Catártica: Enero '22

Enero '22

No. 3

Vol. 1

Buymeacoffee.com/catartica

Caravaggio, Michelangelo. (c. 1608) Cupido Durmiendo, [óleo sobre lienzo] Palacio Pitti, Italia.

Catártica es un espacio para hablar del arte fuera del discurso oficial, aquel que escapa definiciones, y al mismo tiempo un lugar para que la ficción, el ensayo y la poesía puedan deambular desnudos, poniendo de frente al escritor y al público.

Caravaggio, M. (c. 1607) San Jerónimo, [óleo sobre lienzo]

El mundo solo existe porque yo existo Antonella Guagnelli

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No todo es...

Rossanna Huerta

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Falla nat.cisa

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La aspiración en el muro Bruno Sánchez

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Como mascan las iguanas Arturo González Lara Engracia

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Victor Rivera Santa Fake Carolina Gómez

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Hipnótico Mónica Alemán

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¿Hasta cuando, cuando mucho?

M.I. Flores Nachón

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EL MUNDO SOLO EXISTE PORQUE EXISTO YO Antonella Guagnelli Para empezar el año Catártica les presenta una portada donde solo importa ella, pues como Narciso, no se cansa de ver su reflejo. Tomando como referencia justamente la obra Narciso (1597 – 1599) del pintor italiano Caravaggio (1571 – 1610), la portada recupera la ya conocida leyenda de un joven que es tan hermoso y que se tenía tanta consideración a sí mismo que termina por enamorarse de su reflejo, después de verse en el agua de un lago.

Narciso, al no poder separase de su imagen, deja de comer y de dormir, dejaba pasar los días mientras su corazón se rompía tanto como su espíritu, pues al intentar acercarse a su reflejo, este desaparecía.

De este mismo mito se dice que Narciso murió ahogado, pero que los dioses le concedieron convertirse en una flor que solo florecieran en invierno y que como el, se quedara eternamente inclinada sobre el agua de ríos y lagos, para poder contemplarse hasta marchitar.

Como esta flor, Catártica nace en invierno, los primeros días del año la ven crecer, verse a sí misma y compartir con su público cientos de palabras. El 20 de enero de 2022 estamos contentos de celebrar el segundo aniversario de la revista, medio a partir del cual hemos podido compartir con ustedes un poquito de arte, cultura y felicidad.

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En portada: Caravaggio, M. (c. 1597-99) Narciso, [óleo sobre lienzo], Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma, Italia

Ahora bien, para hablar un poco de la pintura, esta cuenta con una composición sencilla, que se divide horizontalmente en dos.

En la parte superior podemos ver a Narciso, que llena con su tamaño el espacio y sobrepasa los límites del marco, dando una cercanía que permite al público sentirse más próximo tanto al personaje como de sus emociones. En la parte inferior del cuadro, se puede ver el borroso reflejo de Narciso, pero también la continuación de sus brazos, que forman un rectángulo el cual ayuda a dar continuidad a la composición.

Otro elemento importante que se puede destacar es el dramático uso de la luz, importante característica de la pintura barroca, que lleva un paso más adelante a la técnica del claroscuro, al enfatizar la luz con sombras y fondos casi completamente negros, para poco a poco convertirse en una nueva técnica que será ampliamente usada durante el periodo barroco, el tenebrismo.

Caravaggio, M. (c. 1595) Apolo tocando el laúd, [óleo sobre lienzo]

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Cassatt, M. (1900) Joven Madre Cosiendo [óleo sobre tela]

NO TODO ES...

VAN GOGH

Rossanna Huerta 8

Cassatt, M. (1879) Mujer con collar de perlas [óleo sobre tela]

Aun recuerdo el día que una compañera de la carrera estaba promocionando su galería de arte y vendía unos stickers para recaudar dinero. Uno de esos stickers que tanto me llamó la atención decía “Tanta historia del arte y te gusta Van Gogh”, era agresivo y casi se sentía que te imputan por no saber de más artistas. No la culpo, uno que estudió Historia del Arte sabe que hay millones de artistas maravillosos por descubrir pero igual se sentía como un ataque personal —aunque en lo personal a mi no me gustara tanto—. De ahí también nació esta columna pero sin la matiz agresiva, por lo que, para comenzar el año con el pie derecho me dediqué a buscar una artista impresionista para presentarles; entonces, con un redoble de tambores les presento a Mary Cassatt.

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Cassatt, M. (1880) Lilas en la ventana [óleo sobre tela]

Cassatt, M. (1880) La taza de té [óleo sobre tela]

Cassatt es una artista estadounidense olvidada del Impresionismo, casi siempre le dan el espacio a Monet, Manet, Degas pero debo de recordarles que gran parte de los artistas que no conocemos han sido “desechados” por los museos ya que no cumplen con todas las características de cierto movimiento artístico o simplemente no generan tanto dinero como otros. Creo que el caso de Cassatt es interesante ya que desafía muchos parámetros establecidos para las mujeres de su época —¿será por eso que tratan de esconderla?—, era una mujer soltera que vivía sola en París, no tuvo hijos y dedicada a su trabajo como artista. Claro, no debo de ignorar que el hecho que era la hija de un banquero le pudo haber permitido ciertos privilegios que la mayoría de las mujeres de su época no se podía dar. Ella terminó siendo una de las cuatro grandes mujeres artistas que se integraron plenamente al Impresionismo.

Junto con Berthe Morisot, Eva Gonzáles y Marie Bracquemond, Cassatt estudió como la luz y el color se manifiesta y modifica la imagen de la realidad que percibimos a través de nuestros ojos, no era una búsqueda por un realismo académico sino un experimento con cada pieza que nos presentan (Vicente, 2018).

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A mi consideración, de los temas principales que suele tocar el Impresionismo es el paisaje, esto se debe a que se podía observar a diversas tonalidades que podía tomar una escena dependiendo de la luz y el ambiente.

Tan solo veamos la serie de la Catedral de Rouen de Monet, son aproximadamente 30 pinturas de la misma escena pero con la única diferencia que retrata las diversas impresiones que la luz le da a la fachada de la Catedral. Cassatt se va por un lado completamente diferente, mucho más íntimo y personal, es algo que me agrada de ella ya que no lo toma de una manera tan “perversa” en el sentido que nos objetos lo que observamos en sus pinturas sino personas reales que transmiten emociones y calidez.

Definitivamente destacan en su producción las imágenes de la vida social y privada de las mujeres, maternidades, y demás pinturas donde casi siempre está la presencia de la figura femenina, como reivindicando (Calvos, 2018).

Es un nuevo año y creo que podemos aprovechar la oportunidad para reivindicar a las artistas olvidadas por la historia y darles el espacio que siempre debieron de ocupar a lado de sus colegas. Mary Cassatt está al mismo nivel que las grandes figuras del impresionismo pero destaca aún más por el naturalismo alusivo que presenta en la vida cotidiana del sujeto más ignorado por la historia sin llegar a cosificarla.

