EDUARDO MOMEร E La Visiรณn Fotogrรกfica
FICHA DE LECTURA. DATOS DEL ALUMNO/A: APELLIDOS: Díaz Ruiz NOMBRE: David CURSO: 1ºA Fotografía Artística FICHA BIBLIOGRÁFICA: Autor: Eduardo Momeñe Título del libro: Visión fotográfica. Curso de fotografía para jóvenes fotógrafos Año de edición: 2009 Editorial: AUTOR-EDITOR ISBN: 9788461322435 RESEÑA DEL CAPÍTULO 1. RESUMEN Es un cazador de mariposas y por tanto sólo caza mariposas. Tiene claro que si ve una libélula, va a ignorarla porque a él sólo le interesan las mariposas. Sabe que no se puede cazar todo ni de todo, que no se puede archivar todo, sabe que ni los mejores pueden. Es una persona realista y sabe que con su redil para mariposas no es posible cazar leones. Se ha preparado para ello, para cazar mariposas, no otros animales. Hablamos de una energía no dispersa, comprometida en una clara dirección. Nuestro cazador de mariposas, recorre su jardín, metro a metro, integrándose en él. Sin embargo, quien sólo ve lo de fuera mira el jardín desde su ventana, no baja a él, no se integra en él, lo percibe desde la distancia. Lo cierto es que la fotografía valora tanto el viaje interior como por nuevos espacios, hasta hacerlos indistinguibles. Finalmente es el que es y en realidad no es tan grande. Quizás sería pretencioso por nuestra parte suponer que vamos a mostrar cosas de él, lugares que nadie ha visitado. Por el contrario, podríamos dar a conocer nuestro punto de vista, una nueva mirada personal e intransferible, una visión única, nuestra mirada. Las fotografías no sólo muestran el mundo sino que muestran como lo miramos. Una buena fotografía es finalmente un punto de vista bien expresado, sobre algo que todo el mundo ha visto. El mundo ya ha sido visto por activa y por pasiva, pero lo que aún no ha sido visto es su imagen en nuestras fotografías. A un buen fotógrafo no se le exige que desentrañe los grandes enigmas del universo, sino tan sólo que sus fotografías estén bien hechas, que no tengan trampas, que no osen intentar ir más lejos de lo que llega su mirada. El gran reto para el fotógrafo es conseguir que la fotografía le permita expresarse visualmente, es conseguir arrancar ese potencial que el lenguaje posee. Reciclar cosas de ese espacio que
siempre ha estado ahí y que todo el mundo se ha hartado de ver. Si sabemos cómo conducir la cámara, cómo hacer hablar a la cámara, lo sabemos casi todo. La fotografía trataría de lo no visto, es decir, de lo no dicho. Debemos querer expresar el mundo a través de fotografías, como un fotógrafo. Para poder expresar algo hay que tener algo que decir, algo que opinar, algo que plantear, algo que enseñar, que mostrar. La fotografía es medio que se plasma como imagen, y nuestras opiniones sociales, morales, políticas, el amor a la naturaleza, el rechazo a la injusticia, etc. pasan a segundo plano. Sabemos que en nuestras mejores fotografías los acontecimientos no están allí fuera, sino en nuestra cámara. Lo que de verdad nos importa en una fotografía es su fuerza como imagen, su potencia, su capacidad para que la imagen que transporta nos deje fascinados. Lo que importa de una fotografía es que nos mire de tal manera que queramos saber más, que nos obligue a interrogarla, que sus respuestas se nos resistan. Podría ser el misterio de Hitchcock, el de su movimiento de cámara, el de las elipsis temporales y causales, del deseo insatisfecho por una información dada con cuentagotas, el de los rostros que dicen sin palabras. Es el misterio de lo visible cuando se sabe presentar, son las imágenes que nos sitúan en un lugar que no conocíamos, donde en un principio nos sentimos desorientados, ajenos a lo que vemos. Buscamos la materia prima de nuestra fotografía en lugares recónditos. El misterio de la luz, del color, del blanco y negro. Es posible oír que <<el blanco y negro tiene más misterio que el color>>. Debemos saber cómo hacerlo, cómo conseguir esa nuestra imagen tan sólo mostrando el mundo, la única opción que en principio posee el medio fotográfico; es así como el fotógrafo se expresa. Nuestro auténtico fin debería ser, que nuestras fotografías sean testimonios, documentos de cómo hemos mirado las cosas, como si nuestras fotografías fuesen actas notariales, nuestra huella. Una fotografía no está acabada hasta que podamos tenerla presente en un papel. No debemos descuidar, subvalorar, el llamado oficio: el positivado de una fotografía no es un complemento, es también la fotografía. No hay buenas fotografías sin una buena plasmación, nuestras imágenes deben ser presentadas como los bombones en sus cajas. Se