Prisma. Rock en volumen.

PORTER

DAVID BOWIE

VAMPIRE WEEKEND

LO NUEVO DE:

ARCADE FIRE KINGS OF LEON PAUL MC CARTNEY

MOBY

ARTISTA DEL MES

ARCTIC MONKEYS

revistaprisma.com No 1. Año 0 OCTUBRE 2013 // $40.00

MUSE EN MEXICO

‘No hay nada tan original como nosotros’

CONTENIDO

EN MÉXICO

7 División Minúscula en el

6 El nuevo

SOUTH BY SOUTHWEST

PORTER

ÁLBUMES 10 Justin

TIMBERLAKE

of 14 Kings LEON

11 Arctic

MONKEYS

12 Paul

MCCARTNEY

15 MOBY 16 Arcade FIRE

18 PIXIES

EN LA MIRA 20 MUSE

22 Vampire

WEEKEND

EL MEJOR ARCTIC 24 MONKEYS CLOSE UP

30 David

BOWIE

www.revistaprisma.com.mx PRISMA MÉXICO Director: Oscar Daniel Ángel Vivas Editor: Daniel Vivas Jefe de Diseño: Daniel Vivas

PRISMA ES EDITADA POR: Punto Angular, S.A. de C.V bajo licencia de PRISMA MAGAZINE Copyright © 2013 by PRISMA Derechos Reservados (D.R.) PRISMA MÉXICO Marca registrada. Año No. 1, fecha de publicación 28 de Octubre de 2013. Revista mensual editada ypublicada por Punto Aguilar, S.A. de C.V. Tennyson 28, Polando Chapultepec, C.P. 11560 PROHIBIDA LA REPRODUCCIÓN PARCIAL O TOTAL DEL MATERIAL EDITORIAL PUBLICADO EN ESTE NUMERO. EL MATERIAL PERIODISTICO ES DE ABSOLUTA RESPONSABILIDAD DE SUS AUTORES EL CONTENIDO DE LA PUBLICIDAD ES RESPONSABLE DEL CLIENTE.

Por Andy Gilmore

Editorial

“...es ahí cuando el sonido expande líneas armónicas, a veces pausadas y otras veces muy ritmicas, cuando la prolongación de ellas no es más que una suave nota.

Al propagar un choque en diferentes ejes sólo nos queda disfrutar de un pieza volumétrica y melódica, dejar que expanda casi infinidad de piezas sensibles al oido.

Es ahí cuando sabemos que la música en realidad tiene volumen y no precisamente auditivo.”

Por Daniel Vivas

5

EN MÉXICO

EL NUEVO

PORTER Por Mercado Negro

P

ORTER HABÍA SUSPENDIDO actividades y anunciado una separación después de su presentación en Coachella 2008. Tuvieron un regreso impactante en el escenario principal del Vive Latino 2013, ya que el público se entregó fácilmente a ellos, por la expectativa generada ante su resurgimiento.

Tras ello, rumores y más expectativas surgían sobre la carrera de este quinteto proveniente de Guadalajara. Hace un par de meses, en su presentación en el Loud Blue en tierras tapatías, Porter anuncia la salida de Juan Carlos Pereda,y David Velasco se queda en su puesto.

El descontento de los fanáticos de Juan Son era obvio, la mayoría sin primero darle una opor-

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tunidad, simplemente creyeron que Porter no valdría la pena. Un riesgo el cambio para la banda, sí. Tal vez un riesgo atinado, el color de voz de David Velasco no es como el de Juan, el de él es tenue, fino como una textura perfectamente pulida hasta quedar aterciopelada, ad hoc para las melodías y atmósferas que instrumentalmente crea Porter.

Con esta nueva alineación, Porter anuncia la salida de su nuevo material titulado Moctezuma, el primer sencillo que presenta este álbum es “Palapa” dos palabras que podrán significar muchas cosas, pero que por el momento, parecen una reivindicación o rescate de los origenes mexicanos. Esperamos con ansías esta nueva producción.

División Minúscula

en el South by Southwest Por César Morales

E

L FESTIVAL MUSICAL SOUTH BY southwest reveló una primera lista de artistas que participarán en su edición 2014 y la misma incluye a los mexicanos de División Minúscula.

Andrea Echeverri de Colombia, Betunizer de España, The Great Wilderness de Costa Rica y Fernando Milagros de Chile, entre otros grupos hispanoamericanos también se estarán presentando en el evento.

Los 183 artistas de 27 países anunciados el miércoles son sólo los primeros de muchos, dijo Elizabeth Derczo, representante del encuentro musical de seis días. South by Southwest se creó para mostrar grupos nuevos, crear contactos entre la industria y también incluir algunos artistas conocidos. En 2013, más de 25.000 personas vieron 2.278 presentaciones en el festival que se apodera cada año del centro de Austin.

La banda de rock sueca INVSN es uno de los mayores representantes europeos junto con Dennis Lyxzen, vocalista de las bandas punk Re-

fused e International Noise Conspiracy. INVSN, que también se presentará, se encuentra actualmente de gira por Estados Unidos promoviendo su nuevo álbum homónimo.

Otros grupos internacionales incluyen a los alemanes de Hyenaz, Sold Out de Bélgica y Glass Animals de Inglaterra.

