Claudio Perna by Claudio Perna

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Esta colección surge con el propósito de testimoniar el quehacer de los creadores nacionales galardonados con el Premio Nacional de Cultura que otorga el Estado venezolano en cada área, como reconocimiento a sus innegables méritos, cosechados durante una larga trayectoria dedicada a la construcción espiritual de la República Bolivariana de Venezuela.

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PREMIOS NACIONALES DE CULTURA

FOTOGRAFÍA/ARTES PLÁSTICAS

CLAUDIO PERNA GEO-ARTISTA, FORJADOR DE UTOPÍAS POSIBLES

1994/1995

texto de Luis Emeterio González

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© Luis Emeterio González © Fundación Editorial el perro y la rana, 2009 Centro Simón Bolívar, Torre Norte, Piso 21, El Silencio, Caracas - Venezuela, 1010. Telfs.: (58-0212) 3772811 / 8084986 Correos electrónicos: elperroylaranacomunicaciones@yahoo.es atencionalescritor@yahoo.es Páginas web: www.elperroylarana.gob.ve www.ministeriodelacultura.gob.ve Diseño de la colección: Dileny Jiménez Raylú Rangel Edición al cuidado de: Jenny Blanco Julio Bustamante Karen Rosa Hecho el Depósito de Ley N° lf40220097001729 ISBN 978-980-14-0483-5

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Premio Nacional de Fotografía 1994 Veredicto A CLAUDIO PERNA En reconocimiento a sus aportes a la fotografía venezolana al crear una vertiente de expresión artística, donde los límites de lo fotográfico se combinan con expresiones propias de las artes plásticas, aun con lo específico de su discurso fotográfico. El jurado: Sandra Bracho Paolo Gasparini Carlos Germán Rojas Jorge Gutiérrez Ignacio Oberto

Premio Nacional de Artes Plásticas 1995 Veredicto A CLAUDIO PERNA Por su obra multifacética que trasciende los lenguajes tradicionales y su labor de investigación permanente de nuestro territorio. El jurado: Ariel Jiménez Bélgica Rodríguez Luis E. Pérez Oramas Pedro Briceño Pedro León Zapata

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ANTES DE ENTRAR EN MATERIA Mi terreno es el descubrimiento y desde allí formulo un arte de preguntas C.P.

PALABRAS PARA FIJAR UN NOMBRE EN EL ARTE DE LAS IDEAS La proliferación de sucesos, actividades y productos que divulgan diariamente los medios globales dificulta la perdurable incorporación de nuevas figuras a la historia de la cultura. No solo por el grueso volumen que pugna por entrar en ella buscando fulgurar en la escena global, sino por las mentes brillantes que desde tiempos inmemoriales le han brindado al planeta su genio creador haciendo cada vez más difícil fijar nombres con aportes trascendentes. Cada día surgen cuantiosos personajes que disfrutan los quince minutos de fama pronosticados por Andy Warhol (1928-1987), desapareciendo de la escena sin dejar rastros. Sin embargo, otros aguardan sin prisa la comprensión de sus hallazgos para marcar indelebles, su huella. Sin duda este es el caso de Claudio Perna (1938-1997), el artista conceptual venezolano más audaz del siglo XX, que abrió compuertas hacia el desarrollo del arte por venir.

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Para entender el largo proceso histórico que condujo al arte Conceptual, nos hemos de remontar a los albores de la civilización humana cuando surgen las manifestaciones más remotas de la cultura, que dan materia al pensamiento. Aunque sus definiciones aparecen en Grecia en el período Helenista (siglos VII al II a.C.) marcadas por un idealismo estético, manifiesto a través de las artes, el deporte y la filosofía. Estos hechos fundaron la historia del arte y establecieron parámetros y dogmas que, como paradigmas, sostienen la cultura occidental hasta hoy, dinamizando el arte y abriendo múltiples diques al desarrollo. Cada era produjo sus formas propias de expresar el arte para plasmar momentos y circunstancias. En la Edad Media (siglo XI) se crearon los primeros sistemas de referencia que regirán hasta mediados del siglo XIX, cuando se rompe esta tradición por los vertiginosos cambios culturales que surgen y se divulgan masivamente, generando nuevos paradigmas. En este contexto las artes visuales se amoldaron a los cambios con propuestas experimentales y vanguardistas. Al perder su carácter cronista, tras la invención de la fotografía y el cine, el artista asumió tareas más hondas, no tanto en lo referente al objeto social como desde su propia subjetividad. Desapareció la anécdota y se generó un “arte de ideas”. A partir de entonces, pintores y escultores se volcaron a la experimentación sin barreras, valiéndose de nuevas tecnologías y maquinaria industrial, hicieron collages, arte serial, videoarte y una extensa gama de obras con temas y técnicas libres. A partir de 1870 las vanguardias plásticas materializadas en el Impresionismo derivaron hacia el Neoimpresionismo de Georges Seurat (1859-1891) y el Postimpresionismo de Paul Cézanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890), Henri Toulouse 10

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ANTES DE ENTRAR EN MATERIA

Lautrec (1864-1901) y Paul Gauguin (1848-1903). Abiertas las compuertas de la imaginación creadora brotó el Fauvismo (Las fieras) representado en Henri Matisse (1869-1954), los Nabis (del hebreo, profetas), con Paul Sérusier (1864-1927) y Maurice Denis (1870-1943) y el Cubismo, liderado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) en 1907. Al despertar en Francia las vanguardias, de inmediato se expandieron por toda Europa. En Italia nació el movimiento Futurista en 1909. En Múnich aparece el arte Abstracto comandado por Vasíli Kandinsky (1866-1944) en 1910, bifurcándose en lírico, gestual y geométrico, que deriva en Óp Art y Cinetismo liderado por el venezolano Jesús Soto (1923-2005) y el israelí Yacob Agam (1928-1953) sus iniciadores, y en 1911 surgirá en Alemania el movimiento Expresionista. En 1924 la vanguardia vuelve a París gracias al Surrealismo del poeta André Breton (18961966) con dos vertientes pictóricas: Abstracto de Raymond Mason (1922), Joan Miró (1893-1983) y Paul Klee (1879-1940) y Figurativo de Max Ernst (1891-1976), Ives Tanguy (1900-1955), René Magritte (1898-1967) y Salvador Dalí (1904-1989). Al mencionar estos movimientos de vanguardia, sus procesos y escuelas, solo se intenta ilustrar el maremagno de corrientes y estilos surgidos el pasado siglo que dieron sustancia al arte actual. Estos movimientos y sus vertientes definieron nuevos conceptos. Unos abordaron lo masivo, prevalidos del contexto exterior adoptaron lo gregario del Pop Art, el Cinetismo y el arte urbano. Otros navegaron en ríos más hondos bebiendo en la frase “La pintura es mental” de Leonardo da Vinci (1452-1519) como Santo Grial que alumbró el Cabaret Voltaire de Zúrich, Suiza, para clarear el futuro del arte a través del Dadaísmo, desmitificando la creación para asumir sin complejos el Antiarte. Tristan Tzara (1896-1963), Marcel Duchamp (1887-1968), 11

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Hugo Ball (1886-1927), Jean (Hans) Arp (1886-1966) y Max Ernst (1891-1976), lo enarbolaron como lámpara mágica contra el agotamiento de una sociedad en ruinas que sufría a causa de la depresión europea. El espíritu Dada provocó el redescubrimiento del arte, reacomodó sus piezas hacia un concepto integral, sin exclusión de saberes ni desdeñar lo aparentemente banal. Un siglo tan caótico y desigual como el que pasó, encontró un orden para explicarlo en un arte de ideas sin categorías jerárquicas ni moldes rígidos. Esta paradoja resume al arte Conceptual por ser arte no objetual que propone repensar lo cotidiano con valores distintos a lo formal y tradicional. Este movimiento, también conocido como Idea-Art, surge a principios de la década sesenta y rompe viejos moldes. En él la idea predomina sobre los aspectos formales. Sol Lewitt Likzae (1928-2007) su iniciador, lo resume: “La idea es la parte más importante en un trabajo; la realización es un asunto superficial”. Emergió como resistencia al formalismo. Marcel Duchamp (1887-1968), su precursor, genera un basamento objetivo entre los años 1910 y 1920 al crear sus ready-made, que ofrecerá a los artistas del futuro métodos inusuales y diversos para representar ideas en sus obras, sirviéndose de fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones de actos en público y material industrial, para documentar acciones o explicar eventos que ocurren fuera de los museos. No obstante, por su carácter efímero, el arte Conceptual ha dejado pocas obras en los museos. Para testimoniarlo principalmente quedan fotografías y declaraciones impresas (libros, catálogos y folletos) sobre los proyectos. En Venezuela el surgimiento del arte Conceptual coincide con su difusión en Norteamérica y tiene su impulsor más notable 12

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en Claudio Perna, quien se adhiere a este movimiento y aporta aspectos proféticos a partir de sus investigaciones HombreNaturaleza, provenientes de sus estudios geográficos, y premoniza el caos ecológico que hoy sufre el planeta por los cambios climáticos escasamente planteados cuarenta años atrás, y quienes lo hacían, venían de ámbitos distintos al artístico. Además aplica la noción de geografía cultural y basa su obra en el sentimiento y la convivencia humana. Todo desde un lugar y tiempo que el artista ama y defiende por sus particularidades: el lugar es Venezuela y el tiempo el siglo XXI. No será fiable un diálogo sobre Claudio Perna si no contempla repasar la historia universal de las artes visuales, que es historia espiritual transformada en acontecimientos, porque de ella se alimentó el artista por ser acucioso cronometrador de sucesos y causas, y un exigente defensor de métodos y procedimientos que instruía a ir “de lo general, a lo particular” para comprender el todo. También intenta este esbozo destacar aspectos biográficos sustanciales del auténtico creador que fue, a fin de entender sus investigaciones y asomarnos a las angustias que obligaron su tránsito por territorios oscilantes, sin querer evitarlo, entre el oscuro precipicio de la locura y la cumbre de la conciencia. Convicto de auténtica generosidad y pasión, enseñó lo que sabía y legó cuanto poseía, en aras de construir claves donde abrevaran las vanguardias, bajo la premisa “la sonrisa que tú das, siempre retorna”. Puro amor que guió su mirada hacia el siglo XXI y, gracias a su erudito saber, pudo generar la monumental obra que le donó a la historia del arte.

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SUS IDEAS SOBRE EL CREADOR, LA CREACIÓN Y EL LUGAR DE CREAR El proceso del arte, de creación artística, nace no de lo externo sino de lo “solo interior” en contacto con un entorno liberador, con un entorno de realidades materiales o inmateriales... Ahora, el trabajo que nosotros (los conceptualistas) realizamos es un trabajo que está más acogido a un orden del concepto, más que del objeto, más de proposición que de solución. Con el concepto se establece una anticoncepción al objeto final que se llama “conceptual”, porque el nuevo artista se retira a meditar sobre la naturaleza del arte en un mundo en crisis de VALORES útiles, pues hoy no hay comprensión del arte, ni estímulo, o sea, el arte conceptual es un post-bellas artes, es proceso colectivo (1981). Cualquier logro del planeta es un punto útil para individualizar lo general. Me interesa mi país, yo veo a Venezuela como un pedazo de todo. Cierto conjunto de rasgos de la naturaleza se conjugan de manera indisoluble en cada gran zona de la tierra. Las múltiples alternativas están expuestas en la diversidad de paisajes que recubren la corteza terrestre. Venezuela es un pedazo de todo. Nosotros dependemos de una evolución particular y diferente. Hay distintas maneras de vínculo entre los hombres. Sería absurdo que yo diera mayor importancia a los

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sitios en donde todo o casi todo está hecho. Me interesa mi país, mucho más posible en descubrimientos (1970). No es de extrañar que la plástica venezolana configure un caso único en el panorama continental. También Venezuela, por ser país petrolero, es un país singular. Lo apasionante será ver si el nuevo arte emergente resuelva tender a ese país real, o a las ficciones de la cultura dominante (Autocurrículum, 1981). Hagamos todo lo posible para frenar seriamente aquellos procedimientos que tienen hoy al hombre dividido y subdividido. Borremos los discursos establecidos para así alcanzar mayor armonía y cercanía de los hombres semejantes, vecinos y lejanos. Los LOCOS no se sienten representados por ninguno de los sistemas sociales que se han creado en el mundo, puesto que son sistemas que, en diferentes dimensiones y declarando magníficamente principios y perspectivas felices, han llevado adelante los intereses de un restringido número de personas en desmedro de todo el resto de la humanidad (NOI, No. 2, 1991).

