Catártica: Abril '22 by Catártica Revista

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Células de Engrama AGC

Self-Care Bullshit Rossanna Huerta

Guerra de memoria e identidad Bruno Sánchez

41 M.I. Flores Nachón No todo es... Vida Rossanna Huerta

18 19

Piedad

M.I. Flores Nachón

Surtido Rico Estético

M0uthz

Si me olvido de mí. Victor Rivera

El séptimo sello M.I. Flores Nachón

Arterrible.mx Josué Castillo

Machismo Euphorico Rossanna Huerta

Células de

Engrama

A. G . C

led

c l E

detrá o m s i s n i

Rossanna Huerta Aunque tratemos de negarlo, el hombre es un ser sujetado por el post-capitalismo. Al estar tan inmersos dentro de la ideología capitalista no nos damos cuenta que incluso lo que se nos vende como tiempo para nosotros mismo o, mejor dicho, Self-care day no es más que un invento de la sociedad post industrial para continuar subyugando al sujeto. Este fenómeno es característico de las generaciones millennials y gen-z, las cuales buscan alardear en las redes sociales que tienen el tiempo suficiente para dejar a un lado el trabajo y la producción. No obstante, tenemos que cuestionarnos si realmente uno está realizando acciones de cuidados de sí mismo cuando se están realizando las actividades regulares del Self-care en la era digital.

Comencemos con el cuidado de sí mismo, según Michel Foucault, éste debe de ser una práctica permanente con el fin de asegurar el ejercicio continuo de la libertad y de la gobernamentabilidad de nuestra vida individual (1997, p.301). El cuidado de sí mismo tiene que ver con conocerse a sí mismo para poseer el poder de criticar y separarse de la aplastante sociedad post industrial que consume cada pedazo de nuestra persona para volverla mercancía (Foucault, 1997, p.286). Sabemos que a lo largo de los últimos siglos, el hombre se ha perdido dentro del mundo, se ha olvidado emplazar y pensarse dentro de su ambiente al sentirse superior al resto, entonces, lo que argumenta Foucault es que el hombre se pueda reconciliar consigo mismo al redescubrir su propia naturaleza y recuperar el contacto con su origen y restablecer una relación plena y positiva consigo mismo (1997, p. 287). Los sujetos que participan en el ejercicio de las prácticas de la libertad deben ocuparse de sí mismos para que, de esta manera, sus pensamientos y acciones estén cargadas de valores morales que han adquirido de su experiencia de vida para cuidar de los otros (Foucault, 1997). Esta línea de pensamiento ya la hemos visto desarrollada con Martin Heidegger donde teoriza que la humanidad se ha transformado a tal punto que se ha perdido el verdadero humanismo en la sociedad al estar tan concentrados en la producciones capitalistas y religiosas, y por ende perdemos nuestra autenticidad y nuestra subjetividad (2000, p.3). El punto de la ética de Foucault es tratar de recuperar la subjetividad del individuo para evitar que éste continúe siendo sujetado a una ideología que sólo se preocupa por seguir generando ingresos para la compañía (Friedman, 1970). Ahora bien, el cuidado de uno mismo desde una perspectiva tradicional —no filosófica— sería comer saludable o hacer ejercicio, pero esta cuestión ha evolucionado a un punto que parece ser que no se cumple la idea de cuidarse de uno mismo sino de gastar en objetos innecesarios y mostrar esas experiencias en las redes sociales. En las redes sociales como Twitter o Instagram se define el Self-care como: 1. El Self-care es un término general que los usuarios de redes sociales usan para excusar sus malas decisiones financieras. ¿Por qué gastar dinero en cosas como alquiler/facturas cuando puede comprar libros de mandalas de Whole Foods? (Urban Dictionary, 2018, definición 1) 2. Cuando los millennials eligen ignorar todas las tareas que deben realizar en favor de hacer rituales de meditación apropiados de otras culturas y beber agua de La Croix. También puede implicar frotar cantidades absurdas de aceite de coco sobre su piel y escuchar música vaporwave mientras planifica una salida a una librería o tienda de viniles aburguesada. (Urban Dictionary, 2018, definición 3)

Esto suele estar relacionado con la frase Treat yo’ self la cual hace referencia al primer significado del Self-care moderno, como una oportunidad de darse un lujo dado que el sujeto se ha esforzado demasiado en su día a día. No negamos que es necesario cuidarse de uno mismo, solamente hay que notar que estas acciones no parecen cuidados de uno mismo sino acciones basadas en la sociedad del espectáculo y la sociedad de la exposición. Tanto Guy Debord como Byung-Chul Han denotan que la sociedad contemporánea está absurdamente interesada por su presencia online y cómo se presentan al mundo. Parece ser que el sujeto siente una gran necesidad de mostrarle al mundo que uno está pasando un buen tiempo al no estar trabajando, es decir, al estar relajándose y tomando un tiempo para sí mismo. Estas acciones dentro la cultura Self-care capitalista producen y reproducen el espectáculo ya que afirman que las apariencias son todo en la sociedad (Debord, 1995). El individuo ya no tiene la libertad de tomar decisiones para su bien personal, al contrario, estamos más esclavizados que nunca al adoptar formas difusas de encadenamiento social basadas en el fetichismo de la mercancía y en la necesidad de demostrar que somos capaces de comprar y gastar en objetos capitalistas de cuidado de uno mismo (Abad, 2012, p.8).

