Revista Enfoque visual ed 32

Casos de éxito

La academia fotográfica y sus egresados Reportaje Especial - Primera Parte.

VERSIÓN DIGITAL EN ZINIO Smartphone / Tablet / Laptop

Número 32 Septiembre 2015 - Noviembre 2015 Colombia: $10.500 ISSN 2011-1355

3 Fotógrafos, un mundo entero

Esteban Toro, Mauro González y Jonathan Manrique

Proyectos fotográficos enfocados en fotografía de viajes, paisaje y retrato documental.

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REVISTA ENFOQUE VISUAL / Septiembre 2015 - Noviembre 2015

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Septiembre 2015 - Noviembre 2015

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SUMARIO

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TOMA FINAL

Buscando el “Tono” de la imagen.

Fotografías con múltiple exposición.

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Dr. CÁMARA

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PARA REALIZADORES

* Sony Cyber-shot RX100 II. * Panasonic Lumix FZ300.

Trabajar con actores parte 2.

Lugar: DESIERTO DE AGAFAY,

MARRAKECH, MARRUECOS.

Autor: Mauro Gónzalez.

Título: “A Horse With No Name”

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PROYECTOS FOTOGRÁFICOS

ESPECIAL FOTOGRÁFICOS 3 Fotógrafos, un mundo entero.

EDICIÓN NO. 32

Sumario 6

66

Bandera.

Fotoportada.

Consejo editorial.

Editorial.

Opinión.

Arte y fotografía.

Calendario de eventos.

Actualidad.

Producto destacado.

Universidades - Casos de exito.

Siete Fotografos.

Santa fe de Antioquia.

Rock al parque.

La guía.

110

Portafolios.

138

Técnica fotográfica.

158

Tecno video.

166

Libros.

168

Comparativos.

8 10 12 14 18 22 24 32 40 54 56 60

AÑO 10 - EDICIÓN 32 Septiembre 2015 - Noviembre 2015 Cll 1B No. 37A- 04. Bogotá-Colombia Téls.: 409 4479 / 727 4173 - Telefax: 811 4138 info@revistaenfoquevisual.com www.revistaenfoquevisual.com Bogotá - Colombia

Director / Editor César Pérez. director@revistaenfoquevisual.com

Consejo Editorial William Arango, Gabriel Vélez, Alberto Rosas, Jairo Santa, Ricardo Gutierrez, Gustavo Pérez, Juan Montañés, Arley Acosta.

Director Comercial Alejandro Pérez. comercial@revistaenfoquevisual.com

Directora Mercadeo Ingrid González. mercadeo@revistaenfoquevisual.com

Directora Administrativa Gloria Flórez. administrativo@revistaenfoquevisual.com

Diseño Gráfico y Diagramación Laura Sanabria. diseno@revistaenfoquevisual.com

Periodista / Corrección de Estilo Juana Buitrago. periodismo@revistaenfoquevisual.com

Experto Digital / Preprensa Digital Andrés Gachancipá.

Columnistas William Arango, Juan Montañés, Diego Balanta, Andrés Quiroga, Gustavo Pérez, Germán Ruiz, , Iván Gómez, María del Pilar Rodríguez.

Expertos invitados Juan Guillermo Montañés, César Martínez, Jairo Zambrano, Henry Agudelo, Ricardo Gutiérrez, Gustavo Pérez, Paul Gómez, Andrés Parra.

Colaboradores Hugo Rua, Andrea Camacho, Proimágenes, Diego Sánchez, María del Pilar Rodríguez, Wacom, Fundación Arts Collegium, Kingston Colombia, Academia Yurupary, Academia de Fotografía del Valle, LCI, Taller 5, Labloom, Esteban Toro, Mauro González, Jonathan Manrique, Kevin Molano, Editorial Maremágnum, Sony Colombia, Revista Tv&Video, Idartes, Festival Rock al Parque, Planetario de Bogotá, Sectavialactea, Festival Fotográfico de Santa Fe de Antioquia.

Colaboradores Internacionales Francisco Mata Rosas.

Suscripciones Nacionales suscripciones@revistaenfoquevisual.com

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Versión para Dispositivos Móviles ISSN 2011-1355

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Grabación y monitoreo de calidad profesional para cámaras SDI y HDMI con Blackmagic Video Assist El nuevo Blackmagic Video Assist es lo último en materia de monitores para el set de producción y brinda la posibilidad de grabar o supervisar imágenes mediante cualquier cámara SDI o HDMI. La pantalla brillante de 5 pulgadas facilita el encuadre y garantiza un enfoque perfecto. Asimismo, el dispositivo permite utilizar tarjetas SD comunes para almacenar archivos en formato DNxHD o ProRes 4:2:2 de 10 bits con una calidad muy superior a la de la mayoría de las cámaras disponibles en el mercado. A su vez, estos archivos son compatibles con todos los programas de edición. De esta forma, resulta sumamente fácil incorporar dichas prestaciones a cualquier tipo de cámara.

Monitoreo en alta definición El nuevo Blackmagic Video Assist dispone de una pantalla HD brillante con una resolución de 1920 x 1080 cuyas dimensiones son superiores a las que es posible encontrar en la mayoría de las cámaras. Se sujeta directamente a estas o se conecta mediante un cable más largo a fin de que el director pueda sostenerlo en la mano al componer distintos planos y tomas. Este dispositivo incluso permite monitorear fuentes en definición UHD.

Grabación profesional en alta definición Con el nuevo Blackmagic Video Assist es posible prescindir de los formatos comprimidos con pérdida de información que utilizan la gran mayoría de las cámaras DSLR. El dispositivo permite utilizar tarjetas SD de gran velocidad para almacenar contenidos en formato DNxHD o ProRes 4:2:2 de 10 bits con calidad profesional.

Asimismo, se puede configurar para que la grabación comience y se detenga en forma automática al presionar los botones correspondientes en la cámara. Los archivos obtenidos son compatibles con los principales programas de edición y etalonaje.

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Pantalla táctil funcional El monitor incluye una pantalla táctil que facilita en gran medida el uso y la configuración del dispositivo. Al tocarla o deslizar el dedo sobre la misma, es posible realizar ajustes, ver información de la cámara o comprobar la exposición y la intensidad del audio. El modo de visualización es elegante y semitransparente, de forma que permite ver las imágenes en todo momento.

Conexiones profesionales de gran calidad Este dispositivo cuenta con entradas HDMI y SDI 6G que brindan la posibilidad de grabar imágenes captadas por cualquier tipo de cámaras. A su vez, las salidas HDMI y SDI lo convierten en un reproductor multimedia portátil que permite ver las tomas en el set de grabación o mostrar el material a los clientes. El monitor también incluye conexiones para auriculares, fuentes de alimentación de 12 V y dos compartimientos para baterías LP-E6 que garantizan su funcionamiento en forma ininterrumpida.

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FOTOGRAFÍA DE PORTADA

FOTOGRAFÍA POR:

Jonathan Manrique REFLEJO DE UN AMOR PROFUNDO TAJ MAHAL. Agra, India.

Texto y Fotografía © Jonathan Manrique Nossa www.mirokovisual.com El deslumbramiento provocado por la construcción de mármol que brillaba frente a mí, reluciente y bella a la luz, reflejo de un dolor sufrido por la pérdida de un gran amor, el Taj Mahal, me mantuvo por más de 12 horas observándolo atónito y encandelillado constantemente.

Los matices de color y piedras preciosas incrustadas de manera tan profunda y delicada, que solo se hacen visibles en la oscuridad de su interior debido a la ayuda de las diminutas linternillas de los guías, vendrían a llevarme a entender la delicadeza y profundidad misma del sentimiento que motivó esta majestuosa construcción de principios del Siglo XVII. Durante aquella visita al Taj Mahal, entre miles de personas que lo visitan hora a hora, pasé de ser un fotógrafo como cualquier otro a sospechoso por mi insistencia en la observación y apreciación de tan particular monumento, luego pasé a la amistad pasajera con los funcionarios del momento quienes se fueron acostumbrando a la presencia de mi mirada inquisitiva y enamorada.

Finalmente se dio mi partida del lugar con una serie de imágenes atesoradas en la emoción y la mirada y que hoy me cuestionan sobre la proeza, potencia e impacto que puede generar en el mundo el sentimiento noble de amor que alberga el corazón de un ser humano.

Reflejo de un amor profundo, el Taj Mahal, ubicado en Agra, India, que ha sido declarado una de las siete maravillas del mundo y patrimonio de la humanidad por la UNESCO, es una oda arquitectónica al amor. Durante el Siglo XVII, en el sur de Asia, los profundos sentimientos del emperador Mughal Shah Jahan hacia su esposa, la princesa persa y musulmana Mumtaz Mahal, fueron la semilla que inspiraron la construcción de esta maravilla arquitectónica. Ambos se conocieron a la edad de 14 años y se casaron 5 años después en el año de 1612. Casi 20 años después, en 1931 Mumtaz Mahal muere mientras da a luz a su decimocuarto hijo. El mismo año de su muerte, el emperador Shah Jahan, en su inmensa tristeza, ordena la construcción de la tumba de Mumtaz, como homenaje a ella, una proeza poética de la construcción que hoy conocemos como Taj Mahal.

La construcción del monumento tardó 22 años en terminarse. Está construido en mármol blanco traído de diversas partes del territorio hindú y parte de Asia central. Más de 1.000 elefantes y 20.000 trabajadores participaron en esta gran obra. En 1666 Muere Jahan y es enterrado en un monumento cercano al de ella.

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CONSEJO EDITORIAL

Nuestros asesores WILLIAM ARANGO

GUSTAVO PÉREZ

Creador, director y docente del programa de fotografía de la academia Yurupary de Medellín desde 1985.

Estudió fotografía en el International Center of Photography (ICP) en Nueva York. Obtuvo el primer lugar en el I Salón colombiano de fotografía en el año de 1983. Ha recibido otras distinciones por su trabajo artístico como el Gran Premio de Fotografía Ecológica de 2009. Ha realizado varias exposiciones individuales y muestras colectivas.

Fotógrafo y docente activo desde 1988.

Estudioso de las técnicas y fundamentos de la imagen, practicante entusiasta de la fotografía artística y conceptual. Realizó cortos, medio-metrajes y comerciales.

Profesor invitado en la especialidad de fotografía de Cine documental en la EICTV, Cuba. Representante por el MEN ante la ley del fotógrafo Colombiano y ex presidente del Consejo Profesional de Fotografía y Camarografía de Colombia.

JAIRO SANTA

ARLEY ACOSTA

Director de teatro y video, diseñador visual escénico y de iluminación, docente universitario, investigador, consultor para instituciones oficiales y privadas, productor y conferencista. Jurado y premio en varios eventos y concursos nacionales e internacionales de artes escénicas y fotografía. Creador y director académico de los programas de Fotografía e imagen digital y de Producción escénica y visual en LCI, Lasalle College Bogotá.

Director fundador de la Escuela de Fotografía del Valle.Con 28 años de trayectoria en el mundo de la fotografía, Arley Acosta se dedicó a este oficio luego de estudiar en la escuela del famoso Fotógrafo Alberto Lenis. Se desempeñó como docente en las Universidades del Valle, San Buenaventura y la Santiago de Cali.

Dirigiendo la Escuela De Fotografía del Valle ha capacitado estudiantes en diferentes áreas de la fotografía y la imagen.

JUAN MONTAÑÉS

ALBERTO ROSAS

Especialista en fotografía de alimentos, bebidas, producto y modelos de consumo. Diseñador Industrial de la Universidad Javeriana en Bogotá, apasionado por la fotografía profesional gracias a una beca que lo convirtió en Máster en Diseño Visual de la Universidad de California, Berkeley. Gracias a su trayectoria, es columnista permanente de revista Enfoque Visual, así como ha sido jurado en varios concursos nacionales.

“Siguiendo los pasos de mi abuelo materno, quien trabajó en los laboratorios de Cinecittà en Roma, experimenté y compré mi primera dosis de químicos para realizar proceso fotográfico. En 1980 ayudé a fundar Foto+Graf, compañía importadora de equipos y materiales fotográficos, desde ese entonces hemos trabajado mucho para ser líderes en el cambio que corresponde a las tecnologías de la fotografía”.

RICARDO GUTIERREZ

GABRIEL VÉLEZ

Diseñador Industrial de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Actualmente es el Director del programa de Fotografía en Taller 5 Centro de Diseño. “Fotografiar es la ilusión del resultado, del dejar ver, del mostrar, del ser criticado, del ser útil y de compartir. Es la idea en imagen y de la imagen miles de ideas, de nuevos retos, de estrenar en cada disparo una nueva oportunidad, otra posibilidad”.

Maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia, Doctor en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y Posdoctor de la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina). Trabaja como docente universitario, investigador y artista. Su obra se ha expuesto nacional e internacionalmente.

Tiene una extensa trayectoria como conferencista y ponente.

warango@yurupary.edu.co

Jairo.Santa@lci.edu.co

jgmontanesfoto@gmail.com

rgpphoto54@gmail.com

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guzzo45@gmail.com

acostauribe@gmail.com

alberto@fotograf.com.co

gabriel.mario.velez@gmail.com

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EDITORIAL

POR CÉSAR PÉREZ, DIRECTOR GENERAL. director@revistaenfoquevisual.com

¿Existe una crisis en la cultura visual actual?

La respuesta clara es un rotundo SI. La híperproducción de imágenes ha conllevado a generemos juicios perniciosos y destructivos sobre el inmenso universo visual que como avalancha mediática nos ofrece la cotidianidad moderna. Surge entonces el específico cuestionamiento a posteriori: ¿Esta palpable crisis es culpa del consumidor o del productor de imágenes? ¿Es correcto contemplar y aceptar tácitamente la subjetividad de las imágenes y su ambiguo significado o definitivamente se debe ser implacable y procurar descifrar el mensaje entregado mediante complejos métodos de segregación?

Antes que nada, la cultura visual implica una necesaria construcción cultural, esta última precedida indiscutiblemente por la influencia y enseñanza de importantes vectores sociales como: el desarrollo de las artes, la tecnología aplicada a la imagen, los nuevos canales de comunicación y las prácticas sociales que validan el hedonismo visual.

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Abordemos entonces al primer gran involucrado de esta crisis visual moderna: el productor de imágenes. Y es que desde su formación, conceptos como estética y técnica deberían ser intrínsecos dentro de sus obras visuales, ya que los mismos validarían en cualquier contexto una superioridad artística sobre las demás propuestas visuales.

Este sujeto juega un papel como formador pero así mismo como generador, ya que posee la exclusiva oportunidad de alentar con su trabajo y talento las diferentes prácticas del ver y el dialecto representativo de las distintas orígenes del hacer visual (cine, fotografía, pintura).

Sin embargo, y como señalé en el párrafo anterior, este productor confiere una responsabilidad anterior a su momento formativo, es decir, al espacio escogido para el desarrollo creativo y académico. Surge inmediatamente un llamado de proximidad absoluta a las instituciones académicas, implicando una problemática moderna capaz de revertir modelos de enseñan-

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za ya forjados. ¿Está la academia preparada y consciente de la responsabilidad sobre la generación de nuevos códigos y métodos para dilucidar una cultura visual sobre sus estudiantes?

Confiemos en que así sea.

Dejando de lado a la fuente, busquemos ahora un análisis sobre el consumidor, aunque siendo justos y sínicamente irónicos, los productores y consumidores de imágenes cumplen los mismos papeles siendo el eje transicional, la circunstancia y el objetivo.

Sin embargo, ambas situaciones responden a una evolución social normal, quizás histórica, entendiendo que nuestra raza ha generado puntos de partida en cada momento en que se han generado diferentes maneras de crear imágenes: el surgimiento de la fotografía, el internet, las redes sociales, entre otras.

Quizás la solución pueda encontrarse cuando obtengamos la habilidad para entender la hibridación de nuestra cotidianidad actual. La cultura visual moderna obliga a realizar un análisis mixto de cada medio

sobre el cual nuestra mirada posa su atención. A la fecha, distintas intervenciones visuales proponen una mezcla de sentidos al momento de extraer el mensaje que se nos propone. Hoy por hoy la narrativa se otorga tanto al lenguaje escrito como al lenguaje visual entregando nuevos poderes al proceso comunicativo y su influencia en las masas.

En definitiva, la cultura visual surge como una oportunidad de dominio social pero igualmente como identidad del ser que la produce y la consume. Es por esto que la responsabilidad que tenemos al realizar una fotografía, va más allá de las obvias repercusiones e incidencias particulares. Las imágenes deben tener una estructura bidireccional, es importante que vayan dotadas de intención y significado. Se trata de darles el poder de hablar y de devolver la mirada, para que puedan brillar con vida propia.

Saber ver y hacerse entender, posiblemente sea el máximo reto de nuestra cultura visual moderna. Seguimos en la búsqueda de esa respuesta.

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OPINIÓN

POR JAIRO SANTA, MIEMBRO DEL CONSEJO EDITORIAL. Jairo.Santa@lci.edu.co

Tienes 30 segundos para sobrevivir “Tienes 30 segundos para sobrevivir” esta es una famosa frase en el mundo de la publicidad. 30 segundos es la duración de un comercial, un minuto el de un tráiler o el tiempo en que se mira el portafolio de un fotógrafo y se hace un casting para un artista.

Toda oportunidad para vender un producto, financiar un proyecto o desempeñar un trabajo queda expuesta a un espacio de tiempo mínimo, donde además no hay una segunda oportunidad. Así como el atleta se prepara días y meses para correr 100 metros planos en menos de 10 segundos, de igual forma debe ser la presencia del portafolio de un fotógrafo, artista, diseñador o de un proyecto en el mundo comercial y profesional, definitivo y contundente. El portafolio es la llave de ingreso, es lo que puede abrir la puerta para ganar tiempo y espacio, para dar a conocer con mayor amplitud las propuestas y las ideas.

Un fotógrafo además de sus trabajos profesionales y comerciales, desarrolla proyectos personales investigativos o creativos, incluso tiene intereses y experimentaciones en determinados momentos de su carrera, es decir es un creador en permanente evolución. Esto

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supone entonces que un mismo fotógrafo desarrolla varias líneas de trabajo y por lo tanto varios tipos de portafolios, no existe un portafolio único, como no existe un cliente o un proyecto único, el mundo profesional es amplio y variable. Ante la complejidad del mundo fotográfico y de la imagen, el fotógrafo hoy día debe asumir roles más diversos y complejos aunque la aplicación específica de lo fotográfico hacia medios, estéticas y campos profesionales se hace más necesaria en áreas especializadas.

Así se desempeñen todos en el mundo fotográfico y de la imagen, el perfil, el lenguaje, las competencias e incluso el uso de los equipos y la tecnología son diferentes para un reportero, para un fotógrafo de moda o uno de cine. Por supuesto existen también los fotógrafos dedicados por opción propia y talento a determinados temas y propuestas. Aquí encontramos los fotógrafos que como autores representan una marca, un nombre, un estilo. Ellos son buscados para desarrollar proyectos y campañas con un sello particular, tienen un mercado propio, son fotógrafos apetecidos por las galerías, exposiciones, instituciones, grandes firmas y compradores particulares. Son

una elite donde su nombre es su propio portafolio.

Aunque no existen normas ni reglas para un buen portafolio, se deben tener criterios que permitan la eficacia, el atractivo y la contundencia del proyecto o del fotógrafo presentado. Aquí todo cuenta: la obra, la técnica, la estética, el concepto, el medio, los textos, la factura. Hoy día ante el desarrollo tecnológico y los diferentes medios y redes a disposición se hace necesario tener el portafolio en diferentes sustratos y aplicativos, lo que permite además tener un alcance mayor gracias a la web, pero así mismo una exigencia mayor porque se compite de manera global con fotógrafos y artistas de todas las latitudes. En todo este proceso un elemento fundamental y definitivo es la curaduría, esa mirada crítica y objetiva, muchas veces de un tercer observador que ayuda a la selección y a la correcta toma de decisiones finales.

Un portafolio es una síntesis de tiempo y espacio donde puede apreciarse el talento, la creatividad, la técnica y el concepto de un creador de la imagen. Es ese mínimo espacio que inventamos para poder no solo sobrevivir, sino para permanecer en el mundo maravilloso de la imagen y la fotografía.

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OPINIÓN

Diana Beltrán

Alfonso Bonilla

POR: MARÍA DEL PILAR RODRÍGUEZ, CURADORA DE ARTE PLÁSTICO Y FOTOGRAFÍA – ESCRITORA Twitter e Instagram: @mapyrosa

La buena fotografía TERRITORIO DE INCONFORMES

Fotografía por: Marcela Sánchez .

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El principal objetivo de la fotografía es comunicar, indistintamente de si es fotografía artística o documental, el fin que persigue la imagen profesional es el de entregar un mensaje al público, por tanto la mejor manera de medir su calidad es analizando tal capacidad, siendo las más valiosas aquellas que logran éste objetivo con respecto a la masa, de manera universal. ¿Pero cómo lograrlo cuando las pupilas humanas son impactadas por miles de imágenes por segundo? La respuesta es tan simple como complejo su desarrollo: vivir bajo la ley de la inconformidad.

Inconformidad: no quedarse con el primer resultado obtenido, no conformarse con el conocimiento adquirido, es la permanente investigación conceptual, la actualización técnica e indagación estética. Darse la oportunidad de

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reinventarse en cada proyecto, mantener viva la necesidad de superarse mediante un ejercicio permanente: experimentar.

Investigar la temática a tratar, analizar el trabajo de profesionales que ya hayan emprendido con éxito los mismos caminos, conceptualizar la propia propuesta, establecer los recursos técnicos requeridos, darse a la tarea de encontrar la imagen, luego seleccionar, editar y aventurarse al mundo de los diversos sustratos y medios para imprimir o difundir, todo para entregar al público un resultado ante todo honesto. Porque es precisamente la honestidad de la propuesta una de las más valiosas características en la fotografía contemporánea, por aquello de que nos encontramos en medio de “La Civilización del espectáculo”, citando a Vargas Llosa, donde el esnobismo se lleva a diario a más de un gran talento por delante.

Experimentar en los tres aspectos básicos para la creación fotográfica: el concepto, la técnica y la estética y en todas las etapas del proceso como preproducción, producción y postproducción. Una política de creación fotográfica que ya ha demostrado fabulosos resultados a lo largo y ancho de la historia, pero que además también demuestra su pertinencia actual en los trabajos de Diana Beltrán, Alfonso Bonilla y César Nigrinis.

Diana Beltrán, maestra en artes plásticas de la Universidad Nacional de Colombia, identifica la fotografía como el recurso de expresión más idóneo para desarrollar su obra desde el inicio de su carrera, lo que confirma su maestría en fotografía en EFTI Madrid. Más allá del conocimiento obtenido en las aulas, Beltrán es una de esas creadoras inconformes que ensaya una y otra posibilidad

César Nigrinis

hasta llegar al resultado deseado, como corrobora la obra que a la fecha más aplausos le ha valido en diferentes ferias de arte alrededor del mundo. Crea una imagen y luego troquela las impresiones, recomponiendo los fragmentos en un soporte, sosteniendo cada pieza con alfileres, desarrollando con ello una obra semántica ética y estéticamente sólida.

Sin ser feminista, su trabajo nos lleva a una relectura del femenino, de las emociones propias de la mujer contemporánea, desde la contemplación solitaria hasta la euforia y la furia; sus composiciones nos llevan a considerar las partes de toda emoción, nos devuelven a la consciencia de que toda sensación está conformada por un montón de fragmentos que debemos tener en cuenta: historias, ideas, sensaciones.

Llevándonos a concluir que cada ser humano y por tanto cada una de sus expresiones es un rompecabezas infinito.

Y continuando con la línea de los inconformes, encontramos a Alfonso Bonilla, diseñador gráfico y multimedia de Lasalle College Bogotá, profesor de diseño gráfico y multimedia, fotografía y arte durante años en China y Singapur. Este fotógrafo colombiano desarrolla su

propuesta actual dándose a la investigación de diversos episodios históricos y anecdóticos.

Narrativas que le permiten identificar una serie de escenarios arquitectónicos y socioculturales que capta bajo tiempos y modos variables de exposición, con el objeto de establecer una relectura de dichos contextos, sumergiéndose luego en una delicada tarea de postproducción donde opera más desde lo pictórico que desde lo fotográfico, en una dinámica claramente hípermoderna, cuyo resultado dialoga con el espectador cautivándolo con una explosión cromática que lo lleva a navegar sus motivos y sensaciones, en consonancia con su onírica manera de apropiarse de la realidad en un ejercicio alter realista en el que ofrece un sinnúmero de posibilidades de interpretación, característica que magnifica el espectro comunicacional de su obra en la era del híperindividualismo.

Dos procesos que son muy valiosos en la escena fotográfica, pero si algo me entusiasma es que también entre los más jóvenes existen miembros de ésta legión de inconformes, que garantizan la permanente reinvención de la fotografía colombiana, y entre ellos encontramos a

César Nigrinis, joven que estudió fotografía en Lasalle College y que está actualmente dedicado al Light painting o al acto de pintar con herramientas lumínicas en el espacio y capturar el resultado de este proceso por medio de fotografías. Práctica que ya se considera una tendencia en la escena mundial.

Al recorrer las imágenes de Nigrinis, queda claro que ha prestado especial dedicación a encontrar nuevas posibilidades en el recurso técnico, explorando desde el dibujo hasta la explosión lumínica, llegando a los halos. Pero no se ha quedado en una exploración meramente técnica, también ha indagado diferentes recursos conceptuales entre los que se encuentran intentos futuristas, que pasan por la sátira y bordean la ternura.

Tres procesos fotográficos que se revelan como un incentivo para continuar, en el oficio de buscar imágenes que logren conmover, algo en ocasiones no tan grato, y en tiempos donde el plagio rampante, la irresponsabilidad conceptual, y reitero, el esnobismo, gobierna miles de lentes.

Beltrán, Bonilla y Nigrinis tres lentes que confirman que la buena fotografía es territorio de inconformes.

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ARTE Y FOTOGRAFÍA

Fotografía por: Nicolás Santodomingo

POR: MARÍA DEL PILAR RODRÍGUEZ, CURADORA DE ARTE PLÁSTICO Y FOTOGRAFÍA – ESCRITORA Twitter e Instagram: @mapyrosa

Umberto Giangrandi FOTOGRAFÍA PARA EL ARTE Y ARTE PARA LA FOTOGRAFÍA.

Fotografía por: Marcela Sánchez

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El 4 de Enero de 1966 desembarcó la Giuseppe Verdi en Cartagena y de ella, trayendo un heliógrafo para imprimir planos de ingeniería y arquitectura (gracias a un contrato para tal fin), descendió un toscano que llegaba a revolucionar la historia de la gráfica artística colombiana, desde el grabado hasta la fotografía.

Recostado en una de las prensas de su mítico taller, Umberto Giangrandi abre un portal histórico del arte Colombiano. El crujir de las antiguas maderas del piso se vuelve infidente y comienza a narrar por pedazos las miles de horas que transitaron por estas habitaciones, los más insignes maestros del

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arte nacional e iberoamericano en busca de su asesoría para el desarrollo de sus obras gráficas; mítica trayectoria que inició en 1969 con la creación de una serie de grabados sobre metal con Alejandro Obregón.

El taller Giangrandi está inscrito en la historia del arte nacional como crisol de técnicas gráficas entre antiquísimas y modernas que revolucionaron la escena artística colombiana a principios de los años 70, popularizando su creación, difusión y adquisición como obra original múltiple. Antecedente inmediato de lo que hoy es regla también para la fotográfica artística.

Sin embargo, no solo de gráfica nos hablan estas paredes,

el aroma a óleo y los vestigios de los químicos de revelado nos confiesan otras facetas de la creación del maestro italiano.

Su taller es un espacio mágico donde se ha desarrollado la totalidad de su creación plástica, que ha tenido como directrices básicas: observación, investigación y experimentación, en todos los ámbitos estéticos, sociales y semánticos a los que ha tenido acceso. Políticas alimentadas por un permanente intercambio de conocimiento con artistas de diferentes nacionalidades y generaciones.

Voyeur de la realidad que lo circunda, sin perder nunca la mirada escrutadora del extranjero explorador, que llegó desde la

La Violencia Urbana (tríptico) 1998 - Fotograbado sobre metal y collage - 40 x 60 cms c/u

tradicional Lucca a una Bogotá que iniciaba su tránsito a la modernidad, Giangrandi es un escrutador del cotidiano.

Su pincel, su lápiz, su buril y su lente se han encargado de inmortalizar los oficios y formas de vida de la Bogotá suburbana, al tiempo que una relectura del femenino y la denuncia de las más variadas injusticias vividas en los campos y en diversos contextos de lo nacional.

Comprometido con el arte como mecanismo de comunicación sensible de orden universal, Giangrandi se deja seducir en 1967 por la fotografía, “Pienso que soy uno de los primeros artistas que en Colombia incluye imagen fotográfica en su obra”, asegura.

Siendo ya maestro en artes plásticas, titulado en su natal Italia a los 19 años, y con una especialidad en grabado de la Academia de San Marcos, recién llegado a Colombia conoce al fotógrafo Roberto Álvarez, quién inocula en él la curiosidad por la fotografía iniciándolo en el manejo de la cámara y el cuarto oscuro. Emoción por la imagen que es consolidada por un artista canadiense que conoce en Bogotá a finales de 1967 y con quien construye el labora-

torio de revelado de su taller, fecha que se constituye en el inicio oficial de su uso de la fotografía como la extensión de sus ojos, la manera de fijar recortes de la realidad del centro de la ciudad, sus patios, sus artesanos, mendigos, trabajadores y prostitutas.

La fotografía vista en el contexto de la historia plástica de Umberto Giangrandi es polifacética, presentándose en una triple función: técnica, documental y artística.

Función técnica: al interior del taller Giangrandi se han trabajado diversidad de procesos que involucran técnicamente a la fotografía, entre los que cobran especial protagonismo el fotograbado y la fotoserigrafía.

Técnicas que encuentran su gran impulso en Colombia en el Taller 4 rojo, taller de creación e investigación artística fundado en 1971 por Nirma Zárate, Diego Arango, Carlos Granada, Fabio Rodríguez y por supuesto Umberto Giangrandi, a los que después se uniría también Jorge Mora.

Esta iniciativa irrumpió en Colombia como un generador de diversas propuestas artísticas, erigidas bajo una sólida estructura conceptual inter-

Serie Cuerpo escenario 1998 - 2005- Fotografía

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Él y su reina guaricha 1999 - Fotograbado en metal 100 x 70 cms

disciplinaria respecto a temas históricos y de actualidad que resultaron en obras críticas al orden político y social, sin compromiso con una militancia específica. Objetivos en el que imprimir obras múltiples de alta calidad era determinante, siendo la técnica fotográfica la más insigne de las aliadas, convirtiendo al Taller 4 rojo en parte indiscutible de la historia de la fotografía artística en Colombia.

Función documental: “La fotografía para mí al principio era como un diario de apuntes para hacer mi obra, con ojo de artista no de fotógrafo”. Un acto de fijar memoria, de documentación de las escenas que luego volvería pintura, dibujo y grabado. Una etapa que deja una acervo impresionante a la fecha y que se constituye en memoria histórica y social de una Bogotá para muchos desconocida.

Función artística: aunque en el proceso de documentación antes mencionado hay sin duda una motivación artística, Giangrandi concibe la fotografía como un recurso de crea-

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ción en sí mismo entre finales de los años 70 e inicios de los 80, cuando con su FTBQL de 2 cuerpos trasciende el registro y se da a las primeras experimentaciones fotográficas alimentadas por la guía del gran fotógrafo Floriano Steiner, tanto al momento de capturar como en el laboratorio, y quien llega al país invitado por el galerista Byron López.

Proceso en el que la vocación de voyeur de Giangrandi se exacerba e inicia su camino en la exploración del femenino a través de su lente, desarrollando un trabajo fotográfico del cual solo un fragmento llega a ser conocido por el público en el 2006, en el contexto de una exposición que le organizan en el Museo de la Universidad de Antioquia, y parte de la cual se exhibiría en el 2007 en la gran exposición retrospectiva que realizó en el Museo de Arte de la Universidad Nacional, donde el curador, Raúl Cristancho, dedica toda una sala a éste trabajo al que se refiere con las siguientes palabras en el libro

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Umberto Giangrandi Testimonio de vida 2007: “En su obra reciente, Umberto Giangrandi se ha concentrado en la fotografía. Aquí encuentra un medio donde reúne su mirada de pintor y su experiencia gráfica. Argumentos con los que se aproxima a la fotografía, donde somete escenas de estudio a un proceso intenso de intervención digital. Este procedimiento le permite transformar la imagen hasta lograr registros de orden pictórico, sin alterar el estatuto fotográfico”.

La fotografía de Giangrandi es sin duda pictórica, estas son imágenes que nos hablan de su naturaleza de observador furtivo, de investigador y escrutador indiscutible de la naturaleza sensual y corporal, haciendo que la mirada del espectador se sumerja en sus imágenes a veces con delicada sutileza y a veces con pasión urgente, generando un sin número de emociones que es el juicio más idóneo para acercarse a ésta propuesta artística.

La fotografía es el oficio que con mayor disciplina e

insistencia ha ejercido el padre de la gráfica colombiana, pues es la técnica que hace dialogar toda su obra, estando presente en toda ella como antecedente, referente, herramienta y por supuesto como protagonista como es el caso de sus collage, en donde se da cita con la pintura y el dibujo en un diálogo interdisciplinario que confirman su naturaleza hípermoderna.

Trayectoria profesional cuyo valor se ensancha día a día, no solo porque es un tren creativo que no se detiene, sino por una condición que la hace superior sobre todo desde lo humano.

Toda la riqueza conceptual que ha construido Giangrandi la ha compartido y la comparte dentro y fuera de las aulas con sus alumnos formales y fortuitos, ya que si hay una palabra para definir al maestro colomboitaliano esa es generosidad. Lo que hace que podamos asegurar que los frutos de su trabajo habitan y alimentan la historia del arte y de la fotografía nacional, en una dinámica donde se trabaja la fotografía para el arte y el arte para la fotografía.

Serie Cuerpo escenario 1998 - 2005 - FotografĂ­a

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CALENDARIO DE EVENTOS, CONVOCATORIAS Y SEMINARIOS

CURSO FOTOGRAFÍA CIENTÍFICA Este curso está dirigido a docentes, fotógrafos profesionales y fotógrafos aficionados interesados en capturar imágenes mezclando diversas técnicas de fotografía científica. Específicamente este curso trabaja las siguientes técnicas: microfotografía, fotografía por polarización, fotografía al ultravioleta e infrarrojo y técnicas especiales con efectos de fluorescencia y fosforescencia.

Este curso se llevará a cabo los días 17, 24, 31 de octubre y 7 de noviembre.

Mayores informes: 2814150 informacion.planetariodebogota@idartes.gov.co www.planetariodebogota.gov.co

BOGOTÁ EN LA TIERRA

ARTBO

CONVOCATORIA ABIERTA PARA FOTÓGRAFOS

5 Sep - 25 Oct

1-4 Oct

1 SEP 30 NOV

es una muestra con el objetivo principal de evidenciar desde una mirada fotográfica las dinámicas culturales, territoriales y la multiplicidad de los habitantes de Bogotá.

Si no alcanzaste a verla en su primera muestra, BOGOTÁ EN LA TIERRA repite exposición, y en esta ocasión la podrás encontrar en la Sala de Exposiciones de la Biblioteca Virgilio Barco, desde el 5 de septiembre al 25 de octubre del 2015. www.1839.com.co

ARTBO, Feria Internacional de Arte de Bogotá, es el encuentro por excelencia para el mercado del arte en América Latina. Cada año, ARTBO convoca a galerías nacionales e internacionales que son cuidadosamente seleccionadas para lograr una muestra de la mejor calidad. Además del aspecto comercial de la Feria, ARTBO ofrece un programa cultural y académico variado que busca sensibilizar al público y facilitar su acceso al Arte. www.artbo.co

1er Fotolibro colectivo latinoamericano EspacioGAF-Galería de arte fotográfico asociación civil sin fines de lucro, a través de su proyecto editorial web EspacioGAF.com – Fotografía latinoamericana, abren la convocatoria para la edición del 1er Fotolibro colectivo Latinoamericano.

De allí surge la idea de crear un producto editorial, bajo la guía y curaduría de Espacio GAF, fotógrafos e investigadores experimentados invitados, la participación de fotógrafos latinoamericanos. www.fotografiacolombiana.com

SOFA

AQUÍ Y AHORA

29 Oct - 2 Nov

16 Sep - 22 Oct

El avance de la tecnología, la globalización y los cambios sociales nos ha llevado a reinventar por completo la manera en que entendemos el tiempo libre. El Salón del Ocio y la Fantasía busca reunir a todos los actores de ese universo, desde el fanático hasta el curioso, desde la industria creativa hasta la academia; para entender y reconocer la necesidad de enfrentarnos a un nuevo tipo de cultura, “la cultura del tiempo libre. www.sofa2015.com

El Ministerio de Cultura, la Embajada de Suiza en Colombia y el Museo de Arte Moderno de Bogotá invitan a la exposición AQUÍ Y AHOR A, del fotógrafo Luis Morales.

La exposición fue merecedora el Premio Nacional Colombo Suizo de Fotografía, el galardón es el más importante en el campo de la fotografía en el país, tanto por el estímulo otorgado como por la visibilidad que se le da al proyecto ganador. www.mambogota.com

POLI ENFOCA TU MENTE 15 OCT Revista Enfoque Visual trae en exclusiva para los estudiantes de Politécnico Grancolombiano la oportunidad de participar en “Enfoca tu mente”, un concurso de fotografía dedicado a todos los apasionados por la imagen y por capturar los mejores momentos. No tienes que ser un profesional para concursar, así que ¡toma tu cámara, enfoca tu lente y captura el momento!, el tema del concurso será “ser humano y tecnología”, enfocado hacia el impacto que produce la tecnología en la vida cotidiana hasta en su más puro estado. www.poli.edu.co/content/enfoca-captura-y-gana-concursopara-fotografos

SF CAMERAWORK

OJO AL SANCOCHO

DOCULAB GUADALAJARA

24 Oct

3-10 Oct

Antes del 17 de noviembre del 2015

A todos nuestros seguidores en San Francisco, CA. los invitamos para que visiten la exposición Fourth World: Current Photography from Colombia. Organizado por los curadores Carolina Ponce de León y Santiago Rueda Fajardo, esta exposición estará vigente hasta el 24 de octubre. No se pierdan una exhibición que mostrará el trabajo de cuatro fotógrafos cuyas imágenes exploran experiencias del conflicto cultural e ideológico que caracterizan la vida cotidiana en Colombia. www.sfcamerawork.org

El Festival Internacional de Cine y Video Alternativo y Comunitario OJO AL SANCOCHO, es una iniciativa comunitaria, que el año 2008, nace de la necesidad de democratizar la Cultura y la Educación audiovisual en Colombia. Más de 600 películas participantes. Del 3 al 10 de octubre en Ciudad Bolívar, Bogotá. Muestras Audiovisuales, cine foros, Presentaciones artísticas, encuentros, conversatorios, talleres y más. www.ojoalsancocho.org

DocuLab Guadalajara, el laboratorio de especialización documental del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, invita a documentalistas emergentes de Iberoamérica a postularse para participar en su octava edición, que lleva por título “Cruces y convergencias; La ficción de la memoria”. DocuLab.8 Guadalajara se desarrollará en Guadalajara del 7 al 11 de marzo de 2016 y para participar es necesario inscribirse en línea antes del 17 de noviembre del 2015. www.doculab.mx

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ACTUALIDAD Y VIDEO

SONY Α7R II Sony presenta la cámara α7R II que ofrece una experiencia de imagen innovadora con 35mm y un sensor Full-frame. Sony con décadas de experiencia en imagen digital, ha hecho posible que los consumidores disfruten de la experiencia de imagen que nunca han experimentado antes.

