GRAPHITE by DANNRAMIREZ

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CARTA DEL EDITOR

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Durante mucho tiempo hemos afirmado que el diseño no es un medio de expresión, no sirve para manifestar ideas o sentimientos de su autor, sino para transmitir objetivos de comunicación, que en muchas de las veces deben repercutir en ventas. En pocas palabras, el diseño no es arte. Cierto, pero tan verdadero como que cada diseñador ”imprime” algo de su personalidad a cada proyecto que realiza, por más profesional que sea. Cada empaque, etiqueta, o publicación que diseña es producto de su conocimiento, experiencia e interpretación acerca de lo que puede funcionar en el mercado o de lo que el cliente requiere. Si bien el diseño no es arte, si tiene mucho de personal. Pero ahora vamos un paso adelante y podemos hablar de un ”diseño de autor”. Actualmente hay clientes, que de acuerdo a sus productos, campañas y target, requieren de soluciones de diseño que apelen directa mente a sentimientos y emociones a través de conceptos e imágenes no convencionales, y en ocasiones hasta cercanas al arte. Valido si, pero no en todos los casos. Al final del día, diseñamos para audiencias específicas y éstas determinan el estilo y la forma de diseñar.

Presidente / ceo

editora de fotografía

Ricardo Castillo ricardocastillo@over.media

Nayeli Castelán nayelicastelan@over.media

Fotografía

Diseño

Erick García erickgracía@over.media

Daniel Ramírez danielramírez@over.media

Impreso

Texto

dirección editorial Daniel Ramírez danielramírez@over.media

Sofía Carreó Rodrígo Barranco

EDITOR GRÁFICO Jafet Arellano jafetarellano@over.media

Diseño de portada Jafet Arellano jafetarellano@over.media

©over, Año 1 Número 1. Fecha de publicación: julio -noviembre 2017. Revista bimestral, editada y publicada por over arts media 5. de r.l. de c.v., Gelati 6 400, Colonia San Miguel Chapultepec, México, CDMX. Teléfono 5666-5220, mediante convenio con Discovery, s.a. de c.v. Editor responsable: Daniel R. Rangel. Número de certificado de reserva 04-2013-041110444500-502, de fecha 2 de octubre de 2015-10-17, ante eI lnstituto Nacional del Derecho de Autor. Certiñcado de licitud de título No. 13026, de fecha 3 de Febrero de 2005. Certiñ cado de licit’ud de contenido 10599 de Fecha 2 de octubre de 2015, ambos con expediente número 1/432»05»/16969, ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en offset Santiago. Avenida Rio San Joaquin 436, Miguel Hidalgo, Granada, 11520 CDMX. Ninguna parte de esta publicación, incluyendo el diseño, puede reproducirse, almacenarse o transmitirse de ninguna forma, ni por ningún medio, sin previa autorización por parte de los editores. El contenido de la publicidad y de los artículos es responsabilidad exclusiva de los anunciantes y colaboradores. Los artículos escritos por colaboradores externos no representan necesariamente el punto de vista de la dirección editorial.

CONTENIDO

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Tools

AFFINITY: Vectorizando el futuro

BAKEA / IRAVILLE Dejando huella

Frame

GOBELINS Dando vida a la ilustraciรณn JAMIE HEWLETT La cara detrรกs de Gorillaz.

Wall

ALL CITY CANVAS Ilustraciรณn sin barreras 5

TOOLS

Affinity Designer es el software de diseño gráfico vectorial disponible más rápido, más delicado y más preciso. Affinity Designer es el software de diseño gráfico vectorial disponible más rápido, más delicado y más preciso. Tanto si está trabajando con gráficos para material publicitario, arte conceptual, proyectos de impresión, iconos, IU, experiencia de usuario o maquetas para páginas web, Affinity Designer revolucionará su forma de trabajar en MacOS y Windows. No solo tiene que tomarnos la palabra. Affinity Designer tiene una puntuación de 5 estrellas en más de 10.000 calificaciones de clientes de todo el mundo. Fue la Elección del Editor de Apple desde el primer día, como una de las mejores aplicaciones del 2014, y recibió el altamente cotizado Apple Design Award en el WWDC de junio de 2015 por su increíble rendimiento y capacidades. Orgulloso ganador de un Apple Design Award en 2015, Affinity Designer proporciona inspiración a la ilustración en una herramienta elegante y fuerte. La combinación de diseño vectorial y acabado rasterizado de manera natural en una herramienta, este ilustrador innovador le permite que sus ideas fluyan. Por hacerlo sencillo, su velocidad, potencia y precisión hacen que la creación de arte se sienta divertida y espontánea de nue-

vo, mientras proporciona resultados de alta calidad tanto en macOS como en Windows. “Nos hemos estado preguntando cuándo aparecería un rival serio, y Serif ha arrojado el guante en su fino estilo”. Expert Reviews

