HISTORIA DEL ARTE Pintura Desde el PaleolĂtico hasta el Barroco.
ARTE RUPESTRE • Rupestre harĂa referencia a cualquier actividad humana sobre las paredes de cavernas. Al estar protegidas de la erosiĂłn por la naturaleza del soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos.
PINTURA RUPESTRE • Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia. Existen testimonios datados hasta los 40.000 años de antigüedad, es decir, durante la última glaciación.
PINTURA RUPESTRE • Las más antiguas manifestaciones y las de mayor relevancia se encuentran en España y Francia. Se corresponden con el periodo de transición del Paleolítico al Neolítico. Del primero de los periodos citados son las extraordinarias pinturas de la Cueva de Altamira, situadas en Santillana del Mar, Cantabria (España).
PINTURA RUPESTRE • Estas pinturas revelan que el ser humano, desde tiempos prehistóricos, organizó un sistema de representación artística, que está relacionado con prácticas de carácter mágicoreligiosas para propiciar la caza.
PINTURA RUPESTRE • En ciertos casos las obras Rupestres se dan en zonas recónditas de la cueva o en lugares difícilmente accesibles; hay otros, en cambio, en los que éstas están a la vista y en zonas despejadas.
PINTURA RUPESTRE • Cuando la decoración está apartada se plantea el concepto de santuario cuyo carácter latente subraya su significado religioso o fuera de lo cotidiano. En los casos en los que la pintura aparece en contextos domésticos es necesario replantear esta noción y considerar la completa integración del arte, la religión y la vida cotidiana del ser humano primitivo.
PINTURA RUPESTRE • En las pinturas rupestres del Paleolítico se simbolizan animales y líneas. En el Neolítico se representaban animales, seres humanos, el medio ambiente y manos.
PINTURA RUPESTRE โ ข Entre las principales figuras encontramos imรกgenes de bisontes, caballos, mamuts, ciervos y renos. Frecuentemente se muestran animales heridos con flechas.
PINTURA RUPESTRE • En la pintura rupestre generalmente se usaban uno o dos colores, incluyendo algunos negros, rojos, amarillos y ocres. Los colores también llamados pigmentos eran de origen vegetal como el carbón vegetal, de fluidos y desechos corporales como las heces y la arcilla mezclados con un aglutinante orgánico o grasa.
PINTURA RUPESTRE • Los colores se untaban directamente con los dedos o se soplaban con una caña hueca finas líneas de pintura.
PINTURA RUPESTRE โ ข Como lรกpices se usaban ramas quemadas y bolas de colorante mineral aglutinadas con resina. A veces se aprovechaban desniveles y hendiduras de la pared para dar la sensaciรณn de volumen y realismo.
ESCUELA FRANCOCANTÁBRICA • Las de la zona francocantábrica fueron las primeras pinturas paleolíticas que se identificaron como tales, gracias a su descubrimiento por Marcelino Sanz de Sautuola en la Cueva de Altamira (1879), aunque las más importantes, descubiertas posteriormente, fueron las de la Cueva de Lascaux, 1940.
ESCUELA FRANCOCANTÁBRICA • Su cronología es del periodo magdaleniense (14.000 años aproximadamente). Se caracteriza por el realismo, la policromía (varios colores) y el predominio de representación de animales en figuras aisladas.
ESCUELA FRANCOCANTÁBRICA • A veces utilizan las irregularidades del soporte (techos o paredes de las cuevas) como tercera dimensión. Las pinturas están habitualmente en lugares alejados de la entrada de las cuevas, por lo que se realizaron con luz artificial.
ESCUELA LEVANTINA ESPAÑOLA • al arte rupestre levantino presenta las siguientes características: estilización (adelgazamiento de la silueta corporal), monocromía(un solo color), presencia de la figura humana, composición de escenas y situación en abrigos rocosos, donde se pudieron realizar las pinturas con luz natural.
MESOPOTAMIA • Los sumerios inventaron los jeroglíficos pictóricos que más tarde se convirtieron en escritura cuneiforme, y su lengua junto con el del Antiguo Egipto compiten por el crédito de ser lenguaje humano escrito más antiguo que se conoce.
MESOPOTAMIA • Estandarte de Ur: • Es una caja particular de madera de forma trapezoidal. Los dos paneles principales del estandarte de Ur se denominan convencionalmente "Cara de la Guerra" y "Cara de la Paz”.
SUMERIOS – Estandarte de Ur
MESOPOTAMIA • Babilonia • La Puerta de Ishtar era originalmente una de las 8 puertas monumentales de la muralla interior de Babilonia. El nombre de Ishtar lo recibe de la diosa del mismo nombre a la cual estaba consagrada.
MESOPOTAMIA • Se compone de numerosos ladrillos vidriados, la mayoría de color azul debido al lapislázuli, mientras que otros son dorados o rojizos. Éstos últimos se disponen dibujando la silueta de dragones, toros, leones y seres mitológicos. La parte inferior y el arco de la puerta están decorados por filas de grandes flores semejantes a margaritas.
PUERTAS DE ISHTAR - detalle
MESOPOTAMIA • PERSAS • Las obras más antiguas de mosaico, del IV y II milenio a.C., se encontraron en la Mesopotamia y posteriormente los Egipcios, Babilonios y Persas realizaron composiciones murales de ladrillos policromados.
MESOPOTAMIA • Una de las particularidades del mosaico Persa, consistía en la repetición de un elemento, como lo observamos en la imagen de los guerreros, creando el concepto de imagen en serie.