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IN THE END 12

información del collage: falla natcisa collage octubre 2021 (publicación previa en fanzine colectivo artístico (sobre)vivir desde el pensamiento)

the never-ending existential question de hasta dónde llegar, cuánto hacer. a veces une siente que por más que nos esforcemos, el resultado siempre parece ser negativo. «ya vendrá algo mejor», «ya verás que obtendrás recompensas por tu esfuerzo», dicen. pero, ¿cuándo? ¿cuándo sentiré por fin que lo que hago tiene sentido? ¿que quien soy tiene sentido? ¿quién me puede quitar de encima el peso de sentir que todo lo que hago está mal y es en vano? no necesito nada reconfortante, no más ya verás y futuros prometedores. ¿dónde están los buenos presentes? ¿los presentes donde vea que en efecto todo tiene sentido? porque es cansado vivir buscando respuestas, es aburrido; tiñe la vida. ¿llegará el día en que despierte y diga por fin, sintiéndome feliz de dónde estoy y quién soy? ¿de lo que hago? ojalá el mundo se detuviera un segundo, uno es todo lo que pido para respirar.

i tried so hard and got so far but in the end it doesn't even matter ihad to fall to lose it all but in the end it doesn't even matter In the End de Linkin Park, 2001.

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LA ASPIRACIÓN EN EL MURO Bruno Sánchez El aspiracionismo, que ha llegado a ser es malinterpretado como un ideal egoísta, en realidad forma parte de las necesidades de la psique humana para la satisfacción personal como parte de su complemento como persona, no es ilegal ni pecado trascender a una situación profesional, afectiva o socioeconómica mejor de cuando uno se integra al mundo. Las aspiraciones son lo que nos permite considerarnos personas y no simples entes que cumplen una función sin gracia ni consciencia, esta se compone por las constancias individuales de nuestras habilidades y el supuesto valor que creemos que merece puesto en práctica y exhibido ante la sociedad o a nosotros mismo si se tratara de lo que no se ha podido tangibilizar todavía y por el sentimiento indescriptible y sumamente personal de lograr ganarse el control independiente de cómo y dónde irá su vida acorde con su persona y habilidades cuya validación depende casi en su totalidad de agentes externos a nuestro control y conocimiento, es decir, la expectativa y esperanza, la idea de ascender al trato de lo que uno debería ser y el deseo satisfactorio de lo que uno quiere ser.

O'Gorman, J., Representación Histórica de la Cultura

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El aspiracionismo sería entonces tanto prólogo como epílogo de los grandes eventos de la humanidad que hayan causado transformaciones de gran nivel en un territorio o en la sociedad en general en momentos cuando la población no le queda de otra más que adaptarse a los rebases de fuerza mayor para sobrevivir y, consecuentemente, sobrevivir para adaptarse. Así ha sido a grosso modo el ciclo que marca la identidad entre civilizaciones, dígase por conflictos bélicos, por causas ambientales, por precariedad de calidad de vida o por mera necesidad personal. La gente trabaja, estudia o migra para mejorar, siempre, ya sea también en casos no para mejorarse a sí mismo sino para mejorar calidad de su legado y descendencia en contraste con su origen, generalmente marcado por el conformismo estancado que se ve forzada la mayoría a aceptar y contribuir a la misma.

Uno espera que la calidad de donde vive sea equivalente a la calidad de sus intenciones y habilidades que uno desarrolla o mínimo que haya un respeto mutuo que permita al creador crear y alcanzar esa satisfacción psicológica que necesita para continuar con su ciclo propio de crear y merecer. Si hay prosperidad en aquella área, ciudad o país entonces esta le dará prosperidad al creador y su obra ¿verdad? Bueno, no necesariamente, la calidad de vida toma en cuenta la utilidad de aquellos que proporcionan sus habilidades como servicios, de una o cierta forma, a la gran maquinaria sistemática del estado, la economía o la industria las cuales, por su parte, estas fungen sus funciones en mantener y tratar de mejorar la calidad de vida de quienes forman parte de aquel sistema de aportación servil “voluntaria”, este es un ciclo generalizado y meramente funcionalista que solo toma en cuenta la precisión de protocolos de procedimientos y la efectividad de su resultado de manera tangible o intangible pero siempre fría.

Es muy difícil, casi imposible incluso, que el creador logre colarse a alguna de las fases de este ciclo sin demeritarse a si mismo y sus intenciones de creador a un segundo plano, prejuiciosamente catalogado como “menos útil” porque no aporta tanto a la maquinaria a diferencia de otros.

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Fotografía del movimiento estudiantil '68

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El creador puede formar parte del sistema sin estar incluidos de lleno; como los electrones en la estructura del átomo, pero no hay garantía que el sistema lo mire de vuelta ni mucho menos que lo integre de lleno a su maquinaria, no pasa a más que una esperanza basada en la expectativa de su obra. He ahí que el funcionalismo, extrapolando de la arquitectura y el diseño como sistema de la generalidad ha provocado un progreso necesario pero banal, relegando las expresiones de disfrute interpersonal como un excedente del cual se vale aprovechar en tiempos de abundancia o derroche para aparentar la anterior.

Cabe recalcar que el arte llega a ser usado como una herramienta para decorar la fachada de un progreso idílico con el fin justificar la sumisión de las masas bajo la bandera del orden, como bien se puede ejemplificar históricamente en los macroproyectos urbanos de estado durante el “Milagro mexicano”; época de abundancia económica nacional entre los 50’s y 70’s por la reconstrucción masiva de Europa y Asia después de la segunda guerra mundial, bajo un sistema económico proteccionista que generaba riqueza para el estado aunque fallaba en distribuirla, en cambio, se pretendió enaltecer la idea del progreso por medio de obras publicas ofreciendo total libertad creativa acatando con la condición de que la obra sea de índole nacionalista y popular, es decir, que le funcione al estado promover; o presumir, las ideas glorificadas del pasado con el fin de aludir al progreso de su presente pero, igual que las ideas realistas del pasado, sin promover un progreso equitativo reflejado en un avance social significativo y en un enriquecimiento cultural individual que permita el surgimiento, conceptualización, realización y aceptación de creaciones alternativas a las condiciones establecidas con el fin de reformar el mismo.

Rivera, D. (1922) Fragmento del mural La Historia de México

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Por lo que, en mi opinión, debió ser en extremo frustrante cuando a los, ahora catalogados, intelectuales del movimiento muralista y moderno mexicano les profanaban, no la obra en sí, sino su significado social y utópico por parte de quienes les proporcionaron las oportunidades de realizar dichas obras, bueno, sentirse utilizado se quedaría corto. Aunque como tal dicha “traición” por parte del gobierno a los ideales sociales que él mismo trató de inculcar a la población, esa formaba parte del núcleo característico que complementaba los pensamientos de estos mismos artistas en sus trabajos o en, directamente, acciones de “rebeldía”, tal se fue degradando esa relación entre estado y autores ante la inevitable exhibición de su fachada de un gobierno “socialmente responsable” que aquellas obras pasaron a ganarse la consideración, por momentos, de obras de protesta contra el gobierno curiosamente patrocinado y avalado por sí mismo. Las razones y ejemplificaciones gráficas de los “¿por qué?” de protesta varían dependiendo de las acciones del estado pero ese disgusto colectivo y esperado se ha convertido en una constante para las generaciones posteriores que ya no cuentan con el apoyo sistemático de desenvolver su obra a la magnitud de Siqueiros o Rivera sin dejarse moldear bajo las reglas y condiciones del estado, que al dejarse por ende este pierde la razón y relación total de los enaltecidos artistas del siglo XX. Cada artista, pintor, escritor y arquitecto de la época es un caso interrelacionado, o directamente relacionado, entre sí, que construyeron una identidad social pensante, alterna a la identidad oficial establecida por el estado que en resumen el propósito general de esta sería algo así como “no molesten a los de arriba y a ver si de paso aprenden algo”, mientras que la identidad alterna se basa de la prefabricada oficial para distorsionarla sin perder el punto de partida hasta obtener la autenticidad necesaria para uno y adecuada para distinguirse en un mural complejo y complementario de ideas y pensamientos variados interrelacionados entre sí por las expresiones de sus aspiraciones evocando a la noción alcanzable de una sociedad armónica, rayando en lo utópico incluso, diversa y complementaria de lo que debería ser la sociedad mexicana.

