Zine B by Daniel prato

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FotografĂa conceptual a tu alcance

DE LO FEO, LA FEALDAD Y EL FEISMO

Texto: Wilson Prada

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Enfrentarse a la fealdad sin arreglos, sin bondades visuales ni reacomodos es una manera de activar sensaciones poco comunes. Tal vez es así por tratarse de lecturas complejas, no tanto en su construcción, sino porque ellas forman parte de nuestro acontecer diario y sabemos que la cotidianidad tiende a anular la capacidad perceptiva y por ende la problematización. Sin embargo, el fotógrafo creador, por su carácter de “espectador-lector”, se permite profundizar en la comprensión de eso que llamamos feo. Ya sea por el simple hecho de no ser bello o por la motivación que nos da para volcar ese “yo oscuro”,tenebroso, atormentado, ese Hefestos interno que comúnmente tratamos de negar.

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La tarea de crear, mirar o disfrutar lo contrahecho o lo grotesco y tratar de aceptar lo vque por tradición debe ser descalificado por el arte dominante no es nada fácil, más aun cuando quienes estudian el tema y forman nuestros referentes parten casi siempre de profundos análisis de la belleza para definir o al menos acercarse a un concepto de fealdad. Esta posición un tanto simplista de verla como un antónimo o como un complemento de la belleza nos lleva a un círculo vicioso que entorpece su comprensión; aun así, sabemos que se ha producido un desvanecimiento de las fronteras entre ambos polos desde el romanticismo del siglo XIX y el expresionismo de inicios del XX hasta nuestros días, y que la mediocridad y el efectismo han bombardeado desde entonces en mayor o menor grado tanto la belleza como la fealdad los cuales han sido tocadas por conceptos y materializaciones sublimes en muy pocos casos.

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Por ello, no colocamos en la balanza lo bello y lo feo a ver cuál es más importante pues, tal vez tiene el mismo peso la perfección y la armonía de la primera, que la cotidianidad, la imperfección y la discordancia de la última La aparición de la fotografía mostró la fealdad de manera directa dada su condición de realidad detenida; ello permitió presentar lo feo a los más bajos instintos del espectador, saborear el morbo y competir por la atención con la pornografía y el circo de fenómenos. Ahora, extraer lo feo y presentarlo en la obra representa trabajar la fotografía como algo extraordinario algo singular en la multitud de imágenes que repiten patrones compositivos ajenos a lo feo; para ello, se hace necesario profundizar en argumentos teóricos, técnicos y estéticos además practicar la provocación y la discusión en torno a la censura.

La fotografía nos permite representar esa fealdad como una pequeña partícula de lo que nos rodea, un detalle de lo cotidiano, esa cotidianidad cuya interrelación constituirán según dewey v proforma de la experiencia estética. Al parecer, en lo que respecta a lo feo que autores como: hume, rosenkranz, kant, adorno o eco han analizado desde distintas miradas, nos movemos hacia tres vías: la primera que muestra directamente el horror, lo amorfo, lo violento, lo desmembrado, y se asocia a exacerbar el morbo, la lastima o el odio sin intenciones de movilizar lo estético. La segunda, aquella vía en la que la fealdad edulcorada evoluciona hacia una nueva belleza y genera patrones que de a poco se consolidan como referentes disminuidos en su fuerza desestabilizadora y en su capacidad de causar fascinación y , por último, una tercera vía en la que el autor construye un discurso en torno al feísmo a través del acto creativo como un actividad

desestabilizadora del sistema estético, un actividad política ya que el feísmo es anti norma, antisistema pero por nada es antiestético. Esta tercera vertiente es aquella que plantea la amarga y digna fealdad que tanto inspiró a Baudelaire al escribir sobre la decadencia francesa, la monstruosidad y el ultraje, afectando sobre todo la mirada crítica y abriendo los caminos a una democratización de la fealdad que cinco décadas después encontrara en picasso o bacon sus exponentes y se desarrollara hasta conquistar el espacio estético con un feísmo que toma posesión del timón en una buena parte del arte contemporáneo. Esta última fealdad que tratamos es hiriente, pertinaz, imperfecta y completamente cargada de intenciones. La fealdad es reflexiva más allá de lo fascinante.