MESOPOTAMIA
MOSAICO PERSA
MESOPOTAMIA
EGIPTO • La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica. La técnica pictórica de los egipcios fue un precedente de la pintura al fresco o témpera, ya que hacían de los pigmentos naturales, extraídos de tierras de diferentes colores.
EGIPTO • Una pasta de color, que mezclaban con clara de huevo y disolvĂan con agua para poder aplicarlo sobre los muros, revestidos con una capa de tendido "seco" de yeso.
EGIPTO โ ข Los egipcios pintaban los bajorrelieves los cuales, por su escasa profundidad, propician la identificaciรณn con la escultura y el arte pictรณrico.
EGIPTO โ ข La pintura, como todo el arte del Antiguo Egipto estaba sometida a unos cรกnones o reglas muy estrictas, entre las que destacan:
EGIPTO • Canon de Perfil: • En pinturas y bajos relieves, las figuras se representaban con el rostro, brazos y piernas de perfil, mientras que el tronco y el ojo estaban dispuestos de frente.
EGIPTO • Jerarquía: la representación estaba reservada a las figuras de dioses y faraones en las primeras épocas, posteriormente, también a personajes notables. Las figuras más importantes eran más grandes que las de los demás personajes, y mostraban actitudes hieráticas, ausencia de expresividad, como signo de respeto.
EGIPTO • Ausencia de perspectiva: no había profundidad sino posición de figuras. El menor tamaño de algunas no significaba que estuvieran más alejadas, sino que eran menos importantes, simbolizando así su inferioridad.
EGIPTO • Colores planos: utilizando el color con tonalidades uniformes, pues no se hacĂan graduaciones de color ni medios tonos.
EGIPTO โ ข Otra convenciรณn de la pintura del antiguo Egipto fue el tipo de color: la piel de los hombres era oscura, ocre, mientras que en las mujeres era mรกs clara, ocre claro; Osiris se representaba con el color de piel verde; el oro o su color simbolizaban al Sol, etc
EGIPTO • El amor a la naturaleza es una constante en sus pinturas: hojas, espigas pájaros, peces, crean una atmósfera de oasis. • A diferencia de la escultura la pintura capta el movimiento, es un arte para la vida
EGIPTO • En los temas se trasluce una alegría que resulta sorprendente en una civilización de tumbas. Escenas de caza o pesca, de fiesta con músicos y bailarinas, los trabajos agrícolas en las diferentes estaciones, los opulentos ritos cortesanos.
EGIPTO • Todo el bullicio de una sociedad que disfruta, se pintan en un recinto funeral, con el deseo de que el difunto goce en la otra vida de todos los placeres y bellezas de Êste mundo.
GRECIA • Las obras pictóricas griegas que al presente se conocen y conservan consisten únicamente en decoraciones de ánforas y de otras elegantes vasijas salvo algunos mosaicos de pavimento y placas de arcilla pintadas.
GRECIA โ ข Los asuntos representados en tales pinturas, a juzgar por lo que se observa en las mencionadas vasijas, fueron escenas de la vida humana y tradiciones o leyendas mitolรณgicas y heroicas.
GRECIA
GRECIA
GRECIA
GRECIA - CERÁMICA • La cerámica griega incluye lo que comúnmente se conoce como vasos griegos o pintura de vasos griegos. Nacida en el Oriente Próximo, el arte de la cerámica alcanzó en la Antigua Grecia un alto nivel de calidad artística.
GRECIA - CERÁMICA • Constituye un testimonio fundamental sobre la vida y la cultura de los antiguos griegos. La cerámica griega tenía como material de base que la arcilla. El alfarero amasaba la pasta para expulsar la burbujas de aire y trabajaba sobre un torno invención del Oriente próximo.
GRECIA - CERÁMICA • Estilo geométrico. • El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII a. C. Se caracteriza por motivos como triángulos y otras figuras geométricas (de ahí proviene el nombre del periodo). Están dispuestos en bandas separadas de las zonas negras por líneas triples.
GRECIA - CERÁMICA • Estilo orientalizante. • Aunque el Oriente era mucho menos aficionado a la cerámica que Grecia, su pintura y su escultura mostraban una figuración más fina y más realista. Esta influencia se tradujo en una nueva gama de motivos: esfinges, grifos, leones, etc., representados de manera más realista que en el pasado.
GRECIA - CERÁMICA • Estilo de figuras negras. • Se caracterizaba no sólo por el dibujo de figuras en negro sobre el fondo de arcilla (más bien roja en el caso de Atenas), sino también por el uso de incisiones.
GRECIA - CERÁMICA • Estilo de figuras rojas. • Consistía en una inversión de la figura negra: el fondo era pintado de negro y las figuras tenían el color de la arcilla.
ROMA • Los romanos admiraban la pintura griega tanto como la escultura, y animaban a los artistas que trabajaban para ellos a hacer copias de obras griegas especialmente famosas o populares.
“La flagelada� - mural
ROMA • Los romanos tendían más que los griegos a decorar sus paredes con pinturas murales, y aunque siguen la tradición griega, muestran en sus pinturas un gran colorido y movimiento. Mural en Pompeya
ROMA • Los procedimientos usados en esta pintura debieron ser el encausto, el temple y el fresco. Aunque se sabe que los romanos desarrollaron la pintura sobre tabla, los restos pictóricos conocidos más importantes son de tipo mural, frescos protegidos con una capa de cera que avivaba los colores. “Joven mujer escribiendo”
ROMA • La encáustica, es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. “El panadero Próculo y su esposa” Técnica encáustica
ROMA • En la pintura al temple el disolvente es el agua y el aglutinante algún tipo de grasa animal u otras materias orgánicas. Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Técnica al temple – pintura sobre tabla Pompeya
ROMA • Un fresco es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con una delgada y suave capa de yeso. • El fresco se ejecuta en jornadas de trabajo de 8 horas, ya que la cal en un periodo de 24 horas comienza su proceso de secado y no admite más pigmentos Fresco de la Ciudad de Pompeya
ROMA • Sus géneros, el decorativo de vajillas y muros y el histórico y mitológico en los cuadros murales. Y aunque los descubiertos hasta el presente ofrecen más que todo un carácter decorativo llegan a ser verdaderas composiciones pictóricas.