trata de dominar los elementos y las herramientas con los que trabajamos hasta que nuestra toma no tenga ningún secreto para nosotros. En una fotografía, al igual que en un Ferrari, no puede haber un solo elemento defectuoso, tanto en diseño como en contenido, y que de hecho ambos son la misma cosa si nos exigimos lo realmente bien hecho. Resueltos estos problemas gracias a nuestro interés, a nuestra práctica y a nuestros pequeños fracasos, podemos pensar en otros problemas a resolver, y una manera útil de comentar a hacerlo es ir viendo ejemplos de fotógrafos que ciertamente resolvieron los problemas que les surgieron. Para los fotógrafos, el mundo fotográfico son las personas; nos atreveríamos a decir, personas en un escenario, en un tiempo, en un contexto. El tema de las fotografías son las personas,
incluso cuando no son visibles en ellas. Lo que la fotografía nos pide es que sepamos interpretar, leer, comprender esa imagen que nuestro escáner ha atrapado. No olvidemos que la cámara es una máquina que tan sólo proporciona información, y somos nosotros quienes tenemos que aportar el pensamiento, digámoslo mejor, el lenguaje. Quizás aún no estamos muy seguros de las fotografías que obtenemos o que algún día querremos obtener, pero sí sabemos cómo son las fotografías que muchos grandes fotógrafos han obtenido. La mayor parte de estas fotografías, las que nos interesan ahora, son instantáneas hechas por muy buenos fotógrafos. Hacen fotografías para expresarse visualmente, mostrando el mundo, expresando el mundo, tal como ellos quieren hacerlo. Puede haber azar en el mundo que se han encontrado, pero no así en la manera en la que lo muestran, no hay azar en lo que se han propuesto. Las buenas fotografías son imágenes arriesgadas, desconcertantes, imprevisibles, a veces el mundo se vuelve extraño, lo ya dicho, sin misterio no hay mucha belleza. Además son fotografías que están bien expuestas y reveladas, y todo ello las hace potentes. Lo que hace posible que las fotografías de estos fotógrafos sean mejores, es su comprensión del a fotografía, obtenida gracias a la calidad de su formación. Hay en todos ellos, en los buenos fotógrafos, un conocimiento, un intento de comprender, una experiencia del mundo, del mundo visitado, mirado, interrogado, contemplado, vivido… ¿Cómo se adquiere esta formación, esta educación visual?. Una respuesta bien dada sería, sin lugar a dudas, que un interés obsesivo por conseguirlo no sería un mal camino. Sólo habría un problema más: el talento existe y no se vende conjuntamente con la cámara. Sin embargo, el talento no es suficiente, porque no hablamos exclusivamente de un talento fotográfico sino de ese talento que nos permite fiarnos de nosotros mismos, no quejarnos, tirar hacia delante, viajar, tomarnos en serio lo que hacemos. El desafío es conseguir imaginar las fotografías, imaginar qué fotografías podrían surgir de estas declaraciones de principios, cómo convertir esas palabras en imágenes fotográficas que las respalden, que las igualen, que las superen. ¿Qué imagen?, ¿qué imagen queremos ver ahí en lugar de esa mancha negra que hay que iluminar, al menos parcialmente? ¿Cuál es la imagen que tenemos en nuestra memoria, nuestra imagen mental, aquella que queremos ver en el papel? ¿Sabemos lo que queremos ver? Puede ocurrir, que aún no sepamos cuales son que aún no sepamos cuales son las imágenes que querríamos ver en nuestro papel fotográfico, que aún no sepamos qué hacer con la fotografía, que no sepamos para qué fotografiamos. Llamemos a estas circunstancias momentos negros de nuestro aprendizaje, pero con el convencimiento de que saldremos de ellos probablemente reforzados, en realidad todo es más simple, porque debemos ser conscientes de que nadie fotografía el Mundo, sino su mundo, como el cazador de mariposas, que sólo caza su mundo.
Cita Charles Darwin: Como aquella que muestra la corta y estimulante Autobiografía de Charles Darwin, ciertamente un gran coleccionista. Siempre podremos fantasear con el cuaderno de viaje de Darwin si este extraordinario curioso hubiese tenido acceso a la fotografía en su viaje en el Beagle. Charles Darwin - El eminente naturalista británico viajó cinco años a bordo del "Beagle" y posteriormente edificó su grandiosa teoría de la evolución de las especies, el darwinismo. El Diario de investigaciones de Charles Darwin, conocido como "Viaje del Beagle", fue su primer libro. Darwin recordaría años más tarde en su autobiografía: "el viaje del Beagle ha sido el evento más importante de mi vida y ha determinado toda mi carrera".
