Perderse Juntos

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juntos

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Primera edición 2017 Perderse juntos © Derechos reservados Universidad Autónoma del Estado de México Av. Instituto Literario 100 Oriente, C.P. 50000, Toluca, Estado de México. http://www.uaemex.mx/ © Imágenes: Propiedad intelectual de los autores © Foto de Portada: Zayra Gómez Edición Hayde Lachino Diseño y formación Jorge Marcelino Queda prohibida la reproducción parcial o total del contenido sin la previa autorización por escrito de la institución responsable de la edición en términos de la Ley Federal del Derecho de Autor y, en su caso, de los tratados internacionales aplicables.

El contenido de esta publicación es responsabilidad de los autores.

Dictaminado favorablemente conforme a los lineamientos editoriales vigentes a partir de 2009, del Consejo General Editorial UAEMéx.

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índice Presentación 7 The photoperformer 9 Al interior del proceso 11

the photoperformer 15 manifiesto 23 el taller de fotoperformer 29 ejercicios 33 photohealing 119 Puntos de vista 120 Ensayo general 130 Cámara fija 150 Fotoperformers 174 Fotos desde afuera 192

investigaciones 209

presentación Fermín Carreño Martínez Director de la Casa de Cultura de la uaem en Tlalpan.

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a Universidad tiene como objetivo ser el espacio donde se analiza, cuestiona, discute, critica y se crea conocimiento que ayuda a los universitarios en particular, y a la sociedad en general, a comprender los problemas por lo que atraviesan los distintos campos del saber y la realidad misma. La confrontación de ideas y la ruptura de paradigmas son algo común del ámbito universitario.

La Universidad es un espacio articulador donde se genera ciencia y cultura y por ello mismo no está exenta de las discusiones que en estos campos se formulan y la manera en que los distintos actores abordan estos debates.

En este sentido, la residencia que Manuel Vason -fotógrafo italiano radicado en Londres- realizó en la Casa de la Cultura de la Universidad Autónoma del Estado de México (uaem) en Tlalpan corrobora una vez más la pertinencia y vocación de nuestro espacio posicionándonos como un lugar donde tienen cabida las distintas formas de expresión y de pensamiento.

Como espacio cultural estamos y estaremos siempre comprometidos con todas aquellas expresiones que aporten a la generación de pensamiento crítico y vanguardista. Para esto debemos reconocer la importancia que tiene la colaboración interinstitucional, muestra de ello es el taller que Manuel Vason impartió en el Centro de Producción de Danza Contemporánea (ceprodac) del Instituto Nacional de Bellas Artes y cuyo resultado se plasma en este libro que nuestra institución apoyó de manera decidida.

Perderse Juntos es el resultado de un trabajo colectivo que contiene distintas visiones y que pone énfasis en la transdisciplinariedad como herramienta para llegar a la ruptura de paradigmas. Este trabajo no hubiera sido posible sin las aportaciones que se dieron desde los distintos campos del conocimiento y del quehacer artístico, y que resume de forma clara lo que representa Manuel Vason, el fotógrafo que se convirtió en perfomer y que evolucionó en artista con una voz única en donde confluye el cuerpo y la cámara fotográfica.

Agradecemos a todos los participantes y refrendamos el compromiso que tenemos en la Casa de la Cultura en Tlalpan para seguir siendo parte importante de la generación de conocimiento y espacio para la experimentación artística.

Como cuna del Instituto Literario y de la Universidad Autónoma del Estado de México no nos queda más que decir: ¡Enhorabuena! por este magnífico trabajo. ¡patria, ciencia y trabajo!

Tlalpan, Ciudad de México, agosto de 2017.

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The PhotoPerformer Eleno Guzmán Gutiérrez Director Ejecutivo del ceprodac

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a cámara fotográfica es un dispositivo suicida que se dispara a sí mismo con el claro objetivo de atrapar la realidad, para entonces devolvernos lo que no vemos, justo ese presente que siempre se nos escapa, envuelto a veces en poesía y otras veces en crudeza. El fotógrafo es un francotirador que dispara contra todo excepto contra sí mismo; no porque no pueda, sino porque ‘piensa’ que no puede. Por otro lado, el performer es una bala inocente y polisémica que se dispara sola, hiriendo a quienes observan sin siquiera tocarlos, puesto que ya están heridos.

Cuando la cámara fotográfica, la fotografía, el fotógrafo y el fotografiado -por llamar de otro modo al posible performer- se entrecruzan y son puestos en escena, no hay teoría que pueda explicar dicho fenómeno, pero sí una práctica artística que lo pone en acción y que se explica en sí misma.

Este complejo enredo fenomenológico y escénico es lo que provoca Manuel Vason con su proyecto artístico llamado The PhotoPerformer, el cual le ha permitido vincular la coreografía latinoamericana, el espacio público, el tiempo real y la improvisación, entre otras delicias del ámbito de lo escénico, para propiciar una experiencia estética abrumadora, densa y problemática, aunque lúdica y sorprendente, dado que los parámetros comunes de interpretación y los paradigmas representacionales son puestos en un juego que nos obliga a repensarlos con frescura.

El Centro de Producción de Danza Contemporánea (CEPRODAC) tiene entre sus objetivos expandir el imaginario de lo que es la danza contemporánea en México, fungiendo como mediador de proyectos que no sólo cruzan los límites disciplinares, sino que se insertan en un territorio transdisciplinar que permite a comunidades no artísticas relacionarse con el arte de un modo cada vez menos convencional, poniendo ante su mirada y en sus espacios cotidianos dispositivos artísticos contextualizados que hacen estallar sus emociones y su inteligencia, para revelar nuevos modos de convivencia, que nos permitan re-imaginar las cualidades humanas de nuestra sociedad.

La propuesta de Manuel Vason es un claro ejemplo de la expansión aún posible en el campo de lo fotográfico como arte de acción, el cual espero sea considerado por la comunidad de la danza contemporánea como un referente de emancipación y expansión urgente para la escena dancística, y también social, de nuestro país.

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AL INTERIOR DEL PROCESO Hayde Lachino

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erderse juntos es un libro que nos permite atisbar hacia el interior de un proceso particular: el encuentro del fotógrafo italiano radicado en Londres, Manuel Vason, con un grupo de jóvenes creadores mexicanos quienes decidieron participar en el taller que Manuel impartió, a finales de octubre del 2016, en el Centro de Producción de Danza Contemporánea (ceprodac) del Instituto Nacional de Bellas Artes, en la Ciudad de México.

A través del libro se van revelando las estrategias que implementó Manuel Vason para detonar procesos de creación y reflexión en torno a la imagen fotográfica. Aunque quizá lo más interesante es ver cómo los participantes se fueron desplazando gradualmente desde visiones comunes de lo que debe ser la fotografía hacia zonas de total experimentación.

Becoming an image fue el nombre que tuvo el taller. Desde el primer día, el taller devino en un laboratorio por donde circularon ideas y búsquedas singulares, unas sugeridas por el propio Manuel Vason y otras por cada uno de los artistas que participaron. Pocas veces puede uno atisbar al interior de los procesos creativos y pocas veces estos procesos dejan testimonio de lo que ocurrió en el salón de ensayos fuera de alcance de los espectadores quienes, generalmente, sólo pueden relacionarse con el resultado final, sea este una fotografía, una pintura o una representación escénica.

El libro es una suerte de testimonio, textual, fotográfico y profundamente vital de lo que ocurrió durante el tiempo de trabajo conjunto. Aquí podrán conocer y analizar los ejercicios y metodologías que usó Manuel Vason para hacer transitar a los participantes del taller -y más tarde colaboradores-, hacia territorios nuevos que implican otras poéticas fotográficas. En el desarrollo del taller se abrieron espacios para que cada uno de los participantes propusiera ejercicios que los llevaran a descubrir otras posibles relaciones con la cámara y la imagen fotográfica.

La colaboración, por tanto, es la clave para comprender lo que ocurrió durante casi un mes en que el grupo conformado por Manuel Vason, Aarón Arredondo, Carolina Arteaga, Yoatzin Balbuena, Zayda Gómez, Uriel Palma,

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Misael Quintero, María Rodríguez Cruz, Ricardo Rubio, Dilery Sánchez, Gustavo Thomas, Rodrigo Valero-Puertas y Amaranta Verdugo se dedicaron a pensar la imagen fotográfica en su relación con el cuerpo y el acto performativo.

Si consideramos las diversas formaciones y prácticas artísticas de los integrantes del colectivo se puede entender la riqueza de aportes y perspectivas que posibilitaron la riqueza del encuentro. Bailadores de flamenco, bailarines de danza contemporánea, intérpretes de danza butoh, performers, fotógrafos, estudiantes de arquitectura, deportistas de alto rendimiento, etcétera, son algunos de los campos de conocimiento y acción de los artistas que participaron en esta experiencia singular.

Uno de los momentos clave del trabajo fue la presentación de un performance en el espacio de Ex-Teresa Arte Actual en donde tomaron forma los postulados que guiaron el trabajo durante el taller. Se trató de un ejercicio híbrido: entre performance y una puesta en acción de aquello que define el actuar de un FotoPerformer, concepto clave del taller.

De esta experiencia escénicas resultaron muchos aprendizajes relacionados a la imposibilidad de capturar en su totalidad un hecho, de esta manera, la imagen fotográfica como captura “verdadera” de lo real fue problematizada, bien diría Nietszche que no hay hechos sino interpretaciones, apuntando ya a la imposibilidad de aprehender lo real.

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Otro proceso que queda fuera del campo de visión de este libro es el relacionado con los encuentros entre el equipo que participó en esta experiencia, varios de ellos continuaron trabajando juntos. Esa continuidad, más allá de los objetivos iniciales del encuentro con Manuel Vason, hace que el esfuerzo por articular este tipo de proyectos valga la pena, en mi calidad de cómplice y productora de todo ésto, ver a gente que se encuentra para construir espacios generosos de conocimiento y colaboración le da sentido a todo el trabajo que implica propiciar estos espacios de investigación artística.

Pero nada de esto hubiera sido posible sin la participación de instituciones y amigos, en primer lugar al Centro de Producción de Danza Contemporánea (ceprodac), a Marco Antonio Silva, Eleno Guzmán, David Bear y a todo el personal que ahí labora. A Ex-Teresa Arte Actual que fue el espacio en donde se presentó el performance PhotoHealing; y a Casa de Cultura de la Universidad Autónoma del Estado de México (uaem) en Tlalpan, en donde Manuel Vason realizó una residencia artística y fue espacio fundamental para las reuniones entre todos los artistas que hicieron posible este libro.

El crítico de arte, Nicolas Bourriaud, define el arte como “la organización de la presencia compartida entre objetos, imágenes y gente”, este libro lo confirma.

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the photoperformer

elfotoperformer Todas mis teorías están escritas para ser disputadas.

All my theories are written to be disputed.

Manuel Vason

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l concepto de FotoPerformer comenzó con la urgencia de colocar una lente frente a mí mismo (un fotógrafo) y cuestionar mi relación con la fotografía.

Desde el principio de mi práctica fotográfica he sido crítico en relación al poder de la imagen fotográfica en la sociedad contemporánea, he cuestionado la evidencia fotográfica como fuente de información objetiva, he interrogado la capacidad de la fotografía para remodelar nuestra identidad en vez de darnos una, he sido consciente de la capacidad limitada de la fotografía para capturar un evento en vivo.

A pesar de que he sido consciente de muchas de las limitaciones de la fotografía nunca paré de fotografiar y de buscar soluciones para superar las restricciones fotográficas. Mi apego a la imagen fotográfica era tan profunda

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he concept of the PhotoPerformer started out of an urgency to place a lens in front of myself (a photographer) and question my relationship with photography.

Since the beginning of my photographic practice, I have been critical about the power of the photographic image on my contemporary society, I have questioned the photographic evidence as a source of objective information, I have interrogated the capacity of photography to remodel our identity instead of giving us one, and I have been aware of the limited ability of photography to capture a live event. Although I have been conscious of the many restrictions of photography I never stopped photographing and searching for solutions to overcome the photographic restrains. My addiction to the photographic image was so deep that

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que en ningún momento (hasta ahora), estuve dispuesto a cuestionar la importancia de la imagen fotográfica en mi vida. Me protegía del dilema fotográfico concentrándome en la necesidad de fotografiar, como un medio para memorizar mis experiencias, documentar lo efímero, comunicar, crear historias, preservar el conocimiento.

El filósofo Vilén Flusser, en una conferencia titulada Photo Production (Producción Fotográfica),1 estableció que nuestro compromiso de comunicar se debe a nuestro compromiso contra nuestro curso natural (la muerte), por lo que comunicándonos construimos un mundo cultural basado en lo memorable.

Desde su invención, la fotografía ha jugado un papel importante en la construcción de un mundo memorable hecho de fotografías. Por su ‘naturaleza’, este mundo cultural es una copia fotográfica de nuestro mundo original y, si puedo añadir, este mundo cultural es una copia artificial que nos está distanciando de ‘nuestro curso natural’.

Nuestro mundo cultural es un mundo de explicaciones, de control y predicciones. Hemos hecho uso de nuestro intelecto para escapar de nuestra esencia intuitiva y encontramos salvación dentro de nuestra racionalidad. Hemos hecho uso de nuestra inteligencia para construir un aparato como la cámara fotográfica que nos permite documentar nuestra vida, construir nuestra memoria y convertirnos en la forma más rápida de comunicación global.

1 Flusser, V. (1984, 23 de febrero). Photo Production. Conferencia presentada en la Ecole Nationale de la Phootographie en Francia, Arles.

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at no point (till now) I was prepared to question the importance of the photographic image in my life. I protected myself from the photographic dilemma by focusing on the necessity to photograph as a mean to memorize my experiences, to document the ephemeral, to communicate, to create history, to preserve knowledge.

The philosopher Vilém Flusser, on a lecture titled Photo Production,1 stated that our commitment to communicate is due to our commitment against our natural course (death), so by communicating we constructed a cultural world based on memorability.

Since its invention photography has played a major role in the construction of a memorable world made of photographs. By its ‘nature’ this cultural world is a photographic copy of our original world and, if I can add, this cultural world is an artificial copy that is distancing us from ‘our natural course’.

Our cultural world is a world of explanations, of control and predictions. We have made use of our intellect to escape our intuitive essence and found rescue inside our rationality. We have made use of our intelligence to build an apparatus like the photographic camera that would allow us to document our life, build our memories and become the fastest form of global communication.

Before his death, Vilém Flusser was warning us that the photo camera, which we invented to control the world, is controlling us. We don’t need Flusser to realized how much our behavior is driven by images, how much our needs

1 Flusser, V. (1984, February 23). Photo Production. Lecture presented at Ecole Nationale de la Phootographie in Francia, Arles.

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the photoperformer

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Antes de su muerte, Vilén Flusser ya nos advertía que la cámara fotográfica, que inventamos para controlar el mundo, nos estaba controlando. No necesitamos a Flusser para darnos cuenta cuánto de nuestro comportamiento está impulsado por las imágenes, cuánto de nuestra conciencia está afectada por las imágenes, cuánto hemos transformado nuestra experiencia visual en una imagen fotográfica.

Estamos saturados de imágenes, pero no podemos dejar de producir nuevas ya que nuestra ansiedad por controlar el mundo no encuentra paz y el número de imágenes que la fotografía puede crear es mayor de lo que cada uno de nosotros puede potencialmente tomar. Personalmente me siento encerrado en la búsqueda hacia la nueva imagen, ésa que puede explicar todas las imágenes pasadas.

Fotografío al FotoPerformer...

El FotoPerformer representa al “yo mismo” en el acto de fotografiar. El FotoPerformer representa al “yo mismo” en el acto de separarse del “yo mismo”.

El tema de la cámara del FotoPerformer es el “yo mismo” y la acción es un reflejo: un movimiento repetitivo hacia el agotamiento o la destrucción.

La vida del FotoPerforme está dictada por la imagen fotográfica.

Mientras que la imagen fotográfica quiere detener y enmarcar la vida del FotoPerformer, sus acciones (su acción en vivo junto con el acto de fotografiar) están escapando de la trampa y generando una práctica para su supervivencia.

Las acciones del FotoPerformer están motivadas por la urgencia de sobrevivir, de pedir ayuda y compartir sus preocupaciones con el resto del mundo. En un mundo donde cada persona es un fotógrafo (con el advenimiento de los teléfonos con cámara), el FotoPerformer no es el único que sufre la trampa de la imagen fotográfica.

