Andy Warhol by Dan Ramírez

Dan RamĂrez

www.Woltwix.com

Andy Warhol (1928-1987) Heinz Tomato Ketchup Box, 1964 silkscreen ink and house paint on plywood 8 1/2 x 15 1/2 x 10 1/2 in. (21.6 x 39.4 x 26.7 cm.) The Andy Warhol Museum, Pittsburgh.

Si desea información acerca de las nuevas publicaciones de WOLTWIX, solicite nuestra revista en www.woltwix.com o escríbanos a WOLTWIX, C/ Dan Ramírez, 1, 2° Dcha., E-19008 Alajuela, Costa Rica, fax: +506-249555-57. Nos complacerá remitirle un ejemplar gratuito de nuestra revista, donde hallará información completa acerca de todos nuestros libros. © 2013 WOLTWIX GmbH Alajuela, D-50678 C.R www.woltwix.com © 2013 Andy Warhol, NY Redacción y Producción: Dan Ramírez, Alajuela Layout: Stefany Corrales y Maria F. Cordero, Alajuela Diseño de portada: Dan Ramírez Jiménez Printed in Costa Rica ISBN 3-8228-1230-8

“Las máquinas tienen una vida más fácil. A mí me gustaría ser una máquina, ¿a usted no?”

Dan RamĂrez

Editorial WOLTWIX

Índice 6

Prólogo

Andrew Warhola La Familia Estudios

8 10 12

Warhol y el Pop Art

Warhol y las imágenes publicitarias Campbell´s soup can I 80 two dollar bills (front and rear) Gold Marilyn Monroe Coca-Cola green bottles

24 32 36 38 40

Temáticas

The Factory

Andy Warhol

Línea del Tiempo

Bibliografía

los convierte en íconos, basándose siempre en el consumismo y con la idea de reproducir sus obras como si fueran elaboradas por máquinas. Siempre se caracterizó por ser un individuo reservado, su vida se basó en representar un personaje. Dentro de los campos en los que desarrolló su obra encontramos la pintura, el dibujo, la música, el cine y más.

Prólogo

El Pop art fue un movimiento artístico que pertenece al grupo de las vanguardias y se caracteriza por el uso de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios, la publicidad, objetos banales de la cultura popular, comics, la música, el cine y más. Su objeto primordial fue tomar estas imágenes y separarlas de contexto, dándoles otro significado, en este caso, la crítica al sistema de masas y el capitalismo que imperaba sobre todo en los Estados Unidos.

Andy Warhol revolucionó la forma en que se veía el arte, convirtiéndoEn este contexto, más la suma de los lo el algo más accesible y equitatiperiodos de guerras y la situación vo por decirlo de alguna forma para turbulenta que enfrentaba el mundo todas las personas. nace Andrew Warhola, de familia Checa que emigran a los Estados Unidos “En el futuro todo el mundo será fadonde se instalan en Pittsburgh. Andy moso durante quince minutos. Todo Warhol, nombre que adquiere por una el mundo debería tener derecho a equivocación en la publicación de un 15 minutos de gloria” dibujo, es conocido como el principal exponente de esta vanguardia, el Arte Pop. Debido a su condición de “extranjero”, Warhol entiende la cultura estadounidense de otra forma y desarrolla su obra basándose en la crítica al consumismo y capitalismo de gran fuerza en el país norteamericano, Warhol toma imágenes de la cultura y

Andrew Warhola “Si quieres saber todo sobre Andy Warhol, basta con ver mis pinturas y películas y allí estoy. No hay nada más”

Andrew Warhola La familia

Andrew Warhola con alrederor de 9 años, 1938.

Andrew Warhola nació en Pittsburgh el año 1928 en el seno de una humilde familia de emigrantes checos. Era el pequeño de tres hermanos y siempre fue el más mimado por su madre Julia. El padre, Ondrej, era minero, y trabajó muy duramente para poder mantener a su familia, e incluso llegó a poseer una pequeña fortuna que guardaba con todo cuidado por si un día ocurría alguna desgracia.

El suceso más traumático de la vida familiar de Andy Warhol se produjo cuando contaba con catorce años, este fue la muerte de su padre tras tres años de enfermedad causada por beber agua envenenada en una mina de Virginia donde trabajaba; dejando a la familia en una situación un tanto difícil al haberse gastado gran parte de los ahorros en el tiempo en el que el padre no había podido trabajar.