Ilustración encontrada en: COPD

Según la teoría del espectáculo, vivimos a través de las imágenes, pero estas imágenes no sólo son para observar sino que las consumimos, las internalizamos y las retroalimentamos, construyendo así toda una nueva visión del mundo traducida en imágenes —es decir, un Weltanschauung— (Debord, 1995, p.9) El valor que se le da a la producción de este tipo de imágenes es totalmente capitalista tardía, por el hecho que cumple con los parámetros de una imagen con valor de exposición. Este tipo de valor se diferencia de aquellos marcados por Marx ya que no tiene valor utilitario ni refleja fuerza de trabajo explícita. Sólo tiene valor por mostrarse al mundo y generar una fantasía en lo que se muestra (Han, 2012, p.26) (Abad, 2012, p.9). La cultura del Self-care somete a los individuos de la misma manera que la economía está sometiendo al hombre —generando la cosificación de los bienes y los cuerpos de los individuos a favor de la imagen— creando así un espectáculo dentro de la economía misma (Debord, 1995, p.12), pero, ¿de qué sirve una cultura social en el mundo virtual si ésta no está generando dinero?. El hecho de que las celebridades busquen promocionar productos de belleza y lifestyle en sus redes sociales es para poder contribuir a la cultura Self-care. Por ejemplo, en la revista electrónica Insider se nos narra las costumbres de cuidados personales que desarrollaron ciertas celebridades durante su confinamiento por el coronavirus. En esta menciona “Elizabeth Banks indulged in a tequila cocktail while wearing her leopard print pyjamas as she waited for her hair mask to set” (Peppin, 2020). ¿Es cuidado de uno mismo el estar bebiendo cócteles en lo que se espera a ponerse una mascarilla para el cabello? Al contrario, es una propaganda capitalista post industrial que vende la fantasía de ser una celebridad. La razón por la que se busca tanto generar esta sensación de fantasía detrás de una vida sin preocupaciones y de lujos es por la cantidad de dinero que se genera en la industria. La industria del bienestar genera un aproximado de 4.2 trillones de dólares al año —2017—, de las cuales, las categorías de productos anti-edad, la industria del spa y productos dietéticos son de las que más ingresos generan al año. Esta industria es de las más grandes y con gran capacidad de expansión. En los últimos 5 años ésta ha crecido de 3.7 trillones de dólares a 4.2 trillones de dólares, es un aproximado de 6.4% de crecimiento anual (McGroarty, 2018). La justificación detrás del aumento de tantos productos y servicios relacionados al bienestar es un tanto cínica ya que se busca generar un acercamiento con el cuidado de uno mismo — desde una perspectiva no Foucaultiana— por la constante contaminación —mental, física y medio ambiental— de espacios en las grandes ciudades. La industria del bienestar no es una superestructura ideológica como tal, al contrario es una estructura ideológica que es parte de un juego aún más grande llamado capitalismo (Gasper, 2004).

No es sorpresa alguna que, debido al tamaño de esta industria, se busque generar más ganancias para las compañías involucradas en la producción de bienes y servicios de bienestar. No hay responsabilidades sociales detrás de la industria del bienestar, su producto principal no está generando bienestar, al contrario, se generan inseguridades en los sujetos que pueden ser satisfechas al usar los productos y servicios que se promocionan a través de las celebridades (Friedman, 1970). El cuidado de uno mismo, en el sentido del Self-care social, es cinismo ideológico por el simple hecho que uno no busca cuidarse como tal sino que busca generar valor de exposición. No podemos culpar a los sujetos que son parte de este ciclo de ideología dado que no es tan fácil reconocer que se está dentro de una ideología que controla cada aspecto de nuestra persona. Las celebridades y todos aquellos que forman parte de esta cultura del Self-care social no logran ver que no es el cuidado de uno mismo lo que están logrando, es otra forma de vender a través de la obsesión por la belleza y la juventud. Asimismo, este sentido de cuidado de uno mismo realmente no tiene mucho que ver con cuidar de tu persona con el fin de acercarse más al humanismo del ser, sino que se trata de una manera de control ideológico del capitalismo y con sus grandes pilares: ganancia, espectáculo y exposición, considero que es una forma incluso de adoctrinar al hombre, para continuar produciendo para el capital, al darles espacios libres de descanso. La fantasía detrás del bienestar del Self-care no es más que el uso de las inseguridades del sujeto para generar ganancias para la empresa y perpetuar el ciclo del espectáculo, y, por ende, el de la ideología.

REFERENCIAS: Abad Montesino, J. (2012) Guy Debord: el espectáculo, la mercancía y la inversión de la realidad. Cuaderno de Materiales 24, 5-25. Debord, G. (1995) La sociedad del espectáculo (Trad. R. Vicuña Navarro). Ediciones Naufragio Epoch Philosophy. (2020). Slavoj Žižek: The Sublime Object of Ideology [Video]. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=TtIckkHsUQ4&t=3s Foucault, M. (1997) The ethics of the concern of the self as a practice of freedom. En P. Rainbow (Eds.), Ethics: subjectivity and truth (pp. 281-301). The New Press. Friedman, M. (1970) The Social Responsibility of Business is to Increase its Profits. The New York Times, 17-23. https://www.nytimes.com/1970/09/13/archives/a-friedmandoctrine-the-social-responsibility-of-business-is-to.html Gasper, P. (2004) The Classics of Marxism: The German Ideology. International Socialist Review, 33. http://www.isreview.org/issues/33/germanideology.shtml#:~:text=THE%20GERMAN%20 Ideology%20was%20the,were%20in%20their%20mid%2Dtwenties. Han, B.C. (2012). La sociedad de la transparencia (Trad. R. Gabas)(1.ª edición, 5.ª impresión). Herder Editorial Heidegger, M. (2000) Carta sobre el humanismo (Trad. H. Cortés y A. Leyte). Alianza Editorial McGroarty, B. (2018) Wellness industry statistics & facts. Global Wellness Institute. Recuperado de: https://globalwellnessinstitute.org/press-room/statistics-and-facts/ Peppin, H. (2020) 15 celebrities who have shared their Self-care techniques while quarantining. Insider. Recuperado de: https://www.insider.com/celebrities-who-haveshared-self-care-techniques-while-quarantining-coronavirus-2020-3 Urban Dictionary (2018) Self-care. En Diccionario Urbano. Recuperado en 15 de mayo 2021, de https://www.urbandictionary.com/define.php?term=Self%20care

GUERRA DE MEMORIA E IDENTIDAD Bruno Sánchez Si el arte sirve para recordar la memoria de un ideal y los ideales sirven para motivar el progreso del hombre, entonces el arte sirve para recordar al hombre su motivación para progresar ante la incertidumbre de su propia existencia. A través de la abstracción reactiva o del idilio directo que incita a la inspección intrapersonal de quien lo percibe. El arte es el medio que alienta en mantener el merecido respeto entre individuos y sociedades y ellos con, por consiguiente, el mundo.

