débordement #1 les révélateurs par anaël pigeat et yvannoé krüger by Galerie Christian Berst

christian berst art brut phonomaton & poush manifesto présentent present

dé borde ment

les révélateurs the pathfinders commissaires curators anaël pigeat & yvannoé krüger

christian berst art brut présente presents jorge alberto cadi el buzo

11 15 25 39

julien discrit & harald stoffers cecilia granara & éric benetto charles hascoët & pascal tassini sabine mirlesse & zdeněk košek boryana petkova & patricia salen mateo revillo & anton hirschfeld madeleine et anne roger lacan & le fétichiste jack rothert garcia & jacqueline b

christian berst avant-propos corinne rondeau le voyage des ciseaux texts in english œuvres works

christian berst art brut

L'art brut est l'expression d'une mythologie individuelle, affranchie du régime et de l'économie de l'objet d'art. Ces oeuvres sans destinataire manifeste sont produites par des personnalités qui vivent dans l'altérité – qu'elle soit mentale ou sociale. Leurs productions nous renvoient tantôt à la métaphysique de l'art c'est-à-dire à la pulsion créatrice comme tentative d'élucidation du mystère d'être au monde - tantôt au besoin de réparer ce monde, de le soigner, de le rendre habitable.

Art Brut is the expression of an individual mythology liberated from the system and economy of the art object. This work, produced with no clear audience in mind, is created by individuals who live in "otherness", be it psychological or social. Sometimes it draws our attention to the metaphysics of art - the creative urge as an attempt to elucidate the mystery of existence - and at others, to the need to repair the world, to care for it, to make it habitable.

christian berst avant-propos

À l’instar des curateurs invités depuis 2020 dans le cadre de l’espace The Bridge, j’ai choisi cette fois-ci de donner carte blanche à Anaël Pigeat – créatrice du podcast Phonomaton - et Yvannoé Krüger – directeur artistique de Poush Manifesto.

Mais, pour accorder plus d’ampleur encore à ce dialogue entre l’art brut et d’autres univers, l’exposition se déploiera désormais sur les deux espaces de la galerie pour former le premier volet d’un cycle qui s’intitule Débordement.

la galerie. Ces duos donnent lieu à des récits imaginaires, à des rapprochements formels, thématiques ou simplement spirituels. Tels des éclaireurs ou des révélateurs, les artistes nous invitent à plonger notre regard dans le leur, pour mieux voir.

Ainsi est née l’idée de réunir des « Eclaireurs », c’est à dire 8 artistes résidents des ateliers de Poush (à Clichy) qui ont été conviés à choisir chacun un artiste représenté par

Anaël Pigeat est critique d’art, diplômée du Courtauld Institute. Elle a été responsable du service culturel au musée d’Art moderne de la Ville de Paris, puis rédactrice en chef de la revue Art Press pendant sept ans. En 2018, elle rejoint l’équipe du mensuel The Art Newspaper France en tant qu'editor-at-large. Par ailleurs elle contribue au cahier culture de Paris Match. Elle a été également chroniqueuse sur France Culture, dans « La Dispute » de 2014 à l’arrêt de l’émission, en 2020. Elle anime régulièrement « Les Masterclasses » sur France Culture, ainsi que des séries de l’émission « À Voix Nue ». Elle a écrit plusieurs livres, notamment Cinéma Martial Raysse (Les Presses du réel), L’Art en mouvement (La Martinière), Effervescence de la peinture dans l’art contemporain (Flammarion)... Elle est aussi commissaire d’exposition, récemment Rosa Maria Unda Souki, Commencements à la Cité internationale des Arts, Jennifer Douzenel, Out Of The Blue à l’UNESCO, Entre tes yeux et les images que j’y vois à la Fondation Pernod-Ricard (avril 2022)…

Phonomaton réunit des portraits d’artistes, de galeristes, de collectionneurs, de commissaires, mais aussi des portraits d’œuvres et d’expositions. Mes phonomatons sont le fruit de mes curiosités pour l’art contemporain mais aussi pour l’art ancien, parfois aussi pour d’autres territoires de la création. Ces interrogations et ces tentatives de réponses ont en commun la volonté d’élucider les gestes créateurs, en commençant par écouter pour regarder… Un podcast produit et animé par Anaël Pigeat

Au moment où les artistes cèdent leur place dans des friches industrielles à des entreprises en quête d’attitudes créatives, Manifesto leur propose de se confronter à l’univers d’un immeuble de bureaux. Forte de son expérience à l’Orfèvrerie (Saint-Denis), où l’agence a orchestré une occupation temporaire par 80 artistes de l’automne 2018 à l’été 2019, Manifesto est fière d’avoir ouvert un lieu novateur dédié à la création contemporaine. POUSH propose aux artistes des ateliers de travail à des tarifs accessibles, favorisant ainsi leur maintien dans le Grand Paris, et les accompagne dans leur développement par des services dédiés. Dans un immeuble de grande hauteur construit dans les années 1970 à Clichy et administré aujourd’hui par Sogelym Dixence, cette silhouette carrée qui domine le périphérique et a longtemps été le siège d’activités tertiaires vit désormais une nouvelle page de son histoire. Ouvert en mars 2020, POUSH accueille désormais plus de 220 artistes sur 9 étages ! Sous la direction artistique d’Yvannoé Kruger, Manifesto anime une programmation artistique singulière, qui participe du renouvellement de la Porte Pouchet et contribue au rayonnement de Clichy. Depuis sa création, POUSH a proposé une cinquantaine d’expositions ainsi que des interventions sur le bâtiment, des installations in situ et des performances. Le lieu a vocation à s’ouvrir à des partenaires locaux, nationaux et internationaux. Initialement prévu pour une durée d’un an, POUSH accueillera finalement ses résidents jusqu’à mars 2022.

Yvannoé Krüger est un commissaire d’exposition qui aime à trouver des passerelles entre les différents champs de l’art. Formé à l’University of the Arts London à LCC et Central Saint Martins, il fait ses premières armes dans la réalisation de fiction et de documentaires. Il s’engage ensuite aux côtés des artistes et rejoint l’équipe de programmation artistique de Jean de Loisy au Palais de Tokyo de 2011 à 2015, où il organise nombre de performances, festivals, concerts et installations. Il intervient régulièrement en tant que commissaire d’exposition et est régulièrement invité à participer à des conférences. Directeur artistique de Manifesto, Yvannoé est chargé d’orienter les réflexions des programmes et commandes artistiques. Depuis 2020, il pilote la direction artistique de POUSH, atelier d’artistes initié par Manifesto à Clichy.

anaël pigeat & yvannoé krüger propos

Comment faire résonner l’art brut avec la création contemporaine ? Comment confronter les mondes de l’art ? Telle est la question que Christian Berst a commencé à soulever dans ses expositions du Bridge, de l’autre côté du passage des Gravilliers où se trouve la galerie.

Après quelques échanges, il nous a fait l’inspirante proposition qui consistait à utiliser pour la première fois ses deux espaces d’exposition de façon conjointe, et à y montrer des artistes résidents dans les ateliers de Poush en dialogue avec des artistes bruts. Encore fallait-il déterminer des règles du jeu. C’est par un raisonnement délibérément intuitif que nous avons d’abord imaginé la liste de nos invités, en pensant qu’ils auraient le goût de ces œuvres visibles à la galerie, réalisées par des créateurs en marge des circuits artistiques. Chacun d’entre eux serait exposé en duo avec un

artiste brut représenté par Christian Berst qu’il choisirait, dans des tête-à-tête intimes et expérimentaux. Il fallait éviter l’écueil des pures analogies visuelles, et plutôt donner lieu à des rapprochements formels, thématiques ou simplement spirituels. Enthousiasmés par ce projet, les artistes que nous avons rencontrés à Poush ont répondu parfois même au-delà de ce que nous avions imaginé. L’art brut avait déjà, pour plusieurs d’entre eux, une place singulière dans la formation de leur regard, dans leur rapport au monde et à l’art. Certains, confrontés aux œuvres des artistes bruts, sont même parfois allés jusqu’à réin-

[...] Tels des éclaireurs ou des révélateurs, ils nous ont invité à plonger notre regard dans le leur, pour mieux voir. [...]

venter leur façon de travailler et leur manière de montrer en créant des œuvres inédites pour cette exposition. Tels des éclaireurs ou des révélateurs, ils nous ont invité à plonger notre regard dans le leur, pour mieux voir.

navals imaginaires. Mais elle a plutôt jeté son dévolu sur le syncrétisme qui plane dans les compositions mystiques d’Eric Benetto où les temples hindous voisinent avec des compositions abstraites. Les collages peints à l’encre noire, dont les reflets s’irisent sous la lumière, de ce créateur à Plusieurs choix se sont imposés comme la vie d’ascète qui a voyagé jusqu’en Inde, des évidences, une rencontre de hasard vibrent avec les silhouettes cosmiques de nécessaire, comme pour Boryana Pet- l’artiste italienne. kova, artiste bulgare dont les compositions dans l’espace, réalisés avec toute Parce qu’il dessine des plumes de penl’amplitude de son corps, se révèlent être sées… Voilà pourquoi Sabine Mirlesse a dans une sorte de sororité avec les des- choisi Zdeněk Košek. Lorsque l’on regarde sins de Patricia Salen, devenue Pandora les œuvres de l’un et de l’autre, les similiaprès une rencontre avec son double. Les tudes de formes ne sautent pas immédiavibrations de leurs traits sont comme des tement aux yeux, mais les deux artistes métronomes anarchiques, des façons de ont en commun un dialogue étroit avec battre le temps et d’ouvrir des horizons les forces de la nature. Sabine Mirlesse a nouveaux. entrepris pendant le premier confinement d’écrire quotidiennement une carte posNous avions d’abord imaginé de montrer tale à un volcan. C’était une façon de reles recherches que Julien Discrit mène en nouer avec le centre de la terre: l’intérieur ce moment sur les ressorts de la mémoire à l’extérieur et réciproquement. Quant et de sa disparition, mais c’est vers l’œuvre à Zdeněk Košek, c’est pour comprendre de Harald Stoffers qu’il nous a entraînés, la marche du monde qu’il observait les pour la faire dialoguer avec des frottages nuages de sa fenêtre comme s’il pouvait sur papier d’un plancher, celui de sa mai- leur commander. Une porte mal fermée son familiale en Bretagne. Il révèle par ce dans sa cuisine pouvait conduire à une geste l’image d’une sculpture aux accents catastrophe à l’autre bout du monde. Un piranésiens, mais à l’échelle des vrillettes autre intérieur lié à un autre extérieur. qui ont creusé ces lattes de bois. Le caractère obsessionnel de l’écriture d’Harald Passionné de musique et collectionStoffers, qui est aussi un dessin, a séduit neur de disques, Charles Hascoët s’était Julien Discrit dans la proximité de sa pra- d’abord intéressé à August Walla. C’était tique. avant qu’une succession de micro-événements ne l’oriente naturellement vers Cecilia Granara est une enthousiaste, et les chapelets de noeuds de Pascal Tassini, c’est d’abord vers Marilena Pelosi qu’elle à commencer par un regard posé dans s’était tournée. Elle aurait pu exposer avec son atelier sur un jouet de tissu qu’il avait cette artiste brésilienne, dont les corps de confectionné pour le chien de son ami l’arfemmes au stylo Bic, dessinent des car- tiste Ugo Schildge. Des nœuds et encore

[...] Par leurs propositions quasiment toutes inédites, ils invitent à rester attentifs à ces discrets du monde. [...]

des nœuds de tissus, qui résonnaient avec les sculptures de cet artiste belge. Charles Hascoët retrouvait aussi, à travers ces compositions colorées dans l’espace, les silhouettes des furbies qu’il représente obsessionnellement dans ses tableaux. Il ferait le portrait de Tassini, celui des jouets de tissu et aussi, dans un coup d’esbroufe, un portrait de Rothko – le bouledogue de son ami et voisin de couloir à Poush. L’envie qu’a éprouvée Mateo Revillo d’une conversation en images avec Anton Hirschfeld est liée à son intérêt pour l’architecture, à ses grandes compositions abstraites qui évoquent des fragments de murs. Mais ce sont ses petites “Defixions” aux lignes creusées sur du plomb qu’il montre dans l’exposition. Ces œuvres prennent leurs sources dans les ex-votos antiques, les objets divinatoires et les tablettes de malédiction que les Romains disposaient dans les fondations des bâtiments. Par l’intensité et la profondeur de leurs noirs, ces petits objets sont au diapason des couches de pastel et d’encre qu’Hirschfeld mêle dans ses vues, et qui laissent imaginer des gratte-ciels à New York et des horizons vus par les fenêtres des trains. Ce sont des paysages hallucinés à l’infini de la vision.

d’humour sombres, il exprime aussi les bonheurs et les difficultés de l’enfance. Au cœur des dessins de Jacqueline B, que Jean Dubuffet avait repérée au début des années 60, il a été touché par la perception d’une l’histoire familiale compliquée, tant dans leur dimension figurative que dans leur caractère parfois presque abstrait. Connaissez-vous Le Fétichiste? Christian Berst se demandait comment associer le fétichisme et l’art brut. Il a un jour découvert quelque 8000 photographies dans une valise, mené l’enquête et mis au jour la figure d’un artiste dont on ignore encore l’identité. Madeleine Roger-Lacan s’est emparée de ces photographies pudiques qui ont de surprenants échos avec ses bouquets de jambes, ses femmes qui marchent et ses corps révélés. Et comme c’est sa propre mère, Anne Roger-Lacan, elle-même artiste, qui l’a initiée à l’art brut dès son plus jeune âge, Madeleine RogerLacan nous a proposé d’exposer aussi avec elle dans un cabinet de curiosité rouge carmin.