Desde muy pequeño, Andy Warhol –nombre que adoptaría a raíz de la publicación de un dibujo suyo en un periódico en 1949, en el que, parece que por error, se omitió la “a” de su apellido- sentía predilección por dibujar. Su madre le ayudaba y pasaba muchas horas con él, leyéndole historietas de comics en un inglés chapurreado, de los que Andy apenas entendía una sola palabra. No obstante, valoraba mucho que su madre estuviera con él hasta que se dormía.

Era la primera vez que Andy Warhol se enfrentaba a la muerte; el miedo y la angustia se apoderaron del joven, que tuvo que refugiarse en casa de su tía para no tener que estar en bajo el mismo techo con su padre muerto. El horror de la muerte y todo lo que ésta implica –separación, cese, ruptura, soledad, interrogantes de todo tipo- se pusieron de manifiesto ante un Warhol adolescente que ya nunca podría olvidar este trance.

El hecho de que a los ocho años contrajera la enfermedad de tipo nervioso, conocida vulgarmente como el baile de San Vito, acentuó si cabe la estrecha relación afectiva que siempre existió entre Andy y su madre Julia, pues ella aún so volcó más en su hijo y le ayudó con paciencia y mucho cariño a superar la enfermedad. La intensa relación entre madre e hijo so forjó en aquella época, y lo cierto es que duró toda la vida. Warhol estuvo siempre muy unido a su madre y, prácticamente no se separó nunca de ella.

Andrew Warhola con 3 años de edad junto a su madre Julia y su hermano mayor John, 1932. The Andy Warhol Museum, Pittsburgh.

Andrew Warhola Estudios

Una vez concluidos sus estudios en la escuela, Warhol se matriculo en 1941 en el instituto Schenley, cuyo departamento de arte tenía una cierta fama. En Pittsburgh, tal como apunta Víctor Bockris, existía un buen ambiente para desarrollar estudios de arte, porque no puede dejar de tenerse en cuenta que era el lugar de los grandes coleccionistas como los Carnegie, los Frick o lo Mellon, y esto tenía una serie de consecuencias, pues se convocaban becas y premios y, de este modo, se promovía el interés por el arte. Por aquellos años Warhol realizaba ya una obra dibujística bastante interesante e incluso buena. Fue una época en la que el joven aprendió a someterse a un horario, a trabajar a un ritmo determinado, y lo que es más importante, a desarrollar ideas propias ya tener sus enfoques, distintos de los de sus profesores.

Andrew Warhola en sus tiempos de estudio en el instituto Carnegie de Tecnología.

Ya por aquel entonces los medios de comunicación ejercieron una notable influencia sobre Warhol y, aunque la mayor parte de las noticias que se oían por la radio o se leían en la prensa estaban relacionadas con la segunda guerra mundial, también había toda una serie de informaciones dedicadas a desastres como los relacionados con accidentes de coches, ferrocarriles o aviones. Pero quizás fue el cine lo que más atrajo a Warhol desde siempre. Ese mundo irreal en el que cobraban vida los más diversos personajes, interpretados por aquellos grandes actores del star system, tuvo una importancia decisiva, no solo en la vida del artista, sino en la concepción de su obra. Sentía una auténtica fascinación por las películas musicales y, en más de una ocasión, se le pudo oír decir que le hubiera gustado ser bailarín de claqué.

Andrew Warhola Estudios

Después del instituto, Warhol fue aceptado por la Universidad de Pittsburg y por el instituto Carnegie de Tecnología. Decidió asistir a las clases de este último, porque el departamento de Bellas Artes se consideraba mucho mejor que el de la universidad. El Carnegie Tech- así era como se le llamaba- estaba situado en uno de los barrios residenciales de la cuidad y contaba con un profesorado especializado en diseño que, poseía ciertos puntos de contacto con la escuela de la Bauhaus alemana. Se recomendaban los textos de Moholy-Nagy y de Paul Klee y, de algún modo, este hecho debió de tener su influencia, años más tarde, en la obra de Warhol, aunque este no lo reconociese. En relación con Klee, puede decirse que el propio Warhol admitió en más de una ocasión que los dibujos del pintor alemán le gustaban mucho, y lo pudo ratificar en su primera visita a New York en 1948. Fue en el MOMA donde pudo ver directamente del natural las pinturas de los artistas que en aquella época más le interesaban, como Picasso, Matisse o Klee. Durante toda la época de estudiante Warhol vestía muy mal, dando la sensación de que realmente todas las cuestiones relativas al vestir no le preocupaban lo más mínimo. Sin embargo, con el paso del tiempo y, sobre todo, en cuanto comenzó a trabajar y a ganar dinero, su aspecto empezó a cambiar. Fue a partir de 1948 cuando Warhol empezó a forjarse una imagen de sí mismo, en la que

