Nº42 PATSY KUPPE

Revista de la Casa de la Danza _ Nº 42_2015

danzaenescena

Patsy Kuppe Rubén Olmo / Aurora Pons / María Muñoz /Susana Ara / CDN

sumario 4 EDitoRial: Un pájaro azul celestial Mª José Ruiz Mayordomo 5 MENSaJE DEl DiD Lemi Polifasio 6 ENtREViSta: PatSY KUPPE Marta Cebollada 12 El BallEt DE ZURiCH: El lago de los cisnes Celi Barbier 18 HaSta SiEMPRE aURoRa Ana Isabel Elvira 22 ENtREViSta: RUBÉN olMo Marta Carrasco 26 FEStiVal MaDRiD EN DaNZa Sergio Cardozo Perot 28 JÓVENES PRoMESaS: María Muñoz Gonzalo Preciado Azansa 30 CND y Don Quijote del s.XXi de Jose Carlos Martínez Gonzalo Preciado Azansa 32 i ENCUENtRo iNtERNaCioNal DE iNVEStiGaCiÓN PERFoRMatiVa Bárbara Díaz Ríos 34 Cia. NaCioNal DE DaNZa DE MEXiCo Verónica Hernández Macedo 36 ENtREViSta: SUSaNa aRa José de Huesca 38 NoS HaN DEJaDo 39 liBRoS 39 El BallEt CHoNCHoi Fredy Rodríguez 39 BREVES

editorial

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Un Pájaro azul celestial: aurorita Pons Para los alumnos resulta difícil imaginar a nuestros maestros bajo un diminutivo cariñoso en la voz de alguien ajeno a nuestro entorno estudiantil y mucho más veterano… Hasta que un día, en el salón de su casa te muestra su álbum de fotos.

Sobre aurora, su carrera profesional, su calidad como intérprete, como maestra de generaciones de bailarines clásicos y boleros y como Directora del Ballet Nacional de España vamos a tener información y noticias de primerísima mano y escritas con tanto cariño como imaginarse pueda.

Por eso desde estas líneas vamos a caminar quedito y pasito por otras dimensiones de nuestra Maestra.

Cuando aurora aterrizó en la RESaDyD para entrenarnos y formarnos como bailarinas a través asignatura “Danza académica”, con ella aterrizó el aire fresco de quien conocía a fondo el escenario y todo lo que conllevaba la profesión, ogni senso.

Pero también tomó tierra una persona excepcional que veía las posibilidades, el potencial humano que se escondía tras la malla y las zapatillas.

Durante unos años disfrutamos en su clase, aprendimos -porque ella supo enseñárnoslo- dónde acababan la técnica y el academicismo para empezar la expresión artística. aprendimos también de ella que si bien la perfección técnica es imposible de alcanzar salvo raras excepciones, todos y cada uno de sus alumnos teníamos un lugar y una misión en el mundo de la Danza acorde con nuestro talento. Confiaba en nosotros y ello nos ha ayudado a continuar en este difícil entorno. Sus alumnos andamos repartidos entre la interpretación, la creación, la transmisión, la comunicación, la investigación, la gestión… y todo lo que se pueda pasar por la imaginación.

Su maestría traspasó el aula, la barra, el adagio y las puntas. aurora estaba allí, aparecía en el momento oportuno traspasando el ámbito puramente físico -ése que acaba de abandonar- y con una simple mirada transmitía su alada y veloz fuerza, como si el pájaro azul que tomó cuerpo en el suyo nos guiara con su leve silueta desde arriba. ahora realmente lo hará desde allá donde se encuentra. Buen vuelo amada maestra.

danzaenescena nº42_ 2016

editora:

coordinador:

Perfecto Uriel

consejo de redacción: Victor M. Burell, ana isabel Elvira, Nélida Monès, Mila Ruiz y Delfín Colomé (miembro honorífico) colaboradores: Céli Barbier, Sergio Cardozo Perot, Marta Carrasco, Verónica Hernández Macedo,José de Huesca, lemi Polifasio, Gonzalo Preciado azansa, Fredy Rodríguez, Mª José Ruiz Mayordomo, tatiana Solovieva. fotografos:

Carlos Quezada, Judith Schlosser, Peter teigen.

maquetación y publicidad:

Rampa Ediciones Culturales. dirección: Casa de la Danza, Rua Vieja 25, 26001 logroño (la Rioja) telf: 941 241 059 mails:

Mila Ruiz: danzaenescena@gmail.com Perfecto Uriel: casadanza@casadeladanza.com Dl: lR-249-2005 (las colaboraciones son gratuitas y responsabilidad de sus autores) *Danza en escena puede obtenerse de forma gratuita en la Casa de la Danza

Mª José Ruiz Mayordomo

PoRtaDa:

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Mila Ruiz

MENSAJE del DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA 2016 Por lemi Polifasio

lemi Ponifasio, coreógrafo samoano, director y fundador de la compañía MaU “KARAKIA Toca el cosmos la fuente de la divinidad, iluminando el rostro de los ancestros para que podamos ver a nuestros niños.

Entretejida por encima, al lado, debajo, armoniza todo lo que hay dentro de nuestra carne y de nuestros huesos y de la memoria.

La Tierra gira, los humanos emigran en masa, las tortugas se reúnen en silenciosa alerta, el corazón está herido.

Haz de la danza un movimiento de amor, un movimiento de justicia, la luz de la verdad”. lemi Ponifasio, coreógrafo samoano, director y fundador de la compañía MaU

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PATSy KuPPE una vida dedicada a la danza Por Marta Cebollada

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engo la suerte de reunirme hoy con Patsy Kuppe Matt. Ha accedido a concederme esta entrevista con el mismo cariño y dedicación con los que le he visto hacer siempre todas las cosas.

Por si alguien no sabe de quién estamos hablando, cosa que dudo, os pongo en antecedentes. actualmente impulsora y directora de los cursos de orientación profesional laboradance en Zaragoza, y maestra invitada en conservatorios y escuelas nacionales y extranjeras, así como en la Ópera de Viena, el Ballet de Dusseldorf, la Forsythe Company, regularmente en el Ballet

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de Stuttgart, it Dance, la Henny Jurriens Foundation, itzik Galili y Dansgroup de amsterdam, el teatro Regensburg, el Ballet du Capitole de toulouse, el Gotemburg Ballet de Suecia, Gauthierdance de Stuttgart, Gärtnerplatztheatter de Munich, la ópera de Niza, Zfin Malta Dance Ensemble, el ballet de Basilea y nuestra CND. anteriormente asistente de coreógrafos como Robert North, Nils Christe, William Forsythe, Derek Deane, Nacho Duato, Patrice Montagnon, Davide Bombana, Mauro Galindo, Uwe Scholz, luc Bouy, Kirsten Debrock, Patrick de

Bana, ann Whitley/David Bintley y repetidora de obras de Balanchine, Petipa y ashton.

Coreógrafa en Colonia, liubliana y Zaragoza y directora de la última etapa del Ballet de Zaragoza, de dónde destacan obras narrativas como Don Juan y un Cascanueces clásico para público familiar que llenaba el teatro.

Cuéntame Patsy ¿cómo empezó todo?

Con mi madre –sonríe- . Tenía una escuela en Stuttgart que abrió cuando volvió de Inglaterra. Cuando estalló la II GM su familia, de origen

judío, tuvo que emigrar a Londres.

Mi madre había empezado a bailar en Alemania pero durante la guerra tuvo que dedicarse a ayudar en el hospital, a reparar coches y cosas así. Sin embargo pudo seguir estudiando danza con los grandes maestros de la época en Londres y cuando volvió a Stuttgart abrió su propia escuela. Mi madre era una excelente maestra de niños y adolescentes y sus festivales de fin de curso eran muy originales, famosos en la ciudad. Por ejemplo, coreografió para sus alumnos “El viaje a la luna de Pedrito”, cuento infantil alemán, en la época de la carrera espacial ruso-americana y “Los enamorados de Peynet” inspirándose en sus adorables dibujos.

Y en los años 60 ocurre el milagro del ballet de Stuttgart con John Cranko. Tuve la suerte de nacer en Stuttgart y de que la escuela de danza de mi madre estuviera ubicada muy cerca del teatro donde John Cranko inició la revolución dancística alemana. Disfruté de la efervescencia cultural de aquellos años de manera muy directa ya que muchos de los bailarines de la compañía empezaron en la escuela de mi madre como profesores y acudían allí para que mi madre les enseñara a dar clase.

Yo empecé danza y música a la vez con una pianista rusa de la escuela de mi madre, que tocaba maravillosamente bien, había sido pianista del zar y tuvo que huir de Rusia.

Con ella aprendí a tocar el piano y me enamoré de la parte musical de la danza, de hecho cuando coreografío siempre comienzo por la partitura, por la música. Adoro la combinación música y danza y la parte musical de la danza es una de las razones por las que me gusta tanto este arte. ¿Y podrías tocar ahora el piano para una clase de danza?

Lo hice en una época en la escuela, y en Cannes estudiaba las dos cosas a la vez, piano y danza, y llegué a ganar el primer premio de

aquel año tocando la Patética de Beethoven. Podía haber sido pianista de ballet y quizá por ello, aunque luego enfoqué mis estudios hacia el movimiento, siento un inmenso respeto por los pianistas acompañantes y me gusta muchísimo la colaboración con los pianistas en clase. Creo que su labor es fundamental para el buen desarrollo de una clase de ballet. ¿Cannes? Cuéntame, cuéntame.

A los 15 años me fui a Munich un año y medio a sacarme el título. Allí estudiábamos tanto danza como pedagogía, algo muy moderno para la época. Después en Montecarlo con Marika Besobrasova en la Academie de Danse Princesse Grace, pero no logré adaptarme a la rigidez de su escuela, soy hija única y he sido educada de una manera muy tolerante y era y soy bastante

rebelde, así que volví a Stuttgart, para tomar clases particulares con Patrice Montagnon, bailarín y coreógrafo del Stuttgart Ballet que en ese momento era profesor de la escuela de mi madre, la Ballettschule KuppeLoew.

Un día me dijo “Patsy, vamos a ver a la señora Rosella Hightower” que en este momento montaba La bella durmiente junto con Marcia Haydée en Stuttgart. Y me llevó al vestuario de Marcia y estaba Rosella ahí y le dijo “Mira es Patsy y quiere venir a Cannes -y dice Rosella- pues encantada”.

Y me fui a Cannes y tengo que decir que eso cambió mucho mi vida. Ella tenía una sabiduría diferente, era descendiente de indios americanos, te atravesaba con sus ojos azules y conocía tu alma. Había gente que no servía para el clásico y les decía “tú vas a encontrar tu sitio”, sabía

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ver el potencial dentro de la persona, aunque no fuera visible. Su clase era completamente imprevisible, siempre tenías la impresión de que no sabías hacer nada porque todos los pasos eran retos imposibles. Y, claro, luego lo demás te parecía muy sencillo.

Su antagonista perfecto para mi, era José Ferrán, con su estilo Vaganova: el lunes empezaba una clase y la terminaba el viernes, sabiéndola todos de memoria; cada día incrementaba la dificultad, más dobles, más triples y más épaulement. Era muy estructurado y el contraste con Madame Rosella fue genial.

En verano Cannes se convertía en el meeting point del mundo de la danza y había un altísimo nivel tanto en los profesores que venían de París, de EEUU, como en los directores de las compañías europeas que también impartían la clase profesional del día. ¿De qué años me hablas?

Del 77 y 78. Y mucha gente que era estudiante en esa época ha hecho unas carreras increíbles, como directores, bailarines, coreógrafos.

Era como la Belle Epoque, se decía que era un momento muy grande en Cannes y yo tuve la suerte de estar ahí. Por poner algún ejemplo, Gil Román actual director del Béjart Ballet, Jean Christophe Maillot, director de los Ballets de Montecarlo, o Sylviane Bayard, directora del Ballet de la Ópera de Berlín, estaban en mi clase. Los entonces bailarines, Peter Martins, Maina Gielgud, Natalia Makarova, Patrice Touron, Shonark Mirk o Patrice Barth, venían en verano, durante sus vacaciones, a tomar clase con los profesores invitados ¿Por qué te vas de Cannes?

Me voy a audicionar a Frankfurt, a la bolsa de danza. Tomabas una clase y los coreógrafos y directores que necesitaban bailarines acudían allí.

Se hacía cada dos meses y durante dos días veían a todos los bailarines 8 danzaenescena nº42

que en ese momento estábamos sin contrato. A mí me cogieron en la primera audición. Luego una vez dentro de una compañía conoces a gente en otro teatro y ves que tu estilo va mas por ahí y…es como una red.

Y en cuanto pude me fui a EEUU. En Alemania teníamos a Pina Bausch, Mary Wigman, Kurt Joos que eran pilares de la danza contemporánea alemana, pero no de la danza clásica. El clásico en Alemania no tenía el nivel de América con Balanchine. Yo quería saber por qué los bailarines que venían de EEUU y que veíamos en Alemania eran tan buenos. Además hacían de todo: moderno, clásico, cantaban, eran muy completos. Por ejemplo Nora Kimball, cuando vino al ballet de Stuttgart nos enamoró a todos. Tenía una técnica y una expresividad increíbles. Trabajó con Forsythe y Kylian y actualmente es profesora en Frankfurt.

¿Y qué tal en EEUU? Muy, muy bien. Acudía a clases abiertas de los mejores profesores que, en ocasiones, te escogían para trabajar en pequeñas obras, que interpretabas. Aprendías y trabajabas a la vez. Conocí entonces a David Howard, un maestro que influyó mucho en mí y en mi manera de ver la enseñanza de la danza.

Así me moví por NY y Los ángeles

y acabé de profesora en Denver en una escuela que tenía compañía propia en la que también bailaba.

Tengo la inquietud de moverme, como ahora, soy nómada. Me gusta seguir aprendiendo y no caer en la rutina y volver a la flexibilidad; Eso es lo que me excita de mi trabajo, que veo que todavía puedo aprender y cambiar. tu trabajo de profesora. tengo la impresión de que no llegaste a la docencia, como les pasa a otros, por no tener otra opción.