La baterista de Dum Dum Girls, Sandra Vu, traerá a su nueva banda SISU. De Estados Unidos estarán Deidre and the Dark de Nueva York, Avi Buffalo de Los Angeles y Jessica Lea Mayfield de Ohio. El festival también incluye artistas experimentales que difícilmente llegarán a las listas de popularidad o aparecerán en televisión. Austin Christeene es una de esas artistas que se presentarán en 2014, con su mezcla de apariencia de mujer sin hogar y letras explícitas.

La parte musical de South by Southwest se celebrará del 11 al 16 de marzo. South by Southwest también tendrá un festival de cine del 7 al 15 de marzo y un festival interactivo del 7 al 11 del mismo mes.

7

ÁLBUMES

JUSTIN

Timberlake

confirma segundo álbum de The 20/20 Experience Por Julia Castillo

THE 20/20 EXPERIENCE - OF 2 Justin Timberlake Septiembre, 2013 RCA Records Calificación: 7.0

J

USTIN TIMBERLAKE ES DE ESAS PERSONAS QUE nos hace pensar: “¿hay alguna sola cosa en la que no sea bueno?” Es un excelente bailarín, domina el beatbox y sus participaciones en “Saturday Night Live” son increíblemente graciosas. Eso sin mencionar que muchos lo han nombrado “Príncipe del Pop”.

Pero como es bien sabido, las segundas partes dificilmente logran superar a sus predecesoras, así que Justin tenía un gran reto, después del éxito que obtuvo con “The 20/20 experience Part I” (el disco más vendido del año) Timberlake tenía que lanzar sencillos a la altura de ‘Suit and Tie’, parece ser que Justin lo logró, pues pese a las críticas que consideraban esta secuela como algo innecesario, la segunda parte de “The 20/20 Experience” no es un compilado de canciones que no hayan calificado para el primer album, el mismo Justin declaró que quedó tan satisfecho con la calidad de estas canciones que consideró lanzarlas en dos álbumes.

Para “The 20/20 Experience Part II”, Justin contó con la participación de Timbaland (hasta este punto han dejado claro que son ya inseparables) sumando al equipo a Jay-Z y a Drake en esta ocasión. El álbum incluye tracks que son mucho más largos que el promedio (tenemos por ejemplo ‘True Blood’ que dura casi 9 minutos), en esta entrega Justin vuelve a mezclar toques de hip-hop y R&B dejando en claro que puede hacer música pop de calidad y haciendo casi inevitable que sus canciones tengan reminiscencias a nada menos que el mismísimo Michael Jackson.

Al final, este album nos puede dejar confundidos porque en ocasiones podemos vislumbrar a un Justin que está experimentando para salirse un poco de la fórmula de los éxitos poperos instantáneos, pero tracks como ‘Cabaret’, ‘Amnesia’ y ‘Murder’ nos hacen recordar al mismo Justin de “Future Sex Love Sounds”.

La realidad es que seguiremos escuchando (y viendo) mucho más de Justin y al redondear “The 20/20 Experience” con sus dos partes, Timberlake ha elevado los estándares y nos ha dejado la expectativa de lo que será su siguiente entrega.

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AM Arctic Monkeys Septiembre, 2013 Sony Music México Por Diovanny Garfías Calificación: 8.5

Arctic Monkeys Por Diovanny Garfías

C

UANDO PARECÍA QUE LOS ENCABEZADOS POR ALEX turner quedarían atrapados en la trampa provocada por su sonido tan elemental, Josh Homme movió algunas de las cuerdas mágicas de su guitarra e hizo lo que mejor sabe en el estudio grabación con la banda. El resultado fue “Humbug” (2009), una placa que dejó de manifiesto la capacidad del grupo de evolucionar en algo más desafiante e interesante. La llegada de “Suck It And See” (2011) situó al proyecto en un lugar privilegiado, la placa habló por si misma, y los consolidó como una de las bandas más relevantes de nuestro tiempo.

Hoy, tras participar en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos y encabezar Glastonbury 2013, Arctic Monkeys está de vuelta con un trabajo de estudio ecléctico. “AM” cuenta con todos los elementos clásicos de Arctic, guitarras melódicas y pegajosas, baterías rítmicas y bailables, bajos contundentes, sin mencionar los matices a lo largo de los 12 cortes. ‘Do I Wanna Know?’ abre con una producción brillante, dejando claro que lo que nos espera se mantendrá a ese nivel sonoro. ‘I Want It All’ nos recuerda que el grupo nunca dejará de lado sus raíces rockeras. La cálida ‘No. 1 Party Anthem’ nos muestra la madurez del proyecto, mientras que ‘Why’d You Only Call Me When You’re High?’ deja claro que lo aprendido del Sr. Homme les quedará tatuado en el ADN musical por siempre.

Sin embargo, la banda dejó atrás todo el bagaje experimental que había mostrado en sus dos placas anteriores, hoy parece dar un paso atrás para recordar su origen y presentarse ante una nueva generación de seguidores, haciendo así de “AM” una placa que marca el final de una era, y quizá, un nuevo comienzo para la banda.