se veía como dandy y como artista. En 1954, ya instalado en Nueva York, Warhol se enamoró de Charles Lisanby y, quizás, este hecho fue el desencadenante de que el artista desease más que nunca tener buen aspecto. Así, acudió a un gimnasio y empezó a adelgazar, consiguiendo por primera vez en su vida un aspecto que ya no le desagradaba tanto. Los testimonios de sus amigos son, en general, un tanto contradictorios. Algunos critican la dureza con que era capaz de tratar a la gente en determinados momentos. Otros, por el contrario, hablan de un Warhol condescendiente y de fácil trato. A veces se destaca su tacañería, mientras que, en ocasiones, se dice que era extraordinariamente generoso. Lo cierto es que tiene la sensación de que uno se enfrenta a un personaje polifacético y camaleónico que era capaz de adoptar su personalidad a cada circunstancia con la finalidad de conseguir lo deseado.

Warhol y el Pop Art

Andy Warhol (19281987) Female Fashion Figure, 1950. ink and Dr. Martin’s Aniline dye on Strathmore paper. 72.5 x 57.3 cm

“El Pop Art trata de las cosas que te gustan. Yo creo que todo tendría que gustarle a todo el mundo. Que te guste todo es un poco como ser una máquina. Hacer lo mismo una y otra vez”

Warhol y el Pop Art Andy Warhol (19281987) Silver Liz, 1963. silkscreen ink, acrylic, and spray paint on linen 101.6 x 101.6 cm. The Andy Warhol Museum, Pittsburgh.

Si bien bajo el nombre de ´´Pop`` suele clasificarse a toda una serie de artistas y tendencias que marcaron época e iniciaron durante la década de los 50 la vuelta a la figuración (con antecedentes directos como Dada, Marcel Duchamp, el movimiento surrealista, K.Schwitters, John Heartfield), no cabe duda de que las más importantes e influyentes personalidades del arte Pop aportan una visión muy original al respecto. Esta es la posición de Andy Warhol en Nueva York. En el caso de Warhol, su producción presenta ciertos ejes temáticos imprescindibles para captar, al menos en parte, la travesía de sus creaciones: por un lado su interés en el sueño, retomando algunas de las concepciones surrealistas, lo que derivaría en el crudo desnudamiento del fracaso del sueño americano. Todo esto en estrecha relación con las discusiones que ganaron relevancia durante el mayo francés: la violencia y la muerte imperantes en el tipo de relaciones que, consciente e inconsciente, la sociedad de consumo propaga; la triste objetualización del amor y de los afectos en un mundo mecánico; los símbolos del ´´status``, los mitos de masas estereotipados, la publicidad de la era tecnológica, el ´´boom`` comercial y el pronto desgaste de los objetos obsolescentes. En cierta manera Warhol era un artista de lo siniestro, como en su obra “80 billetes de dos dólares, (anverso y reverso)”, él enseñaba la cara amable del consumismo, de la sociedad americana, y después en el reverso se veía las miserias de esa misma sociedad. La otra cara de América.

Cuando Andy Warhol comienza a desarrollarse como artista, estaban sucediendo una serie de cosas en el mundo y más específicamente en los Estados Unidos. Más o menos en la década del 50 se comienzan a ver en Estados Unidos algunos cambios muy importantes, como por ejemplo que este es el periodo de la posguerra y la gente está profundamente marcada y dolida por esta situación, por esto surgen todo tipo de estrellas y Superhéroes que se encargarían de subir el autoestima de la población estadounidense. Todos estos personajes llegan a las familias a través de la televisión, que es el gran invento que en la época y gracias al enriquecimiento que sufre el país casi la mitad del país poseía una T.V. Es así como también con la cantidad de dinero que la gente poseía el país cae en otro problema, el del consumismo, dado que la T.V. en conjunto con un alza en el dinero familias daban a la gente un sinfín de posibilidades de cosas que podían obtener para tener una vida más cómoda y mejor.

