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IMAGEN CORPORATIVA ILUSTRACIÓN FOTOGRAFÍA TIPOGRAFÍA CARTEL
LO MEJOR PARA LOS MEJORES
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d n ra de b k i d c o ni oma n t e d e n ro 18 fía je ens gra k to 20 o da m F a o h 28 a m r Ab rcía or 30 2 s 3 e ga col n r a o 2 v i l d e e ag rat a o 2 24 r t ic ía s im rpo x u il mé mej 26 co N de ita ises Ó I an ot r C A ro R T S U IL
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ÍNDICE
OFICINAS GENERALES << Vallarta 20 Col. Tabacalera, Del. Cuauhtemoc,Tuxtla Gutiérrez; CP 06030 >> FUNDADOR José Pagés DIRECTOR GENERAL Milca Velázquez CONMUTADOR – 5566 9355 – 5566 1804 – 5566 9086 EDICIÓN IMPRESA JEFE DE INFORMACIÓN Irma Ortíz Zaldívar – 202 JEFE DE REDACCIÓN Enrique Montes García –211 EDICIÓN Y CORRECCIÓN María Eugenia Merino REPORTEROS Nora Rodríguez, Moisés Castillo –
INTERNACIONAL Estela Bocardo – Ofelia Alemán 208 FOTOGRAFÍA Mónica Cervantes y José Luis Miranda – 402 DISEÑO -CoordinaciónSandra Santoyo Almazán, DISTRIBUCIÓN Distribuidora de Periódicos, Editorial Cruzada Libros y Revistas, S.A. de C.V. Despacho Everardo Flores Serrato, S.A. de C.V. Felipe Sánchez Cruz EDICIÓN SiempreTV
Tipografia
Julien
Breton
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lartedeJulienBretónesungritoenelsilencio.Todo essilencio.Sumovimiento,laluzqueatraviesaelaire, laspalabrasefímeras,ladarknessthatloenvuelve,los restosevanescentesdesusombra,loscoloreseléctricosy la geometría que se disuelve en la nada. Todo es un grito. Él ha dicho: “Le silence écrit. Le silenceestcri.“Paraescribirensilencioesunainmersión totalenlaconcentracióndecadasologestoqueencuentra suexpresiónenelmismomomentoenqueelobjetivode lacámara,enunsolotiro,seimprimeporlacomplejasuma dedibujodelartistaenligero.Undisparoquesetransforma enunapelículaconunsolocuadro.Unaactuaciónque duravariosminutosparaunaimagenenlaqueelartista desaparece y sólo el resultado de su arte permanece. Para estar presente cuando se lleva a cabo un trabajoescomoespiara un alquimista a través del ojo delacerradura.Ustedpermanececonlabocaabiertay ensilenciosinsaberdondetodosesosgestos,esospasos debailesilenciosas,estánconduciendoa.Durantetodala duración,loqueesmásimpresionanteeslamiradasevera yconcentradadelaartista,quecasitarrosconlascurvas deluzquedejatrasdesí;sinembargo,cuandoeltrabajo estáterminado,lamiradadesapareceysepierdeenel interiordeldiafragmadeunacámara,ytodoloquequeda esloqueantesparecíatanefímeroyconfuso.Unrayode luzperfectamentedibujadoenelaire.Unbaileentreel artistayelpaisaje.Cadaunadesusobrasseproducetras lafusióncompletaconelcontextoenquesedesarrollael trabajo.Elsentidodesucaligrafía,loscoloresqueutiliza,las formasydireccióndelaluz,todossederivande,yvolver a,elmomentoenelquesecrean.Suarteesunaestrella quecaesobrelaqueelartistalograimponerladisciplina y la espontaneidad, la danza y la pintura. Sus obras se encuentranrecuerdamuchoalexpresionismoabstracto
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yelarteinformaldeGeorgesMathieu.Sentimoslamisma energía,elmismochorrodecolor,lamismavoluntadpara cortar en el fondo con un gesto profundo y preciso. PeroJulienBretonvaunpasomáshaciaunobjetivo queesaúnmásabiertamentecomunicativaycultural. Dehecho,suartenacedelavoluntaddecrearunpuente entrelasemánticaculturaárabeyoccidentalconelfin de crear un lenguaje universal que puede transmitir sentimientosyendomásalládelaspalabras.Perosiempre permaneciendoancladoenlacaligrafíay,porlotanto, enelalfabeto.Susmarcassonunasíntesisdeunárabey unaespeciedesentidooccidentalseunieronduranteel desarrollo de la obra. Élhadichoque“unahojaenblancoesdemasiado limitado.Parapintarsobreunlienzo,porgrandequesea, significa en todo caso un límite dentro del cual no me sientolibredeexpresartodomiser.Sólolaluzesrealmente infinito.Elúnicolímiteeselaire“ParafraseandoaManRay -. El precursor de la pintura de la luz - con su arte Julien Bretonfotografíasloquenoquierepintarypintaloqueno logra fotografiar.