AM Arctic Momnkeys Septiembre, 2013 Sony Music México Calificación: 8.5

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ÁLBUMES

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Paul McCartney Por: Raúl Bustamante

E

N EL UNIVERSO DE PAUL MCCARTNEY no existen las casualidades, por lo menos no este año que regresa con su nuevo disco New. El hecho de que aparezcan cuatro productores a lo largo de las 12 canciones (la edición de lujo contiene dos canciones extra), tiene también el objetivo de inyectar cuatro diferentes puntos de vista que se integran a las eternas influencias del ex-Beatle y a sus historias personales de joven y de hombre casado.

New es un álbum que se esfuerza por ser moderno desde la portada, pero siempre bajo el sonido característico de Paul en medida de los posible. Por un lado, el productor británico Paul Epworth y su historia detrás de bandas como Friendly Fires, Bloc Party, The Rapture y el éxito de Adele, hacen que el inicio del disco con “Save Us” muestre la intención real de tomar sonidos actuales y evolucionarlos a través de un cuidadoso camino de regresiones.

Por otro lado, el nombre de alguien como Mark Ronson tampoco es casualidad en este disco. El DJ, compositor y productor anglo-estadounidense le dio a canciones como “Alligator” y “New”, la posibilidad de vivir como grandes sencillos y como las canciones que más sobresalen en el álbum. La segunda, más allá de la inspiración de su reciente matrimonio con Nancy Shevell, es el ejemplo perfecto de cómo Paul McCartney combina exitosamente lo clásico con lo nuevo, algo que desafortunadamente no lo logró en todas las canciones.

Quizá la parte más desconcertante es “Appreciate”, un corte producido por Giles Martin, el hijo de quien trabajó en varios discos de The Beatles y quien en New es el que tiene más canciones con

su nombre. Se trata de una canción con sutiles destellos de trip hop que distan demasiado de lo que queremos escuchar de “Macca”. De hecho, aunque Giles es el productor que podría entender mejor el universo clásico de Paul en sus días al lado de The Beatles, es quien experimenta más en sus colaboraciones actuales.

“Road” es otro intento de Giles Martin y Paul McCartney por modernizar el sonido del disco, tiene una esencia mística que al contrario de lo que ambos esperaban, pasa desapercibida entre el largo tracklist de New. Sin embargo, uno de los mejores momentos de esta colaboración es “On My Way to Work”, la canción más británica del disco y que recuerda las composiciones de David Bowie.

El último a mencionar de los productores involucrados es Ethan Johns, el multi-instrumentista que ha trabajado con Ryan Adams, Kings of Leon, Kaiser Chiefs, The Vaccines y muchos más, y que en New tuvo bajo su responsabilidad “Early Days”, uno de los cortes autobiográficos de Paul que lo muestran ante nosotros como un joven músico de la ciudad de Liverpool, en un momento acústico, un poco country y agradable.

Aunque en New existen canciones que bien pudieron haber sido extraídas para no hacerlo sentir tan largo, en general el esfuerzo de Paul McCartney y sus colaboradores no es tan extraño como podría parecer.

Fuera de sus intentos fuera de lugar y sus exploraciones sonoras desafortunadas, la mayoría de las canciones tienen un espíritu que no cualquier músico de 71 años podría expresar al componer y tocar todos los instrumentos.

NEW Paul McCartney Octubre, 2013 RCA Records Calificación: 8.0

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ÁLBUMES

KINGSof Leon D

E DONDE PROVENGO –EL NORTE– un toro mecánico no es un mero instrumento de diversión para ser montado en noches de vapores etílicos, entre sombreros, pacas de paja y las risas de los asistentes a la misma cantina temática (o a cualquier antro con ganas de partirle la crisma a los clientes), es también el símbolo de una diversión pura y adrenalínica, pero siempre familiar y algo calculada. Recuerda a una cerveza helada en la mano. Amigos. Música. El mareo preventivo en la boca del estómago.

Así comienzan los acordes del primer sencillo y número de apertura de “Mechanical Bull”, con ese espíritu tan familiar como salvaje y potencialmente destructivo de una máquina diseñada para sacudir el cuello. Así suena ‘Supersoaker’. Empero, esta es una bestia cuyo resplandor metálico deslumbra los sentidos desde diferentes ángulos. Los Followill han debutado temas como ‘Don’t Matter’ (número tres en el tracklist), que si bien no es algo nunca antes escuchado de entre sus guitarras y con un ritmo cuasi-shogazer, deja el sabor de boca de una pilsener peligrosa: suave, inconspicua y de potencial atómico si se le toma con exceso.

La redención que encuentra este cuarteto de hermanos después de los distanciamientos evidentes que dejó el ‘Come Around Sundown’ (2010) es también palpable. Hay madurez y se nota en la voz de Caleb, que también hay como-

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didad como la del hogar que encuentra su lírica.

Sin exceso de protagonismo, Kings of Leon es ahora una banda, un conjunto que trasciende a los vínculos de consanguinidad de cuatro extraordinarios músicos. Es la libertad que el escribir, producir y ejecutar sin pretenciones deja como resultado en una producción discográfica hace de este toro todo un ejemplo.