À l’issue de ces expériences, les artistes ont pleinement joué leur rôle de révélateurs, ou d’éclaireurs de ces objets souvent silencieux que sont les œuvres d’art Poète touche-à-tout polono-vénézuélien, brut. Par leurs propositions quasiment inspiré par les incantations de la Beat Ge- toutes inédites, ils invitent à rester attenneration, Jack Rothert Garcia est arrivé à tifs à ces discrets du monde. Les deux esl’art après une première vie qui avait com- paces de la galerie sont devenus le théâtre mencé dans la mode. Pour l’exposition, d’entrelacements sensibles. Quand les nous avons sélectionné un ensemble de bizarreries des uns éclairent les fragilités feuilles qu’il réalise en grand nombre, des des autres… dessins spontanés, presque épidermiques. Derrière ses mots crus, derrière ses traits 17

3 18 / workshops ateliers 1. madeleine roger lacan / 2. cécilia granara / 3. matéo revillo / 4. anton hirschfeld / 5. charles hascouët / 6. sabine mirlesse 7. pascal tassini / 8. zdeněk košek

ateliers / workshops 20

1. jack rothert garcia 2. julien discrit 3. boryana petkova

christian berst foreword

Following the trail blazed by the curators invited to The Bridge since 2020, I have chosen this time to give carte blanche to Anaël Pigeat – creator of the Phonomaton podcast – and Yvannoé Krüger – artistic director of Poush Manifesto.

But, to offer even greater scope to this dialogue between art brut and other worlds, the exhibition will now unfold over the two spaces of the gallery to form the first part of a cycle entitled Débordement (Overflow).

matic or simply spiritual connections. Like pathfinders or revealers, the artists invite us to plunge our gaze into theirs, the better to see.

Thus was born the idea of bringing together the Eclaireurs (Pathfinders): 8 artists residing in the Poush workshops (in Clichy), who were each invited to choose an artist represented by the gallery. These duos give rise to imaginary stories, to formal, the-

At a time when artists are giving up their place in industrial wastelands to companies in search of creative attitudes, Manifesto is offering them the opportunity to engage with the world of an office building. Building on its experience at l’Orfèvrerie (SaintDenis), where the agency orchestrated a temporary occupation by 80 artists from autumn 2018 to summer 2019, Manifesto is proud to have opened an innovative place dedicated to contemporary creation. POUSH offers artist’s studios at affordable rates, thus encouraging them to stay in Greater Paris, and supports them in their development through dedicated services. In a high-rise building erected in the 1970s in Clichy, and now managed by Sogelym Dixence, this square silhouette overlooking the ring road, which has long been the seat of service sector activities, is living a new page in its history. Opened in March 2020, POUSH now houses over 220 artists on 9 floors! Under the artistic direction of Yvannoé Kruger, Manifesto runs a singular artistic programme, which contributes to the renewal of Porte Pouchet and the influence of Clichy. Since its creation, POUSH has presented about fifty exhibitions, as well as interventions on the building, in situ installations and performances. The space is intended to be open to local, national and international partners. Initially planned to last one year, POUSH will in fact welcome its residents until March 2022. 24

Yvannoé Krüger is a curator who likes to find bridges between the different fields of art. Trained at the University of the Arts London at LCC and Central Saint Martins, he began his career in fiction and documentary filmmaking. He then became involved with artists and joined Jean de Loisy’s artistic programming team at the Palais de Tokyo from 2011 to 2015, where he organised numerous performances, festivals, concerts and installations. He regularly curates exhibitions and is regularly invited to participate in conferences. As artistic director of Manifesto, Yvannoé is responsible for guiding the thinking behind the programmes and artistic commissions. Since 2020, he has been leading the artistic direction of POUSH, an artists’ workshop initiated by Manifesto in Clichy.

Anaël Pigeat is an art critic and graduate from the Courtauld Institute. She was in charge of the cultural department at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, and then editor-in-chief of the magazine art press for seven years. In 2018, she joined the team of the monthly The Art Newspaper France as an editor-at-large. She also contributes to the culture section of Paris Match. She was part of the radio programme « La Dispute » on France Culture, from 2014 to the end of the show, in 2020. She regularly produces « Les Masterclasses » on France Culture, as well as series on the program « À Voix Nue ». She has written several books, including Cinéma Martial Raysse (Les Presses du réel), L’Art en mouvement (La Martinière), Effervescence de la peinture dans l’art contemporain (Flammarion)... She is also a curator, recently Rosa Maria Unda Souki, Commencements at the Cité Internationale des Arts, Jennifer Douzenel, Out Of The Blue at UNESCO, Between your eyes and the images I see in them at the Foundation PernodRicard (April 2022) Phonomaton gathers portraits of artists, managers, collectors, curators, but also portraits of works and exhibitions. My phonomatons are the fruit of my curiosity for contemporary art but also for ancient art, sometimes also for other territories of creation. These questions and these attempts at answers have in common the will to elucidate the creative gestures, while starting by listening to better look at objects... A podcast produced and hosted by Anaël Pigeat

words anaël pigeat & yvannoé krüger

How to make art brut resonate with contemporary creation? How to bring different art worlds into relation with one another? This is the question that Christian Berst has started to consider in his exhibitions at the Bridge, on the other side of the Passage des Gravilliers, where his Galerie Christian Berst is located.

After some discussion, he presented us with the inspiring proposal of using his two exhibition spaces together for the first time, and showing artists resident in the Poush studios in interaction with outsider artists. The rules of the game still had to be determined. It is by a deliberately intuitive reasoning that we first came up with the list of our guests, thinking they would have a taste for the works shown at the gallery, made by creators on the margins of the artistic circuits. Each of them was to be exhibited in a duo with an outsider artist represented by Christian Berst, and whom he would

select – close, experimental tête-à-têtes. It was necessary to avoid the pitfall of purely visual analogies, and instead to allow formal, thematic or simply spiritual connections. Excited by this project, the artists we met at Poush responded, sometimes even beyond what we had imagined. For several of them, art brut had already played a singular role in the shaping of their vision, in their relationship to the world and to art. Some of them, confronted with the works of outsider artists, have even gone so far as to reinvent their way of working and their way of representing by creating

[...] Like scouts or revealers, they have invited us to look through their eyes, in order the better to see. [...]

new works for this exhibition. Like scouts or revealers, they have invited us to look through their eyes, in order the better to see.

mer under the light, of this creator who leads the life of an ascetic who has travelled as far as India, vibrate with the cosmic silhouettes of the Italian artist.

Several choices were a must, a necessary chance meeting. This was the case for Boryana Petkova, a Bulgarian artist whose compositions in space, created with all the amplitude of her body, turn out to be in a sort of sisterhood with the drawings of Patricia Salen, who became Pandora after an encounter with her double. The vibrations of their lines are like anarchic metronomes, different ways of beating time and opening up new horizons.

Because he draws plumes of thoughts – this is why Sabine Mirlesse chose Zdenek Košek. When you look at the works of the two artists, the similarities in form are not immediately obvious, but both artists share a close dialogue with the forces of nature. During the first lockdown Sabine Mirlesse undertook the writing of a daily postcard to a volcano. It was a way of reconnecting with the centre of the earth: the inside to the outside and vice versa. As for Košek, it is to understand the world’s progress that We had initially imagined showing the he observed the clouds from his window, research that Julien Discrit is currently as if he could command them. A badly conducting on the mechanisms of memo- closed door in his kitchen could lead to a ry and its disappearance, but it was to the catastrophe on the other side of the world. work of Harald Stoffers that he drew us, Another inside linked to another outside. in order to put it into dialogue with paper rubbings of a floor, that of his family home As a music lover and record collector, in Brittany. This gesture reveals the image Charles Hascoët was initially interested of a sculpture with Piranesian overtones, in August Walla. That was before a sucbut on the scale of woodworms that have cession of mirco-events naturally direcbored into wooden slats. The obsessive ted him towards Pascal Tassini’s strings of character of Stoffers’ writing, which is knots, starting with a glance in his studio also a form of drawing, seduced Discrit at a fabric toy he had made for the dog with its proximity to his own practice. belonging to his friend, the artist Ugo Schildge. Knots and more knots of fabric, Cecilia Granara is an enthusiast, and it was which resonated with the sculptures of this to Marilena Pelosi that she first turned. She Belgian artist. Charles Hascoet also found, could have exhibited with this Brazilian ar- through these colourful compositions in tist, whose women’s bodies executed with space, the silhouettes of the Furbies that Bic ballpoints are depicted in imaginary he obsessively depicts in his paintings. He carnivals. But she instead chose the syn- would paint a portrait of Tassini, a portrait cretism that hovers in Eric Benetto’s mys- of the fabric toys and also, in a stroke of tical compositions, where Hindu temples brilliance, a portrait of Rothko – his friend’s stand next to abstract compositions. The bulldog and corridor neighbour at Poush. collages painted in black ink, which shim-

[...] Through their proposals, almost all of which are new, they invite us to remain attentive to these discreet objects of the world. [...]

Mateo Revillo’s desire for a pictorial conversation with Anton Hirschfeld is linked to his interest in architecture, to his large abstract compositions that evoke fragments of walls. But it is his small “Defixions” with lines carved on lead that he is showing in the exhibition. These works have their roots in ancient ex-votos, divinatory objects and curse tablets that the Romans placed in the foundations of buildings. The intensity and depth of the blacks in these small objects are on a par with the layers of pastel and ink that Hirschfeld mixes into his views, suggesting skyscrapers in New York and horizons seen through train windows. They are hallucinatory landscapes of infinite vision. A Polish-Venezuelan jack-of-all-trades, inspired by the incantations of the Beat Generation, Jack Rothert Garcia came to art after a first life in fashion. For the exhibition, we have selected a set of sheets that he produces in large numbers, spontaneous, almost epidermal drawings. Behind his crude words, behind his dark strokes of humour, he also expresses the joys and difficulties of childhood. In the drawings by Jacqueline B, whom Jean Dubuffet had spotted in the early 1960s, he was touched by the perception of a complicated family history, both in their figurative dimension and in their sometimes almost abstract character. Do you know Le Fétichiste? Christian Berst wondered how to combine fetishism and art brut. One day he discovered some 8,000 photographs in a suitcase, investigated and brought to light the figure of an artist whose identity is still unknown. Madeleine Roger-Lacan has taken hold

of these modest photographs, which feature surprising echoes of her bouquets of legs, her walking women and her revealed bodies. And as it was her own mother, Anne Roger-Lacan, herself an artist, who introduced her to art brut at a very young age, Madeleine Roger-Lacan suggested that she might exhibit with her in a scarlet cabinet of curiosities. At the end of these experiences, the artists fully played their role as revealers or scouts of these often silent objects that are works of art brut. Through their proposals, almost all of which are new, they invite us to remain attentive to these discreet objects of the world. The two spaces of the gallery have become a theatre of sensitive intertwining: when the oddities of some shed light on the fragility of others...

les révélateurs the pathfinders

de haut en bas et de gauche à droite: from top to bottom and from left to right:

Jacqueline B, Éric Benetto, Julien Discrit, Cecilia Granara, Charles Hascoët, Anton Hirschfeld, Zdeněk Košek, le Fétichiste, Mateo Revillo, Jack Rothert Garcia, Sabine Mirlesse, Boryana Petkova, Patricia Salen, Madeleine Roger-Lacan, Harald Stoffers, Pascal Tassini.