Casa de los misterios Pintura Mural
ROMA โ ข Se cultivaron con dicho carรกcter decorativo mural el paisaje, la caricatura, el retrato, los cuadros de costumbres, las imitaciones arquitectรณnicas y las combinaciones fantรกsticas de objetos naturales.
Mural en la Casa de Venus
ROMA • Destacó también el arte pictórico de la civilización romana en el procedimiento del mosaico. No obstante, y en general, el mosaico es usado sobre todo para suelos.
“Mosaico de la Batalla de Isos, Casa del fauno” – Pompeya (Italia)
ROMA • El Mosaico se usaba para decorar interiores. Siguen utilizando el opus tesselatum o Tesela de origen griego. Los temas eran complejos con episodios de la vida cotidiana y de la mitología. Los materiales empleados también fueron ricos (mármol, vidrio, ónice).
“Mosaico de león herido en la villa romana de Olmeda (España)”
ROMA • La mayor parte de las pinturas murales conocidas corresponde a casas particulares y edificios públicos de Pompeya y Herculano, dos ciudades italianas que estaban de moda y que fueron arrasadas por el volcán Vesubio en el año 79 d. C.
Murales de Pompeya
PALEOCRISTIANO • La pintura mural se aplica sobre los muros de las basílicas, y que progresivamente es sustituida por los ricos mosaicos en bóvedas, muros y pavimentos.
PINTURA PALEOCRISTIANA • En la pintura mural se limitan a evocar un pequeño número de figuras y de diversos objetos. • La variedad de colores es limitada. • Es una pintura, que más que figurar, sugiere. • Las figuras se dirigen al espectador. Normalmente están de frente, sin embargo no es lo mismo que frontalidad.
PINTURA PALEOCRISTIANA • La esencia de la divinidad es imposible de representar. Resulta difĂcil encontrar representaciones divinas, aunque a partir del s. IV podremos encontrarnos algunas representaciones.
PINTURA PALEOCRISTIANA • Desde un punto de vista formal es habitual la jerarquización de las figuras (siendo las figuras más importantes las más grandes), la perspectiva inversa (las figuras que están detrás tienen mayor tamaño), la desproporción, el interés en el gesto y, excepcionalmente, el desnudo, que iría desapareciendo poco a poco.
PINTURA PALEOCRISTIANA โ ข El buen pastor, un tema habitual del arte paleocristiano, representaciรณn en la catacumba de Priscila, Roma.
PINTURA PALEOCRISTIANA
PINTURA PALEOCRISTIANA
MOSAICO PALEOCRISTIANO โ ข Los mosaicos se inician desde el Siglo IV D.C, insertando a los personajes en fondos naturales y arquitectรณnicos con una cierta idea de perspectiva y una mayor espiritualizaciรณn de las escenas.
MOSAICO PALEOCRISTIANO • Entre las características más importantes del mosaico paleocristiano se destacan: • -La creación de una atmósfera de espiritualidad a través de fondos con bandas monocromáticas. Mosaico Paleocristiano
MOSAICO PALEOCRISTIANO • - Personajes de diferentes tamaños, mostrando de manera simbólica su importancia jerárquica. • - Rostros carentes de individualización. • Con estas tres características se pretende acercar los temas sagrados a una cierta realidad.
Decoración del ábside de Santa Prudencia (Roma) realizado en mosaico y fechado en el siglo V.
ARTE BIZANTINO • A diferencia del arte romano, que en su última época coloca el mosaico en los pavimentos, el arte bizantino en su deseo de riqueza recubre los muros y bóvedas de mosaicos de gran colorido y exquisita finura. Pantocrátor
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • El gusto por la riqueza y la suntuosidad ornamental del arte bizantino, eminentemente áulico, exigía el revestimiento de los muros de sus templos con mosaicos, no sólo para ocultar la pobreza de los materiales usados, sino también como un medio para expresar la religiosidad y el carácter semidivino del poder imperial. Interior de San Vital de Rávena
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • Suelen representar las figuras con un carácter rígido e inmaterial y con una disposición simétrica. Su gran luminosidad es un intento de reflejar lo sobrenatural. Cúpula del Baptisterio de los Ortodoxos Rávena
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS โ ข De la Primera Edad de Oro, el conjunto mรกs importante es el de Rรกvena, que enlaza con los mosaicos paleocristianos del siglo V: en las iglesias de San Apolinar Nuevo y San Apolinar in Clase se cubre sus muros superiores con mosaicos que representan, en la primera un cortejo procesional, encabezado por los Reyes Magos.
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • La obra maestra del Mosaico Bizantino, es sin duda alguna, el conjunto de San Vital de Rávena, compuestos hacia el año 547, y en los que se representan varios temas bíblicos y en los laterales del ábside los grupos de Justiniano I y de su esposa Teodora con sus respectivos séquitos. Detalle del Mosaico de Justiniano I
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS
Comitiva de Justiniano, en San Vital
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS
Mosaicos del lado norte de la nave central de San Apolinar Nuevo (escenas de la vida de Cristo, comitiva de las vĂrgenes mĂĄrtires, reyes y magos).