GERARDO
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Tipografia
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minimalista
El 2015 ya forma parte del pasado y este 2016 hay que hacer que empiece con todo, y para aquellos diseñadores que aman la tipografía y que quieren estar al día en cuanto a herramientas, tecnología y tendencias les decimos cuáles serán las “Tendenciass tipográficas” que estarán presentes este 2014. Antes de empezar hay que tener en cuenta que el buen uso de la tipografía en nuestros proyectos (web, impresos, interactivos, etc) puede hacer la diferencia entre un trabajo exitoso y otro que pase desapercibido para los usuarios y clientes, y se conviertan en uno de esos proyectos que se pierden en el baúl de los recuerdos y que ni siquiera desees incluirlo en tu “book”. El buen uso de tus fuentes implica saber organizar el contenido, aprovechar y hacer buen uso de tu layout, tener una elección correcta del tamaño y leading de nuestras fuentes, tener presente el uso de jerarquías visuales, así como la correcta elección de fuentes tipográficas y una acertada combinación en nuestros esquemas de color. Pero ya hablando específicamente de tendencias tipográficas uno de los factores principales en el cambio de estilos de diseño (web, impreso, tipográfico, etc) es el establecimiento de tendenMilca
cias que nacen como consecuencia del desgaste o aburrimiento de ciertos patrones gráficos, y que le dan lugar o otros nuevos que se adaptan a las nuevas tecnologías y necesidades de los clientes, usuarios y de la sociedad en general. Las tendencias más importantes en cuanto a tipografía para el 2014, se basan en lo que está de moda al día de hoy y aquello que empieza a hacer ruido y a llamar la atención de usuarios y profesionales del diseño, así como en aquellas que se adaptan a las necesidades de un mundo que está en constante cambio, teniendo como premisa la necesidad de atraer y engancha a los lectores de manera más rápida y fluida con base en el medio y contenido que estén consumiendo.
FLAT DESIGN
El 2015 fue un año en el que vimos un incremento en el diseño de marcas y sitios web con un estilo plano, donde los estándares web se volvieron minimalistas y responsivos, y que con la necesidad de unificar formas y estilos de esta tendencia se afectó de igual manera a la tipografía, adquiriendo mayor importancia las familias san serif. La necesidad de tipografías planas obedeció e igualo estilos.
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Un elemento fundamental para obtener un diseño exitoso es saber elegir la tipografía correcta que represente a la marca. Ya sea elegirla para un logotipo, una tarjeta de prestación, un sitio web o la maquetación de una revista, existe una gran base de fuentes tipográficas que todo diseñador debe conocer y alguna vez utilizar en sus proyectos. Las tipografías que nunca pasaran de moda, como Times New Roman, Arial y Calibri, o algunas más nuevas y muy utilizadas como la Herlvetica no son descartadas pero, existen una gran variedad de tipografías conocidas que también se deben tomar en cuenta para diseñar. Estas tipografías son gratuitas o ya viene incluida en nuestra computadora para libre uso, pero ¿cómo deben utilizarse las fuentes comerciales o descargables?