El FotoPerformer es muy consciente de que la solución de sus problemas no es el final de la fotografía. ¡El mundo cultural en el que vive no puede colapsar!

Por lo tanto, la intención del FotoPerformer es usar el mismo aparato (la cámara fotográfica) para acortar la distancia creada por la fotografía. Por distancia me refiero a la brecha entre el mundo cultural y el mundo natural, quiero decir, la distancia entre nosotros,

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are shaped by images, how much our conscience is affected by images, how much we have transformed our visual experience into a photographic one.

We are saturated by images but we can not stop producing new images as our anxiety to control the world doesn’t find peace and the number of images that photography can create is greater than each of us can potentially take. I personally feel imprisoned in the search toward the new image, the image that can explain all the past images.

I photograph the PhotoPerformer...

The PhotoPerformer represents ‘myself’ in the act of photographing. The PhotoPerformer represents ‘myself’ in the act of separating from ‘myself’.

The subject of the PhotoPerformer camera is ‘myself’ and the action is a reflex: a repetitive movement toward exhaustion or destruction.

The life of the PhotoPerformer is dictated by the photographic image.

While the photographic image wants to stop and frame the life of the PhotoPerformer, her/his actions (her/his live action in conjunction with the act of photographing) are escaping the trap and generating a practice for her/his survival.

The actions of the PhotoPerformer are motivated by an urgency to survive, to call for help and share her/his concerns with the rest of the world. In a world where every single person is a photographer (with the advent of the camera-phones), the PhotoPerformer is not the only one suffering the trap of the photographic image.

The PhotoPerformer is well aware that the solution of her/his problems is not the end of photography. The cultural world in which she/he is living cannot collapse! So, the PhotoPerformer’s intention is to take use of the same apparatus (the photo camera) to shorten the distance created by photography. By distance I mean the gap between the cultural world and the natural world, I mean the distance between us, habitant of this world, or even, in between us members of the same family.

Turning the lens toward photography and criticize the power of the photographic image is not enough… it is necessary to act, to activate actions of solidarity. It is important to use photography to educate ourselves against the possession of the photo camera. To stop

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habitantes de este mundo, o incluso nosotros miembros de la misma familia.

Girar la lente hacia la fotografía y criticar el poder de la imagen fotográfica no es suficiente ... es necesario actuar, activar acciones de solidaridad. Es importante usar la fotografía para educarnos contra la posesión de la cámara fotográfica. Para detener el control de la imagen fotográfica necesitamos volver a controlar la cámara fotográfica.

Necesitamos MODERAR su uso, necesitamos controlar la producción de ciertas imágenes y fomentar la creación de imágenes resilientes. Yo nombro como “resiliente” al proceso de recuperación contra el poder de la imagen fotográfica.

La imagen resiliente es una imagen crítica en diálogo con un mensaje poético. La intención de la imagen resiliente es cuidar. La intención de la imagen resiliente es proteger al ser humano contra el uso no regulado de sus inventos.

El FotoPerformer es consciente de la fuerte conexión entre la imagen fotográfica y el mercado neoliberal.2 En ambos casos hemos empleado tecnología para desarrollar sus funciones y expandir su uso. El cálculo caracteriza a ambas invenciones. La imagen fotográfica se ha utilizado para hacer crecer el mercado y el mercado está celebrando el poder (y nuestra dependencia) de la imagen fotográfica. Los hemos desarrollado tan bien, y de una manera tan sofisticada, que ya no tenemos el control de su funcionamiento, de hecho, somos controlados por ellos. ¡La imagen resiliente no es propaganda! La imagen resiliente es un grito que llama a despertar, a cuidarse unos a otros y a actuar juntos. El FotoPerformer no quiere que sus acciones se conviertan en un nuevo culto, una nueva forma de ideología. Las acciones del

the control of the photographic image we need to return in control of the photographic camera. We need to MODERATE its usage, we need to control the production of certain images and encourage the creation of resilient images. I name as ‘resilient’ the process of recovery against the power of the photographic image.

The ’resilient image’ is a critical image in dialogue with a poetic message. The intention of the resilient image is to care. The intention of the resilient image is to protect the human being against the unregulated use of her/his inventions.

The PhotoPerformer is aware of the strong connection between the photographic image and the neoliberal market.2 In both cases we have employed technology to develop their functions and expand their use.

The calculus characterizes both inventions. The photographic image has been utilized to grow the market and the market is celebrating the power (and our dependency) of the photographic image. We have developed them so well, and in such a sophisticated way, that we are no longer in control of their operation, in fact, we are controlled by them.

The resilient image is not propaganda! The resilient image is a scream that call to awake, the take care of each other and to act together. The PhotoPerformer doesn’t want her/his actions to become a new cult, a new form of ideology. The actions of the PhotoPerformer need to find their application in the daily life.

Far too many art projects have produced inapplicable ideas. The actions of the PhotoPerformer don’t escape absurdism, symbolism, fantasy and metaphors and they search interpretations. The transformation of an idea into an action is equal to their actualization in our life and photography in this case is used to document their occurrence.

2 El mercado se dirige constantemente hacia la imagen imposible, la imagen generada por ordenador. Dado que estamos constantemente expuestos a nuestra imagen imperfecta, estamos constantemente ansiosos, insatisfechos e infelices. Nos recuerdan constantemente qué hacer para alcanzar la felicidad y estamos atrapados en esta jaula de control. Si saboteamos la imagen idealizada de la felicidad podemos escapar del control.

2 The market is constantly directing toward the impossible image, the computer generated image. As we are constantly exposed to our imperfect image we are constantly anxious, unsatisfied and unhappy. We are constantly reminded of what to do to reach happiness and we are trapped in this cage of control. If we sabotage the idealised image of happiness we can escape the control.

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FotoPerformer necesitan encontrar su aplicación en la vida cotidiana. Demasiados proyectos de arte han producido ideas poco realistas. Las acciones del FotoPerformer no escapan al absurdo, el simbolismo, la fantasía y las metáforas, pero sus interpretaciones están pidiendo la actualización en nuestra vida.

Estamos confundidos y saturados por las mismas imágenes (información manipulada), estamos impregnados de selfies, estamos cansados y consumidos por las muchas horas, y la condición no humana, que el mercado nos está imponiendo, nos han dicho que nos hemos quedado sin soluciones, pero sobre todo tenemos miedo. La imagen resiliente está buscando soluciones y elogia el optimismo.

La imagen resiliente es incompleta, no enmarcada, frágil, incierta, en proceso, exactamente como nuestra existencia. La imagen resiliente es una imagen transformada en una acción, una imagen en constante redefinición. La imagen resiliente fomenta el flujo de la fantasía contra la fijeza de la fotografía.

La imagen resiliente no está preocupada por ser olvidada. La naturaleza de la imagen fotográfica es ser repetida, la naturaleza de la imagen resiliente es ser recreada.

La imagen resiliente existe dentro de cada uno de nosotros y se manifiesta a través de nuestra imaginación. Nos conectamos a ella conectándonos con nuestra imagen interna y la revelamos a través de nuestro cuerpo. A veces, la imagen interna puede ser una imagen invisible, una cámara fotográfica sin tarjeta de memoria, una acción sin su documentación.

La imagen fotográfica está siempre celebrando el progreso, la evolución tecnológica, la velocidad de la comunicación; en cambio, la imagen resiliente está honrando la regresión, como una evolución, mirando hacia atrás, a nuestro pasado, a nuestro origen. La imagen resiliente es ancestral, es atemporal, o mejor, es tan antigua como su creador.

Las acciones resilientes del FotoPerformer son provocadas por las preguntas de nuestra existencia. Desde que nacemos hacemos preguntas, desde que nacemos somos curiosos, ansiosos y preocupados. Desde que nacemos inventamos respuestas para controlar nuestra ansiedad, pero nuestras respuestas inventadas terminan por hacernos más frustrados.

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We are confused and saturated by the same images (manipulated information), we are pervaded by selfies, we are tired and consumed by the many hours and unhuman condition that the market is imposing to us, we have been told that we have run out of solutions but mainly we are scared. The resilient image is thriving for solutions and praises for optimism.

The resilient image is uncompleted, unframed, fragile, uncertain, in process, exactly like our existence.

The resilient image is an image transformed into an action, an image in constant re-definition. The resilient image encourages the flux of the fantasy against the fixity of photography The resilient image is not worried to be forgotten.

The nature of the photographic image is to be repeated, the nature of the resilient image is to be re-created.

The resilient image exists inside each of us and it manifests to us through our imagination. We connect to it by connecting with our internal image and we reveal it through our body. At times, the internal image can be an invisible image, a photo camera without memory card, an action without its documentation.

The photographic image is always celebrating the progress, the technological evolution, the speed of communication; instead, the resilient image is honoring the regress, as an evolution, looking back at our past, our origin. The resilient image is ancestral, it is timeless, or better, it is as old as its creator.

The resilient actions of the PhotoPerformer are provoked by the questions of our existence. Since we are born we make questions, since we are born we are curious, anxious and worried. Since we are born we invent answers so to control our anxiety but our invented answers end up making us more frustrated.

Sometimes the cruelty of our inventions make us more worried and more violent against each other.

While we have developed so many answers to our questions we have developed new problems. It seems to me that the essential quality of the human being is our dependency to others human being and to eternal forces.

In recent times, photography has assisted us to separate from to each other, to grow narcissism and competitiveness, it has helped us to substitute the natural forces with our inventions. Our inventions have dem-

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A veces la crueldad de nuestros inventos nos vuelve más preocupados y violentos entre nosotros. Si bien hemos desarrollado tantas respuestas a nuestras preguntas, hemos desarrollado también nuevos problemas. Me parece que la cualidad esencial del ser humano es nuestra dependencia del ser humano y de las fuerzas eternas.

En los últimos tiempos, la fotografía nos ha ayudado a separarnos unos de otros, a acrecentar el narcisismo y la competitividad, nos ha ayudado a sustituir las fuerzas naturales por nuestras invenciones. Nuestras invenciones han demostrado ser más inhumanas que las fuerzas naturales.

El FotoPerformer no es una invención nueva; el FotoPerformer hace un uso resiliente de la misma invención para volver a ganar una conexión con nuestra naturaleza.

La creación de la imagen resiliente es como un entrenamiento. Las distintas fases del entrenamiento son individuales y colectivas, intuitivas y calculadas, privadas y públicas. El objetivo de la formación es transformar y ampliar nuestra conciencia.

El entrenamiento está concebido para afectar nuestra conciencia corporal, mental y emocional. Al igual que la imagen resiliente, el entrenamiento es interminable. Al igual que la imagen resiliente, el entrenamiento es modelado por una adaptación constante.

El entrenamiento moderado (del FotoPerformer) fomentará una mayor resiliencia humana, estimulará una re-humanización de nuestras invenciones y esperamos que afecte nuestro comportamiento diario.

onstrated to be more inhumane than the natural forces.

The PhotoPerformer is not a new invention; the PhotoPerformer makes a resilient use of the same invention so to regain a connection with our nature.

The creation of the resilient image is like a training.

The various phases of the training are individual and collective, intuitive and calculated, private and public.

The aim of the training is to transform and expand our conscience.

The training is conceived so to affect our corporal, mental and emotional awareness. Like the resilient image the training is never-ending. Like the resilient image the training is shaped by a constant adaptation.

In my view, the PhotoPerformer training will foster more human resilience, it will stimulate a re-humanization of our inventions and hopefully it will affect our daily behavior.

‘It is my intention to turn my life into the PhotoPerformer life.’

Manuel Vason.

“Mi intención es convertir mi vida en la vida de un FotoPerformer.”

Manuel Vason.

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manifest

manifiesto Este texto no quiere ser leído como un manifiesto o una declaración de artista sino como un texto en constante desarrollo con el objetivo de activar a sus lectores.

This text doesn’t want to be read as a manifesto or an artist statement but as a text in constant development with the objective to activate its readers.

¿Quién es el FotoPerformer?

Who is the PhotoPerformer?

• El FotoPerformer es la personificación de una independencia de la imagen.

• El FotoPerformer es un antropólogo quien está documentando su propia vida como un estudio de caso para los demás.

• El FotoPerformer es un atleta de la imagen poética.

• El FotoPerformer es un cazador de recuerdos futuros.

• El FotoPerformer es un artesano de la imagen simbólica.

• El FotoPerformer es un soldado luchando contra la distancia que la fotografía crea.

• El FotoPerformer es un equilibrista que honra la inestabilidad de la vida.

• El FotoPerformer es un protagonista de su propia mitología.

• El FotoPerformer es un

• The PhotoPerformer is the personification of a dependency to the image • The PhotoPerformer is an Antropologist who is documenting his own life as a case study for the others.

• The PhotoPerformer is an athlete of the poetic image.

• The PhotoPerformer is an hunter of future memories.

• The PhotoPerformer is an artistan of the symbolic image.

• The PhotoPerformer is a soldier fighting the distance that photography is creating.

• The PhotoPerformer is an equilibrist honoring the instability in life • The PhotoPerformer is a protagonist of his/her own mythology.

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explorador del espacio fotográfico.

El FotoPerformer es una escultura de su propia consciencia.

El FotoPerformer es un entrenador de sus propias acciones.

El FotoPerformer es un amateur profesional.

El Fotoperformer es un alter-ego con un propósito específico: convertirse en un medio, una especie de dispositivo mediático de identificación, un espejo para todos nosotros.

El FotoPerformer es una serie cada vez mayor de responsabilidades...

• The PhotoPerformer is an explorer of the photographic space.

• The PhotoPerformer is a sculpture of her/his on conscience.

• The PhotoPerformer is a trainer of her/his own actions.

• The PhotoPerformer is a professional amateur.

• The PhotoPerformer is an alter-ego with a specific purpose: to become a medium, a sort of mediatic device of identification, a mirror for all of us.

• The PhotoPerformer is an ever growing series of responsibilities...

• Colgarme del vacío para hacer vibrar mi cuerpo.

• Cerrar los ojos y extender las manos, los brazos, la piel.

• Violentar la imagen fija a través del movimiento.

• Iniciarme en la acción para sacudir la imagen interior.

• Ser acción para imaginar la acción.

• Ser estallido de cuerpo para reconstruir el cuerpo.”

Rodrigo Valero Puertas

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El reflejo como un hermano, la pelea con el igual que habita dentro nuestro y que encuentra su cause en la rabia hacia la máscara. Con el puño técnico que nos reproduce y nos resta una dimensión, el FotoPerformer activa otro puño, hecho de la necesidad de dejar de ser sólo imagen para devenir cuerpo.”

Yoatzin Balbuena

¿Qué está haciendo él/ella?

What is she/he doing?

• El FotoPerformer abraza el acto poético de la fotografía como una medicina contra la forma establecida de comportarse.

• El FotoPerformer está imitando la diversidad.

• El FotoPerformer está comunicando a través de la pose.

• El FotoPerformer está practicando la fotografía como una filosofía para fomentar la transformación.

• El FotoPerformer está celebrando el movimiento a través de la quietud.

• El FotoPerformer está usando la fotografía para trazar un mapa para perderse.

• El FotoPerformer está activo porque él/ ella tiene una sensación de urgencia.

• El FotoPerformer está documentando nuevas formas de comportamiento.

• El FotoPerformer está practicando una nueva gimnasia de la mente. Un proceso de

• The PhotoPerformer embraces the poetic act of photographing as a medicine against the prescribed way of behaving.

• The PhotoPerformer is imitating diversity.

• The PhotoPerformer is communicating through the pose.

• The PhotoPerformer is practicing photography as a phylosophy to encourage transformation.

• The PhotoPerformer is celebrating movement through stillness.

• The PhotoPerformer is using photography to trace a map so to get lost.

• The PhotoPerformer is active because she/he feels a sense of urgency.

• The PhotoPerformer is documenting new forms of behaviour.

• The PhotoPerformer is practicing a new gym of the mind. A process of expansion throught diversification.

¿Qué quiero activar como PhotoPerformer?

• Quiero activar el regreso al Ser Humano • Quiero ver a la imagen como una oportunidad para expresar una opinión.

• Quiero olvidar las reglas establecidas sobre “cómo debe ser una buena foto”. No busco la perfección, sino la emoción.

• Manda al diablo a los puristas. No te dejes caer por el ego, sus críticas y envidia.

• Nunca dejes de aprender, experimenta.

• Recuerda que el acto fotográfico es también un acto de comunicación.

• Y sobre todo…

Haz que valga la pena.”

