Yana Kozlova
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ILUSTRACIÓN
dibujos de
Mathew Borrett
MATHEW BORRETT
Tienen un toque especial y un aura irreal, casi mágico. Son las ciudades y paisajes de Mathew Borrett. La mayor parte están dibujadas a lápiz y en su web están organizadas en colecciones temáticas. Consúltalas en: http://mathewborrett.squarespace.com/blog/
Es un uso muy peculiar del blanco y negro y de los intrincados detalles en construcciones que se dirían abandonadas. Y sin duda recuerda poderosamente en algunos casos al maestro M.C. Escher.
En la escuela, Mathew estudió en la clase de arte, llenando sus cuadernos con dibujos y garabatos. Después de graduarse en el programa de ilustración en el Ontario College of Art & Design en 1998, finalmente se dio cuenta de que había dejado de dibujar por sí mismo. Eso no parecía gustarle por lo que regresó a lo básico y comenzó a garabatear en cuadernos de dibujo. Una infancia marcada por los videojuegos, Lego y Comodoro. La fascinación por los mapas y la arquitectura, la afición por los detalles, y los sueños recurrentes de encontrar extrañas habitaciones ocultas en su casa, le llevó a los dibujos que se ven aquí. www.microsiervos.com
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JUAN LUIS DIAZ DE CORCUERA
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COJE TUMORCILLO REVISTA REPLIKA EN ZULOA Y EN LA CASA DEL LIBRO SUSANA
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Diccionario básico del artista JAVI PRIETO
JAVIPRIETO@JAVIPRIETO.COM
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Juan Luis Díaz de Corcuera. Licenciado en BB.AA. Artista y diseñador.
Hoy nos vamos a zambullir en uno de los pilares básicos del conocimiento del arte, su terminología básica. Los principios de su metalenguaje poliédrico asociados a sus significados semióticos. Estas son algunos vocablos elementales del arte, el conocimiento de estos términos te ayudará a entender muchas cosas de este mundo tan especial. Esto puede ser un esclarecimiento a muchos temas ocultos de universo artístico, aunque estos axiomas ilustrarán solo una parte del espectro actual. ARTISTA: Desocupado, tendente a la marginación social, no se le conoce trabajo de verdad. Dice que pinta por no mancharse las manos en una fábrica. ARTISTA DE ÉXITO: Cabeza erguida, te saluda con un tic de cuello, eso si tienes suerte. Es el o ella y después los humanos. ARTISTA EMERGENTE: Artista que espera emerger, y que probablemente después de su primera exposición seguirá sumergido. O seguirá siendo emergente, a veces es mejor ser ¡Emergente que estar emergido! ARTE JOVEN: Gracias al avance de la medicina los artistas viven mucho más de modo que ahora hasta los cuarenta y cinco años los artistas técnicamente se consideran jóvenes a partir de esa edad se dedican a la gestión del arte, etc. ARTISTA LOCAL: Utiliza el término de artista local, porque destaca en su territorio, que tiene más o menos controlado, si se va a otra localidad tiene que competir con los artistas locales de la zona lo cuál es un curro total para conseguir lo mismo. ASAMBLEA: Reunión artística para decidir algo previamente decidido de antemano. El día de los votos aparecen todos. AUTODIDACTA: Dice que para ser artista no hace falta ir a la facultad de Bellas Artes, que no es necesario, en el fondo el autodidacta sabe que su formación teórica es floja. Pero se niega a reconocer que hubiese hecho mejor en estudiar un poco más. AUTOGESTIÓN: Recurso para llamar la atención de la autoridades, para conseguir una subvención. BECARIO: La única alternativa a los Licenciados en Bellas Artes y Artistas autodidactas. BELLAS ARTES: Técnica de formación del gobierno para tener a los jóvenes ocupados unos años. CAMARERO: Es un oficio temporal, lo hace para comer caliente. En realidad es Artista, probablemente pinto. No tiene