No, no, para nada. Yo quería dar clase. A los 20 años ya daba clase en la escuela de mi madre, ¡incluso alguna vez a los solistas del ballet de Stuttgart!, y ya como bailarina me ofrecía yo para dar la clase cuando no podía venir el profesor. Me gustaba mucho lo de dar clase.

Aprendí primero de mi madre, después en Munich y, por supuesto de todos los profesores que he tenido, Me interesé por el método Feldenkrais y por la técnica Alexander que estudié con Joan Wulfsohn en Cannes, en Los Ángeles, en París, como terapia y para un conocimiento más profundo del cuerpo. Y todas esas enseñanzas las utilizo y las pongo en práctica como profesora. Hablo mucho de la respiración, del bienestar, de hacer todo a favor de tu cuerpo y no en contra.

En Cannes aprendí técnica Graham, y vino como profesor invitado Peter Goss con el que aprendí Limon y me gustó tanto que años después lo dejé todo y me fui a París a trabajar con él para asimilar realmente ese trabajo que hace con el torso, el espacio y el movimiento. Él hacía una barra casi clásica pero la parte superior se movía de otra manera y eso me gustaba mucho. Y esos conocimientos que aprendí con Peter los aplico en las clases que imparto tanto en las compañías como en los conservatorios a los que voy como maestra invitada, sobre todo si las compañías bailan contemporáneo y la clase es de clásico.

Fuiste profesora del hoy teatro Nacional de Ópera y Ballet de Eslovenia Sí, yo estaba de profesora del ballet de la ópera de Liubliana (hoy capital de Eslovenia) en la antigua Yugoslavia, de unos ochenta bailarines, muchos de ellos de la escuela rusa. Fue difícil al principio darles clase porque mi formación era muy variada y no típicamente rusa.

Hablaba mucho de respiración y del trabajo que había aprendido con David Howard, y no entendían lo que yo decía y hacía. Años después una de las bailarinas, hoy buena amiga mía, me decía “¡Ojalá te hubiera entendido antes! Me habría lesionado menos y habría trabajado de otra manera”. También daba clase a los alumnos avanzados del conservatorio. Y bailaba el papel de madre/reina de El lago de los cisnes y como invitaban a grandes bailarines para bailar el papel de Siegfried,

como Maximiliano Guerra, Phillip Broomhead o Zoltan Solymosi cada día tenía un hijo/príncipe distinto. ¡Era muy divertido!

A la vez, daba clases todos los días en la compañía de danza contemporánea PTL (Plesny Teater Liubliana), de catorce bailarines. No ganábamos dinero pero todo se compartía.

Además el hecho de la guerra (se refiere a la llamada “guerra de los diez días” por la que Eslovenia se independizó de Yugoslavia) nos unió mucho. No se podía comprar en el supermercado, no había nada, el dinero tampoco valía nada. Además la gente de allí, los eslavos, son muy cercanos, era un ambiente muy bonito, me gustó. La gente traía cosas del pueblo, vino del abuelo, pollo de la abuela, tarta, huevos, y yo el café y el chocolate de Alemania. Fue muy especial, nos hicimos muy amigos.

¿Y cómo llegas al ballet de Zaragoza?

Yo conocía a Mauro Galindo, bailarín entonces del Ballet de Stuttgart, porque un día apareció en la escuela de mi madre porque quería dar clase y yo estaba allí dando clases.

Teníamos la misma edad y en seguida fuimos como hermanos, almas gemelas.

Yo estaba en Eslovenia como maestra y empezó la guerra y todo se volvió muy complicado. Y mi madre se encuentra con Kurt Speker, profesor del Ballet de Stuttgart que le pregunta ¿Qué tal está Patsy?... Bueno, regular porque está la guerra y tal… ¡Ah! Mauro busca una maestra de baile…Y me recuerdo, sentada en el suelo en Yugoslavia, intentando hablar por teléfono con Mauro que me llamaba desde Zaragoza, en mitad de un bombardeo…un momento muy loco, si, si.

En Eslovenia la guerra duró muy

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poco pero no lo sabíamos y los dos pares de abuelos de mi hijo tenían miedo por el niño tan pequeño y nos fuimos rápidamente. Me fui a Zaragoza, a probar. Fuimos tres meses de gira y como querían que me quedase me quedé. Y no fue fácil. Yo estaba aquí sola con mi hijo de tres años, sin hablar español.

Hablaba alemán, inglés, francés y un poco de italiano pero nada de español. Pero poco a poco, con la ayuda de todos los amigos, nos fuimos instalando.

Y te quedaste ¿22 años?

Siiiii. Mis primeros años en el ballet de Zaragoza fueron realmente una maravilla. Éramos como una familia grande y todo era positivo, creativo, joven…..muy, muy, muy bien. La compañía era mucho mejor de lo que me esperaba de Zaragoza que no sabía ni dónde estaba. ¡Pensaba que venía a la playa! – gran carcajada-Era agosto y ¡hacía un calor!

Recuerdo que pensé: aquí aguanto yo dos días. Pero me quedé.

La convivencia y el trabajo con Mauro fueron siempre maravillosos.

Era una persona tan buena y tan culta… Lo echo mucho de menos.

Y cuando se fue Mauro, me quedé por el amor al Ballet de Zaragoza y por mantener la estabilidad familiar.

No quería cambiar a mi hijo de país

otra vez. En Liubliana lo pasó mal y aquí se había adaptado bien: conocía el idioma, tenía amigos, iba al instituto…

Cuando se acaba el ballet de Zaragoza ¿tú tienes opción de marcharte?

El tema empezó cuando se contrató a Arantxa Argüelles como directora.

De Arantxa dependía si yo seguía o no en la compañía. Ella podía decidir sobre mí y puede que tuviera ese plan para el futuro pero dimitió como medida de presión porque habían rescindido el contrato a cuatro bailarines, y no le salió bien. Y entonces los políticos me preguntaron, más bien me presionaron, para que me quedara de directora en funciones.

Había contratos con una caja de ahorros para hacer 50 funciones por toda España con Giselle, que había costado mucho dinero. Así que pensé que era mi obligación seguir, pero no fue fácil.

Y casi enseguida alguien tuvo la idea de hacer un concurso y eligieron a Harold King que había sido director del London City Ballet y que se sabía mover y que tenía amigos… pero en Inglaterra. Fue difícil para él integrarse. Todo el tiempo me decía ¿por qué me han contratado a mí y no te han dejado a ti? Nos llevábamos más o menos bien por-

que yo veía que la solución, por el momento, era ayudarle.

No sé si hice bien, a veces dudo de mis decisiones de entonces y muchas veces actúo por instinto.

Pero había también una parte personal y es que aquí tengo una vida, tengo pareja y mi hijo, sus amigos, sus estudios. Aquí está nuestro hogar y yo no quería romper nuestra vida tan bruscamente.

Se va Harold King y vuelves a quedarte de directora en funciones. la tercera vez ya ¿no? Porque también lo fuiste tras la marcha de Mauro hasta la llegada de arantxa. te tengo que decir que he ido disfrutando cada vez más la labor de dirección. No nacemos siendo directores, es algo que se aprende, unos mejor que otros, pero lo vas aprendiendo. Al final no me ha disgustado hacerlo, es una de las cosas que me gustaría hacer otra vez en la vida, dirigir una compañía, porque me veo capacitada. Vas conociendo cada vez a más gente… conozco ahora mismo a tanta gente del mundo de la danza y a bailarines… me encantaría trabajar con muchos de ellos.

Siempre cuando estoy con mis alumnos hablamos de crear una joven compañía, como It-dansa o las jóvenes compañías de Zurich, Hamburgo, el Nederlands2… Pero no hay casi posibilidades, hay muy pocos teatros con compañías propias.

De todas formas sigo trabajando por el futuro de los jóvenes bailarines.

Por eso he creado Laboradance, porque pienso que aún me quedan cosas por hacer en este sentido.

Tengo muchos proyectos dentro y fuera de España.

El futuro dirá. ¿Cómo empezó laboradance? ¿Qué es laboradance?

Cuando cerraron el ballet de Zaragoza había que dar un uso a las instalaciones y la infraestructura, a las salas, los trajes y todo eso. Y a mí me inspiran los bailarines pos-

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tadolescentes de 16 a 20 años, los que necesitan consejos y mucho cariño, creo que entiendo sus necesidades. Están en un momento muy importante de sus vidas y muchas veces no saben hacia dónde orientarse.

Laboradance es un taller de danza de duración variable entre tres semanas y dos meses, varias veces al año, según mi disponibilidad y la de los alumnos. Pero sin un duro por medio. Invito a venir a los bailarines y ellos tienen que pagarse la estancia en Zaragoza. Como me muevo mucho puedo invitar a alumnos de toda España y del extranjero.

Me ayuda mucho el taller que imparto en Benicassim, los concursos de los que soy jurado, las clases que doy en IT Dansa, el Institut del teatre y los conservatorios de Granada, Sevilla, Madrid y Zaragoza. También en Florencia, Malta y Frankfurt.

He trabajado en muchas escuelas y compañías y, en general, mis contratos siguen vivos, y me ayudan a mantener todos mis contactos.

Por otra parte, puedo ofrecer becas de estudios para la escuela de

danza y música HfMDK de Frankfurt, la John Cranko-Schule de Stuttgart o llevar a alguien con mucho talento a la CND en Madrid.

Y puedo introducir a alumnos, como becarios, en varias compañías. ¿Estás contratada por las compañías?

No. Lo hago de manera personal porque tengo contacto con los directores y confían en mi criterio.

Además lo primero es el alumno.

Con los becarios que tienen que salir de España tengo que ver que realmente quieren salir de aquí, que tiene posibilidades, que sus padres están de acuerdo y que se lo pueden permitir.

Me asombró lo que vi el otro día, me encantó.

Bueno para acabar el taller Laboradance, hacemos un pequeño show como el que viste, con coreografías de los alumnos, mías, o de algún coreógrafo que se ofrece desinteresadamente, como Gonzalo Díaz de Cara B Danza, que lo ha hecho varias veces.

Sería como crear una pequeña compañía durante unas pocas semanas pero sin los problemas de una compañía estable ¿no? ¡Un sueño!

Si. (Risas). Pero habrá que encontrar un poquito de dinero en forma de becas para los bailarines que participan. Es difícil establecer una constancia en el trabajo sin ayuda alguna para el desplazamiento y la manutención.

Hoy en día la mayoría de los bailarines tienen que apuntarse a proyectos cortos y mal pagados porque faltan compañías que les ofrezcan estabilidad.

Parece que vamos hacia atrás en los derechos de los bailarines pero el abanico de estilos y proyectos es ahora muy amplio y esto les hace ser más creativos y más flexibles.

No veo el futuro negativamente.

La cultura es lo que nos hace recordar a un pueblo, y la creatividad y el talento de los jóvenes bailarines, hoy en día, son muy buenos.

La danza tiene fuerza. ¡Ni una crisis económica puede con ella!

Seguiremos luchando.

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Ballet de Zurich El lago de los cisnes Por Celi Barbier

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a fascinación que, desde hace siglos, levanta el lago pertenece ya a nuestro subconsciente colectivo. Es un mito.

El mito del cisne aparece desde el antiguo Egipto como “el pájaro de la luz, la belleza máxima e inmaculada, como la virgen celestial”. Después, en la Grecia antigua, el mito de leda y el cisne ha llegado hasta nuestros días en múltiples representaciones. En las mitologías escandinava y eslava el cisne parece asociarse a la luz dulce de la luna, a una virgen mítica. también en estas fuentes existe un cisne negro hechizado. En el Extremo oriente, en la india o en Camboya el cisne aparece sublimando su belleza y elegancia como la elevación espiritual, un símbolo del espíritu universal. algunos textos

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Celtas nos hablan de seres del otro universo que penetran en el mundo terrenal surgiendo como cisnes.

Partamos del cuento de hadas alemán de la Edad Media como base de inspiración de la obra. El príncipe Siegfried celebra su mayoría de edad. Su madre está más interesada en casarlo que en hacer una fiesta. Siegfried sale a cazar con sus amigos y se encuentra con un cisne blanco, que resulta ser una princesa hechizada por Rothbart, que representa el Mal. Éste no la dejará volver a su apariencia humana hasta que no sea amada por un hombre fiel. El príncipe enamorado por su belleza le promete su amor. la reina organiza pues un baile en el Castillo, para presentar bellezas de

varios países a su hijo. Éste recuerda a su cisne odette y ninguna de ellas le interesa. Rothbart aparece acompañado por su hija bajo sus alas, el cisne negro odille. la similitud con odette confunde a Siegfried y él le declara su amor.

Cuando el príncipe reconoce su error, odette, desesperada, se hunde en el lago. Rothbart muere y el príncipe se mata con una daga. Finalmente, los dos amantes, se encuentran en el mundo de las olas. la historia del lago en su aparente complejidad es muy lineal. En 1875 el director del teatro imperial en Moscú tuvo la fabulosa idea de encargar a Chaikovski una partitura para un Ballet (sería su primer ballet). aceptó y escribió “hace mucho tiempo que quería pro-

bar este género de música”. la partitura estaba lista en 1876. W. Reisinger, bailarín y coreógrafo checo (Bolshoi 1871-1878), fue el encargado de la coreografía. tenía buena reputación como coreógrafo y había creado ya 4 Ballets. El estreno del lago en 1877 (teatro Bolshoi) fue un desastre tan sonado que Reisinger se fue en 1879. Cuatro larguísimos actos que contaron en el reparto con P. Karpakova (odette-odile), V.S. Gillert (Siegfried) y S. Sokolov (Rothbart). la música de Chaikovski dividió a la crítica: “la partitura para el baile es pura belleza” y otra “esto es muy complicado, no es para Ballet”. Felizmente la obra de Chaikovski ha procurado un sitio de honor a la Danza en el arte, junto con otras formas de expresión artística. El ballet se bailó en unas 40 nuevas sesiones, la mayor parte versión de Reisinger y, entre 1880 y 1882 en la versión de J.P. Hanser, bailarín y coreógrafo belga.