Pensar al aparato como meramente reproductor técnico de imágenes hace reducir nuestra mirada. Dado que somos los constructores de una realidad hace falta que el hombre sea el constructor de sus acciones, lo cual nos transforma en hombre cámara para crear una imagen viva.”

Carolina Arteaga

Aarón Arredondo

manifiesto

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expansión mediante la diversificación.

El FotoPerformer está usando la fotografía para romper cualquier forma de evidencia. El único conocimiento es una constante sensación de inseguridad.

El FotoPerformer está convencido de que la fotografía puede crear un puente entre la imaginación personal y la colectiva.

El FotoPerformer está transgrediendo las reglas y convenciones fotográficas.

El FotoPerformer está retratando a la sociedad contemporánea del YO para curarla.

El FotoPerformer está buscando constantemente nuevas relaciones para el intercambio creativo.

El FotoPerformer cree en la contradicción como una condición saludable.

El FotoPerformer está usando la fotografía como una licencia para el comportamiento creativo.

El FotoPerformer está cambiando y evolucionando constantemente.

El FotoPerformer se mueve, se detiene y se

• The PhotoPerformer is using photography to break any form of evidence. The only knowledge is a constant sense of insecurity.

• The PhotoPerformer is convinced photography can create a bridge between personal and collective imagination.

• The PhotoPerformer is transgressing photographic rules and conventions.

• The PhotoPerformer is portraying the contemporary society of the self so to cure it.

• The PhotoPerformer is constantly looking for new relationships for creative exchange.

• The PhotoPerformer is believing in the contraddiction as an healthy condition.

• The PhotoPerformer is using photography as a licence for creative behaviour.

• The PhotoPerformer is perpetually changing and evolving.

• The PhotoPerformer moves, stops and moves again in search of finding a specific moment of satisfactory stillness.

.... y todo se reduce a un instante donde estuve con mi cuerpo donde me quedo sin permiso de mí sin aliento desaliñado a veces con ligera dosis de verdad que evidencia lo que soy en el otro lo que soy con el otro en esa caja negra de donde entro para salir donde entro a mirar lo que no veo de mí donde soy a veces

Si la fotografía es uno de los formatos más usados para documentar el arte de acción, cómo construimos, cómo circulamos y cómo comprendemos los documentos que surgen de la acción de fotografiar en un FotoPerformance.”

María Rodríguez Cruz

Acción entre los ojos. estuve con mi cuerpo donde me quedo sin permiso de mí.”

Ricardo Rubio

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perderse juntos

• • • • •

• •

mueve nuevamente en busca de encontrar un momento específico de quietud satisfactoria.

El FotoPerformer está realizando acciones disfuncionales que representan la vida.

El FotoPerformer está constantemente ocupado realizando su acto de fotografiar.

El FotoPerformer demuestra que está vivo usando las herramientas de la muerte.

El FotoPerformer está haciendo ejercicios creativos para examinar ideas a través de diferentes lentes.

El FotoPerformer es una paradoja viviente: él/ella está documentando una vida virtual actuando acciones reales.

El FotoPerformer se ha movido por su imaginación.

El FotoPerformer es una serie cada vez mayor de potenciales acciones fotográficas...

• The PhotoPerformer is performing disfuctional actions that represent life.

• The PhotoPerformer is constantly busy in performing her/his the act of photographing.

• The PhotoPerformer demostrates he is alive by using the tool of death.

• The PhotoPerformer is exercising creative trainings to examine ideas through different lenses.

• The PhotoPerformer is a living paradox: she/he is documenting a virtual life by acting real actions.

• The PhotoPerformer is been moved by her/his imagination.

• The PhotoPerformer is an ever growing series of potential photo-action...

Mi FotoPerformer: • Cuestiona siempre el camino anterior con el que se llega a la acción performativa.

• Piensa el futuro como un continuo trabajo de exploración, nunca como una conclusión.

• Se apasiona por la inestabilidad de la no conclusión final.

• Busca resolver las necesidades técnicas durante el proceso mismo y no anteponer esa resolución técnica como premisa de trabajo.

• Nunca es definitivo en el acto del movimiento.

• No hace diferencia alguna entre el objeto fotográfico y el objeto íntimo que provoca la acción. Su cuerpo social verá la experiencia íntima como una experiencia fotográfica. La imagen resultante es la imagen del movimiento.

• La imagen viva es la imagen continua, su inmortalidad radica en el no estatismo; nada podría tener un inicio o un final en esa imagen.”

Gustavo Thomas

manifiesto

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The PhotoPerformer workshop

eltaller de FotoPerformer

La idea detrás del taller de FotoPerformer es trabajar como un grupo hacia una transformación práctica.

The idea behind the PhotoPerformer workshop is to work as a group toward a practical transformation.

C

ada taller de FotoPerformer comienza con una presentación de las principales preocupaciones de la filosofía del FotoPerfomer, así como la presentación de cada uno de los participantes.

Esta fase del taller se llama “Construcción”.

Después todos los participantes comienzan a practicar una serie de ejercicios, algunos de ellos ya están previamente establecidos, otros son inventados en el momento, algunos más son sugeridos por los participantes. No hay un liderazgo directo ya que todos participamos y todos somos responsables del funcionamiento del taller.

Los objetivos de los diferentes ejercicios son: • reforzar el espíritu de la colectividad, • provocar el intercambio de habilidades e información entre sus miembros,

E

very PhotoPerformer workshop starts with a presentation of the main concerns of the PhotoPerformer philosophy and the presentation of each of the participants.

This phase of the workshop is called “Construction”.

Then all the participants start practicing a number of exercises, some of them are already established in advanced, some are invented on the spot, some are suggested by the participants. There is not a direct leadership as we all participate and we are all responsible for the functioning of the workshop.

The objectives of the different exercises are: • to reinforce the spirit of collectivity, • to provoke exchange of skills and information between its members, • to contaminate the different art practices,

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• contaminar las diferentes prácticas artísticas, • honrar las diferencias en el grupo, • percibir la fuerza de la colaboración contra la fragilidad de lo individual.

Esta fase del taller se llama “Destrucción”.

Hacia el final del taller, cada miembro es alentado a presentar una serie de foto-acciones en grupo e individualmente. La presentación de este material es una especie de entrenamiento extendido y en algún momento esta presentación puede ocurrir frente a público en vivo.

Esta fase del taller se llama “Re-Construcción”.

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perderse juntos

manifiesto

Foto: María Rodríguez Cruz

• to honor the differences in the group, • to perceive the strength of the collaborative against the fragility of the single.

This phase of the workshop is called “Destruction”.

Toward the end of the workshop each member is encouraged to present a series of photo-actions, in group and individually. The presentation of this material is a sort of extended training and sometime this presentation can happen in front of a live audience.

This phase of the workshop is called “Re-Construction”.

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Exercises

ejercicios Ejercicios porpuestos por Manuel Vason

A

través de la experiencia, las ideas fijas sobre el mundo sufren un desplazamiento hacia zonas que nos abren renovadas perspectivas sobre la práctica artística. Los ejercicios diseñados por Manuel Vason tienen múltiples propósitos, desde generar prácticas de colaboración hasta repensar el mundo de la imagen y transgredir, hasta donde sea posible, la relación con la cámara fotográfica y el software contenido con el propósito de arribar a otras posibles poéticas.

Ejercicios propuestos por Participantes del taller

T

odo encuentro es la oportunidad de establecer diálogos a través de los cuales la comprensión de lo real se torna más compleja. En el taller con Manuel Vason, una de las formas en que dicho diálogo se hizo posible fue a través de ejercicios propuestos por los participantes, mediante los cuales se pudo atisbar al mundo personal de cada uno, así como las nuevas ideas en torno a la fotografía que fueron surgiendo.

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bolsa de arcilla bag of clay Manuel Vason Foto: María Rodríguez Cruz

L

a fotografía puede transformar el movimiento en quietud.

Esta transformación de un automatismo mecánico puede convertirse en un gesto creativo, si la intención es impulsada por un concepto.

Pensar al cuerpo humano como una cámara puede transformar nuestro movimiento en quietud al detenernos en una pose.

Aquí llamo pose a la traducción de un mensaje en una combinación de postura corporal, gesto y expresión facial con el objetivo de comunicar un mensaje.

Trabajando en pareja, uno de los cuerpos se transforma en una bolsa de arcilla y el otro en escultor. El objetivo es modelar, en el cuerpo de tu pareja, una serie de poses simbólicas.

El lenguaje corporal es uno de las más primitivas formas de comunicación y mientras que hemos desarrollado la tecnología del audio y el video, hemos descuidado el lenguaje de nuestro cuerpo.

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P

hotography can transform movement into stillness.

This transformation from a mechanic automatism, can become a creative gesture if the intention is driven by a concept.

Thinking at a human body as a camera, we can transform our movement into stillness by arresting into a pose.

I name pose here the translation of a message into a combination of body posture, gesture and facial expression with the aim to communicate a message.

Working in couple, one of the bodies becomes a bag of clay and the other a sculptor. The aim is to model, into the body of your partner, a series of symbolic poses.

Body language is one of the most primitive form of communication and while we have develop audio and video technology, we have neglected the language of our body.

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ejercicios

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convertirse en un animal becoming an animal Manuel Vason

L

a imagen fotográfica es una invención artificial que nos está separando de nuestro origen. Uno de los efectos de esta separación cultural es la distancia de nuestro ser animal, de nuestra intuición y de nuestros apegos a la naturaleza.

Este ejercicio es una respuesta a esta situación.

Con su cámara a mano (o con cualquier otro objeto que representa una cámara) transformarse en un animal. Más que imitar a un animal existente, invente uno nuevo (su propio animal) escuchando las demandas de su cuerpo. Mientras fotografíe, no se enfoque en las imágenes externas en el visor, sino en la memoria de los movimientos de su cuerpo. Concéntrese en la experiencia corporal que estas acciones están provocando.

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T

he photographic image is an artificial invention that is separating us from our origin. One of the effect of this cultural separation is the distance from our animal being, from our intuition and our attachments to nature.

This exercise is a response to this situation.

With your camera on hand (or with any other object that for you represent a camera) transform yourself into an animal. More than imitating an existing animal invent a new one (your own animal) by listening the demands of your body. While photographing, do not focus on the external images on the viewfinder but focus on the memory of your body movements. Focus on the corporeal experience those actions are provoking.

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ejercicios

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cuerpo cámara human camara Manuel Vason

E

ste ejercicio está diseñado para ser realizado en pareja.

Mientra uno de los participantes toma el papel de un fotógrafo, el otro se convierte en una cámara humana.

La cámara humana mantendrá los ojos completamente cerrados durante toda la sesión. Cada movimiento de su cuerpo será operado por el fotógrafo.

El fotógrafo tomará las foto tocando el hombro de su compañero. Un primer toque para abrir los ojos (obturador) y un segundo toque para cerrarlo. El fotógrafo elegirá el sujeto, creará el encuadre, enfocará la cámara humana (determinando la distancia del sujeto) y establecerá el tiempo de la exposición.

El objetivo de este ejercicio es generar confianza entre el grupo y al mismo tiempo introducir la sensibilidad de cada uno. Cada estudiante tiene, de hecho, cinco minutos para encontrar, encuadras y fotografiar una serie de imágenes poéticas.

El ejercicio de la cámara humana permite experimentar la diferencia entre tomar una imagen y memorizar la imagen con todo el cuerpo.

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T

his exercise is devised to be completed in partner.

While one of the two participants takes the role of the photographer the other become a human camera.

The human camera will keep his/her eyes completely closed during the entire session. Every movement of his/ her body will be operated by the photographer. The photographer will take the pictures by tapping on the shoulder of the companion. One tap to open the eyes (shutter) a second tap to close the eyes. The photographer will choose the subject, create the framing, focus the human camera (by deciding the distance from the subject) and establish the time of the exposure by tapping.

The aim of this exercise is to generate trustness among the group and at the same time to introduce each other sensitiveness. Each student in fact has 5 minute to find, frame and photograph a number of poetic images.

The human camera exercise allows to experience the difference between taking a picture and memorising pictures with the entire body.

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cuerpo maquina machine human

Foto: Rodrigo

Manuel Vason

ejercicios

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excitación física physical excitement Manuel Vason

L

a cámara fotográfica representa un aparato de control. Con o sin la cámara tendemos a controlar demasiado..

Con una cámara fotográfica en mano o con otro objeto que represente para ti una cámara, iniciar un proceso de excitación física.

Conectando tu cuerpo a tu imaginación puedes provocar un estado de excitación física.

Tu cámara fotográfica, o cualquier otra cámara, nunca será capaz de capturar la experiencia física que estás encontrando.

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T

he photographic camera represents an apparatus of control. With or without the camera we tend to control a lot.

With a photo camera on hand or with another object that for you represents a camera, to initiate a process of physical excitement.

By connecting your body to your imagination you can provoke a state of physical arousal.

Your photo camera, or any other photo camera, will never be able to capture the physical experience you are encountering.

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focus balance focus balance Manuel Vason

E

l FotoPerformer es muy consciente de que la condición natural de la existencia humana se caracteriza por la inestabilidad y la incertidumbre.

Este ejercicio hace uso de la concentración como una herramienta para crear una fuerte conexión entre dos cuerpos.

Los dos cuerpos están en contacto mediante una parte de sus cuerpos. Uno de los dos cuerpos toma la iniciativa como fotógrafo y el otro se convierte en una lente fotográfica.

A través de la micro rotación el fotógrafo mueve el cuerpo de su pareja en busca de un punto de equilibrio.

El foco de ambos cuerpos está en su punto de contacto.

El ejercicio es duracional y el movimiento de diferente intensidad nunca se detiene.

T

he PhotoPerformer is well aware that the natural condition of the human existence is characterized by instability and uncertainty.

This exercise makes use of the concentration as a tool to create a strong connection between two bodies.

The two bodies are in contact through a part of their body. One of the two bodies takes the lead as photographer and the other becomes a photographic lens.

Through micro rotation the photographer move the body of his partner in search of a point of balance. The focus of both the bodies is on their point of contact.

The exercise is durational and the movement of different intensity never stops.

ejercicios

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la conexión del hilo the thread connection Manuel Vason

E

ste es un ejercicio de conexión, o mejor, de sincronización entre el grupo.

Partiendo de un lado de un gran espacio, los participantes del taller, dispuestos en una línea, sostienen un hilo realmente delgado con su mano izquierda.

Todos los participantes tienen los ojos vendados y están a igual distancia unos de otros.

El propósito del ejercicio es mantener la tensión del hijo y usar la misma tensión como un regulador de la dirección y la velocidad.

El grupo se moverá de un lado a otro del cuarto manteniendo la alineación para alcanzar el otro lado al mismo tiempo.

Idealmente, si el grupo de participantes es suficiente prefiero dividir el grupo en dos, ya que observar a sus compañeros moviéndose es tan importante como hacer el ejercicio.

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T

his exercise is an exercise of connection or better of synchronization among the group.

Starting from one side of a large space, the workshop participants, arranged in a line are holding a really thin thread with their left hand.

All the participants are blindfolded and at equal distance to each other.

The purpose of the exercise is to keep the tension of the thread and use the same tension as a regulator of direction and speed.

The group will be moving from one side of the room to the other maintaining the alignment so to reach the other side at the same time.

Ideally, if the group of participant is big enough I prefer split the group in two as observing your companions moving is as important as doing the exercise.

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ejercicios

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línea lateral lateral line Manuel Vason

M

irando a través de una cámara podemos ver el mundo como una imagen bidimensional.

Lo que hace la cámara fotográfica es comprimir todos los distintos planos de enfoque en uno solo.

Con tu cámara en mano, o con cualquier otro objeto que para ti represente una cámara, mueve tu cuerpo en uno de estos planos de enfoque. Observando el espacio, crea una línea mental y mueve tu cuerpo hacia atrás y hacia adelante, pero sin salir de esta línea imaginaria.

Este ejercicio estimula la imaginación y obliga al cuerpo a moverse con inventiva.

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L

ooking through a camera we can see the world as a two dimensional image. What the photo camera does is to compress all the various planes of focus in a single one.

With your camera on hand or with any other object that for you represents a camera do move your body in one of this plane a focus. Observing the space of the workshop create a mental line and move your body back and forth, but without exiting this fantastic line.

This exercise stimulates the imagination and forces the body to move with fantasy.

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ejercicios

45 Foto: María Rodríguez Cruz

ejercicios de manipulación exercises of manipulation Manuel Vason

E

l FotoPerformer cree que la fotografía es un medio táctil.