Es bajo esa perspectiva que el creador que elabora su obra vanagloriando las expectativas idílicas del estado, este pasa a dejar de ser autónomo a ser un empleado, parte de la maquinaria funcionalista durante el desarrollo de la expectativa a retratar mas no a cumplir. El dejarse patrocinar es una bandera roja que puede ser excusable, pero con el fin de satisfacer los intereses de un ente intangible y de fiabilidad dudosa sobre la satisfacción colectiva o mínimo individual del autor, has sido razón suficiente para los autores más radicalmente autónomos el excomulgar al creador de considerarse parte de la autenticidad que al final, tiene mayores posibilidades de ganar el juicio popular del tiempo.

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Para ejemplificar mejor esta idea en síntesis y entender un poco más este juego de ideales, me gusta relacionarlo con la trama de “Highlander”, una película de 1986 acerca de una búsqueda caza de seres inmortales que solo pueden reconocerse entre ellos hasta que quede el ultimo inmortal vivo, único de su clase, solo entre presencia y su pasado.

Juan O ‘Gorman resultó ser el último inmortal, genio precoz, artista incitador y profesional inmaduro, pionero del muralismo moderno en México, autor de la primera casa funcionalista de Latinoamérica, de los actores relevante en la identidad de la ciudad universitaria de la UNAM, docente respetado, artista multidisciplinario y multifacético y con aspiración de revolucionario en las artes para servir a la sociedad, se suicidó en 1982, mucho tiempo después de que sus colegas revolucionarios y amigos contemporáneos fallecieran, después de presenciar cómo sus obras fueron utilizadas como ornamento propagandístico, como el frío funcionamiento del sistema gira en torno a las funciones directas del individuo en vez del aspiracionismo colectivo, fueron ya con certeza los golpes latentes que presagiaban la eventual irrelevancia de los ideales de su obra como solo una peculiaridad idealizada del pasado en segundo plano.

Aunque esas cruces en la frente fueron las que más dolieron, su cruz en el pecho fue la fulminante tras la decisión ajena de demoler su obra arquitectónica más preciada y particular, la Casa de la cueva.

Fotografía de Juan O'Gorman

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La casa, diseñada y construida por O ‘Gorman entre 1948 y 1952, fue su bebé arquitectónico, no el primero, pero sí el más querido, se caracterizó por incorporar una cueva de origen natural con el fin de que fuera amigable con el entorno. habitó la casa con su familia durante 16 años, pero en 1969 el artista vendió la propiedad por necesidad económica con la única condición de no destruir la casa, sin embargo, las razones por las que finalmente fue demolida en su totalidad fueron desconocidas y totalmente ajenas a él hasta que ya fue demasiado tarde.

Con su muerte, muchos consideran, murió oficialmente no solo el muralismo mexicano, sino la rebeldía monumentalista, estética y apacible a las aspiraciones del colectivo, de lo que se debería guiar y a lo que debería ser la sociedad mexicana, una sociedad socialmente responsable y recíproca entre sí, una aspiración expresada únicamente, aunque ahora de manera más informal, en paredes pintadas hasta la fecha.

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¡

arturo González Lara

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I Estela Mi madre solía decir muchas frases con sabiduría, ella sostenía que la vida la tenemos que vivir y al vivirla que sea con mucha sabiduría. En una primavera floreaba una damasquina, aquel color naranja me llevo recuerdos del pasado, me sentía sola y no solía expresarlo, ella abrió la puerta de mi cuarto y me pidió cortar una flor para ponerla sobre su santo, el que le rezaba todos los días. Yo estaba tan feliz aquel día, el salir de mi zona de angustia cambió algo en mí y a la mañana siguiente busqué otra flor, lo mismo al día siguiente y así hice una costumbre de tantas flores que le deje a su santo; me acabé las rosas del jardín. Me tomó por el hombro y susurró suavemente al oído con su voz suave y tierna “Estela esta tierra quiere que le siembres flores, en ella vas a encontrar el amor que te hace falta”.

Yo pensé que me decía algo de esas cosas de novios y hasta me burlé de ella, no entendía a qué se refería, pero seguí su consejo de sembrar flores y con ello encontré una hermosa pasión; empecé a decorar sombreros, ropa, arreglos y artesanía.

Al verla en el templo reposando bajo las faldas de la santa virgen, vestida con su bello huipil, los pétalos de las flores que acompañaban su cuerpo parecían que lloraban con el viento, mis lágrimas escurrían sobre mi mejilla. Lloraba todos los días frente a un cristo de hierro que tenía en su cuarto, se hizo tan frecuente que él lloraba conmigo a veces. Fue un martirio perder a mi madre, me sentía desprotegida y sin consuelo, me había quedado sin familia. Yo me pregunto ¿Dónde se encuentra el alma? Estas cosas siempre quedan doliendo en el corazón y nadie nos cura el alma.

Un día llegó a mi casa y al cerrar la puerta vi una sombra que cruzó a un costado, cuando volteó ella estaba parada enfrente mío, así como tú lo estas ahora mirándome en este momento. Estaba sorprendida no sabía que decirle entonces ella alzó su mano y se despidió de mí, sin pronunciar ni una palabra, hasta luego le respondí, cuídate mamá, fue un momento muy bello, no me sentía angustiada, era como si quisiera darme a entender que ella estaba bien no necesitaba nada, ni cantos, ni misa, ni rezo, como si me dijese Estela estate tranquila.

Cuando eres muy joven no sueles medir el tiempo, que haremos con los minutos que nos quedan en este mundo, es lo que me solía decir mi madre. No me gusta pensar en la muerte, por que pensar en la muerte si estamos vivos, pero estoy consciente que todo llega y mientras llegue viviré con todas mis fuerzas. Desde aquel día entendí lo que quiso decir mi madre, supe que es lo que tengo que ofrecerle a la tierra. Yo estoy muy agradecida con el campo, no te imaginas la felicidad que la naturaleza me ha regalado, me dio la oportunidad de hacer lo que amo y ello nadie me lo puede quitar. Van pasar los años, van a pasar los días, las horas y los segundos, y yo seguiré entregada a lo que quiero hacer con ese tiempo que me queda.