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En la actualidad existen muchas páginas que disponen de un gran catálogo de fuentes para descargar cómo por ejemplo dafont.cómo o sitios comerciales como houseind.com o fontfont.com, pero hay mucho por detrás para saber como utilizar correctamente una tipografía. De acuerdo a un artículo publicado en Atypi, una tipografía es el resultado de un minucioso trabajo llevado por expertos durante meses o incluso años, hasta lograr que miles de caracteres en varios pesos y estilos evolucionen para convertirse en una herramienta útil y creativa. Un uso correcto de una licencia tipográfica muestra respeto a los diseñadores y los motiva a seguir diseñando cosas innovadoras y de mejor calidad. Cuando se obtiene una licencia tipográfica al hacer el negocio, se esta obteniendo una inversión que dará frutos cuando el cliente aprecie su trabajo. No se compra la fuente como tal, sólo se obtiene ciertos derechos de uso contrato de licencia (EULA) de aceptar
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Milca
Tipografia
T I P O G R A F Ă? A 8
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a letra, el caballo de batalla en el diseño, tiene su propia área porque diseñar tipografía toma toda una vida, en México podemos contar con las manos el número de diseñadores tipográficos. Es de las áreas del diseño más antiguas, más exigentes y más bellas. Busca crear herramientas de comunicación visuales y abstractas de la palabra, darles una personalidad única y estilos para diferentes usos en muchos contextos. Disciplinas de Apoyo al Diseño Gráfico Los diseñadores nos apoyamos en éstas para realizar nuestro trabajo. Hay quienes se especializan en algunas a partir de la carrera. Hay quienes las estudian directamente, diseñadores o no; a excepción de la cartelería que vendría a ser una forma de diseño publicitario, incluso hasta arte. La finalidad de. toda composición gráfica es transmitir un mensaje concreto. Para ello, el diseñador se vale de dos herramientas principales: las imágenes y los textos. Las imágenes aportan un aspecto visual muy importante a toda composición. Estos con capaces de transmitir por sí solos un mensaje de forma adecuada... sin embargo, el medio de transmisión de ideas
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por excelencia es la palabra escrita. La esencia del buen diseño gráfico consiste en comunicar ideas por medio de la palabra escrita, combinada a menudo con dibujos o con fotografías. Además de su componente significativo, cada letra de una palabra es por sí misma un elemento gráfico, que aporta riqueza y belleza a la composición final. Es por esto, que el aspecto visual de cada una de las letras que forman los textos de una composición gráfica es muy importante. De este planteamiento se deriva que el diseñador gráfico debe emplear las letras en una composición tanto para comunicar ideas como para configurar el aspecto visual de la misma, siendo necesario para ello conocer a fondo los diferentes tipos existentes y sus propiedades, conocimientos que se agrupan en la ciencia o arte de la tipografía. El termino tipográfia se emplea para designar al estudio, diseño y clasificación de los tipos (letras) y las fuentes (familias de letras con características comunes), así como al diseño de caracteres
Cartel Milca
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DE
DISEÑO
CARTELES
engañan a la vista y emiten nuevos mensajes
La edición fotográfica, el uso del espacio negativo y meras ilusiones ópticas engañan al ojo y transforman la vista en distintas pautas publicitarias. Se trata de distintos poderosos mensajes publicitarios en los que la creatividad fluye para engañar a la vista y transfundir ideas capaces de generar conciencia o promover productos. El diseño gráfico y la edición digital fotográfica juegan un papel protagónico en estos ejemplos que hacen un inteligente uso de espacios negativos, encuadres que confunden a la vista y semejan cosas que no lo son en realidad o composiciones visuales capaces de atraer la atención de todos. Sin duda, tenemos frente a nosotros ejemplos de creatividad de alto nivel pura.
