarelista italiano bartoletti. indentificándose al máximo con la acuarela empieza a pintar. sigue estudiando dibujo y nuevas técnicas en la escuela de bellas artes de lleida. en el campo de la danza empieza a dibujar tomando apuntes en directo cuando asiste a espectáculos, donde “capta el momento”. la pintura la combina con el diseño de vestuarios para espectáculos, escenografías, carteles, ilustraciones y otras colaboraciones.

Cuando en 1953 entra en la asociación de acuarelistas de Catalunya, sigue dibujando, ya sea con mina de plomo, sanguinas o tinta y pintando con gouache y acuarela. el año 1987 es nombrado miembro de la asociación de escultores y Pintores de Danza de París. asPD. Con el tiempo se consolida como un experto y amante del ballet, como lo demuestran los últimos años de su trabajo en españa y extranjero, sobre todo en París.

Cuenta con 9 exposiciones individuales con diferentes temáticas, 31 indi-

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Coppelia viduales de danza y participa en 38 colectivas tanto de ballet como de temas diversos. en 1989 edita un magnífico libro de apuntes y en él plasma el movimiento de numerosos bailarines como: aurora Pons, víctor Ullate, alicia alonso, margot Fonteny, Georges skibine, marjorie tallchieff, anton Dolin, John Gilpin, Jorge Donn, Rudolf Nureyev, mikhail baryshnikov, mats ek, Paolo bortoluzzi y un largo etcétera. es para mí un honor poder acercar un trocito de su obra a través de esta magnífica revista. mi trato profesional

y personal con él fue muy extenso y mi aprecio hacia su persona, mayor todavía. Desde el año 1961 en que abrí mi primera escuela colaboró conmigo con sus apuntes para mis festivales y actuaciones. suyo era el anagrama de la escuela y un precioso dibujo que realizó para el homenaje y beca que me dedicaron en lleida en el año 2005. mi agradecimiento a su contribución con mi escuela es muy grande, y enorme mi admiración hacia su obra.

Gracias a Danza en escena por brindar su apoyo en dar a conocer una pequeña parte de la obra de este gran artista que tanto amó la danza.

L’ocell blau

Las Sílfides

Romeo y Julieta

Petrusca

Trampa de Llum

Homenaje

Por Fredy Rodríguez

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Lin Durán el cerebro de la danza mejicana

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a bailarina e investigadora mexicana lin Durán, fundadora de la primera escuela para la formación de coreógrafos, murió en abril, a la edad de 86 años, informó el Consejo Nacional para la Cultura y las artes (Conaculta).

Considerada "el cerebro de la danza en méxico" y forjadora de instituciones como la escuela Nacional de Danza Contemporánea de instituto Nacional de bellas artes (iNba) y las escuelas vocacionales de arte, Durán nació en Chihuahua en 1928.

"Para lin Durán no sólo se trata de bailar bien sino formar buenos coreógrafos, que la danza tenga qué decir, decirlo bien y decirlo con toda la energía y cualidades que tiene la expresión dancística. sus clases salían de lo convencional porque eran pensadas y hechas para coreógrafos, es decir, para quienes se van a expresar a través de la danza", explicó la maestra tania Álvarez como parte de un homenaje realizado en junio del 2013. "en sus clases, ella soltaba frases y el peso de sus palabras uno lo iba descifrando con el paso del tiempo, la capacidad de síntesis para soltar conocimiento en una frase es algo que no había experimentado. esa capacidad

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jamás la había visto en alguien",comentaba elizabeth Cámara, directora del Cenidi (Centro de Documentación, investigación e información de la Danza) "José limón". la coreógrafa y bailarina Jenet tame explicó que el pensamiento de lin Durán siempre estuvo preocupado por cómo integrar a los bailarines en libertad para desencadenar la imaginación y ser la semilla para cualquier proyecto coreográfico. "en un mundo exigente y demandante para el bailarín, uno se sentía valorado y respetado", señaló Jenet tame. a su vez, la maestra Jane Haw describió el sentido de armonía y sabiduría al trabajar de cerca con la integrante de la academia mexicana de la Danza. "lo hizo divertido y fácil, tenía ideas claras, su manera era hacerte sentir bien. tenemos recuerdos llenos de sensaciones, imágenes, música, sus ojos que te sonreían, la apreciación positiva, un reconocimiento y por supuesto, mucho de qué bailar. me enseñó su pasión por la reflexión, el valor que tiene el proceso del cambio, cómo es la experiencia del otro y la importancia de lo que uno puede llegar a valorar".

Finalmente, ofelia Chávez, directora de

la escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del iNba, destacó que lin Durán poseía una visión de la totalidad (parte de su impulso creador), aunado a una mente de capacidad extraordinaria de reflexión, análisis y síntesis que se traducía en un discurso rápido y conciso.