estudio ni obra pero mentirá a tope y dirá que curra mucho, aunque en realidad está de gaupasa. CLIENTELISMO: Como considera la derecha a los que piden subvenciones culturales. CURATOR: Curar no cura, más bien decide quien está y quien no. COMISARIO: Suerte si te “apunta” y piensa en ti. De lo contrario estás muerto. COLECCIONISTA: En Euskadi y en el estado Español está en extinción. En principio se gastan su dinero inviertiendo en arte. Se supone que porque aman el arte más que por comprar por pura inversión. Puede haberlos con grandes fortunas o con presupuestos más moderados, lo que cuenta es la intención. Promover el estímulo del capital privado podría servir para ello. CURATOR: Administrador o representante que organiza una exposición, es el artista más importante de la misma aunque parece que les deja el protagonismo a los que cura. CRÍTIC@ DE ARTE: Fundamental su opinión para ponerla en el currículo. DEPENDIENTE O GASOLINERO: Trabajo esporádico, en realidad es fotógrafo. DIRECTOR@ DE MUSEO: Saben y mandan mucho. Están en el punto máximo de la jerarquía artística, sobre todo si compran obra para sus colecciones. En las ferias de arte como ARCO son los reyes. (Después del día de la inauguración oficial, ya que suele ir algún miembro de la familia real). DOCTOR EN BB.AA.: Ni opera ni pone multas, con frecuencia también es CURATOR o COMISARIO. EGO: Motor artístico por excelencia. GALERÍA: Espacio tranquilo, normalmente sin visitantes, con obras de arte en sus salas, a la espera de ir a ARCO con una subvención y de que le compre obra un Museo. Si hay suerte se vende un poco más, se suelen quejar y con razón. GESTOR CULTURAL: Artista buscando alternativas después de NO haber conseguido vivir de su obra. HISTORIADOR@ DEL ARTE: Se traga unos tochos que te pasas. INAUGURACIÓN: Es el momento donde el artista se reúne con todo quisqui y pasa lista. Todos dicen que es mejor volver otro día para ver la exposición con calma, pero si vas al día siguiente no suele haber nadie. Con la crisis ha ido volviéndose más espartana. Antes, en los ochenta era un lugar de
encuentro donde los artistas cenaban por la cara, o como mínimo se emborrachaban. Eso ya pasó, ahora todos esperamos tiempos mejores. Recuerdo una exposición mía con varias cajas de botellas de cava puestas a disposición del público. Éxito total, los visitantes abrían las cajas, las botellas de cava, una tras otra sin parar. Hoy en día, sigue siendo un momento entrañable para saludar a colegas que no ves hace tiempo. Algunos artistas las odian otros van a todas, si eras diseñador gráfico y habías hecho el catálogo también te marcabas un punto, últimamente no se hacen muchos catálogos, así que el material gráfico se va a la nube vía internet. IKEA: Tiene una sección con reproducciones de cuadros que cada vez más se ven en despachos profesionales y casas. Una de las funciones clásicas del arte es ocupar espacios en las casas. Tiene sentido que si se tiene muebles de Ikea las “Obras de Arte” también sean de Ikea, si te puedes permitir muebles de Molteni (Por poner un ejemplo), ¡Por favor! Compra un poco de arte con caché o más caro. INSTALACIÓN: Acumulación de objetos ordenados o revueltos, previo o inherente el discurso conceptual. MEDIAMARK: Visita obligada para cualquier fotógrafo que se precie. MERCADO DEL ARTE: Todos hablan de él. Saben que existe pero no lo han visto. Algo así como los O.V.N.I.S (UFO). PINTOR: En decadencia expone en Oficinas o centros de la tercera edad. PRINCIPIANTES O APRENDICES: Mejor que se pongan las pilas. PROFESOR DE PINTURA O DIBUJO: Como los artistas también tienen que comer, se dedican a dar clases ya que no pueden vivir de su obra artística. Es una actividad limpia y digna. RANKING ARTÍSTICO: Posición del artista en un ranking pseudo-económico, estilo FORBES, pero con la diferencia de que una empresa muerta está cerrada y se liquida, el artista vale más muerto. Con lo cuál el ranking artístico es útil para el coleccionista o los hijos del artista, para el artista en si mismo menos. SUBVENCIÓN: Medio de vida para muchos artistas. VIDEOARTISTA: Intentó trabajar en EITB pero como no tenía perfil de Euskera tuvo que despedirse de usar cámaras Canon en alta definición, no tiene gran presupuesto, usa teles viejas en blanco y negro, cámaras cutres para dar un efectos de vibración a los vídeos.
