Catártica : Junio'22 by Catártica Revista

En portada: Haring, K.,(c.1988), Sin título

Haring, K. (1988) Man of Hearts.

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Keith Haring AGC

Contar mediante cuadros Valentina Sepulveda.

Glosario: Camp Emma Zamudio Salas

La desdicha Victor Rivera

Virtud de Normalidad y laenfermedad del Alma M.I. Flores Nachón La casa del hombre que domina la soledad

Bruno Sánchez Arte, fascismo y la exasperante gentileza de la cotideanidad

Ernesto Ocaña

15 21

Ping Body, el títere de Sterlac Rossana Huerta

A.G.C. Líneas, colores vivos, perros, corazones, personajes moviéndose y expresando un sin fin de emociones, son características que hacen a la obra de Keith Haring (1958 – 1990) mundialmente reconocible. Gracias a su destacable trayectoria, este mes en Catártica revista quisimos hacer un pequeño homenaje al incluir nuestro logo dentro de una de sus piezas, jugando con las líneas y colores que solía usar. Haring comenzó su carrera a través del graffiti, pues al inspirarse de artistas como Christo (1935 - 2020) y Jeanne-Claude (1935 - 2009), quienes basaban su trabajo en el arte libre y público, animan a Haring a pintar por cada rincón de Nueva York, donde con tizas, aerosoles y pintura acrílica desarrolla el estilo y las figuras por las que es tan conocido. Por su afinidad al arte callejero, es que actualmente se tienen más registros fotográficos de sus murales que de las piezas reales, aunque dentro de su repertorio también podemos encontrar esculturas, posters y litografías.

Su obra, clasificada dentro del pop art e inspirada por la música, los cómics y la moda del momento, refleja con certeza el ambiente de los 80s, donde también se encontraban desarrollando obras artistas como Andy Warhol, Basquiat y Futura 2000. Así mismo, parte importante de su trabajo se centraba en la concientización de varios temas políticamente relevantes del momento, como lo fue el SIDA, que lo podemos ver en la obra Ignorance = Fear. Silence = Death (1989), la discriminación como en el poster Free South África (1985) que distribuyo en las calles de Nueva York durante 1986, y las armas nucleares con el poster Antinuclear Rally (1982) que expone el desacuerdo a la producción de armas nucleares y presenta un bebe rodeado de líneas dentro de una nube en forma de hongo que aluden a la radioactividad y pretenden hacer una reflexión de las repercusiones a futuro. También, como podemos ver en la portada, tuvo una serie donde los corazones y el color rojo fueron protagonistas. Con la temática del amor, Keith Haring quería recordar al espectador que el amor puede venir de cualquier parte, mensaje que es precisamente importante en este mes del orgullo.

Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. (2004), Biografía de Keith Haring, La enciclopedia biográfica en línea, Barcelona, España.

¿Qué normal es lo normal? Valentina Sepúlveda (Vveldass) Fotografía Digital 2021

Yellow Mellow Summer Valentina Sepúlveda (Vveldass) Fotografía Digital 2021

Amour Plastique Valentina Sepúlveda (Vveldass) Fotografía Digital 2021

Desde que tengo memoria he sido atraída a todo lo que tenga que ver con el arte. Es mi medio de expresión más cálido y mi manera de inmortalizar mi existencia y mi alrededor. Mi principal herramienta es la cámara pero exploro diferentes técnicas dentro de mis obras y mis procesos creativos. Mi obras no las veo como una imagen plasmada en alguna pared o pantalla, mis obras son el producto de todo: empieza desde que la idea se planta en mi cabeza, a la ejecución y hasta la exhibición; ya que donde las ideas fluyen y las emociones se intercalan es durante el intercambio de ideas pre y post a las obras. Me gusta que mis obras están cargadas de nostalgia y sumergen al espectador en alguna vivencia que parezca propia aunque no lo sea.

Dentro de mi trabajo y a lo largo de mi corta trayectoria, he logrado adentrarme en temáticas sociales y personales. Los temas que he abordado están muy ligados con mi vivencia e imaginación. Toco cuestiones de género, mi experiencia siendo mujer, tema que se puede encontrar en mi colección “8M” También temas como depresión, aislamiento, soledad (“Mente Derretida & Atrapada''). Juego mucho con la narrativa de las imágenes, creando historias reflejando un poco mi percepción del mundo y en sintonía, creando nuevos, esto se puede ver en colecciones como “El Diario de Beatriz”, colección que sigue la historia de Beatriz y Ruth, una par de mujeres que tuvieron la desdicha de toparse con el mismo hombre. La historia es narrada por Beatriz a través de su diario personal. Dentro de esta historia quería tocar tópicos tétricos y sádicos relacionados con la femme fatale y la furia de la mujer. También el uso de narrativas se puede encontrar dentro de mi colección “Vivian & Violet”, obras basadas en un cuento corto que escribí, analizando tópicos como la muerte y la resistencia de ser quien eres. “People Are Strange” y “¿Qué normal es lo normal?” exploran los preceptos sociales del bien y el mal, a través de la psique de cada individuo y la representación gráfica de lo que vemos como locura.