Cita Francis Frith: la aparición de la fotografía coincide con la apertura de zoológicos en Europa, cómo eran las pirámides, por ejemplo vistas por Francis Frith o las cumbres del Himalaya vistas por Samuel Bourne. Francis Frith - Fotógrafo Inglés que se dedicó a retratar el Medio Oriente y diversos pueblos del Reino Unido. Gracias a la venta de sus empresas que lo dejan en una posición muy desahogada, puede permitirse dedicar todo su tiempo a la fotografía, compra un barco y se provee de todo tipo de material fotográfico para durante dos años realizar un exhaustivo trabajo de fotografías a lo largo de Egipto y Oriente Medio. Había conocido la zona del Líbano durante la ocupación francesa de 1860. Atraído por el lugar, siete años más tarde se instala con su familia donde abre un estudio en Beirut: “Maison Bonfils”, desde donde se dedica a fotografiar lugares como Jerusalén, Egipto, Siria y Grecia. La fama de sus fotografías hace que pueda abrir delegaciones en El Cairo, Alejandría y Francia aumentado
el cuerpo de fotógrafos paisajistas. Su fama se prolongó gracias a ser galardonado en las Exposiciones Universales europeas entre 1870 y 1880 en las que presentó sus álbumes fotográficos, uno de los más reconocidos es el de 1872 “Architecture Antique”, por lo que obtendrá el mérito de ser proveedor de estampas orientales en Europa y Estados Unidos. El interés masivo que la fotografía turística tenía entre el público también dejaba hueco para la fotografía de modernas obras que se realizaban en El Cairo. Galería
Cita Samuel Bourne: la aparición de la fotografía coincide con la apertura de zoológicos en Europa, cómo eran las pirámides, por ejemplo vistas por Francis Frith o las cumbres del Himalaya vistas por Samuel Bourne. Samuel Bourne - Comenzó sus trabajos como fotógrafo realizando daguerrotipos en 1851. En 1863 viajó a Simla, India, en donde formó con Charles Shepherd la sociedad Bourne & Sheperd. Bourne guió tres expediciones a los Himalayas (1863, 1864 y 1866). Bourne se enfocó principalmente en la fotografía de paisaje, imágenes de glaciares, panoramas montañosos y detalles de vegetación. Sus imágenes muestran gran claridad y hay una variedad de tonos en sus impresiones en albúmina. Realizó retratos de nativos de los lugares a los que visitó. Aproximadamente 1,500 negativos fueron tomados en el Oriente, de los cuales más de la mitad eran del Himalaya. Fue nombrado fotógrafo oficial del rey George V en 1911 y murió en Nottingham un año más tarde. Galería Video
Cita Duane Michals: Intentemos descubrir cómo han fotografiado las pirámides de Egipto fotógrafos contemporáneos como Duane Michals o Richard Misrach. Duane Michals - “Para mí el arte es acerca de la pasión, y yo no veo ninguna pasión en la mayor parte del trabajo que se realiza hoy en día” – Duane Michals Duane cambió el papel y lápiz por una cámara y, a mediados de los años 50, comenzó a tomar fotografías. Durante los 60 comenzó a añadir texto a sus imágenes, para terminar realizando secuencias. Es por este trabajo por el que hoy es tan conocido. Este fotógrafo autodidacta nunca recibió clases de fotografía. Su técnica predilecta para aprender fue siempre de ensayo y error. Al principio se sentía inseguro consigo mismo. Hoy, lo ve como el detonante de que haya podido realizar el tipo de fotografía que quería sin romper las normas, aunque para él nunca las hubo. Michals recibió gran parte de su influencia del surrealismo, específicamente de artistas como Balthus y Magritte. Sus temas predilectos, y los que más destacan, son el sexo, la muerte, el deseo y la identidad propia. También son muy conocidas sus fotografías de hombres desnudos y sus autorretratos, detalles que significaban mucho para él por debido a su condición sexual. Galería Duane Michals de cerca
Cita Richard Misrach: Ciertamente volveremos a mirar las pirámides, pero con distintos ojos. Intentemos descubrir cómo han fotografiado las pirámides de Egipto fotógrafos contemporáneos como Duane Michals o Richard Misrach. Richard Misrach - Ha abordado la relación entre la sociedad contemporánea y la naturaleza, especialmente en el Oeste Americano. Su obra está representada en más de cincuenta colecciones de los museos más importantes alrededor del mundo. En la década de 1970, fue uno de los precursores del renacimiento de la fotografía a color y a gran escala, que es una práctica extendida en la actualidad. Misrach es más conocido por su serie en curso, “Cantos del Desierto”, un proyecto en el que lleva trabajando durante más de 35 años, revelando un complejo panorama del desierto americano, que es tan fascinante como misterioso y la compleja relación del hombre con él. Se trata de uno de los proyectos más extensos de la fotografía contemporánea. Misrach ha adoptado la técnica digital hábilmente y la utiliza para generar paisajes surrealistas, intercambiando los positivos y negativos a lo largo del espectro de color. Galería Video documental