PROPUESTA PARA EL MULTIMUSEO SUBTERRÁNEO DE CARACAS Proponemos un corredor cultural directo, eficiente, actualizado; en contra de la agonía de la cultura y del proceso educativo; en contra de la ECONOMÍA SENSIBLE; a favor de la salud, de la interrelación, de la comprensión, del progreso social y cultural. MULTIMUSEO SUBTERRÁNEO: nueva columna vertebral de la Caracas del porvenir, de los siglos que llegan, de los venezolanos que llegan, de los venezolanos que nacen, de las mentes

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SUS IDEAS SOBRE EL CREADOR, LA CREACIÓN...

que estudian y crean. Columna vertebral con médula de cultura y de espíritu venezolano. Primer soporte del cuerpo urbano que todos al fin quisiéramos definir de una vez. En el museo subterráneo podrá enterrarse la ignorancia (1980).

SOBRE ARTE SOCIAL El trabajo es una actividad creadora del hombre. El Arte Social es el trabajo desempeñado por el artista en el sentido de progresar y desarrollar esfuerzos mayores. El Arte y el artista social tienen la oportunidad de cultivar, culturizar lo que globalmente tiene y/o ejerce poder. Podría ser un fruto nuevo de las luchas entre lo real y la fantasía de la vida en sociedad... lo cotidiano... ciencia y arte... evolución del hombre como ente cultural, social, educativo del artista que lo realiza. El trabajo realizado es una comisión cumplida, es decir, la posición y curiosidad de cada quien para realizar su objetivo; eso exige educación y para ser educado tienes que pasar por el trabajo de los errores. Una de las cosas más importantes para el artista social es recaudar la mayor cantidad de conceptos, procedentes de múltiples personas y fuentes. A eso sigue la confrontación con personas con quienes el artista comparte para llegar a una logística que ponga en evidencia el

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recaudo mental que se tiene para decir la palabra, la reﬂexión, el acontecimiento... Se busca, en esencia, un recaudo moral, es decir, un recaudo de los sentimientos que pueden ser fruto, inclusive de la preocupación de un día... Los esfuerzos persiguen una trayectoria factible para lograr algo útil y no cumplido todavía. El artista social es un guardián de la cultura para representar e interpretar la vida contemporánea a través de las artes mismas que ella genera (NOI, No. 2, p. 1).

SOBRE EL ARTE DE IDEAS IDE

ARTE

La idea es una manifestación de la mente. Las ideas ﬂotan en espacios abiertos y/o cerrados. Una idea/palabra es un equivalente a un tubo de pintura: la destapas y sale hasta que se agota el contenido. ¿Qué se hace? ¿Se busca otro tubo? Las ideas/palabras tienen colores, las ideas/palabras representan colores. Los colores hacen manifiestas las ideas. Asociar colores e ideas es un arte puro y aplicado. Verbal y/o visual. La idea es libre y espontánea, el concepto es ajustado y moral.

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SUS IDEAS SOBRE EL CREADOR, LA CREACIÓN...

IDE

ARTE A

Las ideas del IDE RTE pertenecen al arte, ciencia, filosofía, lenguaje, religión. Son verbales - visuales. Se manifiesta en ACCIONES PERCEPTIVAS. Los ambientes semejantes generan ideas coincidentes y compartidas. El arte es coincidente para referencias semejantes. Intercambia tu idea con mi idea: las asociaciones nos ofrecen un resultado que es nuestro. En el arte Ecológico las ideas de LUGAR deben ser resueltas en primer puesto. Estamos en relación con sol y luna y ambos son luz de día y luz de noche con una fuente común, la estrella Sol. Las ideas son acciones espontáneas de la mente. Si la idea es pura y perfecta requiere de un lenguaje puro y perfecto para una comunicación provechosa. El arte de Claudio es bueno si las ideas son buenas. Idea= objeto construido en la mente. Concepto= idea de origen espiritual. Con el arte de ideas podemos construir un pensamiento de ideas encadenadas que podrían configurar una filosofía posible.

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El arte de ideas es más interesante si construimos un pensamiento que nace de asociar-relacionar hechos verbales (geografía) con hechos visuales (mapas).

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PARA ENTENDER EL TODO HAY QUE CONOCER LAS PARTES El arte pensamiento es Arte, ciencia, filosofía y lenguaje. Las informaciones comunicadas por el arte pensamiento sirven a menudo de puente entre dos o más informaciones. El lector-receptor será, así, partícipe y protagonista de su aventura conceptual. C.P

Claudio Perna, Manrique 116 Aﬁche-Instalación presentado por la Fundación Claudio Perna con motivo de la exposición inaugural de la sede Radar-Habana, durante la X bienal Habana, marzo 2009.

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SEÑORES: PREPÁRENSE A MIRAR ACTIVAMENTE Las imágenes han comenzado a producir efectos cósmicos: la vibración de colores desprendidos los llevarán a un viaje ajustado en esta cúpula. Pueden caminar con desplazamientos cerebrales hasta alcanzar los movimientos infinitos de ESPACIO, ALMA y ELEMENTOS. Señores, ha comenzado un viaje con Claudio: un viaje que concluye en la eternidad del universo, sin tiempo, acción, vista y luz. Deben ajustarse libre-mente, para concluir la órbita del pensamiento humano. C.P

Nacer y ser son territorios a veces distantes y distintos, por insondable mandato del destino. No siempre se es de donde se nace. Los ejemplos abundan, sobre todo entre seres que han contribuido a modificar la sociedad de su tiempo y la de sus propios países. Nadie duda de que el gentilicio musical de Argentina lo exprese el tango y que Carlos Gardel sea su más conspicuo representante. Pero sus biógrafos aseguran que nació en Toulouse, Francia, en 1890, aunque otros lo ubican en Tacuarembó, Uruguay, en 1887, y el mundo sabe que falleció trágicamente en Medellín, Colombia, en 1935. Sin embargo, nadie discute el argentinismo de Gardel. Lo mismo ocurre con Julio Cortázar autor de Rayuela, la más argentina de las novelas universales, nacido en Ixelles, distrito de Bruselas en 1914 y fallecido en Francia en 1984. Venezuela también posee casos interesantes como el de Teresa de la Parra (París, Francia, 1896- Madrid, España, 1936), cuya obra novelística inauguró la literatura femenina venezolana. El universalismo caracteriza la diversidad patrimonial venezolana y convierte el país en una fusión étnica maravillosa que integra pueblos originarios, mestizos e inmigrantes, conformando un rico prisma cultural. Esta premisa confirma la venezolanidad de

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Claudio Giuseppe Perna Fermín (Milán, Italia, 1938), uno de los creadores venezolanos más significativos del siglo XX, cuyos aportes al arte conceptual no han podido ser valorados exhaustivamente, ni documentados lo suficiente, por la abundante y compleja producción que abarca más de cuarenta años; pese a los esfuerzos de investigación, conservación, catalogación, registro y difusión impulsados por la fundación Claudio Perna, desde 1998. Una obra tan profusa y audaz solo pudo surgir de una mente superior, estudiosa y libre, dueña de un cúmulo de vivencias y circunstancias de tiempo y contexto que la forjaron. Por ello es necesario delinear una cronología vital que ayude al lector a interpretar la dimensión del poseedor, partiendo de su genealogía directa. Berardo Perna, su padre, fue un joven italiano proveniente de Milán que llegó al país a comienzos de la tercera década del siglo pasado, huyendo de la depresión que invadía Europa y la amenaza del régimen fascista de su patria que pretendía alistarlo en las tropas invasoras de Somalia y Túnez en África. En Caracas fue un esforzado trabajador que hizo fortuna con su fábrica de sombreros, proveyendo estabilidad económica y social para él y su familia en Italia. Por su parte, Isabel Fermín Gómez era una mulata, hija del prestigioso músico margariteño Claudio Fermín, fallecido en 1933 y de la riocaribeña Felicia Gómez Salazar. Fue maestra de artes y oficios, y compartía el hogar materno con sus hermanos menores Claudio y Pilar, pues Mercedes, la mayor, estudiaba un doctorado en Geografía, en la Universidad de Boston, USA.

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Isabel conoció a Berardo cuando comenzó a trabajar en su fábrica de sombreros y, tras un oculto romance, procrearon a Claudio quien nació en Milán, Italia, el 20 de diciembre de 1938 y vivió con sus tíos paternos: Conchetta y Constantino entre Milán y Nápoles, hasta pocos días antes de cumplir diecisiete años, cuando viaja por primera vez a Venezuela.

ESTUDIOS INICIALES Y VIVENCIAS PRIMARIAS Me interesa mi país, yo veo a Venezuela como un pedazo de todo. C.P

Envuelto en una infancia convencionalmente italiana, con primos y tíos que lo aceptaron sin reservas, transcurrieron sus primeros años en la casa paterna de Milán. Sin embargo, ni sus nombres ni su primer apellido italiano, lo alejaron de la crueldad de otros niños vecinos y compañeros de escuela que lo apodaron “el americanito”, por su perfil extranjero. Tal calificativo discriminatorio generaría en el niño una perenne sensación de desarraigo, forjando en su espíritu la convicción de no pertenecer a aquel país y estimulando su curiosidad por develar su origen. Lo que en un principio fue confusión, con el paso del tiempo se transformaría en necesidad de conocer y comprender su lejano gentilicio, estimulado por las cartas amorosas que recibía de la madre y los libros y regalos que le llevaba su padre cuando iba a visitarlo. A pesar de las vicisitudes económicas que atravesaba gran parte de las familias italianas, a causa de la dictadura fascista de Mussolini, el niño Claudio Giuseppe creció sin privaciones económicas por el dinero que recibía desde Venezuela con regularidad, permitiéndose gustos refinados como la gastronomía, el bien 24

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vestir, compra de libros, discos y además disfrutar del buen cine y el teatro, bajo el protectorado de su tío Constantino. A la par de los estudios formales que cursaba en Brescia, provincia cercana a Milán, Claudio dedicó muchas horas a leer los clásicos de la literatura y el arte universales, visitó museos y aprendió idiomas contemporáneos, especialmente el castellano materno, fundamentos de inglés, francés y en menor escala, el alemán, facilitándole leer y comprender a sus autores predilectos en sus propias lenguas. También desarrolló un exquisito gusto por la música clásica y la canción popular italiana, idolatrando los registros vocales de Renata Tebaldi, Lucio Battisti y de la inspiradora Mina (Mina Anna Mazzini), su musa, a quien le rendiría culto en los años setenta con una serie de serigrafías de su retrato tituladas Mina Lisa. En la cercanía de sus diecisiete años Claudio encontró la oportunidad de hacer realidad el viaje tantas veces realizado en su imaginación, cuando en su soledad infantil añoraba el abrazo materno. Llegó la ocasión de cumplir su anhelo y el 1º de diciembre de 1955, diecinueve días antes de su cumpleaños, llegó a Caracas. Arribó en tiempos que el país atravesaba un tenso drama, producto de la férrea dictadura militar del general Marcos Pérez Jiménez. Pero a Claudio no le interesaba la política nacional, su expectativa se centraba en el inminente encuentro con su madre. En su ruta hacia ella contempló el colorido de los ranchos que cubrían las montañas sin entender por qué, en aquellos cubos de cinc y cartón piedra vivían tantas familias, si en cada libro leído sobre esta tierra recalcaba su condición de rico país petrolero. Observaba una miseria distinta a las provincias