Bajo esa premisa fue que, en 1954, con los recuerdos frescos de la Segunda Guerra Mundial, se declaró, firmó y ratificó el Acta de la convención de La Haya, con el fin de proteger a toda costa la herencia cultural, independientemente del valor monetario o la propiedad de éste, en casos de conflicto bélico que peligre su estado existencia; básicamente prevé que toda propiedad cultural histórica y artística sea exenta de ser un objetivo de ataque armado. El dañar propiedad cultural significa dañar la herencia de la humanidad, no solo en el aspecto cultural, así declara la esencia de este acuerdo. Ataques a estos son considerados crímenes contra la humanidad o crímenes de guerra, dependiendo de la particularidad del caso. Tal es la importancia colectiva con el fin de impedir la deshumanización de la sociedad ralentizando el progreso intrapersonal del individuo provocando un desacelere o estancamiento general del progreso en todas partes. El fin es impedir que se queme otra vez Alejandría. No fue hasta la Segunda Guerra Mundial en que la inminencia del peligro se hizo presente en carne propia, que se percató tardíamente sobre qué tan constante son los riesgos, que tan posibles son los peligros y que tan impasible, o en algunos casos qué tan estúpidos, son quienes atentan contra la memoria colectiva de su herencia humana. En ese entonces el mundo progresaba súbitamente con nunca en la historia, pero un progreso deshumanizador que intencionaba, sino reescribir la historia, olvidar la idea de que y como hicimos lo que somos.

La abstracción y el metodismo traspasaban lugares, ahora lo abstracto se limitaba únicamente a los lienzos y el metodismo técnico y exacto pasó a ser la norma regente para industrializar el progreso de la humanidad, peligrando, precisamente, lo abstracto en toda su forma e idea. La voluntad es el arsenal no tangible que motiva al hombre a actuar, sino en pro de sí mismo, en intervenir en situaciones ajenas a él, pero bajo el contexto directo de un todo, ese interés se le retribuye mientras que su apatía se cobra de su ser. Sin embargo, uno de los, digamos, combustibles que motivan con más efectividad la voluntad humana son aquellos que solo surgen en situaciones que rebasan nuestro control y son la respuesta adecuada para evitar toda amenaza a nuestra estabilidad e incluso vida, son aquellos que también, tratamos de evitar sentir: la desesperación y el pánico, son esos que motivan con gran eficacia la voluntad de uno, ya que la voluntad nace no del gusto si no de la necesidad. Y en tiempos de guerra, abunda la voluntad.

La herencia cultural representa una idea que caracteriza el sentimiento de una nación, los conceptos estereotipados que nos hacemos al pensar en algún lugar foráneo nacen de la cultura de aquel país o región, muchas veces exagerado o tergiversado, pero que a la vez se basa en el peso histórico que este presenta, que añade valor a la cultura que evoca y que

incluso puede ser la base que sostiene el estilo de vida y los principios a idealizar en una población. Todo lo anterior descrito, el pasado, el valor único y su resiliencia es lo que conforma la identidad, que caracteriza los valores de un individuo quien los aplica acorde con sus actitudes en su contexto directo consolidando así su personalidad y es la personalidad los elementos que fomenta la vida más allá de la mera existencia por sobrevivir entre individuos que colaboran entre sí, por lo tanto, forjar la identidad es avivar a la vida. Sin embargo, como toda vida, el riesgo de la muerte es constante. Aunque la identidad colectiva es creada y producida desde individuos, esta no se destruye del mismo origen. Para quitar una vida, se tiene que hacer desde una fuerza externa y metódica. Un árbol no se va a proporcionar su propia sierra. La manera más efectiva de matar una identidad es deshumanizándola, para cuando se acabe con esta, acabar con la persona como tal es lo más fácil, sea reformándola, creando y forjando una identidad inorgánica que se tendría que reforzar hasta que deje descendencia, o se muera, y en ambas la fuerza externa tendría el control de cómo y cuándo. Por lo que rediseñar, borrar y destruir obras, monumentos, estructuras y toda representación tangible de identidad colectiva sería como aplastar una hormiga con el índice. Ejemplos de asesinatos de identidad no faltan, básicamente así es como se crearon y consolidaron los grandes imperios del pasado; también al concepto abstracto de la identidad aplican los conceptos exactos de la biología, hasta los bizarros territorios del presente; cuya permanencia es una abstracción perdida entre la burocracia exacta. Por ejemplos, los ideales de la identidad originaria de México se asemejan más al de los poblados remanentes de “Usos y costumbres” que a la de…no sé…el Bronx, Nueva York, aunque en realidad el modo de vida y la identidad actual de las costumbres colectivas contemporáneas tienen más puntos de similitud con el distrito del Bronx o el barrio de Vidigal en Rio de Janeiro o la banlieue de París que con las regiones originarias con una identidad y forma de vida que conflictúa con los principios y costumbres adoptados de convivencia colectiva, siendo vistos con una perspectiva polémica. Todo patrimonio cultural, artístico e histórico tangible es el reflejo de la identidad de una comunidad, región y nación. Las expresiones tangibles de estos ideales contrastantes entre sí es decir, toda representación de identidad que sea considerada como herencia artística, son la constante en la siempre fluctuante conciencia humana, el arte y la cultura característica, en cualquier forma, sirve para la población como símbolo de referencia fungiendo como factores unificadores de la sociedad, y su interpretación como un recordatorio de su pertenencia en ella.

Si bien el Acta de La Haya es la declaración universal con mayor validez y vigencia en la protección del patrimonio cultural, en la práctica solo es utilizada como un referente para redundar la ilegalidad del acto cometido y de la obra o patrimonio destruido. Conforme las remembranzas del caos de la guerra rebasaban al empirismo de esta y los conflictos bélicos como tal descendían a ser parte de un segundo plano, ajenos directamente al bienestar e interés de buena parte de la población, la importancia de hacer valer las intenciones de la restaurada comunidad internacional en el acta no pasa más allá del papel. Los conflictos continúan sucediendo y la impotencia de evitarlos es, si no menos efectiva, más frustrante al aplicar la esperanza vacía esconder el conflicto y sus horrores bajo la alfombra de la burocracia internacional y desear que se ahogue. Esto a costa de toda víctima directa e indirecta atrapados en los frentes de combate o como objetivo directo de la apatía de la violencia deshumanizada. Véase casos históricos como la demolición de templos prehispánicos durante la conquista, la destrucción del Partenón a cañonazos por parte del ejército veneciano en 1687 o la erradicación de pueblos enteros durante la partición de África a finales del siglo XIX hasta casos más contemporáneos como la demolición de barrios históricos enteros durante los regímenes comunistas en Europa en los 50’s y 60’s, las explosiones de las estatuas de Buda de Bamiyan en 2001, los destrozos hechos por el Estado Islámico contra múltiples monumentos y objetos históricos en su rampante intento de crear un Califato en 2014 y 2015. Son cada vez más aquellos casos en que la incapacidad de las autoridades y la impotencia de los civiles convergen hasta dificultar o incluso imposibilitar una mínima justicia por eliminar los rastros remanentes de la identidad humana, perdiéndose tal hasta que se arriesga a caer en la carencia de identidad y solo se existe por y para sobrevivir y servir, reiniciando una época perdida como lo fue la Edad Media en contraste con los sistemas de organización y convivencia de la era antigua en Roma, que se asemeja más con nuestra realidad práctica a pesar de ser históricamente más distante.