Cita Joel Sternfeld: Si algún día analizamos la fotografía McLean, Virginia, 1978, realizada por Joel Sternfeld, podremos visualizar muy claramente esta idea. Joel Sternfeld - «Recuerdo que a principios de la década de los setenta fui a una galería a enseñar mi trabajo y el galerista me dijo: ‘¿Por qué trabajas en color, con lo natural que es el blanco y negro?’. Éramos muy pocos los que trabajábamos el color y todos nos conocíamos: Stephen Shore, Helen Levitt, William Egglestone… Era una situación parecida a la del cristianismo de las catacumbas: si por casualidad te encontrabas con un fotógrafo que estaba haciendo lo mismo
que tú, lo único que querías era meterte con él en un sótano para hablar largo y tendido, como nuevos conversos deseosos de intercambiar pareceres sobre los misterios de su religión». J.S. Comenzó en la década de los setenta y en la actualidad es uno de los personajes más relevantes de la fotografía norteamericana contemporánea. Sus primeros trabajos se encuadraron en el entonces género predominante de la street photography, hasta la publicación en 1978 de American Prospects (Perspectivas Norteamericanas), serie en la que demuestra su maestría en el dominio del modelo documental. Galería Joel Sternfeld - American Story
Cita Esther Bublei: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley… Esther Bublei - Especializada en expresivas fotos de gente normal en su vida cotidiana. En 1941 buscó trabajo en Washington, D.C, Nueva York y de nuevo Washington, hasta que en otoño de 1941 Roy Stryker la contrató como ayudante de cuarto oscuro en la Office of War Information (OWI), donde su unidad fotográfica había sido transferida. Con el estímulo de Stryker y de algunos otros fotógrafos se trasladó a tomar fotografías para la sección histórica de OWI, documentando la vida en el frente interno durante la guerra. Su trabajo más desafiante fue una conocida serie sobre el sistema de autobuses en el cercano oeste y en el sur del país.
Hacia 1947 comenzó a trabajar para la Children's Bureau, una agencia federal de bienestar infantil. Durante varios años contribuyó con millares de imágenes a sus archivos, y su trabajo apareció en más de 30 portadas de su diario The Child. En 1951, comenzó a trabajar independientemente para la Life, contribuyendo con 40 artículos, incluyendo dos noticias de portada. Fue una de las primeras mujeres en trabajar con éxito como fotógrafo independiente para las más importantes revistas. Edward Steichen, director de fotografía en el Museo de Arte Moderno (MoMA), utilizó 13 fotografías de esta serie en la exposición de 1952 Diógenes con una cámara. También montó y exhibió sus hojas de contacto para mostrar cómo ella utilizó cada toma. Esta serie le llevó a incluir los temas médicos en su portafolio. En 1953, el gobierno francés la contrató la Unicef y para viajar a Marruecos para fotografiar un programa para tratar el tracoma, una enfermedad infecciosa que causa ceguera. Con una foto de esta serie ganó en 1954 el concurso patrocinado por la revista Photography , siendo la primera mujer en conseguirlo. A finales de los sesenta, redujo su carga de trabajo, pasó más tiempo en su casa de Nueva York donde trabajó en proyectos personales, produciendo dos libros para niños sobre animales y un libro sobre fotografía macro de plantas. En su última época, gastaba sus mañanas paseando con su perro por Central Park, tomando fotografías y notas para un libro sobre el parque. Web Esther Bubley - A Life in Photography
Cita Harold Corsini: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini…
Harold Corsini - Una foto que tomó cuando tenía 16 años, una toma aérea de jugadores de fútbol, está archivada en la colección George Eastman en Rochester, Nueva York. Fue asistente de Arnold Eagle durante tres años como profesor de fotografía para la National Youth Administration. Corsini admiraba el trabajo de los fotógrafos de la Farm Security Administration e imitó el estilo documental que practicaban. Se unió a la Photo League en 1938, “el único club libre de fotografía en Nueva York”. Después de un corto trabajo en la revista Life, en 1943 se unió al proyecto documental de la Standard Oil bajo Roy Stryker y fue el fotógrafo que trabajó allí por más tiempo. Corsini se retiró cuando vendió su estudio en 1975, entonces enseñó 9 años en la Carnegie Mellon University. Su trabajo fotográfico es conservado, además de en la Pittsburgh Photographic Library, por la University of Louisville Photographic Archives, la George Eastman House Photo Collection y el Carnegie Museum of Art. La Universidad de Pittsburgh guarda sus archivos. Video Gallery