work of so-called outsider ar" The tists has a fascination for me that I

believe all art lovers share. It is due in the first place to the mystery of a practice that paradoxically appears as an obvious, necessary gesture. This is the case with Harald Stoffers, with whom I wished to associate my work. Here we share the same image of a cryptic writing, carried by regular lines. The writing that I reproduce by rubbing isn’t really writing, because it is created by insects, but there is the same ostinato in our two works, the same obsession in the repeated gesture. Both can thus, I hope, offer in parallel the form of a language that remains to be deciphered.

julien discrit

Le travail des artistes dits bruts, exercent sur moi une fascination que tout amateur d’art me semble partager. Elle est due en premier lieu au mystère d’une pratique qui paradoxalement se donne comme une évidence, un geste nécessaire. C’est le cas chez Harald Stoffers, auquel j’ai souhaité associer mon travail. Nous partageons ici la même image d’une graphie cryptée, portée par des lignes régulières. L’écriture que je reproduis par frottage n’en est pas véritablement une, car elle est créée par des insectes, mais il

harald stoffers

y a dans nos deux travaux le même ostinato, la même obsession dans le geste répété. L’un et l’autre peuvent ainsi, je l’espère, proposer en miroir la forme d’un langage qu’il restera à déchiffrer. julien discrit

julien discrit

1978 . france

Les œuvres de Julien Discrit se déploient sous forme d’installations, d’images et de sculptures, et cherchent le plus souvent à installer une tension entre le visible et ce qui reste dissimulé. Les notions d’empreinte et de trace, dans leurs composantes à la fois théoriques et techniques, en constitue l’axe majeur de recherche. En quête d’un art procédural, l’artiste s’appuie notamment sur les phénomènes dits « naturels », comme peuvent l’être la fossilisation ou l’érosion, qu’il considère comme des générateurs de formes plastiques.

poscast pnonomaton

Julien Discrit est né en 1978, il vit et travaille à Paris. Après des études de Géographie il est diplômé de l’ESAD de Reims en 2004 avec les félicitations du jury. Il est sélectionné pour le prix Ricard en 2008, et a participé à de nombreuses expositions en France et à l’étranger dont La Biennale de Lyon en 2011 et en 2017, il est lauréat du prix FAWU et du prix « 1% marché de l’art du Crédit Municipal » en 2019. Ses œuvres font parties de nombreuses collections publiques comme celle du Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, du MACVAL, ou encore du FNAC. Il collabore avec la galerie Anne-Sarah Bénichou depuis 2016.

Julien Discrit’s unfolds into the form of installations, images and sculptures, and most often seeks to install a tension between what is visible and what remains hidden. The notions of imprint and trace, in both their theoretical and technical components, constitute the major axis of his research. In his quest for procedural art, the artist relies in particular on so-called «natural» phenomena, such as fossilization or erosion, which he considers to be generators of plastic forms.

Julien Discrit was born in 1978 and lives and works in Paris. After studying Geography, he graduated in 2004 from the ESAD in Reims with honours. He was selected for the Prix Ricard in 2008, and has participated in numerous exhibitions in France and abroad, including the Biennale de Lyon in 2011 and in 2017, and is a winner of the FAWU prize and the «1% art market price” from Crédit Municipal in 2019. His works are part of numerous public collections such as the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, the MACVAL, and the FNAC. He has been collaborating with the Anne-Sarah Bénichou gallery since 2016.

harald stoffers

More than twenty years ago, Harald Stoffers began a fictional correspondence with his mother, in which all the letters started with « Liebe Mutti ». He began this exercise at a workshop for people with disabilities at which he worked. He started by distributing them amongst his fellow workers in the form of small torn notes. Stoffers’ letters later thickened, some even reaching ten meters long. The letters of Harald Stoffers – part writing, part musical score, part pictorial composition – are of a rare intensity, inviting the viewer both to read them and to contemplate them in silent fascination. Presented in a film by Youssef Tabti at the Grand Palais in 2009, his work was included in such prestigious institutions as the Mona (Australia), the Hamburger Kunsthalle (Berlin), the Oliva Creative Factory (Portugal), the Dox Art Center (Prague) and the Maison rouge (Paris).

1961 . allemagne

Il y a plus de vingt ans, Harald Stoffers commence un échange épistolaire, fictif, avec sa mère dans lequel toutes ses lettres commencent par « Liebe Mutti ». Interné très jeune, c’est à l’hôpital qu’il s’initie à cet exercice, et distribue d’abord de courts billets déchirés aux autres patients. Plus tard, les lettres de Stoffers se densifient, tandis qu’elles atteignent parfois plusieurs mètres de long. Entre écriture, partition musicale et composition graphique, les lettres d’Harald Stoffers, par leur rare intensité, invitent tant à la lecture qu’à la contemplation fascinée. Présenté dans un film de Youssef Tabti au Grand Palais en 2009, son œuvre a été montrée dans des institutions aussi prestigieuses que le Mona (Australie), la Hamburger Kunsthalle (Berlin), l’Oliva Creative Factory (Portugal), le Dox Art Center (Prague) ou la Maison rouge (Paris).

harald stoffers sans titre untitled, 2011 encre sur papier, 70 x 50 cm ink on paper, 27.5 x 19.75 in

courtesy de l’artiste et de la galerie anne-sarah bénichou

julien discrit sans titre untitled (registre), 2011 frottage à la mine de plomb sur papier, 147 x 110 cm lead pencil rubbing on paper, 58 x 43 in

harald stoffers sans titre untitled, 2012 encre sur papier cartonné, 40 x 40 cm ink on cardboard, 15.75 x 15.75 in

julien discrit sans titre untitled, 2020 frottage à la mine de plomb sur papier, 118,5 x 44 cm lead pencil rubbing on paper, 46.6 x 17.3 in courtesy de l’artiste et de la galerie anne-sarah bénichou

1. Love in every fibre Love in every cellLove from my mouth to your death. Maybe there is no distance Between my cosmic openings And your tentacular blackness. Gaseous and tender, Dark is our universe, Come, let’s float in something larger than everything, Something made up of everything. Inside and outside my body. 2. Channeling 3. Eric’s work reminds me that I am looking for magic. That the motif, the cosmos, the animal, the darkness are the gateways to going far and yet remaining present. One can float in the liquid milk of the universe through drawing, through pigments that are diluted or the arborescences of Indian ink on wet paper that are created like alveoli. I remember the first time my grandmother Costanza taught me as a child to meditate. I was maybe five or six years old, and my sister Bianca and I couldn’t fall asleep in our bunk beds in Mexico City.

Nonna Costanza asked us to close our eyes, to pay attention to our breathing, and she led us on an inner stroll through our bodies, from our heads to the tips of our little children’s toes. I felt as if my body was expanding, as if the boundary between my back and the mattress was melting away. Behind my eyelids it was dark, and the world of dreams was more accessible. Later in life I found this body scan technique at the end of yoga classes, in a position called savasana, ‘corpse pose’. Every night we die for some hours, we leave our consciousness to wake up slightly different, but connected to the day before, and the day before, and the day before through the dark space that connects our dreams. In the bodily experience of meditation, we can go into the depths of our bodies, and paradoxically go a very long way from our bodies. The rhythm of time changes. We can enter into communion and communication with invisible things, as in prayer. Another technique that I was taught is to speak with the spirits, the ancestors, the divine, with closed eyes. Painting and drawing are a third technique of prayer and meditation, this time with open eyes. The spaces and visions accessible during meditation or prayer are not so far from those offered by the portals that painting opens for us.

cécilia granara

1. Love in every fiber Love in every cell— Love from my mouth to your death. Maybe there is no distance Between my cosmic openings And your tentacular blackness. Gaseous and tender, Dark is our universe, Come, let’s float in something larger than everything, Something made up of everything. Inside and outside my body. 2. Canaliser 3. Le travail d’Éric me rappelle que je suis à la recherche de magie. Que le motif, le cosmos, l’animal, la noirceur sont les portes d’accès pour aller loin tout en restant présents. On peut flotter dans le liquide du lait de l’univers par le dessin, par les pigments qui se diluent ou les arborescences d’encre de chine sur papier mouillé qui se créent comme des alvéoles. Petite, je me souviens de la première fois que ma grand-mère Costanza m’apprit a méditer. J’avais peut-être cinq ou six ans et avec ma sœur Bianca on n’arrivait pas à s’endormir dans notre lit superposé à Mexico City. Nonna Costanza nous

éric benetto demanda de fermer les yeux, de faire attention à notre respiration et elle nous guida dans une balade intérieure de notre corps, en partant de la tête jusqu’au bout de nos petits orteils d’enfants. J’avais l’impression que mon corps était en expansion, que la limite entre mon dos et le matelas se fondait. Derrière mes paupières, il faisait noir et le monde des rêves était plus facile d’accès. Plus tard dans la vie, j’ai retrouvé cette technique de body scan à la fin des cours de yoga, dans une position qu’on appelle la posture du cadavre, savasana, « corpse pose ». Every night we die for some hours, we leave our consciousness to wake up slightly different but connected to the day before, and the day before, and the day before through the dark space that connects our dreams. Dans l’expérience corporelle de la méditation, nous pouvons partir dans les profondeurs de notre corps, et paradoxalement partir très loin de notre corps. Le rythme du temps change. On peut entrer en communion et en communication avec des choses invisibles, comme dans la prière. Une autre technique qu’on m’avait apprise et par laquelle, les yeux fermés, on peut parler avec les esprits, les ancêtres, le divin. La peinture et le dessin sont une troisième technique de prière et de méditation, les yeux ouverts cette fois-ci. Les espaces et les visions accessibles pendant la méditation ou la prière ne sont pas si loin de ceux qui sont offerts par les portails que la peinture nous ouvre.

cécilia granara

cecilia granara

poscast pnonomaton

1991 . arabie saoudite

De nationalité italienne, Cecilia Granara a grandi à Mexico, Rome, Chicago. Sa peinture puise dans l’auto-fiction, la poésie et l’iconographie symbolique. Elle s’intéresse aux attitudes culturelles face à la sexualité, aux corps et à l’utilisation de la couleur comme vecteur d’émotions. Elle a étudié à la Central St. Martin’s School of Art and Design de Londres et à l’ENSBA de Paris et au Hunter College de New York. Elle a été nommée pour le Prix Marin pour la Peinture en 2019 et le Prix Cairo pour l’art contemporain en 2021. Elle est lauréate du prix pour l’oeuvre en façade de POUSH Manifesto en 2021. Le travail de Cecilia interroge les représentations du féminin et explore le corps comme siège des émotions. L’amour, le désir, le manque ou la tristesse sont autant d’états que l’artiste symbolise dans ses tableaux. Sa peinture créée en effet des territoires d’accueil pour exprimer la souffrance et la colère, les raviver et les traverser dans une expérience méditative qui convoque les notions de groupe et de communion. La puissance de l’immersion dans les couleurs renvoie ainsi à une chorégraphie d’énergies salutaires qui réveillent le corps pour le faire entrer en empathie avec des récits de souffrances imaginaires peuplés d’apparitions, de divinités et de fantômes. Ses couleurs expriment l’apaisement, l’espoir, la chaleur et la joie. Elles offrent aussi un refuge collectif à la violence, pour l’évacuer, usant du plaisir comme possible chemin de résistance.

Of Italian nationality, Cecilia Granara grew up in Mexico City, Rome and Chicago. Her painting draws on autofiction, poetry and symbolic iconography. She is interested in cultural attitudes towards sexuality, the body and the use of colour as a vehicle for emotion. She studied at Central St. Martin’s School of Art and Design in London, the ENSAB in Paris, and Hunter College in New York. She was nominated for the Marin Prize for Painting in 2019 and the Cairo Prize for Contemporary Art in 2021. She is the winner of the prize for the work displayed on the façade of the POUSH Manifesto building in 2021. Granara’s work queries representations of the feminine, and explores the body as the seat of emotions. Love, desire, lack and sadness are all states that the artist symbolises in her paintings. Her paintings create territories where suffering and anger can be expressed, rekindled and traversed in a meditative experience that evokes notions of group and communion. The power of immersion in colours thus refers to a choreography of salutary energies that awaken the body to make it empathise with stories of imaginary suffering populated by apparitions, divinities and ghosts. Her colours express calming, hope, warmth and joy. They also offer a collective refuge from violence, to get rid of it, using pleasure as a possible path of resistance.