Applesfera

Adobe es dueña de la mayor cuota de mercado en cuanto a aplicaciones creativas se refiere. Sus Adobe Photoshop, Adobe Illustrator o After Effects entre otras son tan populares que resulta extraño cuando algún profesional del sector nos comenta que no las usa. Pero lo cierto es que no debería serlo porque cada vez hay más alternativas y algunas de tal calidad que lo extrañó es por qué no se usan más. Una de estas es la recientemente publicada Affinity Designer. En Applesfera ya os hablé de ella no hace mucho, una aplicación que llega para competir con Illustrator mediante el aporte de un conjunto de herramientas que facilitarán el trabajo a los diseñadores. Con una gran variedad de utilidades, opciones y modos de crear realmente atractivos. Por Timothy Hall

La interfaz de Affinity permite trabajar con una extensa variedad de herramientas para el desarrollo de imagenes vectoriales. Se ha posicionado como uno de los mejores y más completos programas desarrollados en el ambito de la ilustración.

@ BAKEA Juan Carlos Paz Ilustrador y escultor español que ha conseguido crear una obra original a través del diseño digital, la ilustración y la fotografía. Los indudables protagonistas de los trabajos de Bakea son sus particulares y tremendamente simpáticos monstruos.

“Y de golpe dejé de ser un niño, sólo las caricaturas y los cuentos ilustrados se volvieron mi pasión, y mi pizarrón era el patio de mi casa que era de tierra”. Mr. Kone

PRO 9

BIO G R A P H I T E Artista mexicano que se forjó una carrera y ha logrado destacar a nivel internacional en temas como dirección de arte, diseño e ilustración. Kone estudió Diseño de la Comunicación Gráfica en la Universidad Autónoma Metropolitana. Desde mediados de los años 90´s trabajó como fotógrafo para ONG´s, donde tuvo la oportunidad de exponer y viajar a diferentes países. En 1999, trabajó ilustrando y diseñando varias iniciativas para diferentes públicos, desde revistas infantiles hasta proyectos de cine, web y multimedia. Después de laborar en empresas y despachos de diseño durante años,Kone decidió independizarse en el 2004 y creó Kamikace Studio, para dedicarse sólo a la ilustración y sus aplicaciones. En el ámbito editorial, Kone desarrolló la nueva imagen y la dirección de arte de la revista Nickelodeon México y la primera revista de literatura infantil: El Vagón Literario, por la cual le otorgaron el Premio Nacional al Arte Editorial de Revistas Culturales CANIEM 2002. Ha trabajado para una infinidad de revistas y para clientes como MTV,SonyBMG, Universal Music, Canal 11, Telcel, Philip Morris, Sears,Cartoon Network, adidas, Mini Cooper, Nike, entre otros. También, ha sido invitado a dar numerosas conferencias y talleres sobre diseño en diferentes congresos; y su trabajo se ha publicado en varios libros y revistas nacionales e internacionales como Los Logos. Gestalten (2010);Libro por la Paz en Darfur. Amnistía Internacional (2010); Belio Magazine. Back to the roots (2009), entre otros. 10

Actualmente, Kone lleva la dirección de arte de la revista independienteMigala, sobre cultura, arte y diseño. También colabora escribiendo diferentes artículos para medios ligados al diseño y a la moda. Sumado a esto, el artista recién diseñó la edición limitada de la lata de Lipton IceTea.

Ilustración realizada para la canción “El baile y el salón de Café Tacva

Mr kone en domestika

Actualmente César Evangelista, cuenta con un curso online llamado “Ilustración para no ilustradores” partiendo de elementos cotidianos te enseñará a llevar la ilustración a un nuevo nivel técnico y conceptual. A partir de diferentes ideas, conceptos y técnicas emprenderás un camino de experimentación con métodos alternativos que te ayudarán a combinar procesos análogos y digitales en la ilustración. ¿Qué incluye este curso? Partirás de elementos que rodean tu vida diaria para desarrollar diferentes ideas que te permitan experimentar al momento de ilustrar a través de formas básicas como: círculos, cuadrados, rectángulos y trapecios para después pasar a las formas tridimensionales con las que crearás diferentes figuras. Trabajarás también con forma y volumen, crearás texturas a nivel análogo para después añadir aspectos más complejos a tus ilustraciones, combinando así técnicas manuales con programas específicos como lo son Photoshop e Illustrator. Por último realizarás una ilustración vectorial en Adobe Illustrator llena de realismo y calidad, aplicando todos los conocimientos y técnicas aprendidos durante el curso.