Cita Jack Delano: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini, Jack Delano…
Jack Delano - fue un compositor, cineasta y fotógrafo americano (nacido en Voroshilovka, Ucrania, como Jacob (Jasha) Ovcharov, en 1914, conocido, además de por su trabajo para la FSA, por su fotografía en color y por sus fotografías de trazos de luz en las estaciones de ferrocarril. Después de su graduación realizó un proyecto fotográfico en el que hacía un estudio de las condiciones de trabajo de los mineros en las minas de antracita de Pennsylvania. Hasta su cierre en 1943 trabajó en la Farm Security Administration (FSA), donde también trabajaron Walter Evans, Dorothea Lange y Gordon Parks. Con su esposa Irene Esser trabajó en la Community Division of the Department of Public Education, produciendo películas y dirigiendo el clásico Los Peloteros, que trata de los pobres niños rurales de Puerto Rico y su pasión por el beisbol. Su trabajo en Puerto Rico incluyó fotografía y videos educativos hechos para el Departamento de Educación de la isla y una estación de televisión pública. En el 1979, Jack Delano obtuvo una beca de la Fundación Nacional de las Humanidades para documentar fotográficamente el Puerto Rico de la década de 1980 a fin de hacer un estudio comparativo con las fotografías que tomó en Puerto Rico en los años cuarenta. Galería Entrevista
Cita Arnold Eagle: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini, Jack Delano, Arnold Eagle… Arnold Eagle - Fue un fotógrafo y cinematógrafo documental americano conocido por sus imágenes documentales de emigrantes judíos y de la vida urbana en el Lower East Side de Manhattan.
Cuando llegó a la fotografía en los años primeros 30, la Gran Depresión había paralizado la América urbana y rural, y había hecho a los neoyorquinos familiares con la pérdida de empleo y las chabolas de los desamparados a lo largo del Hudson. Esto lo llevó a utilizar la cámara para registrar este período de crisis, pero como Lewis Hine, el padre de la fotografía documental social americana, deseaba mostrar no sólo lo que debía ser corregido, sino también lo debía ser apreciado. Por ello intentó preservar para las nuevas generaciones elementos de Nueva York que ya se estaban perdiendo en el pasado. En 1932, Se unió a la Film and Photo League, una organización dedicada a la fotografía documental y a las películas de actualidades, y dos años más tarde emprendió un estudio de judíos ortodoxos en el Lower East Side. "At Home Only With God", una colección de sus fotografías de este proyecto, será publicada pronto por Aperture. En 1935 se unió a la Works Project Administration como fotógrafo, y en los años siguientes produjo estudios documentales de los tugurios de Nueva York y de la Segunda Avenida. También trabajó como fotógrafo independiente para Fortune, The Saturday Evening Post y otras revistas. En 1945 se unió al proyecto documental organizado por Roy Stryker para la Standard Oil de Nueva Jersey. Mientras que fotografiaba las perforaciones petrolíferas en Luisiana se encontró con Robert Flaherty. Galería
Cita Russell Lee: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini, Jack Delano, Arnold Eagle, Walker Evans, Theo Jung, Russell Lee… Russell Lee - En 1936 se convirtió un miembro del equipo de fotógrafos comandados por Roy Stryker para el proyecto de documentación de la FSA. Es responsable de algunas de las imágenes más icónicas producidas por la FSA, incluyendo estudios fotográficos de San Agustín, Tejas, en 1939, y de Pie Town, Nuevo Méjico, en 1940. Fue el más prolífico de los fotógrafos de Arkansas que trabajaron para la FSA. Muchas de sus fotografías de Arkansas estaban tomadas pensando en dar una imagen positiva de los proyectos de reasentamiento del gobierno. Roy Stryker y sus fotógrafos estaban bajo una presión constante para ir más allá de la mera representación de la pobreza y demostrar fotográficamente que los programas federales eran eficaces. Algunas de sus 80.000 fotografías han sido donadas por Exxon Corporation para la Universidad de Louisville en Kentucky. Lee se trasladó a Austin, Tejas, en 1947 y fue el primer instructor de fotografía de la Universidad de Tejas en 1965. Galería
Cita Sol Libsohn: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini, Jack Delano, Arnold Eagle, Walker Evans, Theo Jung, Russell Lee, Sol Libsohn… Sol Libsohn - Hijo de emigrantes judíos polacos, fue influenciado por el arte en su juventud. Llegó a la fotografía gracias a un vecino que le dio una Kodak Brownie. Con ella documentaba pinturas.