La buena imagen es la que toca tu interior.

Cada fotografía puede ser descrita como un contacto visual.

De la misma manera que la luz toca los objetos que fotografiamos, nuestros ojo están tocando esas superficies.

Los ejercicios de manipulación se hacen en pareja.

Durante los ejercicios de manipulación estimulamos a nuestra pareja mediante el tacto para conectar con sensaciones y memorias. En este caso, el tacto representa un intercambio entre cuerpos, un pase de energía y un detonador de nuestro imaginación.

El ejercicio representa un crescendo de tacto e impulsos, mientras que al mismo tiempo demanda una gran concentración.

Este es uno de los mejores ejercicios para generar confianza entre los integrantes del grupo.

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T

he PhotoPerformer believes that photography is a tactile medium.

'The good image is the one that touches you

inside.

Every photograph can be describes as an eye contact.

In the same way the light touches the object we photograph, our eyes are touching those surfaces…

The manipulation exercises are done in couple or with more the two people.

During the manipulation exercises we stimulate our partner through the touch to connect with sensations and memories. In this case the touch represents an exchange between bodies, a passage of energy and a trigger of our imagination.

The exercise presents a crescendo of touches and impulses while at the same time it demands a great deal of concentration and focus.

This exercise is one of the best exercises to build confidence and trust among the group of participants.

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mirando hacia atrás, avanzando looking backward, moving forward Manuel Vason Foto: zayda

L

a fotografía transforma el presente en pasado.

La cámara fotográfica siempre apunta hacia el futuro, ya que dentro de la cámara sólo podemos imaginar imágenes potenciales que aún no hemos tomado. (La cámara apunta hacia el futuro, el clic es el presente, la fotografía tomada es el pasado).

El FotoPerformer es consciente de que mirar hacia el futuro significa proyectar y esto significa distanciarse de nuestro presente.

El FotoPerformer avanza apuntando su cámara hacia el pasado. Sólo conectando con el pasado, con nuestro origen, podemos avanzar.

Durante el ejercicio los participantes son impulsado a mirar a través de la cámara y a caminar hacia atrás con diferentes velocidades.

Este ejercicio tiene como objetivo crear una mayor sensibilidad, hasta el punto de imaginar que un ojo detrás de la cabeza comienza a crecer y se vuelve más importante que el ojo mirando a través de la cámara.

Mirar hacia nuestro pasado perfecciona nuestra imaginación.

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P

hotography transforms the present into past.

The photo camera is always pointing the future as inside the camera we can only imagine potential pictures that we have not taken yet. (The camera points at the future, the click is the present, the photograph taken is the past) The PhotoPerformer is aware that looking at the future means projecting and projecting means distancing from our present.

The PhotoPerformer is suggesting pointing the camera behind toward the past. Only by connecting with the past, toward our origin, we can move forward.

During the exercise the participants are encouraged to look through the camera and walk at different speed backward.

This exercise aims to create a bigger sensibility, to the point an imagined eye behind the head starts growing and becomes more significant than the eye looking through the camera.

Looking toward our past improves our imagination.

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Fotos: Carolina Arteaga

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Foto: Rodrigo Valero-Puertas

Fotos: ama

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Fotos: yoa

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Fotos: yoa

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Fotos: ZAYDA

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Fotos: ZAYDA

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Fotos: MarĂ­a RodrĂ­guez Cruz

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Fotos: María Rodríguez Cruz

pose grupal pose grupal Manuel Vason Foto:

L

os participantes del taller se conectan entre sí de tal manera que comienza a manifestarse una especie de dependencia.

Durante este ejercicio un miembro del grupo, en ese momento, entra en un espacio y presenta su cuerpo a través de una pose. El siguiente participante añade su pose al de su compañero alterando la composición general y el significado simbólico.

Cada participante se vincula entre sí por una decisión, cada participante está transformando el grupo en una nueva conformación, una nueva interpretación.

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T

he participants of the workshop become so connected to each other that a sort of dependency starts to manifest.

During this exercise one member of the group, at the time, enter a space and present his body through a pose. The following participant adds his pose to the one of his companion altering the overall composition and symbolic meaning.

Each participant becomes linked to each other by a decision, each participant is transforming the group into a new conformation, a new interpretation.

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Fotos:

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la pose simbólica the symbolic pose Manuel Vason composición: JORGE MARCELINO

E

l FotoPerformer considera la pose como un invento, como una interfase para comunicarse.

En lugar de presentar una identidad o una apariencia, el FotoPerformer está pidiendo una pose simbólica como un gesto creativo con el poder de afectar a sus espectadores.

La Pose Simbólica es una construcción poética a través de la imaginación corpórea.

A cada participante se le pide que presente una serie de poses simbólicas con el objetivo de dominar un nuevo lenguaje corporal.

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T

he PhotoPerformer considers the pose as a devise, as an interphase to communicate.

Rather than present an identity or an appearance, the PhotoPerformer is calling for a symbolic pose as a creative gesture with the power to affect its viewers.

The Symbolic Pose is a poetic construction through corporeal imagination.

Each participant is asked to present a series of symbolic poses with the objective to master a new body language.

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Fotos: ceprodac

Fotos: ceprodac

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Fotos: ceprodac

Fotos: ceprodac

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Fotos: ceprodac

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Fotos: ceprodac

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Fotos: ceprodac

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Fotos: ceprodac

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Fotos: ceprodac

Fotos: ceprodac

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convertirse en una religión becoming a religion Manuel Vason

E

l FotoPerformer es consciente del riesgo de transformar la fotografía en una nueva religión; un culto que celebra el poder de la imagen fotográfica.

A través de este ejercicio los participantes del taller están invitados a inventar una nueva religión para adorar el fin del poder de la imagen fotográfica.

T

he PhotoPerformer is aware of the risk of transforming photography into a new religion; a cult celebrating the power of the photographc image.

Through this exercise the workshop’s participants are invited to invent a new religion to worship the end of the power of the photographic image.

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ritual ritual Manuel Vason

E

l FotoPerformer celebra la acción fotográfica como la anulación de la acción contra la imagen.

El gesto de fotografiar se ve aquí como una práctica de sanación contra el poder de la imagen y en particular la fijeza de la imagen fotográfica.

Este ejercicio es una exhortación para honrar esta práctica mediante la invención de un nuevo ritual. Antropológicamente un ritual se pretende como un proceso de transformación, en este caso, el ritual es una manifestación de la creatividad de cada participante.

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he PhotoPerformer celebrates the photographic action as the override of the action against the image.

The gesture of photographing is viewed here as a healing practice against the power of the image and in particular against the fixity of the photographic image.

This exercise is an exhortation to honor this practice by the invention of a new ritual (of any form and duration). Anthropologically a ritual is intended as a process of transformation, in this case, the ritual is the manifestation of each participant's creativity.

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transporte transport Manuel Vason

L

a práctica del FotoPerformer puede ser llamada el Arte de Cuidar. En un mundo en donde el narcisismo y el egoísmo son constantemente adoradas, el FotoPerformes está perpetrando el arte de cuidarse unos a otros. Como nunca antes hay una urgencia de afectividad y solidaridad Durante este ejercicio, practicado en pareja, uno de los participantes transforma sus acciones en una pose detenida mientras que el compañero, con cuidado y precisión, transportará el cuerpo a diferentes partes del espacio.

Para completar el ejercicio, la pareja necesita intercambiar los papeles.

T

he practice of the PhotoPerformer could also be called the Art of Caring. In a world in which the narcissism and selfness is constantly worshipped the PhotoPerformer is perpetrating the art of looking after each other. Never like before there is an urgency of affection and solidarity.

During this exercise, practiced in couple, one of the participant transforms his/her actions into an arrested pose while the other partner, with care and precision, will transport the body to different part of the space.

To complete the exercise the couple needs to swap the roles.

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desaparecer el tiempo Aarón Arredondo

E

l universo en el que nos desenvolvemos está compuesto por cuatro dimensiones básicas que nos hacen ver, sentir y entender de cierto modo nuestro entorno. No obstante, para la fotografía las cosas cambian mucho, creando una especie de universo alterno y diferente a como nosotros lo vemos y entendemos.

Nosotros entendemos el universo en cuatro dimensiones base, tres espaciales y una temporal: la primera es la unión de dos puntos en el espacio mediante una línea que marca una trayectoria. La segunda agrega la altura, lo cual nos da la oportunidad de crear figuras (así como en la fotografía) en dos dimensiones: longitud y altura. La tercera, añade la magnitud del volumen, la cual permite percibir nuestro universo con profundidad; las dimensiones espaciales serían longitud, altura y latitud. La cuarta dimensión, o dimensión del tiempo físico, estudia lo que ocurre con un objeto en un cierto instante o fracción del tiempo.

Einstein, con la Teoría de la Relatividad, establece que los objetos no sólo se mueven en el espacio, sino también a través del tiempo. En caso contrario, cada

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movimiento nuestro dejaría una estela de nosotros mismos que se extendería de un punto a otro.

Es mágico pensar cómo el efecto de la captura fotográfica carece de dos de las dimensiones de nuestro universo: La profundidad y el tiempo.

Una fotografía es completamente plana y se inscribe en una dimensión espacial 2D, no obstante, la perspectiva y la iluminación nos permiten crear la ilusión de profundidad dentro el plano.

Por otro lado, cuando capturamos una imagen, lo que hacemos es atrapar un instante de tiempo sobre la placa sensible sin atravesar el tiempo. Esto es debido a la misma naturaleza del material sensible: éste sólo percibe. Por tanto, si nos movemos durante la exposición fotográfica, la placa sensible percibe cada uno de los estados de un punto al otro y los encima. Es así como se logra el barrido.

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¿Cómo experimentar esto?

Al finalizar...

Yo propongo establecer entre un grupo de personas una acción. Ésta será representada a través del tiempo por cada uno de los miembros hasta concluirla, pero cada uno de ellos deberá quedarse en la posición que adoptó sin tener la posibilidad de moverse. Así se creará una estela de fases de una acción del inicio al fin, tal como si estuviera impreso en una placa fotográfica.

Ahora hagamos diversas variables. Podemos no establecer ninguna acción concreta pero será desplegada creativamente al sumarse cada compañero en el transcurso de ésta (de la acción), eso permitirá dejar que sea la intuición y el impulso del cuerpo los que definirán este acto.

También podemos establecer diferentes lapsos de tiempo de “exposición”. Más amplios, tal como si fuera una luz estroboscópica que captura cada fase de la acción; o más breves, al intentar, lo más juntos posible, crear el efecto de estela.

Finalmente, hagamos una acción en retroceso y pensemos cuál sería el paso anterior de una acción determinada.

Compartan sus opiniones al respecto de la sensación de la inexistencia del tiempo como magnitud, y cómo con una fotografía podemos crear una expresión a partir de ello.

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conexión y espejo Amaranta Verdugo

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l grupo camina en distintas direcciones con la sensación de tener una luz que se proyecta desde el centro del cuerpo y hacia la dirección que se quiera caminar, mientras se van encontrando unos con otros a través de la mirada y la conexión entre luces. Una vez que cada persona haya “saludado” a todos los miembros del grupo se colocan en parejas, una frente a la otra.

El ejercicio consiste en sentir que las luces se vuelven a conectar, cada vez con más intensidad, hasta que se empiezan a mover por el cuerpo lentamente provocando que los dos cuerpos se muevan como en un espejo.

Una de las consignas más importantes es procurar no tomar decisiones, dejar que los dos cuerpos fluyan y se comuniquen a través de la necesidad interna de movimiento y empatía. La idea central es enfocar la atención hacia la conexión entre las luces en movimiento, el movimiento que provocan en el cuerpo y cómo resulta en una especie de pre lectura del movimiento del otro.

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Fotos: aarรณn

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el tigre del intento Carolina Arteaga

A

partir de uno de los postulados del photohealing1, de siempre estar en excelente condición física para entregarse a la acción por medio de su cuerpo sin impedimentos, cada uno de los integrantes del grupo multidisciplinario, durante los días que sucedieron a Becoming an Image, nos instruyeron en una de sus formas de entrenamiento.

Comparto mi práctica de pases mágicos que por más de diez años años seguí con disciplina en la Tensegridad2 de Carlos Castaneda, ahora continúo mi propio camino obedeciendo a la experiencia y a la percepción,

1 Este es el nombre que se le dió al FotoPerformance realizado en Ex-Teresa en noviembre de 2016, por Manuel Vason y los integrantes del taller realizado en el Centro de Producción de Danza Contemporánea del inba.

2 Forma de entrenamiento físico basado en supuestos movimientos y pases mágicos de los indígenas mesoamericanos que vivieron antes de la conquista española. La teoría de la tesegridad se encuentra expuesta en el libro de Carlos Castaneda, Pases mágicos (1998).

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en la transformación de la energía. Práctica que transformó mi vida.

Elijo a El Tigre del Intento3, consistente en una serie de movimientos basados en las enseñanzas de Don Juan, un indio yaqui del norte de México, quien por designios del universo heredó el conocimiento de un linaje de chamanes que hoy día se conoce como Tensegridad. Estos movimientos son vistos por hombres de conocimiento en estados de conciencia acrecentada para realizarse con la intención de redistribuir la energía que somos pero que no tocamos o que usualmente tenemos estancada.

Es pertinente incorporar este conocimiento a las prácticas contemporáneas, pues en él se busca una transformación de hombre a tigre, un hombre que se acecha a sí mismo, y ve sus situaciones como presas que lo ejercitan para evolucionar. Lo cual nos conduce a un planteamiento del photohealing: la transformación.

3 Ver el ejercicio en: https://www.youtube.com/watch?v=24RLcN6MrWY

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Fotos: aarón

Para el proceso de transformación es relevante dirigir la atención a la respiración, en este caso, profunda al inhalar llenando la cavidad del tórax e intercostales y durante la exhalación se produce un sonido silibante que nos conduce lentamente de una postura cotidiana a una actitud acechadora.

La práctica de estos movimientos incrementa considerablemente la confianza en uno mismo y la voluntad para accionar, al final se hace necesaria una pronta relajación y estiramiento, por lo que incluí una clase de yoga que nos permitió a estirarnos y concentrarnos para continuar el día.

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la cámara como parte de nuestro cuerpo en el movimiento del Taijiquan Gustavo Thomas Fotograma. Cámara: Rodrigo Valero Puertas / Edición: María Rodríguez Cruz

E

l Taijiquan es un arte marcial chino de gran arraigo popular, lo he practicado durante muchos años de mi vida y en Pekín por cinco años.

Estoy seguro que puede ofrecernos una gran variedad de puntos de contacto para la actividad creativa, y estos puntos de contacto pueden ser sumados a la idea de la cámara fotográfica ligada al cuerpo, exactamente como se hace con el Taijiquan con objetos como la espada y el abanico.

En el proceso de una práctica continua, sus principios se vuelven herramientas de visión con el mismo cuerpo y el movimiento del cuerpo, a la par con el objeto, se vuelve parte intrínseca de nuestro movimiento y de nuestro cuerpo.

Inicialmente hay una consciencia de contacto grupal: el Taijiquan no se aprende con palabras, se aprende a través de un seguimiento -más que una imitación- con el guía. Uno debe, en silencio primordialmente, seguir los movimientos del guía al mismo tiempo que el guía los va realizando, así se hace nuestro propio movimiento sin dejar de estar en contacto con nuestro espacio y con el movimiento y a su vez con el espacio y

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movimiento de todos aquellos que están en el grupo participante.

Uno de los principios de trabajo del Taijiquan es el uso consciente de la respiración con la imaginación y el movimiento: la mente crea una imagen del aire que entra al cuerpo provocando un recorrido de un flujo líquido que va desde el ombligo hasta el final del movimiento físico, sea hasta los dedos de la mano, hasta el metatarso o hasta la coronilla. Llevando esa imagen del flujo más allá del cuerpo hacia el exterior.

Otro principio de trabajo tiene que ver con el control del equilibrio durante el movimiento, tomando conciencia de su cambio de peso a través de la imagen de una parte del cuerpo que se llena y otra parte que se vacía y que cuando se practica con un objeto, el objeto forma parte integral del peso del cuerpo. En los dos casos, la energía se dirige con la imagen mental y el movimiento que se imita en tiempo real a partir del mismo movimiento del guía. Se toma consciencia de esa energía/ flujo a través de todos los canales de nuestro cuerpo, los llamados meridianos o jing, ligados estrechamente a cada uno de los movimientos de las formas del Taijiquan.

