Revista Tinta y Plumilla by Comunicación Gráfica Uniminuto

Thomas Fedro Colombia y el arte Escultura

Museos recomendados

Tinta y plumilla-Artes visuales

Tomas Fedro

Colombia y el arte

La escultura segĂşn wrum

Esculturas colombianas seran expuestas en el BID

Museos recomendados

Editorial Este revista se redactó debido a que los medis artisticos son una parte funtamental para la expresion y liberacion del alma; nos peermite plasmar emociones e ideologias, es una forma de liberar el espíritu, usado desde siempre por se una forma de expresion universal, el arte es imagen, es literatura, es música, es todo aquello que nos rodea y da forma y sentido a lo q somos, al contexto social; esta fué la principal motivacion para su elaboración y en su contenido exploramos diferentes dimensiones del arte, para comprender sus diferentes formas de epresión.

Tinta y plumilla-Artes visuales Tinta y plumilla-Artes visuales

T h o m a s F e d r o

Artista de Chicago Tom Fedro crea obras de arte que te hace sonreír a carcajadas. Una combinación de los paisajes urbanos y el arte pop se enfrenta a que se centran en la composición y el color. Colores brillantes, arte caprichoso audaz Tom calienta el corazón y celebra la alegría traído a nuestras vidas por la diversa naturaleza de nuestra especie. Tom vive y trabaja en el monte. Prospect, IL en las afueras de Chicago con su hijo Jordan. Asistió a la Universidad de Valparaíso y el Instituto de Arte de Illinois. Era dueño de una galería durante muchos años en Chicago. Actualmente, está representado por las galerías en los proyectos especiales recientes EE.UU. y Europa e incluye piezas de encargo para el espectáculo de Broadway “Rent”, el 40 º aniversario de “The Second City”, Toogood Bodegas, Sweet Riot Candy Co. y “Vaca del sobre de Chicago Parade “. Comisiones corporativas incluyen piezas para IBM, el Hotel Allegro en Chicago, histórico Navy Pier y Washburn Guitars.

Entrevista: ¿Cuánto tiempo ha estado creando? Siempre me ha atraído siempre que puedo recordar. Empecé cuando era joven copiando todo el Domingo cómics como, Beatle Bailey y Garfield. Yo realmente no entiendo en el arte hasta la universidad, aunque. Yo estaba muy involucrado con la música y era un comandante de la música en la escuela. Me interesé mucho en Patrick Nagel en los años ochenta y decidí comprar un poco de pintura y tratar de hacer uno en la parte posterior de la chaqueta de jean. Ese fue un gran éxito y empecé a hacer ellos para todos mis amigos de la escuela. Después de graduarme conseguí un trabajo en IBM como asistente de marketing y terminé siendo enseñado cómo hacer gráficos por ordenador. Lo hice durante unos años (mientras que la venta de mis chaquetas Nagle a varias tiendas en Chicago) y luego fue contratado por un head hunter ser director creativo de una agencia de publicidad. Fue entonces cuando me decidí a pasar de las chaquetas de jean al lienzo real y empecé reproducir todo tipo de arte para la gente que quería algo que vieron por otro artista que en sus colores.

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Hace unos doce años conocí a mi esposa Alicia, que rápidamente me convenció del mundo de la empresa con el fin de seguir una carrera artística haciendo mi propio trabajo. Ha tardado unos diez de esos doce años para desarrollar mi estilo y seguidores antes de que realmente se convirtió en éxito en esto de arte. En última instancia, estaba siendo descubierto por el, en ese momento, el GM del Hotel Allegro en Chicago, que es un punto caliente para las celebridades y músicos. Él me eligió para hacer una de las Vacas en de Chicago en desfile Fest y me conectó con Renta en Nueva York y la segunda ciudad de la que me hice pedazos comisiones conmemorativas.