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Un cartel significa comunicación visual de un mensaje expresado gráficamente. El cartel está considerado como un medio publicitario de gran importancia formado por imágenes o textos cuya función es atrapar la atención percibiendo un claro mensaje a modo de “grito en la pared”. La definición de Cartel viene dada por “Papel u otro material adecuado, normalmente de gran tamaño, impreso que contiene un mensaje publicitario, y que suele exponerse en un lugar de gran tránsito de personas, bien colocado sobre una pared o sobre un soporte específico”. La evolución del cartel ha sido bastante considerable, puesto que es necesario tener en cuenta las modas y cambios de las actuales condiciones técnicas y sociológicas. Aumento de anuncios en vallas publicitarias urbanas, gran importancia de la imagen, modernos procesos técnicos abandonando las antiguas técnicas litográficas… A pesar de los años transcurridos, el Cartel es un fenómeno a la vez que social, económico, que ha pasado a formar parte de la historia del arte. Resulta una tarea compleja encontrar el lugar correspondiente para el cartel dentro de las artes pictóricas. Se podría considerar como una rama de pintura (pensamiento equivocado), podría estar ubicado entre las artes decorativas, pero el cartel no es un elemento decorativo de libre interpretación. El cartel significa la renuncia del artista ocultando su personalid a d
ante este tipo de tarea. El cartel sólo debe ser un medio de comunicación entre el emisor y el receptor. Un diseñador de cartel cumpliría la misma misión que un funcionario de telégrafos: Transmite una noticia sin ninguna otra explicación u opinión, proporcionando un claro y bueno mensaje. Un cartel de publicidad es un medio de comunicación que debe transmitir un mensaje claro, contundente y eficaz, bien por medio de la tipografía, los gráficos o por ambos, el afiche publicitario debe captar la atención del espectador, debe impactar, y de alguna manera hacer que recordemos el mensaje, que por otra parte el cartel está obligado a transmitir y en el caso de los posters formativos deben inducir a tomar en conciencia la conducta que proponen. El cartel publicitario es uno de los trabajos preferidos por el diseñador gráfico. La composición de los elementos del cartel publicitario pueden ser diversos y dependen, como dije antes, de la distancia y la ubicación final, a mas distancia se recomienda menos elementos y tipografía más grande y legible, bueno esto a nivel práctico de legibilidad, pero hablando de estilismo o conceptualización el abanico de posibilidades crece con el único límite de tu creatividad, ahora bien, yo abogo por el libre albedrío compositivo y por la intención sin ataduras conceptuales, pero con conocimiento de antemano de los fundamentos de la composición y las proporciones, la teoría del color, y el manejo experimentado de las formas y la tipografía, a partir de estos conocimientos libertad total en el diseño gráfico, estaría bueno a estas alturas!! WWSi me permitís un consejo, busca p r imero u n
concepto, antes de comenzar a diseñar el cartel, escribe sobre las ideas a transmitir, esboza formas y establece relaciones formales, informales, objetivas y subjetivas, cuando tengas claro el concepto y el mensaje que se ha de transmitir comienza con el diseño gráfico de tu afiche, busca una tipografía adecuada al concepto, objetivo y situación del póster y si en el transcurso del diseño ves que te metes en callejones sin salida, comienza de nuevo con una hoja en blanco o bien deja descansar el diseño, vete a dormir y míralo al día siguiente, porque a veces uno da vueltas y vueltas y lo único que resulta de eso es un exceso de gráficos o bien desviaciones del objetivo inicial, despréndete de todo elemento añadido que no aporte más a tu diseño y si decides comenzar con la hoja en blanco, mi caso en multitud de sesiones de trabajo, comienza con formas geométricas y composiciones simples hasta irte aclarando… así de fácil-difícil es diseñar un cartel publicitario. aclarando… así de fácil-difícil es diseñar un cartel publicitario. Un cartel significa comunicación visual de un mensaje expresado gráficamente. El cartel está considerado como un medio publicitario de gran importancia formado por imágenes o textos cuya función es atrapar la atención percibiendo un claro mensaje a modo de “grito en la pared”. La definición de Cartel viene dada por “Papel u otro material adecuado, normalmente de gran tamaño, impreso que contiene un mensaje publicitario, y que suele exponerse en un lugar de gran tránsito de personas, bien colocado sobre una pared o sobre un soporte específico”. La evolución del cartel ha sido bastante considerable, puesto que es necesario tener en cuenta las modas y cambios de las actuales condiciones técnicas y sociológicas. Aumento de anuncios en vallas publicitarias urbanas, gran importancia de la imagen, modernos procesos técnicos abandonando las antiguas técnicas litográficas… A pesar de los años transcurridos, el Cartel es un fenómeno a la vez que social, económico, que ha pasado a formar parte de la historia del arte.
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Tío Sam de J. M. Flagg reclutando soldados para la Primera Guerra Mundial y Segunda Guerra Mundial. En el cartel se lee: “Te quiero a ti para el Ejército de los Estados Unidos. Puesto de reclutamiento más cercano”.