Mediante la armonización de alta resolución, alta sensibilidad y alta velocidad, llega la α7R II con una innovadora experiencia de imagen de alto nivel.

El recién desarrollado sensor CMOS retroiluminado de 42.4 MP, es un sensor de imagen de resolución más avanzada y versátil, permitiendo que la α7R II alcance nuevos niveles de calidad, sensibilidad y velocidad de respuesta.

La superficie del vidrio del sensor viene sellado, para mejorar drásticamente la eficiencia de recolección de luz, lo que resulta en una alta sensibilidad con el rendimiento de bajo ruido y amplio rango dinámico. Esto permite que la cámara puede disparar a una impresionante gama de sensibilidades ISO de 100-25600 que se puede ampliar a ISO 50-1024003.

La α7R II también cuenta con una nueva obturación baja en vibraciones de alta duración que da cuenta de un 50% menos de vibraciones de los movimientos de obturación y tiene una duración de ciclo de 500k disparos. Además, puede ser fácilmente ajustado a “tiro silencioso” modo 4 con base en las preferencias del usuario.

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ESPECTACULARES IMÁGENES DE UNA AURORA BOREAL GRABADAS CON LA CANON ME20F-SH La empresa cinematográfica noruega AURORA Skycam ha sido la primera compañía del mundo en utilizar la nueva videocámara ME20F-SH de alta definición, con el fin de grabar imágenes increíblemente detalladas, en condiciones de luz extremadamente bajas, de uno de los fenómenos naturales más espectaculares del mundo: la aurora boreal.

La grabación, realizada a principios de este mes en Noruega, muestra a la aurora boreal con una claridad nunca vista hasta ahora, revelando colores y detalles en alta definición que han “abierto nuevas posibilidades creativas”, ha explicado Anders Hanssen, de AURORA Skycam.

SHURE PRESENTA LA NUEVA LÍNEA DE PRODUCTOS DIGITALES MOTIV™ Y LA APLICACIÓN DE GRABACIÓN MÓVIL PARA EL SISTEMA OPERATIVO IOS Los nuevos productos portátiles para conexión y grabación automática capturan audio a través de una conexión directa a cualquier dispositivo con el sistema operativo iOS Apple, Mac o PC. Shure presentó los productos digitales MOTIV™, una nueva línea de micrófonos portátiles para conexión y grabación automática que son ideales para las personas que buscan capturar audio de alta calidad para las grabaciones vocales y acústicas, podcasts, videos de YouTube, grabaciones de campo y más. Los productos MOTIV son fáciles de usar e incluyen cuatro nuevos dispositivos certificados MFi (hechos para iPhone, iPod, iPad) de Apple, incluyendo tres micrófonos condensadores y una elegante interfaz de audio digital que puede conectarse directamente a cualquier dispositivo con sistema operativo iOS sin necesidad de contar con adaptadores adicionales o kits de conexión. La línea MOTIV presenta el micrófono condensador digital MOTIV MV5, el micrófono condensador estéreo digital MOTIV MV88 iOS, el micrófono condensador digital con diafragma grande MOTIV MV51, la interfaz digital de audio MOTIV MVi y la aplicación para el sistema operativo iOS más nueva de la Compañía, la aplicación de grabación móvil ShurePlus™ MOTIV. “MOTIV es fiel ante el diseño y la sensación de los legendarios productos de Shure mientras ofrecen lo último en conectividad y tecnología moderna”, expresa Matt Engstrom, director de la categoría de productos con cable de Shure. “Hemos creado los productos MOTIV como una manera sencilla para que cualquier persona grabe sonido de alta calidad directamente en varios dispositivos móviles y USB. Con micrófonos de alta calidad y DSP avanzado, son productos de sonido excelentes y versátiles que llenan las expectativas en cuanto a los estándares de calidad por los cuales se reconoce a Shure”.

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PH. SEBASTIÁN CORAL

BOGOTÁ

NUEVO DISCO DURO PORTÁTIL CANVIO BASICS DE 3TB

INSCRIPCIONES

ABIERTAS 2016

INFORMACIÓN Y RESERVAS AV. CALLE 32 # 13 - 45 PISO 2.

(1)2450475 - 3173655128 INFO@FOTODESIGN-COLOMBIA.COM

fotodesign-colombia.com 26

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Diciembre 2014 - Marzo 2015

La División de Productos Digitales de Toshiba (DPD), una división de Toshiba América Information Systems, Inc., anunció una nueva adición a su línea de almacenamiento Canvio® Basics: el disco duro portátil 3TB1 Canvio Basics, que puede almacenar hasta 856.500 fotos digitales, 789.000 archivos de música digital o 2.460 películas2 digitales descargadas. Al igual que con las demás ofertas de la línea Canvio Basics 3.0, no es necesario configurar software.

El disco duro portátil 3TB Canvio Basics es excepcionalmente eficiente y fácil de usar. Los consumidores pueden conectar el dispositivo con solo sacarlo de la caja y simplemente conectarse a su PC para comenzar a guardar sus archivos digitales. El disco duro portátil Canvio Basics es compatible con USB 3.0 para rápidas velocidades de transferencia, así como con USB 2.0. También está equipado con una tecnología de sensores de choque y una rampa de carga interna especial, diseñada para mantener los archivos digitales más seguros, protegiéndolos contra caídas accidentales de la unidad.

Toshiba ha estado proporcionando soluciones de almacenamiento en todo el mundo desde 1.967 y tiene más de 47 años de experiencia desarrollando ofertas de almacenamiento que complementan su ecosistema global de dispositivos. Aprovechando una inversión anual de USD$ 3,1 mil millones en investigación y desarrollo, Toshiba continúa empujando los límites de la tecnología de almacenamiento para satisfacer las necesidades de los clientes.

Precio y disponibilidad El disco duro portátil Toshiba 3TB Canvio Basics está disponible para su compra en tiendas Panamericana y Alkosto a nivel nacional -a un precio sugerido de $579.000 hasta $619.000, según configuración.

HYPER X AMPLIA SU FAMILIA DE AUDÍFONOS CON EL MODELO CLOUD CORE

HyperX®, la división de productos de alto rendimiento de Kingston® Technology Company, Inc., el fabricante independiente de productos de memoria líder en el mundo, anunció la ampliación de su familia HyperX Cloud, con la nueva versión “Core”, un producto que ofrece la misma calidad de sonido y comodidad que los audífonos HyperX Cloud a un precio más accesible. La nueva versión HyperX Cloud “Core”, disponible en Colombia, cuenta con las mismas características y calidad de audio, en una versión sencilla que incluye solo lo esencial: los audífonos.

La nueva versión Core se sumó a la familia de audífonos HyperX Cloud, donde también se encuentran los HyperX Cloud y HyperX Cloud II, ofreciendo una opción más accesible para personas que buscan mayor comodidad y alta calidad de sonido.

Se destacan por su sólida construcción de aluminio, elegante diseño en negro, comodidad y calidad galardonada de su predecesor. Además, incorporan un micrófono desprendible, son fáciles de conectar y sus altavoces de 53 mm brindan potentes bajos, altos limpios y muy buenos tonos medios.

Enfocados principalmente para el mercado gamer, los HyperX Cloud Core, por su precio accesible y compatibilidad con formatos como PC, Mac, PS4, Wii U, Xbox One*, smartphones y tabletas, serán una excelente compra para cualquier persona que exige alta calidad de sonido.

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ACTUALIDAD Y NOTICIAS

ARTBO FERIA INTERNACIONAL DE ARTE DE BOGOTÁ 1 AL 4 DE OCTUBRE DE 2015 CORFERIAS ARTBO la Feria Internacional de Arte de Bogotá, fue creada en el 2005 con el propósito de promover y posicionar a Bogotá como un destino para la cultura y los negocios, así como crear una plataforma comercial para el arte y un espacio de intercambio cultural y de formación de públicos.

La feria comenzó con 29 galerías participantes provenientes de siete países y 93 artistas. En el 2012, 56 galerías hicieron parte de la sección Principal y otras 10 participaron en Proyectos, convocando cerca de 300 artistas. En el 2014 ARTBO celebró su décimo aniversario con una asistencia de más de 31.000 personas, incluyendo más de 300 invitados internacionales

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entre, curadores, directores de instituciones y profesionales del sector, y 66 galerías de 29 ciudades, 14 galerías en Proyectos y cerca de 2500 obras de arte de más de 400 artistas. Los espacios participantes son el resultado de una cuidadosa selección que asegura una muestra diversa, que equilibra lo establecido con lo emergente y que reúne obras de medios tan variados como pintura, escultura, fotografía, instalación y registros de performance. Este equilibrio asegura que la feria mantenga su modelo de calidad y que la ha consagrado como el evento de artes plásticas de más alto impacto nacional.En esta versión 2015, la feria contará con la participación de 84 galerías de 33 ciudades, de las que 69 estarán en la Sección Principal y 15 en Proyectos. La Feria reunirá más de 3000 obras de arte de cerca de 500 artistas.

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AQUÍ Y AHORA El fotógrafo colombiano Luis Morales, galardonado con el XI Premio Nacional Colombo Suizo de Fotografía, presenta en el Museo de Arte Moderno de Bogotá su exposición “Aquí y ahora”, que está abierta al público desde el 16 de septiembre y estará vigente hasta el 22 de octubre.

La obra del colombiano reúne un trabajo foto documental sobre la vulnerabilidad de mujeres y hombres en Medellín, que gracias a la profundidad de la investigación presentada, así como el compromiso con el contexto social retratado y la elaboración formal de la serie fotográfica, suscita una reflexión sobre la dignidad y el respeto de los derechos humanos en toda la sociedad.

La exposición fue merecedora el Premio Nacional Colombo Suizo de Fotografía, el galardón es el más importante en el campo de la fotografía en el país, tanto por el estímulo otorgado como por la visibilidad que se le da al proyecto ganador.

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Versi贸n Impresa

Versi贸n Digital

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ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

PRODUCTO INTUOS PRO PROFESSIONAL El generoso espacio de trabajo de la Tableta digitalizadora y táctil Intuos para profesionales grande, está diseñada para dar cabida a estilos artísticos que requieren un rango completo de movimiento y a los profesionales creativos que trabajan en formatos grandes. Muchos usuarios también valoran el tamaño grande para trabajar con múltiples pantallas.

Diseñada para la creatividad y los que necesitan solo las herramientas adecuadas, esta tableta digitalizadora Intuos Pro combina las mejores capacidades del lápiz y los gestos multi-touch intuitivos de Wacom. Te da el poder de producir

resultados profesionales con la precisión y control que necesitas de tu software profesional.

La Tableta digitalizadora y táctil Intuos para profesionales grande ofrece una experiencia natural e intuitiva que se extiende a tus capacidades creativas.

Obtén una vista panorámica, haz un acercamiento y desplázate naturalmente con los gestos en la superficie multi-touch que también te permite crear y acceder a tus propios accesos directos.

Como ofrece 2048 niveles de sensibilidad a la presión del lápiz y reconocimiento de inclinación, la Tableta digitalizadora y táctil Intuos para profesionales grande

es tu caja de herramientas creativa ilimitada, con la exactitud y precisión de los pinceles, lápices y marcadores tradicionales, mientras que los gestos multi-touch permiten ubicar y desplazar tu trabajo intuitivamente.

Reduce el desorden de los cables y disfruta de la libertad de creación de forma inalámbrica con el kit inalámbrico incluido.

Intuos Pro está diseñada ergonómicamente para usarla con la mano derecha e izquierda, por lo que te sentirás cómodo durante todo el día. Las 8 ExpressKeys personalizables y Touch Ring te dan acceso rápido a los accesos directos favoritos.

La caja incluye

•• Tableta digitalizadora y táctil Intuos para profesionales grande.

•• Grip Pen Intuos.

•• Kit inalámbrico.

•• Soporte para lápiz (las puntas se almacenan en el interior).

•• Surtido de puntas de lápiz de repuesto.

•• Anillos de identificación de color para personalizar el Grip Pen. •• Cable USB de 2 m.

•• Guía de inicio rápido.

•• CD de instalación. con controlador.

•• Manual del usuario en línea y documento“Información importante sobre el producto”.

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DESTACADO PANTALLA DE VISTA EXPRESS

TECNOLOGÍA DE LÁPICES AVANZADA Con 2048 niveles de sensibilidad a la presión del lápiz, Intuos Pro te proporciona el poder creativo de ajustar de manera dinámica la exposición, el tamaño del pincel, el grosor de la línea, la opacidad y más.

Permanece completamente concentrado en tu trabajo creativo. Coloca el dedo ligeramente en una capacitiva ExpressKey™ para mostrar un recordatorio en la pantalla de función de la tecla.

TOUCH RING MULTIFUNCIÓN El Touch Ring sensible al tacto ofrece control intuitivo de desplazamiento y alejamiento, tamaño del pincel, rotación del lienzo y más.

EXPRESSKEYS Intuos Pro viene preajustado con ExpressKeys específicas de la aplicación para tu software creativo popular. Activa tus propios accesos directos y modificadores que ahorran tiempo de manera rápida y fácil en cada aplicación que uses.

DISEÑADO PARA LA COMODIDAD El diseño reversible (ambidiestro) de las características de Intuos Pro cuenta con lados suavemente inclinados, un acabado suave al tacto, amplio espacio para las manos y un lápiz con contorno ergonómico.

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ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

POR: REDACCIÓN REVISTA ENFOQUE VISUAL

La agencia de promoción para el cine colombiano

Cortesia: Proimagenes

El Fondo Mixto de Promoción Cinematográfica, Proimágenes Colombia, es una entidad sin ánimo de lucro creada bajo la ley 397 de 1997 (Ley General de Cultura), enmarcada en el régimen de las actividades de ciencia y tecnología e integrada por entidades públicas y privadas.

Proimágenes Colombia busca consolidar y solidificar el sector cinematográfico colombiano, convirtiéndose en un escenario privilegiado para la concertación de políticas públicas y sectoriales,

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y para la articulación de reglas del juego que concreten e impulsen la industria cinematográfica del país.

Desde el 2003 y gracias a la Ley 814 de 2003, esta agencia administra el Fondo para el Desarrollo Cinematográfico (FDC), siguiendo los lineamientos del Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía (CNACC). Este recauda los recursos provenientes de un porcentaje de los ingresos de la industria y los ejecuta con transparencia y eficiencia, lidera el programa de internacionalización del cine colombiano, organiza las convocatorias públicas para la entrega de estímulos, coordina las actividades de acompañamiento y formación para los proyectos apoyados e impulsa a los futuros creadores.

Proimágenes Colombia, busca promover la producción audiovisual internacional en el territorio colombiano a través de la Comisión Fílmica Colombiana, un proyecto del Ministerio de Cultura y el Ministerio de Comercio Industria y Turismo, en asocio con el fondo mixto.

Este mismo es el administrador del Fondo Fílmico

Colombia, creado bajo la Ley 1556 de 2012, a través del cual se da una contraprestación (cash rebate) del 40% del valor de los gastos realizados en el país por concepto de servicios cinematográficos y del 20% del valor de los gastos en hotelería, alimentación y transporte a las empresas que realicen las producciones en el territorio colombiano.

Desde el año 2004, el Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía, ha definido la política de entrega de los recursos del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico que se destinan a producción se haga por medio de una Convocatoria anual, la cual maneja dos tipos de estímulos: Estímulos por concurso y Estímulos automáticos. De esta manera el CNACC apoya la realización cinematográfica en todas sus etapas, por lo que también estimula la formación a través de festivales de cine y la formación especializada para el sector cinematográfico. Para este año 2015 el consejo destinó 11.490 millones de pesos para la Convocatoria de Estímulos por concurso.

Tomada de: museolatertulia.org

Tomada de: laberinto.tv

Tomada de: elantepenultimomohicano.com

Tomada de: colfilmny.co

ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

POR: CLARA CONTRERAS - WWW.FUNDACIONARTSCOLLEGIUM.ORG

Tununguá VOLVEREMOS CON UNA DONACIÓN DE CÁMARAS DIGITALES, PARA QUE LOS NIÑOS DE LA VEREDA DE MOJARRAS SIGAN CONSTRUYENDO SUEÑOS. Aquella tarde fría bogotana, cuando nos encontramos las tres, Claudia, pintora, Clara, psicóloga y Natalia, antropóloga, quien venía a contarnos la historia de las minas de esmeraldas y su influencia en los niños de Tununguá, de inmediato nos enamoró la idea de visitar ese pequeño municipio de Boyacá, uno que ni siquiera aparece en el mapa.

Así inició lo que hoy se ha convertido en una más de las grandes motivaciones de la Fundación Arts Collegium, llevar a los niños de regiones apartadas del país la posibilidad de reflexionar sobre sus propias vidas, su entorno e identidad a través de la fotografía.

Al llegar a Tununguá con Juan Pablo y Jefferson, jóvenes fotógrafos beneficiarios de Arts Collegium en Sopó y Guasca, experimentamos muchas sensaciones: el calor que se impregnaba en nuestra piel, los olores a guayaba, guanábana y arazá

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y por supuesto las miradas de asombro de sus habitantes, quienes no están acostumbrados a la visita de extraños.

Los niños se fascinaron con las cámaras y gracias al lente macro descubrieron como por arte de magia, el micromundo que los rodeaba y del cual habían sido ajenos hasta ese momento.

Observaron y fotografiaron emocionados detalles de las flores, los animales, las montañas y las minas de esmeraldas de las que hablan con un misterio casi embrujador. Su perspectiva del entorno cambió desde entonces y sus sueños también.

Regresamos y regresaremos pronto, pero esta vez llevaremos cámaras de regalo. Usted que haría sabiendo que estos 14 niños preguntan con frecuencia ¿Cuándo volverán los de fotografía?

Lo invitamos a unirse donando una cámara nueva o usada. Llámenos, número celular 3133912192.

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POR: ANDRÉS PERILLA – GERENTE DE DIGITAL IMAGING DE SONY COLOMBIA

Línea RX de Cyber-Shot™ DIGITAL IMAGING - SONY COLOMBIA La familia de cámaras fotográficas RX traducen quizá la perfecta Smartphone killer por su relación permanente entre extrema calidad de captura, un precio cómodo y gran comodidad entendiendo su tamaño.

Sin embargo y entendiendo el continuo avance de la fotografía en Smartphones ¿cuál es la estrategia puntual para mantenerse en el mercado y continuar siendo competitivos?

Estamos enfocados en ofrecer calidad de imagen en diseños compactos, funcionales y portables que les permitan a las personas disfrutar al máximo de la fotografía. Si bien es cierto que los Smartphones han ganado terreno en fotografía, aún no están en capacidad de brindar las prestaciones de una cámara semi o profesional en términos de resolución de imagen y versatilidad artística porque no están diseñados, exclusivamente, para tomar fotos; una cámara sí.

La resolución se ve comprometida por el tamaño del sensor y, en el caso del Smartphone, éste es de 25 mm, mientras que, por ejemplo, el de una cámara RX de Cyber-Shot™ es de 1 pulgada. Además, a diferencia de los Smartphones, los lentes de las cámaras sí tienen apertura y, en esa media, dan un óptimo

rendimiento en bajas condiciones de luminosidad.

Hablemos de la RX1R. ¿Por qué involucrar un sensor completo (Full Frame) en una cámara de bolsillo?

Básicamente, es la mejor alternativa para los fotógrafos que buscan cámaras con desempeño profesional pero en cuerpos compactos. La RX1R facilita el trabajo, puesto que es fácil de transportar, versátil en su uso y brinda confort y seguridad a quien la usa.

Gracias a su sensor Full Frame, la conversión del formato de salida RAW es de 14 bits y, a su vez, aumenta la capacidad de manipulación de las imágenes en la postproducción. Adicionalmente, tiene un ISO de 25.600 para máxima calidad de imagen en la oscuridad, cuenta con el procesador de última generación BIONZ X™ y viene con una zapata inteligente que permite adaptar todos los accesorios disponibles en el mercado.

La RX10 II es una cámara que implementa una mezcla de impresionantes aptitudes para captura fotografía y de video ¿Cómo balancear dos tipos de usuarios distintos?

Hemos identificado que, actualmente, tanto las producciones fotográficas como de video las realizan los mismos profesionales. En esa medida, es muy im-

portante proveerle a este tipo de usuarios cámaras como la RX10 II, puesto que están equipadas para ofrecer alto rendimiento en ambos escenarios y, por ende, ahorran costos y equipos adicionales. Con la RX10 II, hemos logrado integrar reproducción de video en 4K, que es la última tecnología en términos de video, en un cuerpo semi-compacto.

Por otro lado, la categoría Mirrorless de Sony promueve igualmente unas importantes referencias que mundialmente están llevando a los usuarios por la preferencia de las mismas. ¿A futuro todas las cámaras fotográficas abanderadas de Sony prescindirán del sistema espejo y se unirán al movimiento Mirrorless de forma absoluta?

Somos conscientes de que la tecnología mirrorless es una tendencia en el mercado de fotografía.

En el mercado colombiano el segmento de las mirrorless ha venido creciendo y, hoy en día, tiene una participación del 25% del total del mercado de cámaras profesionales; un 20% más que hace 2 años.

A futuro, nuestros esfuerzos estarán enfocados en que todos los modelos que desarrollemos sean mirrorless. Las cualidades que ofrecen estas cámaras son muy apetecidas por los usuarios,

principalmente, porque al no tener el espejo, las mirrorless son mucho más compactas y funcionales. Asimismo, permiten que funciones secundarias, como el autofoco, la estabilización de imagen y el ISO sean mejores y se logren óptimos resultados. ¿Cuál es el comportamiento en ventas de las categorías Mirrorless y RX de Sony en nuestro país? ¿Es Colombia territorio Sony?

El comportamiento ha sido muy favorable para Sony. Nuestra participación promedio en el mercado local es de un 80%. Afortunadamente, hemos entendido que este segmento es emergente y que cobra cada vez más relevancia en los usuarios, por lo que, desde hace un año, todos los prototipos que hemos fabricado, son mirrorles. De hecho, la RX 100 m4 es el último lanzamiento y, además de ofrecer grabación en video 4K con Slow Motion, cuenta con un sensor de una pulgada y viene con un lente Carl Zeiss.

Colombia es, ampliamente, territorio Sony y nos hemos asegurado de que los usuarios tengan fácil acceso a todo nuestro portafolio a través de nuestras tiendas Sony Store y Sony Store Online. Además, con la estrategia Buy Local, los interesados podrán comprar los dispositivios al mismo precio que en Estados Unidos.

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ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

Fotos: Libro Nereo Saber ver Editorial: Maremágnum,2015.

Idiomas: español-inglés.

Traducción: Joe Broderick.

356 páginas, 410 imágenes en tricomías y policromía.

Impreso en España por Gráficas Palermo.

Fecha de publicación: Septiembre 2015

POR: JUANA BUITRAGO

Nereo López EL LENTE TESTIGO DE LA HISTORIA DE COLOMBIA. Considerado por la historia y la sociedad fotográfica como uno de los fotógrafos más importantes de Colombia y del fotorreportaje independiente.

Retrató por más de seis décadas el acontecer colombiano, logrando un Fondo Fotográfico de unas 100 mil imágenes.

Nació en Cartagena y vivió en Nueva York. Fue el fotógrafo designado por el gobierno nacional durante la entrega del premio Nobel en 1982 al escritor colombiano Gabriel García Márquez, así como el fotógrafo acompañante del papa Paulo VI durante su visita a Colombia en 1968.

Fue reportero gráfico de El Espectador, El Tiempo, Revista Cromos, O Cruzeiro de Brasil y otros medios nacionales y del exterior durante varios años.

Su obra ha sido recogida en numerosas medios impresos

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y sitios de la web, los cuales ilustran un amplio panorama de la historia colombiana en imágenes que pertenecen al patrimonio cultural del país.

DESDE LA HISTORIA POR WILLIAM ARANGO “Nereo López ha sido, es y será el gran documentalista colombiano del Siglo XX, eso significa algo tan trascendental como que fue la persona que con más pasión, visión y profundidad fue capaz de percibir a través de sus imágenes el espíritu de este país. En su obra encontramos al colombiano de todas las latitudes porque en la medida de sus posibilidades recorrió Colombia muchas veces, y su propósito fue siempre el de lograr penetrar en el alma de las regiones, de las personas, de la gente de las ciudades, de los campesinos, de los artis-

tas, entre muchos más, eso fue Nereo López, quien definitivamente pasará a la historia y ya tiene su puesto como el gran documentalista de la República de Colombia”.

DESDE EL ARTE POR SANTIAGO RUEDA “El año 2015 ha visto la desaparición de dos grandes maestros de la fotografía colombiana, Carlos Caicedo, fallecido el 13 de julio, y Nereo López, fallecido el pasado 25 de agosto a sus 95 años. Junto a Leo Matiz y Hernán Díaz, Nereo López fue uno de los primeros fotógrafos en lograr el reconocimiento como artista en la incipiente escena cultural colombiana de los años 60. En esa década, con Leo Matíz trabajando fuera del país, Nereo se convirtió en el primer foto ensayista del país dando continuidad al estilo de fuerte influencia mexicana de Matíz. Nereo además, perteneció al llamado “Grupo de Barranquilla”, entre los que se contaban Cepeda Samudio, García Márquez, Obregón y Grau, entre otros. Nereo fue ante todo un fotógrafo viajero, dedicado a “contar historias”, cronista y cartógrafo a la vez, practicante de ese género híbrido entre la poesía visual y el documento,

que es el fotoensayo. Desde sus inicios supo situarse acertadamente en la geografía nacional, realizando viajes poco comunes y visitando regiones desconocidas. Perteneció al periodo de la “edad de oro” del fotoreportaje. Un fotógrafo enriquecido por las experiencias previas de Cartier-Bresson, Irving Penn, Robert Capa y Eugene Smith.

Por ello, su trabajo está regido por esa mirada donde se combinan objetividad, toques humorísticos y un mesurado gusto estetizante. Su trabajo continuó durante casi cuatro décadas

más, incursionando en el color y la fotografía digital. López sin duda, fue un ejemplo de autonomía e independencia, no sólo vital, sino laboral y espiritual.

La calidad de su trabajo, en sus más de cinco décadas de trabajo, lo convierten sin duda alguna en uno de los grandes pilares de la fotografía colombiana”.

DESDE LA ACADEMIA POR MARÍA ESTHER GALVIS “A Nereo se le reconoció siempre como un gran fotoreportero, que exploraba muchas posibilidades entre

otras la docencia, él fundo por los años 70 una academia para la enseñanza de la fotografía, con el objetivo de hacer una actividad de tipo cultural para promover la difusión del arte de la imagen. Tenía una gran biblioteca, vendía productos y era más un espacio para que la gente disfrutara, aun cuando la fotografía todavía no era tan reconocida como ahora.

Para el la capturar momentos no era solo una forma de ilustrar situaciones u objetos, sino una forma de hacer relatos con imágenes”.

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Casos de éxito LA ACADEMIA FOTOGRÁFICA Y SUS EGRESADOS

Revista Enfoque Visual presenta una manera diferente de acercarse a la comunidad académica que desarrolla carreras y estudios afines a la fotografía, el diseño y las artes audiovisuales.

En esta ocasión, damos la oportunidad y el protagonismo a los estudiantes que por sus propuestas innovadoras y su desempeño académico han sido

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escogidos por las diversas instituciones que participan en este reportaje especial, como sus abanderados y representantes, quienes por medio de sus testimonios, le contaran a todos nuestros lectores la manera como han aplicado en su vida lo aprendido en la academia.

Esta es una información exclusiva y valiosa que traduce una posibilidad única para entender y REVISTA ENFOQUE VISUAL / Septiembre 2015 - Noviembre 2015

analizar el alcance de las diversas opciones de enseñanza que se encuentran en nuestro país. En nuestra próxima edición, continuaremos con este reportaje especial mostrando los espacios más valiosos (galerías, auditorios, salas de cómputo), con los que cuentan las entidades académicas para el desarrollo creativo de sus estudiantes.

CASOS DE ÉXITO - LA ACADEMIA FOTOGRÁFICA Y SUS EGRESADOS

REPORTAJE ESPECIAL

ANDRES FELIPE ESPINOSA

IVAN VALENCIA

Soy fotógrafo de moda. La academia me enseñó toda la parte técnica y me dio las herramientas con las que trabajo hoy y las cuales he ido perfeccionando a diario. La parte de multitasking. El instituto nos permite explorar diferentes campos de la fotografía, además del manejo de programas para diseñar y extender nuestra capacidad creativa. Así he logrado cubrir muchos huecos que el mercado tiene.

Pensar mucho en la imagen antes de actuar me permite menos edición y lograr una buena composición, ser más humano con las personas a quien fotografío es una ética de relación.

En mi trabajo se exige mucho narrar el día a día, establecer mis límites y a la vez superarlos en situaciones de riesgo, pero lo más importante es pulir con mis colegas en el mundo real lo aprendido. Es verdad que hay personas que nacen con un talento nato para lograr buenas fotografías, pero la academia siempre pule al que tiene más ojo. Gran parte de mis buenos profesores, ahora son colegas míos en el campo lo cual es un aporte fundamental para las relaciones en el futuro.

KATHERINE DAZ

SABINA ALDANA

En el proceso académico tuve la opor tunidad de aplicar lo aprendido en mis prácticas y proyecto de grado. Es una gran ventaja que el instituto nos ofrece, no solo es la teoría sino la práctica y el trabajo en el campo de acción lo que nos permite aprender incluso mucho más.

Por ello sin miedo ni temor al error empecé a trabajar en mis propios proyectos, en la producción ejecutiva soy quien lidera, cuando trabajo lo hago por gusto personal, trabajo y trabajaré para mi empresa Tiny Tim Studios con mi socio David Bohórquez quien también es egresado de LCI. La disciplina, es lo que conlleva a organizar y distribuir el tiempo para lograr los objetivos en los tiempos proyectados. Gracias a que el instituto tiene un proceso intensivo de aprendizaje, nos enseña que no hay que perder tiempo. Desde que inicié mi carrera en el primer cuatrimestre con la intensidad de trabajo, supe que la totalidad del tiempo de la carrera era exclusivo para estudiar, de jóvenes tenemos muchas distracciones, así que opté por ser bastante radical dedicando el tiempo solo al estudio, valorando cada minuto, pues en mi profesión Time is money ( Tiempo es dinero).

Estudiando en LCI empecé mi relación con el diseño escénico desde todas sus posibilidades. Me pude acercar a la escenografía, vestuario, maquillaje, utilería, iluminación, producción, no solo un desde el lugar técnico, sino también desde lo conceptual. En esta relación fui encontrando el lugar de mi pasión: el vestuario escénico. En mi trabajo como diseñadora de vestuario, es importante saber, no solo sobre vestuario, también es necesario además tener una visión macro del proyecto, es fundamental entender las dinámicas de cada cuerpo de diseño y de realización, la carrera de diseño visual y producción escénica te forma para establecer diálogos con cada área de creación.

Cuando te enfrentas a un proyecto profesional, tienes la capacidad de entender, de conversar, de proponer teniendo en cuenta una totalidad y no solo las particularidades de cada rama. Aplico mis conocimientos no solo en el trabajo también en mi cotidianidad. Lo que más aprecio de la LCI es que tiene profesores que no solo son educadores, también están ejerciendo su labor como diseñadores, como artistas. Esto permite que los alumnos estén conectados con lo que está pasando afuera. Muchas veces los profesores te vinculan a su trabajo y es en el momento en que más aprendes y descubres, porque ya es la vida real y no estas dentro de un aula haciendo solo suposiciones de diseño, te enfrentas con la práctica, pero con alguien que está ayudándote en el proceso. Gracias a las oportunidades que me dieron algunos docentes, tengo un portafolio y una experiencia de trabajo importante.

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REPORTAJE ESPECIAL

CASOS DE ÉXITO - LA ACADEMIA FOTOGRÁFICA Y SUS EGRESADOS

CAMILO SABOGAL Me he dedicado toda mi vida de fotógrafo a los procesos analógicos de laboratorio químico en fotografía de manera autodidacta. En Taller 5 trabajé cómo profesor durante 9 años compartiendo esa pasión. Al cumplir 6 años cómo docente en la institución, en reconocimiento al trabajo me fue otorgado el título honoris causa.

Enseñando tuve la posibilidad de profundizar en el desarrollo de mis procesos de experimentación, y hoy día me encuentro trabajando con procesos fotográficos del Siglo XIX a nivel artístico desarrollando proyectos personales, participando en diferentes muestras y exposiciones, siendo ganador por ejemplo del salón local de artistas empíricos de Idartes en 2015. La pasión por enseñar, por compartir lo que amo, enseñar es aprender dos veces. Me dio las herramientas para desarrollar procesos de investigación. Me enseñó que si realmente quiero algo, solo debo hacerlo, que mientras se haga con honestidad y compromiso, los resultados serán siempre exitosos.

NICOLÁS FERNÁNDEZ

Lo que aprendí en Taller 5 lo aplico felizmente todos los días de mi vida. Me considero afor tunado al poder trabajar en lo que más me apasiona en la vida, la fotografía. Ac tualmente desarrollo proyec tos personales y per tenezco a dis tintos proyec tos en los que me desempeño como fotógrafo y realizador audiovisual, t ales como Efeunodos Fotografía, Vér tigo Graf f iti y Sonis fera y además de es to he realizado dis tintos contenidos publicit arios para marcas como Adidas, A lpina, Bavaria y Coca - Cola. Es t a pasión y a ver la fotografía como una forma de vida, como una profesión llena de posibilidades y de retos maravillosos me lo enseñó Taller 5. Siempre agradezco el haber tenido a mi lado maes tros que me enseñaron a ver nuevos horizontes y que me impulsaron a exigirme más y a perseguir lo que fuera por medio de mi propio es fuer zo y perseverancia.

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MAURICIO ORJUELA

El desarrollo creativo, el trabajo en equipo, la constancia y amar lo que se hace, ¡lo más importante! nunca dejar de explorar nuevas tendencias y descubrir nuevas formas de mostrar el arte.

Eso me dejó la buena dirección por parte del cuerpo docente y la alta calidad y experiencia que ofrecen en el campo de la imagen.

Taller 5 Centro de Diseño fue clave para poder desarrollar mi trabajo en reportería gráfica en el Ministerio de Defensa Nacional, lugar en el que vengo ejerciendo la fotografía desde hace más de 3 años. Con un alto grado de responsabilidad y entrega no solo por el hecho de trabajar para una entidad pública, si no por saber contar una noticia de forma ética, mi enfoque es proponer e innovar, inmortalizar hechos, generar en el espectador agrado y recordación. Puedo catalogar mi forma de trabajo y comprensión de la fotografía de la siguiente forma: no solo es lograr una buena imagen que narre un suceso, es conectarse con la persona a retratar, percibir sus emociones, saber identificar hasta qué punto un retrato, un detalle o una puesta en escena es la decisión correcta para lograr una excelente fotografía.

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REPORTAJE ESPECIAL

CARLOS FELIPE RAMÍREZ

MARCELA LÓPEZ

En la Academia Yurupary forman al fotógrafo de manera excepcional en el campo técnico y en lo relacionado al uso de la cámara y equipos en la teoría de la imagen. Todo esto combinado con un bagaje histórico y conceptual, que me ayudaron a tener una perspectiva y un abordaje de mi cuerpo de trabajo adaptable a la necesidad del momento y del mercado. Lo que más me aportó la academia fue lograr construir una visión crítica de mi medio, mi trabajo, y la manera de aproximarme a enfrentar un nuevo proyecto, serie o trabajo, además sé que ante cualquier necesidad de un consejo, perspectiva o critica, en Yurupary tengo las puertas abiertas para cualquier ayuda que necesite.

Cada paso que uno da en la vida es un aprendizaje, llegue a Yurupary por casualidad, jamás pensé amar tanto la fotografía como lo hago ahora, la Academia fue y será siempre el lugar en el cual descubrí quien soy y que quiero ser en mi futura vida. El calor humano, el nivel académico y ese amor por el arte que solo esta academia tiene me hicieron amar mi trabajo, mi profesión y mi todo. Yurupary me enseño de la sutileza y limpieza de la imagen algo que descubrí de mi propio concepto fotográfico y ellos impulsaron mi estilo y me ayudaron a mejorarlo cada día. Ahora me esfuerzo, analizo cada idea, produzco grandes escenas y pienso que puedo dar cada día más. No olvido mis bases y las enseñanzas de mis maestros que constantemente me pedían más, para ser la mejor y para demostrar que la fotografía no solo es una idea si no que es un mundo lleno de miles de experiencias extraordinarias. Yurupary marco mi vida tanto personal como profesional y siempre lo consideraré mi hogar.

JUAN CAMILO LONDOÑO

NATHALIE NUTTIN

Las posibilidades que ofrece Yurupary en las líneas de énfasis, me han permitido explorar las temáticas en las que me ocupo, como retrato y fotografía de producto. Además de eso el dominio de la iluminación y el control sobre la cámara fotográfica, como el aspecto estético de la fotografía y cómo se utiliza adecuadamente el lenguaje de la imagen. Su metodología me aportó mucho, en Yurupary te dejan claro desde un principio que tu formación fotográfica es un compromiso colectivo, que no solo incluye una relación profesor-alumno, donde el docente evalúa el trabajo del estudiante, sino que también incluye un compromiso con los compañeros de clase, donde el docente tiene un papel de guía y en una especie de foro, se discute en torno al desarrollo que tiene cada quien en un proyecto fotográfico que se desarrolla a lo largo de cada curso. Esto ha significado en mi proceso, un contundente desarrollo del sentido de pertenencia hacia cada proyecto y la capacidad crítica para la toma de decisiones asertivas en el desarrollo de uno de los mismos, garantizando una total autonomía cómo fotógrafo para tomar las riendas de cada proyecto y llevarlo a cabo de la manera más fiel a lo propuesto antes de su producción.

Desde muy joven inicié mi proceso en la Academia Yurupary, cuando todavía usaba cámara análoga, esto me enseñó a ver desde otro punto de vista y cuando hice mi carrera como diseñadora gráfica fue de gran ayuda en todo el proceso.

Cuando empecé mi vida laboral también fue de mucha importancia porque trabajaba en una empresa de moda y la toma de fotografías era constante, con mis conocimientos tengo la capacidad para seleccionar buenas fotografías, entiendo de encuadres y conceptos los productos dándome una ventaja sobre mis compañeros de trabajo, todos mis estudios y conocimientos me ayudaron a entender la marca desde la inspiración de sus fotografías. En esta segunda etapa de volver a la fotografía que llegó cuando me independice profesionalmente, ha sido la inspiración de lo que siempre soñé hacer. Tomarle fotos a lo que me gusta, al producto y con esto comunicarles a las personas sobre los usos del mismo.

