Catártica : Julio '22 by Catártica Revista

Julio 2022

Vol. 7

Grobet, L. Lucha Libre, (1980-2018) [Serie Fotográfica] https://lourdesgrobet.com/accion/

Grobet

M.I. Flores Nachón Un pinche Perro

Antonio Zamudio Espacio Negativo

Nereida Dusten Todos los Fuegos

Fernando Salas El Samsara Infernal

Ernesto Ocaña Glosario: Naturaleza Muerta

Emma Patricia Zamudio Salas Presentes, Continuos, Pasados

M.I. Flores Nachón

No todo es... cuadrado Rossanna Huerta Romero

Grobet, L. Lucha Libre, (1980-2018) [Serie Fotográfica] https://lourdesgrobet.com/accion/

M.I. Flores Nachón

GROBET El pasado 15 de julio falleció la fotógrafa Lourdes Grobet.

Nacida en Ciudad de México en 1940, se incursionó en las Artes Plásticas estudiándolas en la Universidad Iberoamericana, para posteriormente centrarse en la fotografía tras estudiarla en Cardiff College of Arts. Mencionó en algún momento la innegable presencia de sus influencias e inspiraciones quienes fueron Katy Horna, Mathias Goeritz y El Santo. Su obra se destaca por el retrato de escenas de Lucha Libre, además de los protagonistas enmascarados en la vida diaria. Las razones detrás de su curiosidad y su obra, se esconden en el origen de su niñez, al haberle sido prohibido el asistir a la lucha libre - puesto que no eran ambientes para señoritas. La fotografía deportiva, si bien era una práctica constante en el fotoperiodismo, no se habría tomado en cuenta como producción artística, y mucho menos la específica de Lucha Libre. El trabajo de Grobet, retrata la narrativa intensa en un enfrentamiento, además de tratarse de eventos sociales que marcaron a la sociedad mexicana. Recordando que, los mayores héroes, han sido los enmascarados, Grobet les permitió ser humanos con su series fotografícas debajo del ring.

“Lourdes Grobet ha emprendido su viaje galáctico más allá del estrecho de Bering. Con el espíritu libre, divertido y pleno que siempre la caracterizó y de la mano de su siempre acompañante vampiro de la guarda” Fragmento del comunicado realizado por sus hijos.

PINCHE PERRO Antonio Zamudio 5

Hay un perro de la calle que me saca de onda. En general me caen mal los perros, pero éste sí que me saca de onda. Llega siempre a eso de la media noche y se sienta afuera de la puerta de mi casa para aullar durante un buen rato. Dicen que cuando los animales nos visitan así, diariamente y a determinada hora, es porque quieren decirnos algo. Recuerdo que durante un tiempo una lagartija llegaba puntual a mi ventana, a eso del mediodía, me agradaba porque no hacía ruido, nunca supe qué quería decirme (tal vez que me ejercitara, porque se ponía a hacer lagartijas) y de pronto dejó de venir. En cambio, este perro lleva casi dos meses interrumpiendo mi sueño y dándome escalofríos. Así que se me ocurrió una idea: salir a preguntarle qué rayos quiere. Obvio no, voy a poner un aparato que lo espante, sí, puedo hacer una cosa que emita un sonido con frecuencia muy alta, inaudible para mí, pero que segurito él sí escucha y a ver si me va dejando en paz. Me puse manos a la obra, logré diseñar el espantaperros. Lo probé de día y funcionó, al menos con el pug de la chica con pijama de jirafa que siempre lo saca a defecar en mi banqueta. Me sentí satisfecho y esa noche estaba preparado para dormir sin ningún percance. Pero ahí estaba puntual el pinche perro, sólo que ahora aullaba más fuerte, claro, lo estaba lastimando el aparato y el muy idiota, en vez de irse, se ponía a quejarse más y más. Fui a apagarlo y le bajé un poco, pero apenas regresé a mi cama volvió a su escándalo. ¿Qué carajos quiere ese perro? Si mañana vuelve, ahora sí lo voy a enfrentar, ya me tiene harto el… ¿qué está pasando? ¡No mames! Hay un humano casero que me saca de onda. En general son desagradables, los callejeros no dudan en compartir su comida, pero los caseros se pasan. A veces unos intentan abalanzarse sobre mí para acariciarme, luego otros les dicen a ellos que no, porque estoy sucio, como si ellos fueran muy limpios, como si no los pudiera oler. Pero éste en específico me saca más de onda. Casi siempre sale a espantarme, no me deja hacer mis necesidades afuera. Como si no le bastara con su madriguera, también quiere controlar lo que pasa afuera de ella. No fuera ese pinche pug deforme porque ahí sí no le dice nada, ¿no? de seguro le tiene miedo a la señora esa con ropa de manchas, o tal vez le gusta, quién sabe, los humanos son muy raros. Lo que más me aterra de ese sujeto es que me resulta muy familiar. A veces sueño que soy él y me despierto muy alterado. Quisiera irme, pero mi curiosidad es más fuerte. Tengo que averiguar por qué me resulta tan familiar. ¡Claro! pero no, no puede ser ¿o sí? Sí, tiene que ser, había oído hablar de eso pero… no, me niego a aceptarlo… pero me acuerdo, sí, me acuerdo del mugroso pug y su dueña… ¿Entonces? ¿Será posible?