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italianas devastadas por el fascismo. Por todas partes la gente cantaba su pobreza con alegría. En contraste admiró la novedosa infraestructura de viaductos y túneles que atravesaba, verdaderos prodigios de ingeniería urbana que hablaban de un futuro auspicioso. Pero más se maravillaría con la arquitectura de la recién estrenada Ciudad Universitaria y demás construcciones antiguas y modernas, que después conocería en frecuentes paseos por el territorio nacional, haciendo despertar su pasión por la arquitectura. Desde su primer recorrido por aquella contradicción urbana supo que esta era su Patria. Dentro de su pasaporte italiano, en el lado más tierno del corazón, guardaba la dirección de su mamá, a quien solo conocía por cartas y postales onomásticas. De su cuello pendía una cámara fotográfica adquirida en Italia para documentar su viaje, sin saber que esa máquina le haría descubrir nuevas rutas desde donde emprendió caminos hacia el arte. En un apartamento del edificio Trianón de Los Chaguaramos sonó el timbre y una puerta se abrió. De su interior emergió la figura de una mujer adulta con rasgos afrodescendientes. Tras un saludo cordial el joven, con acento italiano, preguntó: ¿Es usted la señora Isabel Fermín? La mujer le respondió afirmativamente a una imagen que conocía de memoria por las fotos recibidas año tras año, como mudo testigo de su diaria nostalgia. Yo soy Claudio, su hijo, y me vine a vivir con usted —confirmó el recién llegado. Y cumplió cabalmente su sentencia, viviendo con ella hasta su muerte ocurrida el 23 de octubre de 1982. Desde entonces se integra a la familia materna y culmina el bachillerato en el Liceo Andrés Bello de Caracas, en 1958. Tras 26

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graduarse, recorre el oriente del país en compañía de su amigo y condiscípulo José Rengel. Deslumbrado por la belleza que va descubriendo, fotografía cuanto le permiten los dos rollos de película que pudo comprar con su limitado presupuesto. Sobre estos recorridos escribe en un block Caribe: “Me gusta todo de Venezuela, su gente y sus casas, sus objetos, sus hábitos, sus iglesias, sus paisajes, etc. Todo lo he retratado y documentado”. Aquel año inicia sus estudios de Arquitectura en la Universidad Central de Venezuela y conoce a Miguel Arrollo, quien dirige el taller de Artes Plásticas de esa facultad. En sus aulas permanece hasta 1961 cuando abandona la carrera por no llenar sus expectativas. Pero los conocimientos adquiridos sobre diseño de planos durante los estudios le servirán para proyectar la vivienda que habitó con su madre en el barrio El Pedregal de la urbanización La Castellana, hasta que ella falleció. Allí funda Radar, Centro de Arte y Ecología para profundizar sus acciones creativas con jóvenes artistas, intelectuales y discípulos.

Los 80, panorama de las artes visuales en Venezuela 1990 Encuentro del maestro Perna y sus discípulos. Instalación-performance galería de Arte Nacional, Caracas. 27

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TIEMPOS DE INFLUENCIAS Y EXPERIENCIAS DE VANGUARDIA La complejidad obliga a tener métodos para pensar. Los problemas abiertos requieren de un pensamiento creativo. La programación y ejecución de estrategias requiere del arte de negociar. El trabajo en equipo potencia y mantiene en tensión la inteligencia del colectivo. C.P

El artista busca señales sobre un Coloritmo de Alejandro Otero

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LOS SESENTA Y EL DESLUMBRAMIENTO Toda elite que se sabe vulnerable crea marcos férreos. C.P

En 1962 viaja a Estados Unidos y descubre las vanguardias artísticas. Vive en Washington D.C. y visita Filadelfia, Baltimore, Boston, New Haven y Nueva York. Conoce y admira los hallazgos de Marcel Duchamp, acercándose definitivamente al arte. De vuelta a la patria visita diversos talleres de jóvenes artistas que, como él, investigan las vanguardias y desarrolla una intensa actividad con la fotografía, sin lograr resultados satisfactorios por su alto nivel de expectativas. El año sesenta y tres vuelve a la Universidad Central de Venezuela y emprende estudios de Geografía en la UCV, graduado con honores en 1968. A partir de entonces forma parte del personal docente de esa universidad, hasta su jubilación en 1995. Claudio vinculó su cotidianidad de investigador, docente y pensador al rol de artista integral, empalmó sus ejecutorias profesionales a sus vivencias personales. Interactuó activamente en una vida creadora que fusionó sus múltiples saberes de artista-docente, financiando sus investigaciones y creaciones con los ingresos devengados por su actividad docente, sin apoyo oficial ni mecenazgos. Después de regresar de Estados Unidos (1963) procura aprender las técnicas artísticas de la academia, pero las rechaza cuando comprueba que limitan su ímpetu creador. Sin embargo, en su incursión pinta cuadros al óleo, técnica que interrumpe para dedicarse a la experimentación con otros materiales cuyos primeros resultados están inﬂuidos por los lienzos minimalistas del artista italo-argentino Lucio Fontana. Paralelamente 30

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documenta la ciudad de Caracas en fotografías. En ese tiempo frecuenta el taller de Rolando Peña e inicia una fructífera amistad con Alejandro Otero, cuya cercanía motiva sus primeros objetos: Blanco sobre blanco, Telas corrugadas sobre blanco, Collages de madera, Madera sobre blanco y Objetos encontrados, dentro de la corriente minimalista. También se vincula con las hermanas Ida Gramcko (1924-1994) y Elsa Gramcko (1925-1994); esta última lo motiva a exponer con ella en la galería Gamma (Caracas, 1966), donde muestra tres collages de madera (primera exposición registrada) y lo lleva al taller de Luisa “Nena” Palacios para aprender las técnicas de grabado. Realiza un conjunto de ilustraciones para un libro de poemas de Ida Gramcko, utilizando papeles plegados con la técnica del origami. Además comparte con un grupo de mujeres intelectuales donde destacan Gloria Stolk (1912-1979), Elizabeth Schön (1921-2007, Virginia Betancourt y Elisa Lerner (1932). En 1965 envía dos “Objetos encontrados” al Salón Oficial Anual de Arte Venezolano y lo rechazan. A partir de ese suceso decide no mandar obras suyas a certámenes donde se premie la creación, por considerar que en nuestro país no había jurados capaces de entender los lenguajes experimentales. Abandona el oficio pictórico para experimentar con la fotografía y el cine súper 8, generando una abundante producción, al margen de los movimientos convencionalmente aceptados por la crítica y el mercado artístico.

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De la serie Blanco sobre blanco 1964 Papel. 22x30cm. Colección privada.

En esos años la obra de Perna se identifica con las vanguardias que ﬂorecen en Norteamérica. Pero motivado por sus estudios sobre Geografía humana incorpora sus preocupaciones por el inminente deterioro ambiental. Su propuesta está ausente en las búsquedas de otros artistas latinoamericanos que practican un arte ligado a la comunicación en carteleras, arte correo, televisión, periódicos y medios mixtos. Tampoco es común entre quienes abordan el arte ecológico (Land Art): Dennis Oppenheim (1938) y Christo Javacheff (1935) que expresan un monumentalismo de cierta frivolidad estética. Por su parte, los artistas del Pop Art asumen estrategias antidiscursivas inﬂuidas por Duchamp en sus ready-made, popularizando iconos consumistas. Perna es un cosmonauta solitario en el universo del ArteIdea.

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A finales de 1967 conoce a Margarita D´Amico y le impresiona su visión de profundidad sobre lo artístico, estableciendo una intensa afinidad creativa que cultivarán durante más de una década. Al poco tiempo se les une Gladys Uzcátegui, con quien Perna experimentará “Fotos Dirigidas”, que María Teresa Boulton califica de “conceptuales y extremadamente subjetivas” en su libro Anotaciones sobre la fotografía venezolana contemporánea (Monte Ávila- 1990. p. 71). En esta etapa comienzan sus ensayos fílmicos. En 1969 Nueva York lo recibe de nuevo. Pero esta vez llega con la conciencia del artista que investiga y absorbe todo cuanto de arte ocurre en sus predios. Aprovecha para adquirir fotografías de maestros contemporáneos y numerosos libros sobre arte. Descubre y se familiariza con las películas de Andy Warhol (1928-1987) y conoce y se suscribe a su revista Interview, que el maestro del Pop Art funda ese año, en The Factory, su taller y escaparate mediático. También visita galerías donde se exhiben audaces propuestas de jóvenes creadores como Robert Mapplethorpe (1946-1989) y David Hockney (1937) en compañía del afamado creador plástico y crítico de arte cubano José Gómez Sicre (1916-1991). A su regreso, inspirado, realiza la película Yolanda en formato súper 8, entre otras propuestas audiovisuales.

LOS INTENSOS SETENTA Todo lo nuevo sabe a locura. C.P

No hay certeza de que Claudio Perna mantuviera amistad con el artista Alberto Brandt (1924-1970), fallecido al iniciar la década. Pero sí conocía y admiraba sus propuestas iconoclastas, que 33

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entre 1947 y 1948 llenaron de extrema vanguardia a Venezuela cuando nadie lo hacía. Lamentablemente su prematura muerte le impidió desarrollar una obra más sólida y trascendente. La muerte del preconceptualista coincidió con el despliegue creativo de Claudio. Como Brandt, Perna ejecuta un arte noconvencional alejado del contexto “bellasrtistas”, trasgresor de toda regla. Pero va más allá porque el tiempo es propicio. Hace fotos sin cámara y viaja por centro-occidente realizando instalaciones, acciones fotográficas y películas súper 8, principalmente en el estado Falcón. Intensifica su relación con Margarita D´Amico apoyando sus pesquisas sobre las corrientes alternas del arte en cualquier lugar del orbe. Hasta 1970 Claudio revela sus fotos indistintamente en el laboratorio de Margarita durante el día y en un pequeño laboratorio instalado en el baño de servicio de su hogar por la noche. A partir de entonces, acondiciona un espacioso lugar en su casa, donde desarrolla fotografías experimentales con jóvenes talentosos que luego se destacarían por sus originales propuestas. Soledad López, Guberlín Rojas, Leonardo Yánez, Carlos Germán Rojas, Abel Naim, Alí Gómez, Joe Troconis, Bernardo Morán, Roberto Fontana y Mayela Iribarren posteriormente, disfrutaron su cualidad docente y compartieron prácticas de fotografía dirigida que derivaron en Arte de Instrucción, cuyas acciones más logradas de esta etapa son 100 años con Guberlín Rojas, La Ceibita junto a Carlos Germán Rojas y en los años noventa, Objetos inquietantes con Abel Naim. A partir de esta década el arte empieza a ser su modo de asumir la vida. Transforma su casa en laboratorio permanente de ideas. Discute en libertad con artistas jóvenes, consagrados

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y discípulos sin discriminación sobre vanguardias, que generan una interesante gama de productos fotográficos, películas, performances, libros y materiales diversos y le sirven de base para un arte generativo. Al lugar no solo van artistas visuales noveles o profesionales, también acuden estudiantes universitarios, mayormente de la Facultad de Geografía, a realizar investigaciones in situ con materiales de primera mano que atesora su biblioteca. Muchos protagonizan sus piezas de arte como modelos o ejecutantes, en una incesante actividad que cada día incorpora nuevos actores. A la larga lista de jóvenes creadores que beben del manantial de sabiduría que es Claudio Perna, se suman actores, escritores, músicos experimentales y cineastas. También van periodistas, médicos, psiquiatras, filósofos, sociólogos y políticos que comparten experiencias, buscando palabras clave para avanzar. Muchos las encontraron, aunque algunos rompieron sus propios límites y perdieron la cordura confundiendo aprendizaje con libertinaje porque el lugar no imponía reglas. Los más productivos fueron Eugenio Espinoza, Héctor Fuenmayor, Ana María Mazzei, María Zabala, Héctor Fuenmayor, Theowald D´Arago, Diego Barboza, Miguel von Dangel, Luis Villamizar, Diego Rísquez, los hermanos Álvaro y Sergio Pérez, y una extensa pléyade de valores que en su transcurrir consagraron una obra alimentada de vivencias y conceptos surgidos de los intercambios en aquella casa, desbordada por la vital presencia de Joe Troconis y Bernardo Morán, sus ingeniosos discípulos y por un continuum de creadores, estudiantes, artistas y malandros que frecuentaron su espacio libérrimo, en tiempos distintos.

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Ese año experimenta con imágenes proyectadas sobre su cuerpo que resume en Expe1 (1970-71), un filme en súper 8 realizado con Margarita D´Amico, donde utiliza diapositivas, videos y fotografías que extrae de revistas de arte y libros de geografía. Además publica un encarte con sus Negatografías, en la revista Letras nuevas, que incluye una selección de fotogramas sin utilizar negativos ni rollos, copiados mediante el proceso de positivación directa de la ampliadora por una acción de la luz sobre el papel emulsionado, estimulado por la propuesta de Man Ray.