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ío Sam (Uncle Sam en inglés) es la personificación nacional de los Estados Unidos y, específicamente, del gobierno estadounidense. El primer uso de la expresión se remonta a la Guerra de 1812 y su primera ilustración gráfica a 1852. Habitualmente se representa como un hombre mayor, de semblante amargo, cano, con barba y vestido con ropa que se asemeja a la bandera de los Estados Unidos. Según la tradición popular, el origen del personaje se remonta a un grupo de soldados acuartelados al norte del estado de Nueva York durante la guerra anglo-estadounidense de 1812. Al recibir un suministro de carne con las iniciales U.S. (United States), los soldados hicieron un juego de palabras con esas iniciales y las del proveedor de carne, Uncle Samuel Wilson, de Troy (Nueva York).1 Posteriormente el Congreso de los Estados Unidos adoptó la siguiente resolución, el 15 de septiembre de 1961: “El Senado y la Cámara de Representantes resuelven que el Congreso reconozca a Uncle Sam Wilson de Troy, Nueva York, como el padre del símbolo nacional de los Estados Unidos, el Tío Sam”. Sendos monumentos marcan su lugar de nacimiento en Arlington, Massachusetts, y el de su entierro, en el Cementerio Oakwoods, en Troy, Nueva York. Otro hito señala “The boyhood home of Uncle Sam” (El hogar de juventud del Tío Sam) en su segunda residencia, en Mason, NH. El primer uso GERARDO
de la expresión en la literatura está documentado en un libro alegórico de 1816, The Adventures of Uncle Sam in Search After His Lost Honor, de Frederick Augustus Fidfaddy, refiriéndose también al mencionado Samuel Wilson. Las primeras figuras representativas de los Estados Unidos incluían a personajes tales como “Brother Jonathan”, utilizado por la revista Punch. Sin embargo, estas primeras personificaciones fueron sobrepasadas por la del Tío Sam en la época de la Guerra Civil. La personificación femenina, “Columbia”, ha sido utilizada muy escasamente desde los años 20. La conocida imagen invitando al alistamiento del Tío Sam fue creada por James Montgomery Flagg, un ilustrador y retratista más conocido por su trabajo en publicidad. Según algunas fuentes, la primera vez que apareció públicamente la imagen del Tío Sam fue en una ilustración de Flagg para la portada de la revista Leslie’s Weekly, publicada el 6 de julio de 1916, con la leyenda “What Are You Doing for Preparedness?”2 3 Se imprimieron más de cuatro millones de ejemplares de esa imagen entre 1917 y 1918. También fue muy utilizada durante la Segunda Guerra Mundial.
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Fotografia Entre los mejores fotógrafos famosos actuales: Nick Brandt Este increíble fotógrafo de vida salvaje en blanco y negro utiliza sobre todo teleobjetivo y lentes de gran angular. Podríamos describir sus fotografías como: misteriosas, poderosas, íntimas, épicas y emocionantes.
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Fotografiada MUSEO, Estocolmo "En esta tierra, Una sombra cae por todo el país devastado" (La primera exposición en todo el mundo a fin de incluir las fotos de toda la trilogía)
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NOMAD Jeroen Toirkens
Nomad forma parte del proyecto del fotógrafo holandés Jeroen Toirkens sobre la vida de los últimos pueblos nómadas en el hemisferio norte
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eroen Toirkens (Países Bajos, b. 1971) estudió diseño fotográfico en la Real Academia de las Artes Visuales en La Haya, y desde 1995 ha estado trabajando como fotógrafo independiente. Se centra especialmente en la fotografía documental social y ha publicado ensayos fotográficos en LensCulture, Trouw, De Morgen y varios otros periódicos y revistas holandesas e internacionales. En 1999 Toirkens inició un proyecto llamado Nomadslife, en la que se planea para documentar la vida de los últimos pueblos nómadas en el hemisferio norte.