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Entonces el dilema se presenta entre escoger lo que es feo per se en el contexto en que habitamos mostrándola tal cual la percibimos para registrarla fotográficamente, o construirlo a través de conceptos e interpretaciones que permitan expresar nuestra fealdad, no como errores de sintaxis sino como otra sintaxis, tomando en cuenta que lo repulsivo, tal como lo plantea Adorno, no es para integrarlo o suavizarlo o para reconciliarlo con su existencia pues parece haber la intención de corregirlo como fenómeno extraño aun siendo lo feo más común que la belleza en el mundo cotidiano de la obra humana. En fin, miramos como el sistema cuida sus estructuras al hacernos ver que lo feo no siempre lo va a ser. La institución del arte actúa como cirujano para embellecerlo todo a través del discurso crítico, la creación del mito o la comercialización, convirtiendo la propuesta de lo feo en un cuento donde el monstruo termina como la bestia de Disney.

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El sistema intentará que el monstruo desaparezca en un espacio estético que lo consume y lo adapta al paradigma desdibujando el feísmo como intención original. Es por ello que podemos afirmar que el poder neutraliza la fealdad convirtiéndolo en una nueva belleza. El feísmo que proponen artistas como witkins, saudek, buchta, amano, nabreda, serrano o garrido constituye un acto de trasgresión no una simple oposición a la belleza. Hacerlo bello ya sea por adecuación a los patrones o por la explicación textual de sus intenciones resulta un acto paradójico. Cierto es que el espectador lector responde a la obra de acuerdo a su cultura, a sus convicciones que han sido formadas en gran parte desde los paradigmas de belleza de la institución del arte; sin embargo, la difusión, la proliferación de las propuestas y la profundización en los conceptos, la apertura de talleres visuales que replantean la estética de lo feo además de la escasa censura y la viralidad en las

Cada creador representa su propia fealdad sus propios demonios y su propio mundo grotesco. Visto de este modo, la obra se transforma desde una fealdad material y física en la sala a un feísmo sublime, intangible en la mirada ajena.

plataformas ante lo fascinante producen lentamente un agotamiento de la belleza formal. Por otra parte debemos comprender que la fruición está por encima de las categorías de la belleza o la fealdad, no es sólo un asunto estilístico ni una forma de efectismo; pues ninguna de las dos formara parte del goce estético sin una condición política y una decisión ética. Luego, no es lo equilibrado y placentero de la belleza ni lo disonante o discordante de la fealdad lo que apuntala los cambios ya que ninguno de los dos es supra temporal ni transcultural sino la capacidad de lectura en la mirada ajena. Por eso coincidimos con Hume cuando dice que la belleza no es una cualidad de las cosas sino del espíritu que las contempla. El feísmo es entonces, un camino caustico que confronta la perfección y el equilibrio y alcanza lo sublime a través del espectador preparado para entenderlo.

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EL BÚNKER. FOTOGRAFÍA CONTRA EL OLVIDO

Texto:Johanna Perez Daza

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“¿Cómo se puede ser artista y no reflejar la época en la que se vive?” nina simone

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Del 16 de julio de 2012 al 19 de junio de 2013 permaneció secuestrado Joao Dos Santos Correia, un comerciante de origen portugués que durante 11 meses y 3 días estuvo encerrado en una celda de 2 metros de alto y 3 de ancho en la que dispusieron una cama en la que difícilmente cabía. La improvisación y precariedad del lugar eran sobrepasadas por su ubicación bajo tierra, 3 metros lo separaban de la superficie y de cualquier contacto externo. El de Joao es uno entre los cientos de secuestros que cada año se contabilizan en Venezuela, aun cuando muchos más no son denunciados y por tanto no se suman a las estadísticas oficiales. Su particularidad radica en el seguimiento y tratamiento dado por el fotógrafo Juan Toro Díez, quien desentierra y pone el foco en un tema amplio y complejo, desde la especificidad de un caso, aportando información y mostrando detalles que de otra forma serían datos fríos y aislados, distantes y descontextualizados. El registro fotográfico se convierte en la relectura del hecho. La observación marca la ruta develando singularidades. Fechas, días, medidas, cifras cobran sentido mediante el rastro visual y su captura, pues como apuntara susan s ontag “fotografiar es conferir importancia”.