El lago de los Cisnes presentado en Moscú en 1877 no tuvo ningún éxito.

Dice Petipa: “cuando supe del fracaso del ballet me fui a ver al director para

decirle que no podía comprender la causa por la que la partitura de Chaikovski no había tenido éxito.

Estoy seguro de que no es la música.

Pienso que es la propia concepción del ballet y los bailarines. Pedí permiso para utilizar la obra de Chaikovski y el tema para un segundo ballet, según mis criterios, y poder mostrarlo en St Petersburgo”. (“Mémoires” escritas en francés 1904 y traducidas al ruso 1906, en inglés en 1968. El manuscrito original se perdió y fue retraducido en 1990) Sin imaginarlo, Petipa, el segundo coreógrafo del Mariinski (a partir de 1885), ivanov y Chaikovski estaban creando la legenda del lago de los Cisnes, que influenciaría e inspiraría a todas las generaciones de coreógrafos hasta nuestros días, desde las más alejadas de la obra inicial hasta las más próximas, incluida la reconstrucción de a. Ratmanski donde se puede sentir el alma de los genios de la danza y la música en cada paso y en cada compás.

Un paréntesis para hablar de la gran bailarina italiana que encantó a Petipa por su técnica virtuosa, trayendo los “fouettés” para Cenicienta en 1893. tan encantado quedó, que los incluyó en muchas de sus obras. En la versión completa del lago, de 1895, los “32 fouettés” en el Cisne Negro ya fueron una realidad. Éxito clamoroso el que envolvió este estreno del nuevo lago en enero de 1895. En el reparto P. legnani (odette/odile), P.Gerdt (Siegfried), a. Bulgakov (Rothbart)

Un 17 de febrero de 1894, en homenaje a Chaikovski muerto en 1893, ivanov

imaginemos la riqueza y todo el bagaje cultural de Europa, asimilados a la cul-

presentó en el Mariinski de St Petersburg, junto con otras de las obras concertantes del compositor, el segundo cuadro de la nueva versión. la famosa Pierina legnani bailará odette. El éxito de la primera representación fue seguramente un incentivo a la rapidez de la presentación del lago íntegro en 1895, en el Mariinski. la coreografía de ivanov incluía la 2ª y 4ª escena cerca del lago, la danza napolitana y la danza húngara de la 3ª escena.

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tura rusa de los actores de esta legendaria obra. Petipa, francés, estudió violín y se formó, al mismo tiempo con su padre J. a. Petipa, en el Conservatorio de Danza de Bruselas. Poco después viaja a Burdeos, Nantes, Madrid y a los Estados Unidos de américa antes de llegar a Rusia.

R. Drigo, italiano, compositor y director de orquesta que dirigía óperas francesas e italianas. Cuando llegó al teatro imperial de St Petersburgo como maestro (1879-1885) continuó su carrera en Europa, hasta que en 1886 fue designado director de música para ballet y compuso para ivanov “El Bosque encantado”.

En su estrecha colaboración con Chaikovski, Drigo pudo, no sin escrúpu-

los después de la muerte del compositor, cortar algunos pasajes -más o menos un 36% de la partitura originalintroduciendo piezas para piano de Chaikovski, instrumentadas por él mismo (12.11.15, 2ª y 3ª escenas).

Drigo invirtió diferentes posicionamientos de los números musicales, el “pas de deux” del acto i al acto ii, y necesitó una nueva transposición para el estreno de 1895. Para terminar el proyecto de presentar la obra completa, la dirección artística se percató de la necesidad de hacer modificaciones en el libreto y propuso al hermano de Chaikovski, Modest, para que revisara la versión. los cuatro actos pasaron a ser solamente tres.

El libreto de W. P. Begitschev es un poco violento en la última escena

cuando odette (prisionera del abuelo y de la madrastra) confiesa no poder perdonar a Siegfried. Éste le arranca la corona y la lanza al lago. ambos mueren ahogados por las olas agitadas y el Mal triunfa.

El nuevo final es más dulce, los amantes si mueren, pero están juntos en el viaje hasta el Más allá. Rothbart toma más relevancia, el príncipe se muestra mucho más complaciente y la infernal madrastra desaparece. El clamoroso éxito de esta nueva versión (27 enero 1895) con P. leganni cubierta de flores mientras largos aplausos se sucedían, podemos decir que es el principio de la grand carrera mundial del lago de los cisnes.

Empieza, se renueva, se modifica. a.

Gorski junto a V. NemirovichDanchenko crean cuatro nuevas versiones (1901-1912-1920-1922) introduciendo el personaje del bufón y mostrando dos cisnes en vez de uno. a.

Vaganova, en 1933, también prefiere los papeles de odette y odile interpretados por dos bailarinas.

C. Sergeiev, (1950) continua siendo la referencia del Ballet del Mariinski hasta nuestros días. algunos coreógrafos crearán solamente el acto ii como V. Gsoviski (1946) para la Ópera de París y Balanchine (1951) en New York. la mayor parte de los coreógrafos no han podido liberarse de ivanov.

Varias versiones rusas aparecen en el siglo XX mostrando a Siegfried como vencedor de Rothbart. J. Neumeier nos presenta “illusionen-wie Schwasensee” en 1974 y Siegfried es luis ii de Baviera desarrollando la primera escena en una cervecería típica con los bailarines vestidos a la bávara y bailando el “Schuhplattler” una danza tradicional alpina. Él también opta por dos cisnes. M. Ek nos presenta “Swansjön” en 1987 y sus cisnes son bailarines calvos, los pies desnudos, tanto los hombres como las mujeres. R. Nureyev en 1984 evoca la homosexualidad del príncipe, (y aparentemente de Chaikovski, pruebas no hay). Una bella obra, un sueño. El lago de los cisnes

© Carlos Quezada 14 danzaenescena nº42

pasa del romántico lírico a las interpretaciones psicológicas o “desacralizantés”. J. Cranko crea un bello lago en 1963 para el Ballet de Stuttgart con vestuario y escenografía del genial J. Rose.

Una colaboración, ésta, duradera y muy enriquecedora con diez maravillosas producciones. Pensamos que puede pasar lo mismo entre Ratmanski y Kaplan (vestuario y escenografía).

Con una mezcla de emoción e investigación volamos a Zurich, al teatro donde se representa el lago… la primera vez que nos encontramos con alexei Ratmanski fue en la opera de Paris, para ver su “Jeu de Cartes” hace precisamente 8 años, aún era director del Ballet del teatro Bolshoi. Ratmanski, inteligente y poseedor de una cultura sorprendente que traspasa las fronteras rusas. Sus grandes ojos conservan algo del frescor juvenil, donde se puede también leer la determinación.

Posee una gran sensibilidad, delicada y fina, una grandeza musical y una imaginación que parece inextinguible.

De una increíble paciencia con los bailarines, a quienes corrige allá donde los vea, en voz baja, con claridad y respeto. Es admirable su humor y su conocimiento de la escena y de la geometría del espacio. admirable también su capacidad de reinventar los magníficos cuadros corales.

Ratmanski se apoya en las anotaciones de V. Stepanov, que se encuentran en la Colección Sergeyev de la Universidad de Harvard. Dichas anotaciones,1892, fueron precisadas después de la muerte temprana de Stepanov, a.Gorski y N. Sergueiv y durante 20 años se ocuparon precisamente de las position del torso, de los brazos, de la cabeza, de las piernas y de sus rítmicos movimientos.

Dice Ratmanski: “una reconstrucción no es una esclavitud. Es necesario entrar en la piel del coreógrafo para comprender sus decisiones y después tratar de encontrar su espíritu en ellas”.

El lago no cuenta con anotaciones precisas en cuanto a los gestos y la mímica. Hay que buscarlas en otras fuentes de los repertorios danés e inglés. los movimientos de las piernas, según

Ratmanski, están anotados con precisión y la pantomima le parece muy importante. El papel de Rothbart de pantomima muy sobria y que hay muchos coreógrafos que lo hacen bailar. también el cisne blanco tiene una pantomima dramática, codificada, que pocos conocen. Citaremos al Profesor Poesio, en inglaterra, especialista en la materia.

Con el telón cerrado, comienzan las primeras notas de la maravillosa partitura de Chaikovski hasta escuchar el “tema principal” del lago para abrir el telón.

Ratmanski nos deja tiempo para sentir la música. Entonces entran Benno, un amigo de Siegfried, y los cazadores.

Una pequeña mesa con frutas y víveres en el proscenio a la derecha y Wolfgang, preceptor del príncipe.

Siegfried hace su entrada sin pompa. El acento está sugerido. las situaciones serán “enfáticas”. las chicas y chicos del pueblo invaden la escena con trajes de bellísimos, colores, con pequeños ramos de flores en las manos simbolizando el frescor y la alegría de la juventud campesina.

El famoso “pas-de-trois” -es Benno quien lo baila con las dos chicas- es brillante por su agilidad. Son pasos simples, movimientos puros que muestra la coreografía de Petipa. Preciosos “arabesques á deux bras, piqués en tournant”, para las bailarinas y la gran novedad: los “déboulés en demie-pointe”. a. Colzac, (Benno), diagonales de “entre chats quatre”, muy bonitos “entre lacés” y “grand jetés en attitude”, Yen Han y G. tonelli, rapidez y pureza técni-

© Carlos Quezada danzaenescena nº42 15

© Carlos Quezada

ca de los tres.

El príncipe, y esto hace 120 años, se enfada con la vida. Es bello, de una nobleza natural (a. Jones) asistimos a una cena divertida del preceptor (F. Portugal), ya mayor, pero que quiere bailar todavía, y ¿porque no? abrazar gentilmente una de las bellas chicas. adorable anciano que se va a dormir cuando Siegfried sale de caza. Una pequeña cena, preciosa, que Ratmanski trata muy bien, como una anécdota y que reafirma la dramaturgia.

Pero antes. la fiesta en el parque del castillo, con unos 40 bailarines en la escena. Sobre pequeños bancos, esto también una novedad histórica, los chicos de pie, “port-de-bras” y movimientos leves del torso y abajo las chicas bailan.

Efusivos momentos de ambos grupos interpretando, después, un vals campesino y una polonesa. “El árbol de Mayo” viene a culminar la fiesta con sus encadenadas filas coloridas. la alegría inunda la escena y los movimientos integran los colores de los trajes en un juego maravilloso entre la coreografía y la música. interesante la manera de resaltar la nostalgia del príncipe en este cumpleaños que le invita a la madurez y al casamiento aunque sea por la insistencia de su madre… Siegfried parte con sus amigos para el lago de los cisnes mientras el telón se cierra como tratándose de un presentimiento.

Con el tema del cisne hasta el fortísimo 16

danzaenescena nº42

se vuelve a abrir el telón. Una inmensa luna, lechosa y ambigua cual ojo que todo lo ve, ilumina una escena desnuda. El príncipe frente a una pequeña entrada al lago, como si se tratara de un santuario abierto a todos los misterios. la reina de los cisnes, odette, aparece con su inmaculado vestido y todo el esplendor de su belleza mágica.

Cuando ella le habla de su cruel destino, Benno está presente y se crea un singular “pas-de-trois” que tampoco conocíamos. Ella cae en los brazos de uno y de otro, aunque de manera diferente, marcando minuciosamente los diferentes caracteres de ambos. El mago del Mal, Rothbart, los espía y se deleita del cruel futuro que le espera al amor puro. Siegfried preso de emoción, enamorado, jura su amor y le promete su libertad.

El “pas de deux” entre Siegfried y odette es como un soplo divino. la emoción y la sinceridad se dejan sentir gracias a la calidad de la interpretación de ambos: V. Kapitonova, a. Jones y Ratmanski nos muestran la estética más próxima a la época de su creación. los “passés” son a “mi-hauteur”, y cruzados, los “développés” un poco más de 90º. la entrada de los cuatro grandes cisnes, fue sorprendente. Se reconocían los pasos y vimos como los brazos y las cabezas no seguían los cánones del cisne, como los conocemos. Cuando

Siegfried y sus amigos se encuentran con los “cisnes”, éstos se presentan como jovencitas, y sus vestidos no son tutus, si no faldas muy bonitas con plumas. “Espero que en esta humanización no se pierda el encanto de ellos”, dice Ratmanski. los pequeños cisnes fueron preciosos.

Un trabajo del “bas de jambe” impresionante, rápido, preciso y brillante aunque, prácticamente, no había ningún trabajo de las cabezas. En el lago de J. Cranko, por ejemplo, ellas están muy bien ritmadas. Para C. Sergueyev (Mariinski) deben de ser melodiosas, lo que necesita una gran calidad de coordinación, mezcla de la rítmica del trabajo del “bas-de-jambe”. aún quedaba otra diferencia por descubrir. Ellas no se separan en el “arabesque”, antes de terminar arrodilladas, se quedan de la mano hasta el final al suelo. Ratmanski deja todavía que el Ensemble de los cisnes hable con los brazos en líneas más largas que las que aparecen en las fotos de la época. aquí ha sido menos radical, en cuanto a la estética de la época, que en su “Paquita” (reconstrucción original para el Staatsballet de Munich).

Por lo demás, Ratmanski es consciente de que la coreografía Petipa-ivanov no corresponde a lo que los bailarines esperan y en la que se ha depositado muchos números de virtuosismo durante estos 120 años. “la disposición de

los bailarines es para mí primordial e imprescindible. He intentado inspirar a los bailarines y estudiantes, en este primer encuentro con el Zürich Ballet, para que descubran la energía y la belleza del vocabulario de la obra”. lo consiguió plenamente. El Cuerpo de baile y los solistas sinceramente empleados al máximo para el lucimiento de sus papeles.