Agradezco a la institución por darme la oportunidad de encontrar profesores y amigos que están al servicio y siempre disponibles para darnos apoyo y aprender de todos cada día más.

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REPORTAJE ESPECIAL

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CASOS DE ÉXITO - LA ACADEMIA FOTOGRÁFICA Y SUS EGRESADOS

NICOLÁS SANÍN

CARMEN TRIANA

He aplicado lo aprendido mejorando mis procedimientos al trabajar en mis proyectos, obteniendo mejores resultados... He podido aprender a mirar las imágenes de otros con mayor profundidad y he podido llegar a entender cómo se construyen imágenes de distintos tipos. En Labloom aprendí muchas cosas. Pude ampliar y mejores los conocimientos técnicos que ya tenía y aprender técnicas y maneras de abordar los proyectos que no conocía. Pude conocer cómo trabajan otros fotógrafos, tanto técnica como conceptualmente. Los profesores son muy buenos y muy receptivos. Uno en Labloom tiene la opor tunidad de hablar con los profesores y estudiantes, compar tiendo experiencias, algo que le apor ta mucho a todos. Algo para resaltar es que uno aprende a trabajar en equipo, aspecto fundamental para muchos tipos de proyectos fotográficos.

Cuando entré a estudiar a LABLOOM sabía que quería dedicarle mi vida a la fotografía, pero la fotografía se puede abarcar de mil maneras diferentes al principio todo es nuevo e intentaba explorar por todos los campos el retrato, la fotografía documental, la moda, La fotografía de autor, el paisajismo, etc. Pero a medida que pasaba el tiempo me iba dando cuenta para que era buena y para que no. Estudiando lo probé todo y después empecé a descartar los campos que no me gustaban, sentía que me acercaba más a lo que quería y a encontrar mi propia mirada y estilo. Lo que más me aporto en la escuela fueron las ganas de crear estar todo el tiempo activa con mi fotografía, hacer proyectos y no quedarme quieta y así empecé a ver mi evolución, es gratificante pero a la vez frustrante porque a medida que mejoras el reto es más grande y hay que superarse todos los días. Cuando me gradué de LABLOOM hice de proyecto de grado mi primer proyecto fotográfico llamado “Piel de flor” es mi primera serie y de la cual me siento orgullosa desde ese momento empezó mi carrera.

CAMILO ARA

CARLOS BELTRÁN

Yo incursione en la fotografía hace varios años pero cuando tome la decisión de formarme y capacitarme académicamente, fue la mejor opción. Tuve la for tuna de contar con muy buenos maestros en diferentes campos, que me for talecieron en materia técnica y conceptual, convivir este tiempo con muchos fotógrafos hace que uno mismo le de amplitud a la visión, mientras que va tomando rigor en la labor fotográf ica. La academia y la prác tica son muy impor tantes, con las dos aprendí la responsabilidad, el profesionalismo y la calidad en mi trabajo. Lo que más apor tó la academia a mi formación profesional fue llevar mis fotografías a un nivel profesional, entender la fotografía de otra forma, preocuparme por el concepto y contenido en las imágenes y entender los procesos y movimientos de la fotografía ac tualmente.

Lo primero para mí son los referentes. El conocimiento sobre lo que se ha hecho y sobre el recorrido de los artistas a lo largo de la historia permite crear un marco teórico sobre el cual trabajar. Saber qué se ha hecho, en qué circunstancias, cómo se ha llegado a determinados resultados y por qué éstos son relevantes, es un buen comienzo en el camino de la exploración. Una exploración que puede partir de lo formal, pero que siempre debe incluir un elemento personal. Por lo general se le pregunta al estudiante qué le enseñó su maestro, qué le dijo que se podía hacer, y para mí la pregunta tiene una respuesta corta: Me enseñó a manejar una cámara oscura (hablando de fotografía). Pero lo interesante no está en qué nos enseñaron (básicamente ISO, velocidad y diafragma), sino en lo que NO nos dijeron que NO se podía hacer, y de donde nacen las más interesantes exploraciones. Ya lo había dicho Miles Davis “No son las notas que tocas, son las notas que no tocas” y “no toques lo que está ahí, toca lo que no está” Ya no se trata entonces de qué puede hacer la cámara, sino de qué puedo hacer yo con ella. Esencialmente, maestros como Juan Osorio, Jairo Llano, Fernando Cruz y Karim Estefan, me enseñaron a pensar. Ese es el mayor aporte de un atelier de aprendizaje. El resto está en papel.

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CASOS DE ÉXITO - LA ACADEMIA FOTOGRÁFICA Y SUS EGRESADOS

REPORTAJE ESPECIAL

WILMER GOMEZ

ANA MARÍA MEJIA

Mi experiencia personal y laboral se ha visto encaminada muy fuertemente por el aprendizaje que dejó mi paso por la Escuela de Fotografía del Valle, tratando de aplicar siempre el conocimiento adquirido en clases, los consejos y el respaldo de un gran maestro que siempre estuvo a disposición de sus estudiantes en todo momento.

El apoyo y el respaldo que tuve siempre por parte de la escuela han hecho que mi desarrollo profesional vaya creciendo a pasos largos. Contar con la asesoría de profesionales comprometidos con el crecimiento y desarrollo de sus estudiantes es un privilegio. En este caso, Arley más que mi maestro, es y será un gran amigo al que admiro. Porque fue gracias a él que descubrí, lo que realmente me apasiona: La fotografía.

Para mi estudiar fotografía en la Escuela de Fotografía del Valle significó un cambio radical en mi vida profesional. Había estudiado Biología Genética en la Universidad del Valle y tras regresar de hacer un postgrado en el exterior decidí estudiar fotografía. Desde pequeña sentí una gran fascinación por la fotografía, y el curso básico en la escuela me hizo decidirme definitivamente a cambiar de profesión. Continué mi formación llevando a cabo el curso avanzado y el de iluminación y desde ese momento me dediqué definitivamente a la fotografía. Lo que aprendí en la EFV ha sido indispensable en mi desarrollo profesional; me proporcionó las herramientas necesarias para llevar a cabo trabajos en el campo de la publicidad, la fotografía de estudio y la fotografía editorial, permitiéndome trabajar con importantes empresas como Cementos Argos con quienes desde hace un par de años estoy llevando a cabo el Proyecto Savia, una colección que se propone reunir en cinco libros la riqueza botánica colombiana, y de la cual ya se han publicado 3 tomos.

ISMAEL MORELOS

Conver tí este aprendizaje en mi campo laboral y modo de vida con el cual he llegado ser uno de los fotógrafos más reconocidos del país, teniendo publicaciones en revistas como SOHO, RE VIS TA DINERO, INFA SHION, entre otras y haciendo campañas publicitarias a nivel nacional para empresas como COLOMBINA , QUES T, SENDA NELLY ROJA S, AQUERELL A y muchas más las cuales depositan su conf ianza en mi trabajo. Mi paso por la Escuela de Fotografía del Valle me dio bases sólidas del conocimiento profesional de la fotografía ac tual, la cual me permitió proyec tar una carrera profesional íntegra, que ac tualmente me llena de mucha satisfacción.

CARLOS RAMÍREZ

Lo aprendí lo he aplicado de manera práctica. No tenía conocimiento de cómo abordar una sesión o un trabajo desde la orilla profesional, cómo ganar dinero con ello.Es difícil decir qué fue lo que más aportó la Escuela a mi desarrollo, porque para mí ha sido un antes y un después de mi paso por aquí. Me aportó muchos conocimientos en el ámbito técnico y de comportamiento como fotógrafo que vive de este oficio, cambió el concepto que tenía sobre lo que era la fotografía y me enseñó a cobrar por mi trabajo. Mi paso por la Escuela fue definitivo porque cambió mi vida totalmente, me impulsó a dejar mis actividades anteriores, lucrativas pero no satisfactorias, para hacer algo que me apasiona, que es mi vida.

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REPORTAJE ESPECIAL

CASOS DE ÉXITO - LA ACADEMIA FOTOGRÁFICA Y SUS EGRESADOS

ALEXANDER TORRES MARQUEZ

En mi trabajo aplico los conocimientos adquiridos las 24 horas del día, ya que mi función dentro de la Policía es registrar las actividades relevantes que hacemos y mostrarlas a los medios de comunicación como radio, prensa escrita, internet y televisión.

Es fundamental para mi saber cómo construir una historia, darle importancia a la noticia desde un pensamiento más crítico, darle al público, la comunidad, una imagen clara y que genere claridad.

El instituto me aportó las herramientas fundamentales para poder hacer mi trabajo como reportero gráfico y esas herramientas están basadas en el conocimiento, aprender a hacer una selección cuidadosa del material que se va a publicar, saber que la edición que se le hace a una imagen debe ser muy mínima para no alterar la realidad por tal motivo lo importante de conocer bien mi equipo de trabajo. El instituto me ha enriquecido como persona porque aprende uno a relacionarse con todo tipo de personas, de todos los estratos, comunidades, arriesgarse con un debido cuidado a contar esas historias que quizá están perdidas en el olvido.

ESNEYDER GUTIERREZ CARDONA

En cada uno de mis trabajos de reportería gráfica, luego de haber estudiado en el Instituto Henry Agudelo, he aplicado los valiosos conceptos técnicos aprendidos allí, así como también me instruyeron para estructurar con mucha más organización las historias que quería narrar con mis fotos. Pero lo más importante fue haber tenido la experiencia de aprender de alguien que considero un maestro como profesional, dimensionar su talento, ver las historias desde su óptica y aprender de su trabajo. Lo que más aportó a mi vida profesional fue tener la oportunidad de compartir con tantas personas en cada uno de los recorridos que hace el instituto que, para mí, es la clave del éxito estas increíbles experiencias de campo. Ver la mirada de todo el grupo e incluido el docente, las discusiones constructivas que finalmente terminan por enseñarnos cosas que difícilmente puedes encontrar en otra institución educativa.

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LINA MARÍA HIDALGO ACEVEDO i En lo personal lo que he aprendido con el Instituto Henry Agudelo me ha servido mucho a nivel profesional, sus directivas me han dado una muy buena formación para llevar mis proyectos a un nivel muy alto, para darlos a conocer al público interesado en cultura fotográfica. Ahora existe gente interesada en mi trabajo, lo cual es un apoyo económico para sustentar algunos de mis gastos personales. Lo que más aportó y aporta el Instituto para mi desarrollo exitoso, es el acompañamiento en los proyectos en los cuales me vinculo, el Apoyo y seguimiento incondicional que ellos me han me han brindado, me ha servido para ser mejor en el ámbito profesional en el que me desenvuelvo.

SERGIO DAVID GAITAN BOLAÑOS

Desde el primer día que llegue al instituto nuestro profesor Henry Agudelo hizo énfasis en que contemos esas historias que están a nuestro alrededor, esas historias particulares, interesantes e enriquecedoras a las que podemos tener acceso y son invisibles para el resto de personas y que sin nuestra cámara se perderían sin ser contadas. Allí aprendí que no puedo esperar a que alguien más tome la iniciativa y haga el trabajo por mí, estar inquieto es una necesidad de una búsqueda constante por contar historias a través de imágenes, para hacer visible lo invisible. Antes de mi llegada al instituto no tenía ningún tipo de intención en realizar proyectos fotográficos de largo aliento, pero después de realizar el curso de Fotoperiodismo Avanzado en el Instituto Henry Agudelo mi panorama y visión del mundo cambiaron radicalmente, se abrieron un número de oportunidades casi infinitas, pues en cada esquina, en cada ciudad, en cualquier barrio hay una historia que está clamando por ser contada.

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ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

Yurupary y la enseñanza de la fotografía YURUPARY SE HA POSICIONADO EN EL PAÍS COMO UNA NOVEDOSA PROPUESTA PEDAGÓGICA, BAJO EL MODELO DE EDUCACIÓN PARA EL TRABAJO Y EL DESARROLLO HUMANO. Uno de los primeros que se ocuparon de la enseñanza de la fotografía en Medellín, a finales del Siglo XIX, fue Emiliano Mejía, a quien los historiadores registraron como el maestro de Benjamín de la Calle.

Emiliano Mejía fue un hombre muy culto, que terminó dedicándose de lleno a la docencia de idiomas en la Universidad de Antioquia y Benjamín de la Calle es reconocido como uno de los grandes fotógrafos antioqueños del Siglo XX. Otro de los precursores de la enseñanza de la fotografía en Antioquia, fue Horacio Marino, el hermano mayor de Melitón Rodríguez, quien en compañía del maestro Francisco Antonio Cano abrió en 1889 la Fotografía Cano y Rodríguez y en Enero de 1897 publicó Dieciocho lecciones sobre fotografía, que fue el primer libro de su género en Colombia.

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EL PRIMERO QUE OFRECIÓ PÚBLICAMENTE CURSOS DE FOTOGRAFÍA EN MEDELLÍN, FUE EL FOTÓGRAFO FELIX R. RESTREPO, QUIEN ANUNCIÓ EN 1904 EN LA PRENSA SUS “CURSOS PRÁCTICOS DE FOTOGRAFÍA, EN TREINTA DÍAS Y A ENTERA SATISFACCIÓN”

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Pero el primero que ofreció públicamente cursos de fotografía en Medellín, fue el fotógrafo Felix R. Restrepo, quien anunció en 1904 en la prensa sus “Cursos prácticos de fotografía, en treinta días y a entera satisfacción”.

Como suele suceder con los pintores, muchos maestros de la fotografía han dedicado parte de su tiempo a formar aprendices. Recordamos las clases de fotografía que el maestro Pablo Guerrero dictó hace unos treinta años en la Universidad Pontificia Bolivariana, o las que el maestro Alberto Echavarría desarrolló en la Cooperativa Cafetera Central por la misma época.

La fundación de la Academia Yurupary en 1985 y el establecimiento de un programa de enseñanza de fotografía entre sus servicios educativos, marcó el punto de partida de un proceso de formación de nuevas generaciones de fotógrafos y de expansión del mercado de pro-

ductos y servicios en el sector de la fotografía en Medellín.

En la actualidad, el Programa de Formación General en Fotografía de Yurupary opera como un proceso integral y progresivo que se desarrolla en cuatro semestres. Los dos primeros están orientados hacia la adquisición del dominio técnico formal en la producción de fotografías y al desarrollo del sentido de búsqueda e investigación, mediante la adopción de la metodología de trabajo por proyectos. En el tercero y cuarto semestre, el estudiante desarrolla habilidades y obtiene conocimientos especializados para actuar autónomamente como fotógrafo, con una profunda comprensión del lenguaje de la imagen y alto dominio técnico.

Desde su fundación, Yurupary adoptó con gran acierto el modelo de educación no formal, que se caracteriza por ser abierto, permanente, flexible e integral y

que reposa en la motivación de los estudiantes, en la idoneidad del personal docente y en el dinamismo del proceso de enseñanza-aprendizaje.

La adopción de objetivos claramente formulados, que guían el trabajo de los estudiantes en cada curso, direcciona el proceso educativo hacia la adquisición del conocimiento y el desarrollo de habilidades y hace innecesarios los exámenes y las calificaciones, en un ambiente dominado por “el placer de aprender”, como lo expresa uno de los lemas de la institución.

El programa de fotografía de Yurupary cuenta en la actualidad con un equipo de más de treinta profesores que han sido escogidos mediante un riguroso procedimiento de selección y participan en un proceso permanente de capacitación en didáctica y de actualización en fotografía.

Ellos trabajan con la consigna de transmitir a los estudiantes una actitud de gran respeto por la profesión y de adopción de altos niveles de calidad en su trabajo.

Personas de varias regiones del país acuden a la Academia Yurupary a participar en los programas de formación en fotografía y desde el comienzo reciben asesoría para seleccionar las materias de cada semestre con el propósito de darle una orientación personal a su educación. El programa está estructurado con base en una línea de formación básica

en la cual se agrupan los cursos que abarcan los aspectos fundamentales de la fotografía y una línea de profundización que comprende un número amplio de materias que el estudiante selecciona según sus intereses profesionales.

Para quienes culminan sus estudios en el Programa de Formación General en Fotografía, o poseen una amplia experiencia en el ejercicio de la profesión, Yurupary ofrece periódicamente Diplomaturas en los campos de Fotografía Publicitaria, Reporterismo Gráfico y Fotografía de Moda.

Un número importante de personas de diferentes edades, llegan cada semestre a Yurupary con la intención de formarse como artistas de la Fotografía, para dedicarse a la creación plástica. Cerca de cien exalumnos han recibido premios en los concursos nacionales y más de veinticinco han sido galardonados con premios internacionales, en su mayoría concedidos por la Federación Internacional de Arte Fotográfico, FIAP. Yurupary es un espacio para el aprendizaje de la paz; un espacio abierto y acogedor, donde los estudiantes, a través del conocimiento y de la convivencia, alcanzan el objetivo de ser mejores personas y aprenden en la práctica, el respeto por la diferencia, los derechos humanos, los principios democráticos de convivencia, solidaridad y equidad, así como el ejercicio de la tolerancia y de la libertad.

DESDE SU FUNDACIÓN, YURUPARY ADOPTÓ CON GRAN ACIERTO EL MODELO DE EDUCACIÓN NO FORMAL, QUE SE CARACTERIZA POR SER ABIERTO, PERMANENTE, FLEXIBLE E INTEGRAL.

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PUERTO DE USHUAIA-ARGENTINA

POR: ANDREA CAMACHO - @andreacamach - www.elsureselnorte.com

EL SUR ES EL NORTE

FOTOS: ANDREA CAMACHO Y SU TRAVESIA POR AMÉRICA DEL SUR.

CHILE Y ARGENTINA Tenía muchas expectativas al entrar en Chile, mi primera parada fue en San Pedro de Atacama para dirigirme luego a la ciudad de Calama. Antofagasta tiene por un lado su agite de ciudad industrial y por otro el contraste con el alto índice de población extranjera, proveniente en su mayoría de afrodescendientes de Colombia que buscan en la minería una forma de trabajo.

Una vez dejé atrás Antofagasta me adentré en el Desierto de Atacama, atravesarlo hasta llegar a Santiago supone hacer 1.340 kilómetros. Estar en el desierto merece hacer estos y más kilómetros, es encontrarse los áridos parajes que se confunden con las inmensas constelaciones de estrellas y perderse en la profundidad de sus colores.

Veinte horas en autobús me llevaron a Santiago de Chile, durante tres semanas me permití descubrir esta ciudad a fondo, pude asistir al teatro, ver el museo de Memoria Histórica y de los Derechos Humanos, pasar una tarde en el Museo Nacional de Bellas Artes. Pasear por el centro

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es encontrarse con el Mercado Central y también la Plaza de Armas, donde me sorprendió ver la gran cantidad de predicadores cristianos atrayendo seguidores, mezclados con titiriteros, músicos, saltimbanquis, estatuas humanas y pintores.

Una pequeña escapada a Valparaíso y Viña del Mar hizo que me fascinara con estas dos ciudades costeras, caminar por cerro Alegre y cerro Concepción es vivir toda la magia de Valparaíso desde las alturas, no en vano fue lugar de inspiración de Pablo Neruda.

Decidí continuar mi ruta hacia Argentina pasando frontera por San Martín de los Andes, para luego tomar otro autobús y llegar a Bariloche. Mi estancia en Bariloche fue corta pero pude probar su variedad de alfajores y chocolates.

Atravesé la Patagonia Argentina de Oeste a Este para llegar a Comodoro Rivadavia, donde me esperaba un grupo seguidores del proyecto quienes me ofrecieron compartirla en universidades y centros culturales, con el fin de contarles

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GAUCHO EN LA PATAGONIA-ARGENTINA

acerca de esta travesía con la que ya pisaba el país número 6.

Dejando atrás Comodoro, mi siguiente reto sería llegar a Ushuaia, la ciudad más austral llamada “ciudad del fin del mundo”.

Llegar hasta allí me llevó 26 horas de autobús y descubrir uno de los lugares más inhóspitos. Toda una aventura atravesar el Estrecho de Magallanes, Río Gallegos, Río Grande y pisar Ushuaia. Llegar al Faro del Fin del Mundo puso en mi contador los 15.000 kilómetros alcanzados. El Parque Nacional

Tierra del Fuego es una de esas experiencias indescriptibles, caminé por senderos nevados, encontré un zorro en el camino, y me helé con las temperaturas de menos cero grados.

Estaba a poco tiempo de terminar este viaje y tenía que cerrarlo con broche de oro así que la mejor manera para hacerlo sería paseando por las calles de tres ciudades fantásticas. Buenos Aires, Colonia y Montevideo, lugares que me recibieron con sus mejores galas y esplendores.

ACTUALIDAD

MACROENFOQUE

POR: DIEGO SÁNCHEZ - @losviajesdesancho.

LOS VIAJES DE SANCHO LA DIFERENCIA ENTRE FOTOGRAFÍA DE VIAJES Y FOTOGRAFÍA TURÍSTICA ¿En dónde nos quedamos? Ah sí, había decidido ser fotógrafo de viajes. De este tema poco sabía, más allá de que existía y que tenía campo de acción en revistas y libros.

Para empezar, busqué referentes en el mundo de los viajes: revistas, libros, portales web, entre otros. Un centenar de artículos en los que veía paisajes, objetos exóticos, personas vestidas diametralmente diferente mí. Este era el tipo de cosas que me llamaban la atención por su forma y lo que en ese momento quería imitar.

Observar referentes puede ser algo útil, si su propósito es el de identificar el estado del arte y querer hacer aportes a esas narraciones ya construidas, de lo contrario, solo se da pie a la realización de copias sin sentido. Esto ocurre porque, normalmente, cuando los fotógrafos son impactados por la forma de realización de una imagen, se supeditan a indagar el cómo se hizo y no el porqué.

Lo que hace que la reproducción de la forma, no aporte al trasfondo de la imagen.

Sin embargo, en ese momento no lo entendía, así que después de haber observado muchos artículos y aun con poco conocimiento sobre el sentido profundo de la fotografía de viajes, emprendí mi primer recorrido en búsqueda de esas imágenes

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exóticas, que me iniciaran en el mundo de la exploración.

Por el contrario de lo que imaginaba, ese primer recorrido fue un viaje familiar a la Guajira colombiana, poco de aventura y mucho de tours por lugares icónicos. Allí hacía fotografías de todo; fauna, paisajes, objetos, personas. Trataba de imitar todo lo que había observado en los medios, buscando esa imagen paradisiaca que el mundo del turismo me había vendido, cargada de un amplio sentido estético. Ahora que lo escribo, pienso que esta entrega debería llamarse, mejor, un error en una serie de errores.

Eugene Smith asegura que nuestra responsabilidad como fotógrafos radica en la capacidad de comprender. Y yo, en ese momento, de comprender poco. Así que mi sentido de la imagen, para los viajes, estaba supeditado al exotismo, siempre llamativo, pero sin una aportación más allá del valor estético de la diferencia.

El último día del viaje, pasamos por un resguardo indígena Wayuu. Allí, uno tras otro, cada hora, llegaban automóviles a presenciar los espectáculos de baile que los jóvenes indígenas realizaban. Con cada foto que hacía me sentía más ridículo, pensando que eso no era realmente su cultura. Esos bailes típicos, utilizados para

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celebraciones tradicionales, se estaban vendiendo por un poco de dinero para subsistir.

Uno de los niños, quienes en estos casos son los encargados de ofrecer a los turistas las artesanías producidas por la comunidad, se acercó a mí para intentar venderme algo. Le solicité, para salir de ese pequeño teatro en el que sentía estar, que me llevará a conocer a su familia y, como si de un juego se tratara me pidió que lo siguiera. Dejé las fotos y comencé a escucharlo. Me hablaba de las cabras de su padre, de la jerarquía de la ranchería, de su comida preferida, de su prima que se encontraba encerrada a esperas de una solicitud de matrimonio, y otras historias.

Fue un recorrido de una hora en el que la cámara no

existía, solo las historias de esta comunidad que, todavía desconocida, me daba un sentido de comprensión un poco más amplio. Esto me permitiría, en palabras de Smith, ser un poco más responsable con las imágenes que haría.

De repente, de la cocina salió una joven con un recipiente a rebosar de platos. Le pregunté a mi ya autoproclamado guía, de quién eran todos eso platos y me explicó que de los turistas. En ese momento entendí la relación existente entre turistas e indígenas y de ella salió mi primera fotografía de viajes.

Si quieres saber como continúa este viaje, no te pierdas la próxima publicación de Los Viajes de Sancho en Revista Enfoque Visual.

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CARLOS BRAVO Y RAFAEL SANZ WWW.SIETEFOTOGRAFOS.COM

SieteFotógrafos EL PROCESO ALQUÍMICO DE LA FOTOGRAFÍA La verdadera alquimia de la Edad Media, más allá de pretender la metamorfosis de los metales, planteaba en realidad un proceso filosófico mucho más elevado, cuyo fundamento estaba en la búsqueda interior de renovación de la personalidad como medio para alcanzar un estado espiritual más elevado, ejemplificando este proceso por medio de la metáfora de la transmutación del plomo en oro.

En la fotografía ocurre un proceso similar y muy interesante, puesto que una vez el aprendiz supera el manejo y el dominio de la técnica, pasa a enfrentarse con la necesidad de concentrar su atención en desarrollar un lenguaje que le permita explorar lo verdaderamente sustancial de este arte, poniendo a prueba sus habilidades y viviendo su propio proceso alquímico de evolución personal por medio del descu-

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brimiento de nuevas formas de ver e interpretar la vida.

Justamente pensando en este punto, los maestros Rafael Sanz y Carlos Bravo vienen liderando el proyecto SieteFotógrafos, escuela y club de fotografía de Bogotá, con el cual buscan constituirse como un referente de enseñanza alternativa por medio de la creación y el diseño de experiencias.

Cuando los conoces, es inevitable preguntar si en verdad son 7 las personas que conforman esta iniciativa.

Es entonces cuando descu-

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bres con sorpresa que hoy en día, después de 6 años de su fundación, SieteFotógrafos son en realidad más de 170 miembros quienes hacen parte de esta comunidad creciente en la cual prometen espacios de encuentro, formación, práctica y reflexión para quienes buscan vivir la fotografía de una forma diferente.

SieteFotógrafos ofrece oportunidades tanto para aquellos principiantes que desean iniciarse en el arte fotográfico, como para aquellos que ya dominan la técnica pero buscan es-

pacios de entrenamiento visual que les permita retarse y abrir su mente a nuevas posibilidades. Es por eso que de manera permanente, en SieteFotógrafos organizan salidas fotográficas, tertulias, exposiciones colectivas, publicaciones impresas y talleres avanzados sustentados en la práctica.

Uno de estos talleres es precisamente el Workshop en Fotografía para Viajeros, orientado por el maestro Esteban Toro, fotógrafo de viajes, quien ha recorrido con su cámara más de 20 países alrededor del mundo, y quien es instructor en SieteFotógrafos en donde periódicamente se organizan expediciones fotográficas orientadas a que cada participante regrese con una visión mucho más amplia de la fotografía, del mundo y de sí mismo.

Para conocer más de esta escuela – club pueden visitar: www.sietefotografos.com

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ACTUALIDAD

REPORTAJE ESPECIAL

MACROENFOQUE

TEXTOS POR: JUANA BUITRAGO

9º Festival Fotográfico de Santafe de Antioquia 2015 Fotografía doble página.

Carolina Vélez.

9ª Festival Fotográfico de Santafe de Antioquia 2015.

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“La luz y el sonido viajan a velocidades imperceptibles, en muchas ocasiones por nuestros sentidos y conjugados en un ambiente de euforia, arte y esplendor, se logran capturar en una imagen todos los detalles de la trompeta contrastados con el reflejo de la emoción del desfile, generando una fotografía limpia que nos lleva a soñar más allá de lo que nuestros ojos ven”.

Carolina Vélez Betancur nació en la ciudad de Medellín. Realizó sus estudios de bachillerato en el Colegio San José de la Salle y posteriormente ingresó a la Universidad de Antioquia donde se graduó

como Licenciada en Educación Especial.

Paralelo a esto, estudió Fotografía Análoga y Laboratorio en la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia, donde comenzó la búsqueda de imágenes y el interés por plasmar esos pequeños pero asombrosos detalles. Es fundadora y Docente del Jardín Infantil el Triángulo y actualmente adelanta estudios de Psicología. Es integrante del Club de Prácticas fotoperiodísticas del Instituto Henry Agudelo desde el año 2014, donde ha alcanzado avances significativos en el mundo de la imagen como aficionada a la fotografía.

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CONFERENCIA RETRATO TÉCNICA NON SERVIAM CON EL MAESTRO CARLOS DUQUE FOTO: MATHEO AGUDELO.

ANDRÉS HERRERA FOTÓGRAFO CANON FOTO: MATHEO AGUDELO.

NOCHE DE ZOMBIES FOTO: MATHEO AGUDELO.

MUESTRA COMERCIAL FOTO: KATHERIN VÉLEZ.

TERTULIA MESA DE EXPERTOS FOTO: MATHEO AGUDELO.

DESFILE CULTURAL DE DIABLITOS FOTO: JUAN CAMILO LONDOÑO.

OCTOPUS LIGHT Y SU CREADOR LUIS SALAZAR FOTO: MATHEO AGUDELO.

DESARRAIGO DE ANDRÉS HERRERA FOTO: KATHERIN DIAZ.

Una nueva entrega de la fiesta fotográfica más representativa del país inundó uno de los primeros pueblos de la región Antioqueña. Durante tres días, 4, 5 y 6 de septiembre, el Festival Fotográfico de Santa Fe de Antioquia llenó de luz y color a uno de los pueblos coloniales más tradicionales de tierra paisa.

En esta, su novena versión, el festival contó con un amplio programa académico, comprendido entre 8 Conferencias con demostración, 3 Talleres de fotografía nocturna, 3 Presentaciones de portafolios fotográficos de los participantes, 5 exposiciones de fotografía, Tertulia con la mesa de expertos de Enfoque Visual, además de la asesoría de parte de expertos en el arte de la imagen, dispuestos a transmitir todo su conocimiento acerca del extenso mundo de la fotografía.

Entre los conferencistas estaban el estadounidense Tom Griggs y los colombianos Carlos Duque, Henry Agudelo, Alejandro Manosalva, Gabriel Mario Vélez, Hugo Rua y Zuan Carreño. Y entre los expositores hicieron presencia el Colectivo F22, Delia Jaramillo, Alberto Echavarría Jorge Mesa y Andrés Herrera, fotógrafo Canon.

Adicionalmente este año el festival tuvo como principal tarea ser un evento 100% participativo, esto con el fin de que todas aquellas personas que quisieran asistir, fotógrafos profesionales o no, tuvieran la libertad de hacerlo y de compartir con otros su experiencia fotográfica del festival.

Así mismo y como es costumbre se llevó a cabo el Concurso de Fotografía, que este año contó con 28 horas de duración, tiempo dentro del cual también estuvieron comprendidos dos espectáculos que marcaron el desarrollo del festival: la noche de zombis y el desfile cultural de diablitos.

El primero, marcó un hito en el festival y sus asistentes, gracias al maravilloso trabajo de Erika Tieck, maquilladora profesional, cineasta y fotógrafa, quien

con su equipo y en compañía de Iván Darío Borja, hicieron del maquillaje y la escenografía de la noche de zombis algo realmente fantástico e idóneo para cada captura fotográfica. Sin dejar de lado el color y la alegría que se desplegaron con el desfile cultural de diablitos, donde Carolina Vélez, participante y miembro del Instituto Henry Agudelo, capturó la fotografía que le otorgó el reconocimiento a una de sus fotografías con la publicación a doble página que Revista Enfoque Visual presenta al inicio de este reportaje.

Sin embargo, ella no fue la única ganadora, con tres imágenes únicas no solo por su belleza estética sino por su realización, Matheo Agudelo, Sergio Lalinde y Oscar Coral ocuparon respectivamente primero, segundo y tercer lugar en la premiación del concurso. Refieriéndose a su foto, Matheo Agudelo, ganador del primer lugar dijo: “la imagen fue creada con la intensión de mostrar cómo la fotografía, con sus diferentes técnicas y formas de realizarse, se tomó el pueblo durante tres días en el festival. Además, tuve la intención de hacer algo diferente, ya que todos presentarían fotos realizadas en el desfile o en la noche de zombis. Y bueno, si hay 9 fotógrafos realizando una misma foto y en un mismo evento, de alguna manera yo no quería ser el número 10”.

Este año la convocatoria para el festival se caracterizó por traspasar los límites regionales para convertirse en un evento nacional, al que se inscribieron 462 fotógrafos de 16 departamentos de Colombia, cifra que rompió los récords de asistencia registrados anteriormente. Dicho por Luis Germán Herrón “la novena versión del Festival Fotográfico de Santa Fe de Antioquia se ha convertido no solo en un espacio académico, sino también en una oportunidad de diversión y fraternidad para toda la comunidad fotográfica asistente, por esto para el próximo año, el compromiso y la invitación es con y para todo el país”.

1° PUESTO - MATHEO AGUDELO

2° PUESTO - SERGIO LALINDE

3° PUESTO - OSCAR CORAL

ESTE AÑO EL FESTIVAL TUVO COMO PRINCIPAL TAREA SER UN EVENTO 100% PARTICIPATIVO, ESTO CON EL FIN DE QUE TODAS AQUELLAS PERSONAS QUE QUISIERAN ASISTIR, FOTÓGRAFOS PROFESIONALES O NO, TUVIERAN LA LIBERTAD DE HACERLO Y DE COMPARTIR CON OTROS SU EXPERIENCIA FOTOGRÁFICA DEL FESTIVAL.

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POR: JUANA BUITRAGO

FOTOS: PAUL GOMEZ - INVITADO ESPECIAL

21 años de rock en la capital ROCK AL PARQUE 2015 El Festival Rock al Parque, uno de los festivales más importantes de la escena musical en América Latina, cumplió 21 años de existencia en esta versión 2015, dejando un importante camino recorrido hasta ahora como uno de los pocos festivales distritales y gratuitos, que se mantiene vigente y más fuerte que nunca dos décadas después.

De esta manera Rock al Parque hizo vibrar las tarimas del Parque Metropolitano Simón Bolívar y de la Media Torta, durante 3 días y al ritmo de un imponente cartel compuesto por 74 bandas que arribaron a Bogotá para llenar de energía y buena música a sus asistentes. Este año el festival recibe 29 grandes

exponentes del rock duro, el reggae, el punk, el ska y el hardcore, géneros que han sido tradicionales en estos 21 años de historia, así como 25 agrupaciones distritales seleccionadas gracias a la convocatoria del Programa Distrital de Estímulos, y 4 bandas locales elegidas a través de la mesa sectorial de Festivales de Metal. Además, como festival que profesa la cultura de paz y la convivencia en esta ocasión también se integraron géneros como la electrónica y la mezcla con nuevas músicas colombianas o latinoamericanas.

Siendo este un escenario diverso y lleno de tantas imágenes por capturar, Revista Enfoque Visual, se dio a la tarea de vivir el festival a

través del lente de nuestro fotógrafo invitado Paul Gómez, quien no solo capturó imágenes de las bandas y el público, también se encargó de documentar la presencia y la acción de quienes apasionados por la música cedieron ante su otra pasión, la fotografía.

Y qué mejor manera de hacerlo que promoviendo y patrocinando los concursos de video y fotografía que Idartes y la organización del festival llevaron a cabo, los cuales incentivaron en los asistentes no solo la documentación del festival foto por foto, sino también su experiencia dentro de la fiesta que pone a bailar y a cantar a los habitantes y visitantes de la capital.

Refiriéndose a esto, Santiago Trujillo manifestó “los

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festivales al parque no son solo conciertos de música, también son espacios culturales donde todas las personas se pueden expresar y ser creativas, desde la pintura, la literatura, la narración oral y en este caso específico con la fotografía y el video, éstas son manifestaciones creativas que no se pueden quedar por fuera de un certamen de este tipo y mucho menos cuando hacer

parte fundamental de la oferta creativa que buscamos brindar a los ciudadanos y a todas las personas que nos visitan”.

El mundo de la música se abre cada vez más a las propuestas fotográficas, el desarrollo del artista depende de esto, puesto que en la actualidad los estímulos visuales se han convertido en un pilar fundamental para la escena artística.

74 BANDAS QUE ARRIBARON A BOGOTÁ PARA LLENAR DE ENERGÍA Y BUENA MÚSICA A SUS ASISTENTES. ESTE AÑO EL FESTIVAL RECIBE 29 GRANDES EXPONENTES DEL ROCK DURO, EL REGGAE, EL PUNK, EL SKA Y EL HARDCORE, GÉNEROS QUE HAN SIDO TRADICIONALES EN ESTOS 21 AÑOS DE HISTORIA, ASÍ COMO 25 AGRUPACIONES DISTRITALES SELECCIONADAS GRACIAS A LA CONVOCATORIA DEL PROGRAMA DISTRITAL DE ESTÍMULOS, Y 4 BANDAS LOCALES ELEGIDAS A TRAVÉS DE LA MESA SECTORIAL DE FESTIVALES DE METAL.

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CÓMPUTO Y DISPOSITIVOS MÓVILES • • • •

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La Guía.

Tendencias digitales.

Análisis de Producto.

Comparativos Técnicos.

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La Guía

POR: ANDRÉS PARRA @andrespadz

Portabilidad fotográfica LAS MEJORES CÁMARAS EN SMARTPHONES

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COMPARATIVO APERTURAS DE DIAFRAGMA

Desde hace unos años el teléfono móvil es inherente a nosotros. Los móviles actuales enfocados en una buena cámara han heredado funciones profesionales de fotografía y desarrollado características nunca antes pensadas en un teléfono.

Comprar un celular de alta gama exige una suma elevada de dinero, una de las especificaciones importantes que justifica el costo se refiere a la cámara fotográfica. Los megapixeles son la primera pregunta indagada por los usuarios pero erróneamente no es la más importante, así ya sobrepasen algunas cámaras compactas. La apertura del

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diafragma, el sensor y estabilizador de imagen (sobre todo en ambientes de poca luz) es por supuesto el factor más destacable, al momento de valorar si el celular que está en tu lista de deseos es lo que en verdad necesitas en el contexto fotográfico.

La portabilidad es el primer diferencial al preferir capturar desde el celular en vez de la cámara tradicional. Nos olvidamos de correas, estuches y de llevar un dispositvo más a nuestros viajes. Las pantallas de los celulares en alta definición nos ayudan a previsualizar optimamente las fotos y hasta tomarlas sin ayuda de un segundo, surgiendo así el termino

de selfie, generando la necesidad de una cámara frontal que no se quede muy resagada de la posterior. Mostrar nuestras fotografías anteriormente dependía de la importación de la imagen a la computadora, los celulares inteligentes mejoraron notablemente la reducción de pasos haciendo que la información sea compartida de modo casi instantáneo por servicios de mensajería, emails y redes sociales. Algunas opciones como el disparo a ráfaga, suavizado en la piel, el time-lapse y los selfies automáticos por detección de sonrisa, entre otros son los plus en la experiencia de capturar la vida a través de un smartphone.

LG G4 Especificaciones Fotográficas Sensor de imagen BSI 1/2.6”, 16MP, f/1.8 de apertura.

Calidad y rendimiento son los valores fotográficos para el modelo rey de LG. Sus números representan lo mejor en tecnología óptica y digital del mercado.