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Fotogramas. Cámara: Rodrigo Valero Puertas / Edición: María Rodríguez Cruz

El ejercicio que propongo tiene dos partes: Primera, como calentamiento hacer una serie de posturas básicas del Taijiquan siempre con la cámara fotográfica con nosotros, sea en mano o tomada con las dos manos, e imaginar en algún momento que la respiración y la energía que corre por nuestro cuerpo llega al aparato fotográfico, respira la cámara, la hace parte del movimiento, llega el obturador y hasta da el click.

El punto central es crear ese recorrido desde la mente como un flujo interior de movimiento que integra el cuerpo y el objeto y lo hacen uno solo.

Segunda, seguir al guía durante la práctica de dos de las formas básicas del Taijiquan: las formas de 8 movimientos (https://vimeo.com/442659) y 12 movimientos (https://youtu.be/l4AlMzUGzdQ) del estilo Yang.

Durante el proceso de imitar los movimientos del guía se crea una conciencia del movimiento de los demás integrantes del grupo que practican con nosotros y con la cámara misma como parte de nuestro cuerpo y el flujo del movimiento.

La repetición verbal por parte del guía de los principios de imagen del flujo que recorre el cuerpo y el

equilibrio con las partes del mismo que se llenan y se vacían durante el movimiento ayudará a descubrir con mayor claridad el contacto con la cámara como parte de ese movimiento del cuerpo integrándose plenamente.

(Ver imágenes añadidas del ejercicio, y link a un video: https://www.youtube.com/watch?v=vIstRrCVwrs Practicar continuamente con la cámara fotográfica será la clave del aprovechamiento de este ejercicio. La creación de un hábito de integración diferente al uso común de la cámara por el fotógrafo.

Al final podemos observar aquellas imágenes de los que decidieron hacer un click real al final de los movimientos con sus cámaras durante el trabajo.

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Fotogramas. Cámara: Rodrigo Valero Puertas / Edición: María Rodríguez Cruz

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Fotogramas. Cámara: Rodrigo Valero Puertas / Edición: María Rodríguez Cruz

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Fotogramas. Cámara: Rodrigo Valero Puertas / Edición: María Rodríguez Cruz

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Fotogramas. Cámara: Rodrigo Valero Puertas / Edición: María Rodríguez Cruz

pasos para personificar una máquina de fotos María Rodríguez Cruz

1 identificación Cada uno descubra el componente de la cámara fotográfica con el que se identifique.

2 personificación Una vez identificado dicho componente, cada uno personifique su forma, naturaleza, materialidad, sonido, funcionamiento y sus mecanismos.

3 composición En colectivo, compongan en el espacio una máquina de fotos. Cada uno ubique su posición y comportamiento con respecto a los otros componentes.

4 maquinación Una vez que hayan ensamblado la máquina háganla funcionar de manera conjunta, disparen, construyan una fotografía y guárdenla en su memoria colectiva.

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Grito silenciosos Misael

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instrucciones para entrenar los campos de poder en el cuerpo Ricardo Rubio

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l cuerpo es un sistema de equilibrio de energía, de intercambio de flujos, donde, de manera recíproca, se da y se recibe lo perceptible, visible, audible, palpable, sensible. El cuerpo es, entonces, una de tantas piezas que atraviesa este fluido armónico al que se le llama vida.

Vista desde una perspectiva de ritual, la sanación no significa que el síntoma desaparezca, es más bien un retornar a la armonía de este fluir.

Abrir los canales del cuerpo permiten el intercambio.

Estar dentro del propio cuerpo es empezar a buscar el camino de salida hacia el otro, encontrar al otro es volver a la puerta que permite entrar nuevamente en uno mismo.

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composición en el espacio Rodrigo Valero-Puertas

E

l objetivo principal de este ejercicio consiste en desarrollar potenciales compositivos y de escucha entre los distintos integrantes del grupo partiendo de una conciencia visual y sensorial del cuerpo en el espacio.

Se comienza el ejercicio delimitando una zona del espacio que será intervenida físicamente por los participantes. Una vez definido el marco de acción, todo el grupo se coloca frente y fuera de él de manera que pueda tenerlo en su campo de visión. Es importante que en ese momento el grupo se tome el tiempo suficiente para asimilar el espacio, leer e identificar los elementos compositivos inherentes a éste y permitir así, a cada participante, visualizar su presencia física dentro del marco.

Los participantes decidirán por su propia cuenta el momento en el que estén listos y deseen intervenir el espacio, sin embargo, sólo podrá actuar una persona a la vez. Es esencial que no haya un orden predeterminado y que la entrada no sea forzada; es en la libertad de cada uno de los colaboradores donde cohabita el impulso creativo. La primera persona que acciona el

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marco lo hace habiendo asimilado las características de éste y sabiendo el efecto que su intervención tendrá sobre la composición del mismo. Es por esto que cada detalle -desde la manera en que entra al espacio hasta la forma en que se coloca y mantiene su propuesta- es fundamental para afirmar y fortalecer el trabajo compositivo.

Los modos en que se puede intervenir o accionar el marco son dos: 1) proponiendo una postura y manteniéndola; 2) realizando una acción –mínima y repetitiva– y sosteniéndola hasta que todas las personas del grupo integren la composición final. En ambos casos, es importante que el gesto, la dirección e intensidad se asuman desde el momento en que se entra al espacio.

Una vez que el espacio se ha intervenido su lectura cambia por completo. Por esto, los participantes que se encuentren fuera del área de acción deberán abandonar cualquier impulso compositivo que hayan tenido, previo al momento en que algún compañero intervenga el espacio, y volver al proceso de asimilación, visualización y composición a partir de la nueva configuración del marco. El ejercicio termina una vez que todos los

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integrantes estén dentro del marco de acción.

Siempre se deberá tomar en cuenta que toda intervención, desde la primera hasta la última, se hace a partir de lo que se presenta ante nosotros y no a partir de una idea individual o interior. Esto es, la intención del ejercicio es apoyar la composición y construir a partir de lo que ya se encuentra en el espacio y no proponer ideas cuyo origen esté desligado a la composición existente.

Hay múltiples variantes y posibilidades de realizar este ejercicio. Por ejemplo: el grupo puede dividirse en dos para que la primera mitad se coloque mientras la segunda observa. Puede también decidirse por un solo tipo de intervención (ya sea postura o acción).

Igualmente, los parámetros de composición pueden acotarse: se puede optar por una composición formal, rítmica, poética, entre otras.

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modelando cuerpos Uriel Palma

Parte 1:

C

aminamos en el espacio. Sentimos la presencia de los cuerpos que nos rodean a través de la vista, luego del olfato. Empezamos a reconocernos. Mientras más se reconocen los cuerpos más se van acercando unos a otros con paso lento.

En algún momento, y siguiendo el impulso de la necesidad de contacto, comenzamos a tocar con la palma de la mano el hombro de la persona que está junto a nosotros. Continuamos caminando tocando los hombros de cada una de las compañeras del ejercicio; después comenzamos a sentir el hombro de las compañeras ahora con la cabeza, nos movemos guiándonos con el movimiento de la cabeza rodando entre los hombros.

Los cuerpos se juntan formando un cuerpo colectivo que respira junto, que camina a un mismo ritmo y que metaboliza el movimiento a partir de la sensación del tacto, del sonido y del olor.

Es posible salir o entrar del colectivo para ver de fuera el movimiento. Una vez que se ha llegado a un

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ritmo común, mantenerlo por algunos minutos y recuperar el cuerpo individual. Volver a tocar sólo con las manos y abrir el espacio entre los cuerpos.

Parte 2: En grupos pequeños de cuatro personas.

Se forma un círculo. Una de las participantes se pone al centro, las demás elegirán una articulación de su compañera, una vez que la tengan elegida, colocan la palma de la mano a tres centímetros de la articulación, sin tener contacto con ella. La persona al centro identifica las manos; en este momento, aquellas que tienen la mano junto a la articulación la moverán hacia varias direcciones. La persona del centro, con mucha atención, debe mover la articulación tratando de conservar la distancia de tres a cinco centímetros de la palma de la mano de su compañera Este es un ejercicio de trabajo en equipo, las compañeras que mueven con la mano deben estar alerta a los otros movimientos para realizar todo dentro de las capacidades corporales de la compañera del centro;

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quien, a su vez, apunta a una visión múltiple de las manos que guían buscando también la forma de “sentir” la cercanía de la palma de la mano. El ejercicio termina una vez que han llevado al cuerpo del centro a una posición “interesante” acordada por aquellas que lo están moviendo.

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Reflejo - gimnasia visual - calentamiento para 13 puntos de vista Yoatzin Balbuena

Persona 1 - Mira hacia el espejo que todo lo ve.

Persona 8 - Baila.

Persona 2 - Mira hacia el espejo que todo lo ve, desde el centro.

Persona 9 - Baila.

Persona 10 - Baila.

Persona 3 - Mira a través de una cámara réflex hacia el espejo que todo lo ve y toma fotos.

Persona 4 - Mira sentado en el piso hacia un frente, junto a Persona 5.

Persona 5 - Mira sentado en el piso hacia el mismo frente, junto a Persona 4.

Persona 11 - Baila.

Persona 12 - Baila.

Cuando el calentamiento empieza, se escucha “Punto y raya" de Soledad Bravo.

Persona 13 - ¿Todo lo ve, todo lo escucha?

Persona 6 - Mira hacia el interior de una caja óptica que genera un fantasma de Pepper hecho con vidrio. Está acostado boca arriba.

Persona 7 - Mira hacia el interior de una caja óptica que genera un fantasma de Pepper hecho con espejo. Está acostado boca arriba.

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PhotoHealing

photohealing Presentación de una acción colectiva

Presentation of a collettive action

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M

ás que un performance, tuve la intención de presentar una sesión de entrenamiento, con un grupo de colaboradores, después de una semana de taller en el CEPRODAC. El objetivo de la acción es cuestionar la "creación fotográfica" en un mundo saturado de imágenes. En nuestra sociedad contemporánea, en la que cada persona es un fotógrafo, cada experiencia parece transformarse en una fotografía y cada fotografía parece una simulación de una fotografía existente, proponemos la acción fotográfica como gesto intuitivo provocado por nuestra imaginación. Proponemos la incertidumbre contra la evidencia.

ore than a performance, I intend to present a training session with a group of collaborators after a week of workshop at the Ceprodac. The aim of the action is to question the ‘photographic creation´ in a world saturated by images. In our contemporary society, in which every person is a photographer, every experience seems to be transform into a photograph and every photograph seems a simulation of an existing photograph, we propose the photographic action as intuitive gesture provoked by our imagination. We propose uncertainty against evidence.

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Puntos de vista / Point of view

M a n uel Va s o n

L

a experiencia más memorable que viví durante la presentación de PhotoHealing fue la sensación de perder el control.

Perdí el control del tiempo, el control sobre mis movimientos y sobre las instrucciones ... incluso las mismas instrucciones que he inventado.

Durante el taller sentí mi papel como líder del grupo y la responsabilidad de mi posición, pero durante la acción viva fui uno más de los cuerpos en movimiento y en realidad sentí un fuerte sentido de dependencia.

Me sentí totalmente conectado con el grupo y el sentido del enfoque me permitió construir un fuerte vínculo entre mis opciones personales y la del grupo.

A veces yo era más consciente de los movimientos de mi pareja que de mis movimientos. La actuación en vivo fue un poco como una máquina del tiempo donde las acciones se estiraran o acortan sin mi voluntad.

Nunca probamos los movimientos bajo la luz roja antes y durante la actuación todo parecía un poco borrosa.

A distancia, sólo puedo explicar esta sensación al pensar que experimenté una especie de trance.

De una manera extraña, pocas horas después de la actuación en vivo me preguntaba si perder el control de mis acciones significaba perder el control de las imágenes que estaba creando con mi cuerpo. Este cuestionamiento en algún momento se transformó en una especie de sentido de fracaso. Como parte de mi expectativa se suponía que iba a mantener el control de las imágenes simbólicas que como fotògrafo me entrené para construir.

Sólo ahora me doy cuenta de que el efecto curativo real de la actuación era la sensación de perder el control sobre el input creativo. Durante PhotoHealing me quedo totalmente absorto por la situación performativa y mis movimientos se vuelven más genuinos, más sorprendentes, más impulsivos que si yo lo hubiera controlado. Mi cuerpo se convirtió en una cámara fotográfica de rodaje sin mi imposición.

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T

he most memorable experience I lived during the presentation of the PhotoHealing was the sensation of loosing the control.

I lost the control of time, the control over my movements and over the instructions… even the same instructions I have invented.

During the workshop I sensed my role as leader of the group and the responsibility of my position but during the live action I was one of the bodies in movement and actually I felt a strong sense of dependency.

I felt totally connected with the group and the sense of focus allowed me to build a strong link between my personal choices and the one of the group.

At times I was more aware of the movements of my partner than my movements. The live performance was a bit like a time-machine where the actions were stretched or shorten without my will. We never tested the movements under the red light before and during the performance everything appeared a bit blurred.

At distance I can only explain this sensation by thinking I underwent a kind of trance.

In a strange way, few hours after the live performance I was questioning if loosing the control of my actions it meant losing the control of the images I was creating with my body. This questioning at some time transformed itself in kind of sense of failure. As part of my expectation I was supposed to stay in control of the symbolic images I trained myself to build.

Only now I realize the real healing effect of the performance was the sense of loosing control over the creative input. During PhotoHealing I become totally absorbed by the performative situation and my movements become more genuine, more surprising, more impulsive than if I had controlled of it. My body became a photo camera shooting without my imposition.

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A maran ta V erdug o

E

l performance se propuso como un entrenamiento abierto en el que los FotoPerformers llevan a cabo una serie de acciones que buscan ejercitar la memoria sensorial, como una suerte de cámara fotográfica que “atrapa” momentos para el cuerpo visual (fotos internas) y que despierta preguntas sobre cómo evocar lo sensorial en la imagen a partir de explorar distintas relaciones entre el cuerpo, la cámara y el grupo.

Este entrenamiento propone también una diversidad de puntos de vista fotográficos: la cámara colocada al frente cuyas capturas se proyectaban; las fotos que hacíamos los performers de lo que se veía desde adentro, las cuales construían imágenes corporales que a su vez se convertían en algo que ver o capturar desde afuera, desde una dimensión más de posibles puntos de vista.

Desde dentro del performance había que ser muy conscientes de las imágenes propuestas, pues parte de la búsqueda implica “hacer crecer ojos” más allá de los que tenemos en la cara: uno interno y otros que sean capaces de mirar y sentir lo que sucede alrededor.

Fue como un juego, un ritual, que buscaba la liberación corporal y sensorial a través del encuentro con la cámara, el cuerpo de los otros y el propio desde el movimiento, el olfato, la escucha, el uso de la voz, las vibraciones, el tacto, la sensación del espacio y de la vista. Un encuentro con la mirada que lleva a un lugar que se tambalea y desequilibra las creencias sobre la imagen, sobre la fotografía, lo que se elige mirar y desde dónde. Desde dónde se mira el sí mismo, el quehacer artístico, el político, el espiritual.

Además buscaba la consideración del otro como alguien único y al mismo tiempo como un espejo; gente que tal vez no se habría encontrado en otro lugar ni de otra manera y entre quienes, sin embargo, se estableció una especie de lenguaje íntimo que creó puentes de comunicación (profundos para mí) y que construyó lazos en donde no los había, tejiendo comunidad.

Desde mi experiencia fue un entrenamiento transformador que me deja muchas preguntas, las cuales son posibles caminos por explorar y una llama encendida que quiere encontrar lugares para iluminar... o incendiar...

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Puntos de vista / Point of view

G u s tav o Th o mas

L

a estructura de presentación del performance en ExTeresa Arte Actual se definió concretamente sólo horas antes de la presentación y, aunque fue una simple sucesión de ejercicios y transiciones de aquello que exploramos durante la primera semana del taller, el evento tuvo su singularidad.

El nombre que decidió Manuel para el performance fue PhotoHealing sin dedicar mucho tiempo a explicar el por qué.

Evidentemente, el espacio imponente de la sala principal de ExTeresa, y ciertas particularidades técnicas con ese espacio, crearon una tensión creativa curiosa: Manuel quería una iluminación en donde la luz roja fuera preponderante, como recordatorio del cuarto de revelado tradicional; además, tuvimos que adaptarnos a una base de madera enorme que se encontraba ubicada en medio del espacio que resultó imposible de mover y que terminamos usando como mesa técnica, lugar de cámaras fijas y proyectores, además de un contenedor de la utilería de los integrantes del performance.