El tercer cuadro es otro magnífico regalo de Kaplan, en cuanto al vestuario. No solamente la belleza y el “raffinement” si no también la maestría de colores raramente vistos en escenas de baile: el violeta y el verde. las danzas napolitanas y húngaras coreografiadas por ivanov. la española y la mazurca por Petipa. Elegantes, como se debe y no “folclóricas” como en muchas coreografías. odile viene acompañada de Rothbart en un “vestido” negro punteado de azul y rosa. tampoco aquí apreciamos una gestual “cisneana” y tampoco aparece como una seductora maléfica. Una técnica límpida, “fácil”, tres “pirouette attitude derrière” y su entrada para los “32 fouettés” que los hizo puros, sin dobles o triples, cosa exagerada que duele cada vez más.

Siegfried es un bailarín de grandes posibilidades artísticas, y odette-odile es maravillosa. los dos están más allá de

la técnica. alcanzan momentos de transcendencia…, entre lo romántico y lo lírico, nos hacen vivir algo muy especial. la unión entre la transcendencia y lo que nos une al mundo real.

El final es indescriptible, un estudio de formaciones, de grupos en círculo, al fondo en las escaleras, mezclados cisnes blancos y negros, dibujos lineales, que se transforman. Grafismo, Degas, Fragonard. la luz y la oscuridad reunidas; el pacto de la Humanidad con el infinito y la pregunta suprema: ¿Habrá en nosotros todavía algo de esta luz primera? la obra es seguramente una de las más importantes que se hayan visto y que esté predestinada a servir de referente a partir de ahora.

Cuando se habla de reconstrucción histórica se piensa en polvo, vestuarios voluminosos, falsas joyas relucientes, pero no. Estamos en el reino de la libertad coherente, de la belleza pura gracias a otro genio de esta espléndida obra, J. Kaplan, para los 130 trajes, personajes principales, o de las damas de la corte, con vestidos “prezafaelistas”.

Puesto que este movimiento artístico del siglo XViii tendía a “recrear un universo poético que se encuentra en las legendas celtas y de la Edad Media”. Estamos lejos de la versión de V. Nemirovitch-Damchenko (1922)

donde los cisnes aparecen en túnicas a la Duncan!!

Felicitar a los Maestros de baile del Zürich Ballet bajo la dirección del famoso coreógrafo Christian Spuck, por la maestría del Ensemble del Junior Ballet, los alumos de la tanz akademie Zürich, de la opera de Zürich y de la Fundación de figurantes de la opera de Zürich (J.F. Boisnon, E. Dewale, F. Petit). absolutamente esplendida la obra de alexei Ratmanski. Unas palabras (que podrían ser las de un maestro de baile de nuestros días), son éstas de Marius Petipa, sobre el estado del baile en St Petersburg y en el extranjero en 1896 “El Ballet es un arte serio, donde la gracia y la belleza deben tomar una posición de líder capital, y no todos estos saltos posibles: “tours” sin sentido, piernas lanzadas en alto, esto no es arte, sino, lo repito una vez más, es una bufonada”.

Pero terminaremos con la pregunta de N. von Meck, mecenas y amiga platónica de Chaikovski durante 14 años, una importante relación epistolar: “Pietr illych has amado? Pienso que no”.

Nosotros pensamos que Chaikovski ha amado y sufrido en la búsqueda incesante de lo Sublime y de la Espiritualidad en el arte.

© Judith Schlosser danzaenescena nº42 17

Hasta siempre Aurora ¡Que tu baile con el mar sea eterno!

Por ana i. Elvira Esteban

C

ompartí con ella sus últimos años como maestra. Nos encontrábamos todos los días en el vestuario del conservatorio a primera hora de la mañana, esperando la llegada del amanecer y la del resto de compañeros. a pesar de seguir en activo a una edad en la que la mayor parte de sus coetáneos ya estaban jubilados, aurora jamás bajaba la guardia. Nunca dejó de sorprenderme su energía vital y su notoria presencia, siempre impecablemente vestida y elegante, siempre correcta y educada.

Reconozco que en un primer momento llegué a sentirme cohibida por el peso de su prestigio profesional, pero nuestras conversaciones matutinas lograron romper mi contención inicial, y charla tras charla llegamos a establecer una entrañable relación que se ha mantenido en el tiempo.

Fue poco después cuando le propuse dejar constancia escrita de su vida profesional gracias a mi colaboración con esta revista. Me parecía importante y necesario hacerlo en un país con una desmemoria histórica enfermiza.

Por eso fue amargo, muy amargo, conocer el diagnóstico de la enfermedad que le acechaba, pues del mismo modo que los virus informáticos desbaratan los ordenadores, el alzheimer va borrando los recuerdos y en sus últimos estadios vacía los cerebros de las personas hasta convertirlas tan sólo en cuerpos. lo sabe muy bien antonio Salas, ese fiel compañero que ha estado a su lado hasta el último momento, cuidándola, mimándola y haciendo todo lo necesario para mantener su dignidad. a las pocas horas de conocer su muerte, recibí una petición de Perfecto Uriel para dedicarle estas páginas. No podía rechazar el ofreci-

18 danzaenescena nº42

miento, pese a que mucho de lo escrito aquí repita lo que recoge la entrevista que le hice en 2007 para el nº 18 de esta revista. No creo que eso importe demasiado. Estoy convencida de que mantener su recuerdo para las generaciones futuras, es el mejor homenaje que podemos rendir a una destacada artista y profesional de la danza. así pues, ¡va por ti, aurora!

Nació en Barcelona pocos días antes de que estallara la Guerra Civil. Su madre había sido actriz de cine mudo y su padre era empresario de varios teatros en Barcelona, pero nunca quiso que su hija tuviera una profesión relacionada con la escena. aurora, sin embargo, logró romper las reticencias paternales y su deseo de bailar venció por encima de la querencia de su padre. ingresó muy joven en el institut del teatre, sin haber cumplido todavía la edad reglamentaria de once años, y finalizó sus estudios brillantemente en 1949, por lo que obtuvo ya su primer gran galardón: el Premio extraordinario “antonia Mercé”. a la vez estudiaba piano en la Escuela Municipal de Barcelona y aprendió a tocar la guitarra, el instrumento favorito de su padre. la formación en el institut duraba entonces tres años y se basaba fundamentalmente en la enseñanza de la danza clásica, pero también se estudiaba danza española, de ahí su versátil formación como bailarina. Juan Magriñá era la persona que se encontraba entonces al frente de la sección de danza. Fue su maestro, su mentor y poco tiempo después se convertiría en su compañero de escena y director. tras finalizar en el institut, aurora ingresó en el cuerpo de baile del Gran teatro del liceo de Barcelona, donde debutó con catorce años, pero éstas no fueron sus primeras experiencias en la escena. Había formado parte de un grupo de teatro para niños y había participado en unas “Galas de Prensa infantiles” en la Sala Mozart. la prensa escrita de la época deja constancia de los elogios al estilo y la

desenvoltura de “aurorita Pons” en esos espectáculos.

En su segunda temporada en el liceo ascendió a solista y poco después se enfrentó a su primer papel de primera bailarina: El vuelo del moscardón de la ópera tzar Saltán. No tardó mucho en codearse con Rosita Segovia, que

era primera bailarina, y comenzó a alternarse con ella en las tablas. En un principio interpretaba sólo los papeles bailables de las óperas (la Gioconda, Carmen, la traviata, Fausto, las golondrinas…) y las coreografías más clásicas, pero su reconocimiento creció con tal celeridad, que alcanzó la categoría de bailarina danzaenescena nº42 19

“estrella” muy poco tiempo después, en 1953.

Su vínculo con el liceo le permitía participar activamente en las actividades del teatro, así como establecer contacto con las compañías extranjeras que lo visitaban, tomar clase con sus integrantes e incluso compartir ensayos con colegas extranjeros. Del mismo modo, su relación con Magriñá traspasó las tablas de ese teatro y sirvió como trampolín para formar parte de otros proyectos como el de los Ballets de Barcelona o para trabajar como profesora en su propia escuela. Con los Ballets de Barcelona comenzó interpretando papeles sencillos como el de “mariposa” en el Carnaval de Schumann o el de Caperucita en la bella durmiente y terminó realizando los más destacados roles con su maestro, tanto de danza académica como de escuela bolera. Participó en un homenaje a Granados organizado por la televisión francesa y tuvo una tímida intervención en la película El duende de Jerez.

En 1955 recibió el Premio Nacional a la mejor bailarina clásica otorgado por el Ministerio de información y turismo y, en 1962, fue homenajeada en un acto dentro del liceo en el que recibió la Medalla de oro del liceo, la Medalla de oro del Círculo de Bellas artes de Madrid y la Medalla al Mérito del instituto del teatro de la Diputación de Barcelona. Según relata el crítico Sebastiá Gasch, la ceremonia de entrega de los tres galardones, “marcó época en los anales” del teatro. Fue un acto de reconocimiento en el que tomaron parte los representantes de dichas instituciones (antonio Pamias, Joaquín Calvo Sotelo y el marqués de Castellflorite respectivamente) y que contó con participación de todo el cuerpo de baile del liceo. Sus compañeros, tras realizar un ceremonial desfile por el escenario, recibieron con aplausos la entrada de aurora en calidad de “bailarina estrella”. al año siguiente, en 1963, fue invitada a participar en una gira con el Ballet de Bulgaria.

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tras más de una década en sus tablas, aurora decidió dejar el escenario del liceo para incorporarse como bailarina invitada y coreógrafa dentro de la compañía de antonio Ruiz Soler.

Su colaboración duró sólo una temporada, pero pudo interpretar carismáticas obras de este coreógrafo como Danzas fantásticas, Paso a cuatro y Eterna Castilla. tras terminar su compromiso, fue primera bailarina en la compañía de luisillo y también formó parte del Ballet de Pilar lópez durante una gira en los Festivales de España. trabajó con los Goyescos, con Rafael aguilar y ejerció como coreógrafa para la asociación Bilbaína de amigos de la Ópera (aBao) y para el

teatro de la Zarzuela, donde se encargó de montar la parte coreográfica de la producción de Khovantchina (estrenada el 14 de junio de 1967). instalada definitivamente en Madrid, impartió clases en varios centros, entre ellos la escuela “amor de Dios”. allí fue donde José tamayo contactó con ella y le propuso trabajar como primera bailarina y maestra en la ii antología de la Zarzuela, espectáculo en el que también realizó coreografías. asimismo, fue artista invitada en el Ballet Español antología y primera bailarina y maestra del Ballet Nacional Festivales de España durante tres años consecutivos.

1978 fue una fecha destacada en su trayectoria. Mariemma buscaba un profesor para impartir las clases de ballet a los estudiantes de danza española en la Real Escuela de arte Dramático y Danza, y recurrió a una especialista como ella. aurora aceptó la propuesta e ingresó como catedrática interina. Ese mismo año se incorporó como maestra al recién creado Ballet Nacional de España, dirigido por antonio Gades en sus comienzos, y trabajó como artista invitada con el Real Ballet de Cámara de Madrid. tras la dimisión de Gades y hasta la llegada de antonio Ruiz, desempeñó la labor de directora en funciones de la compañía, sin por ello abandonar su labor como maestra. Con este último también se hizo cargo de la ya desaparecida Escuela del BNE. Dejó su puesto por incompatibilidad con su trabajo como profesora en la RESaDyD poco después de la incorporación de María de Ávila. Había obtenido la cátedra de danza clásica por oposición en 1982 y llegó a desempeñar el cargo de subdirectora a partir de 1983. también ejerció como directora en funciones.

y siguieron haciéndolo como maestros en la escuela de danza que él regentó en la madrileña calle de Vizconde de Matamala; al menos durante algunos años. Han compartido cerca de 49 años de convivencia en común, tanto personal como profesional.

No puedo dejar de citar otros galardones que recibió y han quedado en el tintero, como el Premio de teatro a la mejor bailarina que recibió en 1965, el Premio Nacional de Danza de la asociación Nacional “Cultura Viva” de 1994 y el reconocimiento como “amigo de honor” que la Casa de la Danza de logroño le otorgó en 2006.

Por último, quisiera recordar el homenaje que le hicieron en la Gala del Día internacional de la Danza de la Comunidad de Madrid (organizada por la asociación Cultural Por la Danza y la asociación de Profesionales de la Danza en la CM) en 2009. Recuerdo sus nervios cuanto tuvo que hablar ante el público y la emoción de su rostro ante las manifestaciones de cariño.

Sé que dejaron una huella profunda en su corazón. Y aunque el tiempo junto a nosotros haya llegado a su fin, su recuerdo permanecerá en nuestra memoria a través de su legado, ya sea por vía inmaterial o documental.

En 1992 recibió la Medalla de Plata al Mérito de las Bellas artes del Ministerio de Cultura y al año siguiente fue nombrada directora del Ballet Nacional de España junto a Victoria Eugenia y Nana lorca. Permaneció en dicho cargo, con la responsabilidad de coordinadora del equipo, hasta 1997. algunos meses después y tras solventar un desagradable malentendido administrativo que impidió su reincorporación inmediata a la cátedra docente que mantenía en excedencia, volvió a su trabajar como maestra de danza.

En esta ocasión, sin embargo, decidió formar parte del equipo docente del Conservatorio Profesional de Danza Clásica, actual Conservatorio Profesional de Danza Fortea, donde continuó enseñando hasta su jubilación en 2006. aurora contrajo matrimonio con antonio Salas el 29 de marzo de 1990.

Habían trabajado juntos como bailarines

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RubĂŠn Olmo Premio nacional de danza 2015 Por Marta Carrasco

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ubén olmo acaba de regresar de Granada donde ha puesto en escena su última obra, “la tentación de Poe”, un dramático montaje donde el bailarín saca a flote toda su capacidad actoral, al mismo tiempo que su forma tan peculiar de bailar, donde la danza española y el flamenco van de la mano con una cuidadísima estética y técnica.

Rubén olmo es el reciente Premio Nacional de Danza 2015, pero el camino hasta aquí no ha sido fácil.