Foto sin cámara - Negatografías 1970 Papel fotográﬁco bn, y sello de caucho húmedo 8 x 10 pulg. Colección privada.

En 1971 viaja a México y expone estas experiencias con diapositivas proyectadas sobre cuerpos desnudos y trabaja con luz negra y luces de bengala. Posteriormente hará eventos similares con su cuerpo como soporte, que desde entonces denomina Infiltraciones, tomando el título de un performance de 36

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Charlotte Moorman. Cuando regresa, realiza intervenciones fotográficas con clissets tipográficos y sellos de caucho húmedos con los cuales construye discursos seriados con imágenes y textos que transforman la composición original. A partir del año setenta y dos intensifica su producción en series de autorretratos con cámaras polaroid manipuladas durante el proceso de fijación de las tintas, captando expresiones de contenido dramático. También hace composiciones de bodegones y objetos domésticos y capta paisajes en blanco y negro y color con esta técnica. La polaroid no solo le sirve como herramienta discursiva de su creación lúdica, también la usa para documentar su cotidianidad. Antes del final del año viaja a Italia para absorber las fuentes directas del Arte Povera y el Arte como Idea en las obras de Alberto Burri (1915-1995) y Piero Manzoni (1934-1963), y disfruta la creación de sus contemporáneos Giovanni Anselmo (1934), Gilberto Zorio (1944), Giuseppe Penone (1947), Michalangelo Pistoletto (1933), Luciano Fabro (1936-2007) y Pino Pascali (1935-1968). A su retorno al país se dedica a recorrer las costas venezolanas donde realiza instalaciones junto a sus discípulos Joe, Bernardo y Eugenio Espinoza. En esos viajes despliegan La Cosa, una gran tela blanca cruzada por franjas negras a manera de retículas, creada por Espinoza en la serie Impenetrables, bajo inﬂuencia del Land Art del artista búlgaro-estadounidense Christo (1935) y las Reticulareas de Gego (Gertrud Goldschmidt), e intenta una parodia contrastante de los Penetrables de Soto. Claudio hace un exhaustivo registro de estas instalaciones en cada pueblo, playa y desierto que recorren entre Falcón y Caracas.

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En el año setenta y tres Claudio inicia un fructífero vínculo con la Sala Mendoza, asesorando a su directora Lourdes Blanco y participando en actividades como la primera edición de la exposición “11 Tipos” que reúne distintas maneras de plantear la vanguardia por artistas nacidos entre 1936 y 1950. Junto a él participan Valeri Brathwait, Jorge Reventos, Wladimir Zabaleta, Williams Stone, Rafael Martínez, María Zabala, Víctor Lucena, José Antonio Quintero, Eugenio Espinoza. En esta ocasión presenta una selección de sus primeras fotos realizadas entre 1963 y 1972 y algunos trabajos a cuatro manos con Eugenio Espinoza. Continúa sus propuestas de cine súper 8, produce y dirige la película Diana donde altera la velocidad de las imágenes pasando de 15 a 6 cuadros por segundo y rueda la película Casa nueva, viejos amigos que estrena al siguiente año. Pero su nueva pasión la descubre en las fotocopias Xerox, con las cuales emprende un intenso trabajo desde entonces, desplazando la cámara fotográfica por la versatilidad y posibilidades de la fotocopiadora, que rememoran los grabados en mezzo tinta por sus medios-tonos. Esta serie la titula inicialmente Xerografía, produciendo distintas series con recortes de prensa, naturalezas muertas, personajes de la política, el deporte y las artes. Además utiliza su propio cuerpo (manos, torso y pies) de modelo y realiza un conjunto de autorretratos en secuencias veloces con expresiones dramáticas y muecas que el artista ejecuta simulando fotogramas de un film, que denomina Autocopias clausurando temporalmente el cuarto oscuro. Puesto que el artista requiere resultados inmediatos de su creación y la fotocopiadora y los genera. Pero Claudio reencuentra la fotografía de papel con la cámara polaroid, con ella inicia intensas aventuras creativas.

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Autocopia 1970

Fotocopia Xerox s/ papel extra oﬁcio. Colección privada. Del año setenta y cuatro al setenta y seis llena innumerables cuadernos de dibujo denominados “Block Caribe”, con notas, dibujos, fotos y recortes de prensa, creando composiciones a manera de índices o inventarios sin intenciones pedagógicas donde ejecuta audaces propuestas conceptuales en un juego libre y placentero en el que participan otros artistas. Además incluye encuestas entre amigos sobre aspectos personales y lúdicos. Realiza “frotagges” (1974-1975), transfiriendo imágenes de revistas y periódicos que se imprimen inversas con las cuales produce historias a la manera del cómic. En esta etapa interviene numerosos blocks Caribe, de los cuales se conservan cincuenta y ocho ejemplares, documentados de forma preliminar por los investigadores Gerardo Zavarce y Félix Suazo, entre agosto y diciembre de 2008, quienes presentaron un informe técnico, donde enumeran las características y particularidades de cada cuaderno.

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En líneas generales todos presentan un estado de conservación: regular. El papel presenta oxidación, más notable en los sitios donde hay tirro, particularmente en la portada. Algunos tirros se han despegado y otros se han pegado a la página anterior… (24 enero de 2009)

Página de un Block Caribe 1974 técnica mixta sobre cartulina 34 x 24 cm. Colección privada

Ese año inicia sus investigaciones con mapas y fotos aéreas y satelitales, realizando los primeros collages de esta serie que trasversará su obra futura. También profundiza la técnica serigráfica con Héctor Fuenmayor y realiza la serie Retratos hablados, basada en las técnicas de identificación policial que posteriormente intervendrá con autocopias. También realiza serigrafías con una edición de La Mina Lisa, sobre papel tapiz 40

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con estampados diversos, en una evocación lúdica que oscila entre La Gioconda de Da Vinci y Marilyn de Andy Warhol. Durante esa década, Claudio participa con sus acciones en diversos escenarios nacionales e internacionales. En distintas oportunidades expondrá en la sala Mendoza (del setenta y tres al setenta y nueve) y en el Museo de Bellas Artes de Caracas muestra (Autocopias, 1975). En Colombia conoce a Antonio Caro y expone con los artistas neogranadinos Camilo Lleras y Jaime Ardila. Por su parte, en Nueva York exhibe un conjunto de fotografías polaroid en la galería Veydras, y de regreso al país hace pareja con la cellista conceptual norteamericana Charlotte Moorman (1933-1991) en dos performances que la artista presentó durante el Festival Internacional de Video organizado por el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Además interpreta con ella una de tres acciones (Infiltration homogen for cello, de Joseph Beuys) en una playa de Tucacas del estado Falcón, registrada y documentada en fotos y videotape por Margarita D’Amico, dirigida por él, y establece una intermitente relación epistolar con el célebre performer alemán Joseph Beuys (1921-1986).

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Infiltration homogen for cello con Charlotte Moorman. Museo de bellas Artes de Caracas, 1974 Colección privada

Gracias a los contactos internacionales que D´Amico mantenía desde la redacción del diario El Nacional, Claudio conoció y entrevistó al famoso filósofo y pensador canadiense Marshall McLuhan (1911-1980) creador del concepto “aldea global” de interconexión humana a escala planetaria, generada por los medios de comunicación, que resumió en su frase “el medio es el mensaje”, y compartió interesantes experiencias de arte Comestible con el artista catalán Antoni Muntadas, cuando vino a Venezuela. Juntos prepararon el performance La sangría (1976) en su casa taller, registrado en polaroid y preparado por Perna en el Instituto de Diseño de la fundación Neumann-INCE, según receta de su creador. Resultante de esta acción quedó registro de La sangría (1977) en un collage que incluye: polaroid, textos y receta de su creador, vaso de cartón aplastado, sobre cartón de un kilo, perteneciente a la colección GAN-Museos Nacionales. En esta misma sala mostrará una selección de fotocopias Xerox que denomina La llamada telefónica.

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La sangría, según recta de Antoni Muntadas 1976 Performance Instituto de Diseño Neumann.INCE. Colección Fundación Museos Nacionales gAN

Claudio vuelve al Museo de Bellas Artes de Caracas para presentar Proyecciones, infiltraciones y exploraciones (1976), en acciones continuas durante diecisiete horas de diapositivas infiltrando su cuerpo. Además “toma la ciudad como objeto social y ecológico” tras la vidriera de la desaparecida librería Cruz del Sur, en pleno bulevar de Sabana Grande de Caracas para proponer su concepto Arte en vidriera donde exhibe entre las novedades literarias un conjunto de fotocopias de la serie Artistas y deportistas, con imágenes en movimiento extraídas de las secciones de farándula y deportes de la prensa, para exaltar los méritos de los protagonistas nacionales en estas disciplinas. En el interior de la librería realiza la instalación Escultura Psicológica, Brutalmente asesinado, demarcando sobre el piso con una tiza, el

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contorno de un presunto cadáver donde la víctima no está, pero los espectadores infieren que hubo un suceso al acercarse. En La Galera, un poblado costeño del estado Nueva Esparta, continúa sus acciones dirigidas de arte de Instrucción, en 100 años, con Guberlín Rojas y propone retratar sobre la playa a distintos habitantes del lugar por edades, desde cero años, hasta cumplir el siglo. Esta vez instruye a distancia, tras una intensa preparación del joven artista margariteño en su casa-taller de Caracas. El proyecto no pudo cristalizar por la negativa de los adultos a participar, aunque los niños lo hicieron activamente, conservándose una destacable evidencia de la experiencia, a través de numerosas imágenes fotográficas. Perna desarrolla Foto-informes, con fotos periodísticas seguramente rescatadas de alguna mesa de redacción de un diario norteamericano de sucesos, con dramáticos textos en inglés que describen la foto.

Fotoinforme 1976 Fotografía en blanco y negro intervenida Colección privada

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En Alineamientos el artista recorre el país retratando lugares, vías y aspectos resaltantes del paisaje, señalados por la autocopia de una mano sobre fondo negro, que parece dar pistas al espectador sobre la ruta que el artista visita. Es de alguna forma, un manuscrito visual o mapa sin tesoro. En Ritual registra eventos cotidianos y lugares que va observando camino a la costa centro-occidental del país, vía comunidad de Los Chucos del estado Yaracuy, donde hallará vivencias mágico-espiritualistas, creencias que profesa honestamente, incorporado a los rituales que practica un brujo de la zona, a quien valora y rinde culto como Chamán, venera sus iconos y deidades sincréticas a través de las cuales experimenta una relación mística, y realiza acciones artísticas (María Lionza, El Negro Felipe, la Mano Poderosa, la India Rosita, etc.). A su regreso copia e interviene algunas fotos con marcadores de colores, textos y sellos tipográficos que recoge bajo el título Poesía visual, seleccionando diez imágenes que editará en una plaquette de tiraje limitado.

Alineamiento 1976 Fotografía blanco y negro 8 x 10 intervenida Colección privada

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De su peregrinaje visual por diversos lugares del país escoge, recicla y clasifica imágenes para construir collages de una serie que denomina Inventario. El material no incorporado servirá con el tiempo para indistintas indagaciones conceptuales y tesis de Geografía humana. Esos últimos años de la década, Claudio Perna mantiene una afanosa actividad creativa y expositiva. Continúa colaborando con la sala Mendoza, organiza eventos y muestra sus pesquisas. En esa sala profundiza su concepto sobre arte Vivo al incorporar sonidos a sus esculturas sociales y presenta una escultura sonora que titula Arte con orquesta, con el grupo Chicless dirigido por el músico Antonio Molina.