PRO ENTREVISTA ¿Porqué no nos cuentas un poco sobre quién eres y a qué te dedicas? “Soy comunicador y diseñador gráfico, trabajo y vivo en la ciudad de México. El año pasado cumplí 10 años de carrera profesional. Actualmente trabajo de manera independiente, para diferentes proyectos y empresas. Mi nombre real es César Evangelista Bautista y mi seudónimo es Mr. Kone. Tu trabajo no parece ser únicamente ilustraciones simples ¿Cómo consideras tu estilo, tu arte? “Bueno, más que un arte, la considero como gráfica personal interpretados mediante lo que conocemos como ilustración. Casi todos son propuestas personales, muchos de ellas tienen mensajes, algunas hablan de temas universales, otros son simples ideas que me vienen a la cabeza. Pero que sin lugar a dudas son parte de mi proceso de trabajo y madurez para empezar a hacer verdadera obra plástica. ¿De dónde provienen todos esos personajes? ¿Cómo es que les das vida? “Muchos son ideas y fijaciones. Algunos son la mezcla de mis gustos, imágenes perdidas de mi infancia. Casi todos son referencias de mis gustos de la infancia. Desde pequeño me hice adicto a las caricaturas, o mejor dicho a la televisión. Me encantaba ver las películas de Max Fleischer, algunas de Disney pero las sórdidas, al igual que todas aquellas series japonesas de los años 70s, 80s y 90. También la fuerte influencia de los videojuegos. Esos recuerdos 12

ahora los traigo y los transformo según mis gustos personales. ¿Cuál consideras tu mayor inspiración? “Mis hijos son una inspiración muy grande, muchas veces son los que me dan ideas, por su forma peculiar de ver las cosas, sus ideas muchas veces las trasformo.También los sueños y la memoria son dos elementos muy importantes. Dentro de mi exploración, retome elementos de mi cultura, como el trabajo de los artesanos mexicanos que hacen alebrijes en Oaxaca, de los huicholes que hacen sorprendentes trabajos de chaquira e hilo gusta estar quieto mucho tiempo.” Dentro de tu galería existen muchos trabajos, pero ¿Cuál es tu favorito? “Un favorito no tengo, más bien cada trabajo en su momento se vuelve el favorito, pero si tengo algunas que son los que no puedo dejar de ver, esos son los que cuando los veos siento que alguien diferente a mi los ha hecho. Muchas veces solo por puro gusto o como parte de un reto, me pongo metas y trato de desarrollar ilustraciones my complejas, son aquellas que no tiene un tiempo determinado de trabajo, puede que las termine en una semana, o un mes a veces hasta más tiempo” ¿Como decides que sentimiento expresará cada personaje? “Casi todos representan mi carácter y estado de ánimo, por ejemplo, como me gusta el tema de la dualidad, manejo la perversión y la inocencia. A veces separa-

das y muy puras en su trazos y técnicas, otras veces van mezcladas, pero son sólo pequeños detalles.Yo lo dividido entre lo funny y lo hard. Casi todos mis personajes son ambivalentes. Me gusta que las imágenes ingenuas a veces contengan temas más escabrosos, yo creo mucho en que no siempre lo monstruoso debe de ser horrendo. Muchas veces dentro de la misma inocencia de mis imágenes escondo ideas perturbadoras”.

AMATEUR ENTREVISTA Tu trabajo no parece ser únicamente ilustraciones simples ¿Cómo consideras tu estilo, tu arte? Trato de contar historias por serie de ilustraciones con varios personajes, no solo hacerlas al azar, empecé haciendo personajes como humanos pero últimamente me gusta hacer animales sin olvidar los rasgos humanoides. Amo sacar mis ilustraciones de la computadora asi que los hago en stickers y si puedo, playeras.

¿Porqué no nos cuentas un poco sobre quién eres y a qué te dedicas? Me llamo Eduardo Javier Medina Moreno y soy estudiante de diseño de la comunicación gráfica en la uam azcapotzalco, vivo en el estado de México específicamente en coacalco. Me llamó la atención la ilustración digital, pero lo tome formalmente hace dos años. Siempre fui mal estudiante y ahorita en la universidad me esta costando tratar de perder las malas costumbres que fui obteniendo con los años.

¿De donde provienen todos esos personajes? ¿Cómo es que les das vida? Empiezo por la idea, el sujeto, la pose y empiezo a bocetar. Como habia dicho, hago stickers así que hago las ilustraciones pensando en un set donde compartan características en común. Siempre me gustaron los personajes con apariencia agresiva, como la caricatura street sharks y una similar con dinosaurios los cuales tengo fijación desde mi infancia.