Por otro lado la presencia de público, que iba a un espacio reconocido como el lugar del performance en México, funcionó como un motor distinto en cada performer dependiendo del campo artístico del que provenimos. Cada participante tenía una cámara fotográfica y el público podía libremente tomar fotografías; había además una cámara en la mesa de control para quien quisiera tomar una foto general del espacio y, durante el evento, dos proyectores proyectaban las imágenes tomadas por esta última cámara hacia los muros laterales del espacio. Se decidió un maquillaje negro en cara y mano como símbolo del uso de la cámara fotográfica integrada al cuerpo.

Independientemente de los resultados de la presentación, en los ojos y la mente de los espectadores del PhotoHealing, y la sensación de haber desencadenado un evento físico/poético/fotográfico entre nosotros, la mayor sorpresa de mi parte se fue dando con los resul-

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tados que mostraban las fotografías tomadas durante el performance mismo, tanto por las de los compañeros como por las mías. Fotografías tomadas durante el performance sin un sentido de fotógrafo tradicional, sino desde el sentido de un FotoPerformer. Muchas imágenes quedaron en nuestro ojo cerebral, en nuestra máquina fotográfica corporal, cierto, y formaron parte del evento como el registro de nuestra memoria personal intangible; pero aquellas imágenes que fueron vistas durante la noche o los días posteriores al evento performativo revelaron estados inusitados del movimiento mismo de todo aquello que nos acontecía.

Aquí muestro, a manera de diapositivas, algunas de las imágenes tomadas con mi cámara durante el performance y de imágenes de espectadores que me fueron facilitadas.

La diferencia entre la búsqueda fría de un efecto fotográfico y la sorpresa del error técnico “en caliente”, dentro del evento performático podría ser difusa en un principio pero aventura al artista (al performer) a una serie de posibilidades creativas y conceptuales que es precisamente lo que propone el FotoPerformance de Manuel Vason.

Varias preguntas me llegan: ¿el resultado de una imagen estática es un resultado final o es parte del proceso que no deja de darse en un presente continuo? ¿El FotoPerformance continúa en la digitalización de las imágenes, en la impresión, o se mantiene presente en nuestro cuerpo al ver la imagen como un resultado que es sólo una parte de un evento que inevitablemente continúa? ¿Quién tiene la posibilidad plena de capturar el momento completo, tanto del proceso como del evento performático? ¿La imagen ha sido creada y recreada desde el interior del FotoPerformer y transformada en la exposición grupal por el caos presente y la necesidad de fijarla por diferentes medios?

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Ri cardo Rubio

A

brir los tres centros de energía del cuerpo:

Nivel Inferior. Tierra (dos o tres dedos abajo del ombligo) • Mover la pelvis por siete minutos.

• Encontrar hacia dónde fluye este movimiento. ¿Hacia arriba? Torso, brazos, cabeza, universo. ¿Hacia abajo? Genitales, piernas, pies, centro de la tierra.

Nivel Medio. De lo humano (centro del tórax hacía los brazos).

• Mover el plexo solar (corazón/brazos) durante siete minutos. Encontrar el flujo de movimiento desde el pecho hasta los dedos de las manos relacionando espalda y pecho con las palmas de la mano y dedos.

Nivel Superior. Cielo (entrecejo).

• Mover la cabeza por siete minutos, tomar como punto de referencia el dedo gordo de la mano y seguirlo con la mirada permitiéndole que guíe no sólo las direcciones sino también la posición de la cabeza con relación a la verticalidad.

• Tomar la cámara entre las manos poniendo el punto de concentración en lo que entra y sale, lo que sucede y lo que se respire, lo que se toma y lo que se deja, lo que se inhala y lo que se exhala, y tomar la foto cada vez que suceda un intercambio de energía.

• Hacer una revisión de las fotos con base en el adentro y el afuera, el sí mismo y el otro.

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Puntos de vista / Point of view

U r i el Palma A. El cuerpo es una masa (de)formada.

B. El cuerpo se deja mover.

C. El cuerpo tiene la voluntad de mover(se) y mover otros cuerpos.

D. ¿Qué mueve al cuerpo en una dirección?

Tambien el olor y el sonido trazan lineas en el espacio.

Premisa No. 2. Dejar de ser individuo, ser colectivo.

P

erderse para dejar de controlar.

Una mano negra sobre una cara negra. La cara no es más mi imagen. Esto no es un retrato.

Mi mano cubriendo el ojo izquierdo, vista parcial, cuerpo parcial. El negro como símbolo de lo oculto, no es necesario que se vea mi cara, mi cuerpo dice más si mi cara es anónima. Mi cuerpo se mueve más si mi mano es discapacitada, el espacio se hace más grande si mi vista es parcial.

Todo comienza con un lienzo manchado sobre el que se compone una imagen.

Premisa No 1. Dejar de pensar en un cuadro, ser la acción desde el cuadro. observar. No se observa únicamente con los ojos. sentir. No se siente únicamente con las manos. escuchar. No se escucha únicamente con los oídos. gustar. No se huele únicamente con la nariz.

Mi cuerpo deja de pertenecer a mi mente. El espacio se contamina, pienso en el plano arquitectónico del Ex Teresa, se deshace en mi mente con cada paso, se levanta, deja de ser plano, arriba de mí también hay espacio.

El lugar es ciego, la oscuridad entorpece los pasos, el cuerpo encuentra otros ritmos, más lento, más animal, más ritual. Vibrar cómo emergencia del cuerpo en el espacio.

Hay doce cuerpos más compartiendo el mismo lugar, trazando líneas tridimensionales que se intersectan con las líneas de mi movimiento, generando trazos no rectos que cortan los trazos que dibuja mi cuerpo.

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Un cuerpo colectivo late a un ritmo inconstante, suda, grita. Una especie de animal antropomorfo se atrae y se repele, existe una necesidad de juntarse cuando se está perdido y de alejarse para observar, como quien observa asombrado los miembros de su propio cuerpo moviéndose a voluntad de los nervios que no necesitan una orden del cerebro.

El cuerpo colectivo explora su sonoridad, su temperatura, su capacidad de resistencia. Se desdobla para encontrar las minucias de la memoria. Una hipermemoria, suma de memorias que ¿alguna vez fueron individuales?

Tambien hay memorias que mutan cuando no se sabe a quien pertenecen.

• Una especie de animal con múltiples miembros posando.

• Una especie de animal con múltiples miembros excitados.

• Una especie de animal con múltiples miembros ritualizados.

• Una especie de animal con múltiples miembros agitados.

Premisa No. 3. Repetir hasta el cansancio. Hacer que la acción sea real.

Y al final, nada es más real que el cuerpo vulnerable, imperfecto, babeante. Una suma de miembros agotados que han dejado en el juego la posibilidad de generar un espacio de incertidumbre. ¿Qué pasó?

El cuerpo ha absorbido toda la energía mecánica, ha mutado su movimiento y la percepción del espacio, cambió y dejó, en el proceso, el espacio contaminado con un lenguaje confuso, atropellado.

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Caro l i n a A rteaga

D

urante la instalación de la obra en el Ex Teresa Arte Actual resultaron inconvenientes en el espacio difíciles de solucionar: una enorme base de madera, justo en medio del espacio de trabajo, rompía toda nuestra dinámica, sin embargo, el performance debe adaptarse a las circunstancias, pues aunque este puede ser previamente investigado, nunca hay un ensayo final o una versión acabada.

Al ver la estructura de madera en medio del espacio a todos nos puso en situación de incertidumbre, aunque se intentó, era imposible moverla. Solucionar es adaptarse a lo que el espacio ofrece, pues de lo contrario resultaría imposible colaborar en ellos.

Aunque teníamos consigas, trece personas en el espacio accionando un montón de ejercicios resultaba demasiado, por lo que era sumamente importante darnos códigos muy claros para los cambios de acción, debido a que durante la acción dentro del performance uno se desconecta de sí mismo y se pierde fácilmente la noción del espacio-tiempo.

Integrar tantas perspectivas de la imagen al mismo tiempo me permitió ver críticamente las limitantes de la cámara como artefacto, y poder accionar como mujer-cámara desde muchos ángulos. Primero teníamos nuestro ojo, nuestra cámara integrada; por otro lado teníamos un ojo general, una cámara con circuito cerrado que cualquiera de nosotros disparaba, lo cual nos permitía ampliar la mirada; había un tercer ojo, que pocos activamos: el mirar al espectador.

Involucrar a las personas en el performance sucedió más rápido de lo que imaginé, al ver que en realidad todos los presentes tenían cámaras, comprendí mucho cuando un espectador se vio fotografiado por mí, recuerdo toda su expresión de sorpresa, pues normalmente ellos son quienes nos toman fotos a los performers. En ese momento la metafoto sucede, ya que todos somos fotógrafos y, al mismo tiempo, sujetos retratables, de manera que vi como se desmaterializaba

el objeto-máquina al ser yo misma una cámara El acto de fotografiar, de Vilém Flusser1, es un texto que me lleva a pensar en la urgencia de ver críticamente el acto de fotografiar, pues otorgamos un estatus de realidad, y de verdad, a la imagen producida por una cámara fotográfica, lo cual pone en riesgo la visión de mundo que podamos tener. Así, aunque el hombre retrata su entorno, el hombre debe ser crítico y conocedor de lo que retrata para no reproducir y realmente producir conocimiento.

Por otro lado, el hecho de unificar mi obra desde la arte escénico y desde el arte visual siempre me colocaba entre una disyuntiva ante la cual tenía que decidir, o se está delante de la cámara o se está atrás de ella. La fusión o hibridación de estos dos elementos me libera de tomar una decisión y pararme en una obra con una postura desde la foto performática. Porque pensar al aparato como meramente reproductor técnico de imágenes hace reducir nuestra mirada, siendo los constructores de una realidad y no construidos por la tecnología, hace falta que el hombre sea el constructor de sus acciones, lo cual nos transforma en hombre cámara para crear una imagen viva.

1 Flusser, V. (1990). “El acto de fotografiar”. En Flusser, V. Hacia una filosofiá de la fotografiá (pp. 33-38). México, D.F.: Editorial Trillas.

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Puntos de vista / Point of view

Y oatz i n B albuen a

En la imagen capturada siempre está presente el retorno de lo muerto. Como si en el congelamiento del instante de la imagen fija, ésta revelara el lado oculto de lo real. Pero ¿cuál es ese mundo aterrador que sostiene a lo visible? Tiene que ver con aquello que la máquina fotográfica puede ver y nosotros los mortales sólo podemos ver a través de ella.

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o hay imagen posible de lo que tuvo lugar el 29 de octubre de 2016 en Ex Teresa Arte Actual; ese momento ha pasado, pero el limitado recuerdo aún pelea con la muerte y temporalmente gana la batalla.

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Con un guante de box enfundo el miedo de presentarme en escena, en el juego de la investidura me basta el brazo ennegrecido para generar el poder de una cámara simbólica. La cámara de box inspira en la escena un juego donde embisto poderosamente pero jamás hacia adelante, siempre mirando a mi pasado. Sin importar cuánto vibre, el guante réflex siempre atina al instante, le importa el tiempo revelado en lo abstracto, la vibración, entonces, es precisión de trayecto en el tiempo; importa vibrar, porque importa el tiempo.

La escena empieza sonando, hay un audible rumor, el movimiento comienza su camino y deja una estela sonora, una onda de presencias y rebotes van directo a conjugar la ceguera y aquello que suena. Nos perdemos juntos para jugar, para arriesgar y para levantar sospechas. Ya hay un nosotros en medio de toda esa gente que observa. Nos miran mientras nosotros, con los ojos vendados, nos buscamos.

La escena continúa y no estoy sola, lejos de ello doce cuerpos me acompañan, -¡ah, qué dicha de compañía!es la mejor compañía que he tenido. Todos ennegrecidos de un brazo que contagia a nuestros rostros, somos negros en un mundo en blanco y negro. Somos cuerpos en ejercicio y transición permanente, sólo llegamos a este lugar para eso, nuestra única aspiración es acontecer, sólo una vez y para siempre.

En mi brazo, el guante se comporta con una misteriosa virilidad, entonces descubro el erotismo que circunda mi oficio, he tenido a mi cámara como quien tiene al cuerpo, he presionado el botón como quien busca la descarga física, me he sentido atraída vigorosamente hacia el sonido del espejo cayendo. Me he entregado al fantasma que me acaricia con su sombra.

Animales que se arrastran y copulan con las paredes y las columnas, seres religiosos mostrando sus rituales.

Masa óptica inclusiva y expansiva, cuerpos con ganas de ser máquinas. Cámaras humanas obligando a la fotografía a desplegarse en el acto fotográfico existencial, pen-

sando cada elemento como un todo trascendental que guía en la incertidumbre de la oscuridad, del sentido.

Pose. Pose. Pose. Pose. Posé.

Vertiginoso trance de conciencias encendidas y agotadas en un punto estático de placer y ambigüedad, donde la confianza plena venía del encuentro, del proceso y del trabajo de días atrás, momentos donde en realidad se construyó la imagen, esa fotografía viva que nos contuvo a todos moviéndonos al interior del cuadro, encuadrados afectivamente por mirillas compartidas de ojos ajenos y generosos.

Nada fue en absoluto, todo pareció suceder muy rápido, el contenido de las acciones se desbordaba en un continuo de gemidos y trayectos, el espacio habitado por la fotografía se pintó de luz roja para no correr el peligro de velarnos.

Por un breve tiempo ninguno de nosotros pudo ser más que foto performado.

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Puntos de vista / Point of view

A ar ó n A rre d on do

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urante nuestro taller, una de las palabras que más me quedó en la mente fue la de el autosabotaje. Manuel lo explicó muy claro desde su Punto de Vista. Para él era el hecho de estar consciente de que él es un fotógrafo y estar dentro del performance en algo que no conoce es como hacerse sabotaje a sí mismo: no se sabe lo que ocurrirá, si quedará todo bien o no, si haremos el ridículo o si será una obra maestra. Lo único que tenemos bien consciente es que somos inexpertos y esa sensación de preocupación que se genera a partir de este pensamiento es lo mismo que nos impulsa a hacerlo.

El mismo día que lo mencionó intenté reflexionar sobre esta idea, sobre cómo ha estado siempre presente en mi vida y cómo también, probablemente, lo está en la vida de tantos fotógrafos que podrán sentirse identificados. Los resultados me hicieron ver que quizás he errado todo este tiempo al pensar que el fotógrafo sólo está de un lado de la trinchera.

Al explicar con un ejemplo lo dijo así: “casi siempre el fotógrafo es el que está detrás de la escena, es aquel que prefiere estar escondido y no mostrar que existe dentro de la imagen”. Preferimos estar en nuestra zona de confort al momento de hacer nuestro trabajo y nunca pensamos en estar del otro lado. Ésto, al final, representa la acción de separar. Una máquina fotográfica se encarga de separar al objeto de su realidad, en una imagen fuera de ella. De la misma manera, nosotros nos separamos cada vez más alejándonos de nuestro mismo carácter de humanos. No me refiero al hecho de, por ejemplo, saber dirigir a una modelo e interactuar con ella para lograr el resultado deseado (aunque habrá fotógrafos que ni siquiera eso hacen y prefieren comunicarlo todo con la voz y desde lejos), sino a entender que al saber controlar nuestro cuerpo, al interactuar con él y saber cómo reaccionamos ante ciertos impulsos, nos hará más empáticos con aquellos a quienes fotografiamos. Es olvidarnos

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por un momento del aparato y todos los elementos tecnológicos que conforman un set fotográfico y concentrarnos en el hecho, en la acción de fotografiar.

Desde que nací, yo he sido una persona tímida. Podría decirse que es algo totalmente innato y ésta característica me ha llevado a escoger la fotografía por el mismo hecho de confirmar mi naturaleza como una persona tímida. Es evidente que he trabajado para controlarlo de muchas maneras. Por una parte, la escuela impulsa a ello, por otra, las actividades extracurriculares y los gustos me han obligado a atreverme a cosas como estar ante un público y no entrar en pánico total. No obstante, siempre detrás de ello ha habido una práctica y un ensayo constante hasta estar seguro (o casi) de que estoy listo para hacerlo. Ese temor a hacer el ridículo está siempre presente, pero ya que estás arriba, no hay modo de bajarse.