Arte con Orquesta – Escultura sonora Grupo Chicless 1976 Fotografía en blanco y negro Colección privada

En 1977 se sirve de la sala Mendoza para organizar el I Festival Venezolano de Diapositivas. Además exhibe individualmente sus Maculaturas, o escorias gráficas que resultan del reciclaje de múltiples impresiones, para calibrar las tintas de las prensas a fin de economizar papel. El material para la exposición fue 46

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rescatado de una imprenta ubicada en un edificio de su propiedad. Tras su selección y firma, se mostraron en Gráfica X, resucitando el espíritu Dada de Duchamp del “arte” por decisión del artista. También exhibe un conjunto de imágenes de la bailarina Sonia Sanoja en la galería Ángel Boscán de la UCV (1977) y expone diapositivas con Diego Rísquez, María Zabala, Joe y Bernardo, Milton Becerra, Mary Kent, Luis Álvarez y Luis Villamizar, en el Museo de Ciencias de Miami. En 1978, Muntadas lo invita a compartir su experiencia de arte Correo On Subjetivity, que consistió en enviar imágenes a 250 personajes del quehacer artístico contemporáneo, procesadas por el artista español y posteriormente entregadas a especialistas de la imagen para su análisis. El resultado de esta acción se mostró en museos norteamericanos y de España. Al cierre de la década participó en la última edición de la exposición “11 Tipos” en la sala Mendoza, donde Claudio presentó su escultura social, Lluvia, un performance-instalación, donde una joven mesonera de Petare atiende al público detrás de la barra de un bar. A su lado se oye la voz de Rubén Blades cantando Pedro Navaja desde una rockola. La obra es parodia y homenaje al cuadro impresionista Bar de Folies Bergère pintado por Manet en 1881. Al fondo de la escultura social se encuentra la pintura de arte de instrucción de Joe… y como parte de la muestra general expone El CEN de Acción Democrática... acompañado por obras de Diego Barboza, Freddy Pereyra, Ana María Mazzei, Ana Rosa Gallegos, Rolando Dorrego, Miguel von Dangel, Roberto Obregón, Anita Pantin, Mercedes Elena González y Eugenio Espinoza.

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Lluvia – Escultura social 1978 Postal intervenida con tinta y sello húmedo Colección privada

Es importante resaltar que Perna participó en todas las ediciones de “11 tipos” e inﬂuyó en algunos participantes como Margot Römer (1938–2005) cuando en la edición del setenta y ocho, expuso un óleo de gran formato titulado Bandera empaquetada, según C.P., a partir de Paquete heroico (1976) un pequeño ready made (22x28 cm) donde Perna presenta un pabellón nacional encapsulado en una caja de plexiglás transparente, atado por

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una cinta tricolor que fue modelo para la serie Paquetes heroicos de Römer. Este año también realizó su serie Acupinturas, dibujos sobre papel con punciones de grafito sobre proyección de diapositivas, cuyos contornos producen efectos de tramas irregulares. En algunos, el trazo no lo construyen puntos sino palabras formando frases que describen el objeto dibujado. En otros dibujos utiliza materiales distintos; en Carta de Yoko Ono (1978) traza con hilos de estambre para formar las líneas, en Brujo del estado Yaracuy (1978) se apoya en creyones de cera y papel contact escolar y otros los interviene con fotos y postales.

Virgen de Caracas – Acupintura 1978 Collage: graﬁto y postal sobre papel 100 x 70 cm. Colección privada 49

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También en la sala Mendoza expone sus primeras experiencias de Arte de Instrucción; son pinturas de gran formato ejecutadas por cartelonistas anónimos de cine que trabajan bajo su supervisión. Este concepto ya lo desarrollaba en fotografía desde 1965 con Gladys Uzcátegui. De esta etapa surge el retrato Joe en área rural (1979) y El CEN de Acción Democrática analiza la derrota electoral (1981) que expone en la muestra 11 Tipos (1981), dirigida y supervisada por el artista, bajo la premisa de que “la obra no es de quien la pinta sino del creador”, basado en las experiencias de los talleres renacentistas y más cercanamente en los cinéticos que utilizan talleres industriales para ejecutar sus piezas, pero dejando al ejecutante en libertad para aplicar su estilo y algunos elementos de la composición. Joe en área rural (180 x 120 cm) es una pintura sobre tela realizada con base a una fotografía tomada por Perna, vía Tucacas, de solvente factura técnica y colores exuberantes con luminosidad tropical. En sus elementos compositivos recuerda El Grito de Edward Münch, pero se distancia en la anécdota y el color que exalta la mirada constructiva de la cultura Caribe, que no exhibe sus tragedias como la alemana, a pesar del genocidio español, porque el artista considera que el arte latinoamericano es luminoso y honra la belleza.

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El CEN de Acción Democrática analiza la derrota electoral Óleo sobre tela. 150x250 cm. Colección Fundación Museos Nacionales-gAN

El caso de El CEN de Acción Democrática... es diferente porque mantiene un tono jocoso (según su compañera y modelo Flérida Alcalá) fue concebido con el título inicial de Gonzalo Barrios se dirige al país por el micrófono de John Cage (180 x 120 cm), como homenaje al compositor e instrumentista estadounidense, perteneciente al círculo de Andy Warhol. En el cuadro el candidato está ausente, solo su foto se observa a ambos lados del cuadro, mientras los miembros del buró lo esperan sentados de frente al espectador. En su recomposición conceptual Perna demuestra su versátil inteligencia porque al principio pretendía deslastrarlo del componente político ideológico, pero finalmente decidió mostrarlo como una crónica visual de un acontecimiento

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histórico que produjo desavenencias entre su familia materna. La obra pretendía ser pionera de la serie Partidos políticos y personajes de la América Latina que no cristalizó por la mudanza del taller de los cartelonistas que harían los otros encargos, porque Claudio perdió el contacto con ellos y no logró ubicarlos, desistiendo de su idea hasta una década después, cuando continuaría el proyecto en Radar con Luis González, anexando los retratos de Carlos Andrés Pérez y Douglas Bravo en acrílico sobre tela (90x 145 cm) y dos guaches titulados Rómulo Betancourt niño (1988) sobre papel (70 x 40 cm), uno de ellos editado en serigrafía en 1990, por la Fundación Don Luis y misia Virginia. Entre finales del año y principios del siguiente ideó el método En contra de la lectura veloz, para contraponerlo a la propaganda de una academia mexicana que promovía un “método efectivo para la lectura veloz”, con ejemplos ilustrativos de su eficiencia. En contra de la lectura... contiene un alto contenido pedagógico y se manifiesta “a favor de la jerarquización de contenidos superficiales y profundos” planteados por Simón Rodríguez en el siglo XIX. Surge cuando visita al maestro Luis Beltrán Prieto Figueroa (1902-1993) para mostrarle el manuscrito de su libro Evolución de la geografía urbana en Caracas, y el maestro comenzó a leer la introducción ante el expectante discípulo: lee con pausa y tras cada párrafo, levanta el rostro y lleva su dedo índice al mentón. Al finalizar la lectura devolvió el material después de hojear el índice, con una señal aprobatoria en su gesto. Después buscó en su biblioteca un poemario que acababa de publicar y lo abrió en la página donde estaba el poema “Soy tu voz en el viento”: “Si tienes una palabra, lánzala al viento, él la llevará muy lejos...”, para que Claudio lo leyera en voz alta lo cual conmovió al joven discípulo.

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La maga del Caribe / foto anónima de Venezuela 1979 Plata sobre gelatina iluminada 40 x 53 cm. Colección gAN Museos Nacionales

En el ámbito educativo, Claudio Perna, geógrafo y profesor universitario, realizó una intensa labor docente e investigativa. En 1978 presenta su trabajo de ascenso Evolución de la geografía urbana en Caracas, para optar a la categoría de profesor agregado que obtiene mención publicación y es editada por la UCV en 1981. Al tiempo que desarrolla una trascendente labor de asesoría en la Biblioteca Nacional, donde funda la División Audiovisual y el Departamento de Cartografía de esa institución. Al final de la década, sus investigaciones sobre arte Social entraron en la Galería de Arte Nacional en Caracas, cuando expone Fotografía Anónima de Venezuela (1979), tal vez su proyecto más querido por exaltar las potencialidades creadoras del pueblo. Mimetiza su YO y se asume cronista-curador del espíritu de un tiempo. Su idea de llevar las fotos del pueblo a las paredes 53

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del museo más importante del arte venezolano surge cuando rescata un voluminoso número de negativos de los basureros de un laboratorio fotográfico de Catia y descubre arte en las imágenes anónimas. La exposición se acompañó de instrumentos para el diagnóstico de diversos tópicos humanos, que luego debían sistematizarse para hacer un inventario icónico popular. Gran parte de este hallazgo pertenece a la GAN y conforma el primer registro de la memoria cultural de un tiempo que, de no ser por la audacia y genio del artista, no existiría.

Foto Anónima de Venezuela 1979 Plata sobre gelatina 20,5 x 20,2 cm. Colección gAN Museos Nacionales

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Estos actos de transformar en obras de arte sucesos, ideas de diversa procedencia y materiales que encuentra y selecciona a su paso, demuestran el radar de su inventiva y el aprovechamiento de los recursos que le ofrece su entorno cotidiano en pesquisas continuas donde emerge el arte Generativo. Ese año, muere su joven amigo y compañero de vivencias creativas Bernardo Morán, el más aplicado de sus discípulos, con quien exploró las múltiples dimensiones del arte Sentimiento. La presencia de Bernardo recorrerá gran parte de la obra de Perna y su imagen se cuela en múltiples propuestas, aun las que realizará después de su muerte. Lo mismo ocurrirá con Joe Troconis, por ser presencias motivantes en un tiempo y lugar sin precedentes en el arte nacional. La década del setenta marcó una relación profunda y privilegiada entre los artistas que participan del entorno restringido de Claudio Perna. Quienes no entendieron sus ideas lo miraron con recelo y hasta con desprecio, lanzando críticas malintencionadas sobre cuanto ocurría a su alrededor. Quien entró a su vida sorbió la libertad y la esencia del arte a plenitud. Su corazón era un lugar sin discriminaciones políticas, religiosas, de género, raza o condición social. Quien por allí pasaba desnudaba su espíritu y su cuerpo. “La vida era un enjambre de alegría”, diría el poeta Carlos Báez, para hablar de esos nidos de ideas.

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Actividad en Radar, Centro de Arte y Ecología 1982 Foto dirigida 8x10 pulg. Colección privada

LOS OCHENTA: REVISIÓN, TEDIO Y REVELACIÓN Alejandro Otero me enseñó que sobre la excelencia cabalga la eminencia C.P.

La desbordante desmesura de los años precedentes lo lleva a revisar y profundizar sus conceptos en nutritivos encuentros con un grupo reducido de amigos, parientes y discípulos como Alejandro Otero, a quien asumió maestro desde los años sesenta, por los retos que le impuso y por compartir con él claves cada vez más complejas. A su tía Mercedes Fermín, fundadora de la Escuela de Geografía de la UCV y primera doctora Geógrafa en Latinoamérica, quien además fue senadora de la República y embajadora de Venezuela ante la FAO, le solicita asesoría para sus trabajos de ascenso en la universidad y discuten los fenómenos del hambre mundial y las desigualdades sociales. Con Raúl Nass, amigo y consejero,

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problematiza sobre diversos temas de la humanidad contemporánea. Con el psicólogo José Rengel “Pepe”, su condiscípulo del Liceo Andrés Bello, aborda la situación indígena y la problemática de los niños abandonados en las casas cuna de Caracas. Con su amigo César Augusto Romero, anatomopatólogo de la morgue de Bello Monte de Caracas, comprende la perfecta función del organismo humano a través de la autopsia. Y finalmente con Ernesto Lechín, un joven psiquiatra, emprende una fase de meditación y sistematización sintética de hechos orgánicos que concluyen en el arte Pensamiento. Para elaborar este modelo se valieron de las ideas de Simón Rodríguez y Marshall McLuhan. Resultante de estas experiencias crea las bases de numerosos libros uniejemplares, incluido su Autocurrículum (1981), que recoge una selección capital de propuestas conceptuales y experiencias autobiográficas compartidas con muestras fotográficas, donde escribe sus reﬂexiones, soportadas en recortes de prensa, boletines, avisos catálogos y cuanto su inquieto espíritu creador consideró importante de ser su legado al arte Idea. Este método de conjugar propuestas creativas es considerado una obra de “arte evento” de importante vigencia y gran valor con escasos antecedentes. De su Autocurrículum imprimió cinco facsímiles con particularidades en cada libro fotocopiado y encuadernado, que entregó a sus amigos Carlos Germán Rojas, fotógrafo, y Zuleiva Vivas, crítica de arte, y donó a instituciones (las bibliotecas de Washigton D.C. y Benson de la Universidad de Texas en Austin, y al Museo de Arte Moderno de Nueva York) para el resguardo de su memoria y su creación, por cumplir la doble función de documento y obra de arte. Sobre este material escribió Luis Pérez Oramas en el catálogo Arte Social (2004):

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“El Autocurrículum procede a desmontar, con sarcasmo y eficiencia, uno de los mecanismos más inadvertidos de consagración institucional del arte contemporáneo” (p. 44).