Dentro de tu galeria existen muchos trabajos, pero ¿Cual es tu favorito? Siempre que acabo una ilustración digo que es mi favorita jaja aunque si me tengo que quedar con una o dos, seria el lobo que es de mis animales favoritos y logre a mi parecer un buen nivel de iconicidad y el diablito, los dos los tengo en sticker para pegarlos en todas partes aparte de que los considero como mis logotipos o imagen personal. ¿Comó decides que sentimiento expresará cada personaje? Dependiendo del set que esté haciendo en el momento, por lo regular los hago con expresión agresiva o muy linda tipo kawaii. Siempre me voy a los extremos a muy feliz o muy enojados.

¿Cuál consideras tu mayor inspiracion? Las caricaturas antiguas que eran como muy surrealistas, no tenian tantas reglas o censura como las de ahora y pues me encanta su estetica por eso cuando puedo les hago los ojos asi. Mis artistas favoritos como mr. kone, netoplasma y su crew hungry design, amo su facilidad para crear personajes y su línea gráfica. El entorno donde vivimos que es hostil, así como las caricaturas antes mencionadas.

AMATEUR BIO G R A P H I T E Eduardo Javier Medina Moreno es estudiante de la carrera de DIseño de la comunicacion grafica en la UAM Azcapotzalco. Vive en el Estado de México. Desde muy joven se intereso por el diseño, la serigrafia y la ilustracion debido a su padre que trabajaba como jefe de taller de serigrafia en Pemex. Empezó de manera autodidacta viendo tutoriales en internet. Cuando vio los trabajos de ilustradores digitales como Mr kone, Jthree, netoplasma, news, etc. Se empezo a interesar por la ilustracion vectorial. Al acabar la preparatoria se tomo más en serio la ilustracion asi que practico en su año sabatico. Siempre ha tenido la fijación por hacer indumentaria pues le gustaria ver sus diseños en movimiento en lugar de estar fijos en alguna pantalla y aunque no tiene una marca, ha sacado varios modelos. 14

GOBELINS DANDO VIDA A LA ILUSTRACIÓN

FRAME

Una de las evidencias de que el mundo del arte está cambiando radica en que las fronteras que dividían el diseño, la ilustración, y la pintura. En la actualidad una gran cantidad de obra artística que se exhibe en internet, es o tiene un toque de ilustración. Sin duda alguna es una tendencia sumamente popular entre los jóvenes, pero ¿Podría la ilustración posicionarse en el mundo del arte? La ilustración impacta a la sociedad por diversas vías: publicidad, libros, revistas, cine, política, imagen corporativa o institucional, e incluso animación. No sólo se utiliza para describir información textual de forma práctica, sino que sabe interpretar esa información y puede expresar hasta los conceptos más sutiles. En muchas ocasiones la ilustración tiene una fuerte carga humorística.Esta disciplina visual de co16

municación conceptual está floreciendo muy rápido. Usada correctamente, la ilustración puede llegar a tener un alto impacto emocional, con posibilidades inagotables de estilos. Algunos estilos muy populares en la ilustración son: Arte vintage, inspirado en flora y fauna, creación de personajes, collage, arte fosforescente, surrealismo y 3-d con papel. En la ilustración se filtran técnicas como lápiz, carbón, aerógrafo, plumón, pintura, collage, aplicaciones y deconstrucciones. Incluso existen ilustraciones híbridas que incorporan dibujo manual y por computadora, diseño gráfico, tipografía y fotografía.

Prácticamente no hay diferencia entre las técnicas utilizadas por un ilustrador comercial y un artista visual, especialmente en el arte contemporáneo; entonces ¿en que radica la diferencia? Lo que los hace diferentes es la intención por la cual son creados. En palabras de Ayn Rand el arte “es una re-creación selectiva de la realidad de acuerdo a los valores y juicios del artista”. Mientras que la ilustración es creada con el fin de promover algo más: carteles, portadas para libros, discos o teatro que pueden o no ir de acuerdo con las ideas y valores del artista. El arte, a su vez, demanda talento, estudios de dibujo, proporciones, etc. No así la ilustración, pues acepta diferentes niveles de ejecución artística; se requiere más ingenio que talento artístico, y por lo tanto le da oportunidad a mayor cantidad de personas de poder expresarse libremente. Además, la ilustración (especialmente la que es digital) utiliza poderosas herramientas de software que poten-