Imágenes mucho más brillantes, autoenfoque asistido por medio de láser, imágenes RAW en formato dng, grabación de video 4K y un modo manual para fotógrafos intermedios y profesionales que permitirá ajustar la configuración al tomar fotos. Ahora lograrás fotos en primer plano con resultados fascinantes.

Puedes indicar el valor exacto para la temperatura de color desde 2400K hasta 7400K, para personas no expertas en iluminación la opción Auto evitará que te saltes esta configuración. Las cámaras de teléfonos móviles siempre han usado el enfoque automático, ahora podemos enfocar manualmente ubicando en la pantalla sobre la parte derecha donde aparece el indicador de distancia, ahora sí, efectos bokeh sin un editor fotográfico. Para ajustar la exposición se debe verificar que esté desactivado el bloqueo de exposición, ya que este forzaría el ISO y la velocidad de obturación a niveles automáticos.

Para ajustar este ISO podemos hacerlo manualmente variando entre los 50 y los 2700 dependiendo de la luz ambiente. También puedes jugar con la velocidad para completar las funciones profesionales de este móvil, tiempos cortos de 1/6000 hasta tiempos largos de 30 segundos. Todo esto lo puedes encontrar en la versátil interfaz que incluye un histograma para ayudarte a interpretar técnicamente lo que logra captar este nuevo modelo LG G4.

SAMSUNG GALAXY S6 EDGE Especificaciones Fotográficas Sensor de imagen BSI 1/2.6”, 16MP, f/1.9 de apertura.

Samsung continua con sus modelos Galaxy de gran pantalla y excelente cámara. La cámara por defecto activa la función Auto HDR (tanto en la frontal como en la posterior), analizando la escena y si es necesario su uso.

Incluye modo RAW y control ISO para situaciones de poca luz, aunque su fuerte en resultados fotográficos se puede evidenciar en exteriores con mucha luz. La cámara frontal toma fotografías de 5MP, un 40% más grandes que la anterior versión de Samsung Galaxy cuenta con grabación de video 4K a 30fps, cámara lenta y un sensor con iluminación posterior (BSI) para escenarios con poca luz. Este smartphone obtiene fotos con muy buen detalle y enfoque automático preciso, además de rangos dinámicos envidiables. El sensor de imagen maneja la tecnología IR, que permite balancear muy bien los blancos. Las funciones manuales admiten un control de enfoque específico.

SONY XPERIA C5 ULTRA Especificaciones Fotográficas Sensor de imagen 1/2.3”, 13MP, f/2 de apertura.

Este modelo de Sony esta por llegar a las tiendas. El nuevo Sony Xperia C5 Ultra que a falta de una cámara de buena resolución, te trae dos. Una frontal y una trasera de 13MP con sensor Exmor RS. Este modelo esta diseñado para aquellos amantes de las selfies que buscan buena calidad óptica y resolución destacable. Esta cámara frontal maneja altos rangos dinámicos (HDR) y un flash frontal para fotos aun más iluminadas. El diseño de este celular de grandes dimensiones, permite visualizar las imágenes en casi la totalidad del móvil ya que no tiene bordes prominentes, tiene una pantalla Mobile BRAVIA® Engine 2 Full HD de 6”. La gran preocupación de los teléfonos con pantallas grandes y luminosas es la repercusión en la duración de la batería, esta promete hasta dos días, lo que dependerá del uso que tenga el teléfono.

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HUAWEI P8 Especificaciones Fotográficas 13MP, f/2.0 de apertura.

Huawei P8, un celular de alta gama con 8MP de cámara frontal con la opción “Mejorar selfie” que ayuda a resaltar tus rasgos más favorables antes de subirla a las redes sociales. Representa uno de los mejores celulares en el mercado de captura en ambientes con poca luz. La interfaz de la aplicación de cámara nos brinda, entre otras, la opción Light Painting para generar impecables efectos para pintar con luz. La cámara trasera con 13MP tiene un rango dinámico muy destacable, utiliza tecnología RGBW, diferente al tradicional RGB, incluyendo el Blanco (White), adicionando un 32% más de iluminación y un 78% menos de ruido en situaciones de poca luz. Maneja un sensor independiente ISP para el tratamiento de la imagen, algo normal en las cámaras DSLR y por primera vez en un smartphone, éste es sin duda un enorme detalle que cumple las expectativas de los aficionados a la fotografía que a simple vista verán resultados de autoexposición y balance de blancos ayudando la óptica del celular. Tiene un destacable estabilizador de imagen óptico (OIS) y enfoque automático de gran calidad, con sistema antivibraciones de hasta 1.2º.

HTC ONE M9 Especificaciones Fotográficas Sensor de imagen BSI 1/2.4”, 20MP, f/2.2 de apertura.

Tal como las cámaras profesionales, con el HTC One M9 puedes obtener fotos en formato RAW. HTC hace la diferencia en la cámara delantera con el concepto UltraPixel de 4MP, pixeles de mayor tamaño en el sensor y en consecuencia mayor luminosidad, en contraparte debes tener en cuenta la reducción de resolución de las imágenes finales. Puedes grabar full HD, con apertura f/2.0 y angular de 26.8mm. La potente cámara principal en cambio lleva un sensor de 20MP, lente de cristal de zafiro de 27.8mm, apertura máxima f/2.2. Incluye un flash doble de tipo LED. Este One M9 ofrece diferentes herramientas de edición para tus fotografías y si eres usuario de versiones anteriores de HTC verás cambios sustanciales en el modo macro, podrás tomar fotografías muy cercanas logrando un buen detalle. En la grabación de video está al mismo nivel de modelos competidores grabando en 4K y en cámara lenta en HD 720p a 120fps.

IPHONE 6 PLUS Especificaciones Fotográficas 1/3.0” en Sensor de imagen, 8MP, f/2.2 de apertura.

Aunque fue lanzado en el 2014, este modelo sigue siendo una gran opción en calidad fotográfica, de un tiempo para acá empresas competidoras han lanzado modelos destacables y más exigentes. Se limita a una cámara de 8MP. El mejor resultado de tomar fotos en el iPhone 6 es sin duda su balance de colores naturales y el detalle de las imágenes sobretodo en ambientes de poca luz gracias a su tecnología Phase Detection Autofocus (PDAF). El iPhone 6 Plus tiene un estabilizador de imagen óptico y digital. La cámara frontal puede recibir 81% más luz. Sus fotos panorámicas pueden captar hasta 43MP. Hablando de video, permite grabación en HD 1080p de hasta 60fps y una cámara lenta que exige hasta 240fps, ahora posibilita grabación HDR e incluye Focus Pixels, que ayuda a reducir el tiempo de enfoque aun con movimiento. Su duración de batería es un 20% más amplia que en modelos anteriores para que tengas más tiempo de uso sin mayores restricciones.

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Accesorios Recomendados

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1 Fitbit Charge HR Review Existen en el mercado muchos accesorios relacionados al seguimiento del cuerpo humano, este corresponde a controlar y medir estadísticas de ritmo cardiaco, ya que tiene un diseño ligero que se adapta a la actividad física. Puedes guardar las estadisiticas de tus ejercicios y evaluar tu condición para el deporte y tu salud. Para herramientas adicionales descarga la app de Fitbit y sigue corriendo por la pista de la tecnología.

4 Daedalus Prime El accesorio por excelencia para los gamers. Con este mouse puedes programar los comandos de 6 botones configurables, ajustar los DPI para cada caso de juego (desde 240DPI hasta 4000 DPI).

Su diseño confortable y duradero te permitirá optimizar el rendimiento.

Garantía de la marca por 2 años.

7 Panono Las fotos panorámicas y 360 van más allá de cualquier captura convencional.

Ahora piensa lo que pueden lograr 36 cámaras al mismo tiempo con la forma de una pelota, suena interesante ¿no?

Evita tener fotos con fantasmas y cortes erróneos en los ambientes con fotos espectaculares de más de 100MP. Tiene la opción de disparo asistido desde el celular.

Su diseño ultradelgado es una perfecta alternativa entre practicidad y calidad. 3000 lumens de brillo, formato panorámico, un peso de menos de 4 libras, conexión USB y HDMI para reproducir sin necesidad de computadores las imágenes y videos de tus dispositivos que cuentan con este puerto.

5 Nest Cam Controla y supervisa a la distancia con la cámara 1080 HD de Nest Cam, 130º en ángulo de visión.

Con el servicio de streaming, visualiza sin mayores preocupaciones. Te mantiene alerta con sus notificaciones al ver algún cambio de importancia en la imagen o el sonido. Guarda secuencias en video y los almacena para verlos después.

8 Sennheiser MOMENTUM Wireless Sonido de alta calidad sin cables con la tecnología inalámbrica, puedes conectarlos vía WiFi y NFC por medio de Bluetooth 4.0. Un diseño clásico ligero y con materiales duraderos que ayudan a suprimir el ruido del ambiente y a concentrarte para disfrutar de cada detalle.

3 Diamond VC500 USB 2.0 One Touch Diamond VC500 USB 2.0 One Touch viene al rescate. Esta efectiva herramienta captura el contenido VHS, VCD y DVD a través de entradas S-Video, RCA y USB con la facilidad de un botón. Incluye el software de edición Arcsoft Show Biz para grabarlos a DVD. Ya puedes desenpolvar aquellas cintas que tenías en el olvido.

6 Elgato Thunderbolt 2 Dock Si tu computador tiene muy pocos puertos y necesitas tener varios dispositivos conectados al mismo tiempo te conviene esta opción. Este dock tiene la suficiente energía para soportar pendrives 3.0, conexiones thunderbolt y HDMI. La utilidad de Elgato muestra en la barra de menú un icono para extraer de manera segura los dispositivos conectados.

9 3Doodler Este accesorio representa uno de los más sorprendentes avances caseros hacia la masificación de la impresión 3D. Puedes hacer figuras manualmente de cualquier prototipo con este esfero, utiliza plástico ABS y PLA. Dos velocidades, dos configuraciones de temperatura. La compra del esfero incluye 50 barras.

2 Epson PowerLite 1776W

WXGA 3LCD Projector

LG G4 Case,Yootech®

El LG G4 es uno de los mejores celulares existentes hoy en día y un amortiguador de caídas no le quedaría mal. Este producto desarrollado por Yootech tiene el corte circular preciso para visualizar el reloj de la pantalla, interfaces multimedia y contestar llamadas. Tiene función NFC y un diseño resistente a los golpes.

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APPS PARA FOTOGRAFÍA Y VIDEO

S.O: IOS 7.0+

ANDROID 3.2.2

WINDOWS PHONE 8

FOTOR

GRATIS

VERSIÓN DE LA APP:

MAYOR CONTROL EN LA EDICIÓN DE TUS FOTOS.

S.O: IOS +8.0

GRATIS

VERSIÓN DE LA APP:

+6.0.

+2.3.

Lo tiene todo. Esta app concentra una cantidad de opciones que de seguro hemos estado utilizando en varias aplicaciones y hasta más.

Una interfaz muy bien lograda y efectos que se basan en la edición profesional de imagen.

Fotor trae múltiples opciones en efectos, puedes lograr imágenes totalmente llamativas en cuestión de pocos pasos, puedes agregarlos a favoritos para usarlos en varias imágenes y tener más de un efecto en una sola vista.

A favor: Los efectos son lo más usado en las aplicaciones fotográficas pero esta app hace la diferencia con sus herramientas que se asimilan a la edición profesional de imagen: controles RGB, curvas tonales y un espectacular sistema de enfoque lineal y radial que sabiendo utilizarlo a simple vista simulará las profundidades de campo que logras con tu cámara profesional. Adiciona gráficos y marcos creativos que en su mayoría permiten descargas gratuitas.

En contra: Como la mayoría de aplicaciones fotográficas, tiene paquetes con pago adicional. Fotor por lo menos previsualiza el efecto o gráfico.

IOS 1.5.1

GELÓ

FILTROS EDITABLES Hace unos años el uso de filtros análogos siempre fue uno de los atractivos para lograr efectos hasta el momento nunca antes vistos. Con la llegada digital se ha perdido un poco la esencia pero sigue siendo la gran alternativa para mostrar resultados diferentes.

Geló es una sencilla aplicación que permite ajustar los filtros en el lugar, la intensidad y desde la forma que queramos. Si eres de los detallistas que desea crear filtros a tu medida no pienses en descargarlo dos veces.

A favor: Escoge una de las opciones de color o poner los valores RGB exactos para llegar al que más funciona. Puedes cambiar de forma aunque a decir verdad el rectangular clásico es el que más usarás. ¿Qué esperas para revivir la experiencia de los filtros en tus fotografías?

En contra: Aunque es potente con los filtros, no podemos redimensionar o girar la imagen en la misma aplicación.

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S.O: IOS +7.0 ANDROID +2.3 WINDOWS PHONE 1.0.

WINDOWS PHONE 8

GRATIS

VERSIÓN DE LA APP:

IOS 1.50

3.5.2

FXCAMERA FOTOGRAFÍA CON SONIDO.

S.O: IOS 4.3

ANDROID 2.2.

GRATIS

VERSION DE LA APP:

Ser aficionado a la fotografía y mirar por internet nuevos trabajos y admirar ciertas imágenes, que pareciera cobraran vida por si solas es el resultado de ir más allá.

Con FxCamera todas tus fotos cobran vida reproduciendo su sonido.

Tienes la opción principal de oprimir por unos segundos y guardar el sonido ambiente de la foto que vayas a capturar, sin duda algo que no te vas a quedar con las ganas de probar y subir a tus redes sociales.

A favor: Puedes hacerlo vinculando dos efectos: simetría y ojo de pez. Éste último aun más interesante aunque solo podrás modificarlo con versiones predefinidas. Al momento de finalizar tu foto, que más que eso será un video, podrás compartir fácilmente deslizando los botones de Facebook y Twitter en cuanto hayas validado las cuentas en la app.

En contra: El efecto ojo de pez no tiene controles de modificación, tendrás que pensar en cada uno de los elementos para que aparezcan en la fotografía.

VERSION DE LA APP:

AMPERGRAM ESCRIBE DIFERENTE.

S.O: IOS +8.0 ANDROID 4.3.

IOS 1.0

1.0.2.

GRATIS IOS 1.0.2

ADOBE HUE: PALETA DE FILTROS PARA VIDEO Captura color y luz para crear filtros para video. Exporta Adobe Premiere Pro y Adobe After Effects.

Tener referencias de la realidad hace que el proceso de edición sea más sencillo y el público se sienta más familiarizado en cada escena. Previsualiza en el momento de la captura unos círculos en tercera dimensión que van interactuando con el movimiento de la cámara. No te pierdas de las demás herramientas para aplicaciones móviles que ha desarrollado Adobe y las que vendrán para sorprender.

A favor: Estas se pueden ajustar después de la captura y se almacenan en las bibliotecas de Creative Cloud de Adobe para que sincronice con tu proyecto en el espacio de trabajo.

En contra: Como es de costumbre, pasará un tiempo para que usuarios de Android puedan disfrutar de las prestaciones de esta excelente herramienta.

Esta aplicación nos permite escribir con imágenes como si de una fuente tipográfica se tratara produciendo resultados excepcionales. Crea mensajes con personalidad en segundos desde tu dispositivo.

Ampergram recopila imágenes de usuarios que han capturado iniciales de letras, éstas se asocian a un carácter en el teclado y así de fácil nos permite crear imágenes solo con oprimirla en el teclado.

A favor: Si tal vez el carácter resultante no es de tu agrado puedes variarla hasta que se ajuste con el estilo del mensaje que quieres transmitir. Cada letra tiene la opción de verla de manera completa al estar vinculada con cuentas de instagram.

En contra: Hace falta mejorar su interfaz en smartphones ya que suele verse muy pequeño y solo está diseñada en horizontal por lo que es difícil apuntar en ocasiones. No tiene descarga directa de la imagen. Las imágenes se guardan en el blog de la aplicación para poderlas descargar o compartir.

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TENDENCIAS DIGITALES

Superficies Visuales

Monitor LG 34UC97

EXPERIENCIA Y PRECISIÓN DE ALTA TECNOLOGÍA La manera de reproducir la imagen siempre fue una necesidad. La tecnología ha facilitado múltiples opciones para que las superficies digitales sean cada vez más ligeras y puedas representar mayor información incluyendo experiencias en el usuario.

Estas son las categorías de pantallas que podemos ver en el mercado y los proyectos en desarrollo que impactarán a los consumidores:

MAYOR RESOLUCIÓN Y DETALLE

Los números compiten entre sí, hace unos años se celebraba la llegada de resoluciones en alta definición (720p), seguido por lo que se conoce como Full HD (1080p). Ahora surge un nuevo término: 4K o Ultra HD (2160p) iniciándose en el cine y exigiendo a las cámaras de grabación, replicando a la producción de pantallas de gran formato con esta resolución y a aumentar los anchos de banda de internet en los hogares que ya reproducen contenido desde páginas que

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han incorporado este contenido como Youtube o Netflix. El modelo de televisor Sony W850C es una de las mejores referencias, pantalla de 65”, radio de contraste 4867:1, reducción de reflejos y un ángulo de visión de hasta 18°. Con una medida de 3840 x 2160px se espera la llegada al primer smartphone con esta calidad de imagen, el primero en pegar la noticia es Sony con su próximo modelo Xperia Z5, sobrepasando hasta los límites perceptibles del ojo humano en cuestión de pixeles por pulgada. Esta estrategia agresiva desata dudas acerca de si a un smartphone le conviene tal exigencia reduciendo los tiempos de duración de la batería e incrementando por supuesto los costos de producción. Sin duda los ojos más exigentes verían algún tipo de diferencia mínimo como ocurre en las pantallas digitales de las cámaras: pantallas LCD, LED, OLED y pantallas táctiles capacitivas. De unos años para acá el diseño de estas pantallas ha permitido girarlas a diferentes ángulos hasta

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girarlas totalmente logrando mayor comodidad en situaciones un poco más exigentes. Las prestaciones de la batería de tu cámara se pueden ver reducidas de manera importante, si la pantalla es muy luminosa y si no trabajas con configuraciones de ahorro energético. El modelo Samsung NX1 tiene un visor electrónico OLED con casi 2.4 millones de puntos de resolución y una pantalla giratoria táctil de 3” también OLED, para que puedas previsualizar de manera óptima y aproximada el resultado fotográfico.

OLED

Las pantallas LCD, están presentes en la mayoría de dispositivos, incluyendo la tecnología LED que usa el mismo sistema LCD pero con una retroiluminación hecha por pequeñas bombillas LED. OLED surge de la necesidad de tener independencia de luz pixel por pixel, esto permite tener negros y sombras en alto contraste por la ausencia de la luz sin afectarse por la retroiluminación que tienen las pantallas LED. Tanto LED como

OLED son tecnologías vigentes, caso contrario a los televisores plasma que ya tienen punto final en su fabricación.

El Samsung KE55S9C sobresale por sus colores vibrantes y precisos y los altos niveles de contraste (0.000cd/m2 en la medición del negro), es decir ausencia de energía lumínica para lograr negros verdaderamente negros, nunca antes visto.

Diseño curvo y elegante, y la posibilidad de previsualizar dos canales de manera simultánea usando las gafas que tienen esta función.

Tiene un procesador de 4 núcleos para la funciones de televisor inteligente que además del control remoto convencional, incluye un control inteligente con TouchPad y control de voz. En la parte superior implementa una cámara con reconicimiento de rostro, identificación de control de gestos y las infaltables videollamadas por Skype. Este modelo se preocupa por su diseño y evita cables con el sistema de conexiones “One Connect”, que permite separar este panel

Televisor Samsung KE55S9C

Smartphone LG FLEX 2

del televisor y conectar hasta 4 dispositivos con HDMI, 2 pendrives USB y señales digitales de televisión.

PANTALLAS CURVAS:

En los supermercados ya vemos pantallas curvas.

No solo televisores, también monitores, relojes y celulares inteligentes. Este nuevo diseño ha cambiado la experiencia en el usuario, para poder destacar sus propiedades, lo mejor es mantener una posición central a una distancia recomendable de más o menos 3 metros de distancia (según estudios hechos en Estados Unidos y Alemania) y así podrás evitar los molestos reflejos que aparecen en las pantallas convencionales.

Sus bordes curvos producen la sensación de una imagen más amplia mejorando el contraste y la saturación hasta casi dos veces ya que la luz va directamente a los ojos, estos bordes no se desenfocan al adaptarse uniformemente a la forma natural de los ojos. La experiencia de inmersión es la gran ventaja de esta tecnología cóncava ayudándote a entrar en la escena y produciendo profundidades de campo llamativos con relación a la visión en 3D sobre todo en pantallas de gran dimensión (60” en adelante).

Existen cosas por estudiar aun, su diseño no se adapta a la pared con ayuda de soportes y cuando se visualiza desde abajo se distorsiona la geometría de la imagen. En unos años serán mucho más asequibles y

será la gran apuesta para la salida de superficies planas. Este diseño se ha implementado en dispositivos móviles.

El televisor LG 65EC9700 es un televisor de 55” con resolución 4K con altos niveles de iluminación y una de las mejores experiencias 3D por su diseño curvo que complementa la inmersión del usuario, además procesador de 4 núcleos y compatibilidad con la nueva plataforma de televisión inteligente WebOS 2.0. Los televisores son el principal mercado para el desarrollo de tecnología para pantallas pero el sector de los monitores para escritorio está adaptandose a las exigencias de los más avanzados usuarios, el monitor LG 34UC97 de 34” UHD destaca por su formato de imagen panorámico relación 21:9 y diseño curvo sin botones, para controlarlo solo tienes que mover un pequeño joystick inferior.

Tecnología IPS, es decir evita pérdidas de luz que puedan afectar los 300cd/ m2 de nivel de brillo. Abarca el 99% del perfil sRGB. Para conectarlo podrás hacerlo a través de sus puertos HDMI, DP, Thunderbolt, entrada de audio y USB 3.0.

Permite previsualizar dos pantallas a la vez dividiendo su formato panorámico. Si definitivamente este formato panorámico no se ajusta a tu forma de trabajo una opción potencial es el Acer S277HK, se reduce a 27” UHD, iluminación LED, pantalla plana y bordes muy reducidos Zero Frame. Comparte

la tecnología IPS e incluye Flicker Less para usuarios que permanecen mucho tiempo frente al monitor y sienten cansancio por consecuencia del parpadeo de la pantalla.

Pantallas flexibles Ya se han destacado algunos modelos y prototipos en la intención de la fabricación de pantallas f lexibles, aunque no se ha concretado se espera que en pocos años tengamos móviles que se puedan doblar hasta con el uso de materiales rígidos.

Uno de los modelos a seguir es el LG Flex 2, un dispositivo que tiene la propiedad f lexible de curvarse, este tiene una pantalla P-OLED, quiere decir que contiene materiales plásticos dentro de la tecnología OLED, resistente a altas temperaturas, en el que ya se destacan varios de ellos, ejerciendo fuerza sobre el móvil este cambia de forma y en unos segundos vuelve a su diseño curvo establecido. Este modelo incluye una pantalla de alta resolución y protección Corning Gorilla Glass 3. Algunos usuarios no sienten la necesidad de utilizar modelos de teléfonos móviles curvos, pero de seguro en los smartwatch es mejor recibido, el LG Watch Urbane resistente al agua integra también la tecnología P-OLED con una pantalla de 320 x 320 px, conexión 4G insertando una

Tener un monitor de estas características exige que tu computador o dispositivo reproduzca contenido en 4K para explotar todas sus prestaciones de imagen de alta calidad.

Nano-Sim. Memoria Ram de 1GB y GPS. Las pantallas f lexibles tienen hoy en día muchos acercamientos a la nueva generación que está por llegar a las tiendas, para el 2016 la empresa Polyera presentará la Wove Band, un wearable que se enrolla en tu muñeca sobretodo para el uso en actividades físicas.

Está construido con una pantalla OLED, sensores y circuitos, con la propiedad de ser f lexibles, además de E-ink.

El E-ink ya sido implementado en otras circunstancias como las señales de tránsito, el primer caso se dio a mediados de este año 2015 en Sydney, Australia, el cual incluye un sistema enérgico solar y una conexión celular 3G que permite conectarse con las centrales de movilidad de la ciudad. Tener pantallas f lexibles implica tener dispositivos delgados, ¡LG acaba de lanzar en septiembre de este año 2015 un modelo f lexible con tan solo 5.3 mm de profundidad en su versión de 55”!

Este tiene una banda magnética que sostiene la pantalla y lo hace ver prácticamente parte de la superficie.

Dentro de poco Teletransportarte y engañar tu cerebro es la tarea de los dispositivos de realidad virtual que han sido desarrollados en su mayoría para lograr experiencias en videojuegos e interactividad. El Oculus Rift, Samsung Gear VR, HTC Vice y el esperado Project Morpheus son dispositivos que se enganchan en la cabeza como en las películas futuristas de hace décadas, vinculando mandos que logran interactuar con las decisiones del usuario.

Estos van conectados con un cable o a un PC, por el momento no son inalámbricos. Hoy en día, no solo desarrolladores de videojuegos trabajan con esta tecnología, también agencias que emplean diferentes anuncios publicitarios dentro de espacios de realidad virtual con pantallas LED y OLED dentro de los visores.

También pantallas f lexibles en la parte interior de los automóviles y espacios publicitarios lumínicos con la propiedad de ser doblados, resoluciones de pantalla 8K y experiencias inmersivas para el usuario, lo que le dificultará separar la realidad de la ficción.

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PESO Y DIMENSIONES

BATERIA

INTERFACES

LECTOR DE TARJETAS

peso: 4.9 libras 0.75 pulgadas x 15 pulgadas

peso: 8.38 libras 1.69 pulgadas x 16.38 pulgadas

Lithium-Ion

peso: 5,3 libras 340x230x25 mm

Lithium-Ion

2 puertos USB 3.0 / 2 puertos USB 2.0 Lector de tarjetas 2 en 1 (SD,MMC) / Salida de HDMI, SPDIF,RJ45,conector de audio combo.

Parlantes esteréo con Dolby® Advanced Audio TM

Headphone/SPDIF combo jack Thunderbolt HDMI 4 x USB 3.0 LAN VGA Salida para Micrófono

Cámara web HD con estéreo y micrófono con estéreo Ethernet 10/100/1000 Conexión en red Wi-Fi® Wireless (802.11b/g/n)10 Bluetooth® versión 4.0

Lithium-Ion

Sí

Sí

1 TB 5400 rpm

Sí

SATA y PCI-e

1920 x 1080 de resolución nativa (FHD) tamaño: 15.6 pulgadas

PANTALLA

Disco duro de 1.5 TB (5400 RPM) Serial ATA

15.6” (1920 x 1080)

Resolución de pantalla: 1920 x 1080 (HD total) 17.3 pulgadas

GRAFICOS

DISCO DURO

NVIDIA GEFORCE GTX 860M GDDR5 2GB.

NVIDIA GeForce GTX 980M - 4 GB GDDR5 SDRAM.

Windows 8,1 Professional

Intel® Core™ i7 - 4710HQ

Lenovo Y50-70 - Black (59418231)

NVIDIA® GeForce® GT 740M que incluye 2 GB de GDDR5 de memoria de gráficos discreta con Optimus.

Intel Core i7 i7-4860HQ

Asus G751 series

Windows 8.1

Procesador Intel® Core™ i7

Toshiba - Satellite P55t

Windows 8.1

SISTEMA OPERATIVO

PROCESADOR

MARCA

LAPTOPS

peso: 4,5 libras 0,71 pulgadasx 14.13 pulgadas

Polímero de litio

Toma de corriente MagSafe 2. Dos puertos Thunderbolt 2 (hasta 20 Gb/s).

Dos puertos USB 3 (hasta 5 Gb/s). Puerto HDMI. Toma para auriculares. Ranura para tarjetas SDXC.

Sí

256 ó 512 GB de almacenamiento flash PCIe.

Pantalla Retina: pantalla retroiluminada por LED de 15.4 pulgadas (en diagonal) con tecnología IPS; resolución de 2880 por 1800 a 220 píxeles por pulgada con capacidad para millones de colores.

Intel Iris Graphics AMD Radeon R9 M370X with 2GB of GDDR5 memory and automatic graphics switching. Salida de vídeo digital Thunderbolt. Salida de vídeo HDMI.

OS X Yosemite.

2.5GHz 2.5GHz quad-core Intel Core i7 processor (Turbo Boost up to 3.7GHz) with 6MB shared L3 cache.

MacBook Pro 15

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AAC, AMR, MIDI, MP3, M4A, WAV, WMA, OGG, 3GP, XMF, IMY, RTTTL, RTX, AWB

VIDEO

AUDIO

PESO Y DIMENSIONES

BATERIA

SENSORES

WIFI Y BLUETOOTH

MP4, MPEG-4, H.263, H.264

3GP, 3G2, MP4, WMV, ASF, M4V, AVI, MKV, FLV, WEBM

CÁMARA

Lithium-Ion Peso: 298 g 203,2 mm x 134,5 mm x 6,6 mm

Peso: 392 g 237,3 mm x 169 mm x 5,6 mm

Accelerometer, gyro, compass

Bluetooth: sí Versión: 4.0 Wi-Fi: sí

Lithium-Ion

Accelerometer, gyro, compass

Bluetooth: sí Versión: 4.1 Wi-Fi: sí

Cámara trasera: sí Resolución: 8 MP Autofoco: sí Flash: no Cámara frontal:sí Resolución: 5 MP

Cámara trasera: sí Resolución: 8 MP Autofoco: sí Flash: sí (LED) Cámara frontal: sí Resolución: 2,1 MP

MP3, SonicMaster

Tipo: IPS LCD Tamaño: 8 pulgadas Resolución: 1.536 x 2.048 píxeles Profundidad de color: 24 bits

Tipo: Super AMOLED Tamaño: 10,5 pulgadas Resolución: 1.536 x 2.048 píxeles Profundidad de color: 24 bits

PANTALLA

Apple A7

Intel Atom Z3580 2,3 GHz

Peso: 331 g 200 mm x 134,7 mm x 7,5 mm

polímero de litio

Accelerometer, gyro, compass

Bluetooth: sí Versión: sí Wi-Fi: sí

AAC, AAC protegido, AIFF, Apple Lossless, Audible, MP3, MP3 VBR, WAV, HE-AAC

MP4, M4V, AVI, MPEG-4, H.264, MOV, M-JPEG

Cámara trasera: sí Resolución: 5 MP Autofoco: sí Flash: no Cámara frontal: sí Resolución: 1,2 MP

Tipo: TFT (IPS) Tamaño: 7,9 pulgadas Resolución: 1.536 x 2.048 píxeles Profundidad de color: 24 bits

16 GB

iOS 8.1

Apple iPad mini 3 (16 GB)

Android 5.0

Asus ZenPad S 8.0 (32 GB)

flash 32 GB, ram 4 GB

Samsung Exynos 5433

Android 5.0

Samsung Galaxy Tab S2 9.7 LTE (64 GB)

Flash 64 GB, 3 GB

ALMACENAMIENTO Y MEMORIA

PROCESADOR

SISTEMA OPERATIVO

MARCA

TABLETS

Peso: 400 g 210 mm x 148,9 mm x 7 mm

2 Cell 6400mAH Li-Cylindrical

Accelerometer, compass

Bluetooth: sí Versión: 4.0 Wi-Fi: sí

Wolfson® Master HiFi™ y sonido envolvente de Dolby®

Si

Cámara trasera: sí Resolución: 8 MP Autofoco: sí Cámara frontal: sí Resolución: 1,6 MP

Tipo: IPS LCD Tamaño: 8 pulgadas Resolución: 1.200 x 1.920 píxeles Profundidad de color: 24 bits

flash: 16 GB RAM: 2 GB

Intel Atom Z3745

Android 4.4

Lenovo Yoga Tablet 2 8.0 (Android)

ESTEBAN TORO

La luz mágica de Europa

MAURO GONZÁLEZ Chequeo cruzado

JONATHAN MANRIQUE Los pasajeros del momento

ESPECIAL DE EDICIÓN 76

REVISTA ENFOQUE VISUAL / Septiembre 2015 - Noviembre 2015

Países del mundo a través de lentes colombianos

3 fotógrafos, un mundo entero REVISTA ENFOQUE VISUAL / Septiembre 2015 - Noviembre 2015

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TEXTOS Y FOTOGRAFÍAS POR: ESTEBAN TORO WWW.ESTEBANTORO.COM

Esteban Toro LA LUZ MÁGICA EN EUROPA ES UN PROYECTO FOTOGRÁFICO SOBRE EL PAISAJE ARQUITECTÓNICO Y NATURAL QUE HE ENCONTRADO EN MIS TRAVESÍAS AL VIEJO CONTINENTE. EL PROYECTO SE ENCUENTRA COMPUESTO POR UNA VARIEDAD DE IMÁGENES DE LARGA EXPOSICIÓN DE DIFERENTES CIUDADES DEL MUNDO. EN CADA UNA DE LAS FOTOGRAFÍAS SE PRESENTAN ESPACIOS COMPLETAMENTE DESHABITADOS. ME INTERESA CAPTURAR LA POESÍA DE CADA LUGAR Y LA MAJESTUOSIDAD QUE ENCUENTRO EN ESTOS. YA SEAN PEQUEÑOS RINCONES DE UN PUEBLO O PANORÁMICAS DE GRANDES CIUDADES, SIENTO QUE CADA ESPACIO TIENE UNA HISTORIA QUE CONTAR Y UN MISTERIO QUE, EN COMPLICIDAD CON LA LUZ, GENERA ESTAS MARAVILLOSAS ESCENAS QUE SON CAPTURADAS POR EL FOTÓGRAFO QUE ES CAPAZ DE VER DONDE SUS OJOS NO VEN LA LUZ, PERO SI LA SIENTEN.

Aventura nostalgia y magia

Esteban Toro.

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Mi nombre es Esteban Toro Martínez, soy artista visual y fotógrafo. Actualmente trabajo realizando diversos proyectos relacionados con la producción de paisaje y retrato. He visitado más de veinte países alrededor del mundo y he tenido la oportunidad de conocer diferentes culturas que han enriquecido mi ojo fotográfico.

Soy docente en dos prestigiosas academias de fotografía en Bogotá: Siete Fotógrafos, donde dicto el Workshop de Fotografía para viajeros, y en LaBloom, donde dicto el taller de Fotografía de naturaleza.

Soy fotógrafo de la Universidad Javeriana, curador de Siete Fotógrafos y director creativo de Proteger Health Care. He trabajado como fotógrafo para el Centro Cívico Colombiano en Nueva York, para el Hard Rock Hotel en Panamá y para la galería de arte Bogotá Arte Contemporáneo.

Mi obra fotográfica ha sido expuesta en la Biblioteca Pública Virgilio Barco, en la Universidad de los Andes, en la Cámara de Comercio bajo el marco de la VI Bienal fotográfica ‘Fotográfica Bogotá 2015’ y en la Universidad Javeriana; donde tuve mi pri-

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mera exposición individual, con más de dieciséis fotos de gran formato en todo el edificio de la rectoría de la institución.

La fotografía se ha convertido en mi bitácora de vida. Por medio de mi cámara capturo momentos, expreso ideas y transformo emociones en imágenes que componen mi obra. Con el pasar del tiempo, estas imágenes son mi forma de regresar a los lugares que más me han gustado; así como son también la manera de compartir con amigos, colegas, familiares y seguidores de mi trabajo, la belleza y la experiencia que encuentro en cada momento de mi camino por el mundo.

En la fotografía he encontrado una forma de tener recuerdos de personas que no he vuelto a ver o que ya no están. Tengo retratos de seres amados, como mi abuelito Luis o mi perrito Leo, que ya no se encuentran conmigo, pero que puedo contemplar y recordar. De igual manera, tengo fotografías de amores ocasionales que aparecieron en algún momento y con los cuales ya perdí contacto.

Hacer fotografía es una experiencia que podría resumir en aventura, nostalgia y magia.

Con cada salida quien se va no es quien regresa. Se llega cargado de experiencias y motivaciones. El viajero es nostálgico, siempre está añorando regresar, se sumerge en sus recuerdos y el fotógrafo en sus imágenes. Pero también es mágico que vivir se convierta en mi profesión y que pueda llegar a hacer sentir algo a alguien más con un fragmento de esa vivencia que tuve. Así como es mágico lo que sucede cuando voy caminando por ahí con mi cámara y me encuentro con esa imagen que instintivamente me hace obturar, sin saber exactamente porqué.

Buscar un lugar o esperar la hora indicada es la excusa fotográfica que me doy para conocer a las personas que me acompañan en mis viajes. También para estar un tiempo solo, lejos de lo conocido y disfrutar de la naturaleza o la ciudad desde sitios diferentes en diversos momentos del día y la noche.

Mis fotografías, impregnadas de sentimientos, no son más que un fragmento de segundo, tal vez de treinta segundos o un par de minutos de exposición, de mi propia búsqueda, la cual no tiene prisa pero tampoco tiene pausa.

Esta fotografía es resultado de la magia. Me encontraba saliendo de la National Gallery en Londres, cuando vi una multitud reunida observando atentamente a un músico ¡al que le salía fuego de su instrumento!

Inmediatamente mi reacción fue meterme entre la multitud, buscar el mejor ángulo y colocar mi cámara en el trípode. Fue todo un reto fotográficamente hablando, ya que el contraste que generaba el fuego era muy fuerte, pues era lo único que iluminaba al músico. Mi intención con esta fotografía era capturar el fuego saliendo pero también retratar al personaje. Tuve que esperar varias veces hasta que el fuego fue suficiente para poder capturar todo en una sola imagen de unos cuantos segundos de exposición. Varias veces me han preguntado si esta fotografía tiene algún montaje digital y la respuesta es no, es tal cual desde la toma.

Esta imagen me parece muy importante de compartir y la utilizo siempre en mis talleres, pues la considero bastante pedagógica. Entre una multitud que observaba tuve que buscar mi lugar y allí ubicarme con mi cámara. Es necesario que el fotógrafo se dé su lugar y pueda obtener el encuadre que necesita, así le toque esperar un buen tiempo, esto siempre será recompensado.

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Estaba caminando con mi cámara y mi trípode por el Ponte Vecchio en Florencia, Italia, haciendo algunas fotografías del lugar y la gente que pasaba por allí, cuando llegué a este mirador. Un sitio lleno de turistas tomándose selfies en la noche, en el cual no se puede parar fácilmente por mucho tiempo ya que ahí mismo están los joyeros que venden sus productos de oro y es bastante concurrido, mucho menos habrá espacio para un fotógrafo, y sus herramientas.

Intentando acomodar mi cámara, las personas me movían el trípode al caminar, mientras yo intentaba hacer una larga exposición. Un poco frustrado por esto, decidí colocar mi cámara sobre el puente y justo en ese momento una nube comenzó a tapar todo el paisaje, haciendo que los turistas dejaran de hacerse fotos y yo pudiera obtener esta imagen. Sin duda es una fotografía donde la nostalgia y la magia de la que hablaba anteriormente se mezclan haciendo de esta imagen una visión romántica de este famoso lugar.

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La luz mágica en Europa son fotografías tomadas desde el año 2013 hasta el año 2015; actualmente el proyecto continúa en desarrollo.