DE PALMA SOLA A RADAR La sonrisa que tú das, siempre retorna. C.P

1982 significó para Perna la ruptura del impulso y el ímpetu que traía de los años anteriores. Entre el último trimestre de ese año y enero del siguiente, ocurrirían sucesos que marcarían su porvenir. Si la muerte de Bernardo en el setenta y nueve la asumió con resignación y optimismo determinista, el fallecimiento de su madre Isabel, ocurrida el 23 de octubre de ese año, provocaría un quiebre en su sensibilidad, desencadenando un conjunto de eventos que afectaron su salud y su psiquis, conduciéndolo al sanatorio varias veces de estas incursiones surge su concepto SALUD, como mantra para lograr sobrevivir a la locura. Tras intermitentes períodos de exaltación y depresiones, a causa de la muerte de la madre y por sus contradicciones con Joe, que llegaban al punto mayor de su crisis, celebra su cumpleaños cuarenta y cuatro, y en este escenario crea Radar, Centro de Arte y Ecología, que funcionará en la planta superior de su casa, conocida hasta ese día como Palma Sola 17, nombre que la identificaba. Los asistentes a la fiesta de cumpleaños conformaron la nómina de fundadores de Radar, muchos creyendo que se trataba de un lugar para la desmesura y el jolgorio festivo, sin percibir que

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aquella noche se fundaba uno de los centros de investigación sobre arte contemporáneo más vanguardistas de la América Latina. Radar se inspiró en “The Factory”, el estudio que Warhol fundó en Manhattan, Nueva York, el año 1963 y funcionó hasta mediados de la década del setenta. En “The Factory” se producían las serigrafías de Warhol. Mientras unos hacían serigrafías, otros rodaban una película y cada día ocurría algo nuevo. Esto mismo planteó Claudio en su propuesta. La propuesta de Radar, también se impregna del espíritu Dada pero es menos lúdico y más profundo, por ser un anagrama con virtudes polisémicas. Claudio lo concibe como un centro para detectar y atraer los acontecimientos y sucesos de arte y ecología, que se producen en cualquier lugar del planeta. Desde allí los conceptualiza y resemantiza para luego irradiarlos como producto popular. Su perímetro es el planeta Tierra y los acontecimientos, los que el ser humano genera. En enero del ochenta y tres Joe, su discípulo más audaz, que emigra en enero del ochenta y tres cuando aquella relación estaba agotada. Iba en busca de la fama y fortuna que creyó aguardarle en el Norte, adonde aún permanece sumido en el anonimato de inmigrante ilegal. Al principio, junto a su esposa Anabella Laugling, Joe nutre los archivos de Radar con noticias, materiales e imágenes, principalmente de Hollywood, que Claudio utiliza en sus obras, como expresión de Arte en Colaboración. En los años siguientes (1983-1984) realiza experiencias extramuros en Caracas y Valencia con el artista carabobeño Ángel Martínez “Lobo” (Grillo), fallecido el 2 de diciembre de 2009. Juntos conciben el “Súper Grillo”, parodia de los héroes del cómic 59

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norteamericano, de alto contenido crítico sobre la contaminación del ambiente y la polución provocada por las industrias imperiales. Sus experiencias fueron expuestas entre septiembre y octubre del ochenta y cuatro en Perna-Lobo, 0 metros sobre el nivel del mar, 900 metros sobre el nivel del mar, “Una proposición de participación perceptiva” realizada simultáneamente en dos salas: la Casa Guipuzcoana de La Guaira (cero metros) y la Sala de Exposiciones de la Gobernación del Dtto. Federal (900 metros). Después de esta incursión, Claudio se refugió en su casa acompañado de una profunda depresión. Desaparece de los eventos públicos y exposiciones, cerrándole la puerta a los encuentros gregarios. En su hogar recibe escasas visitas, casi siempre de alumnos que considera “opiniones nacientes”, nutriéndose de sus percepciones sobre el mundo observado. Allá van Leonardo Yánez, Julieta González, Marcelo Carrasco, Lisbeth García, Isabel Cristina Ortiz, Noniska Cilento, Carlos Vallés, Hortensia Carrer y Mayela Iribarren, entre otros. También lo visitan (previa cita) sus discípulos no académicos Miguel Ángel Tarantino (al principio su alumno en la UCV), Juan Pérez (un malandro luminoso) y Gilfredo (el más colaborador), buscando, entre otras cosas, su identidad, por ser ese un espacio donde desbordan su fuero creador. Llegan huyendo del anonimato que cubre su entorno. A través de ellos Claudio comprende la cultura del barrio, valora las potencialidades en riesgo como productos marginales autodestructivos. Importante es señalar que Tarantino y Pérez murieron víctimas de su propia intemperancia, en eventos violentos, en la entrada del siglo XXI.

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Claudio asume esta actitud monástica y sedentaria. A veces visita contados amigos entre quienes destacan Juan Loyola, Flérida Alcalá y Federico Fernández, Roberto Fontana y su esposa Giovanna, Abel Naim y Macarena Solórzano, Aglais Oliveros, Soledad Lopez y Beatriz Catalá; su abogada. En el claustro de Radar se dedica a llenar nuevos libros en formato doble carta empastados, donde renueva su incursión de los block Caribe, vincula conceptos artísticos y geográficos, en diagramas comparativos con fotografías y postales para mostrar los contrastes Vida Urbana-Vida Natural de los habitantes del planeta en comparaciones Ambiente-Civilización nutriendo sus trabajos de ascenso en la UCV. Su constante depresión la dedica a la investigación geográfica, vinculada a la creación humana, en esa etapa Flérida Alcalá se traslada a su casa para brindarle apoyo, iniciando una relación de pareja más estable. En 1984 integra definitivamente Arte y Geografía a la función docente, cuya manifestación más acabada se observa en su trabajo de ascenso Material para la Invención y la Creación: aproximación a la geografía cultural, para optar a la categoría de profesor asociado de la Escuela de Geografía de la Universidad Central de Venezuela (1985), transformando un evento rigurosamente académico en espacio para el arte donde, además, expone Ha muerto el cubismo, ha nacido el esferismo, una muestra que dedica “al gran educador venezolano Simón Rodríguez y al gran artista venezolano Samuel Róbinson”, como expresión del artista-docente que inspiró su acción. Desde un diario capitalino el artista invita a sus amigos personales al acto de grado, entre otros destacan comunicadores, docentes, representantes institucionales y especialmente a un habitante del 23 de Enero de nombre Jesús Alfonzo Corito, como reconocimiento a la sabiduría popular y en su deseo por llevar el pueblo a la universidad. 61

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Para este encuentro hace una paráfrasis de “Moral y luces son nuestras primeras necesidades” del Libertador Simón Bolívar, y la transforma en “Morral y Luces son nuestras primeras necesidades”, en una taxativa invitación a los estudiantes del país para convertir el recinto universitario en todo el territorio, saliendo a buscar los saberes entre pueblos y paisajes: “...Es que los muchachos deben agarrar su morral y recorrer Venezuela. Lo de las luces ya se sabe: esto está lleno de luces”. (El Nacional, 1985), refiriéndose a los jóvenes. A quienes recibe en su casa los trata espléndidamente, demostrando su vocación de anfitrión. Mientras departe en Radar registra cada momento, sus visitantes son modelos de sus fotos. En esta época desecha las cámaras réﬂex mecánicas por el engorroso manejo de lentes e iluminación, las sustituye por versátiles cámaras automáticas que resuelven estos problemas, a través de mecanismos tecnológicos. El artista solo precisa documentar velozmente cuanto ocurre y lo logra con un clic, atrapando el instante sin preocupaciones técnicas. El revelado lo resuelve en laboratorios comerciales que le ahorran tiempo y demás preocupaciones. Así pasa varios años de autoencierro que lo conducirá a las clínicas psiquiatras en diversas oportunidades y al uso obligado de medicamentos antidepresivos.

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RADAR “TO RETURN” Si es coincidente, es contemporáneo. C.P

En 1987 un encuentro casual motiva la reactivación de sus creaciones plásticas en Radar y reinicia sus acciones perceptivas con nuevos actores y propuestas re-visitadas que abarcan los territorios pictóricos, permitiéndole cerrar inconclusos ciclos de su proceso creador. Trabaja con Luis González, al que conoce y observa pintar en el apartamento del artista Juan Loyola, ubicado en Parque Central. ...La tarde de un día cualquiera Claudio llamó a Juan Loyola para invitarlo a almorzar en su casa. Le pidió que me llevara con él para que conociera los espacios de Radar. Cuando llegamos, Claudio nos recibió con la cortesía y gentileza propias de su personalidad. Pasé aquella tarde maravillado contemplando magníficas obras de artistas nacionales y extranjeros por todas partes, incluidos los baños y el patio. Después conocí Radar, y en ese espacio observé tantos objetos, fotos, manuscritos y libros incomprensibles para quien, como yo, tenía una precaria formación provinciana (con el tiempo fui descubriendo su valor y me enteraría de su procedencia). Al despedirnos me propuso que si algún día decidía “enseñarlo a pintar” me esperaba en su taller, y si me apetecía quedarme, tenía una habitación para mí. Pocos días después llegué a Radar cargando un cuadro que mostraba un par de espantapájaros sentados ante una mesa, jugando al ajedrez con fichas árboles contra edificios, donde obviamente los edificios ganaban. En Radar descubrí el verdadero sentido del arte y en Claudio la más alta expresión de la amistad. (L. González. Diálogo conmigo. 2009)

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Luis González en Radar Fotografía de Claudio Perna

En esta relación Claudio no solo inicia un vínculo del maestro que instruye y coordina la ejecución de sus pinturas y dibujos. Se genera una dinámica complementaria de participación a cuatro manos, comparten una experiencia artística extrema (a veces trabajábamos 24 horas continuas). Una relación cómplice de “Arte de Instrucción”, transformada en “Arte Sentimiento” y que luego derivará en el concepto del Ingeniero de Color, un concepto formulado por Perna, mediante el cual produce centenares de dibujos y pinturas que para nada se deben considerar pinturas en el sentido convencional, porque son resultados de Arte—Idea que se valen de pinceles y telas.

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Flores impresionantes – Arte Sentimiento, 1988 Acrílico sobre tela. 150 x 115 cm Colección Alberto Vergara

En esta tónica surgen “Flores impresionantes” de colorido tropical sobre naturalezas muertas y bodegones reimpresionistas aportados por Manet y Cezzane, serigrafías Post-Pop, con imágenes manipuladas de Armando Reverón (1889-1954) y James Dean (1931-1955), dos iconos culturales de un tiempo y distintos lugares, y ready mades que tropicalizan las ideas de Duchamp y numerosos ejercicios lúdicos de arte generativo. Tras la partida de González a principios de 1990, Claudio extiende la figura del “Ingeniero de color” hacia nuevos ejecutantes como Carl Anderson, L. Ciro Marcano, Julio González y Héctor Baiz.

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Conjunto de serigrafías intervenidas de James Dean Vista parcial de la exposición Arte Social. galería de Arte Nacional 2004

Con la reapertura de Radar como laboratorio de acciones perceptivas, Claudio revisita su itinerario protagónico, reencuentra, reafirma y sistematiza su proceso creativo, profundizando y clasificando su legado consciente del valor de sus hallazgos. Como es tiempo de resurgimientos, construye una fructífera relación con el legendario guerrillero y líder revolucionario Douglas Bravo, con quien coincide en descifrar las claves para el diseño del nuevo humanismo y la nueva civilización por caminos distintos: el arte y la política,comparte las teorías sociales de Bravo sobre el “Tercer camino”. Mientras el político plantea sus puntos de vista, el artista orienta retratos, hace fotografías y toma ideas para enriquecer sus conceptos sobre arte Social.

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Ni una palabra más –monumento al geonauta–, 1967-1973-1990 Collage fotográﬁco sobre mapa, taburete y globo terráqueo Colección Ignacio y Valentina Oberto

LOS NOVENTA, PREÁMBULO DE INMORTALIDAD Un artista no oficial premiado por la oficialidad C.P.