Después de sus estudios en el City College de Nueva York fue contratado por la Works Progress Administration realizando fotografías de los neoyorquinos haciendo frente a los malos tiempos. Fue cofundador junto con su amigo Sid Grossman de la Photo League. En 1946 se trasladó a Roosevelt, Nueva Jersey, donde vivió hasta su muerte, y se unió a la Standard Oil Company, formando parte del equipo dirigido por Roy Stryker. Amasó más de 6.000 fotografías en cinco años. Entre sus proyectos se puede citar Trucking Story, un reportaje sobre los camioneros, y su trabajo sobre los circos Ringling Brothers y Barnum & Bailey Circus. En los años cincuenta trabajó como freelance, publicando artículos, entre otros, en la revista Fortune. Su trabajo fue incluido en la mítica exposición The Family of Man que organizó Edward Steichen en el Museum of Modern Art en 1955. Enseño fotografía en la Trenton High School y en la Universidad de Princeton. En la última parte de su vida se dedicó a la pintura. Galería Video
Cita Carl Mydans: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini, Jack Delano, Arnold Eagle, Walker Evans, Theo Jung, Russell Lee, Sol Libsohn, Carl Mydans…
Carl Mydans: Nacido en mayo de 1907 en Boston, Massachusetts, Carl Mydans se diplomó en la escuela de periodismo de su ciudad en 1923. En 1936, Mydans se unió a la revista 'Life' como uno de sus primeros fotógrafos en plantilla. Durante la segunda Guerra Mundial, él y su esposa, la también fotógrafa Shelley Smith, se convirtieron en el primer equipo formado por un matrimonio de reporteros que 'Life' enviaba a ultramar, según informaciones del archivo de 'Life'. Secuestrado por los japoneses En 1941, la pareja fue capturada por las fuerzas invasoras japonesas en Filipinas durante 22 meses. Pasaron casi un año en Manila, y casi otro año entero en Shanghai antes de ser liberados como parte de un intercambio de prisioneros de guerra, según los archivos de la revista. Ambos fueron reenviados a la guerra en Europa para cubrir las batallas aliadas en Italia y Francia. Hacia 1945, Mydans regresó a Filipinas para cubrir el aterrizaje del general MacArthur, donde tomó algunas de sus fotografías más famosas. También estuvo en la guerra de Corea entre 1950 y 1951, en Vietnam en 1968 y fur corresponsal para 'Life' en Rusia y en Japón hasta 1971. La rendición japonesa, ciudadanos franceses enfadados afeitando las cabezas de mujeres acusadas de dormir con Alemanes durante la ocupación en 1944 o un retrato del General Douglas MacArthur fumando en pipa de 1950, son algunas de las imágenes más convincentes de su carrera. Antes unirse a 'Life', Mydans documentaba las miserables vidas de agricultores y trabajadores inmigrantes durante la Depresión en los años treinta. Galería Japón
Cita Arthur Rothstein: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini, Jack Delano, Arnold Eagle, Walker Evans, Theo Jung, Russell Lee, Sol Libsohn, Carl Mydans, Gordon Parks, Martha McMillan Roberts, Edwin Rosskam, Louise Rosskam, Arthur Rothstein… Arthur Rothstein - Es reconocido como uno de los fotógrafos más importantes de Estados Unidos, con una carrera profesional de unos cincuenta años que abarca desde partidos de béisbol hasta fotografías de guerra. Igualmente, retrató las actividades de los granjeros de Virginia que estaban siendo desalojados del Parque Nacional Shenandoah y reinsertados en otras zonas. Principalmente conocido por su contribución a la FSA, y cuyas composiciones siempre se destacaban por su equilibrio y la intención de mostrar la dignidad de las personas que fotografiaba más allá de las condiciones de vida. Durante la Gran Depresión Roy Stryker invitó a Rothstein unirse a la Farm Security Administration (FSA). Los fotógrafos Esther Bubley, Marjory Collins, Marion Post Wolcott, Walker Evans, Russell Lee, Gordon Parks, Jack Delano, Charlotte Brooks, John Vachon, Carl Mydans, Dorothea Lange y Ben Shahn fueron los encargados de capturar las duras condiciones de vida de los pobres rurales en los Estados Unidos. Su primera asignación fue documentar la vida de algunos granjeros de Virginia que eran desahuciados del Parque Nacional de Shenandoah y que eran recolocados por la Resettlement Administration, y los viajes siguientes lo llevaron a Dust Bowl y a los ranchos de ganado de Montana. En 1940 trabajó en la revista Look. Durante la Segunda Guerra Mundial volvió a la FSA que formaba parte de la Oficina de Información de la Guerra, tomando fotografías en China, Birmania e India. Galería Arthur Rothstein: photography, art and propaganda in The New Deal
Cita Ben Shahn: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini, Jack Delano, Arnold Eagle, Walker Evans, Theo Jung, Russell Lee, Sol Libsohn, Carl Mydans, Gordon Parks, Martha McMillan Roberts, Edwin Rosskam, Louise Rosskam, Arthur Rothstein, Richard Saunders, Ben Shahn… Ben Shahn - Considerado el más destacado exponente del arte comprometido social y políticamente, dentro de la corriente del realismo estadounidense. Plasmó con gran fuerza analítica y realismo las condiciones de los marginados, además de episodios políticos particularmente intensos. Comenzó su trayectoria de artista en Nueva York, aprendiendo el trabajo de litógrafo. Estas experiencias iniciales con la litografía y el diseño gráfico serán evidentes en sus fotografías y pinturas, que incluirán a menudo combinaciones de texto y de imagen. El medio primario de