Nacido en Sevilla su afición por la danza le llevó a ingresar con nueve años en el Conservatorio de Danza de su ciudad, donde su madre lo llevaba tarde tras tarde para que el pequeño Rubén cumpliera su sueño de bailar.

“Mi madre, ha recordado el bailarín, hizo muchos sacrificios para que yo bailara. Nunca se lo podré agradecer”.

Se licenció en Danza Española y Clásica, y poco después ingresó en el primer taller Coreográfico de la Compañía andaluza de Danza, dirigida entonces por María Pagés, donde ingresó olmo con catorce años. tras este aprendizaje le llamó el bailaor Javier Barón y con dieciséis años intervenía en el montaje titulado El pájaro negro, con Belén Maya como bailaora principal. tras esta experiencia continuó su carrera en la compañía de danza de aída Gómez, en una producción del teatro de la Zarzuela, El barberillo de lavapiés y con tan sólo dieciocho años ingresó en el Ballet Nacional de España, en donde destacó muy pronto, interpretando papeles tan destacados como el del bailarín principal de la coreografía de Javier latorre, luz del alma, y Calisto en la Celestina.

En abril del 2002 deja el BNE y empieza a bailar en las compañías de Eva la Yerbabuena, Ramón oller y Rafael amargo, y poco después funda su propia compañía, exitosos montajes como Belmonte, la danza hecha toreo (2006) y tranquilo alboroto (2010), obra por la que recibió el Premio Giraldillo al mejor coreógrafo de la XVi Bienal de Flamenco de Sevilla.

En el año 2011 se abre una nueva etapa en el Ballet Flamenco de andalucía eligiéndose el director por un concurso público al que Rubén olmo se presenta con un proyecto. Es elegido director de esta compañía por dos años.

Desde entonces, sus trabajos personales o sus colaboraciones con otras compañías y bailarines, y tras dejar la dirección del Ballet, han marcado su trayectoria a la que une la importante labor pedagógica que desarrolla en el Centro andaluz de Danza, en Conservatorios y Escuelas. ahora, con el Premio Nacional de Danza se le abre una nueva etapa a este bailarín que a sus treinta y seis años, quiere vivir más intensamente lo que supone para él una forma de vida, más allá del oficio.

Es el Premio Nacional de Danza 2015, imagino que estará muy orgulloso. Mucho, no puede imaginarse.

Para mí ha sido el reconocimiento a mi trabajo, porque de verdad, he trabajado muchísimo. Esto de bailar, no es sólo salir al escenario, sino que existe una labor que nadie ve que es mil veces más intensa y por supuesto importantísima y necesaria. ¿Se lo esperaba?

Bueno, todos los bailarines soñamos alguna vez con este premio, ¿Quién no?, piensas que alguna vez te va a tocar, pero de verdad que a mi me ha cogido desprevenido. Cuando me llamaron, se puso primero una señora y luego fue el ministro, y pensé, ¿está pasando?, casi ni me lo creía, y empecé a preguntar si era verdad. Me lo tuvo que repetir dos veces.

En estos momentos de crisis para todos, ¿el premio le cogió trabajando?

Si, por fortuna, si. Estoy trabajando mucho, no me puedo quejar. Estoy haciendo colaboraciones en óperas, ballets, con mi espectáculo de Poe y con más proyectos a medio plazo muy interesantes.

Durante dos intensos años dirigió el

Ballet Flamenco de andalucía, ¿cómo fue esa experiencia?

Viéndolo con un poco de perspectiva la experiencia fue muy positiva.

Supuso un aprendizaje tremendo. No es lo mismo dirigir una compañía privada que una institución. Aprendí muchísimo, de lo bueno y de lo malo e incluso de mis errores. Me hizo crecer mucho dirigir el ballet. ¿Qué es más sencillo, dirigir una compañía privada o una institucional?

Pues un poco de todo. Con el ballet público tienes un sitio fijo, una sede donde ensayar, bailarines en nómina que tienen que venir a todos los ensayos…., y por esa parte es mucho mejor. En la compañía privada, tú decides todas las cosas, en la institucional no se puede. En lo privado se hacen las cosas más rápido. Lo que yo tardaba dos días en poner en marcha en mi compañía, con la pública se tardaban dos semanas.

Sólo la dirigió dos años, ¿es el tiempo correcto?

Yo creo que el trabajo se podría haber alargado un poco más. En dos años es complicado cuajar una compañía, hace falta un poco más, no, siete u ocho años y eternizarse en una institución, porque eso no engrandece al ballet ni a la persona que lo dirige.

Salí antes porque estaba hecho así, era un proyecto en proceso y yo sabía que había sido convocado para dos años, y después otro director. Ese sistema se ha ido limando porque comprenden que el director que entra necesita más tiempo, y la venta del espectáculo necesita también más tiempo. Tú montas una nueva obra, la estrenas y cuando te van a programar los teatros casi vas a terminar tu contrato al frente del ballet… al frente del Ballet Flamenco de andalucía le sustituyó Rafaela Carrasco, ¿cómo juzga su labor?

Me ha parecido muy acertada.

Después de mí al ballet tenía que llegar otra persona totalmente diferente, aunque es verdad que Rafaela y yo

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nos encontramos en un mismo camino y nos gusta la misma estética, pero su sentir es diferente del mío, y eso es importante para el ballet, que cada director aporte su lenguaje.

Hablando de lenguajes, ¿el suyo está a caballo entre la danza española y el flamenco?

Yo creo que podría definirse así. Yo hago una danza estilizada flamenca y lo siento así, y el público que viene a ver mis trabajos es lo que quiere ver.

Yo creo que todo lo que está bien hecho y bien pensado, funciona, porque nada es fácil en la danza. Cada estilo tiene su trabajo, su tesón y el flamenco puro también es muy difícil.

Lógicamente, quienes hacemos danza española necesitamos una preparación física que no puedes dejar de hacer todos los días.

En su caso, ¿cómo se prepara?

Diariamente tomo clase de ballet, hago muchas horas de ensayo para que el cuerpo coja fuerza y resistencia. En mis coreografías hay números muy rápidos con muchos desplazamientos por el escenario. Como decía Mario Maya, “cuando me desplazo por alegrías de una esquina a la otra, y a la velocidad que lo hago, a los cuatro minutos estás asfixiado”. Si no estás preparado, no puedes con ello.

Sigue con su espectáculo “la tentación de Poe” que continúa en gira, ¿en qué otros proyectos está embarcado?

Hace un mes estrené en el Centro Pompidou de París “Arquitectura de Luces y Sombras”, un montaje que también viaja al Festival de Jerez y que en la próxima Bienal de Flamenco de Sevilla se hará en un espacio especial: el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, que además está situado en un antiguo monasterio cartujo. Dentro de un mes me voy con el compositor Mauricio Sotelo y la violinista Patricia_Kopatchinskajaa a Estados Unidos para actuar con la Orquesta Sinfónica de Boston.

Haremos tres actuaciones y probablemente una gira. Me gusta mucho la música que compone Sotelo porque tiene ese componente contemporáneo que le va muy bien a mi danza.

Flamenco, contemporáneo, clásico…, el momento de la danza parece que es bueno.

Creativamente si, desde luego, hay mucho talento y eso es bueno. Hay gente trabajando de una manera genial, pero también se ha producido otra situación que a mi me agrada, y es que hay un momento de acercamiento de los artistas. Hace tres años estábamos los artistas muy encerrados y muy separados unos de otros, y hemos llegado a comprender cuál es la situación actual del baile y nos apoyamos más. Y eso siempre enriquece al flamenco en general y a la danza en particular. ¿le gustaría volver a tener su propia compañía?

Me gustaría, sí, pero es complicadísimo, casi imposible. Y no es por pagar más o menos, sino que los empresarios se asustan cuando ven una compañía de diez personas en baile y ocho músicos…, eso es impensable.

Cuando sale una gala es de tarde en tarde, y mientras la compañía se ha disuelto y hay que volver a empezar.

Yo ahora necesitaba después del ballet ir en solitario y seguir con mi carrera. Pero me gusta tener compa-

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ñía y me gusta mucho estar en contacto con la nueva generación. Con La Tentación de Poe estoy conociendo a gente interesantísima. Como en cada lugar trabajo con gente nueva, es estupendo. Cuando haces una audición ves a la gente una o dos horas, pero con esta obra trabajo tres o cuatro días con ellos… Si, me pregunta por una compañía propia, sí, pese a todo la volveré a tener. también tiene un intenso programa de clases que le lleva a Conservatorios, centros de danza…

Me encanta dar clases, eso es lo que a mi me da la fuerza, coger la sangre nueva. Enseñar y ver que aprenden de ti lo poco o mucho que puedo dar, a mí me renueva. Me voy reciclando, vas viendo cosas nuevas. Los chicos y chicas vienen a veces con muchas carencias, van demasiado rápido y tienen tantas cosas que hacer que no se centran en una, pero bueno, una vez que ellos van entrando de verdad en la profesión… Es la edad, y con esa edad nos ha pasado a todos. ¿Dónde están sus referencias dancísticas?

En muchísimos maestros. A lo largo de mi vida me he fijado en muchas personas, me he bebido sus enseñanzas. Manolo Marín, Ramón Oller, Carmen Montiel, Victor Ullate…, tantos. El otro día estuve con Javier Latorre, y recordé sus cursillos, cómo los daba. Esos son momentos impagables.., y con Javier Barón al que admiro muchísimo…. Sí, hay tanta gente de la que he aprendido.

De no ser bailarín, ¿a qué le hubiera gustado dedicarse?

Nunca lo he pensado, porque siempre he querido bailar. De no ser bailarín yo creo que me dedicaría a algo conectado con el arte, porque la verdad soy muy torpe para todo lo demás. La gente que está a mi alrededor me dice, tu bailas porque no tienes interés en otras cosas, aunque la música y el teatro, me encantan. Todo lo que es creación, pero lo primero es el baile.

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XXX edición del Festival Internacional Madrid en Danza Por Sergio Cardozo Perot

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el 13 de noviembre al 5 de diciembre de 2015, se sucedieron los espectáculos que había preparados para el treinta cumpleaños de uno de los eventos de danza más emblemáticos de la capital española.

Fueron tres semanas, con el estreno de la nueva dirección del Festival: aída Gómez, que se sucedieron 19 espectáculos por algunos escenarios de Madrid. Si bien este evento surgió, por iniciativa de los creadores de danza contemporánea, con el nombre “Encuentro de danza contemporánea”, albergaba ya desde hace tiempo en su programación, otras vertientes de estilos; algo que quiere llegar a equilibrar en próximas ediciones esta bailarina y coreógrafa de danza española.

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El intempestivo cambio en la dirección, no permitió cumplir con ese objetivo y tuvo que respetar los compromisos adquiridos por su anterior gestora. Sin embargo, como broche de oro, nos sorprendió con una Gran Gala de Danza, de la más académica y sobre todo con la presencia de bailarines españoles afincados fuera de su país, y a los que tenemos muy pocas veces oportunidad de disfrutar en escena, de la que hablaré más adelante.

Con la tan mentada, y real, excusa de falta de presupuestos, este año se redujeron a 8 los espacios de representación en toda la Comunidad de Madrid. Diecinueve representaciones, de las cuales sólo seis fueron de com-

pañías extranjeras. Ni que mencionar también, la falta de actividades paralelas de las que se podían disfrutar en otras ocasiones, como clases magistrales, exposiciones, algún ciclo de videodanza o algún encuentro con los protagonistas, conferencias o coloquios, que enriquecen tanto a profesionales o aficionados.

Como madrileño que me siento, espero sinceramente que la declaración de intenciones de esta nueva dirección la vean mis ojos: “devolver a Madrid, todo el esplendor del baile con Madrid en Danza”… "a la gente le gusta la danza, se entiende en todo el mundo.

Que la gente se entere de que aquí hay muy buena danza".

Gala de clausura de Madrid en Danza 2015 Por Sergio Cardozo Perot

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ste fue el gran regalo que nos deparaba la nueva dirección del Festival, en la que se rendía un homenaje a la danza con la presencia de destacados bailarines madrileños, que desarrollan sus carreras artísticas fuera de España acompañados de sus respectivos partenaires.

Diez pasos a dos interpretados por cinco parejas de excepcionales bailarines. tal fue la expectativa causada, que nada más salir a la venta, se agotaron las entradas para las dos noches de esta gran sala. Bienvenidos, biengustados y bienaplaudidos fueron todos porque se lo merecían. Nunca antes había visto a todo el público en pie ovacionando a sus bailarines.

“Que la gente se entere de que aquí hay muy buena danza”, decía aída Gómez, pero que se enteren también que tenemos que buscarles fuera, agregaría yo.

Controversias y contradicciones al margen, decir que el espectáculo tuvo sus altibajos, quizás por la selección del repertorio, quizás por su secuenciación.

El nerviosismo estaba en el aire, en los pasillos, en las butacas y en el escenario, era casi palpable.

Saltar a un escenario con un Paso a Dos de las grandes obras del repertorio “a pelo” (es decir, sin apoyo de montajes escénicos ni cuerpo de baile alrededor), tan solo con el apoyo musical indispensable (no en directo), es como un salto al vacío. llenar un espacio escénico tan solo con la interpretación de un solo fragmento (de obras de gran envergadura, donde los personajes se presentan o resuelven el conflicto de la obra a interpretar), es todo un desafío que se pueden permitir solamente los grandes intérpretes. Y es precisamente eso, lo que tuvimos la oportunidad de ver.

En la primera parte nos ofrecieron: Carmen, de Roland Petit, Frank Bridge Variations de Hans Van Manen, Satanella de Marius Petipa, Giselle, de Jean Coralli y Jules Perrot y Cascanueces con coreografía de Peter Wright, según lev ivanov y música de P. i. tchaikovsky.