Warhol y el Pop Art

La gente común y todo el mundo en general en los Estados Unidos ahora sólo se preocupan de superficialidades de la imagen externa, del dinero, de las posesiones y olvida los verdaderos valores. Tenemos entonces a un personaje que tiene una cultura diferente a la americana ya que sus padres son extranjeros y su madre con la que más estuvo hablaba poco inglés, es por este motivo que Andy es más perspicaz que cualquier americano, incluso se podría decir que Warhol era un visionario, ya que él nota de inmediato cualquier particularidad en la cultura americana, se intuye que esas particularidades no solo formarían parte

de idiosincrasia norteamericana, sino que formaran parte de las señas de identidad del capitalismo o agudizando más, serán los emblemas de la sociedad de consumo. Andy Warhol sigue al pie de la letra esta imagen y su obra también. Los temas de sus obras son por ejemplo las estrellas de cine y todo lo que a estas las rodea, toma como sus mejores ejemplos a Marilyn Monroe, a Elvis Presley y Elisabeth Taylor, porque ellos representan el deseo de fama de la gente normal y dan una esperanza ya que ellos fueron normales.

Andy Warhol (19281987). Triple Elvis, 1963. Acrylic and silkscreen ink on canvas. 82 x 118 in. (208.3 x 299.7 cm). Doris and Donald Fisher Collection at SFMOMA.

Andy Warhol (19281987) Orange Car Crash Fourteen Times

Andy Warhol (19281987) Female Fashion Figure, 1950. Ink and Dr. Martinâ&#x20AC;&#x2122;s Aniline dye on Strathmore paper.

Warhol y las imagenes publicitairas 24

Andy Warhol (19281987) Close Cover before Striking (Pepsi Cola), 1962.

“La idea no es vivir para siempre, es crear algo que sí lo haga”

Warhol y la imágenes publicitarias

Andy Warhol (1928– 1987) Untitled (Woman’s Shoe) 1955.

La primera etapa de la trayectoria artística de Andy Warhol se desarrolló durante diez años, en concreto, en la década de los cincuenta, en los que Warhol se dedicó prioritariamente a desarrollar su trabajo en el campo de la publicidad. Su tarea como dibujante había comenzado muy temprano, pero se da como fecha de inicio de creación de dibujos interesantes y con rasgos personales el año 1949. Fue entonces cuando Warhol presentó a la institución de Artistas Asociados de Pittsburgh un dibujo que representaba un niño con un dedo metido en la nariz. Tanto el tema como el estilo de la obra recordaban algunos atrevidos dibujos de George Grosz, quien precisamente formaba parte del jurado al que el joven artista había presentado el dibujo. Pese a que él mismo causó cierta sensación y que Grosz hizo una valoración favorable, el jurado decidió rechazarlo. Dos años más tarde y siguiendo un estilo parecido, Warhol público en el New York Times un dibujo que representaba un joven inyectándose heroína en el brazo. Este dibujo había de servir como anuncio de un programa de radio dedicado a temas relativos a hechos delictivos. Esta vez la repercusión de la obra fue realmente importante y Warhol comenzó a ser conocido en el mundo de los anuncios publicitarios. A partir de 1953 Warhol colaboró asiduamente como ilustrador de artículos en revistas tan significativas como Vogue o Harper´s Bazaaar.

La mayoría de los dibujos publicitarios de Warhol fueron realizados aplicando la técnica de la Blotted line, que consistía en lo siguiente, en primer lugar, dibujaba sus diseños a lápiz sobre papel satinado; después, repasaba los dibujos con tinta china y antes de que secara, apretaba el dibujo sobre un papel secante. De esta manera, lograba que las líneas quedasen ligeramente emborradas, con efecto de inacabado y de irregularidad. Había zonas en las que la línea adquiría un grosor determinado y otras en las que apenas se veía. El resultado era un dibujo elegante con un cierto carácter decorativista que podía llegar a enlazar con la tradición que se remontaba a Matisse o, incluso, William Morris. Uno de los temas más recurrentes de la primera etapa de Warhol son los zapatos de mujer, revolucionario del arte, logró conjugar la pintura y la moda a través de la apropiación de objetos y hechos cotidianos. Consiguió su primer trabajo en la revista Glamour realizando ilustraciones de zapatos de mujer puestos en una escalera y de mujeres subiendo por ésta, para el artículo ¿Qué es el éxito? Posteriormente, montó una exposición de dibujos de zapatos de oro en la Galería Bodley y editó el libro ilustrado A la búsqueda del zapato perdido, donde cada zapato fue nombrado West, Zsa Zsa Gabor, Truman Capote y James Dean, entre otros.