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • La decoración Mural en el interior de las Iglesias, realizadas a través de pinturas o mosaicos, se ajusta a un esquemas teológico que sitúa a las figuras en uno u otro lugar según su mayor o menor La Iglesia oscura (Turquía) categoría. Mural.
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS
San Apolinar in Classe
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • Por ejemplo: el pantocrátor en las zonas más elevadas, dominando el espacio poblado de ángeles; la virgen ocupa el lugar más próximo, mientras que el coro de los santos se sitúa en la zona más cercana a lo terrenal.
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS โ ข El icono (imagen) y la pintura de los libros constituyen las dos manifestaciones pictรณricas mรกs interesantes. El icono es un cuadro religioso sobre tabla, que representan a los santos mรกrtires. Se conocen desde el siglo IV.
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • En la pintura bizantina, los rostros de Cristo y de María, ofrecen una marcada rigidez y frontalidad. Características con las que se pretende resaltar su espiritualidad.
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • En las pinturas Bizantinas, las figuras acusan una cierta rigidez y monotonía, pero muy expresivas en su simbolismo, con evidente desprecio del natural y las leyes espaciales; son alargadas y con un aspecto de cierta deshumanización.
Icono de la crucifixión en Santa Catalina del Sinaí, siglo XIII
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • Los nuevos tipos iconográficos se adaptan simbólicamente, según un programa prefijado a las diferentes partes del templo: el Pantocrátor (Cristo en Majestad bendiciendo) en la cúpula.
Pantocrátor de la catedral de Cefalú.
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • Un tetramorfo (del griego τετρα, tetra, "cuatro", y μορφη, morfé, "forma") es una representación iconográfica de un conjunto formado por cuatro elementos. La más extendida de éstas es cristiana, cuya tradición se remonta al Antiguo Testamento, cuando el profeta Ezequiel describió en una de sus visiones cuatro criaturas que, de frente, tenían rostro humano y, de espaldas, tenían rostro animal. El Tetramorfos del Claustro de Frómista
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • El hombre se asocia a Mateo, ya que su Evangelio comienza haciendo un repaso a la genealogía de Cristo, el Hijo del Hombre; • El león se identifica con Marcos, porque su Evangelio comienza hablando de Juan el Bautista, «Voz que clama en el desierto», dicha voz sería como la del león;
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • El toro sería Lucas, ya que su Evangelio comienza hablando del sacrificio que hizo Zacarías, padre de Juan el Bautista, a Dios; • El águila ha sido asociada a la figura de Juan, ya que su Evangelio es el más abstracto y teológico de los cuatro y, por tanto, el que se eleva sobre los demás. El de Juan es el único evangelio no sinóptico.
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • Los modelos más repetidos son las figuras de Cristo con barba partida y edad madura (modelo siríaco) y de la Virgen que se presenta bajo diversas advocaciones, siendo la más usual en la que sostiene sobre sus piernas al Niño, como si fuera un trono.
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • Una de las pinturas bizantinas más admiradas, la Virgen y el Niño (fines del siglo XIII, National Gallery of Art, Washington). Se dice que en esta obra se refleja la influencia italiana manifiesta en el mundo bizantino durante esta época.
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • Durante la Tercera Edad de Oro la pintura sustituye al mosaico. Son importantes los talleres rusos de Novgorod y Moscú. • Se destaca como obra maestra la Virgen de Vladímir. La Virgen de Vladímir
MOSAICO Y PINTURA BIZANTINOS • El monje Andrés Rublev, fue el autor del icono bizantino del siglo XV, La Trinidad, considerado como el más importante de la escuela rusa. Representa a la Trinidad a través de la escena bíblica llamada visión de Manré, es decir tres ángeles que se aparecen al patriarca Abraham. «La Trinidad»
ARTE BIZANTINO
ARTE BIZANTINO
ARTE BIZANTINO

VIRGEN
Romรกnico
โ ข Se caracteriza la pintura romรกnica por el escaso estudio de la naturaleza que revelan sus figuras, por la seriedad y uniformidad de los rostros en la forma humana.
Pintura Románica
• Por la simétrica plegadura de los paños, por las violentas actitudes que se dan a los personajes al representar una escena.
Pintura Románica • Por el rígido hieratismo cuando las figuras no han de expresar acciones, por sus contornos demasiado firmes o acentuados y, en fin, por la falta de perspectiva que ofrece la composición en conjunto. Pintura Románica
Pintura Románica • Los procedimientos generalmente seguidos fueron el temple y el fresco para cuadros y decoraciones murales, el temple y la aguada en la pintura sobre tabla y la aguada o acuarela (en éstas y en las tablas con aplicaciones de oro) para las iluminaciones de códices.
Pintura Románica • En las épocas románica y gótica se armaba la vidriera con muchísimas piezas de vidrio de color unidas de tal modo que todas en conjunto formaran las figuras que previamente se delineaban en algún cartón o modelo. Mas los perfiles y las sombras de las figuras se pintaban con esmalte de color gris, pardo u oscuro aplicado a la superficie de cada pieza o fragmento y que se fijaba por la fusión al calor del horno.
Pintura Románica • La llamada pintura mural, es decir la que cubría los muros de los templos, se basaba en la preparación de la pintura a base de pigmentos coloreados diluidos en agua de cal. Este tipo de pintura se aplicaba sobre la superficie mural a la que previamente se había añadido una capa de enlucido para alisarla (yeso, estuco...). La aplicación se hacía cuando el enlucido estaba aún húmedo. Al secarse, el conjunto adquiría gran dureza y resistencia.