El diario de Beatriz Valentina Sepúlveda (Vveldass) Fotografía Digital 2021

En mis más recientes obras, he jugado con la fotografía documental para plasmar mis vivencias y mi identidad, mediante distintos elementos y personas a mi alrededor, basándome también en literatura, poesía y escritos propios y experimentando más con esta intervención híbrida. La fotografía para mi siempre será ese ente mágico que nos permite parar el tiempo, revivirlo e intervenirlo, nos invita a recordar y así también crear nuestras propias narrativas. El tiempo es una cosa muy peculiar y enigmática, y el poco control que tenemos sobre este nos lo proporciona la fotografía y sus derivados. Es algo muy trascendental esto que hacemos, inmortalizar, capturar, contar mediante cuadros de la vida, muy mágico si me preguntan a mi. Heartbreak Hotel Valentina Sepúlveda (Vveldass) Fotografía Digital 2022

Valentina Sepúlveda (Vveldass) es una fotógrafa y artista visual de 21 años nacida en La Paz, B.C.S. Ha vivido la mayor parte de su vida entre Tijuana y San Diego CA, donde actualmente reside. Es estudiante de Artes Plásticas en la Universidad Autónoma de Baja California. Ha trabajado como fotógrafa de piso en New Icon Model Management, también como content creator en la revista Afinidades Mag, y fotógrafa freelance. Ha realizado colecciones como “8M”, "People are Strange", "Mente Derretida" y "¿Qué normal es lo normal?, "El Diario de Beatriz", etc. Sus obras han sido presentadas en plataformas como @feminist, @fotografaslatam, entre otras. Su trabajo ha sido exhibido en la muestra “Declaraciones Cuerpo” del Centro de la Imagen y en la exhibición presencial “Corporalidadex” en el Centro Estatal de las Artes Tijuana. Su fotografía es caracterizada por lo surreal y cotidiano, con toques nostálgicos que definen su esencia. Sus técnicas son una fusión de lo digital, lo análogo y lo híbrido.

www.vveldass.com vveldass2@gmail.com @vveldass

Del Rocio Valentina Sepúlveda (Vveldass) Fotografía Digital 2022

Emma Zamudio

CA MP glosario:

Origen

CAMP como palabra tiene diversos orígenes; en inglés aparece como jerga para referirse a personas homosexuales, en francés “camper” se refiere a posar o seducir. En conjunto por varios siglos se ha ido construyendo como una noción perteneciente a la contracultura occidental no heteronormada. Lo CAMP aparece frente a la academia y alta cultura en 1964 debido al ensayo “Notas sobre lo Camp” de Susan Sontag. [Imagen 1.]

¿Dónde se expresa lo CAMP?

Lo CAMP se encuentra en el cine, la literatura, artes plásticas, moda, diseño, artes decorativas, teatro, óperas, ballet, música, etc.

Existe… En lo visual, como estética. Fuera de lo mainstream (la cultura de las masas / o lo normativo) [Imagen 2] .

Es… [Imagen 3] Artificio, lo natural no puede ser camp. Decorativo, no utilitario Andrógino, tiende a la ambigüedad sexual Performático, irónico, amoral. Abiertamente sexual Personal, estando directamente relacionado al productor. No se explica, tampoco es ni pretende ser profundo en contenido. Retoma elementos del pasado usándolos de maneras diferentes. [Imagen 4] Ama el exceso, no pasa desapercibido. Lo CAMP se hace notar.

Se ha dicho que… “El CAMP afirma que el buen gusto no es simplemente buen gusto; que existe, en realidad, un buen gusto del mal gusto.” (Sontag, 1984, p. 15-16) [Imagen 5] "[…] la manera camp, no se establece en términos de belleza, sino de grado de artificio, de estilización." (Sontag, 1984, p. 2) "[...] todos los objetos y las personas CAMP han de presentar un elemento de extremismo contranatura" (Eco, 2018, p. 410) [Imagen 6] “CAMP es el amor por lo excéntrico, por las cosas que son lo que NO son […]” (ECO, 2018, p. 410) “Lo CAMP es la experiencia del mundo constantemente estética. Encarna una victoria del «estilo» sobre el «contenido», de la «estética» sobre la «moralidad», de la ironía sobre la tragedia.” (Sontag, 1984, p.12) [Imagen 7].

Sontag, S. (1984) “Notas sobre lo ‘camp’” en Contra la interpretación y otros ensayos. Barcelona, Seix Barral Eco, U. (2018) Historia de la Fealdad. Croacia, Lumen.

1.Portada del ensayo Notas sobre lo “CAMP” de Susan Sontag

2.Escena de la película The rocky horror picture show, (1975) basada en la obra de teatro homónima de Richard O’Brian. Ambas consideradas CAMP.

4.Aposentos de María Antonieta en el palacio de Versalles. El rococó es un periodo del cual lo CAMP rescata entre otros elementos, el exceso. 3. De Saint Phalle, Niki (1966) Hon/Ella y planos.

5.Björk en vestido de Marjan Pejoski, durante los premios Oscar de 2001. La cantante es considerada exponente del CAMP siendo este es un ejemplo.

6.Diferentes modelos de lámparas Tiffany. Consideradas CAMP por contraponer un diseño que simula la naturaleza en algo artificial, así como su unicidad.

7.Escena del ballet El lago de los cisnes escrita por Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Por su historia simple, los arreglos musicales, escenografía y coreografía en sus inicios se consideró demasiado y no gustó.

LA DESDICHA Victor Rivera

De todas aquellas veces en que sintió el irreprimible deseo de escribir algo, ésta en particular le resultaba lamentable. Tenía frente a él una vista preciosa del lago de Chapultepec. Una corona de árboles rodeando la superficie del agua, brotándoles edificios como protuberancias saliendo de sus hojas. Las lanchas, como bajeles, se embarcaban en lo desconocido sobre el espejo del cielo y la gran cascada, testigo de tanto, como un ojo lloraba sin tregua hacia un homérico vaticinio. Ahí se hallaba desde las tres de la tarde, alimentando a los patos, arrojando migajas de pan. Había decidido llegar con antelación, participar en la farsa previa a la tormenta. Tomaba las cosas con calma, como podía. ¿Qué otra cosa más podría haber hecho? Habría terminado su turno en la oficina a las cinco, como está establecido en su contrato y habría tomado el metro quince minutos después, entonces no habría tenido que esperar cerca de tres horas la llegada de Lucía. Pero eso sólo hubiese recortado la distancia en el tiempo, y él necesitaba cada segundo, cada pestañeo para retrasar el momento. Necesitaba sentarse a mirar la puesta de sol, sin hacer nada más que arrojar pan, desconcentrarse, divagar y evitar pensar en cómo se sentía. Después de todo, para este punto ella seguramente ya había hecho las maletas para su nueva vida en Buenos Aires, mientras que él se quedaría atrapado en México, resignado a vivir una vida que para él era común. Haciéndose viejo en un trabajo aburrido, con gente disímil y lidiando con la insoportable prisa de la urbe. Con los años probablemente formaría una familia, aunque también cabía la posibilidad de quedarse solo. Sin embargo, nada de eso le asustaba, todo para él era insatisfactorio, pues hasta antes de Lucía la única constante era su desdicha.