PasióN temPRaNa a temprana edad, lin Durán mostró su pasión por la danza e inició en 1945 sus estudios artísticos, con los maestros seki sano (1905-1966) y Guillermina bravo (1920-2013). además de ser parte del ballet Waldeen y de la academia de la Danza mexicana, actúo con el ballet Nacional de méxico, dirigido por Guillermina bravo y Josefina lavalle (1924-2009).

Como bailarina participó en los montajes "la pastorela", "la iniciada", "en la boda", "el bautizo", "Fuerza motriz", "Carta a las madres del mundo", "Guernica", "la nube estéril", "el amor amoroso", "Juan Calavera" y "Corrido del sol".

Paralelo a su actividad dancística, se desempeñó como cronista y crítica de danza, además de escribir en publicaciones como el suplemento cultural de "ovaciones", la revista "Política" y en "la Revista de la Universidad". el Cenidi-Danza, del que fue directora, ha publicado sus libros "la humanización de la danza", "manual del Coreógrafo" y "Caleidoscopio de la forma artística". en 1983 se encargó del área de danza de la recién formada subdirección General de educación e investigación artísticas del iNba y propuso la creación de las escuelas vocacionales de arte (eva).

Como maestra se desarrolló en la academia de la Danza mexicana y en el seminario de Danza Contemporánea. algunas de sus alumnas destacaron el legado de su mentora en junio de 2013, durante un homenaje organizado por el Centro de investigación Coreográfica del iNba.

Premio Ojo Crítico

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l primer Premio 'el ojo Crítico' de Danza ha recaído en el bailarín y coreógrafo cordobés antonio Ruz. el jurado ha destacado "el mérito de coreografías como 'oJo' donde asoman su universo propio y lenguaje personal". es la primera vez que se otorga este galardón en la categoría de Danza y es el cuarto que se conoce en esta XXiv edición de los premios. el jurado ha destacado su "universo propio y un lenguaje personal fruto de una trayectoria en la que ha indagado en diferentes estilos" los Premios 'el ojo Crítico' celebran su XXiv edición y por primera vez incluyen la categoría de Danza

La danza de Aldán

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on más de tres siglos de antigüedad, el baile de san sebastián se mantiene como una tradición muy viva la danza de aldán en honor de san sebastián cuenta con más de tres siglos de vida y parece pasar por su mejor momento, quizá por su declaración como interés turístico Gallego. Y sin embargo, es mucho más lo que se ignora sobre su origen que lo que con seguridad se conoce. a día de hoy todavía no se conoce ni el origen ni el significado del baile, aunque se sabe que estuvo relacionado con la nobleza local y con los ruegos al santo por la cura de enfermedades. este baile tiene la consideración de danza ancestral ya que existe documentación que prueba que se bailaba ya en 1678, (lo que significa que en 2003 cumplió 325 años ininterrumpidos de vida) fecha en la que se constituyó la cofradía del santo y quedó constancia de que el mayordomo fue Joseph Francisco de Gayoso e aldao, antepasado de los condes de Canalejas.

la casa de la danza

es un proyecto activo cuyo objetivo es acoger, estudiar y difundir el arte de la Danza en cualquiera de sus expresiones. Un espacio abierto y versátil, que alberga: una biblioteca, una videoteca, un amplio fondo sonoro y una sala de exposiciones-museo (colecciones permanentes y temporales) donde los profesionales, los aficionados, los estudiantes o los simples paseantes pueden descubrir aspectos nuevos así como el profundizar en las variadas técnicas y dimensiones de la propia Danza. esta iniciativa, nacida al amparo de una asociación sin ánimo de lucro -en escena- y con el firme apoyo del excmo. ayuntamiento de logroño, también tiene que encontrar su verdadero motor de funcionamiento en el decidido apoyo social.

Haciéndote ''amiGo De la Casa De la DaNZa'' participarás en este proyecto cultural colaborando en el mantenimiento de su estructura. la aportación que tu elijas se canalizará hacia campos puramente divulgativos de la Danza. *Todos los datos de esta solicitud serán tratados de forma estrictamente confidencial. Y en cualquier momento tienen derecho a acceder, rectificar o cancelar sus propios datos (Ley Orgánica 15/1999 de 13 de Diciembre) escribiendo a: C/Ruavieja, 25. 26001 Logroño. La Rioja.

Visitas: los escolares de primero, segundo, tercero y cuarto de primaria pueden disfrutar de los fondos del museo.

Concertar en el teléfono: 941 246 365.

Días: martes y jueves de 10 a 12.