Pintura Románica • Al igual que la escultura románica, la pintura mural se integra con la arquitectura y sigue las reglas del "marco arquitectónico y esquema geométrico". Es decir, no se rige por imitación de la naturaleza sino por una conceptualización racional. Esto hace que las figuras sean planas, alargadas y sin perspectiva. Los personajes se escalonan y adoptan diferentes tamaños en función de su relevancia.
Pintura Románica •
Los ojos y manos adquieren desproporcionada dimensión pues son las partes de la anatomía humana más expresivas espiritualmente hablando.
• Los colores empleados son intensos y brillantes (rojo, amarillo, naranja y azul) y se disponen en franjas contiguas de colores muy contrastadas entre sí. El color negro servía para perfilar las figuras.
Pintura Románica en España • Las características propias de la pintura románica en España son: • Bidimensionalismo, no hay profundidad
• Fuerte expresionismo • Plana (no mezcla colores). • Gran importancia del dibujo
Pintura Románica en España • Pintura mural de ábsides, naves, bóvedas, columnas. • • Pintura aplicada a la escultura monumental para realzar su expresividad • • Pintura sobre tabla (por ejemplo en frontales de altares) • • Iluminación de códices (miniatura)
Pintura Románica en España • Poca importancia del modelado. • Poca importancia de la luz. • Los fondos suelen consistir en bandas de colores horizontales superpuestas (influencia mozárabe). • Recibe influencias mozárabes y bizantinas.
PINTURA GÓTICA • La pintura gótica, una de las expresiones del arte gótico, no apareció hasta alrededor del año 1200, es decir, casi 30 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas.
PINTURA GÓTICA • La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo. Se considera que esta característica surge por vez primera en la obra de los artistas italianos de finales del siglo XIII, y que marcó el estilo dominante en la pintura europea hasta el final del siglo XV..
PINTURA GÓTICA • La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza, incluyendo la representación de paisajes. Da a las figuras cierto sabor místico y eminentemente cristiano.
PINTURA GÓTICA • Se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico.
PINTURA GÓTICA • Muchas pinturas eran recursos didácticos que hacían el cristianismo visible para una población analfabeta; otras eran expuestas como iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones.
PINTURA GÓTICA • La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y miniaturas. Pintura sobre tabla
VIDRIERAS • Los vitrales ya eran usados en los templos de la época románica pero llegan a su apogeo en la arquitectura gótica y van generalizándose desde el siglo XIII. • Los vitrales, por el lugar que toman en las iglesias y catedrales es, en la Francia del siglo XIII, la verdadera Pintura Gótica
VIDRIERAS • Presentan en este siglo, como en el anterior, la forma de mosaico en el fondo, con varios compartimentos o medallones de figuras en serie de arriba abajo, representándose en cada uno algún asunto religioso, histórico o simbólico, pero sin llevar más de un color cada fragmento de vidrio.
VIDRIERAS • El arte de los Vitrales domina sobre las demás técnicas de pintura a las que impone sus leyes: la composición enmarcada en medallones, nichos u otros compartimentos, los colores vivos y saturados, las formas delimitadas y precisas.
VIDRIERAS • Sus temas son tomados del Antiguo y Nuevo Testamento, las historias de la Virgen María y de los santos así como las representaciones de las actividades gremiales o escenas de la vida cotidiana.
La Pintura Mural โ ข La pintura mural o frescos siguieron usรกndose como el principal medio para la narraciรณn pictรณrica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, especialmente en Italia, como una continuaciรณn de las tradiciones cristiana y romรกnica anteriores. Fuera de Italia no se cultivaron mucho.
La Pintura sobre tabla • Se ejecutaba al temple, que usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida de los huesos de animales. Es novedad de la última fase del gótico el cambiar ese aglutinante por aceite, dando así lugar a la pintura al óleo.
“Maesta del Duomo de Siena” Duccio di Bouninsegna
Miniaturismo e ilustración de libros • Las miniaturas consistían en pequeñas composiciones : pinturas o dibujos de figuras enmarcadas en las letras iniciales o en diversos compartimentos como medallones, arabescos etc. Se llamaban miniaturas porque se realizaban con minio, u óxido de hierro, mezclado con colorantes naturales. Inicial de la letra B en un manuscrito del Siglo XIII. Anónimo
Escuela Florentina • El gran maestro de esta escuela es Giotto (h. 1266-1337), al que se considera como auténtico iniciador de la pintura moderna. Es Giotto quien busca representar el espacio correctamente, así como adecuar las expresiones y los gestos en relación con el estado de ánimo del personaje.
“El beso de Judas” Giotto
Escuela Florentina • Giotto desarrolla el «espacio pictórico», un ámbito de tridimensional que se extiende en profundidad por detrás de la superficie pintada en lo que es la principal innovación de la pintura del Trecento y el más importante avance que se haya dado en toda la Historia de la Pintura.
Estilo Flamenco •
Su principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que permite un mayor colorido, sutileza y detallismo. Hay una minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las texturas de las telas, de la forma los objetos y, sobre todo, la fidelidad de los rostros. Ahora bien, es una pintura repleta de simbolismo, pues con frecuencia, detrás de los objetos más triviales hay mensajes ocultos, lo que convierte los cuadros en auténticas alegorías.
“Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa”” Jan Van Eyck
RENACIMIENTO • Las raíces de la pintura renacentista deben buscarse en el arte de GIOTTO, el gran maestro del siglo XIV. La pintura renacentista se diferencia claramente de la Gótica, puesto que cada cuadro es un mundo en sí, sin conexión con un ámbito exterior.