Desde pequeño, Rodrigo supo que cargaría con este sentimiento cuando nada de lo que le daban sus padres le complacía. Cuando tenía miedo de convivir con otros niños y forzaba sonrisas en el patio del recreo. Se halló frío y distante frente a cualquier acto sensible. Aprendió a sufrir cuando se dio cuenta que tampoco había disfrutado del poco sexo que había tenido. Y no es que fuera abyecto por elección propia, éste era un rasgo suyo que despreciaba. Sin excusa, en cada experiencia buscaba más de lo que se le daba. ¿Pero qué? Algún mensaje divino, o quizás sería un objeto místico, una obra en algún museo, el mismísimo Aleph bajo la escalera de su edificio. Pero nada. Nunca hallaba nada, se decepcionaba y su amargura se alimentaba y crecía como un rencor profundo hacia el mundo que tanto prometía en las novelas que leía y en las historias que disfrutaba en el cine. No estaba molesto por no hallar respuestas, lo estaba por no tener la determinación de ir a buscarlas. Salía a la misma hora de su casa y siempre a la misma hora regresaba del trabajo. Fue hace dos años, mientras caminaba por Reforma para regresar a su casa, que la vio por primera vez. Ella estaba sentada en una banca, usando un vestido amarillo floreado que resaltaba en una ciudad llena de pantalones por culpa de los morbosos. Él la observó durante unos segundos y sin decir nada siguió su camino. Si hubiera dependido de él, probablemente hubiese jamás se hubiesen conocido. Pero ella era segura de sí misma, tenía iniciativa, hecho que para él era una prueba viviente de que la ficción no resulta ajena a la realidad que percibimos. Ella, notando su fugaz mirada, se levantó, tocó su hombro y le preguntó si sabía llegar al bosque de Chapultepec. Su acento argentino lo cautivó de inmediato y luego de darle las indicaciones, tomó valor para ofrecerse como guía. En un segundo se sintió incómodo y supo que había sido algo inapropiado, no lo hubiese hecho bajo cualquier otra circunstancia. Contrario a cualquier apuesta, la joven aceptó y caminaron juntos hasta llegar al bosque.

Para cuando llegaron ya caía un chaparrón y decidieron refugiarse a las puertas de la Casa del Lago. Ahí supo de sus sueños y de sus anhelos. Conversaron por horas sobre todo. Recordarían aquel día para siempre como el día en el que Rodrigo confundió ‘Por una cabeza’ con ‘Madreselva’. “Ni siquiera se parecen”, le dijo ella mientras se ponía roja de la risa y trataba de encender su cigarro. Ella lloraba de la risa porque quería saber cómo era él, no estaba dispuesta a lidiar con alguien que buscara explicar su propia cultura y que además se sintiera ofendido por no haberlo logrado. Pero él se reía con ella y se disculpaba una y otra vez, y eso le parecía tierno. Él, como pocas veces, no sintió que tuviese que forzar su felicidad. Comenzaron a verse frecuentemente. Ella no conocía a nadie en México y él no conservaba ningún amigo de su universidad, tampoco es que conversara en el trabajo. Su conexión era única y por primera vez sintió que tenía ese algo que siempre buscó. Pronto cesaron los días de repeticiones y pequeñas salidas al parque se convertían en aventuras enigmáticas. Asistían cada tanto al cine de la Diana, tomaban café en Punta del Cielo y ojeaban en las librerías de Viejo. Disfrutaban de su compañía y poco a poco fue entendiendo más sobre su cultura. Particularmente le cautivó la música argentina. Supo de Mercedes Sosa y de su lucha; aprendiendo a querer al “flaco”; comprendió las letras de Charly, que fue y que sigue siendo el Maradona de la música; si tan sólo hubiera visto a Cerati en vivo, sería alguien distinto ahora. Por primera vez no se sentía desdichado, había emoción en su vida y él, que siempre elevaba sus expectativas, aprendió a odiar sus modales tanto como a amar sus impulsos. Habían tardado mucho en comprometerse, su primer beso había sido casi al año de conocerse y apenas habían tenido encuentros sexuales un par de veces. Todo era tan tranquilo, todo le daba paz. Sin embargo, el compromiso fue lo que les costó. Ambos vivían solos en la Ciudad de México, él cerca de Lindavista y ella sobre Insurgentes Sur. La emoción de verse a contratiempo le resultaba siempre más atractiva que el pensar en despertar con ella. Detestaba la idea de apresurar las cosas y hasta entonces ella lo había aceptado.

Todo cambió para él de repente cuando llegó el confinamiento y ella no tuvo más opción que regresar a la casa de sus padres en Argentina. Lucía, quien había dado sentido a su existencia, se iba ese mismo día y no sabía de qué manera tomarlo. Por un lado, él sabía que no tenía dinero para ir a verla, que ahorrar significaba limitarse lo más posible. Aunado a ello, la crisis aumentaba y no se veía un fin claro. Aunque en el fondo, él sabía que una palabra suya podría haberlo cambiado todo. Sin embargo, se encontraba cabizbajo, alimentando robóticamente a los animales, mirando las lanchas tan pequeñas. Cuando llegó él ya estaba convencido de lo que pasaría. El frío se apoderó de la noche y él no se atrevió a mirarla nunca a los ojos. Fue más lo que no se dijo que lo que se habló. A las pocas horas, se fueron a sus casas sabiendo que no se verían de nuevo. ¿Pero qué sintió ella?