Andy Warhol (1928– 1987) Untitled (Woman’s Shoe) 1956.

Andy Warhol (1928â&#x20AC;&#x201C; 1987) Fantasy Shoes,1956.

Ralph Pomeroy & Andy Warhol Ă&#x20AC; la recherche du shoe perdu, 1955.

Andy Warhol (1928â&#x20AC;&#x201C; 1987) 25 Cats Names Sam and One Blue Pussy, 1954.

Andy Warhol (19281987) no title (Two Men), 1956.

Andy Warhol (1928â&#x20AC;&#x201C; 1987) Wild Raspberries, 1959. New York

Warhol y la imágenes publicitarias

Campbell´s soup can I

En 1962, cuando expuso por primera vez sus cuadros de sopas enlatadas de la marca estadounidense Campbell´s –un total de 32 ejemplares-, el artista las presentó de la misma forma en que entonces se ofertaban las conservas en el supermercado: unas junto a otras y a idéntica distancia, del total conformidad con las nociones de la época sobre product placement. En lugar de la muestra no fue uno de los grandes almacenes de Los Ángeles, sino la Ferus Gallery, un establecimiento comprometido con el pop art. Técnicamente, los cuadros eran un producto semimecánico, una mezcla de pintura, serigrafía y un procedimiento de estampación que se realizaba en parte de forma manual y en parte mecánicamente. Las sopas Campbell´s, la Coca-coca, los Kellogg´s y el detergente Brillo, productos elaborados industrialmente por la civilización norteamericana y que Warhol elevó a dignidades artísticas, marcaban la vida de la clase media estadounidense que el artista representaba tanto como el sexo o la muerte.

Andy Warhol (1928–1987) Campbell’s Soup Can I, 1962. 92 x 61 cm. Aquisgrán, Neue Galerie Colección Ludwing.

Andy Warhol (1928–1987) Big Campbell’s Soup Can, 1962. The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. New York.

Andy Warhol (1928– 1987) Campbell’s Soup Cans,1962. Type Synthetic polymer paint on canvas. 20 x 16 in. (51 × 41 cm) each for 32 canvases. Museum of Modern Art. Acquired through the Lillie P. Bliss Bequest, New York.

Warhol y la imágenes publicitarias

80 two dollar bills (front and rear)

Reducido a su fórmula más breve, el contenido del cuadro sería: ochenta dólares. Su tema no incluye nada más. El artista copio la cara y el envés de cada uno de ellos, cuatro piezas en cada línea repartidas en diez niveles. Para descifrar el contenido del cuadro, basta un sencillo proceso consistente en contar y sumar. Tampoco hay que temer que un potencial espectador desconozca el motivo del lienzo, pues está tan presente como Dios en los estados teocráticos. Por eso resulta más que justificado comparar las diversas hileras de representaciones de dólares con iconos, aunque en el caso de la obra de Warhol se abuse hasta la saciedad de dicha comparación. Sencillamente, en lugar de la personificación de Dios, se ha materializado el dinero, un sistema igualmente mágico basado en la fe que se le profesa. Hasta entonces, ningún artista había expuesto de forma más cruel la ficción de que en el ámbito del arte los valores espirituales y los materiales son incompatibles.

Andy Warhol (928–1987) 80 two dollar bills, 1962 (Front and Rear) silkscreen on canvas, 210 x 96 cm. Colonia, Museum Ludwing