¿Cuál es su medio de elección? Tiendo a trabajar con acrílico sobre lienzo más que nada, pero he ido añadiendo unos medios diferentes, junto con ella, como tiza, tinta, acuarela, óleo y Craypas.

¿Cuáles son sus motivaciones para la creación? Mi esposa y mi hijo son un factor muy importante en estar motivado para seguir este camino. Tengo mucho apoyo y el aliento de ellos sobre una base diaria. Aparte de eso sólo hay que ser creativos y no sabría qué hacer conmigo mismo si no podía ser. Supongo que sería un error no mencionar el dinero también, nunca solía ser un motivador, pero sin duda me mantiene trabajando ahora que en realidad proviene pulg

¿Qué otros artistas y movimientos informe a su trabajo? Siempre he sido un gran fan de artistas como Kandinsky, Chagall, Picasso, Matisse, Warhol y Lichtenstein. Tengo muchos estilos, pero obtengo retrocedido a los bordes duros y los colores brillantes del arte pop. También sigo a investigar todos los nuevos artistas por ahí y he hecho amigos con un buen número como Carlo Beninati, Romero Britto, Joe Burlini y Ed Pashke (recientemente fallecido).

¿Qué encuentras estimulando en este momento? ¿Cómo influye esto en tu proceso creativo? Últimamente, he estado comprando un montón de cómics antiguos, ya que son muy visualmente estimulante y fantástico para nuevas ideas y composición. Me siento atraído por los colores brillantes y lo más importante, las mujeres! Sus rostros y figuras son una gran inspiración en mi trabajo.

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Obras

Titulo:All In A Day’s Work Media:Acrylic & Oil

Titulo:Family Media:Acrylic & Oil Paste Dimensiones:24” x 24”

Titulo:Remember when...A little cut was the end of the world Media:Acrylic & chalk Dimensions:24” X 30”

Dimensiones:27” x 39”

Titulo:Close To You - Faces Media:Acrylic and Ink Dimensiones:24” X 24

About the Art: Title:Faces1153 2436 Original Abstract Art Painting Blue Suit

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Tinta y plumilla-Artes visuales Tinta y plumilla-Artes visuales Acaba de salir al mercado el Tomo III de esta hermosa Enciclopedia que sobre los más

C destacados artistas de nuestro país, se encuentra editando el Artista y Gestor Cultural o antioqueño José Cirilo Henao. l En este Tomo, dedicado al Maestro Enrique Grau, Cirilo como editor y José Manuel Ciro o Mesa como Curador, continuando con la idea de concretar un gran trabajo compilador m de los más importantes creadores de hermosas obras de arte, tanto pictóricas como esb cultóricas, publican obras y textos de 47 valiosos artistas de nuestra geografía nacional. i Empieza este volumen el homenajeado fallecido Enrique Grau y le siguen, el Premio a Nacional y homenajeado vivo, Miguel Angarita, quien incursiona en una nueva temáy e l a r t e

tica, sin abandonar su bello dibujo y su excelente composición, el extraordinario pintor de caballos Carlos Massó, Rafael Diaz Chacón con sus pinturas modernistas y sus esculturas minimalistas, Guilles, Alex Stevenson, Julián Dowbley, Juan F. Foronda, José Ramón Tarazona, Luis Carlos Molina, Fernando Omar Toro, el pereirano, reconocido por su abstraccionismo puro Juan Carlos Vargas Gómez, el risaraldense John Jaimer Morales, autor de esas figuras chaparras que le dan un sello muy personal y que ahora incursiona en unos psicodélicos abstractos combinados con un figurativismo único y excepcional, Humberto Salazar, Andrea Muñoz, Juan Carlos Palacios, el pintor de los rostros exuberantes de mujer con marcas de diseño incrustado en esos bellos ojos de ternura fresca y bocas super-rojas sensuales y obvio, una pequeña muestra de la obra del artista-editor José Cirilo Henao, quien nos permite apreciar su limpio color en sus pinturas y su fino trabajo de ensamble, en la resolución de sus esculturas míticas.