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EDUARDO URRUTIA eurretxeb@yahoo.es
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FOTOGRAFÍA JAVIER BARRIO WWW.GALLERYLIGHT.EU
Bigshot, una cámara kit para enseñar e inspirar
FOTOGRAFÍA: WICHO MICROSIERVOS.COM
No es, ni con mucho, una cámara de grandes prestaciones, y además viene en forma de kit, pero está diseñada para enganchar en la tecnología, la ingeniería, o, por qué no en el arte, a quienes la usen tras montarla.
Concebida por el profesor Shree Nayar de la Universidad de Columbia allá por 2006, y tras varios años invertidos en probar prototipos y buscar un fabricante adecuado, la cámara digital Bigshot está por fin en el mercado, aunque por ahora solo está disponible en siete países.
Se trata de una cámara con una resolución de 3 megapíxeles capaz de almacenar en su memoria interna unas 120 fotos, pero lo que importa de esta cámara no son sus especificaciones, sino que está pensada para tener un importante componente educativo. Por eso se vende
en forma de un kit que incluye todas las piezas necesarias para montarla, algo que obviamente hay que hacer antes de poder usarla.
La idea del profesor Nayar es que el proceso de ensamblado de los componentes de la cámara, para lo que hay disponible una guía en Internet, sirva para que quien lo esté haciendo aprenda conceptos fundamentales acerca de óptica, mecánica, electromagnetismo, electrónica, y procesamiento de imágenes.
El objetivo es llegar con esta cámara a las comunidades menos favorecidas
e intentar despertar en los más jóvenes de estas el interés por la ciencia, la tecnología y la ingeniería al ver que son capaces de montar con sus propias manos una cámara digital y que entienden qué hace, y hasta cierto punto cómo lo hace, cada uno de sus componentes gracias a las explicaciones también disponibles en línea.
Claro que la cámara incluye tres objetivos distintos en una rueda giratoria que va montada en su parte frontal que permiten tomar fotografías normales, panorámicas, y en 3D –el kit incluye las gafas pertinentes para verlas– así
que no descarta que la Bigshot pueda servir también para despertar la vena artística de alguno de estos niños. Además de vender las cámaras Kimera, la empresa creada por el profesor Nayar para gestionar todo el proceso, dedica parte de lo que obtiene con las ventas para donar cámaras a grupos que no pueden permitírselas.
En un mercado con cámaras de muchos megapíxeles, la Bigshot desde luego que no tiene mucho con lo que competir en prestaciones, aunque a ambiciosa en cuanto a sus objetivos probablemente no le gane ninguna otra del mercado.
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MIKEL ESCALERA LEKIMOKRU@GMAIL.COM
1ยบ PREMIO CONCURSO DE Cร MIC REPLIKA 2013
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El origen del logo de android
DISEÑO. EL LOGO DE ANDROID
El logo de Android nació en 2007 y es obra de Irina Blok, que entonces trabajaba como diseñadora en Google.
A Irina y a su equipo de diseño se les pidio que crearan una imagen para el sistema operativo móvil, algo que los consumidores puedieran identificar fácilmente.
El logo debía incluir un robot y Blok comenzó a estudiar juguetes y películas de ciencia ficción, cualquier cosa que pudiera ayudar a crear un personaje. Mas tarde lo convirtió en el pictograma universal más reconocible, el de las figura de un hombre y una mujer habituales de las puertas de los cuartos de baño. Antes del logo actual hubo otros bastante feos. Lo curioso es que el robot de Android no
parece tener nombre; o no parecer tener un único nombre. Su color verde es #A4C639.