En la segunda parte disfrutamos de: Romeo y Julieta de Rudi van Dantzig; El Corsario, coreografía: anna-Marie Holmes, según Marius Petipa y Konstantin; live now, think later, Coreografía: Xenia Wiest; Manon (acto

ii, Escena 2ª), coreografía de Kenneth MacMillan y El Corsario, coreografía: Marius Petipa. la Dirección artística fue de aída Gómez; la iluminación de Nicolás Fichtel y como Coordinador artístico Renato Zanella.

Una velada sin precedentes y en la que pudimos disfrutar de distintos estilos académicos, neoclásicos e incluso del contemporáneo más técnico.

Para cerrar os dejo con los nombres de los verdaderos artífices del espectáculo: JoaQUÍN DE lUZ (madrileño y Bailarín principal, New York City Ballet) & MaRia KoCHEtKoVa (Bailarina principal, San Francisco Ballet y american Ballet theater). laURa MoRERa (madrileña y Bailarina principal, the Royal Ballet) & FEDERiCo BoNElli (Primer solista, the Royal Ballet). olaF KollMaNNSPERGER (madrileño de padres suecos y Primer solista, Staatsballett Berlin) & MaRiNa KaNNo (Solista, Staatsballett Berlin). NaDia YaNoWSKY (madrileña nacida en Canarias y Primera Solista, Het Nationale Ballet) & CaSEY HERD (Bailarín Principal, Het Nationale Ballet) DaNiEl KRaUS (Solista, English National Ballet) & BEGoÑa Cao (Bailarina principal, English National Ballet)

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Jóvenes Promesas: María Muñoz Por Gonzalo Preciado azansa Fotografías: Peter teigen

M

aria Muñoz Sabater (Murcia, 1992). Graduada del English National Ballet School, anteriormente se formó en la escuela de Víctor Ullate. Desde enero de 2014 forma parte, de la Compañía Nacional de Danza bajo la dirección de José Carlos Martínez. además ha formado parte del Joven Ballet de alcobendas, del joven ballet ENB 2: “My First” y ha sido aprendiz del Semperoper Ballet de Dresden. Durante su todavía corta trayectoria profesional ha bailado grandes producciones tales como: “la Bella Durmiente”, “Cascanueces”, “lago de los Cisnes” o “la Bayadère” y ha bailado en números países: España, inglaterra, alemania, italia o China.

Ser bailarina requiere un esfuerzo y sacrificio que muy pocos pueden hacer. ¿Por qué elegiste ser bailarina? ¿alguna vez te has planteado dejarlo?

Yo comencé a bailar en una escuela de mi pueblo (Cabezo de Torres, Murcia) y empecé casi por casualidad.

Acababan de abrir una academia de danza y todas mis amigas y mi hermana se apuntaron a ballet. Así pues mi madre me preguntó si yo quería y accedí a probar. Hasta entonces yo no tenia mucho conocimiento de qué era la danza y pareció gustarme pues desde el momento en el que comencé me gustó y poco a poco he ido subiendo y cumpliendo el sueño.

Creo que todo el mundo que se dedica a la danza se ha planteado alguna vez en dejarlo. Es un mundo muy duro y difícil además de que, como todo en la vida, no todo depende de que trabajes duro sino que también afectan los factores de la suerte, el momento y el lugar adecuado. La danza requiere de una fuerza psíquica grandísima , más incluso que la física 28 danzaenescena nº42

pues tienes que trabajar con tu cuerpo tú solo cada día e intentar superarte. ¿Qué les recomendarías a los chicos y chicas que están estudiando danza en España para que continúen con su sueño de ser bailarines profesionales?

Que disfruten del día a día en clase y en los ensayos para poder exprimir la carrera, que el disfrute no se quede solamente en la función o en el fin de llegar a ser bailarines profesionales.

La danza es un lugar donde poder sentir y usar todo tipo de emociones.

Donde poder crear y transmitir con tu cuerpo, llevándolo al máximo de sus posibilidades, creando algo armónico, bello. Además de vivir la música en tu interior y hacerse uno. Que no se queden solamente en el fin sino también en el recorrido. tras tu formación en España, ¿Qué es lo que te decidió para continuar tu formación en inglaterra?

Tomé esa determinación al terminar mi formación en la escuela Víctor Ullate por renovar y aprender cosas nuevas: diferentes correcciones , técnicas, etc. Así también me servía para aprender inglés y abrirme otras puertas de cara al futuro profesional. ¿Qué es lo que más te gusta de ser bailarina profesional?

La dinámica de actuaciones, sin lugar a dudas. A diferencia de la escuela, donde se tienen unos pocos espectáculos al año, a nivel profesional se tienen varios espectáculos al mes. Así al final conviertes el escenario en otro lugar de trabajo diario y no en un lugar de exposición del año.

Aprendes a reaccionar en él, quitándote el miedo y haciéndolo tuyo . Es un lugar donde el disfrute y la expresión es lo principal y da paso a la técnica.

Otro aspecto interesante es la oportundad de poder trabajar y practicar con estilos, movimientos y técnicas diferentes. De poder cambiar de una pieza de Balanchine, a una de William Forsythe, o un Don Quijote de José Carlos Martínez. ¿Y lo que menos?

Tener que estar lejos de mi familia para poder realizar mi profesión, ya que no hay muchas oportunidades en nuestro país. Aunque debo dar gracias de haber podido regresar. Las largas esperas entre ensayos. Al ser muchos tienen que ir organizando y en ocasiones tienes que esperar varias horas hasta tu ensayo.

Si no fueras bailarina ¿Qué te hubiera gustado ser?

Siempre me ha gustado la rama de la abogacía. Desde pequeña, al ver Ally Mcbeal, me gustaba la idea de poder ayudar y defender a la gente, aunque creo que siempre habría estado ligada al mundo del arte, pues cualquiera de sus vertientes me atraen. ¿Cómo es tu día a día en Madrid?

Comenzamos a las diez de la mañana con una clase de calentamiento que dura una hora y media. Despuás tenemos ensayos de los próximos espectáculos o si hay algún estreno podemos estar creando una nueva pieza o ballet hasta las cuatro y cuarto. Me gusta aprender siempre cosas nuevas y Madrid tiene una gran oferta de cursos. Actualmente voy a clase de escultura y de interpretación algunas tardes. tras haber estado viviendo en muchas ciudades: londres, Dresden, Madrid… ¿Cuál es tu ciudad favorita? ¿Y por qué?

Aunque tengo grandes recuerdos de todas, Dresde es a la que más cariño

tengo. Es una ciudad de tamaño mediano con las ventajas de las grandes ciudades pero sin sus aglomeraciones y su difícil movilidad. Es una ciudad acogedora, con mucha historia y donde la gente no te hace sentir como extranjera, ademas de preciosa. También ayuda el hecho de que todas las experiencias que viví allí fueron muy positivas: mi primer trabajo, mi primer piso para mi sola, los grandes amigos que hice , mi novio (lo conocí allí), etc. ¿Qué es lo que haces para prepararte antes de una actuación?

Intento estar en el teatro con tiempo suficienmte por si hay algún imprevisto. Lo primero que hago, despues de cambiarme, es calentar dando varias vueltas corriendo al escenario para activar las piernas y estirar los músculos. También reviso mi zapatillas, pongo resina y cuido que los lazos de las zapatillas estén bien seguros. Me gusta repasar mentalmente mis correcciones y practicar los puntos débiles de la coreografía. Momentos antes de empezar doy buena suerte a mis compañeros e intento respirar profundamente varias veces para relajar los nervios. todos tenemos ídolos que nos inspiran cada día para hacernos mejores personas, en tu caso ¿quiénes son los tuyos?

Yo tengo varios y dependiendo de lo que estoy buscando o lo que intento analizar en ese momento busco vídeos de unas bailarinas u otras. Por ejemplo, para intentar copiar o analizar el giro busco a Tamara Rojo o Yolanda Correa; para el salto busco a Natalia Osipova o Marianela Nuñez.

Pero si quiero buscar algún vídeo para simplemente disfrutar o evadirme me gusta ver a Alina Cojocaru o Dorothée Gilbert. aunque estás todavía iniciando tu carrera profesional habrás tenido mejores y peores momentos en los escenarios, ¿cuál ha sido tu momento más feliz?

La verdad que soy una afortunada de

poder contar con muchos momentos felices. El primero que me viene a la mente es cuando bailé “Julieta” en el “Romeo y Julieta” de Aranxa Sagardoy de la compañía joven de Víctor Ullate (El Joven Ballet de Alcobendas).

Recuerdo ese momento como unos de los mejores de toda mi vida profesional y artística pues todos los compañeros estábamos tan involucrados en el trabajo de la historia que desde que escuchábamos la musica dejábamos de ser nosotros mismos para ser el personaje. Era tal la atmósfera que se creaba que recuerdo que en el ensayo general acabé llorando en la escena de la muerte de Romeo.

Había dejado de ser yo, en ese momento solo era Julieta con su amado muerto en sus brazos. Fue una sensación increíble. ¿Cómo te describirías a ti misma en una sola frase?

Soy una persona trabajadora, alegre, compañera, reflexiva y positiva. ¿Cuál es el rol que más te gustaría bailar?, ¿y con quién?

Mi rol favorito es Giselle. Permite disfrutar de dos diferentes ambientes: el alegre en el primer acto y la seriedad y dulzura del segundo. En un mundo perfecto de ensueño me encantaría bailarlo con Ethan Stiefel o Jiri Bubenicek. ¿Qué proyectos tienes en un futuro inmediato?

Ahora mismo estamos en proceso de montaje del Ballet “Don quijote” de José Carlos Martínez, que se estrenará el 14 de Febrero en Murcia. A nivel personal estoy intentando moverme para impartir cursos de danza a estudiantes de ballet.

La carrera profesional de una bailarina no suele durar más allá de los 40 años, ¿Te has planteado hacia dónde vas a enfocar tu carrera después?

Me gustaría mucho ser profesora de ballet en alguna academia o conservatorio o trabajar como repetidora en alguna compañía de ballet. danzaenescena nº42 29

CND y un Don Quijote del S. XXI de José Carlos Martínez Por Sergio Cardozo Perot

C

on mucho interés y expectación se esperaba el estreno de esta nueva versión de la obra, firmada por el Director de la CND José Carlos Martínez. Después de más de veinte años que la agrupación estatal dejara de representar la danza más académica, los aficionados a las puntas y al tutú estaban ilusionados con lo que la nueva dirección había prometido, volver a incorporar a su repertorio el estilo del ballet más clásico o académico. a mediados del último mes del año 2015, cuando incluso se bautizaron estrellas y sistemas planetarios con el nombre de Cervantes y los personajes de El Quijote, José Carlos Martínez planta en el escenario del teatro de la Zarzuela de Madrid, una extraordinaria versión del ballet más emblemático y de carácter español.

Primera obra completa de repertorio académico, tras veinticinco años sin que la Compañía lo hiciera. Pero ese fue el reto que se propuso la dirección para el cierre de esta última temporada y también tiempo de culminar su contrato.

Se renueve o no su continuidad frente a la agrupación, José Carlos Martínez ya tiene una página en la historia de la danza de este país, al igual que los planetas bautizados con los nombres de la obra de Cervantes, y que coincide en 2016, abriendo los grandes actos por el iV Centenario de la publicación del Segundo tomo de esta obra, en la que está basado este ballet.

¿Pero qué tiene de extraordinario este nuevo Don Quijote?

Si bien esta versión de J.C. Martínez parte del original de Marius Petipa (1869) y de la versionada por alexander Gorsky (1900), que, aun30 danzaenescena nº42

que respeta la esencia académica, le otorga un carácter más español y expresivo al conjunto de la obra en general y a los personajes en particular.

Como ya sabréis, el libreto surge de los capítulos XX-XXi, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos…”, de ese segundo libro de Quijote, donde Quiteria y Basilio son los personajes centrales pero que, en este caso, tanto Sancho como el propio Quijote, adquieren relevancia al interactuar de una forma más directa, y donde la locura del segundo se deja traslucir en ensoñación por su amor hacia Dulcinea. Un juego dramático pocas veces sugerido en otros montajes y que ayuda a seguir el hilo conductor de la historia.

J.C. Martínez, también nos contó en la rueda de prensa previa al estreno, que tuvieron la posibilidad de acceder a la partitura original de Minkus y que conjuntamente con el director de la orquesta de la Comunidad de Madrid bajo la batuta de José María Moreno, intentaron translucir el cariz adecuado que el propio autor pretendía. Para “acercarse lo más posible a la esencia de la danza española”. Para ello, también ha contado con la colaboración de Mayte Chico, para coreografiar Bolero y Fandango, con un elegante y auténtico carácter español. la CND ya tiene su propia edición musical que utilizará en la representaciones sin los músicos en directo.

Resulta extraordinario que un artista logre crear esta obra en tres actos, de una manera tan cercana, delicada, elegante y hasta divertida, aunque con recortes del original (en escenas y cantidad de bailarines), en una síntesis realmente admirable (teniendo en cuenta los medios y etapa de evolución de la compañía en estos pocos años, para esta empresa).

la puesta a punto de un espectáculo de estas características, requiere del trabajo en equipo de muchos profesionales involucrados para tal fin. la dirección artística decidió crear un decorado al estilo más tradicional, basado en telones pintados y elementos móviles indispensables para recrear la escena de la época. la escenografía está firmada por Raúl García Guerrero y un gran equipo de realización. Se pretendía dotar a la obra de una puesta acorde, sin limitaciones de dimensiones para poder adaptarla a cualquier escenario.

El vestuario lo diseñó Carmen Granell, respetando también la época de la obra, con alguna otra nota llamativa y colorida, aunque con una delicadeza extrema para dar énfasis al movimiento. Vestuario y danza alcanzan una sutileza extrema en el segundo acto, en la escena con las Dríadas y Cupido, en donde el cuerpo de baile demuestra, además, la precisión necesaria que ha adquirido como tal en este breve tiempo de trabajo.