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II Demetrio Si hubiera sabido todo el dolor que me hubiese dejado tomar aquel camino, repetir mi vida y volver a escoger de nuevo seguiría escogiéndola a ella, no me arrepiento de mi historia. Dicen por ahí que el que triunfa suele hacer fracasar a los demás por eso yo no quise arruinar la vida de algún desconocido y quedarme así – Empieza a reír a carcajadas- que risa me da acordarme de esa frase porque es tan real. La conocí en Sonora en un casino de esos donde la gente antes solía ir a bailar y yo solo era un mendigo fotógrafo de salón, cubría eventos, fiestas y las noches de copas de aquel lugar. Me quedé perplejo ante tal belleza, su forma atrevida de bailar levantaba la mirada de los hombres cuando se le alzaba la falda en la pista. En esa época yo era más atrevido y perspicaz, sabía bien que a la distancia con unas miradas ella me coqueteaba y yo que no perdía una oportunidad, la saque a bailar, si hubieras visto como me sonreía esa noche pues aquella melodía la bailamos como si fuese la última, éramos solo uno en la pista de baile, un ritmo único el nuestro. Y no paró ahí, todas las noches de casino estaban nuestros cuerpos volando sobre la pista hasta que un día me despidieron, todo porque se me olvidaba tomar fotos para bailar con ella, ¿el fotógrafo dónde está?, pues bailando con la bella dama de labial rojo. Aun que no me creas me case con ella sin saber su nombre, nunca me lo quiso decir y yo quería que se quedase en el misterio, le llamaba corazón, amor, meme como las memelas y a ella le daba mucha risa. La vida es un juego tu escoges el rol en el que quieres participar yo había escogido jugar a ser fotógrafo, pero en ese momento cambié de personaje y fui bailarín.

La conexión que teníamos en la pista de baile superaba a la química de nuestros cerebros, empezamos a vivir del arte participábamos en shows, concursos e incluso una vez salimos en televisión ahí con las estrellas grandes de la farándula del DF, que bueno ahora tengo entendido que se llama Ciudad de México.

En la escuela te enseñan fechas, datos y personajes históricos del país pero nunca te enseñan la autocrítica, nadie nos enseña a analizarnos a comprendernos, a conocer más de nuestras inseguridades para conocernos a nosotros mismos, es la autocrítica que nos hace más humanos, más realistas. Tenía muchas inseguridades en su momento, y ella veía en mí a alguien que ni los espejos reflejaban. Buscaba siempre la seguridad, la zona de confort como le llaman, no quería arriesgarme y ser alguien mejor, admiraba los trabajos de grandes pensadores, pero me aterraba mi pensamiento y no me atrevía a buscar dentro de mí todo lo que podía pensar, lo que podía hacer con mi mente y mis manos. Y fue ahí que empezamos a discutir durante todas las giras, eran peleas que no tenían fin, repetitivas y cada vez más violentas. Malestares muy tontos ella me decía cosas yo le decía cosas ella se enojaba por que le contestaba, pero yo me enojaba por que ella se enojara, era como si no fuéramos compatibles.

Ah, pero en la pista de baile arreglábamos nuestros problemas en cada espectáculo que dábamos, dejábamos todo del uno al otro y nuestras almas se volvían a conectar. Temíamos a dejarnos, yo lo sabía pero no me atrevía a expresarlo.

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Un día la llamaron de la academia de baile de puebla y me dijo -vámonos Demetrio, ven conmigo a puebla y formemos una vida junto en la ciudad, yo puedo bailar y tu puedes tomar fotos para la compañía, claro mientras encuentras algo mejor o incluso con lo que voy a ganar nos da para que te solo te dediques a escribir tu libro-.

Nos llenamos de temor a cualquier muestra de creatividad, tachamos de enfermos mentales a los que quieres usar su imaginación y sueña en utopías, preferimos ser como hombres pequeños que inhiben su creatividad distraídos con los prejuicios y las etiquetas que aprendemos de la televisión, los vecinos y la familia.

Se fue sin mí era obvio, yo seguí en Sonora por un tiempo, pensaba todo el tiempo, pensaba en el sofá, pensaba en el baño, en el asiento del camión, pensaba cuando comía e incluso cuando dormía. Tome valor para ir a Puebla y reencontrarme con mi esposa. Pero el problema, joven, como la iba a encontrar si yo no sabia su nombre, en todas las presentaciones inventábamos apodos como María la de las patas frías o Virginia la magnífica; yo no conocía Puebla y no tenía mucho dinero pero me presente en la academia de artes, corrí mucho ese día por que no podía pagar ni un camión que me llevase y con poco aliento grité: Alguien conoce a una mujer de un metro sesenta y cinco, pelo rizado, ojos castaños, nariz un poco desviada, el diente chueco, se deja la uniceja aunque no le sale, le gustan las plantas y los gatos y aunque sea fría en sus sentimientos ama a la gente que se preocupa por ella Uff que difícil fue pronunciar todas esas palabras, una señorita muy bella y esbelta se me acercó y me dijo -Demetrio eres tú- parecía alegre de verme -Ella se fue hace unos días le dieron una beca en la academia de ballet en Rusia me dejó esta carta es para ti ella sabía que vendrías, nunca dejó de hablar de ti ni un solo día.Cuando recibí el sobre no apartaba la mirada del mismo, las ansias me ganaron por abrirlo, las primeras palabras empezaban con algo como “Sé que nunca te dicho mi nombre pero en esta carta te lo escribo” diez hojas de lado y lado sobre una historia que ya había llegado a su fin. No tenía dinero para regresar así que me quede en puebla, nunca esperé volver a verla, nunca espere a que regresara por que yo sabia como ella sabía que solo servimos para bailar bien y punto.

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Victor Rivera

Caravaggio, M. (c. 1599) Judith y Holofernes [óleo sobre lienzo]

ENGRACIA Qué bueno que se murió Doña Engracia, aquí con los vivos ya nadie se acordaba de ella. ¡Y la pobre que tanto quiso a todos sus hijos se murió sola rasguñando la vida! Sólo Rosa, la única niña que tuvo, se encargó de ella, aunque con mucho pesar. Su hija a medias, por decirlo de alguna manera, porque se la regalaron. Cuentan que se metía a dormir con los animales en días de lluvia y que Doña Engracia siempre tenía un pan y cobijas para la niña. Los días en que el sol lo cubría todo, salía de entre los nopales y se ponía a comer las tunas que azotaban en la tierra. Se encariñó tanto con ella que el día en que su mamá tocó a la puerta y le dijo que le hiciera favor de cuidársela, ésta aceptó sabiendo que no volvería.

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Doña Engracia le enseñó a andar a caballo como las mujeres de esos tiempos; la enseñó a vestir con propiedad y a utilizar los cubiertos en la mesa como a ella le habían dicho. En otras palabras, la preparó para el matrimonio. Pero Rosita nunca se casó, fue por esa razón que se quedó a cuidar de ella hasta sus últimos días. Eso es lo que no perdona, que se le haya ido la vida, la juventud, cuidando de la señora porque, lo que sea de cada quien, hay que decir que Doña Engracia gozó siempre de una salud envidiable, la cual la llevó a vivir noventa y seis años. ¿Quién en su lugar no se hubiera hartado?

Pero le estaba platicando de Doña Engracia, a quien Dios tenga en su Santa Gloria. Vivió en una hacienda grande allá por Comitán hasta que cumplió los veinticuatro años y después ella y su familia se fueron hasta Texcaltitla. Decían que se habían ido porque uno de sus hermanos había matado a un hombre y que, el mismo día en que pasó, sus achichincles fueron a amenazarlas. A la misma Doña Engracia se le inundaban los ojos de coraje nomás de recordar cómo a ella y a Doña Rosario, su hermana mayor, les bañaron las piernas a balazos nomás para que se espantaran. La niña, que afortunadamente seguía con la costumbre de dormir entre los puercos, no escuchó nada, pues el corral estaba hasta el otro lado del rancho, sino Dios sabe qué tanto le hubieran hecho. Todo eso Rosita se lo debía a Doña Engracia.