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Toirkens quedó fascinado por las familias nómadas con alto contenido de Bolkar de Turquía. Se encontró con el modo de vida de la Yörük, que estaban luchando con las presiones de una modernización de Turquía. Lo que originalmente eran sus pastos nómadas estaban siendo comprado por los desarrolladores de bienes raíces, y muchos de los jóvenes que se aparta de la vida en las ciudades. Después de que él visitó otros pueblos originalmente nómadas que se tropiezan con problemas comparables. Por ejemplo, en 2005 y 2006 y el periodista Jelle Brandt Corstius pasó tiempo con los sami y los Nenets en Rusia. Antes de las unidades
familiares era soviética de estas tribus estaban en constante movimiento con sus rebaños. Bajo el régimen soviético se vieron obligados a convertirse en trabajadores de granjas colectivas, los kolchoses, una política de la que aún sufren las consecuencias. Más recientemente visitaron Toirkens Barrow en Alaska, el centro de la caza de ballenas tradicional. Allí la vida nómada ya ha dado paso a un estilo de vida sedentaria. En 2011 su libro Nomad fue publicado por la editorial belga Lannoo. El libro muestra las fotos generalizados Toirkens tomó durante sus once visitas a los pueblos nómadas. Con este libro Toirkens crea una imagen diversa ya menudo conmovedora del nomadismo en el siglo 21. Jelle Brandt Corstius periodista y presentador, que acompañó a Toirkens en un número de viajes, escribió un extenso ensayo para el libro. Trabajando en estrecha colaboración con el editor de fotos Marc Prüst, Toirkens selecciona las imágenes que contó su historia de nómadas contemporáneos. En 2011 fue galardonado con el prestigioso premio a la mejor CANON PhotoStory innovador para su NomadsLife proyecto. Según el jurado: “Un proyecto que, en estos tiempos agitados, subraya que un enfoque de largo en un tema conduce a nuevos
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conocimientos, los conocimientos y las imágenes que trascienden los clichés de un modo superior.” Este álbum de fotos de extraordinaria belleza e inusual nos lleva en una búsqueda multi-continente durante los últimos pueblos nómadas que viven en el hemisferio norte. Es un extraordinario viaje, mostrando facetas de culturas nómadas de hoy en día que no son exactamente lo que uno esperaría encontrar aquí es una introducción del sitio web del libro, que es un viaje agradable en sí mismo: “Desde el principio del tiempo, la población nómada han vagado por la tierra. Buscar el alimento, la alimentación de su ganado. Buscando una existencia, la libertad. la vida en la naturaleza, montañas, desiertos, en la tundra y hielo. Con sólo una fina capa de tienda de campaña entre ellos y la naturaleza. tierra en el 21 siglo es un lugar lleno de gente, caminos y ciudades están en todas partes Sin embargo, de alguna manera, estas personas se aferran a las tradiciones que se remontan a los inicios de la civilización humana “.. nómada por Jeroen Toirkens (fotos) y Jelle Brandt Corstius (ensayo) Editar: Marc Prüst Editorial: Lannoo, Gautier Platteau idioma: Holandés e Inglés.
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FOTOGRAFIA DE MODA
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a fotografía de moda engloba un conjunto de sujetos relativos a la vestimenta, accesorios, joyas. En este caso, el fotógrafo trabaja con varios actores de este medio ya sea de una marca o de una revista especializada y también con estilistas. En este tipo de fotografía, el fotógrafo debe demostrar creatividad para preparar la escena y dominio para manejar las técnicas de retrato y de iluminación. La fotografía ha sido utilizada históricamente, como un medio para inspirar e influir en las personas a través del mensaje que estas llevan implícito.
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Ilustración
Ilustradores de MÉXICO Arte urbano e ilustración de DHEAR ONE DHEAR ONE De DHEAR ONE no tenemos muchos datos biográficos, así que por ahora les compartimos básicamente algo de su producción, la cual es diversa pues abarca trabajos de pintura, escultura, ilustración y arte urbano, todas disciplinas en las que deja ver su influencia fuerte del graffiti, la ciencia ficción e incluso un poco de la literatura infantil europea. Mundos coloridos, surrealistas, llenos de personajes misteriosos pero encantadores por su color amigable, así son la gran mayoría de piezas que vemos en el Behance de DHEAR ONE, de donde tomamos estos pocos ejemplos de su producción. DHEAR ONE es mexicano pero su trabajo ha sido reconocido y expuesto en diferentes lugares del mundo, su interés por las formas que brinda la naturaleza y la forma en que involucra esas formas en sus composiciones es uno de los grandes atractivos de su trabajo, el cual como decíamos en un principio, no se limita a la pintura sino que lo lleva al modelado y la animación. Para conocer un poco más del trabajo de DHEAR ONE pueden pasar por su Behance o su flickr.