cializan la expresión de la imaginación y la creatividad humana de forma magistral. Otra diferencia entre arte e ilustración, es que el arte existe generalmente en forma física mientras que la mayoría de las ilustraciones existen en formato digital. Por su estrecha relación con la publicidad, la ilustración todavía encuentra dificultad para hallar un lugar en el arte; aunque hay un boom que ha llamado la atención de los coleccionistas en esa dirección a nivel mundial. Lo que ha dado pie a que los ilustradores se conviertan en artistas visuales, imprimiendo series numeradas de su obra en giclée para que los coleccionistas puedan tenerlas físicamente. Gran cantidad de artistas contemporáneos, especialmente los jóvenes, tienen un estilo “ilustrativo” muy en boga en las páginas de arte y diseño, la ventaja que esto ofrece es que entra en ambas categorías: se puede vender como arte

o utilizar como publicidad. Muchos artistas que iniciaron como ilustradores ahora son famosos artistas visuales y su obra es coleccionable. La ilustración ha tenido una gran influencia en nuestra sociedad durante décadas, ha sido capaz de motivar a la sociedad para unirse a una causa, transmitir toda una filosofía, ha establecido estilos, íconos de una época. Su aportación social ha sido enorme, pero en el plano individual lo que importa es ¿a dónde nos lleva la ilustración?, ¿qué nuevas sensaciones es capaz de inducir?, ¿cómo moldea nuestra imaginación?, ¿cómo es capaz de inspirarnos?

Théo Guignard es uno de los ilustradores digitales y contemporáneos más prometedores en la industria de la animación.

Como resultado se puede notar la huella artística que promete GOBELINS en los cortos animados como “Le Royaume” o “Eclipse”, que hasta ahora han tenido más de un millón de visualizaciones en YouTube. Gobelins L’École de L’Image o Gobelins, es una escuela parisina de artes visuales. Más conocida por el Departamento Cinematográfico de Animación, fundado en 1975 por Pierre Ayma, que puso la escuela en el centro de atención de Disney, Universal, Hanna Barbera, Pixar, DreamWorks y Warner Bros. Sus ex alumnos incluyen a muchos dibujantes de tira y artistas de animación como Didier Cassegrain, Cromwell, JeanFrançois Miniac y Pierre Coffin. La facultad incluye líderes de la industria de clase mundial como Michel Bouvet. Esta es una de las escuelas más prestigiosas en el mundo cuando se trata de animación. “Shark Tale” y “The Triplets of Belleville” son dos de los muchos logros de los graduados de GOBELINS. Están presentes en famosos estudios de todo el mundo y constantemente entregan obras maestras en las pantallas. Por ejemplo, el estudio americano DreamWorks es donde muchos animadores de GOBELINS pulen sus habilidades, incluyendo a Eric Bergeron quien es el director de “Shark Tale”. Además, la exitosa serie televisiva “Code Lyoko” presenta personajes creados por ex alumnos de GOBELINS. A lo largo de los años, Gobelins ha introducido innovaciones importantes en contenidos multimedia, desarrollando productos para la web, CD ROM, DVD interactivo e instalaciones públicas. El departamento de video, creado por Daniel Boullay y Guy Chevalier para la formación de artistas digitales y animadores, se ha destacado desde 1985 en el panorama audiovisual técnico francés. 18

Dirigido por Daniel Desmoulins, el departamento de video permite a los profesionales crear o analizar técnicas, mantenerse al día con la rápida evolución de las tecnologías de la industria, incluso Gobelins también ofrece instrucción en fotografía y diseño gráfico. Operado por la Cámara de Comercio e Industria de París, GOBELINS siempre ha sido actualizado con las necesidades de las empresas y ha mantenido una tasa récord de colocación de empleo para los estudiantes graduados. “Siempre hemos mantenido los avances tecnológicos”, dijo Eric Riewer, director del departamento de animación cinematográfica. “Las películas de hoy son predominantemente las características 3D creadas en las computadoras. Ofrecemos formación para animadores 3D,

el trabajo menos común en la animación y también el más difícil, ya que requiere técnicas específicas, habilidades y experiencia. Nuestros estudiantes tienen su propia especialización, pero también pueden adaptarse a otros entornos gráficos e integrar cualquier cadena de diseño con notable rigor y competencia técnica “. Este gran logro de GOBELINS se debe a un secreto: “Nunca hemos dado la espalda a nuestra primera área de especialización: el dibujo”, agregó Eric Riewer. De hecho, la capacidad de dibujar es uno de los principales criterios de selección de GOBELINS. Por lo general, reduce a los estudiantes admitidos a 25 de los primeros 850 candidatos en promedio. El resultado es que

los estudiantes del departamento de animación pueden producir no sólo películas, sino también hermosos bocetos y diseños de personajes. “Nunca le hemos dado la espalda a nuestra primer área de especialización: EL DIBUJO” dijo Eric Diewer, Dierector del departamento de animacion cinematrográfica. Para nutrir a estos genios en su manera de convertirse en amos, GOBELINS proporciona las mejores instalaciones junto con los mejores instructores tales como Glen Keane de Pixar, el creador de “Tarzan” y “Los Increíbles”. Como resultado, un extraordinario sentido de la poesía, la originalidad y el humor siempre se presenta en el trabajo de los estudiantes, especialmente los cortos de

graduación de animación. Estas películas se muestran durante la ceremonia de apertura del Festival de Annecy, el festival de animación más grande del mundo, y siempre se dan innumerables premios. Por Marco Garrido

Los cortometrajes animados que maneja Gobelins han sido bastante aclamados por la crítica, representando a la parte fuerte de la animación.