Shahn era la tempera de huevo, popular entre los realistas sociales. Estudió a grandes artistas europeos contemporáneos como Henri Matisse, Raoul Dufy, Georges Rouault, Pablo Picasso y Paul Klee que realizaron un impacto profundo en su trabajo y carrera. También le influyeron Walker Evans, Diego Rivera y Jean Charlot. No le gustó el resultado del trabajo de sus viajes, que consideró poco original y dirigió sus esfuerzos hacia un estilo realista que utilizaba para contribuir al diálogo social. Sus 23 pinturas gouache de los ensayos de Sacco y Vanzetti transmitían las preocupaciones políticas de aquel momento, rechazando las prescripciones académicas. La pasión de Sacco y de Vanzetti fue exhibida en 1932 y recibió la aclamación del público y de los críticos, dándole confianza para cultivar su estilo personal, sin importarle los estándares del arte de la sociedad. Afortunadamente, en 1935, fue recomendado por Walker Evans a Roy Stryker para formar parte del grupo fotográfico de la Farm Security Administration (FSA). Su retrato más conocido fue en 1965 de Martin Luther King, Jr, que apareció en la portada de Time. A pesar de su renombre cada vez mayor, aceptó solamente trabajos en los que sentía que había un valor social o personal. Galería Art as Activism: The Compelling Paintings of Ben Shahn
Cita John Vachon: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini, Jack Delano, Arnold Eagle, Walker Evans, Theo Jung, Russell Lee, Sol Libsohn, Carl Mydans, Gordon Parks, Martha McMillan Roberts, Edwin Rosskam, Louise Rosskam, Arthur Rothstein, Richard Saunders, Ben Shahn, John Vachon… John Vachon - Gran parte de la originalidad de Vachon radica en el uso del color durante parte de su trabajo. Aunque las imágenes de la FSA que han trascendido han sido siempre en blanco y negro, y se nos haga difícil separar los tonos grises de estas instantáneas, también las películas en color fueron utilizadas por alguno de estos fotógrafos. En aquellos tiempos el uso del color estaba restringido a la fotografía casera y comercial, y la fotografía documental que trataba con seres humanos y que quería llegar al corazón del espectador, estaba ligada de manera absoluta al blanco y negro. Seguramente por este motivo, ese trabajo en color fue poco difundido. También Vachon hizo uso, tanto en su trabajo en blanco y negro como en color, de una práctica innovadora de la composición y del encuadre que le aleja de sus compañeros, y le acerca al gusto de creadores más cercanos a nosotros en el tiempo. Gustaba de componer con grandes espacios dentro de las ciudades o sus periferias, mostrando las construcciones urbanas de la época, en unas imágenes, en las que, sin duda, podemos ver un antecedente del trabajo posterior de los llamados “nuevos topográficos”, como Stephen Shore o Lewis Baltz. En este sentido, es notable señalar como Vachon, más allá del fin propagandístico que tenía la empresa de la FSA, supo fijarse nuevos objetivos artísticos, seguramente no del gusto de Roy Striker, pero que sí le resultarían más estimulantes. No se limitaba a captar las condiciones míseras de la gente, si no que tenía mucho interés en reflejar también los entornos en los que se movía la población, ya fueran edificios, calles, carreteras o lugares de trabajo. Después de terminar el trabajo en la Farm Security Administration, Vachon formó parte de la revista Life, y, durante más de 20 años fue fotógrafo para otra de las grandes publicaciones ilustradas de la época, Look. Galería Video Galería
Cita Todd Webb: Nuestra curiosidad por Dorothea Lange nos llevaría hasta ello, hasta la FSA, y ésta nos llevaría a esta colección de nombres: Charlotte Brooks, Esther Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini, Jack Delano, Arnold Eagle, Walker Evans, Theo Jung, Russell Lee, Sol Libsohn, Carl Mydans, Gordon Parks, Martha McMillan Roberts, Edwin Rosskam, Louise Rosskam, Arthur Rothstein, Richard Saunders, Ben Shahn, John Vachon, Todd Webb Todd Webb - En 1937 visitó a un amigo en Panamá en busca de oro, pero tuvo poco éxito. Pero a Panamá se llevó una cámara fotográfica que le habían regalado en la Chrysler. A su vuelta a Detroit estudió en el Detroit Camera Club. En 1940, realizó un taller de diez días con Ansel Adams. En 1941, visitó el Rocky Mountain State Park con Harry Callahan, y se dio cuenta que le atraía más el paisaje urbano, y aunque Adams era para él una fuente de inspiración, no haría fotos como su maestro. Durante la Segunda Guerra Mundial, Webb fue un fotógrafo de la Marina de los Estados Unidos y estuvo en el teatro de operaciones del Pacífico Sur. En 1945, se trasladó a Nueva York y comenzó su carrera como fotógrafo profesional. Hizo amistad con Alfred Stieglitz y Georgia O'Keeffe, así como Beaumont Newhall, Berenice Abbott, Helen Levitt y Minor White. Comenzó un notable proyecto de andar por las calles de Nueva York con su cámara y su pesado trípode fotografiando a las personas y edificios que encontraba. En 1955, fue premiado con una beca Guggenheim Fellowship para registrar fotográficamente las rutas de los pioneros del oeste de los Estados Unidos. Armado con su pesada cámara, siguió los pasos de los pioneros de 1849 viajando a pie, en bicicleta, moto y bote desde Nueva York a San Francisco, durante 5 meses, haciendo unas 7.500 fotos, inmortalizando las rutas de los emigrantes, las ciudades fantasmas y las construcciones fronterizas del Oeste.