Me lleva, ahora lo entiendo todo. Ese cabrón soy yo, sí, es eso. Entonces yo… reencarné y soy este perro… chale. Me gustaba más ser humano, podía refugiarme en esa pocilga y aislarme de todos… pero… tal vez lo puedo evitar, sí, claro que puedo, tengo que advertirle, tengo que evitar que esté en su cama ese día, ¿pero qué día era? ni idea, debe ser pronto, por lo que está pasando… recuerdo que fue cerca de la media noche. Tengo que ir a sonsacarlo, sí, debo ladrar muy fuerte, aullar muy fuerte, para que salga a ahuyentarme como siempre, y así pueda salvarse y no tener que andar como perro después… digo, ya anda como perro, pero puede conservar su forma humana. El muy cabrón puso un aparato para lastimarme con sonido, ya se me había olvidado, pero no puedo irme, va a ser hoy, tengo que resistir, ser más fuerte que nunca, es mi última oportunidad. ¡Ah! cómo duele ¡Mis oídos! siento que…. no vale la pena… no, sí lo vale… ¡Aaayy! tú puedes, tú puedes. Todos mis pelos están erizados, mi corazón… no pasa nada, no pasa nada… ¡Ah! por fin lo apagó, tarado. Pero ¿por qué no sale? ¡Idiota! ¡Intento ayudarte! ¡Ven! ¡Cállame! ¡Rápido! Maldita sea, el temblor volvió a derribar su casa y se murió. Va a reencarnar en mí. Bueno, lección aprendida, no me vuelvo a portar así, sólo espero que sea la última vez. Han pasado ya varios meses. Definitivamente me siento mejor sin su existencia, todo es más tranquilo y… ahí viene ese pinche pug con su dueña odiosa. Vamos a corretearlo y darle un buen susto, igual y se infarta y deja de marcar su territorio en el mío. Órale pinche perrito, corre, huye, mueve tus patitas te voy a… ¡Ah, no mames!

¡Ay! qué bueno, agh, agh, agh, que por fin, agh, agh, atropellaron a ese, agh, agh, mugre perro, agh, agh, si me seguía correteando así, agh, agh, me iba a acabar infartando, agh, agh, agh, no entiendo por qué, agh, agh, mi dueña se espantó, agh, agh, agh, tanto, agh, agh, hasta intentó, agh, agh, agh, salvarlo, agh, agh, es buena cánida, agh, agh, no como los, agh, perros, agh, agh, agh. Pero, agh, agh, ¿qué? agh, agh, agh, no puede ser, agh, agh, ahora lo recuerdo, agh, agh, tiene que ser, agh, agh, agh, sí, seguro fue eso, agh, ahora yo... agh, agh, y todo por... agh, agh, me odio... agh, agh, agh, chale... ¡Oh! Ahí viene, agh, agh, esa pinche, agh, agh, lagartija…