Nicolás Fischtel, hace un trabajo excelente y medido con el diseño de iluminación, creando las atmósferas adecuadas en cada escena de este espectáculo. la atmósfera de todo el teatro se envuelve. y como corresponde a un gran ballet, con la música en directo de la orquesta de la Comunidad de Madrid con la dirección a cargo de José María Moreno. Una interpretación que tiene que estar puesta a disposición de las evoluciones coreográficas y muy difícil de conseguir, sobre todo cuando hay tan pocas posibilidades de hacerlo en este país. Y en el rodaje del espectáculo se deja ver, mucho mejor acompasados y sincronizados en las siguientes funciones al estreno.

asistentes y protagonistas sabemos que la CND no es una gran compañía del repertorio académico, por lo que resulta casi antiestético y pueril compararla con los Ballets de las grandes óperas del mundo. Utilizando toda la plantilla de bailarines, al que se sumaron algunos invitados especiales, el trabajo es más que digno y alcanza momentos brillantes en muchos de sus intérpretes, que no actúan en desmedro de la función, sino todo lo contrario, la engrandecen.

Varios fueron los elencos que se alternaron para cada una de las representaciones en sus papeles protagónicos y aunque sé que no puedo mencionar a todos y cada uno de ellos, quisiera destacar algunos detalles que merecen la atención.

Para este estreno mundial, José Carlos Martínez seleccionó para cada función una serie de estupendos bailarines; algunos invitados internacionales, varias figuras españolas que actúan fuera de España, a sus propios primeros y principales figuras, e incluso dando la oportunidad a bailarines del cuerpo de baile.

Entre los invitados a representar los papeles protagónicos de Quiteria y Basilio, pudimos ver el día del estre-

no, a un brillante Joaquín de luz (madrileño, actualmente bailarín principal del NYCB); María Kochetkoca (moscovita y bailarina Principal del SFB), Elisa Badenes (valencia y Principal del Ballet de Stuttgart), Cristina Casa (madrileña y Solista del Real Ballet de Flandes). Entre los bailarines de la casa, nombrar también a: Yae Gee Park (solista), cada vez con mayor empaque en cada uno de los papeles que se le encomiendas y Haruhi otani, como debut de un papel protagónico de este calibre. El rol de Basilio también fue interpretado por: alessandro Riga (Primera figura), anthony Pina (Principal), Moisés Martín Cintas (Principal), aitor arrieta y un asombroso Esteban Berlanga (Principal), que deslumbró el día del estreno en el papel de Espada.

Muy presentes, por la frescura y divertidas de sus interpretaciones, el día que se alzó el telón por primera vez, mencionar la labor isaac Mantllor como Don Quijote, Jesús Florencio como Sancho y antonio De Rosa como Camacho. En el segundo acto, destacaron también Giulia Paris con un grácil Cupido y anthony Pina con un energético Jefe de los Gitanos.

Más allá de destacar la limpieza de movimientos en las ejecuciones e

interpretaciones de los distintos papeles, quiero volver a mencionar el increíble trabajo del cuerpo de baile, que envuelve y da cuerpo al montaje.

Más correcto y muy precisos son las escenas de pueblo, toreros, Gitanos o damas de honor. Y queda patente el carácter de la danza española en la escena del fandango.

No sé si en verdad en España haya público para ver obras de ballet académico, de repertorio clásico, romántico o lo que sea, pero lo cierto es que el éxito obtenido por la CND con esta obra es indiscutible; así llega a colgar el cartel de “No hay más localidades” en todas las noches de representación, hasta con la realeza entre el público, ovacionándolos en el último día de representación. ¡Enhorabuena a todo el equipo que lo ha hecho posible! agradecidos deben estar los balletómanos ante este rescate del Ballet académico por parte de la Compañía Nacional de Danza con la Dirección de José Carlos Martínez, y también muy atentos, ya que podrán disfrutar con giras en las capitales de provincia a partir de mayo, comenzando en Valencia, Sant Cugat, Bilbao, Murcia, Festival de Granada y almagro.

danzaenescena nº42 31

Los bailarines de la Cia. Nacional de Danza de México dicen basta Por Verónica Hernández Macedo

D

esde su creación en 1963, la Compañía Nacional de Danza de México se considera la más importante del país por su historia, sus dimensiones y presupuesto y por ser la más representativa a nivel internacional. la agrupación nació hace casi 53 años cuando el instituto Nacional de Bellas artes propone fusionar dos grupos independientes: Ballet Concierto, dirigido por Felipe Segura y el Ballet de Cámara, dirigido por Nellie Happee y tulio de la Rosa. a partir de entonces y bajo el nombre de Ballet Clásico de México, sirve como plataforma para impulsar el trabajo de los bailarines y coreógrafos del país, que hacen un

32 danzaenescena nº42

esfuerzo por dar a la danza clásica un reconocimiento oficial con el que hasta entonces no había contado.

En 1977 y por iniciativa de su entonces director Salvador Vázquez araujo, se instituye oficialmente como Compañía Nacional de Danza y adquiere un formato más parecido al de las grandes compañías estadounidenses y europeas. a la vez, promueve la fundación del Sistema Nacional para la Enseñanza Profesional de la Danza, con el objetivo de crear una cantera de bailarines con una buena base académica. actualmente, la CND está establecida en la Ciudad de México y cuenta con una plantilla de 68 bailarines y bailari-

nas. a pesar de su trayectoria, el presupuesto que obtiene de fondos públicos y el potencial artístico de los profesionales de la danza mexicanos, la agrupación no ha logrado consolidar un proyecto cultural estable. Éste mes de enero la CND ha sido noticia por la denuncia que en conjunto han hecho los bailarines para evidenciar el descontento y la ya insostenible relación que mantienen con la directora artística de la institución, laura Morelos. a través de las redes sociales, prensa e incluso una manifestación pacífica en la plaza del Palacio de Bellas artes, han hecho visible el conflicto que se ha vivido en la agrupación durante los últimos años, y especialmente durante los casi

3 bajo la actual dirección. la gota que ha colmado el vaso llegó el pasado 19 de enero, fecha en la que debían reanudarse las actividades después de las vacaciones de invierno. El personal se encontró con las puertas de la sede de la compañía cerradas, y con el anuncio de un cambio de contrato inesperado e injustificado que ya no les reconocía como “trabajadores”, sino como “prestadores de servicios”, con lo cual los intérpretes perdían una serie de derechos y prestaciones obtenidos en negociaciones con las autoridades el pasado año. además, se condicionaba el pago de la primera nómina quincenal de enero a la firma de dicho contrato. los bailarines también manifestaron su apoyo a dos compañeras a las que se pretendía despedir el primer día de trabajo por no cumplir con el estándar físico requerido, pero sin respetar un plazo de 3 meses que se les había dado previamente para conseguir de manera saludable el peso y la figura adecuados. los abusos por parte de la dirección van más allá de lo administrativo: la plantilla de bailarines al completo denuncia un acoso laboral constante por parte de laura Morelos. Según cuentan, las injusticias y la prepotencia que demuestra con las decisiones que toma de manera arbitraria, crean un ambiente hostil y nada propicio para desarrollar una actividad creativa como la danza, que requiere una especial concentración, armonía y bienestar físico para poder aprovechar todo el potencial humano y artístico con el que se cuenta.

Desde su llegada en 2013, más de 30 bailarines han salido definitivamente de la compañía, ya sea por decisión de la directora o por la presión a la que se les sometía y que les obligó a abandonar. Un buen número de exintegrantes de la CND, mexicanos y extranjeros, han mostrado desde la prensa y las redes sociales su apoyo a los que fueron sus compañeros. algunos de ellos dejan ver, a través de relatos y vídeos, la nula empatía demostrada por parte de laura Morelos a la hora de atender necesidades básicas para desarrollar su trabajo (y que es incomprensible, tenien-

do en cuenta que fue bailarina de la compañía por más de 20 años y sufrió las mismas carencias), y en algunos casos las represalias que tomó contra ellos. Usan términos como hostigamiento, discriminación, intimidación, abuso de poder, etc. Para referirse al trato recibido por parte de la directora y que forzó su salida de la compañía, y en algunos casos, del país. la prepotencia de laura Morelos ha sido el detonante para que los bailarines alzaran la voz, pero quizás tardaron demasiado tiempo en hacer visibles a la opinión pública las carencias de la CND, que lleva años atascada por cuestiones burocráticas, casos de corrupción y nepotismo, y una absoluta incompetencia y falta de visión por parte de los últimos directores artísticos para liderar y administrar una institución de este calibre.

Desafortunadamente, los integrantes de la compañía no tienen en sus manos acabar con esta situación. Es la cúpula política del instituto Nacional de Bellas artes quien designa a dedo a los que ocupan ese puesto, basándose en amiguismos y favores y sin dar mucha importancia a la capacidad y experiencia del elegido. todo esto se traduce en bailarines descontentos, resultados mediocres en el escenario (no por parte de los intérpretes, sino consecuencia de la repetición hasta el cansancio de los mismos montajes manidos y la falta de retos interpretativos y coreográficos) y la fuga de talento mexicano a otros países y compañías que sí saben valorarles y les dan la oportunidad de crecer como artistas.

Este enfrentamiento sin precedentes podría ser un punto de inflexión no solo para la CND, sino para todos los profesionales de esta disciplina que, por conseguir oportunidades laborales, en muchas ocasiones se ven obligados a trabajar en condiciones indignas y soportando situaciones injustas, o definitivamente a marcharse fuera de México. Esperemos que la oportunidad sea aprovechada y tantos bailarines con destacadas carreras en compañías extranjeras de primer nivel, que han tenido que dejar su país, puedan volver a casa. Que la Compañía Nacional de Danza abra

las puertas para ellos, y para coreógrafos y directores artísticos con experiencia y prestigio que potencien su presencia a nivel internacional.

En un último boletín informativo publicado por los bailarines de la CND y con fecha del 13 de febrero, confirman que las autoridades del iNBa les han comunicado de manera oficial la renuncia de la maestra laura Morelos al cargo de directora artística. además, la institución se compromete a respetar los acuerdos a los que se había llegado antes del conflicto y que ambas partes firmaron hace unos meses. Durante este periodo de transición y para llevar adelante la próxima temporada de “El lago de los Cisnes” que celebra su 40ª edición, se nombrará un consejo artístico que estará a cargo de las decisiones que afecten a la compañía. Más tarde, “Se abrirá un proceso de análisis de los candidatos que presenten libremente o por invitación un proyecto para dirigir la CND. Para este efecto se convocará un grupo de especialistas que estudiarán los proyectos presentados y propondrán una terna para seleccionar al nuevo director de la compañía”.

En el mismo boletín, los bailarines agradecen el apoyo mostrado desde las instituciones y distintas plataformas y que les ha permitido resolver de la mejor manera posible este conflicto, que esperamos, no se vuelva a repetir.

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Susana Ara Directora del Joven Ballet del Pirineo y Directora del concurso Vaslaf Nijinsky Huesca.

Por José de Huesca

¿Cuántas veces has pensado en tirar la toalla?

Nunca, cuando las cosas se ponen difíciles siempre hay un muelle que me impulsa a subir.

Has de estar muy orgullosa del trabajo que estas realizando con tus alumnos.

Si la verdad que sí, que lo estoy, sin ellos creo que no se podría ver mi trabajo sobre un escenario, o en las clases. Con ellos voy poco a poco moldeando como un escultor a la piedra de mármol, y al final sale una obra maestra. Estoy mu orgullosas de cada uno de ellos/as. ¿Haces tú sola todo el trabajo o tienes ayuda para tan ardua tarea?

Esta conmigo Alba Puértolas, ella creció conmigo, fue mi alumna desde los 8 años hasta los 16 y luego continuo formándose y trabajando en Alemania y Madrid. Es una muy buena profesional y la aprecio mucho. Formamos un buen equipo.

No tenías bastante y montas un Joven Ballet…

Era uno de mis sueños.

H

ace días mi amigo Perfecto Uriel, al que ya todos ahí conocéis. Me encargo esta entrevista, ya que mi centro de danza “Espacio Danza Huesca” era parte de los participantes al concurso “Vaslaf Nijinsky”. la directora del tan prestigiosos concurso es Susana ara.

Y aquí está mi rato con Sus. Yo no soy periodista así que no esperéis una entrevista desgarrada y haber por donde sacamos sangre, jajajajjaj.

Yo pregunto sin más tal y como yo soy. Vamos allá…..

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¿Quién es Susana ara para todos aquellos que aún no saben nada de ti?

Una enamorada de la Danza enérgica y creativa. ¿Por qué aragón y por qué Jaca?

Porque nací aquí y después de dar muchas vueltas por cuestiones familiares volví. ¿Has pensado irte de Jaca alguna vez?

Sí, pero al final aquí sigo.

Y por si fuera poco, un concurso de alta competición, el concurso Vaslav Nijinsky.

Otro de mis sueños…jajaja ¿Por qué este nombre y no otro?

Cuando estaba estudiando vi una película sobre su vida, para mí fue toda una inspiración. ¿Satisfecha con los resultados?

Si, como negarlo. En este momento tenemos un buen nivel y una muy buena cantera.

En mi opinión, lo que tú haces me parece admirable y te lo digo con una envidia sana. ¿Cómo haces para tener tantos alumnos entregados de esa manera?

Es una labor que hay que ir desarrollando desde pequeños, tanto con ellos como con sus familias.

De no haber sido quien eres, ¿quién te habría gustado ser o que te habría gustado hacer?

No sé, nunca me lo he planteado.

el día de mañana? ¿o cómo quieres que se te recuerde y por qué?

Jajajaja no me lo he planteado y la verdad tampoco me preocupa.

Bastante ocupada estoy intentando que las cosas funcionen a día de hoy.

Define para terminar qué es para ti la danza.

Una forma de vida, un medio de expresión por el que se pueden canalizar toda clase de sensaciones y

sobre todo algo bello.

Pues hasta aquí, mi ratito con Susana ara, espero desde estas líneas la halláis conocido un poco más, es sencilla, escueta y no le gusta presumir. aunque la verdad podría y mucho hacerlo, por el gran trabajo que realiza en Jaca ( Huesca).