Aunque para muchos, puede notarse en temas como ‘Rock City’ un aire más pop que el acostumbrado, esto también es una señal de que KoL no necesita probar en cada tema que su sonido es tan único que padezca de unidimensionalidad. Es más que eso, es la potestad que sólo la experiencia y el resurgimiento por fuerza de voluntad creativa deja como impronta en un grupo de ejecutantes que ya no son extraños a un estudio y no ansían comérselo con cada compás grabado.

Esta producción deja entrever que las ganas de azotar el pavimento son muchas, que lo que se quieren devorar es al público con las giras que previas al lanzamiento ya han acompasado incluso los teasers y el segundo sencillo: un ‘Wait for Me’ que en plena sinceridad puede convertirse en una de esas infaltables ocasiones de abrazo y coro masivo en los conciertos que están por venir. Lleno de momentos, “Mechanical Bull” es ese tipo de trabajo musical que trasciende a la época de su gestación y posible maduración entre el público. Está revestido de una atemporalidad en

Por Héctor Adolfo Ituarte

los temas que bien pueden remitirnos a la década pasada o marcar el paso para lo que KoL y otras bandas en el circuito habrán de hacer mañana. Y esto se nota hasta en el cover art.

Con temas de sacudida evidente y otros de safe ride, esta bestia de once piezas no decepcionará a quienes aún creen (o creemos) en el poder de un álbum, en el poder de un ‘Tonight’, que puede hacernos abandonar el cuerpo por completo. Este disco es una bestia que de un quiebre puede hacernos perder el piso.

MECHANICAL BULL Kings of Leon Septiembre, 2013 Sony Music México Calificación: 8.4

Por Abraham Huitrón INNOCENTS MOBY Octubre, 2013 Arts & Crafts México Calificación: 7.0

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ICHARD MELVILLE HALL, MEJOR conocido como Moby regresa en 2013 con el onceavo disco de estudio de su carrera, para el cual decidió trabajar de diferente forma a como lo había hecho a lo largo de su trayectoria. Por primera vez trabajó al lado de un productor, que en este caso fue Mark “Spike” Stent (Muse, Madonna, Depeche Mode, Björk); decidió promocionar el disco ofreciendo tres conciertos en Los Angeles, CA., mismos que serán los únicos para el 2013 y 2014, debido a que según el propio músico: “cuando salgo de gira estoy sentado mucho tiempo, (carros, aeropuertos, hoteles), y cuando me siento no puedo gastar mi tiempo haciendo música, y lo que realmente deseo hacer en mi vida es estar en casa y hacer música, por lo tanto este será un tour mundial de tres fechas”.

Otro dato importante es la cantidad de músicos invitados para este disco, sobretodo en las vocales, los cuales incluyen a Wayne Conye (The Flaming Lips), Mark Lanegan, Damien Jurado, Skylar Grey y Cold Specks.

El disco arranca con ‘Everything That Rises’, un tema instrumental e introductorio que dicta la línea para los siguientes tres temas, ‘A Case For Shame’, ‘Almost Home’ y ‘ Going Home’, canciones con ritmos lentos acompañados de teclados y violines aderezados con las voces de Jurado y Al Spx. Después sigue ‘A Perfect Life’ al lado de Wayne Conye, la cual rompe con un ritmo más bailable y en donde escuchamos por primera vez en el disco la voz de Moby. ‘Last Day’, ‘Don’t Leave Me’ y ‘A Long Time’ nos recuerdan a la época de “Play”, con ritmos más bailables, para después dar espacio nuevamente a temas más tranquilos (‘Tell Me’), instrumentales (‘Saints’) y un par más en dónde la voz de Mark Lanegan (‘The Lonely Night’) y del propio Moby (’The Dogs’) son acompañadas por minimalistas arreglos musicales.

“Innocents” no sigue una línea, por momentos es muy bueno y las colaboraciones son realmente sobresalientes, hay otras que no lo son tanto; hay ocasiones en que parece flojo y repetitivo, pero sin duda tiene momentos muy agradables, mismos que retoman lo mejor de la carrera musical de Moby para ponerlo en este disco.

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Ă LBUMES

Arcade Por Juan Manuel Pairone

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fire R

EFLEKTOR” YA VENÍA SUCEDIENDO HACE TIEMPO, SIN LA necesidad de girar en un reproductor de principio a fin. Primero, con el video homónino, dirigido por Anton Corbijn y protagonizado por una banda auto-paródica de cabezas gigantes bautizada como The Reflektors. Después, con el corto ‘Here Comes The Night Time’, dirigido por Roman Coppola, plagado de cameos mediáticos de todo tipo -desde James Franco a Bono- y con tres canciones estrenadas en un formato poco común, como parte de una ficción que no necesitó mucha elaboración para ser atrapante. Y para el final, un último adelanto: ‘Afterlife’, cuyo video es en realidad una sobreimpresión de la letra de la canción sobre imágenes de la película franco-brasilera “Black Orpheus” (1959), de Marcel Camus.

Además, graffitis, polémica y kilos de expectativa que se multiplicaron a partir de la contundencia de esos primeros adelantos. Como si se tratara de un disco construido casi en tiempo real, frente a nosotros.