NEGATIVO

ESPACIO Nereida Dusten

Me interesa crear situaciones que lleven al espectador hacia una narrativa y un juego con los personajes. A partir del collage produzco imágenes que contrastan entre diferentes realidades y tiempos, la imagen representada es arrancada de su discurso y materia original, dando así una nueva lectura al integrarse en otras situaciones. El proceso es parte esencial de mi trabajo, el discurso comienza desde la búsqueda de personajes, el acto de arrancar, cortar y pegar es una experimentación espontánea con la que ensayo nuevas formas de explorar las fotografías encontradas. Me interesa enfatizar la deconstrucción de los personajes a lo largo del tiempo, los cortes en la ropa y rostros rasgados, vacíos o pintados aluden a la ruptura de esquemas impuestos. Las obras exploran el pasado y el presente de la sociedad desde una perspectiva personal y son un intento visual de decodificar los conflictos internos. Ellos, los personajes, dialogan desde varios puntos de vista y cada personaje tiene su propia historia.

Negative Spaces

Connections

¿Quién soy? Nereida Dusten. Hermosillo, Sonora, 1992. Egresada de la Licenciatura en Artes Plásticas por la UABC en Tijuana. Ha participado en 30 exposiciones colectivas, destacando su participación en el Museu de Arte da UFC en Brasil (2020), en el museo Te Papa Tongarewa en Nueva Zelanda (2021) y en la XXIII Bienal Plástica de Baja California (2021). Su obra ha sido publicada en editoriales mexicanas, en Bologna, Glasgow y Londres (2021). En el 2017 realizó una residencia académica en Cuenca, España y fue acreedora de la beca del Centro de Iniciativas Culturales de la UCLM para realizar proyectos de gestión cultural en Castilla La Mancha. En el 2020 realizó un Curso de Conservación preventiva para acervos museológicos en la Escola Nacional de Administração Pública en Fortaleza, Brasil y en el 2022 realiza su primera exposición individual titulada “Memorias de un presente de fragmentos” en el Centro Estatal de las Artes de Baja California. Actualmente algunas de sus piezas se exhiben en el Frankston Arts Centre en Australia, en La casa verde en Colombia, en CEART Rosarito, en Vayo Collage Gallery en New York, en START gallery en Polonia, es miembro de The International Collage Guild of Creative Artists en Londres y forma parte del grupo de artistas emergentes representado por la galería La caja en Tijuana. IG: nereidadusten

Transitory

Divergence

Fernando Salas

TODOS LOS FUEGOS

Comerse el mundo de una mordida tendría como consecuencia un empacho más grande que el del primer hombre que descubrió el corte New York y se comió dos por si era casualidad que sabía tan bien. Por eso hay que ir de a poco. Nuestra vida se repite todos los días, para nuestra fortuna, aburrimiento o desgracia. Caminamos los mismos pasos una y otra vez. Debería haber más cartografía humana. Quizá haya gente por ahí trazando fractales en las calles, o escribiendo mensajes, palabras que no dejan de pensar y creen tener solo en la mente. Un mapa de calor también sería interesante, y sería una buena forma de entender por qué nos sentimos tan cansados a cierta hora. Vivir es, sin duda, puro gasto. De energía, al menos, y en esta economía, un derroche. Pero eso es otro tema. Quizá no nos movemos en círculos, es cierto. Quizá las ciudades nos han llevado a andar en curvas o cortando esquinas o mentando la madre en los semáforos. Pero metafóricamente es así. Somos lo mismo ayer y hoy y somos algo distinto. Somos el lápiz con el que una mano hábil traza un círculo perfecto. Somos, al mismo tiempo, un mal trazo, un dibujo en los márgenes de una página, la punta rota del lápiz, la desesperada búsqueda de un sacapuntas comprado en la papelería dos días atrás y ahora imposible de encontrar, perdido más allá de la teoría de cuerdas.