Un libro de lujo, armado con tapa dura y sobrecubierta, la que se aprovecha inteligentemente para tatuar en ellas más obras a todo color de algunos artistas ya destacados en el arte nacional. Un libro de 244 páginas a todo color, impecablemente editado, con todas las obras reproducidas en los colores originales y con unos pequeños textos que dejan perfecta huella de lo que son y han sido los artistas allí registrados. Felicitaciones al equipo editor de tan impecable colección, por permitirnos a los amantes del arte en nuestro país, mirar de cerca lo que hacen nuestros destacados creadores.

Obras

Javier Flores Barrios Ahora vengo yo, acrílico sobre lienzo

“Sueño del artista invisible”. Obra de Augusto Rendón

Autor: María Alejandra Suárez. Óleo sobre lienzo. Tinta y plumilla-Artes visuales

y plumilla-Artes visuales Tinta y plumilla-Artes visuales 1010 Tinta La escultura según

E s c u l t u r a s

Wurm

Si se puede definir el humor como algo capaz de poner en cuestión lo establecido y reflejarnos lo absurdo evidente de nuestra realidad, algo capaz de cambiar la hiperseriedad de nuestras actitudes para hacernos llegar, con ello, a la verdadera madurez del razonamiento, no puede negarse entonces el sentido del humor que, inteligentemente planteado, caracteriza el trabajo del artista austríaco Erwin Wurm. La obra de Wurm (Bruck/ Mur, 1954) ha sido definida en ocasiones como conceptual, relacionándola con diferentes lenguajes alternativos, debido quizás a la variedad de medios que este artista utiliza (vídeo, fotografía, accionismo), así como a la peculiaridad de algunos de los materiales a los que recurre (desde bolígrafos o pepinillos hasta ropa usada). Sin embargo, un análisis

detallado de su trabajo nos desvela una obra de carácter eminentemente escultórico -en su mayor parte- y que se define por una serie de “categorías” siempre presentes, planteadas no de manera aislada, sino correspondiéndose entre sí cual una red de causa-efecto-causa. La dialéctica entre vacío y materia, las posibilidades intrínsecas de los materiales, el diálogo entre escultura y objeto no escultórico, el cuerpo como soporte y la idea de transformación; estas “categorías” escultóricas están prácticamente siempre presentes en la variada obra de Erwin Wurm, aunque la finalidad de su planteamiento sea la de llevar al límite sus significados y poner en cuestión la “categoría” misma -¿la más esencial?- que define la escultura como lenguaje artístico clásico: su propia perdurabilidad. Desde finales de los años ochenta, Wurm ha producido obras a partir de las trazas de polvo marcadas por

el contorno de objetos que un día ocuparon aquel lugar ahora vacío. Lo intangible toma forma, mostrándonos la existencia de unos objetos a partir de su ausencia. Así, la dialéctica entre materia y vacío -que aquí se transforma en la de presencia y ausencia- se corresponde con las posibilidades intrínsecas de un material tan poco “escultórico” como las partículas de polvo; un material que, a su vez, estimula muchas asociaciones y procesos mentales. Un elemento muy interesante que Wurm hace entrar en juego en esa serie de trabajos es la vitrina -que nos remite al rol establecido de las instituciones artísticas-, como algo que protege el objeto pero también que determina lo que es digno de ser visto y, finalmente, lo que es, o no es, arte. Todo ello, planteado en un gesto tan transgresor como cargado de ironía: el de escenificar la misma ausencia. Esta pérdida de rol de unas