“La Adoración de los Magos” Giotto
PINTURA RENACIMIENTO • Sin dejar de tener una presencia constante el tema religioso se trata, con frecuencia, como tema profano. El paisaje, la belleza idealizada de los desnudos, el volumen de las formas y el sentido espacial, son las dimensiones cardinales de la pintura renacentista.
PINTURA RENACIMIENTO • En el siglo XV el dibujo es un elemento capital, que a veces traduce el talante del pintor, sereno o nervioso. Esta prepotencia del dibujo deriva en una apariencia plana de las formas; la pintura es un arte de dos dimensiones y cada elemento lo corroborra.
“EL TRIBUTO” MASACCIO
PINTURA RENACIMIENTO • La luz se maneja con perfección, pero en general sirve para resaltar los planos. En contraste con las formas planas, el pintor del siglo XV está obsesionado con la captación de la profundidad.
“Cristo Muerto” Andrea Mategna
PINTURA RENACIMIENTO • Se cultiva el paisaje, en cuyas praderas primaverales obtienen efectos de profundidad y encuadran las figuras. La composición del siglo XV es complicada; es frecuente introducir diversas escenas en un solo cuadro, o varias figuras principales. “La Transfiguración” Rafael
PINTURA RENACIMIENTO
En el Siglo XVI el color se maneja de un modo más suelto y en consecuencia pierden su importancia el dibujo y el contorno. Las formas, con el claro oscuro de sombras y luces, adquieren un aspecto redondeado en detrimento de su apariencia plana, dándole mayor protagonismo al volumen.
• “La dama de Armiño” • Leonardo Da Vinci
PINTURA RENACIMIENTO • La luz adquiere una importancia nueva con el uso de las sombras. El paisaje se enriquece en vibraciones lumínicas, cambiando las praderas por fondos con neblina, roca, crepúsculos, que le otorgan un matiz romántico a las escenas. “Detalle del Bautizo del Señor” Leonardo Da Vinci
PINTURA RENACIMIENTO • La composición es clara, con frecuencia triangular (las líneas de las figuras pueden encerrarse en un triángulo), las figuras se relacionan con las miradas y con las manos, cada cuadro representa una sola escena o se destaca la acción y la figura principal.
“Bautizo del Señor” Verrochio
PINTURA RENACIMIENTO • Su concepción del volumen supone un nuevo elemento en la pintura. Es el pintor de las Anunciaciones, en las que despliega su temperamento tranquilo. Buena parte de su vida artística la consagró a decorar con frescos las celdas del convento de San Marcos, en el que vivió.
Anunciación
PINTURA RENACIMIENTO – SIGLO XV • MASACCIO • San Giovanni Valdarno, Arezzo, 21 de diciembre de 1401 – Roma, otoño de 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
“La Expulsión de Adán y Eva”
PINTURA RENACIMIENTO – SIGLO XV • PAOLO UCCELLO • Florencia, 15 de junio de 1397 - Florencia, 10 de diciembre de 1475), nacido Paolo di Dono fue un pintor cuatrocentista y matemático italiano que destacó por su obra pionera en la perspectiva visual en el arte. “la Cacería”
PINTURA RENACIMIENTO – SIGLO XV • FILIPPO LIPPI • (1406 – 8 de octubre de 1469), también conocido como Lippo Lippi, fue un pintor cuatrocentista italiano. Sobresalió por la originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el dibujo, que influyó decisivamente en Botticelli. “Madonna”
PINTURA RENACIMIENTO – SIGLO XV • (Florencia, 1 de marzo de 1444 – Florencia, 17 de mayo de 1510). Su dibujo eléctrico, recorrido por trazos nerviosos, el movimiento que agita todas sus formas y la tristeza que asoma a todos los rostros que pinta son un tiempo expresión del talante del pintor y de la melancolía que invade la vida florentina de fin de siglo. “Autorretrato”
SANDRO BOTICELLI
“El Nacimiento de Venus”
“Nacimiento de Venus” – (detalles)
MAESTROS IMPORTANTES DEL SIGLO XVI • LEONARDO DA VINCI • Constituye, por su pasión por las más diversas formas del saber, el gran arquetipo del hombre renacentista. Sus manuscritos y dibujos nos hablan de su dimensión científica; sus contadas obras de arte muestran a un hombre excepcional igualmente dotado para la creación estética que para la ciencia. “Leda y el Cisne”
LEONARDO DA VINCI • En “La Virgen de las Rocas” Leonardo se había mostrado como gran maestro de la composición triangular y de las luces. Somete al dibujo a un efecto de difuminado, por medio de contrastes suaves de sombras y luces que prestan volumen y aire enigmático a las figuras.
“la Virgen de las rocas”
LEONARDO DA VINCI • En la “Ultima Cena” se aprecia su serena composición en la que la perspectiva dirige todo el conjunto y sólo los Apóstoles se arraciman en grupos que gesticulan y expresan toda gama de sentimientos. La serenidad de cristo contrasta con la perspectiva y el drama humano de los Apóstoles.
“La Ultima Cena”
LEONARDO DA VINCI “La Ultima Cena”
LEONARDO DA VINCI • Es casi milagroso el modelo de “La Gioconda” y todas las interpretaciones de su misteriosa sonrisa son posibles; ero no menos admirable resulta el paisaje lejano. Leonardo Da Vinci lo tuvo siempre consigo, lo sometió a retoques y lo cubrió con una gruesa patina protectora. “La Gioconda”
RAFAEL • Anunciaciones y diversos temas religiosos, retratos y grandes composiciones constituyen los capítulos de su obra. Su aportación estriba en su concepción espacial, en la profundidad y en la amplitud del espacio en la que se mueven las figuras de las grandes composiciones de las estancias vaticanas.