Lo lineal y lo cíclico son una misma cosa. De cerca no parece que la Tierra sea redonda, pero lo es. Desde el presente parece que cada día es una oportunidad única, irrepetible, no hay vuelta atrás, el tiempo corre, la gente está aquí y mañana ya no. Pero el tiempo es una idea que nos inventamos para poder encontrarnos todos en el mismo lugar y tener una buena razón al despedirse. La vida sí se repite, pero de tan cerca no es fácil verlo. Por eso la gente que sabe de historia sabe que las cosas pasan una y otra vez, por eso hay estrategias para una guerra, por eso las parábolas de Jesús nos hacen sentido desde hace miles de años. El Rey Salomón lo resumió diciendo: vanidad de vanidades, todo es vanidad y no hay nada nuevo bajo el sol. Es para reírse, no para asustarse. No hay trenes que se van ni amores que no vuelven. Existe la muerte, eso sí, quizá. Existen los finales y las demoliciones y sí, la materia no se crea ni se destruye sólo se transforma, pero un pastel recién horneado que se queda dos semanas en el refrigerador porque nadie lo ve ciertamente no es lo mismo. Será lo mismo pero no es lo mismo. El punto es que en un mundo más o menos razonable, más o menos entendible, los cambios son resultados de decisiones (u omisiones, como esconder el pastel hasta de uno mismo) que toman tiempo, pensando en el provecho de alguien, desde la ambición, el miedo, el amor, la solidaridad. Quién sabe. El punto es que todo eso que parece una línea (y parece una línea estando hecha de puntos), es un círculo (que parece hecha de líneas y está hecha de puntos).

EL SAMSARA INFERNAL CINE EN DOS DIMENSIONES: Los trabajos absurdos de Tatsuki Fujimoto Ernesto Ocaña 15

Egregor es un término de origen griego, que se refiere a una entidad que se forma a partir del pensamiento colectivo de un grupo de personas. Esta forma de pensamiento adquiere presencia física, cognición e incluso poderes mediante la energía psíquica de las personas que lo manifiestan en pensamientos. Uno de los ejemplos más famosos en ficción son los dioses de la novela American Gods de Neil Gaiman, dónde tanto las deidades viejas como Anubis u Odín o los nuevos dioses como la Globalización y la Cultura Pop deben sus poderes y existencia al pensamiento colectivo de la sociedad. Es un toque sobrenatural yuxtapuesto a una idea que siempre ha existido, que los seres humanos somos los arquitectos involuntarios de nuestros propios dioses y amos, y con ello también de nuestros propios demonios. Al igual que la gran mayoría de manga japonés, Chainsaw Man de Tatsuki Fujimoto se centra en la vida de un adolescente. En un mundo donde los miedos colectivos dan origen a demonios corpóreos cuyo primer instinto es matar, Denji se dedica a ser cazador de demonios independiente. A diferencia de muchos otros productos culturales japoneses, Chainsaw Man peca de sinceridad, se fortalece de vulgaridad e irradia estilo. Denji no es un cazador de demonios por la convicción de ser el mejor o el más fuerte, por defender a sus amigos o a los menos afortunados, por buscar venganza o incluso el amor a la violencia.

Su padre se suicidó dejando un gran adeudo ante la mafia sobre los hombros de Denji. “Niño, no me importa si mendigas o te prefieres prostituir, ten el dinero listo mañana” es la oración que lo impulsa a arriesgar su vida matando demonios para sobrevivir. A los dieciséis años Denji es un huérfano desnutrido que nunca ha ido a la escuela, ya ha vendido un riñón, un ojo e incluso un testículo con tal de conseguir dinero para comer y sobrevivir. Su mascota y mejor amigo es paradójicamente el mismísimo demonio de las motosierras, o como Denji lo llama, Pochita a secas. La primera meta de Denji es vivir cómodamente, comer cosas deliciosas y dormir en una cama cómoda el resto de sus días, una vez que consigue una semblanza de estabilidad su segunda meta más noble es tocar los senos de una chica y a lo mejor un beso francés. Denji es un niño que nunca ha sido socializado, es apenas una aproximación de un ser humano, huraño, apático y vulgar, acostumbrado a la violencia y áspero con la gente, pero sobre todo inocente y fácilmente manipulable. Ésta no es la historia de un joven generoso y valiente cuyas convicciones logran cambiar al mundo; es la historia de un chico marginado que poco a poco aprende a ser humano, a formar lazos y entender cómo se supone que funciona la felicidad. Es una historia fantasiosa, trágica y extravagante. Está dotada de una vulgaridad absurdamente elegante, su sensualidad nunca es gratuita, y la intimidad entre los personajes