Esta decisión tanto comercial como estética no fue celebrada unánimemente por la prensa y el público, sin embargo, es parte importante del efecto suspenso detrás de un álbum que, una vez en la calle, se encargó de confirmar los buenos augurios iniciales. Incluso, la decisión de extender lo hecho con ‘Afterlife’ y colocar todo el álbum en streaming -generando un cruce entre música, lírica y película proyectada- es clara al respecto. Escuchar el disco en su totalidad, aunque entrelazado con otro tipo de lenguajes a manera de complemento, merece

REFLEKTOR Arcade Fire Octubre, 2013 Mercury Records Calificación: 9.0

ser un evento en sí mismo. De hecho, es a partir de esa situación de diálogo audiovisual donde “Reflektor” termina de echar raíces como un nuevo estadio en la carrera de Arcade Fire. Las imágenes de “Black Orpheus” no hacen más que dejar en evidencia la importancia de elementos como el carnaval, el baile o la negritud en la cosmovisión en tiempo presente que desarrolla la banda a lo largo del disco.

En efecto, desde el comienzo el pulso nocturno aparece como una referencia ineludible pero no unívoca. Con más de siete minutos de espíritu pistero y percusivo, la canción que da título al álbum aparece como la introducción perfecta a este nuevo mundo configurado en la música de Arcade Fire. Pero es apenas el comienzo. Casi instantáneamente, ‘We Exist’ comienza a mostrar una faceta tan sorprendente como efectiva: ciertos aires a un “Thriller” contemporáneo que se evidencian en lo distintivo del sonido del álbum y en la amplitud de su mirada, más allá de una sensación de coherencia permanente. De hecho, ‘Flashbulb Eyes’, ‘Here Comes The Night Time’ y ‘Normal Person’ hacen aún más explícito esto. Las dos primeras, dejando en claro la importancia del caribe y la música haitiana antes y durante el proceso creativo del álbum. La última, llevando la épica asociada a la banda a una dimensión desconocida, con una carga de intensidad que recuerda a las mejores canciones firmadas por Kurt Cobain.

Esta suerte de rueda de la fortuna musical logra algo concreto: a medida que “Reflektor” se desarrolla, se hace posible escuchar cada nueva canción como un espacio ideal en el que la banda vuelve una y otra vez sobre su propia identidad. La evocación a los Smiths en ‘You Already Know’ o las referencias obvias a la multiculturalidad de The Clash y Talking Heads en toda la concepción del álbum pueden generar cierta sensación de pérdida respecto al legado que ha sabido construir Arcade Fire. Sin embargo, los materiales elegidos, el trabajo puntilloso sobre el aspecto rítmico y la construcción de un relato fuerte que nunca deja de apelar a lo heterodoxo, hablan de una banda que está en condiciones de expresarse en sus propios términos y elige hacerlo, incluso si eso implica un viraje un tanto inesperado en relación a su obra anterior.

De todas formas, luego de la intensidad y el color de la primera mitad de “Reflektor”, el segundo episodio de este álbum doble aporta un equilibrio que termina siendo necesario. Esto no significa que las canciones se vuelvan planas o dejen de lado ese espíritu aventurero que tan bien parece calzarle a la banda. Más allá de momentos explosivos como ‘Awful Sound’ o la misma ‘Afeterlife’ -ideal para experimentar lo esencial de la producción de James Murphy en el sonido global del disco-, lo que sí aparece es una resonancia más clara a, por ejemplo, algunos momentos de “The Suburbs” y a ciertos timbres de cuerdas, voces y teclados fácilmente asociables al grupo.

Gracias a esto, el álbum termina siendo un punto fundamental en la carrera de Arcade Fire ya desde su propia concepción. Evidentemente, estamos frente a un conjunto de artistas incorruptible, músicos que eligen seguir haciendo música para generar más incertidumbres que certezas, para despistar antes que confirmar. “Reflektor” es, en este sentido, el disco que termina de hacer carne esa idea. Pese a su magnitud -la de su proceso creativo, la de su aparato publicitario o, incluso, la de su duración-, el álbum resulta imprescindible porque muestra la capacidad de reinvención de una banda que, ahora sí, entiende a la perfección eso de que la música no se trata de novedades permanentes, sino de cruces y reinterpretaciones cada vez más densas e inesperadas. ¿Límites? No, gracias.

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ÁLBUMES

Pixies

Nuevo álbum SIN KIM DEAL

L

OS PRÓXIMOS 7 Y 8 DE NOVIEMBRE The Pixies visitarán Madrid, y lo harán con nuevo material bajo el brazo: la banda ha lanzado hoy EP-1, un EP de cuatro temas (Andro Queen, Another toe in the ocean, Indie Cindy y What goes boom) y ya puede comprarse en la página web de la banda en un vinilo de edición limitada (18 euros) o en versión digital (4 euros).

Kim Deal se marcha de Pixies EP-1 ha sido producido por Gil Morton, hombre detrás de otros discos de la banda como Dolittle, Bossanova o Trompe le monde. Éste fue, en 1991, el último trabajo publicado de forma física por la banda hasta este nuevo EP.

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EP-1 Pixies Octubre, 2013 Mercury Records Calificación: 7.5

EN LA MIRA

MUSE

La Rebeli贸n Intergal谩ctica Del Rock Por Natalia Cano

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“The 2nd Law: Unsustainable” rompe el silencio e invita a los asistentes a adentrarse en un trance espiritual.