Warhol y la imágenes publicitarias

Gold Marilyn Monroe

Con toda probabilidad, el creador del mito de Marilyn Monroe no fue Hollywood, ni la prensa ilustrada, sino Andy Warhol. El cine comercial y sus charlatanes publicitarios únicamente la convirtieron en una sex-symbol y en el prototipo de rubia ingenua. En vida, la gente se burlaba de su ambición de ser tomada en serio, como persona que pensaba y sentía. Poco después de la muerte de Monroe, Warhol transformó en icono de la cultura popular una fotografía bastante corriente destinada a las relaciones públicas. La había tomado el estadounidense Frank Powolny a principios de la década de 1950. Warhol la convirtió en un ídolo emplazando este retrato sin interés, de sonrisa estereotipada y rígida, en un espacio más amplio que lo rodea como un solemne passepartout. A continuación, cubrió todo la superficie de un tono dorado, el color de Jerusalén celestial que confiere a los iconos su aspecto ultramundo. Los labios voluptuosos, los ojos, los risos, el rostro, que gracias a la técnica de serigrafía aplicada perdió todo su volumen y realismo, se distancian del fondo del cuadro y flotan delante y por encima de él, como estrellas sobre un cielo dorado. En muchas versiones posteriores, Warhol secularizo a su ídolo mediante la constante repetición o el aislamiento de la sonrisa y vinculo el mito de la estrella con el modo y la manera en que lo producen los medios de comunicación de masas.

Andy Warhol (1928–1987) Gold Marilyn Monroe, 1962. Polymers, silkscreen, oil on canvas, 211 x 145 cm. Nueva York, The Museum of Modern Art.

Warhol y la imágenes publicitarias

Coca-Cola green bottles Andy Warhol (1928–1987) Green Coca-Cola Bottles, 1962. The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

«Lo que hace de este país una tierra fabulosa es que América fundo una tradición en la que los consumidores más ricos de hecho compran las mismas cosas que los más pobres. Puedes mirar la televisión y beber Coca-Cola, y sabes que el presidente bebe Coca-Cola, que Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también bebes Coca-Cola. Una Coca-Cola es una Coca-Cola, y por mucho dinero que tengas, tu Coca-Cola no será mejor» Por ellos, Warhol procuró establecer una situación similar en el ámbito del arte. Con la ayuda de métodos de fabricación estandarizados aportó al arte la magia de la repetición. Después de que la fotografía se proclamara la gran igualadora en el panorama cultural, el arte siguió el mismo camino con Warhol.

Temáticas

Andy Warhol (19281987) Self-Portrait,1967. The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

¿No es la vida sólo una serie de imágenes que cambian a medida que se repiten?

Temáticas Andy Warhol (1928-1987) Cow Wallpaper [Pink on Yellow], 1966. Screen print on wallpaper Image (each): 46 x 28 in. The Andy Warhol Museum, Pittsburgh.

Los temas tratados en las pinturas de Warhol en la década de los sesenta, es decir, su etapa Pop, son variados, pero, al mismo tiempo, muy repetitivos. Por un lado, puede decirse que existen varios grupos temáticos: los anuncios, los comics, los que representan productos del mundo del consumo, los retratos, los autorretratos y los desastres. Estos grupos, en general, van sucediéndose en el tiempo, a veces, el artista retoma una temática y la desarrolla paralelamente a otra. Además, Warhol trabaja en series dedicadas a un tema, de modo que, aunque el objeto plasmado sea el mismo, introduce ciertas variantes: número de veces en que parece representado en el cuadro, cómo aparece plasmado –tamaño, características, nitidez-, gama cromática utilizada. Así, es evidente que, introduciendo tantos factores en las posibles combinaciones, el resultado final es muy distinto. Uno de los recursos más empleados por el artista a lo largo de toda su trayectoria es el de la repetición de las imágenes, ya sea en el mismo o en diferentes cuadros. Este elemento, la repetición, puso de manifiesto la diferencia entre Andy Warhol y los otros artistas Pop, porque ninguno recurrió a ella. Pero ¿con que finalidad repite Warhol una y otra vez sobre la superficie de la tela un objeto determinado, un rostro o un coche accidentado? Muchos autores se han fijado en la cuestión relativa a la repetición de las imágenes en la obra de Warhol. El propio artista explicara en una entrevista concedida a Achile Bonito Oliva y publicada

en el catálogo de la exposición Warhol verso De Chirico, lo siguiente: “Me gusta mucho su obra (la de De Chirico) Me gusta su obra y la idea de que repitiera siempre las mismas pinturas. Me gusta la idea, y me dije que sería genial hacerlo… De Chirico retomó las mismas imágenes a lo largo de toda su vida. No creo que lo hiciera porque veía en la repetición una forma de expresarse. Probablemente ése sea nuestro punto en común… ¿Cuál es la diferencia entre nosotros? Él repetía regularmente, año tras año; yo repito el mismo día en el mismo cuadro… Todas mis imágenes con las mismas… y al mismo tiempo son diferentes. La vida misma no es más que una serie de imágenes que, aun siendo cambiantes, se repiten”

Andy Warhol (19281987) Flowers, 1964. The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

The Factory “¿Por qué la gente piensa que los artistas son especiales? Es sólo otro trabajo”

The Factory

Andy Warhol (19281987) Warhol Superstars.