nunca se reduce a un espectáculo erótico, hay pasión humana palpable detrás de cada contacto. A fin de cuentas, los cuerpos de los personajes no están al servicio de la mirada del espectador, como en la gran mayoría del manga japonés y comics occidentales; sino a la realidad íntima y las necesidades afectivas de los mismos personajes y sus arcos argumentales. El mundo de Chainsaw Man es a la vez tremendamente interesante –los miedos de las personas dan lugar a demonios que engloban conceptos humanos, entre mayor el miedo colectivo más poderoso es el demonio correspondiente– y es también grotescamente violento. El demonio de los tomates puede ser un monstruo cualquiera, deforme y hostil, a la vez el demonio de las pistolas es una catástrofe vuelta carne, pólvora y hueso, capaz de ejecutar a 1.2 millones de personas en un periodo de 10 minutos, tan sólo con existir. Las peleas no son sólo espectáculos de acción, las múltiples escenas de muerte son resultado inherente del odio o la injusticia, del rencor, la ambición o la motivación por sobrevivir; en ocasiones como en la vida real simplemente son absurdas, no tienen explicación satisfactoria. Estos egregores y su naturaleza violenta simbolizan mediante una mitología esotérica, de manera casi perfecta, las crueles incongruencias del mundo real. En este mundo los demonios pasan por ciclos de reencarnación, cuando mueren, renacen sin recuerdos en el infierno y cuando mueren en el infierno, renacen de igual manera en el mundo humano ad infinitum. Es un ciclo que recuerda a las momentáneas victorias, desgracias, afectos, pérdidas, logros y derrotas por las que pasa Denji en el camino a su nirvana particular; el adquirir humanidad propia, y volverse un chico de verdad.

Uno de los últimos trabajos de Fujimoto es un pequeño manga de tan sólo 200 páginas, compuesto por un solo capítulo y sin hacer demasiado esfuerzo aparente, singularmente especial. Es increíble lo bien que captura la esencia del cine, las peculiaridades de una historia que se cuenta en dos horas o menos y que crean distancia con la mayoría de las demás narrativas que suelen ser de forma larga; como las novelas, los videojuegos, las historietas o las series. Otorgado de un atractivo lleno de identidad, es fácil de leer, es irreverente, excéntrico y divertido y tan sincero y humano como yo quisiera ser. No es sólo una historieta con referentes en el cine, es cinematografía en dos dimensiones.

Consiste en la historia de un chico llamado Yuta y su encuentro con Eri, y la manera que aprende –o según la interpretación, será que no aprende quizá– a lidiar con la pérdida, la nostalgia y el ciclo de su propia creatividad. Aunque en una primera lectura está lleno de giros en la trama y revelaciones repentinas, una segunda lectura con más atención revela una historia mucho más simple y melancólica, pero con una resolución mucho más poderosa. Goodbye Eri es una historia que recompensa el visitarla de nuevo, lo mismo que caracteriza al buen cine según lo describe la gente insoportable. Es metaficción, es un comentario social, es un vestigio de humanidad, es narrativa bien escrita, pero en especial es un rato agradable y una sensación que persiste, tierna, contigo.