L

A VOZ DE UNA PRESENTADORA SE IMPONE EN EL RECINTO para dar una misiva apocalíptica: “Unwa economía basada en un crecimiento sin fin es insostenible”. El dubstep se apodera entonces del Palacio de los Deportes y con “Unsustainable llega un mensaje de denuncia contra el sistema financiero.

En cada tema, Muse incita a la rebelión, a la lucha contra el orden establecido. A sus 35 años, Matt Bellamy, el escuálido frontman del trío británico, podría figurar como un líder revolucionario, aunque lo suyo va más allá de líneas panfletarias.

En vez de un arma, porta una guitarra desde donde sus poderosos riffs zeppelianos alimentan el espíritu y lo estimulan a la reflexión sobre esta modernidad incontrolable, sobre un desarrollo tecnológico sin medida y la señal de alarma a una civilización condenada por su empeño en un modelo basado en el crecimiento perpetuo.

El de Muse es un rock imponente, directo, aplastante. Es el resultado de una mente maestra como la de Bellamy y la perfecta ejecución de sus otros dos mosqueteros: el bajista Chris Wolstenholme y el baterista Dominic Howard. A este trío no le gustan las medias tintas y México es un país que conquistó hace ya varios años, cuando debutó en aquel abarrotado Palacio de los Deportes, en 2007.

The 2nd Law, el título de su sexto trabajo discográfico, el mismo que trae al trío de regreso a la capital mexicana, hace referencia a la segunda ley de la termodinámica, un principio físico con demostración empírica y motivos emocionales que 24 mil 500 personas (de acuerdo con cifras de los organizadores) pudieron comprobar en la primera, de cuatro noches que la agrupación ofrece en el llamado “Domo de Cobre”.

La instrumental “The 2nd Law: Unsustainable” rompe el silencio e invita a los asistentes a adentrarse en un trance espiritual. Sobre ese majestuoso escenario futurista, se descubre una enorme pirámide invertida recubierta de pantallas que desciende por bloques al ritmo de “Supremacy”, mientras que Matt Bellamy, en un perfecto español, da la bienvenida a sus seguidores con un:

“¡BUENAS NOCHES, MÉXICO!”.

El aforo estalla cuando algunos clásicos de la agrupación originaria de Teignmouth, Inglaterra, como “Map of The Problematique”, “Supermassive Black Hole”, “Resistance” y el invasivo “Knights of Cydonia” se mezclan con los nuevos cortes de The 2nd Law, “Madness”, “Follow Me” y “Liquid State”. Canción tras canción, Muse reitera su lugar como el último gran grupo de estadio que graba discos inspirado por las leyes de la termodinámica.

Las comparaciones con U2 no son gratuitas, el trío admite que acude a sus espectáculos con humildad de discípulo, aunque Muse tiene un punto a su favor: se ha atrevido a hacer lo que bandas consolidadas como la misma agrupación irlandesa, Pink Floyd o Madonna (desde el terreno del pop) se acreditan desde su posición de leyendas.

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EN LA MIRA

Vampire WEEKEND Por Ricardo Marín

C

LÁSICOS SNOBS Y CHICOS privilegiados. a vampire Weekend le han caído una gran cantidad de insultos que, si bien existen por una razón, no están sustentados, pues su producción creativa refuta, con preciso batazo de cricket, las aseveraciones mal fundamentadas.

Este cuarteto neoyorkino de chicos sorprendieron cuando, en 2008, lanzaron un disco homónimoque tomaba todos los estereotipos del junior rico y los ponía de cabeza. Sí, eran jóvenes de un estrato económico favorecido, sí, sus canciones hacían alusión a instituciones o personas propios de una posición más privilegiada. Pero en vez de hablar a través del dinero, Vampire Weekend hablaba a través de su arte, de un aura espontánea y una cosmovisión transcultural. Combinaban cuerdas con ritmos africanos y guitarras suaves, tenían letras inocentes y un sonido donde permeaba la sencillez.

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Vampire Weekend orientó su sonido, no a sorprender, sino a divertir; a la cadencia sutil y a la ingenuidad lírica. Usualmente, esa fórmula funciona para un disco —máximo dos— y eventualmente deja de ser efectiva; la fama de la banda se desvanece. Sin embargo, Contra (XL, 2010), el disco subsecuente de Vampire Weekend usó el mismo patrón, mientras subía unas rayitas a la diversión y a la profundidad, para generar una mayor conexión con el escucha.

Su tercer disco sería la prueba de fuego, ese momento en el que debían demostrar que podían salirse de su sofá cómodo en Vermont o Cape Cod y explorar otras sonoridades. Modern Vampires of the City, respondió con todo lo que los álbumes anteriores no tienen y más: madurez, atmósfera y, sobre todo, un elemento de explosión anímica, con el cual las emociones quedan reducidas a algo menos que escombros.

Modern Vampires of the City demostró que

Vampire Weekend no es una banda del montón, sino una banda que generará miles de otras bandas del montón. El cuarteto conformado por Ezra Koenig, Chris Baio, Chris Tomson y Rostam Batmanglij se ha consolidado como una banda moderna con capacidad de tomar las riendas de un sonido propio, no de perpetuar un estilo, sino de reproducir su aura hasta fines que, probablemente, ni ellos imaginaron.