Total, que ya en Texcaltitla, su padre, Don Cayetano, que había hecho muchos compadres durante los años de la Revolución, consiguió que uno de ellos, Don Jorge, le vendiera un rancho más pequeño, pero fue ahí en donde se le acabó la vida. Dicen que en Comitán le quitaron sus tierras porque jamás volvió por ellas y que se gastó casi todo su dinero buscando a su hijo, pero ya jamás lo volvió a ver. Doña Engracia tampoco volvió a ser la misma. No se le vio llorar nunca por la ausencia de su hermano, en cambio, se volvió fría y distante con todos. Sólo tenía palabras dulces para Rosita, y dividía el pan que comía con ella. Fueron años difíciles en los que no se hablaba de nada. Las comidas familiares eran silencios profundos que sólo se interrumpían con los ruidos de Rosita cuando algo no le gustaba, o con algún que otro carraspeo de Don Cayetano, quien ya ni siquiera tocaba su comida.

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Pero no fue sino hasta que Doña Rosario anunció su casamiento con Don Gabriel, un comerciante de Santiago Tulantepec, que Doña Engracia sintió que la vida se le había acabado. Se sintió humillada porque ya para entonces sus otros hermanos se habían ido a la Ciudad de México, y las únicas que quedaban en Texcaltitla eran ellas dos. Peor era que, ya a los veintinueve años, Doña Engracia era conocida como la viuda del pueblo, aunque nunca se casó. Decían que su marido se le había muerto en Comitán y que ella sola se hacía cargo de la niña, todo para evitarse vergüenzas. Aunque eso también le daba mucha rabia, porque había dejado muchos pretendientes cuando vivía cómodamente en el rancho, pero en Texcaltitla la cosa era distinta, de riquezas ya no gozaban y por eso nadie se interesaba por la segunda hija. Yo creo que le tenía tanto coraje a su hermana porque, como quiera que fuera la cosa, ya se iba a casar, y Doña Engracia se iba a quedar ahí, cuidando de sus padres y de Rosita ella sola. “Eso sí que no” le dijo a Doña Rosario. “Si tú te casas, ese mismo día yo me voy y no me vuelves a ver”. Doña Rosario no le creyó y se casó algunas semanas después. El hecho es que Doña Engracia desapareció con Rosita. Mucho tiempo nadie supo a dónde se habían ido. Ese día Doña Rosario encontró a Etelvina, la única muchacha que se llevaron de Comitán, llorando en la cocina. “¡Ay, niña!, no me lo va usted a creer. La niña Engracia se fue con Don Jorge y Rosita. Se llevó también las escrituras del terreno”.

De ahí en adelante pasó su vida aquí en Tulancigo, en esta casa. Pero Doña Engracia nunca pudo ser feliz. Don Jorge le vio la cara y no dejó de engañarla y de gastarse el dinero en el alcohol y en las mujeres de la cantina. Días pasaban en que no volvía y la niña y los dos niños que eran de Don Jorge tampoco comían nada, entonces Doña Engracia salía a la calle toda cubierta de rebozos y vestidos por si alguien llegaba a reconocerla y salía a vender la ropa que le quedaba de aquellos días del rancho. Por un tiempo eso fue suficiente, pero cuando Don Jorge murió, algunos años más tarde, Doña Engracia vendió las escrituras de su hermana y de esa forma pudo alimentar a sus entenados hasta que tuvieron edad suficiente para trabajar. Miguelito, el más pequeño, hacía mandados a las ancianas del lugar y sirvió de monaguillo unos años, pero luego ya no quiso y quién sabe qué más hizo, porque la verdad es que se la pasó pegado muchos años de su vida a Doña Engracia hasta que ésta le dio las escrituras de una casa que Don Jorge había dejado en Acaxochitlán, luego de eso nadie recuerda haberlo visto de nuevo. Doña Engracia siempre decía que Miguelito era un niño muy bueno, que no entendía por qué nunca se quiso casar, nunca se le conoció una novia. Si me lo pregunta, Doña Engracia no quería que él se casara. ¿Cómo te dijera yo?, no quería que sus hijos la dejaran sola, como todos. Con Jorgito la cosa fue distinta.

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Él siempre fue de carácter fuerte como su padre y cuando cumplió diecisiete años dejó encinta a una niña del pueblo y se casaron ahí mismo. Ese día, Doña Engracia le dio la última bendición, aunque claro que ella no supo nunca que era la última, entonces a lo mejor no se lo hubiera dado. Pero ella lo quiso tanto que decía a todas las comadres que Jorgito le mandaba dinero y regalos caros de todas partes del mundo. Doña Engracia lo quiso más que a Rosita y más que a Miguelito, aunque nunca lo decía, son de esas cosas que se saben pero no se dicen. Sin embargo se sabe que Jorgito nunca la quiso.

Doña Engracia volvió a ver a su hermana el día que se enteró de que su padre se había muerto. Supo e que la misa iba a ser aquí, en Tulancingo. Cuando se encontraron, se saludaron cordialmente, pero sin decir más. Muchos años pasaron de la misma forma, viéndose en la misa. No fue sino hasta que la hija menor de Doña Rosario nació que las hermanas volvieron a frecuentarse. En un principio Doña Engracia insistió en que las reuniones fueran en su casa, quizá porque tenía mucho miedo de volver a Texcaltitla y volver a quedarse sola, o a lo mejor por el orgullo que tenía de no dejarse vencer ni siquiera por su hermana.

Al pasar los años, cuando Doña Rosario y Don Gabriel compraron un terrenito en Santiago, era Miguelito el que se ofrecía a llevar a Doña Engracia a casa de su hermana.

Rosita, en cambio, se había vuelto distante y no veía la hora de encontrar a un buen hombre que la sacara de ahí, así como Jorge le hizo con la muchacha que se llevó, pero cada que quería salirse de la casa Doña Engracia le recordaba cuando la recogió en el chiquero, revolcada en excremento de puerco y comiéndose los tunas que azotaban en la tierra. Cuando eso ya no era suficiente, Doña Engracia se empezó a inventar enfermedades y síntomas con tal de que Rosita no saliera, pero como ya le había dicho, ella siempre fue muy sana, y aunque no le creía, de todas formas se quedaba. Pero de la Rosita amorosa ya no quedaba nada. No pudo perdonar a sus hermanos porque Miguelito se fue de casa apenas tuvo las escrituras en sus manos y Jorgito no quiso quedarse con una señora que no fuera su madre.

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Fue así como Doña Engracia se fue acostumbrando toda su vida. Don Jorge se le había muerto pronto, sus hijos la abandonaron en cuanto vieron la oportunidad, y al cabo de unos años le fue imposible visitar a su hermana, porque ya eran demasiado viejas. Sólo Rosita se quedó ahí, pero dicen que ya para sus últimos días tampoco cuidaba de ella. Las hijas de las comadres que tuvo Doña Engracia decían que Rosita se la vivía de cantina en cantina buscando acompañantes, y que dejaba le ponía llave a la chapa. Miguelito sólo volvió para su misa, pero cuando le llamaron a mitad de ésta, salió del templo y ya no regresó.