The Factory, situada en la quinta planta del número 231 de la calle 47 Este en Midtown, Manhattan, Nueva York, fue el lugar en donde las obras más reconocidas del artista plástico vieron la luz. Este espacio, cargado de una inigualable creatividad hasta en su construcción, fue escenario de escandalosas fiestas que lo llevaron también a ser reconocido por la visita de personalidades con pretensiones artísticas y bohemios excéntricos. Entre ellos, Warhol elegía a los famosos Warhol Superstars, a los que promocionaba durante cierto tiempo hasta que nombraba a la siguiente Superstar, llevando así a la práctica su célebre frase que aseguraba que en un futuro todo el mundo tendría sus quince minutos de fama. Conforme avanzaba el tiempo, The Factory pasó a ser Silver Factory, esto debido a que las paredes del estudio estaban recubiertas de papel de estaño, espejos rotos y pintura plateada, complementando este raro y extravagante diseño con globos del mismo color. Warhol argumentaba que el color plateado representaba tanto la decadencia de ese

mundo como el proto-glam de los años 60’s. Los mejores años de The Factory fueron conocidos como La edad de plata, no solamente por el diseño previamente mencionado, sino también por el decrépito y despreocupado estilo de vida de los personajes habituales del estudio, basado en el dinero, las fiestas, las drogas y la fama. En cuanto a las grandes celebridades que hicieron uso de este estudio se encuentran músicos como Lou Reed, Bob Dylan, Brian Jones o Mick Jagger. Cabe destacar que Warhol diseñó la famosa portada del álbum debut de The Velvet Underground and Nico en 1965, la cual consistía en la calcomanía de un plátano que al desprenderse descubría bajo ella un pelado. La canción Walk on the wild side, la más conocida de la carrera en solitario de Lou Reed, está basada en las Warhol Superstars de The Factory, y en ella se hace mención a Joe Campbell, Candy Darling, Joe Dallesandro, Hoody Woodlawn y Jackie Curtis.

The Factory Andy Warhol (1928-1987) Silver Clouds [Warhol Museum Series], 1966/1994. helium-filled metalized plastic film (Scotchpak) 36 x 51 in. (91.4 x 129.5 cm) The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

El 3 de junio de 1968, Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario Mario Amaya en la entrada al estudio de Warhol, antes del atentado, Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de The Factory. En 1967, Valerie le había dado una obra de teatro a Warhol proponiéndole que sea su productor. Warhol aceptó y le pidió el borrador del texto. Este borrador de la obra nunca regresó a Solanas. Se cree que Warhol nunca tuvo la intención de producir la obra ni como obra teatral ni como película y el manuscrito se le perdió. Esto enfureció a Solanas, quien pasaba por un momento de desequilibrio mental e inestabilidad emocional. Amaya sufrió sólo heridas menores, Warhol, sin embargo, recibió tres disparos (el primero no lo rozó) pero los otros dos disparos lo dejaron muy grave. Las secuelas de este ataque le acompañarían el resto de su vida, y no es de extrañar que por tanto el recuerdo del atentado dejase una marca profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol.

lugar, dejaron huella tanto en el estudio como en la vida de Andy Warhol. Ya sea que hayan tenido sus 15 minutos de fama patrocinados por el artista o simplemente por mera casualidad. El resultado de mezclar todas las actividades antes mencionadas creó un taller creativo o centro de experimentación para dar rienda suelta a un espíritu festivo que se vería únicamente en un solo lugar, en The Factory.

Tras el atentado, The Factory nunca más volvió a ser el mismo espacio abierto y permisivo de creación, diversión, negocio y escaparate de tipologías que había sido. Algunas de las personalidades que visitaron The Factory fueron: Eddie Sedgwick, Salvador Dalí, Betsey Johnson, Truman Capote, Allen Ginsberg y William S. Burroughs, entre otros. Sin embargo, no cabe duda de que todas las personas que alguna vez se llegaron a reunir en ese excéntrico

Andy Warhol en una ambulancia después de ser baleado por Valerie Solanas, 03 de junio 1968.