“La Escuela de Atenas”
Rafael – “la Escuela de Atenas”
MIGUEL ANGEL • MIGUEL ANGEL • Es fundamentalmente un escultor y en consecuencia conserva la energía del dibujo y el deseo de movimiento y fuerza que inspira su obra plástica. Lo colosal no es sólo su mundo de gigantes de músculos tensos sino incluso las dimensiones de una obra tan vasta y pintada en condiciones de posición y de iluminación. Capilla Sixtina “Juicio Final”
Miguel Ángel – “El Juicio Final”
MIGUEL ANGEL • En su obra los gigantes que se mueven con formidable impulso carecen de suficiente espacio y la atmósfera adquiere cierta sensación de angustia. Es un mundo dramático, diferente del equilibrio y el optimismo del hombre del primer Renacimiento. “Jesús y María”
Miguel Ángel – “Juicio Final” (detalle)
MIGUEL ANGEL • En “La Creación de Adán”, Miguel Angel construye unas poderosas figuras cuyo gesto, especialmente el de las manos, supone una imagen que es un verdadero logotipo de la cultura universal.
“La Creación de Adán”
MIGUEL ANGEL “la Creación de Adán”
MIGUEL ANGEL “La Creación de Adán” (detalle)
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • Se va a convertir la máxima expresión de este barroco gracias a las posibilidades de crear efectos de luz y movimiento a muy bajo coste. Además, como decía Bernini, la pintura es un engaño por lo tanto obra del Demonio.
“Vocación de San Mateo” Caravaggio
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • La pintura barroca se dividirá en dos vías: • La clasicista continuadora de la línea establecida por Miguel Angel y representada por Annibale Carracci. • La naturalista-realista, completamente nueva y que va a tener como primer representante a Michelangelo Merisi de Caravaggio.
“La duda de Santo Tomás” Caravaggio
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • La escuela clasicista de Bolonia. Annibale Carraci va ser el continuador del estilo luminoso y brillante creado por Miguel Angel o Rafael. “Jupiter” Annibale Carraci
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • Los colores serán suaves y se tenderá hacia la forma llena aunque grácil y amable. Escenas, sobre todo las mitológicas, festivas con clara influencia de la pintura veneciana de finales del XVI (Tiziano y Veronés.)
“Hercules” Annibale Carraci
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • La escuela naturalista-realista. Efectismo en el uso de la luz tendiendo hacia el tenebrismo que será una subescuela del naturalismo. “La Crucifixión de San Pedro”
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • Gusto por la representación de personas de la calle, mendigos, deformes, prostitutas, etc. que poblaban las calles de las ciudades barrocas. “El amor victorioso” Caravaggio
Pintura de la Contrarreforma • Desarrollo de la obra dentro de la obra, sobre todo el bodegón, la naturaleza muerta que se convertirá en un tema dentro del mismo cuadro. “Muchacho con cesto de frutas” Caravaggio
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • Composiciones complejas, imposibles donde se engaña al espectador llevando las normas de la perspectiva a sus límites y más allá. “Entierro de Cristo” Caravaggio
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • Sensualidad y erotismo. Recreación en lo truculento, la sangre, las heridas, la deformidad.
“Judith” Caravaggio
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • El Caravaggio. Michelangelo Merisi (1571-1610) es el precursor de la pintura naturalista que abrió las puertas a un estilo de creación nuevo en el barroco. • Su obra está completamente influida por su carácter apasionado y rebelde, desafiante. Caravaggio
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • Su obra está cargada de una fuerte sensualidad y ambigüedad sexual que hizo que fueran rechazadas a veces por los clientes. “David y Goliath Caravaggio
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • Gran interés por la fruta como símbolo de la sexualidad y la corrupción de la carne aparece varias veces en sus cuadros creando bodegones dentro de la obra. “Baco” Caravaggio
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • Caravaggio despreciaba el decoro, la dignidad y la elegancia del Renacimiento y trató pictóricamente una serie de temas religiosos en una forma vívida terrenal. “Emaus” Caravaggio
EL BARROCO Pintura de la Contrarreforma • Los esfuerzos de Caravaggio para crear un arte religioso verdaderamente popular, como lo viesen los hombres del pueblo, tuvieron una acogida diversa, y, paradójicamente, sólo un círculo reducido de conocedores captaron su originalidad e importancia. “Muerte de la virgen” Caravaggio
Pintura Contrarreforma Español • José de Ribera y Cucó (Játiva, España, 12 de enero de 1591 – Nápoles, Italia, 2 de septiembre de 1652) Cultivó un estilo naturalista que evolucionó del tenebrismo de Caravaggio hacia una estética más colorista y luminosa. “Martirio de San Felipe” Ribera
Pintura Contrarreforma Español • Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, 7 de noviembre de 1598 – Madrid, 27 de agosto de 1664) fue un pintor del Siglo de Oro español. Se destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo.
“San Hugo en el refectorio de los cartujos” Zurbarán
Pintura Contrarreforma Español • Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617 – 3 de abril de 1682) fue un pintor barroco español. Figura central de la escuela sevillana, con un elevado número de discípulos y seguidores que llevaron su influencia hasta bien entrado el siglo XVIII, fue también el pintor español mejor conocido y más apreciado fuera de España.