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Ironías y paradojas Palabras despojadas de su significado señalan la raíz de peligrosas contradicciones instaladas en la cotidianidad. Así, la definición de “búnker” remite a una construcción o un refugio con fines de protección en momentos de guerra y bombardeos. Sin embargo, refugiarse y protegerse parecen acciones distanciadas cuando se forjan desde sujetos vinculados con un secuestro y el búnker termina siendo el espacio de retención impuesta e involuntaria, una suerte de catatumba adaptada al siglo XXI. Guerra cruel y desproporcionada, tan sólo una coincidencia entre opuestos: una construcción que destruye; la libertad tarifada; el rescate como moneda de cambio; la osadía que pone precio a lo invaluable: la vida. Las fotografías, por su parte, se convierten en la estrecha rendija desde la que los observadores acceden a una porción de esta especie de inframundo terrenal, otro contrasentido que remite a un mundo situado bajo la tierra en el que “viven” seres desconocidos. Y es que, precisamente, el secuestrado muta en un ser extraño y ajeno, por ratos sin ubicación precisa entre la vida y la muerte, deambulante entre coordenadas inciertas. Estas imágenes acercan ese “más allá” inhóspito, desentrañando las huellas de una presencia revestida de ausencia. Otra contradicción materializada, esta vez, en el silencio de los objetos, en el vestigio de lo que fue, el “esto ha sido”, irónicamente alegórico al noema barthesiano que asume la fotografía como emanación del referente. Se trata de un trabajo fotográfico que expone ante la mirada distante un suceso del que mucho se habla pero cuyos pormenores permanecen solapados. De allí que la fotografía muestre las condiciones a las que fue sometido un individuo forzado a vivir durante casi un año aislado y oculto. Un individuo

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que recuperó lo que inalienablemente le pertenecía: su libertad. Siguiendo a Barthes, estas imágenes constatan “que una foto es siempre invisible, no es a ella a quien vemos” de modo que a través de ellas vemos soledad, desorden, caos, dificultad, necesidades básicas escuetamente atendidas, el paso del tiempo, pero también el instinto irrenunciable y el anhelo de, pese a todo, vivir. Es allí, justamente, donde las miradas se encuentran y acer can. Y lo hacen a través de la imagen, ya que como señala Vilém Flusser “Las imágenes son mediaciones entre el hombre y el mundo”. Encuentro y medicación propiciados por una foto tomada de la pantalla de un monitor en el que un policía mostraba el video del rescate. Una imagen difusa que apenas permite distinguir a un hombre de mediana edad, sorprendido y confundido.

Desenlace y memoria El seguimiento de este caso a través de la fotografía es una invitación a no olvidar, un antídoto contra la insensibilidad, una herramienta para nuestra memoria abrumada, frágil y saturada. Es la evidencia de un hecho decantado en la obra de un fotógrafo que asume los desafíos de su tiempo, la aproximación del artista a su momento y contexto, con sus conflictos y tensiones

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CUERPOS EN TRĂ NSITO Entrevista a Misfita

Texto : Natalia Matzner

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“…entonces, veía la ciudad y más específicamente el espacio urbano como un área de tránsito antes que un lugar para ser habitado, un espacio incomodo y hostil para que no pueda ser repensado…” wmartín rico (aka misfita)

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Los denominados “espacios públicos” hoy en día están para ser transitados, para ir de un lugar a otro, no para detenerse y habitarlos, no para “hacer barrio” o comunidad, no para compartir ideas y crear alianzas. Los “espacios públicos” son sumamente funcionales: en la ciudad estamos para producir, trabajar, no para poetizar, detenerse, parar ‘la máquina postfordista’ y repensarse y repensarnos. La siguiente serie de fotos “Parásito” y entrevista a su protagonista Misfita nos entrega luces: políticas, afectivas y poéticas. Con sensibilidad nos ‘entrena’ para poner ojo a esos espacios inútiles o invisibles que no prestamos atención y que pueden ser habitables, y a su vez que presentan el absurdo de la vida urbana. Sin duda, ante tanto control y coerción lo más revolucionario que se puede hacer es buscarle el punto absurdo del asunto, y ante todo: saber pasarlo bien, y eso pienso que hizo Misfita al realizar cada cuadro de “Parásito”. La trayectoria del autor está bastante enfocada en la experimentación de la autorepresentación. La performance “Boda Cloaca” expone mediante un concurso su necesidad de adquirir papeles para permanecer en la comunidad europea o la serie “Piedras Eléctricas” donde nos asombra con atmósferas que exponen su cuerpo en la era post-industrial.