Andy Warhol “Morir es la cosa más embarazosa que puede suceder, porque alguien tiene que cuidar de todos sus detalles”

Andy Warhol

Andy Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987. Según los noticiarios, se estaba recuperando sin dificultades de una operación de vesícula en el New York Hospital cuando falleció dormido debido a una repentina arritmia post-operatoria. También se ha señalado cierto exceso de líquidos por intoxicación de agua. Antes de su diagnóstico y la operación consiguiente, Warhol había intentado retrasar los reconocimientos, debido sobre todo a su pavor a los hospitales y los médicos. El testamento de Warhol legaba toda su propiedad -con excepción de algunos modestos detalles- a miembros de su familia, con el fin de crear una fundación dedicada al “avance de las artes visuales”. Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby’s necesitó nueve días para subastar sus bienes tras su muerte, y la suma total excedía los 20 millones de dólares. Su riqueza total era aún mayor, debido principalmente a astutas inversiones realizadas a lo largo de toda su vida. En 1987, de acuerdo con la última voluntad de Warhol, se constituyó la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. La fundación no sólo sirve como representante legal de Andy Warhol, sino que defiende su misión de “espolear la innovación en la expresión artística y el proceso creativo”, y se declara “centrada, principalmente, en apoyar el trabajo de un valor experimental o rompedor”

Línea de tiempo

Andy Warhol (19281987) Brillo Boxes, 1962. The Andy Warhol Museum, Pittsburgh

1928

Andrew Warhola nace el 6 de Agosto en Pittsburgh, Pennsylvania.

1932

Warhol inicia la escuela. Sin embargo, fue intimidado por uno de sus compañeros de clase en el primer día y no volvió por dos años.

1945 hasta 1949

Warhol asiste al Instituto de tecnología Carnegie.

1957

Warhol gana el premio “Art Director´s Club Medal” por su trabajo en publicidad.

1962

Warhol pinta “32 Campbell´s Soup Cans”

1964

Warhol exibe “Brillo Boxes”

1968

El 3 de junio, Warhol recibe un disparo por parte de un actriz que apareció en una de sus películas.

1987

El 22 de febrero, Warhol muere de un ataque al corazón.

Aguilar, C. (2013). Los zapatos de Van Gogh, Álvarez Bravo y Warhol. Visitada el 9 de noviembre de 2013. Disponible en: http://museografo.com/loszapatos-de-van-gogh-alvarez-bravo-y-warhol/ Cirlot, L. (2001). Andy Warhol. España: Editorial Nerea, S. A. Downton D. (2011) Grandes artistas de la ilustración de moda. BLUME. elcorreo.com. Andy Warhol y la Factory. Visitada el 9 de noviembre de 2013. Disponible en: http://servicios.elcorreo.com/guggenheim/andywarhol/factory. html Frasesypensamientos. Frases de Andy Warhol. Visitada el 9 de noviembre de 2013. Disponible en: http://www.frasesypensamientos.com.ar/autor/andy-warhol.html Fresán, R. (2004) Así hablo Andy Warhol. Visitada el 10 de noviembre de 2013. Disponible en: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/ radar/9-1675.html

Bibliografía

(2002) HR GIGER ARh+. España: TASCHEN.

Honnef, K. (2004). Pop Art. España: TASCHEN. Lidón, C. Andy Warhol, el hada madrina del Pop. Visitada el 9 de noviembre de 2013. Disponible en: http://www.uji.es/bin/publ/edicions/jfi12/15.pdf Martinez, A. M. (2012) Interview, la revista de Andy Warhol. . Visitada el 9 de noviembre de 2013. Disponible en: http://www.vistelacalle.com/72416/ interview-la-revista-de-andy-warhol/ Zitro, A. (2013). La fábrica de Andy Warhol. Visitada el 9 de noviembre de 2013. Disponible en: http:// elcafetindelas5.wordpress.com/2013/02/04/la-fabrica-de-andy-warhol/

“En el futuro todo el mundo será famoso durante quince minutos. Todo el mundo debería tener derecho a quince minutos de gloria”

Editorial WOLTWIX