Me he apoyado en fotografías de larga exposición porque encuentro grandiosos estos lugares y así quiero registrarlos. Es el paso del tiempo de un continente que lleva el inicio de nuestra historia, donde han habitado cientos de miles de personas que hacen parte de quienes somos hoy en día.

No encuentro otra forma de mostrar esa nostalgia y esa magia, que con el tiempo contenido dentro de una imagen.

Estas fotografías son historias y recuerdos de diferentes personas que habitaron allí, pero también son mis propias vivencias. Son minutos y tal vez horas detenido obser vando, con los ojos abiertos, las líneas, las formas geométricas, los colores, la luz y ese misterio que llevan consigo estas ciudades.

Es acostarse en la noche con existencialismo pensando en nuestros antepasados, sin conseguir dormir, imaginando cómo serían todos esos sucesos que aprendimos sobre la historia de este continente.

Estar parado frente a cada uno de estos sitios me hace sentir inmensamente pequeño, al mismo tiempo que genera en mí deseos de seguir viajando para descubrir más encuadres con los cuales sorprenderme. Estos recorridos han surgido de mi curiosidad por conocer el mundo. No hay para mí, como fotógrafo, experiencia

más enriquecedora que tomar mi maleta y mi cámara para enfrentarme a culturas totalmente diferentes a la mía, donde tengo que controlar la emoción de estar en un sitio nuevo y a la vez, dejarme llevar por el sentimiento para conseguir la mejor toma.

Este proyecto es una invitación a recorrer el mundo y a compartirlo a través de imágenes. No creo que todo haya sido creado. Hay muchas fotografías por hacer que están esperando que ese ojo curioso las descubra. No importa si es otra imagen más de la torre Eiffel. Todos queremos hacer nuestra típica fotografía de turista, pero luego de hacerla, ¿Cómo voy a proponer algo nuevo con mi cámara? ¿Qué clase de encuadre voy a hacer? ¿Qué luz voy a utilizar? ¿Regreso más tarde o al día siguiente en busca del mejor momento? Todo es cuestión de tomar decisiones y establecer con claridad una posición con respec to al tipo de fotografía que se quiere hacer.

Tal como me sucedió con cada una de las fotografías que les presento, los invito a conectarse con el sitio que fotografían, es vital para que la imagen obturtada tenga su alma propia, ese “yo no sé qué” que tanto cautivó en la pintura clásica dándole más poder a lo que se siente obser vando la obra que a la técnica aplicada. La técnica es una manera de hacer, que le da la posibilidad a la creatividad y a las emociones de transformarse en materia y en nuestro caso, en imagen fotográfica.

TEXTOS Y FOTOGRAFÍAS POR: MAURICIO GONZÁLEZ - @MauroGonzalezA

Mauro González CHEQUEO CRUZADO

COMO FOTÓGRAFOS SIEMPRE QUEREMOS CREAR IMÁGENES NUEVAS, SORPRENDENTES, Y VISUALMENTE INTERESANTES. Y LOS VIAJES REPRESENTAN UNO DE ESOS GRANDES ANHELOS PARA PONERNOS A PRUEBA. ‘CHEQUEO CRUZADO’ ES UNA CORTA RECOPILACIÓN DE FOTOGRAFÍAS LLENAS DE VIDA E HISTORIAS A TRAVÉS DE DIFERENTES PAÍSES, COMO MARRUECOS, INDIA, Y TAILANDIA. TODOS OPUESTOS DESDE CUALQUIER PUNTO DE VISTA, VERDADERAMENTE ATRACTIVOS PARA NOSOTROS LOS OCCIDENTALES. NOS MARAVILLAMOS CON LO QUE VEMOS Y OÍMOS SOBRE AQUELLOS LUGARES LEJANOS Y MISTERIOSOS. QUISIERA DISPONER DE TODAS LAS HOJAS DE LA REVISTA PARA CONTAR LOS QUE MIS OJOS VIERON, PERO TRATARÉ DE INQUIETARLOS CON ESTE PEQUEÑO ABREBOCAS.

“Viajar para abrir el espectro visual y cultural” Mauro González A.

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Después de 8 años de constante trabajo he experimentado diferentes categorías de la fotografía, como la publicitaria, de moda, de conciertos y espectáculos, de teatro, reportería y algunas otras que de cierta manera se complementan y me ayudan a entender y tener una visión más amplia de mi profesión como fotógrafo.

Sin embargo, creo que uno de los sueños de la mayoría de fotógrafos es viajar por el mundo haciendo fotos. Incluso solemos envidiar el trabajo de los fotógrafos de National Geographic cuando nos entregan sus experiencias de viaje y como resultado imágenes alucinantes.

Yo soy uno de esos que siempre quiso hacer lo mismo, viajar por el mundo haciendo fotos, y por fortuna he podido visitar varios de esos países que me generan mil preguntas y respuestas que con mi cámara trato de encontrar.

Tener la oportunidad de ir a vivir en diferentes culturas durante unos pocos meses definitivamente es lo que los fotógrafos necesitamos para abrir aun más nuestro espectro visual y cultural, y por qué no, trascender en ello para entender un poco la vida. Cómo ha sido mi caso. Ha sido tanto un ejercicio fotográfico como una experiencia de vida.

El primer viaje largo que hice fue a Marruecos, un país árabe tan misterioso y complejo como abierto para ser explorado. Di-

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verso y extenso como Colombia, pues cuenta con 2 mares, todos los pisos térmicos, desde un increíble Atlas cubierto por un blanco absoluto de nieve hasta las infinitas dunas de arena en el desierto del Sahara.

Maravillarse con sus paisajes es fácil, pues está a la vista de todos, pero lo que yo realmente quería ver era aquello oculto y extraño para nosotros: sus costumbres, su cultura, su gastronomía, su religión, su olor, sus sabores, su lenguaje e incluso sus reglas.

Especialmente en Marruecos el idioma fue la mayor limitante, pues solo hablaban en árabe, beréber o en francés, y yo solo sabía inglés. Sin embargo tuve tiempo suficiente para aprender las palabras necesarias para una comunicación básica. No pretendía entender lo que me decían por completo, pues disfrutaba de los sonidos extraños para hacernos entender. Fue esta la mejor oportunidad para desconectar un poco la lengua del entendimiento tradicional y dejarse llevar por los detalles, los gestos, las miradas, que significaban en muchos casos que éramos muy bienvenidos o que no nos acercáramos, y que en otras ocasiones querían mostrarnos algo que seguro nos cautivaría.

Continué mi camino dejando los camellos de Marruecos para vivir una nueva experiencia en el país de los mil colores y los elefantes sagrados: La India. Donde la fotogenia inevitablemente

hace parte del patrimonio de su nación. En cada esquina, cada momento trascendental o efímero de su cotidianidad se prestaba para realizar fotografías por do quier. La particularidad de India, después de su extraña cultura, es su gente, que está completamente dispuesta a conocer a ese occidental curioso, y con una sonrisa dan de sí para que uno se sienta como en casa, aun cuando la diferencia son 16 mil kilómetros y 5000 años de tradición.

Por lo general al regreso de estos viajes, no cuento con respuestas sino con más inquietudes, a las que sigo buscando respuestas, por supuesto con cámara en mano.

Mauro González A. Ha participado en diferentes proyectos para reconocidas marcas en Colombia.

Participó en el libro 50 Fashion Photos de la editorial inglesa Illex Press junto con reconocidos fotógrafos de talla mundial.

Retrata a reconocidos personajes de interés nacional.

Su especialidad son las fotografías imposibles de realizar en el plano físico.

Pionero en la creación de una aplicación móvil llamada Freelo (www.freeloapp.com) dedicada exclusivamente para fotógrafos con el fin de que sepan cómo cobrar por su trabajo de manera justa, rápida y efectiva. www.maurogonzalez.com @MauroGonzalezA

Lugar: AGRA, TAJ MAHAL, INDIA Año: 2015 Titulo: Una sonrisa real

Para mí es muy impor tante la conexión con las personas al momento de hacer fotografías.

El niño estaba triste, y tal vez un poco cansado de cargar aquellas maderas.

Cuando le empecé a hacer las fotografías estaba muy serio, muy parco. Entonces un pequeño accidente cambió todo.

Me golpeó con sus maderas en el lente y le pareció muy divertido. Él siguió haciéndolo mientras yo disparaba mi cámara. Finalmente logré la sonrisa que buscaba. Una sonrisa natural.

Lugar: DESIERTO DE AGAFAY, MARRAKECH, MARRUECOS. Titulo: “A Horse With No Name”

En medio del desierto llamado Agafay, a unos 30 kilómetros de Marrakech, vi a este caballo que me llamó muchísimo la atención, por su tamaño y su color. ¡Me encantó! Me bajé del carro para mirarlo a el y a su jinete más de cerca, este último solo hablaba beréber (lenguaje marroquí) no me habló, pues era evidente que no nos lograríamos comunicar, sin embargo me quiso mostrar algo de lo que hacía con su caballo pura sangre.

Creo que lo que me dio fue un regalo, pues aunque lo registré con esta foto, no podré olvidar nunca que el caballo me estaba saludando, aun estando herido.

Lugar: AMER FORT, JAIPUR Año: 2015 Titulo: Elefante dando un beso.

Cuando uno está con el ojo atento como un cazador, toda la magia f luye.

Para mi el viaje a la India fue muy impor tante, porque hizo que estuviera mucho más atento a los detalles y las curiosidades que se presentaban en el día a día.

El día que hice esta foto ya llevábamos varios días viajando. Fue muy importante para mí ver esta señal de afecto entre estos dos animales.

Micromundos: El poder de la fotografía no deja de sorprenderme. Siempre está allí para registrar momentos importantes, y no solo momentos que sean de relevancia para todo el mundo. Existen micromundos que definen su felicidad momentánea incluso por un pequeño azar del juego. Lo que más me gusta de la fotografía es la capacidad de romper el hielo, crear amistades, conocer personas y descubrir mundos.

Los niños en estas fotografías se encontraban jugando un torneo de barrio de críquet, deporte por excelencia de la India.

Nos encontrábamos en el Albert Hall, en Jaipur, un sitio muy concurrido por toda clase de niños que se ponen cita para allí demostrar quien es el mejor dándole a la bola con su palo

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de críquet. Me senté allí para obsérvalos y hacerles unas fotos a contraluz con el último rayo de sol, y fue tanta la alegría de los niños al verme fotografiarlos que dieron lo mejor de sí, ganaron el torneo y celebraron como si estuvieran jugando el campeonato mundial y su futuro dependiera de ello. Salieron corriendo hacia la cámara y querían que los retratara uno a uno. Además me enseñaron sus improvisadas destrezas acrobáticas.

Fue increíble y muy emocionante.

Volviendo a los detalles, en Tailandia vi que habían actividades comunes que logré obser var con otros ojos y me dejé asombrar por lo sencillo y a la vez interesante.

Ver un señor operando su lancha turística o un tatuador trabajando en un callejón, me hizo admirar la sencillez de muchas situaciones cotidianas.

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TEXTOS Y FOTOGRAFÍAS POR: JONATHAN MANRIQUE

Jonathan Manrique MIROKOVISUAL - WWW.MIROKOVISUAL.COM

LOS PASAJEROS DEL MOMENTO LAS SIGUIENTES IMÁGENES HACEN ALUSIÓN A LA ETERNIDAD DEL MOMENTO PASAJERO (LA FOTOGRAFÍA), PERO SOBRE TODO A LOS PASAJEROS DE AQUEL MOMENTO Y A LA FUGACIDAD DE SU PRE-ESENCIA (EL RETRATO FOTOGRÁFICO). SOBRE TODO PORQUE ME INTRIGAN COMO SERES QUE EXPERIMENTAN LA EXISTENCIA CORPÓREA DEL SER Y TODO LO QUE ÉSTA IMPLICA.

Lugar: Prayag, India Titulo: Vendedor de Tilak y Upavita

La Tilak es una pasta de color obtenida por la mezcla del arbol de sándalo ybarro en algunas ocaciones. Durante las habituales celebraciones de carácter ritual que se practican sobre el extenso territorio hindú; suele hacerse uso de inscienso y tilak (pasta de color) para diferenciar a los adeptos de las diversas corrientes filosóficas y/o estatus social en el caso de las mujeres.

El Upavita es un cordón sagrado que se otorga al aspirante dentro del proceso de su iniciación espiritual y denota que aquel que lo usa debe ser puro en sus pensamientos, palabras y acciones.

Luz, sensibilidad estética y expresión visual MI BÚSQUEDA Y RELACIÓN CON LA LUZ NO SÓLO SE LIMITA AL EJERCICIO FOTOGRÁFICO MERAMENTE TÉCNICO O ESTÉTICO. CREO FIRMEMENTE EN QUE MI PRÁCTICA FOTOGRÁFICA ESTÁ ÍNTIMAMENTE LIGADA A UNA REFLEXIÓN PERENNE Y EXISTENCIAL SOBRE LA LUZ Y SUS MATICES DE COLOR EN RELACIÓN CON NUESTRO SER ESENCIAL.

Jonathan Manrique Nossa.

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Soy una persona que posee una mirada fotográfica hacia la realidad a través de la belleza, la sensibilidad estética y el buen tratamiento conceptual en función de la comunicación y expresión visual. La práctica fotográfica en mí, se da como una forma de encantamiento en la mirada, de placer visual, que me lleva a acercarme al mundo de manera tal que me resulte agradable a mí y a los que ven lo que veo en la forma en que lo veo. Al fotógrafo se le aprecia y contrata debido a la forma en que ve al mundo, ya que recibe una imagen de él que resulta maravillosa para los demás.

En una sociedad en la cual hay sobre abundancia de fotografías de todo tipo y en la que estamos acostumbrados a ver imágenes constantemente, haciéndonos inertes, se hace más difícil destacar una fotografía o lograr que alguien se sienta

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atraído por una de ellas de manera tal que la contemple por más de unos segundos. Es entonces, donde el impacto visual, la atmósfera o look y la capacidad para que una imagen fotográfica genere alguna atracción y reacción profunda, adquieren importancia para el creador y productor de imágenes, y donde la poética de lo visual hace su aporte al mundo de la comunicación. Esto define la naturaleza de mi desarrollo como ser que mira el mundo y define también la búsqueda de un discurso y estilo visual propio.

Literalmente vivo de la luz, ya sea de la contemplación y el tratamiento de esta y sus matices de color en la práctica personal y profesional, o del hablar sobre la misma y sus implicaciones dentro de un contexto académico.

Como profesional en fotografía y medios audiovi-

suales, ofrezco a nivel nacional e internacional servicios de realización fotográfica profesional, dirección de fotografía para producciones audiovisuales, realización audiovisual y colorización en postproducción.

También realizo conversatorios académicos en torno a la imagen y sus diversas implicaciones.

Actualmente como complemento a mi trabajo en la realización fotográfica, y como director y fotógrafo en MIROKOVISUAL, me encuentro vinculado al contexto académico como miembro docente de LaSalle College Internacional a través de cátedras y seminarios sobre Sociología de la Imagen y Fotografía en general. También pertenezco a la Universidad Jorge Tadeo Lozano y La Escuela Nacional de Cine en calidad de docente en el área de fotografía para la Facultad y conservatorio de cine.

VRAJAVASI Vrindavan, INDIA Un Vrajavasi, (habitante de Vraja) es un ser que mora en la conciencia de asociaci贸n constante con el ser amado, Krishna. En el estado de Mathura, UP. India, se encuentra ubicada Vrindavan, la tierra donde Krishna (la suprema personalidad de Dios) ejecut贸 sus pasatiempos m谩s 铆ntimos con los habitantes de Vraja.

NAGA BABA SADHU Allahabad, INDIA Un Sadhu (Hombre santo) es considerado un renunciante, asceta religioso o persona santa, que vive en los límites de la sociedad o por fuera de esta con el fin de enfocarse en el desarrollo de su propia práctica espiritual.

Se encuentran por todo el territorio Hindú y por lo general habitan en templos, cavernas o bosques llevando una vida santa de ascetismo, misticismo y/o prácticas del yoga.

Existen diversas sectas de Sadhus, y en este caso el Babaji (hombre sabio) retratado corresponde a los Shaivas sadhus o ascetas devotos del Dios SHIVA.

LOUIS MENDEZ New York, USA Es fotógrafo de la ciudad de Nueva York quien es conocido por su emblemática cámara de periodista, retratos y fotografía de calle.

Mendez usualmente emplea una cámara Graflex Speed Graphic. Producida por Graflex en Rochester, Nueva York, la Speed Graphic comúnmente ha sido llamada la cámara de prensa más famosa. Aunque las primeras cámaras fotográficas de alta velocidad se produjeron en 1912, la producción de las versiones posteriores continuó hasta 1973.

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Lugar: VRINDAVAN, INDIA Titulo: CONDUCTOR DE RICKSHAW

Una Rickshaw es un vehículo cubierto de dos ruedas, usado principalmente en países asiáticos. Este vehículo es similar a las bicicletas de tres ruedas, teniendo un asiento atrás para pasajeros. Algunas veces están equipados con motores a gasolina. La gran mayoría de los conductores de rickshaw no tienen su propio vehículo, lo alquilan, y sus dueños piden una renta muy alta por ellos. Una rickshaw nueva puede costar entre Rs 8.000 y 9.000 ($200 USD), que funciona por 3-4 años.

Por cada turno diario (12 hrs), cobran Rs 80-90 ($1.5 USD) de renta. Esto pone una gran presión sobre los conductores para conseguir clientes.

Al final del día, tienen que apartar entre 30 y 60% de sus ganancias para la renta.

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Lugar: NEW YORK, USA Titulo: URSULA SELIG

(Sobreviviente del Holocausto Nazi) Desde la niñez tuvo que vivir huyendo con su familia de la persecución Nazi. Gran parte de su familia paterna murió en campos de concentración, ella logró escaparse con su madre hacia Italia, donde su padre las esperaba escondiéndose en montañas, cementerios y refugios.

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Cuando te sitúas en la posición adecuada de tu ser observador dejas de buscar afanosamente las imágenes, y ellas pasan a revelarse ante ti. No se trata de una carrera por ver y capturar. Son la paciencia, el respeto y la armonía con los instantes las que permiten que las realidades del momento se te manifiesten en imágenes luz, bellas y profundas, tú solo las aceptas, las almacenas y las comunicas.

Siempre me ha interesado obser var a las personas, lo que es una cualidad intrínseca de la práctica fotográfica desde sus inicios. Como seres humanos nos obser vamos los unos a los otros desde las posibilidades que nos ofrecen diversos medios de expresión y comunicación. En la mayoría de casos los retratos presentados no corresponden a una puesta en escena prefabricada, simplemente son hallazgos visuales en mi andar como ser humano y profesional que experimenta diversos contextos culturales

o sociales a través de la mirada fotográfica. Por lo general elijo un lugar o evento cultural de interés propio, lo investigo y lo abordo.

Una vez en éste, camino, obser vo pacientemente la luz y el contexto, pre-veo y veo, capturo fotográficamente, vuelvo y camino. La poética y estética de la imagen es impor tante para mí aún dentro del objetivismo y la necesidad narrativa o comunicativa. El retrato de carácter documental exige carisma y respeto por par te del fotógrafo para con el contexto y los sujetos retratados, también el desarrollo de cualidades como la paciencia, el respeto, la amabilidad y delicadeza. Ser fotógrafo no significa únicamente poseer una cámara y tomar fotos, sino estar en la capacidad de plantearse proyectos de largo aliento, ir formando un criterio y discurso fotográfico, una mirada par ticular.

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Lugar: COLOMBIA Titulo: BERITO KUWARU’ WA

(Indígena U’wa) Fue galardonado con el premio Goldman Ambiental de 1998 por su rol como vocero en el conflicto entre los U’wa y las industrias del petróleo. Ha viajado por más de 35 países distribuyendo la voz y la sabiduría de su pueblo.

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Lugar: BOGOTÁ, COLOMBIA Titulo: ANONIMO, FERIA DE

AUTOMOVILES CLASICOS

“El concepto pre- esencia en el retrato fotográf ico hace alusión a esa apariencia con la que se presentan los sujetos y que contiene lo que esencialmente es, el ser ”.

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Lugar: AGRA, INDIA Titulo: ANÓNIMO

Ver la luz y sus matices de color en ellos no lo imaginé, pero ahí se ven dentro y fuera, a través del ensueño, en mis momentos de realidad.

El retrato aparece en la historia, como género y discurso fotográfico, planteando una nueva forma de validar y reafirmar la existencia de los sujetos, también como una manera de otorgar un status y rol social. Pero dicha idea sobre lo que significa la práctica del retrato a nivel de construcción personal y social, va adquiriendo otras dimensiones discursivas a través del tiempo, y en la contemporaneidad plantea preguntas y reflexiones que tienen que ver más con la idea de la identidad esencial de las personas, su realidad más allá de la mera apariencia y lo que es el ser arquetípico, alienado y uniforme. Sin embargo en mí, la práctica del retrato ha generado preguntas alrededor de conceptos, los cuales aclararé más adelante, como la “pre-esencia” del sujeto retratado, y lo paradójico en la idea de lo eterno-pasajero del sujeto que se presenta en la práctica y filosofía fotográfica.

Entonces La eternidad del momento pasajero, y los pasajeros del momento es una serie de cuestionamientos que me generan las personas que aparecen en dicha serie fotográfica, las cuales más allá del rol social, y sin más función que la mera existencia, ahí, frente a mí y justo en ellos mismos, se muestran esenciales o pre-esenciales, reales. “Si logras capturar un instante de realidad de esa persona, es lo máximo que puedes obtener de un retrato” pronunció el gran retratista Edward Staichen. Pero ¿cuál es esa realidad si lo aparente no permanece? ¿son entonces esas presencias aparentes en cada fotografía tan solo un receptáculo corpóreo de seres esenciales? Creo entonces que el cuerpo retratado tan solo es un espacio habitado por algo más, el alma. Entonces, en ese sentido, lo único que aparece en un retrato fotográfico es una pre-esencia.

“El concepto pre-esencia en el retrato fotográfico hace alusión a esa apariencia con la que se presentan los sujetos y que contiene lo que esencialmente es, el ser.”

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DISEÑO Y FOTOGRAFÍA • • • • • • • •

Portafolios.

Historia.

Toma Final.

Mesa de Expertos.

Técnica Fotográfica.

Imagen Legal.

Tutoriales de Photoshop.

Dr. Cámara.

POR: REDACCIÓN ENFOQUE VISUAL

¡15 años de gestión fotográfica!

FOTOS : Camilo Pedroza. * Gilma Suárez, directora FOTOMUSEO. * Jesús Abad Colorado, fotógrafo colombiano.

GRACIAS FOTOMUSEO. La fotografía en Colombia ha estado en auge en relación con los grandes espacios artísticos del mundo, gracias a actividades como la Bienal Fotográfica o la Fotomaratón de FOTOMUSEO, que convocan a esos amantes de la imagen que profesionales o no, tienen algo o mucho que decir con sus fotografías.

Fotográfica Bogotá, es un encuentro entre fotógrafos profesionales y aficionados, artistas, curadores y amantes de la imagen que mueve masas, no solo por la cantidad de gente que abarca en las calles con las exposiciones en módulos transportables, sino también por el altísimo nivel de su ciclo teórico, el cual es atendido por fotógrafos de todo el país. En la versión de este 2015, celebramos sus 10 años acompañados de personalidades como David Lachapelle, Jesús Abad Colorado, Claudí Carreras, Roger Ballen, entre muchos otros, quienes estimularon las mentes creativas

y sedientas de conocimiento que allí estuvieron presentes.

FOTOMUSEO, papá de Fotográfica, es un reconocido espacio de exposición y aprendizaje para estudiantes, profesionales y simpatizantes de la imagen. Este año se cumplen 15 años desde su fundación y de un largo trasegar entre la gestión cultural, el arte y la fotografía. Para Gilma Suárez, su directora, es un orgullo poder mirar hacia atrás y ver que ha se recorrido un camino lleno de logros a pesar de las adversidades, asuntos como los recursos y los espacios, no han podido limitar los deseos de esta organización, que al momento de gestar eventos de índole académico y cultural ha caminado contra cualquier tormenta para hacerlos realidad.

Revista Enfoque Visual reconoce la importante labor que ha hecho FOTOMUSEO para lograr el positivo desarrollo de la fotografía en Colombia, con ustedes celebramos estos 15 años de una trayectoria inigualable.

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PORTAFOLIO COLOMBIA

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POR: JUANA BUITRAGO

FOTOS: HUGO RUA

Hugo Rua

Hugo Rua es un fotógrafo aficionado declarado amante de las estrellas, con sus fotografías es capaz de llevar a sus observadores literalmente a otras galaxias. Este fotógrafo antioqueño, participó en la Convocatoria de Portafolios Colombia 2015, siendo seleccionado por nuestro Consejo Editorial para ser el portafolio colombiano de esta edición.

Hugo, creció en un pequeño pueblo a dos horas de Medellín, en otro momento eran hasta 5 horas. Su infancia transcurrió en Yolombó, entre paseos a charcos, la biblioteca del pueblo, los trapiches de caña, el jardín de su madre, acompañar a su padre a jugar ajedrez con sus amigos y las noches absolutamente llenas de estrellas. Así se apasionó por la astronomía, soñaba con ser astronauta, y estaba interesado en la ciencia.

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LAS ESTRELLAS SIEMPRE HAN TENIDO UN SIGNIFICADO MUY ESPECIAL PARA LA HUMANIDAD, HAN SIDO DIOSES, LUGARES, GUÍAS… PARA MÍ LAS ESTRELLAS SON NUESTRA CONEXIÓN CON EL UNIVERSO.

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Su pasión por las estrellas surgió de su gusto por la noche, desde que tuvo uso de razón, se sintió atraído por el cielo, “cuando tenía cerca de 8 o 9 años leí por primera vez un libro de Star Wars (sí, leí primero el libro antes de verme la película) y me fascinó todo el tema alrededor de la ciencia ficción, después de eso empecé a leer autores como Julio Verne y me impactó mucho De la tierra a la luna.

Después de la ciencia ficción, comencé a leer sobre cosmología y los procesos físicos.

Fue entonces cuando empecé a entender que lo que veía en el cielo eran soles como el nuestro, inclusive galaxias más grandes que la que habitamos.

Así fue como nació esa pasión, mirando las estrellas en las noches y leyendo libros en el día para entenderlas. Las estrellas siempre han tenido un

significado muy especial para la humanidad, han sido dioses, lugares, guías… para mí las estrellas son nuestra conexión con el universo. En el corazón de las estrellas nacieron todos los elementos de los que estamos compuesto, el hierro de nuestra sangre, el calcio de nuestros huesos, el carbono de nuestros tejidos… Eso significan para mí, la conexión que tenemos con todos y con todo”.

A la edad de 14 años, hizo su alfabetización documentando y trabajando en un canal comunitario del pueblo, y organizando el archivo de video del colegio, durante ese tiempo conoció algunos de los fotógrafos que trabajaban para el departamento, quienes le enseñaron los conceptos básicos de la fotografía, empezó usando una réf lex análoga, una Vivitar v3000s.

Además aprendió a revelar, a

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manejar los químicos y a realizar procesos de ampliación.

Sin embargo, por el elevado costo de esta práctica le era difícil mantenerla activa, razón por la que un tanto empujado por la premisa “estudie algo que le dé plata” optó por estudiar ingeniería.

Claramente esto llama mi atención, no es común encontrar un ingeniero fotógrafo, me pregunto si es posible combinar su oficio de ingeniero con su pasión por la fotografía nocturna. “Combinar sí, pero desde el punto de vista laboral no. La fotografía nocturna exige grandes desplazamientos y las fases de la luna no siempre coinciden con mis horarios laborales. La ingeniería me ha permitido ser más técnico y menos pragmático, entender en cada fotografía que es lo que estoy haciendo; tener un flujo de trabajo en el momento

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de la captura y el revelado. He podido desarrollar mis propios algoritmos de revelado (soy fanático de Matlab y dcraw).

Mi profesión me ha ayudado a entender conceptos técnicos a profundidad y aplicarlos de la mejor forma (hiperfocal, sistema de zonas, derechear histogramas, mapeo de tonos y un sinfín de aplicaciones que cuando creces de forma pragmática se usan poco). Planifico mucho mis viajes, soy metódico a la hora de acostarme y levantarme para buscar las mejores horas e ir a hacer fotos.

El entender cómo funciona completamente la cámara me permite exigirla al máximo para lograr los mejores resultados, como ingeniero siempre te enseñan algo: antes de comenzar una nueva tarea siempre hay que leerse el manual”.

Con lo que me cuenta me lleno de curiosidad y

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me asaltan más preguntas ¿Cómo es capturar la noche y sus estrellas con la cámara? ¿Tiene un proceso definido? ¿Alguna especie de rito? “El proceso de captura es relativamente simple, la fotografía nocturna solo te exige conocer 3 elementos para hacer una “captura correcta”: la ley de reciprocidad, la regla 550 y el buen conocimiento de tu equipo… ¡ah! y componer, componer siempre. Personalmente si tengo un flujo de trabajo definido para optimizar todo tipo de captura (panorámicas, fotos individuales, cielo profundo, retratos), en ocasiones el tiempo apremia y no te puedes dar el lujo de perderlo, hay que tener en cuenta que cada fotografía suele durar 30 segundos y entre realizar ajustes y componer te puedes tardar otros 30; si el clima no colabora mucho debes dejar descansar

la cámara lo cual al final te resta más tiempo. Así que en una hora puedes hacer máximo 30 o 40 fotos, y si una de esas es panorámica estarás haciendo máximo 2 o 3 fotos. Por lo general uno hace fotos por 3 o 4 horas por que constantemente te estas desplazando buscando encuadres, así que si en una noche haces 100 fotos, y eso es un montón, dice John Quintero “de tu 100% máximo el 10% son fotos realmente buenas”, así que en una noche estás haciendo 3 o 4 fotos que realmente valen la pena”.

Recordando su primera foto, narra que una noche estaba con su sobrino y su hermano en una finca cerca de Yolombó, estaba despejado y decidió arriesgarse a hacer una foto. Para ese entonces solo había leído la teoría y nunca lo había ensayado.

Apuntó hacia el suroriente,

puso 20 segundos en su Canon t3, el 18-55 y un ISO 1600.

Obturó y lo único que vio, fue el desenfoque. Quiso repetir la toma pero ya se había nublado, solo días después cuando volvió a ver la foto con detalle notó que había captado la parte sur de la Vía Láctea y entonces fue el éxtasis.

Reconociendo que parte de la magia de hacer fotografías es contar historias con imágenes le pregunto cuáles son las que él quiere contar, a lo que responde “cuando comienzas a hacer fotografías solo quieres hacer fotos bonitas, las fotos que la gente quiere ver, las de los likes en Facebook.

Con el paso del tiempo crece la curiosidad interna ¿Por qué hago fotos? ¿Qué busco con ellas? Fue bastante complicado para mí expresarlo, siempre me emo-

ESTE ESPACIO ES UNA GRAN OPORTUNIDAD PARA QUE LA GENTE VEA EL MUNDO A TRAVÉS DE LOS OJOS DEL FOTÓGRAFO...

Y LA REVISIÓN DE PORTAFOLIOS FUE UNA EXCELENTE OPORTUNIDAD PARA ELLO.

ciona ver el cielo nocturno pero ¿Cómo mostrarles esa emoción a las personas? Así, empecé a incluir personas en mis paisajes, para mostrar la dimensión del cielo, lo pequeños que somos ante la inmensidad del mismo, y lo grandes que somos ya que literalmente somos hijos de las estrellas. Mis fotos buscan mostrar esa conexión que tenemos con el mundo”.

Actualmente tiene una exposición en el Observatorio de La Plata, Argentina. Donde gracias a que ha conocido a muchos fotógrafos y astrofotógrafos en las redes sociales, hizo contacto con Sergio, un fotógrafo argentino que lo convocó para realizar una exposición colectiva, le pidió una muestra de 8 fotos de las cuales seleccionaron 3 “y ¡Voilà! están en el observatorio de la Plata”.

Finalizando pregunto por su opinión acerca de espacios como el de la Convocatoria de Portafolios en la que tuvimos la posibilidad de conocer su trabajo y con agrado responde: “Me parece una gran actividad, a veces las personas ven a los aficionados a la fotografía y a los fotógrafos como entes que solo aprietan un botón y ya, y muchos fotógrafos no muestran su trabajo por temas internos (temor a la crítica, entre otras cosas). Este espacio es una gran oportunidad para que la gente vea el mundo a través de los ojos del fotógrafo, una sola foto no muestra la visión del mundo como suelen verse los concursos de fotografía, a veces se necesita ahondar un poco en la visión del otro para entenderla y la revisión de portafolios fue una excelente oportunidad para ello”.

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PORTAFOLIO MUNDO

POR: JUANA BUITRAGO

FOTOS: FRANCISCO MATA ROSAS

Francisco Mata Rosas LA LÍNEA

Licenciado en Ciencias de la Comunicación, Francisco Mata Rosas se resistió por varios años para aceptar que la fotografía era su vocación. De allí que la defina como una manera de satisfacer su curiosidad.

Revista Enfoque Visual trae para sus lectores una muestra de La Línea, un proyecto transmedia desarrollado en la frontera entre México y Estados Unidos, por este fotógrafo mexicano quien busca hablar de distintas realidades, mirando desde la perspectiva de una “tercera nación”.

Francisco Mata Rosas es original de Ciudad de México, estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco, luego hizo un postgrado en Artes Visuales en la Universidad Nacional Autónoma de México y en 1986 decidió dedicarse de manera profesional a la fotografía, logrando combinar su trabajo como fotógrafo con el de editor, curador, tallerista y conferencista. Actualmente se desempeña también como Docente Investigador de la Universidad Autónoma Metropolitana de Cuajimalpa.

Inicialmente lo que le interesaba era escribir, inclinado hacia el género de la crónica,

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tenía la fotografía como una actividad paralela, y aunque desde pequeño estuvo cerca de ella, siempre se rehusó a practicarla profesionalmente, poco a poco y con los trabajos que iba desarrollando se presentó frente a él, La Jornada, periódico mexicano que lo invitó a trabajar como fotógrafo, siendo ese el momento preciso para iniciarse finalmente en su rol.

Define su oficio como una vocación, admite que la curiosidad lo acompañó desde el principio, y aun cuando le costó mucho trabajo aceptar y decidirse por la fotografía como su campo profesional, hoy confiesa que es una excelente manera de representar el mundo.

Le pregunto por su especialidad, la fotografía documental, y me refiero a la magia que como individuos sociales encontramos en el hecho de documentarlo todo, a lo que me responde “Aunque no sé por qué lo necesita todo el mundo, en mi caso siempre ha sido la manera perfecta de satisfacer la curiosidad, la mayoría de los proyectos y ensayos que he hecho hasta ahora siempre parten de preguntas muy elementales acerca de lo que fotografío

¿Quiénes eran esas personas? ¿En qué pensaban? ¿Porqué se presenta tal fenómeno social? ¿Porqué suceden las cosas? ¿Cómo se manifiesta la cultura popular en tal barrio y qué pasa con los procesos políticos y sociales? Siempre parto de una serie de preguntas, para mí la fotografía ha sido el pretexto para aprender a vincularme y relacionarme con el mundo”.

La Línea es una muestra donde se evidencia el choque entre dos puntos diferentes, norte y sur, representa la división, el punto fronterizo, ese lugar donde todo comienza o todo termina. Mata Rosas ha pasado los últimos tres años

recorriendo la frontera entre México y Estados Unidos con el propósito original de fotografiar de ambos lados, catorce pares de ciudades hermanas, pero después de un tiempo le resultó “totalmente aburrido” fotografiar del lado de Estados Unidos y entonces se concentró en trabajar solo del lado de México.

“El tema de la frontera, es un tema que ha sido tratado múltiples veces, es un referente constante en el periodismo, en el cine, en la fotografía y es algo a lo que ahora me sumo, este es un conjunto de visiones desde la frontera, donde yo busco trabajar imágenes metafóricas que contengan todos los temas

que la atraviesan pero no de la manera explícita y tradicional que hacemos con la fotografía documental. En este proyecto encontramos que el narcotráfico, la prostitución, la trata de personas, la migración, la drogadicción, las hibridaciones culturales y el racismo, están contenidos no de una manera explícita sino metafórica”. De la misma manera afirma que busca sugerir estos temas en los objetos, en los paisajes y los retratos de las personas, está interesado en que sea el lector o espectador quien construya historias a partir de las imágenes que el mismo propone.

La línea es un proyecto donde todo se mezcla, donde convergen

distintas acciones, conceptos y tecnologías. Este proyecto transmedia que busca tener muchas salidas, está compuesto por un documental web, que será un corto lineal de 3 capítulos. Además contará con un libro impreso, libros objeto y una exposición.

Toda una experiencia de difusión para un tema trascendental y vívido en el país de origen de este maestro de la imagen.

Al ver las imágenes de su trabajo me cuestiono acerca de cuál será su objetivo al documentar la cultura popular que los migrantes y habitantes de la línea no abandonan, estando en un lugar en el que no saben si vienen, se quedan o se van. Le

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pregunto y responde “la cultura popular es algo que me atrae muchísimo, la mayoría de mis proyectos tiene que ver con eso. Yo considero que todas las mezclas, mezclas de todo tipo, que se dan en los barrios, en comunidades marginadas y en zonas periféricas, estos tienen una cultura tremenda hay muchísimo que aprender, mirando hacia estos grupos, puedo ver como los medios de comunicación, en la globalización, han homogeneizado muchísimo la cultura de las clases medias, al punto en que cada vez nos parecemos más, actuamos de la misma manera, consumimos los mismos productos culturales, esto es que vemos las mismas películas, escuchamos la misma música y la misma televisión. Y sin embargo en las culturas populares todavía se mantienen muchísimos rasgos de identidad y diversidad”.

La frase “la línea que te divide simbólicamente y que te arrebata la vida” es parte de su discurso, y está implícita con su

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intención al hacer este proyecto.

Inclusive el título tiene que ver con la fotografía de un tope ubicado en la frontera entre Tijuana y San Isidro, que no mide más de 20cms de diámetro y que tiene una línea que lo divide.

Del lado superior dice U.S. y en el inferior dice MEXICO, esa pequeña línea que no tiene más de 1 cm de ancho, es la línea que para Francisco separa simbólica y geográficamente el primer mundo del tercero. “En esa línea empieza y termina Latinoamérica, cruzar esa línea le ha costado la vida a miles de personas, por esa línea cruza la droga, las armas, el dinero, para mí es muy simbólico algo tan pequeño y artificial, como crear una línea que divida países.

Pienso que es súper importante y en México esa línea tiene otros niveles, esto significa un muro, un río, las líneas funcionan como contenedores, son lugares donde todo empieza y todo termina, son lugares donde “rebotan los sueños” como decía la frase en una fotografía. Esta

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no es una línea geográfica, también es imaginaria y se mezcla todos los días, en medio de la convivencia de la cultura norteamericana y la cultura mexicana, la hibridación que se da en estas dos, en la convivencia de los idiomas, que tiene como resultado un tercero, el spanglish, todo esto representa esa pequeña línea divisoria”.