Cabe recalcar que fue durante la edad media que surgieron las ideas, reglas y dogmas que esclavizarían las voluntades de la gente, ya no solo sus personas y ya no únicamente con castigo físico, si no con la amenaza moralina de una fuerza superior rayando en la paranoia, pesares que se siguen cargando hasta la actualidad. El mayor riesgo de la muerte de la identidad es la incertidumbre de quien reforme ese vacío y con qué. Ese tipo de filia aprovechadora no le es ajena a Rusia, la cual ha sido víctima y victimario de sus propias consecuencias desde la formalización de si misma en la brutal expansión de su territorio sobre los pueblos siberianos bajo el yugo del Zar Pedro el Grande, rusificando a toda aldea y población conquistada durante generaciones por más remota que haya estado del corazón del imperio, pasando por la revolución rusa y reformación ideológica de todo el país y, por consiguiente, toda la región de influencia rusa en que las identidades características de las regiones con mayor proximidad a su corazón de igual manera sufrieron una eutanasia involuntaria al caer bajo el yugo de Stalin, quien destruyó la sociedad y toda remembranza de su individualidad y reconstruyó su identidad haciendo pasar su conveniencia como la conveniencia de la Unión. Incluso bajo el aval soviético, se reformó otra vez la identidad de una sociedad servil y subyugada al puño de Stalin a una un tanto menos temeroso del frágil temperamento de quien rija el corazón. Aquella identidad re-re-re-formada se vio desactualizada al colapsar la URSS en los noventas, donde Rusia finalmente tuvo la oportunidad de recuperar al menos la idea de una identidad propia de manera orgánica, restaurando lo que valía la pena recuperar de todos los tiempos perdidos de su historia a la actualidad, aunque esa aparente benevolencia con la particularidad de una identidad histórica al parecer, crea Rusia que aplica solo para si mismo, ante la abusiva invasión militar a la nación independiente de Ucrania que desembocó a la actual guerra. Para cualquiera invasor que busque hacerse con el poder del pueblo, los símbolos que unen a su gente a través de su cultura evocan a su historia y son considerados siempre como una amenaza que eliminar siendo vistos como un unificador popular de resistencia frente al enemigo. Durante la primera semana de asedio ruso a Ucrania, las fuerzas invasoras quemaron el Museo Histórico Local de Ivankiv, cerca de Kiev, donde se encontraba gran parte del acervo cultural de la región incluyendo buena parte de la obra de una de las artistas más emblemáticas e importantes de Ucrania, María Prymachenko. Ninguno de los edificios ni estructuras aledañas al museo fue dañada en aquel momento, lo que indica que el ataque fue específico, premeditado y, por ende, criminal.

En su colección había alrededor de 25 obras de Prymachenko, quien pasó a la historia por ser pionera en su país en el arte naif. Se tiene un profundo simbolismo para el pueblo ucraniano, ya que supo rescatar las tradiciones características de Ucrania bajo una obra profundamente colorida, entre el arte naíf y el arte folclórico. Nacida en una familia campesina, vivió cerca de Ivankiv, rodeada de campo que era, junto con sus sueños, su principal musa. A pesar de sufrir de polio fue autodidacta y en los 30’s comenzó a compartir su talento con el resto del mundo hasta llegar incluso a ser influencia para Pablo Picasso y Marc Chagall.

“Me reverencio ante el milagro artístico de esta brillante ucraniana.” – Pablo Picasso, Feria mundial de París, 1937. La identidad es lo que motiva la voluntad del individuo a actuar más allá del mero instinto de supervivencia y son esos sacrificios los que valen quedar grabados en la memoria colectiva de la cultura. Lo que la Rusia de Putin pretende es reedificar el perdido poderío ruso manteniendo cautiva una esfera de influencia directa que ya, desde hace mucho antes de lo que estipulan la doctrina intervencionista pro rusa, es independiente y ajena a la identidad rusa, aunque compartan una historia, la identidad es forjada por el deseo colectivo de la gente y esa gente, actualmente atacada y atrapada, quieren ser en vez de servir.

M.I. Flores Nachón

41 días antes me dijiste que te irías, y entonces el día se convirtió en vida. Una estación por hora y un abrazo por sonrisa. 41 días antes me diste aviso y agradecí sin reproche. 41 que se convirtió en 30 y marzo que se volvió abril. Una espera que pasó a ser una enfermedad sin cura, un destino que caducaba y una lágrima que se acostumbró a ser guardada. Taché abril en el calendario y mi pecho se sumió y el aire me faltó. Un día más que se volvía un menos, y todavía pensar que el verano nos robó una hora, que se me escapó como si no la necesitara. Condenados a ver el sol caer y pedir arrodillada a la luna que se olvidara de bajar por solo una noche. Trescientas veces leí:

Soltar el plural 1 Suelta el plural Suelta el plural Así cómo solté el invierno, así soltar el plural. Y ahora recibí la primera primavera en cinco de ellas en la que sé que el sol me quemará de frío.

41 que se volvieron 10. A 10 días de que te vayas mis uñas se aferran a tu camiseta para que las horas se extiendan con ella. Pensé que 41 me adormecerían, me secarían los ojos y me acabarían las uñas, pero al contrario, se me estiran las mejillas con cada gota que cae y los oídos se espantan con cada tic de un reloj que no se detendrá. El anuncio de una fecha de caducidad. El sueño que se alarga y el egoismo entre tu y yo. Un silencio cada que me preguntas qué siento, una sonrisa cuando hablamos de ello. Lo siento.