Tatsuki Fujimoto Genuinamente considero que Tatsuki Fujimoto es uno de los mejores autores de nuestro tiempo. No sólo de manga sino de ficción en general. Y también creo que es un artista visual en toda regla. Sus trabajos están llenos de imperfecta humanidad que revelan una mirada empática ante el mundo. En este texto no pude hablar a profundidad de sus fortalezas estéticas, pero es importante el notar que, a pesar de la simpleza de su estilo que referencia al bosquejo o borrador; la sinceridad de su trabajo se refleja incluso en su arte, sus esbozos adquieren eficacia por serlo. Sus paneles tienen una cualidad de movimiento, una especie de desplazamiento estático que simula animación vívida dónde sólo hay tonos de gris. Tiene montones de referentes gráficos y una gran creatividad para crear ilustraciones únicas y perdurables. Las quimeras que habitan en sus páginas son siempre peculiares e imaginativas, como son palpables los instantes íntimos entre sus distintos personajes, absurda la realidad que lo inspira y singular la estética que lo embrujó al nacer.

GLOSARIO

NATURALEZA MUERTA Bodegón con tazón de vidrio de frutas y jarrones (63-79 d.C) fragmento de fresco,Pompeya.

Emma Patricia Zamudio Salas

tema

Totoya Hokkei (1823) Still life with Primula in Flower.

Como se usa para nombrar a las representaciones de objetos de la naturaleza, cualquier tipo plantas, animales e insectos (vivos y muertos), ubicados en entornos producidos por el ser humano. La imagen puede provenir de cualquier espacio, tiempo, cultura recibiendo su correspondiente interpretación y función.

Alrededor de los siglos XVI y XVII en Europa se volvió un tema muy recurrente al grado de conformarse como un de la pintura que engloba a las producciones europeas y de influencia occidental.

género

Weidong Wang (2000) Naturaleza muerta con copa y vasija de bronce.

Caravaggio (1596) Cesto con frutas.

Brueghel, Jan (I) (1602) Naturaleza muerta con flores en jarrón.

Zurbarán, Francisco De. (c.a.1650) Bodegón con cacharros.

Soutine, Chaim (1926) Buey desollado o buey en canal.

género

Como la Naturaleza Muerta busca hablar sobre la finitud de la vida. Cuando toma una postura moral / religiosa entra en el subgénero "Vanitas" estas piezas suelen mostrar estudios con libros (la Biblia y similares), objetos de lujosos producidos por el ser humano, plumas, flores secándose, bocadillos, insectos, en ocasiones algún cráneo. Todo con la finalidad de advertir sobre las vanidades del mundo. Valdés Leal, Juan de (1670-1672) In Ictu Oculi.

Claesz, Pieter (1628) Vanitas Still Life with the Spinario.

Arrieta, José Agustín (c.a. 1860) Bodegón conejo.

Otro subgénero de la Naturaleza Muerta que existe en el idioma español es el "Bodegón" que se centra en imágenes de cocinas y comedores con diversas clases de alimentos en óptimo estado para el consumo y también a punto de echarse a perder.

Peeters, Clara (c.a. 1615) Bodegón con queso, pan y utensilios para beber.

Utrecht, Adrian van (1644) Banquete naturaleza muerta.

Wagner, Catherine. (1983-1987) Notre Dame des Victoires School, 6th Grade Classroom, "Observing Skin's Protective Role"

Actualmente la Naturaleza muerta no necesariamente se limita a un lienzo o a la segunda dimensión. Los artistas siguen y probablemente seguirán produciendo Naturalezas muertas con o sin intención, como lo han estado haciendo de manera cíclica lo largo de la historia de la humanidad.

Mariana Burinov (2022) “Sin título / instalación de la exposición Fantoche”.

Villar Rojas, Adrian, (2015 - ) Untitled VI, VII, VIII de la serie Rinascimento.

Dou, Oleg (2017) Now I know.