Angustia, cansancio, inseguridad, tristeza, frustración, impotencia, ansiedad, culpa, melancolía, asco, molestia, ira, aversión, compasión, empatía, dolor, aceptación. Para cuando subió al avión sólo conservaba de él su cuaderno de notas. Nada ahí revelaba otra cosa que una confusión terrible. Él la amaba, pero no estaba dispuesto a acostumbrarse a su desnudez; a perder la vergüenza; no quería verla enferma; y se oponía a la idea de ver crecer a sus hijos. Esto, no obstante, era exactamente lo que ella quería. Mientras él temía cambiarlo todo y aferrarse a la costumbre, por la misma costumbre se condenaba. Ella, en cambio, tan segura, no viviría en el tiempo de la memoria y aceptaría el dolor de la pérdida, aunque a fin de cuentas también es un calvario de mierda.

VIRTUD DE NORMALIDAD Y LA ENFERMEDAD DEL ALMA M.I. Flores Nachón Es un privilegio absoluto de la locura, el reinar sobre todo aquello que hay de malo en el hombre. Foucault, M., Historia de la Locura en la Época Clásica (1961)

En el constante mundo dicotómico, la locura es lo otro a la razón, el negro del blanco sin llegar a un punto gris. En el año 1961 el filósofo francés Michel Foucault desarrolla el macro ensayo Historia de la Locura en la Época Clásica, en la cual discute la experiencia de la locura en cuatro periodos. Como un breve resumen de lo escrito, se habla de la locura en la Edad Media cómo la ligadura al pecado, una unión a la conocida iglesia del terror, que busca relaciones entre las enfermedades con los demonios, como explicación de los males de la tierra, presentado siempre a través de los opuestos, dicotomías, como mencionábamos antes, la Cuaresma y el Carnaval, la fe y el cuestionamiento, el orden y el desorden, lo Dionisiaco y lo Apolíneo. Por otro lado, durante el renacimiento, la locura podía verse a través de una burla de una persona divertida a la figura del genio. El loco, extravagante, es el atrevido a decir las verdades que la razón busca esconder. El conocimiento pleno de sí y su entorno. Aquí, es en donde encontraremos el cuadro que será protagonista de mi análisis a continuación; La Extracción de la Piedra de la Locura (c. 1500-1) obra del Bosco. El siguiente momento del cual Michel Foucault decide desarrollar, en amplitud, es la creación del Hospital General en París en 1656 tras un decreto de Luis XIV con la intención de albergar a la población marginal, entendiéndola como pobres, vagabundos, viejos,

prostitutas, homosexuales, portadores de enfermedades, y locos, ya que eran vistos como peligrosos. La enfermedad, la otredad y la desdicha se convierte en lo indeseable, y más allá del tratamiento a la enfermedad, tolerancia a la otredad y corrección de la desdicha, se producen sistemas de segregación de la población. En momentos más cercanos a los contemporáneos, la medicina ha optado por un tratamiento de encierro; repitiendo un proceso de segregación de la población denominada como “enfermos mentales”, para su estudio y posible búsqueda de cura. La enfermedad del alma, después conocida como la enfermedad mental, se convierte en una etiqueta, una identidad que no pasa desapercibida en una tarjeta de presentación. M. Foucault toma el encierro, la vigilancia y el castigo ejercido en el caso de la experiencia de la locura, y lo analiza desde el punto lejano para su comprensión, concluyendo que son métodos injustos para la brutalización del paciente y que más allá de una cura o entendimiento de las verdades de la razón, se “normalizaban” a partir de la sumisión hacia lo aceptado. Su desencuentro tenía que ser suprimido para poder encajar con las determinaciones sociales. El ser “normal” se torna en virtud, y la enfermedad del alma se convierte en suplicio. El crimen inherente, congénito e inevitable. Castigado desde la no aceptación, la burla y el rechazo. Por ello decidí tomar como ejemplo entre las obras en las que El Bosco torna la locura en un juego divertido, y la razón en una burla. Extracción de la piedra de la Locura, producida aproximadamente entre 1500-1, presenta una escena pintada dentro de un círculo a manera de espejo, semejante al reflejo circular al fondo de Matrimonio Arnolfini (1434) de Jan Van Eyck, en el que podemos tal vez internalizarnos en la representación de la locura. Durante el momento de producción a través de leyendas de boca en boca, se asociaba la locura con una piedra alojada en la cabeza, que tenía que ser extirpada para volver a la normalidad. Así es entonces, que se nos presentan los cuatro personajes dentro del divertido cuadro. En primera instancia, el paciente loco sentado y atado a una silla, sin sus zapatos, mirando directamente hacia nosotros, siendo atendido por un cirujano con un embudo en la cabeza, que inmediatamente le quita seriedad a su acción, el embudo se burla de su razón y lo coloca en la locura, su bolso, sostenido en la silla atravesado por un puñal le delata su charlatanería, simbolizando su engaño. De la cabeza del paciente, el falso doctor extrae un tulipán que podría tener distintas lecturas, una de ellas siendo la extracción del deseo sexual de la cabeza del paciente, alejandolo de la lujuria y el pecado y retomando el camino cristiano. Por otro lado, se encuentra el fraile metiche y borracho, que manifiesta interés en el procedimiento

sin intención de soltar el cántaro lleno de vino que carga en sus manos. Y a su lado, la monja desinteresada con libros sobre su cabeza como símbolo de estupidez e ignorancia o por el contrario, conocimiento que era solamente alcanzable para aquellas que hacían brujería. Demostrando ambos personajes la ruptura con la limpieza con la que se pretendía entender al clero. Alrededor de la escena se encuentra una leyenda en caligrafía que convierte el cuadro en un juego verbal y visual; se lee:

Meester snyt die Keye ras, myne name is lubbert das Maestro, quítame pronto esta piedra Mi nombre es tejón castrado. Lubbert Das, es comúnmente una expresión utilizada en la tradición holandesa para hablar de aquél personaje que resulta ser mediocre, flojo, y tonto, traduciéndose literalmente como un tejón castrado, y entendido así por la idea de que el tejón es un animal perezoso. Aunado al periodo renacentista, en la que el loco era la persona burlona, El Bosco aprovecha su propia locura para burlarse de la charlatanería y la necedad de la tradición social que celebraba la normalidad. Y tomada de la mano del cuadro del Bosco, acompañó su crítica atemporal, en una sociedad que continúa por castigar a la otredad, al incómodo, desencontrado, alterado, entristecido y enojado. Como pensamientos conclusivos, creo que es el desencuentro de unos, lo que han permitido producciones artísticas que halagamos; pienso en Magritte, Van Gogh, Miguel Ángel, como primeros y famosos ejemplos. La locura, es la puerta que la razón nos ha querido cerrar. Encerrado en el navío de donde no se puede escapar, el loco es entregado al río de mil brazos, al mar de mil caminos, a esa gran incertidumbre exterior a todo. Foucault, M., Historia de la Locura en la Época Clásica (1961)

LA CASA DEL HOMBRE QUE DOMINA LA SOLEDAD Bruno Sánchez

"Todos los problemas de la humanidad se derivan de la incapacidad del hombre para sentarse solo, en una habitación, en silencio ". – Blaise Pascal

A pesar de haberse dedicado a las matemáticas, Blaise Pascal suponía que el ser humano es natural pero irracionalmente temeroso al silencio de la existencia. Se evita el aburrimiento, malinterpretándolo como “pérdida de tiempo” y en cambio, se deja caer en la distracción sin rumbo con la inocente creencia que se es más “productivo”, por lo que no nos entrenamos a hacer más que evitar nuestros los problemas y huyendo de nuestras emociones hacia las falsas comodidades de las excusas condescendientes de la mente. La esencia del problema es que muy poca gente, y en raras ocasiones, logra aprender el arte de la soledad. Hoy en día se puede conectar con prácticamente cualquier lugar y persona del mundo si uno se lo propusiera, pero la idea de proponerse a adentrarse en los “porqués” de nuestra propia condición individual son puertas que paralizan en el umbral, como en las películas de terror, pero con la diferencia de que se sabe perfectamente que se encuentra escondido dentro. Y si bien existen diversos grupos, prácticas o teorías para “dejarse adentrar a uno mismo”, son

generalmente excusas ocultas bajo generalidades que sólo rozan en marco de la puerta, provocando nada más allá de un placebo. No hay rituales esotéricos o técnicas ancestrales para tal. Toda persona; sola o acompañada, puede darse una vuelta para comprender sus adentros con el simple hecho de…pues…entrar por la puerta. Si dicha incapacidad es una verdad absoluta para la condición humana en general, entonces bien se puede evidenciar que el problema ha aumentado exponencialmente ante todas las opciones disponibles de conectividad y distracción que existen en la actualidad, las cuales presentan una hipótesis placentera que se concluye a sí misma:

¿Por qué estar solo cuando podrías no estarlo? Es muy importante clarificar algo: estar solo no es lo mismo a sentirse solo y ninguna de las dos es lo mismo a ser solitario. Uno es un estado momentáneo, otro un sentimiento y el último, derivado de los dos previos. Un estilo de vida, conllevado de dejarse guiar en exceso por un estado pasajero o por sobre la importancia de un sentimiento. Es ese origen agrio que genera la idea errónea que antagoniza universalmente la soledad, es por ende que cuanto menos cómodo se sienta uno con la soledad, más probable es llegar a desconocerse a sí mismo, pasando más tiempo evitando que esa atención se centre en otra parte más redituable a un verdadero desarrollo humano.

Desde un punto de vista convergente entre la psicología arquitectónica, tratar de dominar la soledad es como tratar de dominar la luz. Siendo ambos como elementos indiscutibles que complementan el concepto del espacio abierto e individual, es con la luz que expone el lienzo para uno clarificar sus pensamientos, sin embargo, aquello sólo se logra desde la relativa privacidad que otorga la oscuridad a medida, mucho de alguno cohíbe cualquier intento de introspección al sentirse o demasiado expuesto o abrumado, es por eso que controlar la naturalidad de la luz es dominar las bases de las discretas ventajas de la soledad, entenderlas convierte a uno en artista de luz y maestro de la soledad. Si bien su título profesional era de ingeniero, Luis Barragán es recordado y renombrado por ser el artista y maestro de lo que daría pie a la célebre arquitectura neomexicana. Su arquitectura se caracteriza por la sencillez de trazos y la austeridad sin ornamentación innecesaria evocando armonía al estar y claridad al sentir, caracterizado por jugar con espacios diáfanos que otorgan a la luz un lugar primordial como parte de la estética de su obra. Sus creaciones son lugares donde el ser puede estar para ser.

“Sólo en íntima comunión con la soledad puede el hombre hallarse a sí mismo. Es buena compañera, y mi arquitectura no es para quien la tema y la rehúya”. – Luis Barragán (1980)