No quiero soltar el plural y mucho menos quiero que te vayas.

Soltar el plural, es un concepto y verso tomado de Poemas de Invierno, autoría de Victor Rivera, publicados en Catártica: Diciembre ‘21

NO TODO ES...

VIDA Rossanna Huerta

Mi acercamiento a la muerte me pasó a una edad un poco temprana, si tenía el conocimiento que existía pero nunca lo había experimentado de una manera tan cercana, mucho menos sabía cómo lidiar con tantas emociones encontradas. Fallecieron unos familiares muy cercanos a mi, y a partir de ese momento empecé a tomar consciencia de mi propia fragilidad de mi vida. No obstante, estas experiencias no ocasionaron que le tuviera miedo a la muerte, ni mucho menos a envejecer, fue tan extrañamente fascinante ver el proceso natural de la vida. Tanto así que me cuesta trabajo comprender personas que huyen y niegan a la muerte, esperando que si no hablas de ella hará que no exista. De esta manera encontré la acuarela tan cómica y curiosa que he visto hasta el momento: Huésped no invitado / La visita de la muerte de Adolph Von Menzel.

Empecemos un poco con Von Menzel… Nacido como Adolph Friedrich Erdmann, fue uno de los grandes pintores de lo que ahora conocemos como Alemania. La mayoría de sus pinturas caen bajo la temática histórica siguiendo así una de las múltiples líneas del realismo pictórico del siglo XIX. Como ya hemos mencionado en otras ocasiones, las pinturas son parte de un elaborado sistema de propaganda política, esto incluía los paisajes de su ciudad natal. No obstante considero que esta acuarela cae en una categoría tan explícita respecto a la propaganda, ya que, incluso tiene un tono cómico que usualmente caracterizamos a una historieta cómica de un periódico o hasta un meme.

Analicemos un poco la imagen, en la primera viñeta observamos la llegada de la muerte, no obstante, se muestra arreglada con un traje propiamente de la época: sombrero de copa con un opulento abrigo negro —un detalle que me agrada bastante es que parece se que se está quitando los zapatos con el fin de no traer suciedad de la suciedad a la habitación del enfermo—. Al final del día, Menzel nos propone un memento mori con un poco más de humor de lo que estamos acostumbrados, en la segunda viñeta vemos a la muerte escapando por la ventana del fondo ya que no fue bienvenida en la habitación. Todos sabemos que al final del día habrá un momento en que la muerte nos venga a visitar, lo queramos o no. Es una cómica huída donde la mismísima muerta sale muerta de miedo dejando atrás sus preciadas prendas de vestir. Alejada de su característica elegancia, la vemos escapar de las botellas lanzadas a modo de disuasión desde el interior de la vivienda (Arce Lemke, 2022).

Ahora bien, la escritura o subtítulo que vemos en la parte inferior de la primera imagen da pauta a que haya continuidad en la historia que nos está contando Menzel entre ambas imágenes: Pluscuamperfectum. El significado como tal de esta palabra es “más que perfecto” pero es usada en las conjugaciones verbales que expresa que una cosa ya estaba hecha o apunto de serlo cuando fue reemplaza por otra. Con esto en mente podemos imaginarnos que Menzel nos quiere sugerir que en otra realidad es posible tener otra opción a la muerte al reemplazarla por otro hecho. La inscripción que vemos en la segunda imagen se traduce en “siempre dicho defensores” aludiendo a que es posible escapar de la muerte cuando tomas las decisiones adecuadas, siendo este caso, las personas que lanzaron las botellas.

Al final del día Menzel da un mensaje bastante importante, no sólo de la fragilidad de la vida, sino que también el momento de nuestra muerte también está dictado por nuestras propias decisiones. Menzel aunque se caracteriza por sus grandes temáticas históricas no deja de lado sus experiencias humanas y cómo lidia con ellas. Es algo que nos cuesta trabajo entender ya que hemos crecido principalmente con una educación que venera la vida sobre cualquier cosa, donde la charla de la muerte como proceso natural es visto con aversión. Es lo dionisiaco que ignoramos, lo que queremos esconder pero que siempre estará presente en algún momento de nuestras vidas. La muerte no es nuestro enemigo —pero tampoco es nuestro amigo—, en mi opinión, es como llevemos este proceso lo que genera una experiencia positiva o negativa. Arce Lemke, J.P. (2022). Huésped no invitado o La visita de la Muerte. Historia del Arte!. Pluscuamperfectum (s.f.) Etimología latín.

M.I. Flores Nachón

Entiendo que estamos en contra de los discursos blancos y excluyentes, pero me encuentro débil ante la solicitud de piedad. La piedad se entiende como el sentimiento de misericordia, una gota de agua tibia cuando se tiene frío. Dentro de la religión, la piedad va de la mano del perdón eterno, de los ojos dulces y compasivos de María, madre infinita y protectora. María pidió piedad. Me pareció curioso que el calendario y corazón temático de Catártica -"Olvidada en las páginas de un libro" Aceptar las derrotas, la enfermedad, la tragedia: ¿qué queda cuando no queda nada? ¿quienes son refugio, hombro para llorar? ¿podemos con todo o hay que dejarnos cargar?- empatara con las celebraciones de Semana Santa. En un bloqueo total, no tenía la menor idea de qué escribir para este mes, hasta que en un dolor ajeno a mi escritura pregunté: ¿Por qué?