Espero que muchos lo entiendan: cuando eres tímido pasan muchas cosas por la mente antes de decidirse hacer una cosa y mientras más lo piensas menos te atreves a hacerlo. Por tanto, la vida se vuelve una lucha constante con uno mismo para obligarse a no retractarse, que lo que hacemos vale la pena y nos dará aprendizaje. Es por eso que cuando realizamos una actividad y la hacemos con toda nuestra voluntad somos como una persona completamente distinta.

Yo, como muchos fotógrafos que leen esto, se sentirán identificados al confirmar que con una máquina fotográfica en las manos nos transformamos en otra persona. Debemos ser aquél que captura el “momento decisivo” a toda costa.

La experiencia con el Photohealing tiene elementos que estoy seguro recordaré toda mi vida. Yo entré al taller sin pleno conocimiento de qué es lo que hacía y así fue la mayor parte del tiempo. Siempre pensé que sería un interesante taller sobre cómo fotografiar mejor y que aprendería nuevas técnicas sorprendentes que no se pueden encontrar en ningún lugar. No fue así.

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Al contrario, podría decir que si hice unas cinco fotos en los cuatro días de preparación fue mucho. Entonces me encontré en una situación donde tenía que olvidar todo sobre el aparato y concentrarme en la acción y el cuerpo. Es una idea totalmente descabellada pero increíble, brillante. No lo niego, en constantes ocasiones pensé en dejarlo porque pensé ¿qué hacía yo ahí rodeado de bailarines, artistas y personajes escénicos? todos ellos están acostumbrados a estar frente al público usando la expresión del cuerpo: yo no soy nada de eso.

No obstante, la curiosidad me mantuvo. El ambiente que logramos fue cada vez más íntimo. Encontrábamos sentido a las cosas que hacíamos con el pasar de los días. Yo quería ver la conclusión de esta aventura y ser parte de ella.

El día del Photohealing me sentía muy confiado porque estaba en confianza, con mis amigos. A pesar de que no sabía cómo sería, me sentía motivado. Al inicio traté de olvidar que había gente alrededor y que era un día más de nuestros ejercicios. Todo iba a la perfección hasta que tuve un momento de pausa. Estaba sentado

de frente al público, intenté pensar en una idea para continuar el ejercicio y regresé a la realidad. Me encontré pensando en la expresión del público, qué pensaban y si creían que éramos un grupo de locos que presentan un sin sentido. Me llegó el pánico súbito, me sentí inmovilizado por mi misma cordura que me aterrizaba en la realidad y me decía que estoy completamente desatado al pensar hacer una locura así. Al mismo tiempo vi cómo dos personas del público salían del lugar y ésto desató el pensamiento de que nuestro ejercicio no gustaba a los demás y me sentí en completo ridículo. Mi sentido de autosabotaje se activó al grado que no pude más. Me levanté e hice una foto con la estructura que teníamos de apoyo (agradezco mucho a quien pensó en ésto). Respiré profundamente. Intenté pensarlo una, dos veces y regresé.

Experimenté el sabotaje en piel propia lanzándome a algo que no conozco. Desafié mi total falta de expresión corporal y mi desconocimiento sobre el ambiente del performance y entendí que mi pesquisa como fotógrafo apenas comienza y son el autosabotaje y el error fotográfico los elementos que me accionan.

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Foto: MarĂ­a RodrĂ­guez Cruz

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general

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Fotos: MarĂ­a RodrĂ­guez Cruz

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Fotos: María Rodríguez Cruz

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Fotos: MarĂ­a RodrĂ­guez Cruz

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Fotos: María Rodríguez Cruz

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Foto: Rodrigo Valero-Puertas

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Fotos: Carolina Arteaga

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Fotos: Carolina Arteaga

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Fotos: Carolina Arteaga

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Fotos: Carolina Arteaga

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Fotos: Carolina Arteaga

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Fotos: Carolina Arteaga

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Fotos: Carolina Arteaga

CĂ MARA

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Foto: Carolina Arteaga

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Fotos: Carolina Arteaga

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Fotos: Carolina Arteaga

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Fotos: zayda

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Fotos: Gustavo Thomas

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Fotos: Gustavo Thomas

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Fotos: Gustavo Thomas

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Fotos: Gustavo Thomas

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Fotos: MarĂ­a RodrĂ­guez Cruz

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Fotos: María Rodríguez Cruz

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Fotos: ricardo

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Fotos: María Rodríguez Cruz

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Fotografía Antonio Juárez©

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desde afuera

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Fotos: Tadeo Berjรณn

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Fotos y video: edgar flores

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Fotos: MiguelAngelVerdugo

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Fotografía Antonio Juárez©

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Fotografía Antonio Juárez©

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Fotografía Antonio Juárez©

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Fotografía Antonio Juárez©

Personal research

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urante el taller con Manuel Vason, se estimuló la investigación personal para generar imágenes que fueran el punto de cruce entre el cuerpo, la acción y la fotografía. Aunque, sin duda alguna, el cuerpo aparece como protagonista de la imagen, pero es un cuerpo que no posa para la cámara sino que se encuentra en situación, es decir, en un momento particular de una experiencia dada, así la cámara aparece como un elemento que captura el momento y reconfigura el espacio de lo acontecido.

Las imágenes se muestran desnudas de todo artificio porque son testimonio de un punto de inicio de un camino posible, de un lugar de arranque que dialoga con una tradición tanto de la imagen y del performance que mantiene ambas experiencias separadas.

En estas investigaciones se dejan entrever caminos interesantes que ponen en problema la noción de disciplina para arribar a campos transdisciplinares.

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Andar juntos Uriel Palma

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EL Cuerpo del Dolor Carolina Arteaga

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l Cuerpo del dolor es una investigación que estoy realizando en la Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos, en cada aproximación voy llenando de datos y definiciones que aún continúan.

Al inicio de mi tiempo, expongo a mis compañeros el tema de mi investigación y pido total disposición e indico que se trata de meditar con los ojos cerrados, dejarse llevar y accionar en el momento que reciben una señal muy clara.

Por medio de una meditación guiada invito a entrar en contacto con los dolores que se tienen, porqué los tenemos y cómo hacemos para vivir con ellos.

Una vez iniciado el proceso de sensibilización y contacto con el dolor, comencé a cantar el mantra medicinal de Tara Azul, para que a la vez que ellos se sensibilizaban, sanaran sus dolores a conciencia. En plena meditación, todos, con ojos vendados, comenzamos a accionar expresiones corporales que nacían del dolor.

Así por medio de la acción performática registro imágenes y anécdotas dirigidas al dolor.

Investigando al cuerpo del dolor con Manuel Vason El arte del dolor

Quiero introducir el concepto de dolor como un compañero.

Desde que nacemos sentimos dolor y desde el primer día tenemos que lidiar con los dolores. Nuestro organismo está produciendo constantemente células energéticas y alimentarias que viven y mueren. Una gran parte de nuestra energía diaria es contra las fuerzas de la naturaleza que nos empujan hacia el suelo, que cambian nuestra temperatura corporal, que nos golpean, etcétera.

Desde que nacemos experimentamos una serie de dolores diferentes y diferentes niveles del mismo. También aprendemos a manifestar nuestros dolores y a buscar el remedio. Inmediatamente entendemos el dolor como algo contra nosotros, como algo externo a nosotros con una clara connotación negativa. Cuando crecemos asociamos la idea de dolor con medicamentos (alivio del dolor), hospitales, tratamientos. Más recientemente también relacionamos la idea del dolor con la ineficiencia y la improductividad. Mientras escribo estas palabras también soy consciente de que el dolor está creciendo como una especie de tabú ... es tan malo que es mejor no hablar de ello ... a menos que sea necesario. Bueno, se ha vuelto realmente necesario compartir algunas

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ideas sobre el dolor y sobre todo para cambiar mi / nuestra relación con la idea del dolor.

Recuerdo haber visto recientemente un documental sobre el flamenco y escuchar a los expertos en el arte decir que el baile, la música y el canto sólo pueden manifestarse en relación con el dolor. Sin el sufrimiento real no podemos conectar emocionalmente con lo que todos compartimos y con la batalla de cada día de nuestra existencia. Por primera vez vinculé la relación entre el arte y el dolor: el arte es una manifestación del dolor y en cierto modo la celebración de uno de nuestros compañeros más cercanos. Estar en dolor significa vivir. Implica ser, sostener, habitar la vida, habitar nuestro cuerpo, respirar. Si nos concentramos por un segundo en nuestra actividad más funcional: la respiración, nos damos cuenta de que respirar significa exhalar (vaciar nuestro cuerpo de oxígeno) e inhalar (llenar nuestro cuerpo de oxígeno). Esta acción repetitiva es una especie de terapia diaria, un procedimiento de autocuración.

Curar también significa vaciar o destruir para volver a construir o reconstruir, para fortalecer. Entre más nos conectados con nuestros dolores, más podemos activar nuestros sistemas de auto-cura y de protección. Si nos distanciamos de nuestro dolor diario permitimos que el dolor crezca y desarrolle formas que son más difíciles de curar. En nuestra sociedad de dolor-tabú es muy fácil crear una distancia del dolor. He sido educada para ver el dolor como algo anónimo y ajeno a mi sistema , en donde el remedio es una sustancia extranjera.

Básicamente me han educado para ver mi dolor como una "transacción" de virus anónimos que se intercambian por los creados artificialmente. Me han educado para ser un turista de mi cuerpo y para entender a los turistas más ricos que poseen los cuerpos más sanos. Me han educado para mantener mis dolores en secreto por ser obstáculos para mi éxito.

Esta cultura es una cultura de expansión del dolor. Mientras nos recuerdan constantemente el resultado exitoso de la aplicación de la tecnología y el progreso innovador de nuestra investigación, estamos luchando contra nuevas formas de dolor.

Definitivamente hemos aprendido a prolongar nuestra vida y mitigar el dolor, pero no hemos aprendido a vivir con él y compartir nuestra vida con él. La aceptación del dolor en nuestra vida significa la creación de una conexión más profunda con los tejidos de nuestra existencia. No es trabajo del doctor animar una relación más profunda con nuestro cuerpo y sus dolores pero si podría ser el trabajo del educador y del artista. En este caso veo al educador y al artista compartiendo el mismo papel y practicando el Arte del Cuidado.

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El remedio verdadero al dolor es una conexión más fuerte, de diálogo y coexistencia. Necesitamos empezar a entender el dolor como un compañero que necesita mucho cuidado diario y el resultado de este matrimonio es una vida más pacífica.

Curar nuestro propio cuerpo también significa curar nuestro cuerpo social, nuestra familia, nuestra comunidad, nuestro país, nuestro mundo. Significa asignar una mayor cantidad de nuestras actividades y energías hacia prácticas de correspondencia y reconocimiento con los dolores de nuestro mundo. En una sociedad donde aprendemos a esconder nuestros dolores, y a superar nuestro profundo dolor decorando la superficie, donde aprendemos a recompensar nuestra ansiedad practicando el insignificante Art of Shopping, donde aprendemos a dirigir toda nuestra energía para alimentar el mercado y celebrar el beneficio Como el Arte de la Felicidad ... necesitamos restablecer el "respeto" por las fuerzas de la naturaleza y reconectarnos con nuestra esencia. Nos hemos distanciado de las otras especies vivientes porque podemos imaginar y crear, bueno, fuimos un poco demasiado lejos y es hora de usar nuestra energía creativa para retroceder hacia nuestro origen y fomentar la coexistencia, en lugar del individualismo descontrolado y la necesidad de dominio.

El arte de cuidar, debe convertirse en una nueva ideología compartida que informa nuestra conciencia y conduce nuestro comportamiento.

El arte de cuidar no está dirigiendo una batalla radical contra el mercado y el uso de la tecnología. El arte de cuidar exige una acción urgente hacia la solidaridad y el respeto. Dirigir una mayor parte de nuestra energía y tiempo hacia la conexión con nuestros dolores significa automáticamente reducir nuestro tiempo dedicado a producir y consumir, significa restablecer un uso moderado de la tecnología, significa volver a ganar nuestro control sobre el mercado y no permitir que el mercado nos controle.

Nosotros, artistas y educadores de este mundo, debemos empezar por practicar primero el arte de cuidar para compartir nuestros descubrimientos, nuestras acciones, nuestros ejercicios de conexiones. Necesitamos ser el ejemplo, los modelos sobre los cuales el resto de nuestra comunidad puede enfrentarse. Como niños de este mundo, sólo podemos aprehender imitando y repitiendo. Los nuevos hijos de este mundo necesitan tener la posibilidad de practicar el Arte del Cuidado.

Investigando al Cuerpo del Dolor con Amaranta Verdugo Los dolores son difíciles de ver muy a pesar de ser una constante, tan constante que nos habituamos a él, en el momento en que meditamos nos damos cuenta del dolor

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como un agente externo, tan adherido a nosotros que ya forma parte de nuestro cuerpo, los dolores en la zona centro de nuestro cuerpo como en el estómago, así sean úlceras, gastritis, cólon, son enfermedades de nuestra época, porque están referidas a las emociones, normalmente ligadas el estrés. En esa zona del cuerpo hay fuego que arde o calienta de acuerdo a nuestro ánimo, una persona de fuego como nuestra compañera Amaranta producen un incendio, así nos hizo ver con sus movimientos y comentarios.

Investigando el Dolor con Gustavo Thomas Durante la meditación, Gustavo Thomas, fue un compañero que se involucró rápidamente en su dolor, lo encontró en todas partes, por sus expresiones podría asegurar que le duele todo, el dolor es fuerte ya en sí mismo, buscarlo es quizá para intensos, en todo momento, mientras nuestro bailarín accionaba, mi atención se dirigía a él, al finalizar la meditación, el seguía en la búsqueda a pesar de ser el primero que comenzó.

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“Na niebie burym chmurka jeszcze bardziej bura z czarną obwódką słońca.

el error como un acelerador epistémico Aarón Arredondo

Na lewo, czyli na prawo, biała gałąź czereśni z czarnymi kwiatami.

Na twojej ciemnej twarzy jasne cienie. Zasiadłeś przy stoliku i położyłeś na nim poszarzałe ręce.”

Negatyw, Wysława Szymborska

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n error tiene siempre una connotación negativa. Si se comete uno, se puede tener una lesión, puede ser causa de un despido en el trabajo, o de una expulsión. Parecería ilógico el sólo hecho de pensar que provocar un error sea bueno, ¿no es verdad?

De hecho, el error puede ayudar a sanar, provocarlo es una expresión de libertad y es por antonomasia un impulsor cognitivo.

Una de las primeras cosas que conocí sobre la fotografía es que para cada una de sus partes, tipos de expresiones, técnicas, formas y modalidades, existe un mundo de posibilidades casi infinito y sólo hace falta dedicación y un enfoque para aprender o incluso crear.

Una vez concentrado en la investigación, encontré en algo que me llamaba mucho a la atención: los llamados Efectos Especiales en fotografía. Súbito llegaron una serie de preguntas y una constante principal: No había estudios sobre este tema. Encontré, sobre todo, manuales que ven a esta área específica de la fotografía como una curiosidad, un modo para divertirse con los amigos con soluciones para fotografías que podrían llamarse “increíbles”. Fue por ello que concentré mi tarea en el estudio del fenómeno de los Efectos Especiales en fotografía y cómo éstos han tenido un papel importante en el desarrollo técnico, social y artístico de la fotografía. De este trabajo salió la publicación “Los Efectos Especiales en Fotografía: Una forma singular de expresión. Del Error Fotográfico a la Fotografía Digital” (Arredondo, 2015), una investigación científica sobre el fenómeno de los Efectos Especiales bajo diferentes lupas. Lo esencial era encontrar una relación entre la fotografía de plata y la digital.

No obstante, ahí se plantearon algunas bases teóricas sobre el estudio de este fenómeno: el acto fotográfico, la escala de iconicidad propuesta por A. Moles (1991) y aumentada por Joan Costa (2008), la percepción, el establecimiento de conceptos sobre el carácter de arte y de documento de la fotografía, entre otros.

Aquí se plantearon dos conceptos que se relacionan entre sí y que intervienen directa o indirectamente sobre este mismo tema: las tecnoimágenes de Vilém Flusser

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y el error fotográfico, de los cuales, se puede obtener un concepto más firme sobre qué es un efecto especial. fx Hay ocasiones en que el medio fotográfico no nos permite resolver problemas de diseño de imagen. Entonces debemos recurrir a romper con el programa en búsqueda de métodos más creativos para lograrlo.