Como todo proyecto fotográfico que tiene ver con la condición humana, este también representó un efecto profundo en el fotógrafo, Mata Rosas confiesa que La Línea lo ha marcado mucho por las historias que ha escuchado, los personajes, conocer de primera mano lo que significa migrar, ser deportado, fracasar. Conceptos que le ayudaron a entender porque el ser humano tiene la necesidad de moverse, de arriesgarlo todo por una idea, ese dilema de perderlo todo y de concebir el futuro como algo extraño. Vivir en la frontera implica no solo la no pertenencia, también demanda perder

VIVIR EN LA FRONTERA IMPLICA NO SOLO LA NO PERTENENCIA, TAMBIÉN DEMANDA PERDER UNOS VALORES IMPUESTOS POR LA SOCIEDAD PARA ADQUIRIR OTROS DADOS POR LA CIRCUNSTANCIA.

unos valores impuestos por la sociedad para adquirir otros dados por la circunstancia.

Como docente se concentra poco en los aspectos técnicos, le gusta compartir ideas, motivar, aprender desde luego y sobre todo saber qué piensan los jóvenes, saber cómo conciben la imagen y la creatividad “me mueve mucho más tratar de ser un motivador de procesos, generar reflexión, lo que enseño tiene mucho más que ver con pensar la imagen, con deconstruir los paradigmas que tenemos sobre la fotografía y atrevernos a ver de otra manera, entender que la fotografía y el acto de fotografiar no es más que el resultado del pensamiento, y por lo tanto de quienes somos, de nuestra circunstancia del contexto en el que nos desarrollamos, entender que la fotografía como todo, tiene que ver con tener ganas de decir algo y sobre todo tener algo que decir”.

Escuchando sus palabras pienso en la narrativa de la imagen propuesta como una transformación conceptual de la fotografía, a lo que Francisco

afirma “eso es algo que ha existido siempre, solo que ahora estamos más atentos a esta forma de hacer fotografías, ya le hemos quitado a la imagen fotográfica la pesada carga de ser un reflejo de la realidad, de ser central, objetiva, fidedigna. Ese era un lastre tremendo para la imagen, y cuando dejamos de concebir la fotografía así, esta se liberó.

Estamos en un momento de esplendor de la fotografía, no se habla de una sola concepción, lo interesante ahora es que hay muchas formas de hacer fotografía, maneras de usarla, de leerla, de circularla. Desde la foto directa de encuentro, hasta la foto como una construcción absoluta, como referencia de otro lenguaje, o la fotografía conviviendo y atravesando de manera transversal las formas de comunicación, como soporte de ideas y procesos artísticos. La fotografía se encuentra en un permanente proceso de transformación”.

Para finalizar le pregunto por su invitación para los fotógrafos que apenas comienzan, y aunque nota que disfracé la verdadera pregunta, me contesta “siempre

me preguntan por los consejos que puedo darles a los jóvenes y siempre contesto lo mismo, citando a Carlos Monsiváis que decía que el día que los jóvenes no pidan consejo quiere decir que van bien. Sin embargo les diría que es necesario construir un punto de vista, es la parte más importante de ser fotógrafo, tener algo que decir, y para eso debes tener claro qué quieres decir, y porqué es importante decirlo. No podemos hablar de los otros sino sabemos hablar de nosotros.

Creo que al iniciar en la fotografía, muchas veces pensamos que lo más importante es adquirir una técnica, o tener un buen equipo, conseguir pronto una galería donde exponer, dejando de un lado lo fundamental, que es entender esto como una oportunidad de expresarnos, de dar nuestro punto de vista, de decir esto es lo que pienso, lo que creo, lo que me irrita. La fotografía es una forma de manifestar nuestras ideas y está en nosotros darnos la oportunidad de llevarlo a cabo”.

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HISTORIA

POR: WILLIAM ARANGO HURTADO - WARANGO@YURUPARY.EDU.CO

John Armstrong Bennet LLEGÓ A NUEVA GRANADA CUANDO EL BARÓN LOUIS GROS YA HABÍA TERMINADO SU GESTIÓN DIPLOMÁTICA, TRAS INICIAR EN NUESTRO PAÍS LA PRÁCTICA DE LA DAGUERROTIPIA. BENNET FUE QUIEN ESTABLECIÓ EL PRIMER NEGOCIO DE FOTOGRAFÍA EN LA NUEVA GRANADA, CONVIRTIÉNDOSE EN EL PRIMER FOTÓGRAFO PROFESIONAL QUE HUBO EN EL PAÍS. John Amstrong Bennet llegó a Santafé de Bogotá a comienzos de 1848, en un momento en que los líderes del país trataban de establecer los cimientos de la naciente república, mediante apasionados debates políticos y confrontaciones armadas. Se cerraba una segunda etapa de la Independencia, que fue la conformación de la Gran Colombia bajo el mando de Simón Bolívar. Esta fue la época de la llegada del daguerrotipo al país.

He aquí una breve aproximación a la vida de este interesante y polifacético personaje, que viajó por los mares, los ríos y los caminos de las Américas. Él fue comerciante desde los veinte años de edad, cuando en 1838 tuvo un almacén de mercancías en el Soho, un reconocido barrio de Nueva York, y fue también integrante de la primera generación de daguerrotipistas en Estados Unidos.

En su almacén de la Calle

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SU ALMACÉN LLAMADO GALERÍA DEL DAGUERROTIPO, QUE DURANTE MUCHOS AÑOS OSTENTÓ EL MISMO NOMBRE, ESTUVO UBICADO EN MONTEVIDEO (1842), MOBILEALABAMA (18431844), BUENOS AIRES (1845) Y SANTAFÉ DE BOGOTÁ (1848-1859).

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del Comercio con la Calle de San Juan en Santafé de Bogotá (hoy carrera séptima con calle 12), se ofrecían diversos productos importados desde Estados Unidos y también funcionaba el establecimiento de retratos en daguerrotipo. En alguna época exportó quina a su país desde Colombia y estuvo vinculado con el comercio del acero. Su almacén llamado Galería del Daguerrotipo, que durante muchos años ostentó el mismo nombre, estuvo ubicado en Montevideo (1842), Mobile-Alabama (1843-1844), Buenos Aires (1845) y Santafé de Bogotá (1848-1859).

A pesar de los escasos medios de transporte de la época, el señor Bennet se movía frecuentemente entre Nueva York, las islas del Caribe y la zona oriental del territorio suramericano. El viaje entre la isla de Manhattan y el Caribe se hacía en Goletas de dos o tres mástiles, que se demoraban alrededor de diez días hasta

Santa Marta o Barranquilla. De allí en adelante, el viaje hacia Bogotá se hacía en pequeños vapores, en el trayecto por el río Magdalena hasta Honda, donde comenzaba el ascenso en cabalgadura hacia el altiplano, haciendo una última etapa en carruaje tirado por caballos desde Facatativá, en el trayecto de la sabana.

En 1839 llegó a los Estados Unidos el invento del daguerrotipo y fueron Samuel Morse y David William Seager, quienes produjeron las primeras imágenes en Nueva York. Es interesante anotar aquí, que fue Samuel Morse, el inventor del telégrafo, quien divulgó el invento de Daguerre en los Estados Unidos, antes de que el Parlamento francés aprobara la compra al señor Daguerre en París, el 19 de agosto de 1839.

Morse tuvo una reunión en París con el señor Daguerre durante los días 7 y 8 de marzo de 1839, durante la cual tuvo la oportunidad de presenciar

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Retrato de caballero.

Daguerrotipo s.f.

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Gobernador de Salta (Arg.) 15 de oct. de 1845 Daguerrotipo

la producción de un daguerrotipo en una sesión privada y escribió una detallada reseña en una carta dirigida a sus hermanos en Nueva York, la cual fue publicada el 18 de mayo del mismo año, en el periódico New York Observer que ellos dirigían, tres meses antes del anuncio de Daguerre en París.

En la mencionada reunión de ambos inventores, Morse le mostró su invento a Daguerre.

Entre quienes aprendieron la técnica de la daguerrotipia con Morse, estaba Mathew Brady, uno de los más famosos fotógrafos norteamericanos del Siglo XIX. Daguerre envió a Nueva York al señor Francois Gouraud, quien dictó conferencias e hizo demostraciones sobre la producción de daguerrotipos. En medio de la audiencia, es probable que estuviera John Amstrong Bennet, quien por aquella época trabajaba en su almacén de Manhattan.

En 1842 llegó hasta Montevideo en su primer viaje al sur del continente, comenzando la actividad de viajero que practicó por el resto de su existencia, y estableció allí la Galería del

Daguerrotipo. La situación política del Uruguay era bastante inestable, por lo que, unos meses más tarde, Bennett decidió regresar a Mobile y establecer allí su galería en 1843. En mayo de 1844, Bennett vendió la galería a su ayudante Nicolás Bugbee y se dirigió a Buenos Aires, donde arribó en 1845 y abrió la Galería del Daguerrotipo, en calle Piedad 121.

En Buenos Aires dejó un rastro de fama, pues a pesar de que no fue el primero en practicar el daguerrotipo en el país austral, se le conoce como autor de la más antigua fotografía hecha en la Argentina, que aún se conserva.

El retrato del gobernador federal de Salta, realizado por Bennett y fechado el 15 de octubre de 1845, es el más antiguo que se conoce, hecho en la Argentina.

Obligado por la difícil situación económica argentina, Bennett regresó a Nueva York y posteriormente, en enero de 1848 se dirigió a la Nueva Granada, en donde realizó un viaje por el río Magdalena para llegar hasta Santafé de Bogotá. La descripción del recorrido escrita por

Bennet y publicada en el Journal of the American Geographical Society of New York, se conserva en su totalidad.

El 11 de marzo de 1851, un año después de su llegada a Santa Fe de Bogotá, John Amstrong Bennet fue nombrado cónsul de los Estados Unidos ante el gobierno de la Nueva Granada. En este cargo permaneció hasta el 10 de abril de 1855. No se conocen las razones por las cuales nuestro personaje llegó a tener un cargo diplomático, sin embargo es evidente que su conocimiento del territorio suramericano, sus habilidades como negociante y su capacidad de comunicación en el idioma español, le hacían idóneo para desempeñar tal responsabilidad.

Hay muchas evidencias de que el señor Bennet desempeñó su cargo diplomático con gran capacidad, eficiencia y talento.

Seguramente esto le sirvió para granjearse la amistad de la clase política. El presidente Tomás Cipriano de Mosquera concurrió varias veces a la Galería para hacerse retratar.

Como lo anotamos anterior-

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HISTORIA

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Historiador José Manuel Restrepo.

Daguerrotipo 1851

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Pedro Sáenz y Minguez.

Daguerrotipo s.f.

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Mariana Montoya Zapata de Restrepo.

Daguerrotipo 1851

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General José María Obando.

Daguerrotipo s.f.

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mente, John Bennet, hombre ciertamente polifacético, fue un excelente escritor. Baste con citar un párrafo de su extenso trabajo titulado, Mi primer viaje por el río Magdalena y la vida en el corazón de los Andes1, para revelar su tono poético y para exhibir su mirada fotográfica al describir el paisaje colombiano: “En dos horas hemos llegado a la cima-7.500 pies-.

Después de cabalgar por un estrecho camellón, de pronto por una abertura en la vegetación, se nos presenta un panorama que es imposible describir.

Lo contemplo con devoción, silencioso y maravillado. Abajo, a 7.000 pies se extiende el valle del Magdalena, cien millas a lo largo y treinta a lo ancho.

El río lo atraviesa como una cinta plateada. Los pueblitos en sus orillas y las colinas que forman las fronteras de este valle magnífico, sostenido por montaña tras montaña hasta la 1 Bennet, J.A., My first trip up the Magdalena and life in the heath of the Andes, Journal of the American Geographical Society of New York, New York, pags. 126 a 141.

última, cubierta de nieve eterna, a 10.000 pies desde nuestro mirador, forman el marco de este maravilloso cuadro.

Todo vestigio de la tormenta ha desaparecido y las sombras de los vellones de nubes se persiguen unas a otras por el paisaje, como un alegre juego. La bella Ambalema con su riqueza de cultivos, yace acunada en el valle silencioso. Ningún pincel, ni ninguna palabra, pueden transmitir la grandeza y la magnificencia de este panorama” Como sucedió con el Barón Gros y con Luis García Hevia, el primer colombiano que hizo daguerrotipos, es bastante probable que John Bennett hubiera iniciado en el oficio a otros, como podría ser el caso de Ricardo Wills, sobrino político del general Santander, quien llevó a Antioquia la técnica del colodión, que Bennet había aprendido y practicaba en su galería.

En mayo de 1849 decidió viajar nuevamente a Estados Unidos y entonces vendió el negocio al músico y acuarelista británico Enrique Price, quien pronto se convirtió en un excelente daguerrotipista.

Enrique Price fue dueño de la galería solo durante 9 meses, pues en enero de 1850 Bennet regresó y la adquirió de nuevo para refaccionarla y mejorar el servicio a su clientela.

Bennet continuó entonces regentando la galería hasta marzo de 1853, cuando de nuevo la vendió, esta vez a Luis García Hevia, del cual dos años más tarde la recuperó en lo que Eduardo Serrano califica como una “especie de juego de toma y dame”.

En esta ocasión Bennet solo estuvo unos meses al frente de la galería para venderla, una vez más, al señor George C. Crane, quien la regentó hasta su extinción en 1859.

El más interesante ensayo biográfico sobre John Amstrong Bennett que se conoce, fue escrito por doña Pilar Moreno de Ángel, a quien debe darse todo el reconocimiento por su obra: El Daguerrotipo en Colombia.

John Amstrong Bennett fue un hombre que dejó huella en Colombia como fotógrafo, como viajero, como diplomático y como comerciante.

Murió en 1875.

EL RETRATO DEL GOBERNADOR FEDERAL DE SALTA, REALIZADO POR BENNETT Y FECHADO EL 15 DE OCTUBRE DE 1845, ES EL MÁS ANTIGUO QUE SE CONOCE, HECHO EN LA ARGENTINA.

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Retrato de dama.

Daguerrotipo s.f.

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FOTOGRAFÍA AL LÍMITE

Fotógrafo: Germán Ruiz Modelo: Andrea Atuesta Maquillaje: Diana Torres Vestuario: Vestio Taller de Moda Asistencia: Julio Palomo, Enrique Peña Detrás de cámaras: Jimmy Garzón Estudio: LABLOOM Cámara: Fujifilm X100T + TCL-X100 Iluminación: 6 Speedlights Modificadores de luz: * 2 Profoto Strip Softbox RFi + Softgrid * 1 Profoto Octa Softbox RFi + Softgrid * 1 Profoto Rectangular Softbox RFi + Softgrid * 2 MagMod MagGel (Verde y Naranja) Información EXIF: 1/200 Segs, f/5.6, ISO 200

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POR: GERMÁN RUIZ

FOTOS POR: GERMÁN RUIZ

Tomando fotos remotamente con Fujifilm Camera Remote ALGUNAS CÁMARAS DE FUJIFILM INCORPORAN WI-FI Y PUEDEN SER CONTROLADAS DE MANERA REMOTA DESDE UN SMARTPHONE O TABLET, LO QUE PERMITE VISUALIZAR EN VIVO LO MISMO QUE SE APRECIA DESDE EL VISOR DE LA CÁMARA, ADEMÁS DE HACER TODOS LOS AJUSTES REQUERIDOS, TAMBIÉN ES POSIBLE TRANSFERIR IMÁGENES Y HACER GEOETIQUETADO.

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REQUERIMIENTOS

Una cámara Fujifilm compatible (X-T10, X-E2, X-1, X100T, X30, FinePix S1, S9900W, F1000EXR y XP80), un smartphone o tablet con iOS 5 o Android 4, preferiblemente superior y la aplicación de Fujifilm Camera Remote, que es gratuita y está disponible para iOS y para Android.

iOS

Android

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FOTOGRAFÍA AL LÍMITE

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HABILITAR EL WIFI

Las cámaras Fujifilm compatibles con Wi-Fi le permiten conectarse a una red inalámbrica existente o crear una red Ad-hoc con el nombre Fujifilm + el modelo de la cámara + una secuencia (así se crea por defecto pero en las opciones de la cámara es posible hacer el cambio por un nombre personalizado), al oprimir el botón de Wi-Fi se crea la red Ad-hoc, a la cual debemos ingresar desde un smartphone o tablet compatible como se ve en la imagen (la red no pide contraseña pero sí una confirmación en la cámara).

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CONEXIÓN INICIAL

Posteriormente debemos abrir la aplicación Fujifilm Camera Remote y seleccionar una de las opciones disponibles que son Control Remoto, Recibir, Navegar por la cámara y Geoetiquetado, cabe mencionar que esta última opción no está disponible en la versión para iPad Wi-Fi ni para el iPod touch.

Al ingresar a una de las opciones se dan indicaciones para habilitar el Wi-Fi de la cámara (en caso de no estar habilitado previamente), cuando ingresamos a una de las opciones y posteriormente queremos seleccionar otra, la cámara se puede desconectar, si esto pasa será necesario repetir el paso anterior.

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CONTROL REMOTO

Desde esta opción se habilitará el Live View de la cámara desde nuestro dispositivo y al dar clic sobre la imagen, la misma se enfocará en el punto seleccionado. Adicionalmente se puede cambiar la apertura, velocidad, compensación de la exposición, ISO, balance de blancos y simulación de película, también podremos ver información de relevancia como el tipo de obturador, el modo en el que esta la cámara, la batería restante, el formato actual, el modo de enfoque, el espacio disponible, el estado del flash y el nombre del dispositivo desde el que estamos conectados. Una vez se tiene el control de todo lo anterior, lo único que queda por hacer es disparar con el botón rojo ubicado en la parte central, el tiempo de respuesta es muy bueno, lo cual hace de esta aplicación una herramienta ideal para tomas en lugares de difícil acceso o simplemente para dirigir mejor durante una escena sin preocuparnos por estar cerca de la cámara.

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INTERACCIÓN

Después de hacer algunas tomas podemos oprimir el botón verde y navegar por la cámara viendo las fotografías realizadas en distintos tamaños, también es posible descargar las fotos (máximo 30 por vez) para imprimirlas o compartirlas.

TIP FOTOGRÁFICO NO. 1 En las opciones de la cámara es posible reducir el tamaño de las imágenes que se envían al smartphone o tablet.

Fotógrafo: Germán Ruiz Modelo: Ana María Quinchía Maquillaje: Nadia Kosh Vestuario: Vestio Taller de Moda Asistencia: Julio Palomo, Enrique Peña, Jimmy Garzón Detrás de cámaras: Diana Torres Estudio: LABLOOM Escuela de Fotografía Cámara: Fujifilm X100T + TCL-X100 Iluminación: 4 Speedlights Modificadores de luz: * 2 Profoto Strip Softbox RFi + Softgrid * 1 Profoto Octa Softbox RFi + Softgrid * 1 Profoto Rectangular Softbox RFi + Softgrid * 2 MagMod MagGel (Azul y Rojo) Información EXIF: 1/160s, f/5.6, ISO 200

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TOMA FINAL

Datos Técnicos

Fotógrafo: JUAN GUILLERMO MONTAÑÉS A. Cliente: Personal Cámara(s): HASSELBLAD H3DII Lente(s): HC 2,2/100mm POR: JUAN GUILLERMO MONTAÑES ©

WWW.JGMONTANES.COM

Buscando el“Tono” de la imagen Antes de comenzar una toma debemos definir cuál será el “tono visual”, es decir el tipo de sensación que queremos transmitir con la fotografía.

En inglés lo definen como el mood de la imagen (estado de ánimo o humor en español).

Elementos como la paleta de colores, la ambientación y el manejo del foco son importantes pero será la iluminación

la mayor responsable para lograr el “tono” deseado.

Para mí, la mejor forma de interpretar la luz es con base en las sombras. Una sombra definida genera imágenes duras o agresivas (ideal para inferir una luz nocturna), mientras que una sombra difusa nos lleva a un mundo más suave o amable (ideal para tomas culinarias tipo light).

Partiendo de la misma fuente de luz pero con accesorios diferentes:

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En fotografía de producto en estudio tenemos innumerables herramientas a la hora de iluminar y el mood de nuestra imagen lo definimos con la fuente de luz principal. Uno de los recursos más importantes son los spots versus las cajas de luz. Los ejemplos que veremos a continuación son simplemente un abrebocas para que experimenten con base en esta lógica visual.

TIP TIP FOTOGRÁFICO FOTOGRÁFICO NO. 1 NO. 1 No solo el El tamaño cauchodenegro la caja de luz definetoda las la luz, por absorbe sombras, también esto paraentra iluminar las en juego lallantas distancia el truco es ubicar de la fuente luz al lasde luces de tal manera objeto. A menor tamaño que queden “reflejadas” de la fuente o a y así ende lasluz llantas mayor distancia de el la labrado. capturar misma, las sombras serán más definidas.

TIP FOTOGRÁFICO NO. 2

Hicimos un soporte con TIP marcas guía que sirviera FOTOGRÁFICO para tener cada llanta NO. 2 en posición idéntica.

El fondo utilizado, ya sea con texturas marcadas o colores fuertes en vez de fondos planos o de colores suaves, será otro recurso para enfatizar un mensaje.

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TOMA FINAL

POR: PAUL GÓMEZ WWW.PAULGOMEZ.CO

Fotografías con múltiple exposición La técnica de la múltiple exposición proviene de la fotografía análoga1 y hoy sigue vigente en la era digital.

Consiste en la combinación de dos o más exposiciones/ tomas, en una fotografía final que reúne diferentes elementos del total de exposiciones. En esta ocasión, solo se aborda la múltiple exposición lograda en cámara digital 2: Muchas DSLR o mirrorless de gama media y alta, tiene la opción de la múltiple exposición en su menú de disparo, permitiendo combinar 2 o más tomas en una única imagen, a través de variadas opciones de unión o yuxtaposición de las fotos. En esta sección se presentan tres fotografías logradas con esta técnica y se ofrecen tips generales para su desarrollo.

TIPS FOTOGRÁFICOS

•• Aunque la exploración no planificada es válida, es aconsejable tener claro cuál es 1 Se hacía con dos o más exposiciones realizadas sobre la misma pieza de negativo o superficie sensible a la luz, que se empleaba para capturar la imagen.

2 Las imágenes de múltiple exposición también se pueden conseguir usando aplicaciones disponibles para los smartphones. Así mismo, también se construyen utilizando programas como Photoshop (i.e. unión de capas/imágenes, exploración de modos de fusión de capa y control con máscaras de capa).

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el mensaje, sujeto o concepto principal de la fotografía a crear, buscando que éste sea distinguible en la imagen final.

La ausencia de planificación, puede derivar en resultados poco satisfactorios o difíciles de comprender visualmente.

•• La simplicidad en la composición de las tomas individuales, genera mejores resultados. Imágenes cargadas de muchos elementos o la unión de más de tres fotos, pueden derivar en fotografías difíciles de comprender o con poca solidez estética.

•• Recordar la localización de los elementos que queremos combinar, para que queden acertadamente posicionados en la fotografía final. Sin embargo, algunas marcas de cámara permiten hacer la múltiple exposición en modo Live View, con una visualización sobrepuesta de la toma anterior, facilitando la creación de la imagen final.

•• Combinar tomas enfocadas con desenfocadas. Las imágenes enfocadas generalmente nos servirán para definir nuestros elementos principales o dominantes en la foto, las desenfocadas para adicionar un bokeh llamativo.

•• Explorar con lentes zoom, disparando a diferentes distancias focales entre cada

toma. También es posible cambiar el lente durante la múltiple exposición, siempre que la cámara no se apague durante el proceso de cambio.

•• Las múltiples exposiciones consistentes en siluetas de personas que contienen elementos del paisaje o texturas particulares, se logran mezclando un contraluz subexpuesto del sujeto (que va a definir el contorno), con una toma bien expuesta del paisaje, textura o elemento secundario que constituirá el interior de la silueta.

•• Probar la opción de exposición múltiple, disparando ráfagas a sujetos en movimiento.

•• Experimentar diferentes velocidades de obturación entre tomas, para conseguir efectos visuales diversos (i.e. congelar el movimiento con altas velocidades o acentuarlo con bajas velocidades).

•• No desistir después de los primeros intentos. No es una técnica sencilla, pero con la práctica y la exploración creativa, se pueden obtener fotografías sorprendentes.

•• Romper las reglas y prácticas comunes, después de haber alcanzado cierto grado de destreza con la técnica, ya que es recomendable tratar de innovar y explorar nuevas formas de creación.

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Cliente: Revista Enfoque Visual Técnica: múltiple exposición en cámara: 2 tomas: la 1ra para los artistas y el fondo, la 2da para el bokeh yuxtapuesto.

Cámara: Nikon D750 Lente: Nikkor 70-200 mm F2.8 a diferentes distancias focales.

Diafragma: f/3.2 Velocidad: 1/500 ISO: 1400 Retoque digital: Lightroom CC

2 Cliente: Revista Enfoque Visual

Técnica: múltiple exposición en cámara: 2 tomas: la 1ra para el vocalista y el fondo, la 2da para el curioso fan con el celular, que hacía parte del personal de limpieza del concierto.

Cámara: Nikon D750 Lente: Nikkor 70-200 mm F2.8 a diferentes distancias focales.

Diafragma: f/3.2 Velocidad: 1/640 ISO: 2000 Retoque digital: Lightroom CC

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Cliente: Revista Enfoque Visual Técnica: múltiple exposición en cámara: 3 tomas: una para el público general, otra para el cielo, la final para el hombre de cabello amarillo y rojo.

Cámara: Nikon D750 Lente: Nikkor 16-35 mm F4 a diferentes distancias focales.

Diafragma: f/8 Velocidad: Variable entre tomas, para cambiar la exposición.

ISO: 100 Retoque digital: Lightroom CC

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Concierto Koyi K Utho. rock al Parque 2015

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Concierto Sum 41. Rock al Parque 2015

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El público de Rock al Parque 2015

MESA DE EXPERTOS

A pesar de que dominamos ciertas especialidades de la imagen, conocemos nuestra cámara fotográfica, somos muy buenos editando imágenes en Photoshop, poseemos habilida-

des en la grabación y edición de videos, o simplemente deseamos una excelente impresión de nuestros diseños y fotografías.

Existen situaciones que se sobreponen a nuestros cono-

cimientos. Es entonces cuando la profesión y la afición encuentran un común denominador.

Para todas estas dudas e inquietudes, presentamos nuestra: MESA DE EXPERTOS.

Mesa de Expertos NUEVE EXPERTOS EN IMAGEN A SU SERVICIO ALEJANDRO MANOSALVA Uno de los más importantes fotógrafos publicitarios de nuestro país. Talento y experiencia en esta mesa.

CÉSAR DAVID MARTÍNEZ Más de 10 años fotografiando el país en busca de las maravillas de la naturaleza colombiana.

Experto en naturaleza y paisaje.

GUSTAVO PÉREZ Docente de las más importantes facultades de fotografía en el país. Columnista y asesor editorial de Enfoque Visual.

ESTEBAN ESCOBAR Top of mind de la fotografía de moda en Colombia. Su trabajo es requerido por las mayores agencias del país.

JUAN GUILLERMO MONTAÑES Fotógrafo publicitario con más de 20 años de experiencia.

Columnista y experto de la Revista Enfoque Visual.

JAIRO ZAMBRANO Dueño de Foto Zambrano, el estudio fotográfico más aclamado de Bogotá. Todo un experto en fotografía de retrato.

ALBERTO ROSAS Afamado experto del color y los procesos de impresión en nuestro país. Más de 30 años de experiencia y dedicación.

HENRY AGUDELO A la fecha, el mejor reportero gráfico que posee nuestro país.

Todo un honor tenerlo como experto invitado en esta sección.

FOTOGRAFÍA FASHION

Como se analiza el uso del concepto y una estrategia correcta desde la técnica, estética y mensaje a la hora de realizar una producción de fotografía Fashion. O simplemente ¿Se buscar una modelo bonita y ya? Gracias Por Melisa Correa.

En todo proceso creativo es de suma importancia la metodología de trabajo, debido a que siempre partimos de una idea inicial, un referente, una inspiración, como se le quiera llamar; así el resultado no sea idéntico al planteamiento de partida.

Cuando creamos, hacemos una mezcla de todas las ideas que tenemos en nuestro cerebro, por esta razón es tan significativa una buena investigación.

En el mundo de la moda las tendencias son el eje del diseño y la comunicación, los conceptos varían a tal velocidad y cantidad que es de suma importancia estar al tanto de las últimas tendencias y trabajar

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inspirados en ellas para no salir del mercado y ser competitivos.

Nosotros los fotógrafos debemos tener claras esas tendencias, para reforzarlas y darles un carácter que le ayuden al concepto para ser mucho más claro para el consumidor final.

Por eso es necesario tener el conocimiento técnico a la hora de proponer un tipo de luz, encuadre o el mismo revelado (colonización final), por ejemplo, un tipo de iluminación puede comunicar sensualidad, erotismo, puede ser cálida o fría, etc. Todas estas son herramientas comunicativas tan importantes como el diseño mismo, sin olvidar el vestuario, styling, arte, utilería, maquillaje, peinado.

Así que una modelo no solo tiene que ser bella... Si el concepto requiere de un personaje con otras características entonces la belleza pasara a otro plano. Claro, también hay que saber que la belleza es muy relativa y no necesariamente va de la mano con una buena fotografía.

Experto: Esteban Escobar.

COMO PROTEGER UN EQUIPO FOTGRÁFICO

Debo realizar un viaje a un sitio donde las temperaturas son muy bajas. Quisiera saber ¿cómo puedo proteger mi equipo fotográfico (cámara, lentes y accesorios) para que no sufran mucho por las condiciones de clima?

Por Nicolás Lima.

Gracias apreciado Nicolás.

Los viajes a lugares muy fríos como nevados y páramos requieren de atención especial para nuestros equipos fotográficos ya que las bajas temperaturas, el exceso de humedad y la lluvia los pueden afectar dramáticamente.

RECOMENDACIONES:

Las baterías de iones de litio (Li-Ion) se descargan rápidamente en ambientes fríos, la recomendación es llevarlas siempre pegadas al cuerpo en los bolsillos y dormir con ellas dentro de la bolsa de dormir,

se recomienda llevar una o dos baterías cargadas adicionales y mantenerlas en estas condiciones, para no sufrir en momentos cruciales por agotamiento de las baterías.

La carga de las baterías a temperaturas “normales” (15º - 30º) puede ser de dos a dos horas y media mientras a temperaturas “bajas” (0º - 5º) puede tardar el doble.

Las pantallas LCD funcionan más lentas o incluso pueden dejar de funcionar, para solucionar esto podemos calentar la cámara pegándola al cuerpo por un tiempo o llevándola a un lugar cálido como cerca de una hoguera o dentro de un automóvil con calefacción.

El principal problema de las bajas temperaturas es la condensación, que puede afectar nuestras ópticas empañándolas a diferentes niveles internos y nuestras cámaras llenándolas de humedad que puede afectar

el funcionamiento mecánico y electrónico. La condensación sucede cuando los equipos pasan bruscamente de un ambiente frío a otro cálido. Esta condensación puede producir hongos. Es difícil controlarla, pero combinando varias técnicas la podemos reducir: lleve bolsitas de Silica gel para la humedad en las maletas y bolsas de los equipos. Procure no exponer a cambios bruscos de temperaturas (de frío a calor) los equipos. Use una bolsa seca para llevar en ella por un tiempo prudente los equipos en casos en que no pueda controlar el cambio brusco de temperatura y manténgalos dentro por el tiempo que tomen los equipos en “aclimatarse” al nuevo ambiente.

En caso de que las ópticas se empañen por condensación, la mejor técnica es dirigir las lentes del objetivo directamente a los rayos del sol, tendiendo

especial cuidado de no iniciar incendios forestales ya que esto puede convertir nuestro objetivo en una lupa que fácilmente puede iniciar un fuego.

Exponer los objetivos al rayo de sol directo elimina la humedad y mata los posibles hongos que crecen dentro de estos.

Llevar siempre una funda plástica especializada en cámaras réflex o del modelo particular, en caso de lluvia protege nuestra cámara y nos permite continuar haciendo fotografías incluso bajo la lluvia.

Proteger los objetivos con filtros UV o polarizador y llevar siempre a la mano un paño limpia lentes limpio y seco, ya que es normal atravesar ambientes húmedos y llenos de tierra o barro en los que la humedad se instala en frontal del objetivo y secarlo para hacer el trabajo fotográfico se vuelve complicado.

Experto: César Martínez.

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FOTOFRAFÍAS DE BODAS

Necesito consejos para lograr estupendos retratos de novias y en locaciones exteriores.

Por: Gerardo Caro.

La fotografía de bodas esta en auge, hoy en día cada vez más fotógrafos lo ven como un medio importante para sus ingresos económicos, no hay reglas y hay mil reglas, los estilos de cada fotógrafo son muy individuales y eso es lo que hoy en día hace la diferencia en que se contrate un fotógrafo.

Pero últimamente la combinación de foto-periodismo y retrato elaborado es lo que la mayoría de parejas buscan. Fotos de cada momento totalmente improvisadas donde el fotógrafo es el testigo de todo lo que pasa en una boda.

Gracias a las cámaras de hoy y los lentes súper rápidos la atmósfera se capta en todo su esplendor, (primer consejo) una buena cámara y sobre todo lentes de apertura que oscilen entre 1.4 y 2.8 de diafragma, esto asegura que hasta en momentos de muy poca luz captes todo lo necesario

(yo aconsejo disparar mucho aunque esto siempre genera controversia entre mis colegas).

Los speedlights como flash, pueden ser el mejor acompañante para estos eventos, pero es importante usarlos con difusores tipo GARYFONG®.

En locaciones de exteriores esta muy de moda el feeling retro, donde las fotos se ven como amarillosas o en esos tonos, esto lo logras poniendo tu cámara en 7200°kelvin o más, tal vez la mejor luz para tomar fotos de los novios es el atardecer, así podrás utilizar la luz en contra para dar esa textura en las fotos.

Siempre trata de utilizar tu cámara en diafragmas muy abiertos esto hace que los fondos queden difuminados y nos concentremos más en la pareja que en el mismo paisaje, aunque el fondo debe ser bonito e interesante.

La fotografía de bodas es muy compleja y es un tema muy amplio, estos son algunos consejos que puedo dar, es importante que practiques y leas mucho.

Experto: Jairo Zambrano.

PHOTOBOOK

Quisiera saber algunos consejos a la hora de producir un photobook Por: Melissa Rodriguez.

Existen dos tipos de impresión en el mercado: una es la impresión 100% fotográfica, ya sea químico fotográfica, o como base de agua fotográfica, cualquiera de las dos en términos de impresión ofrecen gran calidad en la imagen. La segunda es la impresión en papel Offset digital, aquí hay varias calidades, tal vez las mejores son aquellas donde el laboratorio utiliza adecuadamente el color Managment System.

Después de obtener una gran impresión, lo importante es un buen encuadernado, y los mejores son aquellos que cosen el lomo y no aquellos que usan solo pegante cálido. Hay varias maneras de utilizar las tapas, las puedes hacer duras encubiertas de cuero o duras encubiertas con la misma impresión, teniendo en cuenta que esta impresión debe estar laminada para protegerla mejor. El pegado de la tapa al

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lomo deber ser manual, donde se utilicen pegamentos certificados para este propósito, todo lo anterior es para obtener un photobook de gran calidad tanto en impresión como en encuadernado, ya que debes garantizar al cliente una gran durabilidad de este producto tan importante.

En cuanto al diseño a mí no me gustan los software que algunos fabricantes de photobooks proporcionan, ya que te atan a un solo estilo, me parece mejor que uno mismo diseñe en Photoshop sus lienzos, hoy en día existen varios tipos de diseños y todo esto es muy conceptual, a algunas personas les gusta algo súper elaborado pero otras solo quieren que sus fotos salgan en el book final. Una de las cosas más importantes es tener claridad con el cliente acerca de lo que realmente desea. Todo esto lo he experimentado a través del tiempo, ya que en mi negocio Foto Zambrano, nuestros clientes nos exigen siempre lo mejor.

Experto: Jairo Zambrano.

FOTOS SÚPER NÍTIDAS

¿Qué tipo de enfoque se usa a la hora de realizar un cubrimiento de eventos? ¿O una manifestación? Lo que necesito saber es cómo lograr que las fotos queden súper nítidas según lo que se desea comunicar en un evento de calle.

Por: David Rincón.

La intencionalidad va en nosotros los fotógrafos no en la herramienta que utilizas como puente de comunicación, es allí donde radica el verdadero punto de enfoque porque si dejamos que la tecnología nos utilice existirán muchos factores que alterarán la intención que tienes para expresarte visualmente.

Para mí, sobre todo, el enfoque debe ser manual, el objetivo central debe quedar muy bien definido sea cual sea el punto al que tu dirijas esa mirada, que es prioritaria a la hora de dar la información al lector para que la misma no se escape a la hora de observar nuestro trabajo.

Ya si en la imagen existen diferentes puntos de atención, el espectador difícilmente se concentrará en el que tú deseas que sea el gran punto de partida. El enfoque automático o el foco selectivo sobre todo en las manifestaciones tiende a elegir su objetivo, el que mejor se defina y, seguramente que ese no será el tuyo, desde este momento nos cambia todo a la hora de obturar.

Controla tu propia emoción: es común sentir emoción al ver los elementos del desfile o la manifestación que se te van acercando y quizás quieras hacer una toma de ese momento por lo que no dejas de moverte.

Por supuesto que esto hará que tus fotos salgan borrosas. Primero llénate de emociones, respira, contrólate y luego toma la foto.

Sugiero primero preajustar lo que ves y mantener la velocidad de obturación por encima de los 1/250 segun-

dos para evitar movimientos, selecciona muy bien el modo de disparo (si es manual mucho mejor), una velocidad de obturación alta y un diafragma acorde a la cantidad de luz necesaria, utiliza

un tele (si es fijo es mucho mejor) o teleobjetivo de larga distancia focal, ojalá bien luminoso (f2 - f2.8) para lograr que tu objetivo quede con la nitidez necesaria. Recuerda cuál es el objetivo principal

para enfocar y la intención del lenguaje visual: a qué público va dirigido y tu expresión frente al acontecimiento que estás observando son determinantes.

Experto: Henry Agudelo.

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TÉCNICA FOTOGRÁFICA

El flash externo o flash de mano es una de las herramientas fundamentales del fotógrafo. Su versatilidad y facilidad de uso, permite un sinnúmero de opciones creativas, que se pueden combinar con otras técnicas y efectos de luz.

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POR: GUSTAVO PÉREZ guzzo45@gmail.com

FOTOS: GUSTAVO PÉREZ

Iluminar con flash Segunda parte EL FLASH Y LOS CONCEPTOS ESENCIALES EN LA ILUMINACIÓN

La luz es un elemento fundamental para la vida, es parte del espectro electromagnético que nos permite ver los reflejos de los objetos, para que nuestros ojos y cerebro interpreten un mundo de formas, colores, intensidades y contrastes.

Las múltiples propiedades físicas de la luz, nos ayudan a entenderla y manejarla, por lo que el flash nos sirve entonces, para recrear efectos que pueden emular la luz natural, o bien la luz artificial, generando atmosferas en espacios concretos.