En fin, le digo que Doña Engracia está mejor muerta no porque me dé gusto, sino porque nadie la quería ver en vida. Sin embargo, aquí le estamos llorando a su ataúd como si nos cambiara la vida que se haya muerto. El día en que yo la visité por última vez, con perdón de usted, se me salieron las lágrimas, también a mis hijos, y eso que ellos ni la conocían. Es que ya no era la misma. La encontramos cubierta con una sábana deslavada y repleta de agujeros. Tenía la cara como chupada, sus ojitos verdes ya estaban irreconocibles por las cataratas. Su piel estaba ya tan fría que parecía que sólo esperaba que alguien la viera en ese estado para finalmente morirse. Cuando escuchó mi voz en el cuarto y sintió mi mano sobre la suya sonrió con su boca despostillada, con el encanto que guarda una niña que ha jugado todo el día hasta quedar exhausta.

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Carolina Gómez

Entrevista a

SANTA SANTA FAKE FAKE

Santa Fake es una banda conformada en la ciudad de Tijuana, de electro pop fusión, que mezcla la sátira con la fantasía. Después de casi un año sin entrevistas a bandas y músicos, nuestro primer invitado del año 2022 es la banda Santa Fake, ¡estamos muy emocionados!

Karen: Somos tres, somos Waldo, que es el tercer integrante de la banda, es de Tijuana y a él lo conocimos allá. Y pues Elí y yo, y ahorita también ya se incorporaron otres musiques a la banda, porque tuvimos una sesión en vivo que grabamos, pero pues sí, vamos creciendo de poco en poco, así hemos podido trabajar con otras personas que se han ido sumando. ¿Cómo nació la idea de crear a Santa Fake?

Elí: Pues yo conocí a Waldo, él me dijo que tenía unas canciones y pues yo como produzco música, artistas, dijo “hey, prodúceme unas rolas” y pues me las mandó y me gustaron, y le dije que mejor había que hacer una bandilla. Y no sé, como que llegó una vez que estábamos trabajando las rolas y la Karen le empezó a meter como una letra ahí y ya empezamos como de “ah, sí está curada, hay que hacer algo así como electro pop”.

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Karen: Sí, como algo electrónico. Eso fue como a finales del 2019 y ya fue la pandemia en el 2020, casi no nos vimos, no habíamos ensayado casi nada, pero había unos demos, unas maquetas de música que había empezado Waldo y pues ahí estaban esas maquetas…

Elí: Creo que ya las habíamos empezado.

Karen: Pues ya las habíamos escuchado, ya habíamos hecho algunas cosas pero nada así como oficial. Ya en la pandemia pues estaba como una canción que era la más definida, que es Arándano, esa es parte de las rolas que están en las plataformas. Esa dijimos pues hay que sacarla, hay que hacer algo, hay que hacer un videoclip que grabemos con los celulares y ahí ya X, lo subimos, jajaja. Así le hicimos y pues nos gustó mucho, de ahí ya sacamos los otros dos singles que son “Bruj3s” y “Andrómeda”, pero eso fue más adelante. ¿De dónde viene el nombre? ¿Cómo se les ocurrió “Santa Fake”?

Karen: Pues es que también desde el principio como que queríamos hacer algo así como que muy fantástico, como muy fantasioso y jugar mucho con la ficción y también verlo desde una perspectiva un poquito absurda, incoherente, pues así como entre sátira pero sí en serio, algunas cosas son ciertas, pero también con mucho y mucha libertad, pues ser así niñes/niñxs y andar jugando con la imaginación también. Como también traíamos mucho el cotorreo de que nos sacaban de onda así los lugares como residenciales y fraccionamientos que tenían así como realidades bien falsas, para nosotros “Santa Fake” era como el nombre de un lugar falso, artificial, donde puedes estar tergiversando las cosas y pues tratando de decir las cosas más allá de lo realista.

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Elí: Sí, es que ahí en Tijuana hay un fraccionamiento que se llama Santa Fe, y pues como que tenía esta relación.

Karen: Sí, le robamos un poco el nombre para cambiarlo.

Elí: Creo que en todas partes hay un fraccionamiento que se llama Santa Fe, es como un fraccionamiento fraccionado.

Recordando las fotografías que suben a Instagram podemos ver esto, cómo hablan de lo satírico y de un universo totalmente diferente, pero también en ellas podemos ver hasta cierto punto lo teatral. ¿Cómo es que ustedes unieron el teatro y la música?

Karen: Pues ahorita aún no presentamos como un espectáculo en vivo, que se quedó en video, pero aún no hemos tenido nuestro primer contacto escénico, entonces eso también los estamos trabajando y estamos pensando de qué manera podemos generar convenciones y a manera de juegos en vivo cómo podemos involucrar al espectador y también cómo podríamos unir puentes entre escenas y la música siendo ya una tocada en vivo. Pero, desde la parte digital, que ahorita es lo que hemos estado haciendo, pues no es meramente teatro, pero sí hay muchísima teatralidad y esta energía extra-cotidiana, así como llevándolo mucho a lo exagerado, como a lo elevado, sí tratando de resignificar ciertos elementos. Y que sean familiares para la gente, que también tengan como un doble sentido o un subtexto ahí que a lo mejor si lo puedes pensar de diferentes maneras.

Comentaban un poquito sobre las producciones que han tenido, primero fue la música y después quisieron hacer sus videoclips, ¿incluso dijeron que los hicieron con teléfono?

Elí: Sí, con mi IPhone.

Y, ¿cómo toman sus fotos? Porque tienen una identidad visual súper importante y muy impactante, una súper producción. ¿Cómo logran eso?

Elí: Pues depende de qué fotos. Porque las últimas si nos las tomó un fotógrafo y luego las mandamos a editar como al gusto que queríamos, con alguien que imitaba ese trip como de… X-Men casi, casi.

Karen: Ahorita estamos trabajando directamente con un amigo nuestro que es muy querido y es fotógrafo, se llama Anthuan Castro, él nos tomó las últimas fotos que son unas fotos que salimos como con colores.

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Él nos tomó esas fotos, y hay algunas que son de día, que son las fotos naturales que ya subimos y otras que estaremos subiendo, pero también como comentó Elí, luego ya otras las mandamos a editar con otra persona que se llama Cristopher Escalante, edita fotos y tiene ahí su Instagram, edita así muy neón, muy 3D, muy locochón. A él lo encontramos en el internet y tenía una promoción, así que le preguntamos “¿cuánto nos cotizas unas fotitos?”, y logramos comunicarnos muy bien con esta persona porque pues realmente le mandábamos las fotos y le explicábamos “mira, esta foto, quiero que este rosita, que sea romantica y que tenga maripositas y que esté como que de una sensación muy cute”, como muy bonita; o “esta foto quiero que sea como que más tóxica, más eléctrica” y así le iba explicando sensaciones y le mandaba también de sus mismas fotos ya editadas y ya él me las regresaba a los días y me preguntaba “¿qué te parece?” y pues perfecto. Y también, antes de esas fotos, otro compa nos estaba ayudando con video y foto, él se llama Joselu Castañeda Elí: Hicimos el video de Andrómeda con él, porque ese sí es el único que no hemos hecho con IPhone.

Karen: Ah, ese fue con un drone. Y él también nos tomó unas fotos con luces apagadas y con unas luces neón, y ya con su flash disparó y salieron unas fotillos medio loquillas y místicas, también están muy cool. Pero siempre en los conceptos sí somos muy fieles a que sea súper mágico, que sea súper fantástico y heroico, así hasta como cringe y medio cursi.