Irina Blok pudo haber hecho uno de los logotipos más reconocidos en el mundo, pero su asociación con el androide
cuando iba a comenzar aparecio un logo de Android en la pantalla. Su hija, recuerda Blok, de repente se puso de pie y gritó: "Mi mamá inventó eso!" Todos en la fila delante de ellos se dieron la vuelta para mirar. Blok estaba tan avergonzada, que se escondió detrás de su caja de palomitas.
En años posteriores, el logotipo de Android se ha vestido como un ninja, con esquís y monopatines e incluso para transformarse en un bar Kit-Kat en edición limitada.
verde no la ha hecho famosa. Blok recuerda sólo un incidente en el que ella llamó la atención del público por el diseño del logo. En 2010, ella y su hija de 6 años, estaban en una sala de cine esperando "Alice in Wonderland" y
Irina Blok ahora es directora creativa de Edmodo, una red social para estudiantes y profesores. Ella opina que la creación del logo era como criar a un niño: "Le das una vida, y despúes se independiza teniendo una vida propia. Fuente: Microsiervos.com
GUIÓN: FÁTIMA FERNÁNDEZ MÉNDEZ
DIBUJO:DAVID BUCETA
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JUAN PABLO SOLARTE
GUIÓN Y DISEÑO: JAIME REBOLLEDO
IS.A.SHIRT@GMAIL.COM
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BÁRBARA ROS GRAGIRENA ROSGRART@GMAIL.COM
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Una breve disquisición sobre los inicios de su vicio favorito HISTORIA DEL CÓMIC: IÑIGO YARZA
Pocas veces se puede afirmar contundentemente que una de las bellas artes nació un día en concreto, porque….veamos, ¿qué día nació la pintura? ¿Y la escultura? ¿O incluso el cine?…normalmente se tienen que conjugar muchos factores para poder afirmar que un arte ha nacido como tal. Sin embargo, si que podemos asegurarlo respecto al llamado 9º arte.
El cómic nació el 16 de febrero del año 1896 gracias a un simpático loro
Si, amigos, el comic nació exactamente el día 16 de febrero de 1896. Aquel glorioso día un simpático loro exclamaba desde las páginas del dominical del New York World: “sic em towser!” naciendo así unos de los más populares medios de expresión del siglo XX y por supuesto, del XXI. Porque…. ¿quién no ha leído un tebeo alguna vez en su vida? ¿Quién no conoce personajes ya míticos en la cultura popular como Superman o Tintín?… comprendo que uds. Tremendos conocedores del medio me refutarán tan arriesgada afirmación. Me parece estar oyendo ya sus vocecillas de hipsters resabidillos recordándome a Töpfer o a Bush por ejemplo, quienes ya utilizaban las técnicas del arte secuencial unas décadas antes.
Bien, pues dejen que me explique: El arte secuencial, o la narrativa gráfica o el comic o las historietas, o como diablos quieran llamarlo ya existía desde el principio de los tiempos. Los relatos hechos con series de dibujos se remontan a la antigüedad, ya en Egipto las pinturas murales servían para relatar las hazañas de sus faraones, los relieves romanos ensalzaban a sus héroes, en la edad media se pintaban frescos para explicar pasajes bíblicos, etc. Etc… Todos estos ejemplos bien pueden entrar en la definición de lo que conocemos como “comic”. En fin, que “monitos” (como se les conoce en Méjico) o “muñequitos (Cuba) o tebeos, han existido siempre, aunque de un modo muy arcaico y primitivo. No fue hasta la llegada de su adorado Rodolphe Töpffer que comenzaron a tomar la forma definitiva como los conocemos ahora.