Para entender lo anterior, es recomendable conocer lo que en fotografía se denomina Calidad de luz, que es el proceso por el cual discriminamos la luz en términos de resultado visual y este resultado nos muestra una situación similar o pare-

cida a la realidad luminosa, adicionalmente, nos ubica en el uso correcto y lógico de la luz artificial. Por esta razón, todas las indicaciones en adelante se harán de acuerdo con la Calidad de la luz, mostrando como se usan o se consiguen con la unidad portátil o flash integrado a la cámara.

EL FLASH Y LA CALIDAD DE LA LUZ El flash portable o de mano, es un accesorio fundamental en el equipo del fotógrafo. Es una unidad de “luz dura” (contrastante y de resultados planos), pero deben conocerse ampliamente sus características técnicas en función de los resultados que deseamos. Las Calidades de la luz son cuatro características fundamentales que son manipulables en el Flash: •• Potencia.

•• Tamaño (Dimensión de la luz proyectada).

•• Color.

•• Dirección.

Potencia Los flashes se diferencian por esta característica, su intensidad luminosa es fundamental para conseguir resultados a distancias mayores o para conseguir diafragmas más cerrados. En la mayoría de los flashes la potencia puede variar de manera manual o mediante el procesador (TTL o Auto) de la unidad portable y de la cámara.

Su denominación de potencia se da en GN (Número Guía), es la que nos da la relación de la sensibilidad (ISO) con la cantidad de energía luminosa que puede producir (BCPS- ECPS) la perdida de luz por el espacio, y la distancia a calcularse en metros. Suena complejo, pero la simple indicación del GN dada por el fabricante, es suficiente para realizar cualquier cálculo manual o simplemente saber si es más potente o no, y si su valor es mayor.

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Gráfica 01.

Al utilizar un Flash con un accesorio de difusión o bien transmitir su luz, a través de un papel mantequilla (A), el resultado es menos contrastado, su sombra es tenue y el espacio circundante se encuentra con una iluminación similar. Cuando utilizamos un Flash directo, la luz es dura, su contraste es mayor y el tamaño de la fuente se reduce, mostrando un fondo más sombrío.

Gráfica 02.

Gráfica 01.

Gráfica 02.

Es imprescindible poder regular la intensidad del flash de acuerdo a la distancia en que se esta usando y al tipo de resultado que se requiera. Si usted es un practicante de la macrofotografía, lo más seguro es que tenga que reducir la potencia, pero si en cambio requiere iluminar personas o modelos, requerirá alejar el flash o usar “accesorios modificadores”, ya que necesitará una potencia mayor. Los flashes pueden cambiar de maneras adicionales su intensidad: por medio del software de uso de la cámara y el “flash dedicado”, en los Modos TTL, iTTL y Auto.

Por ejemplo, para compensar las sombras, equilibrar, rellenar o bien compartir equilibradamente la luz existente.

Tamaño A los flashes portables o integrados a la cámara se les considera una fuente luminosa pequeña. La mayoría de unidades de flash tienen un tamaño o ángulo de cubrimiento efectivo tan solo para 46º horizontal, que corresponde al ángulo óptico “normal”. Al usar objetivos Zoom, es necesario manejar el ajuste de tamaño y este se hace mediante pequeñas variaciones internas en el flash

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moderno (Zoom de lámpara o cabeza de proyección variable), ajustándose al cubrimiento de luz para que este corresponda al ángulo de la óptica que se esté usando, o bien cambiando su tamaño mediante los “accesorios modificadores” que le restan potencia, pero efectivamente aumentan la sensación de cubrimiento luminoso, como si fuera el de una lámpara de mayor tamaño.

Color La luz emitida por las unidades de flash es muy similar a la luz día y puede variar si es filtrada. La temperatura de color esta entre los 5.000 a 5.500º Kelvin, pero el resultado depende igualmente si se varia en la cámara el Balance de color con respecto a la luz Blanca. Los flashes pueden incluir dos filtros básicos para ser utilizados con luces ambientales diferentes a la luz de flash, estos son el CTO (Color Temperature Orange), para equilibrar el color de la luz del flash con las lámparas incandescentes cálidas y el filtro Verde para equilibrio con las luces fluorescentes corrientes.

Dirección Esta característica es variable en el caso de los flashes de mano, pero no así en el flash integrado a la cámara.

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Durante muchos años el uso del flash era característico por la cercanía a la cámara y su dirección frontal a nivel del lente, esto producía una sombra fuerte detrás de lo iluminado y en el caso de personas o animales,

Tamaño de la Fuente: Cuando utilizamos flashes pequeños, la cobertura de fuente luminosa es de ángulo angosto, es contrastante y genera efectos pequeños de brillo (a). Cuándo la dimensión de la fuente luminosa es mayor, se disminuye el contraste, su ángulo de cobertura es mayor y su resultado es envolvente sobre las sombras (b).

Color de la fuente: Una de las calidades fundamentales de la luz, esta en su color, este puede variar por la hora del día, si es artificial o natural; para el caso del flash, la temperatura de color es muy similar a la de la luz blanca (c), pero también es posible usar filtros que cambien su color o su temperatura específica (d).

el reflejo en el fondo de los ojos de la luz directa (ojos rojos). Las unidades modernas de flash portables ofrecen toda clase de movimientos en la cabeza del flash, que se determinan por grados de inclinación y por

Gráfica 03.

Intensidad: Una de las características más favorables en el uso del flash, es la posibilidad de variar la potencia, esto permite lograr sobreexponer (a), conseguir una exposición correcta (b), o bien subexponer (c) sin la necesidad de cambiar la distancia del flash.

Dirección: Es en este punto donde el flash cobra mayor utilidad, la variación de la luz, me permite modelar los objetos o las personas, dándole mas carácter a sus resultados, una iluminación de borde (d) frontal (e) y una lateral (f), le imprimen sentido narrativo a sus fotografías.

•• Cámara con posición B. (Bulb) de disparo o tiempo hasta 30 segundos.

•• Disparador remoto con bloqueo… “o un amigo que le ayude”.

•• Trípode.

•• Un objeto sólido, el cual se pueda iluminar por diferentes ángulos.

•• Una habitación oscura donde pueda trabajar sin luz.

Gráfica 04.

Para lograr visualizar mejor el ejercicio, se utilizaron filtros de colores para diferenciar la procedencia y efecto luminoso, el resultado final (A), la luz cenital (B) diagonal inferior (C), lateral a nivel (D) y la luz de fondo (E). Observe que en la suma de todas las luces se aumenta el rango de los valores, permitiendo un contraste adecuado y perfecta visualización del objeto.

giros laterales, esto facilita la modificación de la dirección de la luz creando efectos y coberturas diferentes de la luz emitida.

La gran versatilidad que brinda el flash portable es poder utilizarlo por fuera de la cámara, sincronizándolo remotamente, ya sea por emisores ópticos, como esclavas de disparo (slave sync), infrarrojos o por radio.

Esto le brinda al fotógrafo la posibilidad de ubicar el flash en la posición que desee, simulando circunstancias especiales de luz, además de la opción de usar más unidades de flash y crear iluminaciones verdaderamente profesionales. El hecho de separar el flash de la cámara o modificar la dirección, pueden hacer perder el uso de funciones y características dedicadas, a menos que estas sean transmitidas por los mismos sistemas de control electrónico remoto, o tomadas en cuenta para realizar ajustes de manera manual.

LA SINCRONIZACIÓN CON LA CÁMARA El flash es una unidad de

destello extremadamente poderosa para su tamaño y no solo por esto, sino por la rapidez del mismo, la duración varía con la potencia desde 1/800s hasta 1/38.500s, dependiendo marca y referencia. Esto significa que el destello es mucho mas corto que las velocidades de la cámara, por lo tanto, es necesario que se sincronicen en una fracción de disparo, dónde la cortina del obturador permanezca abierta y no se muestre en su recorrido. En las cámaras DSLR, estas obturaciones de tiempo rápido regularmente oscilan entre 1/160s a un valor máximo de 1/250s. Para las velocidades inferiores a 1/160s no se tiene ningún inconveniente. Es más, si usted cambia los tiempos de exposición hacia el segundo, notará que la exposición del flash no varía.

Con esta característica, podemos crear efectos maravillosos tales como la sincronía en velocidades bajas, muy propicia para obtener resultados óptimos de exposición entre el ambiente iluminado natural o artificial-

mente y el destello del flash a distancias cortas o medianas.

Esto lo logramos utilizando el flash en sistemas TTL, algunas marcas ofrecen mas posibilidades en este Modo para sincronizar con situaciones de luz intensa y alta velocidad (FP).

La relación entre las cortinillas de disparo y el flash, también tienen otro resultado particular, cuando fotografiamos situaciones que contengan iluminación artificial y movimiento, a esto se le llama sincronización de primera y segunda cortina y nos revela el sentido del movimiento de las cosas, según nuestro gusto o necesidad.

ILUMINACIÓN LIBRE CON FLASH DE MANO

Esta es una de las técnicas más antiguas de uso de la luz de flash. Se utiliza para objetos estáticos o estructuras que permitan ser iluminadas por sectores con una sola unidad manual.

Para esta práctica se requieren algunos implementos: •• Flash portable en modo manual.

Coloque su objeto sobre una superficie y encuadre la cámara una vez haya situado el trípode en frente. El tiempo de exposición debe estar mínimo en 5 segundos y el flash de mano separado de la cámara. Realice una exposición de prueba para determinar la distancia a la que debe usar el flash y el diafragma que debe colocar.

Prueba de exposición Prenda su flash y déjelo cargar totalmente (observe el testigo que se lo indica), el Modo debe estar en Manual. Si su flash es muy poderoso (GN más de 45 a ISO 100 en escala de metros), puede bajar su potencia a la mitad (EV 1/2), coloque 5seg. y un f/:11 en su cámara, apague la luz, ubíquese a un metro de su objeto y dirigiendo el flash hacia él, dispare la cámara y acto seguido el flash.

Revise el resultado y determine si tiene que aumentar la potencia o disminuirla, o si usted lo desea corrija la exposición con el diafragma cerrando o abriendo según sea su resultado. También puede calcular la exposición mediante la fórmula: nºf/ = GN/ distancia y le aseguro que no perderá el tiempo.

Ahora, si ya ha determinado la exposición correcta, puede colocar en su cámara 30 segundos y proceder a cubrir con disparos de flash dos o tres costados del objeto, pero nunca repitiendo en el mismo lugar.

Adicione luz al fondo situándose a la misma distancia en que disparó los anteriores.

Como ve no es nada difícil y si muy divertido. Ensaye cambiar las distancias o disminuir o aumentar la potencia, para así lograr contrastes diferentes.

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IMAGEN LEGAL

POR: ANDRÉS FELIPE QUIROGA OLAYA. © 2015 - ABOGADO DE LA FIRMA MARGAND ATTORNEYS & COUNSELORS

Fotografías de edificios y esculturas ubicados en espacios públicos CUALQUIER IMAGEN SOBRE PERSONAS, REQUIERE AUTORIZACIÓN PREVIA, EXPRESA, INFORMADA, Y PREFERIBLEMENTE POR ESCRITO DE SU TITULAR. LA PUBLICACIÓN O USO NO AUTORIZADO EN REDES SOCIALES PUEDE CAUSAR SANCIONES PECUNIARIAS AL INFRACTOR BAJO EL NUEVO CÓDIGO DE POLICÍA. El derecho de autor protege toda expresión literaria o artística original susceptible de materializarse o divulgase en cualquier forma. Dentro de las obras objeto de protección del derecho de autor, además de incluirse la fotografía, se encuentran las obras arquitectónicas (edificios, casas, auditorios, construcciones, proyectos inmobiliarios, planos y bocetos) y las esculturas o bustos ubicado en parques o calles abiertas al público.

OBRAS ARQUITECTÓNICAS Y ESCULTURAS

Sobre las primeras, obras arquitectónicas, vale decir que se componen, por una parte de los dibujos, planos,

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bocetos y diseños (forma bidimensional), y por otra, de la obra construida que presenta un volumen (forma tridimensionalidad) que materializa el proyecto u obra objeto de protección vía derecho de autor.

Respecto de las esculturas, ocurre una situación similar a la obra arquitectónica, es decir que su protección se extiende a los diseños o dibujos previos, en caso que estos existan, y también a la representación real del trabajo artístico.

El régimen legal de protección de las obras arquitectónicas y esculturas en Colombia vía derecho de autor, se encuentra en el artículo 2 de la Ley 23 de 1982 y artículo 3 de la Decisión 351 de la Comunidad Andina.

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LA FOTOGRAFÍA SOBRE OBRAS ARQUITECTÓNICAS O ESCULTURAS

Toda fotografía sobre una obra arquitectónica o escultura, incluye tanto la protección de la foto como del contenido de la misma. Contrariamente a lo que se piensa, por regla general la foto no se puede reproducir, publicar o comercializar sin autorización de sus autores (fotógrafo, arquitecto o escultor) o de los titulares de los derechos. De igual forma, cualquier adaptación o manipulación están prohibidas sin la correspondiente autorización.

No obstante, bajo la normativa colombiana es lícito realizar, en algunos casos de excepción, es decir, sin autori-

zación del autor o propietario de la obra arquitectónica o escultura, fotografías o imágenes de estas obras, siempre y cuando estas se ubiquen de forma permanente en un lugar abierto al público (letra h) del artículo 22 de la Decisión 351 de la Comunidad Andina1).

1 “Artículo 22.- Sin perjuicio de lo dispuesto en el Capítulo V y en el artículo anterior, será lícito realizar, sin autorización del autor y sin el pago de remuneración alguna, los siguientes actos: (...) h) Realizar la reproducción, emisión por radiodifusión o transmisión pública por cable, de la imagen de una obra arquitectónica, de una obra de bellas artes, de una obra fotográfica o de una obra de artes aplicadas, que se encuentre situada en forma permanente en un lugar abierto al público”.

Tour Eiffel - Fotografía cortesia FOTOLIA.

Sobre este particular es importante hacer dos acotaciones a esta excepción: la primera es que no está permitido distribuir o comercializar bajo ningún título (venta, alquiler o préstamo) libros, postales, afiches o cualquier copia impresa o digital de dichas imágenes, salvo que se obtenga la autorización previa y expresa del propietario o titular de los derechos económicos de dichas obras para tal fin 2.

Es decir que un transeúnte 2 Concepto de la Dirección Nacional de Derecho de Autor, No. 2-2010-18003, el cual sostiene que: “Al respecto, una precisión surge obligada: esta limitación permite la reproducción y algunos actos de comunicación pública pero excluye la posibilidad de distribuir las copias de las obras así reproducidas.

Es decir que un transeúnte puede, a la luz de la disposición que viene de transcribirse, por ejemplo, tomar fotografías de la fachada de una obras arquitectónica, pero no está facultado para distribuir a ningún título (venta, alquiler o préstamo) postales, afiches o cualquier copia de dichas reproducciones.” (Subrayado fuera de texto).

puede, a la luz de la normativa colombiana, tomar fotografías de una escultura o edificación, pero no está facultado para reproducirla en ningún medio impreso o digital, salvo que sea para uso privado.

En segundo lugar, es importante resaltar que esta excepción es aplicable sin desconocer la voluntad del autor o propietario de los derechos de autor, por ejemplo, el edificio o la escultura podría incluir un letrero que prohíba a los transeúntes tomar fotografías, como ocurre con ciertos edificios públicos en Europa como la Torre Eiffel en París (fotos nocturnas) o la estructura de 102 metros de altura ubicada en Bruselas “Atomium”.

De acuerdo con las leyes de derechos de autor de algunos países en la Unión Europea (Francia, Bélgica e Italia), está prohibido tomar fotografías a edificios o estructuras públicas que no se encuentren al dominio público, sin la previa y expresa autorización de su titular. De modo que, si se fotografía la Torre Eiffel de noche y la imagen se publica, por ejemplo, en

Facebook o cualquier otra red social, la Société de Exploitation de la Tour Eiffel (SETE), titular de los derechos intelectuales, no de la Torre en sí (estos caducaron hace varios años), sino del sistema de iluminación que adorna la Torre, podrían iniciar acciones legales en contra del fotógrafo infractor.

Otra excepción a la regla general es la caducidad de los derechos por el paso del tiempo (en la mayoría de legislaciones del mundo aplica). Por lo tanto, si la imagen recae sobre una obra arquitectónica o escultura donde su autor o titular falleció hace algunos años (80 años en Colombia), las imágenes que se tomen de esa edificación no requerirán autorización ni tendrán restricción comercial, pues la obra está al dominio público.

Por ejemplo, si la fotografía recae sobre la fachada de una iglesia de 1870, esta podrá publicarse sin ninguna restricción33 , como ocurre con la Torre Eiffel si la fotografía se toma de día; allí no hay riesgo

porque la estructura en sí se encuentra al dominio público, lo que no sucede con el sistema de iluminación en la noche.

Finalmente, en este tipo de imágenes es recomendable, a pesar de tener la autorización de su titular, ocultar o hacer borrosa cualquier marca comercial que se encuentre adosada a la fachada de la edificación a la cual se le toma la foto (edificio de un banco o restaurante), con el fin de evitar infringir por esta vía cualquier derecho marcario de terceros.

EL DERECHO DE AUTOR PROTEGE TODA EXPRESIÓN LITERARIA O ARTÍSTICA ORIGINAL SUSCEPTIBLE DE MATERIALIZARSE O DIVULGASE EN CUALQUIER FORMA.

3 Concepto de la Dirección Nacional de Derecho de Autor No. 1-2011-22981.

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TUTORIALES

TEXTO Y FOTOS POR: IVÁN GÓMEZ.

Igualar color de fotografías TUTORIAL PARA PHOTOSHOP CC.

En ocasiones, y debido a problemas de locaciones, equipos, modelos y demás, no es posible realizar tomas completas, algo que obliga a realizar una nueva sesión y a agregar las nuevas imágenes al grupo anterior. La verdad es que aunque los ajustes de cámara sean los mismos y la disposición de luces y estudio sean iguales, muy pocas veces se obtiene la misma gama tonal de las fotografías. Afortunadamente, gracias a Photoshop este es uno de los ajustes post-toma que puede ser realizado fácilmente en muy poco tiempo.

DATO DE INTERÉS Si desean obtener valores exactos de color es importante tener a la mano lápiz y papel para anotar los valores de tono, saturación y brillo de la imagen de referencia.

Esto asegura que el nuevo color coincida con el color del original.

LA OPCIÓN IGUALAR COLOR, DISPONIBLE DESDE EL MENÚ AJUSTES, ES UNA FORMA RÁPIDA DE IGUALAR EL RANGO TONAL DE TODA LA IMAGEN. SIN EMBARGO, LA TÉCNICA DESCRITA PERMITE IGUALAR DETERMINADOS COLORES DE LA FOTOGRAFÍA TOMANDO COMO REFERENCIA UN COLOR BASE DE LA FOTO ORIGINAL.

PASO 1:

Abrimos en Photoshop la imagen original y la imagen a la cual deseamos cambiar el color. Desde el menú Ventana activamos Disposición > Organizar > Dividir Vertical / Horizontal, para colocar ambas imágenes una al lado de la otra.

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PASO 2:

Activamos la ventana de la imagen a la que deseamos cambiarle el color y desde el menú Ajustes, seleccionamos Reemplazar color.

Se abrirá el cuadro de diálogo que se muestra arriba. Marcamos la casilla Selección, lo cual facilitará la previsualización de la máscara del color seleccionado.

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PASO 3:

Con el cuadro de diálogo Reemplazar color aún abierto, situamos el cursor en la imagen, el cursor cambiará a gotero, luego damos clic en el color que vamos a cambiar.

La máscara mostrará en blanco las zonas del color muestreado. La idea en este punto es crear una máscara del color a cambiar.

Fotografía Original

Resultado Final

PASO 4:

En la parte inferior del panel Reemplazar color, se encuentran los deslizadores de Tono, Saturación y Luminosidad, la idea en este punto es muestrear el color de referencia de la otra imagen abierta para lo cual damos clic en el cuadro de color que aparece arriba de la palabra Resultado.

PASO 5: Con el panel Selector de color

abierto, situamos el cursor sobre el color de la foto de referencia que deseamos muestrear (en nuestro caso, la carrocería amarilla del bus), el color exacto se aplicará a nuestra imagen. De aquí en adelante es posible que necesitemos realizar algunos pequeños ajustes pero el trabajo difícil ya está hecho.

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TUTORIALES

TEXTO Y FOTOS POR: IVÁN GÓMEZ.

Cambiar colores locales TUTORIAL PARA LIGHTROOM.

Cambiar el color del cabello de una persona o el color de sus ojos puede resultar un ejercicio entretenido por las implicaciones técnicas de ajustes de color que se hacen para que el efecto se vea real. Sin embargo, en la práctica, el reto común es ajustar de una forma sutil, en la mayoría de casos, un color determinado de la imagen para que aparezca más intenso o se iguale con determinado color corporativo. Este tipo de ajuste se puede realizar fácilmente en Lightroom sin necesidad de máscaras o complejos procedimientos.

DATO DE INTERÉS El módulo de Revelar de Lightroom ofrece varias alternativas para cambiar el color de una zona de la fotografía. Sin embargo, la sección que debemos utilizar para lograr un color real es matiz, saturación y luminosidad.

LA GRAN VENTAJA DE TRABAJAR CON HSL (TONO, SATURACIÓN Y LUMINOSIDAD) EN LIGHTROOM ES QUE SE PUEDE TRABAJAR CON CADA UNO DE LOS AJUSTES POR SEPARADO DENTRO DEL MISMO PANEL, LO QUE PERMITE REALIZAR AJUSTES DE MANERA PRECISA Y SELECTIVA.

PASO 1:

Abrimos la imagen que vamos a retocar en Lightroom e inmediatamente activamos el módulo Revelar. En el panel de la derecha damos clic sobre la sección HSL/Color/ Blanco y Negro y luego hacemos clic sobre la HSL lo que abrirá los controles de Tono, Saturación y Luminancia.

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PASO 2: Los controladores de Tono,

Saturación, Luminancia y Todo, permiten hacer una corrección selectiva de color dependiendo del tipo de ajuste. Aunque en realidad no existe un orden para realizar el cambio, inicialmente se modifica el Tono dando clic sobre la palabra Tono, para desplegar los deslizadores de colores primarios de la imagen.

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PASO 3: Para hacer el cambio de color de

una manera más sencilla, damos clic sobre el botón de Ajuste selectivo (el pequeño círculo con dos flechas en la esquina superior izquierda del panel). Situamos el cursor sobre la zona de color de la imagen que deseamos cambiar, y arrastramos hacia arriba o hacia abajo.

Fotografía Original

Resultado Final

PASO 4: Una vez modificado el tono

de la fotografía puede que se requiera cambiar algo de la saturación o el brillo de la misma. Damos clic sobre la palabra Saturación, activamos el botón de Ajuste de color selectivo y arrastramos hacia arriba o hacia abajo, para cambiar la intensidad del color seleccionado.

PASO 5:

Es posible que al realizar los cambios de color se hayan modificado también algunos colores de la imagen que no deseábamos cambiar. Para restaurar el color original en estas zonas se utiliza la herramienta Pincel de Ajuste y se “pinta” sobre las zonas que no queremos ver afectadas.

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BEST SHOT

Calidad de imagen en tamaño de bolsillo. Esa es la clase de esta Sony RX100 II, capaz de resolver imágenes con resultados profesionales incluso en interiores y con luces complicadas.

El archivo RAW, además, ofrece mucha más versatilidad a la hora de estirar el rango dinámico de las fotografías tanto en las sombras como en las luces más altas.

f/3.5. Exposición: 1/30 Seg. ISO 150. longitud focal: 28mm.

POR: IKER MORÁN, EXPERTO EN ANÁLISIS DE CÁMARAS QUESABESDE.

Sony Cyber-shot RX100 II 148

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La primera generación ha conseguido convertirse en la compacta de referencia y en el modelo que muchos fotógrafos llevan siempre en el bolsillo. Y es que sí, la Sony Cyber-shot RX100 y su sensor de 1 pulgada y 20 millones de pixeles ha logrado en cierto modo cambiar este segmento del mercado y mover en la misma dirección a otros fabricantes.

Algo que los usuarios, cansados de modelos de altas prestaciones pero calidad bastante justa, deberían agradecer a la compañía.

Ahora es el turno del nuevo modelo que llega sin grandes cambios pero con una interesante pantalla articulada, zapata

Dr. CÁMARA

para flash y conexión Wi-Fi que amplían su potencial.

Tener siempre a mano una compacta de calidad es uno de los sueños más recurrentes de los aficionados y profesionales de la fotografía. No siempre se puede ir con todo el equipo encima y, precisamente por esto, un modelo que entre en el bolsillo pero que sea capaz de enfrentarse a cualquier escena es una herramienta básica para muchos. Es precisamente a ese segmento al que Sony se dirige con su gama RX100 que, tras el éxito de la primera generación, se renueva ahora con la Cyber-shot RX100 II. Así, la cámara mantiene idénticas la mayoría de características y diseño, pero llega con algunas novedades y pequeños detalles que consiguen rematar una de las cámaras más interesantes del mercado para quienes, eso sí, estén dispuestos a invertir una cifra considerable para tratarse de una cámara compacta.

TAMAÑO DE BOLSILLO

No hay apenas cambios en el diseño respecto a la primera generación, así que tenemos

que seguir hablando de una compacta de tamaño y peso muy bien ajustados. No obstante es verdad que la nueva pantalla articulada y la zapata en la zona superior han hecho que aumenten ligeramente sus dimensiones. Suficiente, eso sí, para que accesorios como la funda diseñada específicamente para la RX100 ya no sirva para este nuevo modelo.

La construcción de la cámara resulta excelente, con unos acabados de calidad y un exterior metálico que se siente muy fuerte y robusto entre las manos, sin que eso afecte demasiado a su peso. La falta de una empuñadura sí se nota en el agarre, pero es verdad que es una cámara pensada para manejar a dos manos, con una de ellas sobre el barril de la óptica y su práctico dial.

Por suerte, quienes no pueden estar sin una empuñadura, en el mercado hay numerosos accesorios de terceros fabricantes que se ocupan de ello.

La pantalla de 3 pulgadas y 1,2 millones de puntos de resolución ahora es abatible, con un margen de inclinación de 84 grados hacia arriba y 43

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hacia abajo. No es suficiente para, por ejemplo, realizar uno de esos populares selfies, pero sí para poder encuadrar sin problemas en tomas elevadas o a ras de suelo, facilitándonos un poco el trabajo.

El citado anillo frontal sigue siendo una de las piezas claves a la hora de manejar la cámara, puesto que permite acceder de forma muy cómoda a los principales ajustes de la exposición.

Además es posible configurarlo a nuestro gusto, igual que algunos de los botones y mandos de la cámara. Buena nota en este sentido, aunque es verdad que el botón de grabación de video sigue siendo demasiado pequeño y que la pantalla abatible es ahora de un grosor un poco mayor y puede resultar molesta al girar el dial trasero.

AHORA CON WI-FI

La Sony RX100 II cuenta en su lista de novedades con una zapata para poder usar flashes externos. Algo que muchos fotógrafos avanzados habían echado de menos en la

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primera generación y que parece que la compañía ha tenido en cuenta a la hora de diseñar este segundo modelo.

Además de los flashes, la zapata inteligente de Sony también permite dotar a la RX100 II de un visor electrónico externo (FDA-EV1MK) que, pese a ser bastante caro, también completa otra de las carencias que más se comentaron sobre el primer modelo.

Además de la zapata, la conexión Wi-Fi es otra de las principales mejoras de esta compacta. Una conectividad que llega acompañada de NFC y que resultará especialmente útil para quienes tengan un celular con esta prestación a la hora de conectar los dos dispositivos. Para quienes no cuenten con NFC, el proceso es algo más complejo pero sigue siendo relativamente sencillo y rápido.

Esta conexión inalámbrica no sólo permite transferir imágenes de la cámara al celular o a la tablet para poder verlas o compartirlas, sino que también

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convierte estos dispositivos en controles remotos de la cámara a través de la aplicación Play Memories de Sony. Es posible, por ejemplo, previsualizar la escena a través de la pantalla del móvil, cambiar los ajustes de la exposición, disparar o iniciar la grabación de video.

Hablando de video, la RX100 II también se perfila como una herramienta interesante en este campo, con controles manuales, grabación Full HD a 60p y unos resultados más que buenos en cuanto a fluidez de la imagen, color y detalle. Lástima que la falta de un conector para micrófonos externos limite un poco su uso, si bien es cierto que existe un accesorio opcional a través de la zapata que permite esta opción.

La autonomía, por cierto, luce cifras respetables: sin grabar video, una carga da para unas 350 o 400 fotos.

EXMOR-R DE 20 MEGAPIXELES

La Sony RX100 II mantiene tanto el tamaño del sensor (1

pulgada) como su resolución de 20 megapixeles. Una combinación que ha demostrado ser excelente a la hora de ofrecer buenos resultados en este formato de bolsillo. La clave no es tanto la resolución de 20 millones de puntos, como un tamaño de sensor que es notablemente más grande que el usado por la mayoría de compactas. Y, como ya se sabe, a mayor superficie de sensor, más calidad, más rango dinámico y menor ruido.

En este caso, además, se ha apostado por un CMOS Exmor-R retroiluminado lo que, según hemos podido comprobar en nuestras pruebas, permite mejorar ligeramente la calidad de imagen sobre todo a partir de 800 ISO o cuando la escena es muy contrastada y hay luces muy fuertes y sombras profundas.

Los archivos JPEG que ofrece la cámara son más que correctos, aunque si observamos con lupa detectaremos más procesamiento del que nos gustaría. De ahí que los más

perfeccionistas deberían trabajar en formato RAW y editar ellos mismos las imágenes. De ese modo es posible no sólo optimizar el detalle y el control del ruido, sino también estirar el rango dinámico.

Pero más allá de estos matices, lo cierto es que los resultados que ofrece la RX100 II son excelentes. No solo

con buena luz, sino cuando la escena es más complicada y se hace necesario subir la sensibilidad. En este sentido resulta realmente tranquilizador saber que en el bolsillo llevamos una cámara que no solo ofrece una apertura máximo f1.8 de su lente, sino con la que también podemos trabajar a 800 e incluso 1.600 ISO sin problemas.

EL TAMAÑO, EL MANEJO, LA CALIDAD DE IMAGEN Y AHORA TAMBIÉN LA CONEXIÓN WI-FI Y LA PANTALLA ARTICULADA HACEN DE ESTA SONY CYBER-SHOT RX100 II LA OPCIÓN PERFECTA PARA QUIENES BUSQUEN UNA CÁMARA DE CALIDAD CON UN TAMAÑO MUY REDUCIDO Y QUE PUEDAN LLEVAR SIEMPRE A LA MANO. FOTOGRAFÍA GASTRONÓMICA

FOTOGRAFÍA DE VIAJE

FOTOGRAFÍA DE BODEGÓN

Los aficionados a fotografiar la comida sabrán apreciar las ventajas de esta cámara a la hora de trabajar en entornos oscuros. El control del ruido y la apertura f1.8 son claves para conseguir buenas fotos de los platos incluso en los rincones más oscuros sin necesidad de flash y sin que el ruido arruine la calidad de la imagen.

Su reducido tamaño y peso hace que sea una cámara perfecta para llevar siempre a cualquier viaje. El zoom 28-100 milímetros aunque pueda resultar algo corto es más que suficiente para enfrentarse a la mayoría de situaciones, desde un retrato hasta un paisaje o una toma urbana como esta.

El sensor de 1 pulgada y 20 megapixeles se muestra muy equilibrado a la hora de ofrecer colores vivos y un buen nivel de detalle. La apertura máxima de f1.8 en la posición angular del zoom, combinada con el tamaño del sensor permite algo muy interesante y no siempre posible en una cámara compacta: controlar la profundidad de campo y conseguir desenfocar el fondo para dar así más dramatismo a la imagen.

Conclusión: una compacta muy recomendable No siempre es fácil decidirse por un modelo y no por otro a la hora de comprarse una cámara. Las opciones en el mercado de cámaras compactas son tan abundantes que muchas veces es difícil elegir una. Pero a veces hay un modelo que consigue destacar e incluso cambiar a la competencia: señal de que esa es, sin duda, la cámara del momento.

Con la Sony RX100 II pasa algo parecido.

Pese a que firmas como Canon ya han movido ficha y han presentado su propia alternativa en este segmento de compactas de calidad, es esta cámara la que sigue reinando por ahora al hablar de modelos de bolsillo y buenos resultados. Algo que, insistimos, se nota al comprobar el precio.

Tampoco es que sea la cámara perfecta, claro. Se agradecería algo más de angular (un 24 milímetros sería perfecto) y que la luminosidad de la óptica no cayera tan rápido al desplegar el zoom. También, ya

hablando del manejo, una pantalla táctil resultaría muy útil para algo tan sencillo como seleccionar el punto de enfoque en la escena.

Pese a estos pequeños detalles, el tamaño, el manejo, la calidad de imagen y ahora también la conexión Wi-Fi y la pantalla articulada hacen de esta Sony Cyber-shot RX100 II la opción perfecta para quienes busquen una cámara de calidad con un tamaño muy reducido y que puedan llevar siempre a la mano. Ya se sabe, además, que la mejor cámara es siempre la que tenemos a mano.

GASTRONÓMIA f/3.5. 1 1/30 seg. ISO 320. longitud focal: 28mm.

VIAJES f/4.5. 1/400 seg. ISO 160. longitud focal: 28mm.

BODEGÓN f/2. 1/125 seg. ISO 160. Longitud focal: 28mm.

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ZOOM

La cobertura angular de 25 milímetros resulta excelente para escenarios urbanos o de naturaleza en los que interesa incluir mucha información dentro del plano. La deformación muy bien controlada y los buenos resultados de su sensor de 12 megapixeles resultan de gran ayuda para este tipo de tomas incluso, cuando como en este caso, la luz empieza a escasear pero no queremos perder ningún detalle en las luces y sombras de la imagen.

ISO 200 1/60s f3.5 longitud focal: 25mm.

POR: IKER MORÁN, EXPERTO EN ANÁLISIS DE CÁMARAS QUESABESDE.

Panasonic Lumix FZ300 152

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Han vivido tiempos mejores, pero las cámaras de zoom largo, o bridge, siguen gozando de una excelente acogida entre muchos usuarios. No es de extrañar teniendo en cuenta que suelen ofrecer justo lo que algunos necesitan: una óptica muy potente, controles avanzados, un buen diseño y todo eso en la palma de la mano. Panasonic ha sido siempre una de las expertas en este campo y con la FZ200 y su espectacular zoom 25-600 milímetros f2.8 ya lo demostró.

Ahora vuelve a la carga con una Lumix FZ300 que mantiene este objetivo pero incluye mejoras en la resistencia de su cuerpo y, sobre todo, grabación de video 4K.

Dr. CÁMARA

No todo el mundo necesita una cámara de ópticas intercambiables. O no siempre es esta la mejor herramienta cuando lo que importa, por ejemplo, es la comodidad y una calidad de imagen más justa pero correcta es suficiente para nuestras fotos. Es ahí donde entran las compactas de zoom largo y esta Panasonic Lumix DMC-FZ300 que hemos probado. Relevo de la FZ200 se trata de uno de los modelos más interesantes en este segmento, tanto por resultados como por prestaciones.

Y es que disponer en este tamaño y por un precio muy ajustado de un objetivo equivalente a 25-600 milímetros y una apertura constante de f2.8 es un auténtico lujo. Si a eso se le suma un cuerpo sellado, un estabilizador de imagen excelente, controles manuales y grabación de video 4K resulta que estamos ante una compacta con mucho potencial y mucho que decir.

CUERPO SELLADO

Salta a la vista que aunque el diseño es similar al de la

generación anterior, ahora se ha apostado por unas líneas algo más rectas y contundentes. Esa ausencia de curvas hace que tanto el aspecto como la sensación que transmite la cámara entre las manos sea de una mayor dureza y robustez.

Algo que sin duda, tiene que ver con una de las primeras novedades que figuran en su carta de presentación: el cuerpo sellado y resistente al polvo y al agua. Excelente noticia para una cámara que puede resultar de lo más interesante para los aficionados a la fotografía de naturaleza y animales y que se posiciona un peldaño por encima de gran parte de sus competidoras.

Además de un gran dial de modos y una rueda de control a la altura del pulgar que resulta especialmente útil a la hora de trabajar en manual, dos mandos se suman al barril del objetivo para controlar las focales y el enfoque. La idea no está nada mal y resulta cómoda en el manejo, pero lo cierto es que preferiríamos un anillo de control tradicional, al menos

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para movernos por las focales de este zoom 24x.

De todos modos, el manejo de la cámara plantea muy pocos problemas, dada la cantidad de accesos directos disponibles y las botones de función que pueden configurarse para que se adapten a nuestras preferencias. De este modo, unos minutos dedicados a configurar los mandos de la cámara nos ahorrarán mucho tiempo luego sobre el terreno.

Mención especial merece el interruptor dedicado a los diferentes modos de enfoque y al bloqueo del foco y la exposición y, por supuesto, la pantalla táctil. Hay maneras más sencillas de elegir un punto de enfoque que tocando directamente sobre el monitor.

Un truco interesante ya disponible en otras Lumix: mientras trabajamos con el visor electrónico podemos usar también la pantalla táctil moviendo el dedo sobre la escena hasta seleccionar la zona de enfoque deseada. Resulta realmente cómodo una vez que

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nos hemos acostumbrado.

Para los amantes de las cifras, la verdad es que tanto la pantalla articulada (3 pulgadas y 1,04 millones de puntos) como el visor electrónico (0,77 pulgadas y 1,4 millones de puntos de resolución) presentan unos datos y rendimiento excelentes.

No siempre es fácil encontrarse con una compacta con la que podamos trabajar cómodos con el visor electrónico, pero la FZ300 es una de ellas.

25-600 MM F2.8

Pero por mucho que la lista de prestaciones de la Panasonic FZ300 sea interminable, quienes se acerquen a ella sin duda lo harán por su objetivo. Un zoom de 24 aumentos que rinde unas focales equivalentes a 25-600 milímetros y con una luminosidad constante de f2.8.

Ese sigue siendo el mejor argumento de esta cámara, capaz de poner en nuestras manos y con un precio y tamaño ajustados nada menos que un 600 milímetros f2.8.

Algo sencillamente impen-

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sable si se traslada la idea al mundo de las réf lex y cámaras de objetivo intercambiable.

El truco para poder ofrecer semejante óptica es recurrir a un sensor de imagen relativamente pequeño, de solo 1/2,33 pulgadas. La buena noticia es que la moderada resolución de 12 megapixeles hace que los resultados sean mejores de lo esperado ya que, gracias a la nueva generación del procesador de imagen de la compañía, incluso se logra una ligera mejora en detalle y control de ruido respecto a la generación anterior.

Es verdad que un captor más grande ofrecería más calidad y, sobre todo, más rango dinámico y margen para disparar con sensibilidades altas. Pero eso también implicaría una cámara mucho más grande o una óptica que no podría ofrecer esta cobertura ni luminosidad.

Así que aquí se trata de ofrecer equilibrio y eso es algo que esta FZ300 hace muy bien. Dicho brevemente: poder disparar con un lente 600 milímetros f2.8,

fotos más que correctas hasta 800 ISO es un argumento más que suficiente para dar el visto bueno a esta cámara.