Los noventa encuentran a Claudio despierto o, mejor dicho, insomne, reuniendo y compendiando cada herramienta posible para continuar su faena artística. Recicla materiales y crea obras híbridas. Regresan los mapas, pero esta vez incorporando fotografías de su cotidianidad para fundamentar su nueva cartografía, donde lo local convive con lo global. Esto sucede con su Monumento al Geonauta (19671973-1990), donde alcanza una total fusión de conceptos

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y tiempos. En su versión multidimensional Claudio crea la composición mixta de un globo terráqueo sobre un taburete (tridimensional) alineado frente a un mapa (bidimensional) que muestra la topografía occidental de Venezuela y el oriente de Colombia, con impresiones fotográficas superpuestas del autor y una copia antigua del taburete entre los límites caribeños de los dos países. Finalizando los ochenta regresan las exposiciones y con ellas vuelve su “Escultura sonora”, en esta oportunidad bajo la batuta de Alberto Vergara, dilecto discípulo de Perna que hace sonar las ideas de su maestro. En colaboración con el joven bibliófilo, poeta y pintor Alejandro Salas (1960-2003), a quien el maestro considera “autoridad naciente”, intenta realizar una experiencia de bibliofilia inconclusa por los apremios del tiempo. Sin embargo, imprime serigrafías sobre franelas con Joaquín Rojas presentándolas dentro de bolsas de papel estraza, que intitula “Arte para Vestir” a la comunidad venezolana, como opción para elevar su gusto estético y sacarla del consumismo sin arte ni identidad en que se hallaba envuelta. Con los esténciles de Arte para Vestir imprime serigrafías que colorea replanteando el Post-Pop, además elabora propuestas expositivas con Zuleiva Vivas en la galería Sotavento, donde presenta dos muestras individuales: Contactos mentales (1990) y Arte Social (1991), edita el primer número de NOI (Nuevo Orden Informativo), una edición del Radar para “divulgar el arte social y los nuevos modelos de pensamiento”, del cual se publicaron dos números con diseño de Juan José Abreu.

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En la galería Ángel Boscán de la Universidad Central de Venezuela expone Vida EPerna, una exposición antológica que dedica a sus estudiantes. Además participa en la galería Espacios Cálidos en las muestras colectivas Un siglo de flores (1989-1990) y El espíritu del tiempo (1991) para conmemorar los 60 años del Ateneo de Caracas, donde realiza una experiencia de arte ecológico de siembra y cultivo de granos autóctonos por parte del público. En la Galería de Arte Nacional presenta Laberintos de identidad, autorretratos 1820-189; (1990) y Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela (1990) donde muestra nuevamente su Escultura Sonora, presentando al grupo Caracas son 7, dirigido por Alberto Vergara. Realiza numerosos ejercicios plásticos a partir de fotografías, diapositivas y modelos vivos que pasan y posan para el artista, tanto en cuadros como en fotografías. Algunas ideas tridimensionales las convierte en pinturas como su experiencia con Charlotte Moorman en Tucacas, o los “Objetos inquietantes”, transformados en fotografías dirigidas.

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Arte Social Manifiesto Acrílico sobre tela 150 x 115 cm Fundación Claudio Perna

Revive conceptos y genera una dinámica arrolladora altamente productiva que abarca hasta finales de 1993. Venezuela desde el cielo (1992) es la última exposición individual en vida de este artista. La realiza con motivo de los 50 años de la fundación del Ateneo de Valencia. Antes de concluir el año noventa y tres presenta su trabajo de ascenso: Comprensión y retos del ambiente Tierra-Hombre (Observación del Objeto Tierra y sus Ocupantes) y asciende a la categoría de profesor titular de la Escuela de Geografía de la Universidad Central de Venezuela. Este libro es un compendio de sus investigaciones sobre Arte-Ciencia, donde sistematiza y desarrolla sus ideas y experiencias de acción perceptiva 70

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y sus conceptos de la localización geográfica que le permitan al lector “poner en práctica relaciones e interrelaciones en los lugares de su preferencia y dar paso a un pensamiento generativo que lo conduzca al descubrimiento de nuevos hallazgos que enriquezcan su experiencia personal” (p. 16). Su contenido está estructurado de manera novedosa y dinámica, partiendo de los métodos planteados por Simón Rodríguez en sus tratados pedagógicos. Incluye fotografías, diagramas y cuadros realizados en experiencias compartidas, aparentemente inconexas, partiendo de sus propias experiencias. A finales del año noventa y tres Claudio se desconecta de la realidad objetiva y se interna en su irrealidad lúdica con fuertes componentes de desmesura, a causa de experiencias multifactoriales que lo conducirán intermitentemente a las clínicas psiquiátricas y reposos medicados, producto de numerosas contradicciones que le acarrean contratiempos en la universidad, al punto de ser cuestionado por la dirigencia académica que no aprueba sus métodos de enseñanza. Por tal motivo el Consejo Universitario lo suspende de sus funciones, ahondando con ello su crisis emocional. Durante estos años lo acompañan en Radar sus discípulos L. Ciro Marcano, Carolina Mata, Alberto Vergara y Julio González. Además afianza su vínculo con Flérida Alcalá. En 1994 el Estado venezolano reconoce sus múltiples aportes en el campo de la fotografía experimental y le otorga el Premio Nacional de Fotografía. Al siguiente año obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas por su destacada labor como iniciador del arte Conceptual en Venezuela, siendo el único artista venezolano reconocido con dos premios nacionales

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consecutivos. Para este tiempo ya los médicos le han diagnosticado un severo enfisema pulmonar, debido a su irrefrenable adicción al cigarrillo, que junto a otros excesos le conducen hasta la antillana isla de Cuba, buscando curar los males que aquejan su salud. En febrero del 96, poco antes de partir hacia Cuba, Claudio Perna realizó su última acción conceptual colectiva, presentando en una cárcel caraqueña el Sagrado Corazón de la buena salud : una pintura pintada por un ex recluso amigo del artista y reproducida mediante el concepto de Arte de instrucción, ante una multitud de fieles católicos, durante la segunda visita a Venezuela del papa Juan Pablo II. En aquella ocasión el jerarca de la Iglesia católica bendijo el cuadro frente al Retén de Catia, mientras los presos rezaban desde sus celdas una oración que el artista escribió al reverso de una estampa con la imagen, cuando el Sumo Pontífice pronunciaba su sermón. Este fue un performance de gran contenido social que combinó el fervor religioso popular con la vanguardia artística en forma masiva, lo que demuestra el profundo sentido de la oportunidad del talentoso creador conceptual. Tras esta manifestación mística y artística llega a La Habana en mayo de ese año y es internado en Villa del Quinqué, un refugio de salud instalado en la provincia de Holguín, paradisíaco lugar cuyos terrenos eran de la familia Castro Ruz, y que la revolución cubana dispuso para un proyecto de salud internacional en el tratamiento de fármaco-adicciones. Claudio llegó a la villa en un estado de salud delicado y encontró un lugar de armónica tranquilidad, donde médicos, trabajadores y obreros practicaban una particular camaradería y un alto nivel profesional con los pacientes.

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Desde aquel claustro tuvo la oportunidad de presenciar el discurso del comandante Fidel Castro, con motivo del 36 aniversario del triunfo de la Revolución Cubana, pronunciado aquel año en la ciudad de Holguín, despertando en el artista gran admiración y respeto por Castro y su tenaz lucha por liberar un pueblo. A pesar de su avanzada enfermedad, Perna se involucró intensamente con la vida cultural cubana. En Holguín se reunió con las autoridades culturales y programó una exposición de sus Objetos Inquietantes y las Desobstrucciones que Luis González pintó en el Quinqué, pero no se pudo realizar. Al tiempo que convulsionaba la ciudad dedicado a regalar bicicletas a quienes las necesitaban con la excusa de responder sencillas preguntas y finalmente se dispuso a adquirir una casa en Gibara, donde instalaría un centro para las artes; estos esfuerzos no cristalizaron por el fallecimiento del artista venezolano. En noviembre de ese año regresa temporalmente a Venezuela y disfruta un cálido reencuentro con familiares y amigos y recorre Canaima. Regresa a la isla antillana y continúa su tratamiento, pero el 10 de febrero de 1997 muere en el hospital Lenín de Holguín, bajo los cuidados de sus médicos tratantes y de su compañera Flérida Alcalá, quien tres días después repatria sus restos, y el 14 de febrero es enterrado en el Cementerio General del Sur, de Caracas, donde yace junto a su madre. Un dato destacable fue su expreso deseo de ser enterrado con una franela con la imagen del Che Guevara, bajo una guayabera caribeña, como constancia de su admiración por el Héroe de la Revolución Cubana. También es importante recordar la

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memorable presencia del artista Juan Loyola, colocando una inmensa bandera tricolor sobre su féretro. En 1998 en correspondencia con los proyectos del Maestro, sus discípulos y amigos cercanos, liderados por su viuda Flérida Alcalá, decidieron crear la Fundación Claudio Perna, para contribuir a conservar, preservar y dar a conocer su patrimonio artístico. Igualmente, respondiendo a su deseo de crear un espacio para las artes en la isla de Cuba, en 2008, se inauguró la sede de Radar Habana, dirigido por el museógrafo y restaurador Rubén Rodríguez, en la calle Manrique 116 del tradicional barrio San Leopoldo de Centro Habana.

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A MANERA DE POSDATA CLAUDIO PERNA, DIÁLOGO APERTO Vamos a concluir este viaje hacia Claudio Perna, que no pretendió ser ni crítico ni analítico de su creación, sino respetuoso y afectivo sobre su vida, con este fragmento escrito por la investigadora Zuleiva Vivas, la más acuciosa estudiante de la obra del maestro: Hay que leer letra a letra, sílaba a sílaba, frase a frase, las fotos, los signos, las señas y las fotocopias de Claudio Perna. Pretender conocerle a partir de un ensayo que a vuelo de pájaro se arrima a esa inmensidad, es vana ilusión. No hay fórmulas posibles en su obra. La obra de Claudio es la viva representación de una verdadera opera aperta, obra abierta a los sentidos y más allá. Son señales que abarcan, como un gran radar, territorios, circunvalaciones cerebrales, organismo infinito de sabiduría, destello iridiscente y radiante de luces que manan de una estrella insondable. Sería muy fácil plantearse una clasificación de la obra de Claudio Perna como el arqueólogo que excava el yacimiento, mide, describe y anota las características de cada pieza encontrada en su cuaderno de notas. Esto no sería más que una acción engañosa y falseada de su obra, tenemos que entender que es su obra la que nos ausculta, nos espía constantemente a todos, porque en cada foto somos el reflejo de un espacio y un

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tiempo, en cada comentario está plasmada el alma colectiva. Entendemos que para cada uno de nosotros Claudio ha dejado una lección, sembrado un concepto, cedido una aproximación peculiar a las múltiples aristas de su arte Pensamiento. Recuerdo que para el insigne erudito investigador, escritor, poeta y artista Alejandro Salas, las autocopias de Perna eran lecciones magistrales para entender las técnicas gráﬁcas. Para María Elena Ramos la comprensión de su obra debía partir del análisis de sus fotografías; para Lourdes Blanco debíamos entender que su proceso, la acción de crear, era más importante que la obra y Perna es para muchos el gran precursor del arte Conceptual venezolano. Pero, ¿sabemos realmente lo que quiso decirnos? En sus escritos sobresale una frase lapidaria: “Solo espero una segunda mirada a la luz del siglo XXI”. Cuando la escribió, ese tiempo por venir era una especie de quimera, algo muy lejano, y su obra aún permanece a la espera de esa segunda mirada.