Töpffer (Ginebra 1799-1846) fue profesor, escritor, pintor y caricaturista, y si, también hoy está considerado como el padre de la historieta moderna. En 1827, con cierto afán pedagógico, creó para sus alumnos un album titulado “Les amours de monsieur Vieux-Bois”. Quedó tan contento con la experiencia, que dos años después le seguiría “Voyages et aventures du Dr. Festus”, alabado incluso por el mismo Goethe, quien le aconsejó su publicación.( Cosa que hizo naturalmente bajo seudónimo, pues no quería que su carrera como escritor se viera empañada por su trabajo como historietista). Así editó “Histoire de monsieur Cryptogramme” (1830), “Histoire de monsieur Jabot”
(1831), etc .Tal fue el éxito de sus dibujos, que pronto su obra sería traducida y editada en otros países (de forma pirata, pues entonces aún no funcionaba la SGAE) donde se repitió el éxito que había tenido en su país. Al final de su vida, comprendiendo por fin la importancia de estas creaciones, escribió dos tratados donde terminaba defendiendo la narrativa que había inventado, por la cual se le recuerda hoy en día. Sin embargo, las historietas de Töpffer, no pasan de ser unas caricaturas satíricas influenciadas por Hogarth y por Rousseau, donde los textos se incluyen bajo las viñetas, en una celdilla explicatoria. Tras Töpffer, el alemán Wilfred Bush (1832-1908) o el francés Christophe (1856-1945) produjeron historietas gráficas narradas con dibujos, pero siempre colocando los diálogos bajo la viñeta, en esos pequeños bloques, que no facilitaban en absoluto la lectura de sus historias. Había autentica necesidad de avanzar en el lenguaje de los comics.
Las historietas de Töpffer no son más que unas caricaturas satíricas
Y por fin (si, amigos, ya vamos llegando) ocurrió. Siguiendo los pasos de estos caricaturistas satíricos, el estadounidense Richard Felton Out-
cault (1863-1928) había publicado una serie de viñetas políticas en la revista “Truth” durante el período de 1894 al 95, con tanto éxito, que el periódico que editaba Joseph Pulitzer por aquella época, el New York World, se interesó por su trabajo y comenzó a publicar sus enormes viñetas en su revista dominical World Funny side el 17 de febrero de 1895, ganando enseguida una gran popularidad entre sus lectores, por lo que a partir del 5 de mayo de ese mismo año comenzó a publicarse en color. La serie se titulaba “At the circus in Hogan´s Alley” y en ella Outcault presentaba una serie de personajes típicos de los bajos fondos neoyorkinos, pobres, hambrientos y desarrapados- De entre ellos, pronto destacó uno, un muchacho llamado Mickey Dugan, medio irlandés medio chino, quien vestido únicamente con un enorme camisón amarillo (en sus comienzos azul) se convirtió enseguida en el favorito del publico pasando a ser conocido únicamente como “The yellow kid”. La peculiaridad de este “chico amarillo”, era que sus reflexiones, se veían escritas en su holgado camisón (adelantándose así también a los mensajes que ahora lucen todos uds. En sus Tshirts) frases impertinentes y audaces que iban cambiando de una viñeta a otra. Outcault estaba a un paso de dar con la piedra angular de este arte: el globo o bocadillo, a partir de ahora balloon (porque reconozcan que sus acepciones castellanas suenan fatal).
Así, solo era cuestión de tiempo que cualquiera de los personajes de Hogan´s Alley se pusiera a hablar espontáneamente y eso es precisamente lo que sucedió con el loro del que les hablaba al principio cuando exclamó aquel mítico 16 de febrero su famosa frase. Había nacido el comic tal y como lo conocemos ahora.
Tampoco crean que a partir de entonces todo fue miel sobre hojuelas, la idea del balloon no le pareció demasiado buena a su creador y ape-
nas volvió a usarla ocasionalmente, parece ser que le hacía más gracia seguir escribiendo sus ocurrencias sobre el camisón del yellow kid, sin embargo el germen ya estaba inoculado y si a su creador solo le parecía una anécdota… bueno, siempre hay alguien con más visión que en seguida se da cuenta de las posibilidades del invento, y ahí estaba (no se lo creerán) William Randolph Hearst (si, si, el mismo excéntrico multimillonario retratado tan cruelmente como el ciudadano Kane de Orson Welles).