Con todas las emociones que genera su más reciente disco, perderse a esta agrupación sería un terrible error. Vampire Weekend visitó la última vez el país cuando el MxBeat existía y cuando no habían sacado ni su segundo material. Ya con más años en los escenarios y una carrera perfeccionada con precisión escultórica, Vampire Weekend es una banda que será recordada como una exitosísima banda de oxímoron, gracias a su sencilla ambición e inocente contundencia.

EL MEJOR

ARCTIC MONKEYS ‘No hay nada tan original como nosotros’

Encuentro exclusivo, al borde del Mediterráneo, con la mejor banda joven, y la más influyente.

Por: José Fajardo // Fotos: Thomas Canet

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Concierto en L.A. // 2013

¿Q

UÉ QUIERES SABER DE NOSOTROS? dispara lo que tengas preparado”. Alex Turner (Sheffield, 1986) se estira conw desgana en el sofá de un hotel lujosamente estrambótico, de esos que sólo pueden existir en Benidorm. Son las 17 horas del sábado 20 de julio y en apenas un rato, a las 23.15 h., está prevista su actuación en el Festival Internacional de Benicàssim con Arctic Monkeys, el grupo en el que ejerce de cantante, letrista y guitarrista. A su lado, Matt Helders, misma edad, mismo origen pero batería, chatea hipnotizado con el móvil, ajeno a mi presencia.No parecen nerviosos. Ni siquiera han oído hablar de los problemas financieros de Maraworld, la empresa del dueño del FIB, el irlandés Vince Power, que casi se llevan por delante uno de los eventos musicales más importantes de España. “¿Qué dices? Vaya, sería una pena. Siempre hemos dado conciertos muy locos allí. En pocos sitios te puedes ver envuelto en situaciones tan divertidas como en la piscina que hay en la zona VIP de Benicàssim, con el resto de artistas rulando por ahí”.

Lejos queda ya la época en que Whatever people say I am, that’s what I’m not (2006) se convirtió en el debut más vendido de la historia de la música británica, tras su explosión como un gigantesco fenómeno en Myspace.

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Al contrario que la red social de Justin Timberlake, el cuarteto de Sheffield (Reino Unido) ha conseguido permanecer en el trono gracias a una intuitiva capacidad de reinvención que sigue estirándose en su quinto disco, AM, que se publica el 9 de septiembre y que presentarán en España en noviembre (el 15 en Madrid; el 16, en Barcelona).

Hay quien señala a estos chicos nacidos entre 1985 y 1986 como la voz de su generación. “Es algo que odiamos. No somos ningún icono de nuestra época. Es la manía de siempre de comparar nuestra trayectoria con lo que supuso The Clash a finales de los 70. Esa presión es una mierda, pero ya no nos afecta. Nuestro único objetivo es acercarnos a la grandeza de lo imperecedero”, dispara el cantante al comienzo de su encuentro con ROLLING STONE, quien reconoce, de paso, que el título del nuevo álbum es un guiño al disco homónimo de 1969 de la Velvet Underground: “Estamos justo en ese momento como banda. El rollo de las iniciales es, simplemente, porque suena más molón”.

EL MEJOR Alex Turner no habla, paladea las palabras para darse importancia.

Aunque la prensa británica siempre le ha dibujado como un chico reservado, que huye del contacto visual, en este encuentro exclusivo –ésta es la única entrevista que ha concedido a la prensa española– fija sus ojos retadores en los del periodista. Tras actuar en 2012 en la ceremonia de los Juegos Olímpicos de Londres o encabezar el cartel de la última edición de Glastonbury, sabe que éste es su momento de gloria. “Es cierto que hubo un tiempo en que hablar con los medios me resultaba incómodo. Tener que contar una y otra vez cosas sobre mí mismo a gente que no conocía, me parecía de locos. No lo entendía. Pero mírame ahora, aquí estoy contigo, y nos lo estamos pasando bien, ¿no?”.

El que no se lo pasa bien –al menos no conmigo– es Matt Helders, quien apenas participa en la conversación, si acaso, para susurrar algo al oído de Turner. De repente, me viene a la cabeza un extraño suceso que casi le aparta de la música en 2010: practicando boxeo, tuvo una lesión muy grave en el brazo izquierdo y tuvieron que insertarle una placa de metal para que pudiera seguir tocando la batería.

No puedo evitar mirar, con cierto morbo. Y localizo una cicatriz brutal que le recorre el brazo. Como si me hubiera leído el pensamiento, el músico, un chico fornido, se levanta y se coloca detrás de mí. Respiro tranquilo cuando le escucho manipular la máquina de café.

A las 18 horas, en la posterior sesión fotográfica, conozco a El Mánager de Hielo, un tipo maduro de piel tostada, con chanclas hawaianas y gafas de sol amarillas, que, al parecer, jamás pierde los nervios. La imagen del conjunto es surrealista: estamos en medio de la nada, en una zona desértica desde donde se vislumbra el grotesco skyline de Benidorm, repartidos en torno a un Cadillac espectacular del 75, de donde los músicos entran y salen, posando en las posturas más inverosímiles. “Me pregunto cuánto costará este carro. ¿Sabes si el capó es eléctrico o manual?”, me consulta el mánager, más preocupado por el coche que por tener que atravesar a toda velocidad 230 kilómetros de la costa levantina para llegar a tiempo a Benicàssim, para la actuación de esa misma noche.