Espero sigamos disfrutando de tu gran trabajo….

¿tienes a alguien como referente para seguir tu camino o tus metas?

No, intento hacer las cosas lo mejor que puedo e ir salvando los baches del camino. ¿Si ya no pudieras dar clase, qué harías?

Está claro que hace mucho que no bailo, otra cosa muy distinta es enseñar y coreografiar que para eso la edad no es un límite. De todas formas creo que en esta vida hay muchas cosas interesantes que hacer. Siempre que le pongas pasión. ¿Qué opinas sobre el estado actual de la danza en nuestro país?

No es ni mejor ni peor que el de otras actividades. La crisis afecta a todo. ¿Qué puedes aportar para que cambie esta dinámica, tan negativa del panorama dancístico?

Creo que hay buenos bailarines pero malos gestores. Quizás esto último habría que planteárselo.

Cuando un alumno te pide un consejo sobre qué rumbo tomar, ¿qué es lo primero que te viene a la mente?

Intento ser realista y ayudar a que analice la situación. ¿Cómo te sientes cuando un alumno se te va?

Si se va en su momento y bien preparado Feliz. ¿Cómo te gustaría pasar a la historia

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Nos han dejado

ENRiC toRNÉ (25/9/1961 a 25/12/2015) En recuerdo a nuestro compañero, maestro y bailarín En el curso académico 2013-14, Enric estudiaba Pedagogía en los estudios Superiores de Danza en el “institut del teatre” de Barcelona. Elaboró un trabajo para la asignatura de Psicología donde escribió sobre “Sus inicios en la danza” que guardaba entre sus objetos personales. Gran parte de la información que se ha utilizado para escribir este artículo se ha extraído de su trabajo académico.

Enric contaba que: recuerdo de pequeño escuchar en casa un disco de Villancicos (un lP de color rojo) y me fascinaba la canción “Blanc Nadal”, una versión en catalán de White Christmas”, el tema principal de la película musical del mismo nombre. No sabía porqué pero aquella música que más tarde conocí como “swing” me fascinaba. la escuchaba una vez y otra; no podía parar de bailar y mover los pies. aquella música me transportaba. Desde entonces no me perdí ninguna ocasión para ver cualquier película musical por la televisión (aquellas que tenías que tragarte canciones y canciones y esperar 36 danzaenescena nº42

poder ver un número donde bailasen). a los 7 u 8 años empezó a dar sus primeros pasos de danza en el “Esbart Dansaira de Sant Cugat”. allí conoció a Walter Nicks, bailarín americano de la compañía de Katherine Dunham y maestro de danza jazz. Walter viendo las posibilidades técnicas que tenia Enric lo animó a estudiar danza jazz en la prestigiosa escuela de anna Maleras en Barcelona y fruto de este encuentro consiguió una beca para estudiar en dicha escuela. En “l’Estudi anna Maleras” se formó como bailarín. Muy pronto entró a formar parte de la compañía “ Grup Estudi anna Maleras”, y más adelante se convirtió en uno de los profesores de la escuela.

Enric recordaba cuando entró en la escuela de anna Maleras: Yo tenía 16 años y fue un momento crucial de mi carrera en el mundo de la danza. lo primero que recuerdo fue ver una clase llena bailando con aquella música que a mi tanto me emocionaba: el Jazz.

Cuando conocí personalmente a anna Maleras me hizo prometer dos cosas: que si quería estudiar en su escuela tendría que estudiar clásico, contemporáneo y otras disciplinas, y que sobretodo no abandonara nunca los estudios (en aquel momento estaba a punto de entrar en la facultad de Farmacia). Mi concepto de danza se abrió enormemente, y tuve el placer de conocer nuevos compañeros que querían la danza tanto como yo, tomar clases con excelentes maestros.

Y no sólo fue fiel a su promesa de formación con anna Maleras, sino que continuó perfeccionando sus estudios en varios Stages internacionales.

Como la mayoría de los bailarines suelen hacer Enric empezó a volar. Se presentó a diversos castings y fue seleccionado en múltiples ocasiones. a lo largo de su trayectoria artística formó parte de diversos espectáculos de teatro musical, cine y televisión como: “la flauta màgica”, " El show del principal ", "Estan tocant la nostra cançó " ," la mirandolina”, " Flor de nit ", “ Some

enchanted evening “, " Beatles" “Historietes”, " oh Europa ", " la locomotora Negra 25 anys “, “ De Montmartre al Paral.lel ", " West side story ", " Els pirates " con Dagoll Dagom," Boccato di cardinale " con Comediants,“ il tabarro” liceu, Festival Castell de Perelada, " tren de somnis" con Comediants," Un único deseo " de Juan Carlos Bonete" El amante bilingüe " de Vicente aranda," " Crear i viure ", " Blanc i negre ", " Entre amigos ", " Viva el espectáculo" " ¿Y tu bailas? " con Àngels Gonyalons tele 5, teveo de noche " con Comediants tve, " la lloll " tv3," Segons la lluna " con Guillermina Mota también formó parte de varias las compañías de Claqué: Camut Band “ la vida és rítme” i “KitiNG-Kita”, Sabashka con Mireia Font, Delorgan, compañìa d´irish tap.

En 2012 recibió el “Premi Claqueta” por su trayectoria profesional.

Enric seguía contando: Recuerdo especialmente cuando entré en la compañía Dagoll Dagom, que en aquellos momentos era un referente en el teatro musical. El hecho de convertir en realidad un sueño fue una sensación indescriptible.

Hasta hace poco he podido vivir encima de los escenarios, pero no siempre ha sido fácil. Cuando hay trabajo eres feliz, te diviertes, todo tiene sentido. Pero hay momentos que vives rodeado de dudas y te planteas un nuevo enfoque en tu vida sobre todo cuando tu físico va dejando de ser joven y empieza a desaparecer aquella energía que parecía inagotable. a pesar de ello, y como desde siempre me preocupé por tener una formación académica y pedagógica he podido disfrutar hasta hoy de mi gran otra pasión la de enseñar en diferentes escuelas de danza.

Enric fue un gran bailarín y profesor de jazz y claqué pero lo más importante fue él como persona, como cuidaba, mimaba y quería a sus alumnos y com-

pañeros. Siempre tenía una sonrisa para todos, era una persona muy alegre, cariñosa.

Fue profesor de diversas escuelas: “Eolia, escola superior d’art dramàtic de Barcelona”, “l’Estudi, escola de dansa” de Sant Boi de llobregat, Studio isadora, “El timbal” “institut del teatre de Barcelona” , Escola de Ballet Eulàlia Blasi”, Youkali, escola de teatre Musical. En 2009 entró a formar parte del profesorado de la “Escola Municipal de Dansa de Castelldefels” hasta que tuvo que dejar de trabajar debido a su enfermedad.

Enric afirma: la danza me lo ha dado casi todo, y con ella he querido, he reído, he sido feliz, y he hecho feliz a otras personas, pero sobretodo y gracias a ella me he formado como persona. algunos de sus compañeros y amigos han escrito: •Gran persona, gran bailarín, grandísimo compañero. (varios compañeros) •Gran tap Dancer y gran persona, Esperamos que sigas con tu gran ritmo allá donde estés. la locomotora Negra.

•Un gran pérdida como amigo y bailarín. te recordaremos bailando y sonriendo. Susana Pérez.

•Que tu viaje sea lleno de luz. Siempre recordaremos tu increíble sentido del humor, tu alegría, y los buenos ratos que pasamos juntos. Clara Carbonell.

GUStaVo HERRERa Uno de los más importantes coreógrafos del Ballet Nacional de Cuba, dejó

este mundo a los 69 años el viernes pasado, 22 de enero, en la Ciudad de México, donde residía desde hacía más de 20 años y fue profesor y de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del iNBa desde 1995.

Quedarán sus obras, ya clásicos en el repertorio del Ballet Nacional de Cuba y otras compañías del mundo, Cecilia Valdés, que interpretó alicia alonso, Dionaea, Flora, inspirada en la obra del pintor René Portocarrero, Electra Garrigó y Dan-Son, entre otras.

ViolEttE VERDY la exprimera bailarina, maestra y directora Violette Verdy murió a los 82 años en un hospital de la ciudad estadounidense de Bloomington (indiana).

Violette Verdy, cuyo verdadero nombre era Nelly armande Guillerm, nació el 1 de diciembre de 1933 en Pont-l’abbé Finistère y, según relata su biógrafa Victoria Huckenpahler, quedó huérfana muy niña y había comenzado sus estudios de ballet a los 8 años; poco después recibió lecciones en París de Carlotta Zambelli, para terminar de formarse con Victor Gsovsky y Rousanne Sarkissian, la mítica maestra de Bakú que transmitió a varias generaciones francesas los saberes de Volinine y Clustine. incansable y rigurosa maestra, hasta su muerte enseñó en varias universidades y compañías difundiendo el estilo y las maneras de Balanchine, además de haber sido la primera mujer que ocupó el puesto de directora del Ballet de la Ópera de París.

GloRia CoNtRERaS María del Carmen Gloria Contreras Röniger nació en el Distrito Federal el 15 de noviembre de 1934. Realizó estudios profesionales en México con Nelsy Dambré (1946-1954) y en la School of american Ballet en Estados Unidos con Pierre Vladimiroff, Felia Doubrovska, anatole oboukhoff, Muriel Stuart, George Balanchine (1956-1964) y

Carola trier (1958-1965).

De acuerdo con la semblanza biográfica difundida por la UNaM, como bailarina profesiona Contreras trabajó en México para el Nelsy Dambré Ballet y el Ballet Concierto; en Canadá para el Royal Winnipeg Ballet y la CBS tV, en Estados Unidos para the Gloria Contreras Dance Company y finalmente en el taller Coreográfico de la UNaM, al frente del cual estuvo durante 45 años.

MaRGaRita GRoEtSCH Margarita Groetsch alfonso murió el pasado jueves 28 de enero. atrevida, con gran determinación y con plena confianza en sí misma, Margarita se propuso dar visibilidad a la danza murciana. a partir de esa emblemática generación, surgieron los primeros bailarines contemporáneos que hoy día brillan con luz propia en el panorama nacional

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Libros Historia de la Danza. Volumen i.

De la Prehistoria al siglo XiX.

autoras: Georgina a. Cayuela Vera, Carmen Giménez Morte, María José Ruiz Mayordomo, María José alemany lázaro, ana isabel Elvira Esteban y marta Carrasco Benítez.

Mahali Ediciones. 2015.

El link de Facebook es: https://es-es.facebook.com/pages/EDiCioNES-MaHali/112430230361 Se puede comprar a través de amazon.

"En este libro, cada una de las autoras tiene una formación diferentes y nos habla desde un punto de vista muy personal respecto a la investigación histórica de la danza. En cada capítulo aflora un estilo de escritura distinto y una interpretación basada en un riguroso criterio individual. Es decir, se trata de promover el pluralismo y trasladar la mirada de estas seis mujeres hacia fuentes y materiales históricos para tratar de ofrecer unos textos divulgativos sin perder el rigor de una investigación especializada.

Como libro de texto, esta publicación ofrece materiales para los cursos de Historia de la Danza, tanto en el grado profesional como en la titulación superior de danza, que aproximan a los alumnos a diferentes interpretaciones de los materiales con los que cuenta la Historia de la Danza. Este primer volumen abarca desde la Prehistoria hasta el siglo XiX. Próximamente se publicará el segundo volumen que estará centrado en el apasionante siglo XX y en los últimos años que hemos vivido en este nuevo siglo."

Método de Castañuelas, vol.i

autora: teresa laiz Ediciones. l.i.C. Un método moderno, atractivo y dinámico, con todos los secretos para conseguir que tus castañuelas hablen. Una nueva forma de hacer música, descubriendo este instrumento de percusión que ha evolucionado técnicamente hasta convertirse en un instrumento de concierto.

Este método está dirigido tanto a alumnos autodidactas como a profesores que quieran aprender/enseñar a tocar las castañuelas de manera rápida, amena y rigurosa. El método consta de más de veinte volúmenes con soporte de audio correspondientes a los niveles Principiante, Elemental, intermedio, avanzado y Profesional ordenados progresivamente.

Cada volumen incluye el estudio de la técnica y del lenguaje musical de una obra de repertorio, abarcando casi todos los estilos de música: clásica, moderna, clásica española, zarzuela, canciones populares, flamenco, jazz, tango, etc.

Por Fredy Rodríguez 38 danzaenescena nº42

Breves Laura Morera e Israel Galván

l

os españoles laura Morera e israel Galván han sido galardonados en los Premios Nacionales de Danza del Reino Unido, que fueron entregados en enero en una ceremonia celebrada en el teatro the Place, en londres.

El coreógrafo y bailaor sevillano israel Galván recibió el reconocimiento a Mejor Bailarín por torobaka, mientras que la madrileña laura Morera, estrella del Royal Ballet, triunfó en la categoría a la Mejor interpretación Femenina en la modalidad de Clásico, por su papel de lise en "la Fille Mal Gardée" para el Royal Ballet. © Javier del Real

Tamara Rojo

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u Majestad Británica, la Reina isabel ii, acaba de distinguir a la gran bailarina española taMaRa RoJo con el título de Commander de la orden del imperio Británico la más prestigiosa que concede ese país. ¡ENHoRaBUENa taMaRa!. El motivo: “su valiosa aportación a la Danza”.

Resulta un tanto chocante que España -oficial y privadamente- tenga tan poco protegida esta manifestación artística que tantas importantes figuras ha dado al mundo de la Danza.

Podemos referirnos a hechos recientes : tamara Rojo Directora artística del English National Ballet; Blanca li que fue Directora del Ballet en la Komische oper Berlin.

Sin contar todos los bailarines y las bailarinas que ostentan primeros puestos en las compañías más destacadas del mundo entero y que, en España, son prácticamente desconocidos de sus compatriotas.

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