La idea del balloon no le pareció buena a su creador y dejó de usarla
Hearst, ni corto ni perezoso, contrató para su periódico (el N.Y. Journal) a toda la plantilla al completo del World Funny Side de Pulitzer, para lanzar un suplemento dominical llamado American Humorist. Naturalmente, el disgusto de Pulitzer fue morrocotudo, y acabaron en los tribunales, quienes dictaminaron que la serie Hogan´s Alley pertenecía a su periódico, pero los personajes (incluyendo al dentudo amarillo) pertenecían a su autor. Esta sentencia provocó que el personaje apareciese a la vez en los dos dominicales, pues Pulitzer contrató a George Lusk para continuar
el trabajo de Outcault. Toda esta guerra entre editores por el personaje, dio nombre a lo que hoy conocemos como prensa amarilla.
Así, Outcault cambió el título de la serie por Mcfadden´s Row Of Flats (incluso más tarde por Around the world with the yellow kid) y, convencido por Hearst, comenzó a dibujar al personaje en una serie de viñetas secuenciadas, no en una enorme y única como hasta entonces, incluyendo los balloons de dialogo dentro de las mismas.
Durante los dos siguientes años, the yellow kid se convirtió en el personaje más popular de la prensa neoyorkina, apareciendo en todas las Portadas del dominical de Hearst (y del de Pulitzer, claro). El final de la serie es bastante anecdótico, Hearst sabía de sobra que la mejor manera de vender periódicos era (igual que hoy) una buena guerra, así que influyó todo lo posible para conseguirla, manipulando a la opinión pública (igual que hoy) para que odiasen a un pequeño reino Europeo que, para Hearst era el eje del mal (¿les suena?), así Hearst convenció a sus lectores de que ese pequeño reino representaba una terrible amenaza para la seguridad de los E.E.U.U. y consiguió su pequeña guerra. Por desgracia, la primera victima colateral de este conflicto fue el propio yellow kid, pues el color amarillo que le caracterizaba recordaba bastante a la bandera del enemigo, y los lectores comenzaron a desconfiar de este personaje. Asi, en 1898 el yellow kid pasó a la historia (o a la historieta como uds. Prefieran) y fue cancelado de la noche a la mañana. Outcault siguió dibujando otras series (con bastante menor éxito) como Búster Brown y por fin, en 1920 se retiró a Flushing N.Y. donde moriría 8 años después sin ser consciente del todo de que había inventado un nuevo lenguaje que revolucionaría el arte popular. Ese pequeño reino que fue pateado por los bravos marines USA era, ya lo habrán imaginado, España.
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GUIÓN: ALFONSO BUENO ALFONSOBUENO77@GMAIL.COM
DIBUJO: PABLO DE PEDRO WWW.PABLODEPEDRO.COM
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Los superhéroes de Marvel se reunen LLIBROS. NOVEDAD DE MARVEL
En “Marvel. Crónica visual definitiva”
Empujada por la velocidad a la que va el noveno arte, la editorial DK se ha aliado con Marvel para elaborar la "más completa historia" de todos los personajes que esta mítica editorial estadounidense ha generado desde su creación, en 1938, hasta febrero de 2013: "Marvel. Crónica visual definitiva".
La obra, considerada como una edición de lujo para los coleccionistas, aporta 24 páginas que detallan los últimos años de los cómics de Marvel. Páginas que vienen a completar las que contenía su predecesora, "Crónica Marvel", publicada en 2008 por DK.Tanto es el interés de DK en el mundo Marvel que, gracias a la estrecha colaboración de nombres ligados a la editorial estadounidense como Tom Defalco, Peter Sanderson o Matthew K. Manning, han conseguido incluir algunos ejemplares que ni siquiera existían en los fondos de Marvel Cómics, que en 2014 cumplirá 75 años de vida.
"Muchos ejemplares los recibimos de Marvel, pero otros se consiguieron de coleccionistas, 'online' y de la colección personal de Tom Defalco, que es muy
extensa. Hubo una gran labor de documentación", ha destacado a Efe Cristina García, directora de ventas de DK para América Latina y el sur de Europa.
Desde "La antorcha humana" o "El hombre submarino" (1939) hasta "Spiderman 2.0" (2013), pasando por las descripciones y las ilustraciones de Lobezno, el increíble Hulk o Thor, "Marvel. Crónica visual definitiva" cubre estos casi 75 años de existencia de esta editorial estadounidense.