Nos dicen que empezaron grabando con un IPhone, luego fueron cambiando con un fotografo, pero supongo que esto también está pasando con su música, ustedes también la graban. ¿Nos pueden contar sobre este proceso?

Elí: Pues… primero el Waldo y yo como que hicimos un estudio, el tiene sus cosas para grabar y yo en mi casa, de eso trabajo, tengo todas las posibilidades para cualquier cosa que se necesite

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[...] nos vamos intercambiando ideas, luego yo me encargo de la imagen final, dirigiendo y como que metiendo detalles, tambores, baterías, o lo que necesite la rola.

Y ya, cuando graba la voz ella, nada más la voy dirigiendo; cuando hace la letra me trato de involucrar también, para que no sea meloso demás.

Karen: Ay, sí, es que dice que soy cursi, entonces ahí tengo que cambiar ciertas cosas, porque la gente de repente… no es que no esté padre, pero a veces a la gente cuando le pones mucha fresa con crema se empalaga, dicen “no todo es así, amiga” y pues sí. Como comenta Elí, tenemos el privilegio de poder tener ciertas herramientas en casa que nos han facilitado el poder grabar. [...]

A lo largo de las entrevistas que hemos hecho a otras bandas, nos hemos dado cuenta que la forma de grabar varía mucho. Algunos nos dicen “yo tengo mi estudio en casa”, “yo nada más grabó con la computadora” u otros dicen “grabamos en un estudio profesional”. ¿Qué diferencia hay entre grabar en un estudio casero y uno profesional?

Elí: La diferencia podría ser, tal vez, que en un estudio profesional entras a un cuarto grande para hacer un efecto del room que quieres, de la batería. También, tiene mucho que ver que está aislado entonces le puedes subir y no se va a meter ningún ruido de fuera. Pero, en realidad si sabes grabar puede ser como el mismo resultado o hasta mejor, ahora hay un nuevo género que se llama Bedroom Pop, entonces todos ya trabajan desde su habitación. Con el tiempo esto se va creando un tipo de sonido, una especie de sonido, que después quizá la gente diga en el futuro, como de culto y puristas del Bedroom Pop: “Ay, es que así suena más acá”. Tienes un cuarto chiquito, no necesitas algo gigante, pero obviamente también el estudio de grabación te proporciona equipo de la más alta calidad. Pero, al final la gente ni se da cuenta en qué grabas, el alma de la canción habla por sí sola.

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No sé si sea mucho pedir, pero ¿podrían darnos un recorrido por su estudio?

Elí: Pues wacha, la neta estoy en Mexicali y me traje lo más esencial para trabajar. No estamos en Tijuana, pero aquí tengo algunas cosas… Para conocer su equipo de grabación, visiten nuestro canal de YouTube. ¿De dónde sacan inspiración para sus canciones? ¿Son historias, son sentimientos?

Elí: Fíjate que nada más es pensar que estamos morrillos, como en la primaria e imaginar. Creo que eso es lo más esencial que hacemos, jugar a que estamos morrillos y de ahí nos vamos, empezar a imaginar sin prejuicios de adulto.

Karen: Sí, no pensando “esto se va a escuchar perfecto” o “esto se va a escuchar muy virtuoso”, pues más bien es jugar, experimentar, hacer voces, inventar personajes, movernos y dentro de ahí rescatar las cosas que funcionan y decir “mira, esto está interesante”. También, nuestras letras están cargadas de muchas historias y más metáforas que literalidades, pero también tratando de pasar por cierto mensaje político y tocar otras fibras de lo narrativo. [...]

La canción “Bruj3s” la grabaron con Coyo Licatzin y Ángel Peralta, justo en ese mismo año tuvimos la oportunidad de colaborar con ella. Acababa de sacar su video “Llueve sangre en la ciudad”, que fue increíble.

Karen: Sí, pues justo cuando te comentaba que puedes tener una canción que no está súper grabada y es con tu guitarra, o con tu celular, estaba pensando en Coyo. La primer versión que subió de esa canción, fue un video que se súper viralizó pero porque Coyo canta precioso y compone precioso, y cuando estábamos con esa rola pues Elí, así en su trip de productor, dijo que necesitábamos una voz oscura para que contrastará con la mía que es un poco más aguda.

Así que estuvimos buscando y buscando, pregunté a un compa de Xalapa, de teatro, le dije que si no conocía a alguien que cantara así, que tuviera estas características medio jazzeronas, medio soul, y me dijo “pues esta morra, Coyo Licatzin”.

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Le escribí y dije “a lo mejor no nos pela”, porque pues tiene su público, pero bueno, voy a hacer el intento. Pero desde el primer momento la morra súper buena onda, se portó súper linda, un corazonzote hermoso y bien talentosa aparte. Ella escribió parte de la rola, que son las partes donde canta, las partes de rap (más como hablado rítmico), y ahí le estuvo agregando voces. La verdad es que la colaboración con ella estuvo muy muy padre, estuvo increíble. ¿Cómo trabajaron con ella? ¿Todo fue de forma virtual?

Karen: Sí, pues le mandamos el demo de la canción que había en ese momento. No tenía muchos elementos realmente, la orquestación no la tenía, no tenía voces en ciertos lugares, la única voz que tenía en ese momento era la mía toda desafinada, y pues así se lo mandamos. Y súper linda, accedió súper rápido, dijo “sí le entro”, me dijo que era algo diferente a lo que usualmente hacía, pero quería intentarlo y ver qué podía sacar de esta experiencia. A partir de que le mandamos ese demo y la letra, ella nos mandó un audio donde le agregaba ciertas cosas cantando encima del que ya le habíamos mandado. [...] ¿A ustedes como banda cómo les fue con la pandemia?

Elí: Fue creativa, pero en el ámbito laboral si fue pesado porque no había eventos, no había tocadas, no había obras de teatro, nada de entretenimiento y muchas veces de ahí sale para la renta. Lo bueno, es que a mi me llegaron trabajos de producción, porque todos como que se pusieron a explorar, a crear, así que me llegaron bastantes jales que me sacaron del apuro.

Karen: Fue un cambio muy drástico, si estábamos muy acostumbrades a tener la vida de cierta manera, todo era muy presencial, de andar en los ensayos, funciones, era un momento en que tenía más actividad teatral. [...] Pero estuvo cool, porque empezamos a concentrar todo hacia lo digital, un poquito más de esfuerzo. [...]

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La última pregunta, ¿tienen algún proyecto para este año?

Elí: Tenemos unas colaboraciones con una amiga que se llama FRNCE, que yo produje, va a estar sacando su primer disco que creo sale el 21 de enero. [...] Hace como una semana grabamos ahí unas voces para un nuevo sencillo que tenemos planeado sacar…¿Control, se llama?

Karen: Nooo, no se llama Control, la canción se llama Colapso. Pero ahorita, primero vamos a terminar de sacar las otras versiones de los singles en vivo de la sesión que participó en el festival virtual de Sonic Saliva y un cover que hicimos de un videojuego que también fue parte de eso. Además, cuando saquemos ese álbum completo y que ya esté en todas las plataformas, va a venir una sorpresita, un track que vendrá ahí escondido para que también lo busquen y lo chequen, y también estamos haciendo otra colaboración con otro amigo, que es el que estuvo organizando el festival virtual, se llama Sach y también es productor en Mexicali. Y con otros artistes, ahorita andamos haciendo lazos después del festival. [...] ¡Luego viene el álbum completo!, pero una cosa a la vez.