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CRONOBIOGRAFÍA 1938 Nace en Milán, Italia, el 20 de diciembre. 1955 Hasta este año vive en Italia. El 1º de diciembre llega a Venezuela. 1958 Ingresa a la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela, en donde estudiará tres años de la carrera. 1962 Viaja a Estados Unidos. 1963 Regresa a Venezuela. Emprende estudios de Geografía en la Universidad Central de Venezuela. 1965 Realiza sus primeros trabajos en papel (papeles doblados, papeles origami sobre textos de Ida Gramcko), así como libros de poesía ilustrados con collage; elabora objetos, generalmente bajo la inﬂuencia de Alejandro Otero. Algunos de estos objetos los envía al Salón Oficial Anual de Arte Venezolano y son

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rechazados. Decide no exponer jamás en salones de arte donde premien el talento. Revela sus propias fotografías. Trabaja con una cámara filmadora. 1966 Emprende trabajos con tela y textiles arrugados, pegados sobre una superficie. Hace grabado en el taller de Luisa Palacios. Expone tres objetos rústicos junto a Elsa Gramcko en la Galería Gamma, Caracas. 1967-1968 Realiza numerosas fotografías documentales de Caracas. Conoce y trabaja con Margarita D’Amico y con la profesora de fotografía Gladys Uzcátegui en lo que él llama “fotos dirigidas”. Adquiere una cámara réﬂex con la cual elimina el problema de la diferencia entre lo que ve el ojo y lo que capta el lente. Ensaya con imágenes filmadas. 1968 Termina sus estudios de Geografía y entra a formar parte del personal docente de la Universidad Central de Venezuela. 1969 Viaja por segunda vez a Estados Unidos. De regreso, realiza su película en súper 8 Yolanda. 1970 Cobran importancia los trabajos y experiencias en el laboratorio, donde introduce variantes de “clima y tono” al manipular el negativo. Hace fotografías sin cámara; en estos trabajos utiliza objetos traslúcidos en composiciones al estilo de la “naturaleza muerta”. Comienzan los viajes al estado Falcón

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en donde va a realizar una gran parte de su trabajo fotográfico y en películas súper 8. Realiza el corto en súper 8 Expel I, con Margarita D’Amico. Con esta artista y periodista sostiene una densa relación y juntos llevan adelante las investigaciones más vanguardistas de los nuevos lenguajes. 1971 Viaja a México. Trabaja en diversos experimentos audiovisuales con diapositivas en los que combina imágenes de la realidad impresa (libros de geografía, reproducciones de obras renacentistas) proyectadas sobre cuerpos desnudos y sobre imágenes del televisor; trabaja con luz negra y con luces de bengala, a veces a la manera de escrituras en el aire. Realiza fotos coloreadas a mano, fotos de negativos superpuestos y calcomanías sobre fotografías. 1972 Junto con Eugenio Espinoza, Joe Troconis y Bernardo Morán emprende varios trabajos al aire libre (recogidos en fotografías, en cine súper 8 y otras formas de documentación). Inicia su trabajo con fotos polaroid en blanco y negro y en colores. Elabora una serie de sellos con su nombre que aplica a fotografías, como si las letras fueran esculturas monumentales incorporadas al paisaje. Continúa haciendo películas súper 8. Viaja a Italia. 1973-1974 Participa en la exposición “Once tipos” (Sala Mendoza, Caracas). Inicia un prolífico trabajo de experimentación con la máquina fotocopiadora. Trabaja con ella en lugar de utilizar la cámara fotográfica y titula esta serie Autocopias. Continúa experimentando con las fotos polaroid en colores, incorporando algunas

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de las experiencias con diapositivas. Realiza dibujos a cuatro manos a partir de dibujos de Héctor Fuenmayor. Expone sus fotografías polaroid en la Galería Banap. Incorpora a la polaroid imágenes fragmentadas (es decir, encuadres de cuatro partes consecutivas de una misma imagen), idea que había planteado en sus fotografías en blanco y negro. Viaja a Italia. 1975 Participa en la exposición “La naturaleza: siete respuestas”, Galería Banap (Caracas), y poco después presenta en la misma galería Fotos polaroid, etc. Colabora con Charlotte Moorman en dos de sus representaciones en el Festival de Videos (Museo de Arte Contemporáneo de Caracas). Conoce a Antoni Muntadas, quien se encuentra de visita en Caracas. Se produce un intercambio creativo durante tres semanas entre ambos artistas y Margarita D’Amico. Participa en la exposición colectiva “Aproximación al desnudo” (Museo de Bellas Artes, Caracas) y presenta Dibujos y acuarelas (Sala Mendoza, Caracas). Expone en la Galería Monte Ávila de Bogotá junto a los artistas colombianos Jaime Ardilas y Camilo Lleras. Presenta Infiltraciones y exploracciones en la Universidad de Bogotá. La Galería Veydras de Nueva York exhibe una selección de sus fotografías polaroids. 1976 En el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas expone sus Proyecciones, infiltraciones y exploraciones. Allí presentó acciones durante diecisiete horas, entre sábado y domingo. Realiza en La Galera, estado Nueva Esparta, el trabajo fotográfico Cien años junto con el artista y escritor Guberlín Rojas. Inicia sus Fotoinformes, alineamientos y ritual, entre otras series fotográficas. Desarrolla Experiencias particulares que

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registra en fotografías. Documenta en fotos los encuentros con Antoni Muntadas. Titula estas experiencias Inventario. 1977 Participa en la exhibición “Once tipos” (Sala Mendoza, Caracas) con la obra Arte con orquesta. Presenta su escultura sonora con el grupo Chicless de Antonio Mendoza. Organiza el I Festival Venezolano de Diapositivas en la sala Mendoza. Exhibe sus fotos de Sonia Sanoja en la Galería Universitaria de Arte Ángel Boscán (Universidad Central de Venezuela). En el Instituto de Diseño de la Fundación Neumann-Ince presenta La llamada telefónica. Autocopias. Con el grupo de asistentes realiza otra acción de la serie La sangría, con la receta de Antoni Muntadas. El Museo de Ciencias de Miami presenta una muestra de diapositivas de jóvenes artistas venezolanos (Claudio Perna, Diego Rísquez, María Zabala, Joe, Milton Becerra, Mary Kent, Bernardo Morán, Luis Álvarez y Luis Villamizar). 1978 Claudio Perna participa en el proyecto On Subjetivity de Antoni Muntadas, el cual consistió en una experiencia de arte de correo. Muntadas, invitado por el centro de estudios visuales avanzados del Instituto Tecnológico de Massachusetts (Cambridge, Estados Unidos), envió imágenes a 250 personajes del quehacer artístico contemporáneo, las cuales procesó para que fuesen “analizadas” luego por especialistas de la imagen en el mundo. 1979 Expone Fotografía anónima de Venezuela (Galería de Arte Nacional, Caracas). Participa en “Once tipos” (Sala Mendoza,

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Caracas), con una instalación titulada Lluvia, escultura social (una mujer, mesa y rockola). También exhibe una serie de pinturas realizadas por encargo a cartelistas de cine, a partir de sus fotografías. 1980 Investiga, escribe, experimenta distintas formas de comunicación. Durante esta década profundiza en las posibilidades que ofrece el arte Conceptual. Desarrolla, junto al psiquiatra Ernesto Lechín, una teoría que le conduce al “arte pensamiento”, “el arte de crear modelos de pensamiento”. Al utilizar el color en sus obras declara el nacimiento del “arte sentimiento”. Realiza su Autocurrículum donde selecciona textos con reﬂexiones y propuestas conceptuales, fotografías, recortes de prensa con artículos o críticas de arte, reseñas de sus exposiciones, boletines y avisos. Hace cinco ejemplares fotocopiados y encuadernados, y entrega uno de ellos en la biblioteca del Museo de Arte Moderno (MOMA), de Nueva York. 1981 Publica Evolución de la geografía urbana en Caracas (Caracas: Universidad Central de Venezuela) y un libro-Xerox, La naturaleza, la huella y el hombre. 1983 Presenta con Angel Martínez Lobo (Grillo) la muestra 0 metros-900 metros en la Casa Guipuzcoana y la Gobernación de Caracas. 1988 Participa en “Eye Shock”, muestra colectiva organizada por la galería Sotavento con motivo del Encuentro Internacional

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de Críticos que organiza la Fundación Amigos del Museo de Bellas Artes de Caracas. 1989 Participa en la exposición “Un siglo de ﬂores” (Galería Los Espacios Cálidos, Ateneo de Caracas). Publica artículos sobre arte en la revista Imagen editada por el Consejo Nacional de la Cultura. 1990 Su obra se exhibe en la exposición “Laberintos de la identidad. Autorretratos 1820-1989”, organizada por la Galería de Arte Nacional de Caracas. Presenta Contactos mentales, exposición individual en la galería Sotavento, Caracas. Participa en la muestra “Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela”, Galería de Arte Nacional, Caracas. Su obra Escultura sonora (concierto del grupo Caracas Son 7) se presenta con motivo de la clausura de esta exposición. 1991 Presenta Arte social, exposición individual en la Galería Sotavento (Caracas). Edita el primer número de NOI (Nuevo Orden Informativo), periódico tabloide para la divulgación del arte social y de los nuevos modelos de pensamiento. Participa junto a cuatro artistas invitados en “El espíritu del tiempo” (Galería Los Espacios Cálidos, Ateneo de Caracas), exposición conmemorativa del 60° aniversario del Ateneo de Caracas. Presenta Vida EPerna en la Galería Universitaria de Arte Ángel Boscán en la Universidad Central de Venezuela.

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1992 Con motivo del 50° aniversario del Ateneo de Valencia presenta la exposición individual Venezuela desde el cielo donde muestra mapas y videos de sus películas súper 8. Edita el segundo número de NOI, en formato de medio pliego. 1994 Le otorgan el Premio Nacional de Fotografía. 1995 Obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas. El Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imbert exhibe “Una visión del arte contemporáneo venezolano. Colección Ignacio y Valentina Oberto”, muestra que exhibe un grupo importante de sus obras. 1997 Muere en Holguín, Cuba, el 10 de febrero. El 14 es enterrado en Venezuela en el Cementerio General del Sur, de Caracas.

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BIBLIOGRAFÍA Boulton, María Teresa. Anotaciones sobre la fotografía venezolana contemporánea. Monte Ávila. 1990. Perna Claudio. Materiales para la invención y la creación. Inédito. Caracas, 1974. -Evolución de la geografía urbana de Caracas. Ed. UCV. Caracas, 1981. -Comprensión y retos del ambiente Tierra-Hombre. Inédito. Caracas, 1981 -Autocurrículum. 1981.

Ejemplar fascimilar. Caracas,

-NOI. Nuevo orden informativo. No. 1 y 2. Ediciones Radar. Caracas Varios autores. Diccionario biográfico de las artes visuales de Venezuela. Fundación GAN. Caracas, 2004. Varios autores. Arte social, Catálogo de exposición en la Galería de Arte Nacional. Caracas, 2004.

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Los cuatro elementos /PoesĂa visual 1973

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Autorretrato Polaroid 1974

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Proyecto Post mortem /1976

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Retrato hablado / SerigrafĂa 1977

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Inflitraciones

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Mapa intervenido

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Hombre cósmico / Arte de Instrucción 1988

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Autor-retrato como coleccion-ista 1988

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Flores impresionantes con odalisca de Matisse 1989-90

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Flores impresionantes / Arte sentimiento 1989

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Serie Reverón / Serigrafía intervenida 1990-91

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ÍNDICE ANTES DE ENTRAR EN MATERIA PALAbRAS PARA FIJAR UN NOMbRE EN EL ARtE DE LAS IDEAS

SUS IDEAS SOBRE EL CREADOR, LA CREACIÓN Y EL LUGAR DE CREAR PROPUEStA PARA EL MULtIMUSEO SUbtERRáNEO DE CARACAS SObRE ARtE SOCIAL SObRE EL ARtE DE IDEAS

PARA ENTENDER EL TODO HAY QUE CONOCER LAS PARTES SEÑORES: PREPáRENSE A MIRAR ACtIVAMENtE EStUDIOS INICIALES Y VIVENCIAS PRIMARIAS

TIEMPOS DE INFLUENCIAS Y EXPERIENCIAS DE VANGUARDIA LOS SESENtA Y EL DESLUMbRAMIENtO LOS INtENSOS SEtENtA LOS OCHENtA: REVISIÓN, tEDIO Y REVELACIÓN DE PALMA SOLA A RADAR RADAR “tO REtURN” LOS NOVENtA, PREáMbULO DE INMORtALIDAD

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A MANERA DE POSDATA Claudio Perna, diálogo abierto

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Este libro de la colecci贸n

PREMIOS NACIONALES DE CULTURA se termin贸 de imprimir en los talleres de la Fundaci贸n Imprenta de la Cultura La edici贸n consta de 3.000 ejemplares

Caracas,agosto de 2010

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