JAMIE HEWLETT LA CARA DETRÁS DE GORILLAZ

FRAME

Actualmente, la imagen de una banda parece ser lo más importante para su crecimiento en la escena musical. A partir de lo que manifiesta de sí a través de sus relaciones públicas, su apariencia física, los videoclips, el arte de los discos, su logo, etc., se pretende que la música sea consumida por aquellos que sienten empatía con las personas físicas y su estampa.La carta de presentación de una banda para quien no conoce su música, en el tiempo que actualmente corre, no es la música en sí misma, si no como se ve, su estilo, su forma de relacionarse. Por ello, a veces llega a cobrar mucha más importancia estructurar una buena estrategia de publicidad que crear una obra de calidad.En este contexto, dos personas un buen día empezaron a hacer que un segmento del público se 20

cuestionara esta situación. Si muchos de los artistas que se escuchan en la radio son concebidos artificialmente, entonces es posible que una banda no exista, y, que aun así, tenga éxito. Esta idea corrió a cargo de Jamie Hewlett, co-creador de la banda virtual Gorillaz, junto con Damon Albarn. Jamie Christopher Hewlett es el padre que lo otorgó genes fenotípicos a cuatro personajes muy característicos: Murdoc, Russel, 2D y Noodle. El diseño que les dio vida ha creado un universo ficticio en donde éstos cuatro tienen una banda que, en la realidad, causan un furor impresionante en el público. Una correlación interesante entre lo que existe y lo que no.

Hewlett es un artista de cómics, diseñador y director nacido en Horsham, Reino Unido. Empezó su carrera mientras estudiaba el bachillerato de una manera amateur para, posteriormente en la universidad, crear junto con Alan Martin y Phillip Bond (colaborador en la serie editorial Vértigo de DC) un fanzine llamado Atomtan.Después de la universidad, en 1988, Hewlett y Martin fueron convocados por la revista Deadline, dedicada a conglomerar cómics de artistas británicos, intercalados entre artículos de música y cultura.Ya con cierta experiencia, los dos jóvenes, sedientos de irreverencia y anarquía, crearon uno de los trabajos de cómic más populares de Hewlett: Tank Girl. Con el renombre que poco a poco le daba Tank Girl, Hewlett empezó a trabajar en más proyectos dentro del mundo del cómic, y, como la naturaleza de Deadline le daba acceso a ello, empezó a colaborar en algunos artwork para bandas musicales.

Para 1992, Hewlett era reconocido como uno de los mayores y mejores creadores en la industria del diseño. Mientras esto tenía lugar, en 1990, una persona de nombre Graham Coxon, como fan del trabajo de Hewlett, pidió que le realizara una entrevista a la banda que recién había formado para verla publicada en Deadline. La banda de Coxon tenía como nombre Blur, la cual contaba con Damon Albarn como integrante. A pesar de la primera impresión no tan grata que se causaron, Albarn y Hewlett terminaron compartiendo un departamento en 1997.Y fue en ese periodo cuando, mientras estaban en casa viendo MTV, se percataron de que todo lo que se presentaba en la pantalla carecía de sustancia, y decidieron que tenían que hacer algo al respecto. En una entrevista, Hewlett y Albarn recibieron un comentario acerca de cierta paradoja: a pesar de ser una banda “no-real”, Gorillaz era mucho más real que cualquier

boyband, a lo que Hewlett respondió: “Exactamente. Si vas a pretender ser alguien que no eres –que es el punto de ser un rockstar– entonces, ¿por qué no inventar personajes falsos y hacer que hagan todo por ti?” Y lo que logró Hewlett a partir de sus diseños, fue dotar de personalidad a cuatro personajes, impregnándolos de su propio sentir y forma de ser. 2D y compañía son la representación de la música de Albarn y la imagen personal que Hewlett quiere que el público vea, sin dejar explícito que es él quien está hablando. La comunicación es a partir de trazos. En su serie de cómics Tank Girl, Hewlett muestra una explosividad que se inspiraba en la agresividad e irreverencia del movimiento punk. “Era fácil, en los politizados finales de los ochenta e inicios de los noventa, identificarse con la actitud agresiva de Tank Girl, su humor atrabancado y su sexualidad”, refiere el blog Dan Thompson Studio. La historia mostraba,