La Virgen María entendió el destino de su hijo Jesús, mucho antes de que fuera engendrado. Él llega para irse y ella se entrega totalmente a la idea, sin reproche alguno, comprendiendo el concepto de dolor por salvación. O por lo menos así se planteó la escena, y la iconografía hasta que en 1499 nos permitió ver a María cuestionarse. Miguel Ángel Buonarroti, es sin duda alguna uno de los nombres más reconocidos en la Historia del Arte. Lo digo sin temor porque cada que hablo del trabajo del mármol con las visitas en la galería y menciono su nombre, consigo un movimiento de cabeza afirmativo. Durante muchísimo tiempo me comparé con Miguel Ángel por su impresionante carrera a su corta edad de 23 años. Esculpió La Piedad (1499) de San Pedro a sus cortos 23 años. Después me pongo a pensar en que durante el renacimiento, una infección en la uña del dedo gordo del pie podría matarte a los 3 días, y se me pasa. Otros tiempos, otros dolores, otras cuestiones. Sin embargo, creo que Miguel Ángel y yo tenemos cuestionamientos similares. A sus 23 años, nos presentó a María la Virgen, cómo el se la imaginaba. A continuación un breve análisis de La Piedad, de San Pedro. Se trata de una escultura en composición piramidal, la cabeza de María es el punto más alto de la misma y su ropaje cayendo, hasta la cabeza de Jesús por un lado, y su pierna del otro, dibujan las dos largas diagonales que desembocan en la base. El rostro de María, enfocado en el cuerpo inerte de su hijo, con cierta resignación y tranquilidad incomprensible, además de tener rasgos que solo eran relacionables con el polo cultural de Miguel Ángel, ya que se nota una inclinación hacia lo occidental/caucásico, sucediendo lo mismo con el rostro de Jesús, que más allá de verse sin vida, se ve dormido. Relajado y entregado.

La pirámide es casi perfecta, obviamente entendiendo que la curvatura natural de la cabeza y la ropa rompen con la linea recta, sin embargo, hay una sola linea perpendicular a la piramide. Una línea visual dibujada por la mano de María que cae ligermente por arriba de la rodilla de Jesús. Y con esa línea entendí a María, y entendí a Miguel Ángel de 23 años. Una mano que rompe con el cuerpo y la mente entregada al destino fatalista.

- ¿Por qué?- preguntó la mano. Admiramos a Miguel Ángel, le aplaudimos una y otra y otra vez sin cuestionar su probable sufrimiento. Ante rumores de su homosexualidad pero su cercanía con la religión y la institución eclesíastica, Miguel Ángel soportaba una enfermedad a la cual solo pedía piedad. Una enfermedad en su mente, una negación constante de su propio ser y un castigo eterno. Tal vez por eso mismo se castiga tan severamente en el Juicio Final, en el muro testero de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel, como la Virgen María, como yo, pedimos piedad ante destinos inesquivables.

¿Qué queda cuando nada queda? Piedad, perdón y misericordía.

SURTIDO OCIR ESTÉTICO 26

Comencé a intervenir fotografías desde hace 11 años sin ninguna finalidad artística, y fue hasta hace unos meses que volví a retomarlo por una necesidad terapéutica y creativa de reinterpretar temas de mi interés cuya finalidad fuese un resultado estético e inútil sin ninguna intención de plasmar emociones, crítica social ni nada transgresor, solo un capricho de converger mis gustos en una sola imagen, y aunque una interpretación psicoanalítica encuentre mis traumas y deseos reprimidos en los collage, esta por el momento no ha sido mi intención. Creo firmemente que uno de los espacios donde abunda la creatividad siempre ha sido la moda y en particular la que se encuentra en las editoriales, ya sea de manera publicitaria o como fine art. Escarbando entre los números de Vogue de hace más de 60 años es donde encuentro material perfectamente bello y curado, dándome una salpicada de historia y viendo preciosas publicidades de marcas que ya no existen y hoy ni se recuerdan, pero que permanecen en las últimas páginas de lo que se le consideraba una revista más de moda y banalidades para mujeres, pero que siempre fue mucho más que eso. El cine siempre ha sido mi mayor fuente de información, creo que he aprendido mucho más viendo películas que en toda mi educación media superior. El cine es arte, es historia y creatividad, y también llega a ser mediocre, pretencioso y divertido, converge y se distancia de quienes lo hacen y consumen. El nivel de detalle y cuidado que puede llegar a tener una película comercial que te hace sentir bien, como un apapacho llega a ser infravalorado por el esnobismo de quienes prefieren disfrazar de complejo un estatus artístico. Cintas que fueron olvidadas y criticadas resurgen como cine de culto, y grandes galardones se ven ensombrecidos por las historias terroríficas de sus actores y directores. No me caso con ningún estilo ni dirección, y si lo hago lo disfruto y busco otro. Durante mucho tiempo en la búsqueda de una personalidad definida me hice creer que mis decisiones sobre gustos eran definitivos y debería hacer un statement al respecto y no dejarme influenciar por las modas, cual fue mi sorpresa cuando descubrí que esto solo me limitaba y hacía que dejara de disfrutar el conocer y crear, puedo ver de todo y agarrar lo que me gusta, no importa si no se mezclan, si no existen en el mismo plano, somos un tumulto de experiencias e intervención del ambiente, y también podemos no serlo.

Dicho lo anterior, me divierto con mis collages, me gustan, no tienen un estilo definido ni tienen una finalidad reflexiva, sin embargo esto pudiera ocurrirle a alguien. Van por lo kitsch, camp y surreal, son pedacitos de mi joven acervo, y que aunque de momento sean así, en cualquier momento pueden tomar un rumbo más crítico y serio. Invitó a la comunidad lectora a que hagan el ejercicio del collage, no hay reglas, no hay jueces, diviértanse, agarren lo que les gusta y métanlo en la licuadora de la imaginación y vuelvan a hacerlo.

¡Silencio Brunno! (Collage digital)

Salió de inmediato después de ver Luca (2021) y no poder parar de compararla con Call me by your name (2017). En la búsqueda de imágenes de libre uso encontré la obra Two Shepherds del pintor danes Christoffer Wilhelm Eckersberg, una pintura de dos hombres al aire libre con una ligera sensación homoerótica, los metí en un paisaje que combina obra de Claude Monet y una fotografía que emula la casa del mismo. Fue mi primer collage de orientación horizontal intentado darle un feeling más cinemático.

House of Maya (Collage digital)

La arquitecta Sofia Herfon tiene un video explicando el diseño de la vivienda maya en Yucatán, presentando un render maravilloso de Daniel Lucas. Aprovechando que el render ya trae un vibe medio onírico encontré una editorial magnífica fotografiada por Helmut Newton sobre moda mediterránea para Vogue en el 63 cuyas modelos sentí pertenecían a la misma esencia calurosa de la casa maya portando diseños Pucci en un oasis yucateco de fantasía. Como mencioné antes, la arquitectura es una gran fuente de inspiración para mi trabajo así como la moda, es a través de estos que podemos saber lo que está pasando en un contexto determinado, es por ello importante rescatar la importancia de la vestimenta no solo de manera utilitaria sino como un impulso humano hacia la identidad. Recomiendo que vean el video de Sofia Herfon en su canal de Youtube sobre la vivienda Maya y sigan a Daniel Lucas (@dann.lucas) para conocer más sobre su trabajo.