Tinta y plumilla-Artes visuales ropas que ya no visten al cuerpo humano, sino que crean otras formas, otros cuerpos si se quiere, es lo que de alguna manera se constata en la acción registrada en el vídeo 59 Positions (59 Posturas, 1992), en el que Wurm continúa explorando las constantes escultóricas que definen su obra. Junto al empleo peculiar de un material no escultórico como la ropa, también está presente la idea de la transformación, ya que esta propuesta se basa en el propio proceso. Vemos aquí bultos antropomórficos que esconden cuerpos agachados o tumbados en el suelo, enfundados literalmente en unas ropas que les limitan y que posibilitan a la vez sus diferentes posturas. Algo de entrañable define a esta especie de esculturas vivientes, que contrasta con lo grotesco de sus contorsiones y movimientos. Las llamadas One Mi-

nute Sculptures (Esculturas de un minuto) que Erwin Wurm realiza desde finales de los años noventa forman parte de su obra más conocida.

Se trata de “esculturas” de un minuto de duración, interpretadas por el público o por el propio artista, con el uso de elementos y posturas tan singulares como cómicas:

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y plumilla-Artes visuales Tinta y plumilla-Artes visuales 1212 Tinta

sostenerse con unos cuantos bolígrafos entre los dedos de los pies, hacer de estantería con un montón de libros en cada mano y entre las piernas, o intentar mantener un cubo de plástico sobre la cabeza. Estas esculturas temporales las encontramos también registradas en fotografías en donde objetos y muebles centran la atención: una silla que se sostiene incomprensiblemente sobre unas zanahorias, el equilibrio imposible de un zapato sobre algo parecido a una escoba o la imagen casi obscena de un banano o plátano entre las dos puertas semiabiertas de un armario. Son esculturas que se definen, como indica su propio título, por la idea de lo efímero y que consiguen alterar de forma esencial los códigos de lo que se entiende por escultura (perdurabilidad, patrimonio, memoria colectiva... una serie de conceptos asociados a la idea tradicional de escultura). Wurm da un paso más hacia la desmaterialización, va más allá de la especificidad física de los objetos, en un ágil salto que se eleva de la pesantez y sustancialidad de éstos, en un espíritu semejante al gesto de leggerezza a que aludía Italo Calvino en sus conocidas propuestas para la literatura de nuestro milenio, tratando de quitar peso a la estructura del relato.

Finalmente, hemos de señalar una de las aportaciones más interesantes del trabajo reciente de Erwin Wurm, en donde el artista, saliendo de las premisas propiamente “escultóricas” que hasta ahora hemos definido, pone en cuestión otros aspectos de la creación plástica: la idea misma del arte o del artista. Una vez más, Wurm, con una mirada irónica, cargada de humor, infringe los preceptos establecidos en torno a conceptos aceptados y nos desvela el discurso “construido”, fruto de todo un entramado de creencias y valores, en torno a la idea del artista y su personalidad. Wurm aborda aquí el cliché del artista como un ser solitario por su condición de creador, de personalidad maniática, contemplativa y nostálgica, con el temperamento propio de Saturno -según afirmaba la tradición antigua-, que personifica todo un tópico, una “construcción mental” que se ha mantenido, de alguna manera, hasta nuestros días. En esta serie, la imagen del artista mirando al vacío, ajeno a la realidad y ensimismado en sus pensamientos (¿el artista inspirado, arrebatado?), durmiendo en un rincón durante las horas de trabajo, o fumándose un porro por la mañana antes del desayuno, son acompañadas por títulos tan explícitos

como: Fantasize about nihilism (Fantasea sobre el nihilismo), Stay in your pyjamas all day (Quédate en pijama todo el día) o Be indifferent about everything (Muéstrate indiferente ante todo). Esta es la verdadera dimensión contemporánea que define el trabajo de Wurm: su obra consigue transmutar las nociones fundamentales establecidas que definen tanto el lenguaje escultórico (cuestionando a la vez los conceptos ligados a ese lenguaje, como la perdurabilidad o la materialidad) como la propia idea del arte o de la creación (asociadas tradicionalmente a la locura, el genio y la inspiración). Wurm consigue algo realmente difícil, como es tratar estos asuntos siempre desde una lograda ironía, desde el guiño y el sentido del humor. Alguien dijo en una ocasión que el humor es una afirmación de la superioridad del ser humano ante las otras criaturas del planeta. Lo que es cierto es que el humor es una de las terapias más inteligentes, que nos inmuniza ante el peso de la previsible cotidianidad, poniéndonos en alerta sobre cómo nos tomamos la realidad demasiado en serio. El sentido del humor nos permite siempre poder pensar, como decía Malraux: “Tout peut toujours être pire” (“Todo podría siempre ser peor”).