En cierto momento denominaron a su obra magna, la Casa Barragán, como “la cura para la claustrofobia”, haciendo alusión a la idea de un claustro, un lugar no necesariamente pequeño en sí mismo pero sí encerrado del exterior con el fin histórico de obtener apertura espiritual al encerrarse, es decir, un oxímoron funcional, algo que Barragán aludía, no siempre de manera consciente pero siempre presente, que aquel que sabe estar solo consigo mismo, sabe estar en cualquier compañía, es decir, ya no estar de acompañamiento sino en comunión, primeramente con la soledad de su persona y después en compañía con demás personas, manteniendo respeto, desde su distancia, con la comprensión de las cosas que forman parte de su vida singular. En este sentido, Barragán produce una arquitectura para que uno pueda “sentirse solo”, con todas sus ventajas engarzadas en textura natural colores vivos pero únicos, conformado todo lo bello y beneficioso del logro finalmente sentirse solo. Una vivienda no solo es habitada por su inquilino si se lo propusiese, más allá de la funcionalidad de la maquinaria para vivir, el hábitat es el alter ego de la persona, insistía Barragán, es su proyección en el espacio, la tangibilidad de su equilibrio emocional como parte elemental para allá de sus necesidades primarias. Todo espacio físico arraigado con una espiritualidad cognoscente; ya sea individual o colectiva, van adquiriendo la personalidad de quienes lo habitan o concurren, moldeando su personalidad con el tiempo, las casas, los lugares de trabajo y los espacios de encuentro, si no hubiera el cohíbe de fomentar el uso de estar más que de mero tránsito, aunque eso recae en temas económicos de quienes desarrollan aquellos espacios desde las impuestas prioridades de la frialdad capitalista. Cuentan que la casa-taller de Luis Barragán, oficialmente llamada de manera homónima, donde vivió la última etapa de su vida, fue así creada con todo el raciocinio de paz y lógica espiritual que él sentía requerido para su pleno confort la cual la fue modificando conforme los años, la iba habitando y modificando, añadiendo y sustrayendo elementos. Las casas viven con nosotros en cuanto nosotros vivamos con ellas. La obra Barragán fue de aquellos que dio hincapié una nueva forma de entender los espacios y la realidad de manera más introspectiva, usando las ideas de racionalismo y técnicas de modernismo para darle prioridad no al individuo físico, sino al individuo emocional. Uno de dichos pasos fue el colaborar a romper con los accesorios figurativos y falsos tradicionalismos atascados en la modernidad de su tiempo, como ornamentos y estilos sin consistencia, utilizados aun en gran medida desde la primera mitad del siglo XX. En aspectos más literales y técnicos, la arquitectura de Barragán se caracteriza por el balance entre la línea recta, la horizontalidad, los grandes muros sin adornos, los colores en su propio elemento y, el más importante, lo atemporal.

También es evidente que otra particularidad de Barragán, fue retomar, en cierta parte, elementos de la estética mexicana en los componentes más significativos de sus proyectos como los muros jugando entre vanos y macizos; las texturas en su completa naturalidad y el color vivo, una de las particularidades más marcadas en su obra.

“La belleza, como la sabiduría, ama al adorador solitario”. – Luis Barragán

Las firmas singulares de sus obras son las aberturas, tanto ventanas como puertas, muros y sus umbrales que se yerguen hacia el cielo, encauzando por un pasadizo estoico de color y luz, exclusivos de la hora y del día, con áreas para contemplar y puntos para reflexionar que disponen a la persona a recogerse en el sí misma para disponerse de si en el silencio…solo si se lo propone, claro.

ARTE, FACISMO Y LA EXASPERANTE GENTILEZA DE LA COTIDIANIDAD Ernesto Ocoña

Giacomo Balla Manifestación patriótica 1915 Óleo sobre lienzo . 101 x 137,5 cm

La realidad es repugnante, no necesariamente la realidad inmediata pues esta es casi siempre, enteramente inescapable, la tenemos que aceptar por lo menos parcialmente. Pero esa realidad que no es íntima, descrita en libros y noticias, en gritos de gente lejana; parece tan violentamente repulsiva que casi todos hacemos lo mejor por ignorarla. No hay cosa que temamos más que a escapar deliberadamente del frágil yugo de la normalidad. La contemporaneidad vive a segundos antes de la adversidad, somos el prólogo de la catástrofe, día a día invocamos al tulpa que encarna ansiedad. Este año se han roto récords en emisiones de gases invernadero, en temperatura, acidificación y elevación del océano, récords que ya se habían roto el año pasado. La población de insectos a nivel mundial se está reduciendo entre 2.5 y 10% cada año, y en algunos lugares la polinización manual se empieza a volver normalidad. Hay micro plásticos en nuestros pulmones y en el fondo del mar, y el agua potable se vuelve cada vez más escasa en distintos lugares del mundo. Todo ello aunado a la injusticia y crueldad inherente de las sociedades humanas que no requieren de factores ecológicos para causar miseria. Comprender y absorber esta realidad es terriblemente doloroso, yo lo entiendo, lo entendemos todos. Por eso hay un delirio colectivo que nos pide que no seamos alarmistas, que todo va a estar bien, una necesidad tal vez primordial de centrarnos en la inmediatez, carpe diem. Sucede que el fascismo es una de esas criaturas que prospera en respuesta a la apatía.

Arte es una palabra que carga muchos significados, es un pasatiempo, una estética específica, es una disciplina, es una industria, también puede ser un objeto. Para mí es apasionante, un constructo social idealizado, perpetuo, de perfección inalcanzable. El arte es la aspiración eterna de la creatividad, o por lo menos hay un deseo intrínseco en la palabra que requiere la reinvención. El arte, en especial como disciplina e industria contemporánea me intriga casi tanto como me disgusta, me fatiga casi tanto como me provoca, me seduce con decepción y una pizca de humanidad. La idealización deliberada del arte lo ha vuelto pequeño, impotente, ha limitado su poder cultural que ya de por sí era específico. El zeitgeist dominante de la contemporaneidad es la estética misma, entiéndase estética en el sentido de apariencia independiente del contenido. El arte más que nunca está subyugado a esta estética, no a la clásica estética visual, sino a la estética de la lucha social, de la deconstrucción y el posestructuralismo, la estética aparente de la reflexión frente al privilegio. La apariencia de las cosas siempre ha sido importante a lo largo de la historia, pero en el mundo actual donde hay un énfasis tan grande en la comunicación inmediata, la estética se ha vuelto totalmente dominante. Es normal que haya una gran disonancia entre nuestra estética y nuestra esencia, la era contemporánea se centra terriblemente en la estética. Al adoptar ciertos códigos visuales, de lenguaje y comportamiento, podemos aparentar no sólo ideas vagas como parecer intelectual o generoso, sino conceptos específicos. Es gracias a la importancia de lo aparente que, por ejemplo, las corporaciones que explotan y contaminan pueden apropiar una narrativa ecologista, o que ciertos políticos independientemente de sus actitudes discriminantes pueden adoptar una estética de tolerancia. Es un fenómeno común, y es la base de las relaciones que fabricamos en redes sociales, es el origen del voluntarismo, del activismo performativo, de los filtros fotográficos, e incluso gran parte del artivismo. El arte contemporáneo como género es la expresión máxima del estatus quo y los valores ambiguos que lo sostienen. El arte que se muestra en bienales, galerías y museos es normalmente fútil y muchas veces ignorante ante las aflicciones sociales. Y todo ello no sería un problema, sino se esforzara en aparentar lo contrario. Hay muchos ejemplos de arte contemporáneo que buscan reflexionar sobre la pobreza, la discriminación, la identidad y la injusticia, pero lo hacen desde fuera, con una mirada fetichista, buscando obtener un discurso sin proveer a su sociedad inmediata de algún cambio palpable. El arte contemporáneo se construye a través del trauma social, pero carece del deseo de crear progreso. Sin embargo, a pesar de su fetichismo, performatividad, e irrelevancia social algo que no deja de ser cierto es que el arte refleja a su sociedad.