Fue contratado en 1957 por las Naciones Unidas para fotografiar su Asamblea General. También obtuvo un contrato para fotografiar el sur del Sahara en 1958. Web Galería Documental
2. VALORACIÓN PERSONAL “Es un cazador de mariposas y por tanto sólo caza mariposas. Tiene claro que si ve una libélula, va a ignorarla porque a él sólo le interesan las mariposas. Sabe que no se puede cazar todo ni de todo, que no se puede archivar todo, sabe que ni los mejores pueden. Es una persona realista y sabe que con su redil para mariposas no es posible cazar leones. Se ha preparado para ello, para cazar mariposas, no otros animales. Hablamos de una energía no dispersa, comprometida en una clara dirección.” Yo – Como bien dice, no se puede fotografiar todo ni de todo, no se puede abarcar todo tipo de estilos fotográficos, ni se puede ser bueno en todos, por eso hay que centrarse en el que se esté interesado e ir aprendiendo y mejorando día a día, para ser un gran fotógrafo en lo que más se esté interesado mostrar al espectador. “Nuestro cazador de mariposas, recorre su jardín, metro a metro, integrándose en él. Sin embargo, quien sólo ve lo de fuera mira el jardín desde su ventana, no baja a él, no se integra en él, lo percibe desde la distancia. Lo cierto es que la fotografía valora tanto el viaje interior como por nuevos espacios, hasta hacerlos indistinguibles.” Yo – Hay que estar en el lugar lo que se quiere fotografiar, hay que integrarse, por ejemplo, si quieres fotografiar un barrio, sus gentes y su modo de vida, tienes que hacer amigos y mezclarte entre esas personas, convivir con ellas día a día, entender lo que sucede y por qué de ciertas
actitudes y comportamientos. Solo desde dentro, viviéndolo, se puede entender y así poder mostrar en las fotografías lo que ocurre allí. “El mundo ya ha sido visto por activa y por pasiva, pero lo que aún no ha sido visto es su imagen en nuestras fotografías. A un buen fotógrafo no se le exige que desentrañe los grandes enigmas del universo, sino tan sólo que sus fotografías estén bien hechas, que no tengan trampas, que no osen intentar ir más lejos de lo que llega su mirada.” Yo – Sería erróneo pensar que vamos a encontrar algún lugar o rincón del mundo que no se haya visto ya antes o recorrido, pero si podemos mostrarlo desde nuestro punto de vista, como nosotros lo sentimos al verlo, que emociones nos trasmite y qué es lo mejor y lo peor de ese sitio, es lo que espera los que nos observan (a los fotógrafos) por nuestra parte. “Una fotografía no está acabada hasta que podamos tenerla presente en un papel. No debemos descuidar, subvalorar, el llamado oficio: el positivado de una fotografía no es un complemento, es también la fotografía. No hay buenas fotografías sin una buena plasmación, nuestras imágenes deben ser presentadas como los bombones en sus cajas.” Yo – La fotografía es una creación que tiene varias partes, no solo la del ver y apretar el botón de nuestra cámara, también a la hora del revelado, debemos hacerlo de forma que podamos trasmitir al resto eso que nos haya llamado la atención, ese sentir por por ejemplo una gama de colores, o crearla en blanco y negro porque nos hizo sentir tristes o era un panorama nostálgico o desolador. La fotografía no está acabada hasta que queda impresa.