Sin Pestañar (Collage digital)

A veces me asusta mucho el mundo de la moda, historial terribles de modelos, escándalos de diseñadores y editores tiránicos que mantiene una industria siempre activa y vanguardista sin límites. La obra de Irving Penn me resulta fascinante como inquietante, fotografía publicitaria atrevida y peligrosa donde la modelo en nombre del arte se somete a la dirección artística ¿habrá algún límite para la belleza? El ojo enrojecido producto de horas de trabajo y brochazos fotografiado por Penn resulta fascinante, más si uno se cuestiona qué tan creativo puedes ser al intentar ser original al fotografiar pestañas, como lo hizo Steven Klein recientemente con sus pestañas larguísimas que nos vuelven a cuestionar sobre la vanidad. Al juntar ambos trabajos (Penn y Klein) ya tenía el mix que me gustaba, me hacía falta un fondo que jugará con la perspectiva del ojo (¿irónico?) así que junté fotografías que tomé de la Quinta Gameros en Chihuahua, haciendo una edificación imposible y luminosa que se logra fundir con la modelo sin distraer la atención.

Los collages tienen la seriedad que uno les otorgue. Las reglas del color y composición se quedan opcionales. Tomando trabajo de otros artistas y juntándose con otro es como surgen nuevas realidades, quedando un surtido rico de experiencias y gustos, dándole la vuelta e interviniendo siempre con un sentido de diversión. Espero se animen a hacer un collage y compartirlo (o no) y empezar a hacer su surtido rico estético. @m0uthz insta.m0uthz@gmail.com

SI ME OLVIDO DE MÍ Si me olvido de mí, quién seré cuando la esquirla penetre en mi pecho y yo, sin oponerme, sucumba ante el hado, el infortunio y de suerte ante el hastío quién cuando me desconozca y a esta vida que ha sido tan amarga quién seré cuando no sepa ni mi peso ni mi nombre ni el color de mis pestañas y caminé a tientas por la sala cuando me abrace de los barandales quién, cuando, harto de los sinsabores, del olor de las cretonas decida acordarme de este, que soy yo ahora y de la dicha que otrora anhelé.

Victor Rivera

Debajo de mi sombra no hay luz ni hay nada, ¿y cuál es su verdadera forma, si se deforma cada tanto? es la única parte mía que no me ha pertenecido nunca se me ha dado, liviana como una hoja, para no poder poseerla se hace pesada, se arraiga al suelo, sabe que se acerca la hora de su muerte, y se aferra pero de pronto nace, nace y se desprenden de mis dedos y cuelga de las ramas como capullos, y ahí, cercenada, me mira sin ojos y se sabe libre, se marcha a las siete, pero volverá mañana cuando sea una mariposa.

Librero Limpiarlo hasta quedar exhausto, hasta que el sudor y el llanto lluevan sobre la madera, lo suficiente para sentirte seco. Escoger un libro y abrirlo, la página puede ser cualquiera, pero mirarla, leerla, darle un significado. Hallar en el suplicio la paciencia, en la vorágine la calma; no la paz, porque es lo único que no se encuentra en un librero: hay majadas de animales y terraplenes; alcázares y dragones; mesetas, valles y colinas; y hay también ciudades, las hay enormes y las hay sin chiste; y hay muerte, pero también amor, y Muerte enamorada y amor después de la muerte… Pasar la franela hasta que el polvo -que todo lo cubre- se escape por la ventana.

M.I. Flores Nachón

El Séptimo Sello Un juego de ajedrez constante en el que se reta a la muerte, en busca de un sentido para la vida. La película de Bergman está empapada de simbolismos, rozando el sueño, la fantasía, lo perverso, lo macabro. Totalmente onírica y unida a la religión de formas que ni siquiera buscan ser discretas, Ingmar Bergman dirige una película con las inquietudes humanas más intensas ¿Cuál es el sentido de la vida? Ante las preguntas que nos atormentan en momentos silenciosos, él aprovecha momentos históricos en gris; la Edad Media en la que la verdad era incierta, la enfermedad era condena y la peste negra era destino. A lo largo de la película conoceremos a Antonius, quien nos permite internarnos en su mente llena de preocupaciones atemporales, con pesadillas, traumas, y de cierta forma, motivación para encontrar un por qué. Cuando veo a Antonius, veo lo que en mí, un impostor, una persona que ha logrado pero aún con las manos llenas busca el sentido de tenerlas, incredulo no solo ante su éxito pero también ante su destino. Bergman pinta a Antonius como un caballero gris -no por el carácter bicromático de la película- hasta cierto punto nihilista, entregado a una única respuesta:

Nada. 33

¿Qué tan fantástica es la película si se discuten temas tan reales como lo son las dudas existenciales y el enfrentamiento a un punto final?

El séptimo sello según la tradición bíblica, es el completo silencio. Intentar entender la película a partir de esto es el reto, pues Bergman desplaza su angustia más que en la muerte, en el silencio - de Dios probablemente. Resulta ahora más interesante tomar en cuenta el contexto de producción de la película. 1957 tras una amenaza tan grande como lo fue la Segunda Guerra Mundial, una angustia como la de Antonius estaba totalmente justificada y entendible. ¿Será que Bergman trabajó su película como una alegoría hacía lo que sucedía en su mente y en su entorno? ¿Es aplicable también al mundo actual?¿Hasta qué punto la muerte es una fantasía? Bergman le reclama a Dios por su silencio ante la desgracia y le llama absurdo a la búsqueda de sí. Al llegar los créditos finales terminamos por suspirar con un descontento en búsqueda de las preguntas de Albert Camus. Es absurdo, no importa lo que se haya hecho, cuán alto hayas subido, o cuanto hayas llenado tus manos, el final es el final. Todo termina por morir en una danza.