En cada doble página del libro, de cuya distribución se encarga la editorial Pearson, DK y Marvel se han encargado de analizar el mundo de los cómics año por año, así como de aportar datos de hechos históricos relevantes que acontecieron en esos momentos.
Por ejemplo, mientras que Marvel publicaba en 1963 "The amazing Spiderman #4", DK se ha encargado de aportar al lector los principales hechos que acontecieron en esa fecha, como el asesinato de JFK o la aparición de los códigos postales en Estados Unidos.Esta información
de texto se ve realzada, en las 376 páginas que completan el volumen, con las imágenes de las cubiertas de cada uno de los cómics y mediante destacados, donde se muestran ilustraciones espectaculares. Otra de las "ambiciones" de la obra ha sido "no dejar nada clave fuera", como ha especificado García. Un reto donde los autores han encontrado la principal dificultad: "Decidir cuándo cerrar el proyecto para no dejarse lo último fuera".
"Los autores tardaron todo un año en reunir la información, reelegir qué es lo que resaltaban e ilustrarlo de una manera dinámica y divertida para asegurarnos que engancha al lector -ha dicho García-. Queríamos hacer una estructura dinámica que combinara lo que
podía aportar DK, pero dándole espacio a lo que los cómics de Marvel dicen por sí mismos".
Los 27 euros que tiene de coste la obra justifican también el estuche que la guarda, obra en relieve del artista de Marvel Jim Cheung, autor reconocido por su cómic "Young Avengers".
Conscientes de que los superhéroes nunca morirán, aunque en 2011 se lloró la muerte de Spiderman, el libro consigue devolver a la actualidad, pero en papel, la magia que Hollywood ha dado a algunos de estos héroes de la Marvel que cayeron en el olvido, sin que ninguno de sus compañeros los pudiera salvar con sus poderes. Lainformacion.com (EFE).
EDUARDO URRUTIA eurretxeb@yahoo.es
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JOSEAN MORLESIN JOSEANMORLESIN@HOTMAIL.COM
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DIBUJO: MISA SHINE ADIEREN@GMAIL.COM
Exposición en París del dibujante Enki Bilal
El dibujante de cómic y cineasta Enki Bilal, considerado uno de los grandes maestros de la ciencia ficción en el universo del noveno arte, ha introducido un centenar de sus ilustraciones entre los 95.000 objetos y planos que alberga el museo que París dedica a los inventos.
Tras convertirse el año pasado en el primer artista de cómic con "carta blanca" para presentar en el Museo del Louvre una exposición que aunaba fantasmas inventados con grandes lienzos, Bilal ha concebido para el Museo de Artes y Oficios de París la muestra "Mécanhumanimal", que puede visitarse hasta el próximo 5 de enero.
El artista de origen yugoslavo e instalado en Francia desde los años setenta, ha asociado sus dibujos y planchas originales a
objetos del centro para crear un diálogo entre su obra y "el museo de la locura humana, donde el ser humano se revela en todos sus estados", afirma en el catálogo de la exposición Bilal (Belgrado, 1951).
Enki expone sus futuristas dibujos en el museo de los inventos de parisino
"La mecánica y las máquinas presentadas han tomado mucho prestado del físico y la morfología humana y animal", agrega el versátil creador, que ostenta el récord de ser el autor de cómic vivo por el que más se ha pagado en una subasta, después
de que en 2007 se adjudicara en París su "Bleu Sang (Eux)" por 176.900 euros.
La exposición se estructura en cinco ejes (pasiones humanas; animales, monstruos e híbridos; sueños de máquinas; conflictos; y planeta) en los que el dibujante y cineasta sindica su talento con algunas piezas de ingeniería de la colección del museo que han contribuido a transformar el mundo como turborreactores o globos estratosféricos.
Las alegorías y la fauna humanomecánica de Bilal se dan cita junto a insólitos aparatos con una estética afín a la del imaginario futurista del Premio del Cómic del Festival de Angulema de 1987 y director de películas como "Tykho moon" (1997) o "Immortel: ad vitam" (2004). EFE.
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