a partir de visuales tendentes al desacato, la desorganización, la anarquía, el absurdo y la psicodelia, a una chica llamada Rebecca Buck, quien maneja y vive en un tanque de guerra. Sus aventuras se trazan en una sociedad post-apocalíptica, y se enfocan en su vida como una rechazada por la sociedad y la política, acompañada siempre por Booga, su enamorado novio canguro mutante. Este estilo se ve reflejado también en sus otras obras. Monkey: Journey to the West es una adaptación de la novela de Wu Cheng’en. Esta obra está producida bajo la dirección de Chen Shi-Zheng, con las colaboraciones creativas de Albarn y Hewlett. El desarrollo de éstos últimos sigue alcanzando nuevas escalas en las formas de innovación de distintas historias y plataformas.

En entrevista para Consequence of Sound, acerca de sus influencias, Hewlett declaró: “Solía leer la revista Mad, en realidad. Cuando Alfren E. Neuman dirigía Mad, solía ser un gran fanático de artistas como Brune, Mort Drucker, Jack Davis y todo eso cuando era más joven. Y un montón de artistas peculiares también. Estaba ese artista particular llamado Giles, quien solía hacer tiras satíricas en los diarios, y amaba su trabajo”. Esta forma de agredir a lo que podrían ser las buenas costumbres y lo establecido es lo que caracteriza el trabajo de Jamie Hewlett. Su estilo se define bajo la influencia de distintos dibujantes, fusionado con su necesidad de decir algo con su técnica, algo que sea real y que choque con las mentes de sus receptores. Esto fue lo que le llevó a ganar en 2006 el premio de “Diseñador del Año” por parte del Desing Museum.

Actualmente, Hewlett no ha parado en cuestión de proyectos. La última noticia suya es que Gorillaz lanzará su nuevo álbum, Humanz, el 28 de abril. Contará con participaciones como las de Jehnny Beth de Savages, Benjamin Clementine, De la Soul, Pusha T y Danny Brown. Su primera escucha será lanzada por medio de una App, en lo que Albarn describe como “una grabación de fiesta acerca del mundo volviéndose pinches loco”. Se puede estar seguro que el trabajo conjunto de Jamie Hewlett con Damon Albarn dará frutos al retorcer las mentes de sus escuchas, penetrando a través de las imágenes creadas de manera totalmente artificial, pero generando un sentimiento real de querer romper los escrúpulos propios. Todo ello para poder hacer de lo irreal algo tangible. Por Janna Moya Personajes que conforman la banda de Gorillaz, en orden de izquierda a derecha: 2-D, Noodles y Murdoc

Mural realizado por Agostino Lacurci, artista italiano que se ha convertido en una de las caras más prometedoras del muralismo contemporáneo.

All City Canvas comenzó en 2012, inspirado en el movimiento muralista mexicano, como uno de los festivales de arte urbano más importantes del mundo. Desde entonces hemos evolucionado en nuestra manera de difundir los mensajes y nos hemos convertido en una de las plataformas de arte más influyentes; impactando a más de cinco millones de personas a nivel mundial.

WALL

Somos una plataforma en la que se produce y promueve arte urbano y contemporáneo, además de cultura y diseño a nivel mundial. Smithe fue el encargado de pintar un muro en Factory Fresh (Brooklyn, NY), lugar donde han pintado artistas como Billy Mode, Pat Voke, Yakita Fields, etc. Quizá parezca un poco extraño que un mexicano se encargue de intervenir un muro en Nueva York, sin embargo, la diferencia entre escenas y culturas no es tan distinta. Al respecto, Víctor Hugo Celaya, uno de los fundadores de ACC, nos comentó: “Es muy interesante. De hecho, las personas del New York Times preguntaron si había alguna semejanza entre la escena de México y Nueva York. Yo diría que las dos se parecen muchísimo. A lo mejor la Ciudad de México está viviendo una evolución que NY vivió hace años. La cultura ha ayudado a regenerar ciertas zonas de la ciudad. Nosotros lo vemos si caminas por la roma, condesa, juárez, ya ha cambiado toda la zona. Lo mismo pasó en NY, antes no podías meterte a Brooklyn, por ejemplo. La escena en México es grande. Está creciendo. Los artistas mexicanos se están haciendo notar en el D.F. que es la cuna de la escena. Yo creo que eso está ayudando a que se hagan nuevas cosas“ Víctor habla con un tono realmente apasionado y entusiasta acerca del graffiti. Es un gran tipo que tiene perfectamente claro lo que quiere hacer y, sobre todo, lo que está haciendo.