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Esculturas colombianas seran expuestas en el BID Entre mayo y junio se realiza el encuentro anual de artistas plásticos de los países afiliados al Banco Interamericano. El escultor colombiano Gabriel Beltrán es el único artista latinomaericano seleccionado para participar en el encuentro anual de artistas plásticos que se realiza entre los países afiliados al Banco Interamericano de Desarrollo, en la ciudad de Washington entre el 23 de mayo y el 3 de junio. Curvatura Espacial’ es la exposición donde Beltrán mostrará estructuras, tensiones, formas tridimensionales, expresiones latentes geométricas, color, luz, sombras, volumen y formación de vida esencial; material de su creación.

Gabriel Beltrán, se reconoce a sí mismo como abstracto y constructivista, pues sus estructuras gozan de un refinamiento deductivo que seduce y sorprende a los espectadores. Durante la muestra en el BID el artista dejará relucir su capacidad para visualizar soluciones geométricas que invaden espacios y armonizan con las superficies arquitectónicas. Beltrán se ha desempeñado como investigador desde su época de estudiante y después como catedrático en la escuela de Artes de Bogotá, es un creador nato que explora la expresividad de formas extraídas de la naturaleza logrando en sus esculturas figuras tridimensionales con mucho movimiento, producto de las relaciones del artista con su entorno.

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y plumilla-Artes visuales Tinta y plumilla-Artes visuales 1616 Tinta

10 Museos recomendados

1- El Louvre en Paris es posiblemente el Museo más famoso del mundo. Sus increíbles colecciones abarcan desde las antigüedades egipcias y clásicas hasta la pintura europea.

2- El Museo Metropolitano de Arte en New York el museo más importante de Norteamérica. Su colección es especialmente fuerte en antigüedades egipcias y pintura norteamericana.

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3-Los Museos Vaticanos

albergan las inmensas colecciones de Arte de la Iglesia Católica, con algunas de las obras más famosas del Arte , como la Capilla Sixtina o La Escuela de Atenas de Rafael

4-National Gallery de Londres alberga una maravillosa colección de pintura europea de los siglos XIII al XX. Es quizás la colección más completa de pintura europea en todo el mundo.

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5- Museo Hermitage (o Ermitage) es el Museo más importante de Rusia y el más extenso del mundo. Más de tres millones de obras formando una colección desde la prehistoria al impresionismo

6-Museo Kunsthistorisches de Viena es uno de los grandes museos del mundo. Posee una gran colección de antigüedades egipcias y clásicas, y una fantástica muestra de pintura.

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Menu 7- La National Gallery de Washington incluye una colecci贸n muy completa de pintura europea y americana de los siglos XIII al XX. Sus puntos fuertes son el Renacimiento y la pintura americana.

8-El Rijksmuseum de Amsterdam es el Museo Nacionad de Holanda. Posee la colecci贸n de pintura holandesa m谩s importante del mundo, incluyendo La ronda de noche de Rembrandt

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9- Museo Guggenheim de Nueva York fue diseñado por el famoso arquitecto Frank Lloyd Wright. La Guggenheim Fundation tiene también galerías en Bilbao, Venecia, Berlin y Las Vegas.

10-Getty Center de Malibu es el museo más acaudalado del mundo. Su colección incluye antigüedades clásicas y pinturas como los Lirios de van Gogh o el Alfonso d’Avalos de Tiziano