“Inmaculada Concepción” Murillo
Pintura Contrarreforma Español • El Greco fue otro de los artistas más importantes del barroco español. Nació en la isla de Creta y dentro de sus obras importantes se encuentra “El martirio de San Mauricio”, y el “Entierro del Conde Orgaz”. Se caracterizó por una constante búsqueda de las expresiones místicas y las formas ingrávidas, etéreas, “El pintor de las formas que vuelan”. “El Martirio de San Mauricio”
“El Entierro del Conde Orgaz” El Greco
Pintura Barroco Aristocrático • Las motivaciones que los artistas franceses podían recibir para su creación son muy distintas que las de Italia, con Luis XIV a la cabeza, su concepto de la realeza le aseguró el calificativo de el gran Rey., en las que impuso el derecho divino de los reyes, el absolutismo y el estado centralizado políticamente. “Luis XIV”
Pintura Barroco Aristocrático • El mecenazgo de las artes a escala pródiga había sido una prerrogativa real y no se interrumpió la sucesión de distinguidas figuras que dieron luz y esplendor a la corte francesa, que en el siglo XIV había incluido a figuras tan prestigiosas como Leonardo da Vinci. “Adan y Eva” Rubens
Pintura Barroco Aristocrático • Rubens estudió las obras de Ticiano y Tintoretto en Venecia y las de Leonardo y Miguel Angel en Roma, lo que le permitió elaborar una obra con energía ilimitada y exuberancia física personales, entre las cuales se destacan “El jardín del Amor” y el “Rapto de las Sabinas”.
“El rapto de las Sabinas” Rubens
Pintura Barroco Aristocrático Español • DIEGO DE SILVA VELÁZQUEZ. (15991660). Nació en Sevilla. Muestra una evidente devoción por en tenebrismo. Elabora obras de tema religioso como “La adoración de los magos”, temas realistas como “El Aguador de Sevilla”. “Adoración de los Magos”
Pintura Barroco Aristocrático Español • Escenas de la vida ordinaria como “la vieja friendo huevos”, temas mitológicos como “La Fragua de Vulcano”, retratos como el del “Niño de Vallecas” , temas históricos como “las Lanzas”. “El aguador de Sevilla”
Pintura Barroco Aristocrático Español • Temas de la Corte como los que dedicó al rey Felipe IV, paisajes como el de la “Villa de Médicis”. • Entre sus obras más importantes se destacan “las Meninas”, “las Hilanderas” y “la Venus del espejo”.
“Vieja friendo huevos”
Velázquez
“Fragua de Vulcano” “Niño de Vallecas”
Velázquez – “Las lanzas”
Velázquez
“Felipe IV”
“Villa Médici”
Velázquez – “las Hilanderas”
Velázquez – “Venus en el espejo”
Velázquez – “las Meninas”
Pintura Barroco Burgués • Las pinturas se destinaron a adornar las salas de recibo en las casas, y por ello su tamaño, fue, de manera correspondiente, menor que las pintadas para palacios y salas públicas
“El cementerio judío” Jacobo Van Ruisdael
Pintura Barroco Burgués • Las obras de caballete y no los murales se volvieron la norma en la pintura holandesa. La demanda en los cuadros se hizo muy grande y la demanda condujo a un grado de especialización. “El alegre bebedor” Frans Hals
Pintura Barroco Burgués • Entre las especializaciones se encuentra gran variedad de temas: el retrato, cuadros de grupo o corporaciones, paisajes, marinas, firmamentos, animales con preferencia “las vacas”, diferentes clases sociales como pescaderas y vendedoras de frutas, o entre la clase media y la clase alta. “Madre e hija” Peter de Hooch
Pintura Barroco Burgués • REMBRANDT VAN RINJ, fue el más destacado de los pintores holandeses. Pintó retratos, escenas costumbristas, temas históricos y paisajes. Rechazó especializarse y logró ser diverso y magnífico en todas las temáticas que abordó.
“Autoretrato” Rembrandt
Pintura Barroco Burgués • Rembrandt le otorgó al retrato una nueva profundidad psicológica, iluminando el carácter del personaje desde afuera y desde dentro, donde apreciamos elementos como la autovaloración, la compasión y la resignación. Buscaba retratar el espíritu del hombre.
“Danae”
Pintura Barroco Burgués • Dentro de sus obras más importantes se encuentra: “La lección de Anatomía”, “Cristo curando a los enfermos”, “La ronda nocturna”, • Y los múltiples autorretratos. “Cristo en la tormenta sobre el mar de Galilea”
“La lección de anatomía” Rembrandt
ÂŤLa ronda nocturnaÂť Rembrandt
“Cristo curando a los enfermos� Rembrandt
“La Matanza del buey” Rembrandt
“Molino” Rembrandt
VERMEER • JAN VERMEER, maestro de lo intimo, se preocupa por la perfección física, por la imagen visual, por abarcar el espacio. Deleita el ojo con su percepción única de las características y contextura de las cosas. “La Lechera”
VERMEER • Entre sus obras más importantes se encuentra: “El pintor en su estudio”, “Cristo en casa de María y Marta”, “Paisaje de Delft”, “La lechera”, • “La joven de la perla”, “Militar y muchacha riendo”, “Muchacha leyendo una carta” entre otras.
“Militar y muchacha riendo”
«Paisaje de Delft» Vermeer
«Dama con dos caballeros» Vermeer
“El pintor en su estudio” Vermeer
“Cristo en casa de Marta y María” Vermeer
«Muchacha leyendo una carta» Vermeer
“La joven de la perla” Vermeer
CONCLUSIÓN • Como conclusión final se podría decir que el Barroco fue un movimiento artístico y cultural muy importante en el rompimiento de la antigüedad, de las pautas establecidas en el renacimiento, y en la transición hacia los tiempos modernos, ya que en él se dieron nuevas formas de pensamiento y de interpretar la vida, de un modo más realista y terrenal. Además el legado cultural que nos deja este periodo, sobre todo en España es invaluable para las manifestaciones artísticas y la cultura a nivel mundial.