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Misfita con su serie “Parásito” nos recuerda que ser ciudadano en urbes como Barcelona y desplazarse por ella es saber una coreografía específica: si te equivocas en un paso puedes ser “el que arruina la fiesta” e incluso ser expulsado. Los tránsitos están demarcados, los mobiliarios públicos como los asientos están hechos para que a nadie se le ocurra recostarse, las entradas de los ventanales que podrían funcionar como asientos en espacio público los llenan de púas. Y la famosa dicotomía civilización/salvajismo se devela en los espacios demarcados donde sólo allí los árboles pueden crecer. Todo está “por algo” y “para un uso específico”, pareciese que hemos perdido la posibilidad de reinventar nuestros espacios y lugares habitables en la cotidianidad. Pareciese que las ciudades actuales están hechas para ser vistas y no vividas. Se teme al contacto humano, a la agrupación espontánea, al intercambio de fluidos y vidas demasiado ‘orgánicas’ (versus las relaciones a través de la pantalla). Parece que transitamos en espacios estéticos y ornamentales, tal como esas ‘salas de estar’ de sillones con cojines infladitos donde nadie se ha sentado en siglos.

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¿Cuál es tu nombre (escoge el que quieras) y de dónde eres?: Lo cambio mucho y dependiendo de lo ke esté haciendo, por ahora estoy con misfita. ¿Tienes un blog o web? Si, uno es https://www.behance.net/martinrico , que cuando abrí la cuenta de blog y comencé a meter información era una iniciativa independiente, hace como un año la compró adobe (vaya putada) también tengo una cuenta en archive.org ( https:// archive.org/details/@misfita ) esta cuenta es reciente y apenas la voy actualizando, me gusta más ke la otra porque en archive todo es para ser descargado en buena resolución. cabe decir que todo lo que hago está libre de copy right y puede ser utilizado para cualquier fin sin animo de lucro. ¿Dónde hiciste esa serie y cuándo?: La hice en barcelona entre 2014-2015 ¿Qué características tiene la ciudad de Barcelona para que te hayan dado ganas de mostrar ese absurdo o ironía del espacio urbano? Viene de pensar estos espacios que parecen inútiles y por eso son invisibilizados. Era también una necesidad de verme o medirme en el espacio que habitaba. La arquitectura urbana es muy racional y todo se construye bajo una normatividad de cuerpos y con unos usos demasiado específicos, mi idea era cuestionarme estos prejuicios, desaprehenderlos. ¿Quién registró y ese quien qué relación tiene con el concepto y la performance en sí? Los registros los hicieron distintas colegas o yo con un trípode, si que hubo alguien (rodrigo van zeller) con kien colaboré un montón de veces, para mi era mucho más entretenido cuando lo hacía con mas

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gente y creo que para las colegas también, porque eran quienes veían las reacciones de la gente al rededor y oían sus comentarios. con rodrigo hicimos más cosas además de estos registros, también nos casamos para regular mis documentos en la unión europea, hemos hecho algunos vídeos más y me ha invitado a performar en un espacio que lleva junto a otra (madame jasmine). ¿Cuál es la importancia del registro en relación a la performance? Las perfos comenzaron pensadas como registro únicamente, fue después de unas sesiones que nos dimos cuenta como la gente se ponía al ver este tipo de situaciones, de ahí comenzamos a quedarnos más tiempo en las tomas aunque sólo para entretenernos, esto no lo documentamos porque era una cosa más vivencial, para quienes estábamos ahí. Sobre autoficción: ¿eres tú quien se auto-representa en esta serie de fotos? En ese caso me gustaría tener de ti una pequeña reflexión sobre tu relación con la urbanización tan poco habitable de las ciudades globales en la actualidad y si algo colabora a tu cotidianidad haber hecho esta serie y darle nuevos usos a esos espacios públicos poco amables. La serie salió por un cuestionamiento sobre espacios inútiles o invisibles, creo que la manera de abordarlo fue desde mis recursos más cercanos, el cuerpo, de ese modo es algo personal. si que me planteaba un problema urbano porque la ciudad esta construida para un tipo de cuerpo bastante normativo, sin contar con que el mobiliario urbano prácticamente te obliga a disponerte en ciertas posiciones que según el caso resultan extremadamente incomodas.