Arterrible.mx Josué Castillo

Soy casi egresado en Diseño industrial e ilustrador de Tijuana Mx. Donde creo y diseño con la intención de difundir mis habilidades artísticas/creativas al público en general y a la vez, seguir creciendo personalmente. La ilustración actual fue un rediseño de otra ilustración que realice hace unos años donde tiene la misma frase

“El guey que nunca vas a desbloquear” esta frase es uno de los elementos mas importantes de la ilustracion ya que lo complementa con el dibujo, dandole un significado. La idea principal era basarse en la cultura de la lucha libremexicana, en los muñecos iconicos de juguete donde tienen la pose clasica del santo y de blue demon, queria crear una colección basandome a esa idea pero con eltiempo se llego a crear solamente 2 dibujos. Donde uno hace referencia a la pose icónica del juguete y el otro dibujo dos luchadores agarrándose.

*Primera versión de la ilustración

*Segunda versión de la ilustración

Parte de la colección de Lucha Libre

El significado puede quedar abierto para el público y poner el suyo pero al principio, el significado de esta pieza era muy simple, era un tributo hacia los luchadores mexicanos, y como la lucha libre se trata de pelear físicamente contra el oponente, lo relacione con los videojuegos de pelea (tales como Mortal kombat, King of fighters, Smash bros., etc.) donde tienen personajes bloqueados debido a que tienes que completar tales retos para bloquearlos. También lo quería relacionar con las tarjetas de colección, por eso la primera versión de la pieza tiene varias capas atrás asimilando que son varias cartas. He podido escuchar algunos significados acerca de este diseño y la mayoría de veces lo relacionan a sus exes, ex amigos o a la gente irritante del internet ¿y eso por que? Porque la mayoría de la gente que relacionan a eso bloquean a ese tipo de personas y nunca las van a desbloquear.

Actualmente soy FreeLancer, si te gusta mi trabajo ¡hay que trabajar juntos! @arterrible.mx josuecastillo754@gmail.com

MACHISMO Rossanna Huerta 40

IMDb

Antes de empezar con cualquier declaración —sobre todo que me linchen por lo que voy a escribir— tengo que advertir que no soy ninguna experta en el cine ni mucho menos soy un “alguien” para dictar y acusar con el dedo en nombre del feminismo ni en nombre de la psicología, solamente es algo que he visto en varias redes sociales y creo que es necesario hablar un poco del fenómeno que ha generado la serie Euphoria. Euphoria es una serie de HBO que narra la vida de varios adolescentes en su vida cotidiana en la preparatoria, pero a diferencia de otras series que igualmente tratan varios temas del “coming of age”, Euphoria trata temas como el sexo, drogas, traumas emocionales y las redes sociales (HBO, 2019). Claro que hay temáticas en la serie que pueden llegar a ser fantasiosas ya que no es algo que asociamos a esa etapa de nuestras vidas, no obstante, algo que ha resonado bastante conmigo ha sido la introducción que nos presenta en los inicios de los capítulos para cada personaje. Hay ocasiones en que me relaciono con algunas etapas de la vida de Maddie, de Kat o incluso de Cassie, sin duda alguna es una manera compacta de darle profundidad a los personajes secundarios sin tener que crear 200 capítulos para llegar al mismo punto. Estas ventanas a la vida de los personajes nos ayudan a empatizar un poco con ellos ya que, sin esta información sentiríamos aún más odio. Aún así considero que se ha generado mucho resentimiento a un personaje en específico: Cassie.

HBO Max

No quiero ser abogado del diablo y decir que es una víctima inocente y no debe de sufrir ninguna consecuencia a sus actos, solamente hay que ver un poco más de su contexto, y en lugar de burlarnos y juzgarla, deberíamos de ver que ella es un reflejo de la vida que viven miles de mujeres. Cassie es espejo de la realidad de la crianza con un padre ausente, la necesidad del infante de sentir afecto por parte de su núcleo y del sexismo de la propia sociedad, y aún así, la humillamos por las decisiones que toma. Además, el mismo guión es un poco contradictorio considerando que se burlaban de Kat por no haber tenido relaciones aún al mismo tiempo que juzgan a Cassie por ser sexualmente activa. A lo largo de la segunda temporada seguimos cercanamente la historia de Cassie, sabemos que la mayoría de las relaciones a lo largo de su vida con los hombres han sido complicadas ya que la han sexualizado desde temprana edad. A lo mejor estoy sobrepensando las cosas pero tan solo imagínense lo que se ha de sentir que la única razón por las que cualquier hombre te muestra interés es por que eres sexualmente atractiva… a temprana edad, puedes incluso asociar esa situación como amor, y bueno, ya sabemos por dónde puede acabar eso. Hay un diálogo que puede definir en pocas palabras:

“Cualquier hombre qué dice estar interesado en ti [Cassie], más allá de tener relaciones contigo, está lleno de mierda.”

Recordemos que la etapa de la adolescencia en la que está pasando no es sencilla. Todos hemos pasado por insatisfacciones, molestias, humillaciones como para decir que es culpa de Cassie por no ser perfecta. Ignoramos a un abusador (emocional y físico) que está tomando ventaja de la debilidad emocional que presenta su víctima. Deseamos ver la pelea que se avecina entre ella y su ahora ex-mejor amiga solo para verla sufrir a manos de otra mujer, junto con comentarios “el enemigo de una mujer siempre es otra mujer”.

Yo considero que la serie es un gran ejemplo de misoginia, hipersexualización, masculinidad tóxica y más, pero lo más importante, es que muestra lo hipócritas que podemos ser al está sacando la misoginia internalizada que todos tenemos y que ni siquiera nos damos cuenta. Estaría mintiendo si dijera que no me veo reflejada en Cassie, no en cada detalle de su vida pero sí en varias instancias. He aprendido gracias a momentos incómodos, peleas, mucho tiempo en terapia y al tener gente que solo quiere verme feliz. Muchas veces olvidamos que aunque sea una ficción lo que hay detrás de la pantalla, también puede ser la historia de una persona.

¿Dónde verlo?: HBO Max Temporadas: 2 Capítulos: 18 Creado: Sam Levinson

Referencias: Anya Formozova. [The Take] (5 de abril 2022) Euphoria's Cassie - Why Women Like Her Are Still Judged [video]. Youtube

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