Para saber más: My Modern MET en Español, Sienra, R. (31 de mayo de 2018) Descubre cómo los artistas mantuvieron con vida la naturaleza muerta a lo largo de los siglos. https://mymodernmet.com/es/definicionnaturaleza-muerta/ TATE (s/f) Art term, Still life. https://www.tate.org.uk/art/art-terms/s/still-life

Graham, D. Present, Continuous, Past(s), (1974) [Documentación fotográfica]

PRESENTES, CONTINUOS, PASADOS M.I. Flores Nachón Hemos tenido que limpiar la casa, sacar cosas de cuando era niña. Un caballo hecho de palo y trapo, un castillo de plástico, una barbie despeinada y unas zapatillas de hule, brillantes y olorosas. Hemos tenido que despedirnos de las cosas del pasado, uno que continuaba guardado entre puertas de madera. Pasados que no estorbaban a mi presente ni a mi futuro, pero que permanecían continuos. Hemos tenido que entender que la vida es un ciclo, uno dentro de otro, constante, repetitivo y escondido. Me lo preguntó mi mamá y se lo expliqué. Me lo pregunté yo y me lo expliqué.

Me duele, pero las cosas que fueron ya no son. Aunque tal vez, puedan serlo en un plano existencial distinto al mío. Tal vez lo seguirán siendo en las páginas del álbum que se esconden detrás de otras puertas de madera. Otras puertas determinadas, para otros pasados designados La vida se trata de conceptos circulares sin radios exactos, el intento de ser redondo alargándose y acortándose en tramos, como el contorno de un pantano. No se han conseguido círculos perfectos en las vidas de la tierra, o por lo menos lo dudo mucho. Los pasados se atropellan con los presentes que se convertirán en los pasados del futuro, porque no nos ha dado tiempo de caminar lo suficientemente a prisa. Así mi interpretación de la obra de Dan Graham en 1974, Present Continuous Past(s). En un cuarto en el que dos de sus paredes son espejos, la tercera pared contiene una cámara que videograba lo que sucede en tiempo presente para reproducirlo en un monitor en la cuarta pared, con un ligero retraso de 8 segundos.

El título, generador de un juego de palabras con los tiempos verbales del inglés, permite el dibujo de un círculo imperfecto, como las orillas de los mares, interminables y conectables. Dan Graham juega con la existencia de un tiempo atemporal, eterno y efímero en contraste. Lo que suceda en los espejos será momentáneo hasta que se reproduzca en el monitor, creando un ciclo de tiempos continuos. La obra existe porque el cuerpo existe, y el tiempo existe. Sin las dimensiones, los planos y los cuerpos, no hay más. Nosotros somos parte fundamental de la obra, pues sin nosotros, los tiempos no cambian. Pasan, existen, pero son imperceptibles. La continuidad de un pasado que funciona igual que un presente y que es exactamente igual al futuro, aplicando al arte, la ley de la Inercia de Newton. El tiempo presente continuará siendo un presente futuro o un presente pasado, hasta que nuestro cuerpo decida interrumpir su curso. Interrumpí el curso de mi pasado, que estaba siendo presente e iba a ser futuro, escondido detrás de unas puertas de madera. Lo curioso aquí es que tal vez el ciclo continúe, con una curva muy abierta que lleve hacia algún otro muelle, en el mismo lago pero muy lejano al mío. Tal vez mi caballo hecho de palo y trapo sea el futuro de alguien más, con otro cabello chino, con otra sonrisa, con otras manitas. Que mis chanclitas brillosas de hule sean los primeros tacones en los piecitos de alguien más, hasta que decidan interrumpir sus presentes con más futuros, hasta que el ciclo de los presentes continuos pasados se termine, se alargue, se extienda.

Graham, D. Present, Continuous, Past(s), (1974) [Documentación fotográfca]