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entonces, veía la ciudad y más específicamente el espacio urbano como un área de tránsito antes que un lugar para ser habitado, un espacio incomodo y hostil para que no pueda ser repensado

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Desde Adentro

Texto y Fotos: Rómulo Peña

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El famoso selfie es una expresión propia de nuestros días en el ecosistema web, es una especie de conquista de territorio social virtual, pero este fenómeno de la auto-indulgencia visual y la imperiosa necesidad de compartir con los demás nuestra apariencia, ha sido una constante en la historia del arte, lo único que ha cambiado es la tecnología que brinda la oportunidad de capturarnos más fácilmente, cosa que no era posible en otros tiempos. El autorretrato es una corriente que, como su nombre lo indica, parte del retrato. En sus inicios, este tipo de arte estaba reservado para capturar personajes importantes en la historia y de la clase alta. Por esta razón el retrato significaba status y posición en la sociedad. Tener la oportunidad de capturarse a través de la mirada de un gran artista y ser expuesto era un gran honor. El propósito del retrato ha sido el mismo desde siempre: preservar la memoria, ya que el ser humano al percibir la finitud de la vida inicia una lucha contra la muerte, y una de las maneras de hacerlo es a través de la captura de un instante; antaño fue a través de la pintura y actualmente encuentra su clímax en la fotografía.

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Vamos a revisar el trabajo de dos autores que abordan el tema del autorretrato y el retrato desde perspectivas corpóreas bien particulares, con puntos de vista excepcionales y para lo cual utilizaron cámaras estenopeicas, las cuales vienen a ser de los instrumentos ópticos más antiguos. Estas cámaras incorporan los elementos básicos necesarios y suficientes para realizar fotografías: un recipiente hermético opaco, un soporte sensible y un agujero extremadamente pequeño a través del cual pasa la luz y que funciona como objetivo. A Justin Quinnell no le basta con crear sus propias cámaras, necesita también nuevas perspectivas para sus fotografías, es por eso que en su proyecto ‘Mouthpiece’ el autor nos revela unas imágenes con un punto de vista único: desde el interior de su boca. A pesar de la singularísima visión enmarcada detrás de un conjunto de dientes, estas imágenes con olor y sabor nos muestran escenas comunes, nos hacen testigos de la rutina y cotidianidad del protagonista. Este amante de la experimentación comentó que había estado trabajando en un diseño de cámara compacta y muy resistente, de forma casual el fotógrafo descubrió que la cámara cabía en su boca y decidió probar cómo se vería el mundo desde sus fauces. Su estenopeica es básicamente un carrete de película formato 110 con ligeras modificaciones, sobre todo para evitar el pase de la saliva al interior de la cámara que ha llamado “Smileycam”. Vincenzo Cianciullo es un artista italiano graduado en la Academia de Bellas Artes de Roma. Desarrolla trabajos que van desde la pintura, fotografía y el diseño en papel o la poesía, a menudo fusionando sus medios de expresión. En su proyecto “Pussy Pinhole” hace uso de la fotografía estenopeica para mostrarnos la visión desde el sexo femenino, literalmente hablando.

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A primera vista las fotografías de “Pussy Pinhole” guardan un parecido con las trilladas selfies donde aparecen los pies o el calzado de alguien, pero al detallar estas imágenes podemos notar una ligera diferencia de perspectiva, la ubicación de la cámara. Este par de cuerpos de trabajo cargados de una alta dosis de experimentación, demuestran que con tan solo un enfoque en el “punto de vista” de las fotografías se pueden generar nuevas visiones que reinterpretan de cierta forma una de las constantes de la historia del arte, el retrato – autorretrato.

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