éric benetto

Eric Benetto has never stopped following the most treacherous spiritual paths, from the rigors of monastic life to the ascetic practices of orthodox Hesychasm. His extreme humility nevertheless prevents him from recognizing his uniqueness, for the body of work that he has created is not only marked by an intense, syncretic mysticism, but also by exceptional moderness. While working in all manner of jobs between two trips to India he began to transcribe what would become his formal grammar in travel journals. Like an uninterrupted prayer, a silent, vertiginous recitation, an obsessive graphic mantra. While the patterns are repeated ad libitum and the serial incantations spread out like a primordial om, the artist gives shape to what Romain Rolland used to call the “oceanic feeling,” this formidable thirst for osmosis with the universe. Before his first solo exhibition organized by the gallery in 2019, his work had already been noticed at the exhibition Brut Now: art brut in the time of technologies, at the Belfort museums. Since then, he has joined prestigious collections such as those of Laurent Dumas (France), Treger-Saint Silvestre (Portugal) or the Hervé Lancelin Pina-

cotheque (Luxembourg).

1972 . france

Éric Benetto n’a jamais cessé d’arpenter les voies spirituelles les plus ardues, des rigueurs de la vie monastique aux pratiques ascétiques de l’hésychasme orthodoxe. Son extrême humilité l’empêchera toutefois d’admettre sa singularité, car l’œuvre qu’il a conçu n’est pas seulement empreint d’un mysticisme exacerbé, syncrétique, mais aussi d’une exceptionnelle modernité. Tandis qu’il exerce, entre deux voyages en Inde, les métiers les plus divers il commence à transcrire dans des carnets de voyage ce qui deviendra sa grammaire formelle. Comme une prière jamais interrompue, une récitation silencieuse, vertigineuse, un mantra graphique obsédant. Tandis que les motifs sont répétés ad libitum et que les incantations sérielles se déploient comme l’aum primordial, l’artiste donne corps à ce que Romain Rolland appelait le « sentiment océanique », cette formidable soif d’osmose avec l’univers. Avant sa première exposition personnelle à la galerie en 2019, son travail avait déjà été remarqué lors de l’exposition Brut Now : l’art brut au temps des technologies, aux musées de Belfort. Il a, depuis, rejoint des collections aussi prestigieuses que celles de Laurent Dumas (France), Treger-Saint Silvestre (Portugal) ou la Pinacothèque (Luxembourg). 51

cécilia granara To be Everywhere (my love is oceanic), 2021 acrylique et pigments sur toile, 18 x 14 cm acrylic and pigment on canvas, 7 x 5.5 in

cécilia granara Angelo mio (you came and then you were gone), 2021 acrylique et aérographe sur toile, 24 x 18 cm acrylic and airbrush on canvas, 9.5 x 7 in

courtesy de l’Artiste & Exo Exo, Paris

éric benetto Cosmic song - le fleuve the river, 2007 encre de Chine et encre de couleur, 65 x 25 cm Indian ink and color ink, 25.5 x 10 in

cécilia granara breathing you, smelling you II, 2021 acrylique et pigments sur toile, 14 x 18 cm acrylic and pigment on canvas, 5.5 x 7 in courtesy de l’Artiste & Exo Exo, Paris

éric benetto le buisson ardent n’était pas à piedardant the burning bush was not in piedardant, 2009 encre de Chine et encre de couleur, 48 x 36 cm Indian ink and color ink, 19 x 14 in

cécilia granara swim III, 2021 acrylique et huile sur toile, 26,5 x 30 cm acrylic and oil on canvas, 10.25 x 11.8 in courtesy de l’artiste & Exo Exo, Paris

cécilia granara naissance (autoportrait imaginaire) birth (imaginary self-portrait), 2021 aquarelle et gouache sur papier, 15 x 10 cm watercolor and gouache on paper, 6 x 4 in courtesy de l’Artiste & Exo Exo, Paris

éric benetto peinture antique ancient painting, 2007 encre de Chine et collage sur papier, 39 x 50.2 cm Indian ink and collage on paper, 15.25 x 19.75 in

Ever since I first encountered his work many years ago, I have been drawn to Pascal Tassini’s strange work. The sincerity of his gesture and the honesty of his approach have always been a lesson in humility for me. He doesn’t seem to be looking for effect, or trying to please: he is all about his own dream, and weaves with his poetry a universe so personal that it is like a revelation. In 2017 I went to the opening of an exhibition of his work at the Christian Berst gallery. The pieces were fascinating, the softness and intimacy of his sincerity was palpable. In the middle of the gallery, in the midst of the knots and creation, Tassini sat on one of the sofas, all alone, observing with his cautious, intense eye the life all around him. I remember the exhibition well, but more than that I remember his presence, his gentleness, his fragility and even more so his sincerity. I remember being bowled over by it. Of course I didn’t dare speak to him or disturb him; I was afraid of interrupting something secret, and anyway I didn’t feel worthy of bothering him. There was a mystery in his presence that still intrigues me today. I think about it often, I feel that he has access to some purity

that can seem like an enigma to us. It is this enigma that prompted me to choose his work for this exhibition. I did what I know how to do, paintings, with what I had in front of me in the studio. A few months ago, long before this exhibition project was mentioned, I was looking after my friend Ugo Schildge’s dog, Rothko, a hefty bulldog with a big heart. I was annoyed that I didn’t have any toys to give him, but I had a lot of cloths to clean my brushes with. I took a white cloth, the cleanest of them all, and tied two knots in it to give it a fun structure, to make a toy to give Rothko. I remember doing this simple thing and thinking about Tassini and his knots, and I realised that all the knots I saw and made reminded me of him. Very naturally, when Anaël and Yvannoé came to talk to me about the exhibition, with my little means and all my sincerity I set to work to talk about knots, poetry and life.

charles hascoët

Depuis que j’ai rencontré son travail il y bien des années, j’ai eu une attirance pour l’étrange travail de Pascal Tassini. La sincérité de son geste et l’honnêteté de sa démarche m’ont toujours été une leçon d’humilité. Il ne semble pas chercher d’effet ou chercher à plaire, il est tout entier tourné vers son propre rêve, et tisse avec sa poésie un univers si personnel qu’il est comme une révélation. En 2017, j’étais allé au vernissage de l’exposition de son travail à la galerie Christian Berst. Les pièces étaient fascinantes, la douceur et l’intimité de sa sincérité étaient palpables. Au milieu de la galerie, au milieu des nœuds et de la création, Pascal Tassini se tenait sur un des canapés, tout seul, qui observait de son œil prudent et intense la vie tout autour de lui. Je me souviens bien de l’exposition, mais plus encore je me souviens de sa présence, de cette douceur, de cette fragilité et plus encore de cette sincérité. Je me souviens en avoir été bouleversé. Bien sûr je n’ai pas osé lui parler ou le déranger, j’avais peur d’interrompre quelque chose de secret, et de toute façon, je ne me sentais pas digne de venir l’ennuyer. Il y avait un mystère dans sa présence qui encore aujourd’hui me questionne.

pascal tassini

J’y repense souvent, je sens qu’il a accès à quelque pureté qui peut nous paraître une énigme. C’est cette énigme qui justement m’a incité à choisir son travail pour cette exposition. J’ai fait ce que je sais faire, des peintures, avec ce que j’avais sous les yeux dans l’atelier. Il y a quelques mois, bien avant que l’on n’évoque ce projet d’exposition, je gardais le chien de mon ami Ugo Schildge, Rothko, un épais bouledogue au grand cœur. J’étais bien ennuyé de n’avoir aucun jouet à lui offrir, pourtant j’avais tout un tas de tissus pour nettoyer mes pinceaux. J’ai pris un chiffon blanc, le plus propre de tous, et j’en ai fait deux nœuds afin de lui donner une structure amusante, d’en faire un jouet que j’offrirai à Rothko. Je me souviens qu’en faisant ce geste tout simple j’ai repensé à Tassini et à ses nœuds et je me suis rendu compte que tous les nœuds que je voyais et que je faisais me faisaient penser à lui. Très naturellement, lorsque Anaël et Yvannoé sont venus me parler de l’exposition, avec mes petits moyens et toute ma sincérité je me suis mis au travail pour parler de nœuds, de poésie et de vie.

charles hascoët

poscast pnonomaton

1985 . france

Pendant ses années d’études à l’école des Beaux-Arts de Paris, où il a obtenu son diplôme en 2014, et aux côtés de ses professeurs (J.Rielly ou J.Michel Alberola notamment), Charles Hascoët a eu l’occasion de poursuivre et d’approfondir son médium de prédilection, la peinture. Depuis lors, ses créations picturales ont été exposées dans de nombreux pays. Naviguant entre lieux institutionnels et alternatifs, il a participé à plusieurs expositions collectives, à Bruxelles (BE), Miami (US) et en France. A travers les séries de personnages et d’objets qu’il a peints récemment, il ‘’dresse le portrait d’une humanité mélancolique et endormie’’. Entre sarcasme et bienveillance, ses peintures révèlent sa vision du monde contemporain. Il est aussi connu depuis des années pour sa pratique de DJ, et pour son importante et éclectique collection de vinyles qu’il passe dans des clubs, des bars et des salles de concert, en Europe et dans le monde entier, ainsi que pour de nombreuses émissions de radio auxquelles il a participé.

Charles Hascoet studied at the Ecole des Beaux-Arts de Paris, and graduated in 2014. Of his student years, and along with his teachers (J.Rielly or J.Michel Alberola among them), he had the occasion to continue and deepen his favourite medium, painting. Since then, his pictorial creations have been exhibited in many countries. Navigating between institutional and alternative venues, he took part in several group shows, in Brussels (BE), Miami (US) or in France countryside. Through the series of figures and objects he has recently painted he ‘‘draws the portrait of a melancholic and sleepy humanity’’. Always with a certin sarcasm and benevolence, his paintings his paintings reveal his vision of the contemporary world. He has also been known for years for his DJing, and for his extensive and eclectic vinyl collection which he plays in clubs, bars and concert halls in Europe and around the world, as well as for the many radio shows he has appeared on.

pascal tassini 1955 . belgique

For more than thirty years, Pascal Tassini has been frequenting the Workshop of Créahm (Belgium), where he created his own house of objects attached to each other by rosaries of cloth knots. As with Schwitters, Tassini’s Merzbau is protean and evolutionary. This “hidden husband of Annette Messenger” (says Léa Chauvel-Lévy) produces, with a similar process, the various elements necessary for the sumptuous wedding he dreams of, from the wedding dress to the buttonholes. For the past ten years, Tassini has worked with textiles, switching between the clothes he makes, like brides’ dresses and headdresses, the decoration of his hut, and wrapping for objects such as those Judith Scott made. He intertwines scraps of material to make a webbing with numerous outgrowths, and writes letters consisting of the same letter of the alphabet repeated. Presented in 2019 in the exhibition “Extravaganza” of the Treger Saint Silvestre collection, Pascal Tassini is also part of the collections of the Madmusée (Belgium) and the Hervé Lancelin Pinacotheque (Luxembourg).