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MR. KONE | ILUSTRACIÓN Y DISEÑO Es conocido profesionalmente como Mr. Kone, su nombre real es César Evangelista Bautista. Él era un estudiante de ingeniería cuando, a causa de una extraordinaria coincidencia, conoce a un estudiante de diseño. Al ver el trabajo de éste y platicar sobre el diseño, Kone siente que ha encontrado su camino. Después de realizar los trámites correspondientes para cambiar de carrera, comienza un nuevo recorrido, que si bien ya había sido trazado desde su infancia porque César Evangelista era un niño al que le gustaba dibujar, crear personajes y las aviones. “Y de golpe dejé de ser un niño, sólo las caricaturas y los cuentos ilustrados se volvieron mi pasión, y mi pizarrón era el patio de mi casa que era de tierra”. Mr. Kone “Y de golpe dejé de ser un niño, sólo las caricaturas y los cuentos ilustrados se volvieron mi pasión, y mi pizarrón era el patio de mi casa que era de tierra”. Mr. Kone
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RAFAHU El trabajo de Rafahu choca directamente con la pupila y quedas con ganas de seguir viendo más y más de sus gráficas, este animador, ilustrador y diseñador mexicano ha logrado plasmar en sus trabajos todo lo que pasa en su mente, siendo esta inspirada por la ciencia ficción, cultura pop, fantasia y música. Parece que toda esta mezcla que genera su mente funciona, y es que Rafahu ha obtenido varios premios en festivales de publicidad como Cannes, FITC, One Show, Ojo Iberoamérica, entre otros.
Trabajo de MR KONE
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Ilustración
ANITA MEJIA Anita Mejía es un diseñadora gráfica de Ensenada, Baja California; pero su especialidad es la ilustración. Su técnica es muy especial, ya que dibuja en tinta china sobre papel y después digitaliza sus dibujos, lo cual le da un toque muy especial a su ilustración y le da su signo distintivo. Anita actualmente trabaja ilustrando en la Revista Tú. Ha dado conferencias en todo el país y su trabajo ha sido expuesto en la exposición WHEN THE APES MET… en Bilbao, España; así como en varias partes del país y en publicaciones como “Folklore Monsters Book” publicado por Tiki Machine. En un esfuerzo por dar a conocer un poco más a esta artista de Ensenada, Baja California, nos ha permitido hacerle una pequeña entrevista.
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Ilustraci贸n
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dgar Edén Vargas es un ilustrador originario de la ciudad de Puebla, quién sabiamente se ha autodenominado Root Rises y esto es porque las confluencias en sus dibujos surgen través de raíces que crean la ilusión de estar emergiendo. Las ilustraciones de Root Rises tienen una mayor predilección por animales y objetos de la vida cotidiana, incluyendo colores llamativos y contrastantes; que crean atmósferas ensordecedoras y seductoras. Se pueden observar e incluso captar dentro de sus más grandes influencias a artistas como Alex Pardee, Greeg Craola y Dan Mumford, ya que obtiene lo mejor de estos artistas y lo modifica para crear nuevos personajes de miembros exagerados, miradas en blanco y trazos penetrantes. El trabajo de Edgar Edén Vargas inicia desde el graffitti hasta un gran estilo que parece encaminarse al cómic. Root Rises ha participado en exposiciones de arte independiente, así como en proyectos en Estados Unidos y Argentina.
¿Estudiaste alguna carrera que tenga que ver con el arte, diseño, ilustración o eres autodidacta? -Sí, estudié la licenciatura en diseño gráfico, pero casi todas mis técnicas de ilustración y pintura las aprendí por mi cuenta.