Antes de que se abra el paracaídas. Tullio Crali. 1939.

Vivimos en una sociedad violentamente inofensiva, estática, donde la empatía casi siempre es performativa, aparente. Una sociedad que es totalmente dependiente de los sistemas y jerarquías que la violentan. El arte no es distinto y no ofrece productos más socialmente relevantes porque nadie lo pide ni lo cuestiona, porque no hay elementos externos que juzguen al arte, que se depura constantemente a través de sus propias narrativas además de estar poblado principalmente gracias al privilegio. Lo frustrante de esta ideología estática que plaga nuestras mentes, ciudades y museos, es que no genera resistencia, que vive en el centro de las ideas, en la neutralidad y la moderación. El estatus quo es tolerante de la intolerancia, lo más frustrante es lo incapaz que es de lograr progreso o cambios substanciales. Somos el prólogo de la catástrofe, vivimos segundos antes de la adversidad; necesitamos verdadera resistencia, verdadera convicción. En las últimas dos décadas, el fascismo, el pensamiento reaccionario y la ultraderecha han tomado fuerza en todos los rincones del mundo, y junto con el cambio climático, la inequidad económica y la injusticia social, es uno de los obstáculos principales que como humanos, pensadores y artistas tenemos que vencer.

PING BODY, EL TÍTERE DE STERLAC Rossana Huerta

¿Sabes qué es el arte de los nuevos medios? Creo que de por sí escuchar la frase “nuevos medios” puede ser un poco intimidante ya que el arte se va moviendo a otra fase que menos conocemos, sobre todo si nos cuesta trabajo comprender el arte contemporáneo. No obstante, no es tan complicado como parece ser, sólo necesitamos entender un par de conceptos nuevos que están interrelacionados con el mundo tecnológico. Empecemos paso a paso, con un pequeño ejemplo, Ping body del artista Stelarc. Sterlac se caracteriza por reproducir propiedades humanas mediante herramientas tecnológicas para explorar las relaciones de poder que se generan cuando se deja el control del cuerpo humano tanto a las máquinas como a los espectadores. Yo lo relaciono mucho con la pieza Ritmo 0 de Marina Abramović puesto que trabajan el cuerpo y la potencialidad que se produce cuando se deja el cuerpo en manos de algo externo a uno mismo, lo cual muestra la curiosidad y la naturaleza del ser humano. Ping Body, es un performance un poco bizarro, vemos al artista conectado a diversas máquinas cada parte de su cuerpo está controlado por una interfaz de estimulación muscular, lo que permitía que cualquier persona dentro de la misma interfaz pudiera tener acceso al cuerpo de Sterlac y manipularlo —de ahí la relación que sentí con Abramović—. Éste se presenta por primera vez en 1996 durante el evento Telepolis 'Fractal Flesh' en el Centro Pompidou de París donde Stelarc y su equipo se vincularon electrónicamente a través de un sitio web para el performance con el Laboratorio Universitario Aalto Lab de Helsinki y con la Conferencia “Doors of Perception” en Amsterdam. Esta página web permitía a la audiencia acceder, ver y activar de forma remota el cuerpo de Sterlac por medio de un sistema de estimulación muscular interconectado por computadora. Aunque la mayoría de los movimientos que se generaban en el cuerpo de Sterlac eran involuntarios,

aún podía responder voluntariamente activando su “Tercera Mano” robótica —otra obra del artista de 1980—. Mientras que el cuerpo del artista se convirtió en un robot controlado por Internet, el hecho que Stelarc retuviera el control solamente del tercer brazo robótico instalado le permitió introducir, así, múltiples niveles de control y comunicación en el sistema y todo un discurso filósofo detrás. Durante los performances de Ping Body, lo que se observa es un cuerpo que se mueve, no según las indicaciones de otro cuerpo en otro lugar, sino que, el movimiento es creado por la actividad de Internet: la propiocepción y la musculatura del cuerpo no son estimuladas por su sistema nervioso interno sino por el reflujo externo y flujo de datos. Haciendo pings al azar —o midiendo los tiempos de eco entre una computadora y otra— a los dominios de Internet fijos, es posible mapear la distancia espacial y el tiempo de transmisión al movimiento del cuerpo. Los valores de los pings son de 0 a 2000 milisegundos —indicativos de los niveles de distancia y densidad de la actividad de Internet— y se utilizan para activar un estimulador muscular múltiple que dirige 0-60 voltios al cuerpo de Sterlac. Así, los valores de ping que indican los parámetros espaciales y temporales de Internet son coreografiados, componiendo así los diversos performances. Mientras tanto, una interfaz comienza a graficar los movimientos de las extremidades que simula y, posteriormente, inicia los movimientos del cuerpo físico. Esto, a su vez, genera sonidos asignados a la proximidad, la posición y la flexión de brazos y piernas (Frieling, 1997). Esto resultó en un baile bastante inquietante para los espectadores puesto que recordaba a los títeres de sombras, la atmósfera cambió a un tono más tenebroso cuando empezó a sonar fuerte música electrónica generada en vivo a partir de los datos de la misma red que hacía que Stelarc se moviera. El propio cuerpo se convierte en objeto de inspección en la red, mas que un sujeto que navega por la Web, y está a total merced de aquellos que están del otro lado de la red, exponiendo, así, su bienestar físico. Al exponer e invertir una práctica común de Internet, Stelarc demuestra, de una forma muy visceral, la fisicalidad de los medios en línea y la relación entre encarnación y desencarnación en las redes informáticas (Frieling, 1997) (Sterlac, s.f.). Algo que me gusta de esta pieza y que hace que destaque es la facilidad en la que se pueden asociar conceptos complejos de los nuevos medios con la pieza. En cuanto a los principios de los nuevos medios, cumple con el principio de modularidad puesto que, tanto el cuerpo humano como la red de computadoras son elementos independientes unos de los otros pero que juntos crean una red modular de aparatos y conexiones que permiten el movimiento de cada parte del cuerpo durante el performance. Por otro lado, la variabilidad se presenta en esta pieza como las distintas formas de mover el cuerpo de Sterlac de manera única e irrepetible con cada performance. Ahora bien, considerando que se utilizan computadoras conectadas a puertos específicos de internet, podemos deducir que el artista emplea estas