Dans l’atelier du Créahm (Belgique), qu’il fréquente depuis plus de trente ans, Pascal Tassini s’y est fabriqué sa propre maison, faite d’objets liés les uns aux autres par des chapelets de nœuds en tissu. Comme chez Schwitters, le Merzbau de Tassini est protéiforme et évolutif. Ce « mari caché d’Annette Messager » ( Léa Chauvel-Lévy) produit, avec un processus similaire, les différents éléments nécessaires à la noce somptueuse dont il rêve, de la robe de mariée aux boutonnières. Depuis 10 ans, la création de Pascal oscille entre la confection de vêtement – robes de mariée, coiffes -, l’habillage de sa cabane ou les emballages d’objets comme le faisait Judith Scott. Il noue un réseau de lambeaux d’étoffes aux nombreuses excroissances et écrit également des missives en répétant la même lettre qu’il signe de deux anneaux entrelacés. Présenté, en 2019, dans l’exposition extravaganza de la collection Treger Saint Silvestre, Pascal Tassini fait notamment partie des collections du Madmusée (Belgique) et de la Pinacothèque Hervé Lancelin (Luxembourg).

charles hascoët portrait de pascal tassini portrait of pascal tassini, 2021 huile sur toile, 22 x 16 cm oil on canvas, 8;5 x 6.25 in Photo Diane Arques, ADAGP

pascal tassini sans titre untitled, 2005 2010 assemblage textile noué, 45 x 48 x 40 cm assemblage of textile stripes, 17.75 x 19 x 15.75 in assemblage textile noué, 54 x 43 x 42 cm assemblage of textile stripes, 21.25 x 17 x 16.5 in

pascal tassini sans titre untitled, 2012 assemblage textile noué, 29 x 20 x 45 cm assemblage of textile stripes, 11.5 x 8 x 17.75 in assemblage textile noué, 11 x 14 x 17 cm assemblage of textile stripes, 4.25 x 5.5 x 6.5 in

charles hascoët jouet toy, 2021 huile sur toile, 27 x 41 cm oil on canvas, 10.5 x 16 in

charles hascoët chiffon rag, 2021 huile sur toile, 22 x 35 cm oil on canvas, 8.5 x 13.75 in

photo diane arques, ADAGP

charles hascoët rothko, 2021 huile sur toile, 30 x 24 cm oil on canvas, 11.75 x 9.5 in

charles hascoët balle de tennis tennis ball, 2021 huile sur toile, 13 x 18 cm oil on canvas, 5 x 7 in

photo diane arques, ADAGP

pascal tassini sans titre untitled, 2012 assemblage textile noué, 120 x 28 x 42 cm assemblage of textile stripes, 47.25 x 11 x 16.5 in

sabine mirlesse

I chose Košek because in what I know of his work, his drawings proposed an alternative reality in which he took on the role of conduit-- a bridge-between natural phenomena and the creative act-- which speaks directly to my ongoing interest with geomancy. Cicero famously said there are two kinds of divination -- one on art, and other in nature, and for me, the most interesting threshold to take shelter under lies between the two. Košek’s formulas, readings if you will, based on the forms of clouds reverberate this reflection. To read clouds. To write to volcanoes. The last eighteen months has found me doing this almost daily. To choose a volcano for a correspondant, the one that knows all the answers, saw the beginning of time and the end of the world, that is is my adventure.

zdeněk košek

J’ai choisi Košek parce que, d’après ce que je sais de son travail, ses dessins proposaient une réalité alternative dans laquelle il assumait le rôle de conduit - un pont - entre les phénomènes naturels et l’acte créateur - ce qui rejoint directement mon intérêt actuel pour la géomancie. Cicéron a dit de façon célèbre qu’il y a deux sortes de divination : l’une sur l’art, l’autre dans la nature, et pour moi, le seuil le plus intéressant sous lequel s’abriter se situe entre les deux. Les formules de Košek, les lectures si l’on veut, basées sur les formes des nuages réverbèrent cette réflexion. Lire les nuages. Écrire aux volcans. Au cours des dix-huit derniers mois, je l’ai fait presque quotidiennement. Choisir un volcan comme correspondant, celui qui connaît toutes les réponses, qui a vu le début du temps et la fin du monde, ceci est mon aventure.

sabine mirlesse

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sabine mirlesse

1986 . états-unis

La recherche de Sabine Mirlesse est centrée sur la visibilité des seuils et l’intériorité du paysage, avec un intérêt particulier pour la façon dont les sites géologiques sont devinés, interprétés et racontés. Tissant son chemin à travers les récits et les cosmologies minérales, l’approche multidisciplinaire de Mirlesse relie la photographie et la géologie en tant que gardiens du temps, et se manifeste à travers une accumulation de couches et de strates, complétée par la sculpture, l’installation, la vidéo et l’écriture. Sa pratique créative s’enracine dans sa formation en mysticisme et en littérature. Si la photographie est son médium premier, elle travaille également d’autres formes et techniques telles que la sculpture, l’installation, la vidéo, la gravure, et l’écriture. Elle est diplômée en Master en Fine Arts du New School à New York et d’un double Bachelor de McGill University à Montreal. Son deuxième livre, Pietra di Luce (ed. Quants), est nominé pour le Prix Bob Calle du livre d’Artiste. Il contient des textes critiques de JeanPierre Criqui et Federica Soletta.

poscast pnonomaton

Sabine Mirlesse’s research focuses on the visibility of thresholds and the interiority of landscape, with a particular interest in how geological sites are divined, interpreted and narrated. Weaving her way through mineral narratives and cosmologies, Mirlesse’s multidisciplinary approach links photography and geology as guardians of time, and manifests itself through an accumulation of layers and strata, complemented by sculpture, installation, video and writing. Her creative practice is rooted in her background in mysticism and literature. While photography is her primary medium, she also works in other forms and techniques such as sculpture, installation, video, printmaking, and writing. She holds a Master of Fine Arts degree from The New School in New York and a double Bachelor of Art degree from McGill University in Montreal. Her second book, Pietra di Luce (ed. Quants), was nominated for the Bob Calle Artist Book Award. It contains critical texts by Jean-Pierre Criqui and Federica Soletta.

zdeněk košek

Zdeněk Košek, a Czech typographer and cartoonist who, at about the age of fifty, began suffering from psychosis, saw himself as a kind of one-man hub, receiving and retransmitting all kinds of information. He spent his days at the window of his council flat, noting everything from the direction of the wind and the choreography of the clouds to changes of temperature and furtive rustlings or snatches of conversation with birds and insects. Everything he saw was a sign and his day was measured out in maps, diagrams and nebulous schemas capturing the fragile balance in which nature, were constantly being threatened with desolation. Condemned to perform this mantic practice, on the edge of his paper he conjured up a teeming world, with clusters of cores, figures and words ordered like constellations, with arrows and dotted lines pointing out the connections and cells vibrating like a primordial soup. I“I was the master of the world, it was my huge responsibility to solve all humanity’s problems. For if I did not solve them, who would?” For fifteen years and across the world, from the Palais de Tokyo to the maison rouge, from the MONA (Australia) to the DOX in Prague and the Rencontres d’Arles, his Sibylline maps have been constantly interrogating.

1949 . 2015 république tchèque

Zdeněk Košek – typographe et caricaturiste tchèque ayant sombré dans la psychose à la cinquantaine - se voyait comme une sorte de centrale recevant et émettant sans cesse des multitudes d’informations. Il passait ainsi ses journées derrière la fenêtre de son HLM, notant tout - direction des vents, ballet des nuages, changements de température, bruissements furtifs, bribes de conversation avec les oiseaux ... Tout était signe, pour lui, et ses cartographies, ses diagrammes, ses petits schémas nébuleux rythmaient ses journées, rendant compte d’un équilibre fragile dans lequel la nature étaient sans cesse menacés de désolation. Condamné à cette mancie, il faisait grouiller, au bord de la feuille, des amas de noyaux, de chiffres et de mots agencés comme des constellations. Tandis que des flèches et des pointillés en soulignaient les liens et que des cellules se mettaient à vibrionner dans cette soupe primordiale. « J’étais le maître du monde, j’avais l’énorme responsabilité de résoudre tous les problèmes de l’humanité. Si je ne les résolvais pas, qui d’autre le ferait ? ». Depuis quinze ans, du Palais de Tokyo à la Maison rouge, du MONA (Australie) en passant par le DOX de Prague et les Rencontres d’Arles, ses cartographies sibyllines ne cessent d’interroger à travers le monde. 79

zdeněk košek sans titre untitled, circa 1990 encre et marqueur sur papier, 14.7 x 19.3 cm ink and marker on paper, 5.75 x 7.5 in

sabine mirlesse dear mauna loa, i’ve been fighting something off, 2020 encre sur papier, 21 x 29.7 cm ink on paper, 8.25 x 11.5 in

zdeněk košek sans titre untitled, circa 1990 encre et marqueur sur papier, 19.3 x 14.7 cm ink and marker on paper, 7.6 x 5.75 in

zdeněk košek sans titre untitled, 1991 encre et marqueur sur papier, 19.3 x 14.7 cm ink and marker on paper, 7.6 x 5.75 in

sabine mirlesse dear paricutin, i need your advice, 2020 encre sur papier, 21 x 29.7 cm ink on paper, 8.25 x 11.5 in

zdeněk košek sans titre untitled, circa 1990 encre et marqueur sur papier, 19.3 x 14.7 cm ink and marker on paper, 7.6 x 5.75 in

zdeněk košek sans titre untitled, circa 1990 encre et marqueur sur papier, 14.7 x 19.3 cm ink and marker on paper, 5.75 x 7.5 in

sabine mirlesse dear vesuvius, when i had you all to myself, 2020 encre sur papier, 21 x 29.7 cm ink on paper, 8.25 x 11.5 in

boryana petkova

I see in Patricia Salen’s work the constant presence of the body, of her body. It is a work on the living - heartbeat, breathing, pulsation, trembling, but also and above all on the subconscious. This is why I chose this artist. It is a pursuit that I am very familiar with, and our lines convey different but complementary energies. It seems to me that we use our bodies and our tools in a different way, while having the same starting point - that of the living. Patricia’s lines come from the subconscious. They refer us to a space, the unknown. These lines are above all the result of mental work expressed and automatically translated by her body. My work is carnal. The body is both the subject and the object. In this sense, it seems to me that our drawings are complementary. Which makes it exciting to be next to Patricia!

patricia salen

Je vois dans le travail de Patricia Salen la présence constante du corps, de son corps. C’est un travail sur le vivant – battement de cœur, respiration, pulsation, tremblement mais aussi et surtout sur l’inconscient. C’est la raison pour laquelle j’ai choisi cette artiste. C’est une recherche qui m’est très familière, et nos lignes véhiculent des énergies différentes et complémentaires. Il me semble que nous utilisons nos corps, nos outils d’une manière différente, tout en ayant le même point de départ – celui du vivant. Les lignes de Patricia Salen viennent de l’inconscient. Elles nous renvoient à un espace, l’inconnu. Ces lignes sont avant tout le résultat d’un travail mental exprimé et traduit automatiquement par son corps. Mon travail est charnel. Le corps y est à la fois le sujet et l’objet. En ce sens il me semble que nos dessins sont complémentaires. Ce qui rend passionnante cette idée d’être à côté de Patricia!

boryana petkova

poscast pnonomaton

1985 . bulgarie

Diplômée de l’Académie Nationale des Beaux-Arts de Sofia et de l’ESAD Valenciennes, Boryana Petkova a mis le corps au centre de ses recherches. Elle l’utilise à la fois comme un outil et une mesure pour créer des situations qui déstabilisent, qui suspendent la bonne posture de corps, qui provoquent l’échec pour questionner ce moment court, fragile et authentique pendant lequel on perd le contrôle de notre être. Elle recherche cet état ou la pensée est engourdie et d’où résulte la fusion du corps avec un monde organique. A travers son passé d’artiste et sa vie de femme, et à travers différents média (dessin, sculpture, performance, installation vidéo, photographie et son), elle explore la contrainte, le contrôle, les limites, les préjudices, le désir et l’amour en interrogeant la poétique de l’endurance. Son œuvre est guidée par l’envie de surmonter la léthargie causée par des limites que l’on s’impose à soi-même. Boryana Petkova essaye de créer une symbiose entre des éléments qui se rejettent. Elle les met en lutte ou en synchronie pour analyser l’espace de la limite. Elle imagine et crée des liens entre les choses, dans la dissymétrie et dissimilarité.

A graduate of the National Academy of Fine Arts in Sofia and the ESAD Valenciennes, Boryana Petkova has put the body at the centre of her research. She uses it as both a tool and a measure to create situations that destabilise, that suspend the correct body posture, that provoke failure to question that short, fragile and authentic moment during which we lose control of our being. She seeks that state where thought is numbed and the body merges with an organic world. Through her past as an artist and her life as a woman, and through different media (drawing, sculpture, performance, video installation, photography and sound), she explores constraint, control, limits, prejudice, desire and love by questioning the poetics of endurance. Her work is guided by the desire to overcome the lethargy caused by selfimposed limits. Boryana Petkova tries to create a symbiosis between elements that reject each other. She puts them in struggle or in synchrony to analyse the space of the limit. She imagines and creates links between things, in dissymmetry and dissimilarity.

patricia salen

Patricia Salen was born in Quebec. After studies at Arts Décoratifs in Nice. She became Pandora in 2005. The “temporal openings” not only give her access to both past and future, but also to another level of consciousness that enables her to perform automatic writting, yet codified, that one could see in her works. It is no longer bodies but fields of vibration; it is no longer brains but encrypted maps that convey a real language. She performs, like Zdeněk Košek, a cataclysmic perception. Her work is hypnotic – and certainly enigmatic for neophytes – but nonetheless artistically jubilant. Her work is already part of the Antoine de Galbert collection (France), Amr Shaker (Suisse), du Museum of Everything (Grande-Bretagne) et de la collection de l’Art Brut de Lausanne.