Respecto al enfoque, renovado con tectología DFD, y el estabilizador de imagen de 5 ejes, excelente nota también en ambos casos. Incluso con las focales más largas y sin demasiada luz en la escena, el enfoque ha sido capaz de actuar sin demasiados problemas. El funcionamiento de esta nueva generación de estabilizador híbrido resulta especialmente útil para grabar secuencias de video en movimiento, aunque hay que tener en cuenta que solo es operativo con resolución Full HD, puesto que en modo 4K hay que conformarse con un estabilizador de 3 ejes.

VIDEO 4K

La llegada de la resolución 4K convierte a esta Lumix en uno de los modelos más económicos del mercado actual capaces de trabajar en esta resolución. Sin duda, un dato a tener en cuenta para los aficionados al tema.

Con un rendimiento excelente en cuanto a color, fluidez y detalle de los videos, la experiencia de Panasonic en este terreno se nota. El rango dinámico es también notable pese al pequeño sensor, aunque es sabido que este es un tema secundario al hablar del video.

Además del video 4K (3840 x 2160 pixeles a 25p) la FZ300 también puede grabar videos HD de alta velocidad a 100fps. Muy útil también para los fotógrafos de acción

con la posibilidad de disparar ráfagas de 30 disparos por segundo con una resolución de 8 megapixeles aprovechando precisamente ese video 4K y el obturador electrónico.

Y es que la velocidad es otro de los puntos fuertes de esta cámara, con un obturador mecánico que alcanza los 1/4000 por segundo (solo a partir de f4, eso sí), obturación electrónica a 1/16.000 de segundo y ráfagas a máxima resolución y 12 disparos por segundo.

600 mm

MACRO

RÁPIDA

No siempre es fácil controlar la profundidad de campo en una cámara compacta y más cuando se trata de un modelo con un sensor pequeño. Sin embargo, gracias a la focal de 600 milímetros y la apertura de f2.8, la Lumix FZ300 permite obtener este efecto de fondo totalmente desenfocado, útil para dar dramatismo a una foto o para retratos.

Además, el rendimiento óptico incluso en el focal más largo es correcto, algo que no siempre ocurre en este tipo de modelos.

Perfecta para los aficionados a la fotografía de naturaleza, además de su amplia y luminosa cobertura focal de 25 a 600 milímetros, es también muy interesante la capacidad de enfoque macro. La distancia mínima de 1 centímetro que se ofrece en el modo macro de la cámara, abre la puerta a imágenes de acercamiento espectaculares. La resistencia al agua del cuerpo y el peso de algo más de 600 gramos también son datos para tener en cuenta.

La llegada del video 4K a la FZ300 no solo afecta la grabación de imágenes en movimiento, sino que las imágenes fijas también se benefician de las nuevas opciones de alta velocidad. Así, junto a la ráfaga de 12 fotos por segundo a máxima resolución, la cámara ofrece un modo de captura de 30 fotogramas por segundo con una resolución de 8 megapixeles con posibilidad de pregrabación antes incluso de pulsar el disparador.

600 mm ISO 100 1/800s f2.8 longitud focal: 600mm.

MACRO ISO 500 1/60s f5 longitud focal: 25mm.

Conclusión: para los amantes del zoom largo Con modelos como la Lumix GH4, Panasonic ha conseguido ofrecer una buena alternativa a quienes se mueven entre la imagen fija y el video.

Ahora gran parte de esa tecnología se traslada a un modelo más modesto y asequible como esta Lumix FZ300 que llega con la grabación de video 4K y todas las opciones de alta velocidad vinculadas a ella como principal novedad.

Pero incluso si el video no es nuestra prioridad, el luminoso zoom 25-

600mm f2.8 y un sensor de 12 megapixeles que se defiende bien. Estos son, por sí solos, motivos suficientes para recomendar esta FZ300. Aunque la mejora en la calidad de imagen respecto a la generación anterior es sutil, aunque apreciable cuando hay que afrontar escenas con poca luz, las novedades en torno al sistema de enfoque automático y al estabilizador también son puntos a tener en cuenta.

Rápida, sellada y resistente al agua, con controles manuales y formato RAW ofrece todo lo que muchos aficionados esperan tener en la palma de su mano. Sin olvidarse,

por cierto, de la conexión Wi-Fi, así como de una excelente pantalla táctil y un visor electrónico con una calidad muy por encima de lo que suele ser habitual en este tipo de compactas.

Si nuestra prioridad absoluta es la calidad de imagen hay modelos con un sensor mayor que seguramente se adaptarán mejor a lo que buscamos. Pero para quienes piensen en fotografía de acción, naturaleza y animales y quieran ante todo un zoom potente, luminoso y compacto, esta Panasonic Lumix FZ300 es ahora mismo la mejor opción del mercado.

RÁPIDA ISO 100 1/125s f4.5 longitud focal: 204mm.

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VIDEO Y CINE

• • •

Tecno Video.

Para Realizadores.

Comparativos Técnicos de Cámaras.

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TECNO VIDEO

EN TÉRMINOS SIMPLES, EL ENFOQUE O PUNTO DE ENFOQUE ES AQUELLA ZONA DE NUESTRAS FOTOGRAFÍAS O VIDEOS QUE SE VE CON MAYOR DETALLE Y NITIDEZ. ESTE ELEMENTO ES MUY IMPORTANTE EN LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA, PORQUE NOS PERMITE DECIDIR SOBRE QUÉ ELEMENTOS DE LA IMAGEN QUEREMOS ATRAER LA MAYOR ATENCIÓN.

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POR: DIEGO BALANTA

Sistemas de ayuda de enfoque en cine y video REVISTA ENFOQUE VISUAL / Septiembre 2015 - Noviembre 2015

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En esta imagen el punto de enfoque está sobre el florero, por lo que casi toda nuestra atención está concentrada en esa zona. La vela y las demás flores están desenfocadas por lo que hay una separación del sujeto y así no distraer la atención.

El enfoque es uno de los aspectos más críticos en el registro de imágenes, sobre todo cuando hay sujetos en movimiento. La dificultad para enfocar con precisión se acentúa mucho más, ya sea cuando utilizamos cámaras con sensores grandes o cuando utilizamos objetivos muy luminosos a su máxima abertura de diafragma (1.4, 1.7, 2. 2.8); no obstante nos proporcionan un estético, más acentuado y más bonito efecto bokeh, permitiéndonos hacer un real enfoque selectivo para separar los sujetos y minimizar la profundidad de campo.

Por ello en muchos rodajes el personal de fotografía incluye a un foquista, quien se encargará específicamente de esta labor, pues todo el tiempo, el esfuerzo y la precisión que se requiere para rodar un plano, pueden verse arruinados si el mismo no está bien enfocado, siendo prácticamente imposible poder enfocar y lograr resultados decentes en edición.

ENFOQUE AUTOMÁTICO En los sistemas autofoco, la cámara y el objetivo trabajan de forma conjunta para enfocar la imagen de forma automática.

Cuando se pulsa el botón de disparo hasta la mitad, el sistema analiza la imagen hasta conseguir el enfoque correcto. Esta tecnología se encuentra presente en cámaras de fotografía y video, pero no en las de cine y cine digital, ya que ni las ópticas ni las cámaras

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de este segmento poseen sensores de autofoco, dado que se requiere el máximo control del foco y esto solo se logra de manera manual.

Existen diferentes sistemas de enfoque automático siendo los más extendidos los de detección de fase y detección de contraste. A ellos se une el sistema de detección de rostros, que cada vez incorporan más cámaras compactas. Dependiendo de las características del sistema, el enfoque se realizará analizando la imagen completa, una zona central o un punto de enfoque seleccionado.

El sistema de detección de fase se basa en el uso de un sensor dedicado (diferente del sensor principal), encargado de las tareas de enfoque. La luz pasa a través de una matriz de microlentes que la dividen para producir una pareja de imágenes.

El procesador de la cámara compara las dos imágenes (de forma semejante a lo que ocurre en las cámaras telemétricas) y da las instrucciones al objetivo para que realice el enfoque correcto.

El sistema de enfoque automático por detección de contraste se basa en el principio de que el contraste es mayor si la imagen está enfocada. Cuando el objetivo trata de enfocar el procesador de la cámara analiza el contraste de las imágenes que llegan al sensor, determinando el enfoque correcto. Una desventaja de este sistema es que su funcionamiento es más lento que el sistema de detección de fase.

Los sistemas de enfoque por

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Anillo de enfoque de un objetivo.

detección de rostros procesan la imagen tratando de encontrar rostros humanos. Se basan en el principio de que en un gran número de fotografías el sujeto principal es una o varias personas.

De esta forma analizan la imagen para buscar el patrón de un rostro humano y si lo encuentran, realizan el enfoque a esa zona.

La tecnología de enfoque automático aunque ha venido afinándose con el pasar de los años sobre todo en equipos más costosos, nunca nos va a permitir tener control absoluto sobre lo que queremos o no enfocar, pues no puede predecir qué es lo que deseamos enfocar y estamos supeditados a lo que la cámara quiera o pueda identificar para hacerlo. Además requiere de ciertas condiciones para poder funcionar correctamente o de lo contrario será una función inservible, por ejemplo, en bajas condiciones de luz.

Una cámara puede enfocar adecuadamente, si es capaz de encontrar el contraste suficiente en la región sobre la que intenta enfocar. ¿Ha tratado de enfocar alguna vez sobre una pared completamente lisa y de un mismo color? Resulta imposible. ¿Por qué? Pues porque la cámara no es capaz de encontrar una región con ese contraste. Por ello, a la hora de enfocar, es importante buscar zonas esquinas, bordes, cambios de superficie, entre otros.

No funciona bien en fotografía macro y con grandes apertu-

ras. Si la profundidad de campo es muy reducida, al sistema AF le cuesta trabajo hacerse una idea del punto de contraste para el enfoque. Si está usando lentes de aproximación o tubos de extensión, los problemas se acentúan.

Por último, un sofisticado sistema de enfoque automático será inútil si no se acompaña con los objetivos más modernos y compatibles no solo con el sistema de autoenfoque, sino con el tipo de cámara específico, lo cual es un lastre si se tienen los objetivos de toda la vida que nos funcionan perfectamente en cualquier equipo y que son de mayor calidad.

ENFOQUE MANUAL En el campo profesional de cine y video, la incorporación del enfoque automático es más bien una rareza, ya que al tratarse de registro de imágenes en movimiento que puede incluir sujetos que se desplazan dentro del cuadro o movimientos de cámara, los sistemas de auto enfoque no son precisamente funcionales, pues pierden los puntos de referencia para realizar las mediciones, por lo que es necesario usar el enfoque manual para tener el máximo control sobre nuestro punto de enfoque. Por ello sin duda, el modo manual puede resultar muy laborioso, lento y requiere de una pericia especial, pero en determinadas ocasiones es la mejor y, a veces, única opción.

La forma más habitual de realizar el enfoque manual consiste en mirar por el visor y

girar un anillo de enfoque situado en el objetivo. Cuando giramos el anillo de enfoque, las lentes que hay en el interior del objetivo se acercan o se alejan del plano focal. Normalmente el anillo de enfoque incluye una escala de distancias con valores expresados en metros y en pies. Si giramos el anillo hasta la posición en la que el objetivo enfoca al infinito, la distancia entre las lentes y el sensor es la mínima.

Para facilitar un poco el trabajo, contamos desde hace unos años con ayudas electrónicas que nos permitirán trabajar con mayor precisión.

FOCUS PEAKING Esta tecnología funciona cuando trabajamos en modo manual y es de gran utilidad para ayudarnos a seleccionar el punto de enfoque de manera más fácil y precisa. Funciona de manera electrónica con los visores o pantallas LCD con Live View y consiste en resaltar en tiempo real las zonas correctamente enfocadas mediante un color en particular (puede ser amarillo, rojo, blanco, lo que el usuario decida). Por medio de los controles de la cámara o del anillo de enfoque de nuestro objetivo, podemos ir cambiando la zona de enfoque, la cual se visualizará en la pantalla LCD como una zona iluminada en la imagen.

La manera en que funciona está basada en la detección de contrastes: asume que allí donde la diferencia de tonos y brillos es muy grande el foco debe ser muy pronunciado, por lo que marca

esa zona específicamente. A veces arroja resultados erróneos, pero en casos completamente obvios (como un desenfoque total que aun así tiene marcas de Focus Peaking). Es importante que se pueda calibrar, tanto en color como en intensidad relativa lo que se considerará enfocado o no.

En cámaras réflex dotadas de visores ópticos grandes y luminosos, una asistencia de este tipo pierde parte de su interés, porque el enfoque puede evaluarse con bastante precisión por los métodos clásicos. Sin embargo, en cámaras réflex con visores más limitados (como las réflex de iniciación), o cualquier cámara digital que no disponga directamente de un visor o éste sea electrónico, toda ayuda manual al enfoque es bienvenida.

Así con la proliferación de cámaras sin espejo, en las cuales el enfoque se basa en la pantalla LCD de la propia cámara, o en visores electrónicos que todavía no dan las prestaciones de un buen visor óptico, este tipo de ayudas cobran todo el sentido.

Así con la proliferación de cámaras sin espejo, en las cuales el enfoque ha de basarse en la pantalla LCD de la propia cámara, o en visores electrónicos que todavía no dan las prestaciones de un buen visor óptico, este tipo de ayudas cobran todo el sentido.

FOCUS ASSIST La función de asistencia de enfoque Focus Assist es el mismo Focus Peaking, pero en vez de mostrar la imagen a color, la veremos en blanco y negro ya que

ayuda a que las zonas enfocadas destacadas en color resalten más. Al activar esta función el procesador interno de la cámara analiza las señales RGB de forma independiente y crea una imagen en blanco y negro con puntos coloreados en rojo, verde o azul (dependiendo de las preferencias del operador), en aquellos puntos donde existe un foco perfecto.

Esta función es muy útil incluso para personas con problemas visuales que no llegan a corregir sus deficiencias con la lente de corrección del visor ya que es muy fácil de identificar los puntos de color sobre una imagen en B/N. MAGNIFICACIÓN O ENFOQUE EXPANDIDO Una vez hayamos elegido la posición de la cámara y el correspondiente encuadre, podemos hacer uso de una función incorporada en muchas cámaras, que consiste en un botón de magnificación que funciona haciendo zoom sobre una zona de la imagen, sobre la que podemos rectificar que esté correctamente enfocada, girando el anillo de enfoque del objetivo. Presionando nuevamente el botón, volvemos al valor de plano inicial. La cámara hace este zoom de manera electrónica, por lo que no es necesario que tengamos que utilizar para ello un objetivo de tipo zoom. También funciona con cualquier tipo de objetivo.

La magnificación puede utilizarse simultáneamente con el Focus Peaking para comprobar en todo momento que el foco esté correcto.

Ejemplo de uso de Focus Peaking, en la imagen de la derecha están resaltadas las zonas que están enfocadas en la imagen. En este caso tenemos foco sobre los brazos y el puecho del jugador, y sobre el balón.

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PARA REALIZADORES

POR: DIEGO BALANTA

Trabajar con actores Segunda parte

CUANDO UN DIRECTOR DECIDE TRABAJAR CON ACTORES AMATEUR PARA UN PROYECTO, DICHA DECISIÓN RESPONDE A LA NECESIDAD DE ELIMINAR DIRECTAMENTE EL CONCEPTO DE INTERPRETACIÓN, QUE SUPONE UNA INTERVENCIÓN SOBRE LA REALIDAD DEMASIADO ALEJADA DE LOS SUPUESTOS EN LOS QUE SE ASIENTA EL TIPO DE HISTORIA QUE QUIERE CONTAR, ESTA ES UNA BÚSQUEDA DE VEROSIMILITUD AL MÁXIMO NIVEL.

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Foto del rodaje de ‘La Vendedora de rosas’ de Víctor Gaviria

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Robert Bresson dando instrucciones a los actores naturales.

Fotograma de ‘El ladrón de bicicletas’.

ACTORES AMATEUR (NO PROFESIONALES) En algunos lugares y por alguna extraña razón se les llama ‘actores naturales’. Estas son personas que nunca han recibido ninguna clase de interpretación.

Muchas veces ni siquiera se han sentido interesados en el tema, y por lo tanto su participación en un proyecto es su primer acercamiento al mundo de la actuación.

Cuando un director decide trabajar con actores amateur para un proyecto, dicha decisión responde a la necesidad de eliminar directamente el concepto de interpretación, que supone una intervención sobre la realidad demasiado alejada de los supuestos en los que se asienta el tipo de historia que quiere contar, una búsqueda de verosimilitud al máximo nivel.

Sin embargo esta decisión implica que el director debe poseer tanto el carisma, como la inteligencia para manejar y relacionarse con este tipo de actores. Estas no son cualidades que cualquier director tenga y sepa cómo desarrollarlos, por lo que existen tantos éxitos como fracasos en la historia del cine.

Esta es una decisión especialmente conceptual y artística, que es más común en producciones independientes, que en producciones de grandes estudios o de interés netamente comercial, pues este tipo de proyectos trabajan sobre otros parámetros.

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Hay tres aspectos por los que un director puede tomar la decisión de trabajar con un actor no profesional: El primer aspecto es la experiencia de vida del actor amateur en relación con el personaje, pues generalmente ha vivido experiencias similares a las que vivirá el personaje que interpretará en la historia. A la hora de actuar, llevar esas emociones y experiencias pasadas supondría otorgar más realismo en la interpretación del personaje.

Un segundo aspecto tiene que ver con la caracterización del personaje: un director podría decantar en la elección de un actor amateur, porque busca una fisonomía específica y necesaria para la historia, que sería difícil o hasta imposible encontrar en un actor profesional, o bien porque determinada persona “es” el personaje, es decir, ve el personaje en él, en sus facciones y/o expresiones.

El tercer aspecto es la “verdad de cuerpo”: aquí el director se esmera en los detalles, es decir en la forma en que el personaje debe hacer cosas específicas, la manera de moverse o de hablar, que son fundamentales para que la historia sea creíble. En dicho caso puede tratarse más de una cuestión de actitud que de físico.

Encontrar personas que cumplan con una o más de estas características, por supuesto

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Parte del elenco infantil de ‘La vendedora de rosas’.

demanda un extenso y complejo proceso de casting, pues por lo general se lleva a cabo un periodo de exploración y búsqueda de talentos dentro de sus “zonas naturales”. Un tiempo de pruebas de actuación y otro más de preparación, no obstante suele ser necesario en muchas ocasiones. Imaginemos por ejemplo una película en la que los protagonistas deben ser boxeadores adolescentes, para este caso particular es más fácil y apropiado buscar a dos jóvenes “no actores” que sean boxeadores y que tengan las características del casting requerido, esto por la dificultad de encontrar dos actores que tengan esas características (adolescentes y además que sepan boxear profesionalmente).

Pero el trabajo con los actores naturales no se queda solo en su selección, es necesario

prepararlos durante un tiempo considerable para enamorarlos del proyecto y llevar a cabo un trabajo intenso que contemple un mínimo de técnicas de interpretación, con un director de actores o profesor de actuación. Esto por un lado va a permitir conocer su esencia de vida, sus puntos de quiebre, saber realmente cuándo lloran, cuándo sufren, cuándo ríen. Por otro lado, le va a permitir mejorar la comunicación con el director e interpretar lo que este desea que haga.

La dinámica de trabajo con actores no profesionales puede tener tantas variaciones o ajustes de acuerdo con el estilo del director, pero generalmente implica un alto riesgo que no muchos proyectos están pueden resistir. En primer lugar porque tienen una vida fuera del proyecto audiovisual ya establecido, y suelen dar prioridad a esa

vida; además al no estar acostumbrados al ritmo de trabajo de una producción audiovisual, se corre el peligro de que el actor la abandone. Igualmente las puestas en escena demandarán más tiempo de rodaje, un factor que hay que tener en cuenta en los planes de rodaje. Todos estos posibles inconvenientes se pueden minimizar con un trabajo adecuado y los resultados pueden ser asombrosos. No son pocos los casos de éxito en el mundo que así lo demuestran.

CONCLUSIÓN Sea cualquiera de los casos, en definitiva un director tiene que ser flexible. Trabajaremos a veces con actores amateur y también con profesionales, pero siempre nos tendremos que adaptar a ellos, y tratarles a cada uno de ellos de forma diferente, sin olvidar que ellos son la cara visible del proyecto y que no es fácil ponerse delante de una cámara.

UN RECURSO DE LARGA DATA El uso de actores no profesionales es una práctica que no es precisamente reciente, y comenzó hacerse notable por la coyuntura histórica en que se originó. Durante los años 40 y 50, Europa era otro lugar luego de los destrozos de la Segunda Guerra Mundial. Italia fue el caldo de cultivo perfecto para la aparición del neorrealismo cinematográfico, que se caracterizó por tramas ambientadas entre los sectores más desfavorecidos, mostrando una Italia deshecha y miserable, con abundante uso de rodajes en exteriores. A falta de decorados y de medios, debido a la ocupación de los estudios Cinecittà por una multitud de personas desalojadas a causa de las penurias de la guerra, las películas se rodaban con las devastaciones bélicas de fondo.

Se utilizan nuevos modos de producción debido a las circunstancias de escasez de medios técnicos, ya que en un país en esas condiciones, era impensable contar con grandes presupuestos y el glamur característico del cine de la época, generando otras posibilidades creativas en la que era habitual usar iluminación natural y una importante presencia de actores no profesionales entre sus secundarios y a veces, incluso entre sus protagonistas.

El neorrealismo italiano se caracterizó básicamente por mostrar las cosas tal cuales eran hablando de temas profundos. Europa se encontraba en plena posguerra y como le ocurre a todo arte, el cine

también sufrió los cambios que resienten lo social recayendo en sus obras.

Una de las películas más emblemáticas de esta época y considerada como una obra de arte, es ‘El Ladrón de Bicicletas’, filmado en 1945, pocas semanas antes de que terminara la Segunda Guerra Mundial supuso el lanzamiento al estrellato de su apenas conocido director, Vittorio De Sica y, más importante aún, la definitiva consagración del neorrealismo italiano en el contexto cinematográfico internacional. No aparecen actores profesionales, siendo estos sustituidos por gente desconocida, aunque escogida con base en unas características específicas y muy precisas. Su protagonista Lamberto Maggiorani, era en realidad un obrero pobre que fue descubierto por De Sica, y cuyas habilidades y características físicas convencieron al director. Al terminar la cinta y experimentar lo mismo que su personaje (la falta de empleo), decidió permanecer en la actuación.

Filmaría otras quince películas, lamentablemente en papeles pequeños, de las se puede mencionar ‘Achtung! Banditi!’ de Lizzani, ‘Anna’ de Lattuada, ‘Mamma Roma’ de Pasolini o ‘Mare matto’ de Castellani. No obstante, dejó para la historia del cine una de las más recordadas interpretaciones de todos los tiempos.

LA SIMPLICIDAD DE ROBERT BRESSON Varios directores destacan en su filmografía y en su estética, por prescindir de actores profesionales, uno de los más conocidos es Robert Bresson: sus historias logran conmover de una manera muy particular a pesar de que en la mayoría de ellas utilizó actores no profesionales. Algunas de las razones que expone para hacerlo, es que asegura que “Los actores son gente que se esconden tras su papel, tras su arte, como si fuera un biombo”, por lo que el personaje pierde autenticidad.

Por eso Bresson no solo les exigía no intentar actuar, sino

que además evitaba mostrarles lo que habían hecho en días anteriores (como hacen la mayoría de directores en un rodaje) porque según él solo así “aflora lo más profundo de cada uno”.

Su intención, pues, no era otra que la de despojar al personaje de su película de naturalidad y realismo interpretativo no solo asignándole a un actor amateur, sino además saboteando toda posibilidad que este podía tener para encaminar su interpretación hacia aquellos lados.

CINEASTA DE LA REALIDAD En el ámbito Colombiano, Víctor Gaviria (Sumas y restas, 2005; La vendedora de rosas, 1998; Rodrigo D: No futuro, 1990), se ha caracterizado por utilizar actores no profesionales en todas sus películas; algunos de ellos continuaron con diferente nivel de éxito en la actuación. Su preferencia por este tipo de actores es porque “noté que con esta clase de actores tenía la posibilidad de meterme donde fuera socialmente.

Porque si hacía películas, por ejemplo, sobre ferrocarrileros y cogía a ferrocarrileros de actores, eso lograría que la película se volviera súper interesante, con entrecruces históricos.

Surgían un montón de cosas que no estaban en los libros...

Me di cuenta que los actores naturales lograban que los guiones funcionaran a través de lo que ellos me contaban a mí. La película se potenciaba, se volvía un documento” afirma Gaviria y añade “en un momento dado, noté que la televisión colombiana tenía muchos problemas, y quise hacer cine. En ese momento el cine colombiano todavía no existía, a pesar de que se habían filmado películas interesantes, como las de Arzuaga.

Eso era lo único que existía del cine colombiano, porque el comercial, sinceramente, era un disimulo, un disfraz de lo que realmente estaba pasando. Nunca te mostraban las escenas de la vida cotidiana reales, ni aparecían las personas de la verdadera realidad y sus necesidades”.

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LIBROS

Editorial: Maremágnum,2015.

Texto: Eduardo Serrano.

Entrevista: Jaime Abello.

Cronología: María Elvira Ardila.

Edición: José Antonio Carbonell.

Idiomas: español-inglés.

Traducción: Joe Broderick.

356 páginas, 410 imágenes en tricomías y policromía.

Impreso en España por Gráficas Palermo.

Nereo SABER VER

Un proyecto visual y editorial sobre la obra del fotógrafo Nereo López.

Este libro recoge una amplia y estricta selección de obras del fotógrafo colombiano Nereo López, quien por más de sesenta años ha venido registrando, creando y depurando un archivo extraordinario de la vida y paisaje del hombre colombiano y de otras partes del mundo.

Su trabajo es vasto y profundo, muy centrado en los atributos de la mejor reportería gráfica latinoamericana que él pudo desarrollar especialmente en los años 50, 60 y 70 del siglo pasado, en correrías dilatadas y laboriosas por diversos territorios.

Muchas de sus imágenes constituyen verdaderos iconos del periodismo y el arte contemporáneo del país, y son, de forma palpable, patrimonio vivo de las figuraciones estéticas de nuestro mundo.

El libro recoge una multitud de temáticas (retratos, escenarios urbanos, gente en sus oficios humildes y cotidianos, niños, fiestas populares, fotografía callejera) en alrededor de 400 fotografías, que incluyen, no solo su trabajo en blanco y negro, difundido y producido en las décadas del medio siglo, sino su trabajo experimental en color, sus investigaciones de laboratorio y la obra que desarrolló en los últimos años, especialmente en Nueva York.

Hasta el final de su vida y con más de noventa años no dejó un instante de indagar y seguir explorando, a lo último con instrumentos digitales, pero con la misma curiosidad y talento que lo rodeaba. Más de la mitad de las fotos del libro son inéditas, seleccionadas del enorme archivo que reposa en la Biblioteca Nacional.

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Nereo López ®. lugar: Atlántico. Año: 1959

Nereo López ®. lugar: Bogotá. Año: 1957

Nereo López ®. lugar: San Andres islas. Año: 1961

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VIDEO OFICIAL

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Lithium-Ion NP-FW50 126,9 x 95,7 x 60,3 mm

Lithium-Ion LP-E6 145 x 111 x 71 mm Ver código QR en la parte superior.

MemoryStick Micro, MemoryStick Pro Duo, MemoryStick Pro-HG Duo, microSD Card, microSDHC, microSDXC

SD Card, SDHC, SDXC

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Lithium-Ion NP-W126 129 x 89,8 x 46,7 mm

SD Card, SDHC, SDXC

Físicas: USB 2.0, jack (3,5 mm) para micrófonos, microHDMI. Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n).

Físicas: USB, jack (3,5 mm), jack (3,5 mm) para micrófonos, microHDMI Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n), NFC.

USB 2.0, miniHDMI, salida AV. Inalámbricas:Wi-Fi, GPS.

CONEXIONES

TIPO DE ALMACENAMIENTO

Electrónico (0,5 pulgadas, 2.360.000 píxeles).

Monitor: 3 "" TFT LCD 1.040.000 pixeles / LIVE VIEW - Articulado

Electrónico (0,5 pulgadas, 2.359.296 píxeles).

Monitor: 3 pulgadas , LCD 1.228.800 pixeles

Preconfigurados: 7 posiciones, bracketing, ajuste fino, manual en grados Kelvin.

Réflex - Cobertura 97% Monitor 3 "" TFT LCD 1,040,000 pixeles / LIVE VIEW

Preconfigurados: 10 posiciones 3 configuraciones manuales Otros: Kelvin, bracketing, ajutse fino

Preconfigurados: 6 posiciones Automatico y Manual Otros: Kelvin, bracketing, ajuste fino

BALANCE DE BLANCOS

30 seg a 1/4.000 seg.

Fujifilm X

100 - 51.200

Evaluativa/ Ponderada al centro Puntual / Parcial

49 puntos de enfoque.

Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Selective single-point / Single Continuous / Face Detection / Live View Factor de multiplicación: 1.5 X.

JPEG / RAW / RAW + JPEG MOV- MPEG-4 / H.264 Video Full HD

TIPO VISOR MONITOR LCD

30 seg a 1/8000 seg.

30 seg a 1/4.000 seg

VELOCIDAD DE DISPARO

Montura Sony E.

100 - 102.400

Evaluativa/ Ponderada al centro Puntual / Parcial

399 puntos de enfoque.

Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Selective single-point / Single Continuous / Face Detection / Live View Factor de multiplicación: 1X.

Montura Canon EF

50 - 102.400

Evaluativa/ Ponderada al centro Puntual / Parcial

11 puntos de enfoque.

Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Selective single-point / Single Continuous / Face Detection / Live View Factor de multiplicación: 1X.

JPEG, RAW AVCHD, XAVC S, MP4, MTS /

LENTES SOPORTADOS

SENSIBILIDAD

MEDICIÓN DE LUZ

DETALLES DEL ENFOQUE

FORMATOS DE IMAGEN

RAW/ sRAW/ JPEG MOV / H.264 Video Full HD

4896 x 3264 4896 x 2760 3264 x 3264

7.952 x 5.304 7.952 x 4.472 5.168 x 3.448

5472 x 3648 3648 x 2432 2736 x 1824

SENSOR DE IMAGEN

RESOLUCIÓN

16,3 MP efectivos APS-C (23.6 x 15.6 mm) CMOS Filtro de color RGB

MP efectivos Full frame (35,9 x 24 mm) CMOS Filtro de color RGB

venta sobre pedido

venta sobre pedido

X-T1

20,6 MP efectivos Full frame (36 x 24 mm) CMOS Filtro de color RGB

A7R II

FUJIFILM

venta sobre pedido

EOS 6D

MODELO

SONY

PRECIO

CANON

MARCA

PROFESIONALES

VIDEO OFICIAL

BATERIA / DIMENSIONES

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Lithium-Ion NP-FW50.

101,6 x 58,1 x 41 mm

Lithium-Ion LP-E8 133 x 100 x 79 mm Ver código QR en la parte superior.

MemoryStick Duo, MemoryStick Pro Duo, MemoryStick Pro-HG Duo, MemoryStick XC-HG Duo, SD Card, SDHC, SDXC

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Lithium-Ion NP-W126 129 x 75 x 37 mm

SD Card, SDHC, SDXC.

CONEXIONES SD Card, SDHC, SDXC.

Físicas: USB 2.0, miniHDMI, salida AV. Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n), NFC.

Físicas: USB 2.0, jack (2,5 mm) para micrófonos, miniHDMI. Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n).

Físicas: microHDMI, USB 3.0.

Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n), NFC.

USB 2.0, jack (3,5 mm) para micrófonos, miniHDMI, salida AV.

MONITOR LCD

TIPO DE ALMACENAMIENTO

3 “ OLED Rotatorio - Táctil 1.040.000 pixeles LIVE VIEW

Monitor: 3 "" TFT LCD 1.040.000 pixeles / LIVE VIEW Cobertura 100%

3“ TFT LCD de ángulo variable Resolución de 1.228.800 píxeles LIVE VIEW

3“ TFT LCD Táctil de ángulo va riable 1.040.000 pixeles / LIVE VIEW

BALANCE DE BLANCOS

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Lithium-Ion recargable 123 x 71 x 55 mm

SD/SDHC/SDXC

Auto Preconfigurados 5 modos / Manual Otros: bracketing, manual ajuste fino, grados kelvin Preconfigurados: 7 posiciones.

Manual, manual en grados Kelvin.

Preconfigurados 9 modos Auto, Manual, grados Kelvin, bracketing, ajuste fino.

60 a 1/8000 seg

Montura Micro 4/3

auto, 100 -25600

Matricial Ponderada al centro Puntual

Contrast Detect (sensor) Multi-area / Selective single-point Tracking / Single Continuous / Touch Face Detection / Live View

Preconfigurados 6 modos Auto, Manual bracketing, ajuste fino.

30 seg a 1/4.000 seg.

Fujifilm X

100 - 25.600

Ponderada al centro Puntual / Parcial

23 puntos de enfoque

Factor de multiplicación: 2.0X.

30 s/ 1/32.000 seg

Montura Carl Zeiss Vario-Sonnar T*.

auto - 125 - 25.600

Ponderada al centro Puntual y Matricial

49 puntos de enfoque.

Factor de multiplicación: 1.5 X. Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Single / Continuous / Face Detection

JPEG, MPO, RAW MPEG-4 / AVCHD / H.264

4592 x 3448 4592 x 3064 4592 x 2584

30 seg a 1/4.000 seg.

Montura Canon EF/EF-S.

auto - 100 - 25.600

Ponderada al centro Puntual / Parcial / Matricial

9 puntos de enfoque.

Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Selective single-point / Single Continuous / Face Detection / Live View Factor de multiplicación: 1.6 X.

25 puntos de enfoque Factor de Multiplicación 0.59 X Multi-area / Selective single-point Single / Continuous Face Detection / Live View

JPEG / RAW MOV- MPEG-4 / H.264 Video Full HD

JPEG, RAW, MP4, MTS AVCHD, XAVC S

JPEG, RAW.

MOV / H.264/MPEG-4 VIDEO FULL HD.

4896 x 3264 4896 x 2760 3264 x 3264

5.472 x 3.648 5.472 x 3.080 4.864 x 3.648

5184 x 3456 5184 x 2912 4608 x 3456

16,0 MP efectivos Cuatro Tercios (17.3 x 13 mm) Live MOS Filtro de color RGB

16,7 MP efectivos APS-C (23.6 x 15.6 mm) CMOS Filtro de color RGB

20,1 MP efectivos APS-C (13,2 x 8,8 mm) / CMOS Exmor RS Filtro de color RGB

18,5 MP efectivos APS-C (22.3 x 14,9mm) CMOS Filtro de color RGB

VELOCIDAD DE DISPARO

LENTES SOPORTADOS

SENSIBILIDAD

MEDICIÓN DE LUZ

DETALLES DEL ENFOQUE

FORMATOS DE IMAGEN

RESOLUCIÓN

SENSOR DE IMAGEN

venta sobre pedido

Lumix DMC-GX7

PANASONIC

venta sobre pedido

X-E2

FUJIFILM

venta sobre pedido

RX100 IV

SONY

venta sobre pedido

EOS T5i

MODELO

PRECIO

CANON

MARCA

SEMIPPROFESIONALES

Monitor: 2,8 "" TFT LCD 460.000 pixeles / LIVE VIEW

3 "" TFT LCD 921.600 píxeles LIVE VIEW

Físicas: USB 2.0, microHDMI.

BALANCE DE BLANCOS

MONITOR LCD

CONEXIONES

SD Card, SDHC, SDXC. Lithium-Ion NP-95 127 x 74 x 54 mm

SD Card, SDHC, SDXC. Lithium-Ion NP-FW50 126,9 x 95,7 x 60,3 mm

TIPO DE ALMACENAMIENTO

BATERIA / DIMENSIONES

Físicas: USB 2.0, miniHDMI.

Preconfigurados: 7 posiciones.

Manual, Grados Kelvin.

Automático.

Preconfigurados: 9 modos Auto / Manual bracketing, ajuste fino, manual grados Kelvin

Fujinon 30 seg a 1/4.000 seg.

Montura Sony E.

LENTES SOPORTADOS

100 - 25.600

30 seg

100 - 102.400 ISO

SENSIBILIDAD

Ponderada al centro Puntual / Parcial

49 puntos de enfoque.

Lente fija. Distancia focal: 35mm Apertura Máxima: f/2 Autofoco: Multi-area Single / Continuous Live View

VELOCIDAD DE DISPARO

Ponderada al centro Puntual Parcial

399 puntos de enfoque Factor de Multiplicación: 1x.

Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect / Multi-area Selective single-point /Single Continuous / Face Detection Live View

MP4, MTS / AVCHD, XAVC S

Lithium-Ion EL20 101 x 61 x 29 mm

SD/SDHC/SDXC card

Físicas: USB 2.0, miniHDMI.

3 “ TFT LCD 921.000 pixeles LIVE VIEW

Automático y manual Preconfigurados 7 modos Otros: b ajuste fino

30 a 1/6000 seg

Montura Nikon 1

160 - 6400

Matricial Ponderada al centro Puntual

135 puntos de enfoque Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect/ Multi-area Selective single-point / Tracking

Lithium-Ion recargable 122 x 85 x 71 mm

SD/SDHC/SDXC card

Físicas: USB 2.0, jack (3,5 mm) para micrófonos, miniHDMI, salida AV. Inalámbricas: Wi-Fi (802.11b/g/n), NFC

3 “ TFT LCD Rotatorio - Táctil 1.036.000 pixeles LIVE VIEW

Auto Preconfigurados 5 modos / Manual Otros: bracketing, manual ajuste fino, grados kelvin

60 a 1/4000 seg

Montura Micro 4/3

160 - 25.600

Matricial Ponderada al centro Puntual

Autofoco: Contrast Detect (sensor) Phase Detect/ Multi-area Selective single-point / Tracking

Factor de multiplicación: 2 X.

23 puntos de enfoque

RAW /JPEG MOV MPEG-4 / AVCHD Video Full HD

RAW /JPEG MOV MPEG-4 / AVCHD Video Full HD

JPEG / RAW MOV- MPEG-4 / H.264 Video Full HD

JPEG / RAW

4608 x 3456 4608x3456 3264x2448

4896 x 3264 4896 x 2760 3264 x 3264

7.952 x 5.304 7.952 x 4.472 5.168 x 3.448

16 MP efectivos Cuatro Tercios (17.3 x 13 mm) Filtro de color RGB

venta sobre pedido

Lumix DMC-G6

PANASONIC

4608 x 3072

14,2 MP efectivos (13.2 x 8.8 mm) CMOS Filtro de color RGB

16,3 MP efectivos APS-C (23.6 x 15.8 mm) CMOS Filtro de color RGB

Tipo: CMOS Exmor R Tamaño: 35,9 x 24 mm Filtro de color: RGB

MEDICIÓN DE LUZ

DETALLES DEL ENFOQUE

FORMATOS DE IMAGEN

RESOLUCIÓN

SENSOR DE IMAGEN

PRECIO venta sobre pedido

X-100s venta sobre pedido

1 J3

NIKON

A7II

MODELO

FUJIFILM

venta sobre pedido

SONY

MARCA

MIRRORLESS - EVIL

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