máquinas como herramientas puesto que debido al uso de estas, se generan impulsos que mueven al cuerpo humano creando, así, gestos artísticos. Igualmente cumple con dos principios de la medialidad, este performance lo podemos observar desde una perspectiva transmedial y multimedial. La característica multimedial en este performance lo observamos como una unión de disciplinas —inteligencia artificial, robótica, teatro, danza, etc.— aunque, de igual modo, podría ser vista desde el punto de vista de signos, ya que se creó un video multimedial del performance, el cual incluye, imagen y sonido. De igual manera, la transmedialidad lo vemos en el plano estilístico, dado que el movimiento que se crea gracias a los impulsos generados por computadora es parte de una disciplina que era, esencialmente, cerrada puesto que esta tecnología era utilizada solamente en la ingeniería biomédica pero, en este caso, se traspasó al plano artístico para darle ese gesto artístico. Ahora bien, el caso de Stelarc es bastante interesante. Es un artista peculiar ya que vivió justo en la era del inicio y desarrollo del pensamiento post- y trans- humanista, que, claramente muestra en su obra. En sus diversas obras retoma los temas tales como la computarización, inteligencia artificial, biotecnología, la robótica y lo cyborg para relacionarlo con lo humano dado que, Stelarc creía que el cuerpo humano ya era obsoleto y debía tener mejoras tecnológicas para adaptarse al nuevo mundo. Esta amplificación del cuerpo con la ayuda de herramientas, instrumentos y dispositivos permite explorar las diversas alternativas que hay de la realidad y de lo posible del cuerpo humano: “un cuerpo que es ya arquitectura, y como tal puede ser construida y modificada de acuerdo a las exigencias del medio en donde se se desarrollará el proyecto arquitectónico.” (Apócrifa Art Magazine, 23 noviembre 2011). Esta característica abunda en el arte de los nuevos medios y de la sociedad post-industrial, hay una obsesión constante por la mejora, la renovación y la vida. Según Edward Shanken, actualmente abundan historias sobre artistas que buscan inyectar vida a lo no vivo, a la máquina; darle vitalidad, inteligencia, y desarrollo. Básicamente, el artista busca ser creador de vitalidad a través de sus obras. Stelarc se distingue entre estos artistas

por el uso de medios electrónicos en su cuerpo como extensión misma de su gesto artístico. Tal y como lo describe Shanken, “sobrepasar la división entre organismos basados en carbón y formas en silicio de inteligencia y vida, entre lo real y lo artificial, sugiriendo que estas distinciones cada vez se hacen más borrosas y permeables.” (2013, p.74). Sin duda, Sterlac nos deja con un performance impactante que deja mucho a pensar. El performance se distingue por el simple hecho del uso de la tecnología para accionar cada parte del cuerpo y generar así ese movimiento inquietante. Sterlac basa su pensamiento en las teorías transhumanistas puesto que busca transformar la condición humana a través del uso de herramientas —que en este caso fue el uso de máquinas que actúan como herramientas—. Para lograr esta singularidad filosófica, Sterlac reprodujo propiedades humanas —es decir, movimiento que no viene de un impulso cerebral— mediante el uso de computadoras y una interfaz, creando un quasi cyborg con su cuerpo. Esta relación entre máquina y hombre rompe con la división entre lo natural y lo no-natural, entre lo real y lo artificial, cuando pone en manos de una computadora y su usuario el movimiento del cuerpo del artista. A partir de aquí, logra expresar de una manera perturbadora una poesía tecnológica a través de su cuerpo. Se puede decir que, su cuerpo se volvió en el vehículo de su mensaje artístico puesto que hay una gran posibilidad de cambio y de uso, que es capaz de adherirse a la tecnología.

Apócrifa (23 noviembre 2011) Sterlac. Apócrifa Art Magazine. Frieling, R. (1997) Stelarc - Ping body. Gagnon, J. (2011) Dispositivo, instrumento, aparato: un ensayo de definiciones. artnodes: Revista de arte, ciencia y tecnología, 11(6), 21-24. Kattenbelt, C. (2008) Intermediality in Theatre and Performance: Definitions, Perceptions and Medial Relationships. Revista De Estudios Culturales De La Universitat Jaume I: Cultura, Lenguaje y Representación, 6, 19-29. Leen. (2009) Stelarc: Ping body. [Figura]. Manovich, L. (2001) El lenguaje de los nuevos medios de comunicación: la imagen en la era de la comunicación. Paidós. Shanken, E. A. (2013) Inventar el Futuro: Arte, Electricidad, Nuevos Medios. Departamento de Ficción. Stelarc (s.f.) Ping Body.

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