1957 . canada

Née au Québec et après un passage aux arts décoratifs de Nice, Patricia Salen rencontre en 2005 son double et devient alors “Pandora”. « Les ouvertures temporelles » lui donnent accès à la fois au passé et au futur, mais également à un autre niveau de conscience qui permet l’écriture automatique, et pourtant codifiée, que l’on retrouve dans ses travaux. Ce ne sont plus des corps, mais des champs vibratoires, ce ne sont plus des cerveaux, mais des cartographies cryptées qui recèlent un véritable langage. Elle y exerce, à la manière d’un Zdeněk Košek, une perception cataclysmique. Ce travail hypnotique - pour sybillin qu’il soit au néophyte - n’en est pas moins plastiquement jubilatoire. Son oeuvre fait déjà partie des collections d’Antoine de Galbert (France), Amr Shaker (Suisse), du Museum of Everything (Grande-Bretagne) et de la collection de l’Art Brut de Lausanne.

boryana petkova 31_47_07, 2020, mécanisme en bois, vidéo, dessin performatif, dimensions variables wooden mechanism, video, performative drawing, variable dimensions

patricia salen sans titre untitled, circa 2006 graphite sur papier dessin, 30 x 40 cm graphite on drawing paper, 11.8 x 15.75 in

patricia salen blue print 1 3/3, circa 2006 graphite et aquarelle sur papier dessin, 30 x 40 cm graphite and watercolor on drawing paper, 11.8 x 15.75 in

boryana petkova desire line, 2021 papier, crayon, walldrawing, 220 x 50 cm. paper, pencil, walldrawing, 86.5 x 19.5 in.

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patricia salen sans titre untitled, circa 2006 graphite sur papier dessin, 30 x 40 cm graphite on drawing paper, 11.8 x 15.75 in

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boryana petkova link, 2018 verre, métal, dual channel video, dessin performatif, 15 x 220 x 2,5 cm / dimensions installation variables glass, metal, dual channel video, performative drawing, 6 x 86.5 x 0.75 in.

Une pièce en verre est tendue à l’horizontale. De chaque côté de cette pièce, en symétrie deux écrans diffusent deux « mains-menottes », une sur chaque écran. L’objet en verre lie deux personnes situées hors-champ dans leur dialogue effréné. Les deux mains filmées en gros plan tentent de dessiner, entre aide et haine, un combat semble s’esquisser. Deux pensées en action tentent de communiquer. Synchronisées, désaccordées, les deux mains et pensées s’unissent, s’opposent, suivent le mouvement parfois contre leur gré. Dans ce mouvement de balancier, les deux personnes cherchent à se coordonner et à éviter la rupture, ou au contraire à la provoquer. 103 Les forces s’opposent, les forces s’entraînent, elles s’annulent et se décuplent.

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mateo revillo

Anton Hirschfeld’s drawings and paintings are, for the most part, both simple marks on paper and visions of the city. These two natures diverge, which seems to me to suggest that one can hardly call the built environment in which one lives a city. Its functioning is different, but this landscape resembles it, like a memory. The city is no more, but its vision persists. These drawings are those of a world that is fading away; we live a past world in the present. My «Défixions» series is made of soiled lead sheets, sometimes cut into abstract shapes, on which drawings and marks are inscribed. They also evoke relics, they express time. Defixions were part of the magic common in Roman antiquity: curses on petty theft, for example, which were denounced in the form of offerings. The use of lead in this practice moves me. Their handcrafted form is extremely touching. Today, these objects of the immediate persist outside their world, this trade of the material with the spiritual is cut off from its social dimension, and all that remains of these objects is their materiality and their vocation. The first pieces in the series are reminiscent of ex-votos: hands, eyes, lemon... Grouped with the works of Anton Hirschfeld, these works configure a world in which buildings seem to vanish into drawings. The lead pieces, survivors of this imagined city, are a last trace of it. These two bodies of work together make me think that time flies.

anton hirschfeld

Les dessins et peintures d’Anton Hirschfeld sont, pour la plupart d’entre eux, à la fois de simples marques sur le papier et des visions de la ville. Ces deux natures divergent, ce qui me semble suggérer que l’on peut à peine appeler ville l’ensemble construit dans lequel on vit. Son fonctionnement est autre mais ce paysage lui ressemble, comme un souvenir. La ville n’est plus, mais sa vision persiste. Ces dessins sont ceux d’un monde qui s’efface; on vit un monde passé au présent. Ma série des “Défixions” est faite de tablettes en plomb souillées, parfois découpées selon des formes abstraites, et sur lesquelles s’inscrivent des dessins et des marques. Elles évoquent aussi des reliques, elles expriment le temps. Les défixions faisaient partie de la magie courante dans l’antiquité romaine: des malédictions portées sur de menus vols par exemple, que l’on dénonçait sous la forme d’offrandes. L’utilisation du plomb dans cette pratique m’émeut. Leur forme artisanale est extrêmement touchante. Aujourd’hui, ces objets de l’immédiat persistent hors de leur monde, ce commerce du matériel avec le spirituel est coupé de sa dimension sociale, et il ne reste de ces objets que leur matérialité et leur vocation. Les premières pièces de la série rappellent les ex-votos: mains, yeux, citron… Regroupées avec les travaux d’Anton Hirschfeld, ces œuvres configurent un monde dans lequel les architectures semblent s’évanouir en dessin. Les pièces en plomb, rescapées de cette ville imagée, en sont une dernière trace. Ces deux corpus d’œuvres réunis me font penser que le temps passe vite.

mateo revillo

mateo revillo 1993 . espagne

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Ayant quitté Madrid en 2011 et après ses études de Beaux-Arts à l’Université d’Oxford au Royaume-Uni, Mateo Revillo s’installe à Paris en 2016 à l’occasion de sa participation au Salon de Montrouge. Il s’intéresse aux différentes formes du commerce entre le matériel et le spirituel, à l’organisation de l’espace en concomitance avec la mémoire. Il recherche l’émotivité de l’histoire, du souvenir. Que ce soit à partir de la peinture, de l’installation ou de l’action, il développe une nouvelle grammaire du paysage dont on pourrait dire qu’elle se situe entre peinture et architecture, dans une continuité ambiguë entre l’image et son lieu. Aussi propose-t-il son opposé – l’icône – à travers des pièces qui, entre relique et objet pillé, semblent porter en elles un monde occulte, s’arracher au présent, exploiter le patrimoine émotif qu’ont les souvenirs en s’effaçant. Il travaille à découper le monde. Avec Edgar Sarin et Ulysse Geissler, il est cofondateur en 2020 de La Méditerranée, groupe de recherche autour de l’exposition comme médium en soi.

Having left Madrid in 2011 and after studying Fine Art at Oxford University in the UK, he moved to Paris in 2016 on the occasion of his participation at the Salon de Montrouge. His work is often formulated as a landscape, working in particular with paint. He is also interested in the various forms of material trade with the spiritual, in the organisation of space in conjunction with memory. He looks for the emotional response to history and to the memory. Whether it is through painting, installation or action, he develops a new grammar of the landscape which could be said to be laying between painting and architecture, in an ambiguous continuity between the image and its place. He also proposes its opposite - the icon - through artworks which, between a relic and a looted object, seem to carry an occult world, to tear themselves away from the present, to exploit the emotional heritage that memories have by fading away. Mateo works to cut up the world. With Edgar Sarin and Ulysse Geissler, he co-founded La Méditerranée in 2020, a research group on the exhibition as a medium in itself.

anton hirschfeld

Discovered thanks to the writer Nancy Huston, Anton Hirschfeld is one of the youngest artists represented by the gallery. Anton Hirschfeld treats all the subjects he explores with the same breadth, to the point that abstraction and figuration literally fuse. If fundamentally all that interests him are the prodigious possibilities of form, this form would be nothing without the energy that flows through it and the structure that lies beneath. The sensations are there, vibrant as the light, radical in their lines, melodious in their palette. Even works inspired by photographs of New York are transformed into challenges. Chromatic challenges, plastic challenges, rhythmic challenges, stylistic challenges. New York is no longer New York; it is more. The cacophony of Manhattan is made into its substance, its spatiality, revealed, so to speak, by new colors and contours. As a rule he works listening to music and the impact of melodies and rhythms is unmistakable. First presented to the public in 2017 at the gallery, he is the subject of a documentary which is expected to be released in 2022.

1992 . france

Découvert grâce à l’entremise de l’écrivaine Nancy Huston, Anton Hirschfeld est l’un des plus jeunes artistes représentés par la galerie. Anton traite avec la même amplitude tous les sujets qu’il aborde, au point qu’abstraction et figuration entrent littéralement en fusion. Et s’il ne semble, au fond, intéressé que par les prodigieuses possibilités de la forme, cette dernière ne serait rien sans l’énergie qui la parcourt et la trame qui la sous-tend. Les sensations sont là, vibrantes comme la lumière, radicales dans leur tracé, mélodieuses par leur palette. Même des œuvres inspirées de photographies de New York se transforment en défis. Défi chromatique, défi plastique, défi rythmique, défi stylistique. New York n’est plus New York, il est davantage. La cacophonie de Manhattan est rendue à sa substance, à sa spatialité, pour ainsi dire révélée par des couleurs et des contours nouveaux. Anton travaille en écoutant de la musique ; l’impact des mélodies et des rythmes sur sa peinture est manifeste. Présenté pour la première fois au public en 2017, à la galerie, il a fait l’objet d’un documentaire dont la sortie devrait être annoncée pour 2022.

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anton hirschfeld New York, église arménienne New York, Armenian church, 2014 pastel sur papier, 50 x 65 cm pastel on paper, 19.75 x 25.5 in

mateo revillo défixion pieuvre octopus, 2021 gravure sur plomb et suie, 26 x 32 cm engraving on lead and soot, 10.25 x 12.5 in

mateo revillo défixion éclipse eclipse, 2020 gravure sur plomb et suie, 26 x 32 cm engraving on lead and soot, 10.25 x 12.5 in

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mateo revillo défixion limone III, 2021 gravure sur plomb et suie, 26 x 32 cm engraving on lead and soot, 10.25 x 12.5 in

anton hirschfeld New York, 2013 pastel et collage sur papier, 50 x 65 cm pastel and collage on paper, 19.75 x 25.5 in

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anton hirschfeld sans titre untitled, 2013 acrylique sur tissu, 39.5 x 56 cm acrylic on fabric, 15.5 x 22 in

mateo revillo défixion (saint roch), 2021 gravure sur plomb et suie, 26 x 32 cm engraving on lead and soot, 10.25 x 12.5 in

mateo revillo défixion malco, 2021 gravure sur plomb et suie, 26 x 32 cm engraving on lead and soot, 10.25 x 12.5 in

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There were two obvious things when Anaël and Yvannoé asked me to take part in this exhibition of dialogue between the outsider artists of the Christian Berst gallery and the artists living in Poush. The first was to talk about my mother’s work. Self-taught, she has been developing her work since I was born. Her church, as she says, is the outsider artists. She let me discover the necessity that transpires from each fragment of matter in the extraordinary works of outsider artists. The second obvious thing was that I fell at first sight for the Fetishist and his framing of legs, sensual and strange. From these two obvious points, our three worlds converged on a wall in the gallery. This body of photos, sculptures and drawings reveals a way of being in the world, that of having to fragment in order to tell. My mother, the fetishist and me The necessity of these photos taken tirelessly in the street. And even when he goes home the obses-

sion continues: he takes his new tights out of their cardboard packaging, slips his legs into them, and takes a photo of himself in them. Or he scans the ‘glued’ silhouettes that appear on his Panasonic TV screen, then « click, clack, Kodak ». Whatever the source of these apparitions, he makes them his own. Discreet, his photographic world is entirely made up of these framings of legs covered and sublimated by this tight, shiny fabric. Fascinated by the quantity of these images, I in turn became an adorer of these fragments of legs glued to their pedestals of glossy paper. When I paint, I too often fragment, cut and isolate. My mother, on the other hand, collects these pieces of abandoned, forgotten, broken objects, they are the raw material of her sculptures. Then, dictated by our imaginations, each one in their own way assembles and recomposes. We have to fragment reality in order to keep the bits that speak to us. In our eyes, we have kept the essentials.

madeleine roger lacan

madeleine & anne roger lacan le fétichiste

Il y a eu deux évidences lorsque Anaël et Yvannoé m’ont proposé de participer à cette exposition dialogue entre des artistes d’art bruts de la galerie Christian Berst et des artistes résidant à Poush. La première a été de parler de l’œuvre de ma mère. Autodidacte, son travail se développe depuis ma naissance. Son église, comme elle le dit, sont les artistes d’art bruts. Elle m’a fait découvrir la nécessité qui transpire de chaque fragment de matière des œuvres extraordinaires des artistes bruts. La deuxième évidence a été de tomber au premier coup d’œil pour le Fétichiste et ses cadrages de jambes, sensuels et étranges. De ces deux évidences, nos trois univers se sont rencontrés sur un mur de la galerie. Ce corpus de photos, de sculptures et dessins révèle une façon d’être au monde, celle de devoir fragmenter pour dire. Ma mère, le fétichiste et moi Nécessité de ces photos prises inlassablement dans la rue. Et même quand il rentre chez lui l’obses-

sion continue : il sort ses nouveaux collants de leur emballage cartonné, il glisse ses jambes dedans, et il se prend en photo avec. Ou alors il scrute les silhouettes « encollantées » qui apparaissent dans son écran télé Panasonic, puis clic clac Kodak. Quelle que soit la source de ces apparitions il se les approprie. Pudique, son monde photographique est entièrement fait de ces cadrages de jambes couvertes et sublimées par ce tissu moulant et brillant. Fascinée par la quantité de ces images, je suis devenue à mon tour adoratrice de ces fragments de jambes encollantées sur leur piédestal de papier glacé. Souvent moi aussi lorsque je peins, je fragmente, je coupe, j’isole. Ma mère, elle, récolte ces morceaux d’objets abandonnés, oubliés, cassés, ils sont la matière première de ses sculptures. Ensuite dictée par nos imaginaires chacune à sa manière assemble, recompose. Il faut fragmenter la réalité afin d’en garder les bouts qui nous parlent. A nos yeux, nous avons gardé l’essentiel.

madeleine roger lacan

1993 . france

Un univers fantasmagorique se déploie dans les peintures figuratives de Madeleine Roger-Lacan. Les autoportraits et portraits intimes se mêlent à des paysages oniriques et à des objets d’une culture populaire contemporaine. La peinture joue avec tous ses possibles : elle prend de multiples formes, s’assemble, et se découpe. Les œuvres étranges questionnent le regard extérieur – « Qu’est ce que c’est que cette histoire? » – et nous invitent à plonger librement dans nos propres rêveries.