Rossanna Huerta

No todo es… cuadrado

Es normal que estructuremos el pensamiento de una manera “cuadrada”, al final del día, eso es lo que nos ha permitido catalogar todos los fenómenos que observamos en el universo. Es por esa razón que no es tan fácil para muchos de nosotros pensar que el arte puede ser multidisciplinario. He llegado a escuchar que si algo es “X” no puede ser “Y”. Entiendo que este tipo de pensamiento binario ha logrado la catalogación y el entendimiento pero ya hemos llegado a un punto del desarrollo humano en donde es necesario ampliar nuestra mente hacia los rizomas. Un rizoma no se define, ya que lo que busca este mismo no es definir en binarismo, solamente es crear un concepto que pueda aplicarse en distintas circunstancias. Por este motivo me ha gustado mucho el estudiar el trabajo de Sonia Delaunay. Ella es una artista que eliminó los límites que había en el arte justo en la era de las vanguardias. A comparación de otros artistas que igualmente incursionaron en otros medios sin que tuvieran alguna función utilitaria para el espectador, Delaunay fue pionera al querer que el arte se pudiera fusionar con el diseño y la moda. A lo mejor en nuestro momento actual puedas pensar que es algo normal, que ha habido varias colaboraciones entre casas de moda y artistas contemporáneos, pero no siempre fue así: No pueden juzgar momentos del pasado con paradigmas actuales.

Para entender mejor la forma en como Delaunay desarrolló su estilo y técnica será necesario regresar un poco y conocer su desarrollo de vida. Nace en Ucrania y a edad temprana la envían a San Petersburgo junto con sus tíos que le darán la educación cosmopolita y la introducirán al mundo artístico. Se muda a Alemania y estudia en Karlsruhe, de ahí se traslada a París, donde se introduce en las vanguardias. Se puede notar en sus obras que hay un gran interés por el color así como Henri Matisse y Paul Gaugin, pero igualmente destaca en el cubismo por sus influencias con Braque y Picasso. No obstante, la Primera Guerra Mundial empieza y huye a la Península Ibérica, y aunque en un inicio pudo vivir sin complicaciones, le retiran su apoyo económico, por lo que decide dedicarse al arte pero con un giro un poco más utilitario para que la venta fuera más sencilla.

Delaunay, Prismes Électriques (1914), [Óleo sobre lienzo]

A partir de ese momento se dedica a darle un nuevo giro a su forma de producir. En lugar de apegarse solamente al lienzo como base de la expresión artística decidió acercarse a sus raíces judías y ucranianas al utilizar técnicas como el patchwork como medio. Delaunay nos propone ir más allá en el arte cubista, empujándolo hacia una abstracción más radical y a medios que los artistas varones no se atrevían a tocar (López, 2022). Delaunay representó un papel fundamental en el desarrollo del simultaneísmo, corriente que supo expresar tanto en la pintura como en el campo del diseño de moda, tejidos y libros, entre otros —algunas fuentes aseguran que se dedicó en algún momento al diseño para autos— (Museo Thyssen-Bornemisza).

“Para mí no hay distinción entre mi pintura y lo que se ha llamado mi trabajo decorativo. Nunca he considerado las artes menores artísticamente frustrantes; al contrario, eran una extensión de mi arte” Entrevista a Delauney para su exposición retrospectiva en el Louvre. (López, 2022) A lo mejor piensan que no es extraordinario lo que logró Delaunay, pero si remontamos al pasado veremos que fue una artista que rompió con diversos paradigmas en diferentes ámbitos. En primera instancia algo que la hace destacar como artista, a mi parecer, es su forma de abordar lo utilitario. Muchos artistas como Picasso, Boccioni o Kandisky experimentaron con nuevos medios, nuevas técnicas y nuevos materiales; no voy a demeritar sus logros ya que se alejaron del lienzo —el cúal era su propósito—. No obstante, no se atreven a acercarse a las artes decorativas o a medios que pueden ser considerados como menos importantes —como es el bordado, la tela, la ilustración, etc.—. Delaunay se salta las concepciones que se tiene de arte elitista y arte popular, llega a unir un poco de todo y logra destacar como artista. No olvidemos su nombre y, sobretodo, no olvidemos su legado López, I. (2022) Sonia delaunay: la pionera ucraniana que diseñó la ropa y las casas de la aristocracia española. Vanity Fair, Conde Nast. https://www.revistavanityfair.es/articulos/sonia-delaunay-artista-pionera-ucrania-aristocracia-espanola Museo Thyssen-Bornemisza (s.f.) Sonia Delaunay. https://artishockrevista.com/2017/07/04/sonia-delaunay-arte-diseno-moda/

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