Acerca de la atención que ha llamado este proyecto alrededor del mundo y el futuro de los festivales, apuntó: “Los festivales de Arte Urbano van a seguir existiendo, no de forma económicamente sustentables a largo plazo. Hay que empezar a moverse de eso. No queremos que ACC sea un proyecto que muera, sino que sea algo que rompa fronteras. Queremos que esta idea llegue a todos lugares.”. Este año, ACC tuvo una colaboración con Tony Delfino para una línea de T-Shirts que muy especial. Invitaron a un artista reconocido para cada colaboración. Se hacen dos versiones de playeras: una es un diseño único exclusivo para All City Canvas que no se va a volver a imprimir en ningún otro lugar. Además, la premium, es una camiseta con un artista exclusivo, pero solamente cuenta con 65 de esas camisetas que están seriadas y acompañadas de una serigrafía. Por Nicolas Muños

Mural en Fresh Factory Brooklyn, NY

Acerca del futuro del festival, Víctor nos comentó, “la siguiente parada es San Francisco. Hay más planes, pero todavía se están cocinando, sin embargo, asegura que quieren crecer lo más que se pueda en colaboraciones, conectar ciudades a través del livestream para sea una experiencia completa. En fin, All City Canvas busca reinventarse con cada edición.”

@ IRAVILLE Ira Sluyterman van Langeweyde Ilustradora y diseñadora de personajes alemana amante de las acuarelas, mismas con las que ha conseguido crear obra original e inédita. Sus paisajes frios y sus cientos de personajes, le han consolidado un estilo cálido, basado en la representación plana.

CHECK IT

PLAYLIST La playlist perfecta para crear

Muchas veces, la mejor escapatoria de todo el estrés del trabajo y de la vida cotidiana es tomarse un momento para hacer algo que realmente disfrutemos. Ese hobby que logra hacernos olvidar el mundo exterior y nos brinda una indescriptible satisfacción. Hay quienes les encanta tejer, correr, o incluso ser voluntarios en alguna fundación de beneficencia. Pero hay otros que también usan su creatividad e imaginación para plasmar sus pensamientos en un lienzo. Ilustrar, pintar o dibujar se puede convertir en una actividad tan relajante, que debe estar acompañada de buena música para que ese instante sea perfecto. Creatividad 2.0 de Entrepreneur Mx

Impulso creativo de Spotify

Para pintar de The happening MX

ART TOYS POR KAWS

¿Que es un art toy?

Los Art Toys, o Designer Toys, son Figuras Coleccionables (y en ocasiones muy exclusivas) creadas por un Diseñador. Pero, ¿son realmente juguetes? Aunque sus diseños suelen estar inspirados en toys, no van dirigidos al público infantil, sino a adultos, la mayoría interesados en el arte, el coleccionismo y a los que le encante tener su casa llena de estanterías repletas de figuras (sí, lo decimos por experiencia propia). Y es que los Art Toys no suelen estar pensados para jugar, sino más bien para ser expuestos. Para algunos, la figura del juguete trae recuerdos de tiempos mejores, otros piensan en ellos como piezas de arte, mientras que otros sólo pretenden ampliar la colección de su plataforma favorita. Disfrútalos como más te apetezca y si quieres jugar con ellos: juega.

¿Quién los diseña?

Hay tantos creadores que sería imposible nombrarlos a todos. En general, se trata de artistas relacionados con el Arte Urbano, la Ilustración o el Diseño de Personajes, aunque los hay con todo tipo de backgrounds.

Si bien hay muchísimos Art Toys de diseño original, también existen figuras prediseñadas (plataformas) que funcionan a modo de lienzo en blanco para que los distintos artistas las adapten a su estilo. En Zona Toys podréis ver muchos ejemplos de ellas, como los Labbit, los Be@ rbrick o los Qee.

¿De qué están hechos?

Un Art Toy puede estar hecho prácticamente de cualquier material. Los más habituales sin embargo, son: Vinilo, madera, papel y plush. Pero también los hay en muchos otros materiales como: Leather, Resina, Cerámica, Metal, etc.

Diseño al alcance de todos

A simple vista, tal vez puedan parecer caros para ser un juguete, pero también baratos si los consideramos pequeñas obras de arte, cuidadosamente diseñadas y producidas. Aunque sin duda, el mundo de los Art Toys también es un negocio, pensad que normalmente estamos hablando de tiradas muy limitadas (a veces piezas únicas) y la exclusividad se paga.

Además, tened en cuenta que algunos diseños pueden llegar a tener un gran valor artístico. Los Art Toys más exclusivos se coleccionan como piezas de arte contemporáneo, y sólo se pueden encontrar en galerías de arte contemporáneo e incluso museos. Por Gabriel Parra