Vilém Flusser dedicó gran parte de su tiempo en desarrollar su estudio sobre las tecnoimágenes y su acción directa sobre la sociedad. Uno de los puntos clave es el sometimiento de la libertad del ser humano al programa por el hecho de que la complejidad del aparato crea una imposibilidad de comprender su funcionamiento.

Orillándonos a usar dicho programa y por tanto a una repetición preestablecida de aquello mismo que dicta el programa. Somos entonces, la culminación de la robotización de la sociedad, convirtiéndonos en funcionarios que pasamos la vida únicamente para hacer accionar a las tecnoimágenes. Quien programa a la máquina también establece la conducta, ideas y resultados de quien la utiliza.

Para romper con ello, el fotógrafo debe tratar de expresar su libertad al actuar contra el programa. Es así como se trata de buscar, entre otras cosas, nuevos universos de representación para alcanzar la plena libertad creativa. Es importante concentrarse más en la intencionalidad expresiva del fotógrafo que en el canon.

Por tanto, la acción de romper el programa implica una intervención intencional, subversiva, generadora de ilusiones, fantasías, paradojas visuales, ficciones, crítica, estética o que conmociona, para lograr la libertad. ¿por qué el error?

En tiempos de la democratización del aparato fotográfico, cada vez más gente tiene la posibilidad de adquirir su propia cámara portátil y salir del estudio para hacer sus creaciones personales, con las cuales identificarse.

De inmediato, un grupo de fotógrafos profesionales de ese entonces se dieron la ardua tarea de ser mentores de la fotografía. Crearon periódicos y publicaciones, con manuales e instructivos, sobre cómo hacer las mejores tomas de maneras por demás curiosas, por ejemplo, Lucien Métivet hizo historietas en el Anuaire général et

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international de photographie en 1905. Ellos se dedicaron a instruir al público sobre el uso, funciones y reglas de la fotografía, las cuales, con los años se han convertido en un canon.

Mientras unos instruían, las casas de revelado “calificaban” en cierto modo las fotografías de los clientes al agregar una etiqueta a las fotografías no logradas para tenerlas identificadas y no cobrarlas.

Fue así como se introdujo el concepto de error fotográfico como algo negativo.

Algo por lo cual avergonzarse y sobre lo cual, los fotógrafos “profesionales” aman criticar. No obstante, sí hubo quienes guardaron sus “errores” más interesantes y trataron de explicarse por qué sucedían y cómo repetirlos.

De estos últimos, también hubieron quienes dedicaron tiempo a entender los errores y después sistematizarlos. El efecto de descubrir nuevas cosas a partir de efectos no calculados se le llama serendipia, ésta nos ayuda a ver éxito en los errores.

Concentrarse en ello es una potente arma epistémica de la creación.

Clement Cheróux, en su Breve historia del error fotográfico (2009) explica: “Un obstáculo puede, por el contrario resultar un valioso revelador de los procesos que entran en juego en la experiencia cognitiva.”. Existen grandiosos ejemplos de este hecho, como aquel de Jacques Henri Lartigue con su famosa Le grand prix A.C. F. de 1913, una fotografía enigmática donde un auto de carreras aparece deformado gracias al efecto del obturador y un movimiento de cámara, cosa que imprimió una ilusión de extrema velocidad. Si bien, fue declarada una toma fallida por el mismo autor, sería descubierta en años posteriores y alcanzó tal éxito que fue declarada como una imagen icónica de la época: ¡Lartigue había inventado el barrido!

Del mismo modo, otros efectos se han sintetizado y desarrollado como modos de expresión artística, política y social; están entre los más importantes la solarización y el fotomontaje. el fotoperformer y el error.

Trabajar con Manuel hizo darme cuenta de cómo la idea de Fotoperformer toca, de una manera muy cercana, los conceptos de mi investigación inicial sobre los efectos especiales en fotografía. Dentro del “manifiesto”, y durante todo el taller que llevamos a cabo, el concepto del autosabotaje estuvo siempre presente. Se refiere a la acción de realizar algo sin tener pleno dominio de ésta y con ello encauzar el error. Por

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ejemplo, un fotógrafo que es completamente ajeno al mundo de la danza contemporánea, que se obliga a sí mismo a realizar una presentación mientras sabe que se va a equivocar, es muy probable que las cosas no sean como las había planeado. Esto provoca una emoción, un nerviosismo y es esa misma sensación la que busca lograr.

En ese momento, el fotógrafo sale de sí para transformarse en el Fotoperformer.

Esto es muy parecido a la experimentación, al hecho de obligar al aparato a hacer un error de manera constante hasta lograr un punto donde pondera la libertad creativa sobre el orden canónico. ¿el error puede servir a la sanación?

Finalmente, el objetivo del Photohealing no es otro que sanar. Entendemos que la saturación de imágenes -que no son más que una cadena de repeticiones de otras imágenes y que tienen la capacidad no sólo de homogeneizar sino también de controlar el modo como debemos ver, cómo debemos opinar, cómo debemos pensar-, llena a nuestras sociedades de falsedades1, prejuicios y discursos políticos para legitimar un sistema.

Entender el error como un intento subversivo para romper el programa es esa búsqueda de la libertad. Es romper con lo establecido y desafiar las normas. Además, es un motor epistémico que nos mantiene siempre en aprendizaje.

Cuando somos pequeños, se nos enseña que equivocarse es malo, que no lo debemos hacer; y cuando somos adultos, equivocarse tiene la connotación más negativa, por lo que nos volvemos perfeccionistas y cada vez el error está menos presente en nuestra vida, dejamos de aprender.

Como método de sanación, aprendamos a ver al error con buenos ojos, busquemos la libertad provocándolo y nunca dejemos de aprender.

1 Sobre este tema recomiendo las investigaciones de Katya Mandoki sobre las falsas fotografías de la guerra en Palestina.

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Imagen interna: un aliento fresco de nueva imaginación Manuel Vason

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esde el principio las imágenes fueron copias de la realidad.

Ellas representaban superficies que colocamos enfrente del original. Por su naturaleza, estas superficies crearon una separación, una distancia.

Con la invención de la fotografía aprendimos a crear nuevas imágenes técnicas: las imágenes fotográficas. Pretendemos transferir esas nuevas imágenes en papel. También aprendido a trasladar esas imágenes en palabras para darles nuevos significados. Con el tiempo, las fotografías se convierten en tablas de orientación para captar y manejar mejor el mundo.

Cuando hacemos una imagen con nuestra mente (imaginamos) retrocedemos del mundo hacia nosotros mismos.

La imaginación es nuestra capacidad de alejarnos del mundo real a ese no-lugar llamado la mente. Antes del advenimiento de la fotografía nuestra imaginación era más corpórea, las superficies eran más físicas y sensoriales. Después de la introducción y rápida difusión de la fotografía nuestra imaginación se volvió cada vez más fotográfica. Con el desarrollo de la fotografía y el advenimiento de la imagen digital la distancia entre nuestra imaginación y la realidad se hizo cada vez más grande.

Nuestras fotografías diarias son imágenes en las cuales confrontamos

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ince the beginning images were copies of the reality. They represented surfaces that we placed in front of the original. By their nature, these surfaces created a separation, a distance. With the invention of photography we learned to create new technical images: the photographic images. We apprehended to transfer these new images on paper. We also learned to translate these images into words so to give them new meanings. With the time, photographs become tables of orientation for seizing and handling the world better.

When we make a picture with our mind (we imagine) we step back from the world into ourselves. Imagination is our capacity to withdraw from the real world to that non-place called the mind.

Before the advent of photography our imagination was more corporeal, the surfaces were more physical and sensorial. After the introduction and rapid dissemination of photography our imagination became more and more photographic. With the development of photography and the advent of the digital image the distance between our imagination and the reality got bigger and bigger. Our daily photographs are images in which we confront our identities, our desires and our unreachable projections. In recent time we take mil-

nuestras identidades, nuestros deseos y nuestras proyecciones inalcanzables. En los últimos tiempos tomamos millones de fotografías y selfies para confirmar nuestra existencia, nuestros logros, nuestra felicidad.

Estoy convencido de que la mayoría de estas imágenes, réplicas de imágenes ya existentes, están hechas para cubrir una sensación de ansiedad.

Detrás de la superficie, estamos percibiendo la distancia que estamos creando de nuestra realidad, de nuestro mundo vivido. Estamos percibiendo la distancia que hemos generado entre nosotros.

El mundo traducido en imágenes es un mundo aparente lleno de proyecciones. En nuestro mundo mediático, la gran circulación de imágenes es gestionada y controlada por poderosas empresas. Esta saturación controlada de las imágenes está produciendo dos efectos principales, por un lado la mayoría de nosotros, abrumada por la cantidad de información visual, está imitando y conformándose; por el otro lado, la introducción de nuevas imágenes se convierte en la actividad aceptada de los expertos: la agencias de publicidad.

Vivimos en una sociedad en la que las palabras "democracia" y "diversidad" se celebran cada día pero en realidad vivimos en un mundo dominado por pocas corporaciones poderosas, y toda nuestra diversidad es neutralizada por una cultura pop globalizada/universal. ¿Por qué somos todos tan diferentes y todos tendemos a apuntar a los mismos deseos? Los entusiastas y los opositores del sistema capitalista no pueden ver una salida o un sistema alternativo. La fotografía, el mercado, la cultura pop, la tecnología son todas nuestras invenciones, las creamos para mejorar ("progresar") la calidad de nuestra vida y ahora terminamos convirtiéndonos en esclavos dependientes de ellas.

lions of photographs and selfies to confirm our existence, our achievements, our happiness. I’m convinced that most of these images, replicas of already existent images, are made to cover a sense of anxiety.

Behind the surface, we are sensing the distance we are creating from our reality, from our lived world. We are sensing the distance we have generated from each other.

The world translated in pictures is an apparent world full of projections. In our mediatized world, the vast circulation of images is managed and controlled by powerful business companies. This controlled saturation of images is producing two main effects, on one side the majority of us, overwhelmed by the quantity of visual information, is imitating and conforming; on the other side, the introduction of new images becomes the accepted activity of the experts: the advertising agencies.

We live in a society in which the words ‘democracy’ and ‘diversity’ are celebrated every day but in reality we live in world dominated by few powerful corporations, and all our diversity is neutralized by a globalized/universal pop culture. Why we are all so different and we all tend to aim to the same desires? Enthusiasts and opponents of the capitalist system cannot see a way out or an alternative system. Photography, the market, pop culture, technology are all our inventions, we created them so to improve (‘progress’) the quality of our life and now we ended up becoming slaves dependent on them.

I believe the problem and the solution of this situation reside in our imagination. Our photographic imagination has been globalized and controlled by our inventions and by who is in control of these inventions.

By manipulating our imagination, few corporations

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Creo que el problema y la solución de esta situación residen en nuestra imaginación. Nuestra imaginación fotográfica ha sido globalizada y controlada por nuestras invenciones y por quién está en control de estas invenciones. Mediante la manipulación de nuestra imaginación, pocas corporaciones están, por consiguiente, en el control de nuestras conciencias y nuestros comportamientos. Necesitamos entrenarnos para recuperar la autoridad creativa de nuestra imaginación individual.

Respiro, cierro los ojos e imagino mi caja torácica en plena expansión, transformo mi cuerpo en una cámara oscura lista para dar a luz a una nueva visualización.

Llamo a mi imaginación mi imagen interna. Mi imagen interna es autobiográfica, introspectiva y remota. Mi imagen interna está ligeramente borrosa porque está en flujo constante. Mi imagen interna funciona como un acceso directo a mi ascendencia, a mis raíces, a mi fantasía más profunda y a mi inspiración.

Cada vez que inspiro, inhalo oxígeno fresco para mi imaginación. Mi creatividad, mi capacidad fotográfica está incorporada en la anatomía de mi cuerpo.

Me concentro en mi respiración y gradualmente aprendo a ver con mi ojo interior, gradualmente aprendo a iluminar las áreas oscuras de mi inconsciente y aprendo a familiarizarme con mi imagen interna.

Imagino que cada inhalación se convierta en un impulso, galvanizando mi diafragma, mi columna vertebral, mi pelvis, mi sacro, mis órganos y mi cerebro. Este es el hogar de mi instinto, la intuición y me atrevo a decir de mis fuerzas creativas.

Mi mente saturada está buscando la simplicidad. Mis nuevas imágenes muestran la complejidad de mi racionalidad y la urgencia de regresar a lo 'vital'.

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are, by consequence, in control of our consciences and our behaviors. We need to coach ourselves to regain creative authority of our individual imagination.

I breathe in, I close my eyes and I imagine my rib cage in full expansion, I transform my body into a camera obscura ready to give birth to a new visualization.

I call my imagination my internal image. My internal image is autobiographical, introspective and remote. My internal image is slightly blurred because it is in constant flux.

My internal image functions as a direct access to my ancestry, to my roots, to my deeper fantasy and to my inspiration.

Every time I inspire, I inhale fresh oxygen for my imagination. My creativity, my photographic capacity is built-in the anatomy of my body.

I concentrate on my breathing and gradually I learn to see with my inner eye, gradually I learn to illuminate the darken areas of my unconscious and I learn to familiarize with my internal image.

I imagine every inhalation to become an impulse, galvanizing my diaphragm, my spine, my pelvis, my sacrum, my organs, and my brain. This is the home of my instinct, intuition and I dare to say of my creative forces.

My saturated mind is searching for simplicity. My new images shows the complexity of my rationality and the urgency to regress to the ‘vital’.

I’m realizing that my alternative image is a simplification of my constructions.

My internal image shows a man with a camera pointed at his/her heart.

Reinvigorating our imagination is the remedy to regain the control over our inventions. By connecting with our internal image we can loose the control of our

perderse juntos

Me doy cuenta de que mi imagen alternativa es una simplificaciรณn de mis construcciones.

Mi imagen interna muestra a un hombre con una cรกmara apuntando a su corazรณn.

Revitalizar nuestra imaginaciรณn es el remedio para recuperar el control sobre nuestras invenciones. Al conectarnos con nuestra imagen interna podemos perder el control de nuestra racionalidad y redescubrir el placer de la integraciรณn con nuestro entorno.

Este es un proceso diversificado y cada uno de nosotros generarรก imรกgenes divergentes que apunten al mismo mensaje.

Esta diversificaciรณn de caminos los convertirรก en nuestro instrumento para contrastar la tiranรญa de nuestras invenciones y llegar a ser impredecibles e incontrolables.

Es mediante la prรกctica de nuestra renovada imaginaciรณn que podemos neutralizar las corporaciones que gestionan la producciรณn del imaginario colectivo.

rationality and rediscover the pleasure of integration with our environment.

This is a diversified process and each of us will generate divergent images aiming at the same message.

This diversification of paths will them become our instrument to contrast the tyranny of our inventions and become unpredictable and uncontrollable.

It is by practicing our renovated imagination that we can neutralize the corporations that manage the production of the collective imagination.

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Invisible Gustavo

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Perdidos juntos se terminรณ de editar en agosto de 2017.

Dr. en Ed. Alfredo Barrera Baca rector

Fermín Carreño Martínez director

M. en S.P. María Estela Delgado Maya secretaria de docencia

Jorge A. Mantilla González subdirector administrativo

Dr. en C.I. Carlos Eduardo Barrera Díaz secretario de investigación y estudios avanzados

Jorge Marcelino Vázquez diseño gráfico

Dr. en C.S. Luis Raúl Ortiz Ramírez secretario de rectoría Dr. en A. Edgar Miranda Ortiz secretario de difusión cultural M. en C. Jannet Valero Vilchis secretaria de extensión y vinculación M. en E. Javier González Martínez secretario de administración M. en E.U.R. Héctor Campos Alanís secretario de planeación y desarrollo institucional M. en L.A. María del Pilar Ampudia García secretaria de cooperación internacional Dra. en C.S. y Pol. Gabriela Fuentes Reyes abogada general Lic. en Com. Gastón Pedraza Muñoz director general de comunicación universitaria M. en R.I. Jorge Bernaldez García secretario técnico de la rectoría M. en A.P. Guadalupe Santamaría González directora general de centros universitarios y unidades académicas profesionales M. en A. Ignacio Gutiérrez Padilla contralor universitario

Ángela Mercado Shelley gestora cultural Juana Carmen Lechuga Barrios educación contínua

Aarón Arredondo Carolina Arteaga Yoatzin Balbuena Uriel Palma Misael Quintero Rodríguez María Rodríguez Cruz Ricardo Rubio Gustavo Thomas Rodrigo Valero-Puertas Amaranta Verdugo Montero Manuel Vason Zaydamor

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