Ilustracion: Root Rises acrilico
“Root Rises ilustrando mural con acrilicos”
Entrevista ¿Cuál es el significado de Root Rises? -Cuando inicié, todo mi trabajo se caracterizaba por tener raíces y elemento orgánicos con mensajes e ideas positivas, por eso la combinación de palabras raíces y ascender, que juntas son opuestas ya que las raíces se supone crecen hacia arriba y bueno eso me pareció original y divertido
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Mural ilustrado por Root Rises
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I. corporativa
Abraham García Nacido en Acambaro y residente en Saltillo, Coahuila, Abraham García Sánchez es un diseñador grafico que se ha dado a conocer en fechas recientes por su trabajo realizado en Grupo W para Jack Daniels México. De ahí en fuera no existe
más información sobre este joven diseñador más que la que podemos ver en su portafolio en Behance de donde podemos extraer que tiene un gusto especial por el arte tipográfico, la ilustración y el arte digital.
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I. corporativa
EL COLOR
elemento sustancia
Diseño Corpor
El color es un elemento fundamental para definir con claridad y posibilidades de éxito todo diseño corporativo. El branding es una de las tareas creativas que dentro de sus prioridades cuenta al color y coloca este aspecto del diseño como sustancial y determinante para alcanzar el éxito. En diversas ocasiones te hemos hablado de aspectos específicos del color, por ejemplo, te hemos enumerado los diez colores que mayor éxito comercial tienen, te hemos explicado el significado que para la percepción humana tienen las distintas cromáticas que existen y hemos ahondado en la teoría del color. En esta ocasión abordaremos la importancia que el color tiene para el diseño de toda identidad corporativa, aspecto que el branding debe tomar en cuenta para llevar a cabo procesos exitosos. Una adecuada selección de colores potencia la posibilidades estratrégicas del brandig, la paleta de colores adquiere una importancia sustancial para el reconocimiento de una marca por parte de las audiencias y su posterior posicionamiento en beneficio de altos volúmenes de ventas. Milca
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rativo
Tal éxito surgido de la adecuada selección cromática propicia tres beneficios específicos: – Transmisión de valores y emociones a partir de la selección de color. – Distinción de una marca por encima de las demás. – Afinidad con el sector objetivo al que se pretende impactar.
I. corporativa
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IMAGEN CORPORATIVA
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a imagen corporativa está formada por diversos componentes que al trabajar conjuntamente permiten posicionar a la empresa en la mente del cliente. Algunos de estos son: 1. El nombre de la empresa: del nombre depende la primera impresión que los clientes se llevan de una empresa. Por ello, la importancia de escogerlo correctamente. Se recomienda que el nombre tenga relación con la esencia de su negocio, pero también que sea breve, fácil de recordar y lo suficientemente creativo como para distinguirse de la competencia. 2. El logo: puede ser logotipo (compuesto de palabras), isotipo (de imágenes) y el isologotipo (combina tipografía e imagen). El logo debe ser comprensible por el público y atractivo para los potenciales clientes. Por ello, en el momento del diseño, deberá considerar tanto a su clientela como a la competencia, y el mensaje o idea que desea transmitir. 3. El eslogan: Para que tenga efecto, es necesario que sea una promesa sobre los beneficios del producto o servicio que su empresa ofrece y que los diferencia de la competencia. Debe una impresión de prestigio y credibilidad a su negocio. Es de gran efectividad que sea original. 4. El sitio web: Es fundamental contar con un dominio propio, que puede ser el nombre de su empresa o bien alguna palabra relacionada al negocio. El diseño debe ser amigable y fácil de manejar, para el cliente quien debe poder informarse fácilmente sobre la empresa, sus productos y como poder adquirirlos . 5. Brochure: No solo se trata de los folletos y manuales del negocio, sino de las tarjetas de presentación, sobres y etiquetas, carpetas, facturas y hasta la vestimenta de los vendedores. Lo importante es que todos los elementos detallados sean parte del quehacer diario y de la cultura corporativa de la empresa, con el fin de generar reconocimiento e identificación no sólo por parte de sus clientes, sino también de sus propios trabajadores.
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UNIVERSIDAD SALAZAR LICENCIATURA EN DISEÑO GRÁFICO TUXTLA GUTIERREZ, CHIS
ABRIL “016 $49.90