A phantasmagorical universe unfolds in Madeleine Roger-Lacan’s figurative paintings. Self-portraits and intimate portraits mingle with dreamlike landscapes and objects of contemporary popular culture. The painting plays with all its possibilities: it takes on multiple forms, is assembled and cut up. The strange works question the outside view - « What is this story? » - and invite us to dive freely into our own reveries.

anne roger lacan

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Je pense qu’il y a en chacun de nous un fond de croyance animiste. Cette pensée magique qui donne vie aux objets, c’est l’enfance qui vibre en chacun de nous. Le monde se rationalise, les traces que nous laissons se dématérialisent, et pourtant nous ne saurions nous passer de ces objets qui nous rattachent au passé, à nos morts, aux forces invisibles : portraits, miniatures, reliques, mèches de cheveux, fétiches. Ces objets fragiles sont une façon pour moi de regarder l’éphémère en face, et de lui faire fête. » Après avoir dessiné des tissus pour différentes maisons de mode, Anne Roger-Lacan a fait ses premières sculptures aux Ateliers Beaux Arts de la ville de Paris. Depuis elle a entre autre exposé à la Halle Saint Pierre à Paris, dans l’espace Siegfried Contemporary à Londres ainsi qu’à la galerie FreymondGuth à Bâle.

I think that there is an animist belief in all of us. This magical thinking that gives life to objects is the childhood that vibrates in each of us. The world is becoming rationalised, the traces we leave behind are becoming dematerialised, and yet we cannot do without these objects that link us to the past, to our dead, to invisible forces: portraits, miniatures, relics, locks of hair, fetishes. These fragile objects are a way for me to look the ephemeral in the face, and to celebrate it. After designing fabrics for various fashion houses, Anne Roger-Lacan made her first sculptures at the Ateliers Beaux Arts de la ville de Paris. Since then she has exhibited at the Halle Saint Pierre in Paris, the Siegfried Contemporary in London and the Freymond-Guth Gallery in Basel.

le fétichiste

“There is no more unhappy being under the sun that a fetishist who pines for a boot and has to content himself with an entire woman » wrote Karl Kraus. Such, more or less, is the thought that comes to mind when looking at this anonymous photographic collection that has changed hands several times. Here are hundreds of amateur photographs covering the decade from 1996 and 2006 expressing the fetishism of the taker. This is manifested in photographs of legs sheathed in tights, snapped on the street or on television. The practice unfailingly recalls that of Miroslav Tichý – exhibited at the same time – except for the significant difference that our photographer sometimes becomes an exhibitor in what Magali Nachtergael calls this “museum of veiled legs.” As is often the case with art brut, burning questions arise: the burning questions of the construction to which our gaze proceeds and of the collective imagination’s infusion by such an individual mythology.

circa 1955 . france

« Il n’y a pas d’être plus malheureux sous le soleil qu’un fétichiste qui languit après une bottine et qui doit se contenter d’une femme entière » écrivait Karl Kraus. C’est, en substance, ce que nous évoque ce fonds photographique anonyme surgi du secret auquel il semblait voué. Soit des centaines de tirages amateurs courant sur une décennie, entre 1996 et 2006, et témoignant du fétichisme de son auteur. Celui-ci se manifeste au travers de clichés de jambes gainées de collants, prises indifféremment dans la rue ou à la télévision. Sa pratique évoque immanquablement celle de Miroslav Tichy, à la différence notable que notre auteur devient parfois lui-même acteur de ce « musée de jambes voilées », ainsi que le qualifie Magali Nachtergael. Comme fréquemment dans l’art brut - se posent les questions brûlantes de l’artification auquel procède notre regard et de la part d’imaginaire collectif qui infuserait dans pareille mythologie individuelle.

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madeleine roger lacan la femme montagne qui marche au crépuscule the mountain woman walking at dusk, 2021 acrylique et aquarelle sur papier, 40 x 30 cm oil, lace, and ceramic on canvas, 15.75 x 11.8 in photo : claire dorn

le fétichiste sans titre untitled, 1999 à 2003 tirage photographique d’époque, 15 x 10 cm vintage photographic print, 6 x 4 in

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anne roger lacan femme enfant woman-child, 2020 matériaux mixtes, 30 x 15 x 10 cm mixed media, 11.8 x 6 x 4 in

anne roger lacan partie de jambes en l’air, 2021 matériaux mixtes, 50 x 30 x 10 cm mixed media, 19.5 x 11.8 x 4 in

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le fétichiste sans titre untitled, 2002 tirage photographique d’époque, 15 x 10 cm vintage photographic print, 6 x 4 in

madeleine roger lacan une histoire de famille a family history, 2019 huile, dentelle, et céramique sur toile, 30 x 40 cm oil, lace, and ceramic on canvas, 11.8 x 15.75 in photo : claire dorn

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madeleine roger lacan pizza-party mash-up, 2021 huile sur toile, bois, photo, carton de pizza, 73 x 50 cm oil on canvas, wood, photo and pizzza box, 28.75 x 19.8 in photo : claire dorn

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le fétichiste sans titre untitled, 2002 tirage photographique d’époque, 15 x 10 cm vintage photographic print, 6 x 4 in

madeleine roger lacan barbie lila lila barbie, 2021 acrylique et aquarelle sur papier, 40 x 20 cm acrylic and watercolor on paper, 15.75 x8 in photo : claire dorn

madeleine roger lacan baubo, 2020 feutre, papier, photo, huile, papier et miroir, 30 x 20 cm felt tip, photo, oil, paper and miror, 11.8 x8 in photo : claire dorn

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I like anguish and pain. Jealousy, envy, laziness, all these emotions that are considered negative, at least the judaeo christian notion. I was watching a show or a chat, I can’t recall but a great mind had considered the topic of original sin, and more importantly original sin, as a beautiful thing. Original thing, argued by this person who I forgot, was the true genesis of beauty, the creation of beauty. Desire, all of these things, are important. And then I started to consider gestures. Gestures like a scratch. What is the difference between a scratch and a stroke? If I scratch a surface with a blade, it will be violent, if I scratch a surface with an embellished oil pastel, it becomes beautiful, soft, but it remains a scratch nonetheless and born of anguish or pain. I like that the packaging of a gesture can become something new and soft. Jacqueline B has a master of this gesture. “Troubled youth”, “rebellious”, these are words that, although negative, are often the birthplace of something beautiful. It’s not a new concept but its one I consider greatly these days. I like her scratches, the paintings that are colourful and rich, to me, begin in dark places, and I empathise

with these places. Our backgrounds are different and perhaps her context or “path” had driven her to certain dark places, whereas my dark places are usually results of a cruel research I endure of my own choosing. Either way, the scratch always tells a story, and maybe today’s story is: Troubled youth can last a lifetime. My main goal is for this work to deliver a very deep true impact. First visually, then emotionally. I hate politeness, I don’t want the work to be easily digested. No matter the medium, I want the work to attack its context. I have a lot to say about tenderness and fear. I want to deliver a punch, and after the punch, I want the viewer to question the motive of the hand that delivered the punch. The arm is attached to someone navigating ego, impulse, excess, pain and anguish, loneliness and modern survival. Sometimes the result is just a mess, other times it’s much more clear and concise. These are mostly messages of hope, for the most part, in the end, laughing before taking another leap into the abyss. The description of the work sounds pretentious, but you shouldn’t pay attention to this.

jack rothert garcia

J’aime l’angoisse et la douleur. La jalousie, l’envie, la paresse, toutes ces émotions qui sont considérées comme négatives. Je regardais une émission ou un chat, je ne me souviens plus. Un grand esprit considérait que le sujet du péché originel, et plus important encore que le péché originel, était une belle chose. La chose originelle, commentée par cette personne dont j’ai oublié le nom, était à l’origine de la beauté, de la création. Le désir, toutes ces choses, sont importantes. Et puis j’ai commencé à considérer les gestes. Des gestes comme une égratignure. Quelle est la différence entre une éraflure et un trait ? Si je gratte une surface avec une lame, elle sera violente, si je gratte une surface avec un pastel à l’huile, elle devient belle, douce, mais elle n’en reste pas moins une éraflure, née de l’angoisse ou de la douleur. J’aime que l’emballage d’un geste puisse devenir quelque chose de nouveau et de doux. Jacqueline B est dans la maîtrise de ce geste. «Jeunesse troublée», «rebelle», voilà des mots qui, bien que négatifs, sont souvent le berceau de quelque chose de beau. Ce n’est pas un concept nouveau mais c’est un concept auquel je m’intéresse beaucoup ces jours-ci. J’aime les rayures de Jacqueline B. Ses peintures colorées et riches commencent selon moi dans des coins sombres. J’ai de l’empathie pour ces endroits. Nos milieux

jacqueline b

sont différents et peut-être que son contexte ou son «chemin» l’a conduite à certains coins sombres, alors que mes coins sombres sont généralement le résultat d’une recherche cruelle que j’endure par mon propre choix. Quoi qu’il en soit, la rayure raconte toujours une histoire, et l’histoire d’aujourd’hui est peut-être la suivante : une jeunesse troublée peut durer toute une vie.” Mon objectif principal est que mon travail ait un impact réel et profond. D’abord visuellement, puis émotionnellement. Je déteste la politesse, je ne veux pas que l’œuvre soit facilement digérée. Quel que soit le support, je veux que l’œuvre attaque son contexte. J’ai beaucoup à dire sur la tendresse et la peur. Je veux donner un coup de poing, et après le coup, je veux que le spectateur s’interroge sur le motif de la main qui l’a donné. Le bras est attaché à quelqu’un qui navigue entre l’ego, l’impulsion, l’excès, la douleur et l’angoisse, la solitude et la survie moderne. Parfois, le résultat est juste un désordre, d’autres fois il est beaucoup plus clair et concis. Il s’agit surtout de messages d’espoir, qui pour la plupart finissent par rire avant de faire un nouveau saut dans l’abîme. La description de l’œuvre semble prétentieuse, mais il ne faut pas y prêter attention. jack rothert garcia

jack rothert garcia

1987. canada

Jack Rothert Garcia, né à Montréal, est un artiste autodidacte travaillant à Paris et à Clichy. Il a grandi à Caracas, au Venezuela. Sa pratique couvre une gamme de médias allant du collage à la peinture en passant par l’impression, les flyers et la photographie. Son travail est une exploration sans filtre de soi, faisant souvent allusion aux thèmes de la solitude, de l’absurdité, de la peur, de la tendresse, de l’autodépréciation et du commentaire social en général. Il y parvient le plus souvent par une combinaison de textes, de couleurs abstraites et d’images pop. Les traits et les mots - gutturaux, instinctifs, crus ou vulgaires - s’opposent à des tropes familiers qui font allusion aux notions « d’innocence » ou à ce qui peut être considéré comme « doux ». En plus de sa pratique artistique, Rothert Garcia a également lancé avec Céleste Girot, Radio Poush. Cette radio internet est un petit espace où partager de grandes idées tout en promouvant l’inattendu, l’étrange et le processus de création à Paris et à l’étranger.