Karen: Hemos tenido buena respuesta con los medios independientes, estamos súper agradecides. Y también con ustedes, muchas gracias por invitarnos, porque para nosotres es bien importante y bien valioso que nos den estos espacios para poder hablar y comunicar cuál es nuestro rollo.

Elí: Que haya medios independientes es muy importante, por el criterio de las personas pues, no es un criterio comprado.

Karen: Sí, el de la industria pues, que es hegemónico y nada más tiene cabida para ciertos tipos… y nosotres tenemos ciertos privilegios, pero también hay otras personas que están ahí y hacen música, que tal vez no tienen los medios, pero hay que buscarles y encontrarles, porque talento hay en todas las calles, pero justo estos medios nos dan la oportunidad de que se le ponga el foco a otras cosas más allá de lo súper producido.

Agradecemos a Santa Fake por esta entrevista. Para escucharla completa, visita nuestro canal de YouTube o podcast en Spotify.

No olviden seguirlos en sus redes sociales y plataformas de streaming Insta: @santafakemusic Spotify: Santa Fake

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Mónica Alemán

@moonocroma

OCITÓNPIH

El pensamiento obsesivo tiene lugar a partir de una idea o problema, que pasa a generar más y más preguntas en lugar de soluciones, generando a su vez, incertidumbre.

Hipnótico, es el nombre del proyecto que nace de la necesidad de exteriorizar el estado mental de los pensamientos en bucle, ya que a medida que pasan los años es una situación más recurrente dentro de la cotidianeidad ocasionando a su vez desgaste emocional.

Trabajar en digital permite la exploración de un estilo gráfico, proveyendo herramientas que permiten generar un reflejo de la percepción propia ante las situaciones del entorno.

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La serie se originó como un proyecto de la universidad para la clase de representación pictórica, era la primera vez que trabajaba retratos de gran formato al óleo; sin embargo, cada vez que me sentaba a pintar notaba más errores, fallas en la anatomía, descuidos en la simetría; se deformaba completamente de lo que alguna vez fue la idea inicial. Trabajé la pieza por dos meses aproximadamente y al final no pude estar satisfecha con el resultado.

Intervenir la pintura con arte digital permitió redimirme y materializar tanto las imágenes como pensamientos que predominan en aquellos dos meses de trabajo a partir de la autorreflexión. Los títulos que prevalecen en cada una de las imágenes se encuentran influenciadas por contenido que consumía en la época que lo realicé, el libro Intersecciones Arbitrarias de una Mente Estresada escrito por Ego Rangel y la música más reciente de Little Jesus, específicamente.

Todo es un mal viaje Moonocroma Óleo e intervención digital (2021)

Lo mismo toda la semana Moonocroma Óleo e intervención digital (2021)

Abstraída Moonocroma Óleo e intervención digital (2021)

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¿Hasta cuando cuando mucho?

M.i. Flores Nachón

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Hace unos días tuve un debate en el cuál no se debatió nada, porque ambas partes estábamos de acuerdo sobre el tema; la broma interminable que es el arte. Parece ser que enero en mi columna se ha vuelto un mes de reflexión sobre la existencia del arte, en esta ocasión el corazón temático de Catártica me permite una vez más, hundirme en la más profunda constelación de mis pensamientos, un tren de inconsistencias coherentes sobre mi elección de estudios.

Orozco, G. (1993) Caja de Zapatos.

El Arte -con mayúscula- como una práctica en la que se plasma el sistema de pensamiento del mundo, ha sufrido una serie de cambios, evoluciones y revoluciones, sucedida justamente por los cambios en el weltanschauung. ¿Qué es ahora el arte, en un mundo en el que los NFTs son la máxima inversión? Primero que nada, creo que el arte sigue siendo la mentira del artista; el arte es un tapetito de yoga.

Me gusta pensar y entender la historia del arte -sin mayúscula- no como una línea recta, porque sabemos que los desarrollos no son lineales, y por el contrario, habrá líneas curveadas, intermitentes, cruzadas, enredadas, múltiples líneas históricas sucediendo al mismo tiempo, múltiples producciones artísticas entrecruzando y reproduciendo entre ellas.

Manzoni, P. (1961) Mierda de Artista.

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Hirst, D. (1961) La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo.

Pero también es importante reconocer que La Historia del Arte -con mayúsculas-, ha tomado en cuenta las menos líneas entrecruzadas posibles, enfocándose mayormente en una línea histórica de producción occidental / occidentalizada. Muy blanca, muy heteronormada, muy europea, muy católica. Totalmente hegemónica. Dictada por un grupo de poder, el círculo alto que decide y escribe. El círculo ha marcado cada línea, y ninguna ha sido curva.

El Arte, durante mucho tiempo, iba de acuerdo a los discursos estéticos ligados a las nociones de belleza que fueron impuestos por la hegemonía. La producción artística estaba relacionada directamente a la solicitud del mecenas, familias históricamente famosas como Los Medici, interminables listas de papas, reyes y altos funcionarios, que tenían la solvencia económica y suficiente poder social para controlar y gestionar un gusto colectivo.

La broma interminable del arte es cuando el papel se voltea, y el artista se convierte en el más inteligente bufón de las cortes reales. El artista se convirtió en su propio dictaminador, y su mentira se convirtió en su arte, con una fuerza y control del gusto colectivo, a partir de un discurso bien ensayado y estudiado. Hemos llegado al punto de la historia no lineal en la que el arte vuelve a tratarse de un vehículo para entender el mundo. ¿Qué son los NFTs y su consumo con vehemente tasación, si no un espejo de la sociedad?

Una de mis anécdotas - y llamo anécdotas por lo que conllevan las obras, más allá de el producto- favoritas en los puntos cercanos de las líneas de la historia del arte, es la Caja de Zapatos (1993) de Gabriel Orozco, Mierda de Artista (1961) de Piero Manzoni, La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo (1991) de Damien Hirst, y por último Girl with Balloon re titulada como Love is in the bin (2018) por Banksy. Todas las anteriores no son pues más que un engaño al círculo hegemónico, que termina por consumir lo que el propio artista se autoaplaude.

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he Bin. e is in t v o L / n Balloo irl with G ) 8 1 0 , (2 Banksy

Más allá de lo que pueda llamarse como una broma maestra, una técnica impecable, una estética inentendible, las obras de arte que ahora consumimos son una ruptura, dolorosa e incomprensible para algunos, divertida y genial para otros. Divertido entender, cómo es que la mentira del artista, termina por ser su obra maestra, objeto de consumo desmedido, con una firma mucho más cara que el propio producto. El arte evoluciona y revoluciona según la vida lo plantea, y el artista es de lo más inteligente por entenderlo, y enredarnos las puntas de los pies con sus hilos transparentes. ¿Hasta cuando, cuando mucho, es mucho?

Considero que no hay punto límite en el arte. Todo se ha visto, pero nos falta todo por ver. La broma es interminable.

Acompaño en el aplauso al productor que se burla y se divierte, con la obra que protesta, la obra que engaña, que enoja, que molesta, que rompe y desafía.

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