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“Nos gustan los sitios remotos, alejados de la civilización,

tienen un aura espiritual realmente inspiradora”

“Nos gustan los sitios remotos, alejados de la civilización, tienen un aura espiritual realmente inspiradora –comenta Turner–. Para la producción de nuestro tercer disco, Humbug [2009], Josh Homme nos llevó al desierto de Mojave. La gente suele relacionar sitios como Joshua Tree con experiencias alucinógenas y todo eso, pero se trata de algo mucho más profundo que tragarse unas setas.

Sentimos algo tan especial que en este nuevo trabajo hemos buscado cualquier excusa para regresar ahí. Josh sólo interviene 30 segundos en la can-

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ción Knee socks, pero nos ha servido para volver a visitarle”. La aportación del líder de Queens Of The Stone Age se reduce a unas voces ululantes y misteriosas, pero su característico rock pesado está presente en AM. “Quizá no es tan evidente, pero sí diría que, si no hubiéramos trabajado con él hace tres años, no habríamos llegado nunca al punto en el que estamos hoy. Nos abrió mucho la mente”, concede el británico, quien a su vez participa en la canción Kalopsia de …Like clockwork (2013), el último disco de QOTSA.

EL MEJOR

Josh Homme: ‘Llegué a odiar la música’ El grueso del proceso de grabación se llevó a cabo en un estudio del Este de Hollywood, en Los Ángeles, donde Turner vive desde 2011 con la actriz y modelo estadounidense Arielle Vandenberg. “Hemos pasado seis meses trabajando allí, siguiendo una dinámica muy novedosa. Al principio estuvimos probando experimentos con una grabadora de casete de cuatro pistas, haciendo jams instrumentales, mientras yo iba escribiendo algunas ideas. Había días que me sentía rebosante de creatividad y podía quedarme ahí solo hasta las seis de la mañana. En realidad, no era muy sano: a esa hora, cuando ves amanecer y no has dormido, tu mente, o por lo menos la mía, es un cóctel de pensamientos enfermizos. Me salían historias muy raras, nada que ver con relatos de amor, para que te hagas una idea”, desvela Turner, quien afirma sufrir “de vez en cuando” bloqueos creativos. “Es una pena no conocer una poción mágica que me ayude a superar esas etapas”, comenta.

Por primera vez durante la entrevista, Helders, sentado de nuevo junto a Turner en el sofá del hotel tras traer dos cafés –quizá pensó que yo no quería–, se anima a intervenir. “¿Recuerdas esa máquina antigua que

compramos tan chula con el juego Donkey Kong? ¿Y las carreras de motos? ¡Esas cosas eran nuestra poción mágica mientras grabamos el disco!”.

Lo cierto es que durante la sesión de fotos, cuando el grupo está al completo, el batería se destapa como un tío cachondo e ingenioso. Se saca un pañuelo que lleva en el bolsillo trasero del vaquero y se pone a limpiar el Cadillac e, incluso, se inventa una cancioncilla sobre ‘El Dorado’, el nombre que lleva inscrito el coche en la carrocería.

Mientras, Jamie Cook (guitarra) y Nick O’Malley (bajo) le ríen las gracias, aunque mantienen cierta distancia. Observo que el sol molesta a Nick en una de las fotos y le ofrezco mis gafas. Me lo agradece con sinceridad. Aunque parece tímido y va un poco a su aire –es el único que no estuvo en la formación del grupo en 2002, sino que entró cuatro años después–, su paciencia y modales son impecables. En el siguiente posado, es Jamie el que no puede mirar a cámara por el destello de la luz, pero cuando me acerco a él, retira mis gafas con desprecio. “No me quedarían bien, no me gustan”. “Vaya, lo siento”, farfullo disculpándome, sin saber muy bien por qué motivo.

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CLOSE UP

DAVID BOWIE

DEFINE ‘THE NEXT DAY’ EN 42 PALABRAS Por: Ale H. Morando

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ras el estreno de The Next Day el pasado 12 de marzo, David Bowie se ha mostrado reacio a dar explicaciones o hablar de su regreso a los estudios de grabación después de 10 años de ausencia.

Sin embargo, el camaleónico cantante y compositor rompió el silencio y dejando de lado su habitual hermetismo accedió a describir la placa, gracias a la insistencia del periodista Ricky Moody, reportero de The Rumpus. Ricky Moody solicitó a Bowie que realizara una especie de diagrama del álbum, compuesto por una lista de términos que describieran los conceptos que inspiraron las canciones y temas que integran The Next Day. A continuación la lista de palabras: n n n n n n n n n n n n n n

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Effigies Indulgencias Anarquista Violencia Chthonic Intimidación Vampirismo Panteón Súcubo Rehén Transferencia Identidad Muro Interfaz

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Revoloteando Aislamiento Venganza Ósmosis Cruzada Tirano Dominación Indiferencia Miasma Pressgang Desplazado Vuelo Repoblación Fúnebre

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Deslizamiento Rastrear Balcánico Entierro Marcha Atrás Manipular Origen Texto Traidor Urbano Merecido Trágico Nervio Mistificación