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Jack Rothert Garcia was born in 1987 in Montreal, Canada and is a self taught artist working in Paris and Clichy. He grew up in Caracas Venezuela. His practice covers a range of mediums from collage to painting to printing, flyers and photography. His work often deals with an unfiltered exploration of self, often alluding to themes of solitude, absurdity, fear, tenderness, self deprecation, and social commentary at large. This is mostly achieved through a combination of text, abstract color work, and appropriated pop imagery. Gestures and words are guttural, instinctual and raw or vulgar, pitted against recognizable tropes that allude to notions of “innocence” or what can be considered “sweet”. In addition to his artist practice, Rothert Garcia has likewise launched Radio Poush, alongside Celeste Girot. The internet radio station serves as a platform for shows and events revolving around the hearts and minds of the contemporary art scene in Paris and abroad.

jacqueline b

Discovered by Jean Dubuffet, who was her first collector and critic, she was the subject of an essay in 2019 by Philippe Dagen, who thought that “the difficulties and enigmas of Jacqueline B.’s work are among the most exciting.” From the 1950s on, and during the two decades of her production, she showed remarkable inventiveness. Passing with a disconcerting mastery from gouache to colored pencils, from figuration to abstraction, from narration to contemplation. The one whose work was exhibited as early as 1967 at the Musée des Arts Décoratifs in Paris, and in 2019 at the Kunstforum in Vienna, is today known as a classic.

1928 . france

Découverte par Jean Dubuffet, qui fut son premier collectionneur et critique, elle s’est vue consacrer un essai, en 2019, par Philippe Dagen, qui considère que « les difficultés et les énigmes de l’œuvre de Jacqueline B. sont parmi les plus excitantes ». À partir des années 50, et durant les deux décennies de sa production, elle fait preuve d’une inventivité remarquable. Passant avec une maestria déconcertante de la gouache aux crayons de couleur, de la figuration à l’abstraction, de la narration à la contemplation. Celle dont le travail fut exposé dès 1967 au Musée des Arts Décoratifs à Paris, et, en 2019, au Kunstforum de Vienne, fait aujourd’hui figure de classique.

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jacqueline b sans titre untitled, 1963 gouache sur papier, 24 x 32 cm gouache on paper, 9.5 x 12.5 in

jack rothert garcia for lucy, 2021 aquarelle et acrylique sur papier, 31.5 x 24 cm watercolor, and acrylic on paper, 9.5 x 12.5 in

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jack rothert garcia jealousy 1, 2021 pastel à l’huile sur papier, 31.5 x 24 cm oil pastel on paper, 12.5 x 9.5 in

jacqueline b sans titre untitled, 1965 gouache sur papier, 24 x 31.5 cm gouache on paper, 9.5 x 12.5 in

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jacqueline b sans titre untitled, 1963 gouache sur papier, 23.6 x 31.3 cm gouache on paper, 9.25 x 12.25 in

jack rothert garcia youth, 2021 aquarelle et pastel à l’huile sur papier, 31.5 x 24 cm watercolor and oil pastel on paper, 12.5 x 9.5 in

jack rothert garcia me too i’m hurtin, 2021 aquarelle et pastel à l’huile sur papier, 31.5 x 24 cm watercolor and oil pastel on paper, 12.5 x 9.5 in

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jacqueline b sans titre untitled, 1954 pastel et aquarelle sur papier, 23.8 x 25.4 cm pastel and watercolor on paper, 9.25 x 10 in

jack rothert garcia for flore, 2021 encre et aquarelle sur papier, 31.5 x 24 cm ink and watercolor on paper, 12.5 x 9.5 in

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christian berst art brut catalogues publiés depuis 2009 catalogues published since 2009

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mary t. smith mississippi shouting textes de william s. arnett et daniel soutif, édition bilingue (FR/EN), 180 p., 2021

jorge alberto cadi el buzo texte de christian berst, édition bilingue (FR/EN), 274 p., 2019

julius bockelt ostinato textes de christiane cuticchio et sven fritz, édition bilingue (FR/EN), 300 p., 2021

japon brut la lune, le soleil, yamanami textes de yukiko koide et raphaël koenig, édition bilingue (FR/EN), 264 p., 2019

anna zemánková hortus deliciarum #2 textes de terezie zemánková et manuel anceau, édition bilingue (FR/EN), 300 p., 2021

anibal brizuela ordo ab chao textes de anne-laure peressin, karina busto, fabiana imola, claudia del rio, 240 p., 2019

franco bellucci beau comme... #2 texte de gustavo giacosa, édition bilingue (FR/EN), 188 p., 2021

josé manuel egea lycanthropos II textes de graciela garcia et bruno dubreuil, édition bilingue (FR/EN), 320 p., 2019

carlos augusto giraldo codex textes de jaime cerón et manuel anceau, édition bilingue (FR/EN), 200 p., 2021

au-delà aux confins du visible et de l’invisible texte de philippe baudouin, édition bilingue (FR/ EN), 220 p., 2019

le fétichiste anatomie d’une mythologie textes de marc donnadieu et magali nachtergael, édition bilingue (FR/EN), 250 p., 2020

éric benetto in excelsis texte de christian berst, édition bilingue (FR/EN), 212 p., 2019

zdeněk košek dominus mundi textes de barbara safarova, jaromír typlt, manuel anceau, édition bilingue (FR/EN), 250 p., 2020

anton hirschfeld soul weaving texte de nancy huston et jonathan hirschfeld, édition bilingue (FR/EN), 300 p., 2018

in abstracto #2 texte de raphaël koenig, édition bilingue (FR/EN), 264 p., 2020

lindsay caldicott x ray memories texte de marc lenot, édition bilingue (FR/EN), 300 p., 2018

albert moser scansions textes de bruce burris et philipp march jones, édition bilingue (FR/EN), 200 p., 2020

misleidys castillo pedroso fuerza cubana #2 texte de karen wong, édition bilingue (FR/EN), 300 p., 2018

jacqueline b. l’indomptée texte de philippe dagen, édition bilingue (FR/EN), 280 p., 2019

jean perdrizet deus ex machina textes de j.-g. barbara, m. anceau, j. argémi, m. décimo, édition (FR/EN), 300 p., 2018 149

dominique théate in the mood for love texte de barnabé mons, édition bilingue (FR/EN), 200 p., 2017

john urho kemp un triangle des bermudes textes de gaël charbau et daniel baumann, édition bilingue (FR/EN), 234 p., 2015

michel nedjar monographie texte de philippe godin édition, bilingue (FR/EN), 300 p., 2017

august walla ecce walla texte de johann feilacher, édition bilingue (FR/EN), 190 p., 2015

marilena pelosi catharsis texte laurent quénehen, entretien laurent danchin, édition bilingue (FR/EN), 230 p., 2017

sauvées du désastre oeuvres de deux collections de psychiatres espagnols (1916-1965) textes de graciela garcia et béatrice chemama steiner, bilingue (FR/EN), 296 p, 2015

alexandro garcía no estamos solos II texte de pablo thiago rocca, édition bilingue (FR/EN), 220 p., 2016 prophet royal robertson space gospel texte de pierre muylle, édition bilingue (FR/EN), 200 p., 2016 josé manuel egea lycanthropos textes de graciela garcia et bruno dubreuil, édition bilingue (FR/EN), 232 p., 2016 melvin way a vortex symphony textes de laurent derobert, jay gorney et andrew castrucci, édition (FR/EN), 268 p. 2016 sur le fil par jean-hubert martin texte de jean-hubert martin, édition bilingue (FR/EN), 196 p., 2016 josef hofer transmutations textes de elisabeth telsnig et philippe dagen, édition bilingue (FR/EN), 192 p., 2016 franco bellucci beau comme... texte de gustavo giacosa, édition bilingue (FR/EN), 150 p., 2016 soit 10 ans états intérieurs texte de stéphane corréard, édition bilingue (FR/ EN), 231 p., 2015

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beverly baker palimpseste texte de philippe godin, édition bilingue (FR/EN), 148 p., 2015 peter kapeller l’oeuvre au noir texte de claire margat, édition bilingue (FR/EN), 108 p., 2015 art brut masterpieces et découvertes carte blanche à bruno decharme entretien entre bruno decharme et christian berst, édition bilingue (FR/EN), 174 p., 2014 pepe gaitan epiphany textes de johanna calle gregg & julio perez navarrete, bilingue (FR/EN), 209 p., 2014 do the write thing read between the lines textes de phillip march jones et lilly lampe, édition bilingue (FR/EN), 2014 dan miller graphein I & II textes de tom di maria et richard leeman, édition bilingue (FR/EN), 2014 le lointain on the horizon édition bilingue (FR/EN), 122 p., 2014 james deeds the electric pencil texte de philippe piguet, édition bilingue (FR/EN), 114 p., 2013

eugene von bruenchenhein american beauty texte de adrian dannatt, édition bilingue (FR/EN), 170 p., 2013

henriette zéphir une femme sous influence texte de alain bouillet, édition bilingue (FR/EN), 2011

anna zemánková hortus deliciarum textes de terezie zemánková et manuel anceau, édition bilingue (FR/EN), 146 p., 2013

alexandro garcia no estamos solos texte de thiago rocca, édition trilingue (FR/EN/ES), 2010

john devlin nova cantabrigiensis texte de sandra adam-couralet, édition bilingue (FR/EN), 300 p., 2013

back in the U.S.S.R figures de l’art brut russe texte de vladimir gavrilov, édition bilingue (FR/EN), 2010

davood koochaki un conte persan texte de jacques bral, édition bilingue (FR/EN), 121 p., 2013

harald stoffers liebe mutti texte de michel thévoz, édition bilingue (FR/EN), 132 p., 2009

mary t. smith mississippi shouting textes de daniel soutif et william arnett, édition bilingue (FR/EN), 121 p., 2013

made in holland l’art brut néerlandais texte de nico van der endt, édition bilingue (FR/EN), 2009

albert moser life as a panoramic textes de phillip march jones, andré rouille et christian caujolle, édition (FR/EN), 208 p., 2012

american outsiders the black south texte de phillip march jones, édition bilingue (FR/EN), 2009

josef hofer alter ego textes de elisabeth telsnig et philippe dagen, édition bilingue (FR/EN), 2012 rentrée hors les normes 2012 découvertes et nouvelles acquisitions édition bilingue (FR/EN), 2012 anibal brizuela charbons ardents texte de dino menozzi, trilingue (FR/EN/IT), 2011 guo fengyi une rhapsodie chinoise texte rong zheng, trilingue (FR/EN/CH), 115 p., 2011 carlo zinelli une beauté convulsive texte par daniela rosi, édition trilingue (FR/EN/IT), 72 p., 2011 joseph barbiero au-dessus du volcan texte de jean-louis lanoux, édition bilingue (FR/EN), 158 p., 2011

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remerciements acknowledgments Manuel Anceau, Elisa Berst, Adriana Bustamante, Antoine Frérot, Carmen et Daniel Klein, Lou Matthieussent (manifesto), Alice Pepey, Jeanne Rouxhet, Zoé Zachariasen. ainsi que toutes les galeries qui ont collaboré à cette exposition : Anne-Sarah Bénichou, Exo Exo, Frank Elbaz, Thierry Bigaignon, Structura gallery, Marion Dana – New Galerie et le collectif La Méditerranée.

Anaël Pigeat et Yvannoé Krüger remercient très chaleureusement Christian Berst pour sa formidable invitation, l’équipe de choc de la galerie, Elisabeth Berst, Adrianna Bustamante, Zoé Zachariesen, Alice Pepey, ainsi que Lou Matthieussent (manifesto) pour leur précieux soutien. Ils remercient aussi tous les artistes de s’être prêtés à ces conversations et à l’exploration des mondes de l’art brut.

christian berst art brut Ce catalogue a été publié à l’occcasion de l’exposition les révélateurs, curators anaël pigeat et yvannoé krüger à christian berst art brut, du 25 novembre, 2021 au 16 janvier 2022. This catalog has been published to mark the exhibition the pathfinders: curators anaël pigeat and yvannoé krüger at christian berst art brut from November 25, 2021 to January 16, 2022. design graphique et réalisation graphic design and production élisa berst traduction translation chloé baker

3-5 passage des gravilliers 75003 paris contact@ christianberst.com

du mercredi au dimanche 14h à 19h ou sur rendez-vous